Il Frankenstein di Guillermo del Toro continua il
trend di successo dell’iconica storia del mostro. Il film Netflix in uscita a novembre è un adattamento
dell’omonimo romanzo horror classico del 1818 di Mary Shelley. Il
prossimo Frankenstein vanta un cast stellare che include
Oscar
Isaac, Mia
Goth, Jacob
Elordi, Christoph
Waltz. Charles Dance, Christian Convery, Ralph Ineson.
Segna il primo rifacimento di un iconico mostro della Universal da
parte di del Toro dopo il suo film vincitore dell’Oscar del 2017,
La forma dell’acqua, ispirato a Il mostro della laguna
nera del 1954.
Secondo FilmRatings.com, Frankenstein di Guillermo del
Toro ha ricevuto una classificazione MPA di R, che continua la
tendenza moderna di adattamenti del romanzo originale di Mary
Shelley sempre più grafici, violenti e per adulti. La maggior parte
dei primi adattamenti o continuazioni più noti del classico
letterario sono classificati PG, PG-13 o Approved (nel periodo
pre-MPA/MPAA), tra cui il film del 1931 con Boris Karloff, La
moglie di Frankenstein del 1935 (che vedeva Karloff tornare al
fianco di Elsa Lanchester) e La maledizione di Frankenstein del
1957 (con Christopher Lee e Peter Cushing).
Cosa significa questo per
Frankenstein di Guillermo del Toro
Continua anche una tendenza per
il regista
La tendenza seguita dal nuovo film
di Guillermo del Toro non ha iniziato a prendere piede fino agli
anni ’70, che hanno visto l’uscita di una serie di film su
Frankenstein classificati R, tra cui The Horror of Frankenstein
della Hammer, il film blaxploitation Blackenstein e il controverso
Flesh for Frankenstein di Paul Morrissey. Da allora, tra film per
famiglie come Hotel Transylvania, Frankenweenie e The Monster
Squad, hanno iniziato a spuntare sempre più adattamenti vietati
ai minori, tra cui quello di Kenneth Branagh del 1994, il film
di Roger Corman del 1990 Frankenstein Unbound e l’adattamento di
Bernard Rose del 2015 con Xavier Samuel e Carrie-Anne Moss.
Mary Shelley’s Frankenstein
del 1994 vantava un cast stellare che includeva Branagh, Robert De
Niro, Helena Bonham Carter, Ian Holm, John Cleese e Aidan
Quinn.
Questa classificazione ha senso
perché i film di Guillermo del Toro tendono a fondere elementi
fantasy con una realtà raccapricciante. Sebbene abbia realizzato
film classificati PG e PG-13, la maggior parte della sua
produzione è stata classificata R, con Frankenstein che
è diventato il suo nono film su 13 a ottenere tale classificazione.
Gli altri suoi film classificati R sono Cronos (il suo film
d’esordio), Mimic, Il dorso del diavolo, Blade
II, Il labirinto del fauno, Crimson Peak, La
forma dell’acqua e Nightmare Alley.
Stephen Lang, che
ha interpretato Norman Nordstrom, alias il Cieco, in Man in
the Dark 3 e nel suo sequel, offre un aggiornamento
speranzoso sul futuro della serie di film. Nonostante circolino
voci su un terzo film, Man in the Dark 3 (Don’t Breathe 3)
rimane ancora senza conferma. Dopo aver recitato nel
film horror d’azione del 2021, Lang sarà protagonista del nuovo
thriller Barron’s Cove, al fianco di Tramell Tillman,
Garrett Hedlund, Brittany Snow e altri. Si prevede inoltre che
riprenderà il ruolo dell’antagonista principale, il colonnello
Miles Quaritch, nel prossimo Avatar: Fire and Ash.
In un’intervista con Grant Hermanns
di ScreenRant su Barron’s Cove, in uscita in alcuni
cinema e in VOD il 6 giugno, Lang ha fornito un aggiornamento su un
potenziale terzo film. L’attore ha rivelato che “c’è
un’idea” e anche se ci sono stati alcuni “passi
indietro” nello sviluppo, negli ultimi mesi ci sono stati
“alcuni piccoli progressi”. Ha inoltre chiarito che
volevano che il terzo film fosse “qualcosa di veramente
completo” e diverso, il che rende difficile il lavoro. Leggi il
suo commento qui sotto:
Beh, c’è stato un po’ di
regresso per un po’. Ma penso che sia possibile che le cose vadano
avanti. Penso che ci sia un’idea. È una cosa difficile, il punto
centrale tra Fede, Rodo e me è che se vogliamo fare un altro film,
dovrà competere con Don’t Breathe e Don’t Breathe 2, entrambi molto
diversi. Non può essere un’imitazione, deve essere qualcosa di
davvero completo, ed è difficile da trovare. Sono ragazzi molto
intelligenti, ma sono stati molto impegnati con molte cose. Sono
molto richiesti, quindi è difficile, ma ho parlato con loro negli
ultimi due mesi e ci sono stati dei piccoli progressi. Spero che lo
faremo, perché mi piacerebbe davvero uccidere il vecchio avvoltoio.
[Ride]
Cosa significa questo per
Man in the Dark 3
Sebbene le notizie sul
potenziale terzo film di Don’t Breathe siano scarse, la
dichiarazione di Lang rivela che il progetto è in fase di sviluppo
attivo. L’attore, entusiasta di riprendere il suo ruolo in futuro,
anticipa che il terzo capitoloè ancora in fase iniziale
e potrebbe essere l’ultimo della serie, anche se nulla è
ancora definitivo. La mancanza di aggiornamenti concreti potrebbe
essere dovuta allo sforzo creativo che si sta facendo dietro le
quinte.
Sembra che il terzo film abbia
incontrato alcune difficoltà con il concept. Tra gli impegni dei
registi e sceneggiatori Fede Álvarez e Rodo Sayagues e la direzione
del film, il processo creativo non è stato facile. Tuttavia,
l’attore rimane ottimista sul prossimo progetto e indica che è
“possibile” che le cose inizino a muoversi dopo aver definito il
concept.
Il co-regista Josh Wassung ha fatto
luce sulla creazione dei tre diversi Predator che combattono gli
umani attraverso il tempo nell’antologia animata Predator: Killer of Killers. In un seguito
spirituale di Prey di Dan
Trachtenberg, che vedeva una variante più primitiva del Predator
massacrare i guerrieri Comanche nelle Grandi Pianure nel 1700,
Predator: Killer of Killers mette nuove varianti del
Predator contro altre culture guerriere della storia umana. I tre
guerrieri umani presenti nel film sono un signore della guerra
vichingo del IX secolo, un samurai giapponese del XVII secolo e un
pilota di caccia della Seconda Guerra Mondiale, ognuno dei quali
affronta una variante di Predator completamente diversa.
Durante un’intervista con Joe
Deckelmeier di ScreenRant condotta in occasione dell’uscita
di Predator: Killer of Killers, il co-regista Josh Wassung
ha fornito alcune informazioni su come sono stati scelti i diversi
Predator per le rispettive storie. Ogni variante ha una corporatura
diversa e un arsenale diverso, anche se il concetto generale di
caccia basata principalmente sul calore rimane lo stesso in tutto
il film. Parlando con
ScreenRant ai co-registi Dan Trachtenberg e Josh Wassung è
stato chesto di commentare le varianti di Predator:
Josh Wassung:Per
noi era davvero importante trovare l’abbinamento giusto perché, da
un lato, non volevamo che il Predator sembrasse vestito come quella
cultura. Per noi era molto, molto, molto importante che non
indossassero un costume. Detto questo,avevamo bisogno di
una buona metafora, di un buon abbinamento per questi
nemici. Alec Gillis e il reparto artistico hanno fatto
un lavoro incredibile e hanno proposto tantissime opzioni. Ci hanno
detto: “Oh, quel colosso deve stare con i vichinghi e questo tizio
è davvero tosto. È come se fosse vivo, ma è una specie di ninja,
anche se non lo è”. Ci hanno parlato e così siamo riusciti a
inserirli nei rispettivi capitoli.
Cosa significano i commenti
di Josh Wassung per il franchise di Predator
Come ha osservato Wassung, la
parte più importante per ottenere le varianti di Predator giuste
per le rispettive storie era assicurarsi che fossero avversari
divertenti senza imitare i loro omologhi umani. Una parte
importante di questo era garantire che, nonostante le armi molto
più avanzate,gli stili di combattimento dei Predator
riflettessero quelli dei loro nemiciumani. Ad esempio,
il Predator che combatte contro il samurai giapponese fa
affidamento sul suo camuffamento più delle altre varianti, proprio
come farebbe un ninja. Al contrario, il Predator vichingo è meno
abile ma travolge con la sua forza e la sua stazza, proprio come
facevano i guerrieri vichinghi con i loro avversari.
La storia di Josh Wassung come
maestro degli effetti visivi è stata sicuramente apprezzata in
Predator: Killer of Killers; Wassung ha lavorato alla serie
drammatica della Apple
TV+ ambientata durante la Seconda guerra mondiale Masters of
the Air, il che spiega perché quel capitolo dell’antologia fosse
così impressionante dal punto di vista visivo.
L’abbinamento dei Predator ai
loro avversari rimanda in realtà a un concetto interessante su come
viene scelta la preda. Un estratto dal Codice Yautja mostrato
all’inizio di Killer of Killers indica che i Predator cercano la
“preda più forte”, ma sembra che ci sia qualcosa di più.Invece di cercare semplicemente i nemici più forti, i
Predator potrebbero selezionare specificamente avversari il cui
stile di combattimento riflette il loro, rendendoli così
più difficili da uccidere. I Predator e i guerrieri umani si
rispecchiano l’uno nell’altro, ed è per questo che le battaglie
funzionano così bene nel film.
Il creatore di John
Wick, Chad Stahelski, spiega perché le scene
d’azione dei supereroi spesso non riescono a raggiungere il loro
pieno potenziale nei film della Marvel e della DC. I film
Marvel e DC hanno presentato decine di scene d’azione che vanno da
sequenze di combattimento ordinarie a battaglie straordinarie come
l’intensa scena finale di Avengers:
Endgame e il combattimento nel magazzino di Batman in
Batman v Superman: Dawn of
Justice. Tuttavia, le scene d’azione nel genere dei
supereroi non sono note per la loro coerenza.
In un’intervista con THR, il creatore e regista di John Wick Chad
Stahelski esprime la sua opinione sullo stato attuale delle scene
d’azione a Hollywood. Stahelski spiega che la chiave per creare
sequenze d’azione solide sta nel garantire un equilibrio tra
storia, spettacolo e innovazione. Stahelski menziona
specificamente i film di supereroi e sottolinea che il genere
spesso si affida a registi di seconda unità che si occupano delle
scene d’azione, il che causa una chiara disconnessione tra l’azione
e la trama all’interno di ogni film. Leggi i commenti completi
di Chad Stahelski qui sotto:
THR: Quali sono gli errori più
grandi che i film d’azione sembrano commettere quando guardi altri
film?
Chad Stahelski:Per favore, assicurati di riportare questo: questa è solo la mia
opinione e la mia opinione non è migliore o peggiore di quella di
chiunque altro. Alcune cose che secondo me non funzionano
potrebbero funzionare per alcune persone. È tutta una questione di
esecuzione. Come in Die Hard. Non c’è molta azione, l’intera
vicenda si svolge su tre piani di un edificio, ma John McClane è un
personaggio fantastico. Quando corre a piedi nudi attraverso il
vetro, mi fa impazzire: è quello che bisogna fare. Potrei fare
esattamente la stessa coreografia di John Wick, ma se non amaste
Keanu Reeves nei panni di John Wick, non saremmo qui a parlare. Ci
sono atleti migliori di Jackie Chan…
THR: Ma noi adoriamo Jackie
Chan.
Chad Stahelski:Lo
adori, cazzo! Per molto tempo, [il consenso dell’industria] era:
“Non è l’azione che conta, è la storia”. Non è vero. Poi è
arrivato: “Non è la storia che conta, è l’azione”. Non è vero! Devi
concepire il tutto insieme.
Quindi il problema più grande
dei film d’azione è che la gente pensa che si tratti di due film
separati. La storia non si ferma solo perché ci sono pugni e calci.
In alcuni film di supereroi, quando un membro della seconda unità
gira metà del film, durante l’azione tutto sembra diverso. Anche i
colori e il montaggio sono diversi. [Il film] non sembra mai
coerente. Quindi, se non vuoi girare le tue scene d’azione, non
fare il film. Che si tratti di Steven Spielberg, Christopher Nolan, Guy Ritchie o dei
Wachowski, tutti girano le loro scene d’azione.
Cosa significano i commenti
sulle scene d’azione del regista di John Wick, Chad
Stahelski
Come spiega Chad Stahelski,le scene d’azione ben riuscite sono visivamente accattivanti,
servono alla storia e mantengono lo stesso stile del resto del
film. Ad esempio, la battaglia finale di Captain
America: Civil War offre un climax emozionante alle tensioni tra
Iron Man, Captain America e il Soldato d’Inverno. Inoltre, sfrutta
al meglio le abilità e le tecniche di combattimento di ciascun eroe
e mostra lo stesso stile di regia del resto del film. Fa anche un
passo in più e rende omaggio al materiale originale con un
riferimento ai fumetti di Civil War.
Detto questo, lo scontro di
Captain America: Civil War è stata pianificata il giorno stesso
delle riprese, il che fa sembrare la sua alta qualità un mix di
talento dietro le quinte e pura fortuna. Altre scene d’azione
dell’MCU, come la distruzione della Red Room in Black Widow e la
battaglia finale in Black Panther, falliscono in almeno uno dei tre
aspetti menzionati da Chad Stahelski.
La regista Lucrecia Martel ha
rivelato una volta che era in lizza per dirigere Black Widow, ma ha
rinunciato perché “le aziende sono interessate alle registe donne,
ma continuano a pensare che le scene d’azione siano per i registi
uomini”, suggerendo che le scene d’azione di Black Widow
siano state relegate ai registi della seconda unità.
In copertina. Chad Stahelski arriva
alla premiere di Los Angeles del film della Lionsgate “John Wick:
Chapter 4”. Foto di Image Press Agency via DepositPhotos.com
La seconda stagione di
“Criminal Code” di Netflix
si conclude con Suellen e Benicio che escogitano un modo per
ostacolare le ambizioni di Isaac, trovando anche una sorta di
redenzione personale. Dopo aver trascorso gran parte della
narrazione un passo indietro rispetto a ogni mossa di Isaac, gli
ultimi momenti ribaltano la situazione a danno del leader della
Ghost Gang, che si trova ad affrontare problemi che vanno
dall’esistenziale al personale. Tuttavia, nonostante gli sforzi del
nostro duo protagonista, catturare Isaac e la sua banda di ladri si
rivela un compito arduo che costringe tutti a dare il meglio di sé.
Alla fine, tutto culmina in un epico scontro dalle conseguenze
immense, in cui vengono alla ribalta rivalità vecchie e nuove,
lasciandoci con uno scenario aperto che potrebbe avere ulteriori
implicazioni in futuro.
Cosa succede nella seconda
stagione di Criminal Code
Come previsto, in Criminal
Code – Stagione 2 inizia con la squadra della polizia
federale guidata da Rossi alle prese con le conseguenze del finale
della prima stagione. A tal fine, Suellen, Benicio e gli altri
tengono d’occhio i membri della malavita nel tentativo di ottenere
maggiori informazioni sulla sfuggente Ghost Gang guidata da Isaac e
dall’Ambasciatore. Nonostante abbiano un’idea abbastanza chiara che
la banda sia impegnata a pianificare la sua prossima mossa, Suellen
e Benicio non hanno modo di intervenire a meno che non ottengano un
quadro completo della situazione e della disposizione delle forze
in campo. Purtroppo, questo è un lusso che non possono permettersi,
poiché Isaac, suo fratello Gabriel e il loro stretto collaboratore
Lobo sono già in movimento con un grande piano di rapina, che ha
come obiettivo la Banca Centrale di Fortaleza. Sebbene le autorità
arrivino in tempo per opporre resistenza, i rapinatori riescono a
superare le barricate e a fuggire.
Durante la fuga, il Professore
(Assuncao) viene ucciso da un membro ribelle della banda di nome
Xuxa. La sua morte ha un effetto sconvolgente su Suellen e Benicio,
soprattutto perché la prima è responsabile di aver permesso al
Professore di partecipare alle operazioni sul campo. Come nuovo
capo della squadra, Suellen si assume una responsabilità ancora
maggiore per la morte del Professore e si impegna a consegnare
Isaac e la sua banda alla giustizia, vendicandosi anche di Xuxa.
L’omicidio del Professore mette in moto una serie di eventi a
catena che portano Rossi a perdere la sua autorità nell’ufficio,
poiché i vertici della Polizia Federale perdono fiducia nella sua
capacità di ottenere risultati e mitigare errori costosi. Al suo
posto, l’ispettore Vendramin viene nominato nuovo responsabile del
dipartimento, mentre Rossi viene retrocesso a vice sceriffo.
Determinati a fare un passo avanti,
Suellen e Benicio iniziano a seguire le tracce di Xuxa per
avvicinarsi a Isaac e alla sua banda. Scoprono che si incontra
spesso con prostitute in una zona malfamata della città e
utilizzano questa informazione per rintracciarlo. La ricerca li
conduce infine allo strip club Shangri-La. Durante un appostamento,
vedono Xuxa aggirarsi nei pressi del locale e decidono di agire.
Dopo un intenso inseguimento, riescono ad arrestarlo, catturando
così il responsabile dell’omicidio del professore. Tuttavia, lui
rivela che nel tentativo di catturarlo, hanno completamente perso
di vista Isaac, che in quel momento si trovava anche lui
all’interno dello Shangri-La. Successivamente, Suellen chiede a
Luana, una prostituta e informatrice part-time di Benicio, di
infiltrarsi nello Shangri-La per scoprire di più sulla Ghost
Gang.
La spiegazione del finale di
Criminal Code – Stagione 2: come Suellen e Benicio sventano i piani
di Isaac?
Durante tutta Criminal Code
– Stagione 2, Suellen adotta una vasta gamma di approcci
per mettere Isaac alle strette, ma i suoi sforzi sono vani.
Qualunque cosa provi, il Fantasma si rivela una figura sfuggente
che ha la fortuna dalla sua parte. Tuttavia, con ogni incidente,
lei si avvicina sempre più a fargli commettere un grave errore, che
alla fine accade quando una delle sue rapine va storta, nonostante
lui riesca a mettere le mani sulla maggior parte dei gioielli di
valore. Durante la rapina a Vera Cruz, Suellen e Benicio, insieme
al resto della polizia federale, mettono in atto una strategia
aggressiva contro la banda di Isaac. Mentre questi tentano la fuga,
i poliziotti li seguono fino al loro magazzino, che diventa
immediatamente teatro di nuovi scontri. Alla fine della
colluttazione, Suellen infligge un duro colpo a Isaac uccidendo
Gabriel, costringendolo a limitare le perdite nonostante sia
profondamente colpito.
Dopo la perdita di Gabriel, Isaac
teme che le sue possibilità di sfuggire alla polizia siano scarse.
Inoltre, è profondamente ferito dalla morte di Gabriel, al punto da
avere dei flashback sul loro ingresso nel mondo dei ladri
professionisti. Di conseguenza, inizia a pensare ad altri modi per
fare fortuna senza tornare al mondo delle rapine. Tuttavia,
l’ambasciatore è un ostacolo significativo sulla strada verso la
realizzazione dei suoi sogni. Per questo motivo, cospira con
Djeison per uccidere l’ambasciatore, una mossa audace che avrà
immense ripercussioni sul resto della narrazione per tutti i
personaggi coinvolti. Dopo aver ucciso l’ambasciatore, Isaac inizia
a lavorare con Cabeca per entrare nell’impero della droga, che è
una soluzione alla sua attuale situazione difficile e anche un modo
per fare un ultimo tentativo di successo per ottenere denaro.
Nelle ultime puntate di
Criminal Code – Stagione 2, Isaac e Soulless si
preparano per un ingente traffico di cocaina nel porto di Santos.
Arrivano lì con l’obiettivo preciso di prendere il controllo delle
attività commerciali dell’ambasciatore senza intoppi. Tuttavia,
Benicio e Suellen li rintracciano al porto, dove scoppia una lotta
epica tra le autorità e i criminali. Entrambe le parti aprono il
fuoco mentre alcuni cercano di fuggire. Durante la battaglia,
Benicio lascia Suellen alle spalle per occuparsi di Soulless,
ossessionato dalla sua vendetta personale contro l’uomo. Nel
frattempo, Suellen uccide Lobo, l’amico di Isaac, che non ha altra
scelta che fuggire. Le autorità sequestrano così tutto il carico di
cocaina dal porto, che viene poi pubblicizzato come una vittoria
della Polizia Federale.
Soulless muore? Cosa significa
questo per Benicio?
Mentre Suellen deve affrontare
Isaac e Lobo da sola, Benicio insegue Soulless fino alla riva del
fiume con l’unico scopo di rimandarlo in prigione. È innegabile che
i due abbiano una rivalità speciale a causa di tutto ciò che è
successo nella prima stagione (Soulless ha ucciso Santos, il
precedente partner di Benicio). Di conseguenza, la tensione tra
loro è spesso tale da poter essere tagliata con un coltello
affilato. Una volta che Benicio mette Soulless alle strette vicino
allo specchio d’acqua, i due hanno un confronto verbale. Mentre il
primo è determinato a rimandare il suo avversario in prigione, dove
secondo lui è il suo posto, il secondo afferma che tutto ciò che
sta facendo, giusto o sbagliato che sia, è in nome di una nobile
causa: la sua famiglia. Di conseguenza, il combattimento uno contro
uno che ne segue è intenso e carico di alta tensione.
All’inizio dello scontro, sembrano
alla pari in termini di forza fisica. Tuttavia, man mano che il
fango intorno a loro inizia a dare i suoi effetti, Benicio perde
l’iniziativa nella battaglia e viene progressivamente dominato da
Soulless. Quest’ultimo ne approfitta e si prepara per una mossa
finale per strangolare il suo rivale e porre fine alla sua vita.
All’ultimo secondo, Benicio riesce a liberarsi dalla sua presa
pugnalando Soulless, che viene colto alla sprovvista dall’attacco a
sorpresa. Successivamente, si sdraia nel fango, mentre la sua vita
lentamente si spegne e Benicio finalmente riacquista l’equilibrio.
Soulless consegna a Benicio il ciondolo che porta al collo,
esortando il suo rivale a darlo a suo figlio una volta che sarà
morto. Nonostante abbia trionfato sul suo nemico, Benicio è
sopraffatto dall’emozione mentre guarda Soulless chiudere gli
occhi.
Le ultime parole di Soulless hanno
chiaramente un profondo effetto su Benicio, che deve provare un
senso di affinità a causa del suo rapporto conflittuale con suo
figlio Samuel. Durante tutta la seconda stagione vediamo che
Benicio fatica a entrare in contatto con Samuel, nonostante dedichi
parte della sua giornata a fare cose con lui. Pertanto, sentire
Soulless chiedergli di consegnare la sua collana al proprio figlio
deve scatenare un senso di tristezza nel protagonista, facendogli
capire che, dopotutto, non è così diverso dal suo rivale. Infatti,
sebbene siano su fronti opposti della legge, entrambi dimostrano
ripetutamente la stessa adesione alla giustizia, a modo loro. A tal
fine, il personaggio di Soulless mette in luce la complessità degli
esseri umani e come le persone che fanno cose cattive possano anche
avere dei lati positivi, cosa che viene ulteriormente esemplificata
quando incontra la sua fine.
Cosa succede a Isaac?
