• Il film Il miglio verde, tratto da un romanzo di Stephen King, trae ispirazione dalle ingiustizie realmente subite dagli afroamericani nel XX secolo.
• Sebbene non sia una storia vera, il film mette in luce le lacune del sistema giudiziario nei casi di discriminazione razziale durante la Grande Depressione.
• Il caso di George Stinney, un ragazzo innocente di 14 anni giustiziato, presenta inquietanti somiglianze con la trama di John Coffey in Il miglio verde.

Se Il miglio verde sia basato su una storia vera è una questione complessa, poiché la storia dell’incarcerazione e dell’esecuzione di John Coffey, interpretato da Michael Clarke Duncan, presenta chiari elementi di fantasia, ma è anche in qualche modo radicata nella realtà. Il miglio verde è raccontato dal punto di vista di Paul Edgecomb (Tom Hanks), una guardia che lavora nel braccio della morte di un penitenziario della Louisiana, soprannominato “Il miglio verde”, quando arriva un detenuto di nome John Coffey. Sebbene innocente, Coffey era un uomo di colore che era stato condannato per lo stupro e l’omicidio di due giovani ragazze bianche.

Poiché Il miglio verde, basato su un libro di Stephen King, è ambientato nel sud degli Stati Uniti durante la Grande Depressione, è immediatamente chiaro che John Coffey non aveva alcuna possibilità di riconquistare la libertà. Molti elementi de Il miglio verde sono chiaramente fittizi, come la miracolosa capacità di guarigione di Coffey. Tuttavia, gli elementi più realistici sembrano stranamente reali. Anche se Il miglio verde non è una storia vera, il romanzo di Stephen King si ispira alla vita reale. Stephen King non si cimenta spesso in opere biografiche, ma ci sono prove sufficienti per suggerire che un particolare individuo abbia ispirato The Green Miles story.

La storia de Il miglio verde è vera? L’ispirazione nella vita reale di John Coffey

Ci sono diversi parallelismi con il caso di George Stinney

Poiché questo tipo di tragico e ingiusto deragliamento e privazione della vita è stato documentato in gran numero nel corso degli anni, sorge spontanea la domanda se Il miglio verde sia basato su una storia vera o meno. Tecnicamente, la risposta è “no”. Il film è un adattamento del romanzo di Stephen King del 1996 Il miglio verde. Detto questo, ci sono certamente forti parallelismi con il caso reale di George Stinney.

George Stinney era un ragazzo di 14 anni condannato per l’omicidio e la possibile violenza sessuale di due ragazze nel 1944.

George Stinney era un ragazzo di 14 anni condannato per l’omicidio e la possibile violenza sessuale di due ragazze nel 1944. Nonostante fosse minorenne, Stinney fu giustiziato sulla sedia elettrica lo stesso anno del suo arresto e processo, e la sua innocenza fu messa in discussione solo dopo troppi anni. Le circostanze dell’incarcerazione di Stinney sono incredibilmente simili alle ragioni per cui John Coffey è stato arrestato in Il miglio verde, ed entrambi, il personaggio di Stephen King e il minorenne realmente esistito, sono stati accusati ingiustamente e, tragicamente, giustiziati per crimini che non avevano commesso.

Ci sono ovviamente delle differenze tra John Coffey in Il miglio verde e George Stinney. La differenza più evidente è che John Coffey era un adulto, mentre George Stinney aveva solo 14 anni, un fatto che rende il suo caso ancora più straziante da considerare. Stinney era originario della Carolina del Sud invece che della Louisiana, e la trama del film è ambientata un decennio prima degli eventi del suo caso. Ma ci sono altre somiglianze tra lui e John Coffey.

Come nella storia di Il miglio verde, Stinney sembra essere stato innocente dei crimini di cui era accusato.

Come nella storia di John Coffey Il miglio verde, Stinney sembra essere stato innocente dei crimini di cui era accusato. Nel 2014, un giudice della corte d’appello della Carolina del Sud ha annullato la sua condanna passata, rendendo nullo il precedente verdetto di colpevolezza. È stato stabilito che i diritti di Stinney sanciti dal Sesto Emendamento erano stati violati e il giudice ha ritenuto probabile che la confessione del ragazzo fosse stata estorta, il che avrebbe dovuto renderla inammissibile in tribunale. Come John Coffey in Il miglio verde, George Stinney non ha mai avuto alcuna possibilità: una giuria composta esclusivamente da bianchi ha deciso il suo destino e il suo cosiddetto avvocato difensore non gli ha fornito quasi alcuna difesa.

Il miglio verde è basato su un libro di Stephen King ispirato a una storia vera

Il romanzo Il miglio verde non è una biografia, ma si ispira alla vita reale

Pur non essendo una storia vera, Il miglio verde è basato sull’omonimo romanzo di Stephen King. Il cuore e la trama del libro rimangono intatti nell’adattamento cinematografico. Tuttavia, sono state apportate alcune modifiche per evitare che il film risultasse “troppo triste” (se così si può dire). Il finale del libro Il miglio verde è in realtà più deprimente. Dopo la morte di Elaine, i lettori vengono a conoscenza del fatto che la moglie di Paul, Jan, è morta tra le sue braccia dopo un tragico incidente d’autobus. Questo colpo finale non è presente nel film, poiché avrebbe solo provocato più lacrime del necessario.

Il film punta il dito contro i sistemi legali nei casi di discriminazione razziale di quel periodo, fornendo un’istantanea delle numerose ingiustizie subite dagli afroamericani durante il XX secolo e, purtroppo, ancora oggi.

Un altro personaggio che muore nel libro (di nuovo) è il topolino Mr. Jingles, che muore poco prima di Elaine. Infine, uno dei cattivi più efferati del romanzo non compare nell’adattamento cinematografico di The Green Mile. Il personaggio di Brad Dolan è un assistente della casa di cura, che condivide molte caratteristiche con la guardia Percy. Si scaglia spesso contro l’anziano Paul e, per fortuna, è stato tagliato dal film.

Sebbene Il miglio verde non sia basato su una storia vera, sia il libro che il film raccontano un piccolo frammento delle ben documentate mancanze delle forze dell’ordine statunitensi. Inoltre, punta il dito contro i sistemi legali nei casi di discriminazione razziale durante questo periodo, dando un assaggio delle molte ingiustizie subite dai neri americani durante il XX secolo e, purtroppo, ancora oggi.

