L’amore infedele – Unfaithful è un film thriller con Richard Gere, Diane Lane, Olivier Martinez e Chad Lowe. Il film, uscito nel 2002, ha ottenuto un buon successo al botteghino statunitense, ma ha ricevuto recensioni contrastanti dalla critica. Tuttavia, il film si è rivelato un progetto di successo per Diane Lane, che ha ottenuto nomination ai Golden Globe e agli Oscar per questo ruolo.

L’amore infedele – Unfaithful racconta la storia di una coppia sposata che vive con il figlio in un sobborgo di New York. Ma presto, il personaggio interpretato da Diane Lane inizia una relazione con un uomo di New York grazie a un incontro casuale. Quando Richard Gere scopre questa relazione, uccide l’amante di sua moglie. Anche se il film ha una trama semplice, il suo finale confonde molte persone. Ecco quindi una spiegazione del finale di L’amore infedele – Unfaithful.

Cosa succede in L’amore infedele – Unfaithful?

Connie Sumner (interpretata da Diane Lane) è una donna newyorkese apparentemente realizzata: ha un marito devoto, Edward (Richard Gere), un figlio piccolo e una bella casa nella tranquilla periferia. La sua vita, ordinata e prevedibile, viene sconvolta da un incontro fortuito a Manhattan con Paul Martel (Olivier Martinez), un affascinante libraio francese che la soccorre durante una giornata ventosa. La scintilla tra i due è immediata: Connie, inizialmente esitante, si lascia sedurre dalla vitalità e dal mistero di Paul, intraprendendo con lui una relazione clandestina che le restituisce sensazioni e desideri sopiti. Il loro rapporto, fatto di incontri segreti e passione travolgente, inizia però a incidere sul comportamento quotidiano di Connie, destando i sospetti del marito.

Edward, insospettito dalle bugie della moglie e dai suoi cambiamenti, assume un investigatore privato per seguirla. Scopre così la relazione e ne rimane devastato, ma invece di affrontarla immediatamente, decide di osservare e raccogliere prove. Il confronto esplode quando Edward si reca nel loft di Paul, trovandolo con oggetti e foto che testimoniano la relazione. In un impeto di rabbia e gelosia incontrollata, Edward uccide Paul colpendolo con un globo di vetro, poi nasconde il cadavere nel bagagliaio di un’auto. Da quel momento la vita dei coniugi Sumner precipita in un vortice di tensione e segreti: Connie, che sospetta qualcosa ma non sa la verità, si trova costretta a gestire le conseguenze del proprio tradimento, mentre Edward deve convivere con il peso dell’omicidio e con la decisione se confessare o no, in un crescendo drammatico che culmina nel finale ambiguo del film.

Spiegazione del finale di L’amore infedele – Unfaithful

L’amore infedele – Unfaithfulinizia con Edward (Gere) e Connie (Lane) che, come detto sopra, vivono in un sobborgo di New York. Durante un incontro casuale, Connie incontra Paul Martel e, in un piccolo incidente, si graffia le ginocchia. Paul porta Connie nel suo appartamento e le cura le ferite. Comincia a flirtare con lei, ma Connie ignora le sue avance.

Ma quando si incontrano di nuovo, inizia la loro relazione. Edward nota un cambiamento in sua moglie e assume un investigatore privato per seguirla, scoprendo così la relazione di Connie con Paul. Quando Connie si rende conto che la relazione sta influenzando la sua famiglia, decide di incontrare Paul un’ultima volta per porre fine alla loro relazione. Vede Paul con un’altra ragazza e rompe con lui.

Pochi secondi dopo, Edward si reca nell’appartamento di Paul per affrontarlo. Notando il globo di neve che aveva regalato a Connie, lo lancia contro la testa di Paul, uccidendolo all’istante.

Dopo aver colpito Paul con la palla di neve, Edward ripulisce tutte le prove e lascia l’appartamento. Getta anche il corpo di Paul in una discarica e cancella persino il messaggio di Connie sull’interfono di Paul. Qualche giorno dopo, la polizia si reca a casa di Connie ed Edward per indagare sulla denuncia di scomparsa di Paul presentata dalla moglie. Connie mente alla polizia e Edward la sostiene nella sua menzogna, così Connie scopre che Edward è a conoscenza della loro relazione. Una notte, Edward si ferma a un semaforo e Connie gli chiede se dovrebbero fuggire dal Paese. Ma si scopre che Edward ha fermato la sua auto davanti a una stazione di polizia per confessare il suo crimine.

Il thriller danese Boundless è il quinto capitolo della serie cinematografica Department Q, adattamento dell’omonima collana di romanzi polizieschi nordici noir scritta da Jussi Adler-Olsen. La saga racconta le indagini condotte dall’omonimo dipartimento speciale della polizia, ma poiché ogni caso è indipendente, gli spettatori non devono preoccuparsi della continuità.

Boundless segue il trio di investigatori del Dipartimento Q – Carl Mørck, Rose Knudsen e Hafez el-Assad – che riaprono un caso di omicidio irrisolto dopo che eventi del passato iniziano a riemergere, diventando sempre più personali per i protagonisti. Sebbene il film affronti diversi temi – dagli artisti necrofili ai culti spirituali fasulli che nascondono oscuri segreti, passando per traumi e relazioni disfunzionali – la mancanza di suspense e un finale poco avvincente rendono questo capitolo un prodotto da guardare una sola volta.

Non mancano però una stilizzazione visiva stimolante e interpretazioni solide, soprattutto per quanto riguarda la coppia composta dal detective veterano Carl e dalla giovane collega Rose. Il problema è che il trattamento narrativo scelto per svelare il mistero centrale risulta poco convincente, compromettendo gli aspetti positivi del film.

Perché Christian si è suicidato?

Carl ha ignorato regolarmente le chiamate del suo ex compagno di accademia Christian negli ultimi tre mesi, finché un giorno manda Rose sull’isola di Bornholm, dove Christian lavora come agente di polizia, per incontrarlo. Rose scopre che quello è il giorno del pensionamento di Christian, un pensionamento anticipato e forzato dal dipartimento. Durante il colloquio, Christian confessa la sua delusione per l’assenza di Carl, dicendo che Rose è arrivata troppo tardi per fare la differenza.

Dopo aver pronunciato al suo reparto alcune parole ispiratrici sulle qualità di un buon investigatore, parla della sua fede nella giustizia e all’improvviso punta la pistola contro il commissario Henrik Bak, costringendolo a filmarlo mentre mostra il nome di Carl Mørck scritto sulla sua mano. Poi si spara davanti a Rose. La giovane detective resta scioccata e lega l’episodio alla propria storia personale: anche suo padre, che la maltrattava, si era suicidato dopo una sua reazione violenta.

La morte di Christian porta Carl a Bornholm. Bak, ex compagno di classe di Carl all’accademia, lo accoglie malamente e vuole che se ne vada. Carl e Rose scoprono che Christian era ossessionato da un’indagine rimasta irrisolta: l’omicidio di Alberte Schneider, 21 anni, trovata su un ramo d’albero in una posa macabra. Questa ossessione aveva distrutto il matrimonio di Christian e minato la sua carriera, portandolo al pensionamento anticipato e all’archiviazione del caso come incidente stradale. Forse provava risentimento verso Bak, che inizialmente aveva seguito il caso e poi l’aveva scaricato su di lui. Carl era stato il candidato più promettente dell’accademia e Christian voleva che fosse lui a occuparsi dell’indagine: un peso che alla fine gli è costato la vita. Carl, divorato dal senso di colpa per non essere stato presente, vorrebbe tenersi alla larga dal caso, con grande disappunto di Rose.

Il legame personale di Carl

Durante la ricerca di indizi a casa di Christian, Carl e Rose trovano Bjarke, figlio di Christian, morto per overdose. Carl va dall’ex moglie di Christian, June, devastata dal doppio lutto, ma il motivo non è solo la solidarietà: emerge che Carl e June avevano avuto una relazione e che Bjarke era in realtà figlio di Carl. Una conoscente locale, Marie Frandsen, suggerisce che Bjarke possa essere coinvolto nella morte di Alberte. Poco dopo Marie viene aggredita e le viene strappata la lingua per impedirle di parlare.

Un artista contorto

Assad arriva a Bornholm e accompagna Rose al collegio di Alberte. Qui scoprono collegamenti con l’“Osiris Academy of Enlightenment” diretta da Pirjo. L’insegnante d’arte Stefan Von Kristoff, un artista caduto in disgrazia e necrofilo, confessa di aver posizionato Alberte morente sull’albero per scattare foto macabre vendute sul dark web e di aver aggredito Marie, ma nega l’omicidio. Poco dopo si suicida nel suo laboratorio.