Sebbene alla fine la Polizia
Federale riesca a riaffermare il proprio controllo, il suo lavoro è
lungi dall’essere concluso, poiché Isaac riesce a fuggire. Dopo lo
scontro al porto di Santos, Isaac si rifugia in un nascondiglio
dove recupera una scorta nascosta di denaro, armi e provviste
necessarie per ricominciare da zero. A tal fine, decide di
mantenere un profilo basso, riuscendo a non farsi notare dalla
polizia. Nel frattempo, i media credono che la Polizia Federale
abbia ottenuto una grande vittoria, anche se alcuni membri delle
forze dell’ordine, come Suellen e Benicio, sanno che i risultati
ottenuti sono solo la metà di quelli pubblicizzati. Ciò diventa
ancora più evidente quando vediamo Isaac presentarsi alla porta di
Italio nelle ultime puntate della stagione, il che significa che ha
stretto una nuova alleanza con l’uomo.
All’inizio di Criminal Code
– Stagione 2, Isaac considera indegno di sé ricorrere
all’aiuto di qualcuno come Italio, che chiama “Playboy” per via del
suo stile di vita lussuoso e della sua mancanza di serietà. Quando
Italio interviene per sostenere Isaac dopo l’omicidio
dell’ambasciatore, il leader della Ghost Gang pensa che avrebbe
dovuto rivolgersi a partner migliori. Tuttavia, alla fine, queste
opzioni sono completamente fuori discussione a causa degli occhi
della Polizia Federale puntati su di lui. Pertanto, è logico che
Isaac metta da parte il suo orgoglio e decida di collaborare con
Italio, indicando che ora ha un potente benefattore che lo aiuta a
ritrovare il suo posto nel mondo della malavita. Questo lascia
spazio a ulteriori sviluppi nella terza stagione, che
inevitabilmente vedrà altri scontri tra le autorità e Isaac.
Cabeca è il nuovo
ambasciatore?
La morte dell’ambasciatore è uno
dei grandi colpi di scena della seconda stagione di “Criminal
Code”. Dopo aver svolto un ruolo così importante nella prima
stagione e in gran parte della seconda, l’ambasciatore sembra un
personaggio intoccabile che esercita un’enorme influenza e potere
sugli altri. Tuttavia, la seconda stagione dimostra che nessuno è
al sicuro da individui ambiziosi che cercano sempre di abbattere
chi detiene il potere. L’ambasciatore lo scopre a sue spese, con
Greco che fa pressione su di lui da un lato e perdendo il controllo
su Isaac e gli altri dall’altro. Successivamente, viene eliminato
da Isaac e dal suo braccio destro, Djuisen, che si alleano alle sue
spalle per metterlo fuori gioco. Di conseguenza, si crea un enorme
vuoto di potere e Isaac cerca di conquistarlo con l’aiuto di altri,
come Cabeca.
All’inizio di Criminal Code
– Stagione 2, Cabeca è il capo del penitenziario di Sao
Paolo Avare, una posizione di notevole peso che gli conferisce un
grande potere all’interno della prigione. Tuttavia, alla fine,
diventa ancora più potente perché assume praticamente la posizione
dell’ambasciatore come leader della sua organizzazione, il che
significa che è, per molti versi, il nuovo ambasciatore. Questo
significa che ora è lui a occuparsi delle operazioni di droga che
prima erano di competenza dell’Ambasciatore. Inoltre, con Isaac
nascosto, Cabeca ha carta bianca per fare ciò che vuole con il suo
nuovo potere, il che lo rende una minaccia formidabile per il
futuro. Pertanto, la sua cattura e quella di Isaac costituiranno
probabilmente la parte principale della trama di una potenziale
terza stagione, che continuerà la lotta di Suellen e Benicio contro
il crimine organizzato sia all’interno che all’esterno dei loro
quartieri.
Sara: Woman in the Shadows,
una nuova serie crime drama di Netflix,
segue le vicende di un’ex agente segreta che si muove in un mondo
fatto di corruzione, segreti e pericolo alla ricerca di giustizia
per il figlio assassinato. In sei episodi, la serie approfondisce i
temi della perdita e del tradimento, mentre Sara combatte contro un
sistema corrotto.
Il finale di Sara: Woman in the
Shadows rivela la verità dietro la morte del figlio di Sara,
Giorgio. Per anni, Sara ha vissuto immersa nel dolore e in una
ricerca incessante di giustizia, convinta che l’incidente d’auto
che ha causato la morte di suo figlio fosse una tragica
coincidenza. Tuttavia, le sue indagini rivelano una verità molto
più oscura. Ecco come la serie risponde alle domande più
importanti.
Cosa scopriamo su Ludovico
Terzani
Ludovico Terzani, un rispettato
medico della città, è stato ufficialmente dichiarato responsabile
dell’incidente stradale in cui è morto Giorgio.
La polizia ha classificato il caso
come incidente, ma Sara si è rifiutata di accettare questa
versione. A poco a poco, attraverso indagini e controlli
incrociati, Sara ha scoperto che Ludovico era coinvolto in un
intricato complotto personale: aveva una relazione extraconiugale
con Silvia Prati, una donna che era stata l’amante di Giorgio. La
relazione tra Ludovico e Silvia ha scatenato un rancore mortale:
Ludovico temeva che Giorgio potesse rivelare la relazione e
rovinare la sua reputazione.
Nel primo episodio, Sara ottiene le
prove che dimostrano che la morte di Giorgio in un incidente
stradale con omissione di soccorso non è stata accidentale, ma un
atto premeditato da Ludovico, che ha usato la sua influenza per
cercare di insabbiare il caso. Tuttavia, non avendo prove legali
sufficienti per incriminarlo formalmente e con la polizia che
insabbia il caso, Sara decide di farsi giustizia da sola.
Nel corso della serie, diventa
chiaro che la corruzione e la collusione tra le autorità di polizia
e personaggi influenti impediscono che la verità venga a galla.
Ludovico ha contatti potenti ed è riuscito a manipolare le indagini
per far sembrare l’incidente un caso fortuito. La morte di Giorgio
è servita a proteggere interessi più grandi, come contratti e
relazioni politiche tra le famiglie influenti della città.
La vendetta di
Sara
Nell’ultimo episodio, Sara affronta
Ludovico. Con la stessa freddezza con cui lui le ha portato via suo
figlio, Sara mette in atto la sua vendetta e lo uccide,
assicurandosi che paghi per il crimine commesso. Questo gesto
trasforma Sara in una giustiziera, una donna che infrange leggi
corrotte e un sistema marcio per ottenere giustizia a modo suo.
Sara non è l’unico personaggio
della serie che incarna la resistenza in un mondo che le nega
costantemente giustizia. Anche Teresa, amica di Sara dai tempi in
cui era un’agente segreta, ha deciso di prendere in mano la
situazione dopo aver perso una persona cara a causa di un sistema
corrotto. Il marito di Teresa, Sergio, è stato ucciso dal mafioso
Enrico Vigilante, che le autorità hanno smesso di cercare a causa
di questioni politiche interne.
Spinte dal dolore, entrambe le
donne hanno scelto di agire da sole, al di fuori della legge,
diventando vendicatrici implacabili. Teresa non esita a dare il
colpo di grazia a Vigilante, mentre Sara usa la sua intelligenza e
le sue abilità per smascherare il gioco sporco che si cela dietro
l’omicidio di suo figlio. Entrambe assumono il ruolo che le
istituzioni non sono riuscite a svolgere: proteggere gli innocenti
e punire i colpevoli.
L’eredità
invisibile
Alla fine, Sara riceve un ultimo
dono cruciale dal suo mentore, Massimiliano: un CD con un messaggio
enigmatico. Più che un semplice file, è un invito all’azione, un
promemoria che la lotta alla corruzione non è finita con la sua
morte.
La serie chiude la trama principale
con la morte di Vigilante e la rivelazione della verità
sull’omicidio di Sergio. Ma le ombre rimangono: la corruzione è
ancora viva e Sara e Teresa assumono il ruolo di guardiane di un
mondo che non offre loro alcuna protezione.
E così, Sara – Woman in
the Shadows si conclude con la promessa che
finché esisterà l’ingiustizia, ci saranno persone disposte a
combatterla e che la vera giustizia nasce nelle mani di coloro che
rifiutano di arrendersi.
Gli spettatori non hanno certo
l’imbarazzo della scelta quando si tratta di serie televisive
ambientate in ospedale, ma New Amsterdam è ormai
da tempo una delle preferite dai fan. La serie segue le vicende del
dottor Max Goodwin (Ryan
Eggold), direttore sanitario di uno degli ospedali più antichi
del Paese, e le innumerevoli vicissitudini professionali e
personali che accompagnano il suo lavoro. Nota per le sue relazioni
romantiche e il suo cuore familiare, la cancellazione dello show è
stata una sorpresa non solo per i fan, ma anche per i creatori. Con
una reputazione così forte tra i fan, la quinta stagione è
l’occasione per i personaggi di ottenere il finale che
meritano.
Le trame della quinta stagione di
New Amsterdam hanno già entusiasmato i fan e, per la maggior parte,
il piano di puntare in grande o rinunciare sta producendo risultati
soddisfacenti. Con il finale di stagione che offre ai fan molte
risposte su cosa succederà a Max, Luna e al resto dello staff di
New Amsterdam, c’è ancora molto spazio per interpretare dove
potrebbe portarli il futuro. Anche se la serie giunge al termine,
almeno per ora, non c’è motivo di pensare che non rivedremo mai più
i nostri personaggi preferiti. Ecco cosa c’è da sapere sul finale
della quinta stagione di “New Amsterdam”. Attenzione: spoiler in
arrivo.
Il finale è vago per un
motivo
Sebbene i fan abbiano iniziato la
quinta stagione sapendo che “New Amsterdam” sarebbe terminato
presto, la storia è rimasta aperta. Sebbene il percorso di ciascuno
dei nostri personaggi principali sia stato concluso in modo
ordinato con risposte definitive, c’è abbastanza margine di manovra
per interpretare ciò che potrebbe accadere in futuro. L’esempio più
chiaro è Max, che sta per intraprendere una nuova avventura dopo
aver ricevuto una nuova offerta di lavoro. Il produttore esecutivo
David Schulner e il regista Peter Horton affermano che la vaghezza
è fondamentale per ciò che volevano dire sulle relazioni di Max con
sua figlia ed Elizabeth.
Parlando con TV Line, Horton ha
spiegato: “Amiamo molto l’ambiguità e volevamo lasciare un po’ in
sospeso la questione del suo rapporto con [Elizabeth] Wilder. Con
[Max] che le dà le chiavi del New Amsterdam, è chiaro che in questo
momento non stanno insieme. Lui sta partendo per Ginevra con sua
figlia. Sono ancora innamorati, ma il futuro è ambiguo e volevamo
lasciare questo tono”. Questa decisione non solo dà ai fan molti
spunti di speculazione, ma non fornendo una risposta chiara apre la
serie a potenziali reboot e spin-off.
Max ha gatti più grossi da
pelare
Essendo il personaggio più centrale
del finale della quinta stagione, l’azione di “New Amsterdam” ruota
attorno alle decisioni personali di Max. Non solo Max lascia
l’ospedale per lavorare per l’Organizzazione Mondiale della Sanità,
ma l’episodio finale riguarda il suo futuro romantico con Elizabeth
Wilder. Con l’episodio strutturato in modo da seguire il suo ultimo
giorno in ospedale, non è un segreto che i fan si stiano preparando
all’addio sin dall’inizio della stagione. Dopo il dramma della
quarta stagione con la dottoressa Helen Sharpe, il fatto che la
quinta stagione di Max lo prepari a cambiare completamente vita ha
perfettamente senso. La sorpresa più grande sarà probabilmente
vedere Max giocare con due donne diverse in un modo nuovo: questa
volta, la sua fiamma della quinta stagione contro sua figlia.
Come vediamo nel corso
dell’episodio, alla fine è sua figlia Luna ad avere la meglio. È un
punto di svolta per l’evoluzione del personaggio di Max, che
riconosce che costruire una buona relazione a lungo termine con
Luna deve venire prima di qualsiasi altra cosa. Anche se alcuni fan
hanno definito il suo comportamento passato fastidioso e
irrealistico, questo nuovo senso di stabilità è forse la direzione
migliore per mandare Max per la sua strada. Allo stesso tempo, il
finale incompiuto tra lui ed Elizabeth lascia spazio a un
potenziale ritorno, anche se la fine della loro relazione mostra un
senso di crescita e maturità.
Il futuro di Luna viene
rivelato
Mentre la maggior parte delle
stagioni di “New Amsterdam” seguono una linea temporale lineare nel
presente, il finale della quinta stagione decide di fare le cose in
modo diverso. Alternando il presente e un futuro non troppo
lontano, l’episodio offre agli spettatori alcuni scorci di una
donna sconosciuta, anche se il suo nome non viene mai menzionato
nella conversazione. Alla fine dell’episodio, viene rivelato il suo
legame con il resto della trama: la donna è Luna nel futuro,
tornata in ospedale per prendere il posto di suo padre. È un finale
che alcuni fan non si aspettavano, che amplia l’universo di “New
Amsterdam” in un modo che potrebbe portare a infinite possibilità.
Nello spirito dei nuovi inizi, non è troppo azzardato pensare che
questa trama potrebbe avere lo stesso impatto che “Private
Practice” ha avuto su “Grey’s
Anatomy”, portando un personaggio particolare in una direzione
completamente nuova.
Il finale della quinta stagione è
incentrato sul ritorno alle origini. Il discorso commovente di Luna
nell’auditorium su Max ricorda quello della prima stagione, in cui
lui citava la famiglia e la sorella come motivi per cui voleva
diventare direttore medico. Anche se il rapporto di Luna con il
padre è stato analizzato e criticato, il finale dell’episodio è un
modo bellissimo per sottolineare che, nonostante i drammi, la
famiglia viene sempre al primo posto.
C’è speranza per Sharpwin?
Mentre Max rafforza il suo rapporto
con Luna, molto resta in sospeso per la vita sentimentale di Max.
Sebbene Elizabeth sia stata la pupilla di Max per gran parte della
quinta stagione, il finale di “New Amsterdam” porta la loro
relazione appena sbocciata a una fine improvvisa. Max ammette il
suo amore per Elizabeth, ma tecnicamente lascia la serie da single.
Tenendo questo a mente, è possibile che la sua ex fiamma, la
dottoressa Helen Sharpe, possa tornare in qualche modo. Infatti, fa
un cameo nell’ultima stagione, apparendo su uno schermo televisivo
in sottofondo per rappresentare la lotta del servizio sanitario
nazionale contro il cancro.
Dato che i fan hanno tifato per
“Sharpwin” per gran parte della serie, avrebbe senso che la coppia
tornasse se “New Amsterdam” dovesse mai tornare sui nostri schermi.
Mentre alcuni hanno considerato l’uscita di Helen dalla serie come
una cosa positiva, altri si aggrappano a ciò che la relazione
potrebbe significare e a come si è evoluta nel tempo. Se
consideriamo come si conclude “New Amsterdam”, non c’è motivo di
pensare che la relazione tra Sharpwin non possa essere ricucita.
Chi può dire che il nuovo lavoro di Max non lo riporterà
direttamente da Helen?
Elizabeth è lasciata in balia di
se stessa
Sebbene il futuro sembri essere già
deciso per Max, lo stesso non si può dire per Elizabeth. Ora che ha
rifiutato l’opportunità di dirigere un ospedale gestito da medici
non udenti, tutto ciò che resta da fare a Elizabeth è essere
respinta dall’uomo per cui prova dei sentimenti. A parte rivelare
una determinazione professionale alimentata dall’esperienza
infantile di essersi sentita dire che non avrebbe potuto realizzare
ciò che desiderava, non succede molto altro per Elizabeth.
Alcuni fan pensano che il finale di
stagione sia stato affrettato e che ci sarebbe stato sicuramente
più spazio per sviluppare il percorso di Elizabeth.
Essendo una donna di successo, è un
peccato che sia considerata degna di apparire sullo schermo solo
quando è coinvolta con Max. Anche se il suo futuro da sola non
viene particolarmente esplorato, il finale di stagione fa luce sul
suo potenziale ruolo nella vita di Max. Le teorie dei fan includono
l’idea che Max non potrà mai stare lontano dall’ospedale, il che
significa che il suo percorso è destinato a incrociare nuovamente
quello di Elizabeth, indipendentemente dal fatto che tornino
insieme o meno. Altri spettatori credono che Elizabeth sia la
matrigna non ufficiale di Luna, il che significa che i legami
familiari potrebbero essere più forti di quanto pensiamo.
Il romanticismo è nel futuro di
Floyd
Mentre Max è decisamente sfortunato
in amore, il finale della quinta stagione di “New Amsterdam”
dimostra che Floyd è tutto il contrario. È un momento di
consapevolezza per lui, sia nella vita personale che in quella
professionale. Nel lavoro, Floyd capisce finalmente che la sua
ispirazione per fare ciò che fa deriva dal bisogno di unire le
persone. Questo si riflette nella sua vita sentimentale: professa
il suo amore per la fidanzata Gabrielle nel tentativo di
convincerla a rimanere a New York. Per coronare il tutto, Floyd
riesce a salvare un ultimo paziente prima dei titoli di coda,
confermando forse di essere il medico migliore per restare in
ospedale.
Se alcuni fan erano preoccupati che
Floyd fosse noioso nelle stagioni precedenti, non si può dire lo
stesso del suo finale. Dopo aver dovuto affrontare la malattia di
sua madre e una rottura sentimentale nella terza stagione, sembra
giusto che il viaggio di Floyd in “New Amsterdam” si concluda con
l’amore, la speranza e la felicità che merita. È anche destinato a
diventare il medico capo indiscusso dell’ospedale, dopo aver messo
in discussione l’integrità di Max in numerose occasioni.
Iggy e Martin mantengono il
riserbo
Molte relazioni sono nate e finite
nel corso di “New Amsterdam”, ma forse nessuna è stata più dolorosa
di quella tra Iggy e Martin. Sebbene molti fan adorino la coppia,
le tendenze narcisistiche e il comportamento predatorio di Iggy
hanno spesso causato controversie. Per quanto riguarda Martin,
alcuni spettatori ritengono che potrebbe trovare di meglio, ma il
finale della quinta stagione mostra la coppia impegnata a
ricostruire il proprio amore. Dopo essersi concessi un appuntamento
per ritrovarsi, i due finalmente si risposano in una chiesa
tranquilla e senza pretese.
Sebbene alcuni spettatori più
attenti abbiano notato alcune piccole discrepanze, la scena
contribuisce in qualche modo a proiettare il futuro di Iggy e
Martin. Il tempo è completamente flessibile durante l’episodio, il
che indica che il loro matrimonio deve aver avuto luogo qualche
tempo dopo, piuttosto che immediatamente dopo, il loro
appuntamento. La decisione di ricongiungere i due alimenta anche il
pensiero positivo di David Schulner e Peter Horton. “La speranza è
di per sé un potere, e quel testimone continuerà a essere passato e
la speranza continuerà”, ha detto Horton a TV Line.
Vanessa e Lauren si ritrovano
Sebbene Lauren abbia avuto un ruolo
importante nel viaggio di “New Amsterdam”, nel finale della quinta
stagione passa in secondo piano. Con la trama dell’aborto
affrontata in precedenza nella serie, si potrebbe dire che i
momenti finali non rendono giustizia al percorso personale di
Lauren, né al suo rapporto con Max.
Almeno i fan possono vederla
riunirsi con sua sorella Vanessa mentre vende il suo appartamento.
Con l’intenzione di ristrutturare la sua casa, il finale potrebbe
essere interpretato come una rottura netta di Lauren con il passato
di droga da cui ha cercato con tutte le sue forze di uscire.
Con il personaggio di Vanessa che
appare solo nella quinta stagione, il rapporto tra le due donne è
indicativo di quanto Lauren sia cresciuta. L’episodio finale serve
a fornire le storie delle origini di tutti i personaggi attivi in
“New Amsterdam”, quindi l’idea che Lauren possa avere un rapporto
sano con un membro della sua famiglia compensa il trauma infantile
che Iggy ha vissuto nella prima stagione. Dopo aver sofferto la
riabilitazione e un brutto incidente in ambulanza, una fine lenta e
sottile del viaggio di Lauren potrebbe essere esattamente la pace
mentale che il suo personaggio merita.
I figli del creatore sono stati
coinvolti
Sebbene la famiglia sia al centro
del finale della quinta stagione di “New Amsterdam”, è dietro le
quinte che questo modo di pensare ha il maggiore impatto. La
rivelazione che Luna è la misteriosa adulta che è stata inserita
nella trama è un colpo di scena che gli spettatori non si
aspettavano. In un certo senso, nemmeno i creatori se lo
aspettavano. Dato che i legami tra padre e figlia sono così forti
in questo episodio, è soddisfacente e appropriato sapere che i
momenti finali sono nati da una conversazione fugace al tavolo
della colazione.
Parlando con NBC Insider, David
Schulner spiega che sua figlia di 11 anni è stata l’ispirazione
dietro al cambiamento. “Ho detto: ‘Ok, figlia di 11 anni. Lascia
scrivere a me“, scherza. ”Mangia i tuoi cereali”. E io l’ho
completamente ignorata. Poi, una settimana dopo, Laura Valdivia,
una delle nostre sceneggiatrici, mi ha proposto lo stesso finale. E
allora ho detto: ‘Oh, ok, ti ascolterò perché ti pago per trovare
idee’. E poi, una settimana dopo, [la sceneggiatrice] Erika Green
ed io eravamo sedute sul set e lei mi ha detto: ‘Dammi pure della
pazza, ma che ne diresti se Luna tornasse come direttore medico nel
finale?’. Quindi, in poco più di tre settimane, c’era qualcosa
nell’aria che puntava proprio in quella direzione”.
Tutti hanno il loro momento di
chiusura
Quando si tratta del finale di una
serie TV, di solito ci sono molti nodi da sciogliere.
Fortunatamente per i fan di “New Amsterdam”, i creatori hanno
lavorato duramente per realizzare un finale soddisfacente sotto
tutti i punti di vista. Max ha davanti a sé sua figlia e il suo
futuro professionale, Floyd sta vivendo l’amore, Iggy e Martin sono
tornati in carreggiata e Luna è destinata a seguire le orme di suo
padre. Tutti questi personaggi chiave ottengono finalmente ciò di
cui non sapevano di aver bisogno nella prima stagione, rendendo
molto più facile da digerire un addio definitivo.
Allo stesso tempo, ci sono
abbastanza casi di curioso dubbio da mantenere vive le speranze dei
fan. Parlando con EW, Peter Horton ha detto che lasciare qualche
elemento di mistero serve alla curiosità dello spettatore. “Una
volta uno sceneggiatore mi ha spiegato che c’è una differenza tra
confusione e ambiguità”, ha ricordato. “Nella narrazione non si
vuole creare confusione, ma ambiguità. Volevamo lasciare il
pubblico con un interrogativo, in modo che potesse partecipare. Se
diciamo loro cosa succede, non possono immaginarlo e prendere la
direzione che vogliono. Volevamo dare loro questa libertà”.
L’intervento finale rivela un volto familiare
I fan di lunga data di “New
Amsterdam” avranno notato che la dottoressa Helen Sharpe non è
stata l’unica faccia familiare ad apparire nel finale della quinta
stagione. Anche se era stato silenziosamente eliminato dopo la sua
rottura con Helen nella terza stagione, il dottor Cassian Shin ha
riservato un’ultima piacevole sorpresa, riapparendo per l’ultimo
intervento in “New Amsterdam”.
Nello spirito di creare un finale
soddisfacente, non sorprende che i creatori abbiano scelto di
affrontare una questione che gli spettatori si sono chiesti, in
particolare, dove fossero finiti Cassian e il suo interprete, il
volto noto della televisione Daniel Dae Kim. Tuttavia, parlando con
TV Line, David Schulner ha rivelato che le domande scottanti dei
fan non avevano nulla a che fare con il ritorno di Kim. “Uno dei
motivi per cui abbiamo deciso di dedicare il finale a questa storia
medica è stato perché ci ha dato l’opportunità di riportare tutti i
personaggi che abbiamo amato in questi cinque anni. Quindi, se
avete operato al New Amsterdam, abbiamo fatto del nostro meglio per
farvi partecipare al finale, all’ultima operazione”.
Potrebbe esserci una futura
stagione di New Amsterdam o uno spin-off?