Il personaggio interpretato da Adam Sandler in Mia moglie per finta (qui la recensione) alla fine conquista la ragazza, anche se non quella che inizialmente desiderava. La commedia romantica del 2011 vede Sandler nei panni di Danny, un chirurgo plastico il cui cuore è stato spezzato quando ha scoperto che la sua fidanzata lo tradiva il giorno del loro matrimonio. Ha annullato tutto, ma questo alla fine lo ha portato a rendersi conto che indossare una fede nuziale e fingere di essere intrappolato in un matrimonio orribile rendeva più facile rimorchiare le ragazze. Danny ha così usato questo metodo per decenni fino a quando non ha incontrato la molto più giovane Palmer (Brooklyn Decker) e se n’è innamorato.

Dopo aver trascorso una notte fantastica con Palmer sulla spiaggia, Danny le ha confessato la serietà dei suoi sentimenti. Tuttavia, quando Palmer ha trovato la finta fede nuziale di Danny nella tasca dei suoi pantaloni, le cose sono rapidamente andate in pezzi. In preda al panico, Danny ha detto a Palmer che era sposato ma che stava divorziando. Quando Palmer ha chiesto delle prove, è iniziato il grande inganno, per cui Danny ha convinto la sua assistente Katherine (Jennifer Aniston) e i suoi figli a fingersi la sua finta famiglia in vacanza alle Hawaii, tutto per coprire la sua bugia. Tuttavia, le cose non sono andate come si aspettava.

Perché Danny ha scelto Katherine invece di Palmer

Una volta che Palmer si è convinta che Katherine fosse l’ex moglie di Danny, Devlin, era pronta a sposarsi. Tuttavia, a questo punto, Danny aveva già iniziato ad avere dei ripensamenti. Lui e Katherine avevano trascorso una serata insieme fingendo di essere marito e moglie per il bene della vecchia rivale del college di Katherine, la vera Devlin, e si erano divertiti molto. L’intesa era palpabile e i due sono arrivati persino a sfiorarsi in un bacio. Tuttavia, proprio mentre Danny stava per andare nella stanza di Katherine per confessarle i suoi sentimenti, Palmer è tornata in hotel e si è intromessa.

A differenza della maggior parte delle commedie romantiche, la ragazza “sbagliata” in Mia moglie per finta non era una persona orribile. Palmer era sinceramente dolce e gentile, anche se un po’ troppo giovane e ingenua. Questo mette Danny in una posizione difficile. Si era convinto di voler stare con Palmer e aveva fatto di tutto per realizzare il suo desiderio. Tuttavia, Danny si rese conto che Katherine era la persona con cui poteva essere se stesso. Non doveva inventare una bugia complessa perché lei lo accettasse. Così, alla fine, Danny annullò il matrimonio con Palmer e finì per sposare Katherine.

L’inganno completo di Danny e Katherine

Il punto focale di questo film di Adam Sandler è il complesso inganno che Danny e Katherine hanno costruito. Danny non poteva ammettere a Palmer che usava una fede nuziale falsa per rimorchiare le ragazze, e Palmer si rifiutava di uscire con lui a meno che non fosse certa che non fosse più sposato. Così, Danny ha fatto vestire Katherine e le ha chiesto di fingere di essere la sua ex moglie Devlin, che prendeva il nome dalla donna con cui Katherine era stata amica-nemica al college. Katherine e Palmer avrebbero dovuto incontrarsi solo una volta, ma quando l’assistente di Danny ha risposto senza pensarci a una telefonata di sua figlia, la bugia è stata costretta a crescere.

Dato che Danny e “Devlin” ora avevano dei figli insieme, non era più una semplice questione di Katherine che fingeva di essere sua moglie e poi scompariva. Dopo la vacanza alle Hawaii, Danny avrebbe dovuto fingere che la sua famiglia, più Eddie di Nick Swardson, fosse morta in un incidente. Era quasi troppo per Katherine, ma cambiò idea quando incontrò la vera Devlin (Nicole Kidman) alle Hawaii. Non volendo ammettere di essere una madre single divorziata, Katherine finse che Danny fosse suo marito. La bugia si raddoppiò e tutti furono costretti ad assecondarla.

Le confessioni finali di Katherine e Devlin

La grande bugia che Katherine e Danny avevano costruito è venuta alla luce durante la conversazione mattutina della prima con Devlin. Katherine aveva mentito a questa donna sin dai tempi del college perché le due erano molto competitive l’una con l’altra. Tuttavia, il dolore per il matrimonio di Danny con Palmer ha spinto Katherine a essere onesta con la sua vecchia nemica per la prima volta. Ha detto a Devlin che lei e Danny non erano realmente sposati e ha anche confessato di non aver avuto una media dei voti così alta al college come aveva affermato in passato. Katherine ha anche detto a Devlin che per anni aveva detto ai suoi figli di chiamare la loro cacca con il nome di quella donna.

La confessione di Katherine è andata sorprendentemente bene e Devlin ha finito per confessare alcuni suoi segreti. Ha ammesso che suo marito, interpretato da Dave Matthews, era in realtà gay, che stavano divorziando e che lui, in realtà, non aveva inventato l’iPod. Rendersi conto che entrambe erano state inutilmente competitive e ingannevoli fu estremamente catartico per Katherine e Devlin. Tuttavia, la conseguenza più importante di quel momento fu che Danny aveva sentito Katherine ammettere i suoi veri sentimenti per lui, e questo permise alla coppia di commedia romantica di Mia moglie per finta di essere onesta l’una con l’altra.

Il cameo di Andy Roddick e il colpo di scena nella storia d’amore con Palmer

In Mia moglie per finta non vediamo il momento in cui Danny dice a Palmer che non la sposerà, ma lei sembra averla presa bene. Danny ha detto a Katherine che Palmer ha portato subito i bambini a mangiare un gelato, quindi si presume che la dolce donna abbia capito perfettamente che Danny non aveva ancora superato la fine della sua relazione con la ex moglie. Alla fine del film, la voce fuori campo di Sandler spiega che Palmer ha incontrato sul volo di ritorno un tennista professionista che era un fan degli NSYNC proprio come lei. La scena che accompagna la voce fuori campo rivela che si trattava nientemeno che del tennista professionista Andy Roddick.

Anny Roddick è effettivamente il marito dell’attrice Brooklyn Decker, quindi la sua apparizione in Mia moglie per finta è stata un divertente riferimento alla relazione della coppia. Questo funziona perfettamente anche per il personaggio di Decker, dato che Palmer non è mai stata una persona maliziosa o antipatica. Meritava l’amore e non meritava davvero tutte le bugie e le manipolazioni in cui era stata inconsapevolmente coinvolta. Per fortuna, il film ha fatto sì che anche Palmer avesse il suo lieto fine.

