La terza stagione di Squid
Game ottiene nuove anticipazioni dal protagonista
Lee Jung-jae, che rivela che l’ultima partita è
stata molto difficile da girare. Creata da Hwang
Dong-hyuk, la serie di successo Netflix è tornata per la sua seconda
stagione lo scorso dicembre, dopo il debutto nel 2021, riprendendo
la storia di Seong Gi-hun, interpretato da Lee, mentre cerca di
superare i giochi che danno il titolo alla serie. Squid Game – stagione 3 è ora confermata e porterà al
termine la serie da record dopo il finale della seconda stagione,
con una data di uscita attualmente fissata per il 27 giugno.
In una recente intervista con
The Credits, la rivista online della Motion Pictures
Association, Lee parla brevemente della terza stagione di
Squid
Game, rivelando che l’ultima partita della serie è stata
molto difficile da girare. Non fornisce alcun indizio su quale sia
questa partita, ma sembra che il pubblico debba aspettarsi una
sfida finale fisicamente impegnativa per Gi-hun per concludere
la serie. Ecco il commento di Lee:
“Nella prima stagione, man mano
che gli episodi vanno avanti, diventa davvero difficile per Gi-hun,
sia fisicamente che mentalmente. Direi che il gioco più difficile
che ho dovuto girare è stato l’ultimo della prima stagione, ovvero
Squid Game. Tra tutte le stagioni, penso che la più impegnativa e
difficile sia stata l’ultima puntata che vedremo nella terza
stagione. È stata la più difficile da girare”.
Cosa significa questo per la
terza stagione di Squid Game
Park Sung-hoon as Cho Hyun-ju, Jo Yu-ri as Kim Jun-hee, Kang Ae-sim
as Jang Geum-ja, Yang Dong-geun as Park Yong-sik in “Squid Game”
Season 3 Noh Ju-han / Netflix
Come la seconda stagione
prepara giochi ancora più letali
Squid Game – stagione 2 termina con il fallimento della
ribellione di Gi-hun. Dopo essersi finto un concorrente per tutta
la stagione, Front Man (Lee Byung-hun) mette fine alla rivolta,
sparando al migliore amico di Gi-hun, Jung-bae (Lee Seo-hwan).
Gi-hun sembrerà entrare nella terza stagione in una posizione di
debolezza e sconfitta, e la sua avventura nei giochi non è
evidentemente ancora finita. Dopo i titoli di coda della seconda
stagione, c’è un altro indizio che prepara il terreno per il futuro
di Gi-hun.
Dopo la fine della storia
principale della seconda stagione, la scena a metà dei titoli di
coda di Squid Game – stagione 2 mostra Young-hee, il
gigantesco pupazzo di “Red Light, Green Light” pronto all’azione
insieme a un suo omologo maschile, che in seguito si rivelerà
essere Chul-su. Un nuovo e potenzialmente molto più letale colpo
di scena in questo classico gioco è quindi in arrivo nella Squid
Game – stagione 3, e il commento di Lee sembra confermare
che riuscirà a superare questa sfida incolume. La stagione 1 si è
conclusa essenzialmente con un combattimento uno contro uno
all’ultimo sangue, e sembra che la stagione 3 non adotterà lo
stesso approccio per il gioco finale.
La regista di diversi episodi di
The
MandalorianBryce Dallas Howard ha
rivelato a sorpresa di aver parlato con la Lucasfilm di un
possibile spin-off dedicato a Mace Windu. Mace Windu è uno
dei più potenti Jedi di Star
Wars, e ha fatto scalpore introducendo una novità assoluta
tra i colori delle spade laser in Star Wars con la
sua spada laser viola. Purtroppo, la sua storia in Star Wars
sembra essere giunta al termine in Star Wars: Episodio III – La vendetta dei Sith, quando
Palpatine lo ha fatto volare fuori da una finestra. Alcuni fan
hanno a lungo sostenuto che Mace sia vivo, e a quanto pare la
questione è ancora aperta.
Parlando con The Direct, la regista di Mandalorian,
Bryce Dallas Howard, ha rivelato di aver già
parlato con la Lucasfilm del suo interesse a creare uno spin-off su
Mace Windu. Ha spiegato:
“…Sono andata direttamente da
Dave Filoni e gli ho detto: ‘Parliamo di Mace Windu e di dove si
trova. Possiamo parlarne? Perché, è morto? Lo è?’”
Lo stesso articolo riporta che
anche l’attore Samuel L. Jackson, interprete di Mace Windu, ha già
espresso interesse per un ritorno, proprio con Bryce Dallas
Howard:
“C’è una lunga tradizione di
personaggi con una mano sola che tornano in Star Wars… L’unica
persona a cui ho mai parlato di un possibile ritorno è stata Bryce
Dallas Howard, perché ho appena girato un film con lei.E lei dirige alcuni episodi di ‘The Mandalorian’, quindi le ho detto: ‘Pensi
di potermi dare una mano? Ti piaccio, vero?’ E lei mi ha risposto:
‘Ti adoro, sei fantastico!’ Allora le ho detto: ‘Rimettimi lì…
Fammi entrare, sono pronto!’ Insomma, imparerò a usare la spada
laser con la mano sinistra. Dai, dammi una mano’.
Con Bryce Dallas Howard e
Samuel L. Jackson evidentemente d’accordo sul ritorno
di Mace Windu e interessati a lavorare insieme a questo potenziale
progetto, la domanda rimane: Ci sarà Star Wars mai un
spin-off su Mace Windu?
Quanto è probabile uno spin-off
su Mace Windu, davvero?
Se c’è una cosa che è diventata
chiara negli ultimi anni riguardo ai film e alle serie TV di
Star Wars, è che sono quasi impossibili da
prevedere. Non molto tempo fa, sia Ewan McGregor che Hayden
Christensen hanno ripreso i ruoli di Obi-Wan Kenobi e Anakin Skywalker, cosa che
per molto tempo è sembrata poco più che un pio desiderio. Anche gli
annunci recenti, come il film di Ryan Gosling
Star Wars: Starfighter, sono stati una grande
sorpresa.
Detto questo, uno spin-off su
Mace Windu non è certamente fuori discussione. Star Wars
ha fatto cose molto più scioccanti, in particolare da quando Disney
ha acquistato Star Wars. Il fatto che Bryce Dallas Howard
sembri interessata a firmare come regista, che Samuel L. Jackson
sia chiaramente disponibile e che anche i fan abbiano espresso il
desiderio di vedere il ritorno di Mace Windu, lo rende più
possibile che mai.
Ecco le prime tre uscite di The
Big Dreamer, rassegna curata da Lucky Red e
Cineteca di Bologna che riporta in tutta Italia sul
grande schermo i capolavori del cinema di
David Lynch.
Si inizia nel mese del Festival
di Cannes con Cuore selvaggio, dal 12 al 14
maggio, per celebrare i 35 anni della Palma d’Oro vinta dal
film nel 1990. Le uscite seguiranno poi l’ordine cronologico della
filmografia di David Lynch.
Dal 26 al 28 maggio sarà in
sala l’esordio al lungometraggio del 1977, Eraserhead
insieme a First Image, documentario che ne racconta la
realizzazione, seguito, dal 16 al 18 giugno, da uno dei suoi
film più amati, The Elephant Man.
CUORE SELVAGGIO (Wild at
Heart, USA/1990) di David Lynch (125’)
Sceneggiatura: David Lynch dal romanzo di Barry
Gifford
Fotografia: Frederick Elmes
Montaggio: Duwayne Dunham
Scenografia: Patricia Norris
Musiche: Angelo Badalementi
Interpreti: Nicolas Cage (Sailor Ripley), Laura Dern
(Lula Pace Fortune), Diane Ladd (Marietta Fortune), Willem Dafoe,
(Bobby Peru), J.E. Freeman (Marcelles Santos), Isabella Rossellini
(Perdita Durango), Harry Dean Stanton (Johnnie Farragut), Crispin
Glover (cugino Dell), W. Morgan Sheppard (sig. Reindeer), Pruitt
Taylor Vince (Buddy), Grace Zabriskie (Juana Durango), Sheryl Lee
(Glinda la strega buona).
Tratto dall’omonimo romanzo
di Barry Gifford, vincitore dellaPalma
d’oro al43º Festival di Cannes,
conferita dalla giuria presieduta daBernardo
Bertolucci, il film vanta un cast di vere star:
Nicolas Cage,Laura
Dern,Diane Ladd,Harry Dean
Stanton eWillem Dafoe.
Sailor e Lula sono amanti, ma si
separano dopo che Sailor viene incarcerato in seguito ad un
omicidio commesso per legittima difesa. Dopo il suo rilascio, i due
fuggono per andare in California, violando apertamente gli obblighi
di libertà vigilata. Sulle loro tracce un detective sguinzagliato
da Marietta, squilibrata madre di Lula, che farà di tutto per
ritrovarli e uccidere Sailor.
Di motel in motel, travolti da
una passione incendiaria, i due fuggitivi trascinano lo spettatore
in un affascinante road movie attraverso un’America disperata,
violenta, pornografica.
ERASERHEAD (USA/1977)
di David Lynch (89’)
Restaurato in 4K da Criterion
Collection a partire dal negativo camera originale 35mm sotto la
supervisione di David Lynch. La colonna sonora è stata creata nel
1994 da David Lynch e dal sound editor Alan R. Splet a partire dal
missaggio originale del 1976.
Sceneggiatura: David Lynch
Fotografia: Frederick Elmes, Herbert Cardwell
Montaggio: David Lynch
Scenografia: David Lynch
Musiche: Peter Ivers
Interpreti: Jack Nance (Henry Spencer), Charlotte
Stewart (Mary X), Allen Joseph (padre di Mary), Jeanne Bates (madre
di Mary), Judith Anna Roberts (la vicina di casa), Laurel Near (la
donna del radiatore), Jack Fisk (l’uomo del pianeta).
Henry Spencer, tipografo, vive da
solo in uno squallido appartamento fra le allucinazioni che la sua
mente malata visualizza. Invitato a cena dalla famiglia di Mary,
una ragazza con cui aveva avuto una relazione tempo prima, scopre
di essere diventatopadre di uno strano
essere.Costretto a prendersi curadella bizzarra creatura, Henry sprofonda in un
tunnel di disperazione, in cui i confini tra sogno e realtà si
confondono inesorabilmente.
Opera d’esordio di David Lynch,
interpretato da Jack Nance, il film – catalogato come horror ma in
realtà lontano da facili classificazioni – è diventato un vero cult
del circuito underground.
“FIRST IMAGE – DAVID LYNCH”
(2018) di Pierre-Henri Gibert (30’)
Intervista a David Lynch nel suo
studio di Parigi in cui ripercorre la realizzazione di
Eraserhead, a oggi considerata una delle opere più singolari
del cinema americano.
Davanti alla telecamera, David Lynch
spiega perché il suo primo film rimane ancora oggi un tassello
fondamentale della sua filmografia
THE ELEPHANT
MAN (GB-USA/1980) di David Lynch (124’)
Restaurato in 4K da StudioCanal a
partire dal negativo originale con la supervisione di David
Lynch.
Soggetto: dai libri The
Elephant Man and Other Reminiscences (1923)
di Frederick Treves e The Elephant Man: A Study in Human
Dignity (1971) di Ashley Montagu
Sceneggiatura: Christopher
De Vore, Eric Bergren, David Lynch
Fotografia: Freddie
Francis
Montaggio: Anne V.
Coates
Scenografia: Stuart Craig,
Robert Cartwright
Musiche: John Morris
Interpreti: Anthony Hopkins
(Frederick Treves), John Hurt (John Merrick), Anne Bancroft (Mrs.
Kendal), John Gielgud (Carr Gomm), Wendy Hiller (Madre Shead),
Freddie Jones (Bytes), Michael Elphick (guardiano notturno), Hannah
Gordon (Mrs. Treves), Helen Ryan (Princess Alex), John Standing
(Fox)
Londra, seconda metà
dell’Ottocento. A causa di una malattia molto rara che gli ha dato
sembianze mostruose, il giovane John Merrick viene esposto come
“uomo elefante” nel baraccone di Bytes, un alcolizzato che campa
sfruttando la sua mostruosità e lo tratta come un fenomeno da
baraccone. È qui che Merrick viene scoperto dal dottor Frederick
Treves, un chirurgo del London Hospital che convince Bytes a
cederglielo per qualche tempo in modo da poterlo studiare e
curare.
Portato in ospedale e presentato
a un congresso di scienziati, John si rivela ben presto agli occhi
di Treves come un uomo di intelligenza superiore e di animo
raffinato e sensibile.
Un’emozionante rappresentazione del
nostro rapporto con la diversità. Otto nomination agli Oscar per
l’opera seconda di David Lynch, da molti
considerato il suo film più doloroso e struggente.
Il regista Pupi
Avati riceverà il Premio alla Carriera nel corso della
70ª edizione dei Premi David di Donatello. Il riconoscimento
sarà assegnato mercoledì 7 maggio nell’ambito della cerimonia di
premiazione in diretta, in prima serata su Rai 1, dagli studi di
Cinecittà e trasmessa in 4K (sul canale Rai4K, numero 210 di
Tivùsat). La conduzione dell’edizione 2025 è affidata a
Elena Sofia Ricci e Mika. La
serata sarà in diretta anche su Rai Radio2 – con la conduzione di
Carolina Di Domenico – e sarà disponibile sulla piattaforma di
RaiPlay.
“L’Accademia del Cinema
Italiano è onorata di consegnare il David alla Carriera a Pupi
Avati, talento poliedrico di regista, scrittore, sceneggiatore,
musicista e produttore, in coppia inossidabile con il fratello
Antonio – ha dichiarato la Presidente e Direttrice Artistica, Piera
Detassis – Grande autore e affabulatore, ha raccontato il tempo
perduto della provincia, con le sue pigrizie, le ferocie e gli
spaventi, il soffio spaventoso dei mostri immaginati da ragazzo
nelle campagne, ma anche la voglia di riscatto e lo slancio
nell’inseguire i propri sogni. Creatore indiscusso del gotico
padano con La casa delle finestre che ridono fino ai
recenti Il signor Diavolo e L’orto americano, Avati
si immerge con incanto e magia nell’autobiografia emiliana e scava
a tocchi leggeri, mai appariscenti, nell’inconscio piccolo borghese
e rurale, traendo segnali di umanità dalle vite grigie, redente
dalla poesia e dalla speranza, in un racconto a mosaico,
collettivo, d’amicizia e famigliare, come avviene nei suoi tanti
capolavori. La sua speciale grazia d’autore tocca gli attori,
esaltati in ruoli spesso sorprendenti, da Lino Capolicchio a Carlo
Delle Piane, da Gianni Cavina a Silvio Orlando, da Diego
Abatantuono a Renato Pozzetto, da Neri Marcorè ad Alba Rohrwacher
ed Elena Sofia Ricci, fino a comporre una geografia di volti e
umanità diversa, alla scoperta di un’Italia poetica e lontana dalle
luci della ribalta”.
Il thriller Her Private
Hell, il prossimo film di Nicolas Winding
Refn, ha trovato i suoi protagonisti. Tra i migliori film
di Nicolas Winding Refn figurano Bronson, Drive
e Only God Forgives. Nel corso della sua carriera, si è
guadagnato una reputazione come regista di film d’azione e thriller
artistici. Il suo film più recente, The Neon Demon, è uscito
nel 2016, il che significa che Her Private Hell sarà il
primo film di Refn in quasi un decennio. Al momento non sono noti i
dettagli della trama del prossimo film di Refn con Melton e
Thatcher.
