Capita sempre più di frequente che attori e attrici del nostro cinema decidano di compiere il passaggio dietro la macchina da presa, che sia per dar vita ad una nuova carriera come registi o solo per provare anche fosse per una volta il brivido di dirigere un proprio film. È quanto capitato solo negli ultimi mesi a Micaela Ramazzotti con Felicità, Alessandro Roja con Con la grazia di un Dio e a Paola Cortellesi con C’è ancora domani, quest’ultimo presentato nella cornice della Festa del Cinema di Roma. In questa stessa occasione si può però assistere anche ad un’altro esordio alla regia: quello di Margherita Buy, che ha assunto tale ruolo per il film intitolato Volare.

Per dar vita ad un proprio film occorre avere qualcosa da dire, è la base, e questo qualcosa deve poter coinvolgere non solo chi lo dice ma anche chi ascolta. Di certo, Buy non ha dubbi su cosa dire, scegliendo infatti per questo suo esordio di parlarci di un qualcosa che la riguarda in prima persona: la paura di volare. La realizzazione del suo film diventa dunque un modo per esorcizzare (o quantomeno provarci) questa paura, scherzarci sù e cercare di intercettare quanti a loro volta ne sono affetti. Tuttavia, se pure l’argomento c’è, quel che in parte manca è invece uno sviluppo di esso tale da rendere insindacabile la volontà di parlarne.

La trama di Volare

Nel film Margherita Buy interpreta Annabì, un’attrice di successo che però, per sua sfortuna, soffre di aviofobia, ovvero la paura di volare. Proprio a causa di ciò, sono molte le occasioni lavorative di carattere internazionale che le sono sfuggite, l’ultima delle quali relativa ad un ruolo pronto per lei in Corea. Annabì, dunque, si vede costretta ad accettare continuamente parti in fiction televisive tanto longeve quanto scadenti, sviluppando però così continue nevrosi. Quando però sua figlia le annuncia che andrà a studiare in California, Annabì, desiderosa di accompagnarla, deciderà che è giunto il momento di sconfiggere tale fobia.

Parlare di ciò che si conosce

Per il suo film d’esordio, dunque, Buy sceglie di parlare di un qualcosa che conosce bene, il che è evidentemente positivo, perché – insieme agli sceneggiatori Doriana Leondeff e Antonio Leotti – può mettere in campo tutta una serie di elementi, dettagli e riflessioni proprie di chi soffre della paura di volare. Ciò porta dunque il film a sfoggiare una certa precisione nella trattazione di questo argomento, anche grazie ad un gruppo di comprimari variegati, ognuno dei quali (anche se con qualche stereotipo di troppo) porta avanti una specifica sfumatura di questa paura. Da questo punto di vista Volare funziona dunque bene, ma l’esordiente regista non si fa sfuggire l’occasione per introdurre anche altri aspetti della propria vita.

La prima mezz’ora di film, ad esempio, è una divertente presa in giro di sé stessa e del suo ambiente lavorativo. Andando dalla competizione tra attrici (dove ad interpretare la sua “rivale” ritroviamo una Elena Sofia Ricci che si presta con generosità al gioco) fino alla carenza di idee dell’industria, che continua ad esempio a proporre sempre nuove stagioni di fiction di dubbio valore, Volare riesce ad essere particolarmente divertente. In questa prima parte di film, infatti, non mancano battute semplici ma genuinamente divertenti, proposte con il giusto ritmo, come ad esempio la risposta che la protagonista dà alla figlia che le suggerisce di trovarsi un nuovo uomo da avere accanto: “ma no perché poverino”.

Buy costruisce dunque un inizio che fa ben sperare per il film, che tuttavia rallenta nel momento in cui ha inizio un corso di gruppo specificatamente pensato per aiutare a superare l’aviofobia. A partire da quel momento, e sostanzialmente per il resto del film, è sullo svolgersi di tale terapia collettiva che si articola il film, tra confessioni, esercizi per tranquillizzarsi e chiarimenti da parte degli esperti. Ecco allora che Volare sembra da qui in poi adagiarsi troppo su tali dinamiche, provando sì ad approfondire le vicende dei singoli personaggi ma senza aggiungere nulla di particolarmente significativo o interessante al racconto.