Che fine fanno i personaggi di Mia moglie per finta

Il finale di Mia moglie per finta ha poi rivelato che tutti hanno avuto un lieto fine. Sembrava che Katherine e Danny avessero continuato la loro vacanza per un po’, dove Michael (Griffin Cluck) ha realizzato il suo desiderio di nuotare con i delfini (cosa che era in grado di fare poiché Danny gli aveva insegnato a nuotare all’inizio del film). È stato anche rivelato che Maggie (interpretata da Bailee Madison) ha realizzato il suo desiderio di seguire un corso di recitazione di tre settimane (con il vero Dolph Lundgren).

Katherine e Danny alla fine si sono sposati e le scene finali di Mia moglie per finta mostrano tutti, compresi i membri della famiglia di Danny che la sua ex fidanzata aveva deriso, ballare felici al ricevimento. Nei momenti finali, la voce fuori campo di Sandler osserva che, d’ora in poi, quando parlerà della sua moglie, non dovrà più dire tutte le cose orribili che diceva prima. Finalmente potrà essere onesto con se stesso e con gli altri riguardo alla sua vita e alla persona che ama.

Ispirato al popolare libro omonimo dell’autore di best seller James Patterson, Nella morsa del ragno (Along Came a Spider): segna la seconda apparizione di Morgan Freeman nei panni di Alex Cross, che abbiamo incontrato per la prima volta sul grande schermo nel thriller neo-noir del 1997 “Kiss the Girls”. Cross è uno psicologo forense che lavora come detective presso il dipartimento di polizia di Washington, D.C. e si è guadagnato una notevole reputazione per le sue capacità deduttive e il suo approccio psicologico alla risoluzione dei crimini.

Freeman interpreta il personaggio con tale dignità e intelligente retrospettiva che la sua sola performance è sufficiente a tenere il pubblico incollato allo schermo per tutta la durata del film. Diretto da Lee Tamahori (“Mulholland Falls”, “The Edge”), il film differisce parecchio dal materiale originale, ma la sceneggiatura di Marc Moss contiene molti elementi di mistero. SPOILER IN ARRIVO!

La trama di Nella morsa del ragno (Along Came a Spider)

Nelle scene iniziali del film, il partner di Cross viene ucciso quando un’operazione sotto copertura va terribilmente storta. Sentendosi responsabile, Cross lascia la polizia. Passano diversi mesi prima che Megan Rose (Mika Boorem), la figlia di un senatore degli Stati Uniti, venga rapita dalla sua scuola dal suo insegnante di informatica, Gary Soneji (Michael Wincott). Il rapitore chiama poi Cross e lo sfida a tornare in servizio. Lascia anche una delle scarpe di Megan nella cassetta della posta di Cross, in modo che sia facile per lui avvicinare i genitori di Megan e accedere alle indagini.

Mentre Cross si occupa del caso, instaura un rapporto di mentore-allieva con l’agente dei servizi segreti Jezzie Flannigan (Monica Potter), che faceva parte della scorta di Megan e sembra incolpare se stessa per il rapimento. Scoprono che Soneji indossava pesanti protesi mentre insegnava a scuola e che ora è irriconoscibile. Scoprono anche che le sue azioni sono state motivate dal rapimento Lindbergh e che sta perseguendo la stessa notorietà dell’autore del caso. Cross e Flannigan corrono contro il tempo per salvare Megan prima che sia troppo tardi.

Il finale di Nella morsa del ragno (Along Came a Spider)

Soneji riceve il soprannome di “Spider” perché ha aspettato pazientemente per anni prima di colpire e rapire Megan. Sebbene Cross e gli altri pensino che non abbia intenzione di fare del male a Megan durante la sua prigionia, sanno che più tempo lei rimane con lui, più la situazione diventa pericolosa per lei.

Soneji tiene Megan rinchiusa nella sua barca mentre si diverte a giocare al gatto e al topo con Cross. Non mostra alcun rispetto per la vita umana. Uccide un uomo dopo che Megan è fuggita gettandosi nel fiume e cerca di attirare l’attenzione dell’uomo. Approfitta anche di questo momento per avvertire Megan. Anche se lui non le farà del male fisicamente, altri subiranno le conseguenze delle sue azioni.

Il vero obiettivo

Soneji è un assassino psicopatico e un rapitore ossessionato dalla fama. Aspira a diventare famoso come Bruno Hauptmann, l’uomo che rapì il figlio dell’aviatore Lindbergh e che in seguito causò la sua morte. Negli anni ’30, Lindbergh era una grande celebrità, poiché aveva il primato di aver compiuto il primo volo transatlantico in solitaria nel 1927. Il rapimento di suo figlio fu definito dai media dell’epoca “il crimine del secolo”. Soneji vuole replicare questo evento. Tuttavia, Cross si rende conto, con l’aiuto di Flannigan, che il padre di Megan non è un obiettivo abbastanza importante da consentire a Soneji di raggiungere il suo scopo.

La vera vittima designata di Soneji è Dimitri Starodubov (Anton Yelchin), figlio del presidente della Russia, che è stato anche uno degli studenti di Soneji. Soneji finge di essere Megan nella loro chat personale e lo attira fuori dall’ambasciata russa. Lo avrebbe rapito anche lui se non fosse stato per Cross e Flannigan. Quando torna sulla sua barca, è allo stremo delle forze. Prende la pistola e va nella cabina dove tiene Megan, presumibilmente per ucciderla, ma scopre che è scomparsa.

Il riscatto

Cross non sospetta che ci sia un piano più profondo fino a più avanti nel film. Dopo il rapimento fallito, arriva una richiesta di riscatto apparentemente da parte di Soneji, che chiede 10 milioni di dollari in diamanti. In una sequenza emozionante che porta Cross in giro per tutta la città, il denaro viene consegnato al presunto rapitore. Cross aveva capito correttamente Soneji in precedenza, quando aveva concluso che non era interessato al denaro. Questo improvviso cambiamento di comportamento lo sorprende. Soneji, disperato, irrompe nella casa di Flannigan e la rende inoffensiva con un taser per poter finalmente avere un faccia a faccia con Cross. Il detective menziona intenzionalmente un importo di riscatto errato per valutare la sua reazione.