NEON, lo studio che sta producendo il prossimo film di Refn, ha
pubblicato su X la conferma che Charles Melton e Sophie Thatcher
saranno i protagonisti di Her Private Hell. Oltre ai due
protagonisti, che negli ultimi anni si sono fatti un nome a
Hollywood, il film vedrà anche la partecipazione di Kristine
Froseth e Havana Rose Liu. Nel post non sono stati rivelati altri
membri del cast né dettagli sulla trama. La data di uscita di
Her Private Hell non è stata ancora annunciata, ma le
riprese del film inizieranno quest’anno a Tokyo. Di seguito il post
di NEON:
Melton e Thatcher sono ottime
scelte per Her Private Hell
Refn è stato elogiato per le sue
collaborazioni con Ryan Gosling, protagonista di Only God
Forgives e Drive, uno dei film più apprezzati della
carriera del regista. Melton sembra seguire le orme di Gosling
collaborando con il regista d’autore. Dopo aver recitato in
Riverdale per diverse stagioni, Melton è
stato riconosciuto come un giovane attore promettente a
Hollywood.
La filmografia di Melton include May December, che
secondo molti avrebbe dovuto valergli una nomination come miglior
attore non protagonista agli Oscar, e il film del 2025 acclamato
dalla critica Warfare.
Sebbene non si conoscano
ancora i dettagli della trama di Her Private Hell, la
partecipazione di Melton e Thatcher è entusiasmante.
Proprio come Melton, anche Thatcher
è stata riconosciuta come una giovane attrice di talento. È stata
elogiata in particolare per il suo lavoro nel genere horror.
I migliori film di Thatcher includono Heretic e
Companion, uno dei migliori film horror del 2025, e recita
anche nella serie acclamata dalla critica Yellowjackets. Data la sua esperienza in
progetti horror e thriller, sembra che Thatcher sarà perfetta
per il prossimo film di Refn. Sebbene non si conoscano ancora i
dettagli della trama di Her Private Hell, la partecipazione
di Melton e Thatcher è molto interessante.
Sebbene abbiamo già visto
merchandise di Thunderbolts* con
Sentry, interpretato da Lewis Pullman, i Marvel Studios non hanno ancora rivelato
ufficialmente il personaggio. Il massimo che abbiamo visto finora è
stato vedere il braccio del Golden Guardian in qualche trailer e
qualche fugace scorcio di Void.
Oggi, il videogioco Marvel Future Fight ha
condiviso alcune illustrazioni che mostrano un nuovo look per la
squadra di Thunderbolts e il costume di Sentry, fedele
all’originale. Il design è un po’ elaborato, soprattutto perché ha
quell’estetica ricca di linee a cui ci siamo abituati con i
supereroi dell’MCU.
Non sappiamo quanto tempo sullo
schermo avrà Sentry in Thunderbolts*, soprattutto se si
trasformerà rapidamente nel malvagio Void. Tuttavia, con Pullman
tra i confermati per Avengers: Doomsday, vedremo
presto “Bob” in azione.
Diretto da Jake
Schreier (Paper Towns), il cast di Thunderbolts*
comprende Sebastian Stan nel ruolo di Bucky Barnes,
Hannah John-Kamen nel ruolo di Ava Starr alias
Ghost, Wyatt Russell nel ruolo di John Walker,
David Harbour nel ruolo di Alexei Shostakov
alias Red Guardian, Olga Kurylenko nel ruolo di Antonia Dreykov
alias Taskmaster, Harrison Ford nel ruolo del Generale Thaddeus
‘Thunderbolt’ Ross e Lewis Pullman nel ruolo di
Bob alias Sentry.
In Thunderbolts*,
i Marvel Studios
riuniscono una insolita squadra di antieroi: Yelena Belova, Bucky
Barnes, Red Guardian, Ghost, Taskmaster e John Walker. Dopo essersi
ritrovati nel mezzo di una trappola mortale orchestrata da
Valentina Allegra de Fontaine, questi emarginati disillusi devono
affrontare una missione pericolosa che li costringerà a
confrontarsi con gli aspetti più oscuri del loro passato. Questo
gruppo disfunzionale si distruggerà dall’interno o riuscirà a
trovare redenzione, unendosi e trasformandosi in qualcosa di più
grande, prima che sia troppo tardi?
Florence Pugh riprende
il ruolo di Yelena Belova, sorella di Vedova Nera (e una delle
parti migliori della serieMarvelDisney+
Occhio di Falco). Inoltre,
Julia Louis-Dreyfus
interpreta Valentina Allegra de Fontaine, con Geraldine Viswanathan
nei panni di Mel, la sua assistente (che sostituisce una Ayo Edebri
estremamente impegnata e piena di impegni).
Lo sceneggiatore di Black
WidoweThor:
Ragnarok Eric Pearson si unisce agli sceneggiatori di
Beef Lee Sung Jin e Joanna Calo. Un trailer è stato mostrato a
porte chiuse al San Diego Comic-Con. Thunderbolts*
arriverà nelle sale il 30 aprile 2025, in ritardo
rispetto alla precedente data di uscita del 20 dicembre 2024 a
causa degli scioperi della WGA e della SAG-AFTRA. Nel frattempo,
restate aggiornati sul MCU con la nostra
guida alla storia della Fase 5 della Marvel e con uno
sguardo a ciò che deve ancora venire nella Fase 6 della Marvel.
Thunderbolts*
è diretto da Jake Schreier e Kevin
Feige è il produttore. Louis D’Esposito, Brian
Chapek, Jason Tamez e Scarlett
Johansson sono i produttori esecutivi.
È stato ufficialmente annunciato un
film live-action basato su Toys ‘R’ Us. L’azienda
produttrice di giocattoli è stata fondata da Charles Lazarus e ha
aperto i primi negozi fisici nel 1957. Per anni, l’azienda è stata
uno dei rivenditori più importanti nel settore della vendita di
giocattoli, prima di dichiarare bancarotta nel 2018 e chiudere i
propri negozi. Ora i prodotti dell’azienda possono essere
acquistati solo online e in negozi all’interno di grandi magazzini
come Macy’s.
Secondo Variety, è in fase di sviluppo un film live-action su
Toys ‘R’ Us. Il film è una coproduzione di Story Kitchen e Toys
“R” Us Studios, ma la trama esatta non è ancora stata rivelata. Tra
i produttori figurano Dmitri M. Johnson, Mike Goldberg, Timothy I.
Stevenson ed Elena Sandoval. Il presidente di Toys ‘R’ Us Studios,
Kim Miller Olko, ha dichiarato: “Sarà un viaggio senza limiti,
proprio come il gioco, che evocherà quel senso di meraviglia
elettrizzante che è l’essenza stessa di Toys’R’Us”. Di seguito
la citazione completa di Olko:
“Essendo il primo film di Toys’R’Us, questo progetto
rappresenta un’opportunità entusiasmante per portare la magia del
nostro marchio sul grande schermo. Sarà un viaggio senza confini,
proprio come il gioco, che evocherà quel senso di meraviglia
elettrizzante che è l’essenza stessa di Toys’R’Us. Questa storia
catturerà l’immaginazione, lo spirito d’avventura e la gioia che
hanno reso Toys’R’Us una meta imperdibile per i bambini di tutte le
età”.
Cosa significa questo per il
film Toys ‘R’ Us
Uno dei produttori ha lavorato
a Sonic The Hedgehog
Il film Toys “R” Us sta già facendo
grandi promesse, paragonandosi a film come Una notte al museo, Ritorno al futuro e Big. Si dice anche che prenda
ispirazione da film ispirati ai giocattoli come Barbie e Jumanji. Barbie ha
incassato oltre 1 miliardo di dollari al suo uscita nel 2023,
quindi non sorprende che aziende al di fuori della Mattel vogliano
seguire l’esempio. Mattel ha annunciato diversi film basati sui
giocattoli, tra cui film basati su Matchbox, View-Master e
American Girl Doll. Il film Toys ‘R’ Us è quindi l’ultimo di questa
tendenza basata sui giocattoli.
Johnson sarà un produttore
particolarmente importante per il film Toys ‘R’ Us. Johnson ha
lavorato come produttore in tutti e tre i film Sonic the
Hedgehog, che hanno ottenuto un discreto successo al
botteghino. Sonic the Hedgehog 3 ha incassato 491,9 milioni di
dollari al botteghino mondiale, diventando il film di maggior
successo finanziario della serie. Questi film basati su videogiochi
potrebbero non essere ispirati ai giocattoli, ma la comprovata
abilità di Johnson con le storie d’avventura rivolte ai bambini
potrebbe sicuramente essere sfruttata per il film Toys ‘R’ Us.
Hot Toys ha
condiviso un primo sguardo alla sua interpretazione dell’Uomo
d’Acciaio di David
Corenswet, tratto da Superman.
Sebbene l’azienda con sede a Hong Kong non abbia rilasciato una
presentazione completa, possiamo osservare nel dettaglio la texture
della tuta dell’eroe e l’accattivante cintura.
Questo design, sebbene non sia stato
apprezzato da alcuni fan, è molto rispettoso dei fumetti. È anche
molto più colorato di quello indossato da Kal-El, interpretato da
Henry Cavill, in film del DCEU come
Justice League e Black
Adam. Hot Toys probabilmente rivelerà questa action figure
in scala 1/6 in tutto il suo splendore tra un paio di mesi. Non è
chiaro se verranno prodotti altri personaggi del film, anche se
immaginiamo che la “Justice Gang”, Ultraman e Lex Luthor siano
tutti ottimi possibili. Ecco di seguito l’immagine:
Superman, tutto
quello che sappiamo sul film di James Gunn
Superman,
scritto e diretto da James Gunn, non
sarà un’altra storia sulle origini, ma il Clark Kent che
incontriamo per la prima volta qui sarà un “giovane reporter” a
Metropolis. Si prevede che abbia già incontrato Lois Lane e,
potenzialmente, i suoi compagni eroi (Gunn ha detto che
esistono già in questo mondo e che l’Uomo di domani non è il primo
metaumano del DCU). Il casting ha
portato alla scelta degli attori David Corenswet
e Rachel
Brosnahan come Clark Kent/Superman e Lois Lane. Nel
casta anche Isabela Merced, Edi Gathegi,
Anthony Carrigan,
Nicholas Hoult e Nathan Fillion.
Il film è stato anche descritto come
una “storia
delle origini sul posto di lavoro“, suggerendo che una
buona parte del film si concentrerà sull’identità civile di
Superman, Clark Kent, che è un giornalista del Daily Planet.
Secondo quanto riferito, Gunn ha consegnato la prima bozza della
sua sceneggiatura prima dello sciopero degli sceneggiatori, ma ciò
non significa che la produzione non subirà alcun impatto in
futuro.
Con la sua solita cifra stilistica,James Gunn
trasporta il supereroe originale nel nuovo immaginario mondo della
DC, con una singolare miscela di racconto epico, azione, ironia e
sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e
dall’innato convincimento nel bene del genere umano.
“Superman è il vero fondamento
della nostra visione creativa per l’Universo DC. Non solo è una
parte iconica della tradizione DC, ma è anche uno dei personaggi
preferiti dai lettori di fumetti, dagli spettatori dei film
precedenti e dai fan di tutto il mondo”, ha detto Gunn durante
l’annuncio della lista DCU. “Non vedo
l’ora di presentare la nostra versione di Superman, che il pubblico
potrà seguire e conoscere attraverso film, film d’animazione e
giochi”. Il film uscirà nelle sale il 10 luglio
2025.
Uscito nel 2000 e diretto da
Mark Dindal, Le Follie dell’Imperatore è forse uno dei film
Disney più sottovalutati di sempre, nonché uno dei più divertenti,
mentre segue le disavventure dell’imperatore/lama Kuzco e del buon
Pacha, che lo prende sotto la sua custodia. Irresistibili anche
Yzma e Kronk, la villian e il suo tirapiedi, le cui battute
diventate iconiche si sprecano, complice anche, per l’Italia, del
fantastico doppiaggio di Anna Marchesini.
Semplicemente irresistibile.
Ma dopo 25 anni dalla sua uscita,
siamo davvero sicuri di sapere tutto quello che c’è da sapere su
questa irresistibile commedia on the road? Ecco 10 curiosità su
Le Follie dell’Imperatore che forse ancora non
conosci!
Kuzco prende il nome dall’antica capitale degli Inca, Cuzco. La
città esiste ancora sulle Ande, nel Perù meridionale, a
un’altitudine di 3.200 metri.
La moglie di Pacha (John
Goodman), Chicha (Wendie Malick), è
incinta. Secondo il commento dell’edizione in Home Video, questo è
il primo film d’animazione Disney a mostrare una donna incinta. E
una delle prime madri umane a non essere trasformata nella villain
o uccisa.
Patrick Warburton improvvisò quando
Kronk canticchia la sua sigla mentre trasporta Kuzco (David
Spade) nella borsa verso la cascata. L’ufficio legale
della Disney fece firmare a Warburton tutti i diritti della
composizione canticchiata.
Nella scena in cui Pacha trasporta
Kuzco attraverso la giungla, Pacha e Kuzco discutono del fatto che
Kuzco ha un basso livello di zucchero nel sangue. Questa è un
inside joke sul fatto che David Spade, che interpreta Kuzco, è
diabetico nella vita reale.
Nella scena della cena in cui Kronk
accende un paio di candele, il portacandele è una piccola figura.
Si trattava di un personaggio delle prime versioni del film. Era un
consigliere dell’Imperatore, ruolo poi cancellato.
A causa dell’allusione nel titolo,
il film viene spesso erroneamente descritto come una versione di
“I vestiti nuovi dell’imperatore” di Hans
Christian Andersen. Sebbene alcuni tratti caratteriali del
protagonista siano simili a quelli del protagonista della storia di
Andersen, non ci sono ulteriori collegamenti. Piuttosto, la storia
presenta molte più somiglianze con la fiaba “Kalif Storch”
(Il califfo cicogna) di Wilhelm
Hauff.
Il finale originale vedeva Kuzco
costruire la sua enorme casa estiva sulla collina accanto alla casa
di Pacha. Sting inviò una nota ai produttori obiettando che Kuzco
non era cambiato davvero né aveva imparato nulla dalle sue
esperienze se avesse comunque costruito la sua sfarzosa villa.
Così, Kuzco costruisce (e si gode) una capanna molto più piccola,
più adatta al villaggio e allo stile di vita contadino.
Quando Kronk e Yzma vanno al loro
laboratorio segreto, oltrepassano diversi cancelli a forma di
animale. Il primo è un gatto e si sente il suono di un gatto che
miagola. Casualmente, Yzma si trasforma in un gatto alla fine di
questo film. Questo è un omaggio al famoso ruolo di Eartha
Kitt nei panni di Catwoman nella serie Batman
(1966).
Nella sequenza in cui la mosca
colpisce la ragnatela e viene mangiata, la mosca urla “Aiuto!”,
proprio come nel classico cinematografico La
mosca (1958), dove una mosca semiumana viene mangiata
da un ragno.
Quando un gruppo di guardie riceve
delle pozioni e si trasforma in vari animali, una di loro chiede:
“Sono appena stata trasformata in una mucca, posso tornare a casa?”
Si riferisce al detto “Till the cows come home”, che significa “per
molto tempo”.
Dopo cinque stagioni di delusioni
romantiche, scarso controllo degli impulsi e troppi riferimenti
letterari per una vita intera, You
5 ha concluso il suo capitolo finale. Quando la
serie ha debuttato su Lifetime nel 2018, in pochi se ne sono
accorti. Poi Netflix l’ha acquisita e improvvisamente Joe
Goldberg, interpretato da Penn Badgley, era
ovunque: a rimuginare in librerie e biblioteche, a uccidere persone
in nome dell'”amore” e, in qualche modo, a diventare la cotta più
problematica di internet.
Nel corso di cinque
stagioni, la serie è riuscita a trasformarsi sia in un guilty
pleasure che in una satira nera, mettendo in discussione
l’immagine del bravo ragazzo tormentato che in fondo è solo un
romantico.