Gli imbrogli di Pirjo e Atu

L’indagine si sposta sul culto di Osiride fondato da Pirjo e dal fratellastro Atu. Le donne che rimanevano incinte di Atu venivano sistematicamente eliminate da Pirjo. Rose si infiltra nella setta ma viene manipolata da Atu, mentre Carl scopre che sia Bjarke che Alberte erano membri del culto.

Chi ha ucciso Alberte Schneider?

Quando la verità su Pirjo e Atu viene a galla, Carl e Assad corrono a salvare Rose. Pirjo ha un aborto spontaneo e Atu la abbandona. Alla fine emerge che la responsabile della morte di Alberte è June: per salvare Bjarke, incapace di uccidere Alberte su ordine del culto, la investì in bicicletta. Dopo la morte del figlio, June non ha più motivo di tacere e uccide Atu lanciandosi con l’auto da un precipizio. Pirjo viene arrestata e il culto smantellato.

Tornati al Dipartimento Q, Carl, Rose e Assad riprendono la routine. Rose è segnata dagli eventi di Bornholm ma cerca di tenerne a bada i ricordi immergendosi nel lavoro.

Omicidi a Mistery Island (2023) si colloca nel filone dei thriller gialli televisivi di Hallmark, mescolando mistero, intrighi e un pizzico di romanticismo leggero, tipico del canale. La storia ruota attorno a un gruppo di personaggi isolati su un’isola misteriosa, costretti a confrontarsi con segreti e inganni mentre cercano di risolvere un delitto che li coinvolge tutti. Pur mantenendo un tono più familiare e accessibile rispetto ai gialli cinematografici tradizionali, il film riesce a costruire suspense e colpi di scena, rendendolo adatto a un pubblico ampio e fedele ai canoni Hallmark, che privilegiano la narrazione chiara e il fascino dei personaggi.

Il film può essere accostato a produzioni come Knives Out, seppur con minore violenza e complessità morale, condividendo però la struttura classica del “whodunit”: tutti sono sospettati, tutti hanno un movente, e ogni indizio può cambiare la prospettiva dello spettatore. A differenza del cinema di Rian Johnson, Omicidi a Mistery Island mantiene infatti il tono più leggero e ottimista, con dialoghi accessibili e una risoluzione che premia l’astuzia e la collaborazione tra personaggi. Nel resto dell’articolo analizzeremo in dettaglio il finale, spiegando come tutti i nodi narrativi vengano sciolti e le sorprese svelate.

La trama di Omicidi a Mistery Island

Omicidi a Mistery Island inizia quando la baronessa Jane Alcott chiama la sua amica, la dottoressa Emilia Priestly, a Mystery Island. Emilia, psichiatra, collaborava con il dipartimento di polizia di Londra, occupandosi di intervistare criminali e tracciare i loro profili psicologici per individuare disturbi e motivazioni alla base dei loro crimini. Il suo lavoro era pericoloso e difficile, poiché era stata minacciata da un detenuto che le aveva giurato di farle del male anche nel mondo reale. Quando Jane le propose una vacanza a Mystery Island, dove avrebbe potuto usare le sue capacità di osservazione in modo più leggero e ricreativo, Emilia accettò volentieri, desiderosa di una pausa dal lavoro stressante e dalla vita quotidiana.

L’isola ospitava una serie di personaggi tra i più disparati: gestori di hedge fund, influencer famosi e militari in pensione. Insieme a Jane, queste persone avevano investito nell’isola e, essendo appassionati di mistero, adoravano partecipare alle sfide organizzate dall’ambiente isolato, anche se non reale. Emilia pensava di trascorrere giorni divertenti e rilassanti lontano dagli impegni lavorativi, ma la scoperta del corpo del proprietario dell’isola, John Murtaugh, nella villa dove alloggiavano tutti, trasformò subito il soggiorno in un incubo: tutti i presenti, compresa Emilia, diventarono sospettati e coinvolti nel mistero.

Come è stato scoperto il cadavere? Perché Phoenix è stata arrestata?

Il cadavere di John Murtaugh non fu scoperto immediatamente, poiché le regole del gioco ideato dal proprietario prevedevano la risoluzione di un indovinello da parte dei partecipanti. I giocatori avrebbero dovuto interpretare gli indizi nascosti e seguire un percorso che li avrebbe condotti alla scoperta del cadavere, che inizialmente era mascherato da uno dei lavoratori della villa che fingeva di essere morto. Jane ed Emilia, risolvendo l’enigma e individuando un passaggio segreto, riuscirono finalmente a raggiungere il corpo di Murtaugh, segnando la fine della fase di recitazione.

Intanto, il maggiordomo Frederick fu trovato privo di sensi vicino al cadavere, e il detective Trent giunse sulla scena. La tensione crebbe subito: i sospetti si moltiplicarono, e ciascun partecipante cercava di tutelarsi. Emilia, ascoltando alcune conversazioni, sentì Phoenix, un’influencer presente sull’isola, tentare di incolparla dell’omicidio. In seguito alle indagini, emerse che Phoenix aveva minacciato Murtaugh perché questi l’aveva lasciata dopo una relazione; il suo comportamento portò all’arresto della donna, nonostante continuasse a negare di aver commesso l’omicidio, affermando di volersi solo riconciliare con John.

Perché Lucia è stata uccisa?

Mentre Jane e Jay cercavano di risolvere il mistero, Emilia osservava attentamente i movimenti degli altri. Notò Riley recarsi nel bosco per incontrare la domestica Lucia e decise di seguirlo, rendendosi conto che i due avevano rapporti precedenti e che il loro incontro aveva un significato nascosto. Poco dopo, Lucia fu trovata morta vicino alla riva. In un primo momento, la colpa sembrava ricadere su Riley, ma le indagini rivelarono che la responsabilità era di Morgan. Lucia, infatti, aveva scoperto prove incriminanti relative a Morgan e stava tentando di ricattarla; nella colluttazione che ne seguì, Lucia scivolò e batté la testa su una roccia, morendo sul colpo. La sua morte, quindi, non fu un omicidio premeditato, ma un tragico incidente conseguente ai contrasti tra i personaggi.

Chi ha ucciso Murtaugh e perché?

John Murtaugh, genio creativo e uomo di grande intelligenza, non possedeva tuttavia la capacità necessaria per gestire l’isola dal punto di vista economico. Carlos Del Fuego, uno degli investitori principali, lo aiutava nel reperire fondi e nel mantenere attiva l’isola. Nonostante le apparenze e i sospetti iniziali, nessuno degli ospiti aveva ucciso Murtaugh: in realtà, l’uomo si era suicidato, ma con uno scopo preciso. Murtaugh era malato di cancro e sapeva di avere poco tempo di vita; decise quindi di organizzare un ultimo gioco, un enigma postumo per proteggere Carlos e mettere alla prova i partecipanti, facendo credere loro che fosse avvenuto un omicidio.

La sua mente brillante e il desiderio di vendetta creativa portarono a un complesso intreccio di indizi, droni e falsi sospetti. Attraverso indizi disseminati nell’enigma, Jane e Jay identificarono come colpevole Freeman Fire, ma Emilia comprese la verità: Murtaugh si era organizzato affinché il suo piano servisse a testare la morale e l’intelligenza dei presenti, e al contempo a salvaguardare Carlos, che desiderava rendere l’isola redditizia e aperta al pubblico. La strategia di Murtaugh prevedeva anche l’uso di cloroformio e un dardo avvelenato per inscenare la morte di altri personaggi e deviare i sospetti, ma l’intervento di Emilia e del detective Trent smascherò il piano, impedendo danni ulteriori.

Alla fine, Carlos fu salvato e mantenne il controllo dell’isola, promettendo di riorganizzare il modello economico in maniera più redditizia, mentre Frederick ricevette una promozione come amministratore delegato di Mystery Island. Emilia e Trent, lavorando insieme, riuscirono a sciogliere l’intero mistero e a riportare ordine, chiudendo il cerchio narrativo con la piena comprensione delle intenzioni e delle azioni di Murtaugh.

Faster segna un momento di svolta nella carriera di Dwayne Johnson, poiché rappresenta uno dei primi ruoli in cui l’attore abbandona la sua immagine prevalentemente ironica o familiare per abbracciare un tono più cupo e vendicativo. Dopo anni tra commedie e action leggeri, Johnson torna a un personaggio essenziale e brutale, costruito su silenzi, rabbia trattenuta e fisicità pura. Il film, diretto da George Tillman Jr., si inserisce nel solco dei revenge movie classici, mescolando tensione, moralità ambigua e sparatorie fulminee.