Dopo la pausa di metà stagione
durante la quarta stagione e l’annuncio ufficiale della
cancellazione nel marzo 2022, al momento non ci sono piani per
riportare in vita “New Amsterdam”. Tuttavia, con il finale della
quinta stagione lasciato così com’è, non si può escludere la
possibilità di un reboot o di uno spin-off.
Non sorprende che ci siano molti
fan che sarebbero interessati a uno spin-off di “New Amsterdam”, ma
alcuni preferirebbero un rilancio incentrato su determinati
personaggi. Con il finale della quinta stagione che vede una Luna
ormai adulta pronta a prendere il centro della scena, forse
scoprire come sarà l’ospedale sotto la sua guida è il modo più
probabile per far continuare il programma.
Allo stesso tempo, anche la storia
di Max potrebbe essere approfondita. Sebbene il suo lavoro con
l’Organizzazione Mondiale della Sanità rimanga piuttosto vago, il
suo nuovo ruolo potrebbe dare spazio a molti drammi medici. Allo
stesso modo, il nuovo inizio di Lauren potrebbe essere collegato a
questo, insieme alla carriera di Elizabeth e alla nuova vita di
Iggy e Martin. Anche Helen potrebbe avere un suo ramo separato
dell’universo di “New Amsterdam”, approfondendo il suo lavoro con
il Servizio Sanitario Nazionale.
Paycheck
è un thriller fantascientifico diretto da John Woo
e interpretato da Ben Affleck, tratto da un racconto di
Philip K. Dick. Uscito nel 2003, il film mescola azione,
memoria cancellata e viaggi mentali nel tempo, offrendo un
intreccio ricco di misteri e colpi di scena. Al centro della
vicenda c’è Michael Jennings, un ingegnere che lavora su progetti
segreti e accetta volontariamente di farsi cancellare la memoria al
termine di ogni incarico. Ma qualcosa stavolta è andato storto.
Il finale di
Paycheck lascia molti
interrogativi aperti, soprattutto per chi cerca di capire come gli
oggetti apparentemente insignificanti che Jennings riceve in una
busta si rivelino decisivi per il suo destino. In questo
approfondimento analizziamo passo dopo passo il significato delle
ultime sequenze, cosa rappresenta realmente la macchina per vedere
il futuro e perché il protagonista riesce a ribaltare il proprio
futuro partendo da piccoli indizi.
In “Paycheck”,
Michael Jennings, uno specialista di alta tecnologia con la memoria
cancellata, scopre di aver ricevuto una busta piena di
cianfrusaglie invece della somma a otto cifre che si aspettava.
Utilizza gli oggetti e il ricordo di aver visto il futuro
attraverso la macchina che ha creato per scoprire il suo passato e
sfuggire a chi lo insegue. Il finale prevede un ultimo utilizzo
della macchina, che rivela il numero vincente della lotteria e un
atto di autodifesa che porta alla sua “morte” e a una nuova vita
con la donna che ama e un amico.
I ninnoli e il passato
Jennings trova la busta contenente
oggetti strani come un orologio, un biglietto e una gabbia per
uccelli, che sono indizi dei suoi ultimi tre anni. Usa la macchina
per vedere il futuro, compreso il modo in cui sarà braccato dal suo
ex datore di lavoro.
L’uso finale della
macchina
Prima di distruggere la macchina,
Jennings la usa un’ultima volta per vedere se stesso mentre viene
ucciso da un agente dell’FBI su una passerella. Manomette la
macchina con degli esplosivi in modo che venga distrutta poco dopo
e usa l’ultima previsione della macchina per schivare il proiettile
che lo avrebbe ucciso, colpendo invece a morte il suo inseguitore,
Rethrick.
“Morte” e una nuova
vita:
Con la macchina distrutta e
Rethrick morto, arrivano l’agente Dodge e la sua squadra. Solidali
con la situazione, riferiscono della “morte” di Jennings nella
distruzione del laboratorio. Jennings, Porter e Shorty si
trasferiscono in campagna e aprono un vivaio.
Il biglietto della
lotteria
Jennings, ricordando il messaggio
di un biscotto della fortuna, scopre un biglietto della lotteria
nella gabbia degli uccelli di Porter. Si rende conto che il
biglietto è quello vincente di una lotteria da 90 milioni di
dollari, un ultimo gesto che ha compiuto con la macchina per
assicurarsi il successo futuro.
The
Cloverfield Paradox, il terzo film della serie
Cloverfield, ha già suscitato grande scalpore grazie alla sua
improvvisa uscita su Netflix, ma continuerà a far discutere grazie al suo
finale scioccante.
Il film, originariamente intitolato
God Particle, era da tempo nel mirino dei fan di
Cloverfield, con la data di uscita costantemente posticipata. Tutto
ciò che si sapeva del film di Julius Onah era il cast –
Daniel Brühl, David Oyelowo,
Elizabeth Debicki, Gugu Mbatha-Raw – e la trama di
base – un esperimento energetico lascia una stazione spaziale alla
deriva lontano dalla Terra. Il film finito, Cloverfield
Paradox, va ben oltre, esplorando dimensioni alternative, la
guerra moderna, una crisi energetica e, naturalmente, le origini
del mostro del primo Cloverfield del 2008.
C’è molto da dire sul film e, data
la natura del franchise, molte domande rimangono senza risposta.
Ora che avete visto il film, scoprite tutti i suoi segreti con la
nostra spiegazione del finale.
La spiegazione delle dimensioni
alternative di Cloverfield Paradox
La trama principale di The
Cloverfield Paradox riguarda l’equipaggio della stazione
Cloverfield che viene trasportato in una dimensione alternativa.
All’inizio credono che la Terra sia scomparsa, ma man mano che le
cose diventano sempre più strane, si rendono conto che sono loro ad
essersi spostati, in più di un senso.
The Cloverfield Paradox
aderisce alla teoria del multiverso, secondo cui esiste un numero
infinito di universi paralleli, ciascuno leggermente diverso dal
nostro, ma si concentra solo su due di essi che entrano in
collisione. Nel nostro mondo (A), la stazione Cloverfield conduce
un esperimento e viene trasportata in un’altra dimensione (B), dove
la stazione viene distrutta dal sabotaggio di Schmidt (Daniel
Brühl), parte di un più ampio piano che porta la Terra B a una
guerra totale. Ci sono altre differenze minori, la più evidente
delle quali è l’assenza di Tam (Zhang Ziyi) e Ava (Gugu Mbatha-Raw)
dalla missione dell’universo B, quest’ultima perché i suoi figli
sono ancora vivi (un punto chiave della trama su cui torneremo). Le
cose però non sono così semplici come un semplice trasporto uno a
uno. Vari elementi della nuova dimensione si riversano nella
stazione dell’Universo A – gli ordini segreti di Schmidt dalla sua
Germania natale, il braccio mozzato di Mundy (Chris O’Dowd), i
messaggi di Ava alla nave – rivelando lentamente che la nuova
dimensione potrebbe stare infettando la casa degli astronauti.
Questo è il Cloverfield Paradox
stesso, delineato dal professor Mark Stambler in un’intervista
vista nella stazione prima dell’esperimento. Parte della sua teoria
coincide con le preoccupazioni del mondo reale riguardo al Large
Hadron Collider del Cern (che sta cercando di ricreare la
particella di Higgs-Boson), suggerendo che la creazione della nuova
energia creerà una frattura nel tessuto dello spazio-tempo. Le sue
vere paure, tuttavia, sono puramente fantascientifiche: che
dimensioni alternative entrino in collisione con la nostra,
riversando ogni sorta di orrori mostruosi sul nostro mondo. Questo
accade durante tutto il film sulla stazione Cloverfield, ma anche
in senso più apocalittico sulla Terra, invisibile per gran parte
del film fino all’ultima scena. Tuttavia, prima di
addentrarci in questo argomento, dobbiamo capire di cosa tratta
realmente The Cloverfield Paradox.
The Cloverfield Paradox è una
decostruzione dei bisogni dei molti
Fin dalla prima scena, in cui Ava e
Michael (Roger Davies) discutono della sua partecipazione a una
missione spaziale di durata indefinita, The Cloverfield
Paradox chiarisce abbondantemente che il tema centrale sarà
quello di fare la cosa giusta a scapito della propria vita
personale. I bisogni dei molti superano davvero quelli dei
pochi?
Questo è particolarmente evidente
nell’arco narrativo di Ava. Lei decide di mettere in secondo piano
la sua relazione per partecipare alla missione Cloverfield, una
scelta che, come scopriremo in seguito, ha fatto solo nell’universo
A in reazione alla morte dei suoi figli (morti in un incendio
causato dal suo furto di energia); nell’universo B, invece, è
rimasta sulla Terra.
Qui abbiamo due Ava, ognuna delle
quali prende decisioni diametralmente opposte che influenzano il
futuro dell’umanità basandosi esclusivamente sulla propria vita
familiare. C’è autonomia nella decisione, ma è influenzata da una
tragedia più grande (o dalla sua assenza).
Insieme, le Ava chiariscono
immediatamente che The Cloverfield Paradox non sostiene
ciecamente il sacrificio estremo; entrambe fanno del bene a modo
loro. Il film presenta l’idea di equilibrio e scelta attenta, con
la consapevolezza che il mondo è imprevedibile (ovviamente mostrato
con i crescenti problemi della stazione spaziale e la morte
orribile dei suoi membri dell’equipaggio, ma anche nella scena
finale in cui il ritorno sulla Terra di Ava e Schmidt è
accompagnato dal più mostruoso degli avvertimenti).
All’interno di questa esplorazione
c’è il potere travolgente della lealtà e del pregiudizio. Schmidt B
ha scelto di sabotare i test di Shepard per patriottismo, sperando
che un ritardo nell’energia rigenerabile avrebbe aiutato la sua
Germania natale a battere la Russia, e Mina B diventa la cattiva
del film esclusivamente per il suo desiderio di salvare la sua
dimensione; ucciderà tre persone per salvarne otto miliardi, ma
così facendo rischia di condannare un’altra Terra. In tutti i casi
di “bisogni della maggioranza” c’è un senso diffuso di voler
fare la cosa giusta, ma una contro-chiarificazione che “la cosa
giusta” è un concetto molto vago e auto-definito che deriva
dall’esperienza personale (nel bene o nel male).
In primo piano in The
Cloverfield Paradox c’è una crisi energetica; il film si apre
con notizie che descrivono una carenza e assistiamo a parte di un
blackout a catena, e ogni passo lungo il percorso è compiuto
sapendo che il test di Shepard definirà il futuro dell’umanità. La
Terra (in entrambe le dimensioni) è sull’orlo del baratro e, come
si vede dalla dimensione B, potrebbe facilmente scoppiare una
guerra vecchio stile. L’attenzione è esplicitamente rivolta alla
Germania e alla Russia come Stati in guerra e al concetto di
“boots on the ground” (truppe sul campo). Il film evoca uno
scenario geopolitico e militare che ricorda più l’inizio del XX
secolo che il XXI, con solo un accenno all’attacco nucleare,
suggerendo che senza energia il nostro mondo lentamente si
disgrega.
Questo si sviluppa parallelamente
al tema principale dell’altruismo, anche se non ha molti
collegamenti diretti con la storia. Detto questo, ha una maggiore
importanza per il franchise. Cloverfield è sempre stata una serie
dominata dai mali delle grandi aziende e dai pericoli dell’energia
capitalista in particolare; in origine si credeva che il mostro
fosse stato risvegliato dal suo sonno oceanico dalle trivellazioni
petrolifere della Targruato, un’azienda giapponese di cui era
dipendente Howard Stambler (nessuna parentela con Mark) di 10
Cloverfield Lane. Nei tre film, Cloverfield ha presentato un caso
contro le grandi compagnie petrolifere, ma con Paradox
sembra suggerire che questo fenomeno è così radicato nella nostra
cultura moderna che non c’è modo di sfuggirgli.
Il mostro di
Cloverfield
La sorpresa più grande di The
Cloverfield Paradox è riservata per il finale. Proprio mentre
Ava e Schmidt tornano a casa dalla stazione di Cloverfield,
scopriamo che sulla Terra sta accadendo qualcosa di ancora più
terrificante: un’invasione di mostri. Mentre la loro capsula di
salvataggio attraversa le nuvole, un gigantesco mostro di
Cloverfield irrompe dal cielo e lancia un urlo profondo e
assordante.
Evidentemente, le previsioni di
Mark Stambler si sono rivelate più accurate di quanto chiunque
osasse immaginare, con mostri provenienti da altre dimensioni che
imperversano su tutto il pianeta. Questo viene anticipato durante
tutto il film con la trama secondaria di Michael, che scopre
lentamente la minaccia e salva una bambina mentre cerca di avvisare
i suoi genitori e Ava.
A una prima visione, si tratta solo
di un complimento al contrario (una dimensione alternativa, se
volete) dell’arco narrativo di Ava, con suo marito che ottiene
anch’egli una catarsi attraverso l’orrore, ma a posteriori è pieno
di ripetuti indizi che qualcosa di orribile è accaduto sulla Terra.
La vera portata è nascosta come parte del colpo di scena finale, ma
è lecito supporre che si tratti di una catastrofe globale. Questo è
Cloverfield Monster Planet.
Una nota molto importante da fare
sui mostri è che quello mostrato alla fine è notevolmente più
grande di quello che abbiamo visto nell’originale
Cloverfield; quello era alto circa 75 metri, con braccia
lunghe che gli permettevano di raggiungere l’altezza di un
grattacielo. Questo nuovo mostro lo sovrasta di gran lunga,
raggiungendo le nuvole. Da tempo si ipotizzava, sia dai commenti
dei registi che dal manga collegato, che il mostro di Cloverfield
fosse solo un cucciolo, e quest’ultima scena sembrerebbe
confermarlo.
L’origine del mostro originale
di Cloverfield spiegata
Ma mentre il mondo nel prossimo
futuro (l’ARG colloca gli eventi di The Cloverfield Paradox
nel 2028, che sembra coincidere con la tecnologia) è ora devastato
dai mostri, ciò non spiega da solo la presenza del piccolo a New
York City nel 2008, oltre vent’anni prima.
La spiegazione arriva di sfuggita
da Stambler, la cui teoria sugli effetti di contaminazione
dimensionale riguarda lo spazio e il tempo. Egli sospetta che
qualsiasi scissione porterebbe alla creazione di fratture nel
passato e nel futuro, oltre che nel punto di connessione del
presente. Pertanto, mentre l’impatto peggiore sembra essere nel
2028, alieni e altri mostri sono apparsi lungo tutta la linea
temporale. L’incidente di New York è stato un caso isolato.
Ciò che è apprezzabile di questa
rivelazione è che, pur fornendo un
contesto più ampio per il mostro di Cloverfield, non
elimina completamente il mistero. Stambler delinea alcune delle
ipotesi più popolari sull’origine del mostro – extraterrestre,
sub-oceanica – e il film non cerca mai di andare oltre nel
chiarire, assicurando che il fascino della confusione che rende
così duraturo il found footage movie di Matt Reeves rimanga
intatto. Si suggerisce inoltre che gli alieni di 10 Cloverfield
Lane siano arrivati con un metodo simile e che le forze
soprannaturali con cui lavorano i nazisti in Overlord –
recentemente confermato essere Cloverfield 4 – siano simili
viaggiatori interdimensionali, anche se non vengono forniti
dettagli specifici al riguardo.
The Cloverfield
Paradox ha completamente ridefinito il franchise,
estendendo l’approccio di marketing a sorpresa della serie
all’uscita effettiva del film, ma fornendo anche un contesto
fantascientifico alle avventure scollegate tra loro. Cloverfield
non è, come si pensava dopo 10 Cloverfield Lane, una serie
antologica simile a The Twilight
Zone, ma una serie di storie autonome ambientate in
dimensioni alternative che insieme raccontano una storia astratta
dell’umanità minacciata in un multiverso. Chissà dove andrà a
finire.
Cloverfield 2è il sequel di Cloverfield del 2008 e, a
differenza di 10
Cloverfield Lane e The Cloverfield
Paradox, sarà il diretto seguito del film originale
nella stessa linea temporale. Diretto da Matt Reeves e prodotto da
J.J. Abrams, Cloverfield ha ridefinito il genere del found
footage nel 2008, quando il film di fantascienza ha dimostrato che
gli alieni delle dimensioni di Kaiju sono perfetti per questo
mezzo. In seguito sono arrivati due sequel che hanno completato la
trilogia Cloverfield: 10 Cloverfield Lane del 2016 e The Cloverfield Paradox del 2018, anche se non erano
direttamente collegati all’originale.
Cloverfield 2 è stato
annunciato dalla Paramount come il primo vero sequel del film
originale Cloverfield, e l’attesa è già alta. Il quarto film
della serie Cloverfield è stato confermato nel 2018 e,
sebbene lo sviluppo sia stato lento, è ancora in corso e l’uscita
di Cloverfield 2 sembra finalmente a portata di mano.
L’ultimo film di Cloverfield è particolarmente atteso perché
è la prima volta che la serie torna alla timeline del film
originale dal 2008.
Ultime notizie su Cloverfield
2
Un aggiornamento interessante
da un potenziale regista
Sebbene non si sappia quasi nulla
sul sequel in arrivo, l’ultimo aggiornamento è un intrigante teaser
di Cloverfield 2 da parte di un potenziale regista. Si
vocifera che Babak Anvari sarà alla regia del sequel, ed è apparso
al SXSW 2025 per promuovere il film Hallow Road.
Durante il festival, Anvari ha
parlato con ScreenRant del suo coinvolgimento in Cloverfield 2,
dando una risposta scherzosamente evasiva. “Se te lo dicessi,
potrei essere [ucciso] dai cecchini”, ha scherzato, prima di
aggiungere “purtroppo non posso divulgare nulla”. Questo livello di
segretezza è interessante e se Anvari non fosse coinvolto
probabilmente lo avrebbe detto.
Leggi qui il commento completo di
Anvari:
Se ve lo dicessi, potrei essere [ucciso] dai cecchini. Sono
tutti lì. Quindi, purtroppo, non posso divulgare nulla. [Qual è il
mio rapporto con Cloverfield?] Ho adorato il primo film. L’ho visto
due volte al cinema ed era fantastico. Adoro la tensione, quindi è
un film molto stressante da guardare, e questo mi piace
molto.
Cloverfield 2 è
confermato
Il vero sequel di
Cloverfield è in arrivo
Cloverfield 2 è stato annunciato
dalla Paramountnel 2018 ed è stato confermato come vero
sequel del film del 2008 Cloverfield. Sebbene l’originale sia stato
seguito da 10 Cloverfield Lane e The Cloverfield Paradox a formare
la trilogia Cloverfield, i collegamenti tra i film sono vaghi.Cloverfield 2 sarà il sequel diretto dell’originale
Cloverfield, anche se non sarà un altro film found
footage. Nel 2021 è stato annunciato che Joe Barton ha
scritto la sceneggiatura eBabak Anvari dirigerà Cloverfield
2, con Matt Reeves e
J.J. Abrams come produttori.
The Cloverfield Paradox ha
debuttato il 4 febbraio 2018.
Dettagli sul cast di
Cloverfield 2
Il cast di Cloverfield 2 è
ancora sconosciutoed è improbabile che includa membri
del cast del film del 2008, poiché è implicito che nessuno di loro
sia riuscito a fuggire da New York quando è arrivato il mostro
Cloverfield. Tuttavia, dato che il franchise fa uso di universi
alternativi e linee temporali diverse,è possibile che
alcuni membri del cast di 10 Cloverfield Lane o The Cloverfield
Paradox potrebbero apparirenei panni dei loro
personaggi che esistono nel mondo dell’originale del 2008.
Ciò significa che Mary Elizabeth
Winstead (Scott Pilgrim vs. The World) o John Goodman (The
Righteous Gemstones) potrebbero apparire in Cloverfield 2 nei panni
di Michelle o Howard. Inoltre, potrebbero essere presenti una
versione alternativa di Shmidt o Ava, interpretati da Daniel Brühl
(Captain America: The Winter Soldier) e Gugu Mbatha-Raw (Surface),
per collegare Cloverfield 2 a The Cloverfield Paradox e al
franchise più ampio.
Dettagli sulla trama di
Cloverfield 2
La Paramount non ha ancora
rivelato alcun dettaglio specifico sulla trama di Cloverfield 2.
Tuttavia, il produttore di Cloverfield 2 e regista dell’originale,
Matt Reeves, ha fornito alcuni potenziali indizi sulla trama.Reeves ha accennato al fatto che latrama del
prossimo film di Cloverfieldpotrebbe coinvolgere un
virus. Non è stato ancora reso ufficiale nulla, ma oltre a
questo Cloverfield 2 sarà ambientato dopo gli eventi di
Cloverfield, nella stessa linea temporale del film del 2008, e non
in una realtà o linea temporale diversa come 10 Cloverfield Lane o
The Cloverfield Paradox.
Non è chiaro come questo
altererà il suddetto paradosso visto nel film del 2018, dato che
l’esperimento energetico ha essenzialmente alterato l’idea di tempo
e spazio lineari. Quella comoda struttura per spiegare la trilogia
di film disparati di Cloverfield non deve necessariamente
influenzare la trama diCloverfield 2,
soprattutto perché le conseguenze degli eventi del primo film
lascerebbero sicuramente spazio a ulteriori sviluppi
narrativi.
Il finale di 10
Cloverfield Lane è un aspetto controverso di
questo sequel altrimenti acclamato, ma è una conclusione che gioca
sui temi più profondi del film. Il secondo film della serie
Cloverfield è un’esperienza profondamente inquietante e
claustrofobica, che dall’inizio alla fine si presenta come un
thriller cerebrale e complesso che affronta in modo introspettivo
temi come la paranoia e il rimpianto. Tuttavia, il film ha poco in
comune con il film kaiju del 2008 Cloverfield, girato in
stile found footage, poiché solo le scene finali collegano 10
Cloverfield Lane a Cloverfield.
10 Cloverfield Lane inizia
con Michelle (Mary
Elizabeth Winstead) che viene buttata fuori strada e
si risveglia in un bunker dove il suo rapitore Howard (John
Goodman) le spiega che il mondo è sotto attacco.
Mettendo da parte i suoi dubbi, Michelle si sistema nel bunker di
Howard insieme a Emmett (John Gallagher Jr.). Quello che segue è un
dramma teso e incentrato sui personaggi che trasmette un senso di
terrore costante. Ci sono temi molto più profondi in gioco in 10
Cloverfield Lane, anche se, forse a suo discapito, il finale
richiede un’analisi approfondita per spiegare come si inserisce
nella più ampia trama di Cloverfield.
Cosa succede nel finale di 10
Cloverfield Lane?
Dopo che Howard diventa sempre più
pericoloso e squilibrato, Michelle decide di rischiare la libertà
nel finale di 10 Cloverfield Lane, fuggendo dal bunker dopo
avergli dato fuoco. Indossando un equipaggiamento protettivo
improvvisato, Michelle riesce a fuggire dal bunker poco prima che
esploda e si rende conto che l’insistenza di Howard sul fatto che
l’aria fosse tossica era falsa. Vedendo gli uccelli volare sopra di
lei, Michelle capisce che l’aria è respirabile e si toglie la
maschera. Tuttavia, la fuga di Michelle dal bunker di Howard,
sebbene simbolicamente importante, non è la ragione principale per
cui il finale di 10 Cloverfield Lane suscita così tante
domande.
Il finale di 10 Cloverfield
Lane vede Michelle decidere di andare a Houston.
Sebbene alcuni aspetti delle
affermazioni di Howard fossero falsi, con l’improvvisa comparsa di
un gigantesco alieno nel cielo, diventa chiaro che il mondo è
davvero sotto attacco. La creatura attacca Michelle, che è
costretta a lottare per la propria vita, uccidendo infine l’enorme
essere con una molotov improvvisata. Finalmente riuscita a fuggire
dalla fattoria di Howard, Michelle si ritrova a un bivio, dovendo
scegliere se dirigersi verso una zona sicura a Baton Rouge o andare
a Houston per aiutare a combattere le creature. Il finale di 10
Cloverfield Lane vede Michelle scegliere di andare a
Houston.
