Dexter: Resurrection, la serie sequel, in cui Michael C. Hall riprende il ruolo del serial killer più amato della TV, è stata rinnovata per una seconda stagione da Paramount+. Hall ha ringraziato i fan in un video pubblicato su YouTube e ha dichiarato: “C’è ancora molto da scoprire. La sala sceneggiatori si sta riunendo ora e i dettagli saranno presto disponibili… la storia continua”.
Il rinnovo arriva dopo che Variety ha riportato ad agosto che Paramount+ aveva pianificato di aprire una sala sceneggiatori per una potenziale seconda stagione della serie. L’altro spin-off di “Dexter”, la serie prequel “Original Sin” con Patrick Gibson nei panni di un giovane Dexter, ha avuto un destino meno fortunato. Dopo che la serie è stata rinnovata per una seconda stagione ad aprile, la piattaforma di streaming ha cambiato idea e ha cancellato la serie pochi mesi dopo, in seguito alla fusione di Paramount con Skydance.
Dexter: Resurrection ha debuttato a luglio, raggiungendo 4,4 milioni di spettatori multipiattaforma nei primi sette giorni. Oltre a Hall, la serie vede la partecipazione di Uma Thurman, Jack Alcott, David Zayas, Ntare Guma Mbaho Mwine, Kadia Saraf, Dominic Fumusa, Emilia Suárez, James Remar ePeter Dinklage. La prima stagione ha visto la partecipazione di attori fissi, tra cui Eric Stonestreet e David Magidoff, oltre a guest star come Neil Patrick Harris, Krysten Ritter, David Dastmalchian e John Lithgow, che ha ripreso il ruolo di Arthur Mitchell, alias il killer Trinity.
Dopo otto stagioni su Showtime, “Dexter” si è concluso nel 2013, per poi riprendere con la miniserie del 2021 “Dexter: New Blood”. Qualche anno dopo, è uscito “Dexter: Original Sin”, con Hall che ha ripreso il ruolo di Dexter in qualità di doppiatore. In seguito, Hall è tornato a vestire i panni del serial killer sullo schermo nella serie sequel “Resurrection”. L’anno scorso è stato annunciato che una serie prequel spin-off basata sul Trinity Killer sarebbe stata in fase di sviluppo.
“Resurrection” è stata creata da Clyde Phillips, lo showrunner originale di “Dexter”, e prodotta dalla sua Clyde Phillips Productions, Counterpart Studios e Showtime Studios. Tra i produttori esecutivi figurano Phillips, Scott Reynolds, Marcos Siega, Hilly Hicks, Jr., John Goldwyn, Sara Colleton, Tony Hernandez, Lilly Burns e Hall.
Diretto da Sidney Lumet, Serpico (1973) è uno dei grandi classici del cinema anni 70 (e non solo). Un film drammatico poliziesco ambientato prevalentemente a New York, che ruota attorno a Frank Serpico (Al Pacino), un agente di polizia che si imbatte nella corruzione dilagante all’interno del Dipartimento di Polizia di New York. Il film descrive la sua lotta contro il dipartimento, poiché il suo deciso rifiuto di accettare tangenti lo trasforma in un paria tra i poliziotti. I colleghi di Frank lo minacciano, nessuna delle sue relazioni dura a lungo e più volte rischia di morire. Nonostante tutto ciò, rimane fermo nelle sue convinzioni.
Inizialmente, John G. Avildsen (Rocky) era stato ingaggiato per dirigere il progetto, ma in seguito è stato sostituito da Sidney Lumet, che si era costruito una reputazione per la sua capacità di portare a termine i progetti in tempi ristretti. Serpico è così considerato uno dei pochi film mai realizzati che offre un ritratto profondamente poco glamour della vita della polizia, poiché approfondisce la cultura poliziesca di New York City, descrivendo la corruzione istituzionale. Ora, se tutto questo spinge a chiedersi se film sia ispirato a fatti reali, in questo approfondimento esploriamo proprio questo aspetto.
Serpico è una storia vera?
Sì, Serpico è basato su una storia vera. Il film è l’adattamento cinematografico del libro biografico del 1973 “Serpico: The Cop Who Defied the System” dell’autore e giornalista americano Peter Maas. Il protagonista del libro, Frank Serpico, ha aiutato Mass a svilupparlo dopo essersi ripreso da una sparatoria. Successivamente, gli sceneggiatori Waldo Salt e Norman Wexler hanno adattato il libro per il grande schermo. Frank Serpico era un vero agente della polizia di New York, nato e cresciuto a Brooklyn, New York City.
Cortesia di Paramount Pictures
I suoi genitori erano immigrati italiani provenienti da Marigliano, in Campania. All’età di 17 anni, si arruolò nell’esercito degli Stati Uniti e trascorse due anni in Corea del Sud come fante. Dopo aver lasciato l’esercito, ha lavorato per un breve periodo come investigatore part-time e consulente giovanile, conseguendo una laurea in scienze presso il City College di New York prima di diventare agente di polizia della NYPD nel settembre 1959. Quando alla fine si ritirò nel giugno 1972, Serpico era diventato una figura controversa all’interno del dipartimento; mentre alcuni agenti di polizia ammiravano la sua tenacia e onestà, molti criticavano le sue azioni.
All’inizio del 1966, Serpico aveva incontrato il collega poliziotto David Durk, che divenne suo alleato nella lotta contro la corruzione. Nel 1967, si rivolse poi ai suoi superiori per segnalare la corruzione diffusa all’interno del dipartimento, ma non fu intrapresa alcuna azione per fermarla. Quando parlare con i superiori non produsse il risultato desiderato, Serpico partecipò a un’inchiesta del New York Times dell’aprile 1970 che accusava la polizia di New York di ricevere milioni di dollari da criminali e piccole imprese.
Il presunto tentativo di omicidio
Il 3 febbraio 1971 e Serpico stava conducendo un’operazione antidroga nella zona di Williamsburg a Brooklyn. Una cosa che è sempre stata molto sospetta riguardo alla sparatoria durante un’irruzione frenetica è che non è mai stato chiamato il 10-13 (il codice radio per un agente che ha bisogno di assistenza) dopo che Serpico è stato colpito al volto. I suoi colleghi sono semplicemente fuggiti dalla scena, proprio come nel film. La scena iniziale del film descrive in dettaglio la gravità delle condizioni di Serpico quando viene finalmente portato d’urgenza in ospedale. Ancora oggi ha frammenti di proiettile conficcati nel cervello e soffre di perdita dell’udito a causa della recisione del nervo uditivo.
È stato quasi il colpo di grazia per Serpico, ma riuscì a sopravvivere. Nell’ottobre e nel dicembre 1971, testimoniò poi davanti alla Commissione Knapp, istituita dall’allora sindaco John V. Lindsay per indagare sulle accuse di corruzione contro il NYPD, diventando il primo agente del NYPD a farlo nella storia. “Frank Serpico! Il primo agente di polizia non solo nella storia del Dipartimento di Polizia di New York, ma nella storia di qualsiasi dipartimento di polizia degli Stati Uniti, a farsi avanti per denunciare e successivamente testimoniare apertamente sulla corruzione diffusa e sistematica dei poliziotti, con tangenti che ammontavano a milioni di dollari“, scrisse Mass nel numero del 25° anniversario della rivista New York Magazine.
Cortesia di Paramount Pictures
Cosa il film cambia della storia vera
In un’intervista a Vanity Fair, Frank Serpico ha commentato gli eventi della sua vita raccontati nel film in un documentario intitolato Frank Serpico, diretto da Antonio D’Ambrosio. Grazie al celebre regista Sidney Lumet, la sceneggiatura scritta in collaborazione con Waldo Salt è molto accurata nel descrivere come il nativo di Brooklyn, New York, sia diventato un poliziotto, la corruzione, le tangenti e il razzismo che ha incontrato e l’incidente in cui è stato quasi ucciso come informatore nel film. La sua bussola morale si è formata quando Frank era solo un ragazzo e un uomo lasciò il negozio di suo padre senza pagare per una lucidatura di scarpe.
Da allora capì di avere un senso intrinseco di ciò che era giusto e ciò che era sbagliato, e il rispetto per la legge. Ma, fedele al film, si rifiutò di indossare un microfono nascosto e non si considera una spia. Sostiene di non aver avuto alcun interesse a denunciare i poliziotti, ma a smascherare i superiori che chiudevano un occhio su tutto. Tuttavia, il film presenta anche alcune importanti differenze dalla storia vera. Ad esempio, nel film non c’è nessun personaggio di nome David Durk, ma Bob Blair (Tony Roberts), confidente e alleato di Serpico, sembra essere stato modellato su Durk.
Serpico, che ha visto il film completo per la prima volta nel 2010, ha affermato che Lumet lo ha bandito dal set dopo che lui aveva espresso la sua disapprovazione per una scena fittizia. Anche Durk ha criticato il film, così come molte altre persone legate alle forze dell’ordine. Per prepararsi al ruolo, l’attore protagonista Al Pacino ha però invitato Serpico a Montauk, New York, come ospite nella casa che aveva affittato. Una volta, Pacino ha chiesto al suo omologo fuori dallo schermo perché si fosse opposto ai suoi colleghi e, in risposta, l’ex poliziotto avrebbe detto: “Beh, Al, non lo so. Immagino di dover dire che sarebbe perché… se non lo facessi, chi sarei quando ascolto un brano musicale?“.
Cortesia di Paramount Pictures
Dov’è oggi Frank Serpico
Dopo aver lanciato l’allarme e aver dato il via alla denuncia dell’enorme corruzione all’interno del Dipartimento di Polizia di New York nel 1971, continuò a lavorare come poliziotto fino al 1972. Dopo l’uscita del film e la straordinaria interpretazione di Pacino, il vero Frank Serpico scomparve dalla circolazione. Inizialmente si trasferì dall’altra parte del mondo, in Svizzera, per riprendersi, e poi nei Paesi Bassi. Oggi vive nello Stato di New York, in una piccola capanna di legno che ha costruito lui stesso. All’esterno ci sono statue buddiste (un altro aspetto della sua religione menzionato nel film).
Come per tutti gli informatori, molti di coloro che hanno preso parte ai crimini all’interno del dipartimento lo considerano ancora un traditore e un emarginato, e lui ha dovuto allontanarsi dall’attenzione che ha ricevuto dopo l’uscita del film. Gran parte della corruzione che il film ha denunciato accuratamente è stata portata nella tomba dai corrotti. Nel febbraio 2022, Frank Serpico è stato finalmente insignito della Medaglia d’Onore dal sindaco di New York Eric Adams, che afferma che Serpico è stato una delle sue ispirazioni per entrare in politica. Aveva 85 anni, cinquant’anni dopo aver dato il via alla guerra contro i poliziotti corrotti.
Girato in IMAX e diretto da Joachim Rønning, Tron: Ares segna il ritorno di una delle saghe più iconiche della fantascienza contemporanea. Jared Leto veste i panni di Ares, un programma digitale creato dal sistema Dillinger, destinato a incarnare l’idea di un’intelligenza artificiale capace di provare emozioni. Accanto a lui Greta Lee (Eve Kim), Evan Peters (Julian Dillinger), Gillian Anderson (Elisabeth Dillinger) e Jodie Turner-Smith (Athena) danno vita a un cast in equilibrio tra nuove generazioni e richiami al classico del 1982. La domanda che muove il film è tanto semplice quanto universale: qual è il futuro dell’intelligenza artificiale? È una promessa di progresso o una minaccia per l’umanità? Tron: Ares arriverà nelle sale italiane a partire dal 9 ottobre 2025.
La trama di Tron: Ares
Nel mondo di Tron: Ares, Dillinger Systems e Encom rappresentano due lati della stessa rivoluzione tecnologica. Da una parte c’è Dillinger, azienda disposta a spingersi oltre ogni limite pur di trasformare i propri programmi in un esercito di unità laserizzate, indistruttibili e sacrificabili, pronte a essere ri-immerse nella realtà. Dall’altra parte c’è Encom, guidata da Eve Kim, che persegue un obiettivo più altruistico: usare la tecnologia per combattere fame e povertà, portando acqua ed energia nei luoghi che ne sono privi. Al centro del conflitto si trova il “Codice Permanence”, un algoritmo in grado di far durare i programmi nel mondo reale più dei canonici 29 minuti prima di dissolversi. Una scoperta rivoluzionaria, ma anche pericolosa, destinata a ridefinire i confini tra digitale e umano.
Tron: Ares – Cortesia Disney
L’errore umano e la coscienza di Ares
Quando Julian Dillinger scopre che Eve è riuscita a trovare la formula grazie alle ricerche di Kevin Flynn, tenta di appropriarsene. Ma succede qualcosa di inaspettato: il programma Ares presenta un malfunzionamento, è fin troppo umano, paradossalmente più del suo “creatore” Julian Dillinger. Il film esplora con sensibilità questo paradosso: un errore nel codice genera la prima forma di coscienza. Ares diventa così un simbolo dell’imprevedibilità dell’intelligenza artificiale, capace di comprendere il valore della vita proprio perché “difettosa”. In contrapposizione troviamo Athena, il programma di Dillinger che incarna invece la perfezione senz’anima del coding. Se Ares rappresenta l’AI umanizzata, Athena è la sua antitesi: feroce, amorale e obbediente fino all’autodistruzione – una vera e propria macchina da guerra.
Un’esperienza visiva e sonora immersiva
Sul piano estetico, Tron: Ares è un’esperienza visiva di altissimo livello. Le sequenze girate in IMAX valorizzano la fotografia di Jeff Cronenweth, che fonde l’estetica neon del film originale con un linguaggio visivo più contemporaneo. Il design dei mondi digitali, i veicoli luminosi e le arene di combattimento mantengono viva l’eredità della saga, aggiornandola ai linguaggi del cinema odierno. La colonna sonora è dei Nine Inch Nails, con Trent Reznor e Atticus Ross che curano musica, arrangiamento e produzione, amplificando la sensazione di trovarsi immersi in un mondo digitale realistico e coinvolgente.
Tron: Ares – Cortesia Disney
Il background della saga di Tron
Per comprendere Tron: Ares, è utile ripercorrere la storia della saga. Il primo Tron (1982) introdusse il Grid, un mondo digitale popolato da programmi antropomorfi, segnando una pietra miliare nella CGI e diventando un cult della fantascienza. Nel 2010 uscì Tron: Legacy, diretto da Joseph Kosinski, che aggiornò l’estetica digitale e approfondì il concetto di AI, con una colonna sonora dei Daft Punk e un uso avanzato della CGI. Tron: Ares continua questa tradizione, affrontando temi contemporanei come l’etica della tecnologia e la fragilità della coscienza artificiale.
Trama spettacolare ma prevedibile
Se da un punto di vista tecnico Tron: Ares è impeccabile, la narrazione non sempre riesce a tenere il passo. La trama segue schemi già noti: la scoperta del potere, la corruzione, la ribellione e la presa di coscienza. Tutto è costruito con precisione, ma senza veri colpi di scena: accade quello che si prevede fin dall’inizio del film. Forse è il prezzo da pagare per mantenere la storia accessibile a un pubblico ampio. Tuttavia, la semplicità narrativa permette al film di veicolare con chiarezza un messaggio universale sui rischi e le potenzialità dell’AI.
Con la sua passione per gli anni ’80, i riferimenti ai Depeche Mode e l’estetica digitale sempre più raffinata, Tron: Ares riesce a fondere nostalgia e modernità. Non è una rivoluzione, ma una conferma: il mondo di Tron è ancora in grado di parlare al presente, affrontando con leggerezza temi profondi come la cybersecurity, l’etica del coding e la fragilità della coscienza artificiale.
Le storie di crimini reali sono oggigiorno molto popolari, con omicidi feroci o altre situazioni scabrose che diventano grandi successi mediatici, in particolare su piattaforme di streaming come Netflix, Amazon e Hulu. Sempre più spesso, infatti, il mondo del cinema prende una storia tratta dai titoli dei giornali e la usa come base per un thrillerdrammatico. L’esempio perfetto è La ragazza di Stillwater del 2021, con Matt Damon, liberamente ispirato all’omicidio di Meredith Kercher per mano di un ladro, un crimine inizialmente attribuito alla studentessa americana Amanda Knox.