You5 riporta Joe a New York, dove ha avuto inizio la
sua carriera da serial killer. Ma non si nasconde più; è ricco,
potente e ha cambiato nome, grazie a sua moglie Kate Lockwood
(Charlotte Ritchie). Ma Joe sarà sempre Joe, il
che significa che il suo ritorno a New York non sarà un arco
narrativo di redenzione ma una discesa in un caos sfrenato.
Tutti i 10 episodi di
You5 sono usciti il 24 aprile ed ecco di seguito la
spiegazione di cosa accade nel finale. Quindi, attenzione agli
SPOILER su You5:
In You 5
Joe verrà finalmente catturato?
È la domanda che tutti i fan (e gli
ex spettatori) di You si pongono. La
risposta breve è: sì. La risposta più lunga è che Joe finisce in
prigione, per gentile concessione di una squadra di donne a cui ha
fatto del male in passato. Chi lo incastra,
finalmente?
La principale istigatrice della
caduta di Joe è la sua attuale moglie, Kate, che ha incontrato a
Londra nella quarta stagione. All’inizio della quinta stagione,
sono felicemente sposati e hanno ottenuto la custodia del figlio di
Joe, Henry. Joe è persino diventato famoso come un uomo che ama le
mogli e che tiene la borsa di Kate. Ma quando Joe torna alle sue
vecchie abitudini assassine, Kate inizia ad avere dubbi. Si rivolta
contro di lui quando scopre che è responsabile della morte di sua
sorella, Raegan (Anna Camp).
Kate riesce a intrappolare Joe nella
sua gabbia di vetro. Accanto a lei c’è Nadia (Amy-Leigh
Hickman), la studentessa di Joe della quarta stagione. Se
ricordate, Nadia è stata incastrata per un omicidio commesso da
Joe. A loro si unisce Marienne (Tati Gabrielle),
una bibliotecaria che Joe ha incontrato a Madre Linda nella terza
stagione. L’ha rapita e tenuta prigioniera nel suo nascondiglio
londinese. È riuscita a fuggire solo perché Nadia l’ha trovata e
l’ha aiutata a simulare un’overdose.
Quando Joe riesce a fuggire dalla
gabbia e a disarmare Kate, viene rinchiuso da Maddie (sempre
interpretata da Anna Camp), sorella di Kate e
gemella di Raegan. Joe aveva precedentemente rapito Maddie e
l’aveva costretta a uccidere Raegan. Maddie dà fuoco alla libreria
per lasciarlo bruciare. Ma il chiodo nella bara figurata di Joe
viene piantato da Bronte (Madeline Brewer), il cui
vero nome è Louise e che ha un legame con Guinevere Beck
(Elizabeth Lail) della prima stagione.
Chi è Bronte?
Bronte è un personaggio
completamente nuovo introdotto in You 5.
È interpretata da Madeline Brewer, che è stata
anche Janine di “The Handmaid’s Tale” e Tricia di
“Orange Is the New Black“. Joe incontra Bronte quando la
sorprende mentre irrompe nella sua libreria. Affascinato dal suo
coraggio, dalla sua arguzia e dalla sua conoscenza letteraria, la
assume per riaprire il negozio. Quando il suo matrimonio con Kate
inizia a sgretolarsi, lui – non a caso – diventa ossessionato da
Bronte. Lei diventa il “tu” a cui si rivolge nei suoi
monologhi interiori.
Il passato travagliato di Bronte e
la sua relazione turbolenta con un ex apparentemente violento
risvegliano l’istinto protettivo e l’ardore di Joe. I due finiscono
per avere una relazione, che non fa che accelerare la fine del suo
matrimonio. E poi… si scopre che Bronte sta prendendo in giro Joe.
Il suo vero nome è Louise e fa parte di un gruppo di utenti di
Reddit che credono tutti che Joe abbia ucciso Beck. Il loro
obiettivo è consegnare Joe alla giustizia. Durante un
confronto, lui uccide l'”ex” di Bronte. Tuttavia, Bronte si è
innamorata di Joe e mette da parte i suoi amici e il suo buon senso
per difenderlo dalla polizia. Così riesce a scappare di nuovo.
Come viene catturato Joe?
Dopo che il trio di donne – Kate,
Nadia e Marienne – intrappola Joe nella gabbia, cercano di
costringerlo a confessare. Hanno anche intenzione di ucciderlo,
facendolo sembrare un suicidio. Purtroppo, Joe riesce a fuggire
grazie a una chiave che si è fatto impiantare
chirurgicamente nel braccio. Ferisce Kate e fugge mentre
la libreria brucia.
Più tardi, si ricongiunge con
Bronte, che si è finalmente resa conto della depravazione di Joe,
grazie a una bella ramanzina di Marienne. Tuttavia, finge di amare
ancora Joe per poterlo assicurare alla giustizia una volta per
tutte. Joe e Bronte fuggono in una baita in campagna, dove Joe
progetta le sue prossime mosse, in particolare come riavere
indietro suo figlio Henry. Nel frattempo, Bronte escogita un piano
per estorcergli una confessione.
Quando lei lo affronta con una
pistola, ne nasce una colluttazione e Bronte rischia di annegare.
Ma riesce a salvarsi e a sparare a Joe. Arriva la polizia, Joe
viene arrestato e condannato, va in prigione.
Cosa succede a tutti gli altri alla
fine di You 5?
La serie è un lieto fine per le
donne terrorizzate da Joe:
Kate è riuscita a sopravvivere all’incendio e mantiene la
custodia di Henry.
Nadia è tornata a scrivere e ha iniziato a insegnare.
Maddie non ha dovuto scontare la pena per incendio doloso o per
l’omicidio di sua sorella. È rimasta incinta di due gemelli.
Bronte/Louise ha curato il libro di Beck in modo che tornasse
ad essere scritto esclusivamente da lei.
Joe ha imparato la lezione?
No. Joe potrà anche passare
il resto della sua vita in prigione, ma è lo stesso
psicopatico/sociopatico tossico e narcisista. Il problema
non è lui… sei tu.
Disponibile su Netflix,
Bullet Train: Explosion è un remake del film
catastrofico del 1975 The Bullet Train, opera del regista
di
Shin Godzilla,Shinji Higuchi.
Sebbene il film offra una premessa abbastanza simile a quel grande
classico del cinema giapponese, agisce anche come suo sequel,
proponendo un nuovo mondo e personaggi ma portando avanti l’eredità
della storia del precedente lungometraggio. In questo articolo,
andiamo ad esplorare il suo finale, con una spiegazione complessiva
e il significato della storia nella sua totalità.
Bullet Train:
Explosion inizia con un treno proiettile pieno di
passeggeri che scoprono che una bomba è stata piazzata sul treno.
Se il treno scende sotto i 100 km/h, la bomba esplode. Il personale
del treno allerta immediatamente le autorità e i vari esperti di
trasporti, cercando di fermare il mezzo che attraversa il Giappone.
Mentre la maggior parte dei passeggeri riesce a uscire dal treno in
sicurezza, il primo piano di evacuazione termina prima che tutti
possano scendere. Così, un gruppo di sopravvissuti è ancora sul
mezzo e il tempo sta rapidamente per scadere.
Come viene fermato il treno in
Bullet Train: Explosion?
Quando Bullet Train:
Explosion si avvicina alla conclusione, un piccolo gruppo
di sopravvissuti è dunque ancora sul treno. Sebbene siano state
evitate diverse crisi, i passeggeri e gli specialisti dei trasporti
sono con le spalle al muro, poiché il treno si sta avvicinando a
Tokyo. Fortunatamente, la squadra escogita un ultimo piano. Ai
passeggeri rimasti viene detto di salire sul retro del treno,
mentre i conduttori, i macchinisti e i meccanici tentano una mossa
rischiosa. La bomba non può essere fatta esplodere, ma i passeggeri
possono essere allontanati dall’ordigno squarciando con forza il
treno a metà.
Quando il treno si avvicina a Tokyo,
il treno cambia binario. Durante questo scambio, i binari tornano
indietro, separando gli ultimi due vagoni dal resto del treno.
Questo fa deragliare quelli in cui si trovano i passeggeri, ma li
allontana dalla bomba. Per fortuna i personaggi erano preparati e
hanno raccolto materiali per attutire il colpo. I vagoni deragliano
e colpiscono alcuni muri costruiti con barili pieni d’acqua,
rallentando fino a fermarsi. Quando la squadra di soccorso
raggiunge i vagoni deragliati, scopre che i passeggeri sono
sopravvissuti. Nel frattempo, i vagoni precedenti esplodono su un
altro binario.
Cos’è il caso 109 e come si collega
al film del 1975
Nel corso del thriller di Netflix,
il caso 109 viene costantemente citato e alcuni
spettatori che non conoscono il franchise potrebbero non capire di
cosa si tratta. Durante l’analisi dell’allarme bomba, uno dei
funzionari dei trasporti chiede a qualcuno di recuperare i file del
caso 109 del 1975. Si tratta chiaramente di un riferimento al film
originale del 1975, The Bullet Train, in cui un altro
criminale aveva piazzato una bomba su un treno di proiettili. Anche
se in precedenza non c’erano indicazioni che questo film sarebbe
stato collegato all’originale, questo dettaglio significa che
Bullet Train: Explosion è a tutti gli effetti un
sequel.
Tuttavia, le cose vanno un po’
oltre. In Bullet Train: Explosion compaiono
diversi nuovi personaggi legati a quelli del film del 1975. In
primo luogo, compare un ufficiale in pensione che aveva partecipato
alla situazione degli ostaggi nel film originale. Inoltre, compare
anche il figlio di un personaggio chiamato Masaru
Koga. Questi era uno dei personaggi principali
dell’originale, in quanto attivista che aveva contribuito a
piazzare una bomba sulla Hikari 109. Alla fine del film, Koga si
ritrova in un’altra situazione simile e decide di farsi esplodere
piuttosto che consegnarsi alla polizia.
Chi ha piazzato la bomba sul treno
proiettile
L’identità del terrorista di
Bullet Train: Explosion rimane un mistero per gran
parte del film. Tuttavia, quando i colpevoli vengono rivelati, si
scopre che in realtà i cattivi sono due. Il primo è
Yuzuki, uno dei passeggeri rimasti sul treno dopo
il primo tentativo di salvataggio. La ragazza si rivela essere la
figlia del suddetto agente di polizia. Si scopre che la storia
eroica del padre era una menzogna, utilizzata per coprire il
sacrificio di Koga e per evitare che il governo apparisse
incompetente.
Gli abusi che Yuzuki ha ricevuto dal
padre e la frustrazione per le sue bugie l’hanno portata a compiere
l’attacco. Tuttavia, non ha agito da sola. Yuzuki ha avuto l’idea
dopo aver contattato un individuo sui social media, il quale ha
affermato di essere in grado di sviluppare bombe. Quest’uomo è il
figlio di Masaru Koga, che è coinvolto nel piano. Per tutta la
seconda metà di Bullet Train: Explosion, c’è un
mistero su quale di questi personaggi sia la vera mente. Tuttavia,
entrambi hanno svolto un ruolo fondamentale nella trama
malvagia.
Una volta svelato ciò, prima che i
personaggi di Bullet Train: Explosion prendano la
decisione di far precipitare il treno, vengono a conoscenza di
un’altra opzione. Yuzuki spiega che l’app che ha usato per far
esplodere le bombe è collegata a un monitor cardiaco che si trova
dentro di lei. Secondo Yuzuki, le bombe si disinnescano quando il
suo cuore si ferma. Ciò significa che se uno dei passeggeri
superstiti è disposto a ucciderla, può fermare il treno senza che
esploda. Nonostante ciò, nessuno è disposto a farsi avanti. Cercano
invece di trovare un modo per salvare la vita di tutti, compresa
quella di Yuzuki. Per questo motivo, la ragazza sopravvive fino
alla fine del film.
Il vero significato del finale di
Bullet Train: Explosion
Il finale di Bullet Train:
Explosion è dunque molto più ottimista di quello del film
del 1975, in quanto parla del potere del collettivismo e del lavoro
di squadra. Tutto il Giappone deve lavorare insieme per fermare il
treno e, alla fine, ci riesce. La rapidità di pensiero e la
mancanza di volontà di sacrificare tutti si rivelano vincenti per i
personaggi, tutti i protagonisti del film vivono fino alla fine,
dimostrando la buona riuscita di questo enorme lavoro di gruppo,
vero e proprio tema e cuore narrativo della pellicola.
Una delle missioni più impossibili
che vengono poste all’inizio del film è quella di raccogliere 100
miliardi di yen giapponesi. I terroristi richiedono che la maggior
parte di questa somma provenga dai cittadini giapponesi, cosa che
il governo non pensa possa accadere. Tuttavia, dopo la creazione di
una raccolta fondi, il denaro viene raccolto. Questo evidenzia
ulteriormente come l’idea di una comunità partecipe possa
funzionare su larga scala, concludendo quindi Bullet Train:
Explosion con un messaggio di speranza sul valore del
lavoro di squadra.
Il 17 luglio 2007, il Brasile ha
assistito al peggior incidente aereo della sua storia: lo schianto
di un aereo della TAM Airlines, che ha causato la
morte di 199 persone. L’incidente è anche considerato la più grande
tragedia aerea dell’America Latina ed è stato rivisitato nella
serie di documentari brasiliana Volo 3054 – Una tragedia
annunciata, disponibile su Netflix dal 23 aprile.
Il giorno del tragico incidente,
l’aereo, un Airbus A320 operato dalla TAM, non è riuscito ad
atterrare correttamente all’aeroporto di Congonhas a San Paolo. Ha
oltrepassato la pista e si è scontrato con un edificio della TAM e
una stazione di servizio in Avenida Washington Luís, causando
un’esplosione. Il documentario in tre parti esplora la
storia dietro l’incidente, incluso lo stato dell’aviazione
brasiliana all’epoca, le cause che hanno portato alla tragedia e
cosa è successo ai responsabili.
Il “blackout aereo” in Brasile
Quando si verificò la tragedia
dell’Airbus A320 della TAM nel 2007, il Brasile stava attraversando
quello che divenne noto come il “blackout aereo”, una crisi nel
settore dell’aviazione civile del Paese tra il 2006 e il 2007,
caratterizzata da massicci ritardi, cancellazioni di voli e caos
aeroportuale, che colpì milioni di passeggeri.
La crisi fu causata dalla mancanza
di investimenti nelle infrastrutture aeroportuali e nel controllo
del traffico aereo – conseguenza di anni di tagli al bilancio – e
dai bassi salari e dalle pessime condizioni di lavoro per i
controllori di volo. Ciò portò a scioperi e proteste di
“work-to-rule” (quando il rigoroso rispetto delle procedure viene
utilizzato per rallentare le operazioni), il tutto mentre il numero
di passeggeri cresceva senza una proporzionale espansione delle
infrastrutture.
La crisi peggiorò dopo lo schianto
del volo Gol 1907 del 29 settembre 2006, in cui persero la vita
tutti i passeggeri e l’equipaggio a bordo, entrando in collisione
con un altro aereo in rotta da Manaus a Brasilia. Questo incidente
aumentò l’insicurezza tra i professionisti dell’aviazione. Alcuni
controllori di volo furono sospesi per indagini su potenziali
errori operativi. In assenza di sostituzioni, altri dovettero
sostituirli, con conseguente ulteriore tensione. I controllori
chiesero migliori condizioni di lavoro e l’assunzione urgente di
altro personale.
Volo 3054 – Una tragedia
annunciata – Il peggior incidente nella storia dell’aviazione
brasiliana
Intorno alle 18:48 ora
locale del 17 luglio 2007, l’Airbus A320 della TAM, ora operativo
con il nome di LATAM, stava arrivando dall’aeroporto Salgado Filho
di Porto Alegre e tentò di atterrare all’aeroporto Congonhas di San
Paolo. La pista era bagnata e, a causa dei recenti lavori
di ristrutturazione, era priva della scanalatura che consente una
frenata più efficace degli aerei. La manovra di atterraggio
non ebbe successo: l’Airbus uscì di pista e si schiantò
contro un edificio cargo della TAM situato proprio di fronte
all’aeroporto.