Questa sequenza di eventi alla fine
di 10 Cloverfield Lane ha confuso molti spettatori,
soprattutto prima dell’uscita di The Cloverfield Paradox nel 2018, che ha colmato alcune
lacune. Fino al finale, 10 Cloverfield Lane era stato un
thriller psicologico intimo e teso, in cui le minacce provenienti
dall’esterno diventavano gradualmente secondarie rispetto alla
malvagità di Howard.
Inoltre, molte delle decisioni di
Michelle e il motivo per cui era stata trattenuta da Howard in
primo luogo sollevavano domande legittime. Tuttavia, il finale è
coerente con il resto del film, e un’analisi del significato di
10 Cloverfield Lane e dei suoi temi centrali spiega il
perché.
Howard ha portato Michelle per
ricostruire la famiglia che aveva perso
Uno degli elementi più sospetti e
significativi del finale di 10 Cloverfield Lane è il bunker
di Howard, e l’unica spiegazione offerta sul perché Michelle non
possa lasciarlo viene dallo stesso Howard. Come spiega Howard, ha
portato Michelle lì per curare le ferite riportate nell’incidente.
La loro successiva quarantena nel bunker al 10 Cloverfield Lane
(che è l’indirizzo di Howard) è stata il risultato dell’attacco da
parte di forze sconosciute. Tuttavia, c’è molto di più nella storia
di Howard di quanto lui racconti a Michelle, e questo è uno dei
motivi della sua sfiducia nei confronti del suo
salvatore/rapitore.
La sceneggiatura originale, The
Cellar, non aveva alcun collegamento con
Cloverfield.
Come Michelle ed Emmett scopriranno
in seguito, i continui riferimenti di Howard a Megan non riguardano
solo sua figlia: la foto e i vestiti di “Megan” offerti a Michelle
appartenevano in realtà a una ragazza del posto di nome Brittany,
scomparsa diversi anni prima. Quando il comportamento di Howard
diventa sempre più delirante, è chiaro che è ossessionato dall’idea
di avere una famiglia e che vuole che Michelle sostituisca sua
figlia. Michelle ed Emmett devono combattere contro Howard,
senza sapere se è sicuro lasciare il bunker, ma consapevoli che
Howard è una minaccia per le loro vite.
Howard era delirante su quasi
tutto, anche se non è chiaro quanto credesse alla sua storia. Il
fatto che Michelle abbia trovato il mondo in preda a una vera
invasione aliena quando è uscita ha rivelato che la minaccia
esisteva davvero. Howard aveva collegato alcuni punti, ma era
lontano dal quadro completo e non c’era gas tossico nell’aria come
sosteneva. La natura specifica della minaccia era secondaria
rispetto alle sue azioni. Se avesse trovato Michelle dopo l’arrivo
dei mostri di Cloverfield, probabilmente l’avrebbe comunque
tenuta prigioniera, con la differenza che la sua storia sarebbe
stata vera.
I temi centrali di 10
Cloverfield Lane sono il rimpianto e la paura, entrambi
esemplificati dal personaggio di John Goodman, Howard. Howard è
l’antagonista principale del film, nonché il salvatore di Michelle
ed Emmett. È anche un assassino, è delirante ed è un pericoloso
teorico della cospirazione (anche se le cospirazioni si rivelano
vere). Tuttavia, comprendere il passato di Howard è importante per
capire le sue motivazioni nel corso del film. Il passato di Howard
è raccontato solo in parte dallo stesso Howard in 10 Cloverfield
Lane, rendendo gran parte di ciò che il film rivela su di lui
relativamente inaffidabile.
Howard è un uomo pericoloso,
ossessionato dall’idea di sostituire la figlia
scomparsa.
Il suo lavoro sui satelliti
potrebbe spiegare perché Howard fosse a conoscenza dei pericoli, e
i suoi commenti sulla scomparsa della figlia e dell’ex moglie
assumono un tono sinistro dopo la rivelazione su Brittany. Howard è
un uomo pericoloso, ossessionato dall’idea di sostituire la figlia
scomparsa, con l’implicazione che Michelle sia l’ultima di una
serie di prigionieri. Sembra che Howard abbia visto
l’opportunità di rapire Michelle quando è iniziato l’attacco e
l’abbia sfruttata per tenerla con sé nel bunker.
Sebbene 10 Cloverfield Lane
sia un thriller particolarmente claustrofobico, alla fine non parla
del bunker, né dell’attacco alieno che lo ha reso necessario. Il
vero significato del film viene rivelato in una scena commovente
tra Emmett e Michelle, mentre discutono delle loro vite prima
dell’attacco. Emmett spiega che non ha mai lasciato la sua città
natale per paura di non avere successo e che questo è forse il suo
più grande rimpianto.
Michelle condivide il proprio
rimpianto, che si ricollega all’inizio del film. Michelle inizia il
film scappando dal fidanzato dopo una lite e rivela che questo è il
suo solito meccanismo di difesa a causa di un’infanzia violenta.
Questi abusi sono simili al rapporto paterno psicotico che Howard
cerca di imporre a lei, e la sua resistenza finale dimostra il suo
tentativo di rompere il circolo vizioso della paura e del
rimpianto.
Dare a Emmett un retroscena con una
motivazione simile crea un legame tra i due personaggi, e la morte
di Emmett fornisce la spinta di cui Michelle ha bisogno per
liberarsi finalmente dalla propria paura e fuggire dal bunker nel
finale di 10 Cloverfield Lane.
Il vero significato del finale
di 10 Cloverfield Lane
Il finale di 10 Cloverfield
Lane vede Michelle sfuggire a un predatore e imbattersi in un
altro sotto forma di una grande minaccia aliena. Sebbene si tratti
di una rivelazione improvvisa, in realtà fornisce un’interessante
continuazione dei temi stabiliti dal film. Presentando a Michelle
un altro mostro da affrontare, le offre l’opportunità di reagire e,
dato che è appena sfuggita per un pelo a una forma di prigionia, è
finalmente propensa a farlo.
Nei momenti finali, Michelle si
trova a un bivio, dovendo scegliere tra la fuga verso la salvezza o
affrontare il problema a testa alta. Proprio come la rivelazione
del mostro di Cloverfield nell’ultima scena del film, questa
scena lega tutto insieme: tutto ciò che Michelle ha affrontato
durante il film l’ha portata a quel bivio e lei è finalmente
disposta a reagire. Sebbene le scene finali di 10
Cloverfield Lane siano spesso citate come i momenti più deboli
del film, in realtà forniscono un’interessante continuazione dei
suoi temi più profondi, oltre a collegare il tutto al franchise di
Cloverfield.
Perché il finale di 10
Cloverfield Lane è stato controverso
Il finale di 10 Cloverfield
Lane ha scatenato polemiche perché alcuni spettatori hanno
ritenuto che fosse stato inserito a forza nella trama per inserirlo
nel più ampio franchise di Cloverfield. È stato un
salto stridente nel territorio della fantascienza e non aveva molto
senso dal punto di vista tonale se chi guardava non capiva
il collegamento con Cloverfield. Molti critici hanno
ritenuto che il finale minasse il resto del film e che 10
Cloverfield Lane sarebbe stato migliore come film a sé stante
con una conclusione meno trasversale ai generi. Tuttavia, anche se
il finale di 10 Cloverfield Lane è controverso, ha
altrettanti sostenitori.
L’improvviso cambio di ritmo
rispecchia il bisogno di Michelle di cambiare, e in fretta, se
vuole sfuggire a Howard e all’ambiente tossico del bunker. Ha
bisogno di superare la sua paura, soprattutto quando si tratta di
mettersi in pericolo, e il passaggio quasi istantaneo da un
thriller lento e inquietante a un incontro alieno ad alto ritmo
cattura tematicamente il panico adrenalinico che Michelle
proverebbe alla fine di 10 Cloverfield Lane. Gli alieni
rappresentano anche l’ignoto che lei deve affrontare quando fa il
passo successivo, simile all’ignoto che Emmett temeva e che gli
impediva di andarsene.
Lei ha superato le sue paure
e si avventura consapevolmente nel pericolo.
Molti di coloro che sono
intrappolati nel tipo di relazioni abusive che 10 Cloverfield
Lane esplora magistralmente hanno riferito che la paura
dell’ignoto al di là della loro situazione attuale li ha resi
incapaci di fuggire dagli abusi. Questo si cristallizza nei momenti
finali del film, quando Michelle si dirige verso Houston sullo
sfondo di un lampo che illumina le navi aliene in fase di
atterraggio. Ha superato le sue paure e si dirige consapevolmente
verso il pericolo, avendo sviluppato la consapevolezza che la pace
che cerca si trova al di là di ulteriori difficoltà.
Questo riflette l’esperienza che
vivono le vittime di abusi quando denunciano i loro aguzzini e il
fatto che molte continuano ad aiutare altre vittime di abusi
domestici nonostante questo le avvicini al proprio trauma.
Considerando il suo legame con i messaggi più profondi del film, il
finale di 10 Cloverfield Lane può essere visto come una
conclusione più intelligente e appropriata di quanto inizialmente
riconosciuto. Un potenziale 10 Cloverfield Lane 2 potrebbe
essere ancora più controverso.
Perché il finale di 10
Cloverfield Lane è perfetto per la sua storia
Alla fine, 10 Cloverfield
Lane ha spiegato i pericoli della violenza domestica
sistematica, e Michelle è stata la chiave per opporsi e porre fine
a quella forma di abuso. Howard era un classico archetipo di
abusatore. Era violento con lei fin dall’inizio, dimostrando che
voleva solo controllarla e dominarla, senza curarsi dei suoi
pensieri o dei suoi sentimenti. Tuttavia, c’è un problema nel fatto
che Michelle abbia superato e sconfitto Howard. Non era lui
l’origine dei suoi problemi di abuso. Fuggire da quest’uomo
significava per Michelle scappare di nuovo, anche se aveva lottato
per la sua libertà.
Quando sconfigge questo
mostro nel finale di 10 Cloverfield Lane, deve prendere una nuova
decisione: continuare a scappare o combattere.
Michelle non può sfuggire a questo
motivo ricorrente nella sua vita a meno che non faccia qualcosa di
più che scappare. Fuggendo dal suo rapitore e tornando nel mondo
reale, si è resa conto che c’era un altro predatore che voleva
farle del male. Questo era un vero mostro. Quando sconfigge questo
mostro nel finale di 10 Cloverfield Lane, deve prendere una
nuova decisione: continuare a scappare o combattere. Con mostri
giganti che minacciano di distruggere il mondo, sceglie di
combattere, ed è così che Michelle alla fine vince.
Howard è stato presentato come un
paranoico preparatore dell’apocalisse e, in un ironico scherzo del
destino, le sue azioni hanno preparato Michelle all’invasione
aliena che stava per verificarsi.
Il posto di 10 Cloverfield Lane
nella timeline del franchise di Cloverfield
Stabilire dei collegamenti tra
Cloverfield e 10 Cloverfield Lane è più difficile di
quanto possa sembrare, soprattutto perché la premessa
fantascientifica di quest’ultimo viene tenuta nascosta fino alla
fine del film. Ciò rende difficile individuare con esattezza il
posto di 10 CloverfieldLane nella narrazione
frammentaria del franchise di Cloverfield. Tuttavia, alcuni
piccoli easter egg indicano una collocazione specifica nella più
ampia timeline di Cloverfield.
È ragionevole supporre che gli
eventi di 10 Cloverfield Lane si svolgano almeno poco
dopo quelli di Cloverfield, poiché il primo racconta la
prima apparizione dei mostri a New York, mentre alla fine di 10
Cloverfield Lane il problema dei mostri sembra essere mondiale.
Tuttavia, ciascuno dei film attuali della serie Cloverfield
è stato concepito per essere completamente indipendente dagli
altri.
C’è anche un piccolo easter egg nel
materiale promozionale di 10 CloverfieldLane che
conferma che Howard lavorava per Tagruato, la stessa azienda che ha
assunto Rob all’inizio di Cloverfield, e un teorico della
cospirazione in The Cloverfield Paradox che condivide il
nome “Stambler” con Howard.
Cloverfield 4 deve spiegare la
cronologia del franchise
Con il finale di 10 Cloverfield
Lane che non fa riferimento diretto a come si inserisce nella
cronologia del primo Cloverfield, è stata presentata l’idea
che questo franchise fosse vagamente collegato. È un approccio
interessante, creare un’antologia horror fantascientifica sotto
l’egida di Cloverfield, con ogni uscita che affronta una
storia totalmente nuova nel genere, simile all’idea originale del
franchise di Halloween. Tuttavia, dopo tre film della serie
Cloverfield, la confusione su come tutto sia collegato sta
dimostrando di essere dannosa per l’accettazione di questi film da
parte del pubblico.
La risposta deludente a The
Cloverfield Paradox ha confermato il fatto che la serie aveva
bisogno di trovare un focus se voleva continuare. Il terzo film
inizialmente sembrava una storia autonoma ambientata nello spazio,
ma solo nei momenti finali si rivelava una versione molto più
grande del mostro originale di Cloverfield sulla Terra. Collegare
la storia in modo più diretto al primo Cloverfield, pur suggerendo
che si tratta di un universo diverso, non fa che aumentare la
confusione.
Qualunque sia il prossimo
progetto, sarà un momento decisivo per il franchise
Cloverfield
4 è confermato e, data la segretezza che ha circondato i
film fino ad ora, potrebbe arrivare in qualsiasi momento. Tuttavia,
qualunque sia il prossimo progetto, sarà un momento decisivo per
il franchise, poiché c’è bisogno di un film che leghi tutto
insieme e dia ai fan un po’ di chiarezza, mentre un altro film
autonomo con vaghi collegamenti agli altri potrebbe uccidere del
tutto l’interesse per il futuro di Cloverfield.
Come è stato accolto il finale
di 10 Cloverfield Lane
10 Cloverfield Lane ha
ricevuto ottime recensioni quando è uscito, e anche il pubblico lo
ha apprezzato. Grazie al budget ridotto (13-15 milioni di dollari),
è stato un successo al botteghino, incassando 110,2 milioni di
dollari (secondo Box
Office Mojo), e gran parte di questo successo è
dovuto al passaparola positivo. Tuttavia, anche le recensioni
positive del pubblico non hanno necessariamente apprezzato il
finale. Uno spettatore ha scritto: “In linea di massima il
film mi è piaciuto, ma ho trovato il finale artificioso e
inverosimile, perché forzato per collegarsi a Cloverfield.”
I critici erano d’accordo in molti
casi. Nella sua recensione,
Leonard Maltin ha scritto che il film riesce a “creare
tensione attraverso una serie di espedienti thriller, alcuni dei
quali al limite del cliché, ma comunque piuttosto efficaci.”
Tuttavia, dopo aver elogiato la performance di John Goodman, Maltin
ha aggiunto: “Il finale (che ricorda Cloverfield) non ha
l’impatto che dovrebbe avere.”
Non tutte le recensioni sono
positive, però. Owen Gleiberman della BBC ha scritto che “10 Cloverfield Lane sembra un
piano di marketing mascherato da film.” Ciò è dovuto al colpo
di scena finale che rende il film parte di un franchise più
ampio:
“Nel caso di 10 Cloverfield Lane, ciò che attira l’attenzione
dell’ultimo atto del film è soprattutto il fatto che sembra essere
stato preso da un altro film. Nell’ambiente conformista e
popcornistico di oggi, questo può essere interpretato come audacia.
Ma in realtà è solo disperazione, come se i realizzatori fossero
disposti a tutto pur di suscitare scalpore tra il
pubblico.”
Qual è il film di
Cloverfield con il finale migliore?
Nel corso degli anni, il
franchise di Cloverfield ha ricevuto recensioni contrastanti, ma
questo vale soprattutto per i finali dei film. Sebbene i tre film
del franchise realizzati finora siano di qualità diversa, si
potrebbe sostenere che nessuno di essi abbia davvero centrato
l’obiettivo in modo significativo.
Gran parte dei problemi di questi
finali è stata la tendenza a promettere una storia più grande che
non si concretizza mai. Il brusco cambio di tono di 10 Cloverfield
Lane nei momenti finali apre il mondo di questa massiccia invasione
aliena e della lotta dell’umanità per difendersi. Sebbene questo
sia un cliffhanger emozionante per il film, non dà necessariamente
al pubblico la sensazione di una storia completa del film che ha
appena visto.
Le critiche ricevute da 10
Cloverfield Lane per il suo finale che inserisce a forza il
collegamento con il franchise sono superate dalfinale di The Cloverfield Paradox. Non solo non ha la
forte risoluzione dei personaggi di 10 Cloverfield Lane, ma
l’improvvisa apparizione del mostro di Cloverfield è più confusa
che emozionante.
Con questi difetti che
appesantiscono gli altri finali,l’originale Cloverfield
riesce ad avere il finale più soddisfacente presentandolo come una
storia a sé stante. È vero che alla fine di Cloverfield
c’è un piccolo teaser che potrebbe preparare il terreno per
Cloverfield 2, se mai dovesse realizzarsi, ma il finale del film
porta la storia a una conclusione reale che riporta i personaggi al
centro del viaggio.
Non è un finale completamente
emozionante, ma mantiene lo sguardo intimo del film su un film di
attacchi di mostri e utilizza il formato del found footage per
portare la storia a una conclusione emotiva.
Il film termina con i
protagonisti Rob e Beth che affrontano insieme l’apparente fine
mentre l’esercito bombarda la città nel tentativo di uccidere il
mostro. Mentre si stringono l’uno all’altra e si sentono le
esplosioni, il film passa a un altro video che li ritrae durante un
appuntamento a Coney Island, mentre condividono un momento più
felice. Non è un finale completamente emozionante, ma mantiene lo
sguardo intimo del film su un film di mostri e utilizza il formato
del found footage per portare la storia a una conclusione
emotiva.
Alla fine di La vedova
nera (A Widow’s Game), viene finalmente svelata la
Black Widow della rete di bugie di Patraix.
Diretto da Carlos Sedes, il
thriller psicologico spagnolo, che dal 30 maggio, data della sua
uscita, ha scalato le classifiche di Netflix,
segue María Jesús “Maje” Moreno (Ivana Baquero), soprannominata la
Vedova Nera di Patraix, il cui marito, Arturo (Álex Gadea), viene
trovato brutalmente assassinato. All’inizio il caso sembra
abbastanza semplice, ma man mano che le indagini approfondiscono,
la detective Eva Torres (Carmen Machi) scopre relazioni nascoste e
segreti scioccanti.
La vedova nera è
basato sulla storia vera dell’omicidio di Antonio Navarro
Cerdán avvenuto nel 2017. Mentre si recava al lavoro, Cerdán è
stato pugnalato al petto in un parcheggio ed è morto sul posto,
secondo quanto riportato da TIME.
I suoi assassini sono stati condannati al carcere tre anni
dopo.
Dopo aver letto della morte di
Cerdán, il produttore esecutivo Ramón Campos ha deciso che il film
avrebbe dovuto esplorare più a fondo le motivazioni degli
assassini.
“Questo film non parla della
vittima, ma degli assassini”, ha dichiarato in un comunicato stampa del dicembre 2024. “Perché a volte la
risposta alle nostre azioni non sta in chi siamo, ma da dove
veniamo”. Come finisce La vedova nera? Ecco tutto quello
che c’è da sapere sul finale di La vedova nera, compreso
chi è stato arrestato per l’omicidio di Arturo.
Cosa succede alla fine di
La vedova nera?
Maje manipola il suo collega più
anziano e uno dei suoi numerosi amanti, Salva (Tristán Ulloa),
affinché uccida Arturo con il pretesto di essere intrappolata in un
matrimonio violento.
Salva porta a termine il crimine,
pugnalando a morte Arturo in un parcheggio. Man mano che le
indagini procedono, le forze dell’ordine intercettano il telefono
di Maje e scoprono il coinvolgimento di Salva.
Salva e Maje vengono arrestati.
Salva si assume tutta la responsabilità del crimine, con l’intento
di proteggere Maje, anche dopo che il detective Torres lo informa
che Maje non ha mai subito abusi da parte del marito.
Tuttavia, quando Salva scopre che
Maje ha intrapreso una relazione sentimentale con altri detenuti,
decide di modificare la sua dichiarazione prima del processo,
confessando alle autorità che Maje ha orchestrato l’intero
complotto.
Un giudice condanna Maje a 22 anni
di carcere, mentre Salva riceve una pena di 17 anni, grazie alla
sua collaborazione con le indagini.
Perché Maje voleva uccidere suo
marito?
Il motivo che ha spinto Maje a
orchestrare l’omicidio del marito è complesso e apparentemente
aperto a diverse interpretazioni. La sua infedeltà prima e dopo il
matrimonio con Arturo porta il pubblico a credere che non abbia mai
veramente amato suo marito.
Il film suggerisce che Maje fosse
disperata di mantenere la sua libertà e continuare le sue varie
relazioni con altri uomini senza essere vincolata dal marito.
“’Perché una persona ritiene che
sia meglio commettere un omicidio piuttosto che divorziare? Questa
è stata la domanda che mi ha assalito quando ho letto per la prima
volta la notizia del crimine di Maje e Salvador”, ha detto Campos
nel suo comunicato stampa di dicembre.
Ha continuato: “Nel corso degli
anni abbiamo cercato di svelare la risposta e pensiamo di aver
capito, ma non completamente, perché Maje abbia deciso di
manipolare Salvador per uccidere una persona che era senza dubbio
una brava persona”.
Come sono stati catturati Maje
e Salva?
Maje ha destato i primi sospetti
della polizia quando è apparsa stranamente calma dopo la morte di
Arturo. Il detective Torres l’ha tenuta d’occhio e alla fine ha
messo sotto controllo il suo telefono.
Le conversazioni incriminanti tra
Maje e Salva, in cui discutevano indirettamente del crimine, hanno
portato al loro arresto. La confessione di Salva ha infine portato
alla loro condanna.
La vedova nera è
basato su una storia vera?
Sì, La vedova nera è
basato sul caso di omicidio di Antonio Navarro Cerdán avvenuto nel
2017 a Valencia, in Spagna. Secondo TIME, sua moglie, María “Maje”
Jesús Moreno Canto, ha orchestrato l’omicidio con l’aiuto del suo
collega e amante, Salvador Rodrigo Lapiedra. Il 16 agosto 2017,
mentre Antonio era in un parcheggio mentre si recava al lavoro,
Salvador lo ha pugnalato a morte con un coltello da cucina.
Maje e Salvador sono stati entrambi
arrestati nel gennaio 2018. Salvador ha inizialmente rivendicato la
responsabilità esclusiva, ma in seguito ha rivelato il
coinvolgimento di Maje dopo aver scoperto che lei aveva intrapreso
una relazione sentimentale con un altro detenuto mentre era in
custodia. Nel 2020, Maje è stata condannata a 22 anni di carcere,
mentre Salvador ha ricevuto una pena di 17 anni, secondo TIME. Nel
2023, Maje ha dato alla luce un bambino avuto da un compagno di
detenzione di nome David.
L’universo DC ha un nuovo eroe,
Jaime Reyes (Xolo Maridueña), e il finale di Blue
Beetle lo vede sconfiggere i suoi primi nemici,
anticipando il suo futuro e molto altro ancora. Ufficialmente parte
della cronologia dei film DCEU, Blue Beetle racconta la
storia delle origini del supereroe latino della DC Jaime Reyes, un
neolaureato che torna a casa a Palmera City e viene legato a uno
scarabeo alieno simbiotico che gli conferisce dei poteri. Lo
Scarabeo rubato mette lui e Jennifer Kord (Bruna Marquezine) nel
mirino dell’amministratrice delegata della Kord Industries,
Victoria Kord (Susan
Sarandon), e del suo scagnozzo Conrad Carapax (Raoul Trujillo).
Questo alla fine porta alla morte del padre di Jaime e alla
scoperta della storia del mantello di
Blue Beetle.
