La Sony Pictures continua a fare
affari con Sydney Sweeney: l’attrice di successo
tornerà a collaborare con lei per un nuovo remake del film di
fantascienza Barbarella del
1968. I dettagli sul film, basato
sull’omonimo fumetto francese, sono ancora scarsi. Tuttavia, lo
scrittore Blake Northcott, che sta scrivendo una
nuova serie di fumetti di Barbarella, ha recentemente
fornito qualche informazione in più sul film e su come l’imminente
adattamento potrebbe combinarsi con i fumetti a cui sta
lavorando.
“Non riesco a immaginare nessun
altro se non Sydney in questo ruolo. Ha dimostrato di saper essere
drammatica, ma non credo che molte persone si siano rese conto di
quanto fosse divertente fino a quando Tutti Tranne
te non è stato un grande successo mondiale”, ha
dichiarato Northcott a ComicBook.com, riferendosi alla commedia romantica della
Sony del 2023 di cui Sweeney è stato protagonista.
“È la Barbarella perfetta e, mentre
scrivo la serie, Sydney è sempre il mio modello – proprio come
Ryan Reynolds è diventato l’ispirazione per i
fumetti di Deadpool in molti modi,
o come
Robert Downey Jr. incarna Iron Man. Una volta che
immagini Sydney in quel ruolo, non puoi più farne a meno”. Quando
gli è stato chiesto della trama del film, Northcott ha
aggiunto:
“Non sono sicuro di poter dire
molto sulla sceneggiatura del film, o su quale materiale potrebbe
essere basato, ma c’è sicuramente la possibilità di una sinergia
una volta che saremo più a valle.Se la trama del film si
baserà su Barb e Vix che devono combattere per uscire dal Pianeta
V, allora avrete la vostra risposta!Chiunque finisca per
scrivere il film di Barbarella , sono sicuro che farà un
lavoro straordinario”.
Barbarella è arrivata per la
prima volta sugli schermi nel 1968
Basato sull’omonimo fumetto di
Jean-Claude Forest, il film originale di
Barbarella uscì nel 1968 con Jane
Fonda nel ruolo principale. In quel film, come nei
fumetti, Barbarella era un’avventuriera spaziale del 41° secolo
inviata a trovare e fermare uno scienziato malvagio, Durand Durand,
che aveva creato un’arma chiamata Raggio Positronico per
distruggere la razza umana. Sia il film che il fumetto sono
diventati famigerati per l’uso gratuito del sex appeal, anche se
resta da vedere se il nuovo adattamento prenderà una strada simile
con Sweeney, che si è legato al progetto per la prima volta
nel 2022.
Mentre altri adattamenti non sono
riusciti a decollare, il film di Sweeney ha un attore importante
alle spalle: Edgar Wright è in trattative per dirigere il
progetto. Wright, noto per il suo stile cinematografico
appariscente, l’uso attento della musica e i toni visivi, ha già
collaborato con la Sony per il suo film di successo
Baby Driver.Honey Ross e
Jane Goldman avrebbero scritto la sceneggiatura
del film; quest’ultima è nota per il suo lavoro d’azione, avendo
lavorato alle sceneggiature dei film degli
X-Men e del franchise Kingsman. Sweeney è stato
anche informato di essere il produttore esecutivo del film. Non è
stata annunciata alcuna data di uscita per Barbarella.
Una delle cose più impressionanti
di Beetlejuice, nel 1988, è stato
il modo in cui Tim Burton e il suo team sono riusciti
a giocare con le nostre nozioni di ciò che è possibile fare al
cinema attraverso il trucco e gli effetti pratici. Più di 30
anni dopo, Burton ha deciso di rimanere fedele alle sue radici
utilizzando un’abbondanza di effetti pratici in Beetlejuice
Beetlejuice. Durante le interviste
con Collider,
i membri del cast Winona Ryder (Stranger
Things) e Justin Theroux (The Mosquito Coast)
hanno parlato di come questa decisione abbia influenzato la
produzione.
Theroux ha parlato di quanto sia
impressionante che Burton sia in grado di realizzare un
progetto così ambizioso e di quanto sia necessario
per tutti coloro che sono coinvolti per portarlo in vita. L’attore
ha anche sottolineato una delle creazioni di pupazzi che lo
ha colpito di più e come i dettagli lo abbiano colpito. Ha
dichiarato a Collider:
“Penso che la cosa incredibile
degli effetti di questo film sia che solo una persona come Tim può
avere tutto questo a portata di mano a questo punto della sua
carriera, perché devi assemblare… È quasi come se dovessi
avere un cervello che deve avere accordi collegati con il cervello
di tutti gli altri in modo che tutti pensino esattamente
negli stessi termini.La cosa che mi ha colpito di più è
stato il bambino, Bob – tutti i Bob – tutti i restringitori di
testa, e la marionetta coinvolta in questo e la meccanica coinvolta
in questo.Ogni singola testa di Bob poteva fare delle
espressioni, i loro occhi ovviamente potevano muoversi, e tutto
questo è stato montato sopra un interprete acrobatico.Se si trattasse di un regista meno bravo, credo che
staresti lì tutto il giorno a cercare di farlo
bene”.
Gli effetti pratici di
Beetlejuice Beetlejuice sono “strabilianti”, dice Winona
Ryder
Inoltre, la Ryder ha sottolineato
come l ‘ingegneria degli effetti pratici si sia evoluta
negli ultimi trent’anni. L’attore ha commentato che nel 1988
l’imbracatura che ha usato in una particolare scena di
galleggiamento “era molto vecchia e non aiutava la circolazione del
corpo”. In Beetlejuice Beetlejuice, invece, definisce gli
effetti pratici “strabilianti”. Ha spiegato:
“Nel primo, ho fatto la
fluttuazione.Ricordo che indossavo un’imbracatura
che era stata indossata da Debbie Reynolds e che tutti quelli che
l’avevano indossata avevano firmato, ma era molto vecchia
e non aiutava la circolazione del corpo.[Ma sembrava molto
selvaggio e divertente.Non mi è mai capitato di entrare
nell’aldilà, ma questa volta l’ho fatto ed è stato incredibile.Voglio dire, strabiliante.E sapere che ci sono persone
sotto tutte queste cose è un sogno.Al giorno d’oggi tutto è
in CGI, e poi con l’IA, quindi vedere che questo può
accadere e funziona, e può sembrare così bello e miracoloso e
strano e unico.Voglio dire, bisogna avere questi
burattinai incredibilmente talentuosi.È
stimolante”.
Beetlejuice
Beetlejuice riunirà la famiglia Deetz dopo
che la tragedia ha colpito e il portale dell’aldilà si è aperto
ancora una volta. Michael Keaton (The Flash)
riprende il ruolo del protagonista e nel cast figurano anche
Jenna Ortega (Wednesday),
Catherine O’Hara (Schitt’s Creek),
Willem Dafoe (Kinds of
Kindness), Monica Bellucci (Mafia
Mamma) e Danny DeVito (It’s Always
Sunny in Philadelphia).
I fan del popolarissimo manga e
anime Naruto sono cautamente
ottimisti riguardo all’adattamento live-action del franchise,
attualmente in fase di sviluppo. Da un lato, c’è una lunga lista di
tentativi deludenti di portare in vita proprietà anime attraverso
il live-action. D’altro canto, però, il recente adattamento di
One
Piece da parte di Netflix ha
dimostrato ai fan che il medium può essere tradotto con successo
in live-action, e a scrivere e dirigere Naruto c’è
Destin Daniel Cretton, un regista con una
storia di film ben fatti che mettono al centro la complessità
emotiva.
Il regista ha anche assicurato agli
spettatori di essere in grado di gestire la grande azione con
Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci
Anelli del MCU. Ora, la scrittrice della
prima sceneggiatura del film, Tasha Huo, ha
fornito un aggiornamento sul progetto e le sue idee su ciò che
Cretton porterà al film.
In una recente intervista con
Entertainment Weekly, la Huo ha rivelato che il
suo lavoro sulla sceneggiatura “è terminato” e che il progetto è
stato affidato a Cretton, che “ora sta facendo le sue cose”. Huo è
attualmente impegnata come showrunner della prossima serie
animata di NetflixTomb Raider:The
Legend of Lara Croft, e sente fortemente che
Naruto è in buone mani con Cretton al timone, dicendo:
“Penso che sia una scelta
davvero azzeccata perché sarà in grado di catturare quanto Naruto
sia ricco di sfumature e speciale senza farsi distrarre dal grande
mondo che è, cosa che penso potrebbe facilmente essere fatta da
qualcuno che non è un fan o da qualcuno che viene per un guadagno
in denaro.Questo è sicuramente un film che nasce dall’amore
per Naruto, per il personaggio e per le sue relazioni”.
Naruto in versione live ha
l’approvazione di Masashi Kishimoto
I fan e i collaboratori non sono
gli unici ad essere entusiasti del coinvolgimento di Cretton; lo è
anche il creatore stesso di Naruto, Masashi
Kishimoto. Dopo l’annuncio di Cretton come sceneggiatore e
regista del film live-action, Kishimoto ha dichiarato a
Entertainment Weekly:
“Quando ho saputo dell’ingaggio
di Destin, è successo subito dopo aver visto un suo film d’azione
di successo, e ho pensato che sarebbe stato il regista perfetto per
Naruto.Dopo aver apprezzato gli altri suoi film e
aver capito che il suo forte è creare solidi drammi sulle persone,
mi sono convinto che non c’era altro regista per [ Naruto
].Incontrando Destin, l’ho trovato un regista aperto,
disposto ad accogliere i miei suggerimenti, e ho sentito che
saremmo stati in grado di collaborare insieme nel processo di
produzione”.
L’approvazione di Kishimoto è di per sé un ottimo segno, ma
sembra che anche lui avrà un certo grado di influenza sul film, il
che dovrebbe tranquillizzare i fan scettici.
Oltre a Shang-Chi, i film
precedenti di Cretton includono Just
Mercy, Il castello di
vetro e Short Term
12. Ognuno di questi film è incentrato sulla
profondità emotiva e sulla sicurezza. Ognuno di questi film si
concentra sulla profondità emotiva e sul racconto di storie
incentrate sui personaggi, con interpretazioni straordinarie da
parte del cast. Se c’è un regista in grado di realizzare un
adattamento live-action di Naruto, una storia che include
i temi dell’appartenenza e della famiglia ritrovata accanto a
battaglie ninja più grandi della vita, quello è Destin
Daniel Cretton.
Sembra che i fan della Marvel non abbiano ancora visto per
l’ultima volta la Laura/X-23 di Dafne Keen. Si dice infatti che i Marvel
Studios riporteranno l’amata mutante per altri due film del Marvel
Cinematic Universe dopo la sua apparizione in Deadpool &
Wolverine. Secondo l’insider Alex Perez
di
The Cosmic Circus, X-23 “tornerà per i film degli
Avengers”, il che significa che la figlia adottiva del
Wolverine di Hugh Jackman farà parte sia di Avengers:
Doomsday e Avengers:
Secret Wars.
L’epopea crossover in due parti che
unirà gli eroi del MCU contro il Dottor Destino di Robert Downey Jr. è attualmente prevista nelle
sale rispettivamente il 1° maggio 2026 e il 7 maggio 2027. In
precedenza, la Keen aveva espresso il suo interesse a tornare nel
MCU nel ruolo di X-23, dichiarando all’inizio di questo mese che
riteneva che avessero “solo scalfito la superficie con lei,
dato che è un personaggio così complesso”.
Keen ha interpretato per la prima
volta Laura Kinney/X-23 nel film del 2017 sugli X-Men, Logan
– The Wolverine, ricevendo ampi consensi per la sua
interpretazione della giovane mutante. Prima che la Disney
acquisisse la 20th Century Fox, si pensava che l’attrice sarebbe
tornata a vestire i panni di X-23 per un film da solista, ma i
piani sono stati accantonati quando i Marvel Studios hanno ripreso
il controllo degli X-Men. Se i nuovi rumor si rivelassero veri,
potremmo ora aspettarci di rivederla ancora in tali vesti.
Dafne Keen è X-23 in Deadpool & Wolverine
In quali altri progetti ha recitato
Dafne Keen?
Negli anni trascorsi tra Logan
– The Wolverine e Deadpool & Wolverine, Dafne Keen ha interpretato la protagonista
Lyra Belacqua nell’adattamento a serie di BBC One e HBO di His
Dark Materials di Philip Pullman, il personaggio ricorrente di
Ana “Ani” Cruz Oliver nella serie The Refugees del 2015 e
la protagonista Ana nel film Ana del 2020. Ha anche
interpretato la giovane padawan Jecki Lon nella serie di Star
Wars The Acolyte, cancellata all’inizio di questa
settimana a causa dei bassi ascolti.
La sceneggiatura e lo stato delle
riprese di The
Batman – Parte 2 hanno ricevuto alcuni importanti
aggiornamenti, che gettano nuova luce sull’attesissimo sequel DC.
Dopo il grande successo ottenuto nel 2022 con il film The
Batman, Matt Reeves si prepara a continuare
il suo franchise basato su Elseworlds con la storia di The
Batman – Parte 2. Tuttavia, dato che di recente
l’attenzione si è concentrata sull’imminente spinoff The
Penguin, le notizie sul sequel non sono state così
frequenti.
Tuttavia, The
Batman – Parte 2 è sempre più vicino a diventare
realtà: Screen Rant ha recentemente
parlato con lo sceneggiatore di The BatmanMattson
Tomlin per la sua nuova serie, Terminator Zero,
chiedendogli se potesse finalmente fornire un aggiornamento.
Tomlin, che sta scrivendo anche la sceneggiatura di The
Batman – Parte 2 insieme a Reeves, ha dichiarato che
le riprese si svolgeranno l’anno prossimo e ha elogiato il regista
per aver voluto assicurarsi di avere il tempo necessario per
sviluppare il sequel, condividendo quanto segue:
“Si girerà l’anno prossimo. Ci
stiamo preparando e devo dire che il livello non potrebbe essere
più alto. È il sequel del primo. Ma anche Matt [Reeves] non è da
meno. Nei cinque anni in cui ho lavorato con lui così da vicino, ho
cercato di assorbire da lui quanto più umanamente possibile, e sono
così grato per il tempo che ho potuto trascorrere con lui, perché è
un vero artista che opera in un mondo in cui a volte l’arte non
riesce a fiorire, e sta cercando di realizzare qualcosa di
veramente importante. Quindi, poter partecipare a questo viaggio e
far parte di questo processo è davvero incredibile e straordinario.
Sono entusiasta del film”.
Tutto quello che sappiamo su The
Batman – Parte 2
Come già sottolineato, The
Batman – Parte 2 ha dovuto fare i conti con una serie
di indiscrezioni sulla produzione. Di recente, Jame Gunn è dovuto intervenire per smentire le
voci secondo cui Boyd Holbrook sarebbe stato scritturato per
interpretare Harvey Dent/Due Facce. L’inizio delle riprese del
sequel era previsto per il novembre 2023, con un’uscita prevista
per l’ottobre 2025. Tuttavia, in seguito agli scioperi della WGA e
della SAG-AFTRA del 2023, The
Batman – Parte 2 è stato rinviato all’ottobre 2026. Le
riprese del sequel inizieranno alla fine di quest’anno.
Reeves spera che il suo prossimo
film su Batman abbia lo stesso successo del primo. The
Batman del 2022 ha avuto un’ottima performance al
botteghino, incassando oltre 772 milioni di dollari in tutto il
mondo e ottenendo un ampio consenso da parte della critica. Queste
recensioni entusiastiche sono state portate avanti nella stagione
dei premi, visto che il film ha ottenuto quattro nomination agli
Oscar. Nel frattempo, Reeves è intenzionato a espandere la serie
DC Elseworlds, dato che la serie spin-off di
Batman, Il Pinguino, con Colin Farrell nei panni del boss della mafia,
è prossima all’uscita. Con Farrell che ha annunciato una serie
molto violenta, The
Penguin debutterà su Max a settembre.