L’aereo esplose, uccidendo
199 persone: 181 passeggeri, sei membri dell’equipaggio e
12 persone che si trovavano a terra o all’interno dell’edificio.
L’edificio fu successivamente demolito e trasformato in un
memoriale per le vittime, con 199 punti luce. In Volo 3054 –
Una tragedia annunciata, le famiglie delle vittime ricordano
il giorno dell’incidente e l’angosciante attesa per
l’identificazione dei corpi. Alcune famiglie non riuscirono a
seppellire i propri cari, poiché i corpi di alcune vittime furono
completamente polverizzati nell’impatto. Altri furono ritrovati
anche 30 giorni dopo l’incidente.
Le cause dell’incidente raccontato
in Volo 3054 – Una tragedia annunciata
L’incidente fu indagato da tre
agenzie brasiliane. Il CENIPA, il Centro per l’Investigazione e la
Prevenzione degli Incidenti Aeronautici, concluse che la tragedia
fu causata da una combinazione di errori umani e operativi. Secondo
il rapporto, durante l’atterraggio, i piloti hanno portato solo una
delle leve di comando del motore al minimo, mentre l’altra è
rimasta in modalità salita. Questo ha fatto sì che il sistema
dell’aereo interpretasse il tentativo di decollo, non di frenata.
Un ultimo segmento del registratore vocale della cabina di
pilotaggio ha registrato i piloti mentre notano che solo uno dei
comandi funzionava correttamente.
Tra gli altri fattori che hanno
contribuito alla segnalazione figurano la mancanza di un avviso
acustico per l’errata configurazione della manetta e carenze
nell’addestramento dell’equipaggio, basato principalmente su corsi
online. Sebbene esperto, il copilota aveva poche ore di volo su
A320. Inoltre, non esisteva alcuna normativa che impedisse gli
atterraggi a Congonhas con un inversore di spinta non funzionante,
nemmeno nei giorni di pioggia.
La CENIPA, in quanto agenzia di
prevenzione, non ha fatto i nomi dei responsabili. Tuttavia, il suo
rapporto ha contribuito a ulteriori indagini da parte della Polizia
Civile e della Polizia Federale, che hanno raggiunto conclusioni
diverse in merito alle responsabilità.
Chi è stato ritenuto
responsabile?
Inizialmente, la Polizia Civile
aveva incriminato 10 persone, tra cui dipendenti di Infraero
(l’autorità aeroportuale), dell’Agenzia Nazionale per l’Aviazione
Civile (Anac) e di TAM Airlines. La Procura di Stato ha aggiunto un
altro nome, portando il totale a 11 persone formalmente accusate.
Tuttavia, il caso non è stato portato avanti presso il tribunale
statale. È stato trasferito alla Procura Federale, con la
motivazione che si trattava di un reato commesso in precedenza
dalla sicurezza aerea, che ricadeva sotto la giurisdizione
federale. La Polizia Federale ha quindi preso in carico le indagini
e alla fine ha incriminato solo i due piloti: Kleyber Lima e
Henrique Stefanini Di Sacco.
Ciononostante, quando la Procura
Federale ha formalmente presentato le accuse, il procuratore
Rodrigo de Grandis ha scelto di incriminare altre tre persone: il
Direttore della Sicurezza dei Voli di TAM, Marco Aurélio dos Santos
de Miranda e Castro; il Vicepresidente Operativo dell’azienda,
Alberto Fajerman; e la direttrice dell’ANAC Denise Abreu.
Nel 2014, Fajerman è stato assolto
per mancanza di prove. Denise Abreu e Marco Aurélio sono stati
accusati di omicidio volontario, sostenendo di aver permesso al
velivolo di operare in condizioni inadeguate, ma nel 2015 tutti e
tre gli imputati sono stati assolti.
Cosa è cambiato dopo la tragedia di
Volo 3054 – Una tragedia annunciata?
Il rapporto del CENIPA ha emesso 83
raccomandazioni di sicurezza, indirizzate all’Organizzazione
Internazionale per l’Aviazione Civile (OCI), all’ANAC,
all’aeroporto di Congonhas, ad Airbus e a TAM. Una modifica
importante è stata l’installazione di sistemi di allarme visivi e
acustici per avvisare i piloti di possibili errori di
configurazione della manetta. Al momento dell’incidente, Airbus
aveva già sviluppato il dispositivo, ma non ne aveva imposto
l’installazione, poiché ciò avrebbe richiesto un costoso
richiamo.
All’aeroporto di Congonhas, la
modifica più significativa è stata la risistemazione della pista,
ora dotata di scanalature trasversali e di uno strato di attrito
poroso per migliorare il drenaggio dell’acqua e ridurre il rischio
di slittamento. La lunghezza utile della pista principale è stata
ridotta a 1.660 metri per consentire la creazione di zone di
sicurezza. Per quanto riguarda l’addestramento dei piloti,
l’Agenzia Nazionale per l’Aviazione Civile (ANAC) ha stabilito
standard minimi di addestramento specifici per i guasti al sistema
frenante.
Sebbene il Brasile abbia registrato
un aumento degli incidenti aerei negli ultimi anni – in particolare
nel 2024, che ha registrato 138 morti in 40 incidenti mortali ed è
stato considerato l’anno più mortale per l’aviazione brasiliana dal
2014 – queste cifre includono vari tipi di aeromobili, come
elicotteri e ultraleggeri, secondo i dati del Sistema di
Investigazione e Prevenzione degli Incidenti Aeronautici gestito
dall’Aeronautica Militare Brasiliana.
Nel caso dell’aviazione commerciale
regolare – la categoria a cui apparteneva il volo TAM 3054 – il
primo incidente mortale registrato dopo la tragedia del 2007 si è
verificato nell’agosto del 2024.
In quel caso, il volo 2283, un ATR
72-500 operato dalla compagnia aerea Voepass, si è schiantato a
Vinhedo, nello stato di San Paolo, uccidendo 62 persone. Fino ad
allora, il Brasile non aveva registrato incidenti mortali
nell’aviazione commerciale regolare per 17 anni – un dato che
rafforza l’idea che molte delle raccomandazioni di sicurezza
adottate dopo l’incidente del TAM abbiano avuto un impatto
duraturo.
The Old
Guard 2 ottiene una nuova serie di immagini, che rivelano
il ritorno di Charlize Theron nei panni di Andy. Uscito nel
2020 e diretto da Gina Prince-Bythewood, The Old Guard segue
una squadra di mercenari immortali mentre tentano di eliminare un
nemico che sta cercando di replicare i loro poteri. Dopo un lungo
periodo di sviluppo, The Old Guard 2 è finalmente alle
porte, con Victoria Mahoney alla regia e il ritorno di star del
cast originale come Chiwetel Ejiofor, KiKi Layne, Matthias
Schoenaerts, Luca Marinelli, Veronica Ngo e Marwan
Kenzari.
Netflix ha
ora condiviso quattro nuove immagini di The Old Guard 2, che
mostrano Theron in azione nei panni di Andy insieme ai membri del
suo team. Oltre a confermare che il sequel uscirà il 2 luglio, la
piattaforma di streaming ha anche pubblicato una logline del film,
che anticipa una storia incentrata sull’emergere di un’antica
minaccia. Date un’occhiata alla logline e alle nuove immagini qui
sotto:
Alle prese con la sua nuova mortalità, Andy vede emergere una
nuova minaccia che si sta preparando da migliaia di anni.
THE OLD GUARD 2 ⚔️ JULY 2
Here’s a new look at Charlize Theron and her team of immortals.
Grappling with her newfound mortality, Andy sees a new threat
emerge thousands of years in the making. pic.twitter.com/xSVN1i9v7H
Cosa significano le nuove
immagini per The Old Guard 2
Un cambiamento emozionante è in
arrivo nel sequel Netflix
Uno degli elementi più singolari di
The Old Guard era il mix di armi antiche e combattimenti
moderni. Le immagini sopra confermano che questo elemento del
franchise tornerà, con Andy, interpretata da Theron, che in due di
esse impugna la sua caratteristica ascia da battaglia. Sebbene le
immagini siano attente a non rivelare l’antica minaccia menzionata
nella logline, quella di Andy in un tunnel che cammina accanto a
tre soldati morti o feriti suggerisce che almeno una parte del film
si svolgerà sottoterra.
Il finale di The Old Guard
vede Andy perdere i suoi poteri di immortalità, ma questo
chiaramente non ha influito sulla sua volontà di combattere in un
combattimento all’ultimo sangue con i suoi nemici. Le immagini non
rivelano esattamente come questo cambiamento di Andy influirà sulla
trama del sequel e come questo potrà influire sulla sua leadership
o sulle dinamiche del team. Il primo Old Guard ha
ottenuto recensioni generalmente positive dalla critica nel
2020, ottenendo un punteggio dell’80% su Rotten
Tomatoes, e non è ancora chiaro come i cambiamenti del sequel
influenzeranno la sua accoglienza da parte della critica.
La star di Stranger
Things, Noah Schanpp, che interpreta Will Byers, ha
rivelato che la quinta stagione lascerà gli spettatori
“devastati”, lanciando un avvertimento sul finale della
serie. Stranger Things – stagione 5 dovrebbe
arrivare nel 2025, ponendo fine a una delle serie originali più
popolari di Netflix sulla loro piattaforma. Le riprese si sono
svolte nel corso del 2024 e, sebbene la data di uscita non sia
ancora stata rivelata, gli episodi finali della serie sono
attualmente in fase di post-produzione. Al momento della stesura di
questo articolo, non è chiaro come si svolgerà la stagione di otto
episodi e cosa significherà per i tanti amati personaggi della
serie.
Parlando con The Hollywood Reporter durante l’apertura a
Broadway di Stranger Things: The First Shadow, Schnapp ha
rivelato che la stagione 5 di Stranger Things lascerà gli
spettatori “devastati.” L’attore ha spiegato come
l’ultima stagione farà senza dubbio piangere chi la guarderà,
anticipando quanto saranno belli gli ultimi episodi. Anche il
co-creatore Ross Duffer è intervenuto, confermando un finale duro
per la serie principale e i suoi personaggi. Scoprite cosa hanno
detto Schnapp e Duffer qui sotto:
Noah Schnapp:La
gente sarà davvero devastata. Per quanto sia stato triste, sono
così entusiasta di vedere la reazione del mondo alla visione del
finale perché non ci sarà un occhio asciutto, sarà triste. Non per
essere così negativo, è una stagione davvero fantastica e la gente
la adorerà.
Ross Duffer:È la
fine di un lungo viaggio, per tutti coloro che hanno realizzato la
serie e anche per i personaggi. È emozionante ed è l’inizio più
veloce che abbiamo mai avuto: i nostri eroi entrano subito in
azione, ma penso che alla fine, si spera, sarà la nostra stagione
più emozionante.L’obiettivo di questi episodi finali è
quello di colpire forte, perché per molti versi rappresentano la
fine di questo viaggio che abbiamo intrapreso tutti e anche la fine
dell’infanzia.
Cosa significano le
dichiarazioni di Schnapp e Duffer per la quinta stagione di
Stranger Things
Negli episodi finali potrebbero
verificarsi alcuni eventi strazianti
I personaggi principali di
Stranger Things devono affrontare la battaglia più
difficile della loro vita, poiché Vecna (Jamie Campbell Bower) ha
aperto una frattura tra Hawkins e l’Upside Down. Fermarlo non sarà
facile, ma il legame di Will con l’altra dimensione lo renderà
fondamentale per il modo in cui il gruppo affronterà il nemico
finale. Tuttavia, stando alle dichiarazioni di Schnapp, non
sembra che ci sarà un lieto fine per tutti, il che fa presagire
che gli eventi saranno molto emozionanti per chi ha investito molto
nella serie.
L’aggiunta di Duffer rafforza
questa idea, soprattutto confermando che gli episodi finali
inizieranno con la storia già in fase avanzata. Non è confermato
che alcuni personaggi avranno una fine tragica, il che significa
che parte dell’emozione proverà probabilmente dal fatto che questa
sarà la loro ultima avventura insieme. Tuttavia, la
fine della quarta stagione di Stranger Things ha
stabilito quanto Vecna sia una minaccia per il mondo intero,
sottolineando la probabilità che alcuni volti amati potrebbero non
sopravvivere a questa battaglia finale.
In occasione della Star
Wars Celebration 2025 è stato svelato che il
misterioso film su Star Wars del regista di
Deadpool &
Wolverine, Shawn Levy, che avrà come
protagonista Ryan Gosling, è stato ufficialmente intitolato
Star
Wars: Starfighter, con
l’annuncio anche della data di uscita del 28 maggio
2027. “La realtà è che questa sceneggiatura è
davvero ottima. Ha una storia fantastica con personaggi fantastici
e originali“, ha detto Gosling dal palco dell’evento. “È
pieno di cuore e di avventura, e non c’è un regista più perfetto di
Shawn per questa particolare storia”.
“Questo è uno standalone. Non è
un prequel, né un sequel. È una nuova avventura. È ambientato in un
periodo di tempo che non abbiamo ancora visto esplorare“, ha
aggiunto Levy. Anche se durante la presentazione non sono stati
rivelati dettagli specifici sulla storia, ora potremmo avere
qualche dettaglio in più grazie all’insider Daniel
Richtman, che rivela anche i nomi di alcuni importanti
attori di Hollywood che hanno rifiutato ruoli chiave nel film.
“Star
Wars: Starfighter segue un ragazzo di 15 anni in missione con
lo zio, interpretato da Ryan Gosling. Sono inseguiti da un duo di
cattivi, uno maschile e uno femminile. Inizialmente a Jesse Plemons
e Jodie Comer erano stati offerti i ruoli dei cattivi, ma entrambi
hanno rifiutato. Mikey Madison è stata successivamente contattata
per il ruolo del cattivo femminile, ma anche lei ha rifiutato. Un
altro ruolo chiave è quello della madre del ragazzo (forse la
sorella o la cognata di Gosling, anche se non è chiaro)”.
“A Sarah Snook era stata
offerta la parte, ma ha rifiutato. Greta Lee era stata presa in
considerazione per un altro ruolo femminile, quello della
proprietaria di una cantina che i protagonisti incontrano durante
la loro missione, ma anche lei ha rifiutato“. Naturalmente,
quanto riportato da Richtman è da prendere con le pinze, in quanto
non ci sono conferme ufficiali né su questa linea di trama né su
questi nomi. Bisognerà dunque attendere maggiori certezze, che
potrebbero arrivare già nel corso di quest’anno.
Secondo quanto riferito, il film
“avrà un budget significativamente inferiore” rispetto ai
precedenti film dell’era Disney e viene descritto come una storia
“più contenuta”. Levy sta sviluppando la sceneggiatura con
Jonathan Tropper (This Is Where I Leave You,
The
Adam Project) dal 2022, e dovrebbe anche produrre tramite
21 Laps, insieme al presidente della Lucasfilm (anche se non si sa
per quanto tempo ancora) Kathleen Kennedy.
Una sinossi – non confermata – del
film è: “Star Wars: Starfighter segue un ragazzo di 15 anni in
missione con lo zio, interpretato da Ryan Gosling. Sono inseguiti
da un duo di cattivi, uno maschile e uno femminile”. Dopo il
grande successo di Deadpool &
Wolverine, Levy è considerato dalla Disney come un regista
“indispensabile e da mantenere”, quindi è molto probabile che avrà
un notevole controllo creativo sul film. Al momento l’unico membro
noto del cast è Ryan Gosling. Il film ha una data di uscita in
sala fissata al 28 maggio 2027
Force of Nature: oltre
l’inganno (Force of Nature: The Dry 2), un nuovo
thriller basato sul romanzo di Jane Harper, è il
sequel del film del 2020 The Dry, interpretato da
Eric Bana nel ruolo del detective della
polizia federale Aaron Falk.