Dopo che Victoria e Carapax
catturano Jaime per riottenere l’accesso allo Scarab, il finale di
Blue Beetle ruota attorno a Jennifer e alla famiglia di
Jaime che escogitano un piano per salvarlo. Jaime rimane
intrappolato in un dispositivo programmato per scaricare il codice
dello Scarab e trasferirlo alle tute O.M.A.C. di Victoria,
consentendole di creare un esercito di migliaia di soldati. Mentre
alla fine riesce a liberarsi e inizia a combattere contro i suoi
nemici, gli alleati di Jaime tra i personaggi di Blue Beetle
continuano la loro caccia per aiutare a sconfiggere Victoria,
Carapax e altri soldati. Il finale di Blue Beetle culmina in
uno scontro finale tra gli eroi e i cattivi, prima di anticipare
parte del futuro dell’universo DC.
Come Blue Beetle ferma il piano
di Victoria Kord
L’intero finale di Blue
Beetle ruota attorno a Jaime, Jennifer, Milagro Reyes, Rudy
Reyes, Nana Reyes e Rocio Reyes che cercano un modo per proteggersi
a vicenda e sconfiggere Victoria Kord. Lei riesce a scaricare il
codice dello Scarabeo e a trasferirlo alla tuta O.M.A.C. di
Carapax, ma ne ha migliaia di altri nascosti nell’isola remota dove
lavora segretamente. Solo dopo che il dottor Sanchez aiuta Blue
Beetle a fuggire, questi può iniziare a combattere contro Victoria
e Carapax. Come previsto, Blue Beetle termina con la
vittoria degli eroi sui cattivi e la sconfitta di Victoria, ma il
modo in cui ciò avviene è inaspettato.
Perché lo Scarabeo impedisce a
Jaime Reyes di uccidere Carapax
Un punto di svolta nel finale di
Blue Beetle arriva quando lo Scarabeo, noto come Khaji-Da,
impedisce a Jaime di uccidere Carapax. Jaime vuole vendicarsi
dell’uomo che ritiene in parte responsabile della morte di suo
padre e arriva a pochi centimetri dal diventare un assassino.
Grazie al legame tra Jaime e lo Scarabeo, Khaji-Da riesce a
impedire a Jaime di affondare le lame abbastanza da uccidere
Carapax. Quando lui le chiede perché non gli permette di uccidere
Carapax, Khaji-Da ripete le parole pronunciate da Jaime all’inizio
del film per ricordargli che loro non sono assassini. Il film
rivela anche un motivo più profondo per cui lo Scarabeo ferma Jaime
attraverso il retroscena di Carapax.
La verità sulla storia di
Carapax rivelata nel finale di Blue Beetle
Poiché i nuovi poteri di Carapax
derivano dal trasferimento del codice dello Scarabeo, Khaji-Da
rivela di avere ora accesso ai suoi ricordi e mostra a Jaime la
verità sul passato del suo nemico. È qui che il finale di Blue
Beetle rivela che la partecipazione di Carapax agli esperimenti
di Victoria non era del tutto volontaria. La madre di Conrad morì
quando lui era piccolo a causa di una bomba della Kord Industries,
lasciando Victoria a trovarlo e costringerlo a crescere come un
killer e un soldato addestrato. La verità dietro le origini di
Carapax aiuta a convincere Jaime a risparmiargli la vita, sapendo
che non ha scelto di diventare la macchina assassina in cui
Victoria lo ha trasformato.
Perché Carapax si autodistrugge
e uccide Victoria Kord
C’è un momento in cui sembra che
sia Carapax che Victoria Kord rimarranno in vita, consentendo
potenzialmente a entrambi i personaggi di entrare nei piani futuri
del film. Tuttavia, il finale di Blue Beetle va nella
direzione opposta, rendendo Carapax responsabile della morte di
entrambi. Carapax torna da Victoria dopo che lei gli ordina di
uccidere Jaime e Jennifer, ma lui non vuole più servire la donna
responsabile dell’uccisione di sua madre. Questo porta Carapax a
sovraccaricare la sua tuta per trasformarsi in una bomba vivente e
trascinare Victoria in un campo in fiamme nelle vicinanze. Poco
dopo, la tuta di Carapax si autodistrugge, uccidendo lui stesso e
Victoria Kord.
Cosa è successo alle altre tute
O.M.A.C. di Victoria?
C’è un mistero irrisolto nel finale
di Blue Beetle, ovvero quello delle altre tute O.M.A.C. che
Victoria Kord aveva creato sull’isola. Jennifer e Milagro sono
responsabili della scoperta della loro ubicazione mentre
attraversavano la base e confermano l’esistenza di centinaia o
migliaia di tute aggiuntive. Blue Beetle non approfondisce
in alcun modo questa rivelazione né la risolve, poiché non è stato
confermato che siano state distrutte né che siano finite in altre
mani. Considerando che gli O.M.A.C. sono collegati a Brainiac, Lex
Luthor e altri personaggi dei fumetti, potrebbero essere un
tassello importante per il futuro dell’universo DC.
Il finale di Blue Beetle
prepara il futuro di Jaime Reyes e Blue Beetle 2
La maggior parte del finale di
Blue Beetle è incentrato sulla risoluzione del conflitto
centrale e sul dare al pubblico un lieto fine per i personaggi. C’è
ancora spazio in questi momenti per il film per preparare il futuro
di Jaime Reyes nell’universo DC e dove potrebbe andare la storia in
un potenziale Blue
Beetle 2. Dopotutto, questa è solo la storia delle origini
di Jaime Reyes, quindi è probabile che ci saranno altre avventure
con il supereroe di Xolo Maridueña. Il modo in cui si sviluppa il
suo arco narrativo nel terzo atto e dove il film lo lascia, insieme
al franchise, aiutano a far luce su ciò che potrebbe succedere
dopo.
Jaime Reyes accetta il suo
destino di diventare Blue Beetle
Uno dei momenti chiave del finale
di Blue Beetle arriva quando Jaime Reyes accetta che essere
Blue Beetle è il suo vero scopo nella vita. Essendo una storia
delle origini, il film si concentra molto sui pro e i contro
dell’essere un supereroe e su come i poteri di Blue Beetle cambiano
la vita di Jaime. Alla fine non c’è dubbio che Jaime abbia
accettato il suo destino di Blue Beetle, il che contribuisce a
gettare le basi per un suo futuro come supereroe. Ciò significa che
Blue Beetle 2 potrà iniziare con Jaime ormai affermato e
determinato a essere un supereroe, mostrando come ha continuato a
evolversi.
Jaime Reyes e Jennifer Kord
aiuteranno Palmera City
Palmera City sembra essere in mani
molto migliori per il futuro dopo la fine di Blue Beetle,
grazie a Jaime Reyes e Jennifer Kord. L’amore di Jaime per la sua
città e il desiderio di ricostruire il posto della sua famiglia
nella comunità assicurano che continuerà a prendersi cura di
Palmera City e dell’intera comunità messicana, anche se le sue
avventure lo porteranno altrove. Aiuta anche il fatto che il film
confermi che Jennifer è ora a capo della Kord Industries. Lei
chiarisce subito come vuole che l’azienda agisca sotto la sua
guida, annunciando la cessazione della produzione di armi e
offrendosi di ricostruire la casa della famiglia Reyes.
Ted Kord è vivo e diventa il
nuovo mentore di Jaime Reyes
Un grande indizio su cosa e chi
potrebbe arrivare in Blue Beetle 2 arriva dalla scena post-crediti di Blue Beetle. Il teaser a metà dei
titoli di coda conferma che Ted Kord è vivo nonostante sia
scomparso 15 anni fa, poiché invia un messaggio tramite il suo
computer. Il teaser prepara direttamente Ted Kord per Blue Beetle
2, consentendo a Jennifer e a suo padre di riunirsi. Ciò significa
anche che Ted potrebbe diventare un mentore per Jaime Reyes, come
ha fatto a volte nei fumetti. Dopo la morte di suo padre, Jaime
potrebbe aver bisogno di un nuovo modello maschile che lo aiuti a
guidarlo nel suo viaggio da supereroe.
Cosa significa il finale di
Blue Beetle per l’universo DC
Blue Beetle potrebbe non
avere alcun collegamento scioccante con l’universo DC, ma il futuro
di Jaime Reyes è comunque assicurato. Il co-CEO della DC Studios
James
Gunn ha confermato che Blue Beetle, interpretato da Xolo
Maridueña, tornerà nell’universo DC. Resta da vedere quando e dove
questo accadrà. Inoltre, non è ancora chiaro come Blue Beetle si
inserirà nel canone dell’universo DC. La buona notizia è che il
finale di Blue Beetle lascia la porta piuttosto aperta a James Gunn
e Peter Safran per lavorare con il regista Ángel Manuel Soto e
capire come portare Jaime Reyes e gli altri nel nuovo
franchise.
Blue Beetle fa parte del nuovo
universo DC?
Purtroppo, dopo la conclusione del
film, rimangono ancora alcune domande sul fatto che Blue
Beetle sia canonico per l’universo DC. Sebbene Gunn abbia
confermato che Xolo Maridueña tornerà e abbia affermato che Blue
Beetle è il primo personaggio dell’universo DC, non ha detto che
Blue Beetle è un film dell’universo DC. Superman: Legacy lancerà
ufficialmente il nuovo franchise e la continuità nel 2025,
lasciando in sospeso lo status canonico della storia delle origini
di Jaime Reyes. A meno che qualcosa nel film non contraddica
direttamente il canone dell’universo DC che Gunn vuole stabilire,
il film dovrebbe essere abbastanza facile da aggiungere
retroattivamente alla timeline.
Dove Blue Beetle può tornare
nell’universo DC
Con il ritorno di Blue Beetle
confermato, dove e quando avverrà nell’universo DC è ancora oggetto
di dibattito. Il finale di Blue Beetle non anticipa
direttamente quando il pubblico rivedrà Jaime Reyes, ma ci sono 10
film e serie TV DC
Universe in uscita da prendere in considerazione. Alcuni
possono essere esclusi dalla lista dei candidati per la prossima
apparizione di Blue Beetle in base alla loro premessa,
ambientazione o tono. È possibile che Superman: Legacy
includa Blue Beetle in un piccolo ruolo. Potrebbe anche avere senso
per Booster Gold o Lanterns, a seconda di come si evolveranno i
progetti. È persino possibile che Blue Beetle 2 sia la
prossima occasione in cui il pubblico rivedrà Jaime.
Ted Kord apparirà nel DCU prima
di Blue Beetle 2?
La conferma che Ted Kord è vivo in
Blue Beetle è stata data per il sequel, ma rende anche
potenzialmente il personaggio disponibile per altri film e serie TV
del DC Universe. Booster Gold è il luogo più probabile in
cui il DCU potrebbe utilizzare il precedente Blue Beetle. Ted Kord
e Michael Carter sono amici intimi nei fumetti, e Booster
Gold potrebbe essere utilizzato per spiegare perché il
precedente Blue Beetle è scomparso. Booster Gold è un supereroe che
viaggia nel tempo, quindi è possibile che lui e Ted Kord abbiano
viaggiato nel tempo 15 anni fa e siano rimasti intrappolati in un
punto diverso del tempo.
Altri personaggi di Blue Beetle
sopravviveranno al reboot della DCU?
Mentre Jaime Reyes si è assicurato
un posto nell’universo DC, resta da vedere se il resto dei
personaggi di Blue Beetle sopravviverà al reboot. L’esito
più probabile è che Jennifer e i restanti membri della famiglia di
Jaime saranno riportati in vita. Le dinamiche familiari e le
relazioni che si sono formate tra i personaggi sono una parte
fondamentale della storia e dei temi di Blue Beetle. Se non
tornassero nei futuri
progetti dell’universo DC, la storia di Jaime ne
risentirebbe.
Il vero significato del finale
di Blue Beetle
Il vero significato del finale di
Blue Beetle è legato al potere della famiglia. L’amore di
Jaime per i suoi familiari viene inizialmente criticato da Carapax
come qualcosa che lo rende debole. Tuttavia, nulla potrebbe essere
più lontano dalla verità. Jaime Reyes è in grado di essere un
supereroe così grande grazie alla sua famiglia. Vuole salvare il
mondo per proteggerli, ma anche loro creano un incredibile sistema
di supporto per lui. Invece di essere vista come un peso, la
famiglia di Jaime dimostra che l’amore di Jaime per la sua famiglia
e i suoi amici (e per il mondo) è una forza e il motivo per cui
essere un supereroe è il suo scopo.
L’universo DC continua a prendere
forma, ma ci sono scene post-crediti di Blue
Beetle che anticipano il futuro? Il film del 2023 con
Xolo Maridueña nel ruolo di Jaime Reyes ha fatto notizia per essere
il primo grande film di supereroi con protagonista un
latinoamericano. Sebbene originariamente concepito per HBO Max e
come parte del rilancio del
DC Extended Universe, i cambiamenti alla DC Studios che hanno
portato James
Gunn e Peter Safran a riprendere le redini del progetto hanno
sollevato nuovamente interrogativi sul futuro di Blue
Beetle. Inoltre, sono state sollevate preoccupazioni sulla
possibilità che ulteriori anticipazioni possano essere dimenticate
e rimanere irrealizzate.
Blue Beetle si concentra
sulla storia delle origini di Jaime Reyes, che ottiene i
superpoteri grazie allo Scarabeo, catapultandolo in un mondo di
supereroi radicato nell’universo DC. Mentre lo status specifico di
Blue Beetle nel suo complesso rimane un po’ un mistero, il
futuro di Jaime come personaggio canonico dell’universo DC è
confermato. Il co-CEO della DC Studios ha già annunciato che Blue
Beetle, interpretato da Xolo Maridueña, continuerà in qualche
forma. Ciò crea comprensibilmente una maggiore aspettativa che i
piani per il futuro di Jaime Reyes e gli anticipazioni sul DC
Universe in generale possano arrivare se ci saranno scene
post-crediti di Blue Beetle.
Blue Beetle ha 2 scene
post-crediti
È confermato che Blue Beetle
ha una scena post-crediti, poiché ce ne sono due diverse incluse
dopo l’inizio dei titoli di coda. La prima appare poco dopo la
fine
di Blue Beetle, mentre una scena di Blue Beetle si
svolge a metà dei titoli di coda. C’è anche un’altra scena
aggiuntiva alla fine dei titoli di coda. L’uso delle scene
post-crediti di Blue Beetle continua la tendenza dei film DC
di seguire il trend hollywoodiano di includere anticipazioni sul
futuro, battute aggiuntive e altre sorprese nei titoli di coda.
Inoltre, incoraggiano il pubblico a rimanere seduto per vedere i
nomi degli sceneggiatori, degli attori, degli artisti degli effetti
speciali e degli altri membri della troupe che rendono possibile la
realizzazione dei film.
Vale la pena aspettare le scene
post-crediti di Blue Beetle?
Si può dire con certezza che vale
la pena aspettare le scene dopo i titoli di coda di Blue
Beetle. La scena a metà dei titoli di coda è un’anticipazione
più diretta di dove potrebbe andare la serie in un possibile
Blue Beetle 2 e potrebbe anche collegarsi ad altri progetti
DC Universe già annunciati. La scena alla fine dei titoli di coda
di Blue Beetle è più divertente e meno importante da
aspettare. A differenza del post-crediti di Black
Adam, che anticipa una lotta tra Superman e Black Adam, o dei
crediti di Shazam 2, che anticipano l’ingresso di Shazam
nella Suicide Squad o il ritorno di Mister Mind, la
scena a metà dei titoli di coda di Blue Beetle può ancora
funzionare dopo il reboot dell’universo DC, rendendola degna di
essere vista.
Spiegazione della scena a metà
dei titoli di coda di Blue Beetle: Ted Kord è vivo
La prima scena post-crediti di
Blue Beetle è la più importante, poiché conferma che Ted
Kord è ancora vivo. Il film non esita a dare al precedente Blue
Beetle un posto consolidato nella storia di questo universo. È il
padre di Jennifer e l’ex amministratore delegato della Kord
Industries prima di scomparire misteriosamente e lasciare il posto
a Victoria Kord (Susan Sarandon). Si pensava che Ted fosse morto in
qualche modo alla ricerca di informazioni sullo Scarabeo, a causa
della sua ossessione per esso. La scena a metà dei titoli di coda
di Blue Beetle inizia mostrando la base Beetle Nest di Ted
Kord e zoomando sul manichino che non indossa il costume di Blue
Beetle.
La parte principale della scena
post-crediti di Blue Beetle ruota attorno a un messaggio che
viene riprodotto dal computer nella base. Inizia con un semplice
“Ciao?”, prima che l’uomo inizi a mostrare il suo stupore.
Ringrazia chiunque abbia acceso il suo computer, senza sapere che
si trattava di Jaime, Jennifer (Bruna Marquenize) e Rudy Reyes
(George Lopez). Il messaggio prosegue dicendo che ha bisogno di
qualcuno che consegni questo messaggio a sua figlia, affinché lei
sappia che suo padre è vivo. Sebbene non ci fossero molti dubbi
prima, la scena a metà dei titoli di coda di Blue Beetle
termina con l’oratore che dice “Ted Kord è vivo”.
Come la sopravvivenza di Ted
Kord prepara il terreno per Blue Beetle 2
La sopravvivenza di Ted Kord è un
chiaro indizio su dove potrebbe andare a parare la storia in
Blue Beetle 2. Il film termina con Jaime e Jennifer che
volano insieme alla tenuta dei Kord perché lei vuole vedere ancora
i vecchi dipinti di sua madre. Questo potrebbe portarli a tornare
al Beetle Nest e a scoprire il nuovo messaggio. La scoperta di
Jennifer e Jaime che Ted Kord è vivo potrebbe essere l’evento
scatenante della trama di Blue Beetle 2. La coppia appena
formata potrebbe iniziare una ricerca per trovare Ted Kord,
risolvere il mistero di ciò che gli è successo 15 anni fa e portare
un esperto di Scarab nel gruppo.
Sebbene al momento non si conosca
la natura esatta di ciò che ha portato Ted Kord a scomparire per 15
anni, la sua apparizione in Blue Beetle 2 gli consentirà di
assumere il ruolo di mentore di Jaime Reyes. Si tratta di una
dinamica presente in tutti i fumetti da quando Jaime Reyes è
diventato l’ospite dello Scarabeo. Il sequel di Blue Beetle
potrebbe quindi vedere Ted aiutare Jaime a diventare un supereroe
ancora migliore e a scoprire di più sui poteri e sulle origini
dello Scarabeo. Considerando i piani per l’integrazione di Blue
Beetle nella DCU, la spiegazione del ritorno di Ted potrebbe essere
molteplice.
Spiegazione della scena
post-crediti di Blue Beetle
La scena post-crediti di Blue
Beetle è un divertente omaggio alla cultura messicana rispetto
alla scena a metà dei titoli di coda. Questo perché si basa
sull’amore di Rudy per il supereroe satirico messicano El Chapulín
Colorado. Il personaggio è citato in precedenza nel film attraverso
l’invenzione di Rudy che blocca i segnali video e riproduce invece
scene dell’amato eroe messicano. El Chapulín Colorado è stato
creato da Roberto Gómez Bolaños negli anni ’70 e ha recitato in
vari programmi live-action e animati nel corso degli anni. Le clip
presenti nella scena post-crediti di Blue Beetle
rendono omaggio alle forti radici messicane del film e presentano
El Chapulín Colorado a un pubblico più ampio.
La serie poliziesca di NetflixDept.
Q segue l’avvincente caso irrisolto di Merritt
Lingard, mentre un gruppo di detective di Edimburgo ricostruisce
gli indizi della sua scomparsa. Matthew Goode è il protagonista del
Dept. Q nel ruolo di Carl Morck, un detective impersonevole
che si sta riprendendo da una ferita da arma da fuoco che ha
paralizzato il suo partner e ucciso l’agente di polizia intervenuto
sul posto. Di conseguenza, Morck viene assegnato ai casi irrisolti
e alla fine si occupa del caso di Merritt Lingard, un avvocato
scomparso quattro anni prima.
La serie è un’aggiunta
impressionante alla categoria delle serie TV poliziesche di
Netflix e tiene il pubblico incollato allo schermo
fin dal primo episodio. Morck e la sua squadra, Akram e Rose,
scoprono lentamente delle incongruenze nel caso di Merritt, che li
portano a chiedersi se qualcuno dall’interno abbia avuto un ruolo
nella sua scomparsa. Non sorprende che Dept. Q sia diventato
rapidamente un successo su Netflix, con gli spettatori che già
sperano in una seconda stagione. Anche se non ci sono ancora
annunci, la scoperta di Merritt da parte di Morck e il lieto fine
della sua squadra hanno concluso bene la prima stagione.
Perché Merritt è stata rapita
dalla famiglia Jennings (e come è sopravvissuta)
La madre e il figlio erano
legati al passato di Merritt a Mhor
Il pubblico sa dall’episodio 1 di
Dept. Q che Merritt Lingard è in realtà viva ed è stata
tenuta prigioniera in una camera iperbarica negli ultimi quattro
anni, ma gli investigatori della serie impiegano molto più tempo
per arrivare a questa conclusione. Mentre Morck e la sua squadra
indagano su tutti gli aspetti della sua scomparsa che non tornano,
Merritt viene costantemente interrogata dal suo rapitore su cosa
abbia fatto per meritarsi la sua punizione. L’avvocato ricorda casi
passati in cui ha aiutato a mettere in prigione delle persone, ma
si è rifiutata di aiutarle quando avevano bisogno; tuttavia,
nessuno di questi casi è accurato.
Alla fine viene rivelato che
è stato Lyle ad aggredire William, ma Harry si è preso la colpa,
mentre i Jennings hanno incolpato Merritt per la sua
morte.
È solo nell’ultimo episodio che
lei capisce che i suoi rapitori sono Ailsa e Lyle Jennings, la
madre e il fratello di un ragazzo con cui usciva al liceo, morto
cadendo dal traghetto dopo aver tentato di fuggire dall’isola dove
vivevano. Harry Jennings è stato accusato di aver picchiato
selvaggiamente il fratello di Merritt, William, e di aver
svaligiato la loro casa. Alla fine si scopre che è stato Lyle ad
aggredire William, ma Harry si è preso la colpa e i Jennings hanno
incolpato Merritt per la sua morte.
Sia Ailsa che Lyle Jennings erano
chiaramente malati di mente e incapaci di capire che Merritt non
era responsabile di ciò che era successo a Harry, che era invece
stato un tragico incidente causato dalle azioni di Lyle. Lei scopre
l’identità dei suoi rapitori solo poco prima di essere salvata da
Morck e Akram, rendendosi conto alla fine che il suo rapimento
non era colpa sua e che non deve sentirsi in colpa per Harry o
per essere sopravvissuta alla camera iperbarica.
Sam Haig era Lyle Jennings fin
dall’inizio – Perché ha rubato l’identità
O meglio, c’erano due Sam
diversi
Dept. Q presenta molti colpi
di scena che tengono gli spettatori con il fiato sospeso nel
tentativo di scoprire chi fosse il vero responsabile della
scomparsa di Merritt, e forse uno dei più intricati è quello
dell’identità di Sam Haig. Morck, Akram e Rose passano molto tempo
a cercare di scoprire la portata della relazione tra Merritt e Sam
e chi fosse al di fuori del suo lavoro di giornalista, ma non si
fermano mai a chiedersi se stiano davvero parlando dello stesso
uomo.
Alla fine, i detective si rendono
conto che le storie che hanno appreso dai suoi amici del centro di
arrampicata e ciò che sanno della sua relazione con Merritt
collocherebbero Sam Haig in due posti diversi contemporaneamente.
Attraverso le loro scoperte e i flashback di Lyle Jennings,
Dept. Q rivela che Sam e Lyle si conoscevano da adolescenti
in un istituto di correzione, ma Lyle ha ucciso Sam dopo che si
erano ritrovati e ha rubato la sua identità per avvicinarsi a
Merritt.
Il capo di Merritt era
coinvolto nell’insabbiamento di un crimine?