Nel film, infatti, il protagonista Jimmy Cullen (Dwayne Johnson) intraprende una ricerca per trovare i responsabili della morte di suo fratello Gary, cosa che lo porta a un incontro con l’assassino che lo insegue, conosciuto semplicemente come Killer, e il suo misterioso cliente. Sebbene le trame sembrino disparate, una nuova rivelazione allude a una connessione tra l’assassino di Gary e colui che ha messo Killer sulle tracce del protagonista. Nel prosieguo dell’articolo analizzeremo nel dettaglio il suo finale, spiegandone i risvolti narrativi e tematici.

La trama di Faster

Dopo una lunga pena detentiva, Jimmy Cullen, un autista di rapine condannato, viene rilasciato dal carcere e gli viene permesso di tornare alla vita civile. Si reca in un’officina vicina, dove trova la sua vecchia auto in perfetto stato. All’interno, Jimmy trova una pistola e una cartella contenente nomi di persone importanti. Successivamente, il protagonista si reca in un ufficio in città e spara a bruciapelo a un uomo di nome Prescott Ashton in pieno giorno davanti a tutti i suoi colleghi. Il caso viene preso in carico dalla polizia locale, con i detective Cicero e Humphries che guidano le indagini per catturare Jimmy.

Nel frattempo, l’ex detenuto si reca in un’agenzia investigativa privata, la Grone’s Investigations, e incontra l’investigatore privato Roy Grone, la persona che ha aiutato Jimmy a procurarsi la lista e la pistola che si trovavano nella sua auto. Jimmy raccoglie ulteriori informazioni da Grone sui nomi e gli indirizzi di una serie di persone come Prescott prima di uscire. A quanto pare, Jimmy è in missione di vendetta per uccidere le persone che hanno sabotato una rapina in banca che lui e suo fratello Gary hanno compiuto con altri due ragazzi proprio prima della sua incarcerazione.

Hanno teso un’imboscata a Jimmy e alla sua banda mentre si trovavano nel loro rifugio, uccidendo tutti prima di fuggire con il denaro. Uno di loro ha tagliato la gola a suo fratello Gary proprio davanti ai suoi occhi. Pochi istanti dopo, Jimmy è stato colpito alla nuca. È riuscito a sopravvivere solo grazie a un intervento chirurgico d’urgenza che gli ha impiantato una placca metallica nella parte posteriore della testa. Terminata la pena detentiva, Jimmy è ora in missione di vendetta per dare la caccia a tutte le persone coinvolte nell’operazione di sabotaggio che ha portato alla morte di Gary. Jimmy parte per eliminare un altro membro della banda. Nel frattempo, al killer viene affidato il compito di dargli la caccia.

L’assassino professionista decide di accettare il lavoro come ultima missione commemorativa prima di sistemarsi con la sua compagna, Lily. Si imbatte in Jimmy nel complesso residenziale Casa Grande, dove quest’ultimo uccide Kenneth Tyson, un uomo inquietante con la mania di registrare video di sconosciuti. Dopo un alterco con Killer nel corridoio, Jimmy lascia l’edificio per cercare la sua ex ragazza, che vive tranquillamente con un nuovo marito e due figli. Successivamente, il protagonista rintraccia la persona successiva sulla lista, Hovis Nixon, un buttafuori di uno strip club che ha avuto un ruolo diretto nella morte di Gary, anche se non è stato lui a ideare il piano.

Il finale di Faster: chi c’era dietro la morte di Gary?

Il grande mistero che alimenta la trama centrale di Faster è la morte di Gary. Nel corso della narrazione, Jimmy dà la caccia a ciascun membro dell’operazione di sabotaggio nella speranza di scoprire la verità. Tuttavia, conosce già l’identità della persona che ha ucciso Gary: il buttafuori dello strip club Hovis Nixon. Jimmy lo affronta nel bagno del locale e lo ferisce mortalmente, pensando di aver finalmente posto fine alla sua vita. Tuttavia, Nixon riesce a sopravvivere e viene ricoverato in terapia intensiva all’ospedale locale. Il protagonista ripercorre i suoi passi e si reca all’ospedale, dove lo elimina una volta per tutte.

Nonostante ciò, l’identità della persona che ha organizzato l’operazione di sabotaggio rimane sconosciuta a Jimmy. Solo alla fine scopre che il responsabile non è altro che il detective Slade Humphries. Inizialmente, Jimmy presume che il sabotatore più probabile sia suo padre. Il vecchio era scontento del piano di lui e Gary di rapinare la banca senza includerlo nel bottino. Pertanto, il protagonista crede che il padre abbia sfogato la sua frustrazione organizzando un attentato contro Jimmy e Gary, uccidendo inevitabilmente il secondo nonostante il loro legame di sangue. Tuttavia, durante una visita a sua madre, Jimmy scopre che suo padre è morto da tempo, rendendo impossibile che abbia organizzato la missione di sabotaggio.

Inoltre, il padre voleva troppo bene a Gary per farlo uccidere a sangue freddo. Invece, la persona che ha divulgato le informazioni sul piano di Jimmy e Gary e sul loro rifugio era la fidanzata di quest’ultimo, Marina, che all’epoca agiva come informatrice per Humphries. Il detective ha usato le informazioni fornite da Marina per anticipare la rapina di Jimmy e Gary, rubando il loro bottino e lasciandoli morire. Dopo il rilascio di Jimmy dal carcere e il suo primo omicidio, Humphries ha iniziato a farsi prendere dal panico, temendo che il protagonista potesse alla fine dargli la caccia.

Ha supplicato i suoi superiori di lasciargli gestire personalmente il caso. In questo modo, avrebbe potuto tenere d’occhio Jimmy e catturarlo prima che gli accadesse qualcosa di terribile, sia che si trattasse di un attentato alla sua vita o della rivelazione dei dettagli dietro il suo scandalo di corruzione. Tuttavia, la sua vita dopo la rapina era andata leggermente in tilt a causa del divorzio da Marina, dalla quale aveva avuto un figlio. All’inizio del film, si trova in una situazione terribile e cerca con tutte le sue forze di rimediare senza finire nei guai.

Perché Killer se ne va? Torna da sua moglie?

La vita di Killer diventa complicata dopo che gli viene affidato il compito di dare la caccia a Jimmy. Inizialmente, lo tratta come un lavoro normale, confidando nelle sue capacità e nella sua comprovata esperienza per condurlo a una caccia di successo. Tuttavia, dopo aver avuto alcuni scontri con il protagonista, si rende conto che Jimmy ha un’aura strana, soprattutto per il suo atteggiamento da “non ho nulla da perdere”, che lo rende un avversario formidabile. Si affascina alla forza e alla determinazione di Jimmy. Il rapporto diventa così intenso che Killer inizia a visualizzarlo come una rivalità, anche se unilaterale, poiché Jimmy rimane concentrato sulla sua missione di vendetta personale.

Questo atteggiamento indifferente crea ancora più frustrazione nella mente di Killer e lo rende ancora più determinato a dare la caccia alla sua preda per dimostrare qualcosa. Alla fine, Killer arriva al centro della tenda del risveglio, dove Jimmy incontra l’evangelista redento Alexander Jerrod. Nonostante gli venga detto che non è più necessario che porti a termine la missione, l’assassino non rinuncia al suo compito e fa dell’uccisione di Jimmy una missione molto personale. Tuttavia, dopo l’arrivo di Humphries, è costretto a ritirarsi mentre il detective porta a termine il compito da solo.

Durante l’interazione, l’assassino scopre che il suo cliente non è altro che Humphries stesso, il quale, insicuro della sua capacità di uccidere Jimmy, aveva assunto un killer professionista per portare a termine il lavoro. Una volta che Killer ha assistito all’esecuzione della missione da parte di Humphries, se ne va senza nemmeno ritirare il suo misero compenso di 1 dollaro. La somma esigua dimostra la sua passione per il suo lavoro e la sua dedizione all’arte dell’uccidere, che si riflette anche nel suo soprannome. Nel corso della narrazione, Killer si trova di fronte a un dilemma tra il suo amore per la professione di assassino e quello per la sua ragazza, Lily.

È costantemente combattuto tra i due, incapace di decidere quale dei due sia più importante per lui in un determinato momento. A metà della storia, Killer chiede a Lily di sposarlo e i due si uniscono in matrimonio in modo rapido e surreale, il che sottolinea la personalità instabile di Killer. Il suo atteggiamento è quello di una persona impegnata, indipendentemente dal compito da svolgere, che si tratti di un lavoro di assassinio o della dedizione alla sua nuova moglie. Tuttavia, più la storia procede, più viene sviato dalla sua rivalità con Jimmy. Pertanto, la sua decisione di andarsene alla fine segna un nuovo inizio nella sua vita con Lily e la fine della sua carriera di killer professionista.

Jimmy uccide Humphries? Riesce a chiudere con la morte di suo fratello?