Vincere le proprie paure ridendone

Certo, l’obiettivo è chiaro: poter ridere ulteriormente, grazie a questo corso, delle paure che caratterizzano chi proprio non ne vuol sapere di volare, oppure chi vorrebbe riuscirci ma senza risultati. La risata come terapia, dunque, anche se appunto riesce a risultare molto più brillante in tal senso la prima parte di film. Questo perché molto più autoironica, a confronto invece con uno sviluppo che si dilunga talvolta in modo eccessivo su sottotrame che non vengono però poi portate a compimento, ma che anzi vedono un accumularsi di elementi che sottraggono tempo alla costruzione di un arco narrativo più completo per Annabì e il modo in cui riesce (o non riesce) a sconfiggere questa sua paura.

Volare è allora davvero da intendere come un film non tanto interessato a raccontare una storia (che è sostanzialmente quella di una donna che cerca di vincere le proprie paure e riprendere il controllo della propria vita) quanto far accomodare gli spettatori (meglio se aviofobici) accanto ai personaggi in questa seduta di gruppo e ridere con loro di questa paura. Se apprezzare o meno questa trattazione così statica del problema dipenderà dal proprio gusto, ma c’è il rischio per coloro che non sono vittime della medesima paura della protagonista, di perdere interesse e finire quindi con il ridere solo a metà.

Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – Verso l’allenamento dei Pilastri è un vero e proprio regalo per tutti i fans della serie omonima e tratta, a sua volta, dal manga di Koyoharu Gotōge. Un evento sul grande schermo, grazie a Crunchyroll, che ripete quello già fatto a Marzo 2023, quando in sala è stato proiettato l’anime precedente Demon Slayer: Kimetsu No Yaiba – Verso Il Villaggio Dei Forgiatori Di Katana. Questo nuovo capitolo cinematografico infatti  proietta prima il finale della terza stagione e poi rivelare l’anticipazione dell’inizio della quarta, in cui i Pilastri si uniscono per allenare i futuri cacciatori di demoni.

Demon Slayer: l’amore fraterno tra Tanjiro e Nezuko

I primi minuti del film d’animazione giapponese sono i riassunti musicati di rito delle precedenti stagioni, un modo anche per spiegare un po’ a chiunque, cosa racconta Demon Slayer. La storia è ambientata nel passato, in Giappone nei primi anni del 1900. Il protagonista è il giovane Tanjiro Kamado che vuole vendicare la sua famiglia sterminata e salvare la sorella minore Nezuko trasformata in un demone. Tuttavia, la ragazzina a differenza degli altri demoni, non è cattiva e agisce solo per proteggere il suo amato fratello maggiore.

Dopo l’intro ritroviamo Tanjiro nel bel mezzo di una difficile battaglia, in cui i suoi vari alleati hanno per una ragione o per l’altro dovuto farsi da parte. Intanto sta per sorgere il sole e questo crea il dubbio al protagonista che deve scegliere se combattere oppure proteggere la sorella indemoniata Nezuko, che rischierebbe di bruciare viva. Proprio quest’ultima prende in mano la situazione e si sacrifica. Il giovane sconvolto dalla scelta della sorellina, recupera tutte le forze, una nuova katana e distrugge definitivamente il malvaggio demone Hantengu, che prima di morire, rivede tutta la sua vita di quando era umano e un ladro.

Questa prima parte si conclude però con un colpo di scena in cui Nezuko è viva, al contrario di qualsiasi altro demone, perchè misteriosamente ha sviluppato una resistenza alla luce solare, creando una vera e propria immunità durante la battaglia contro Hantengu. Questo ovviamente non passerà inosservato neanche al nemico di Tanjiro cioè Kibutsuji Muzan. Il potente sovrano di tutti i demoni, che possiede l’abilità di iniettare alle sue vittime il suo sangue per trasformarle in demoni e ora dopo questa scoperta vuole assorbire il nuovo potere di Nezuko.

I Pilastri e la futura grande battaglia

La seconda parte di Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – Verso l’allenamento dei Pilastri riprende dal termine della battaglia vinta da Tanjiro, che sfinito, sviene e viene ricoverato. Qui si cambia subito location e vengono presentati un gruppo di personaggi, che ovviamente chi ha letto il manga o visto la serie conosce da tempo come i Pilastri.

Questi guerrieri con la katana, sono un team di formidabili spadaccini, ognuno con abilità particolari, che sono i potenti della Squadra degli Ammazzademoni. Nove demon slayer d’èlite di questa antica organizzazione formata da centinaia di cacciatori, un gruppo che protegge l’umanità dai demoni anche se non è stato ufficialmente riconosciuto dal governo giapponese. In sostanza i Pilastri di Demon Slayer sono un po’ il corrispondente delle guerriere sailor dell’indimenticabile serie animata Sailor Moon, anche lei tratta da un omonimo manga, visto che ogni componente possiede un potere tratto da un’elemento naturale come il vento, la nebbia, l’acqua o la fiamma.