Il detective Morck scopre che
Stephen Burns aveva un segreto
Morck e la sua squadra interrogano
tutti i possibili sospettati della scomparsa di Merritt, compresi i
suoi colleghi dell’ufficio del procuratore generale. Dopo aver
scoperto che Merritt era andata a letto con uno dei suoi colleghi,
lo interrogano e vengono a conoscenza di altri sospetti nel
dipartimento. Nel frattempo, si rendono conto che Sam Haig stava
indagando sul capo di Merritt, Stephen Burns, e sul suo potenziale
collegamento con l’imputato nel processo che Merritt stava seguendo
prima di scomparire. Sebbene Burns non fosse coinvolto nel
rapimento di Merritt, aveva un grande segreto da
nascondere.
Temendo per la vita di sua
figlia, Burns ha permesso che il testimone fosse messo a tacere e
che Finch fosse rilasciato.
Poco prima della sua scomparsa,
Merritt stava lavorando al caso Finch, in cui un marito era
accusato di aver ucciso sua moglie, anche se lui sosteneva che
fosse caduta dalle scale. Finch è stato infine dichiarato non
colpevole, ma c’era dell’altro. Aveva legami con altri criminali
che avevano minacciato la figlia di Burns e avevano aggredito un
potenziale testimone. Temendo per la vita di sua figlia, Burns ha
permesso che il testimone fosse messo a tacere e che Finch fosse
rilasciato. Morck però lo scopre e alla fine lo sfrutta per
chiedere più fondi e il grado di DI per Akram.
Chi ha davvero sparato a
Morck?
Il finale della prima stagione di
Dept. Q vede Morck e la sua squadra risolvere il caso
Merritt, ma i detective che lavorano al caso della sparatoria che
ha coinvolto Morck hanno molta meno fortuna. Uno dei fili
conduttori della stagione è il seguito della sparatoria che ha
coinvolto Morck e il suo partner Hardy. Questo vale sia per il caso
stesso, ancora irrisolto, sia per il benessere mentale e fisico dei
due, dato che Hardy deve sottoporsi a una lunga riabilitazione e
Morck deve partecipare a malincuore a una terapia. Nel corso della
stagione fanno progressi, ma il caso rimane irrisolto.
I colleghi di Morck che lavorano al
suo caso trascurano molti dettagli, spingendolo a essere molto più
coinvolto di quanto probabilmente dovrebbe. Alla fine della prima
stagione di Dept. Q, non hanno ancora trovato l’identità
dell’assassino, ma Morck ha una teoria secondo cui sarebbe
coinvolta più di una persona. L’agente che ha risposto alla
chiamata ha finto di effettuare un controllo di routine e ha
semplicemente aspettato l’arrivo degli agenti, dove qualcuno era in
attesa all’interno per aggredirli, rendendo probabile che alcuni
agenti abbiano legami con il mondo criminale.
Come il finale di Dept. Q
prepara la seconda stagione
In generale, “Dept. Q” ha un finale
abbastanza felice, poiché Morck e la sua squadra risolvono il caso
di Merritt e la salvano, Morck sta finalmente iniziando ad avere un
atteggiamento più positivo e un rapporto migliore con il
figliastro, e Hardy è in grado di camminare di nuovo con le
stampelle e si unisce per la prima volta alla squadra dei casi
irrisolti in ufficio. Tuttavia, la serie lascia ampio spazio per
un ritorno dei personaggi in numerose stagioni, dato che ci
sono così tanti casi irrisolti da affrontare.
Dept. Q ha attualmente un
indice di gradimento della critica dell’84% su Rotten Tomatoes e un
indice di gradimento del pubblico ancora migliore, pari al 94%.
Oltre al fatto che la squadra del
Dept. Q ha un sacco di casi da risolvere e una reputazione
più positiva, ci sono ancora alcune domande irrisolte della prima
stagione. La domanda più importante che la seconda stagione
potrebbe esplorare è chi ha davvero sparato a Hardy e Morck e
perché. Sembra che ci sia molta corruzione all’interno della
stazione di polizia e nei tribunali, quindi questi potrebbero
essere più collegati di quanto il pubblico sappia. Allo stesso
modo, sarebbe divertente vedere il Dept. Q esplorare
ulteriormente le relazioni crescenti di Morck con coloro che lo
circondano, creando una visione ancora più complessa del
personaggio.
La serie NetflixOmbre nell’acqua (The Survivors) intreccia
un misterioso omicidio che si sviluppa lentamente, conducendo a un
finale che finalmente risolve i misteri dell’omicidio di Bronte e
della scomparsa di Gabby. La storia inizia con Kieran e Mia che
tornano con la loro figlia nella comunità isolana di Evelyn Bay.
Entrambi se ne erano andati dopo che una tempesta aveva ucciso due
giovani, Finn e Toby, e spazzato via una ragazza adolescente di
nome Gabby. Kieran era il fratello di Finn e Mia era la migliore
amica di Gabby. Poco dopo il loro arrivo, una donna di nome Bronte
viene assassinata sulla spiaggia, dando il via a un grande
mistero.
Prima della sua morte, Bronte stava
indagando sulla scomparsa di Gabby, portando Mia a chiedersi se
l’omicidio potesse essere collegato. Mentre lei, Kieran e la
polizia indagano sull’omicidio, iniziano a rendersi conto che
Evelyn Bay nasconde dei segreti. Il cast di Ombre
nell’acqua (The Survivors) include molti
sospetti che potrebbero essere coinvolti nella scomparsa,
nell’omicidio o in entrambi. Fortunatamente, il finale fornisce una
risposta davvero scioccante che collega la scomparsa di Gabby e la
morte di Bronte.
Come la scomparsa di Gabby e la
morte di Bronte sono collegate in Ombre
nell’acqua
Bronte è stata uccisa per
nascondere la verità su Gabby
In tutto Ombre nell’acqua
(The Survivors), Mia cerca di capire se la morte di
Bronte è collegata alla scomparsa, avvenuta quindici anni prima,
della sua migliore amica d’infanzia, Gabby. Dopotutto, Bronte stava
indagando direttamente sulla scomparsa di Gabby e intervistando
amici e familiari prima della sua morte. Anche se tutti trattano
Mia come se fosse fuori di testa per averlo pensato, lei ha ragione
sui due incidenti: sono direttamente collegati. Gabby e Bronte sono
state entrambe uccise dalla stessa persona: Sean Gilroy.
Mentre la morte di Gabby è stata
per lo più un incidente estremamente imprudente causato da un
ragazzo adolescente, Sean ha ucciso Bronte perché si era avvicinata
troppo alla verità su Gabby. Bronte e Sean erano andati in spiaggia
per fotografare la bioluminescenza. Mentre erano lì, lei gli ha
mostrato la foto del nome di Gabby nella grotta nord, suggerendo
che forse non era stata spazzata via dalla tempesta. Quando
Bronte ha cercato di andarsene con la macchina fotografica, lui
l’ha colpita due volte con una torcia elettrica.
Se abbia premeditato l’omicidio o
abbia semplicemente perso il controllo è discutibile. Sembra
probabile che la prima volta che l’ha colpita con la torcia sia
stato solo un impulso dettato dalla paura, ma con il secondo colpo
sembrava volerla zittire. In ogni caso, Sean ha sicuramente deciso
di disfarsi del corpo in acqua invece di chiamare i soccorsi,
nascondere le prove e incastrare Brian.
Cosa è successo davvero a Gabby
il giorno della sua scomparsa
Ombre
nell’acqua fornisce alcuni dei pezzi più
importanti del puzzle su ciò che è realmente accaduto a Gabby prima
del finale. Tuttavia, alla fine è comunque uno shock quando Sean
rivela la verità. Il giorno della sua scomparsa, Gabby voleva
comprare dell’alcol per una festa, il che ha portato a una lite tra
lei e Mia. Purtroppo, questa è l’ultima volta che le due migliori
amiche si vedono, il che senza dubbio pesa molto su Mia.
Gabby va a cercare Kieran, sperando
che lui le compri dell’alcol. Come rivelato all’inizio, incontra
Brian, che la avverte dell’arrivo di una tempesta. Lei lo ignora e
scende al molo, chiedendo a Finn e Toby di portarla alle grotte. I
due ragazzi più grandi mettono il suo zaino nella scatola asciutta
perché è troppo stretta per trasportare uno zaino attraverso le
grotte. Alla fine, Finn e Toby la fanno entrare nelle grotte con
Sean.
All’interno, Sean bacia Gabby, ma
lei lo respinge. Lei gli chiede di aiutarla a uscire dalle grotte e
lui le dice di seguirlo. Tuttavia, lui scappa perché è arrabbiato
con lei. Purtroppo, senza l’aiuto di Sean per uscire, Gabby
annega. È chiaro che, piuttosto che agire a sangue freddo, Sean
era un adolescente avventato e incurante che probabilmente non
capiva la portata delle sue scelte. Sfortunatamente, segue il
consiglio di suo padre e nasconde la verità per 15 anni, impedendo
alla famiglia di Gabby di ottenere la chiusura di cui ha
bisogno.
Perché Sean ha incastrato Brian
per l’omicidio di Bronte
Il motivo più ovvio per cui Sean
incastra Brian per l’omicidio di Bronte è il fatto che era presente
sulla spiaggia la notte della morte di Bronte. È facile liquidare
la cosa dicendo che Brian si è semplicemente trovato nel posto
sbagliato al momento sbagliato. Tuttavia, Sean rivela un pensiero
più insidioso alla base della sua decisione quando Kieran lo
affronta riguardo all’incastrare Brian. L’assassino afferma, in
termini molto meno diretti, che la vita di Brian è già finita a
causa della sua regressione della memoria, sottintendendo che
Brian non sarebbe comunque in grado di dire cosa sta
succedendo.
Il fatto che Brian abbia
problemi di memoria non rende la sua vita meno importante, così
come il fatto che tutti abbiano dimenticato la scomparsa di Gabby
non la rende meno importante.
Purtroppo, questo riflette
l’atteggiamento di molti personaggi nei confronti di Brian in
The Survivors, poiché pochissimi lo trattano come un uomo
adulto con pensieri e sentimenti. Sean considera Brian inutile
perché affetto da una malattia neurodegenerativa. Gli agenti lo
trattano con tale disprezzo che quasi non si accorgono che sta
cercando di spiegare con i gesti di aver aiutato Bronte a uscire
dall’acqua. Persino Verity, la persona che gli dimostra più cura e
compassione, gli parla continuamente senza ascoltarlo.
In definitiva, il rapporto di Brian
con la memoria è probabilmente l’aspetto più rilevante del
messaggio di Ombre nell’acqua. Il fatto che Brian
abbia problemi di memoria non rende la sua vita meno significativa,
così come il fatto che tutti abbiano dimenticato la scomparsa di
Gabby non la rende meno importante. Sean aveva torto su entrambi i
fronti.
Perché Kieran ha lasciato
Evelyn Bay dopo l’incidente
La maggior parte della città nutre
ostilità nei confronti di Kieran per aver “causato” la morte di
Toby e Finn, e sono ancora più aggressivi per il fatto che Kieran
se ne sia andato dopo. Lo interpretano come un’ammissione di colpa.
Tuttavia, si scopre che ha lasciato Evelyn Bay su richiesta di suo
padre. Brian nota quanto Verity sia crudele nei confronti di
Kieran, incolpandolo e chiarendo che avrebbe preferito che Kieran
fosse morto al posto di Finn. Visto il suo atteggiamento ostile, il
padre pensava che Verity avrebbe rovinato la vita di Kieran se
fosse rimasto a Evelyn Bay.
Alla fine, mandare via Kieran è
stato un atto di empatia e di amore da parte di Brian, ma ha
bloccato il processo di guarigione di tutta la famiglia. Kieran è
stato isolato dalla sua famiglia e dalla sua comunità, e questo gli
ha fatto sentire che non poteva tornare. Nel frattempo, Verity ha
continuato a provare rabbia verso Kieran. La tragedia è stata una
situazione triste in cui tutti hanno perso.
Il vero significato del finale
di Ombre nell’acqua
La serie australiana di
Netflix è profondamente avvincente e ha
molto da dire sul dolore, la famiglia, la tragedia e la verità. In
tutto il suo svolgimento, parla del modo in cui le famiglie possono
rimanere bloccate nel loro dolore quando non hanno risposte. Le
famiglie di Finn e Toby sono state in grado di accettare le loro
tragiche morti perché avevano una sorta di risposta su ciò che era
successo. Tuttavia, Trish, Liv e Mia sono rimaste bloccate per 15
anni perché hanno perso Gabby senza mai sapere cosa fosse realmente
successo. Anche se lo hanno espresso in modi diversi, vivevano con
il fantasma di Gabby.
Il finale di Ombre
nell’acqua fornisce un esempio concreto del perché è
importante lottare per ottenere risposte sui casi irrisolti, anche
quando sembrano irraggiungibili. Sebbene ci siano voluti 15
anni, Mia, Trish e tutte le altre persone che amavano Gabby sono
riuscite a fare pace con la sua morte. Inoltre, il fatto che alla
fine di Ombre nell’acqua si riuniscano tutte
per onorare Gabby e Bronte dimostra che spesso la guarigione arriva
dalla comunità e non dall’isolamento. È bello vederle avvicinarsi e
sanare i rapporti tesi.
Diretto da Matt
Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett (anche
registi di Scream e
Scream
VI), Finché morte non ci separi vede
Samara Weaving
nei panni di Grace, una bellissima sposa che entra
a far parte della ricchissima famiglia Le Domas.
Subito dopo aver detto “Sì, lo voglio”, Grace viene però a sapere
dal suo nuovo marito Alex (Mark
O’Brien) che a mezzanotte dovrà partecipare a un gioco,
parte di un’eccentrica tradizione che coinvolge tutti i nuovi
membri della famiglia.
Commedia nera divertente e spassosa,
mescolata a un raccapricciante horror di sopravvivenza, il film è
caratterizzato da una serie di regole complesse e da una mitologia
che viene rivelata durante la difficile prova che Grace dovrà
affrontare con i suoi suoceri infernali. Secondo la dinastia Le
Domas, Grace deve infatti sopravvivere alla notte per essere
accettata nella famiglia. Il sadico rituale si basa però su un
sistema di credenze più profondo che alimenta le azioni della
famiglia Le Domas e offre alcune divertenti sorprese che portano al
finale esplosivo di Ready or Not.
Cosa succede nel finale
di Finché morte non ci separi
Nell’atto finale di Finché
morte non ci separi, Grace, ferita e disperata, tenta di
fuggire dalla villa dei Le Domas, ma viene catturata dal
maggiordomo Stevens (John
Ralston). Grace viene ingannata da Daniel
(Adam
Brody) dopo essere quasi riuscita a scappare, viene
infine sopraffatta e riportata alla villa per completare il rituale
sacrificale della famiglia al misterioso Mr. Le
Bail. In una serie di colpi di scena, Daniel, tormentato
dal senso di colpa, libera Grace e cerca di aiutarla a fuggire, ma
viene ucciso a colpi di pistola dalla propria moglie,
Charity (Elyse Levesque).
Mentre Alex assiste alla morte del
fratello, la madre Becky (Andie
MacDowell) cerca di uccidere Grace, ma la sposa respinge
la suocera e la picchia a morte. Quando Alex vede che Grace ha
ucciso sua madre, si rivolge allora contro la sua nuova moglie e la
costringe al sacrificio rituale. Tuttavia, Alex non riesce a
pugnalare Grace al cuore e invece le trafigge la spalla,
interrompendo il rituale. La famiglia scioccata si rende conto che,
anche se è ormai l’alba, stanno tutti bene… più o meno.
La loro gioia non dura però a lungo,
però, perché ogni membro della famiglia Le Domas prende fuoco
spontaneamente, esplodendo in pezzi sanguinolenti in tutta la
stanza, mentre Grace, ricoperta di sangue e parti del corpo,
scoppia a quel punto a ridere di gusto. Alex, tuttavia, pensa di
essere l’unico sopravvissuto fino a quando anche lui esplode dopo
che Grace gli chiede: “Voglio il divorzio!”. Grace rimane così
l’unica persona sopravvissuta a quella notte bizzarra e
violenta.
Le regole del gioco Finché
morte non ci separi sono state stabilite generazioni prima
dalla famiglia Le Domas. Secondo la tradizione stabilita dal loro
bisnonno, Victor Le Domas, chiunque si sposi nella
famiglia Le Domas deve giocare a un gioco. Questo è l’unico modo
per essere veramente accettati nella famiglia e dimostrare di
appartenervi. A mezzanotte, la nuova sposa o il nuovo marito devono
sedersi con il resto della famiglia Le Domas in una sala speciale,
vietata a chiunque altro. Il nuovo arrivato inserisce quindi una
carta bianca in una scatola speciale che è stata data a Victor dal
signor Le Bail.
La scatola determinerà quindi quale
gioco giocherà la famiglia. Nella maggior parte dei casi, la
scatola scriverà sulla carta bianca il nome di un gioco da tavolo
da giocare. Di tanto in tanto, però, sceglierà il nascondino, come
è successo con Grace. Quando ciò accade, una canzone inquietante
verrà riprodotta improvvisamente dal fonografo, segnando l’inizio
del gioco, e l’intera villa dei Le Domas verrà chiusa a chiave.
Poiché quando questa tradizione è stata istituita non c’erano
telecamere di sicurezza, le telecamere vengono disattivate per
rendere il gioco “equo”. Grace ha quindi 100 secondi per
nascondersi mentre la famiglia si arma con le armi tradizionali
conservate nella sala familiare.
L’identità del signor Le Bail
Il film suggerisce poi fortemente
che il signor Le Bail sia il diavolo e che Victor Le Domas abbia
stretto un patto con lui per diventare incredibilmente ricco. Non
solo il loro rituale sacrificale ha un che di satanico, ma è
incentrato sull’apparizione magica del signor Le Bail sulla sua
poltrona preferita, cosa che avviene per un breve istante. Grace lo
vede apparire nella stanza per un attimo dopo che l’intera famiglia
Le Domas è morta. Come spiega Tony Le Domas
(Henry Czerny) nella storia della famiglia, il
Dominio Le Domas (come preferiscono essere chiamati) ha avuto
inizio nel XIX secolo.
Victor Le Domas vinse una partita
d’azzardo contro il signor Le Bail e ricevette una scatola nera
magica e la capacità di guadagnare la sua vasta fortuna dai giochi
da tavolo e dalle carte da gioco. Le regole che la famiglia Le
Domas seguiva per mantenere il proprio dominio erano anch’esse
opprimenti. Alcuni membri della famiglia non credono che la
maledizione sia reale, ma continuavano comunque a seguire i loro
terribili rituali per paura di perdere tutto ciò che hanno. La
famiglia Le Domas considerava tutto questo come il prezzo da pagare
per mantenere la propria ricchezza e il proprio status.
Il personaggio più inaffidabile di
Finché morte non ci separi risulta essere Alex Le
Domas. Alex era il figliol prodigo che aveva lasciato la famiglia
per due anni, ma alla fine era tornato con Grace. Alex sapeva che
Grace desiderava disperatamente far parte di una famiglia perché
era cresciuta in diverse case famiglia. Sposarsi con il ricco Le
Domas avrebbe dovuto essere un sogno che si avverava per lei.
Tuttavia, Alex non le ha parlato della tradizione di famiglia e di
ciò che avrebbe potuto comportare fino a quando il gioco a
nascondino non era già iniziato. Anche se Alex ha cercato di
salvare Grace per parte del film, in realtà era in conflitto con la
sua vera natura di Le Domas e la sua lealtà verso la famiglia.
Alla fine, quando Alex ha visto che
Grace aveva ucciso sua madre, ha perso il controllo e si è
rivoltato contro la sua nuova moglie. Alex non ha però pugnalato
Grace al cuore per completare il rituale perché forse credeva che
la maledizione fosse vera, il che significava che tutta la sua
famiglia sarebbe morta, ma lui no. Lui e Grace avrebbero potuto
essere gli unici membri della famiglia Le Domas rimasti in vita. Ma
Alex è un Le Domas fino al midollo e muore dunque con il resto del
suo clan. Grace, invece, sopravvive, capendo di non aver bisogno di
unirsi ad una famiglia per sentirsi completa.
Perché tutti sono esplodono quando
sorge il sole
La famiglia Le Domas esplode quando
sorge il sole nel finale di Finché morte non ci
separi perché non è riuscita a sacrificare Grace come
richiedeva la tradizione familiare. Se fossero riusciti a
sacrificare Grace, avrebbero continuato a vivere. Ciò dimostra che
la maledizione era vera, contribuendo a rafforzare l’idea che il
signor Le Bail sia davvero il diavolo. Il risultato è un finale
molto soddisfacente che mostra i miliardari malvagi che se ne vanno
con il botto. È un finale appropriato, in linea con i temi generali
di Finché morte nonn ci separi sulla natura
distruttiva dei più ricchi e dell’élite mondiale.
Dopo il climax esplosivo di
Finché morte non ci separi, la polizia trova Grace
nel suo abito da sposa completamente ricoperta di sangue sui
gradini della villa dei Le Domas in fiamme. Grace avrà
probabilmente molte spiegazioni da dare alle autorità, ma potrebbe
non essere in grado di provare ciò che è realmente accaduto se
tutte le prove sono state distrutte nell’incendio della villa. Non
è chiaro se Grace abbia firmato un accordo prematrimoniale prima di
sposare Alex, poiché la questione non viene affrontata nel
film.
Dato che Grace è, in un certo senso,
entrata a far parte della famiglia La Domas, avrebbe potuto
potenzialmente uscire indenne dalla prova come miliardaria al
controllo del Dominio Le Domas. Con
le riprese del sequel appena conclusesi, è probabile che i fan
scopriranno cosa ne sarà di questa simpatica eroina dell’horror nel
prossimo film, di cui si sa però ancora molto poco. Per saperne di
più, non resta che attendere l’arrivo di un trailer e poi l’uscita
nelle sale cinematografiche di tutto il mondo, attualmente fissata
al 10 aprile 2026.
Il vero significato del finale di
Finché morte non ci separi
Finché morte non ci
separi è uscito in un’epoca piena di film con messaggi
simili, in cui i membri della società trascurati e delle classi
inferiori vengono vittimizzati dai privilegiati e alla fine
ottengono la loro vendetta. Questi film cosiddetti “mangia i
ricchi” includono film cupi e brutali come Joker e
Parasite, ma anche versioni più comiche come
Cena con delitto – Knives Out. Il film
con Samara Weaving si colloca a metà strada,
con il finale che consolida il messaggio del film.
Per tutto il film, infatti, Grace è
stata vista come una pedina nel gioco che la famiglia La Domas
stava giocando, nonché uno strumento da utilizzare per garantire
che la loro ricchezza e il loro successo rimangano intatti. La
famiglia non ha mai esitato nelle sue azioni, considerando le vite
di queste persone innocenti facilmente sacrificabili rispetto al
proprio benessere. Anche la morte delle persone al loro servizio,
come le domestiche, è trattata come irrilevante, purché possano
ottenere ciò che vogliono.
Il finale di Finché morte
non ci separi fa finalmente pagare alla famiglia ciò che
ha fatto, ma lo fa in modo stratificato. Nel momento in cui sorge
il sole e Grace è ancora viva, la famiglia La Domas si trova di
fronte all’idea di aver sbagliato per tutto questo tempo, quando
non succede nulla. Erano così concentrati sul proprio benessere che
non si sono mai fermati a considerare che tutto questo potesse
essere una menzogna. I loro sguardi imbarazzati sono abbastanza
soddisfacenti, ma ovviamente non sono una punizione sufficiente per
loro.
Il loro senso di rimpianto
travolgente è seguito da un’esplosione in una pozza di sangue. È la
fine definitiva per loro, poiché si rendono conto di non avere più
nulla da barattare. Alcuni cercano di scappare, altri si aggrappano
al loro senso di potere, e Alex cerca di scusarsi con Grace, ma
nessuno può sfuggire al proprio destino. Per la prima volta nella
loro vita, sono impotenti. Il fatto che Grace possa ridere di loro
e allontanarsi semplicemente dalla loro carneficina senza curarsi
di loro è l’insulto definitivo a questi cattivi egocentrici.
In Predator: Killer of
Killers (qui
la nostra recensione), facciamo la conoscenza di Ursa, Kenji e
Torres, tre guerrieri provenienti da tre periodi storici distinti.