“C’è stato un solo Blade e
nessun altro lo interpreterà mai”. E se fosse proprio così?
Anche se si è trattato più di un ruolo secondario che di un
“cameo”, probabilmente la più grande apparizione a sorpresa –
almeno per coloro che non hanno seguito le voci a riguardo –
in Deadpool &
Wolverine è stata quella di Wesley Snipes che ha fatto il suo atteso
ritorno nei panni di Blade. La star Ryan Reynolds ha già detto chiaramente che gli
piacerebbe vedere un “commiato simile a quello di Logan”
per il personaggio di Snipes, e ha continuato la sua campagna per
il ritorno dell’attore sui social media condividendo
alcune nuove foto del Daywalker.
“La reazione quando
@realwesleysnipes entra nel film è la cosa più intensa che abbia
mai sentito in un cinema. La gente che urla di gioia e amore
disinibito è anche il suono di un’eredità. Più Blade per
favore”. Per quanto ne sappiamo, Mahershala Ali è ancora destinato a prendere
il posto di Blade nel prossimo film dei Marvel Studios, ma si sussurra che
la risposta al ritorno di Snipes possa aver portato ad alcune
conversazioni sulla possibilità di abbandonare il travagliato
reboot, che è stato afflitto da problemi di produzione sin da
quando è stato annunciato per la prima volta più di quattro anni
fa.
Tra tutti i film tratti da fumetti
che non hanno visto la luce nel corso degli anni, Justice
League Mortal di George Miller rimane il
più discusso. Il progetto del regista di Mad Max:
Fury Road e Furiosa sull’iconico super-team della DC Comics era
molto vicino alle riprese dopo aver messo insieme un cast che
comprendeva D.J. Cotrona nel ruolo di Superman,
Armie Hammer
in quello di Batman e Megan Gale in quello di Wonder Woman.
Il progetto era già in fase di
pre-produzione quando la spina è stata staccata a causa dello
sciopero degli sceneggiatori, e nel corso degli anni sono circolate
online numerosi concept art e foto del dietro le quinte di bassa
qualità. Ora, Ryan Unicomb – che era a capo del
documentario sulla Justice League Mortal, ora
anch’esso cancellato – ha condiviso quello che potrebbe essere il
nostro sguardo più chiaro su uno degli attori in costume
completo.
Lo scomparso attore australiano
Hugh Keays-Byrne, che ha
interpretato Immortan Joe in Fury Road, era stato
scritturato per il ruolo di J’onn J’onzz nel film,
e questi scatti rivelano come sarebbe apparso con le protesi
complete come una versione alquanto mostruosa dell’eroico
Martian Manhunter. Le foto mostrano il lavoro
svolto dal reparto di truccatori, fino ad un risultato che ha già
raccolto le lodi di tutti i fan orfani di quel film. Eccole qui di
seguito:
Jay Baruchel, che
doveva interpretare il cattivo Maxwell Lord, ha rivelato quanto le
telecamere siano state vicine a girare Justice League
Mortal in un’intervista del 2017. “Avevano tutti i
disegni dei costumi. Avevano tutte le pre-vis. Avevano già definito
tutto il tipo di design della produzione, e quindi ci portavano e
ci facevano camminare in questo centro di comando dove avevano
tutto. Le scelte estetiche che stavano facendo e quelle relative
alla storia e ai personaggi sono così coraggiose che non le vedremo
mai”.
L’attore ha anche descritto quello
che sembra essere stato un combattimento brutale tra Wonder Woman e
Superman, che veniva controllato mentalmente da Lord.
“All’improvviso questo tizio ha Superman come arma. Lo
trasformo in Superman dagli occhi rossi, e poi c’è questa grande
lotta tra lui e Wonder Woman, in cui lui le rompe i polsi e tutto
il resto”.
“La prima volta che si vede
Wonder Woman, nella scena iniziale su Themyscira, c’è solo lei. È
lei in cima a un destriero… e si trovava a circa mezzo chilometro
di distanza da un Minotauro. Il Minotauro ha un’ascia da
combattimento in mano e lei si avventa su di lui. Tutte le Amazzoni
sono lì a fare il tifo per lei e lei lo decapita. Scende dal suo
destriero… regge il Minotauro e non dice un accidente. È come se
dicesse: “Questa è la Wonder Woman che voglio vedere!”. Sarebbe
stato speciale”.
Lionsgate sta ritirando il
suo ultimo trailer di Megalopolis di
Francis Ford Coppola, che presentava una serie di
citazioni inventate di famosi critici cinematografici.
“La Lionsgate sta ritirando il nostro trailer per
‘Megalopolis'”, ha affermato un portavoce della
Lionsgate in una dichiarazione fornita a Variety. “Offriamo le nostre
sincere scuse ai critici coinvolti e a Francis Ford Coppola e
American Zoetrope per questo errore ingiustificabile nel nostro
processo di verifica. Abbiamo sbagliato. Siamo
spiacenti”.
Il trailer, pubblicato mercoledì
mattina, mirava a posizionare l’ultimo film di Coppola come
un’opera d’arte che avrebbe resistito alla prova del tempo, proprio
come i suoi precedenti capolavori “Il Padrino” e
“Apocalypse Now“.
Il video includeva diverse citazioni
di critici che criticavano i precedenti lavori di Coppola, ma
nessuna delle frasi, attribuite a personaggi come Roger
Ebert e Pauline Kael, si trovava in
nessuna delle loro recensioni.
Owen Gleiberman di
Variety è stato erroneamente citato per aver definito il film del
1992 “Bram Stoker’s Dracula” “un bel pasticcio” e
per averne evidenziato l'”assurdità” quando ha recensito il film
per Entertainment Weekly, dove lavorava al momento della sua
uscita.
“Anche se sei una di quelle
persone a cui non piacciono i critici, difficilmente meritiamo di
sentirci mettere le parole in bocca. D’altra parte, lo scandalo
banale di tutto questo è che l’intero trailer di “Megalopolis” è
costruito su una falsa narrazione”, ha detto Gleiberman delle
citazioni falsificate del trailer. “I critici hanno adorato “Il
Padrino”. E sebbene “Apocalypse Now” abbia creato divisioni, ha
ricevuto molto supporto critico cruciale. Per quanto riguarda il
fatto che io abbia definito “un bel pasticcio” il Dracula di Bram
Stoker, vorrei solo averlo detto! Per quanto riguarda quel film,
ora sembra gentile”.
Non è chiaro da dove provengano la
maggior parte delle citazioni presenti nel trailer, ad eccezione
del commento di Roger Ebert, “un trionfo dello
stile sulla sostanza“, che in realtà è stato tratto dalla sua
recensione del 1989 di “Batman” e non da
“Dracula“, come indicato nel trailer.
Questo passo falso del trailer è
l’ultimo di una serie di scandali che hanno colpito la produzione
da 120 milioni di dollari, finanziata interamente da
Coppola. Il film uscirà nelle sale USA il 27
settembre.
La Marvel Animation ha rivelato per la
prima volta i piani per Your Friendly Neighborhood
Spider-Man al Comic-Con di San Diego del 2022. All’epoca
lo show si intitolava Spider-Man: Freshman Year ed
era stato erroneamente identificato come un prequel di Captain
America: Civil War. Sebbene sarebbe stato piuttosto
spettacolare vedere cosa faceva Peter Parker prima di incontrare
Iron Man, in seguito avremmo appreso che la serie animata si svolge
in una realtà alternativa in cui Norman Osborn diventa il suo
mentore al posto di Tony Stark.
Jeff Trammell
(Craig of the Creek) ricopre il ruolo di capo
sceneggiatore e recentemente si è seduto al
The Official Marvel Podcast per condividere nuovi dettagli su
ciò che i fan possono aspettarsi dal ritorno dell’Uomo Ragno
nell’animazione. “Sapete, vorrei rispondere con un cliché,
‘Aspettatevi l’inaspettato’, ma, onestamente, penso che possiate
aspettarvi il vostro amichevole Spider-Man di quartiere”, ha
detto. “Si aggira per New York; non è un’enorme avventura
intergalattica”.
“È lui alle sue radici e ci sono
molte cose che noi, come fanbase, prendiamo a prima vista e
diciamo: ‘Oh sì, conosco questa parte della storia’. È stato
davvero divertente scavare in questa storia ed è stato molto
interessante sovvertire le aspettative che sono state costruite per
così tanto tempo”, ha aggiunto Tramell. Un frammento del
trailer mostrato ai fan al D23 all’inizio del mese è recentemente
trapelato online e ha rivelato che il ragno che morde Peter ha
origini soprannaturali, il che significa che questo è almeno uno
dei grandi cambiamenti apportati alla storia dell’eroe.
Un altro è rappresentato dai
personaggi di cui Spidey si trova circondato. “Ci sono così
tanti personaggi che non sono i prototipi di Spider-Man che abbiamo
introdotto in questa serie”, spiega Trammell. “Il più
grande è Nico Minoru dei Runaways. Sono un grande fan di quella
serie e di Nico. Sono molto entusiasta che sia nella nostra
serie”. “Ci sono Pearl Pangan, Lonnie Lincoln… ci sono
alcuni personaggi che conosciamo da altre serie e personaggi
classici di Spider-Man con cui siamo entusiasti di
mischiarci”.
“Inoltre, Amadaes Cho e Jeanne
Foucault appariranno nella nostra serie. C’è un sacco di
impollinazione incrociata dai fumetti all’interno di questo mondo
in cui sono entusiasta di scavare in esso”. Pearl è un
personaggio oscuro apparso per la prima volta in War of the
Realms: New Agents of Atlas #1; ha assunto il nome di Wave
dopo aver acquisito la capacità di controllare l’acqua. Lonnie
Lincoln è, ovviamente, Tombstone e Amadaes Cho è il ragazzo geniale
che alla fine diventa Hulk.
Per quanto riguarda Jeanne, si
ritiene che sia la figlia di Taskmaster e che sia stata arruolata
per unirsi all’Accademia dei Vendicatori. Si tratta di
un’immersione davvero profonda nei fumetti e più di qualche
personaggio farà il suo debutto nel MCU in Your Friendly
Neighborhood Spider-Man. Come X-Men
’97 stagione 2, What
If…? stagione 3, Eyes of Wakanda e Marvel
Zombies, la serie dovrebbe debuttare su Disney+ nei prossimi 18 mesi.
Tutto quello che sappiamo su Your
Friendly Neighborhood Spider-Man
Your Friendly Neighborhood
Spider-Man è una serie animata che segue Peter Parker nel
suo percorso per diventare lo Spider-Man del MCU, con un viaggio
mai visto prima e uno stile che celebra le prime radici
fumettistiche del personaggio. Tra i membri del cast si vocifera
che Hudson Thames sarà Peter Parker,
Eugene Byrd darà voce a Lonnie Lincoln, mentre
Grace Song sarà Nico Minoru e Hugh
Dancy sarà Otto Octavius. Kari Wahlgren
interpreterà Zia May, mentre Zeno Robinson darà
voce a Harry Osborn.
Due weekend fa Blake Lively ha avuto il privilegio di
avere due dei suoi film in testa al botteghino USA. Uno dei due è
ovviamente del blockbuster della MarvelDeadpool &
Wolverine, in cui interpreta lady Deadpool in uno dei
cameo più spiritosi del cinecomic; l’altro è la grande sorpresa
It Ends With Us (qui
la recensione), che ha incassato al botteghino USA
addirittura cinquanta milioni di dollari in tre giorni di
programmazione. Del melodramma tratto dal caso letterario scritto
da Colleen Hoover Lively è protagonista insieme
all’attore/regista Justin Baldoni. Ecco la nostra
intervista con l’attrice.
Ha avuto alcuna
esitazione ad interpretare una donna che subisce abusi
domestici?
Blake Lively: La storia tratta di abusi e
violenze domestiche, ma parla anche di chi riesce a realizzare il
sogno di una vita, trasformandolo in realtà. Parla del primo amore
e di un nuovo amore. Copre gli alti e i bassi della vita, tutti i
colori dell’esperienza umana. Racconta del disordine di una donna
comune in modo molto onesto, molto reale e crudo. Ho capito
perfettamente perché Lily ha preso le decisioni che ha preso, nel
momento in cui le ha prese. Ho provato compassione per lei e volevo
che anche il pubblico la capisse. Non ho guardato solo un aspetto
della sua vita, perché lei è molto di più di quello che le è
successo. Qualcosa che può cambiare il corso della sua vita, ma non
l’ha definita. È lei che definisce se stessa, e questo per me è
bellissimo. Non è soltanto una vittima. Non viene definita dagli
uomini della sua vita, sia che si tratti di suo padre, sia che si
tratti di questo bellissimo amore che aveva da giovane, oppure
dall’amore tossico da adulta, lei non è mai definita dagli uomini.
È una storia bellissima per ogni genere e per ogni età. Abbiamo
trattato il tema con molta responsabilità, una questione che deve
essere gestita con attenzione.
Cosa ha messo delle
sue esperienze personali nel personaggio di Lily?
Blake Lively: In questo film ho messo tutto:
il rapporto con mia madre e le mie sorelle, con i miei figli, ci ho
messo i miei sentimenti. È tutto in questo film, in modi che il
pubblico non saprà mai, non lo dirò mai a nessuno. Ma sono sicura
che quando mi siederò in sala con i miei cari, vedranno se stessi
in alcune scene, sentiranno alcune le cose che ci siamo detti. It
Ends with Us è molto personale per me. Questa storia è raccontata
con empatia, Lily vive con empatia, la narrazione si sviluppa con
empatia. Non giudica mai le persone per le decisioni che prendono,
magari sbagliando, e mostra loro che c’è una via d’uscita .Anche se
non prendi la decisione giusta al momento giusto, puoi essere
comunque una brava donna. Sei comunque preziosa.
Blake Lively su
It Ends With Us: “Un film molto personale”
Ha interagito con
Isabela Ferrer, che interpreta la giovane Lily? Che consiglio
darebbe ad attrici alle prime armi come lei?
Blake Lively: L’interazione sul set è stata
limitata. È semplicemente fantastica in questo film. Ai giovani
vorrei dire: siate appassionati, guardare più film che potete.
Imparerete molto, guardateli come se fosse il vostro lavoro.
Lungometraggi di ogni epoca, di ogni genere, di ogni tipo di
storia, di ogni territorio. Imparerete a raccontare storie e a
conoscere ogni aspetto della produzione. Cercate di capire qualcosa
da quello che amate. Se si presta attenzione e si studia il modo di
narrare, si può imparare Molto. Lo facciamo in continuazione.
Osservate il maggior numero di punti di vista possibile, studiate
prospettive diverse sull’esperienza umana.
Quando è nata la sua
passione per il cinema e la narrazione?
Blake Lively: È tutto ciò che ho sempre voluto
fare fin da quando ero bambina. Non c’è nient’altro che amo di più.
I film hanno un’incredibile capacità di influenzare le persone. Che
si tratti di un film a grande budget, divertente e sciocco come
Deadpool & Wolverine, oppure di qualcosa come It Ends with Us,
profondo, emotivo e d’impatto, sono grata per tutto questo. I miei
fratelli hanno tutti recitato, mia sorella Robin è un’attrice
incredibile e anche mio padre ha recitato. Sono cresciuta andando
con loro alle audizioni. Facevano questo per vivere, vedevo il
lavoro che c’era dietro, il rifiuto ma anche l’amore e
l’attenzione, dove toglierti la polvere di dossi e
rialzarti.