Quello che segue poi è una semplice preparazione degli eventi che si racconteranno nella prossima stagione ossia l’allenamento, citato nel sottotitolo, a cui i Pilastri dovranno partecipare. Allenamento che non si mostra se non per alcune poche scene finali, tutte prive dei giovani personaggi principali, tipo Tanjiro ancora a letto impeganto solo a mangiare tipici piatti giapponese, ma solo con allievi sconosciuti e futuri cacciatori di demoni.

Demon Slayer – un film ancora solo per i fans

Purtroppo Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – Verso l’allenamento dei Pilastri, come già è successo con i film precedenti della saga, non si conclude con un vero finale. Inutile negare che questo titolo non è altro che la fusione di due episodi, che visti sul grande schermo sono visivamente ancora più belli, per prepararsi poi al lancio della quarta stagione dell’anime di Demon Slayer e basata sui capitoli 128–136 del manga. Uno degli aspetti più riuscito di questa versione cinematografica è la perfetta unione tra i momenti tragici che vengono alternati con la tipica comicità dei manga che smorza i toni e riprende quella che si vede nella serie non tradendo mai fans più fedeli.

Il cassetto segreto, diretto da Costanza Quatriglio, è un’opera documentaristica che fonde memoria personale e memoria collettiva in un intenso viaggio attraverso la storia e la cultura della Sicilia, dell’Italia e del mondo. Il film prende forma dall’imponente lavoro di catalogazione e donazione dell’archivio del padre della regista, Giuseppe Quatriglio, giornalista di fama storica e figura centrale nel panorama culturale siciliano.

Il cassetto segreto, la nascita del progetto

“La scoperta di oltre 60.000 negativi fotografici scattati da mio padre dal 1947 in poi, decine di bobine 8mm e centinaia di ore di registrazioni sonore, mi ha fatto comprendere che avevo la possibilità straordinaria di realizzare un film che ponesse al centro un intreccio di vicende e vite vissute che riverberano nella storia di noi tutti – ha dichiarato la regista Costanza Quatriglio – Così la casa dove sono cresciuta è divenuta il set per un racconto personale e articolato che si dipana dalle sue mura per abbracciare la Sicilia, l’Europa e il mondo, in un secolo di storia.”.

La Sicilia, il mondo, una casa, una biblioteca. Nel gennaio 2022 Costanza Quatriglio torna nella casa dov’è cresciuta, chiusa da tempo, e apre le porte ad archivisti e bibliotecari per donare alla Regione Sicilia l’universo di conoscenza appartenuto al padre giornalista. È la biblioteca e l’archivio di Giuseppe Quatriglio, firma storica del Giornale di Sicilia e di altre importanti testate, scrittore, saggista e amico di uomini di cultura del Novecento. Comincia così un viaggio sentimentale attraverso fotografie, bobine 8mm, registrazioni sonore realizzate dal padre dagli anni ‘40 in poi in Europa e nel mondo, e le riprese effettuate dalla regista tra il 2010 e il 2011 con lui quasi novantenne. La memoria personale e la memoria collettiva si mescolano in un fitto dialogo tra presenza e assenza, dove il punto di osservazione diventano Palermo e la Sicilia.

Aprire, sfogliare, catalogare, scoprire

Il documentario si apre con una registrazione del padre della regista che la apostrofa, fintamente risentito, dicendole che è andata ad aprire proprio “quei cassetti segreti”, ovvero quegli archivi personali che daranno poi inizio alla storia, che si rivelerà ricchissima, densa e soprattutto universale. All’inizio del racconto, Costanza/personaggio/voce narrante ritorna nella casa in cui è cresciuta, chiusa da tempo, per dare inizio al processo di donazione dell’archivio del padre alla Regione Sicilia. Il gesto di aprire, sfogliare, catalogare il lavoro di una vita di suo padre dà inizio a un viaggio sentimentale attraverso fotografie, registrazioni sonore, bobine 8mm e altre testimonianze del lavoro e della vita di Giuseppe Quatriglio. Attraverso questo viaggio, il film esplora non solo la vita del giornalista, ma anche la storia e la cultura della Sicilia, offrendo uno sguardo intimo e toccante sulla memoria collettiva dell’isola.