Ursa è una guerriera vichinga, Kenji è un ninja del Giappone
feudale e Torres è un pilota della Seconda Guerra Mondiale.
Dopo che ognuno di loro è
sopravvissuto agli scontri con gli Yautja, apprendiamo che sono
stati prelevati dalla Terra e posti in animazione sospesa dai
guerrieri alieni. Vengono svegliati dal “Re Grendel”, l’apparente
leader dei Predator, che li costringe a combattere l’uno contro
l’altro, prima di affrontare lui stesso il vincitore.
Alla fine, i tre killer di
Predator decidono di collaborare e di elaborare un piano di
fuga; Ursa alla fine rimane indietro, mentre Kenji e Torres fuggono
a bordo di un’astronave inseguiti dall’esercito Yautja.
La spiegazione del finale di
Predator: Killer of Killers
Con Predator: Killer of
Killers, il regista Dan Trachtenberg ha
finalmente spiegato perché gli Yautja vanno a caccia. Che sia per
rintracciare gli umani o i loro simili alieni, l’obiettivo finale
sembra essere mettere alla prova le specie che considerano
inferiori a loro e poi combattere quelle che ritengono degne in
nome dell’onore e del divertimento.
Alla fine del film, centinaia di
guerrieri di tutte le specie vengono rivelati essere tenuti in
criogenesi dai Predator. Con Ursa di nuovo tra loro, la telecamera
si sposta su Naru, interpretata da Amber
Midthunder, protagonista di Prey del 2022. L’abbiamo vista l’ultima volta
mentre si preparava a guidare il suo popolo contro un esercito
invasore di Yautja, e ora il palcoscenico è pronto per il suo
ritorno.
Come il film si collega a
Prey e Badlands?
Potrebbe essere in
Prey 2, in Predator: Badlands in
arrivo quest’estate o in un altro film d’animazione, ma resta da
vedere. Non è chiaro come Predator: Badlands
affronterà tutto questo, ma saremmo sorpresi se non fosse tutto in
qualche modo collegato.
La sinossi del film ha rivelato che
“un giovane Predator… intraprende un viaggio pericoloso alla
ricerca dell’avversario definitivo”. Poi, c’è la piccola
questione di quello che ora sembra essere un inevitabile crossover
Alien vs. Predator in futuro. Bisognerà aspettare
e vedere.
La trama di Predator:
Killer of Killers
La storia antologica segue tre dei
guerrieri più feroci della storia umana: una vichinga che guida il
suo giovane figlio in una sanguinosa ricerca di vendetta, un ninja
del Giappone feudale che si rivolta contro il fratello samurai in
una brutale battaglia per la successione e un pilota della Seconda
Guerra Mondiale che decolla per indagare su una minaccia
ultraterrena alla causa degli Alleati. Tuttavia, sebbene tutti
questi guerrieri siano assassini a pieno titolo, sono solo prede
del loro nuovo avversario: il killer degli assassini per
eccellenza.
Predator: Killer of
Killers è ora disponibile in streaming su Disney+.
Il film di guerra American
Sniper (qui la recensione) di Clint Eastwood del 2014 è basato sull’avvincente
storia vera di Chris Kyle, un Navy SEAL statunitense che ha
prestato servizio in quattro campagne durante la guerra in Iraq. Il
film è tratto dall’omonima autobiografia di Kyle, pubblicata due
anni prima nel 2012, ma include una scena finale che si svolge dopo
gli eventi del libro, nel febbraio 2013. A questo punto del film,
Kyle si è infatti ritirato dal servizio militare e si gode la vita
con la sua famiglia. Sua moglie Taya gli dice che è felice di
riavere suo marito con sé, e la storia di Kyle sembra avere un
lieto fine.
Durante la visione di
American Sniper, assistiamo alla natura estenuante
delle missioni di Kyle in Iraq, compresa la sua ricerca del leader
di Al-Qaeda Abu Musab al-Zarqawi e del suo braccio
destro, conosciuto semplicemente come “Il Macellaio”. Bradley Cooper interpreta brillantemente il
peso emotivo che il ruolo di Kyle come cecchino dei Navy SEAL ha su
di lui, in quello che è sicuramente uno dei migliori film mai
realizzati sulla guerra in Iraq. Nel finale, però, si assiste ad un
rapido svolgersi di eventi che meritano un attimo in più di
riflessioni e spiegazioni, cosa che andiamo a proporre con questo
articolo.
Chris Kyle è stato ucciso da Eddie
Ray Routh al poligono di tiro
Nel tragico finale, American
Sniper porta la vera storia di Chris Kyle oltre la sua
autobiografia del 2012 fino all’ultimo giorno della sua vita,
quando saluta sua moglie e i suoi figli e si reca al poligono di
tiro con un altro veterano delle forze armate. Quel veterano è
Eddie Ray Routh, un ex membro dei Marines
statunitensi di 25 anni che ha poi sparato e ucciso Kyle il 2
febbraio 2013. Routh ha anche ucciso l’amico di Kyle, Chad
Littlefield. Sono stati uccisi con due pistole
semiautomatiche, entrambe date da Kyle a Routh per usarle al
poligono di tiro.
Con lo stile sobrio e rispettoso che
contraddistingue i migliori film di Eastwood come regista,
American Sniper evita di mostrare l’uccisione di
Chris Kyle. Il film spiega invece la sua morte in una sola riga di
post scriptum e mostra un montaggio dell’imponente corteo funebre
di Kyle insieme ai titoli di coda. Pur rifiutando di assumere una
posizione morale esplicita sulle sue azioni, il film descrive senza
dubbio Chris Kyle come una sorta di eroe, che eccelleva nel suo
lavoro e sembrava aver trovato la pace con la sua amorevole
famiglia prima di morire. La decisione di Eastwood di non mostrare
come è morto significa che Kyle conserva nella morte la dignità che
si è guadagnato nel corso del film.
Eddie Ray Routh soffriva di
disturbo da stress post-traumatico
Al momento dell’omicidio di Chris
Kyle e del suo amico Chad Littlefield, a Eddie Ray
Routh era stata diagnosticata la schizofrenia e la
psicosi. Si diceva inoltre che il veterano dei Marines statunitensi
soffrisse di disturbo da stress post-traumatico (PTSD) a seguito
del suo servizio militare (fonte: The Washington Post). Routh ha
poi spiegato di aver sparato a Kyle e Littlefield perché non gli
avevano rivolto la parola mentre si recavano al poligono di tiro.
Nel frattempo, Kyle aveva inviato a Littlefield un messaggio di
testo prima di andare a prenderlo in cui definiva Routh
“completamente pazzo”.
Sembra che né Chris Kyle né Chad
Littlefield fossero a conoscenza dei disturbi mentali diagnosticati
a Eddie Ray Routh prima del loro viaggio al poligono di tiro Rough
Creek Ranch-Lodge-Resort nella contea di Erath, in Texas. Questo
finale della storia di Kyle, in particolare, sembra una straziante
ironia, dato che era sopravvissuto a quattro mandati in prima linea
durante la guerra in Iraq e stava appena iniziando a dare una
svolta alla sua vita quando gli è stata tolta.
Perché Chris Kyle è andato al
poligono di tiro
Chris Kyle frequentava i poligoni di
tiro con altri veterani militari già da tempo prima di quel
fatidico giorno in cui lui e Littlefield portarono con sé Eddie Ray
Routh, il 2 febbraio 2013. Come accenna American
Sniper nei suoi ultimi minuti, Kyle decise di
intraprendere un lavoro per aiutare i veterani militari a superare
i loro traumi di guerra come modo per guarire dalle proprie
esperienze, su consiglio di uno psichiatra. Il suo modo di aiutare
era apparentemente quello di trascorrere del tempo con i veterani
in difficoltà facendo ciò che secondo lui avrebbero apprezzato di
più, sparare a bersagli con armi da fuoco vere.
È stata la madre di Routh a
suggerire a Kyle che suo figlio avrebbe potuto aver bisogno del suo
aiuto, quando l’ha incontrata fuori dalla scuola elementare dei
suoi figli. Questo dettaglio è menzionato in una delle battute
finali del film, quando il personaggio saluta la sua famiglia senza
sapere che sarà l’ultima volta. Nessuno avrebbe potuto prevedere
ciò che Eddie Ray Routh avrebbe fatto. Nel finale, la moglie di
Chris, Taya Kyle, rivolge uno strano sguardo a Routh, quasi come se
avesse un brutto presentimento. Presentimento che, purtroppo, si è
poi dimostrato vero.
Cosa è successo dopo la morte di
Chris Kyle a seguito del suo omicidio
Taya Kyle ha pubblicato le sue
memorie dopo gli eventi di American Sniper, che
includono il suo racconto della tragica morte del marito. È anche
diventata un’attivista per i veterani militari americani e negli
ultimi dieci anni ha scritto e pubblicato altri libri. Inoltre, è
stata coinvolta nell’approvazione del Chris Kyle Bill, che ha reso
i veterani militari idonei a ricevere licenze statali in Texas, lo
stato di residenza di Kyle, per qualifiche professionali al momento
del congedo dalle forze armate (tramite il Dipartimento Militare
del Texas).
Il film American
Sniper è uscito meno di due anni dopo la morte di Chris
Kyle, anche se la pre-produzione era iniziata quando Kyle era
ancora vivo. La data della sua morte è stata da allora denominata
“Chris Kyle Day” in Texas, e un memoriale in suo onore è stato
eretto a Odessa, la sua città natale. Il successo del film di Clint
Eastwood ha così fatto conoscere anche al di fuori degli Stati
Uniti la storia di Chris Kyle, che merita di essere esaminata più
per le sue azioni in vita, sia all’interno che all’esterno
dell’esercito, che per il tragico incidente che ha causato la sua
morte.
Io prima di te
(qui
la recensione) è un film del 2016 diretto da Thea
Sharrock e tratto dall’omonimo romanzo di Jojo
Moyes, che ne ha anche curato la sceneggiatura. Al centro
della storia troviamo il rapporto tra Louisa
Clark, una ragazza eccentrica e solare in cerca di una
nuova direzione nella vita, e Will Traynor, un
giovane brillante e ricco imprenditore rimasto tetraplegico in
seguito a un incidente. La pellicola, interpretata da Emilia Clarke e Sam Claflin, si distingue per la sua capacità
di raccontare con delicatezza e sensibilità il confronto tra due
mondi opposti, esplorando i temi dell’amore, della dignità,
dell’autodeterminazione e della sofferenza invisibile.
Il film ha avuto un grande successo
di pubblico, in particolare tra gli appassionati del genere
romantico, grazie anche alla popolarità del libro, uscito nel 2012
e diventato un bestseller internazionale. La Moyes ha costruito una
storia capace di toccare corde molto profonde, portando alla
ribalta una riflessione intensa sul valore della vita e sulla
libertà di scelta in situazioni estreme. Il rapporto tra Lou e
Will, infatti, non si limita a un’evoluzione sentimentale, ma
diventa anche un percorso esistenziale che obbliga entrambi i
protagonisti a mettersi in discussione. La forza narrativa del film
sta proprio nella tensione tra l’energia vitale di Lou e la
rassegnazione consapevole di Will.
Non tutti sanno, però, che
Io prima di te prende ispirazione da una vicenda
realmente accaduta. In particolare, Jojo Moyes ha dichiarato di
essersi ispirata a un fatto di cronaca che la colpì profondamente:
la storia di un giovane atleta britannico, affetto da paralisi, che
scelse il suicidio assistito in Svizzera. Un evento che ha
sollevato ampi dibattiti etici e sociali nel Regno Unito e che ha
fornito alla scrittrice lo spunto per creare un racconto che fosse
anche una riflessione sul diritto all’autodeterminazione. Nel corso
dell’articolo andremo a scoprire nel dettaglio la vera storia che
ha ispirato il romanzo e il film.
Protagonista del film è
Louisa “Lou” Clark, una giovane ragazza vivace e
colorata, residente in una tipica cittadina della campagna inglese.
Nonostante sia di indole ottimista, Lou non sa ancora bene cosa
fare della sua vita. Ha 26 anni e passa da un lavoro all’altro per
aiutare la sua famiglia. Il suo inattaccabile buonumore viene
nuovamente messo a dura prova quando si ritrova ad affrontare una
nuova sfida lavorativa. Trova infatti lavoro come assistente di
Will Traynor, un giovane e ricco banchiere finito
sulla sedia a rotelle per un incidente e la cui vita è cambiata
radicalmente in un attimo. I due finiranno per cambiarsi
reciprocamente la vita molto più di quanto potrebbero
immaginare.
La storia vera dietro il film e il romanzo
Come anticipato, molti lettori e
spettatori potrebbero rimanere sorpresi nell’apprendere che il tema
emotivo e delicato trattato nell’opera della Moyes è stato ispirato
da eventi reali. “Quando stavo scrivendo il libro, avevo due
parenti che necessitavano di assistenza 24 ore su 24”, ha
raccontato Moyes a People, parlando della sua fonte
di ispirazione. “Penso che se si vive quotidianamente in una
situazione del genere, non si possa fare a meno di porsi domande
sulla qualità della vita e su ciò che stiamo facendo per le persone
viventi, perché grazie ai progressi della scienza medica è
possibile offrire loro la possibilità di vivere, ma non
necessariamente una buona qualità di vita“.
“Quindi immagino che tutte
queste questioni fossero molto presenti nella mia mente mentre
scrivevo“. L’autrice ha però aggiunto di essere stata
ulteriormente ispirata e commossa da una notizia che aveva sentito
su un giovane rimasto tetraplegico dopo un incidente. “Mentre
tutto questo accadeva nella mia famiglia, ho sentito una notizia su
un giovane sportivo in Inghilterra che aveva subito un terribile
incidente che lo aveva lasciato tetraplegico”, ha spiegato.
“Diversi anni dopo l’incidente, aveva convinto i suoi genitori
a portarlo a porre fine alla sua vita. Fin dall’età di tre anni era
ossessionato dall’attività fisica, tutto ciò che voleva fare era
praticare sport“.
“Sono rimasta molto colpita
dalla sua storia perché, come genitore, non riuscivo a capire come
si potesse accettare di portare il proprio figlio a porre fine alla
sua vita. Probabilmente ero anche piuttosto critica nei confronti
di questa scelta”. Moyes ha però aggiunto: “Più
leggevo, più mi rendevo conto che lui si era chiuso in se stesso e
che i suoi genitori si erano trovati in una situazione impossibile.
Non sapevo nulla della tetraplegia, non conoscevo gli aspetti
sanitari. Non si tratta solo di stare su una sedia a rotelle, ma di
una serie costante di interventi, umiliazioni e problemi di
salute”.
“Ho iniziato a pensare: ‘Come
sarebbe se una persona che ami prendesse quella decisione? Come
sarebbe se fossi tu quella persona?. Tutti noi vorremmo pensare che
saremmo forti e coraggiosi come
Christopher Reeve. Io non sono sicura che lo sarei. Penso che
sarei amareggiata, arrabbiata e invidiosa delle persone che possono
ancora usare il proprio corpo, quindi quella storia non mi è uscita
dalla testa ed è da lì che è nata, è stata un’esplorazione di una
persona normale in una situazione straordinaria”.
Dietro Io prima di te, dunque, si possono
rintracciare reali situazioni di questo genere, purtroppo
all’ordine del giorno e che ci chiedono di riflettere su tematiche
che spesso si preferirebbe ignorare.
A pochi mesi dall’inizio della
produzione di Star
Wars: Starfighter, il film Star Warsdi Shawn Levy ha trovato il suo
cattivo. Il film standalone di Star
Wars sarà incentrato sul personaggio interpretato da
Ryan Gosling e, sebbene i dettagli sul film
siano ancora pochi, ora abbiamo un altro grande nome da aggiungere
al cast stellare.
Come riportato da THR,
l’attrice Mia Goth, nota principalmente per i suoi ruoli
in film horror come Pearl (2022) e X (2022), è stata
scelta per interpretare la cattiva in Star Wars: Starfighter. Come per
il resto dei dettagli del film, si sa poco del suo personaggio,
anche se si può supporre che possa essere una delle “malvagie
inseguitrici” di cui THR ha parlato in dettaglio
riguardo alla trama che segue il personaggio di Gosling “[che
protegge] il suo giovane nipote”.
È interessante notare che questo
casting arriva subito dopo le notizie secondo cui il premio Oscar
Mikey Madison avrebbe rifiutato il ruolo della cattiva a causa di
una disputa sul compenso. Indipendentemente da ciò, Star
Wars: Starfighter è riuscito a cambiare rotta e a
trovare la sua cattiva in Goth, che senza dubbio sarà perfetta per
questo ruolo misterioso ma molto atteso.
Cosa significa il casting di Mia Goth per Star Wars:
Starfighter
Non sappiamo ancora molto sul ruolo
di Goth in Star Wars: Starfighter, ma il suo casting è già
di per sé una mossa importante per il franchise. Questo segna la
prima volta che Star Wars ha una protagonista
femminile in un film, sulla scia del successo ottenuto da
Gwendoline Christie nel ruolo dell’antagonista Capitano Phasma
nella trilogia sequel di Star Wars. Già di per sé, questa è
una decisione molto promettente per Star Wars, soprattutto
considerando le recenti interpretazioni di spicco della Goth in
vari ruoli.
Pearl è probabilmente il
personaggio che viene in mente alla maggior parte delle persone,
data la sua performance davvero notevole e feroce nel film. Goth ha
dimostrato di essere una forza da non sottovalutare, soprattutto
quando si tratta di interpretare personaggi davvero minacciosi.
Questo, come già detto, la rende il secondo grande nome ad
unirsi al cast di Starfighter, insieme al
protagonista Gosling, il che è un altro modo in cui la sua
partecipazione sta facendo la storia di Star Wars.
Dal destino di Rain in ospedale
alla relazione tra Mallory e Calvin, ci sono molte domande senza
risposta e trame irrisolte nella prima stagione di Beauty
in Black che la seconda stagione dovrà riprendere. La
prima stagione di Beauty in Black si è conclusa con l’episodio più
emozionante e ricco di azione mai visto finora. Si è aperto con una
sparatoria in un rifugio sicuro e si è concluso con una brutale
rissa in un parcheggio. Kimmie e Angel sono in fuga, l’impero dei
prodotti per la cura dei capelli di Mallory è nei guai con la legge
e Rain è in ospedale, ancora convalescente dopo le complicazioni
dell’intervento chirurgico.
Netflix
ha già rinnovato Beauty in Black per una seconda stagione di
otto episodi. Come promesso dal trailer apparso alla fine del
finale della prima stagione,
il cast di Beauty in Black tornerà sul piccolo schermo
nella primavera del 2025. Ed è un bene che la soap opera di Tyler
Perry torni così presto, perché la prima stagione ha lasciato molti
nodi da sciogliere e colpi di scena. Si è conclusa con un
rapimento, una violenta rissa e un’auto sportiva in fiamme, quindi
la seconda stagione avrà molto da spiegare.
Cosa farà Horace riguardo alla
tentata rapina?
Il finale della prima stagione è
iniziato in modo esplosivo con un tentativo di rapina nella casa
sicura di Horace. Dopo che un gruppo di aggressori mascherati ha
fatto irruzione e lo ha costretto ad aprire la cassaforte sotto il
letto, Horace ha tirato fuori un fucile e li ha uccisi tutti. Anche
se inizialmente sospettava che Kimmie e Angel fossero coinvolti
nella rapina, sono riusciti a convincerlo della loro innocenza e
lui li ha lasciati andare. Più tardi, Jules è venuto a ripulire la
scena del crimine e Horace lo ha interrogato sul giudice corrotto
sul suo libro paga, Harold Wiscollins.
Sembra improbabile che una persona
vendicativa e rancorosa come Horace lasci correre questo tentativo
di rapina. Chiedendo informazioni sul giudice corrotto, sembra
avere in mente un piano malvagio. Jules ha stabilito che la rapina
è stata compiuta dalle stesse persone che hanno consegnato la
cassaforte: sono tornati per rubarla. Ora che Horace sa chi sono i
responsabili, cosa farà per vendicarsi?
Lena denuncerà l’azienda di
Mallory?
Lena è un avvocato che conosce
abbastanza segreti sull’impero dei prodotti per capelli di Mallory
da poter distruggere l’intera azienda. Mallory è già preoccupata
che Lena la porti in tribunale e distrugga la sua azienda. Nel
finale della prima stagione, sia Mallory che Roy hanno incontrato
Lena separatamente per offrirle un lavoro nel reparto legale
dell’azienda. Sperano che, se le offrono un lavoro con uno
stipendio elevato all’interno dell’azienda, lei ritirerà la causa
contro l’azienda.
Sfortunatamente per loro, Lena
insiste che non può essere comprata; ha una piccola cosa chiamata
integrità. La stagione 1 lascia questo punto in sospeso. Lena non
ha ancora intrapreso alcuna azione legale contro l’azienda, ma è
pronta a farlo nella stagione 2 – e ora che hanno cercato di
corromperla, ha ancora più prove per incriminarli.
Chi ha fatto saltare in aria
l’auto di Charles?
Nel penultimo episodio della
stagione 1 di Beauty in Black, l’auto di Charles è stata
fatta saltare in aria da un gruppo di uomini mascherati. Sembravano
lo stesso gruppo che ha cercato di rapinare la cassaforte di
Horace, ma i passamontagna e gli abiti completamente neri sono un
abbigliamento piuttosto standard per i criminali professionisti,
quindi potrebbero essere due gruppi non collegati. La teoria
principale è che l’auto di Charles sia stata fatta saltare in aria
da Norman per vendicare la morte di Ina. Charles è il figlio di
Horace ed è probabile che sia rimasto coinvolto come danno
collaterale nella faida tra Horace e Norman.
Ma la prima stagione non ha fornito
risposte concrete su chi abbia distrutto l’auto di Charles e
perché. Nel finale della prima stagione, Mallory trova l’auto di
Charles in fiamme su una strada privata, con la polizia e i
paramedici che indagano sulla scena dell’incidente. Lei chiede
delle risposte, ma non sono ancora riusciti ad arrivare al fondo
della questione. La seconda stagione dovrà finalmente approfondire
questo colpo di scena.
Rain si riprenderà dalle
complicazioni chirurgiche?
A metà della prima stagione di
Beauty in Black, Rain è stata ricoverata in ospedale. Alla
disperata ricerca di soldi, ha deciso di sottoporsi a un intervento
di chirurgia estetica per migliorare il suo aspetto e sperare di
guadagnare di più al club. Tuttavia, durante l’intervento, i
prodotti utilizzati hanno interagito con i suoi farmaci per l’asma
e le hanno causato complicazioni mediche. Alla fine della prima
stagione, Rain è ancora in ospedale, in convalescenza per queste
complicazioni. Kimmie e Angel le fanno visita, ma lei non sembra
affatto vicina alla guarigione.
La seconda stagione dovrà rivelare
il destino di Rain. O si riprenderà dalle complicazioni chirurgiche
e tornerà al club, oppure morirà. Rain è uno dei personaggi più
amati di Beauty in Black, quindi sarebbe straziante se
venisse uccisa, ma in ogni caso la seconda stagione dovrà mostrare
il suo destino.
Perché il personale
dell’ospedale ha detto a Kimmie che Rain era morta?
Non appena Rain è stata ricoverata
in ospedale, Kimmie ha iniziato a farle visita il più spesso
possibile. Ai suoi capi al club questo non piaceva, perché se era
in ospedale a trovare la sua amica, non guadagnava soldi per loro.
Un giorno, quando Kimmie è andata a trovare Rain in ospedale, ha
scoperto che non era più nel suo letto e il personale le ha detto
che Rain era morta. Kimmie sospettò immediatamente che i suoi
loschi capi avessero qualcosa a che fare con tutto questo.
Tuttavia, nel finale della prima
stagione, Kimmie scopre con sorpresa che Rain è ancora viva; è
stata solo trasferita in un altro ospedale. Va a trovarla nel nuovo
ospedale e scopre che sta bene, anche se è ancora in convalescenza.