I miei genitori
tenevano un corso di recitazione ed essendo io una bambina molto
timida, mi costringevano ad alzarmi e fare improvvisazione perché i
miei genitori non potevano permettersi una babysitter. Nonostante
sia ancora oggi una donna timida, per questo amo alzarmi e
recitare. Mi piace interpretare i personaggi, adoro essere
costretta. Da ragazza vedevo persone che venivano a Los Angeles
ogni anno, alcune di loro poi lasciano perdere e non tornavano. È
stato un mix di creatività, fortuna, preparazione, duro lavoro e
opportunità. Sono cresciuta amando i film: ancora oggi a casa mia
c’è sempre Turner Classic Movies alla TV. Anche se è muta, c’è
sempre un vecchio film in sottofondo. It Ends with Us è un film di
cui sono davvero orgogliosa, alla fine della mia carriera guarderò
indietro e dirò: “Questo è uno dei lungometraggi che mi hanno
definito come attrice”.
Ci sono poche storie così iconiche e
piene di pathos come quella della squadra di pallanuoto maschile
spagnola che dal 1991 al 2001 ha vinto tutto (oro e argento
olimpico e due ori e due argenti mondiali) ed è diventata la prima
grande squadra dello sport spagnolo. Il film Sogno
olimpico, diretto da Álex Murull e
Dani de la Orden, ripercorre un particolare
momento di quella vicenda, ovvero l’impresa compiuta durante le
Olimpiadi di Barcellona del 1992, concentrandosi in particolare su
Manel Estiarte e Pedro García
Aguado.
Per gli appassionati di film
dedicati a celebri vicende sportive, questo è dunque un film da non
perdere, che porta alla riscoperta di una celebre ascesa
caratterizzata da numerose difficoltà. In questo articolo,
approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a
Sogno olimpico. Proseguendo qui nella lettura sarà
infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla
trama, al cast di attori e alla
storia vera. Infine, si elencheranno anche le
principali piattaforme streaming contenenti il
film nel proprio catalogo.
La trama e il cast di Sogno
olimpico
Il film è una drammatizzazione del
percorso della nazionale maschile di pallanuoto della Spagna alle
Olimpiadi estive del 1992 a Barcellona, approfondendo le storie
personali di Pedro García Aguado (e la sua
dipendenza da sostanze) e Manel Estiarte (che
affronta la tragedia del suicidio della sorella). Nonostante le
personalità opposte, i due finiscono per raggiungere un’intesa
costruita sulla comune sofferenza sotto l’allenatore Dragan
Matutinović, caratterizzata da metodi di allenamento
disumani che gli valsero l’ostilità della squadra.
Nel cast del film ritroviamo
Álvaro Cervantes nel
ruolo di Manel Estiarte, mentre l’attore Jaime Lorente – celebre per aver interpretato
Denver in La casa di carta e Nano in Elite – interpreta qui Pedro García Aguado. Completano
il cast Christian Valencia nel ruolo di Jesús
Rollán e Tarik Filipović nel ruolo di Dragan
Matutinović, il controverso allenatore della squadra. Il vero Pedro
García Aguado, inoltre, fa un cameo come membro della federazione
sportiva dei Giochi Olimpici.
La storia vera dietro il film
Tutto ha inizio nel 1991, un anno
prima dei Giochi. Viene presentata una squadra con un compiacimento
che pone la Spagna lontana dalle medaglie. Il team viene però
dotato di un nuovo allenatore: Dragan Matutinovic,
un tecnico croato dai metodi militari. Da qui, il film gioca con
elementi reali che porta all’estremo e ne cambia la temporalità per
rendere la storia più epica. Matutinovic arriva nel settembre 1990
dopo le dimissioni del precedente allenatore, Toni
Esteller, perché non vede abbastanza sostegno per vincere
la medaglia a Barcellona.
La squadra aveva come capitano
Manel Estiarte, il miglior giocatore del mondo in
quel momento. Il film racconta poi come Matutinovic decida di
inserire quattro giocatori madrileni all’inizio della preparazione,
pochi mesi prima dei Giochi di Barcellona ’92, ad Andorra. Quattro
giocatori presuntuosi, che portano carattere e fisicità alla
squadra, poco disciplinati, soprattutto Pedro García
Aguado, che provoca attriti con il gruppo. L’arrivo dei
madrileni, in realtà, ha significato un cambio di modello e una
catarsi, soprattutto all’inizio.
Da quel momento ebbero inizio
allenamenti dall’alba al tramonto ad Andorra, con lunghezze in
piscina, corse in montagna e una competitività senza scrupoli per
trasformare i pallanuotisti in gladiatori. La preparazione
asfissiante di Matutinovic, il personaggio che meglio ricrea la
realtà dell’intero film, ha molti elementi che sono accaduti e che
spinse la squadra al limite sia fisicamente che
psicologicamente.
Il film si concentra poi su
Pedro García Aguado, che come ha raccontato nel
suo libro “Mañana lo dejo”, ha dovuto essere curato nel
2003 per una lunga dipendenza da alcol e cocaina. Nel periodo
precedente ai Giochi di Barcellona ’92 faceva già uso di alcol. Fu
lui a confessarsi al gruppo qualche mese prima, quando scoprì che
un test antidoping positivo avrebbe potuto squalificare l’intera
squadra. La soluzione di Matutinovic fu quella di mandare García
Aguado a vivere a casa di Rafa Aguilar,
l’assistente dell’allenatore, e di sottoporsi a test praticamente
ogni giorno.
Il finale è molto fedele alla
realtà. La ricostruzione della partita, il momento nel tunnel, il
ritmo, il punteggio, le frasi dei giornalisti sono un dato di
fatto. Anche il conflitto tra gli allenatori, che sono venuti
addirittura alle mani in precedenti competizioni. Il duello
Matutinovic-Rudic (questo è il suo vero nome) è ben noto negli anni
Novanta. Così come la gestione dei 42 secondi decisivi che
impedirono alla Spagna di vincere l’oro olimpico. La Spagna si era
portata sul 7-6 grazie a un rigore trasformato dallo stesso
capitano.
Le regole della pallanuoto dicono
però che dopo un rigore c’è un’esclusione nell’attacco successivo.
Matutinovic è stato fedele al suo piano e ha ordinato una difesa
pressante, ma i giocatori hanno creduto che la zona fosse migliore.
Hanno ascoltato il croato, l’esclusione è arrivata e con
superiorità hanno portato la partita ai tempi supplementari. Agli
italiani ne sono bastati tre per lasciare la Spagna sconsolata con
l’argento al collo. Molti giocatori ritengono che con una difesa a
zona avrebbero vinto l’oro.
Sebbene la permanenza di Matutinovic
in Spagna sia stata breve (solo tre anni, dal 1990 al 1993), in cui
la Spagna ha vinto le sue prime medaglie (argento mondiale, argento
olimpico, argento e bronzo europeo), per molti giocatori, è stato
lui a cambiare la mentalità della squadra e il suo duro processo di
allenamento era necessario. Per altri, Matutinovic non ha vinto
l’argento ma ha perso l’oro. E sostengono che la squadra costruita
da Toni Esteller e Mariano García fosse predestinata alla gloria,
come poi è accaduto, quando dal 1996 al 2001 ha vinto tre ori.
Dove vedere Sogno
olimpico in streaming e in TV
Sfortunatamente il film non è
presente su nessuna delle piattaforme streaming attualmente attive
in Italia. È però presente nel palinsesto televisivo di
mercoledì 21 agosto alle ore
21:20 su Canale5. Di conseguenza, per un limitato periodo di
tempo sarà presente anche sulla piattaforma Mediaset
Infinity, dove quindi lo si potrà vedere anche oltre il
momento della sua messa in onda. Basterà accedere alla piattaforma,
completamente gratuita, per trovare il film e far partire la
visione.
Midsommar – Il Villaggio dei Dannati (qui
la recensione) di Ari Aster ha portato il pubblico a
compiere un viaggio all’interno di una relazione tossica. Giocando
con le prefigurazioni e i commenti toccanti, Aster ha creato un
film horror di culto, ispirandosi pesantemente al genere del folk
horror, che di solito si basa su ambientazioni isolate e tradizioni
pagane per generare terrore nello spettatore. Sebbene in questa
tipologia di film i mostri possano essere talvolta soprannaturali,
spesso si tratta di esseri umani comuni che commettono atti
terrificanti in nome di credenze religiose.
Midsommar – Il Villaggio dei Dannati presenta
inoltre analogie fondamentali con il precedente film di Aster,
Hereditary, che trattava anch’esso di elementi bizzarri,
di situazioni inspiegabili e del dolore come tema chiave. Ma la sua
vera forza risiede nel modo in cui intreccia l’ambientazione e la
trama con gli orrori molto più banali delle relazioni tossiche. In
apparenza, questo film si concentra sul tentativo della
protagonista di superare un lutto andando a fare un viaggio con il
suo ragazzo e i suoi amici. In realtà si trattava del
deterioramento della loro relazione.
A partire da queste premesse, Aster
costruisce dunque un film angosciante, capace di far provare tutta
la frustrazione e il senso di impotenza dei suoi protagonisti. Un
titolo dunque da non perdere per gli appassionati di questo genere.
In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali
curiosità relative a Midsommar – Il Villaggio dei Dannati.
Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare
ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla
spiegazione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali
piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.
Protagonisti del film sono
Dani e Christian, una giovane
coppia americana con una relazione in crisi. Dopo che una tragedia
familiare si abbatte sulla vita di Dani, la ragazza decide di
unirsi al compagno e ai suoi amici in un viaggio, che ha come meta
un remoto villaggio svedese, per festeggiare il
Midsommar, la tradizionale festa di mezza estate
che si svolge nei giorni del solstizio, tra il 21 e il 25 giugno.
Una volta lì, però, si renderanno conto di essere capitati nel bel
mezzo di un diverso tipo di festa, legata al culto pagano praticato
in quelle zone e con esiti orripilanti.
Ad interpretare Dani vi è l’attrice
Florence Pugh, oggi nota anche per i film
Black Widow e Piccole donne. Nel ruolo del
compagno Christian, invece, vi è l’attore Jack Reynor. Will Poulter, attore visto anche in
Detroit e Guardiani della Galassia Vol. 3,
interpreta Mark, mentre Ellora Torchia è Connie.
Completano il cast William Jackson Harper nel
ruolo di Josh, Vilhelm Blomgren in quelli di Pelle
e Archie Madekwe in quello di Simon. Vi sono poi
Hampus Hallberg nel ruolo di Ingemar, mentre
Isabelle Grill interpreta Maja.
La spiegazione del finale del
film
Quando il Midsommar raggiunge il suo
culmine, si scopre che la comunità ha piani molto specifici per
Dani, Christian, Josh, Mark, Connie e Simon. Nell’atto finale,
tutti gli estranei, eccetto Christian e Dani, sono “scomparsi” e il
rituale di mezza estate continua con una gara di ballo del maypole,
che Dani vince. Dopo la gara, Dani viene incoronata Regina di
Maggio e viene portata in giro per la comune per benedire i
raccolti. Nel frattempo, Christian viene portato via e gli viene
chiesto di accoppiarsi con la giovane Maja per portare un po’ di
sangue esterno nella comunità.
In seguito, viene drogato e, nel suo
stato di alterazione, Christian esegue effettivamente il rituale
sessuale, distruggendo definitivamente il suo legame con Dani.
Quando Dani torna, sente il rituale e assiste all’infedeltà di
Christian. Corre fuori, inorridita e singhiozzante, ma questa volta
non è sola. Le donne della comune circondano Dani, la seguono nelle
stanze da letto e iniziano a fare eco alle sue grida. I membri di
questa comunità apprezzano l’unione sopra ogni cosa e quando Dani
si angoscia per la scoperta dell’infedeltà di Christian, gli
abitanti del villaggio condividono letteralmente il suo dolore.
Questo è in netto contrasto con il
resto del film, durante il quale Dani è costretta a soffrire in
silenzio e da sola, mentre Christian ignora i suoi crolli o le
offre delle banalità a metà. Alla fine di Midsommar – Il Villaggio dei Dannati, viene
rivelato il vero motivo per cui questi forestieri sono arrivati al
villaggio. Per il finale della festa di mezza estate è necessario
un sacrificio rituale. Apprendiamo così che Josh, Mark, Connie e
Simon sono già stati uccisi e serviranno come sacrifici nel
rituale, che ora ha bisogno di due volontari del villaggio e di un
ulteriore sacrificio.
Per la scelta finale, Dani può
scegliere chi far morire. Christian o un abitante del villaggio
selezionato dalla lotteria. Con il cuore spezzato, Dani sceglie di
far morire Christian, scegliendo a sua volta questa comunità come
sua famiglia. Christian viene quindi infilato (paralizzato, ma
ancora vivo) nella carcassa di un orso e collocato nel tempio sacro
insieme ai quattro estranei morti e a due volontari. Mentre il
tempio viene dato alle fiamme, gli abitanti del villaggio guardano.
Quando uno dei volontari urla di angoscia mentre brucia vivo, gli
abitanti del villaggio iniziano a imitare le sue grida,
contorcendosi e gridando.
E mentre Dani, ancora vestita da
regina di maggio, inizialmente guarda con orrore, alla fine il suo
volto si incurva in un sorriso e si unisce agli abitanti del
villaggio nei loro festeggiamenti. All’inizio di Midsommar – Il Villaggio dei Dannati, Dani è
sola nel suo dolore. Alla fine, condivide non solo il dolore e la
sofferenza, ma anche la gioia e la celebrazione. Quando la sua
famiglia è morta, Christian e i suoi amici non sono riusciti a
colmare il vuoto. Dani era sola, isolata e priva di una
considerevole empatia o compassione da parte di coloro che la
circondavano.
Alla fine del film, Dani ha invece
abbracciato i valori di questa comunità – valori di comunità e di
famiglia ritrovata – e finalmente si sente vista, ascoltata e
sentita. Ma il tema primario di Midsommar – Il Villaggio dei Dannati è
l’importanza delle emozioni condivise. Le relazioni sono difficili
e il trauma che Dani aveva bisogno di aiuto per elaborare era
immenso e incredibilmente complicato. Christian non riusciva ad
essere empatico nei suoi confronti, mentre nel villaggio Dani trova
quel senso di comunità di cui aveva bisogno per condividere le sue
emozioni, positive o negative che siano.
Il trailer di Midsommar –
Il Villaggio dei Dannati e dove vedere il film in
streaming e in TV
È possibile fruire di Midsommar – Il Villaggio dei Dannati grazie
alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme
streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei
cataloghi di Rakuten TV, Apple TV e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la
piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o
sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di
guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film
è inoltre presente nel palinsesto televisivo di mercoledì
20 agosto alle ore 21:20 sul canale
Rai 4.
I film o le serie dedicati al mondo
della cucina hanno sempre avuto un certo fascino, portando gli
spettatori all’interno di questo contesto sempre così frenetico e
maniacale nella preparazione delle prelibate portate di turno. Film
come
Il sapore del successo,The Menu,
Amore cucina e Curry o la serie The
Bear sono solo alcuni degli esempi di maggior successo
dedicati a questo mondo. Ad essi, si può aggiungere anche il
francese La ricetta del delitto perfetto, diretto
da Chloé
Micout e girato a Lione e nella regione
dell’Alvernia-Rodano-Alpi.