Bana torna nei panni di Aaron in
Force of Nature: oltre l’inganno, dove viene chiamato a
indagare sul caso di una donna scomparsa, Alice Russell (Anna
Torv), scomparsa da qualche parte nella catena
montuosa Giralang Ranges durante un ritiro aziendale.
Si scopre che Aaron conosce già
Alice, poiché lei lo stava aiutando a scoprire un giro di
riciclaggio di denaro sporco nella sua azienda, la Bailey Tennants.
Non solo, ma Aaron ha anche un legame personale con la zona in cui
è scomparsa Alice. Anni prima, sua madre era scomparsa da quella
regione mentre era con lui durante una spedizione familiare.
In questo articolo che spiega il
finale di Force of Nature: oltre l’inganno, poniamo la
domanda: cosa è successo ad Alice Russell
Come fa Aaron a conoscere
Alice?
Oltre a indagare sulla scomparsa di
Alice, Aaron sta anche lavorando con la sua collega Carmen su un
caso di riciclaggio di denaro.
Il suo obiettivo è Daniel Bailey,
il capo di una società chiamata Bailey Tennants. Aaron sospetta che
Daniel stia aiutando i suoi clienti a evadere le tasse. Per
scoprire i suoi misfatti, ha chiesto ad Alice di aiutarlo a
smascherarlo.
Alice è una consulente finanziaria
senior della Bailey Tennants. Aaron l’ha ricattata per convincerla
a diventare un’informatrice dopo aver scoperto che aveva fatto una
grossa donazione alla scuola di sua figlia Margot. Quel denaro non
era una donazione di beneficenza, ma era stato dato per proteggere
Margot dall’espulsione.
Aaron ha dato ad Alice una pen
drive e le ha chiesto di raccogliere prove contro Daniel Bailey e i
suoi clienti loschi. Ma prima che potesse dare le informazioni ad
Aaron, è scomparsa durante un ritiro aziendale organizzato da
Daniel e sua moglie Jill.
Cosa succede durante il ritiro
aziendale?
Al ritiro ci sono Alice, Jill,
Lauren, Bethany e Bree. Lauren è la madre di una ragazza di nome
Rebecca, vittima di bullismo da parte della figlia di Alice,
Margot. È stato proprio questo bullismo a causare quasi
l’espulsione di Margot.
Bethany e Bree sono sorelle. Man
mano che la storia va avanti, scopriamo il passato criminale di
Bethany.
Il gruppo si perde durante
l’escursione, soprattutto grazie ad Alice che sembra averli portati
fuori strada. Non hanno i telefoni con sé perché durante
l’escursione è vietato usare dispositivi elettronici. Non hanno
nemmeno una mappa, perché l’hanno persa in un fiume.
Alla fine trovano una capanna
abbandonata e decidono di passare lì la notte. Alice non vuole
restare lì perché vuole tornare in hotel.
Nelle vicinanze c’è la tomba di un
cane. Alice pensa che potrebbe essere il cane del serial killer
Martin Kovak, che anni prima aveva usato il suo animale per
attirare le sue vittime ignare.
(È possibile che la madre di Aaron
sia stata uccisa da Kovak. Durante una gita con la famiglia, lui
aveva sentito un cane abbaiare e poi aveva scoperto la madre
ferita. La donna era poi morta a causa delle ferite riportate).
Kovac potrebbe essere responsabile
anche della scomparsa di Alice? No, perché è morto anni prima. C’è
una spiegazione più semplice per la scomparsa di Alice, che Aaron
scopre durante le sue indagini.
Cosa è successo ad Alice in
Force of Nature: oltre l’inganno?
Mentre Aaron indaga, scopre quanto
segue. Alice non era ben vista dal gruppo. In un certo senso,
era prepotente quanto sua figlia. Pertanto, è possibile che
qualcuno di loro abbia avuto qualcosa a che fare con la sua
scomparsa. Quando Alice è scomparsa durante il ritiro, Bree è
andata a cercarla. Alla fine, ha trovato il suo cadavere.
Inizialmente, Bree ha pensato che
sua sorella Beth potesse avere qualcosa a che fare con la morte di
Alice. Questo perché ha trovato la torcia di Beth vicino al corpo.
Dato che Beth aveva un passato criminale, questo le ha dato un
altro motivo per sospettare il coinvolgimento della sorella. Per
proteggere Beth, Bree ha spostato il corpo di Alice in un altro
luogo.
Allora, chi ha ucciso Alice? A
quanto pare, la responsabile della sua morte è Lauren. Lei e Alice
hanno avuto un confronto, durante il quale Alice ha accusato Lauren
di essere debole come sua figlia. In un impeto di rabbia, Lauren ha
spinto Alice facendola cadere su una roccia.
Alice è morta dopo aver battuto la
testa sulla roccia. È possibile che avrebbe potuto essere salvata
con un intervento medico. Ma Lauren ha scelto di tornare alla baita
senza rivelare alle altre donne dove si trovava Alice.
Il giorno dopo, quando Lauren è
tornata nel luogo dove aveva lasciato Alice, ha visto che Alice non
c’era più. Ha pensato che Alice fosse tornata all’hotel. Ma, come
ora sappiamo, Bree aveva spostato il cadavere di Alice.
Come finisce il film Force
of Nature: oltre l’inganno?
Lauren, che si sente in colpa per
la morte di Alice, va in cima a una cascata. Ha intenzione di
suicidarsi, ma Aaron arriva per parlarle. Dopo aver scoperto cosa
ha fatto ad Alice, cerca di allontanarla dal bordo. Ma nel farlo,
Lauren cade nell’acqua sottostante.
Aaron si tuffa in acqua e riesce a
salvarla. Questo atto di coraggio potrebbe essere terapeutico per
lui, che in precedenza non era riuscito a salvare sua madre.
Poco dopo, Beth confessa ad Aaron
che Daniel pensava che fosse lei l’informatrice. Rivela anche che
Alice stava cercando di proteggerla.
Beth ha trovato la pen drive che
Alice aveva nascosto vicino a uno dei loro falò. Alla fine del
film, la consegna ad Aaron, fornendogli così le informazioni
necessarie per incriminare Daniel Bailey.
Chicago
P.D.è stato il primo spin-off di
successo del franchise One Chicago, ma la serie poliziesca verrà
rinnovata per la tredicesima stagione? Creata dal guru della TV
Dick Wolf e Matt Olmstead, Chicago P.D. segue gli agenti
dell’Unità Intelligence del dipartimento di polizia mentre
utilizzano le loro abilità uniche per risolvere alcuni dei casi più
difficili che la città ha da offrire settimana dopo settimana. Nel
corso dei suoi oltre dieci anni di programmazione, la serie si è
ampliata fino a non limitarsi più alle storie dei casi della
settimana, ma a intrecciare anche interessanti narrazioni sulle
vite dei personaggi.
Lo sciopero di Hollywood del 2023
ha messo un freno alla programmazione autunnale della NBC e ha
causato il rinvio dell’intera serie One Chicago alla metà della
stagione 2024. Ciò non ha minimamente intaccato la popolarità del
franchise, e la stagione 11 di Chicago P.D., nonostante la
durata ridotta, ha rapidamente ottenuto il rinnovo per una
dodicesima stagione. Nonostante la promessa di un ritorno alla
normalità nel palinsesto, diversi cambiamenti importanti nel cast
hanno influenzato il percorso della stagione 12, tra cui l’addio
del personaggio preferito dai fan Hailey Upton (interpretato da
Tracy Spiridakos). Anche se il successo di Dick Wolf è in
evoluzione da diverse stagioni, la probabilità di una stagione 13
di Chicago P.D. sembra alta.
La stagione 13 di Chicago P.D.
non è confermata
La NBC non ha ancora ordinato
un’altra stagione
Il destino di Chicago P.D.
sembra assicurato, a meno che gli ascolti non crollino durante la
dodicesima stagione.
Dopo oltre un decennio in onda, non
c’è dubbio che il franchise One Chicago sia diventato un punto
fermo della TV network. Nonostante ciò, la NBC non ha ancora
preso una decisione sulla tredicesima stagione di Chicago
P.D., e la rete non ha rinnovato nessuna delle sue serie
gemelle. Questa mossa non è esattamente sorprendente, considerando
che la dodicesima stagione è ancora in onda e che i recenti
scioperi a Hollywood potrebbero rendere le reti un po’ più
reticenti a ordinare nuove stagioni con troppo anticipo.
Indipendentemente da ciò, il destino di Chicago P.D. sembra
assicurato, a meno che gli ascolti non crollino durante la
dodicesima stagione.
I nuovi episodi di Chicago P.D. vanno in onda ogni
mercoledì sulla NBC.
Con poche possibilità di un calo
degli ascolti, il rinnovo di Chicago P.D. (e anche delle
altre serie) arriverà probabilmente a metà stagione o più tardi.
Anche durante le stagioni abbreviate dallo sciopero all’inizio del
2024, la NBC non ha perso tempo e ha rinnovato in blocco il
franchise One Chicago. Se lo schema si manterrà, la stagione
13 di Chicago P.D. sarà probabilmente ordinata
contemporaneamente alla stagione 14 di Chicago
Fire e alla stagione 11 di Chicago
Med.
La stagione 12 di Chicago
P.D. è stata trasmessa per la prima volta il 25 settembre
2024.
Dettagli sul cast della
tredicesima stagione di Chicago P.D.
Quali agenti torneranno in
servizio?
Sebbene al momento non si sappia
nulla sul potenziale cast della tredicesima stagione, le serie come
Chicago P.D. spesso puntano su un cast solido e sulla
continuità tra una stagione e l’altra. Il cast della tredicesima
stagione di Chicago P.D. sarà probabilmente composto da
volti noti, guidati da Jason Beghe nel ruolo del sergente Hank
Voight, che interpreta sin dal debutto della serie. I grandi
cambiamenti tra la stagione 11 e la 12 potrebbero potenzialmente
lasciare spazio a una stagione 13 meno turbolenta, e i nuovi
arrivati come Kiana Cool di Toya Turner potrebbero diventare
personaggi fissi. Emily Martel (Victoria Cartagena) è stata uccisa
nella premiere della stagione 12 e non tornerà.
Dettagli sulla trama della
tredicesima stagione di Chicago P.D.
Si prevedono casi ancora più
emozionanti
Prevedere la trama della
tredicesima stagione di Chicago P.D. è difficile in questo
momento, perché la dodicesima stagione riserverà probabilmente
molte sorprese prima di giungere al termine. Inoltre,
Chicago P.D. è una serie procedurale che si basa molto su
casi settimanali che non hanno seguito negli episodi successivi.
Per questo motivo, l’unica cosa che si può davvero prevedere sulla
prossima stagione è che Voight e la sua squadra dovranno affrontare
una miriade di sfide nel tentativo di mantenere Chicago al
sicuro.
David F. Sandberg, regista di
Shazam! e
Annabelle 2, torna in sala con Until Dawn
– Fino all’Alba, basato sull’omonimo videogioco e
distribuito in Italia da Eagle Pictures a partire dal 24 aprile.
Ecco la nostra intervista con il regista.
Nel cast ci sono Ella Rubin
(Anora), Michael Cimino
(Annabelle 3, Love, Victor),
Odessa A’zion (Hellraiser), Ji-young Yoo
(Freaky Tales), Belmont Cameli
(Ti giro intorno), Maia Mitchell
(Una torta per l’uomo giusto) e Peter
Stormare (Constantine, Educazione
siberiana, John Wick – Capitolo 2).
La trama di Until Dawn: Fino all’alba
Un anno dopo la misteriosa
sparizione di sua sorella Melanie, Clover e i suoi amici si recano
nella remota valle in cui è scomparsa, in cerca di risposte.
Esplorando un centro visitatori abbandonato, i ragazzi sono
inseguiti da un assassino mascherato e orribilmente uccisi uno dopo
l’altro… per poi svegliarsi e ritrovarsi all’inizio della stessa
notte. Intrappolati nella valle, sono costretti a rivivere l’incubo
ripetutamente ma ogni volta la minaccia dell’assassino è diversa,
ciascuna più terrificante della precedente. La speranza diminuisce
quando il gruppo si rende conto di poter morire per un numero
limitato di volte e che l’unico modo per fuggire è sopravvivere
fino all’alba.
In un’intervista di
Deadline a Michael B. Jordan per il suo nuovo film
I
Peccatori, è stato riferito casualmente che il seguito
di C’era una volta a… Hollywood si intitolerà
The Continuing Adventures of Cliff Booth. La trama
del film dovrebbe seguire il carismatico stuntman di Booth mentre
diventa un faccendiere degli studios di Hollywood. Al momento non
si conoscono ancora altri dettagli sul film, anche se si basa su
una sceneggiatura scritta dallo stesso Tarantino.
Cosa significa questo per il futuro
di Cliff Booth
Cliff era già uno dei personaggi più
enigmatici e intriganti di C’era una volta a…
Hollywood, e la sua misteriosa storia non ha fatto altro
che aumentarne il fascino. Rimangono alcuni interrogativi sulla
storia di questo personaggio, tra cui se abbia davvero ucciso sua
moglie (anche se il romanzo scritto da Tarantino lo conferma).
Questo è un aspetto su cui il film successivo potrebbe
concentrarsi. Il fatto che Fincher sarà al timone del progetto
significa che sarà probabilmente un film cupamente violento,
complesso e avvincente, ma in un modo diverso da Tarantino.
Brad Pitt è una delle star più
riconoscibili e redditizie di Hollywood e il suo desiderio di
tornare a interpretare Cliff Booth dimostra la forza e il fascino
del personaggio. È probabile che il film si concentri su ciò che è
accaduto a Booth dopo C’era una volta a… Hollywood
e su come sia finito a diventare un faccendiere in uno dei periodi
più importanti di Hollywood. Al momento non è ancora chiaro quali
altri personaggi del film originale o del passato di Cliff
potrebbero comparire, ma di certo si tratta di un progetto molto
interessante.
La star di “The
Holdovers” Dominic Sessa indosserà
ufficialmente il grembiule della leggenda della cucina
Anthony Bourdain, accanto al candidato all’Oscar
Antonio Banderas in un nuovo biopic della
A24. Il
ruolo di Banderas non è ancora stato reso noto, mentre Sessa era in
trattative per il progetto del regista Matt
Johnson (“Blackberry”) già dalla scorsa estate.
Il film, intitolato “Tony”, si svolgerà nel 1976,
quando un giovane Bourdain vive un’esperienza che gli cambia la
vita, lavorando e vivendo a Provincetown, nel Massachusetts. Le
riprese sono previste per il mese prossimo.
Come riportato da Variety, Bourdain si è iscritto
alla scuola di cucina due anni dopo l’ambientazione del film. L’ex
chef esecutivo della Brasserie Les Halles di New York si è fatto
conoscere con il libro di memorie del 2000 “Kitchen
Confidential: Adventures in the Culinary Underbelly“.
Vincitore di un Emmy postumo per il suo contributo allo spazio non
scritto di serie come “No Reservations” e “Parts
Unknown”, Bourdain è poi morto nel 2018 nella città francese
di Strasburgo, all’età di 61 anni.
Johnson dirige una sceneggiatura di
Todd Bartels e Lou Howe. A24
co-finanzierà e coprodurrà con Star Thrower e Zapruder Films.
Kimberly Witherspoon, rappresentante di Bourdain,
sarà il produttore esecutivo, insieme a Chris Stinson, Amy
Greene, Lou Howe, Bartels ed Emily Rose.