Non ricevendo alcuna risposta, capisce che Soneji non sa nulla della richiesta di riscatto e di ciò che è successo dopo. Il rapitore cerca di prendere Flannigan in ostaggio, ma lei lo pugnala alla gamba prima che Cross gli spari con la pistola turca di suo padre. Con la morte di Soneji, il caso sembra giungere a una conclusione, poiché lui è l’unica persona che sa dove si trova Megan. Ma Cross sospetta che qualcuno abbia usato Soneji per i propri interessi. Come osserva in seguito Flannigan, Cross uccide Soneji solo dopo aver scoperto che non ha più Megan.

Si scopre che il collega di Flannigan, Ben Devine (Billy Burke), ha preso Megan dalla barca del rapitore e la tiene attualmente in una fattoria isolata. Tuttavia, non è lui la mente dietro l’elaborato piano di usare sia Soneji che Cross per ottenere l’enorme riscatto, ma Flannigan. Quando lei arriva, lo rimprovera per non aver ancora ucciso Megan. In seguito gli spara alla testa dopo aver freddamente dedotto che Cross ha probabilmente capito la sua colpevolezza. Quello che lei non prende in considerazione è che lui potrebbe scoprire anche il suo coinvolgimento. Cross è solo un passo indietro rispetto al pubblico nella scoperta dei veri colpevoli.

Viene a sapere che Devine e Flannigan avrebbero potuto impedire a Soneji di lasciare la scuola, ma non l’hanno fatto. Torna a casa di Flannigan e accede al suo computer personale usando come password “Aces&Eight” (la mano di poker con cui suo padre ha vinto la pistola turca) e vede tutte le informazioni che lei ha raccolto su di lui, Soneji, Megan e persino Dimitri. Scopre anche dove si trova Megan. Tornata alla fattoria, Flannigan cerca di convincere Megan che è lì per salvarla. Ma Megan, ragazza intelligente e intuitiva com’è, non si fida di lei.

Quando Flannigan inizia a sparare, Megan riesce in qualche modo a fuggire dalla stanza. È allora che arriva Cross e punta la pistola contro Flannigan. Lei cerca di giocare un’ultima carta tirando in ballo il suo partner morto, ma Cross, impassibile, le ricorda che lei non è sua partner. Rendendosi conto che per lei è finita, Flannigan, in lacrime, cerca di sparare a Cross, ma viene uccisa. Lui si avvicina quindi a Megan e le promette di riport

Uscito nel 1990 con la regia di Penny Marshall, Risvegli (Awakenings) è uno dei film più commoventi e intensi interpretati da Robin Williams e Robert De Niro. La pellicola racconta la straordinaria vicenda di un gruppo di pazienti catatonici risvegliati temporaneamente grazie a un nuovo trattamento farmacologico, offrendo loro la possibilità di vivere, anche solo per un breve periodo, un ritorno alla vita.

Il film è universalmente considerato un classico del cinema drammatico, capace di unire rigore medico e sensibilità umana. Ma una delle domande più frequenti tra spettatori e cinefili riguarda le sue origini: Risvegli è basato su una storia vera? La risposta è sì.

Il libro di Oliver Sacks

La sceneggiatura di Steven Zaillian si ispira direttamente al libro Awakenings (1973) del neurologo britannico Oliver Sacks. Nel volume, lo scienziato racconta la propria esperienza al Beth Abraham Hospital del Bronx alla fine degli anni ’60, dove seguì un gruppo di pazienti sopravvissuti all’encefalite letargica, un’epidemia che aveva colpito negli anni ’20.

Questi pazienti, rimasti per decenni intrappolati in una condizione simile al parkinsonismo estremo, apparivano immobili e silenziosi, ma conservavano coscienza. Sacks decise di sperimentare l’uso della L-Dopa, un farmaco all’epoca usato per il morbo di Parkinson. I risultati furono sorprendenti: alcuni pazienti si “risvegliarono” dopo decenni, tornando a parlare, muoversi, ridere, riconoscere i propri cari.

Tuttavia, l’effetto non fu permanente. Col tempo, gli effetti collaterali e l’adattamento del corpo al farmaco portarono a una nuova regressione. Il libro di Sacks è un racconto scientifico ma anche profondamente umano: non solo osservazioni cliniche, ma riflessioni sulla dignità, sull’identità e sul valore del tempo.

Dal memoir al grande schermo

Il film di Penny Marshall prende spunto dal libro ma costruisce una narrazione più concentrata e drammatica. Il personaggio del medico Malcolm Sayer, interpretato da Robin Williams, è ispirato allo stesso Sacks, sebbene reso più timido e introverso per accentuare il contrasto tra la sua vita privata e la passione per i pazienti.

Il paziente principale, Leonard Lowe (Robert De Niro), è basato su diversi casi reali raccontati da Sacks, in particolare quello di Leonard L., un uomo realmente seguito dal neurologo. La pellicola unisce quindi varie esperienze cliniche in un’unica vicenda simbolica, così da concentrare l’impatto emotivo sul pubblico.

Molti dettagli sono rimasti fedeli alla realtà: l’uso della L-Dopa, il risveglio improvviso dopo decenni di immobilità, l’euforia dei primi giorni, gli effetti collaterali e il ritorno graduale allo stato catatonico. Altri elementi, come la relazione tra Leonard e Paula, sono invece invenzioni narrative per sottolineare i temi del desiderio, dell’autonomia e della vita negata dal tempo.

Una storia di ricerca e umanità

La forza di Risvegli non risiede solo nella sua base scientifica, ma nella capacità di trasformare una vicenda clinica in una riflessione universale. La domanda che attraversa il film è semplice e sconvolgente: cosa significa davvero vivere?

Per i pazienti del Bronx, il “risveglio” non è solo un esperimento farmacologico, ma l’occasione di riaffermare la propria identità. Hanno perso decenni della loro vita, ma anche poche settimane di coscienza diventano preziose. Nel film, Leonard si confronta con desideri rimasti in sospeso: l’amore, l’indipendenza, la possibilità di decidere del proprio destino.

Il dottor Sayer, alter ego di Sacks, attraversa a sua volta un risveglio interiore. La vicenda lo spinge a uscire dal guscio di scienziato solitario e a riscoprire l’importanza delle relazioni umane. È questo doppio livello – medico e personale – che rende la storia tanto potente.

Il significato di un “miracolo temporaneo”

Il finale del film, fedele allo spirito del libro, non offre un lieto fine classico. I pazienti tornano progressivamente al loro stato iniziale, ma il tempo trascorso da svegli lascia un’impronta indelebile su chi li ha visti vivere di nuovo.