Come si può intuire dal titolo, il
film si configura come un giallo ambientato nel mondo della
ristorazione. Pur essendo tratto da un romanzo, intitolato
Petits meurtres à l’étouffée, scritto da Noël
Balen e Vanessa Barrot, l’adattamento si
prende alcune libertà significative rispetto al materiale di
partenza. Ad esempio, nel romanzo, la vittima iniziale non è lo zio
della protagonista, lei è la caporedattrice di una rivista di
cucina che viaggia con il suo fotografo per lavoro invece di un
influencer locale e non sono presenti le dinamiche familiari che
invece arricchiscono il film.
Dato il buon successo di pubblico
ottenuto dal film, inizialmente la realizzazione di un sequel era
stata presa in considerazione, ma alla fine il progetto venne
cancellato. È però possibile godere di questa sfiziosa e gustosa
commedia grazie ora al suo passaggio televisivo. In questo
articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità
relative a La ricetta del delitto perfetto.
Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare
ulteriori dettagli relativi alla trama e al
cast di attori. Infine, si elencheranno anche le
principali piattaforme streaming contenenti il
film nel proprio catalogo.
La trama di La ricetta del
delitto perfetto
Protagonista del film è la chef
stellata Laure Grenadier. Dopo aver abbandonato le
cucine dei grandi ristoranti, Laure ora si occupa di critica
gastronomica sul web. La donna ha una figlia,
Amandine e un ex marito, Nicolas
Garnier, poliziotto a capo della sezione investigativa.
Dopo essersi separati a causa di un’altra donna molto più giovane
di lei, Laure preferisce ora evitare ogni contatto con l’ex
marito.
Tuttavia, quando un’ondata di crimini inizia a colpire i
ristoratori di Lione, i propositi di Laure vanno in frantumi.
Perché Nicolas e il suo nuovo
assistente Baptiste capiscono che la posizione di
Laure nell’ambiente molto esclusivo della ristorazione lionese e il
rispetto che ispira agli altri chef della regione sono risorse
inestimabili per la loro indagine. Emotivamente coinvolta – visto
che proprio suo zio è stata la prima vittima di questi misteriosi
assassini – Laure si lascia convincere a fare da loro informatrice.
Verrà così coinvolta nel caso, dal quale si sentirà sempre più
attratta fino a voler andare fino in fondo a quella strana
situazione.
Ad interpretare Laure Grenadier vi è
l’attrice Cécile Bois, nota per essere la
protagonista della serie tv Candice Renoir, dove
interpreta la poliziotta che del titolo. “Inizialmente ero
restia ad accettare la parte di Laure per non creare confusione con
un’altra ‘detective’ ma il lato comico della vicenda mi ha aiutata
a fugare ogni dubbio”, ha raccontato l’attrice. Bois ha
inoltre raccontato di essersi divertita molto nei panni di questa
chef che si improvvisa detective, cosa che le ha permesso di
destreggiarsi tra due generi diversi.
Accanto a lei, nel ruolo della
figlia Amandine vi è Victoria Eber, mentre
Bernard Le Coq interpreta Jérôme Grenadier, lo zio
di Laure.L’attore Charlie Dupont interpreta
Nicolas, poliziotto ed ex marito della protagonista, mentre
Antoine Ferey è il Tenente Baptiste Toussaint.
Completano il cast Caroline le Moing nel ruolo di
Solange Grenadier, figlia di Jérôme e sua sommelier e Chloé
David in quello di Léa Weber, seconda in comando di
Jérôme.
Dove vedere La ricetta del
delitto perfetto in streaming e in TV
Sfortunatamente il film non è
presente su nessuna delle piattaforme streaming attualmente attive
in Italia. È però presente nel palinsesto televisivo di
mercoledì 21 giugno alle ore
21:30 sul canale Rai 1. Di
conseguenza, per un limitato periodo di tempo sarà presente anche
sulla piattaforma Rai Play, dove quindi lo si
potrà vedere anche oltre il momento della sua messa in onda.
Basterà accedere alla piattaforma, completamente gratuita, per
trovare il film e far partire la visione.
Quando Daredevil:
Born Again arriverà finalmente su Disney+ il prossimo marzo, ci
aspettiamo un’immersione profonda, attesa da tempo, nell’angolo di
strada del MCU. Sappiamo che l’Uomo senza
Paura si scontrerà con personaggi del calibro della Tigre Bianca e
di Punisher, mentre vari scoop online hanno affermato che il piano
per Spider-Man 4 prevede che
Peter Parker e Daredevil si scontrino con il Kingpin.
Se ciò dovesse accadere, immaginiamo
che l’idea sia quella di concludere definitivamente la storia di
Wilson Fisk quando sarà sconfitto dai suoi due più grandi nemici.
Il protagonista Charlie Cox ha di recente ventilato la
possibilità di avere dei camei speciali in Daredevil:
Born Again e Daniel Richtman ha ora “confermato” le
voci secondo cui Jacques “Jack” Duquesne (Tony
Dalton) apparirà nella serie. Riuscirà finalmente a
vestire i panni dello Spadaccino? Questo è ancora da vedere.
Lo scooper sostiene anche che un
tempo era previsto che la Kamala Khan/Ms. Marvel di Iman Vellani apparisse nel revival di
Daredevil. Per qualche motivo, l’idea è stata scartata in
partenza, anche se suo padre – Yusuf Khan – apparirà, come abbiamo
visto nel trailer trapelato al D23. L’ultima volta abbiamo
incontrato Kamala è stato in The Marvels; dopo aver fatto squadra con Capitan
Marvel e Monica Rambeau, si è avvicinata a Kate Bishop e ha cercato
di reclutare l’arciere nella sua nuova squadra di supereroi. Il
progetto Young Avengers non si è ancora concretizzato, quindi resta
da scoprire quando torneranno nel MCU.
Quello che sappiamo di
Daredevil: Born Again
Lo sceneggiatore di The Punisher,
Dario Scardapane, è salito a bordo come nuovo showrunner della
serie Daredevil:
Born Again, le cui riprese sono concluse da poco.
I dettagli specifici della trama
sono ancora nascosti, ma sappiamo che Daredevil:
Born Again vedrà Matt Murdock/Daredevil
(Charlie
Cox) confrontarsi con la sua vecchia nemesi
Kingpin (Vincent
D’Onofrio), che abbiamo visto tornare di corsa a New
York nel finale di stagione di Echo. È
probabile che Fisk sia in corsa per la carica di sindaco di New
York o che sia già stato nominato a tale carica quando la storia
prenderà il via.
I dettagli specifici della trama di
Daredevil:
Born Again non sono stati rivelati, ma possiamo
mettere insieme un’idea approssimativa dalle foto dal set e dalle
fughe di notizie sulla trama. Matt Murdock difenderà White Tiger in
tribunale, The Kingpin è il sindaco di New York City (e reprime i
vigilantes che odia così tanto), e The Punisher prende di mira i
poliziotti corrotti che hanno cooptato il suo logo.
Entrambi i personaggi hanno
debuttato nel Marvel Cinematic
Universe nel 2021. Kingpin è stato guest-star nella serie
Disney+Hawkeye e
Matt Murdock è apparso brevemente in Spider-Man: No Way Home. Cox è stato anche
guest-star in due episodi di
She-Hulk: Attorney at Law, dove ha mostrato un
lato più leggero dell’eroe. Kingpin, invece, è stato tra i
protagonisti della serie Echo.
È stato confermato che Daredevil: Born Again sarà
presentato in anteprima su Disney+ il prossimo
marzo.
All’inizio di Venezia 81, arriva nelle sale
italiane uno dei frutti più belli (premiato con il riconoscimento
alla
regia nella sezione Orizzonti) dell’edizione 2023 della Mostra
Veneziana: Paradise is Burning, esordio alla regia
di finzione della regista svedese Mika Gustafson.
Un inno all’anarchia della giovinezza che fotografa, in un’estate
di indipendenza, la vita di tre sorelle. Ninfe, fate, streghe che
con la loro congrega affrontano l’ebbrezza della libertà, ma anche
l’incertezza di un’adolescenza/infanzia senza una guida.
Paradise is Burning, la trama
In un quartiere operaio, in Svezia,
le sorelle Laura (16 anni), Mira (12 anni) e Steffi (7 anni) se la
cavano da sole, abbandonate a loro stesse e ai loro dispositivi
elettronici da una madre che non torna a casa dal Natale
precedente. Con l’estate in arrivo e senza genitori intorno, la
vita è selvaggia e spensierata, vivace e anarchica. Ma quando i
servizi sociali convocano un incontro, Laura deve trovare qualcuno
che si spacci per la loro mamma, o le ragazze verranno date in
affido e separate. Mentre scappa da un uomo che vuole fargliela
pagare per essersi intrufolata nella sua piscina, Laura incontra
Hanna, che sarebbe perfetta nello scopo, e con la quale si
intrufola nelle case vuote di persone in vacanza.
L’anarchia della
giovinezza
Il messaggio che Mika
Gustafson veicola, in un contesto sociale che mira a
correggere e inglobare ogni aspetto deviante o alternativo rispetto
alla regola, è che si sta bene anche senza genitori, se questi non
sono interessati a esercitare il proprio ruolo. Paradise is
Burning è un inno alla gioia e all’energia vitale che
sprigionano queste giovanissime piccole donne nella loro estate di
solitudine. Con questa ode all’anarchia, la regista rimane coerente
con il suo passato da filmmaker, essendosi già interessata alla
protesta contro le autorità svedesi nel documentario
Silvana, sulla rapper Silvana
Imam.
Un coming of age elevato
alla terza
Ma l’aspetto di gioia e fioritura
anarchica non è il solo elemento che Gustafson mette a fuoco con
Paradise is Burning. Le tre protagoniste sono
tutte in una fase della vita di trasformazione, del corpo e dello
spirito: 16, 12 e 7 anni. E così il film si trasforma in un
racconto di formazione elevato alla terza, in cui l’evoluzione
fisica e spirituale delle tre ragazze presenta allo spettatore tre
diverse età e tre diversi mutamenti. La sororità, e poi la
sorellanza, diventano i punti cardine intorno a cui si snoda il
racconto e con cui dialoga l’occhio della regista, leggero e
curioso, acuto e premuroso.
La regista si fa
testimone di uno scorrere di vitalità carico di energia: le
streghe/amiche/ sorelle vogliono danzare e accentrare la loro
quotidianità su questo impulso primitivo che le spinge in avanti,
verso la rispettiva ricerca del sé attraverso le altre.
È poetico che Paradise is
Burning arrivi nelle nostre sale sul finire dell’estate,
il film si cala nella stagione estiva che in Svezia si colora di
verdi intensi, la annusa e la attraversa, come simbolo di
sensoriali e scoperta, ma anche come stagione passeggera che si
affaccia a un autunno che non tarderà ad arrivare, portando con sé
non solo pioggia e refrigerio.
Megalopolis,
il progetto di passione di Francis Ford Coppola,
si presenta come un vero e proprio enigma. Il leggendario regista
ha sviluppato il film per decenni e l’ha realizzato a costo
personale, senza il coinvolgimento di alcuno studio. Guidato da
Adam Driver nei panni dell’architetto
futuristico Ceaser, il film si presenta come un fantastico viaggio
nella memoria, ambientato in una New York distopica, e il trailer
ufficiale ce lo mostra.
Megalopolis, il film
Megalopolis
segue Ceaser (Adam
Driver), un architetto di New York che vuole
ricostruire la città come un’utopia dopo un disastro devastante.
Tuttavia, per riuscire nell’impresa, deve passare attraverso il
sindaco della città Frank Cicero (Giancarlo
Esposito), di cui è innamorato della figlia. La storia
ha una struttura lineare, ma sono i temi del film a catturare
l’attenzione del pubblico con tutte le potenti immagini che Coppola
ha creato. Il regista ha precedentemente rivelato che il tema del
film ruota attorno all’amore e alla lealtà,
“Megalopolis ha fatto eco a
questi sentimenti, in cui l’amore è stato espresso in una
complessità quasi cristallina, il nostro pianeta in pericolo e la
nostra famiglia umana quasi in un atto di suicidio, fino a
diventare un film molto ottimista che ha fiducia nell’essere umano
per possedere il genio di guarire qualsiasi problema messo davanti
a noi“.
Il film non ha solo il genio di
Coppola e anni di ricerche alle spalle, ma anche un ensemble
altrettanto impressionante sullo schermo, che comprende Nathalie Emmanuel nel ruolo di Julia Cicero,
Aubrey Plaza nel ruolo di Wow Platinum, Shia LaBeouf nel ruolo di Clodio Pulcher,
Jon Voight nel ruolo di Hamilton Crassus III e
Laurence Fishburne nel ruolo di Fundi Romaine, che è anche la voce
narrante del film. Completano il cast Talia Shire
nel ruolo di Constance, Jason Schwartzman nel
ruolo di Jason, Kathryn Hunter nel ruolo di Teresa, Grace
VanderWaal nel ruolo di Vesta, Chloe Fineman,
James Remar, D. B. Sweeney, Dustin Hoffman e molti
altri.
Megalopolis
sarà proiettato nelle sale cinematografiche degli Stati Uniti e del
Canada il 27 settembre.
Sebbene il
film sia basato sul libro di successo di Colleen Hoover,
l’adattamento cinematografico di It Ends With Us – Siamo
noi a dire basta (la
recensione) include un potente finale che modifica il materiale
di partenza per rafforzare il messaggio sulla sopravvivenza e la
guarigione dagli abusi. La storia segue una donna di nome Lily
Bloom, interpretata da Blake Lively, che durante l’infanzia ha visto
sua madre subire abusi e non ha mai voluto trovarsi nella stessa
situazione. Purtroppo, dopo il funerale del padre, incontra un
neurochirurgo di nome Ryle Kincaid, da cui è immediatamente
attratta. I due si rincontrano mesi dopo, quando Lily assume
inconsapevolmente la sorella di Ryle nel suo negozio di fiori.
Ryle flirta con Lily, si spinge
oltre i suoi limiti e tenta di avvicinarsi a lei nonostante lei gli
chieda di smettere. Ryle riesce a logorare Lily e i due iniziano
una relazione. Sebbene la loro relazione inizi bene, Ryle inizia ad
abusare di Lily. La donna non si rende conto della gravità
della situazione fino a quando non incontra di nuovo il suo amore
d’infanzia, Atlas, che riconosce immediatamente la
violenza domestica. Dopo un tentativo di stupro, Lily va in
ospedale con l’aiuto di Atlas e scopre di essere incinta. Questa
rivelazione porta al finale emozionante e pieno di speranza di
It Ends With Us, che mostra la forza dei
sopravvissuti agli abusi.
I due momenti più forti
dell’adattamento cinematografico di It Ends With
Us sono quando Lily lascia fisicamente Ryle dopo che
lui ha cercato di violentarla e quando lo lascia mentalmente
chiedendo il divorzio. Quando lascia fisicamente Ryle, è per paura
della sua vita. La sua decisione appare istintiva e guidata da una
reazione di fuga. In seguito decide di non tornare da lui,
abbandonando mentalmente Ryle a causa di sua figlia. Sebbene Lily
ami Ryle, si rende conto della sua responsabilità di
genitore nel dare a Emerson una vita migliore di quella che ha
avuto lei.
Inoltre, Lily sa quanto sia facile
rimanere intrappolati nel ciclo degli abusi, perché è quello che è
successo a sua madre. In uno dei momenti più devastanti al di fuori
delle scene di abuso, Lily parla con Atlas di come non avrebbe
dovuto diventare sua madre. Pensava di essere troppo intelligente
per entrare in una relazione violenta, senza rendersi conto che
l’intelligenza non conta in queste situazioni. Tuttavia, a causa di
suo padre è diventata così impermeabile ai campanelli d’allarme che
non li ha riconosciute quando si è trattato di Ryle.