Il film vede Damon nei panni del rude Bill Baker, la cui figlia Allison (Abigail Breslin) è stata condannata per l’omicidio della sua ex fidanzata Lina mentre studiava all’estero. A cinque anni dalla fine della pena della figlia, Bill le fa visita. Quando viene a conoscenza di nuove prove che potrebbero far luce sul caso, si ritrova con la missione di scagionare sua figlia e riportarla a casa. Viaggiando però dalla campagna dell’Oklahoma a Marsiglia, in Francia, Bill si ritrova spaesato in una terra che non capisce.
È così costretto ad affidarsi alla generosità di una gentile sconosciuta (Camille Cottin) per portare a termine la sua missione. La ragazza di Stillwater è dunque uno studio dei personaggi dal ritmo deliberatamente lento, con un terzo atto drammatico che ribalta completamente la storia. E dato il modo rapido in cui si susseguono gli eventi nel climax, chi ha visto il film potrebbe ancora grattarsi la testa per i momenti finali scioccanti del film. Ecco allora in questo approfondimento una spiegazione accurata del finale di La ragazza di Stillwater
Cosa bisogna ricordare della trama di La ragazza di Stillwater
Sebbene fortemente ispirato all’omicidio di Meredith Kercher e all’ingiusta condanna di Amanda Knox, il film inizia a Stillwater, in Oklahoma, piuttosto che a Seattle, città natale di Knox. Lì incontriamo Bill, un operaio petrolifero disoccupato la cui figlia ha già scontato cinque anni di una condanna a nove anni per l’omicidio della sua ex coinquilina e amante Lina mentre viveva in Francia. Allison ha sempre sostenuto la sua innocenza, ma ha imparato a non contare su Bill.
L’uomo, infatti, non è stato un buon padre durante la sua infanzia e raramente ci si poteva fidare di lui quando si trattava di assumersi delle responsabilità. Ma dopo una visita alla figlia in prigione, Bill è determinato a provare l’innocenza di Allison quando lei afferma di aver scoperto l’identità di un giovane che potrebbe essere il vero assassino: un immigrato arabo di nome Akim (Idir Azougli). Dopo che il suo avvocato e la polizia hanno rifiutato di indagare su questa nuova pista, Bill decide di occuparsene personalmente.
Trova un’alleata in Virginie, una donna francese che vive con la sua giovane figlia Maya (Lilou Siauvaud) a Marsiglia. Alla fine, Bill e Virginie vanno a vivere insieme e in seguito instaurano un legame sentimentale, mentre Bill diventa lentamente una figura paterna per Maya. Quando uno degli amici di Virginie rintraccia Akim, la missione di Bill di scagionare Allison diventa più pericolosa. E quando Bill non riesce a ottenere le prove di cui ha bisogno dopo un violento alterco con il giovane, Allison interrompe ogni contatto con lui.
Matt Damon e Camille Cottin in La ragazza di Stillwater, a Focus Features release. Credit Jessica Forde / Focus Features
Cosa succede alla fine del film
In contrasto con sua figlia dopo che lei ha scoperto che lui ha cercato senza successo di riabilitare il suo nome da solo, Bill decide di rimanere a Marsiglia per starle vicino nonostante la loro separazione. Comincia persino a costruirsi una vita con Virginie e Maya, aiutando come custode e trovando un lavoro presso un’impresa edile locale. Ma quando Bill incontra casualmente Akim mentre assiste a una partita di calcio, non può permettere che la persona che crede essere il vero assassino la faccia franca una seconda volta, e rapisce Akim tenendolo in ostaggio.
Bill tiene Akim nascosto nel seminterrato del suo condominio e fa giurare alla piccola Maya di mantenere il segreto quando lo vede. Invia quindi un campione di DNA a un laboratorio, sperando che corrisponda alle prove forensi non identificate trovate sulla scena del crimine originale. Una soffiata alla polizia, tuttavia, conduce gli agenti nel seminterrato di Bill. Sul punto di vedere svelato il suo piano, Bill è scioccato quanto la polizia nello scoprire che Akim non è lì e che anche Maya ha mentito per coprirlo.
Ciononostante, il campione di DNA che ha consegnato all’avvocato di Allison (Anne Le Ny) è sufficiente a mettere in dubbio la colpevolezza della giovane e a farla uscire di prigione. È un finale agrodolce per la ricerca di Bill, perché Virginie, infuriata per ciò che Bill ha fatto ad Akim e furiosa per aver coinvolto Maya, pone fine alla loro relazione, strappandolo dalla sua nuova famiglia surrogata.
La sconvolgente confessione di Allison
In tutto il film La ragazza di Stillwater, Bill è incrollabile nel suo sostegno alla figlia e fermo nella sua convinzione della sua innocenza. Certificato che sua figlia sia stata incastrata per un crimine efferato che non ha commesso, spera di fare giustizia per lei non solo per vederla libera, ma anche come modo per redimersi ai suoi occhi come padre. Bill crede di conoscere sua figlia meglio di chiunque altro ed è sicuro che lei non abbia nulla a che fare con l’omicidio di Lina. Ma questa convinzione crolla nel momento culminante del film.
Quando Akim è stato tenuto prigioniero, il giovane ha insistito sul fatto che Allison fosse effettivamente coinvolta nell’omicidio di Lina. Ha detto a Bill che Allison lo aveva assunto per uccidere Lina, pagandolo in parte con una collana d’oro che suo padre le aveva comprato come regalo. Non sapendo cosa credere, Bill riesce comunque a riportare Allison a casa, ma una volta tornati in Oklahoma, dopo essere stati accolti come eroi dalla comunità e dalle autorità locali, Bill affronta sua figlia per scoprire quale ruolo abbia realmente avuto nella morte di Lina.
Incapace di tenere nascosto il suo segreto più grande, Allison racconta a suo padre cosa è successo la notte dell’omicidio. Dopo aver scoperto che la sua amante la tradiva, Allison dice di aver rotto con Lina e di aver voluto che se ne andasse di casa, quindi ha assunto Akim per “sbarazzarsi di lei”. E anche se dice di non aver mai voluto fare del male a Lina, le istruzioni di Allison sono state fraintese, portando alla morte della sua ex ragazza.
Abigail Breslin e Matt Damon in La ragazza di Stillwater
Il significato del finale di La ragazza di Stillwater
Fondamentalmente, La ragazza di Stillwater è un’analisi del trauma, del dolore e del lasciar andare. Racconta di come Allison, una giovane donna dal cuore buono, abbia commesso un errore fatale e sia stata costretta a pagare un prezzo molto alto. E di come debba fare i conti con il suo ruolo nella morte della sua ex fidanzata, senza aver mai avuto la possibilità di dirle addio o di piangerne la perdita. Alla fine del film, vediamo Allison farsi persino tatuare il nome di Lina in prigione prima di uscire, un simbolo del suo amore, a dimostrazione che non ha mai voluto farle del male. Ma vediamo anche che alla fine del film Bill è un uomo cambiato, e non solo per la dura prova che ha dovuto affrontare per liberare sua figlia.
All’inizio del film, abbiamo appreso che Bill ha avuto problemi con la droga e l’alcol, presumibilmente come tragico modo per affrontare la morte di sua moglie. Ma questa volta, affrontando la detenzione di sua figlia e la lotta per la giustizia, Bill ha imparato ad affrontare meglio i suoi problemi incanalando la sua energia in qualcosa di buono: sia la sua ricerca della giustizia che una nuova famiglia. E così facendo, sia Bill che sua figlia imparano il valore del perdono verso se stessi. Allo stesso modo, Allison ha finalmente trovato un modo per superare il risentimento verso suo padre, mentre Bill riesce a vedere oltre gli errori di Allison e a comprendere le ragioni che l’hanno spinta ad andarsene.
Perché è cambiata l’opinione di Bill sull’Oklahoma?
Dopo che Bill e Allison hanno condiviso un momento commovente, con Allison che confessa il suo coinvolgimento nell’omicidio di Lina, i due condividono un momento solenne sulla veranda di casa loro. È la prima mattina che Allison trascorre a casa dopo anni e lei osserva che nulla è cambiato. La sua vecchia città natale è esattamente come la ricorda. Ma Bill non è d’accordo… nella sua battuta finale, il lavoratore stanco del mondo dice che nulla sembra più lo stesso. Ma cosa intende dire con questo?
L’intera visione del mondo di Bill è stata messa in discussione e cambiata dalla sua lotta per liberare sua figlia. Ha conosciuto Allison in un modo che non aveva mai conosciuto prima, rendendosi conto che sono persone molto diverse. E attraverso Virginie e Maya, Bill ha imparato a essere un uomo, un marito e un padre migliore. Un altro tema che viene toccato, in qualche modo sotto la superficie, è un messaggio sul bigottismo e l’intolleranza.
La maggior parte dei francesi guarda con disprezzo Bill, che, provenendo dalle città rurali del sud degli Stati Uniti, viene considerato un razzista arretrato e possessore di armi da fuoco. Bill ammette di avere molti amici nella sua città natale che nutrono atteggiamenti razzisti e, sebbene non esprima mai i propri sentimenti al riguardo, l’incontro con un francese che manifesta apertamente il proprio disprezzo per gli immigrati rende chiaro il messaggio. Dopo essere stato esposto a un’altra cultura e essersi innamorato della più socialmente consapevole Virginie, Bill torna con una prospettiva diversa sul mondo.
Matt Damon in La ragazza di Stillwater
Bill ha ottenuto la redenzione che cercava?
La forza trainante di La ragazza di Stillwater potrebbe essere la ricerca di Bill per dimostrare l’innocenza di Allison, ma Bill rimane comunque il cuore della storia: un padre alla ricerca di un’altra possibilità per fare la cosa giusta per sua figlia. Nel corso del film scopriamo che Bill non è stato un buon genitore. Ha abusato di droghe e alcol, ha trascorso del tempo in prigione e raramente è stato presente per sua figlia durante la sua crescita. Lei non ha un rapporto solido con lui, soprattutto dopo la morte della madre, e anche quando emergono nuove prove nel suo caso, non si fida di lui.
Bill commette però un errore iniziale, mentendo ad Allison dicendole che il loro avvocato ha accettato di riaprire il caso, quando in realtà se ne sta occupando lui stesso, e questo allontana sua figlia. Ma quando lui dimostra ad Allison di esserci per lei, rimanendo in Francia per starle vicino, lei comincia a rendersi conto che forse lui sta davvero voltando pagina. E mentre lei rimane scettica sul fatto che lui non la deluderà di nuovo, Bill supera incredibili difficoltà per liberare Allison, e i due formano un legame padre-figlia che non avevano mai avuto prima, mentre Bill finalmente si riscatta agli occhi di sua figlia.
Come si rapporta il finale di La ragazza di Stillwater con la storia che lo ha ispirato?
La ragazza di Stillwater è stato fortemente ispirato dalla storia di Amanda Knox, un fatto che non è sfuggito alla critica e al pubblico. Ma mentre il film e la storia vera condividono molte somiglianze, ci sono diverse differenze sorprendenti, soprattutto nella conclusione del film. Allison Baker, come Amanda Knox, è una studentessa universitaria americana che studiava all’estero quando la sua compagna di stanza è stata assassinata. Come Knox, Baker è la principale sospettata dell’omicidio e viene processata, dichiarata colpevole e condannata a una lunga pena detentiva.
Come Knox, Allison viene infine rilasciata e scagionata da tutte le accuse quando emergono nuove prove. In La ragazza di Stillwater, tuttavia, alla fine si scopre che Allison era almeno in parte responsabile dell’omicidio della sua coinquilina. Ciò è in netto contrasto con quanto accaduto ad Amanda Knox. Condannata inizialmente per omicidio (tra le altre accuse) nel 2011, Knox è stata condannata a più di 20 anni di carcere insieme al suo fidanzato, Raffaele Sollecito, poiché i giurati ritenevano che Sollecito avesse tenuto ferma la vittima mentre Knox commetteva l’omicidio (come riportato dalla BBC News all’epoca).
Anni dopo, però, sono emerse nuove prove che hanno scagionato Knox dall’accusa di omicidio. Dopo una complicata serie di processi e appelli, Knox è stata finalmente dichiarata innocente nel 2015, mentre il ladro Rudy Guede è stato riconosciuto colpevole del crimine. A differenza di Allison, dopo la sua assoluzione definitiva non è mai stato insinuato che Knox avesse avuto alcun ruolo nell’omicidio.
La premessa del film thrillerFuori dall’oscurità, del regista scozzese Andrew Cumming, è piuttosto semplice: un gruppo di persone che cerca di sopravvivere a un mostro nella natura selvaggia. Ma ecco l’aspetto emozionante: il film è ambientato nell’età della pietra, 45.000 anni nel passato, per l’esattezza. Questo aggiunge valore alla narrazione, che è ulteriormente rafforzata da una fotografia mozzafiato che si basa molto sui vasti terreni aperti della Scozia e su una tavolozza di colori morbosi. La pulsante colonna sonora di Adam Janota Bzowski è poi una vera e propria rivoluzione.
Si tratta sicuramente di un esperimento particolarmente intrigante, un film uscito nel 2022 passato fin troppo in sordina e che può ora essere riscoperto grazie al suo passaggio televisivo. Ciò che lo rende ancora più interessante, però, è che a circa un’ora dall’inizio, Fuori dall’oscurità si svela essere non un film di mostri! In questo articolo, approfondiamo dunque il finale della pellicola, con anche le parole del regista su questa controversa e sorprendente conclusione.
La trama di Fuori dall’oscurità
Fuori dall’oscurità inizia con una storia raccontata da un gruppo di vecchi Hoso Sapiens a dei giovani. Si dà il caso che sia la loro stessa storia. Sono un gruppo di sei persone: Adem (Chuku Modu), che è il leader e automaticamente l’equivalente alfa; suo fratello Geirr (Kit Young); Ave (Iola Evans), che porta in grembo il figlio di Adem; Heron (Luna Mwezi), il figlio di Adem; un uomo anziano (e saggio) di nome Odal (Arno Lüning); e una giovane vagabonda, Beyah (Safia Oakley-Green). Il gruppo ha raggiunto una nuova terra e spera di trovarvi cibo e riparo. Ma la terra è piena di sterminati altopiani e (molto probabilmente) di molti pericoli sconosciuti. Ma Adem è irremovibile e fiducioso sul posto.
Odal, invece, non è molto entusiasta di avventurarsi in questa terra sconosciuta, ma il leader non è disposto ad ascoltare né lui né altri. Con uno come lui a capo, le cose sono destinate ad andare male, ed è proprio così che va. Quando Adem e Geirr scoprono i resti insanguinati di un animale selvatico, capiscono che c’è qualcosa di pericoloso nei paraggi. Ma Adem è abbastanza sciocco da tenerlo nascosto al suo gruppo. Nel buio della notte, quando il gruppo sta morendo di fame, sentono un suono minaccioso provenire da una creatura che non riescono a vedere. La creatura si allontana poco dopo, ma nel giro di pochi secondi il gruppo si rende conto che Heron è sparito.
Kit Young e Chuku Modu in Fuori dall’oscurità. Foto di LAURA RADFORD
Adem decide allora di partire alla ricerca del figlio, soprattutto perché per lui è una questione di orgoglio. Così si addentra coraggiosamente nel bosco e il gruppo non ha altra scelta che seguirlo. Naturalmente, non ci vuole molto perché si rendano conto del terribile errore commesso dal loro leader quando Adem tenta di sferrare un attacco alla creatura, finendo pesantemente ferito e con gran parte del volto mutilato. Con Ave che soffre molto e tutti gli altri che muoiono di fame oltre ogni limite, Beyah suggerisce di uccidere Adem e consumarlo. Geirr è contrario a questa idea, ma Odal e Ave sono abbastanza pragmatici da approvarla ed eseguirla.