Oliver Sacks sottolineava che, pur nella brevità, quei momenti avevano avuto un valore inestimabile: “Il dono di qualche settimana o mese di vita non è meno importante di un dono più lungo”. La pellicola raccoglie questa lezione, rifiutando la retorica del “miracolo” e scegliendo di mostrare la dignità della fragilità.

Risvegli (Awakenings) è dunque un film basato su una storia vera, che parte dall’esperienza clinica di Oliver Sacks per costruire una narrazione universale sul dolore, sulla speranza e sulla necessità di riconoscere l’umanità nascosta dietro ogni malattia.

Il successo del film – tre candidature agli Oscar e l’ammirazione di critica e pubblico – dimostra che la combinazione di scienza e empatia può trasformarsi in grande cinema. Ancora oggi, a oltre trent’anni dall’uscita, Risvegli resta una testimonianza commovente del potere della cura, anche quando non porta guarigione definitiva.

Risvegli (Awakenings) è un dramma biografico del 1990 diretto da Penny Marshall, con Robin Williams e Robert De Niro, ispirato al libro-inchiesta di Oliver Sacks. Racconta la breve, intensa “rinascita” di pazienti catatonici grazie alla L-Dopa e ciò che quel miracolo temporaneo lascia a medici, familiari e agli stessi malati.

Negli Stati Uniti di fine anni ’60, il timido neurologo Malcolm Sayer (Robin Williams) accetta un posto in un ospedale pubblico del Bronx popolato da sopravvissuti all’encefalite letargica rimasti da decenni in uno stato di immobilità apparente. Sayer, più abituato alla ricerca di laboratorio che ai pazienti, intuisce che dietro quei corpi “spenti” c’è ancora coscienza.

Basato sul memoir Awakenings (1973) del neurologo Oliver Sacks, il film ottenne tre candidature all’Oscar (Miglior Film, Attore protagonista a Robert De Niro, Sceneggiatura non originale). È un’opera che combina rigore clinico e umanità, sostenuta da due interpretazioni memorabili.

Cosa succede nel film Risvegli (Awakenings)

Arrivato al Bainbridge Hospital, Sayer comincia a osservare i pazienti “statue”: non reagiscono al dialogo, ma rispondono a stimoli specifici (una palla lanciata, righe in movimento, musica). Intuisce che non sono “assenti”, bensì imprigionati in un parkinsonismo post-encefalitico.

Venuto a conoscenza dei risultati della L-Dopa nel Parkinson, ottiene con fatica fondi per una sperimentazione. Sceglie come primo caso Leonard Lowe (Robert De Niro), ammalatosi da adolescente e divenuto catatonico da anni. Dopo un avvio prudente, la dose giusta produce l’“impossibile”: Leonard si risveglia. Muove gli occhi, parla, cammina. Davanti allo stupore dello staff, Sayer estende la terapia agli altri pazienti e il reparto si anima: chi scrive, chi balla, chi telefona ai parenti dopo decenni.

Leonard assapora la vita sospesa nel tempo: i rapporti con la madre iperprotettiva, l’amicizia con Sayer e la tenera frequentazione con Paula (Penelope Ann Miller), giovane che viene a trovare il padre in reparto. Ma la L-Dopa rivela presto il suo lato oscuro: tolleranza, discinesie, tic, agitazione. Per mantenere l’effetto, Sayer aumenta i dosaggi, innescando un circolo di alti e bassi sempre più rapidi.

Consapevole del limite, Leonard chiede che la sua esperienza sia filmata “perché serva a qualcuno”. Prova a guadagnarsi autonomia (uscire da solo, ballare con Paula), ma i tremori e l’irrequietezza lo travolgono. Nonostante i tentativi di modulare la cura, i sintomi rimbalzano fino a riportarlo, lentamente, alla rigidità. Anche gli altri pazienti regrediscono: i “risvegli” erano reali, ma temporanei.

I temi del film

La coscienza intrappolata. Il film rende visibile l’idea che dentro il “paziente cronico” resti un sé integro, solo imprigionato. Il dettaglio clinico (gli stimoli, i riflessi, la finestra farmacologica) diventa metafora: la mente c’è, chiede di essere “raggiunta” con pazienza e inventiva.

Il tempo rubato e restituito. Leonard vive una mezza età concentrata in poche settimane: desideri, pudori, prime volte. Il suo risveglio non è solo clinico; è la ripresa di un cammino interrotto. L’opera interroga il valore delle esperienze brevi ma piene: vale la pena vivere un dono destinato a finire? La risposta è nel modo in cui quel tempo cambia tutti.

Etica della cura e relazione medico-paziente. Sayer non insegue la “cura” come trofeo, ma l’accesso alla persona. Il consenso, la gestione del rischio, il confronto con i familiari (la madre di Leonard) mettono in scena l’etica concreta della medicina: decidere insieme, documentare, accettare i limiti senza rinunciare alla dignità dell’oggi.

Il finale di Risvegli (Awakenings) spiegato

Quando la L-Dopa non regge più, Leonard chiede a Sayer di continuare a “vederlo” anche nella ricaduta: non vuole tornare un caso clinico, ma restare una persona. Le crisi motorie e l’iperattività lasciano spazio a una nuova rigidità; Leonard, con enorme sforzo, prova ancora a parlare, a scrivere, a fissare chi ama. È un congedo consapevole. La sua storia non viene “undo”, ma sedimenta negli altri come memoria e responsabilità.

Sul piano simbolico, l’“awakenings” più profondo è quello di Sayer: il medico schivo e ascetico capisce che la vita non può restare in laboratorio. Nell’ultima parte lo vediamo cambiare postura: si concede di prendere la mano dell’infermiera Eleanor (Julie Kavner), di uscire, di “stare” con gli altri. Ha imparato dai suoi pazienti che il nutrimento essenziale sono lavoro, gioco, amicizia, famiglia: la relazione, non solo la cura.

Il film non indulge nel cinismo (“tutto è stato inutile”) né nella favola (“torneranno tutti come prima”). Sceglie una terza via: ammettere il limite farmacologico e, insieme, affermare che quelle settimane hanno avuto un senso pieno. I pazienti hanno riso, camminato, telefonato; i familiari li hanno riabbracciati; i medici hanno visto oltre la diagnosi. La ricerca continua – su dosi, protocolli, alternative – ma l’eredità immediata è umana: la conferma che, oltre la chimica, c’è una comunità che può accogliere il dolore senza negarlo.