In definitiva, Lily che lascia Ryle
è un incredibile atto di coraggio, soprattutto perché il momento
più pericoloso per una vittima di violenza domestica è quello in
cui se ne va (via
JBWS). Per fortuna ha scelto di annunciare il divorzio in uno
spazio pubblico, mitigando così alcuni rischi. Inoltre, nel film
non sembra mantenere un rapporto di co-genitorialità con Ryle, un
cambiamento importante rispetto al libro che protegge il
figlio.
Spiegazione della storia passata
di Atlas e Lily
In It Ends With Us – Siamo
noi a dire basta, Atlas è la prima persona a riconoscere
che Lily viene maltrattata da Ryle, e questo è dovuto alla loro
storia. I due si sono conosciuti quando erano adolescenti. Atlas è
rimasto senza casa a causa di una vita familiare violenta e ha
intrecciato con Lily una storia d’amore mentre alloggiava nella
casa abbandonata accanto alla sua. A causa della loro relazione,
Atlas ha visto e sentito gli abusi che avvenivano a casa di Lily.
Inoltre, è stato quasi ucciso dal padre di Lily. Grazie alla sua
esperienza personale e all’aver assistito alla vita domestica di
Lily, Atlas era pronto a riconoscere i segni di abuso in
una relazione.
Inoltre, Lily e Atlas hanno fatto
sesso quando erano adolescenti, come Ryle viene a sapere il primo
giorno in cui la incontra. Lily ha anche un tatuaggio a forma di
cuore che rappresenta un cuore di legno che Atlas ha intagliato per
lei. Questa parte della loro storia diventa importante perché Ryle
usa la storia romantica di Atlas e Lily come scusa per abusare di
Lily.
Per essere chiari, non c’è
alcun motivo accettabile per abusare di qualcuno. Anche se
Lily l’avesse tradito con Atlas – e non è così – l’abuso di Ryle
sarebbe comunque sbagliato. Inoltre, Ryle mostra molti segnali di
allarme prima che Lily incontri di nuovo Atlas, come la
coercizione, il controllo e il superamento dei limiti. Il passato
di Lily e Atlas permette semplicemente a Ryle di giustificare il
suo comportamento ripugnante.
Come Ryle ha fatto il parallelo
con il padre di Lily
Sia il libro di Colleen Hoover che
l’adattamento cinematografico utilizzano messaggi subliminali per
dimostrare il ciclo dell’abuso. Uno degli esempi più significativi
è il parallelismo tra Ryle e il padre di Lily, Andrew Bloom. Ryle e
Andrew Bloom sono entrambi uomini potenti con incarichi di alto
profilo che portano alla lode. Ryle ha letteralmente in mano la
vita delle persone quando va a lavorare. Nel frattempo, Andrew
Bloom ha la possibilità di influenzare la vita di tutti gli
abitanti della sua città in quanto sindaco. Entrambi i personaggi
hanno un lavoro che dà loro potere e controllo, il che li
predispone alla violenza domestica.
Oltre a queste somiglianze, Andrew
Bloom e Ryle sono affascinanti e carismatici, anche se il libro
mostra maggiormente il fascino di Andrew rispetto al film. Come
questi due personaggi di It Ends With Us – Siamo noi a dire
basta, i maltrattanti non abusano in genere di tutti
coloro che li circondano. Possono essere affascinanti e
carismatici, il che permette loro di attirare le vittime e
continuare ad abusare senza intervenire. In definitiva,
questi parallelismi giocano un ruolo importante nello
spiegare come funziona l’abuso e perché Lily rimane
intrappolata nel ciclo.
La famiglia di Ryle era a
conoscenza della sua natura abusiva?
L’adattamento cinematografico di
It Ends With Us – Siamo noi a dire
basta apporta cambiamenti significativi al libro
di Colleen Hoover, compreso il fatto che Allysa fosse a conoscenza
della natura abusiva di Ryle. Il materiale di partenza non
chiarisce se Allysa sappia che Ryle è capace di abusare di lui.
Tuttavia, il film conferma esplicitamente che Allysa non
aveva idea degli abusi durante la conversazione di Lily
con lei verso la fine del film. Questo cambiamento rende Allysa
meno colpevole nel consentire le azioni del fratello. Inoltre,
rende più significativo il momento in cui dice a Lily che non le
parlerà mai più se tornerà da Ryle.
Il significato dell’albero di
quercia in It Ends With Us
La quercia che si trova nel cortile
della casa d’infanzia di Lily è un simbolo importante per tutta la
durata di It Ends With Us – Siamo noi a dire
basta. Nel flashback di Altas e Lily, i due discutono del
fatto che i fiori, la frutta e la verdura si affidano all’amore per
fiorire; tuttavia, la quercia cresce indipendentemente da come
viene curata, perché è abbastanza forte da prosperare da sola.
Anche se lei crede di essere più simile agli ortaggi del suo
giardino, la quercia rappresenta Lily come
personaggio.
Alla fine, lei prospera come donna e
madre nonostante la mancanza di amore da parte del padre e gli
abusi subiti per mano di Ryle. Inoltre, è simbolico che Ryle le
morda il tatuaggio basato sul cuore della quercia. Cerca di
distruggere ogni grammo della sua forza, ma alla fine sia il
tatuaggio che Lily stanno bene.
It Ends With Us risolve le
controversie del libro?
It Ends With Us di Colleen
Hoover ha suscitato polemiche a causa della romanticizzazione degli
abusi, dell’uso della violenza domestica come colpo di scena e del
finale del libro. Il primo trailer ha chiarito che il film cercava
di correggere i problemi del materiale di partenza. Piuttosto che
dipingere la storia come un triangolo amoroso o una storia d’amore,
la trama della violenza domestica era abbondantemente chiara.
Fortunatamente, il film ha seguito l’esempio correggendo
gli altri elementi problematici.
Il
film presenta il tema dell’abuso in modo più sfumato,
distinguendo che la situazione non è romantica, anche se Lily
romanticizza la relazione nella sua testa. Atlas presenta l’opzione
che Lily possa abortire la sua gravidanza con l’uso della parola
“se” invece di “quando”, che nel libro non viene mai menzionata.
Ryle non è ritratto come il “bravo ragazzo che abusa” come nel
libro. Inoltre, mostra più segnali di allarme fin dall’inizio. Alla
fine del film, Lily non permette a Emerson di trascorrere del tempo
senza supervisione con Ryle.
Il vero significato del finale
di It Ends With Us
Il finale di It Ends
With Us – Siamo noi a dire basta apporta due grandi
cambiamenti significativi rispetto al libro. In primo luogo, il
film mostra il periodo tra il parto di Lily e il suo incontro con
Atlas. Durante questo montaggio, Lily diventa più vivace e gioiosa,
una dicotomia rispetto al modo in cui si comporta durante la
relazione con Ryle. Anche il suo volto non è più vuoto, ma
riacquista l’espressività e la vita che aveva all’inizio del film.
Questa aggiunta dimostra che è possibile vivere una vita
soddisfacente dopo un abuso. Il trauma può essere sempre presente,
ma non deve definire Lily.
In secondo luogo, il finale
dell’adattamento cinematografico vede Lily crescere Emerson
apparentemente da sola, anziché fare da co-genitore insieme a Ryle.
Questo cambiamento offre la speranza che le persone possano
sfuggire ai loro abusatori e dare ai loro figli una vita migliore
di quella che hanno avuto loro. Invece di affidarsi al suo
ex violento, Lily trova un sistema di sostegno nella madre, in
Allysa e, infine, in Atlas. Sua figlia non sarà esposta al padre,
che ha un passato di violenza. In definitiva, Lily sta dando a sua
figlia la vita che avrebbe voluto alla fine di It Ends
With Us – Siamo noi a dire basta.
Immaculate,
l’horror religioso (la nostra
recensione) del 2024 interpretato da Sydney Sweeney di Euphoria,
che ha anche prodotto il film, diventa ancora più inquietante alla
fine. Il film ha ricevuto recensioni per lo più positive da parte
della critica, che ha lodato soprattutto il ruolo di Sweeney nel
ruolo di Suor Cecilia. Alla fine di Immacolata, Suor
Cecilia trascorre il resto della sua gravidanza miracolosa
risentendosi di Padre Tedeschi e temendo di morire una volta nato
il bambino a causa degli eventi sinistri a cui ha assistito nel
convento, come l’aver visto le altre suore tagliare la lingua a
Gwen dopo che questa aveva parlato contro il convento e i segreti
che custodivano.
Prima della data prevista per il
parto, Suor Cecilia finge un aborto spontaneo usando una gallina
morta nel tentativo di essere portata in un vero ospedale. Padre
Tedeschi lo scopre e cattura suor Cecilia prima che possa fuggire.
Le spiega che ha usato il suo background in genetica per creare un
altro Gesù usando pezzi di DNA trovati su un pezzo del crocifisso.
Suor Cecilia è inorridita e dà fuoco al suo laboratorio. Le si
rompono le acque e lei fugge nelle catacombe per scappare, finendo
per uccidere Padre Tadeschi e dare alla luce qualcosa di non del
tutto umano nella scena finale di
Immaculate.
Suor Cecilia uccide il neonato
nel finale di Immaculate?
Photo Courtesy of NEON
Dopo essere fuggita alla fine di
Immaculate, Suor Cecilia
partorisce da sola dopo essere scappata dalle catacombe sotto il
convento e partorisce. Dopo aver tagliato il cordone ombelicale con
i propri denti, Suor Cecilia afferra una grossa pietra e la fa
cadere sul neonato. Tuttavia, Immaculatetaglia in nero, lasciando il pubblico a chiedersi se abbia
ucciso o meno il neonato.
Considerando che Suor Cecilia è
rimasta incinta senza il suo consenso e gli orrori che ha vissuto
durante la gravidanza, senza poter uscire, è molto probabile che
sia stata lei a far cadere il sasso sul neonato, soprattutto perché
non è chiaro cosa avesse partorito esattamente. Visti gli strani
rumori che la prole emetteva, è implicito che qualsiasi cosa abbia
partorito non fosse umana, e quindi l’ha uccisa.
Con padre Tedeschi morto e il suo
laboratorio distrutto, suor Cecilia poteva assicurarsi che ciò che
le era successo non sarebbe mai più accaduto a nessun altro.
L’uccisione del bambino avrebbe doppiamente distrutto qualsiasi
prova residua di ciò che Padre Tedeschi e il convento stavano
facendo. Suor Cecilia non ha mai voluto il bambino; aveva perso i
denti durante la gravidanza e la sua gravidanza era il risultato di
esperimenti su di lei. Tenendo conto di tutto ciò, è logico che
Suor Cecilia abbia deciso di uccidere il neonato, soprattutto se
c’era la possibilità che questo portasse alla fine del mondo.
Cosa partorisce realmente Suor
Cecilia alla fine di Immaculate
Sebbene la domanda alla fine di
Immaculate possa ruotare intorno al fatto che Suor Cecilia
abbia ucciso il neonato, gli indizi lasciati nel corso del
film horror suggeriscono anche che c’è qualcosa che non va nella
gravidanza o nel neonato. Dopo la nascita del bambino, il
respiro affannoso suggerisce che non si tratta affatto di un
bambino normale. Non si sentono i pianti di un neonato e il suo
respiro sembra più quello di una creatura che di un essere umano.
Immaculate non mostra mai l’aspetto del neonato, il che
porta a molte speculazioni sulla natura dell’intera gravidanza.
Il bambino è in realtà la seconda
venuta di Cristo? È possibile, ma improbabile. Considerando
la sperimentazione genetica che Padre Tedeschi ha condotto per due
decenni, è possibile che questo bambino sia stato corrotto
o mutato in qualche modo molto prima di vedere la luce. Dopotutto,
non è nato in circostanze normali, ma è stato costretto ad esistere
da Padre Tedeschi. La seconda venuta di Gesù Cristo non era stata
profetizzata in questo modo, con un uomo che tirava i fili per
portarla a compimento. E così suor Cecilia aveva probabilmente dato
alla luce qualcosa di potenzialmente malvagio, data la situazione
che circondava la gravidanza.
Spiegazione di ogni morte nel
finale di Immaculate
Photo Courtesy of NEON
Immaculate ha avuto la sua
buona dose di morti, anche se la maggior parte è avvenuta durante
il culmine del film. Mentre è in travaglio, Suor Cecilia uccide la
Madre Superiora con un crocifisso dopo che questa l’ha aggredita.
In seguito, Cecilia brucia Padre Tedeschi dopo aver dato fuoco al
suo laboratorio e lo pugnala al collo con un bisturi dopo che lui
ha cercato di aprirla. Gwen viene uccisa dalle suore dopo
che le hanno tagliato la lingua, anche se la sua morte avviene
fuori campo e Suor Cecilia trova il suo corpo nelle
catacombe alla fine di Immacolata.
E, naturalmente, chi potrebbe
dimenticare che Suor Cecilia usa anche una pietra per porre fine
alla vita del neonato negli ultimi secondi di Immaculate,
concludendo il film con quella che sarà sicuramente la scena più
discussa per gli anni a venire. Oltre alle morti che avvengono alla
fine, Immaculate include la morte di Suor Mary
(interpretata da Simona Tabasco,
stagione 2 di White
Lotus), che viene uccisa all’inizio del film.
Sembra che Suor Mary si renda conto
di ciò che sta accadendo nel convento e tenti di scappare per
salvarsi prima che accada qualcosa, ma viene catturata e sepolta
viva da alcune delle altre suore. La sua morte dà il tono al film.
C’è anche Suor Isabella, che si butta dal tetto dopo aver tentato
di uccidere Suor Cecilia durante il suo bagno. Suor Isabella era
arrabbiata perché riteneva che avrebbe dovuto essere lei a rimanere
incinta in questo
film horror incentrato sulle suore.
Perché Padre Tedeschi voleva
creare un nuovo Gesù
Nella preparazione del finale
dell’Immacolata è stato spiegato esattamente perché
Cecilia era stata ingravidata: il convento voleva inaugurare
artificialmente la seconda venuta di Gesù Cristo. Padre Tedeschi ha
chiarito di voler creare un nuovo Gesù Cristo utilizzando il DNA
rimasto dal chiodo trovato su un pezzo del crocifisso.
Sebbene l’Immacolata non approfondisca troppo le
ragioni di padre Tedeschi, egli sentiva che lo scopo della
sua vita era creare un nuovo Cristo. Proprio come suor
Cecilia sentiva che lo scopo della sua vita era diventare una suora
dopo che Dio l’aveva salvata dalla morte per sette minuti a causa
di una caduta nel ghiaccio, padre Tedeschi ha capito che poteva
usare la sua preparazione scientifica per creare un nuovo Gesù.
Cosa significano le
mascheremaschere rosse delle suore in Immacolata
Nel corso dell’Immacolata,
suor Cecilia si imbatte in suore che indossano maschere rosse, una
delle quali viene trovata sull’altare di Cristo. Il motivo delle
maschere rosse non viene mai spiegato a fondo, ma è possibile che
esse rappresentino il sangue di Cristo. Le suore
che indossano le maschere rosse sono probabilmente le seguaci di
Padre Tedeschi, che aderiscono a determinati rituali.
Probabilmente lavorano al suo
fianco per garantire che gli esperimenti genetici abbiano il
massimo successo possibile e che le altre suore non facciano troppe
domande o cerchino di scappare. È certo che dietro le maschere
rosse di Immaculate c’è un significato tematico più
profondo , anche se il film stesso non approfondisce di
cosa si tratti.