Verso la fine, Jimmy mette alle strette l’ultimo uomo sulla sua lista, Alexander Jerrod, un uomo che ha trovato la salvezza nella parola di Dio dopo aver preso parte all’operazione di doppio gioco. Dopo una conversazione lucida e franca con Jerrod, Jimmy decide di lasciarlo andare e si chiede invece se la sua missione di vendetta valga la pena. Mentre riflette sulle sue azioni, Killer e Humphries arrivano per metterlo alle strette, e quest’ultimo gli spara alla nuca, ricreando esattamente il modo in cui lui lo aveva ucciso anni prima. A quel punto, emerge finalmente la verità sul ruolo di Humphries nell’intera trama.

Fortunatamente, Jimmy viene salvato dalla placca metallica che ha nella nuca. Successivamente, si sveglia e dà la caccia a Humphries, uccidendolo e ponendo fine al ciclo di vendetta una volta per tutte. Dopo aver ucciso Humphries, rimane ancora una questione in sospeso: Marina. Sebbene l’ex fidanzata di Gary non lo abbia ucciso direttamente, ha avuto un ruolo fondamentale nella sua rovina. Sembrerebbe prudente che Jimmy andasse a cercarla o scoprisse i motivi che l’hanno spinta a rivelare i segreti di suo fratello all’agente corrotto. Tuttavia, decide di non fare nulla del genere. In un certo senso, con la morte di Humphries, il protagonista percepisce la fine del caos che ha segnato la sua vita e lo ha traumatizzato per anni.

A questo punto, quindi, c’è un netto cambiamento nella mentalità di Jimmy, probabilmente dovuto alla conversazione avuta con Jerrod. Sebbene fosse determinato a vendicarsi, capisce anche che a volte le persone meritano una seconda possibilità e l’opportunità di vivere la propria vita senza essere perseguitate ovunque. Inoltre, poiché il detective Humphries era il capo dell’idra, Jimmy si è essenzialmente sbarazzato della persona maggiormente responsabile del crimine. Qualsiasi ulteriore violenza o azione sarebbe eccessiva e inutile da parte sua. Data la quantità di sangue che ha sulle mani e i pensieri distruttivi che dominano ogni aspetto della sua vita, deve iniziare un nuovo viaggio per espiare i suoi peccati.

Pertanto, i momenti finali mostrano Jimmy che sparge le ceneri di suo fratello in mare prima di salire in macchina e allontanarsi verso l’orizzonte. Il film si conclude con una nota di speranza, con Jimmy che potenzialmente segue il consiglio di Jerrod e trova la propria salvezza per allontanarsi dal sentiero dell’oscurità. Anche se le autorità potrebbero rendergli le cose difficili, il protagonista può sfuggirle e mantenere un basso profilo abbastanza a lungo da forgiare una nuova identità libera dagli errori del passato.

Nico, noto anche con il titolo internazionale Above the Law, rappresenta l’esordio cinematografico di Steven Seagal e, al tempo stesso, la nascita di un’icona dell’action anni ’90. Prima di diventare uno dei volti più riconoscibili del cinema marziale hollywoodiano, Seagal era un istruttore di aikido, consulente per agenzie governative e guardia del corpo: un background reale che emerge con forza nel film, contribuendo a costruire quell’immagine dell’eroe silenzioso e letale che lo accompagnerà per tutta la carriera. Nico non è solo l’inizio, ma anche la dichiarazione d’intenti di un attore destinato a segnare un’intera stagione del cinema d’azione.

Il film, diretto da Andrew Davis (che in seguito lavorerà con Harrison Ford ne Il fuggitivo), si inserisce nel filone del poliziesco urbano violento tipico degli anni ’80, contaminato però da una forte componente di arti marziali che all’epoca risultava ancora piuttosto insolita per il cinema occidentale mainstream. Temi come la corruzione istituzionale, il complotto governativo e il senso di giustizia personale attraversano tutta la vicenda, ponendo il protagonista Nico Toscani in bilico tra legalità e vendetta. Il suo è un mondo in cui le regole ufficiali spesso proteggono i colpevoli, costringendo l’eroe a sporcarsi le mani per ristabilire un ordine morale superiore.

Il film ottenne un notevole successo al box office e consolidò immediatamente il mito di Seagal come “l’uomo solo contro il sistema”, un archetipo che avrebbe riproposto più volte nel corso della sua filmografia. Proprio per questo motivo, il finale del film assume un valore cruciale: da un lato chiude la vicenda secondo le logiche del genere, dall’altro lascia aperta una riflessione su quanto sia davvero possibile combattere il potere dall’interno. Nel resto dell’articolo analizzeremo proprio questo aspetto, offrendo una spiegazione dettagliata del finale di Nico e delle sue implicazioni tematiche.

La trama di Nico

Il film segue le vicende del siciliano Nico Toscani (Steven Seagal), esperto di arti marziali che viene reclutato dalla CIA per entrare a far parte di un corpo speciale impiegato per una missione tra Vietnam e Cambogia. Nel 1973, Nico rimane talmente disgustato dalle torture a cui assiste durante l’interrogatorio di un prigioniero che decide di lasciare la CIA e tornare a vivere nella sua Chicago. Passano quindici anni e l’uomo, che ormai è sposato e ha un bambino, vive insieme alla sua famiglia e alla madre.

Tolte le vesti di agente speciale, Nico è ora un incorruttibile poliziotto della narcotici del Dipartimento di Polizia di Chicago. Insieme ai suoi colleghi e amici, l’uomo veglia sulla città combattendo lo spaccio di sostanze stupefacenti. Non ha però idea di quello che sta per succedergli e del fatto che, per dare una mano a una cugina, si troverà nuovamente ad avere a che fare non solo con la CIA ma anche con l’FBI.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Nico, Zagon e i suoi uomini individuano padre Tomasino, miracolosamente sopravvissuto all’attentato in chiesa. Penetrano nello scantinato dove il sacerdote si rifugia con altri profughi e iniziano a torturarlo con la stessa brutalità che aveva sconvolto Nico anni prima in Cambogia. L’irruzione improvvisa di Nico, accompagnato dalla collega Delores e dall’alleato Lukic, interrompe la scena. Ne nasce uno scontro violento, durante il quale Delores viene colpita ma riesce a salvarsi grazie al giubbotto antiproiettile. Mentre Nico elimina Salvano in uno scontro diretto, viene a sua volta sopraffatto dagli uomini di Zagon e catturato.

Il confronto conclusivo tra Nico e Zagon avviene così in una dimensione quasi speculare al loro primo incontro in Vietnam. Ma a differenza del passato, Nico non è più un giovane agente inesperto costretto all’obbedienza: ora è un uomo con una coscienza formata, una famiglia da proteggere e una convinzione incrollabile nel suo codice morale. Nonostante le iniezioni illegali e il dolore, riesce a liberarsi, ribaltare la situazione e uccidere Zagon insieme ai suoi complici. Il film si chiude con l’arresto degli altri criminali e l’intervento del senatore Harrison, che si reca personalmente a casa di Nico per ringraziarlo e promettere che certi abusi non saranno più tollerati.

Dal punto di vista tematico, questo finale rappresenta il compimento della trasformazione di Nico da esecutore degli ordini governativi a vigilante etico che risponde a un sistema superiore di giustizia. Affrontare e sconfiggere Zagon non è solo un atto fisico, ma il simbolico rifiuto della logica della violenza istituzionalizzata che lo aveva traumatizzato anni prima. Zagon incarna l’orrore della legalità deviata: agisce all’interno degli apparati statali, ma lo fa per puro sadismo e tornaconto personale. Quando Nico lo elimina, non sta disobbedendo allo Stato: sta riconsegnando allo Stato la sua dignità, liberandolo dalla corruzione che lo divora dall’interno. La promessa finale del senatore Harrison non è dunque solo un riconoscimento formale, ma un atto di restituzione morale.

Inoltre, il film sottolinea che la vera giustizia richiede sacrificio personale e isolamento. Nico ha perso il distintivo, ha rischiato la vita e ha messo in pericolo la sua famiglia, ma non ha mai ceduto alla convenienza o al cinismo. Il contrasto con i colleghi che preferivano “seguire gli ordini” è evidente: la legge, per funzionare, ha bisogno di uomini disposti a metterla in discussione quando diventa strumento di oppressione. L’alleanza tra lui e Delores rafforza questa idea: non è solo un solitario giustiziere, ma il cuore pulsante di una resistenza interna che non accetta compromessi. Il fatto che l’FBI e la CIA vengano smascherati dall’interno e non dall’esterno ribadisce la natura profondamente americana del racconto: la democrazia si difende solo se qualcuno ha il coraggio di dire “no” anche quando tutti dicono “obbedisci”.