Per questo Risvegli commuove ancora: non celebra un miracolo mancato, ma l’etica dell’attenzione. Ci ricorda che “risvegliarsi” non significa guarire per sempre; significa, anche solo per un tempo breve, essere visti, chiamati per nome, ricollocati nel mondo. E che, qualche volta, sono i medici e i caregiver a destarsi, cambiando per sempre il modo in cui guardano i loro pazienti — e la propria vita.

La doppia vita di Madeleine Collins (qui la nostra recensione) è un film del 2021 diretto da Antoine Barraud che si muove tra dramma psicologico e thriller intimo, costruendo una narrazione tesa e avvolgente attorno a una donna divisa tra due esistenze parallele. La protagonista, interpretata da Virginie Efira, conduce una vita apparentemente normale, ma nasconde un segreto che lentamente si riflette sulle sue relazioni e sulla sua identità. Il film si distingue per il modo in cui intreccia suspense e introspezione, portando lo spettatore in un viaggio emotivo che si addentra nel cuore della menzogna e del desiderio.

Il genere a cui appartiene è quello del dramma psicologico con sfumature da thriller, un terreno in cui il cinema francese ha saputo muoversi con grande efficacia. Barraud, attraverso una regia sobria ma incisiva, ricorda atmosfere tipiche del cinema di autori come Claude Chabrol o François Ozon, ma anche di film internazionali che esplorano la costruzione e la dissoluzione dell’identità, come Gone Girl di David Fincher. La tensione non nasce da scene d’azione, ma dall’ambiguità del quotidiano, dalle scelte che la protagonista compie e dalle conseguenze inevitabili che ne derivano.

Temi come la doppiezza, la fragilità dei legami familiari, l’inganno e la ricerca di sé sono al centro di una trama che mette in discussione l’idea stessa di verità e di autenticità. La doppia vita di Madeleine Collins non è solo il ritratto di una donna divisa tra due mondi, ma una riflessione universale sulla difficoltà di conciliare desideri personali e responsabilità verso gli altri. Nel resto dell’articolo, ci concentreremo sul finale del film, analizzandone il significato e cercando di spiegare quali risposte – e quali nuove domande – lascia nello spettatore.

La trama di La doppia vita di Madeleine Collins

Il film racconta la storia di Judith (Virginie Efira), una donna che conduce una doppia vita: in Svizzera è la compagna di Abdel (Quim Gutiérrez), da cui ha avuto una figlia; in Francia, invece, vive con Melvil (Bruno Salomone), con cui ha avuto due figli. Questo precario equilibrio che Judith mantiene in piedi, grazie a bugie e segreti, inizierà a sgretolarsi pericolosamente, rischiando di mandare in frantumi entrambe le sue vite. Trovandosi all’angolo e apparentemente senza vie di uscita, la donna decide di darsi alla fuga, finendo in una spirale vertiginosa da cui è impossibile tornare indietro.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto del film, il fragile equilibrio che Judith era riuscita a mantenere tra le sue due vite si sgretola in modo definitivo. I sospetti dei figli e l’imprevisto incontro con i genitori di Abdel spingono la protagonista in una spirale di tensione sempre più incontrollabile. La fuga improvvisa in auto, l’arresto e la scoperta della sua falsa identità da parte della polizia segnano un punto di non ritorno: Judith è costretta a confrontarsi con il peso delle sue menzogne, mentre emerge chiaramente la verità sulla morte della sorella Margot e sulla scelta di appropriarsi della sua identità per crescere la piccola Ninon.

Da quel momento, la vita di Judith va in pezzi. Perde il lavoro, decide di separarsi dal marito Melvil e affronta lo scontro più doloroso: quello con Abdel e con Ninon, la bambina che l’ha sempre creduta sua madre. La discussione violenta con Abdel e il rifiuto di Ninon, che inizia a ripetere che lei non è la sua vera madre, rappresentano la definitiva caduta del suo doppio inganno. Judith, spezzata, confessa la verità e riporta la bambina da Abdel, prima di allontanarsi per sempre. L’ultimo atto la vede ricevere da Kurt una nuova identità: quella di Madeleine Collins, segno che la fuga e la reinvenzione di sé sembrano per lei l’unica via possibile.

Il finale, in questo senso, lascia lo spettatore sospeso tra realtà e illusione. Judith, che ha vissuto divisa tra due vite, sceglie ancora una volta di cancellarsi e di rinascere sotto un nuovo nome. È un epilogo che non offre catarsi né redenzione: piuttosto, sottolinea il carattere irrisolto e tragico della protagonista, incapace di affrontare le conseguenze delle proprie scelte se non inventando un’ennesima maschera. La trasformazione in Madeleine Collins non appare come una liberazione, ma come l’ennesima fuga da se stessa.

Allo stesso tempo, il film apre la porta a interpretazioni più simboliche. Alcuni spettatori hanno letto l’ultima scena come la rappresentazione di un ciclo senza fine, dove l’identità diventa un abito da indossare e da cambiare secondo necessità, ma mai da abitare davvero. Judith diventa così una figura emblematica della società contemporanea, dove il desiderio di essere “tutto” – madre, moglie, amante, professionista – rischia di tradursi in una perdita totale di sé. La sua metamorfosi finale non è tanto una scelta consapevole, quanto l’espressione della sua incapacità di trovare un nucleo autentico.

La doppia vita di Madeleine Collins, nel suo epilogo, ci lascia con un messaggio amaro: la verità, per quanto dolorosa, è l’unico terreno su cui costruire relazioni autentiche. L’inganno, anche quando nasce dall’amore o dal desiderio di proteggere, non può che condurre alla frattura e alla solitudine. Antoine Barraud firma un film che non cerca facili risposte ma che, con il suo finale enigmatico e disturbante, invita lo spettatore a riflettere sulla fragilità dell’identità e sul prezzo delle menzogne che scegliamo di raccontare a noi stessi e agli altri.

Lo chef Julian Slowik proietta la sua rabbia e la sua frustrazione sugli ignari ospiti attraverso i suoi piatti in The Menu, ma fa una sorprendente eccezione quando serve con amore un cheeseburger a Margot. Ma andiamo con ordine. Ogni portata del film è stata preparata da Slowik e dal suo staff di cucina all’Hawthorne e mentre le prime tre portate e i relativi monologhi suscitano sospetti tra gli ospiti, la quarta instilla panico e paura quando un sous chef si spara davanti alla clientela d’élite. Con ciò che segue, Slowik semina il caos all’Hawthorne rivelando il suo sinistro piano omicida per la serata.