Il vero significato del finale
di Immaculate
Il finale di
Immaculate vede Suor Cecilia prendere in mano la situazione e
finalmente riprendere il controllo del proprio corpo e della
propria vita. Il finale del film horror allude
all’autonomia corporea e ai diritti riproduttivi di una
donna. Suor Cecilia viene trattata come un’entità secondaria fino a
quando non rimane incinta, e Padre Tedeschi e le altre suore si
preoccupano solo del benessere del feto e non di lei. Anche la
questione del consenso è presente: il finale sottolinea gli orrori
della gravidanza e la capacità di Suor Cecilia di scegliere cosa
fare dopo essere stata costretta a una gravidanza indesiderata.
Come è stato accolto il finale
di Immaculate
Il finale di
Immaculateha ricevuto una risposta mista,
ma per lo più positiva, da parte della critica, così come il film
stesso. Non sorprende che l’elemento più controverso sia stato
l’ambiguità. Il fatto di non mostrare esattamente cosa Cecilia
avesse partorito in Immaculate, e il fatto che il
film si rifiutasse di confermare se l’avesse effettivamente ucciso,
è stato visto da alcuni come una regia incredibilmente
intelligente, mentre altri ritengono che il film avrebbe fatto
meglio con un finale più conclusivo.
Sydney Sweeney ha spiegato in un’intervista a
EW che in realtà sono state girate diverse
inquadrature per il finale di Immaculate e che il finale
ambiguo è stato scelto perché sia lei che il regista Michael Mohan
lo ritenevano la scelta migliore per la trama:
“L’abbiamo girato in più
modi.Quello che vedete è in realtà il primo ciak che
abbiamo girato, e poi ne abbiamo fatti altri due per coprire le
nostre basi nel caso volessimo mostrare angolazioni diverse, ma il
nostro istinto è sempre stato quello di non mostrarlo mai, e quindi
abbiamo scelto il primo ciak”.
Tuttavia, mentre le domande
lasciate alla fine di Immaculate sono state considerate da
alcuni critici e spettatori come troppo vaghe (soprattutto se si
considera l’intenso accumulo di domande nel resto del film horror
del 2023), altri aspetti del climax sono stati particolarmente
apprezzati. L’interpretazione di Sweeney durante la scena
finale è stata sottolineata in molte recensioni, così come diversi
momenti chiave, come quando Cecilia morde il proprio cordone
ombelicale.
Nel complesso, Sweeney e Mohan
hanno adottato un approccio ponderato al finale di
Immaculate, che sembra aver dato i suoi frutti, dal
momento che la maggior parte delle reazioni della critica è stata
positiva. È un finale che è stato anche semi-improvvisato, come ha
rivelato Sweeney, il che spiega il perché dell’approccio un po’
anticonvenzionale di non rivelare mai esattamente il risultato
della gravidanza:
“È stato uno di quei momenti in cui
abbiamo bloccato la telecamera e poi Mike ha detto: ‘Ok, Syd, cosa
pensi di voler fare?’. E io ho pensato: “Proviamo e vediamo cosa
succede”. Ed è quello che è successo”.
Accidenti, è stato qualcosa, non è
vero? Sembrava improbabile che l’episodio 10 – giustamente
intitolato “Comeuppance” – fosse in grado di legare insieme tutti i
vari fili della trama della
terza stagione di Mayor of Kingstown, ma ci è
riuscito alla grande. Inoltre, ha portato a termine il tutto con un
serrato accumulo di tensione e una raffica di colpi di scena, come
una lunga miccia attaccata a una serie di bombe deprimenti.
Inoltre, forse prevedibilmente, ha
lasciato le cose leggermente aperte per una quarta stagione.
Analizziamo il tutto.
La moralità di
Mike
Il finale della terza stagione
impiega un classico dispositivo di inquadramento, utilizzando la
voce fuori campo di Mike e un breve flashforward per suggerire ciò
che sta per accadere. Questo espediente si riferisce a una domanda
essenziale con cui Mayor of
Kingstownha giocato per tutto il
tempo: Mike McClusky (Jeremy
Renner) è un brav’uomo che prende decisioni difficili
o un pazzo che non si differenzia dai criminali che si trovano
dall’altra parte delle mura della prigione?
È una questione su cui lo stesso
Mike riflette. L’episodio 10 inizia con lui che si aggira intorno
alla barca di Konstantin, con le sirene che rispondono a una
sparatoria su un ponte nelle vicinanze, quindi è ovvio che tutto
avrà inizio. Il posto di Mike nella carneficina rimane ambiguo. Ha
messo ogni fazione criminale
di Kingstown l’una contro
l’altra per i suoi scopi. Quando è uscito di prigione, pensava di
essersi liberato della pelle che aveva indossato per sopravvivere.
Ma forse non è così.
Tenetelo a mente mentre andiamo
avanti.
Focus
diviso
“Comeuppance” ha un paio di tratti
narrativi chiave tra i quali divide la sua attenzione, mentre altre
sottotrame di lunga data sono disseminate in tutto il film. Sono
molte le cose che accadono in una volta sola, quindi cerchiamo di
spiegarle.
Da un lato c’è la sparatoria sul
ponte, che è il risultato della manipolazione di Mike sui Crips,
sui Russi e sugli Ariani. Mike ha detto a Bunny che rivelerà il
percorso della sua banda, ma non la loro destinazione finale, e che
la polizia non sparerà ai Crips nello scontro a fuoco che ne
seguirà.
Altrove, dopo l’improvviso – anche
se previsto – ritorno di Milo alla fine dell’episodio
9, si confronta con Konstantin e Iris sulla barca del
primo, quindi Mike deve rispondere per primo. Questo lascia che la
SWAT si occupi dello scenario del ponte, il che significa che si
occupa anche del destino di Kyle, della continua psicopatia di
Sawyer e della determinazione di Evelyn a distruggere
quest’ultimo.
La morte di
Kareem
In questo episodio si conclude
finalmente la sottotrama di Kareem, ed è tragica. Senza lavoro e
con una vita professionale sostanzialmente ricominciata da zero,
Kareem ha il tempo contato. Lo usa per esaminare il filmato di
sorveglianza dell’attacco con le granate dell’episodio
8, che rivela che Kevin ha dato un segnale al
cecchino.
Il penultimo atto della vita di
Kareem è quello di avvertire Kevin che Bunny non è la sua famiglia
e non vale la sua fedeltà: alla fine lo userà e lo getterà via. Il
suo ultimo atto è chiamare la sua famiglia, nessuno dei quali si
rende conto che sta parlando con lui per l’ultima volta.
Dopodiché, Kareem commette un
suicidio da prigioniero. Cammina nel cortile senza alcuna
protezione e affronta un detenuto massiccio, che lo pugnala a morte
con l’aiuto entusiasta degli altri prigionieri. Kareem muore
dissanguato sul pavimento della prigione.
Politica della
polizia
Dopo la morte di Charlie nel
penultimo episodio, Ian viene scagionato dalla sparatoria. Nessuno
è troppo interessato a stabilire se fosse giustificata, tranne
Evelyn, che riconosce di poterla usare a suo vantaggio.
Evelyn sa che Ian si è avvalso dei
servizi di Charlie sette volte, ma solo sei di queste erano per
cercare i corpi. La settima è stata la visita dal dentista,
casualmente il giorno in cui Morrissey è stato ucciso.
L’implicazione è piuttosto chiara e Ian è costretto a recarsi da
Mike per confessare quanto accaduto quel giorno.
Evelyn è determinata ad arrivare a
Sawyer, anche se per farlo deve passare attraverso Ian. Mike lo sa
e lo sa anche Sawyer, che è disposto a far fuori Evelyn, o
addirittura Mike, pur di non finire in prigione. Lo ammette a Kyle,
che si rende conto, troppo tardi, che Sawyer gli ha permesso di
entrare nella SWAT solo per avere un po’ di influenza su Mike
(Sawyer non lo ammette, ma è molto evidente).
Konstantin e Milo
incontrano la loro fine
Non sono ancora del tutto sicuro di
quale sia l’obiettivo finale di Milo, o di come sia così informato
su tutto ciò che è accaduto a Kingstown di recente, ma comunque ha
una proposta. Se Iris ucciderà Konstantin, lui le darà la nuova
vita che le era stata promessa e le permetterà di partire.
Milo fa in modo che Iris chiami
Mike sulla barca, rivelando di aver lavorato con lui per tutto il
tempo, ma è un po’ tardi perché la notizia scuota Konstantin, che
sembra aver accettato il suo destino. Riesce persino a convincere
Iris a ucciderlo, provocandola con il suo vero nome, Hannah.
Milo mantiene la parola data e
fornisce a Iris una nuova identità e un biglietto dell’autobus per
andare ovunque lei voglia. Mike la spinge ad andarsene, contro la
sua volontà. Quando all’esterno scoppiano degli spari, Mike usa la
descrizione per disarmare Milo. Dice a Ian di portare via Iris e
poi congeda lui e l’unità di supporto che ha chiamato. Vuole stare
un po’ da solo con Milo.
È qui che i polli tematici tornano
al pollaio per Mike, poiché Milo – che ammette di aver
bombardato il funerale di Mariam nell’episodio
1 e di aver affondato l’autobus carico di
donne trafficate nell’episodio 7, anche se l’avevamo
già capito – afferma di essere essenzialmente la stessa persona.
Sono entrambi la stessa creatura. Mike lo conferma sparandogli in
testa.
L’arco di Kyle, la
morte di Iris e un possibile futuro
Il caos scoppia sul ponte nel
finale della terza stagione de Mayor of
Kingstown
La sparatoria sul ponte finisce
male. Nel caos, la SWAT inizia a far fuori Crips e Russi da
entrambe le parti, il che non è esattamente ciò che Mike aveva
promesso a Bunny. Sawyer, come al solito, si lascia trasportare,
sparando a sangue freddo a un Crips disarmato che si arrende, e poi
aggredendo un civile che sta cercando di proteggere suo figlio.
Kyle spara a Robert, ma in seguito
si scopre che è sopravvissuto. È in condizioni critiche a causa del
proiettile nel collo, ma il suo giubbotto ha catturato gli altri. I
testimoni confermano che Kyle ha aggredito un collega, così quando
Mike arriva sul ponte viene portato via in un’auto della polizia.
Evelyn ricorda a Mike che nessuno è immune, nemmeno il fratello del
cosiddetto sindaco.
E in un’altra tragica svolta, Iris
sale sull’autobus per la sua nuova vita… e prende un paio di
pillole. L’autista la trova morta sul sedile. Non è chiaro se
l’overdose sia stata intenzionale o meno, ma il risultato è lo
stesso in ogni caso.
È stato pubblicato un nuovo
spettacolare banner per Agatha
All Along che annuncia il ritorno “contorto”
di Agatha Harkness e offre un nuovo sguardo sulla Strada
delle Streghe.
I Marvel Studios si
assicurano di ricordare ai fan che la serie proviene dal team che
ha creato WandaVision,
e non è una grande sorpresa visto che rimane uno degli show
televisivi Disney+ meglio recensiti. Per ora,
tutti gli indizi fanno pensare che Agatha
All Along sia un sequel di quella serie
tanto quanto Doctor Strange nel Multiverso della
Follia del 2022.
“La risposta diretta e
appropriata al perché Agatha sia una buona serie stand-alone è
Kathryn [Hahn]”, ha dichiarato Kevin Feige all’inizio di
quest’anno. “Sapete che è una grande attrice comica, ma
anche una grande attrice drammatica.Quindi, è
davvero legata allo sviluppo del personaggio”.
“Sapevamo che il
personaggio stava facendo colpo sul pubblico”, ha
aggiunto. “Ma la serie è rimasta a marinare per molto tempo
prima che Jac [Schaeffer] la trasformasse nello show che abbiamo
ora”.
Riguardo al suo ruolo inaspettato
di protagonista di uno show televisivo del MCU, la Hahn ha ammesso:
“Non credo di essere riuscita a recepire la
situazione.Mi consideravo una visitatrice della
Marvel, sapete?Sapevo che c’era qualcosa di molto
profondo per me, all’età in cui mi trovo, nel poter interpretare
un’incredibile megera.Poterci cadere dentro mi è
sembrato pericoloso e potente”.
Agatha
All Along vedrà il ritorno di molti volti noti di
WandaVision,
tra cui Emma Caulfield Ford (Sarah Proctor),
Debra Jo Rupp (Sharon Davis), David
Payton (John Collins), David Lengel
(Harold Proctor), Asif Ali (Abilash Tandon),
Amos Glick (Dennis), Brian
Brightman (Sceriffo Miller) e Kate Forbes
(Evanora Harkness). Kathryn Hahn guiderà l’ensemble, mentre altre
aggiunte degne di nota sono Aubrey Plaza, Joe Locke, Patti LuPone,
Sasheer Zamata, Ali Ahn, Miles Gutierrez-Riley, Okwui Okpokwasili e
Maria Dizzia.
Pochi dettagli ufficiali sono stati
rivelati sulla trama di Agatha, anche se ci si aspetta che essa
ruoti in gran parte attorno ad Agatha che rintraccia Billy Maximoff
(o viceversa) che, come la sua controparte nei fumetti, si è
“reincarnato” in Billy Kaplan. Diversi scoop hanno affermato che la
storia vedrà anche i discendenti della congrega di Evanora Harkness
– ora noti come i Sette di Salem – tornare per vendicarsi della
donna che ha ucciso le loro madri. Agatha
All Along debutterà su Disney+ il 18
settembre.
Prima di fare il suo debutto nel
MCU come “Bob” in Thunderbolts*
dei Marvel Studios, Lewis Pullman farà un po’ di
caccia ai vampiri in
Salem’s Lot.
L’anno scorso abbiamo saputo che
l’imminente riadattamento del romanzo fondamentale di
Stephen King da parte della Warner Bros. e della New Line era
stato posticipato al 21 aprile 2023, dopo essere stato
precedentemente programmato per il 9 settembre 2022. Da allora, il
film sembrava essere stato completamente rimosso dalla
programmazione e si temeva che potesse essere accantonato in
seguito alla decisione di David Zaslav di cancellare il film su
Batgirl.
Poi, a marzo, la New Line ha
confermato l’indiscrezione secondo cui il film horror salterà
completamente le sale e debutterà sul servizio di streaming Max.
Precedenti rapporti commerciali hanno sottolineato che questo
“non è un riflesso della qualità del film, ma è dovuto al
fatto che lo sciopero SAG-AFTRA in corso ha creato una crescente
necessità di contenuti Max”.
Non è ancora stata annunciata una
data esatta per la prima, ma il film dovrebbe debuttare su Max il
prossimo ottobre. Ora, grazie a Vanity Fair, possiamo finalmente dare
un’occhiata ad alcune foto promozionali ufficiali che ritraggono i
personaggi principali – e uno scatto che sicuramente riporterà alla
mente ricordi da incubo per un’intera generazione di bambini!
Il momento più famoso (o
famigerato) del libro e della miniserie del 1979 del regista di
The Texas Chainsaw Massacre, Tobe Hooper,
è quello in cui un bambino-vampiro graffia la finestra del suo
amico, e la scena terrificante sarà ricreata in questo nuovo
adattamento.
‘Salem’s Lot,’ based on the 1975 novel, the
film follows author Ben Mears who returns to his small town in
search of inspiration for his next book—and instead finds his
fellow residents are being picked off one-by-one.
Salem’s Lot è interpretato anche da Alfre
Woodard, Bill Camp, Pilou Asbæk, Makenzie Leigh e Spencer Treat
Clark. Il recente autore dell’adattamento di
IT, Gary Dauberman (Annabelle:
Comes Home), dirige e firma anche la
sceneggiatura.