Il messaggio finale di Nico è chiaro e ancora oggi attuale: la legalità non basta se non è accompagnata dall’etica. Il film suggerisce che la vera forza non è nel potere, ma nella coscienza. Nico non è un supereroe, non ha superpoteri: è un uomo che ha visto l’orrore e ha deciso di non diventare come ciò che ha odiato. Il suo trionfo non è quello del vincitore, ma del sopravvissuto che ha scelto di restare umano. In un genere spesso dominato dalla vendetta cieca, Above the Law si distingue per una riflessione sorprendentemente lucida: non basta colpire i cattivi, bisogna cambiare le regole del gioco. E per farlo, serve qualcuno che sia davvero “al di sopra della legge”, non perché la disprezza, ma perché la onora più di chi la impone.

Con l’arrivo su IWONDERFULL Prime Video Channel, Quattro figlie di Kaouther Ben Hania torna a interrogare il pubblico sulla potenza del cinema documentario e sulla sua capacità di trasformarsi in esperienza collettiva. Presentato in concorso a Cannes 2023, premiato con l’Œil d’or e candidato all’Oscar 2024, il film ha imposto la regista tunisina come una delle voci più radicali e riconoscibili del panorama contemporaneo. La sua uscita in streaming coincide con il debutto in sala de La voce di Hind Rajab, ulteriore tassello di un percorso che non separa mai la sperimentazione formale dal confronto con la realtà sociale e politica.

Una storia che non poteva restare ai margini

Al centro del film c’è la storia di Olfa Hamrouni, madre tunisina di quattro figlie, segnata dalla scomparsa delle due maggiori, partite adolescenti verso la Libia e inghiottite dalla spirale del jihadismo. Per colmare quel vuoto, Ben Hania immagina un dispositivo inedito: accanto a Olfa e alle due figlie minori, due attrici professioniste interpretano le figlie assenti, mentre una terza – la celebre Hend Sabri – entra in scena come alter ego della madre. Non si tratta quindi di una semplice ricostruzione, ma di un vero e proprio gioco di specchi che rende visibili le contraddizioni di una famiglia e di una società intera.

Ben Hania incontra Olfa per la prima volta nel 2016, dopo aver ascoltato un’intervista radiofonica. La sua vicenda la colpisce immediatamente, come ha raccontato a CNC, ma non trova subito la chiave per raccontarla. Per anni il progetto resta sospeso, finché non matura l’idea di un dispositivo capace di restituire quella storia senza ridurla a cronaca. Il film nasce così: da un bisogno di tradurre l’assenza in presenza, di dare corpo al non detto, di rendere visibile il dolore senza spettacolarizzarlo.

Un dispositivo che fonde realtà e finzione

Come anticipavamo, la struttura di Quattro Figlie è assolutamente inedita. Olfa e le due figlie minori compaiono in scena insieme a tre attrici: due interpretano le sorelle assenti, mentre la star Hend Sabri veste i panni della madre nelle sequenze più dolorose. Non si tratta di ricostruzioni fedeli, ma di un laboratorio della memoria. Le protagoniste reali osservano le attrici, le dirigono, le contestano, e a volte prendono persino il loro posto.

Il risultato è un continuo gioco di scambio tra chi ha vissuto i fatti e chi li rappresenta. La linea di confine tra documentario e finzione si fa labile, e proprio in questo spazio di ambiguità si sprigiona la forza del film. Ogni scena diventa un’occasione di confronto, un modo per interrogare i ricordi e scoprire come il passato abiti ancora il presente.

D’altra parte, la regista non ha mai nascosto la sua diffidenza verso l’idea di un documentario neutrale: «Non credo un secondo all’oggettività. Quando qualcuno dice di essere obiettivo, io mi insospettisco. Per me, ogni film è un punto di vista» (SCAM, 15 dicembre 2023). Una dichiarazione che diventa principio estetico e politico: Quattro figlie non promette di raccontare “come sono andate le cose”, ma costruisce davanti ai nostri occhi un processo di elaborazione.

Per rendere tangibile questo patto con lo spettatore, la regista decide di rompere la barriera con la macchina da presa. Durante le interviste, Olfa guarda direttamente in camera grazie a un teleprompter che riflette il volto della regista: «Volevo che fosse chiaro che parlava a me e, allo stesso tempo, al pubblico», ha ricordato Ben Hania. In questo modo, il film espone i suoi strumenti e chiede a chi guarda di partecipare a una riflessione attiva.

Un set come laboratorio della memoria

Quasi tutto il film è girato in un unico luogo, l’ex hotel “Tour Eiffel” di Tunisi, trasformato in un vero e proprio teatro della memoria. Un reticolato diventa cella, una stanza evoca la cucina di famiglia, un corridoio si apre come spazio di passaggio. Non c’è ricerca di realismo, ma di suggestione: un ambiente chiuso che permette libertà, improvvisazione, imprevisto.

«Non volevo la pesantezza dei set mobili, con spostamenti e camion. Avevo bisogno di uno spazio che ci permettesse di sperimentare e di essere sorpresi», ha spiegato Ben Hania a SCAM. In questo modo, le scene non vengono ripetute più volte; spesso la prima ripresa resta definitiva, proprio perché cattura l’emergere inatteso di una parola o di un ricordo.

Olfa tra amore e violenza

Il cuore del film è la figura di Olfa, ritratta in tutta la sua ambivalenza: madre affettuosa e al tempo stesso autoritaria, capace di violenza, segnata da un patriarcato interiorizzato che finisce per trasmettere alle figlie. Ben Hania decide di affiancarle un doppio attoriale per gestirne la forza travolgente: «Olfa aveva una personalità così potente che rischiava di fagocitare il film. La presenza di Hend Sabri mi ha permesso di restituirla nella sua complessità».

Il film non cerca di assolvere né di condannare, ma di comprendere. Laddove i media tunisini avevano spesso dipinto Olfa come “mostro” o “madre snaturata”, il dispositivo cinematografico ne svela la fragilità e le contraddizioni, permettendo allo spettatore di coglierne la dimensione umana.

Le figlie come specchio di una società

Se Olfa è il centro magnetico del racconto, le figlie minori – Eya e Tayssir – ne sono il contrappunto vitale. Cresciute nella Tunisia post-rivoluzionaria, vivono il bisogno di libertà attraverso gesti quotidiani: truccarsi, vestirsi di nero, indossare o togliere il velo. Sono segni di ribellione ma anche strategie di sopravvivenza, che il film registra con attenzione.

Partecipando alla messa in scena, le ragazze si confrontano con il ricordo delle sorelle assenti: un esercizio doloroso, a tratti ludico, che diventa occasione di consapevolezza. «La loro resistenza al patriarcato non nasce da un discorso politico, ma da un istinto quasi organico» afferma la regista. Ed è forse questa spontaneità a rendere il film così universale.

Un solo volto per gli uomini

Un’altra scelta radicale di Quattro Figlie riguarda le figure maschili: a interpretarle tutte è lo stesso attore. Non per mancanza di risorse, ma per una precisa intenzione. I padri, i compagni, gli uomini che circondano la famiglia di Olfa hanno un ruolo intercambiabile e marginale; ciò che conta, per Ben Hania, è la coralità delle voci femminili. In questo modo il film sottolinea come la vicenda di Olfa e delle sue figlie sia soprattutto un racconto di sguardi e di corpi femminili, di legami che resistono e di ferite che si trasmettono.

Il montaggio come scrittura

Il percorso di Quattro figlie per arrivare sul grande schermo è stato lungo e accidentato. Il primo montaggio durava cinque ore e, solo attraverso un intenso lavoro di sottrazione, Ben Hania e i suoi collaboratori sono riusciti ad attestarsi su un minutaggio di 110 minuti. «Ho capito che il film era pronto quando ho provato ad aggiungere scene che amavo e il film, come se fosse vivo, le ha rifiutate» (CNC). È un processo che conferma come il documentario non equivalga meramente a una registrazione passiva, ma atto di scrittura.

Pur senza agitare fragorosamente bandiere, Quattro Figlie resta un documento profondamente politico, che interroga le radici del patriarcato, il ruolo dei media, la responsabilità delle istituzioni. Non è un caso che sia stato il primo film tunisino in concorso a Cannes dopo più di cinquant’anni: un segnale della vitalità di un cinema capace di guardare alla propria realtà senza timori. «Il patriarcato non è solo una questione di uomini. Molte donne lo interiorizzano, lo riproducono come unica forma di protezione» ha dichiarato Ben Hania a TROISCOULEURS.

Quattro figlie non è solo un documentario, ma un’esperienza che ridefinisce il rapporto tra chi racconta e chi guarda. Preferisce mostrare la complessità delle relazioni, i silenzi, le contraddizioni, la fragilità della memoria: è in questo spazio che il cinema di Kaouther Ben Hania trova la sua forza, restituendo dignità al dolore, dando voce a chi è rimasto nell’ombra e mostrando come il racconto, per quanto terribilmente doloroso, possa diventare la forma più radicale di resistenza.