Con l’imminente inizio delle riprese, non resta che attendere
qualche ulteriore notizia sul film, come anche qualche prima
immagine ufficiale che possa mostrarci Sessa nei panni di Bourdain,
un ruolo indubbiamente importante per l’attore che aveva già
raccolto ampie lodi proprio con “The
Holdovers”.
Olivia Wilde è pronta tornare dietro la
macchina da presa per “The Invite”, una commedia
provocatoria ispirata al film spagnolo “Sentimental”, e ha
messo insieme un cast all-star. Come riportato da Variety, Seth Rogen, Penélope Cruz ed Edward Norton appariranno nel film, insieme
alla stessa Olivia Wilde. Il film originale, diretto da
CescGay, è stato ora adattato da
Rashida Jones e Will McCormack.
Secondo la sinossi ufficiale, “The Invite” parla
di “una coppia [che] invita i vicini a casa, dando vita a una
serata piena di colpi di scena inaspettati, che rivelano emozioni
profondamente represse e una sessualità inesplorata”. Le
riprese principali sono già iniziate a Los Angeles.
Per Olivia Wilde si tratterà del suo terzo film da
regista, dopo aver diretto di recente “Don’t
Worry Darling”, un thriller che è stato un successo al
botteghino nel 2022. In precedenza, ha debuttato alla regia con la
commedia “La rivincita delle sfigate”, acclamata dalla
critica. Come attrice, Wilde ha invece recitato in “Her”,
“Rush“
e “Cowboys
& Aliens”. Per quanto riguarda i tre protagonisti, abbiamo
di recente visto Seth Rogen nella serie “The
Studio“, una satira su Hollywood da lui ideata e
interpretata.
Hunger Games: L’alba sulla
mietitura ha trovato i suoi protagonisti. Joseph
Zada sarà il protagonista del tributo al Distretto 12
Haymitch Abernathy, mentre Whitney
Peak interpreterà la sua fidanzata Lenore Dove Baird.
Come precedentemente riportato, il film della Lionsgate, tratto
dall’omonimo romanzo bestseller dell’autrice di “Hunger
Games” Suzanne Collins, si svolge 40 anni
dopo gli eventi del prequelLa
ballata dell’usignolo e del serpente e 24 anni prima del
periodo di Katniss Everdeen nell’arena.
Per quanto riguarda i due attori
scelti, Zada lo si potrà ritrovare nella serie Prime Video “We Were Liars”, che
debutterà a giugno. Ha inoltre appena completato la produzione di
“East of Eden” di Netflix, in cui recita insieme a Florence Pugh e Mike Faist. Zada è inoltre attualmente il
protagonista nel ruolo di Charlie nella serie “Invisible
Boys”, basata sul romanzo bestseller di Holden Sheppard. Peak,
invece, sarà prossimamente la protagonista di
“Shiver”. Reciterà poi anche accanto a Liam Neeson e Teresa Palmer in “4 Kids Walk into a
Bank”. È però nota soprattutto per il suo ruolo di
protagonista nel reboot di “Gossip Girl”, nel ruolo di
Zoya Lott.
“Il franchise di Hunger Games è
stato a lungo un trampolino di lancio per giovani attori
straordinari, e Jo e Whitney portano avanti questa eredità con un
cuore, una profondità e un fuoco incredibili”, ha dichiarato
Erin Westerman, co-presidente del Lionsgate Motion
Picture Group. “Dopo aver fatto il provino a centinaia di
talentuosi interpreti di tutto il mondo, questi due interpreti si
sono distinti non solo per il loro talento, ma anche per la verità
emotiva che hanno portato in questi ruoli iconici“.
Haymitch è sempre stato il preferito dai fan e la sua storia
delle sue origini è una delle più attese del franchise”.
“La sua relazione con Lenore
Dove è profondamente intrecciata alla storia emotiva di Panem. Non
vediamo l’ora che i fan vivano la storia che ha dato forma a uno
dei personaggi più avvincenti della serie“. “Deb Zane e
Dylan Jury hanno supervisionato una ricerca esaustiva (ed
estenuante!) per trovare un giovane attore con l’abilità e
l’immaginazione necessarie per incarnare il giovane Haymitch”,
ha aggiunto Nina Jacobson, tra i produttori del
film. “Jo si è preparato come un matto e ci ha rubato il cuore.
Poi Whitney ci ha lasciato senza fiato nel ruolo di Lenore Dove.
Quando li abbiamo messi insieme, è stato uno di quei momenti magici
del casting in cui sai che la tua ricerca ti ha portato a
casa“.
Quello che sappiamo su
Hunger Games: L’alba sulla mietitura
Ambientato durante il Secondo
Quarto, il prequel esplorerà i Giochi a cui Haymitch ha
partecipato. Questo lo colloca 24 anni prima degli eventi del film
Hunger Games. Francis Lawrence, che
ha diretto i precedenti film della saga, è in lizza per dirigere
anche questo nuovo film. “Suzanne Collins è una narratrice
magistrale e la nostra stella polare creativa”, ha invece
dichiarato Adam Fogelson del Lionsgate Motion
Picture Group.
“Non potremmo essere più
fortunati di essere guidati e affidati a una collaboratrice il cui
talento e la cui immaginazione sono così costantemente brillanti.
Sappiamo che i fan di Hunger Games di tutto il mondo saranno
incantati dal punto in cui Suzanne ha concentrato questa prossima
straordinaria storia”.
E ha aggiunto: “Il Secondo
Quarto è leggendario e incombe sulla storia dei Giochi, anche ai
tempi di Katniss Everdeen, un quarto di secolo dopo. Come i fan di
tutto il mondo, attendiamo con ansia questo emozionante ritorno a
Panem”. La Collins ha anche aggiunto: “Fin dall’inizio, la
Lionsgate è stata una casa e un partner meraviglioso per il
franchise di Hunger Games, e sono molto entusiasta di collaborare
con Adam e il team mentre portiamo questa prossima storia nelle
sale nel 2026”.
The Hunger Games: Sunrise On
The Reaping arriverà nelle sale il 20 novembre 2026.
Julie, agli occhi del mondo, incarna
l’ideale dell’adolescente perfetta: brillante,
disciplinata, determinata. È una studentessa modello e una
promessa del tennis, ammirata dai coetanei e considerata la punta
di diamante dell’accademia d’élite sportiva che frequenta. Per lei,
il tennis non è solo una passione: Julie e la sua
racchetta sembrano inseparabili, come se l’una non potesse esistere
senza l’altra. Ma basta uno sguardo per intuire che qualcosa non
torna. Fin dalle primissime inquadrature, i suoi occhi
raccontano un’altra storia: uno smarrimento sottile, uno
sguardo spento, quasi impaurito.
Con Julie ha un segreto (Julie
Keeps Quiet), il regista e sceneggiatore belga
Leonardo Van Dijil firma un esordio nel
lungometraggio che sorprende per maturità e sensibilità.
Il film, distribuito da I Wonder Pictures in
collaborazione con Unipol Biografilm Collection, arriva
nelle sale italiane il 24 aprile, dopo aver debuttato in
anteprima mondiale alla Semaine de la Critique del Festival
di Cannes 2024 e in anteprima nazionale alla Festa del Cinema
di Roma, nella sezione autonoma e parallela Alice nella
Città.
Julie ha un segreto – In foto gli attori Pierre Gervais e Tessa Van
den Broeck.
La storia di Julie ha un
segreto
Scatta da un lato all’altro del
campo, salta, serve, schiaccia, risponde con una volée fulminea:
Julie – interpretata da una sorprendente Tessa Van den Broeck, al
suo debutto sul grande schermo – è una giovane promessa del tennis.
Ma a testimoniarlo non è soltanto la vittoria nella categoria
juniores della prestigiosa Federazione Belga: a parlare per lei
sono la concentrazione tagliente, la grinta che le si legge negli
occhi, la compostezza elegante con cui domina ogni scambio.
In campo, Julie sembra invincibile.
Intoccabile.
Finché una tragedia inaspettata
scuote l’equilibrio dell’accademia d’élite in cui si allena: una
morte improvvisa, inspiegabile, che coinvolge il suo allenatore,
sospeso e posto sotto inchiesta per presunti comportamenti
inappropriati. All’improvviso, tutto si incrina. Gli studenti
vengono convocati per testimoniare, cercando di mettere insieme i
pezzi di una storia frammentata, per dare un senso a un gesto
estremo compiuto da una loro coetanea. Tutti hanno qualcosa
da dire. Tutti, tranne Julie. Lei, che forse più di
chiunque altro conosce la verità, si rifugia in un silenzio carico
di tensione, che cresce scena dopo scena come un urlo trattenuto.
Cosa la blocca? Cosa cerca di proteggere… o nascondere? Quale
segreto ha Julie?
Julie ha un segreto – In foto l’attrice protagonista Tessa Van den
Broeck.
Il dolore raccontato attraverso ombre e
omissioni
Leonardo Van Dijl mette in
scena una storia fatta di silenzi, esitazioni, verità
sospese. Ed è proprio in questi spazi vuoti, nei non
detti, che prende forma la vera narrazione del dramma Julie ha
un segreto. Il film si sviluppa come un viaggio delicato e
stratificato all’interno del mondo interiore della giovane
protagonista, con uno sguardo che si posa su di lei senza mai
forzarla, ma accompagnandola con rispetto e misura.
I dialoghi sono ridotti
all’essenziale, mentre le immagini parlano attraverso un raffinato
gioco di luci e ombre, specchio fedele delle oscurità che Julie si
porta dentro. Ombre di una violenza taciuta, di una perdita, di
un’oppressione tanto profonda da intrappolarla proprio in ciò che
le dà un’identità: il tennis. La sua ragione di vita
diventa così anche la sua gabbia. Il ritmo, volutamente
lento e talvolta angosciante, richiede allo spettatore la stessa
concentrazione e resistenza mentale che richiederebbe una partita
giocata su tre set. Ma è in questa lentezza che si annida la forza
del film: ogni scelta estetica – dalle inquadrature che celano più
di quanto rivelano, ai volti spesso coperti o sfuggenti, agli
adulti relegati costantemente in penombra, fino a un impianto
sonoro dominato dai colpi secchi della racchetta e dai gemiti dei
giocatori – converge verso un disegno registico preciso e
consapevole.
Julie ha un segreto – Per gentile concessione di I Wonder
Pictures.
Un’opera che sussurra dove altri
griderebbero
Con la sua opera prima, Van
Dijl non cerca il clamore: intende lasciare il segno.
Sussurra il dolore dove altri lo urlerebbero, scegliendo un
linguaggio cinematografico che più che mostrare, osserva; che
accoglie il non detto, che richiede attenzione, tempo, e una grande
disponibilità all’ascolto silenzioso. Attraverso l’empatia,
disegna i contorni invisibili della violenza, di
quel dolore che non ha voce ma che si annida nei gesti minimi, nei
silenzi, nei dettagli sfuggenti. Julie ha un segretonon è solo il racconto di una giovane atleta e delle sue
relazioni complicate, ma è soprattutto una meditazione sul
trauma dell’abuso e sul processo – lento, faticoso, intimo – della
sua elaborazione.
Mentre il mondo intorno a lei
scalpita, Julie si rifugia nel silenzio. Non per
codardia o fuga, ma per protezione. Si prende il diritto di non
parlare, di non spiegare, di non rispondere subito. E Van Dijl, con
rara sensibilità, ci chiede di rispettare questa scelta, di non
forzare una confessione. Il film si fa allora non solo
narrazione, ma invito: a rallentare, a osservare davvero.
Ci insegna che la verità, quella profonda, non sempre passa per le
parole, ma può rivelarsi nei movimenti del corpo, nello sguardo
abbassato, in una routine che si ripete ostinatamente per mantenere
un equilibrio fragile. In questo senso, il regista compie un gesto
audace e controcorrente: rifiuta le scorciatoie emotive,
l’esposizione didascalica del dolore, e costruisce un
cinema dell’implicito, della pazienza, della sospensione.
Un cinema che non risponde subito, ma che resta.
Julie ha un segreto – In foto Tessa Van den Broeck nei panni della
talentuosa Julie.
Allora cosa penalizza
davvero l’opera Julie ha un segreto?
Paradossalmente, è proprio la nostra disabitudine alla lentezza e
all’implicito. In un tempo in cui tutto deve essere immediato,
chiaro, dichiarato, l’assenza di spiegazioni esplicite può
risultare frustrante e sminuente. Il segreto di Julie non
viene mai raccontato apertamente: lo si intuisce, lo si
percepisce.
Ed è qui che il film, pur nella sua
potenza, può incontrare un limite non interno ma esterno:
non tutti gli spettatori sono più disposti, abituati o
capaci di ascoltare i silenzi, di cogliere l’invisibile,
di entrare in sintonia con un ritmo che chiede, prima di tutto,
pazienza. Ma per chi accetta questa sfida, Julie ha un
segreto non è solo un film: è un’esperienza, un atto di
empatia, e forse anche una lezione su come guardare, su come
ascoltare, e su come, a volte, il non detto possa comunicare più
forte di qualunque parola.
Sono diversi i film incentrati su
due persone innamorate che vengono divise da una malattia
terminale. Titoli come Love Story o i più
recenti La
scelta – The Choice,The Big Sick o Colpa
delle stelle (2014), sono solo alcuni degli esempi più
celebri a riguardo. A questi si aggiunge anche All My
Life. Il film, realizzato nel 2020 da
Marc Meyers è proprio
un racconto romantico/drammatico di questo genere, con in più il
fatto di essere basato sulla storia vera di Jennifer
Carter e Solomon Chau, una giovane coppia
che ha accelerato il proprio matrimonio dopo aver ricevuto una
diagnosi devastante.
Jessica Rothe
(Auguri per la tua morte) e Harry Shum
Jr. (Crazy
& Rich) interpretano qui questa coppia, che cerca di
navigare sulle montagne russe emotive del loro giovane amore e
della mortalità. Con All My Life, dunque, ci si
confronta con una vicenda estremamente toccante, anche
profondamente ingiusta per il suo esito, ma che ci ricorda la forza
dell’amore e la capacità di sconfiggere ogni altra paura che tale
sentimento sa donarci. In vista di una visione del film, in questo
articolo esploriamo proprio la storia vera che lo ha ispirato.
Partiamo dal principio. Nel film
All My LifeSolomon viene
mostrato che ‘Sol’ Chau e Jennifer
Carter si incontrano in un bar sportivo dopo che Sol e i
suoi due amici hanno avvicinato Jenn e le sue due amiche. La storia
vera rivela invece che la coppia si è incontrata anni prima,
nell’ottobre 2007, a una festa in casa a St. Catharines, Ontario,
per festeggiare il 19° compleanno di Sol. Lui era circondato da
altre ragazze e Jenn non era sicura di come relazionarsi con lui,
ma sicuramente l’aveva presa in simpatia. Nelle settimane
successive alla festa, Sol e Jenn si sentirono regolarmente al
telefono.
Lei viveva a est di Toronto, a
Pickering, nell’Ontario, e lui a sud di Toronto (dall’altra parte
del lago Ontario), a St. Catharines, non lontano dalle cascate del
Niagra. Nel bel mezzo di una grande tempesta di neve a dicembre,
Sol prese un autobus per il lato orientale del lago Ontario fino a
Pickering e arrivò alla porta di casa di Jenn. Da quel momento i
due sono stati insieme. Il trasferimento gli ha anche permesso di
frequentare la scuola di cucina al George Brown College. Dopo la
laurea, ha infatti lavorato in alcuni dei più rinomati ristoranti
di Toronto e si è affermato come chef.
In seguito, Solomon ha fatto la
proposta di matrimonio alla fidanzata riunendo gli amici e la
famiglia di lei nella piazza sotto la CN Tower di Toronto. Lui si è
inginocchiato e gli altri si sono messi a ballare come parte di un
flash mob. In omaggio alla sorella di Jenn, scomparsa quando lei
era più giovane, hanno tenuto in mano dei palloncini a forma di
delfino mentre ballavano. Nel film All My Life,
invece, la proposta di matrimonio avviene su un sentiero accanto a
un fiume.