Il romanzo di King racconta la
storia di uno scrittore di nome Ben Mears che torna nella sua città
d’infanzia, Jerusalem’s Lot, solo per ritrovarsi attratto da una
vecchia casa che lo ha traumatizzato da bambino. La Casa Marsten è
un luogo malvagio e un luogo malvagio attira uomini malvagi.
Purtroppo per Ben e per il resto della città, questa volta gli
uomini malvagi in questione sono il potente vampiro Kurt Barlow e
il suo subdolo familiare Richard Straker.
Inizialmente, l’opinione che
circondava
Hellboy: The Crooked Man era molto negativa;
tuttavia, sembra che la tendenza sia cambiata, soprattutto perché è
ormai chiaro che si tratta di un racconto horror a basso costo
piuttosto che di un grande blockbuster di supereroi.
Oggi abbiamo alcune nuove immagini
del Big Red di Jack Kesy da condividere con voi ed è giusto dire
che il personaggio sembra molto più impressionante qui rispetto ai
primi sneak peek.
A proposito, queste foto
promozionali sembrano confermare che il 30 agosto ci sarà un nuovo
trailer. Hellboy:
The Crooked Man non ha ancora una data di uscita
confermata, ma immaginiamo che l’idea sia quella di arrivare sulle
piattaforme digitali o di streaming in tempo per Halloween.
Tuttavia, se il budget per questo
reboot è stato sufficientemente basso, è molto probabile che riesca
ad arrivare nelle sale (il suo predecessore del 2019 ha incassato
55,1 milioni di dollari in tutto il mondo dopo un costo dichiarato
di 50 milioni di dollari).
“La cosa che preferisco è
vedere quanto sia vicino ai fumetti”, ha detto il mese
scorso il creatore di Hellboy Mike Mignola. “Ci sono
diverse inquadrature che provengono dai fumetti e la paura è
sempre, soprattutto quando dici che deve essere la mia storia
preferita, che perda qualcosa.Ma tutti i miei
momenti preferiti del fumetto sono lì dentro”.
“Voglio dire, stai
trattenendo il respiro mentre lo guardi.In realtà
ho avuto modo di guardare, non sono andato sul set, ma ho visto i
giornalieri, e ti viene da dire: ‘Non posso crederci!Perché c’è un momento particolare nella chiesa che mi è
piaciuto tantissimo.Ho pensato: “Ci aggiungeranno
degli effetti speciali?””.
“È solo un piccolo momento
di tranquillità.Poteva essere facilmente
tagliato, ma è rimasto fino in fondo”, ha continuato
Mignola. “Non che non mi piacciano gli altri film o che non
mi piacciano pezzi degli altri film, ma è solo che… ero così grato
di vedere qualcuno che voleva davvero inserirli, perché a un certo
punto tutti dicono: ‘Oh sì, metteremo il tuo fumetto sullo
schermo’, ma questa è la volta buona che succede”.
Date un’occhiata più da vicino a
Hellboy qui sotto e restate sintonizzati per ulteriori informazioni
sull’imminente rilascio del trailer.
Some Vietnamese Hellboy the Crooked Man
promos confirming the current IMDB Vietnam premier date!
I love the second one, we get a good look at the full top
prosthetic, I really hope we get some Hellboy figures of Jack as
big red pic.twitter.com/U2J2fTNLs7
Il film è basato sull’omonimo
fumetto vincitore dell’Eisner Award, che ha debuttato nel luglio
2008 in contemporanea dell’uscita cinematografica
diHellboy
II: The Golden Armydi
Guillermo del Toro . “Incagliati
nell’Appalachia rurale degli anni ’50, Hellboy e un agente del BPRD
alle prime armi scoprono una piccola comunità infestata da streghe,
guidata da un diavolo locale con un inquietante legame con il
passato di Hellboy: The Crooked Man“, recita
la sinossi del film.
Dopo la notizia del
licenziamento di Beau DeMayo, sceneggiatore
capo di X-Men
’97, avvenuto a marzo, i Marvel Studios hanno
aspettato qualche mese prima di scegliere Matthew
Chauncey come showrunner della terza stagione.
Il lavoro di DeMayo sulla seconda
stagione era già stato completato, quindi non c’era fretta di
trovare il suo sostituto. Tuttavia, dato che il suo nome è stato
rimosso dai titoli di coda della serie, sembra che si aprirà un’accesa battaglia legale.
Nel frattempo, si stanno apportando
gli ultimi ritocchi alla seconda stagione di X-Men
’97 e si sta lavorando alla terza serie di
episodi.
Parlando con Screen
Rant, il regista Emi/Emmett Yonemura (che ha diretto “Fire Made
Flesh”, “Remember It”, “Bright Eyes” e “Tolerance Is Extinction –
Part 2”) ha espresso parole di elogio per il nuovo sceneggiatore di
X-Men
’97.
“Oh, è adorabile.Adoro lavorare con lui”, ha commentato entusiasta
il regista. “Non è nemmeno in servizio da molto tempo ed è
già uno scrittore dolcissimo e di incredibile talento, quindi ci
stiamo già divertendo un mondo e non vedo l’ora che i fan vedano
cosa contribuisce a portare in tavola perché è incredibile, è un
genio”.
Chauncey annovera tra i suoi
crediti What
If…? e Ms.
Marvel e potrebbe anche aver “rivisto” le
sceneggiature della seconda stagione. Questo potrebbe giustificare
la decisione della Disney di rimuovere il nome di DeMayo.
X-Men ’97, la serie tv
X-Men
’97 si è rivelato un grande successo di critica e di
fan: il finale del 15 maggio, “La tolleranza è l’estinzione, parte
3”, ha raccolto 3,5 milioni di visualizzazioni a livello globale
nei primi cinque giorni su Disney+, diventando il finale
di serie animata più visto dalla
prima stagione di What
If…?.
I Marvel Studios
hanno chiaramente preso atto della popolarità della serie e stanno
finalmente procedendo con il tanto atteso reboot degli X-Men in live-action. Recentemente abbiamo
saputo che lo scrittore di
Hunger Games – La ballata dell’usignolo e del serpente sarà lo
sceneggiatore Michael Lesslie.
Il cast vocale di X-Men
’97 include Ray Chase nei panni di
Ciclope, Jennifer Hale nei panni di Jean Grey,
Alison Sealy-Smith nei panni di Tempesta,
Cal Dodd nei panni di Wolverine, JP
Karliak nei panni di Morph, Lenore Zann
nei panni di Rogue, George Buza nei panni di
Bestia, AJ LoCascio come Gambit, Holly
Chou come Jubilee, Isaac Robinson-Smith
come Bishop, Matthew Waterson come Magneto e
Adrian Hough come Nightcrawler.
È sempre divertente quando i
Marvel Studios ci portano in luoghi
sconosciuti e Ironheart di
Disney+ sposterà l’azione da New York a
Chicago.
La star di
Hamilton e Transformers: Rise of the BeastsAnthony Ramos interpreta Parker Robbins, alias The
Hood, nello show e racconta a
Entertainment Weekly che il trasferimento nella Second City ha
portato a grandi cambiamenti nella storia del cattivo.
Ramos descrive Chicago come
“un personaggio importante” in Ironheart e
aggiunge: “Parker Robbins nei fumetti viene da New York, ma
potendo capovolgere la sua storia e farlo venire da Chicago, lo
abbiamo fatto venire da Humboldt Park, che ha, ovviamente, una
grande popolazione portoricana”.
“Abbiamo creato un’intera
backstory con sua madre che viene dagli Young Lords e lo ha
cresciuto in quel modo.Chicago gioca un ruolo
enorme nell’identità di tutti i nostri personaggi e nell’identità
di questo show, quindi sono davvero entusiasta che la gente possa
sperimentarlo”, continua l’attore. “È stato un
dono poter girare lì.È una città incredibile, una
delle più grandi città del mondo”.
Ironheart
dovrebbe contrapporre la scienza alla magia, con Riri Williams che vestirà i panni di The Hood, un
supercriminale dei fumetti a cui il demoniaco Dormammu ha donato il
cappuccio (nel MCU, ci aspettiamo che venga sostituito da
Mephisto).
“Vediamo anche questo filo
conduttore tra i personaggi: ‘Quanto posso ottenere?Ne ottengo un po’ e vedo quanto posso fare con questo po’,
forse se ne ottengo un po’ di più potrei essere in grado di fare un
po’ di più con quello”, aggiunge Ramos, anticipando l’arco
narrativo del personaggio in Ironnheart.
“E vediamo come questo
influisce positivamente e negativamente sui personaggi.E poi iniziamo a vedere come i personaggi iniziano a usarsi
l’un l’altro per andare avanti e ottenere di più, che sia più
potere, più qualcosa, più soldi.È davvero bello
vedere questo viaggio in cui i personaggi iniziano a intrecciarsi
tra le storie degli altri”.
Tutto quello che sappiamo sulla
serie di prossima uscita Ironheart
Ambientato dopo gli eventi di
Black
Panther:Wakanda
Forever, Ironheart
contrappone la tecnologia alla magia quando Riri Williams (Dominique
Thorne) – una giovane e geniale inventrice determinata
a lasciare il segno nel mondo – torna nella sua città natale,
Chicago.
La sua idea di costruire tute di
ferro è geniale, ma nel perseguire le sue ambizioni, si ritrova
coinvolta nel misterioso ma affascinante Parker Robbins alias “The
Hood” (Anthony Ramos). La serie è interpretata anche da
Lyric Ross, Manny Montana, Matthew Elam e Anji
White. Chinaka Hodge è sceneggiatrice e produttrice
esecutiva; gli episodi sono diretti da Sam Bailey e Angela
Barnes.
Rispetto alle precedenti
stagioni, Slow Horses 4 possiede un adattamento
dal romanzo Spook Street di Mick
Herron decisamente più libero, e questo avviene
principalmente per due motivi: il primo è che si tratta di un libro
che propone personaggi e situazioni più estremi rispetto ai
precedenti, quasi vicini ai toni della fantapolitica. In un certo
senso, lo show necessitava di un approccio narrativo maggiormente
sobrio, dritto al punto, per mantenere credibilità. E questo è
l’aspetto dell’adattamento che funziona meglio.
Il secondo motivo,
invece molto meno efficace, è che per motivi legati allo stardom la
trama viene maggiormente incentrata sui personaggi di
Jackson Lamb e River Cartwright,
ancora una volta interpretati dal premio Oscar Gary Oldman e dal sempre più lanciato
Jack Lowden. Insomma, rispetto alle precedenti
stagioni ci troviamo di fronte a una serie che propone equilibri
molto differenti tra i personaggi che compongono il gruppo di
agenti segreti caduti in disgrazia, fattore che costituiva sotto
molti punti di vista la forza primaria di Slow
Horses.
Slow Horses 4, una
stagione più indipendente dal romanzo
James Callis and Kristin Scott Thomas in “Slow Horses,” coming soon
to Apple
TV+.
Le interazioni spesso
problematiche, talvolta addirittura assurde ma sempre umanissime
tra i vari personaggi costituivano il cuore emotivo delle varie
puntate, mentre nella quarta stagione diventa piuttosto evidente, e
purtroppo meno funzionale, che Lamb e Cartwright sono adesso le
star dello show, mentre gli altri vengono relegati a comprimari.
Peccato. Questo cambio di direzione nella narrazione, dopo le prime
due puntate tutto sommato avvincenti anche se non memorabili,
appesantisce la serie in particolar modo nel terzo e quarto
episodio. Slow Horses perde molto del suo appeal al vetriolo,
apprezzato in passato e adesso rimpiazzato da scene d’azione che
poco o nulla hanno a che fare con la vera tensione della spy-story.
Evidentemente il successo dello show ha portato i produttori e
creatori a dover per forza di cose alzare il tiro, puntando sullo
spettacolo piuttosto che sull’originalità del tono graffiante e
sull’ironia che le interazioni tra i personaggi sapevano
sprigionare.
Una forte presa emotiva
Scritto del cambiamento
di rotta che Slow Horses subisce in questa quarta
stagione, va però anche sottolineato come le ultime due puntate
regalino al pubblico un pathos di indubbia presa emotiva. Il tono
si fa maggiormente drammatico, così come gli eventi, ed ecco che
allora lo spessore delle interpretazioni contribuisce e non poco ad
elevare la qualità del prodotto. Oltre al solito, impeccabile
Oldman, l’altro grande decano del cinema britannico
Jonathan Pryce sfodera tutta la sua bravura nei
panni di David Cartwright, nonno di River. Lo stesso vale per Saskia
Reeves, ancora una volta efficace nel regalare voce e sguardo
dolcissimo al lato umano degli Slow Horses.
peccato invece che in questa quarta stagione Kristin Scott
Thomas e Rosalind Eleazar posseggano
ruoli delineati con minore spessore rispetto al passato.
Slow Horses 4 – uno
sbandamento di tono
Aimee-Ffion Edwards, Christopher Chung, Tom Brooke, Kadiff Kirwan
and Rosalind Eleazar in “Slow Horses,” coming soon to Apple
TV+.
Rispetto alle precedenti
tre stagioni, Slow Horses 4 si rivela maggiormente
alterna, evidenziando uno sbandamento nel tono e nella messa in
scena probabilmente dovuti alla volontà (che non significa
necessità) di cambiare alcune delle coordinate principali della
serie. Più spettacolo, maggior spazio e attenzione alle star, una
ritmo del racconto che diventa quello del thriller d’azione. Il
risultato è una netta e tutto sommato ingiustificata perdita
d’ironia, di quel sapore lievemente rancido ma sempre gustoso che
Jackson Lamb e gli altri amari personaggi lasciavano allo
spettatore.
Ci si diverte meno nelle
puntate di Spook Street, molto meno, anche se i due episodi finali
come già scritto risollevano almeno a livello drammatico il
risultato complessivo dell’intera stagione. Speriamo però che, in
caso venga confermata una quinta, si torni – magari con l’aiuto
delle pagine scritte da Mick Herron – ai toni e alle situazioni che
meglio si confanno agli squinternati agenti della Slough House.
Perché vedere questo gruppo di “sconfitti”, rancorosi e ciarlieri,
che riescono ancora a trovare la forza interiore per fare quello
che è giusto, infonde comunque a suo modo un minimo di speranza e
fiducia nell’umanità. Se ci riescono questi sciocchi, scalcinati
007, forse possiamo in fin dei conti riuscirci anche noi…
Maria,
scritto da Steven Knight (Spencer, Peaky
Blinders, Eastern Promises), racconta la tumultuosa, bella e
tragica vita della più grande cantante d’opera del mondo, rivissuta
e immaginata durante i suoi ultimi giorni nella Parigi degli anni
‘70. Maria è un film Fremantle prodotto
da Lorenzo Mieli per The Apartment Pictures, una società del gruppo
Fremantle, Juan de Dios Larraín per Fabula Pictures, e Jonas
Dornbach per Komplizen Film, un’esclusiva per l’Italia Rai
Cinema.
“Distribuiremo nelle sale italiane Maria,
uno dei film più attesi della Mostra, grazie ad un importante
accordo raggiunto con Andrea Scrosati con reciproca soddisfazione,
che ci vede insieme a Fremantle per la prima volta
per un grande film internazionale – dice Paolo Del
Brocco, amministratore delegato di Rai
Cinema. Un altro intenso ritratto femminile ad opera
di Pablo Larraín, un autore molto attento alle storie delle donne
del nostro secolo, che siamo felici di presentare al pubblico
italiano dopo Spencer, sulla figura della principessa Diana. Un
racconto impreziosito da interpreti di grande statura che mette al
centro il mito di una delle figure più emblematiche della nostra
storia culturale contemporanea, il cui ricordo ed eredità sono
destinati a restare nel tempo”.