Si scopre infattiche lo chef Slowik ce l’ha con l’intero settore della ristorazione di lusso e con chiunque ne faccia parte, che si tratti di critici gastronomici o di ricconi che non capiscono nulla di cibo e vogliono solo quella foto da postare su Instagram. Slowik intende ucciderli tutti. Ma proprio quando sembra che ogni speranza sia perduta, Margot gli chiede un cheeseburger, che non è nel menu. Lo chef Julian acconsente alla richiesta di Margot preparando il cheeseburger e aspettando poi con ansia il giudizio della ragazza. Slowik permette a quel punto a Margot di andarsene prima di dare fuoco al locale, lasciando intendere che c’è un significato particolare in quel cheeseburger, molto più di quanto si potrebbe credere.

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Il significato del cheeseburger per lo chef

Quando Margot irrompe nella stanza privata di Julian, trova un premio come Impiegato del mese del suo primo lavoro all’Hamburger Howie’s. Nella foto sul trofeo, Julian è quasi irriconoscibile, con un sorriso piacevole e l’atteggiamento di un uomo allegro e spensierato. Il trofeo diventa l’ultimo tassello del puzzle che circonda le motivazioni di Slowik, poiché rivela che lo chef ha avuto umili origini nel mondo culinario. Nel corso del tempo, il personaggio di Ralph Fiennes in The Menu è cresciuto sempre più come chef e alla fine si è guadagnato l’opportunità di cucinare per le élite.

Tuttavia, quella che era iniziata come una ricerca appassionata e soddisfacente di preparare hamburger per i clienti dell’Hamburger Howie’s ha preso una piega sinistra quando ha iniziato a cucinare per i ricchi. Slowik lo mette in luce nel film, rivelando come i suoi clienti d’élite non sappiano nulla di cibo e siano all’Hawthorne solo per vantarsi del loro status sociale. Mentre Richard e sua moglie mangiano lì solo perché non hanno niente di meglio da fare con i loro soldi, Lilian fa metafore insensate sul cibo, ma si preoccupa poco del sostentamento dei lavoratori del settore.

Bryce e i suoi amici finanzieri non sanno nulla di arte culinaria, ma hanno l’audacia di minacciare Slowik. La star del cinema John Leguizamo, d’altra parte, diventa solo un frustrante riflesso dell’incapacità di Slowik di rimanere fedele alla sua arte. Peggio ancora, Tyler si rivela un foodie egocentrico dei social media che sminuisce il cibo dello chef elencando ogni ingrediente senza comprendere lo sforzo che c’è dietro la sua preparazione. Margot alla fine si trova d’accordo con lo chef e si rende conto che lui desidera ardentemente la gratificazione dei primi tempi della sua carriera culinaria.

Margot collega quindi i puntini e chiede il cheeseburger perché capisce che ricorderebbe a Slowik il periodo in cui amava sinceramente cucinare. Come previsto, Slowik mette tutto il suo cuore e la sua anima nella preparazione del cheeseburger, poiché lo vede come un’opportunità per riscattarsi e rimediare ai piatti privi di passione che ha preparato per la classe alta. Quando Margot assaggia l’hamburger e lo apprezza, lo chef si sente orgoglioso e soddisfatto perché capisce che lei non è come gli altri che mangiano e lodano il suo cibo solo per convenienza.

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Perché lo chef lascia andare Margot dopo il cheeseburger

Chiedendo invece il cheeseburger con patatine fritte, Margot dimostra che il suo rapporto con il cibo non ha secondi fini e che desidera solo un pasto sostanzioso che soddisfi la sua fame. Questo fa sì che lei si distingua dagli ospiti dell’alta società dell’Hawthorne e dà allo chef Julian la soddisfazione che desidera. Di conseguenza, Julian non può fare a meno di trattare Margot come una cliente abituale, come quelle che frequentavano l’Hamburger Howie’s ai suoi tempi, e le permette di andarsene quando lei chiede di poter portare via il resto del suo hamburger.

Cosa significa l’ultima scena di The Menu

Uno dei motivi per cui Margot si identifica con le difficoltà di Julian verso la fine di The Menu è che anche lei lavora nel settore dei servizi. Proprio come Julian, sembra svolgere il suo lavoro solo perché viene pagata per farlo, ma non ne è soddisfatta. Analogamente allo chef, anche Margot si sente tradita quando si rende conto che Tyler ha abusato del suo servizio di accompagnatrice non dicendole che sarebbe morta accompagnandolo a Hawthorne. Lei e Julian diventano semplici vittime dei ricchi, che danno per scontati i loro servizi senza mai dare nulla in cambio.

Chiedendo il cheeseburger, Margot riscopre l’aspetto del dare e avere di ogni servizio e aiuta Julian a fare lo stesso. L’ultima scena di The Menu cattura questo concetto mostrando come il personaggio di Anya Taylor-Joy assapori ogni boccone del cheeseburger mentre guarda Hawthorne bruciare in rovina. Margot, come Julian, attinge a un sentimento dimenticato di appagamento nella scena finale e l’hamburger lo simboleggia.

Ci sono teorie azzardate sul cheeseburger di The Menu

Sebbene la richiesta di Margot abbia portato alla sua fuga, ciò non ha impedito ai fan di creare teorie azzardate sul finale di The Menu. Una teoria suggerisce che il cheeseburger sia fatto di carne umana, il che aggiungerebbe un interessante elemento horror al film. Prima dell’uscita del film, si ipotizzava che avrebbe trattato il tema del cannibalismo, dati i suoi chiari riferimenti all’uccisione dei ricchi e il fatto che fosse pubblicizzato come un thriller satirico sulla cucina raffinata. Purtroppo, non ci sono prove evidenti che l’hamburger sia fatto di carne umana.

Tuttavia, una teoria ha effettivamente un certo fondamento, poiché alcuni hanno sostenuto che lo chef Slowik abbia usato il cheeseburger per avvelenare Margot. Mentre Margot e Slowik legavano, lei ha anche costantemente interrotto il suo piano molto specifico e ucciso la sua sous chef, Elsa, quindi è improbabile che Slowik le permettesse semplicemente di andarsene. All’inizio, Elsa rivela che se la carne di manzo di 152 giorni fosse stata lasciata un giorno in più, chi l’avesse mangiata sarebbe stato avvelenato dai batteri e sarebbe morto rapidamente. Slowik avrebbe potuto usare carne di manzo di 153 giorni per il cheeseburger, uccidendo Margot. Anche in questo caso, però, non ci sono prove evidenti a riguardo.