La gioia di quel momento è però
stata bruscamente incrinata quando nel dicembre del 2014 a Solomon
è stato diagnosticato un cancro al fegato. Una notizia arrivata del
tutto a sorpresa, dato che il ragazzo si sentiva in buona salute.
Al momento della diagnosi aveva 26 anni. Il giorno successivo a
tale scoperta, è stato sottoposto a un intervento chirurgico, poco
prima di Natale. I medici hanno rimosso con successo il tumore e
gli hanno detto che la sua salute sarebbe migliorata nel giro di
pochi mesi. Come nel film All My Life, Sol e Jenn
erano quindi ottimisti e continuavano a pianificare il loro
matrimonio e a guardare al loro futuro insieme.
Tuttavia, il loro ottimismo si è
infranto alcuni mesi dopo, nel marzo 2015, quando Solomon è stato
ricoverato d’urgenza in ospedale con forti dolori allo stomaco. I
medici lo informarono a quel punto che il cancro si era
ripresentato e si era diffuso, cosa che gli permetteva di avere
solo pochi mesi di vita. Per cercare di aiutarli, gli amici della
coppia hanno lanciato una raccolta fondi online per
organizzare il matrimonio dei loro sogni. La raccolta fondi è stata
avviata su GoFundMe il 31 marzo 2015 con l’obiettivo di raccogliere
50.000 dollari.
L’obiettivo dichiarato della
raccolta fondi era “raccogliere fondi per finanziare il
matrimonio di Jenn e Sol e per farli partire per un viaggio
indimenticabile insieme”. Con l’aiuto di 628 persone nella
comunità e in tutto il mondo, la campagna ha raccolto un totale di
52.431 dollari per Sol e Jenn, superando l’obiettivo e permettendo
loro di avere un matrimonio e una luna di miele indimenticabili. Il
desiderio di Sol era infatti quello di fare un ultimo viaggio con
Jenn prima che il peggio fosse arrivato.
Al di là dei soldi, però, Solomon e
Jennifer dovettero organizzare tutto in poco tempo. La loro
speranza era di celebrare il matrimonio mentre Solomon era ancora
in condizioni di salute relativamente buone. I due si sono sposati
quindi meno di due settimane dopo il lancio della campagna, l’11
aprile. Va notato che i due stavano già organizzando il loro
matrimonio dall’aprile 2014, ma, come nel film, hanno avuto circa
due settimane per affrettarsi e mettere insieme il tutto con circa
quattro mesi di anticipo.
La coppia si è così sposata l’11
aprile 2015 a Casa Loma, un “castello” in stile Gothic Revival che
è uno dei luoghi più ambiti per i matrimoni di Toronto. Nel dar
vita a questo momento da sogno, Solomon ha indubbiamente sfidato le
aspettative dei suoi medici. La famiglia e gli amici hanno
attribuito il merito alla sua positività e al non volersi lasciare
abbattere dalla sua condizione. I medici lo hanno poi definito
“sovrumano” per essere sopravvissuto più a lungo del previsto. Dopo
aver trascorso 128 giorni da marito e moglie, Jennifer ha però
perso Solomon nel pomeriggio di lunedì 17 agosto 2015.
Il suo funerale si è tenuto sabato
22 agosto 2015, data in cui la coppia si sarebbe originariamente
dovuta sposare. Come riportato da Jennifer, tre giorni prima della
sua scomparsa, Solomon le chiese di apprezzare anche la sua vita
senza di lui. Non voleva che lei si lasciasse andare al dolore dopo
la sua scomparsa. Jenn ha poi commentato l’amore che ha condiviso
con Solomon durante la promozione di All My Life.
“Ogni storia d’amore ha i suoi alti e bassi, e quella mia e di
Sol non è stata diversa. È un onore condividere la nostra storia
con il mondo attraverso questo film”, ha dichiarato.
Wonder
(qui
la recensione) della Lionsgate racconta la storia ispiratrice
di un ragazzino con una rara deformità facciale e, per via di
questa paricolare storia, non si può fare a meno di chiedersi se il
film sia basato su una vicenda vera o se sia completamente
inventato. Ma andiamo con ordine. Questo lungometraggio drammatico
del 2017, diretto da Stephen Chbosky e adattamento
cinematografico del romanzo omonimo del 2012 scritto da R.
J. Palacio, ha come protagonista Jacob Tremblay nel ruolo del suddetto bambino,
Auggie. Egli è nato con la sindrome di
Treacher Collins e di conseguenza fatica a inserirsi per
via del suo particolare viso.
La madre del personaggio di
Tremblay, interpretata da Julia Roberts, lo ha pertanto educato a casa
per la maggior parte della sua vita e Auggie indossa spesso un
casco da astronauta quando esce per nascondere il suo volto.
Tuttavia, all’inizio di Wonder, la famiglia di
Auggie decide di iscriverlo a una scuola privata, dove deve però
affrontare le critiche dei compagni di classe. Nel corso del film,
Auggie impara che è meglio distinguersi ed essere diversi piuttosto
che confondersi con la folla. Come scopriremo in questo
approfondimento, questa storia emozionante sembra essere accaduta
davvero, in un certo senso.
Wonder non è tecnicamente basato su
una storia vera
Anche se Wonder
avrebbe potuto essere basato su persone ed eventi reali, i
personaggi del dramma familiare del 2017 sono puramente immaginari
e la trama è (quasi) interamente inventata. C’è però un’avvertenza:
la storia, sebbene non abbia una famiglia reale che ispira in modo
diretto la narrazione, si basa comunque su diverse vicende
vere in cui la scrittrice del romanzo si è imbattuto nel
corso degli anni. Quindi, anche se il film con Julia Roberts non è puramente basato su una
singola famiglia, è ispirato a molte famiglie colpite dalla
sindrome di Treacher Collins.
La sindrome di Treacher Collins,
nota anche come disostosi mandibolo-facciale, è
una condizione genetica che colpisce la struttura facciale
(compresi il cranio e le ossa facciali) e il suo sviluppo prima
ancora della nascita. È molto rara: secondo il Seattle Children’s
Hospital, si verifica ogni anno in un neonato su 50.000 in tutto il
mondo. La sindrome si verifica a causa di una mutazione in un gene
e il trattamento spesso include la chirurgia ricostruttiva del viso
per evitare la perdita dell’udito, le difficoltà respiratorie, le
difficoltà di linguaggio, la perdita dell’olfatto e l’incapacità di
mangiare o bere. Come si dice in Wonder, Auggie ha
dovuto subire 27 interventi chirurgici all’età di 10 anni.
Wonder è basato sul libro del 2012
di R. J. Palacio
Come anticipato, il film è basato
sull’omonimo romanzo di R. J. Palacio che, come
già detto, è stato ispirato da più storie. Questo romanzo per
ragazzi è stato pubblicato il 14 febbraio 2012 e ha subito ricevuto
recensioni positive. Molti critici hanno elogiato
Wonder (il libro) per i suoi personaggi complessi
e per la sua storia toccante e stimolante, che fa leva sulle corde
del cuore. Tuttavia, le recensioni di coloro che sono stati colpiti
direttamente e indirettamente dalla sindrome di Treacher Collins
sono state più contrastanti: alcuni ritengono che Wonder sia
un’ottima rappresentazione della comunità dei disabili, mentre
altri hanno trovato difetti nell’accuratezza e nel modo in cui la
narrazione parla di Auggie.
Julia Roberts, Owen Wilson, Izabela Vidovic, Jacob Tremblay e
Danielle Rose Russell in Wonder. Foto di Dale
Robinette
Il libro è stato ispirato da
un’esperienza personale
Sebbene numerose storie vere abbiano
influenzato R. J. Palacio nella stesura di
Wonder, è stata un’esperienza personale la
principale fonte di ispirazione per il romanzo. Secondo
l’intervista rilasciata da Palacio a NPR, qualche anno prima di
pubblicare il libro, l’autrice si trovava in una gelateria con i
suoi figli e si imbatté in una bambina con una grave malformazione
facciale. Il figlio piccolo della Palacio ha iniziato a piangere
quando l’ha vista, così lei è fuggita rapidamente dalla gelateria.
L’autrice ha dichiarato:
“In seguito ero molto arrabbiata
con me stessa per il modo in cui avevo reagito. Avrei dovuto
semplicemente rivolgermi alla bambina e iniziare una conversazione,
mostrando ai miei figli che non c’era nulla di cui aver paura.
Invece, ho finito per andarmene così in fretta che ho perso
l’opportunità di trasformare la situazione in un grande momento di
insegnamento per i miei figli. E questo mi ha fatto pensare molto a
come deve essere… dover affrontare ogni giorno un mondo che non sa
come affrontarti“.
Poco dopo l’esperienza, la Palacio
ha quindi iniziato a scrivere il suo romanzo di successo, che poi è
stato trasformato in un film di successo con Tremblay, Roberts e
Owen Wilson nel ruolo del padre di Auggie, che
ha incassato 306 milioni di dollari al botteghino mondiale. Palacio
si è anche ispirata alla canzone di Natalie Merchant del 1995,
“Wonder”, il cui testo ha aiutato l’autrice a formulare la
storia. L’adattamento cinematografico di Wonder
presenta il brano della Merchant anche nei titoli di coda.
Il richiamo della
foresta (qui
la recensione) non è solo la storia di un uomo e del suo cane,
ma si basa su una storia vera. Diretto da
Chris Sanders e adattato dall’omonimo romanzo di
Jack London del 1903, il film è arrivato nelle
sale come l’ultima trasposizione sul grande schermo della storia di
London, oltre a essere la prima uscita del nuovo logo 20th Century
Studios di proprietà della Disney. Tuttavia, nonostante la
condivisione di un materiale di partenza comune nel romanzo di
London, è negli aspetti tecnici che il film si discosta
notevolmente dagli adattamenti precedenti.
A differenza dei precedenti film
basati sul libro di London, l’ultima versione di Il
richiamo della foresta dà vita al famoso cane da slitta
Buck tramite CGI, mentre Harrison Ford assume il ruolo del protagonista
umano del romanzo, John Thornton. Data la natura
avventurosa della storia, questo approccio facilita notevolmente la
realizzazione del romanzo senza mettere a rischio i cani veri. Si
presta inoltre a dare al racconto un’impronta molto più ampia
rispetto ai precedenti adattamenti del romanzo (che risalgono
addirittura al 1923),
e vede Ford tornare a una storia d’avventura.
Pur raccontando una storia di
fantasia, Il richiamo della foresta ha comunque
delle solide basi nel periodo in cui è ambientato, con la vita di
Jack London e le sue esperienze durante la corsa all’oro del
Klondike. Il film si preoccupa soprattutto di raccontare una storia
avvincente e usa la sua vicenda più che altro come struttura di
base su cui costruire l’intero racconto, con i dettagli storici
principalmente al servizio dell’ambientazione della storia. In
questo articolo, approfondiamo dunque i modi in cui Il
richiamo della foresta si basa su una storia vera.
Buck di Il richiamo della
foresta è basato su un cane realmente esistito
Prima della sua carriera letteraria,
Jack London aveva vissuto una vita da vagabondo, partendo nel 1897
per la regione canadese dello Yukon durante la corsa all’oro del
Klondike. L’esperienza nello Yukon non solo rappresentò per London
un importante viaggio alla scoperta di se stesso, ma avrebbe anche
piantato il seme per la sua carriera letteraria. L’incontro di
London con i cani da slitta, molto utilizzati durante la corsa
all’oro, si rivelerà particolarmente influente per lui a questo
proposito. Durante il periodo trascorso nel Klondike, due fratelli
di nome Marshall Latham Bond e Louis
Witford Bond furono i padroni di casa di London nella
capanna di legno che avrebbe preso in affitto.
Lo scrittore, in particolare,
sviluppò un’affinità con il cane del fratello, un mix San
Bernardo-Scotch Collie. Lo stesso London confermerà in
seguito che il loro cane era servito da modello per
Buck in Il richiamo della
foresta. Sebbene i personaggi umani di Omar Sy e Cara Gee,
Perrault e Mercedes, siano gli
unici di importanza paragonabile al Thornton di Ford nel nuovo
film, l’influenza del reale Buck rimane un elemento integrante in
ogni adattamento del romanzo di London. Tuttavia, questo non è
stato l’unico aspetto dell’esperienza di London nella corsa all’oro
del Klondike a influenzare il suo famoso romanzo.
La vera storia che ha ispirato Jack
London
Le esperienze di London nella
navigazione del fiume Yukon si sarebbero rivelate altrettanto
influenti sul romanzo. Avendo contratto lo scorbuto, London scelse
di tornare nella sua nativa California, navigando per 2.000 miglia
attraverso il fiume Yukon per raggiungere St. Michael, in Alaska, e
il suo arrivo lì si sarebbe rivelato determinante per la genesi del
romanzo. Il Klondike era accessibile dall’Alaska solo attraverso un
passo di montagna noto come White Pass, che portava anche il
soprannome di “Dead Horse Trail” (sentiero dei cavalli morti), così
chiamato per la frequenza con cui i cavalli morivano durante i
tentativi di scalare il passo.
Il ricordo di queste esperienze
rimarrà impresso a London durante il suo ritorno in California. Una
volta ristabilitosi qui, ebbe però difficoltà a trovare un impiego.
Alla fine, London riuscì a vendere un racconto su un cane di nome
Batard che uccide il proprio padrone alla rivista Cosmopolitan, che
lo pubblicò con il titolo “Diablo – Un cane”. Tuttavia, le
sue esperienze in Alaska durante la corsa all’oro del Klondike,
insieme al desiderio di scrivere una storia con una
rappresentazione più favorevole dei cani, avrebbero portato alla
creazione del romanzo Il richiamo della foresta.
Questo ci riporta alla domanda su quanto la nuova versione per il
grande schermo di questo racconto sia fedele alla storia.
Ciò che il racconto ha di giusto
sulla corsa all’oro del Klondike
Poiché il film è meno interessato a
raccontare eventi reali rispetto al recente e simile film Togo, anch’esso incentrato su un cane coraggioso,
l’uso della corsa all’oro del Klondike serve più
che altro come sfondo e contesto per la propria storia. Il film si
concentra infatti su molti luoghi storici centrali della corsa
all’oro del Klondike, a cominciare dal ruolo che i porti hanno
avuto in quel periodo. Un punto importante che Il richiamo
della foresta inchioda è il ruolo centrale di
Skagway, in Alaska, nella corsa
all’oro del Klondike. Skagway era uno dei porti principali
utilizzati dai cercatori d’oro durante la corsa all’oro e il luogo
è una presenza importante sia nel romanzo di London che nel film
stesso.
Anche il fiume
Yukon e il White Pass sono luoghi
fondamentali per la storia del film, mentre la natura estremamente
competitiva della ricerca dell’oro in quel periodo è alla base del
conflitto principale del film. Non era raro che i cercatori
lasciassero lo Yukon prosciugato, e questo alimenta l’atteggiamento
dell’antagonista del film, Hal, interpretato da
Dan Stevens, che insiste nel proseguire nello
Yukon nonostante gli avvertimenti di John Thornton sullo
scioglimento dei ghiacci. Hal arriva a sospettare che Thornton stia
cercando di impedirgli di scoprire una riserva d’oro nascosta, il
che si ripercuote nel terzo atto, quando Thornton trova un
rinnovato senso di pace e di scopo con Buck nella natura.
Come il romanzo che lo ha ispirato,
Il richiamo della foresta si basa dunque su questo
contesto senza pretendere di essere un documento puramente storico.
Ciononostante, l’ultimo adattamento del romanzo del seminario di
Jack London compie notevoli sforzi per aderire ai fatti della corsa
all’oro del Klondike, laddove possibile, raccontando la storia di
un cane e di un uomo allontanati dalle vite che conoscevano un
tempo che si legano in un’avventura nella natura selvaggia. Come
storia d’avventura storica, Il richiamo della
foresta porta a termine il suo compito, aggiungendo una
quantità rispettabile di contesto reale per dare piena vita alla
storia del romanzo di Jack London.
Il Festival di Cannes
78 ha appena annunciato nuovi titoli che vanno ad
arricchire la lista della
Selezione Ufficiale della kermesse al via dal 13 maggio sulla
costa francese del Mediterraneo. Trai titoli in selezione, anche
l’ultimo film con protagonista Jennifer Lawrence, l’esordio da
regista di Kristen Stewart e il nuovo film del veterano Lav
Diaz.
La 20th Century Studios ha
pubblicato il trailer di Predator: Badlands,
il sesto capitolo dell’amata saga di fantascienza d’azione. Diretto
da Dan Trachtenberg, il film vede Elle Fanning nei panni di due
sorelle gemelle.
Trachtenberg ha precedentemente
diretto “Prey“,
l’ultimo capitolo della serie di film “Predator”. “Prey”
è stato distribuito in esclusiva su Hulu e ha ottenuto quattro
nomination agli Emmy del 2024. Si è aggiudicato la vittoria per
l’eccezionale montaggio sonoro. Trachtenberg ha inoltre diretto
film come “10 Cloverfield Lane” e serie TV come “The Lost
Symbol”, “The
Boys”, “Black Mirror” e “BlackBoxTV”.
Fanning ha recentemente interpretato
la monarca russa Caterina la Grande in tre stagioni di “The
Great” di Hulu e ha recitato al fianco di Timothée
Chalamet nel ruolo di Sylvie Russo nel film biografico su
Bob Dylan di James Mangold A Complete
Unknown. Tra i suoi precedenti lavori figurano “Super 8”,
“Maleficent”, “Trumbo”, “Boxtrolls – Le scatole magiche”, “The Neon
Demon” e “B’Twixt Now and Sunrise”.
Il franchise di Predator si
è incrociato più volte con l’altro franchise di creature di punta
della 20th Century, Alien, che ha appena avuto un
revival di successo con Alien:
Romulus di quest’anno. Quando gli è stato
chiesto se i due franchise incroceranno di nuovo gli artigli,
Asbell non si è sbilanciato:
“Non sarebbe nel modo in cui
pensate.Questo è il punto.Non si chiamerà
Alien vs. Predator o qualcosa di simile
ai film originali.Se lo faremo, saranno creati
organicamente da questi due franchise che abbiamo portato avanti
con personaggi di cui ci siamo innamorati e questi personaggi si
combineranno… forse”.
Tom Cullen (“The
Gold”, “Trespasses”), Joplin Sibtain (“Andor”, “Safe”) e Barry Sloane
(“Sandman”, “Revenge”) si sono uniti al cast di House
of the Dragon – Stagione 3. Cullen
interpreterà Ser Luthor Largent, mentre Sibtain sarà Ser “Bold” Jon
Roxton e Sloane Ser Adrian Redfort.
Le nuove aggiunte al cast si
uniscono ai membri del cast di ritorno: Matt Smith, Emma
D’Arcy, Olivia Cooke, Steve Toussaint, Rhys Ifans, Fabien Frankel,
Ewan Mitchell, Tom Glynn-Carney, Sonoya Mizuno, Harry Collett,
Bethany Antonia, Phoebe Campbell, Phia Saban, Jefferson Hall,
Matthew Needham, Tom Bennett, Kieran Bew, Kurt Egyiawan, Freddie
Fox, Clinton Liberty, Gayle Rankin e Abubakar
Salim.
I nuovi membri del cast
precedentemente annunciati per la terza stagione includono
James Norton nel ruolo di Ormund Hightower,
Tommy Flanagan nel ruolo di Lord Roderick Dustin e
Dan Fogler nel ruolo di Ser Torrhen Manderly.
House of the Dragon – Stagione 3 è attualmente
in produzione. La serie è ambientata circa 200 anni prima degli
eventi de “Il Trono di
Spade”. È basata sul libro “Fire & Blood” di George R.R.
Martin.
Martin ha co-creato la serie con
Ryan Condal. Entrambi sono produttori esecutivi, con Condal come
showrunner. Sara Hess, Melissa Bernstein, Kevin de la Noy, Vince
Gerardis, David Hancock e Philippa Goslett sono anche produttori
esecutivi. Clare Kilner, Nina Lopez-Corrado, Andrij Parekh e Loni
Peristere sono i registi della terza stagione.
Gli episodi 1, 2 e 3 di
Andor
– Stagione 2 (qui
la recensione completa) sono finalmente disponibili su
Disney+: ecco tutti gli Easter
Egg di Star
Wars che abbiamo trovato finora nella serie.
L’invasione dei Rakatan è avvenuta
ufficialmente all’alba dell’Ordine Jedi
Andor ha confermato che i Rakatan
hanno invaso Chandrila 25.000 anni fa
Andor – Stagione
2 ha confermato che l’invasione dei Rakatan è
avvenuta 25.000 anni prima della serie, con il riferimento a una
figura del tempio che era stata rubata da Chandrila 25.000 anni
prima, durante l’invasione dei Rakatan. Questo ha rafforzato il
fatto che l’invasione dei Rakatan coincise con la fondazione
dell’Ordine Jedi (intorno al 25.000 BBY – Before the Battle of
Yavin). Prima di Andor, il canone di
Star Wars non aveva ancora fornito ufficialmente questa cronologia,
sebbene fosse ciò che Star Wars Legends aveva indicato.
Andor – Stagione
2 prepara il terreno per il Massacro di Ghorman di
Star Wars Legends
Ci sono stati molti riferimenti a
Ghorman, che preparano un arco narrativo brutale
Sorprendentemente, il
Massacro di Ghorman non è ancora stato mostrato nel mondo di Star
Wars, nonostante sia stato un evento cruciale nella storia della
Ribellione. Durante questo evento, l’Impero aprì il fuoco su – e
uccise – innumerevoli manifestanti pacifici su Ghorman. Sembra che
questo sanguinoso evento possa finalmente fare la sua comparsa in
questa sede.
La treccia nuziale di Chandrila è
parallela alla treccia dei Padawan
Questo è un collegamento
affascinante con la cerimonia di insediamento dei Jedi
Durante il suo
tradizionale matrimonio Chandrila, Leida Mothma, figlia di Mon
Mothma, si fa tagliare una lunga treccia dai capelli. Questo
ricorda molto la treccia dei Padawan Jedi, che viene tagliata
quando un Padawan diventa Cavaliere. È interessante notare che non
l’abbiamo mai vista sullo schermo, nemmeno con la treccia di Anakin
Skywalker, sebbene sappiamo che la diede a Padmé.
Cassian Andor ruba un prototipo di
TIE Avenger
Il furto del TIE da parte di
Cassian ha una storia intrigante
Nel primo episodio di
Andor – Stagione 2, Cassian Andor ruba un
prototipo di TIE Avenger, il primo TIE Avenger mostrato sullo
schermo nel canone di Star Wars. Tuttavia, il TIE Avenger non è una
novità assoluta nel franchise. In Legends, si trattava di un caccia
stellare la cui creazione fu in parte curata dal Grand’Ammiraglio
Thrawn.
L’evasione con il TIE da parte di
Cassian ricorda Poe Dameron
Questa scena sembra un richiamo
totale al passato
Oltre a Cassian che ruba
il TIE portando sullo schermo un nuovo caccia stellare, questa
scena ricorda molto il furto del TIE da parte di Poe Dameron (e
Finn) in Star Wars: Il Risveglio della
Forza. Anzi, queste scene sembrano ancora più
collegate alla luce del momento in cui si svolgono nelle rispettive
storie. Entrambe le scene sono all’inizio di Andor –
Stagione 2 e de Il Risveglio della
Forza, e danno il via a molti degli eventi a venire.
Il “Ministero dell’Illuminazione”
ha un’origine oscura nel mondo reale
Questo collegamento con il mondo
reale non è sottile
Andor – Stagione
2 introduce il concetto di “Ministero
dell’Illuminazione”, che ha un collegamento con il mondo reale
piuttosto ovvio. Questo concetto di Star Wars condivide il nome con
il “Ministero della Propaganda e dell’Illuminazione Pubblica” della
Germania nazista. Star Wars è sempre stata una storia basata e
ispirata a guerre reali, ma questo mostra esattamente come viene
inquadrato l’Impero.
Krennic dà una nuova
interpretazione a una famosa battuta di Palpatine
Questa battuta è un perfetto
richiamo a La Vendetta dei Sith
Nell’episodio 1 di
Andor – Stagione 2, Krennic si riferisce
alla Morte Nera come “accesso a un potere stabile e illimitato”.
Questo è un sottile richiamo alla dichiarazione di Palpatine di
“potere illimitato” in Star Wars: Episodio III – La
vendetta dei Sith, poco prima di far volare Mace
Windu fuori dalla finestra del suo ufficio. Il che è
particolarmente ironico, dato che è chiaro che Palpatine non aveva
un potere illimitato, dopotutto: aveva bisogno di questa
superarma.
Potreste aver già sentito quei
suoni del TIE Interceptor
Alcuni spettatori potrebbero aver
notato che quei TIE suonano terribilmente familiari
Come tocco divertente per
il pubblico di Star Wars che ha familiarità con i giochi, i suoni
del TIE Interceptor sono gli stessi della schermata di caricamento
del videogioco Star Wars: Battlefront II.
Non è la prima volta che sentiamo
parlare di Imperial News
Questa rete di notizie era in
realtà già canonica
Sebbene “Imperial News
Network” possa sembrare uno scherzo a prima vista, questa rete di
notizie era canonica prima di essere menzionata in
Andor – Stagione 2. Nello specifico,
anche la Complete Star Wars Encyclopedia, scritta nel 2008 da Pablo
Hidalgo e Stephen J. Sansweet, faceva riferimento all’Imperial News
Network, descritta come la branca civile della divisione media
dell’Intelligence Imperiale (e quindi si rafforza il senso di
propaganda).
C’è un netto contrasto tra il
Summit di Krennic e un altro in The Bad Batch
Le intenzioni di Krennic sono
chiare nella seconda stagione di Andor
Nei primi tre episodi
della seconda stagione di Andor, Krennic organizza
un summit molto diverso da un altro visto in Star Wars: The Bad Batch. In The Bad Batch,
Tarkin presiedeva un summit alla presenza di Krennic. Nella seconda
stagione di Andor, tuttavia, Krennic tiene un summit e insiste
affinché Tarkin ne sia completamente all’oscuro, dimostrando le sue
intenzioni di fare una mossa di potere. Come ulteriore collegamento
con la Germania nazista, questo evento presenta anche una chiara
somiglianza con il Summit di Wanssee.
Gli Snowtrooper de L’Impero
colpisce ancora tornano
Questi iconici Stormtrooper possono
essere visti nella seconda stagione di Andor
Gli snowtrooper, visti
per la prima volta ne L’Impero colpisce
ancora, fanno la loro apparizione anche in
Andor – Stagione 2. In un momento davvero
memorabile del primo episodio, si vedono due snowtrooper camminare
lungo un corridoio della struttura dove Cassian si finge un pilota
imperiale. Non si tratta del primo ritorno sullo schermo degli
snowtrooper, però, dato che hanno combattuto anche nella Battaglia
di Crait in Star Wars: Gli Ultimi Jedi.
Potreste aver già sentito parlare
del Sienar Advanced Project Lab
Questa struttura ha un legame con
un’altra delle migliori serie di Star Wars
Nel primo episodio della
seconda stagione di Andor, Cassian è sotto copertura, fingendosi un
pilota imperiale in un laboratorio di collaudo Sienar. Se il nome
vi suona familiare, è perché lo è. In Star Wars
Rebels, su Lothal c’era un Laboratorio di Progetto
Avanzato Sienar, che fungeva da struttura di progettazione e
collaudo per i Sistemi della Flotta Sienar.
“Sei diventato più della tua
paura” è un richiamo alla prima stagione di
Andor
Questa battuta si collega
direttamente a un’altra potente battuta della prima stagione di
Andor
Nella prima stagione di
Andor, Karis Nemik dice a Cassian Andor: “L’oppressione è la
maschera della paura“, come parte di una citazione più ampia
che cattura perfettamente l’esperienza di vivere sotto un regime
fascista come l’Impero. in Andor – Stagione
2 riprende questa citazione con la battuta:
“Sei diventato più della tua paura“. In particolare, dato
che questa frase viene pronunciata da Cassian a un nuovo
combattente ribelle, suggerisce una chiara progressione nella
crescita di Cassian dalla stagione 1 alla stagione 2.
Una frase chiave nella première di
Andor è parallela a Rogue One
Un’altra battuta di richiamo si
collega a Cassian e Jyn Erso in Rogue One
In Andor –
Stagione 2, la frase “Stai tornando a casa da te
stesso“, pronunciata anch’essa da Cassian a un nuovo
combattente ribelle, è parallela a quella di Cassian che dice a Jyn
Erso “Bentornata a casa” in Rogue One. È lecito
supporre che non vedremo Jyn Erso, dato che questa è principalmente
la storia di Cassian e i due non si incontrano fino a Rogue One.
Queste sottigliezze sono quindi un buon modo per fare un cenno a
quella storia.
Hai individuato un luogo familiare
come password?
Un richiamo davvero brillante a
Rogue One
Nel primo episodio di
Andor – Stagione 2, la parola
“Kafrene” viene usata come password. Questo è un Easter
egg per Rogue One, poiché è proprio lì che inizia
la storia di Star Wars di Cassian Andor.
Bix sta riparando un vaporizzatore
proprio come quelli di Tatooine
I vaporatori sono parte di Star
Wars fin dall’inizio
Nella première, si vede
Bix Caleen lavorare su un vaporizzatore, un richiamo a Luke
Skywalker stesso, cresciuto lavorando nella fattoria di umidità dei
Lars su Tatooine. Andor ha un chiaro
desiderio di separarsi dall’albero genealogico degli Skywalker e
dalla loro saga in generale, quindi questo è stato un bel
riferimento sottile.
Anche i suoni degli allarmi di
Andor sono simili a quelli di Rogue One
Questo collegamento garantisce la
continuità tra le due storie
Sebbene ci siano molte
linee di dialogo (e, ovviamente, anche diversi personaggi) che
collegano Rogue One e Andor, un collegamento più
sottile tra le due storie è il suono degli allarmi. Sia in Andor
che in Rogue One, gli allarmi emettono lo stesso rumore (cosa che
non vale per tutti i progetti di Star Wars). Sebbene questo sia
facile da ignorare, offre una continuità tra il film e la
serie.
Andor – Stagione
2 ha un numero sorprendente di Easter Egg su Galactic
Starcruiser / Galaxy’s Edge
È piena di riferimenti a Galactic
Starcruiser e Galaxy’s Edge
La seconda stagione di
Andor era piena zeppa di riferimenti al Galactic Starcruiser della
Disney e al parco Disney Galaxy’s Edge. Solo negli episodi 1, 2 e 3
abbiamo individuato:
Dispositivi di scansione che
riproducono lo stesso suono del ponte di Halcyon
I colori tradizionali blu e oro di
Chandrila, provenienti dall’Halcyon
Immagini circolari e architettura
ispirate all’Halcyon
Oloproiettori simili a quelli
presenti nella stanza degli interrogatori dell’attrazione Rise of
the Resistance di Galaxy’s Edge
Musica di Chandrila derivata dalle
basi del Galactic Starcruiser
Cibo e utensili simili a quelli
utilizzati sul Galactic Starcruiser e/o visti in Galaxy’s Edge