Uno degli strumenti più efficaci nelle mani di Quatriglio è senza dubbio il montaggio che utilizza con destrezza per creare un flusso narrativo coerente, accompagnando lo spettatore in un viaggio emotivo attraverso le varie tappe della vita e della carriera di Giuseppe Quatriglio. Il documentario offre infatti uno sguardo unico sulla storia del Novecento, dai momenti di gioia e di celebrazione ai periodi più bui e tumultuosi.

Un racconto personale che diventa universale

A questo aspetto, che mette in evidenza la componente pubblica e collettiva del racconto, la regista alterna l’auto-rappresentazione di sé nel gesto di aprire, sfogliare, ascoltare, guardare, leggere. Immersa nelle carte paterne, Quatriglio diventa Costanza che ascolta i suoi vagiti, guarda le sue foto, ricostruisce i momenti in cui lei, bimba, posava per i famosi artisti che frequentavano la sua casa.

In questo perfetto equilibrio tra le parti, Il cassetto segreto è sì un omaggio commovente a papà Giuseppe, ma anche una testimonianza dell’intellettuale Quatriglio e del suo lascito in termini di osservazione e contributo alla siciliana e italiana. Attraverso le parole e le immagini lasciate dall’uomo, il film celebra il suo spirito avventuroso, la sua passione per il giornalismo e la sua dedizione alla memoria e alla storia.

Dopo che la sua opera prima, Sole, ha debuttato in concorso nella sezione Orizzonti alla 76. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, Carlo Sironi torna sul grande schermo con Quell’estate con Irène, presentato alla 74° Berlinale. Si tratta di un’opera cinematografica che declina in una luce nuova un’intensa età di passaggio, dall’adolescenza all’età adulta, raccontando un’estate particolare, che potrebbe essere quella vissuta da ognuno di noi, ma che si arricchisce anche del racconto di una malattia, un destino segnato e ineluttabile.

Quell’estate con Irène, la trama

Ambientato nell’estate del 1997, il film offre uno sguardo delicato sul viaggio emotivo di due ragazze, Clara e Irène, che si incontrano durante una gita organizzata dall’ospedale che le sta curando. Pur provenendo da mondi diversi, le due ragazze sono unite, oltre che dal fatto di essere coetanee, dalla sfida comune di vivere con una malattia che getta un’ombra costante sulle loro vite.

In Quell’estate con Irène, Sironi dipinge un quadro sospeso eppure verosimile di questa insolita amicizia, focalizzandosi sui dettagli intimi e sui momenti rubati che definiscono la loro esperienza, momento quotidiani, piccoli gesti, piccole confessioni, abbracci, sorrisi. Il regista sceglie l’unità di misura del primo piano per catturare l’essenza di una giovinezza in bilico, vissuta con grande consapevolezza, una giovinezza doppiamente effimera per le giovani protagoniste, come le loro vite (una volta di più) e come la stagione stessa. Questo sentimento di precariato dell’esistenza non impedirà loro di affrontare piccole sfide con determinazione né di gioire delle scoperte del mondo. Semplicemente, per loro, la malinconia della fine dell’estate si carica di una malinconia di fine imminente.

La grande chimica tra le protagoniste

Noée Abita e Camilla Brandenburg (Skam 6), nelle loro interpretazioni rispettivamente di Irène e Clara, portano vita e profondità ai loro personaggi, trasmettendo la complessità dei loro sentimenti e il desiderio di libertà e normalità. Il regista indugia molto anche sui loro corpi, con affetto e tenerezza, esaltando questa fisicità esile, che spezza le promesse che dovrebbe poter fare una vita giovane. E la chimica tra le due attrici è palpabile, accentuata anche dalle differenze, di colori, di carattere, di approccio alla vita. Hanno in comune il desiderio di costruirsi per loro un’esperienza indimenticabile, un ricordo prezioso, sono assetate di tutta la vita che possono conquistarsi, senza guardare mai al futuro, ma sempre all’oggi.

Non solo per una componente linguistica, ma anche per scelte fotografiche e paesaggistiche, il cinema di Carlo Sironi e questo Quell’estate con Irène ricorda una certa cinematografia francese, Rohmer e Assayas, una componente che rende il film ancora più raffinato principalmente dal punto di vista della qualità visiva. Il suo sguardo si conferma unico, nitido, personale nel panorama italiano.

Quell’estate con Irène è una meditazione garbata e toccante sulla natura effimera del tempo e della vita, che si anima nei corpi e nelle menti di due giovanissime donne che cercano un tempo in cui non sentirsi provvisorie, nonostante tutto.