Il finale di Retribution spiega un importante colpo di scena che avrebbe dovuto sorprendere gli spettatori, ma la conclusione del recente thriller di Liam Neeson è stata sorprendentemente prevedibile. Terzo remake del film spagnolo di successo del 2015 El desconocido, Retribution di Nimrod Antal vede Neeson nei panni di un banchiere la cui vita viene sconvolta durante il tragitto verso la scuola con i suoi figli. Dopo essere salito in macchina, Matt Turner ignora i figli mentre conclude un importante accordo di lavoro con il suo collega Anders. Matt termina la telefonata e un secondo telefono misterioso inizia a squillare.

Matt risponde alla chiamata e una voce distorta lo avverte che sotto il suo sedile c’è una bomba. Nella trama di Retribution, Matt deve seguire i comandi del suo aguzzino per evitare che la sua auto e i suoi occupanti vengano fatti a pezzi se cerca di lasciare il veicolo. Quello che segue potrebbe essere un mix tra Speed e Crank, ma la trama rimane convenzionale e banale. Anche il collega di Matt, Sylvain, viene preso di mira, dimostrando così che questa situazione non è uno scherzo elaborato, e Matt viene infine costretto a incontrare Anders.

Come Anders ha simulato la propria morte in Retribution

Anders, interpretato da Matthew Modine, è stato il secondo collega coinvolto nel losco piano del cattivo. L’antagonista ha detto a Matt di sparare ad Anders, ma l’eroico personaggio interpretato da Neeson non è riuscito a farlo. A causa della sua indecisione, il killer ha eliminato ogni possibilità di scelta facendo esplodere l’auto di Anders. Con un colpo di scena, il finale di Retribution ha però spiegato che Anders è il vero cattivo. Inscenando un’esplosione che non lo ha ucciso, Anders ha evitato il raggio d’azione della bomba e allo stesso tempo ha convinto Matt che l’assassino al telefono faceva sul serio.

Anders usa la sua finta morte per costringere Matt a seguire le sue richieste, tra cui il trasferimento di una notevole somma di denaro su un conto bancario offshore. Anders spera di iniziare una nuova vita dopo aver usato Matt per portare a termine la sua rapina potenzialmente letale. Matt ha però altri piani. Quando una barricata della polizia ferma la sua auto, convince gli agenti che sta seguendo le istruzioni di un cattivo invisibile. Una volta che la polizia ha portato in salvo i suoi figli dall’auto, Matt li semina e si incontra con Anders. Con l’uomo finalmente nella sua macchina, Matt guida fuori da un ponte mentre esce dal veicolo, attivando così la bomba.

Matt sopravvive all’esplosione nel finale

La maggior parte dei personaggi di Retribution sopravvive all’azione del film, anche se Anders muore nella seconda esplosione culminante. Matt, tuttavia, emerge dal fiume dove si è schiantato con la sua auto. Quando esce dall’acqua, diventa chiaro che la polizia sa che è innocente e che Anders lo ha usato come pedina. Questo non spiega come Matt sapesse che sarebbe sopravvissuto all’esplosione. Sopravvive come Anders, allontanandosi dal raggio dell’esplosione (nuotando più in profondità nel fiume sotto il ponte). Matt non sa che questo funzionerà, ma è disposto a sacrificarsi.

Il vero motivo per cui Anders ha preso di mira Matt

All’inizio della storia di Retribution, sembra che il lavoro di Matt come banchiere abbia un legame con il suo aguzzino. In effetti, gli spettatori più attenti potrebbero aver supposto che il cattivo avesse preso di mira una figura moralmente ambigua come Matt, proprio come i cattivi assassini di Saw prendono di mira agenti assicurativi, banchieri corrotti e altri professionisti inaffidabili. Tuttavia, anche il cattivo di questo film è un banchiere e la sua motivazione è meno complessa dal punto di vista morale. Anders e Matt sono gli unici banchieri autorizzati ad accedere a un conto bancario offshore segreto e a trasferirvi denaro.

Tuttavia, per farlo devono autorizzare insieme i trasferimenti su questo conto. Anders ha bisogno di fingere la sua morte e mettere in atto questo piano elaborato ed esplosivo per poter rubare il denaro. Sebbene sembri improbabile che un banchiere faccia fatica a sottrarre fondi con un metodo più semplice, questa è l’unica ragione che Anders offre per incastrare Matt in Retribution. È difficile capire come il personaggio pensi di poterla fare franca, dato che la polizia non penserebbe che Matt abbia fatto esplodere la sua auto dopo aver rubato i soldi.

Come Zach ed Emily sono scappati

Nei primi due terzi della storia di Retribution, la posta in gioco rimane alta per Matt, che guida con i suoi due figli, Zach ed Emily, sul sedile posteriore dell’auto. I due passano molto tempo a rifiutarsi di credere che l’auto sia stata sabotata con un ordigno esplosivo, anche molto tempo dopo che il padre si è abituato a questa scioccante realtà. Fortunatamente, alla fine i bambini si rendono conto della gravità della situazione. Vengono salvati quando Matt guida dritto contro una barricata della polizia alla fine di un lungo tunnel.

La polizia aiuta Zach ed Emily a uscire dall’auto e si offre di disinnescare la bomba e salvare Matt se lui si costituisce. Tuttavia, Matt se ne va per riabilitare il proprio nome una volta che i suoi figli sono fuori pericolo. Matt, infatti, non vuole che il suo aggressore invisibile la faccia franca e lo tormenti di nuovo. Non sa ancora che Anders è il cattivo, ma se fosse stato in grado di identificarlo come il suo aggressore, avrebbe potuto uscire dall’auto e risparmiarsi alcune ferite lasciando che se ne occupasse la polizia.

Il vero significato del finale di Retribution

Il finale di Retribution fatica in realtà a trovare un messaggio profondo tra l’azione mozzafiato e le scene di inseguimento frenetiche del film. Si potrebbe sostenere che Anders rappresenti i peggiori eccessi dell’industria finanziaria contemporanea, con il cattivo spietato che tenta di uccidere per denaro. Tuttavia, Matt ha lavorato a stretto contatto con Anders per anni ed è ritratto come un eroe. Questa spiegazione è complicata. In definitiva, il finale di Retribution spiega che Matt deve passare meno tempo al telefono e più tempo con la sua famiglia.

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