È il 1971, Clint Eastwood presenta al mondo uno dei personaggi più iconici suoi e di Hollywood, l’ispettore “Dirty” Harry Callahan nel thriller d’azione Ispettore Callaghan: il caso Scorpio è tuo di Don Siegel. Callahan è la definizione stessa di una mina vagante, un poliziotto duro e cinico che non esita a spingersi oltre i limiti della legge per catturare i criminali di San Francisco. Armato di un atteggiamento risoluto e di una Magnum .44, Callahan è alla ricerca di un serial killer. Nel mondo reale, in quegli anni, anche la polizia di San Francisco era alla ricerca di un serial killer: il famigerato Killer dello Zodiaco. Una coincidenza? Niente affatto. Il film è infatti basato sulla storia vera della caccia della polizia di San Francisco all’inafferrabile assassino.

Chi era il Killer dello Zodiaco su cui è basato il film

Dal 1969 al 1974, un uomo conosciuto solo come Killer dello Zodiaco ha fatto vivere nella paura la popolazione di San Francisco. Il suo regno di terrore è iniziato il 20 dicembre 1968, quando il diciassettenne David Faraday e la sua ragazza, la sedicenne Betty Lou Jensen, sono stati trovati fuori Vallejo, in California. Entrambi erano stati uccisi a colpi di pistola, apparentemente in modo casuale. Il killer dello Zodiaco colpì nuovamente il 5 luglio 1969, quando una coppia, la ventiduenne Darlene Ferrin e il diciannovenne Mike Mageau, fu avvicinata da un uomo mentre era in macchina. Il killer dello Zodiaco sparò una raffica di colpi contro i due, ferendo gravemente Mageau e uccidendo Ferrin.

Nel settembre 1969, Cecelia Shepard e Bryan Hartnell furono aggrediti da un uomo che indossava un cappuccio e una maglietta con un simbolo a forma di cerchio e croce sulla riva del lago Berryessa. Furono legati e poi pugnalati senza pietà. Entrambi sopravvissero a stento all’aggressione, ma purtroppo Shepard morì poco dopo a causa delle gravi ferite riportate. L’ultimo omicidio attribuito direttamente al Killer dello Zodiaco avvenne poco dopo, quando un tassista di 29 anni, Paul Stine, fu ucciso a colpi di pistola nel quartiere Presidio Heights di San Francisco. Cinque omicidi in tutto, ma il numero potrebbe arrivare fino a 37, come sostenuto dallo stesso killer dello Zodiaco. Ciò che era più inquietante non era necessariamente la casualità degli omicidi, ma la spavalderia dell’assassino.

Egli provocava il pubblico e la polizia attraverso una serie di lettere e telefonate, rivelando senza timore i luoghi e rivendicando la responsabilità dei suoi omicidi. Le lettere iniziavano con “qui parla Zodiac” ed erano firmate con un disegno che assomigliava a un mirino. Quattro delle lettere erano crittogrammi, uno dei quali fu decifrato in pochi giorni e recitava: “Mi piace uccidere le persone perché è molto divertente”. Un altro codice, che iniziava con “Spero che vi stiate divertendo molto a cercare di catturarmi”, non è stato decifrato fino al 2020 da un trio di decodificatori dilettanti. Altrettanto inquietante era il fatto che, nonostante le impronte digitali, le descrizioni, le segnalazioni e le piste, il killer Zodiac non è mai stato trovato e potrebbe benissimo essere ancora in libertà.

Ispettore Callaghan: il caso Scorpio è tuo affronta il Killer dello Zodiaco, più o meno

Una donna viene uccisa mentre nuota in una piscina sul tetto a San Francisco. L’assassino, chiamato “Scorpio” (Andy Robinson), lascia una lettera in cui chiede 100.000 dollari, altrimenti ucciderà altre persone. La nota viene trovata dall’ispettore Harry Callahan della polizia di San Francisco, alias “Dirty” Harry, che è frustrato quando il sindaco cede alle richieste di Scorpio. Durante la pausa pranzo, Callahan si imbatte in una rapina in banca. Uccide uno dei rapinatori e tiene sotto tiro l’altro, intimandogli di arrendersi (il leggendario monologo “Mi sento fortunato?”). Ora, insieme al suo partner Chico Gonzalez (Reni Santoni), cercano di catturare Scorpio dopo che un elicottero della polizia lo ha avvistato, ma senza successo.

Il giorno dopo arriva un’altra lettera di Scorpio, in cui afferma di aver rapito un’adolescente e che la ucciderà se non gli verranno dati 200.000 dollari. Callahan deve consegnare il denaro e Scorpio lo fa rincorrere le telefonate da una cabina all’altra in tutta la città prima di mandarlo finalmente al Mount Davidson Cross. Scorpio ha la meglio su Callahan, intenzionato a ucciderlo e a lasciar morire l’adolescente. Callahan riesce a fuggire pugnalando Scorpio alla gamba, ma Scorpio riesce a scappare di nuovo. Callahan finisce per rintracciarlo al Kezar Stadium, gli spara alla gamba e gli calpesta la ferita, torturando Scorpio affinché riveli dove si trova l’adolescente.

La cattiva notizia è che la ragazza è già morta. Peggio ancora, le prove raccolte da Callahan sono inammissibili a causa del trattamento che gli ha riservato. Scorpio è un uomo libero, ma Callahan lo segue ovunque. Quando Callahan è costretto a smettere di seguire Scorpio, quest’ultimo ruba una pistola da un negozio, dirotta uno scuolabus e chiede un riscatto che include un volo fuori città. Callahan rintraccia l’autobus e salta sul tetto. L’autobus si schianta contro un cumulo di terra vicino a una cava, spingendo Scorpio a prendere un ostaggio. Callahan lo fissa dopo aver liberato l’ostaggio ferendo Scorpio. Ripete l’ultimatum che aveva dato in precedenza al rapinatore di banca.

Scorpio, sentendosi fortunato, cerca di prendere la pistola ma non ci riesce e viene ucciso dall’ultimo proiettile di Callahan. Callahan poi prende il suo distintivo della polizia e lo getta in una pozza d’acqua. Il parallelismo più evidente tra Dirty Harry e il caso reale del Killer dello Zodiaco è il nome dell’assassino, Scorpio. Come lo Zodiac, Scorpio provoca la polizia attraverso lettere e telefonate, anche se in modo molto più diretto rispetto a quanto faceva il vero killer (niente uccide un thriller d’azione più rapidamente che vedere dei tizi che cercano di decifrare una lettera sullo schermo). A un certo punto del film, Scorpio indossa una maschera, cosa per cui era noto il Killer dello Zodiaco.

In una lettera da lui inviata, questi minacciava di dirottare uno scuolabus. Anche se ciò non si è mai verificato, il climax del film riproduce questo scenario. Un altro aspetto del film ispirato alla vita reale è lo stesso Callahan, basato sul detective della polizia Dave Toschi, che all’epoca lavorava al caso. Il detective era, come Callahan, un tipo anticonformista, schietto e imprevedibile (anche se non così imprevedibile), e non solo ha ispirato “Dirty” Harry Callahan, ma anche Steve McQueen in Bullitt (Toschi ha ammesso che gli piacevano McQueen e la sua interpretazione, ma ha abbandonato la proiezione di Dirty Harry perché troppo simile alle indagini sul Killer dello Zodiaco).

Dirty Harry ha avuto successo dove la polizia di San Francisco ha fallito

Il successo di Harry Callahan sta nel fatto che è riuscito a ottenere ciò che la polizia di San Francisco non è riuscita a fare: porre fine alle azioni del serial killer. In questo senso, il film diventa una sorta di fantasia, presentando un agente vendicativo e tenace che rintraccia e uccide il serial killer che ha paralizzato la città nella paura. Callahan non ha rispettato le regole e non ha esitato a ricorrere a qualsiasi mezzo necessario per salvare la città e i suoi abitanti. La polizia di San Francisco ha rispettato le regole, anche Toschi, e, ingiustamente o meno, il pubblico voleva risultati, non correttezza. Il finale del film lo dimostra. Quando Callahan uccide Scorpio, la .44 Magnum lo fa cadere all’indietro con forza, diventando una catarsi per la gente, un senso di giustizia servita. Se non nel mondo reale, almeno da qualche parte.