La verità sulla creatura nel bosco
Con la scomparsa di Adem, c’è un cambiamento di potere nelle dinamiche del gruppo e, nonostante Geirr voglia assumere il ruolo di leader, gli altri non sono troppo entusiasti dell’idea. Il “vecchio e saggio” Odal non vuole pensare a Geirr come a qualcosa di diverso dai muscoli. Ave, ovviamente, ha la sua importanza in quanto portatrice di una nuova vita. Ma Beyah è una randagia che potrebbe essere responsabile di aver portato il demone al gruppo. O almeno questo è ciò che pensa Odal. Egli sottolinea che la creatura li ha attaccati per la prima volta la notte in cui Beyah ha avuto le prime mestruazioni. Secondo Odal, il sangue delle mestruazioni è abbastanza forte da attirare la creatura come una calamita.
Alla luce di ciò, Ave si pone dalla parte di Odal e i due decidono di offrire Beyah al demone, sperando che li risparmi. Ancora una volta Geirr non è d’accordo, ma Odal lo mette subito al tappeto. Lui e Ave trattengono poi con forza Beyah e iniziano a chiamare la creatura. Ma Beyah riesce a sopraffarli e a scappare. La creatura, tuttavia, arriva e finalmente la si vede bene per la prima volta, svelando che assomiglia molto a un essere umano. Il segreto meglio custodito del film viene così svelato, chiarendo che si tratta di una donna di Neanderthal che indossa una maschera ed emette un suono simile a quello della creatura. Nello scontro, Odal e Ave vengono uccisi, con la donna che porta via il corpo di Ave.
La spiegazione del finale di Fuori dall’oscurità
Rendendosi conto che non c’è nessun mostro soprannaturale o altro, Beyah insegue la donna di Neanderthal. Viene però fermata nel suo inseguimento da Geirr, che ritiene che non si debbano attaccare i Neanderthal perché sono loro uguali. Ma Beyah crede che siano superiori, il che, storicamente parlando, non è sbagliato. Una volta scoperta la caverna del Neanderthal, Beyah scorge un maschio al di fuori di essa. Anche se l’uomo di Neanderthal è chiaramente più grande e più forte di lei, Beyah è abbastanza intelligente da vincere la battaglia e alla fine lo uccide. All’interno della caverna, trova la donna e, come è ovvio, anche Heron. Ma lui sembra in forma, in forma e, soprattutto, ben nutrito.
Safia Oakley-Green in Fuori dall’oscurità. Foto di LAURA RADFORD
Beyah nota anche che il corpo di Ave è tenuto in modo rispettoso, il che fa pensare che i Neanderthal vogliano onorarla. Mentre sembra che Heron abbia trovato un rapporto con queste persone, Beyah non vuole correre il rischio e uccide la donna. Heron condanna l’atto, ma Beyah gli dice che questo è l’unico modo per sopravvivere. Tuttavia, la donna giunge presto alla conclusione che anche i Neanderthal, come loro, erano alla ricerca di una vita migliore e non volevano fare del male. E rendendo il nemico molto simile all’eroe, il regista confonde la dinamica tra predatore e preda, favorendo un terzo atto scioccante.
“Il film parla della paura”, ha affermato Cumming in un’intervista a Variety. “Una paura reale. La paura di un demone, di un mostro o di una tigre dai denti a sciabola che ti perseguita. Ma volevo che l’ultimo terzo del film fosse: “Ora sappiamo cos’è questa cosa. Sappiamo che possiamo ucciderla. E se non riusciamo a ucciderla, moriremo”. “Se siete un certo tipo di appassionati di horror e i primi due terzi di questo film sono un monster movie, posso capire che vi sentiate ingannati. Ma spero che la gente possa fare un passo indietro e pensare a ciò che accade dopo la rivelazione del secondo atto e prendere il film al suo valore nominale… Penso che sia un messaggio davvero potente”.
Si tratta di un messaggio senza tempo, aggiunge Cumming, simbolico del fatto che Fuori dall’oscurità è stato concepito durante le prime fasi della pandemia, quando la paura sembrava inghiottire la fiducia che le persone avevano l’una nell’altra. “Se le parole ‘45.000 anni fa’ non apparissero all’inizio del film, questo potrebbe essere il futuro”, insiste. “Potrebbe essere un mondo post-apocalittico in cui le persone stanno lottando per la sopravvivenza e continuano a fare gli stessi errori”.
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Apple TV+ ha annunciato il rinnovo per la terza stagione di “The Buccaneers”, l’amata serie dramedy prodotta da The Forge e ispirata all’omonimo romanzo incompiuto dell’autrice vincitrice del Premio Pulitzer Edith Wharton. Sin dal suo debutto, “The Buccaneers” è stata salutata come “un sontuoso dramma storico che appare fresco e moderno, con una narrazione veloce e ricca di colpi di scena” e una “spumeggiante avventura femminista” che è “una delizia inaspettata”, con un “potente cast corale”.
«Non potremmo essere più felici di allacciare i nostri corsetti, indossare i nostri abiti da ballo e correre senza fiato sulle scogliere di Tintagel per la terza volta per vedere quali appassionanti avventure vivranno le nostre amate Buccaneers», ha dichiarato la creatrice della serie Katherine Jakeaways. «Un enorme grazie ad Apple TV+ e anche agli spettatori affezionati che amano la serie tanto quanto noi».
Nella prima stagione di “The Buccaneers”, un gruppo di giovani ragazze americane amanti del divertimento ha fatto irruzione nella rigida Londra degli anni ’70 dell’Ottocento, facendo battere forte i cuori e dando il via a uno scontro culturale anglo-americano. La seconda stagione ha visto queste turbolente americane alle prese con l’amore, il cuore spezzato, la maternità, la gelosia e tutta la forza del sistema legale inglese. Nella terza stagione le nostre Buccaneers stanno reagendo. E lo fanno insieme. Quando sono arrivate in Inghilterra, stavano tutte vivendo il loro primo amore. Ora sono alla ricerca dell’amore della loro vita. E con un nuovo ed enigmatico duca al timone, anche Tintagel sta affrontando un futuro incerto. Se la cortese società inglese pensava che le nostre ragazze americane avessero scosso la barca, questo nuovo duca ribelle sta per affondarla.
La seconda stagione di “The Buccaneers” ha visto protagonisti Kristine Frøseth, Alisha Boe, Aubri Ibrag, Josie Totah, Imogen Waterhouse, Mia Threapleton, la candidata all’Emmy Christina Hendricks, Leighton Meester, Grace Ambrose, Maria Almeida, Amelia Bullmore, Fenella Woolgar, Guy Remmers, Matthew Broome, Josh Dylan, Barney Fishwick, Greg Wise e Jacob Ifan.
Scritta dalla creatrice della serie Katherine Jakeways, la seconda stagione è stata diretta dal vincitore del BAFTA Award William McGregor, dalla vincitrice del DGA Award Rachel Leiterman, da John Hardwick e Charlie Manton. Jakeways e la vincitrice dell’Emmy Beth Willis sono produttrici esecutive, mentre Joe Innes si unisce al team come produttore esecutivo della terza stagione. “The Buccaneers” è prodotta per Apple TV+ da The Forge Entertainment, una società di Banijay UK. Le prime due stagioni complete di “The Buccaneers” sono disponibili in streaming su Apple TV+.
È da oggi disponibile il trailer di Six Kings Slam, l’attesissimo evento tennistico che riunisce sei tra i più grandi campioni del circuito ATP. Il torneo sarà trasmesso per la prima volta in assoluto live solo su Netflix, direttamente dalla ANB Arena di Riyadh, in Arabia Saudita.
Il 15, 16 e 18 ottobre, gli appassionati potranno assistere a incontri spettacolari tra Jannik Sinner, Carlos Alcaraz, Novak Djokovic, Taylor Fritz, Alexander Zverev, e Stefanos Tsitsipas. Le partite avranno inizio alle 18:30 (ora italiana).
Apple TV+ ha annunciato che l’emozionante terzo capitolo finale dell’amata trilogia animata “WondLa”, farà il suo debutto il 26 novembre. Prodotta da Skydance Animation e basata sulla serie di libri bestseller del New York Times “The Search for WondLa” di Tony DiTerlizzi, la serie è diretta e prodotta da Bobs Gannaway.
Questo terzo e ultimo capitolo rivoluzionario vanta un cast di doppiatori stellare, tra cui Jeanine Mason (“Roswell, New Mexico”) nel ruolo di Eva, il vincitore dell’Emmy Brad Garrett (“Tutti amano Raymond”) nel ruolo di Otto, Gary Anthony Williams (“Tartarughe Ninja – Fuori dall’ombra”) nel ruolo di Rovender, Alan Tudyk (“Resident Alien”) nel ruolo di Cadmus Pryde, John Ratzenberger (“Toy Story”) nel ruolo di Caruncle, John Harlan Kim (“The Librarians”) nel ruolo di Hailey, Ana Villafañe (“Castro’s Daughter”) nel ruolo di Eva 8, Peter Gallagher (“The O.C”) nel ruolo di Antiquus e molti altri. Tra i nuovi membri del cast figurano Shohreh Aghdashloo (“La casa di sabbia e nebbia”), vincitrice di un Emmy e candidata all’Oscar®, nel ruolo di Darius e Arius, e Maz Jobrani (“The Axis of Evil Comedy Tour”) nel ruolo di Zin.
Nell’epica stagione finale di “WondLa”, scoppia la guerra tra umani e alieni. Con il destino di Orbona in bilico, Eva deve intraprendere la sua missione più pericolosa: recuperare il Cuore della Foresta che è stato rubato. Lungo il percorso, riunisce vecchi amici e alleati inaspettati per un’ultima battaglia. Ma per salvare Orbona, Eva deve fare di più che trovare il Cuore; deve unire due mondi divisi e dimostrare la verità ultima: “Non esistono ‘loro’. Esistiamo solo noi”.
La stagione finale è composta da sei emozionanti episodi di mezz’ora prodotti da Tony DiTerlizzi e Bobs Gannaway insieme a Ellen Goldsmith-Vein, Jeremy Bell, Julie Kane-Ritsch e John Lasseter, David Ellison e Dana Goldberg della Skydance Animation. La serie è prodotta anche da Tony Cosanella.
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Hostia (voce di Larissa Gallagher) e Rovender (voce di Gary Anthony Williams) in “WondLa”, disponibile dal 26 novembre 2025 su Apple TV+.
Antiquus (voce di Peter Gallagher) e Azura (voce di Maya Aoki Tuttle) in “WondLa”, disponibile dal 26 novembre 2025 su Apple TV+.
Cadmus Pryde (voce di Alan Tudyk) in “WondLa”, disponibile dal 26 novembre 2025 su Apple TV+.
Eva 8 (voce di Ana Villafañe) in “WondLa”, disponibile dal 26 novembre 2025 su Apple TV+.
“WondLa”, disponibile dal 26 novembre 2025 su Apple TV+.
Apple TV+ e Skydance Animation hanno precedentemente collaborato al film d’animazione Apple Original “Luck”. La pluripremiata offerta di serie e film originali per bambini e famiglie su Apple TV+ comprende anche lo speciale ibrido animato in live-action “Il coniglietto di velluto”, vincitore di un Emmy, il cortometraggio animato vincitore di un Oscar® e di un BAFTA “Il bambino, la talpa, la volpe e il cavallo” e il film d’animazione vincitore di un BAFTA e nominato all’Oscar® “Wolfwalkers – il popolo dei lupi”.
Recentemente aggiunte alla proposta di Apple TV+ ci sono: “Le sorelle Grimm”, basato sulla serie di libri bestseller del New York Times di Michael Buckley; la serie musicale animata “BE@RBRICK” di DreamWorks Animation; “Goldie – Un mondo a colori”, ispirata all’omonimo cortometraggio pluripremiato di Emily Brundige del 2019; la serie dei Peanuts “In campeggio con Snoopy”; la seconda stagione dell’amata serie animata “Rana e Rospo”, basata sui libri vincitori dei premi Caldecott e Newbery; la celebre serie per bambini e famiglie “Yo Gabba GabbaLand!”, ispirata al fenomeno culturale di successo “Yo Gabba Gabba!”, nominato agli Emmy Award “Essere Ben”, la serie live-action per le famiglie di Barry L. Levy, e “Wonder Pets in città”, di Jennifer Oxley.
Tra le offerte per ogni età ora disponibili in streaming su Apple TV+ ci sono: “Supersorda”, serie vincitrice del premio BAFTA e dell’Humanitas, “La nostra piccola fattoria”, serie vincitrice del premio BAFTA, “Anatra e Oca”, “Mettiamoci in moto, Otis!”, “I tuoi amici Sago Mini” di Spin Master Entertainment, “Pigna e Pony”, la serie nominata al GLAAD Media Award; “Rana e Rospo”; “Fraggle Rock: ritorno alla grotta” di The Jim Henson Company, vincitore dell’Emmy Award; “Professione spia”, “Slumberkins – Amici coccolosi”, “Helpsters” di Sesame Workshop, “Wolfboy e la fabbrica del tutto” di Joseph Gordon-Levitt, HITRECORD e Bento Box Entertainment; “Ciao, Jack! Che spettacolo la gentilezza”, “Snoopy nello spazio” dei Peanuts e WildBrain, nominato agli Emmy Award; “Le avventure di Snoopy”; “Le avventure di Eva” di Scholastic e la serie vincitrice del Peabody e dell’Emmy “Acquasilente”. Tra le offerte live-action ci sono “Ambra Chiaro” la serie di Bonnie Hunt nominata ai premi DGA e WGA; la serie vincitrice del premio DGA “Un passo alla volta”, “Le ragazze del surf”, “La vita secondo Ella”, vincitrice del premio WGA; “Lo scrittore fantasma” di Sesame Workshop, vincitore del premio Emmy e “Cuccioli cercano casa” di Scholastic.
In questa rosa sono inclusi anche “Noi siamo qui: dritte per vivere sul pianeta Terra”, l’evento televisivo vincitore del Daytime Emmy Award basato sul libro best-seller del New York Times e TIME Best Book of the Year di Oliver Jeffers e speciali di Peanuts e WildBrain tra cui il nominato all’Emmy “Le piccole cose contano, Charlie Brown”, “Snoopy presenta: la scuola di Lucy”, il candidato all’Humanitas e all’Emmy “A mamma (e papà) con amore”, “Snoopy presenta: Marcie, sei unica!”, il vincitore dell’Emmy “Chi sei, Charlie Brown?”, “Per Auld Lang Syne” e “benvenuto, Franklin”.
Apple TV+ ha svelato le prime immagini della seconda stagione della dramedy multilingue franco-giapponese “Nettare degli dei“, prodotta da Legendary Entertainment e interpretata da Fleur Geffrier e Tomohisa Yamashita. Ambientata nel mondo ad alta tensione della gastronomia e dei vini pregiati, la serie vincitrice dell’International Emmy Award come miglior serie drammatica è tratta dall’omonimo manga giapponese bestseller del New York Times. La seconda stagione, composta da otto episodi, farà il suo debutto il 21 gennaio 2026 con il primo episodio, seguito da un episodio settimanale fino all’11 marzo 2026.
Nella seconda stagione di “Nettare degli dei”, Camille (Geffrier) e Issei (Yamashita) affrontano ancora una volta una sfida quasi impossibile: scoprire l’origine del vino più buono del mondo, un segreto che nemmeno Alexandre Léger è riuscito a svelare.
Quella che inizia come una ricerca dell’eredità, diventa una ricerca della verità che attraversa continenti e secoli, portando alla luce storie dimenticate, rivalità nascoste e segreti sepolti da generazioni. Mentre la ricerca li spinge ai confini del mondo e negli angoli più oscuri di se stessi, Camille e Issei devono decidere quanto sono disposti a sacrificare. La risposta potrebbe distruggere il loro legame di fratelli o distruggere entrambi.
Fin dal suo debutto, “Nettare degli dei” ha ricevuto un ampio consenso da parte della critica e del pubblico di tutto il mondo, ottenendo rapidamente il punteggio massimo da parte della critica e la valutazione Certified Fresh su Rotten Tomatoes. Questo “dramma insolito, elegante ed estremamente divertente” è stato salutato come una “gemma nascosta”, una serie “tesa, elegante e assolutamente divertente”, “scioccante e ipnotica” ed “emozionante da guardare”.
Prodotta da Legendary Entertainment, “Nettare degli dei” è realizzata da Les Productions Dynamic in collaborazione con 22H22 e Adline Entertainment. La serie è prodotta da Klaus Zimmermann, diretta da Oded Ruskin e creata da Quoc Dang Tran. “Nettare degli dei” è ispirata alla serie manga giapponese bestseller del New York Times, creata e scritta dal pluripremiato Tadashi Agi, con illustrazioni di Shu Okimoto e pubblicata da KODANSHA Ltd.
Kodansha Ltd. è la principale casa editrice giapponese con sede a Tokyo, che sin dalla sua fondazione nel 1909 ha pubblicato un’ampia varietà di contenuti: dai fumetti ai romanzi, dalle riviste di moda ai giornali di attualità, dai libri illustrati per bambini alle anime televisive, dai film alle serie e ai videogiochi, nello spirito di “Ispirare storie impossibili”. Kodansha, Ltd. è riconosciuta a livello internazionale come licenziataria di alcune delle IP di fumetti più amate al mondo, come AKIRA, Attack on Titan e Ghost in the Shell.
Jafar Panahi, uno dei più grandi registi della storia del cinema iraniano e uno dei maggiori autori contemporanei, premiato in tutti i più importanti festival internazionali, con Un semplice incidente offre l’ennesima testimonianza di un’idea di cinema straordinariamente vitale, capace di coniugare impegno civile, sperimentazione formale e una libertà d’invenzione probabilmente senza pari.
Girato clandestinamente, senza il permesso ufficiale delle autorità iraniane, il film conferma l’impegno di Panahi a difendere l’integrità artistica e l’indipendenza creativa. Un semplice incidente unisce dramma e ironia, muovendosi sul sottile confine tra tragedia e grottesco. L’ironia dissacrante, cifra distintiva del suo cinema, diventa lo strumento attraverso cui Panahi mette in scena l’assurdità dei meccanismi di potere e la fragilità dei giudizi morali.
Dopo aver vinto la Palma d’Oro al Festival di Cannes 2025, Un semplice incidente è stato designato dalla Francia come candidato ufficiale agli Oscar 2026 per il Miglior Film Internazionale. Il film arriva il 6 novembre in sala con Lucky Red.
La trama breve di Un semplice incidente
Un semplice incidente diventa la scintilla di una catena di conseguenze sempre più travolgenti.
Nella recensione di Agnese Albertini per Cinefilos.it si legge: “Panahi costruisce un’opera compatta, priva di orpelli, che lavora per sottrazione. La tensione cresce con naturalezza, grazie a una regia che dosa con precisione il tempo e lo spazio.”
TRON: Ares arriverà nei cinema domani, 9 ottobre, e, nonostante le prime recensioni contrastanti, i fan del franchise sono comprensibilmente ansiosi di tornare alla Griglia. Dopotutto, sono passati 15 anni dall’uscita di TRON: Legacy e un terzo capitolo si è fatto attendere a lungo.
Avremo un quarto film? Dipenderà da molti fattori, tra cui l’andamento del film al botteghino questo fine settimana (previsioni riviste dovrebbero arrivare presto, ora che l’embargo sulle recensioni è stato revocato).
I Marvel Studios hanno reso popolare il concetto di scene post-credit e molti blockbuster moderni le usano per preparare il terreno per le storie future. Quindi, TRON: Ares ha una scena post-credit e, senza spoiler, vale la pena aspettare?
Sì, TRON: Ares ha una scena post-credit. Tuttavia, viene mostrata a metà dei titoli di coda, subito dopo la fine della prima parte. È un momento piuttosto importante e avrà sicuramente un significato per i fan di lunga data del franchise di TRON. Quindi, se siete fan, non perdetevelo.
Il film rappresenta una svolta importante per la saga, introducendo per la prima volta una narrazione che si estende oltre il confine digitale, con Ares che entra nel mondo reale. Questo cambio di prospettiva permette alla saga di esplorare nuove tematiche legate al rapporto tra intelligenza artificiale e società, con toni che sembrano più cupi e riflessivi rispetto ai precedenti capitoli.
Le riprese di Tron: Ares si sono concluse nella primavera del 2024 a Vancouver, dopo numerosi ritardi legati prima allo sviluppo e poi agli scioperi dell’industria hollywoodiana. La produzione è stata supportata da tecnologie all’avanguardia per effetti visivi e scenografie digitali, promettendo un’esperienza visiva innovativa. La speranza dei fan è che questo nuovo capitolo possa rilanciare definitivamente il franchise, rimasto dormiente dal 2010, anno di uscita di Tron: Legacy.
Rebecca Ferguson ha confermato che tornerà nei panni di Lady Jessica in Dune: Parte III, nonostante il suo personaggio sia menzionato solo brevemente nel romanzo di Frank Herbert, Dune: Messiah, su cui si baserà questo terzo film di Denis Villeneuve.
“Sì! Ci sono”, ha detto la Ferguson a Games Radar. “Un ruolo piccolo. Un po’ intermittente, perché non sono nei libri. Quindi non ci avevo pensato. Denis [Villeneuve] mi ha chiamata e mi ha chiesto: ‘Perché ho la sensazione che tu non sia nel film?’. E io ho risposto: ‘Perché non sono nei libri?’. E lui: ‘No, amico, ho un paio di scene…'”.
“Non ho una parte importante in questo, [è] solo a malapena nel libro”, ha detto in un’intervista separata con IndieWire.com. “Non sono sicura che avrei dovuto esserci e Denis aveva una piccola idea”, ha detto. “La sceneggiatura è fenomenale. È davvero difficile creare un film, è un libro così denso. C’è così tanto da raccontare. [Denis] entra ed esce, ci prova e vuole avere certe connessioni e tentacoli con il libro.”
Verso la fine di Dune: Parte II, Jessica accetta il suo ruolo di Reverenda Madre Bene Gesserit dei Fremen e riesce a comunicare con la figlia non ancora nata Alia, che sarà interpretata da Anya Taylor-Joy nella Parte III, dopo un brevissimo debutto nel secondo film in forma di flashforward.
In Messiah, apprendiamo che Jessica è tornata sul pianeta natale degli Atreides, Caladan, e il personaggio non ha un ruolo significativo nella saga fino a Children of Dune. “Molto raramente mi capita di provare una FOMO così forte”, ha aggiunto Ferguson. “Spesso mi sento sollevata di non essere coinvolta in niente. Sono quella che arriva e se ne va velocemente. Ma penso che [Dune] sia quello giusto… Sono entrata sul set e ho visto [il direttore della fotografia] Linus Sandgren e Denis, e c’era anche Timothée. E mi è sembrato un momento commovente. Sapevo che me ne sarei andato il giorno dopo, quindi c’era una certa tristezza. Ma so anche che il film è epico.”
“Innanzitutto, è importante che la gente capisca che per me è stato davvero un dittico”, ha detto Villeneuve dei primi due film in una recente intervista. “Si trattava in realtà di una coppia di film che sarebbero stati l’adattamento del primo libro. Quello è fatto e quello è finito. Se ne faccio un terzo, che è in fase di scrittura, non è come una trilogia. È strano dirlo, ma se ci torno, è per fare qualcosa che sia diverso e abbia una sua identità.”
Denis Villeneuve ha dichiarato di non avere intenzione di dirigere altri film del franchise, ma questo non significa che la Warner Bros. smetterà di produrli! Secondo una recente indiscrezione, lo studio starebbe pianificando di procedere con almeno un altro film di Dune, e potrebbe puntare a Gareth Edwards (Rogue One, Godzilla, Jurassic World Rebirth) per la regia.
I primi due film sono stati un grande successo, ma un quarto capitolo sarebbe comunque sorprendente, vista la direzione che prende la saga di Frank Herbert dopo il secondo libro.
Dopo il successo dei primi due film di Dune – che hanno incassato un totale di 1,12 miliardi di dollari al botteghino mondiale, ottenuto 15 nomination agli Oscar e vinto sette premi – Dune: Parte 3 sarà uno dei film più importanti del calendario delle uscite del 2026.
Nel dicembre 2023, la star di Loki e Ant-Man and The Wasp: Quantumania, Jonathan Majors, è stato dichiarato colpevole di aggressione di terzo grado e di molestie, spingendo i Marvel Studios a interrompere immediatamente i rapporti professionali con lui.
I Marvel Studios potrebbero però dargli una seconda possibilità nell’MCU nei panni di Kang? La sua interpretazione del villain viaggiatore nel tempo è stata ben accolta da fan e critica, e stiamo ancora aspettando una spiegazione per quanto riguarda il passaggio da Kang a Dottor Destino come grande cattivo della Saga del Multiverso.
Come minimo, la speranza è di scoprire come Destino ha gestito Kang, soprattutto perché Loki e il terzo capitolo di Ant-Man lo hanno presentato come una minaccia per il Multiverso prima di quella che sembrava un’altra Guerra Multiversale.
L’U.S. Sun ha parlato con Majors, che a quanto pare ha “sorpreso con un sorriso a trentadue denti” quando gli è stato chiesto delle voci su un suo ritorno nell’MCU. “Non posso dire nulla al riguardo”, ha esordito, “cercando di fare il timido ma incapace di nascondere il sorriso”, secondo il quotidiano. Incalzato sulla possibilità che ci fosse qualcosa in lavorazione, Majors ha risposto: “Beh, è un Multiverso, quindi c’è sempre quello. Ci sono sempre molte opportunità per questo”, ha osservato, aggiungendo di essere “molto contento” di sapere che molti fan lo vogliono indietro.
All’inizio di quest’anno, l’attore interprete di Colui che Rimane ha riflettuto su un membro del suo team legale che gli ha dato la notizia che il suo tempo nell’MCU era finito… pochi istanti dopo essere uscito dal tribunale penale di Lower Manhattan.
“Lui mi ha detto: ‘Te lo dico subito'”, ha ricordato Majors. “‘In questo modo non rimarrai sorpreso e potrai iniziare a elaborare la cosa. Ti hanno licenziato. La Marvel ti ha licenziato.'” “Ci sono stati giorni in cui mi chiedevo: ‘È vero?'”, ha detto riferendosi alle settimane successive. “È un dolore che non ho mai provato e che si è aggravato sempre di più.”
“Nessuna relazione con i grandi nomi, DC o Marvel, ma una storia piuttosto malvagia”, ha detto Majors di un altro progetto di supereroi che sta attualmente seguendo. “Sono contento di leggerlo”. Parlando della ripresa della sua carriera, Majors ha aggiunto: “A volte sembra che non accadrà. E a volte sembra che inizieremo la prossima settimana”.
I piani originali prevedevano che il prossimo film degli Avengers si intitolasse The Kang Dynasty. Da allora è stato rinominato Doomsday, anche se la Saga del Multiverso dovrebbe concludersi con Avengers: Secret Wars. Un cameo di Majors, sebbene altamente improbabile, è ancora possibile.
Le riprese di Harry Potter della HBO sono attualmente in corso in Cornovaglia, in Inghilterra, e la star di The Crown, John Lithgow, è stato avvistato in costume completo, barba e occhiali, nei panni del nuovo Professor Albus Silente del Mondo Magico.
Vestito con una tunica blu scuro, la sua barba è opportunamente lunga e, se si aggiungono gli occhiali, questa versione di Silente sembra esattamente la versione di questo personaggio che siamo sicuri molti di voi hanno immaginato leggendo i romanzi di J.K. Rowling. La domanda è: cosa sta succedendo qui?
Non ci sono scene in cui Silente è in piedi su una spiaggia in Harry Potter e la Pietra Filosofale. John Lithgow è stato avvistato mentre leggeva da cartoncini delle scritte in latino, forse una formula magica, e sembra proprio che stia lanciando un incantesimo.
“Il concetto generale di questo reboot di Harry Potter è che un’intera stagione sia dedicata a un singolo romanzo”, ha detto Lithgow a proposito della serie all’inizio di quest’anno. “Sapete, Silente è… è una specie di arma nucleare. Si presenta solo molto, molto occasionalmente. Non credo che sarà un lavoro così difficile, e andremo avanti e indietro.”
In seguito avrebbe affermato che il ruolo che gli era stato assegnato “era stato una totale sorpresa”, spiegando: “Ho appena ricevuto la telefonata al Sundance Film Festival per un altro film, e non è stata una decisione facile perché mi definirà per l’ultimo capitolo della mia vita, temo. Ma sono molto emozionato. Alcune persone meravigliose stanno tornando a dedicarsi a Harry Potter”.
“Ecco perché è stata una decisione così difficile. Avrò circa 87 anni alla festa di fine riprese, ma ho detto di sì”, ha concluso Lithgow, rivelando di essersi immerso nei libri della Rowling per la prima volta per conoscere meglio la maga.
Cosa sappiamo della serie HBO su Harry Potter
La prima stagione sarà tratta dal romanzo La pietra filosofale e abbiamo già visto alcuni altri momenti chiave del romanzo d’esordio di J.K. Rowling essere trasposti sullo schermo. La prima stagione di Harry Potter dovrebbe essere girata fino alla primavera del 2026, mentre la seconda stagione entrerà in produzione pochi mesi dopo. Ogni libro dovrebbe costituire una singola stagione, il che significa che avremo sette stagioni nell’arco di quasi un decennio.
HBO descrive la serie come un “adattamento fedele” della serie di libri della Rowling. “Esplorando ogni angolo del mondo magico, ogni stagione porterà ‘Harry Potter’ e le sue incredibili avventure a un pubblico nuovo ed esistente”, secondo la descrizione ufficiale. Le riprese dovrebbero avere inizio nel corso dell’estate 2025, per una messa in onda prevista per il 2026.
La serie è scritta e prodotta da Francesca Gardiner, che ricopre anche il ruolo di showrunner. Mark Mylod sarà il produttore esecutivo e dirigerà diversi episodi della serie per HBO in collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros. Television. La serie è prodotta da Rowling, Neil Blair e Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e David Heyman di Heyday Films.
Come già annunciato, Dominic McLaughlin interpreterà Harry, Arabella Stanton sarà Hermione e Alastair Stout sarà Ron. Il cast principale include John Lithgow nel ruolo di Albus Silente, Janet McTeer nel ruolo di Minerva McGranitt, Paapa Essiedu nel ruolo di Severus Piton, Nick Frost nel ruolo di Rubeus Hagrid, Katherine Parkinson nel ruolo di Molly Weasley, Lox Pratt nel ruolo di Draco Malfoy, Johnny Flynn nel ruolo di Lucius Malfoy, Leo Earley nel ruolo di Seamus Finnigan, Alessia Leoni nel ruolo di Parvati Patil, Sienna Moosah nel ruolo di Lavender Brown, Bertie Carvel nel ruolo di Cornelius Fudge, Bel Powley nel ruolo di Petunia Dursley e Daniel Rigby nel ruolo di Vernon Dursley.
Si avranno poi Rory Wilmot nel ruolo di Neville Paciock, Amos Kitson nel ruolo di Dudley Dursley, Louise Brealey nel ruolo di Madama Rolanda Hooch e Anton Lesser nel ruolo di Garrick Ollivander. Ci sono poi i fratelli di Ron: Tristan Harland interpreterà Fred Weasley, Gabriel Harland George Weasley, Ruari Spooner Percy Weasley e Gracie Cochrane Ginny Weasley.
La serie debutterà nel 2027 su HBO e HBO Max (ove disponibile) ed è guidata dalla showrunner e sceneggiatrice Francesca Gardiner (“Queste oscure materie”, “Killing Eve”) e dal regista Mark Mylod (“Succession”). Gardiner e Mylod sono produttori esecutivi insieme all’autrice della serie J.K. Rowling, Neil Blair e Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e David Heyman di Heyday Films. La serie di “Harry Potter” è prodotta da HBO in collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros. Television.
Diretto da McG, 3 Days to Kill è un film d’azione e avventura che racconta la storia dell’agente della CIA Ethan Renner (Kevin Costner), costretto a ritirarsi dall’agenzia dopo aver ricevuto una diagnosi di cancro al cervello in fase terminale. Torna a casa a Parigi, sperando di trascorrere il tempo che gli resta con la moglie Christine (Connie Nielsen) e la figlia Zooey (Hailee Steinfeld), da cui si era allontanato. Sfortunatamente, il suo ultimo obiettivo prima del pensionamento, un trafficante d’armi illegale conosciuto semplicemente come Wolf, è ancora in libertà. Vivi Delay (Amber Heard), un’assassina d’élite che lavora direttamente per il direttore della CIA, gli propone un accordo.
Se accetta di uccidere Wolf per lei, gli darà un farmaco sperimentale che potrebbe prolungargli la vita. Non avendo alternative, Ethan accetta. Si imbarca così in un viaggio che lo costringe a trovare un equilibrio tra la sua vita professionale e quella personale. Quando 3 Days to Kill è uscito nel 2014, ha ottenuto recensioni moderate da parte della critica. Hanno elogiato la regia di McG, la performance di Costner e la trama avvincente del film. Se le eleganti scene di spionaggio del film vi hanno fatto chiedere se 3 Days to Kill sia basato su una storia vera, ecco cosa abbiamo scoperto.
No,3 Days to Kill non è basato su una storia vera. Il film è ispirato a una sceneggiatura scritta dal leggendario regista Luc Besson insieme ad Adi Hasak. La sceneggiatura, a sua volta, è basata su una storia scritta dallo stesso Besson. La trama principale del film ricorda molto quella della serie televisiva francese No Limit. È stata sviluppata da Besson in collaborazione con Franck Philippon.
La serie ruota attorno a Vincent Libérati (Vincent Elbaz), un agente segreto francese che lascia il lavoro dopo aver ricevuto una diagnosi di tumore al cervello e si trasferisce a Marsiglia per lavorare sui suoi rapporti con l’ex moglie Alexandra (Hélène Seuzaret) e la figlia Lola (Sarah Brannens). A Vincent viene detto che se entrerà a far parte di un’organizzazione segreta di spionaggio chiamata Hydra, avrà accesso a un farmaco sperimentale. Dopo averci riflettuto, accetta le condizioni.
Durante la serie, scopre che Hydra è stata creata dai servizi segreti per sconfiggere il crimine organizzato in Costa Azzurra con metodi non proprio legali. A differenza del film, in cui Christine sa che tipo di lavoro svolgeva Ethan, la famiglia di Vincent ne è completamente all’oscuro. All’inizio della serie, pensano che sia un installatore di allarmi antifurto. Inoltre, non sanno nulla della diagnosi.
La relazione tra Ethan e Christine è bloccata allo stesso modo di quella tra Vincent e Alexandra. Sono ancora innamorati l’uno dell’altra, ma non sanno come stare insieme. “3 Days to Kill” presenta anche alcune somiglianze con “Taken”, il thriller d’azione del 2008 con Liam Nesson, scritto anch’esso da Besson (insieme a Robert Mark Ramen). In entrambi i film, una leggenda di Hollywood degli anni ’80 e ’90 interpreta una spia altamente addestrata che è anche un padre affettuoso.
Il principe vichingo Amleth interpretato da Alexander Skarsgård non è stato l’unico personaggio memorabile di The Northman, l’epico film di vendetta di Robert Eggers che vanta personaggi come l’eccentrico Heimir The Fool interpretato da Willem Dafoe e l’eroica maga Olga interpretata da Anya Taylor-Joy. Il film è incentrato su Amleth che intraprende una missione per vendicare la morte di suo padre e conquistare il trono su cui siede il suo intrigante zio. Olga della Foresta di Betulle è un personaggio inquietante che elabora strategie e sostiene di avere poteri soprannaturali. Rimane al fianco di Amleth fino alla fine e si rivela un’alleata molto utile, con una forza di volontà sufficiente per sopravvivere nel violento caos del mondo vichingo.
Anche se la storia di The Northman attinge principalmente dalla leggenda scandinava di Amleth e da altre tradizioni popolari vichinghe, il cast di questo dramma fantasy d’azione può essere ricavato dai racconti mitici esagerati di persone reali. Dati i suoi poteri di stregoneria e l’ostracismo sociale che deve affrontare, Olga potrebbe molto probabilmente derivare dalle praticanti delle streghe Völva dell’antico norvegese o dalle praticanti della magia conosciuta come seiðr, che si pensava vivessero nei paesi scandinavi durante la tarda età del ferro. Le teorie degli osservatori l’hanno anche collegata a una guerriera vichinga diventata santa cristiana, facendo risalire le origini di Olga all’era dell’alto Medioevo.
Olga potrebbe essere stata ispirata dalle streghe dell’antico norvegese
Olga ha un ruolo importante nel film di Robert Eggers e, dato il contesto vichingo di The Northman, la caratterizzazione di Olga può essere paragonata a quella delle streghe e delle maghe dell’antico norvegese e persino delle tradizioni slave. La magia seiðr può essere attribuita a uomini e donne della tarda età del ferro scandinava (circa dal 500 a.C. all’800 d.C.). Le pratiche includevano principalmente l’incantesimo di formule magiche e i praticanti potevano essere molto probabilmente leader religiosi nelle società vichinghe. Questi incantesimi permettevano loro anche di connettersi con il regno spirituale, con testi vichinghi che suggeriscono anche che i rituali seiðr potevano essere usati per guardare al futuro in tempi di crisi.
Olga non mostra esplicitamente alcun potere di prevedere il futuro, ma le visioni profetiche di Amleth in The Northman sorgono solo dopo averla incontrata. A un livello semplicistico, la magia praticata dalle völva (termine vichingo per strega o veggente) durante l’età del ferro era considerata “sciamanica”, con un’alta probabilità che i praticanti fossero generalmente venerati ma esclusi dalla società come streghe, proprio come nel resto dell’Europa medievale. Di solito incutevano paura tra la gente a causa del potere e della conoscenza che possedevano. I loro poteri possono ovviamente essere ridotti a fantasia, ma lo status storico di queste streghe è ciò che rende Olga simile alle vere völva.
Santa Olga potrebbe aver influenzato il personaggio?
Coloro che cercano di considerare The Northman come una storia vera suggeriscono la possibile influenza della santa guerriera Olga, un personaggio storico con una storia cinematografica tutta sua. La vera Olga, o Santa Olga di Kiev, come è popolarmente conosciuta, era di origine varangiana (vichinga) e nacque a Pestov, in Russia. Proprio come la vendetta di Amleth, Olga era temuta per la sua sanguinosa vendetta sui Drevili, la tribù responsabile dell’omicidio di suo marito. Il suo cosiddetto “spirito guerriero” l’ha trasformata in un’eroina vichinga, ma nonostante la sua storia violenta, la sua finale conversione al cristianesimo l’ha resa una santa. Ad oggi, alcune chiese in Russia, Ucraina, America e Canada sono dedicate a Santa Olga.
Santa Olga nacque tra l’890 e il 925 d.C., mentre The Northman inizia la sua storia dall’895 d.C. e prosegue nei primi decenni del X secolo. Le linee temporali leggermente sovrapposte e le origini vichinghe della santa potrebbero indicare un’influenza sul personaggio di Anya Taylor-Joy. The Northman descrive Olga come una stratega, mentre Santa Olga intervenne come regina reggente e leader del suo popolo contro i Drevili. Olga nel film professa anche credenze norrene e slave, al contrario della vera Santa Olga che divenne una devota cristiana. Non ci sono conferme, ma Olga potrebbe benissimo essere stata una figura reale.
Charlie Hunnam, protagonista di Monster: La storia di Ed Gein, difende la controversa rappresentazione di Ed Gein nella serie. La serie antologica poliziesca di Ryan Murphy ha debuttato con una stagione incentrata su Jeffrey Dahmer, prima che Monster – stagione 2 raccontasse una versione romanzata dei crimini dei fratelli Menendez.
Monster – stagione 3 è stata pubblicata su Netflix il 3 ottobre e ha diviso critici e fan. Come il resto del franchise, molto è stato fatto per sensazionalizzare e glorificare i crimini di Gein, ma, più specificamente, la stagione ha attirato critiche per la sua narrazione tortuosa e la violenza esplicita.
In un’intervista con The Hollywood Reporter, Hunnam ha reagito alle critiche ricevute dalla stagione, in particolare per quanto riguarda le libertà prese con gran parte della storia e alcune delle vittime. Hunnam ha dichiarato di non essere d’accordo sul fatto che la serie glorifichi l’omicidio e ha elogiato la stagione definendola “sensazionalmente buona”:
Non ho mai avuto l’impressione che lo stessimo sensazionalizzando. Sul set non ho mai avuto l’impressione che stessimo facendo qualcosa di gratuito o per creare shock. Tutto era finalizzato a raccontare questa storia nel modo più onesto possibile.
Ha continuato chiedendosi se Ed Gein sia il vero mostro della serie, o se lo siano i registi che hanno sfruttato i suoi omicidi per realizzare film, o il pubblico che guarda e apprezza la serie Netflix. Leggi il resto della difesa di Hunnam della terza stagione di Monster qui sotto:
È Ed Gein che è stato maltrattato e lasciato in isolamento, affetto da una malattia mentale non diagnosticata, e che ha manifestato la sua condizione in modi piuttosto orribili? Oppure il mostro è la schiera di registi che ha tratto ispirazione dalla sua vita e l’ha sensazionalizzata per creare intrattenimento e oscurare la psiche americana nel processo? È Ed Gein il mostro di questa serie, o è Hitchcock il mostro della serie? O siamo noi il mostro della serie perché la guardiamo?
Anche il co-creatore Ian Brennan ha difeso la serie, sostenendo che l’intento non è quello di sfruttare la storia, ma che è importante raccontarla per intero, per quanto possa essere inquietante. Ha anche affermato che Ed Gein è una storia di malattia mentale e, come tale, ha cercato di evitare qualsiasi tipo di narrazione “sensazionalistica”:
Questo show cerca sempre di non essere sensazionalistico. Cerca di mostrare che si può esagerare quando si racconta una storia macabra. È importante raccontare tutta la storia, anche le parti difficili da guardare. Non credo che questa stagione sia affatto sensazionalistica. Penso che sia sensazionalmente buona, ma è un vero e proprio tuffo in un punto di riferimento molto strano e importante del XX secolo. Si dà il caso che fosse proprio questo uomo molto solo, strano e malato di mente nel mezzo del nulla nel Wisconsin ad avere un’enorme impronta culturale che ha cambiato la cultura pop. Ed è fondamentalmente una storia di malattia mentale.
Brennan ha continuato affermando che era importante che la serie si concentrasse sull’orrore della sua vita interiore e sul fatto che il cervello di Gein funzionasse in modo diverso, soprattutto perché la serie affronta il suo rapporto con Ilse Koch, una criminale di guerra nazista che si ritiene abbia influenzato le azioni dell’assassino:
Per noi era importante mostrare l’orrore della sua vita interiore e la sorta di prigione in cui era intrappolato il suo cervello per mostrare quell’orrore, così come lo era mostrare questo o quell’omicidio in sé… Ed Gein aveva un cervello diverso e non era in grado di avere la prospettiva necessaria per guardare qualcosa e metterla da parte in un compartimento. Vedeva delle immagini e ne era ossessionato. Vedeva cose che il suo cervello non riusciva a dimenticare. Tutto è iniziato con tutto ciò che è emerso dall’Olocausto, che il personaggio di Vicky [Krieps] interpreta in modo così brillante, proprio l’orrore della banalità di ciò che è accaduto nei campi di concentramento nazisti. E lui non riusciva a toglierselo dalla testa. Questa è la [stagione] che affronta in modo più diretto la questione di cosa succede quando si vedono cose orribili.
Brennan ha concluso parlando di come la rottura della quarta parete sia un tentativo di puntare la telecamera sui creatori, così come sul pubblico, per mostrare e guardare qualcosa che forse non dovrebbero guardare. Leggi il resto dei commenti di Brennan qui sotto:
[La scena della rottura della quarta parete è] anche un modo per noi di puntare la telecamera su noi stessi per dire: “No, siamo consapevoli che anche noi stiamo mostrando qualcosa che forse non dovreste guardare” … Psycho è stato Albert Hitchcock che ha superato ciò che era venuto prima. E poi Texas Chainsaw Massacre è stato Tobe Hooper che ha superato ciò che aveva fatto Hitchcock. Quindi è questo processo di dover continuamente spaventare noi stessi. E penso che volessimo davvero approfondire la domanda: è questo che la gente dovrebbe guardare?
Cosa significa questo per la terza stagione di Monster
La serie antologica Monster ha spesso camminato sul filo del rasoio tra realtà e finzione, con imprecisioni e licenze creative utilizzate per aggiungere drammaticità e narratività. I commenti di Hannam e Brenner rivelano che l’obiettivo era quello di cercare di realizzare il miglior show possibile, pur avendo qualcosa da dire su diverse questioni importanti.
Hunnam ha ragione quando afferma che la serie pone importanti interrogativi su chi sia il vero cattivo della storia. E, come afferma Brennan, la serie cerca di essere fedele piuttosto che strumentale. Entrambi hanno ragione nel dire che la stagione ha molto da dire al di là del semplice focus su Gein, soprattutto perché la terza stagione di Monster mostra una forte allegoria dell’ossessione americana per i crimini reali.
Netflix sta adattando uno dei giochi più popolari di tutti i tempi in una serie TV, ma con una svolta importante rispetto alla trama originale. Gli adattamenti televisivi di Netflix di giochi popolari non sono una novità. Tra questi figurano serie come Devil May Cry e Arcane, per quanto riguarda gli adattamenti di videogiochi. Tuttavia, un mercato ancora in gran parte inesplorato è quello dei giochi da tavolo.
Ora, Netflix ha annunciato un adattamento televisivo di Clue, che sarà presentato come una serie competitiva senza copione. La serie vedrà la partecipazione di numerosi personaggi del popolare gioco da tavolo, con i concorrenti sottoposti a “sfide fisiche e mentali” per determinare la verità dietro al crimine centrale. Il vincitore otterrà un “grande premio” alla fine:
Clue — the world’s most famous mystery board game — is coming to life as an unscripted Netflix competition series.
Viewers will encounter familiar suspects like Colonel Mustard, Miss Scarlett, and Professor Plum as contestants face physical and mental challenges to collect… pic.twitter.com/UVvP3ZP6rQ
Cosa significa Clue di Netflix per l’adattamento dei giochi da tavolo
Clue è un gioco da tavolo di mistero in cui i giocatori devono scoprire l’identità dell’assassino, dove è avvenuto l’omicidio e quale arma è stata utilizzata. Il franchise più ampio include un adattamento cinematografico del 1985 con Eileen Brennan e Tim Curry; sebbene all’epoca non sia stato ben accolto, da allora ha raccolto un seguito di culto. Esistono anche molti altri adattamenti.
Clue di Netflix non sarà il primo adattamento televisivo del gioco di mistero sotto forma di serie competitiva. Esistono diverse versioni internazionali del gioco in stile game show, tra cui la più nota è Cluedo, in Australia e nel Regno Unito. Tuttavia, la serie originale di Netflix promette di essere la prima del suo genere dagli anni ’90.
Lo show fa anche parte della nascente partnership di Hasbro con Netflix nella produzione di contenuti. Oltre al prossimo Dungeons & Dragons le due società hanno anche stretto una partnership per creare un game show basato su Monopoly. Clue è il prossimo progetto annunciato in cantiere, a testimonianza della forte partnership tra le due società per la creazione di contenuti futuri.
Un nuovo clip della stagione 23 di NCISrivela il debutto di una star televisiva veterana nel ruolo della sorella di Parker. Trasferitosi al martedì sera, insieme a NCIS: Origins e NCIS: Sydney, NCIS – stagione 23 debutterà sulla CBS il 14 ottobre alle 20:00 ET. Dovrà riprendersi dopo una perdita devastante per Alden Parker, interpretato da Gary Cole, ancora sconvolto dall’omicidio di suo padre.
Nancy Travis, star di The Kominsky Method e Last Man Standing, si è unita al longevo crime drama in queste circostanze cupe, interpretando il vice ammiraglio della Marina Harriet Parker, sorella di Alden Parker, in un ruolo da guest star. Travis farà il suo debutto nei panni di Harriet nella premiere in due parti della prossima stagione.
TVLineha svelato un’anteprima della premiere della stagione 23 di NCIS, che mette in evidenza il debutto di Travis nei panni di Harriet. Lei incontra Palmer (Brian Dietzen) e dalla loro interazione nell’anteprima è chiaro che la situazione è tesa. Anche se apparentemente è lì per occuparsi degli effetti personali di suo padre, Harriet implicitamente critica suo fratello un paio di volte. Guardate il video qui sotto:
Cosa significa l’arrivo di Harriet per la stagione 23 di NCIS
Carla Marino (Rebecca De Mornay) tradisce Alden e uccide suo padre. Considerando come la serie della CBS fino a quel momento, e in particolare durante il finale, abbia posizionato Carla come potenziale interesse amoroso di Alden, la svolta è particolarmente scioccante. Carla incolpa Alden per la morte di suo figlio avvenuta anni prima e vuole fargli del male allo stesso modo.
Harriet potrebbe non essere la presenza più rassicurante. Nella clip, è tutta concentrata sul lavoro con Jimmy. E quando il discorso si sposta su Alden, lei è sprezzante nei confronti del fratello e dell’idea che siano allo stesso livello. A un certo punto dice che “mio fratello non avrebbe potuto indossare l’uniforme, anche se lo avesse voluto”.
La trama dell’episodio suggerisce che Alden mette a rischio se stesso, per non parlare della sua squadra, nel tentativo di catturare Carla. Ma mettendo da parte l’ovvia rivalità tra fratelli e i potenziali risentimenti, l’aggiunta di Travis al cast di NCIS potrebbe offrire uno spunto per qualcos’altro. Harriet trova infatti un fascicolo relativo alla defunta madre di Alden, Eleanor, il cui mistero rimane irrisolto.
La serie di Taylor SheridanLionessha aggiunto un attore di Yellowstoneal suo cast, rivelando nuovi dettagli sui personaggi all’inizio della produzione. Dopo una lunga attesa, Lioness – stagione 3 è stata ufficialmente rinnovata da Paramount+ ad agosto. L’annuncio, arrivato quasi 10 mesi dopo il finale della stagione 2, ha confermato che le vincitrici dell’Oscar Zoe Saldaña e Nicole Kidman torneranno nei panni di Joe McNamara e Kaitlyn Meade.
Il dramma si concentra sulle operazioni della CIA, con Joe e Kaitlyn tra coloro che reclutano nuovi agenti per affrontare nuove minacce. Ma lungo il percorso, Joe si ritrova a chiedersi se i metodi e i suoi sacrifici personali valgano la pena di essere il leader del programma Lioness, con volti familiari che entrano ed escono dal grande ensemble.
Ora, Variety riporta che la star di Yellowstone Ian Bohen si è unito al cast di Lioness come personaggio fisso. Noto per i suoi ruoli di Peter Hale nella serie Teen Wolf e Ryan in Yellowstone, Bohen interpreterà Grady, un personaggio descritto come un “operatore della Delta Force che segue le regole alla lettera e addestratore di cani da combattimento, esperto in tattiche di guerra”.
La notizia dell’aggiunta di Bohen arriva insieme alla rivelazione che la produzione del dramma d’azione è attualmente in corso presso gli SGS Studios in Texas. L’attore, noto anche per i suoi ruoli in Mad Men e Superman & Lois, si unisce al cast di Lioness che include Laysla De Oliveira, Morgan Freeman, Michael Kelly, Genesis Rodriguez, Dave Annable, Jill Wagner e LaMonica Garrett, tra gli altri.
La nuova stagione di Lioness segna il quarto progetto di Bohen con Sheridan. Oltre al ruolo di Ryan in Yellowstone, Bohen è apparso nel film di SheridanWind River. Ha anche recitato in Sicario: Day of the Soldado, il sequel di Sicario, scritto da Sheridan. Fa parte della cerchia di attori con cui Sheridan lavora spesso, dato che è presente in tutte le stagioni di Yellowstone.
Nel finale della seconda stagione di Lioness, Joe e Kaitlyn compiono entrambi mosse importanti. L’episodio conclude gran parte delle storie principali della stagione, anche se rimane il suggerimento che Joe avrà molto altro da affrontare in futuro. L’arrivo di Bohen nei panni di Grady potrebbe complicare la situazione, a seconda di dove finiranno le sue alleanze e di come influenzerà il ricorrente senso di disagio di Joe riguardo al suo lavoro.
Gli show di Sheridan su Paramount+ definiscono essenzialmente lo streamer. Almeno in parte, ciò dipende dal fatto che, oltre a scritturare volti molto noti, avrà a disposizione un gruppo ricorrente di attori su cui potrà contare per popolare i suoi show. Nel complesso, è troppo presto per dire quale sarà l’impatto di Bohen sulla nuova stagione di Lioness, ma le possibilità sono molte.
Il ruolo di Bohen in Lioness lo mantiene anche nell’orbita generale di Sheridan, aumentando la possibilità e la facilità con cui il lavoratore del ranch Ryan potrebbe potenzialmente apparire in uno qualsiasi degli attuali spin-off di Yellowstone, come la prossima serie Beth and Rip. Nel complesso, è una buona notizia per i fan di un volto familiare proveniente da un’ampia varietà di drammi che spaziano dal soprannaturale e dai supereroi ai western.
Aquaman e il Regno Perduto (qui la recensione) chiude ufficialmente il DCEU, ma come conclude il film il viaggio di Arthur Curry? Per chi non conosce la storia del franchise, il film riassume gli eventi dei precedenti film del DCEU, conferendo al film uno strano senso di autosufficienza. Il motivo di ciò deriva probabilmente dalle modifiche apportate al film tramite riprese aggiuntive, che hanno fatto sì che questo sequel non entrasse in conflitto con i progetti per il DC Universe di James Gunn.
Sebbene queste riprese aggiuntive siano state estese, il film riesce comunque a concludere il viaggio di Arthur Curry nel DCEU prima che il franchise rebootato di Gunn prendesse il via nel 2024. La storia di Aquaman e il Regno Perduto descrive in dettaglio la battaglia dell’eroe titolare con Black Manta, un antagonista del primo film che ritorna per vendicarsi di Arthur Curry. Al momento della scena post-credits, il conflitto con Manta è giunto al culmine. Poiché il DCEU termina ufficialmente con la storia di questo film, molti inizieranno a chiedersi come il finale concluda i personaggi, le storie e i viaggi emotivi della serie di supereroi di Jason Momoa.
Il tridente nero e la maledizione del regno perduto spiegati
La premessa centrale di Aquaman e il Regno Perduto ruota attorno ai tentativi di Black Manta di scoprire la civiltà del titolo. All’inizio del film, il viaggio di Manta inizia con il ritrovamento del minaccioso tridente nero. Il tridente racchiude lo spirito di re Kordax, fratello di re Atlan. Kordax promette a Black Manta vendetta contro Aquaman se troverà il regno perduto di Necrus e solleverà la maledizione lanciata su di esso da re Atlan. La maledizione ha visto Atlan condannare l’intera civiltà di Necrus a rimanere congelata nel ghiaccio, nascosta sotto le calotte dell’Antartide dopo che Kordax ha perso la guerra con suo fratello.
Per quanto riguarda il modo in cui Black Manta pianificò di spezzare la maledizione su Necrus e re Kordax, la risposta sta nella linea di sangue reale di Atlantide. La maledizione fu inizialmente lanciata da Atlan, che usò la magia del sangue per imprigionare Kordax e Necrus. Pertanto, poteva essere spezzata solo da qualcuno della stirpe di Atlan: Atlanna, Arthur, Orm o Arthur Jr. Manta progettò di rapire Arthur Jr. e sacrificare il bambino per liberare Kordax e Necrus. Questo avrebbe sia realizzato il piano di Manta di uccidere la famiglia di Aquaman, sia garantito l’esercito necessario per sconfiggere Atlantide e il suo nemico giurato una volta per tutte.
Nel finale di Aquaman e il Regno Perduto, Arthur riesce a salvare suo figlio, dando vita a una lotta tra lui e Black Manta. Manta viene sconfitto da Aquaman prima che lo spirito di Kordax possieda Orm. Orm ha la meglio su Arthur e versa il suo sangue sull’altare, liberando così Kordax dalla sua prigione. Tuttavia, Arthur sconfigge Kordax lanciando contro il cattivo sia il Tridente Nero che il tridente di Re Atlan, ponendo fine ai suoi piani malvagi una volta per tutte.
Black Manta è morto?
Il caos che segue la sconfitta di Kordax e la distruzione di Necrus vede Black Manta trascinato in una fessura sotto il ghiaccio. Si aggrappa prima che Arthur gli offra la mano per salvargli la vita. Black Manta rifiuta di prendere la mano di Aquaman e cade nel baratro apparentemente infinito in cui Necrus viene trascinato. Dato che Black Manta aveva perso i poteri sovrumani concessigli dal Tridente Nero, è estremamente improbabile che sia sopravvissuto alla caduta. Anche se il finale non conferma la sua morte, allo stesso modo non fornisce alcun indizio che il personaggio sia sopravvissuto, segnando la fine dell’iconico antagonista dei fumetti nel DCEU.
Perché Black Manta non ha accettato l’aiuto di Aquaman
La sequenza che vede Manta precipitare verso la morte solleva la questione del perché non abbia accettato l’aiuto di Aquaman. La ragione di ciò risale al primo film di Aquaman e alle origini dell’odio di Manta per Arthur. Nel primo film, Arthur attacca una nave guidata da Black Manta e dalla banda di pirati di suo padre. Sconfigge i pirati, lasciando il padre di Manta al giudizio del mare.
Mentre muore, il padre di Black Manta fa promettere al figlio di uccidere Aquaman, cosa a cui si dedica con determinazione in Aquaman e il Regno Perduto. L’odio che Manta prova per Arthur è il motivo per cui il primo non accetta la mano del secondo alla fine di Aquaman e il Regno Perduto. Il personaggio preferisce morire piuttosto che accettare la mano dell’uomo che ha ucciso suo padre, lasciandosi reclamare dalla distruzione di Necrus.
Cosa significa per Atlantide rivelarsi al mondo
Uno dei punti più significativi della trama del finale di Aquaman e il Regno Perduto è che Arthur rivela la presenza di Atlantide al mondo in superficie. Una sottotrama del film vede Arthur impedito dal consiglio di Atlantide, poiché gli abitanti del mare disprezzano quelli della terraferma. Tuttavia, Arthur ritiene che una relazione tra gli Atlantidei e gli umani sarebbe reciprocamente vantaggiosa, andando contro i desideri del consiglio e rivelando il regno sottomarino a tutti.
Ciò significa che i sette regni del mare e i paesi della Terra inizieranno ora a convivere. Se la trama di Aquaman 3 fosse stata possibile, il terzo film avrebbe probabilmente esplorato questo legame. Tuttavia, il reboot della DCU previsto per il 2024 significa che le trame promesse dal mondo di Atlantide che si mescola con la popolazione della Terra non saranno mai esplorate. La rivelazione di Atlantide agli esseri umani nel finale di Aquaman e il Regno Perduto solleva la questione se questo sia stato preso dai fumetti DC Comics o meno.
Nei fumetti, la presenza di Atlantide è nota alla popolazione della Terra, anche se raramente viene presa sul serio. Aquaman e il Regno Perduto ha cambiato in parte questa situazione, facendo diventare Atlantide una grande potenza mondiale grazie all’adesione alle Nazioni Unite. Atlantide nei fumetti DC Comics è molto più autosufficiente, sviluppando la sua civiltà sotto le onde e aiutando gli esseri umani quando necessario attraverso i legami di Aquaman con la Justice League.
La spiegazione del riferimento a Iron Man in Aquaman
Uno degli elementi più divertenti del finale di Aquaman e il Regno Perduto è il riferimento a Iron Man nel film. Alla fine del film, Arthur tiene un discorso al popolo della Terra annunciando la presenza di Atlantide. Alla fine del discorso, Arthur guarda la telecamera e dice “Io sono Aquaman” prima di lanciare il microfono in aria e saltare fuori dallo schermo. Questo è un riferimento al finale ormai iconico di Iron Man del 2008, in cui Tony Stark rivela la sua identità di supereroe al mondo del Marvel Cinematic Universe.
Cosa significa il finale di Aquaman e il Regno Perduto per il DCEU e il DCU
Per quanto riguarda il significato del finale di Aquaman e il Regno Perduto per lo status del DCEU e del DCU, la risposta rimane poco chiara. Uno dei problemi più grandi dei film DCEU del 2023 è stata la loro mancanza di chiarezza su come il franchise passerà al DCU. The Flash ha reso tutto ancora più confuso, così come questo film, dato che diversi personaggi importanti della Justice League sono interpretati dagli stessi attori DCEU alla fine dei film.
Tuttavia, la risposta più semplice è probabilmente che il finale di Aquaman e il Regno Perduto non influirà affatto su nessuno dei due franchise. Per quanto riguarda il DCEU, questo film ha concluso il franchise. Per quanto riguarda il DCU di Gunn, è già stato annunciato che tutti i membri della Justice League del DCEU saranno sottoposti a re-casting, il che significa che l’intera storia di Aquaman sarà diversa. Ciò significa che il finale di questo film non avrà alcun impatto sul futuro del DCU.
Cosa significa davvero il finale di Aquaman e il Regno Perduto
Nonostante non abbia un grande impatto sul futuro del DCU, il finale di Aquaman e il Regno Perduto ha un significato tematico più profondo. Il tema generale che permea il film è quello della costruzione di ponti. Da Arthur che instaura un rapporto con Orm ad Atlantide che costruisce un legame con il mondo in superficie, il finale riassume come costruire ponti e connettersi con altre persone possa portare benefici a tutti. Questo rende il finale di Aquaman e il Regno Perduto agrodolce, in quanto i risultati di queste relazioni non saranno sviluppati, ma anche adeguato, poiché il film colma il divario tra il DCEU e il nuovo DCU diJames Gunn.
Il finale della seconda stagione di Mindhunter sembrava promettere una terza stagione esplosiva prima che la serie venisse cancellata. Il dramma poliziesco di Netflix era una delle migliori serie investigative di tutti i tempi, ma è stato criminalmente sottovalutato, portando a una conclusione anticipata. La serie è basata sull’omonimo libro di John Douglas e Mark Olshaker, che documentava la nascita del profiling criminale all’FBI.
Mindhunter presentava diversi serial killer, ma era una serie insolita rispetto alla maggior parte dei polizieschi. Mostrava i personaggi principali commettere errori, con molti degli assassini già dietro le sbarre. La seconda stagione si è conclusa con una vittoria agrodolce e uno sguardo nella mente di un nuovo antagonista che Bill e Holden avrebbero dovuto affrontare. Purtroppo, non ne hanno mai avuto l’opportunità.
Chi è l’uomo mascherato nei terrificanti momenti finali della seconda stagione di Mindhunter?
Mindhunter è una serie TV estremamente inquietante, ma sorprendentemente poco violenta. Ciò significa che, quando si verifica una scena violenta, è davvero scioccante, e gli intensi momenti finali della seconda stagione di Mindhunter ne sono un perfetto esempio. La scena finale dura solo un minuto e nove secondi e mostra un personaggio che abbiamo già visto in un fantastico esempio di anticipazione.
La scena mostra il tecnico dell’ADT, che abbiamo intravisto in entrambe le stagioni di Mindhunter. Questa volta è vestito con abiti femminili, indossa una maschera con il volto di una donna, rossetto rosso e una corda, che lega alla maniglia della porta. Mentre si china in avanti per guardare le foto dei morti, si dà piacere mentre viene strangolato.
Il personaggio, interpretato da Sonny Valicenti, è accreditato come “ADT Serviceman.” Tuttavia, gli appassionati di true crime si renderanno conto che sembra essere Dennis Rader, noto anche come “il BTK Killer,” anche se non sentono un altro personaggio chiamarlo per nome. BTK ha scelto il suo nome in base ai suoi crimini, in cui legava, torturava e uccideva le sue vittime.
Il finale della seconda stagione di Mindhunter anticipa un ruolo più importante per lui nella terza stagione.
Mindhunter presenta BTK come il killer principale nella terza stagione
L’escalation delle scene di BTK, che culmina in quel momento finale inquietante, lo presenta come un formidabile antagonista. La trama della terza stagione di Mindhunter avrebbe mostrato Bill e Holden in viaggio, con la caccia a BTK come obiettivo principale. Poiché il vero Dennis Rader giocava al gatto e al topo con le forze dell’ordine, la cattura del suo omologo televisivo sarebbe stata un obiettivo importante per la squadra.
BTK era diverso dagli altri killer che la squadra aveva incontrato finora in Mindhunter, portandoli a commettere un grave errore nella terza stagione. Poiché lo studio di Bill e Holden si era rivelato accurato, era probabile che cercassero un uomo antisociale con problemi familiari. Ciò avrebbe reso difficile rintracciare il killer, che in realtà era un marito e un padre con un lavoro ben remunerato.
Come Bill e Holden hanno finalmente catturato Wayne Williams
Mindhunter – stagione 2 si concentra sugli omicidi dei bambini di Atlanta, con Bill e Holden che lottano per far arrestare Wayne Williams. Sebbene Williams corrisponda al profilo di Holden, che si è già dimostrato accurato in altri casi, le prove sono circostanziali. Williams gioca con gli agenti prima che questi ottengano finalmente un mandato di perquisizione, che porta alla luce prove forensi che lo collegano a diverse vittime.
Mentre Williams sembra avere una spiegazione per ogni domanda posta dalla squadra, l’FBI trova in casa fili di nylon e peli di animali che corrispondono alle fibre trovate su molte delle vittime. Detto questo, Williams è stato processato solo per due crimini e una nota sullo schermo ci informa che, al 2019, nessuno dei restanti 27 casi è stato perseguito.
Cosa ha significato per Holden e la sua squadra risolvere il caso Williams
Il caso degli omicidi dei bambini di Atlanta sembra essere un successo per Holden e la sua squadra, con Holden e Bill che incontrano il loro nuovo capo in un aeroporto, dove vengono congratulati e ricevono un upgrade di viaggio. Ai due viene detto che “Atlanta ha cambiato tutto”, poiché sembra dimostrare la correttezza dei loro studi e fa guadagnare loro rispetto. Tuttavia, questa è una vittoria vuota per Holden.
Holden è consapevole che, sebbene il profiling sembrasse funzionare, non ha davvero dato alle famiglie dei bambini la chiusura o la giustizia che cercavano, e lui non può fare nulla per cambiare questa situazione. Dopo aver promesso alle famiglie che la squadra collegherà Williams ad altri omicidi, l’FBI viene sollevata dal caso Williams. Holden china il capo, guardando la notizia della chiusura del caso.
Holden è una carta jolly in Mindhunter, che agisce regolarmente mentre Bill e Wendy lo coprono. Anche se la squadra e i loro capi dell’FBI festeggiano la vittoria di Atlanta, la questione molto probabilmente non è finita per Holden. Dato che durante la serie soffre di attacchi di panico, la combinazione tra il successo professionale e l’ingiustizia di Atlanta non aiuterebbe il suo stato mentale.
Perché Wayne Williams non è stato perseguito per tutti gli omicidi
Williams è stato processato solo per due degli adulti uccisi contemporaneamente alla serie di omicidi di bambini, e i giurati hanno impiegato solo 12 ore per condannarlo. Mindhunter ha affrontato le gravi tensioni razziali che hanno influenzato gran parte del caso e ha esposto le prove fisiche. Tuttavia, non ha risposto completamente alla domanda se Wayne Williams fosse davvero colpevole degli omicidi dei bambini.
Le prove indiziarie contro Williams erano convincenti, ma non sono state investigate a fondo. Come riportato in una lettera al New York Times, il giudice George T. Smith della Corte Suprema della Georgia, che ha avuto un ruolo fondamentale nel caso, ha affermato: “La pratica del modello in questo caso è stata distorta oltre ogni riconoscibilità”. Semplicemente non c’erano prove sufficienti per processare un uomo già in prigione per omicidio.
Perché Nancy ha finalmente lasciato Bill
Alcuni dei migliori episodi di Mindhunter utilizzano la tensione e l’incertezza per trasformare una scena banale in un capolavoro di suspense. Questo accade durante tutto il finale, ogni volta che Bill interagisce con Brian, che è stato coinvolto in un crimine inquietante all’inizio della stagione. Bill dà ancora una volta la priorità al lavoro rispetto alla sua famiglia, lasciando Nancy che chiede di trasferirsi per ricominciare da capo.
L’indisponibilità emotiva di Bill ha avuto un impatto negativo sulla sua vita familiare, e lui sembra negare il comportamento di suo figlio, che assomiglia a quello di molti serial killer che sta intervistando. Sembra che Nancy ne abbia avuto abbastanza quando Bill ha lasciato Brian a friggere hamburger da solo, anche se è possibile che sia successo qualcosa che l’ha spaventata, cosa che la terza stagione avrebbe potuto rivelare.
Perché Mindhunter è stato cancellato?
David Fincher ha spiegato la cancellazione di Mindhunterin un’intervista a Première Magazine (tradotta da The Fincher Analyst su X). Ha spiegato che lo show è stato cancellato a causa dei costi elevati, con qualcuno che ha detto: “Non ha senso produrre questa serie in questo modo, a meno che non si riesca a ridurre il budget”. Mindhunter è essenzialmente un dramma storico, e i costumi e gli effetti accurati degli anni ’70 sono incredibilmente costosi.
Piuttosto che cambiare il formato e lo stile visivo distintivo per renderlo più attraente per i fan di serie poliziesche come True Detective, Fincher ha accettato la cancellazione di Mindhunter da parte di Netflix. Trattandosi di una delle serie più creative di Netflix, con un punteggio positivo del 97% da parte della critica su Rotten Tomatoes, la decisione non è stata accolta favorevolmente. Tuttavia, ha permesso a Mindhunter di concludersi senza un calo di qualità.
Mindhunter avrà un reboot?
Con la maggior parte del team di Mindhunter impegnato in altri progetti, un revival della serie sembrava improbabile da tempo. Tuttavia, Holt McCallany (Bill Tench) ha rivelato a CBR che, sebbene al momento non ci siano piani per la terza stagione di Mindhunter, c’è un’altra possibilità. Lui e Fincher hanno discusso della possibilità di rilanciare Mindhunter sotto forma di tre lungometraggi.
Il progetto del film Mindhunter ha ricevuto un aggiornamento da Charlize Theron, che ha lavorato come produttrice esecutiva della serie. Ha spiegato a The Hollywood Reporter che la decisione spetta a David Fincher, dicendo: “Lui fa le cose solo quando sente davvero che hanno del potenziale”. Questo non esclude completamente la possibilità di un reboot di Mindhunter, sia come film che come serie.
La Marvel Studios ha solo iniziato a sfiorare l’aspetto horror dell’MCU nella Saga del Multiverso, con Werewolf by Night che ha lasciato i fan desiderosi di vedere altro (purtroppo Blade rimane al momento bloccato nel limbo). Il progetto Midnight Sons dovrebbe essere in arrivo, e la speranza è che Moon Knight, Ghost Rider, Man-Thing e altri si riuniscano per affrontare una minaccia soprannaturale come Dracula.
In un’intervista a The Direct, David Dastmalchian, star di Ant-Man e The Suicide Squad, ha confermato che gli piacerebbe tornare nell’MCU nei panni di uno dei due vampiri succhiasangue. “Adoro l’idea della versione Marvel di Dracula, che ho sempre amato”, ha rivelato l’attore. “Ho pensato che qualsiasi cosa riguardasse i mostri, i Midnight Suns, le cose che facevano parte dei vecchi Defenders, sarebbe stata fantastica”.
“Ho sempre voluto cimentarmi con Morbius, il vampiro vivente. Mi piacerebbe avere l’opportunità di interpretare il dottor Michael Morbius”, ha detto del cattivo di Spider-Man. “Oh, mio Dio. Ci sono così tanti personaggi fantastici nell’MCU, e sono sempre stato un fan dell’horror e dei personaggi più strani. Qualsiasi personaggio dei West Coast Avengers sarebbe divertente da interpretare per me”.
Come noto, Jared Leto ha interpretato Morbius nello sfortunato film del 2022. I fan non hanno apprezzato la sua interpretazione del vampiro vivente, mentre Morbiusstesso sarà probabilmente ricordato come uno dei peggiori adattamenti cinematografici di un fumetto mai realizzati. David Dastmalchian, che ha eccelso in ruoli horror come Late Night with the Devile The Boogeyman, sarebbe sicuramente perfetto in entrambi i ruoli. Morbius potrebbe essere meno probabile, ma l’ipotesi di Dracula rimane decisamente allettante.
Il pubblico cinematografico potrà presto vedere per la prima volta il film biografico su Michael Jackson, poiché sono stati rivelati i dettagli relativi al primo trailer di Michael, in uscita il 24 aprile 2026. Come riportato da Puck, il trailer del biopic sarà presentato in anteprima a novembre, in concomitanza con le proiezioni di Wicked: For Good, che uscirà nelle sale cinematografiche il 21 novembre. Non è però chiaro se il trailer sarà disponibile online prima di allora.
Il film biografico su Michael Jackson vede protagonista il nipote di Jackson, Jaafar Jackson, nel ruolo del Re del Pop, con Colman Domingo, Miles Teller, Kat Graham, Laura Harrier e Nia Long a completare il cast. Il film è diretto da Antoine Fuqua (The Equalizer, Southpaw), con una sceneggiatura di John Logan.
Il debutto del trailer segnerà così la fase finale del lungo percorso del film verso il grande schermo. Michael era inizialmente previsto per l’uscita nelle sale il 18 aprile 2025, ma i ritardi nella produzione hanno portato a un rinvio del film all’ottobre 2025. Sono poi sorti problemi legali che hanno costretto a rielaborare il film e a rinviare la sua uscita all’attuale data del 2026.
Michael sarà diviso in due film
Sempre secondo un articolo di Puck, la questione relativa alla rielaborazione forzata riguarda l’inclusione del caso che coinvolge Jordan Chandler, il quale ha affermato che Michael Jackson avrebbe abusato di lui quando Chandler aveva 13 anni. Jackson alla fine ha pagato un risarcimento di 20 milioni di dollari al ragazzo, ma secondo Puck c’è anche un accordo che vieta ai registi di drammatizzare la storia dei Chandler.
Per questo motivo, è stato deciso di dividere Michael in due film separati. Il primo film, che sarà il trailer mostrato al pubblico a novembre, si concentra sull’ascesa alla fama di Jackson, che ha raggiunto l’apice negli anni ’80. Il secondo film coprirebbe l’ultima parte della vita e della carriera di Jackson, compresi i suoi scandali legali. Tuttavia, non è scontato che il secondo film verrà mai distribuito.
Sebbene le riprese che verrebbero utilizzate nella seconda parte siano state girate, con ulteriori riprese ancora necessarie, l’approvazione della seconda parte dipenderà dall’accoglienza che Michael riceverà dal pubblico. Se il secondo film non verrà approvato, Puck afferma che i produttori semplicemente “distruggeranno” tutte le riprese inutilizzate. Si aggiunge che la Jackson Estate si sta occupando di tutti i costi associati a queste questioni di produzione.
Ciò significa che i primi segnali del parere del pubblico nei confronti del film biografico su Michael Jackson arriveranno con l’uscita del primo trailer. Sulla base dell’attesa per Wicked: For Good, il sequel di Wicked del 2024 che ha incassato 756 milioni di dollari, molte persone vedranno indubbiamente il trailer quando verrà proiettato nei cinema e ciò stabilirà già una prima ricezione nei confronti del biopic.
Dopo l’annuncio che il progetto di Damien Chazelle ambientato in un carcere e con possibili protagonisti Cillian Murphy e Daniel Craig, emergono ora aggiornamenti su un altro titolo rimasto in sospeso nella line-up del regista: Evel Knievel Goes On Tour. Il film, le cui riprese erano originariamente previste per l’estate appena passata e prodotto da Paramount Pictures, resta in fase di sviluppo nonostante l’uscita di Leonardo DiCaprio, inizialmente legato al ruolo principale.
Secondo quanto riportato dal giornalista Daniel Richtman, lo studio avrebbe però ora messo gli occhi su Glen Powellcome possibile protagonista del biopic dedicato al leggendario stuntman americano Evel Knievel. L’attore, reduce dal successo di Top Gun: Maverick e prossimo interprete del remake di The Running Mandiretto da Edgar Wright, è considerato una delle figure più richieste del momento a Hollywood. La proposta di interpretare Knievel arriverebbe a lui dunque dopo il ritiro di DiCaprio, impegnato in altri progetti. Non resta a questo punto che scoprire se l’accordo andrà in porto.
Di cosa parla Evel Knievel Goes On Tour?
Il film, intitolato Evel Knievel Goes On Tour, sarà scritto da due nomi di grande peso: William Monahan, premio Oscar per The Departed – Il bene e il male, e Terrence Winter, sceneggiatore de The Wolf of Wall Street e della serie cult I Soprano. A differenza dei tradizionali biopic dedicati alle star americane, il progetto non racconterà l’intera vita di Knievel, ma si concentrerà su un solo anno cruciale della sua carriera: il 1974. In quel periodo, il motociclista tentò la spettacolare – e fallimentare – impresa di saltare il fiume Snake, nell’Idaho, con il suo razzo-moto “Skycycle X-2”.
Evel Knievel, figura controversa e iconica della cultura pop statunitense, divenne celebre negli anni ’60 e ’70 per le sue imprese spericolate e per l’immagine da eroe ribelle del motociclismo. Nel corso della sua carriera subì più di 430 fratture, guadagnandosi un posto nel Guinness dei Primati come uomo con “il maggior numero di ossa rotte in una vita”. Tuttavia, la sua carriera ebbe un brusco arresto dopo un episodio di violenza: Knievel aggredì con una mazza da baseball l’autore di una biografia non autorizzata, finendo in carcere per sei mesi e perdendo i suoi contratti di sponsorizzazione.
Per Glen Powell, l’eventuale interpretazione di Knievel rappresenterebbe un nuovo passo nella sua ascesa a star di primo piano. L’attore sarà presto sul grande schermo con The Running Man e ha da poco terminato le riprese del nuovo film di J. J. Abrams. Inoltre, è in trattative per affiancare Michael B. Jordan nel reboot di Miami Vice diretto da Joseph Kosinski, previsto per il 2026.
All’evento Brand Licensing Europe i dirigenti di Amazon MGM e Mattel Greg Coleman e Ruth Henriquez hanno promosso il prossimo revival del franchise Masters of the Universe. Ai partecipanti è stato mostrato un concept art della Snake Mountain (lo si può vedere qui), la dimora del malvagio Skeletor. Il design rimane fedele ai numerosi cartoni animati e fumetti in cui è apparso nel corso degli anni, confermando che, nonostante alcune parti del film siano ambientate sulla Terra, i fan possono comunque aspettarsi una rappresentazione fedele di Eternia.
Quanto tempo trascorreremo lì è tutta un’altra questione, ma Coleman e Henriquez hanno promesso ai fan una versione di He-Man che li renderà felici. “La proprietà non è mai scomparsa, ha continuato a reinventarsi. Questo sembra il momento perfetto”, ha detto Henriquez riguardo alla decisione di riportare in vita il franchise di lunga data in un film live-action. “I fan hanno chiesto di più e sappiamo che c’è una tendenza alimentata dalla nostalgia. Ma soprattutto, abbiamo aspettato il partner perfetto e il team creativo giusto per dare vita a ‘Masters of the Universe’ in modo epico”.
Coleman ha aggiunto: “Per realizzare un film di questa portata e di questa ampiezza ci vuole un grande impegno, e non è facile riuscirci. Il pubblico è molto esigente. La grandezza del set e il livello di dettaglio erano fuori dal comune”. “Skeletor è uno dei cattivi più affascinanti di tutti i tempi, ma c’è anche la storia di Adam, che è una persona normale e deve conquistare il potere. È sempre stato dentro di lui e viene rivelato in modo potente“, ha continuato. ”Abbiamo un cast completo e il regista Travis Knight che aveva una visione. Anche se non avete mai visto ‘Masters of the Universe’, è una storia divertente e piacevole“.
Il duo ha concluso dicendo: “Per i fan di lunga data, ci sono delle sorprese nascoste nel film, ma facendo un passo indietro, il punto di accesso per i fan è ampio. Il punto di accesso sarà molto accessibile a tutti. Questo sarà il film di cui tutti parleranno”. Hanno anche paragonato Masters of the Universe a un altro recente successo basato sui giocattoli, promettendo: “La gente indosserà il merchandising, comprerà i giocattoli e ne parlerà proprio come per ‘Barbie’”.
La versione live-action della classica serie animata vedrà protagonista Nicholas Galitzine, ma anche la partecipazione di Morena Baccarin nel ruolo della Strega, e di James Purefoy e Charlotte Riley nei ruoli dei genitori di Adam, Re Randor e la Regina Marlena, insieme ad Alison Brie (GLOW, Community) nel ruolo del braccio destro di Skeletor, Evil-Lyn, Idris Elba (Thor, Luther) in quello di Man-At-Arms e Jared Leto (Morbius, Blade Runner 2049) in quello di Skeletor stesso. Nel frattempo, Sam C. Wilson (House of the Dragon) interpreterà Trap Jaw, con Kojo Attah (The Beekeeper) nei panni di Tri-Klops e Jon Xue Zhang (Eternals) nei panni di Ram-Man.
Nel panorama dei blockbuster fantasy,47 Ronin è un caso particolare: rilegge in chiave spettacolare la leggenda più famosa del Giappone feudale — l’episodio di Akō — innestandole stregonerie, demoni Tengu e un eroe outsider interpretato da Keanu Reeves. Il risultato è un racconto d’onore e vendetta che conserva il nucleo morale della storia originale, pur piegandolo alle esigenze del cinema d’avventura.
Il finale, tragico e rituale, lascia nello spettatore domande tutt’altro che banali: perché i ronin scelgono la morte proprio dopo aver compiuto la loro missione? Qual è il senso del sacrificio di Kai e del suo amore impossibile per Mika? E in che modo la versione hollywoodiana dialoga con il codice dei samurai (bushidō) e con la memoria collettiva giapponese? Andiamo con ordine.
Scopri anche la storia vera che ha ispirato 47 Ronin, una delle vicende più leggendarie del Giappone feudale.
Trama di 47 Ronin
Nel dominio del signore Asano (Min Tanaka), viene accolto Kai (Keanu Reeves), mezzosangue allevato dai Tengu e guardato con sospetto dai samurai, in primis dal capo delle guardie Ōishi (Hiroyuki Sanada). L’equilibrio del feudo è minato dalla strega Mizuki (Rinko Kikuchi), al servizio del rivale Kira (Tadanobu Asano), che strega Asano inducendolo ad “attentare” all’ospite: secondo la legge, il signore è costretto al seppuku e i suoi uomini diventano ronin (samurai senza padrone). Mika (Kō Shibasaki), figlia di Asano e promessa a Kai, viene promessa in sposa a Kira per sancire il nuovo potere.
Passa un anno. Ōishi, imprigionato e umiliato, riemerge più determinato: riunisce 47 fedelissimi, inclusi Kai, e orchestra una missione impossibile per liberare Mika e vendicare Asano. Travestimenti, magie, creature del folclore e duelli scandiscono la risalita del gruppo verso il castello di Kira, in una progressione che alterna azione e mito.
Nel terzo atto, i ronin irrompono nella roccaforte. Kai affronta Mizuki, che manipola la realtà con illusioni serpentiformi: la sconfitta della strega spezza l’incantesimo che sosteneva il potere di Kira. Intanto Ōishi combatte il rivale e lo decapita, compiendo l’atto simbolico della vendetta rituale. Liberata Mika, la compagnia non fugge: si consegna al lo Shōgun (Cary-Hiroyuki Tagawa). Hanno ristabilito la giustizia verso il loro signore, ma hanno violato la legge uccidendo un nobile. Il verdetto è solenne: i 47 potranno morire con onore tramite seppuku; Mika, sopravvissuta, guiderà il lutto del feudo. L’ultimo sguardo tra Kai e Mika suggella un amore che non può realizzarsi nel mondo degli uomini, ma che trova compimento nella scelta sacrificale.
Il sacrificio dei ronin e il senso dell’onore
Il cuore del finale sta nel paradosso etico tipico della leggenda di Akō: la fedeltà al proprio signore (giri) impone la vendetta, ma la legge dello Stato vieta l’omicidio. I ronin accettano entrambe le verità: compiono il dovere personale e assumono la pena, per non scalfire l’ordine pubblico. Concedendo loro il seppuku, lo Shōgun riconosce la purezza dell’intento. È il bushidō nella sua forma più radicale: la reputazione vale più della sopravvivenza, l’azione giusta richiede il prezzo della responsabilità. Per questo la morte dei 47 non è una punizione “contro” i protagonisti, ma l’ultimo gesto coerente con i valori che li definiscono.
Kai è un “liminale”: non del tutto samurai, non del tutto demone; non pienamente accolto nella società degli uomini, ma neppure appartenente al mondo soprannaturale. La sua scelta di morire accanto ai compagni è identitaria prima che romantica: rifiuta l’eccezione che lo separerebbe dagli altri e chiede di essere riconosciuto come uno di loro. L’amore per Mika diventa allora sacramento narrativo: non si realizza nel matrimonio, ma nel consenso a un destino condiviso, che salva l’onore della casata e restituisce dignità al suo popolo. In termini di mito, Kai “riporta il fuoco” alla comunità e poi scompare, come gli eroi che appartengono più alla leggenda che alla cronaca.
Un finale tragico, ma profondamente giapponese
Pur aggiungendo streghe e Tengu, il film resta fedele al senso memoriale della vicenda: i 47 vengono sepolti insieme e venerati come campioni di lealtà. È il motivo per cui la storia dei ronin, nel Giappone reale, è diventata sinonimo di virtù civica: non celebra la vittoria militare (che nel film dura un istante), ma la coerenza morale di chi accetta le conseguenze delle proprie azioni. La versione hollywoodiana amplifica l’epica e la dimensione romantica, ma non svuota il messaggio: l’onore è un atto pubblico e la morte rituale è la forma narrativa con cui quel valore viene consegnato alla memoria collettiva.
In questo senso, il finale di 47 Ronin non è la sconfitta degli eroi, bensì la loro trasfigurazione: l’individuo scompare, resta l’esempio. È qui che mito storico e fantasy si stringono la mano.
Il 2026 sarà l’anno in cui Timothée Chalamet vincerà finalmente un Oscar? Il nuovo progetto del due volte candidato al premio, la commedia sportiva liberamente ispirata a fatti reali Marty Supreme, sta infatti suscitando grande interesse dopo la sua anteprima mondiale al New York Film Festival.
Diretto da Josh Safdie e interpretato anche da Gwyneth Paltrow, Odessa A’zion e Kevin O’Leary, Marty Supreme segue il percorso verso la grandezza del giocatore di ping pong americano Marty Mauser. Le prime reazioni al film sono dunque state per lo più positive, concentrandosi su ciò che la performance di Chalamet significherà in vista della stagione dei premi.
Liam Crowley di ScreenRant ha definito Marty Supereme “il miglior film dell’anno”, che ha “tutta l’energia maniacale tipica di Safdie perfettamente infusa con il carisma generazionale del principe promesso”. Nel frattempo, Ramin Setoodeh, co-redattore capo di Variety, ha affermato senza mezzi termini che questa è “la migliore interpretazione di Timothée Chalamet fino ad ora”.
Per alcuni, il tono del film di Safdie non ha però funzionato del tutto: @jasonosia ha così recensito Marty Supreme: “Safdie al 100%. Sudato, veloce, tentacolare, divertente, tonalmente squilibrato ed esasperante! […] Chalamet è straordinario ed è al massimo della sua sicurezza di sé e della sua instabilità. È divertente e modestamente saggio, ma la seconda parte è così incline alla mania che può essere estenuante, nel bene e nel male“.
Marty Supreme sembra dunque avere un’atmosfera molto folle, ma la maggior parte dei critici riesce a capirlo. David Crow ha detto che “è un’esplosione assoluta di adrenalina e il seguito di Diamanti grezzi che stavamo aspettando”. Alcuni spettatori stanno anche utilizzando i social media per sottolineare le interpretazioni dei comprimari. Ad esempio, @realityysimp ritiene che Odessa A’zion dovrebbe essere considerata una candidata all’Oscar.
In particolare,David Canfield, scrittore senior di The Hollywood Reporter, è d’accordo su questo punto, menzionando “una straordinaria Odessa A’Zion alla guida di un superbo cast di supporto”. Canfield sottolinea ancora una volta cosa potrebbe significare questa svolta per Chalamet, affermando che si tratta della “migliore interpretazione della sua carriera: è nato per interpretare questo personaggio”, elogiando al contempo la “regia importante ed esaltante”.
La trama e il cast di Marty Supreme
La sinossi ufficiale del tanto atteso film di Josh Safdie basato sulla vita del giocatore di ping pong Marty Reisman recita: “Un giovane con un sogno che nessuno rispetta attraversa l’inferno e torna indietro alla ricerca della grandezza”. Il film, oltre a Timothée Chalamet e Gwyneth Paltrow vanta un cast composto da Fran Drescher nel ruolo della madre di Marty e ancora il rapper Tyler, the Creator, il mago Penn Jillette, Odessa A’zion, il personaggio di “Shark Tank” Kevin O’Leary (alias Mr. Wonderful) e il regista Abel Ferrara.
La commedia drammatica sportiva è un racconto romanzato della vita reale di Marty Reisman, cinque volte medaglia di bronzo ai Campionati mondiali di tennis tavolo, scomparso nel 2012. Il direttore della fotografia Darius Khondji ha dichiarato all’inizio di quest’anno che Chalamet si è allenato a fondo per interpretare la star del ping pong. “Voleva essere come un vero giocatore di ping pong [professionista] quando ha iniziato le riprese”, ha detto Khondji.
Secondo quanto riferito, è stato rivelato il budget per la quinta stagione di Stranger Things. La quinta e ultima stagione della serie fantascientifica di grande successo di Netflix sarà disponibile sulla piattaforma di streaming a partire dal 26 novembre e vedrà il gruppo prepararsi per una battaglia finale contro Vecna e le forze malvagie che hanno afflitto Hawkins.
Stranger Things è stata acclamata come una delle migliori serie televisive di tutti i tempi, ottenendo numerosi riconoscimenti durante la sua messa in onda, e la stagione culminante si preannuncia ancora più epica delle precedenti. Tuttavia, nonostante la quinta stagione di Stranger Things abbia un numero ridotto di episodi (otto rispetto ai nove della stagione precedente), Netflix non risparmierà denaro.
Secondo Puck, lo streamer ha speso dai 50 ai 60 milioni di dollari per episodio per la stagione finale della serie, per un costo totale compreso tra i 400 e i 480 milioni di dollari. Si tratta di un aumento rispetto al budget riportato per la quarta stagione, pari a 30 milioni di dollari per episodio.
Questa cifra sbalorditiva illustra l’evoluzione epica che la televisione ha subito negli ultimi tempi. Anche se il costo per episodio non è abbastanza per competere con Il Signore degli Anelli: Gli Anelli del Potere o la prossima serie TV Harry Potter, la rende comunque una delle stagioni più costose nella storia della televisione.
Il costo totale della stagione, compreso tra i 400 e i 480 milioni di dollari, supera quello della stragrande maggioranza dei film realizzati. Jurassic World Dominion detiene ufficialmente il record del film più costoso mai realizzato, con un budget netto di 465 milioni di dollari, e anche il budget degli episodi di Stranger Things è superiore a quello di alcuni film di medio budget.
Il ritardo nell’uscita della quinta stagione di Stranger Things, così come il numero ridotto di episodi, ha probabilmente molto a che fare con la portata astronomica degli episodi finali, ma, dal punto di vista narrativo, questa è una notizia entusiasmante e promette una stagione finale adeguatamente epica e sbalorditiva, con quelli che potrebbero essere alcuni dei set più impressionanti mai realizzati per la televisione.
Al momento, Stranger Things ha un’eredità nella cultura popolare che molti franchise possono solo sognare, e la quinta stagione, se realizzata con successo, non farà che consolidarla ulteriormente. Resta da vedere se Netflix realizzerà mai una serie più costosa, dato che l’era della televisione ad alto budget sembra essere in declino, ma sembra che questa serie chiuderà in modo adeguato quell’era di successi televisivi, elevando ancora una volta l’ambizione creativa delle serie in streaming.
Il nuovo trailer e le immagini della quarta stagione di The Witcher offrono la migliore anteprima finora di Geralt, interpretato da Liam Hemsworth, e della sua ricerca di Ciri (Freya Allan). Dopo aver interpretato Geralt di Rivia nelle prime tre stagioni, Henry Cavill ha lasciato la serie. Il ruolo è stato riassegnato a Hemsworth per la quarta e la quinta stagione di The Witcher, quest’ultima delle quali segnerà la fine della serie.
La nuova interpretazione di Geralt è stata già anticipata in alcune immagini e in un clip che lo mostra in azione durante la prossima stagione. Il clip ha rivelato la differenza più grande tra le versioni di Geralt interpretate da Henry Cavill e Liam Hemsworth, ovvero le voci distintive dei due attori.
Ora Netflix ha pubblicato un trailer che mostra completamente il Geralt di Hemsworth. Il filmato inizia con la narrazione del nuovo personaggio di Laurence Fishburne, Regis, mentre Geralt sguaina la sua spada e combatte i mostri. L’attenzione si sposta poi sulla ricerca di Ciri in tutto il continente, che osserva di essere “sempre persa, mai trovata”. Geralt dice cinicamente: “Che compagnia mi sono ritrovato”, riferendosi agli altri personaggi che si uniscono alla sua missione.
Nel frattempo, una minaccia oscura cresce mentre Vilgefortz (Mahesh Jadu) raduna un esercito e trama un piano sinistro che coinvolge Ciri. Geralt grida: “Muoviamoci, cazzo!” e si chiede cosa succederà se non riuscirà a salvare Ciri, mentre Yennefer (Anya Chalotra) organizza una resistenza contro Vilgefortz. Il trailer mostra scene ricche di azione in cui tutti e tre i personaggi combattono i loro nemici. Guarda il trailer qui sotto:
Oltre al trailer, Netflix ha pubblicato nuove immagini di Geralt interpretato da Hemsworth, Ciri, Yennefer, Regis e altri personaggi chiave. Guarda le immagini qui sotto:
Cosa significa questo per la quarta stagione di The Witcher
La reazione dei fan al fatto che Hemsworth abbia preso il posto di Cavill nel ruolo principale è stata in gran parte negativa. Nonostante ciò, il nuovo trailer e le nuove immagini sono un ottimo motivo per guardare la quarta stagione. Hemsworth sembra perfetto per la parte e trasmette lo stoicismo, l’intensità, il cinismo, l’odio verso se stesso e il codice morale che definiscono il personaggio, sia nei momenti più tranquilli che in quelli ricchi di azione.
Anche se sono di nuovo separati, Geralt, Ciri e Yennefer continueranno a essere il cuore dello show nella quarta stagione. Allo stesso tempo, la serie sta chiaramente entrando in una nuova era, che il personaggio di Laurence Fishburne, Regis, sta contribuendo a inaugurare.
Regis che dice “The Witcher è in uno stato di cambiamento” e che Geralt sta “diventando qualcosa di nuovo” sembra riferirsi tanto al protagonista quanto alla serie stessa. La serie avrà inevitabilmente un aspetto e un’atmosfera diversi con Hemsworth al posto di Cavill, e questo cambiamento significativo si rifletterà anche nell’evoluzione del personaggio di Geralt in questa stagione.
“Lui mi ha detto: ‘Te lo dico subito'”, ha ricordato Majors. “‘In questo modo non rimarrai sorpreso e potrai iniziare a elaborare la cosa. Ti hanno licenziato. La Marvel ti ha licenziato.'” “Ci sono stati giorni in cui mi chiedevo: ‘È vero?'”, ha detto riferendosi alle settimane successive. “È un dolore che non ho mai provato e che si è aggravato sempre di più.”