Ma la domanda rimane: perché il personale del primo ospedale ha
detto a Kimmie che Rain era morta? È ancora possibile che i capi di
Kimmie siano coinvolti nel trasferimento di Rain in un nuovo
ospedale e che abbiano ancora qualcosa di oscuro in serbo per
lei.
Mallory e Calvin staranno
insieme?
Durante tutta la prima stagione di
Beauty in Black, Mallory ha avuto una relazione bollente con
il suo autista, Calvin. Nel finale di stagione, Calvin ha
confessato di provare dei sentimenti veri per Mallory, che vanno
oltre la semplice attrazione fisica. Si è innamorato di lei, ma lei
ha rifiutato una relazione romantica con lui. Sembrava che Mallory
fosse riluttante ad accettare i suoi sentimenti per Calvin perché
lui è solo un autista, un uomo che lavora, ma Mallory non sembra il
tipo che giudica le persone in base alla loro classe sociale. Ora è
estremamente ricca, ma dice di provenire da umili origini.
Potrebbe semplicemente essere che
Mallory non provi nulla di più che desiderio per Calvin, quindi non
vuole una relazione più seria con lui. In ogni caso, la seconda
stagione dovrà dare un seguito a questa storia. O Mallory accetterà
i suoi sentimenti per Calvin e inizierà una vera relazione con lui,
oppure lo rifiuterà e il loro rapporto di lavoro diventerà molto
complicato.
Kimmie riuscirà a salvare
Sylvia?
Mentre stavano lasciando la città,
Kimmie e Angel sono state fermate da Body. Body credeva
erroneamente che Kimmie stesse cercando di usurpare il suo posto
nel club, quindi ha architettato un piano per ricattarla. Body ha
rivelato di aver fatto rapire Sylvia, la sorella adolescente di
Kimmie. Un’auto si è fermata con Sylvia immobilizzata sul sedile
posteriore. Prima che Kimmie potesse intervenire per salvare la
sorella minore, l’auto è partita e Body ha detto a Kimmie che
avrebbe dovuto fare ciò che le diceva, altrimenti sua sorella ne
avrebbe pagato le conseguenze.
Body sperava di usare il rapimento
per ricattare Kimmie, ma il piano le si è ritorto contro
immediatamente. Invece di piegarsi alle richieste di Body, Kimmie
ha iniziato a picchiarla. Il teaser della seconda stagione (incluso
alla fine del finale della prima stagione) mostrava Kimmie in
guerra per trovare e salvare sua sorella. Riuscirà a salvarla?
Body è morta?
Durante la lotta con Body, Kimmie
l’ha colpita ripetutamente, sbattendola contro la portiera di
un’auto, e sembrava avere il sopravvento. Ma poi Body ha tirato
fuori un coltello e lo ha agitato davanti al viso di Kimmie e
Angel, minacciando di pugnalarle se non si fossero allontanate.
Ovviamente, con la vita di sua sorella in pericolo, Kimmie si è
rifiutata di indietreggiare. È salita in macchina, ha premuto a
fondo l’acceleratore e ha investito Body.
Body ha portato un coltello in una
rissa, quindi Kimmie ha portato una macchina in una rissa con un
coltello. Il finale di stagione è passato al nero poco dopo che
Kimmie ha investito Body con la sua auto, quindi non è chiaro se
Body sia sopravvissuta all’incidente. Ma dato che è rimasta
schiacciata tra due auto diverse, sembra improbabile che possa
sopravvivere. La seconda stagione dovrà rivelare se Body è viva o
morta.
Jules darà la caccia a Kimmie e
Angel?
Quando Body affronta Kimmie e Angel
per la prima volta, minaccia di chiamare Jules e mandarlo a
cercarle. Jules è uno dei personaggi più pericolosi e influenti
della serie, quindi non è una minaccia da prendere alla leggera.
Basandosi su tutto ciò che è successo nella scena successiva, c’è
una buona probabilità che Jules dia la caccia a Kimmie e Angel
nella seconda stagione di Beauty in Black.
Kimmie e Angel stanno progettando
di abbandonare i loro impegni con il club e lasciare la città, cosa
che Jules, il loro protettore, non gradirà affatto. Erano nel
rifugio sicuro di Horace durante la rapina, che Jules ha il compito
di ripulire. E come se non bastasse, se Body è ancora viva,
manterrà sicuramente la sua promessa di reclutare Jules dopo essere
stata investita da un’auto. La seconda stagione di Beauty in
Black ha molte domande a cui rispondere, ma questa è una
delle più urgenti.
Prime
Video ha svelato il trailer ufficiale del mystery
thriller basato sul romanzo bestseller di E. Lockhart,
L’estate dei segreti perduti. Tutti gli
otto episodi saranno disponibili dal 18 giugno 2025 in esclusiva su
Prime Video in oltre 240 Paesi e territori nel
mondo.
La trama e il cast di L’estate dei
segreti perduti
L’estate dei segreti
perduti segue le vicende di Cadence Sinclair Eastman
e della sua ristretta cerchia di amici, soprannominati “I
Bugiardi”, durante le loro avventure estive sull’isola privata del
nonno, nel New England. I Sinclair sono l’equivalente
dell’aristocrazia americana, noti per il loro bell’aspetto, la
ricchezza tramandata da generazioni e il legame invidiabile che li
unisce, ma, dopo un misterioso incidente che cambia per sempre la
vita di Cadence, tutti, compresi i suoi amati “Bugiardi”, sembrano
avere qualcosa da nascondere.
Ad interpretare “I Bugiardi” saranno: Emily Alyn
Lind nel ruolo di Cadence Sinclair Eastman,
Shubham Maheshwari nei panni di Gat Patil, Esther
McGregor come Mirren Sinclair Sheffield, Joseph Zada nel ruolo di
Johnny Sinclair Dennis; insieme a Caitlin FitzGerald nei panni di
Penny Sinclair, Mamie Gummer come Carrie Sinclair, Candice King
come Bess Sinclair, Rahul Kohli nel ruolo di Ed Patil e David
Morse, che interpreta Harris Sinclair.
La serie L’estate dei segreti perduti.
è scritta dai co-showrunner Julie Plec (The Vampire Diaries,
Legacies) e Carina Adly MacKenzie (Roswell, New Mexico,
The Originals), che sono anche executive producer insieme a
Emily Cummins (The Endgame – La regina delle rapine, Vampire
Academy) per My So-Called Company, Brett Matthews
(Legacies), Pascal Verschooris (The Vampire
Diaries), e all’autrice del romanzo, E. Lockhart. Dietro il
progetto ci sono anche Universal Television, una divisione di
Universal Studio Group, e Amazon MGM Studios. Il romanzo è
pubblicato in Italia da De Agostini.
Lars von Trier
torna al cinema: Movies Inspired riporta nelle
sale tre film del grande regista danese. Tre uscite evento,
ciascuna di tre giorni, ciascuna in edizione interamente restaurata
in 4K, di tre dei titoli più amati del grande regista danese.
DANCER IN THE DARK sarà nelle sale solo il
9, 10, 11 giugno 2025. Inoltre, nei giorni
23, 24, 25 giugno tornerà nelle sale Le
onde del destino.
Lo scorso anno Movies
Inspired, che detiene i diritti per l’intera library del
cinema di Von Trier in Italia, aveva già distribuito i primi tre
film del cineasta co-fondatore del Dogma 95: L’elemento del
crimine, Epidemic ed Europa. Quest’anno
sarà la volta di tre titoli fra i più amati dell’intera opera di
von Trier.
Dogville (2-3-4 giugno), Dancer in the
Dark (9-10-11 giugno) e Le onde del
destino(23-24-25 giugno), tutti restaurati in 4k.
Il 17 luglio arriva
nelle sale italiane, distribuito da I Wonder
Pictures, 100 Litri di birra
(titolo internazionale 100 Litres of Gold), l’ultimo
originale e divertente lungometraggio del regista finlandese
Teemu Nikki, presentato in concorso alla Festa
del Cinema di Roma 2024 e al Festival International du Film de
Fribourg 2025. Uscito a marzo in Finlandia, il film è diventato
rapidamente il più visto dell’anno e a 10 settimane dall’uscita
resta tuttora saldo tra i primi 5 posti al box office finlandese,
al punto che la prestigiosa Hans Bubby, la casa di
produzione di Dennis Lehane (Mystic River,
Shutter Island, Gone Baby Gone, The Drop – Chi è senza colpa, La
legge della notte), ne ha recentemente acquisito i diritti per
un remake in lingua inglese. Il film, inoltre, sarà presentato in
anteprima italiana il 10 giugno alla presenza del regista
nell’ambito della 21ª edizione di Biografilm
(Bologna, 6-16 giugno 2025), per poi approdare nei principali
Festival europei: Emden-Norderney Filmfestival 2025, BIFAN 2025 ed
Europe on Screen 2025.
Partendo dalla ricca tradizione
legata alla produzione del sahti – una birra molto forte
aromatizzata al ginepro, che si trova solo in Finlandia e che si
produce preferibilmente in casa secondo metodi secolari – Nikki
porta ancora una volta sul grande schermo una galleria di
personaggi indimenticabili, catapultati in contesti grotteschi e
situazioni esilaranti all’interno di una commedia assolutamente
sui generis.
La trama di 100 Litri
di birra
Taina e Pirkko, due sorelle
stralunate, vivono alla giornata, con poche idee e poche
prospettive, ma con un talento indiscutibile: il loro sahti – la
tipica birra artigianale che in Finlandia, per tradizione,
accompagna ogni festa, matrimonio o funerale – è spaziale. Quando
promettono di prepararne ben 100 litri per un matrimonio in
famiglia, si superano e producono il lotto migliore di sempre, un
sahti da 10, talmente buono che… finiscono per berselo tutto da
sole! Alle prese con gli enormi postumi della sbornia, le due si
troveranno coinvolte in una serie di esilaranti disavventure,
mentre cercano disperatamente di procurarsi altra birra (con ogni
mezzo necessario!), salvare il matrimonio e riconquistare la loro
reputazione di migliori birrarie del villaggio.
Teemu Nikki dimostra di essere un
cineasta unico nel panorama contemporaneo per la sua capacità di
raccontare storie originali e coinvolgenti allo stesso tempo,
mescolando trovate ironiche a formule introspettive dal forte
coinvolgimento emotivo. 100 Litri di birra non fa di certo
eccezione e va ad aggiungersi al “Teemu Nikki
Universe” – 16 opere del regista, tra
lungometraggi, corti e serie – un affascinante insieme di storie
capaci di incantare il pubblico di tutte le età, scoperte e
distribuite in Italia da I Wonder Pictures, e successivamente
disponibili su IWONDERFULL Prime Video Channel.
100 Litri di Birra – Elina Kinhtilä e Pirjo Lonka-photo credit Rami
Rusinen
Un aspetto a cui James
Gunn e Peter Safran hanno prestato
particolare attenzione durante la creazione del loro nuovo DCU è la sua tradizione. Nel 2023, ad esempio,
Gunn ha rivelato su Threads che i DC Studios stavano creando
“una mappa del mondo incredibilmente dettagliata” per il
franchise nascente. Poi, parlando con Josh
Horowitz sul podcast Happy Sad Confused nel 2024,
Gunn ha affermato che il suo obiettivo per il DCU era la
costruzione del mondo.
Ora, abbiamo ricevuto un’altra
informazione sulla tradizione dal DCU. Questa, tuttavia, è molto
più interessante, poiché fornisce un contesto più ampio riguardo
alla classificazione dei personaggi dotati di superpoteri nel
franchise. I DC Studios hanno recentemente pubblicato una serie di
poster dei personaggi di Superman. Gunn ha
pubblicato le immagini su Threads e ha scritto la didascalia:
“I
nostri metaumani arrivano quest’estate“.
Il regista statunitense James Gunn arriva alla premiere di Los
Angeles della Warner Bros. ‘The
Flash’ tenutasi al TCL Chinese Theatre IMAX il 12 giugno 2023 a
Hollywood, Los Angeles, California, Stati Uniti. — Foto di
imagepressagency – DepositPhotos
Un utente ha risposto al post,
suggerendo che l’unico personaggio tra i poster ad essere
effettivamente un metaumano fosse Hawkgirl, interpretata da
Isabela Merced. Gunn ha poi fornito questa
interessante risposta: “Nei fumetti DC, un metaumano è un
essere umanoide con abilità straordinarie, spesso paranormali.
Questi poteri possono derivare da una varietà di fonti, tra cui
scienza, magia, origini aliene, mutazioni, divinità, abilità o
tecnologia.” Il regista ha anche chiarito nello stesso post
chi nel cast di Superman è un metaumano: “Pertanto, [il
personaggio 4] probabilmente non è un metaumano, ma Terrific
presumibilmente lo è. Krypto è metaumano, ma non dirò che non è
umano perché potrebbe leggere questo post.”
Il cast di Superman
Superman è il primo
film dei DC Studios scritto e diretto da
James Gunn, con
David Corenswet nei panni di Superman/Clark Kent.
Nel cast anche
Rachel Brosnahan,
Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan,
Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio,
María Gabriela de Faría, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor
Vince e Neva Howell. Il film sarà al cinema dal 9 luglio
distribuito da Warner Bros. Pictures.
“Superman”, il primo film dei DC Studios
in arrivo sul grande schermo, è pronto a volare nei cinema di tutto
il mondo quest’estate, distribuito da Warner Bros. Pictures. Con il
suo stile inconfondibile, James Gunn trasporta il supereroe
originale nel nuovo universo DC reinventato, con una miscela unica
di racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un
Superman guidato dalla compassione e da una profonda fiducia nella
bontà del genere umano.
Produttori esecutivi di
“Superman” sono Nikolas Korda, Chantal
Nong Vo e Lars Winther. Dietro la macchina da presa, Gunn si è
avvalso del lavoro di suoi collaboratori fidati, tra cui il
direttore della fotografia Henry Braham, la scenografa Beth Mickle,
la costumista Judianna Makovsky e il compositore John Murphy, oltre
al compositore David Fleming (“The Last of Us”), ai montatori William Hoy
(“The Batman”) e Craig Alpert (“Deadpool 2”, “Blue Beetle”).
La programmazione ufficiale della
Mostra Internazionale del Cinema della Biennale di Venezia
2025 sarà annunciata tra qualche settimana, ma un film
sembra destinato a essere incluso. Il prossimo lungometraggio di
Jim Jarmusch, “Father Mother Sister
Brother”, sarà presentato in concorso al Lido,
secondo Efe Cakarel, CEO di Mubi,
co-produttore del film.
“È già confermato”, ha
detto al pubblico al SXSW di Londra, dove venerdì ha tenuto il
discorso d’apertura. “Father Mother Sister
Brother”, girato lo scorso anno, vede protagonisti
Cate Blanchett, Vicky Krieps,
Adam Driver, Mayim Bialik, Tom Waits, Charlotte Rampling, Indya
Moore e Luka Sabbat.
Il film di Jim
Jarmusch è un trittico che segue tre storie distinte
ambientate in paesi diversi e incentrate sulle relazioni tra figli
adulti, i loro genitori un po’ distanti e tra di loro. La prima
parte, “Father”, è ambientata sulla costa orientale degli Stati
Uniti nordorientali, “Mother” a Dublino, in Irlanda, e “Sister
Brother” a Parigi, in Francia.
Dopo averlo ascoltato in tanti
momenti differenti, tra trailer e scena post credits di Thunderbolts*,
il tema principale della colonna sonora di I
Fantastici Quattro: Gli Inizi è finalmente
disponibile on line. Michael Giacchino vanta la
discografia più impressionante tra tutti i compositori che lavorano
a Hollywood oggi. A titolo di promemoria, tra i suoi lavori
figurano Up,Star Trek,
Jurassic World, Spider-Man:
Homecoming, Coco,The
Batman e innumerevoli altri.
Il prossimo progetto del regista di
Werewolf by Night è proprio I
Fantastici Quattro: Gli Inizi, e il suo “Main
Theme” per la nuova interpretazione del regista Matt
Shakman della Prima Famiglia Marvel è finalmente uscito nella
sua interezza. È un altro tema che sembra destinato a diventare
iconico. Ascoltandolo, è facile immaginare che diventi sinonimo dei
Fantastici Quattro negli anni a venire, man mano
che si radicano pienamente nell’Universo Cinematografico
Marvel.
“Sono stato sul set solo per una
settimana”, ha spiegato recentemente Giacchino. “È stato
semplicemente emozionante vedere veri set ovunque. Non c’era un
Volume o uno schermo verde. Erano semplicemente set meravigliosi.
Stanno facendo un lavoro incredibile e gli attori sono tutti
fantastici.”
Parlando del suo approccio a questo
tema, il compositore ha aggiunto: “L’ispirazione per me è stata
un mix di Tomorrowland, ciò che rappresenta, la parata di
Disneyland Electric Lights, l’incredibile lavoro di synth che è
stato fatto per quell’occasione, e poi The Right Stuff.”“Per me, i Fantastici Quattro erano tutte queste cose, e doveva
trasmettere un senso di speranza e ottimismo in un modo che,
francamente, nessun altro film Marvel ha ancora fatto”, ha
concluso Giacchino.
Il “Main Theme” di I
Fantastici Quattro: Gli Inizi sarà pubblicato
anche in vinile come singolo, insieme a un brano appena annunciato
intitolato “Let Us Be Devoured”, scritto ed eseguito da Andrea
Datzman (Inside Out 2). Speriamo che maggiori dettagli sulla
colonna sonora vengano svelati presto.
Il film Marvel Studios I
Fantastici Quattro: Gli Inizi introduce la prima
famiglia Marvel composta da Reed Richards/Mister Fantastic
(Pedro
Pascal), Sue Storm/Donna Invisibile (Vanessa
Kirby), Johnny Storm/Torcia Umana (Joseph
Quinn) e Ben Grimm/la Cosa (Ebon
Moss-Bachrach) alle prese con la sfida più difficile
mai affrontata. Costretti a bilanciare il loro ruolo di eroi con la
forza del loro legame familiare, i protagonisti devono difendere la
Terra da una vorace divinità spaziale chiamata Galactus
(Ralph Ineson) e dal suo enigmatico Araldo, Silver
Surfer (Julia Garner). E se il piano di Galactus
di divorare l’intero pianeta e tutti i suoi abitanti non fosse già
abbastanza terribile, la situazione diventa all’improvviso una
questione molto personale.
Il film è interpretato anche da
Paul Walter Hauser, John Malkovich, Natasha Lyonne
e Sarah Niles. I
Fantastici Quattro: Gli Inizi è diretto da
Matt Shakman e prodotto da Kevin Feige, mentre
Louis D’Esposito, Grant Curtis e Tim Lewis sono gli executive
producer.
Quello che immaginiamo sarà l’ultimo
lotto di poster dei personaggi di Superman è arrivato,
ed è ora che lo staff della redazione del Daily Planet sia al
centro dell’attenzione.
La giornalista stellare Lois Lane
(Rachel
Brosnahan) guida la carica, con Clark Kent
(David Corenswet) la segue, non troppo lontano. I
successivi sono il fotografo Jimmy Olsen (Skyler
Gisondo), la giornalista di gossip Cat Grant
(Mikaela Hoover), il caporedattore Perry White
(Wendell Pierce) e il giornalista sportivo Steve
Lombard (Beck Bennett).
Mamma e papà Kent non hanno ancora
ricevuto i loro poster, e non contiamo sul fatto che il regista
James
Gunn rovini l’attore che interpreta Jor-El con un
singolo poster. Forse arriveranno in futuro. Anche Ultraman è
tenuto segreto, così come i personaggi di Kaiju, Abominevole Uomo
delle Nevi e
Baby Joey che abbiamo visto grazie al merchandising.
Durante una recente intervista con
Elle, Brosnahan ha condiviso nuovi spunti sul suo approccio al
personaggio di Lois nel DCU. “È un’icona e io mi appoggio alle donne
brillanti che hanno contribuito a darle vita per diverse
generazioni”, ha detto l’attrice. “Adoro il fatto che non
sia sempre aggraziata nella sua ricerca, ma che sia instancabile
nella sua ricerca della verità”.
“Penso che abbia resistito
perché è fonte di ispirazione vedere qualcuno arrivare fino ai
confini del mondo per ciò in cui crede. A volte letteralmente, nel
suo caso”, ha continuato Brosnahan. “È anche divertente
vedere una persona così mettersi nei guai, cosa che capita spesso,
e dover fare affidamento sulla propria intelligenza e sul proprio
istinto (e occasionalmente su un Superman) per uscirne
vincitore”.
Superman è il primo
film dei DC Studios scritto e diretto da
James Gunn, con
David Corenswet nei panni di Superman/Clark Kent.
Nel cast anche
Rachel Brosnahan,
Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan,
Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio,
María Gabriela de Faría, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor
Vince e Neva Howell. Il film sarà al cinema dal 9 luglio
distribuito da Warner Bros. Pictures.
“Superman”, il primo film dei DC Studios
in arrivo sul grande schermo, è pronto a volare nei cinema di tutto
il mondo quest’estate, distribuito da Warner Bros. Pictures. Con il
suo stile inconfondibile, James Gunn trasporta il supereroe
originale nel nuovo universo DC reinventato, con una miscela unica
di racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un
Superman guidato dalla compassione e da una profonda fiducia nella
bontà del genere umano.
Produttori esecutivi di
“Superman” sono Nikolas Korda, Chantal
Nong Vo e Lars Winther. Dietro la macchina da presa, Gunn si è
avvalso del lavoro di suoi collaboratori fidati, tra cui il
direttore della fotografia Henry Braham, la scenografa Beth Mickle,
la costumista Judianna Makovsky e il compositore John Murphy, oltre
al compositore David Fleming (“The Last of Us”), ai montatori William Hoy
(“The Batman”) e Craig Alpert (“Deadpool 2”, “Blue Beetle”).
Universal Pictures ha
finalmente diffuso il trailer ufficiale italiano a
Downton
Abbey: Il Grand Finale, il terzo e ultimo film della
serie cinematografica basata sulla serie in costume della PBS
creata da Julian Fellowes. Il film arriverà nelle
sale il 12 settembre.
Con alcune delle stesse scene
mostrate agli esercenti durante la presentazione di Focus al
CinemaCon all’inizio di questa primavera, il teaser presenta la
trama: la famiglia Crawley e il suo staff arrivano nel 1930,
guardando al futuro e salutando il passato.
Questo include la famosa tenuta di
famiglia Grantham. A un certo punto, il capofamiglia Robert Crawley
(Hugh Bonneville) rende omaggio alla villa che ha
reso famosa la serie – il vero Castello di Highclere
nell’Hampshire, in Inghilterra – dandole una pacca e un bacio,
apparentemente come segno di addio della famiglia.
Il castello era la dimora dei
Grantham fin dal lancio della serie nel 2011. Sarebbe andata in
onda per sei stagioni, con 52 episodi e cinque speciali natalizi.
Per quanto riguarda il cinema, Downton Abbey è uscito nel 2019,
seguito da Downton Abbey: Una Nuova Era nel 2022.
I primi due film hanno incassato complessivamente oltre 287 milioni
di dollari a livello globale.
Simon Curtis torna
alla regia dell’ultimo capitolo dopo aver diretto Una Nuova Era.
Fellowes ha scritto tutti e tre i film.
Il cast familiare torna anche per
Downton Abbey: Il Grand Finale, che include
Michelle Dockery,Hugh Bonneville, Laura
Carmichael, Jim Carter, Raquel Cassidy, Brendan Coyle, Michelle
Dockery, Kevin Doyle, Michael Fox, Joanne Froggatt,
Paul Giamatti, Harry Hadden-Paton, Robert James-Collier, Allen
Leech, Phyllis Logan, Elizabeth McGovern, Sophie McShera, Lesley
Nicol, Dominic West, Penelope Wilton, Joely Richardson, Paul
Copley e Douglas Reith.
Nel cast del franchise compaiono
anche Joely Richardson, Alessandro Nivola, Simon Russell Beale e
Arty Froushan. I produttori sono Gareth Neame, Fellowes e Liz
Trubridge. Nigel Marchant è il produttore esecutivo.