E quando Callahan getta via il suo distintivo della polizia, riconosce visivamente che nemmeno lui vede la polizia di San Francisco fare ciò che dovrebbe. Non tutti hanno provato piacere nel vedere “Dirty” Harry fare giustizia. Il film è stato controverso al momento dell’uscita, con molti che hanno citato il fatto che la percezione positiva del vigilantismo denigrasse i diritti dell’imputato. Ciononostante, Dirty Harry è stato un successo che ha dato vita a quattro sequel: Una 44 Magnum per l’ispettore Callaghan, Cielo di piombo, ispettore Callaghan, Coraggio… fatti ammazzare e Scommessa con la morte. Dei cinque, solo Dirty Harry aveva un legame con eventi della vita reale e per giunta molto attuali. E, cosa inquietante, è molto probabile che lo Zodiac Killer fosse seduto in un cinema della città che aveva terrorizzato, godendosi il racconto fittizio di ciò che aveva fatto.

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Scott Beck e Bryan Woods, già co-autori del primo A Quiet Place, firmano con 65 – Fuga dalla Terra (qui la recensione) un’opera che mescola fantascienza, azione e suggestioni survival. Il film, interpretato da Adam Driver e Ariana Greenblatt, costruisce un racconto che unisce il futuro tecnologico con il passato primordiale della Terra, riportando in scena i dinosauri in una veste spettacolare e al tempo stesso spaventosa. Ma dietro la sua patina di avventura e spettacolo, la pellicola propone anche un nucleo emotivo forte, fatto di perdita, lutto e ricerca di un nuovo legame umano. Il finale, in particolare, si rivela il momento più intenso e ricco di significati, con una combinazione di azione frenetica e rivelazioni emotive che meritano di essere analizzate nel dettaglio.

La trama di 65 – Fuga dalla terra

La vicenda ha inizio con Mills (Driver), un pilota spaziale proveniente da un pianeta lontano, incaricato di trasportare passeggeri verso una destinazione ignota. La sua missione viene improvvisamente stravolta quando la nave che comanda entra in collisione con un ammasso di asteroidi. I danni sono gravissimi e il veicolo precipita su un pianeta sconosciuto. Ben presto, però, lo spettatore scopre che non si tratta di un mondo alieno: Mills è atterrato sulla Terra, ma 65 milioni di anni fa, in piena era dei dinosauri. L’impatto uccide quasi tutti i passeggeri, e l’unica superstite oltre a lui è una bambina di nome Koa (Greenblatt).

Inizia così un viaggio disperato per raggiungere la metà ancora integra della nave, dove si trova la capsula di salvataggio che potrebbe permettere loro di fuggire. Fin dalle prime battute, 65 – Fuga dalla Terra gioca sulla tensione derivata dall’incontro tra un uomo armato di tecnologia avanzata e un mondo dominato da creature preistoriche. I blaster e i sensori sofisticati non bastano a garantire la sopravvivenza, perché Mills e Koa devono affrontare una natura ostile fatta di predatori giganteschi, ambienti letali e continue insidie. Questa lotta per la sopravvivenza diventa presto una metafora più ampia: non si tratta solo di resistere ai dinosauri, ma di fare i conti con i propri traumi personali.

Mills porta con sé una ferita profonda, la morte della figlia Nevine, che condiziona ogni sua scelta. Koa, dal canto suo, è ignara del destino dei propri genitori e viaggia con la speranza di ritrovarli. Il film chiarisce sin dall’inizio che Mills non proviene dal futuro terrestre, ma da un altro pianeta in cui la civiltà è tanto avanzata da sembrare umana sotto ogni aspetto. Non c’è quindi un viaggio nel tempo, bensì un curioso intreccio tra specie distanti nello spazio ma simili nella forma e nelle emozioni. Questa scelta narrativa consente agli autori di evitare spiegazioni complesse e concentrarsi sul cuore del racconto: lo scontro tra l’avanzata tecnologia e la brutalità primitiva del mondo in cui Mills si ritrova intrappolato.

Una delle intuizioni più forti della sceneggiatura è l’introduzione del meteorite che causò l’estinzione di massa dei dinosauri. Nel cielo compare infatti una scia rossa che cresce progressivamente, inizialmente scambiata per una nave di soccorso. Lo scanner di Mills rivela invece la verità: si tratta della gigantesca meteora destinata a schiantarsi sulla Terra, l’evento che cambierà per sempre la storia del pianeta. Il legame con la vicenda è ancora più stretto: gli stessi frammenti che hanno colpito la nave di Mills provengono proprio da quella meteora, anticipando il disastro imminente. La scoperta trasforma la sopravvivenza dei protagonisti in una vera corsa contro il tempo.

Il trauma personale di Mills viene mostrato con forza. Dopo l’incidente, l’uomo appare quasi rassegnato alla morte: cancella il messaggio di soccorso, considera inutile continuare e arriva a pensare di togliersi la vita. La disperazione deriva dal peso della perdita della figlia Nevine, morta mentre lui era lontano per lavoro. Il trasporto dei passeggeri, infatti, era stato accettato da Mills per pagare le cure necessarie alla figlia, ma il tempo lo ha tradito. Nonostante i suoi sforzi, non è riuscito a salvarla e il senso di colpa lo divora. L’incontro con Koa cambia radicalmente le cose. La bambina, con la sua vitalità e il suo bisogno di protezione, diventa per lui un nuovo motivo per andare avanti, quasi una figlia surrogata.

La relazione tra i due protagonisti è al centro del film. All’inizio il rapporto è complicato: non parlano la stessa lingua, e questo genera incomprensioni, frustrazione e conflitti. Mills cerca di mantenere l’autorità, mentre Koa agisce spesso di testa propria, rischiando di compromettere la loro sicurezza. Col passare del tempo, però, le barriere si sciolgono. Un momento chiave è la scena in cui guardano insieme l’ologramma di Nevine: per Mills è un ricordo doloroso, per Koa un modo per conoscere meglio l’uomo che la protegge. Da quel momento, il loro legame si consolida, trasformandosi in una relazione autenticamente padre-figlia.

Parallelamente, il viaggio mette in mostra la brutalità del pianeta. I dinosauri, resi con grande efficacia visiva, sono solo una parte delle minacce. Ci sono insetti giganti, sabbie mobili, geyser bollenti, grotte instabili e campi di catrame pronti a inghiottire chi vi si avventura. L’ambiente stesso diventa nemico, rendendo ogni passo un rischio. Questa attenzione ai dettagli ambientali contribuisce a costruire un mondo ostile e immersivo, in cui lo spettatore percepisce costantemente la fragilità dei protagonisti.

Uno degli snodi emotivi più forti riguarda la menzogna che Mills racconta a Koa. Per motivarla durante il viaggio, le dice che i suoi genitori la aspettano vicino alla capsula di salvataggio. In realtà, sa bene che sono morti nello schianto. Quando la verità viene a galla, Koa si sente tradita e si ribella, arrivando a considerare inutile continuare senza di loro. Solo la confessione di Mills sul destino di Nevine riesce a ristabilire il loro legame. L’uomo le racconta il dolore della perdita e ammette che proteggerla è diventato per lui un modo per fare ciò che non ha potuto fare per sua figlia. Questa condivisione sincera permette a Koa di perdonarlo e di proseguire insieme a lui verso la salvezza.

La spiegazione del finale del film

Il climax del film concentra tutta la tensione accumulata. I frammenti della meteora cominciano a devastare la zona, minacciando di spazzare via ogni cosa. Mills e Koa raggiungono la capsula di salvataggio e avviano la sequenza di lancio, ma una frana causata dall’impatto li fa precipitare di nuovo. Sopravvissuti per miracolo, si ritrovano assediati da due enormi dinosauri. Mills tenta di distrarli, ma la sua arma smette di funzionare. Quando tutto sembra perduto, un ologramma di Nevine, mostrato da Koa, gli ridà la forza per combattere. Riesce a ferire i dinosauri, e uno di loro, urtando la capsula, la rimette in posizione di decollo.

Il pericolo, però, non è finito: uno dei dinosauri sopravvive e si scaglia nuovamente contro di loro. Mills decide di sacrificarsi attirandolo verso i geyser bollenti incontrati all’inizio del viaggio. Ferito e stremato, sembra destinato a soccombere, ma Koa interviene e con coraggio colpisce la bestia, spingendola definitivamente verso la morte. Questa sequenza suggella la crescita della bambina, che non è più soltanto una vittima da proteggere, ma una compagna capace di salvare la vita del suo “nuovo padre”.

Con la meteora ormai vicinissima, i due protagonisti riescono a decollare all’ultimo istante. Il film li mostra in fuga nello spazio, mentre la Terra viene colpita dalla gigantesca esplosione che segna la fine dei dinosauri e l’inizio di una nuova era. Il destino di Mills e Koa non viene mostrato esplicitamente, ma il fatto che siano diretti verso un punto di intercettazione lascia intendere che abbiano una reale possibilità di essere salvati. I titoli di coda completano il quadro, mostrando l’evoluzione del pianeta dopo l’impatto e la nascita della civiltà umana.