“Sono davvero felice di questa collaborazione con
Rai Cinema che porterà nelle sale italiane, grazie
a 01 Distribution, un film bellissimo come
Maria – dichiara Andrea
Scrosati, Group Chief Operating Officer, CEO Continental
Europe di Fremantle. Da tempo con Paolo Del
Brocco cercavamo un nuovo progetto su cui collaborare e non poteva
esserci occasione migliore: un film creato e diretto da un autore
straordinario come Pablo Larraín, su un’icona mondiale come Maria
Callas, interpretata da una grandissima Angelina Jolie e da
straordinari talenti italiani come Pierfrancesco Favino, Alba
Rohrwacher e Valeria Golino. Non poteva esserci un partner migliore
di Rai Cinema e di tutto il team di Paolo“. Le vendite
internazionali sono a cura di FilmNation.
Linee narrative che si intrecciano e
trovano la giusta chiusura in una corsa liberatoria verso il sole,
L’innocenza di Hirokazu Kore-eda in concorso al Festival di Cannes 2023 incanta tutti con
eleganza e intelligenza. Il regista è già noto alla Croisette
avendo già vinto la Palma d’oro per Un affare di famiglia nel 2018.
Anche in questa pellicola torna a parlare di legami familiari
intricati e complessi, di passaparola che creano opinioni distorte
della realtà. Kore-eda collabora con lo
sceneggiatore Yûji Sakamoto e con il compositore
Ryuichi Sakamoto, che contribuisce attraverso la
colonna sonora a conferire alle scene la giusta particolarità.
In
L’innocenza la musica assume un verso e
proprio significato liberatorio, dove un soffio di tromba serve a
spazzare via tutto. Tutti i pensieri. Tutte le malignità. Tutto il
mondo esterno. Il significato stesso del film assume forma nelle
varie linee temporali. Se inizialmente guardiamo il mondo dal punto
di vista di una madre (Sakura Ando che interpreta
Saori) sola e apprensiva nei confronti del suo unico figlio, poi il
punto vi sta cambia. Un momento dopo vediamo il mondo con gli occhi
di Eita Nagayama che interpreta Hori. E, infine,
Monster si chiude con la prospettiva di Minato, interpretato da
Soya Kurokawa, ed Eri (Hinata
Hiiragi).
L’innocenza, la
trama
La ciclicità degli eventi di
L’innocenza risulta utile a comprendere a
360° la verità degli eventi. Come un giallo di Agatha Christie, Hirokazu Kore-eda crea questi tre punti di
vista ma il suo scopo non è cercare un colpevole, un mostro. Ogni
linea narrativa, che riprende qui stessi eventi, cerca di
nascondere e allo stesso tempo disvelare un pregiudizio. Ci sono
delle costanti in ogni linea narrativa. Quella che accende la
narrazione è un’esplosione che causa poi un incendio di un
hostess-bar, l’altra che invece la chiude è la tempesta.
Una miccia, quella
dell’incendio che dà il via al film. Con essa il pregiudizio di
propaga: girano voci su Hori, l’insegnante della
scuola di Minato ed Eri, che lo
rendono agli occchi dello spettatore un colpevole, un mostro. In
realtà, la narrazione che fa Kore-eda è
smascherare a pian piano questo pregiudizio cercando di spegnere
quell’incendio. Il regista, in maniera accurata, cerca di
indirizzarci verso una strada per poi sterzare di continuo.
Mr. Hori è stato accusato di comportamenti
inappropriati e violenza nei confronti di Minato,
questa la prima strada. Poi, la sterzata.
Nella linea narrativa di Mr.
Hori, insegnate di ginnastica, tutto procede normalmente.
È un insegnate che tiene molto ai suoi alunni e cerca di interagire
con loro in maniera amichevole. Ancora una volta in
L’innocenza tutto cambia: adesso c’è un nuovo
mostro da combattere, Minato. Il ragazzo descritto
come indisciplinato, diverso dalla linea narrativa della madre dove
sembrava indifeso. Adesso Minato è irascibile,
scontroso, prepotente. Tutto, in questo momento, va in suo sfavore:
è un bullo che chiude i suoi compagni nel bagno. Ma se la strada
adesso ci sembra dritta e sgombra da ogni ostacolo, Kore-eda sterza
ancora.
Soffiare via tutto
Nella parte finale, affidata al
punto di vista di Minato, troviamo finalmente la
chiusura di questo puzzle. Minato non è un bullo, anzi. In realtà,
sta solo cercando di aiutare Eri vittima di bullismo a scuola e in
casa. Monster cerca di affrontare anche tematiche complicate
riguardo le tematiche LGBT. Eri diventa il nuovo capo espiatorio:
“Papà mi guarirà, così quando sarò normale la mamma
ritornerà”, Eri ripete queste parole come un mantra, credendo
o facendo finta di credere che andrà tutto bene. Minato, invece, è
sensibile al dolore di Eri e i due riescono a instaurare una
complicità semplice, come quei rapporti che sembrano essere
destinati ad essere.
In questa terza fase, l’apparente
austera preside della scuola svela il suo devastante segreto,
“La felicità è qualcosa che tutti possono avere“. Da qui,
quello che potrebbe essere un grido liberatorio verso il cielo
viene sostituito da un soffio di tromba che prende tutte le note
stornate, ma non importa che lo siano. La tempesta che ha colpito
la città si placa, esce il sole. Le nuvole sono state spazzate via.
I due ragazzi corrono verso il sole, speranzosi nei confronti della
vita e dell’umanità.
Al Comic-Con di San Diego del mese
scorso, i Marvel Studios hanno dato il
benvenuto ai fratelli Russo come registi di Avengers:
Doomsday e Avengers:
Secret Wars. Tuttavia, la sorpresa più grande è stata
lasciata per ultima con l’introduzione di Robert Downey Jr. come nuovo grande cattivo
della Saga del Multiverso, il Dottor Destino. Il premio Oscar ha
interpretato Iron Man per oltre un decennio, quindi il suo ritorno
alla Marvel nei panni dell’iconico cattivo è stato decisamente
inaspettato.
Sfortunatamente, gran parte
dell’entusiasmo è stato smorzato dai fan che temevano che avrebbe
interpretato una variante malvagia di Tony Stark nell’armatura di
Destino. Parlando con The Hollywood Reporter, Downey
ha ora rotto il suo silenzio sul ruolo di Destino mentre parlava
del suo ruolo di Iron Man nel prossimo percorso di Disneyland
“Stark Flight Lab”. Ha anche confermato che interpreterà Victor Von
Doom e ha parlato della volontà del presidente dei Marvel Studios
Kevin Feige di fare la cosa giusta per il personaggio.
“Allora, probabilmente un anno
fa… perché, sapete, io e Kevin Feige siamo rimasti in contatto.
Siamo amici. Favreau, Feige e io siamo rimasti in contatto. Sono
vicino ai fratelli Russo; abbiamo altri affari in corso. Quindi,
c’è questo piccolo gruppo di compagni di viaggio e ho avuto
l’istinto di andare da Bob Iger e ho avuto un’idea al di fuori
dell’Universo Cinematografico su come poter essere utile a ciò che
sta accadendo nei Parchi e a tutto il loro intrattenimento basato
sulla localizzazione”.
“A un certo punto io e Susan
eravamo seduti con Feige e lui ha detto: ‘Continua a venirmi in
mente che se tu dovessi tornare…’ e Susan ha detto: ‘Aspetta,
aspetta, tornare come?’ Poi col tempo ci siamo resi conto che si
trattava di un’altra cosa che smentisce qualsiasi dubbio che si
possa avere su quell’uomo, un pensatore creativo molto sofisticato,
su come non retrocedere, come non deludere le aspettative, come
continuare a battere le aspettative? E ha parlato di Victor Von
Doom. Ho cercato questo personaggio e ho pensato: “Wow”. Poi Kevin
ha detto: “Prendiamo Victor Von Doom nel modo giusto. Prendiamolo
per il verso giusto”.
Gentile Concessione Disney – (Photo by Jesse Grant/Getty Images for
Disney)
“Allora ho detto a Kevin: “Posso
andare a parlare con Bob Iger?” E lui: “Di cosa?” E io: “Di tutto”.
Ero andato a casa di Bob e non so come descrivere quell’esperienza.
Ho avuto molte esperienze davvero belle, ma sono andato a casa di
Iger, ci siamo seduti e lui ha detto: “Mi piace”. Ho pensato: “Gli
piace”. Mi ha detto: “Vieni al Campus Imagineering”. Feige e io
andiamo all’Imagineering Campus e se volete parlare di due persone
che non sono facili da far impazzire, figuriamoci allo stesso
tempo… Non posso dire troppo, ma quello che sta succedendo lì in
questo momento va ben oltre le mie aspettative di ciò che era
possibile”.
Sembra che Feige non volesse che
Robert Downey Jr. tornasse a vestire i panni
di Iron Man, spiegando così la decisione di affidargli il ruolo del
Dottor Destino. Ora, non possiamo fare a meno di chiederci se i
Marvel Studios eviteranno di affrontare qualsiasi somiglianza tra
Tony e Victor trattando il Destino di Downey come un personaggio
completamente separato. Se così fosse, potrebbe essere simile a
come la somiglianza di Johnny Storm con Capitan America è stata
solo accennata di sfuggita in Deadpool &
Wolverine.
“Essere in grado di creare
storie ed esplorare personaggi all’interno dell’UniversoMarvelha realizzato il sogno di una vita, e abbiamo scoperto una
potente connessione con il pubblico in ogni film che abbiamo
realizzato. Siamo entusiasti di collaborare ancora una volta con
Kevin, Lou e tutto il teamMarvelper portare questa epica avventura narrativa in luoghi nuovi e
sorprendenti sia per i fan che per noi stessi”, hanno
dichiarato Joe e Anthony Russo dopo il panel del
SDCC.
Nuove immagini di
Salem’s Lot rivelano la prossima rivisitazione della
classica storia di vampiri di Stephen King,
confermando che il nuovo film è proprio dietro l’angolo.
Originariamente previsto per il settembre 2022, l’imminente remake
di Salem’s
Lot è stato recentemente confermato in anteprima su
Max nel corso dell’anno. La storia seguirà lo stesso racconto del
romanzo, in cui la città principale diventa un terreno di caccia
per un antico vampiro, che inizia a trasformare i suoi abitanti in
creature incaricate di eseguire i suoi ordini.
Ora Vanity Fair ha pubblicato nuove
immagini di
Salem’s Lot, rivelando così un primo sguardo
all’atteso adattamento cinematografico di Stephen King. Le immagini
accennano a diversi punti importanti della storia, tra cui la lenta
introduzione dei vampiri nella città e il pericolo che tutti
corrono. Di seguito, ecco le foto condivise da Vanity Fair. Non
resta a questo punto che attendere maggiori informazioni su questo
atteso progetto.
First Look: Lewis Pullman, Alfre Woodard,
Bill Camp, Makenzie Leigh, and John Benjamin Hickey star in
'Salem’s Lot,' a new adaptation of Stephen King’s vampire
tale.https://t.co/Fg40EGvVKu
‘Salem’s Lot,’ based on the 1975 novel, the
film follows author Ben Mears who returns to his small town in
search of inspiration for his next book—and instead finds his
fellow residents are being picked off one-by-one.
Né una data di uscita né un trailer
sono stati resi disponibili al momento. Nel film che sarà
disponibile solo in streaming, l’autore Ben Mears
(interpretato da Lewis Pullman) “torna nella
sua casa d’infanzia, Jerusalem’s Lot, in cerca di ispirazione per
il suo prossimo libro, solo per scoprire che la sua città natale è
preda di un vampiro assetato di sangue”, secondo alla logline
ufficiale.
A completare il cast ci sono
Alfre Woodard (Luke Cage) nel ruolo del
Dr. Cody, Makenzie Leigh (Gotham) nel
ruolo di Susan Norton, Bill Camp (The
Outsider) nel ruolo di Matthew Burke, Spencer
Treat Clark (Animal Kingdom) nel ruolo di Mike
Ryerson, Pilou Asbæk (Game of Thrones)
nel ruolo di Straker e John Benjamin Hickey
(The Big C) nel ruolo di Padre Callahan.
Il nuovo film Salem’s Lot
(Le notti di Salem) proviene dai team di
produzione dietro i franchise cinematografici Conjuring e IT.Gary
Dauberman scrive, dirige e è produttore
esecutivo. Altri EP includono James Wan, Michael
Clear, Roy Lee e Mark Wolper.
Salem’s Lot (Le notti di
Salem) è stato adattato per la prima volta
dalla CBS nel 1979. La miniserie in due parti, con David Soul nel
ruolo di Ben Mears, ha ricevuto tre nomination ai Primetime Emmy.
Ciò fu seguito dall’uscita nelle sale di A Return to
Salem’s Lot del 1987 , che fu commercializzato come
sequel ma non includeva nessuno dei personaggi originali.
Il regista di Alien:
Romulus, Fede Alvarez, ha parlato del
finale del film e della forma finale dello Xenomorfo che ha
provocato alcune critiche da parte della Disney. Ambientato tra i
primi due episodi del franchise di Alien, il nuovo film di
Alvarez segue la Rain di Cailee Spaeny e i suoi giovani compagni mentre
affrontano uno Xenomorfo a bordo di una stazione spaziale
abbandonata. Sebbene ci sia molta azione in tutto il film, il
finale dà il colpo di grazia con il personaggio di Isabela Merced, Kay, che dà alla luce una
nuova e terrificante forma aliena conosciuta solo come la
Prole.
In una recente intervista con
THR, Alvarez ha rivelato che la
progenie presente nel finale di Alien:
Romulus ha suscitato reazioni contrastanti da parte
dei dirigenti Disney. Secondo il regista, alcuni temevano che la
creatura e la sua nascita cruenta fossero “troppo”, ma
questo gli ha fatto capire che era la giusta direzione creativa da
seguire. “All’inizio si sono opposti, ma non perché non gli
piacesse. Hanno solo pensato: “È troppo? Dobbiamo proprio arrivare
a questo?”.
“E io: “Sì, ora che hai detto
che non dovremmo, so che lo farò”. Quindi è esattamente quello che
abbiamo fatto qui. Se ti viene dato un film di Alien da una società
di proprietà della Disney e loro dicono subito “Sì, facciamolo”,
allora in qualche modo stai fallendo. Quindi ci siamo spinti
davvero al limite e sono contento di averlo fatto”. In
un’intervista con Variety, invece, Álvarez ha riconosciuto che
l’introduzione di questa creatura nel finale del film potrebbe
sollevare più domande che risposte. “Probabilmente si tratta di
una nuova specie, perché questo mix non è mai accaduto prima”,
ha detto.
Alien: Romulus, tutto quello che
sappiamo sul film
Il film Alien:
Romulus è interpretato da
Cailee Spaeny (Priscilla),
David Jonsson (Agatha Christie’s Murder is
Easy), Archie Renaux (Tenebre e
ossa), Isabela Merced (The Last of Us),
Spike Fearn (Aftersun) e Aileen Wu.
Alien:
Romulus è diretto da Fede Alvarez (La
casa, Man in the Dark) da una sceneggiatura scritta dallo
stesso Alvarez insieme al suo frequente collaboratore Rodo Sayagues
(L’uomo nel buio – Man in the Dark), basata sui personaggi
creati da Dan O’Bannon e Ronald Shusett.
Nel film, un gruppo di giovani
coloni spaziali, mentre rovista nelle profondità di una stazione
spaziale abbandonata, si ritrova faccia a faccia con la forma di
vita più terrificante dell’universo. Dovranno allora cercare di
sopravvivere e impedire che quel male possa diffondersi. Il film è
al cinema dal 16 agosto.