Il finale di 65 – Fuga dalla Terra è quindi duplice: da un lato, lo spettacolo visivo dell’estinzione dei dinosauri e della fuga disperata nello spazio; dall’altro, la conclusione emotiva del rapporto tra Mills e Koa. La loro unione, costruita passo dopo passo tra diffidenza, bugie e rivelazioni, diventa il cuore pulsante della storia. Mills trova una sorta di redenzione nel proteggere Koa, colmando simbolicamente il vuoto lasciato dalla perdita di sua figlia. Koa, dal canto suo, impara a fidarsi e a lottare, trasformandosi da bambina fragile a giovane sopravvissuta consapevole.

Oltre all’azione e all’avventura, il film invita a riflettere su temi universali: il dolore del lutto, la possibilità di trovare speranza anche nelle situazioni più disperate, la forza dei legami umani capaci di nascere anche tra individui inizialmente lontani e diffidenti. Il contrasto tra la tecnologia futuristica di Mills e la brutalità primitiva della Terra preistorica diventa il simbolo di una lotta più intima e personale: quella tra la rassegnazione e la volontà di andare avanti nonostante tutto.

In definitiva, 65 – Fuga dalla Terra è un film che unisce spettacolarità e intimità emotiva. Il suo finale, teso e adrenalinico, è al tempo stesso una chiusura catartica che regala ai protagonisti un barlume di speranza. Sopravvivere all’estinzione significa anche, per Mills e Koa, aver trovato un senso nuovo alla propria esistenza. Ed è proprio questo messaggio, più che le battaglie con i dinosauri, a restare impresso nello spettatore.

Oscura, adrenalinica e gotica, Underworld è una delle saghe più iconiche degli ultimi vent’anni. Nata nel 2003 con il primo film diretto da Len Wiseman, ha reinventato il fantasy-horror portando sul grande schermo un universo popolato da vampiri e licantropi impegnati in una guerra millenaria fatta di vendette, intrighi e passioni proibite. Il successo immediato al botteghino – e l’impatto estetico del look dark, delle scenografie e della fotografia blu-grigio – hanno trasformato Underworld in un cult capace di fondere azione e mitologia gotica in un racconto che mescola combattimenti spettacolari, politica dei clan e storie d’amore tormentate.

Protagonista assoluta è Selene, la guerriera vampira interpretata da Kate Beckinsale, che nel corso dei film diventa filo conduttore di un arco narrativo in continua evoluzione. Oggi i cinque capitoli della saga (più il cortometraggio animato Endless War) sono disponibili sulle principali piattaforme streaming, da Prime Video a Netflix, e continuano ad attrarre nuove generazioni di fan.

Tutti i film della saga Underworld

La serie cinematografica Underworld è composta da cinque lungometraggi live-action distribuiti tra il 2003 e il 2016, a cui si aggiunge il progetto animato Underworld: Endless War.

Underworld (2003)

Il film Underworld che dà il via alla saga introduce l’universo e i suoi codici: una guerra segreta e plurisecolare tra vampiri aristocratici e licantropi reietti. Selene, letale “death dealer” vampira, scopre che la battaglia non è così netta come le hanno sempre raccontato. Mentre dà la caccia ai licantropi incontra Michael, un medico umano che diventerà la chiave di un nuovo equilibrio di potere. Atmosfere gotiche, sparatorie coreografate e un’estetica che ha fatto scuola.

Underworld: Evolution (2006)

Underworld: Evolution, secondo capitolo diretto ancora da Len Wiseman, amplia il mito introducendo i primi vampiri Marcus e William. Selene e Michael sono in fuga mentre scoprono i segreti delle origini dei due clan. Più spettacolare e sanguigno del precedente, Evolution sposta il conflitto verso un piano quasi biblico, mettendo alla prova la relazione tra i protagonisti.

Underworld: La ribellione dei Lycans (2009)

Prequel che racconta la nascita dei licantropi liberi e la storia d’amore tra il loro leader Lucian (Michael Sheen) e Sonja (Rhona Mitra), figlia del potente vampiro Viktor (Bill Nighy). Ambientato secoli prima, svela le radici della guerra e introduce temi di oppressione e libertà, con atmosfere più medievali e un tono epico.

Underworld: Awakening – Il risveglio (2012)

Ritorno al presente Underworld: Awakening – Il risveglio: gli umani hanno scoperto l’esistenza di vampiri e licantropi e li sterminano. Selene si risveglia da un sonno criogenico in un mondo ostile, scoprendo di avere una figlia ibrida dotata di poteri unici. Inizia una corsa contro il tempo per salvarla e sfuggire alle forze militari che le danno la caccia.

Underworld: Blood Wars (2016)

Underworld: Blood Wars, quinto capitolo diretto da Anna Foerster. Selene, sempre più isolata, deve affrontare nuove fazioni e proteggere la figlia in un conflitto che deciderà il destino dei clan. Intrighi politici, nuove alleanze e un finale che apre a possibili sviluppi futuri chiudono provvisoriamente la saga live-action.

(Da segnalare anche i tre corti animati di Underworld: Endless War del 2011, che raccontano missioni di Selene in epoche diverse e colmano alcuni vuoti narrativi.)

I protagonisti della saga

Cuore pulsante di Underworld è Kate Beckinsale, che con Selene ha creato un’icona pop: la sua interpretazione fisica e intensa ha dato credibilità a un personaggio divenuto simbolo dell’action gotico. Al suo fianco Scott Speedman nel ruolo di Michael, umano trasformato in ibrido, e Michael Sheen, straordinario nel dare spessore al leader licantropo Lucian. Bill Nighy interpreta Viktor, il patriarca vampiro gelido e spietato; Rhona Mitra è Sonja nel prequel, mentre nei capitoli successivi entrano Theo James (David), Charles Dance (Thomas) e Lara Pulver (Semira), arricchendo la mitologia con nuovi personaggi e conflitti. L’alchimia tra questi interpreti – molti provenienti dal teatro inglese – ha contribuito a rendere credibile l’universo di Underworld, alternando carisma, pathos e azione.

A distanza di anni, la saga continua a essere citata e maratonata: un universo coerente e riconoscibile che, tra vampiri e licantropi, ha saputo raccontare potere, oppressione e amore impossibile, lasciando il segno nell’immaginario del cinema di genere.

Come guardare i film di Underworld: ordine di uscita o ordine cronologico?

Ordine di uscita nelle sale

È l’ordine originale pensato dai produttori e permette di scoprire la storia così come l’hanno conosciuta gli spettatori al cinema, con rivelazioni e colpi di scena distribuiti film dopo film:

1. Underworld (2003)

2. Underworld: Evolution (2006)

3. Underworld: La ribellione dei Lycans (2009 – prequel)

4. Underworld: Awakening – Il risveglio (2012)

5. Underworld: Blood Wars (2016)
   (+ il corto animato Underworld: Endless War del 2011, da vedere dopo i primi due film)

Ordine cronologico degli eventi

Se invece si vuole seguire la storia nell’ordine interno degli avvenimenti, iniziando dal prequel e poi proseguendo con i capitoli moderni, l’ordine diventa:

1. Underworld: La ribellione dei Lycans

2. Underworld

3. Underworld: Evolution

4. Underworld: Endless War (corto animato)

5. Underworld: Awakening – Il risveglio

6. Underworld: Blood Wars

Questo doppio percorso permette sia di rispettare la progressione narrativa originale (ordine di uscita) sia di ricostruire la cronologia interna dell’universo (ordine degli eventi), offrendo due esperienze diverse per maratonare l’intera saga.

Dove e come vedere la saga Underworld

Oggi i cinque film live-action di Underworld – Underworld, Underworld: Evolution, Underworld: La ribellione dei Lycans, Underworld: Awakening e Underworld: Blood Wars – insieme al corto animato Endless War sono disponibili in Italia su diverse piattaforme streaming. L’intera saga è attualmente inclusa nel catalogo Prime Video (dove ad ottobre 2025 è stata inserita in blocco) e si può trovare anche a noleggio o acquisto su Apple TV, Google TV, YouTube e Rakuten TV.

Per chi preferisce i supporti fisici, la serie è uscita in DVD e Blu-ray anche in box set completi con contenuti extra e scene tagliate. Ordinando i film secondo l’ordine cronologico interno – La ribellione dei Lycans, Underworld, Evolution, Awakening, Blood Wars – è possibile seguire l’arco narrativo completo. Per una prima maratona, invece, l’ordine di uscita al cinema restituisce meglio l’esperienza con cui è stata pensata la saga.

Underworld in streaming è disponibile sulle seguenti piattaforme: