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Frankenstein di Guillermo Del Toro: il rating conferma che sarà violento e per adulti!

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Il Frankenstein di Guillermo del Toro continua il trend di successo dell’iconica storia del mostro. Il film Netflix in uscita a novembre è un adattamento dell’omonimo romanzo horror classico del 1818 di Mary Shelley. Il prossimo Frankenstein vanta un cast stellare che include  Oscar IsaacMia GothJacob ElordiChristoph Waltz. Charles Dance, Christian Convery, Ralph Ineson. Segna il primo rifacimento di un iconico mostro della Universal da parte di del Toro dopo il suo film vincitore dell’Oscar del 2017, La forma dell’acqua, ispirato a Il mostro della laguna nera del 1954.

Secondo FilmRatings.com, Frankenstein di Guillermo del Toro ha ricevuto una classificazione MPA di R, che continua la tendenza moderna di adattamenti del romanzo originale di Mary Shelley sempre più grafici, violenti e per adulti. La maggior parte dei primi adattamenti o continuazioni più noti del classico letterario sono classificati PG, PG-13 o Approved (nel periodo pre-MPA/MPAA), tra cui il film del 1931 con Boris Karloff, La moglie di Frankenstein del 1935 (che vedeva Karloff tornare al fianco di Elsa Lanchester) e La maledizione di Frankenstein del 1957 (con Christopher Lee e Peter Cushing).

Cosa significa questo per Frankenstein di Guillermo del Toro

Continua anche una tendenza per il regista

La tendenza seguita dal nuovo film di Guillermo del Toro non ha iniziato a prendere piede fino agli anni ’70, che hanno visto l’uscita di una serie di film su Frankenstein classificati R, tra cui The Horror of Frankenstein della Hammer, il film blaxploitation Blackenstein e il controverso Flesh for Frankenstein di Paul Morrissey. Da allora, tra film per famiglie come Hotel Transylvania, Frankenweenie e The Monster Squad, hanno iniziato a spuntare sempre più adattamenti vietati ai minori, tra cui quello di Kenneth Branagh del 1994, il film di Roger Corman del 1990 Frankenstein Unbound e l’adattamento di Bernard Rose del 2015 con Xavier Samuel e Carrie-Anne Moss.

Mary Shelley’s Frankenstein del 1994 vantava un cast stellare che includeva Branagh, Robert De Niro, Helena Bonham Carter, Ian Holm, John Cleese e Aidan Quinn.

Questa classificazione ha senso perché i film di Guillermo del Toro tendono a fondere elementi fantasy con una realtà raccapricciante. Sebbene abbia realizzato film classificati PG e PG-13, la maggior parte della sua produzione è stata classificata R, con Frankenstein che è diventato il suo nono film su 13 a ottenere tale classificazione. Gli altri suoi film classificati R sono Cronos (il suo film d’esordio), Mimic, Il dorso del diavolo, Blade II, Il labirinto del fauno, Crimson Peak, La forma dell’acqua e Nightmare Alley.

Man in the Dark 3: aggiornamenti incoraggianti per il terzo film

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Man in the Dark 3: aggiornamenti incoraggianti per il terzo film

Stephen Lang, che ha interpretato Norman Nordstrom, alias il Cieco, in Man in the Dark 3 e nel suo sequel, offre un aggiornamento speranzoso sul futuro della serie di film. Nonostante circolino voci su un terzo film, Man in the Dark 3 (Don’t Breathe 3) rimane ancora senza conferma. Dopo aver recitato nel film horror d’azione del 2021, Lang sarà protagonista del nuovo thriller Barron’s Cove, al fianco di Tramell Tillman, Garrett Hedlund, Brittany Snow e altri. Si prevede inoltre che riprenderà il ruolo dell’antagonista principale, il colonnello Miles Quaritch, nel prossimo Avatar: Fire and Ash.

In un’intervista con Grant Hermanns di ScreenRant su Barron’s Cove, in uscita in alcuni cinema e in VOD il 6 giugno, Lang ha fornito un aggiornamento su un potenziale terzo film. L’attore ha rivelato che “c’è un’idea” e anche se ci sono stati alcuni “passi indietro” nello sviluppo, negli ultimi mesi ci sono stati “alcuni piccoli progressi”. Ha inoltre chiarito che volevano che il terzo film fosse “qualcosa di veramente completo” e diverso, il che rende difficile il lavoro. Leggi il suo commento qui sotto:

Beh, c’è stato un po’ di regresso per un po’. Ma penso che sia possibile che le cose vadano avanti. Penso che ci sia un’idea. È una cosa difficile, il punto centrale tra Fede, Rodo e me è che se vogliamo fare un altro film, dovrà competere con Don’t Breathe e Don’t Breathe 2, entrambi molto diversi. Non può essere un’imitazione, deve essere qualcosa di davvero completo, ed è difficile da trovare. Sono ragazzi molto intelligenti, ma sono stati molto impegnati con molte cose. Sono molto richiesti, quindi è difficile, ma ho parlato con loro negli ultimi due mesi e ci sono stati dei piccoli progressi. Spero che lo faremo, perché mi piacerebbe davvero uccidere il vecchio avvoltoio. [Ride]

Cosa significa questo per Man in the Dark 3

Sebbene le notizie sul potenziale terzo film di Don’t Breathe siano scarse, la dichiarazione di Lang rivela che il progetto è in fase di sviluppo attivo. L’attore, entusiasta di riprendere il suo ruolo in futuro, anticipa che il terzo capitolo è ancora in fase iniziale e potrebbe essere l’ultimo della serie, anche se nulla è ancora definitivo. La mancanza di aggiornamenti concreti potrebbe essere dovuta allo sforzo creativo che si sta facendo dietro le quinte.

Sembra che il terzo film abbia incontrato alcune difficoltà con il concept. Tra gli impegni dei registi e sceneggiatori Fede Álvarez e Rodo Sayagues e la direzione del film, il processo creativo non è stato facile. Tuttavia, l’attore rimane ottimista sul prossimo progetto e indica che è “possibile” che le cose inizino a muoversi dopo aver definito il concept.

Predator: Killer of Killers, le varianti di Predator spiegate dai co-registi

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Il co-regista Josh Wassung ha fatto luce sulla creazione dei tre diversi Predator che combattono gli umani attraverso il tempo nell’antologia animata Predator: Killer of Killers. In un seguito spirituale di Prey di Dan Trachtenberg, che vedeva una variante più primitiva del Predator massacrare i guerrieri Comanche nelle Grandi Pianure nel 1700, Predator: Killer of Killers mette nuove varianti del Predator contro altre culture guerriere della storia umana. I tre guerrieri umani presenti nel film sono un signore della guerra vichingo del IX secolo, un samurai giapponese del XVII secolo e un pilota di caccia della Seconda Guerra Mondiale, ognuno dei quali affronta una variante di Predator completamente diversa.

Durante un’intervista con Joe Deckelmeier di ScreenRant condotta in occasione dell’uscita di Predator: Killer of Killers, il co-regista Josh Wassung ha fornito alcune informazioni su come sono stati scelti i diversi Predator per le rispettive storie. Ogni variante ha una corporatura diversa e un arsenale diverso, anche se il concetto generale di caccia basata principalmente sul calore rimane lo stesso in tutto il film. Parlando con ScreenRant ai co-registi Dan Trachtenberg e Josh Wassung è stato chesto di commentare le varianti di Predator:

Josh Wassung: Per noi era davvero importante trovare l’abbinamento giusto perché, da un lato, non volevamo che il Predator sembrasse vestito come quella cultura. Per noi era molto, molto, molto importante che non indossassero un costume. Detto questo, avevamo bisogno di una buona metafora, di un buon abbinamento per questi nemici. Alec Gillis e il reparto artistico hanno fatto un lavoro incredibile e hanno proposto tantissime opzioni. Ci hanno detto: “Oh, quel colosso deve stare con i vichinghi e questo tizio è davvero tosto. È come se fosse vivo, ma è una specie di ninja, anche se non lo è”. Ci hanno parlato e così siamo riusciti a inserirli nei rispettivi capitoli.

Cosa significano i commenti di Josh Wassung per il franchise di Predator

Come ha osservato Wassung, la parte più importante per ottenere le varianti di Predator giuste per le rispettive storie era assicurarsi che fossero avversari divertenti senza imitare i loro omologhi umani. Una parte importante di questo era garantire che, nonostante le armi molto più avanzate, gli stili di combattimento dei Predator riflettessero quelli dei loro nemici umani. Ad esempio, il Predator che combatte contro il samurai giapponese fa affidamento sul suo camuffamento più delle altre varianti, proprio come farebbe un ninja. Al contrario, il Predator vichingo è meno abile ma travolge con la sua forza e la sua stazza, proprio come facevano i guerrieri vichinghi con i loro avversari.

La storia di Josh Wassung come maestro degli effetti visivi è stata sicuramente apprezzata in Predator: Killer of Killers; Wassung ha lavorato alla serie drammatica della Apple TV+ ambientata durante la Seconda guerra mondiale Masters of the Air, il che spiega perché quel capitolo dell’antologia fosse così impressionante dal punto di vista visivo.

L’abbinamento dei Predator ai loro avversari rimanda in realtà a un concetto interessante su come viene scelta la preda. Un estratto dal Codice Yautja mostrato all’inizio di Killer of Killers indica che i Predator cercano la “preda più forte”, ma sembra che ci sia qualcosa di più. Invece di cercare semplicemente i nemici più forti, i Predator potrebbero selezionare specificamente avversari il cui stile di combattimento riflette il loro, rendendoli così più difficili da uccidere. I Predator e i guerrieri umani si rispecchiano l’uno nell’altro, ed è per questo che le battaglie funzionano così bene nel film.

Chad Stahelski spiega cosa sbagliano i film sui supereroi nelle scene d’azione

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Il creatore di John Wick, Chad Stahelski, spiega perché le scene d’azione dei supereroi spesso non riescono a raggiungere il loro pieno potenziale nei film della Marvel e della DC. I film Marvel e DC hanno presentato decine di scene d’azione che vanno da sequenze di combattimento ordinarie a battaglie straordinarie come l’intensa scena finale di Avengers: Endgame e il combattimento nel magazzino di Batman in Batman v Superman: Dawn of Justice. Tuttavia, le scene d’azione nel genere dei supereroi non sono note per la loro coerenza.

In un’intervista con THR, il creatore e regista di John Wick Chad Stahelski esprime la sua opinione sullo stato attuale delle scene d’azione a Hollywood. Stahelski spiega che la chiave per creare sequenze d’azione solide sta nel garantire un equilibrio tra storia, spettacolo e innovazione. Stahelski menziona specificamente i film di supereroi e sottolinea che il genere spesso si affida a registi di seconda unità che si occupano delle scene d’azione, il che causa una chiara disconnessione tra l’azione e la trama all’interno di ogni film. Leggi i commenti completi di Chad Stahelski qui sotto:

THR: Quali sono gli errori più grandi che i film d’azione sembrano commettere quando guardi altri film?

Chad Stahelski: Per favore, assicurati di riportare questo: questa è solo la mia opinione e la mia opinione non è migliore o peggiore di quella di chiunque altro. Alcune cose che secondo me non funzionano potrebbero funzionare per alcune persone. È tutta una questione di esecuzione. Come in Die Hard. Non c’è molta azione, l’intera vicenda si svolge su tre piani di un edificio, ma John McClane è un personaggio fantastico. Quando corre a piedi nudi attraverso il vetro, mi fa impazzire: è quello che bisogna fare. Potrei fare esattamente la stessa coreografia di John Wick, ma se non amaste Keanu Reeves nei panni di John Wick, non saremmo qui a parlare. Ci sono atleti migliori di Jackie Chan…

THR: Ma noi adoriamo Jackie Chan.

Chad Stahelski: Lo adori, cazzo! Per molto tempo, [il consenso dell’industria] era: “Non è l’azione che conta, è la storia”. Non è vero. Poi è arrivato: “Non è la storia che conta, è l’azione”. Non è vero! Devi concepire il tutto insieme.

Quindi il problema più grande dei film d’azione è che la gente pensa che si tratti di due film separati. La storia non si ferma solo perché ci sono pugni e calci. In alcuni film di supereroi, quando un membro della seconda unità gira metà del film, durante l’azione tutto sembra diverso. Anche i colori e il montaggio sono diversi. [Il film] non sembra mai coerente. Quindi, se non vuoi girare le tue scene d’azione, non fare il film. Che si tratti di Steven Spielberg, Christopher Nolan, Guy Ritchie o dei Wachowski, tutti girano le loro scene d’azione.

Cosa significano i commenti sulle scene d’azione del regista di John Wick, Chad Stahelski

Come spiega Chad Stahelski, le scene d’azione ben riuscite sono visivamente accattivanti, servono alla storia e mantengono lo stesso stile del resto del film. Ad esempio, la battaglia finale di Captain America: Civil War offre un climax emozionante alle tensioni tra Iron Man, Captain America e il Soldato d’Inverno. Inoltre, sfrutta al meglio le abilità e le tecniche di combattimento di ciascun eroe e mostra lo stesso stile di regia del resto del film. Fa anche un passo in più e rende omaggio al materiale originale con un riferimento ai fumetti di Civil War.

Detto questo, lo scontro di Captain America: Civil War è stata pianificata il giorno stesso delle riprese, il che fa sembrare la sua alta qualità un mix di talento dietro le quinte e pura fortuna. Altre scene d’azione dell’MCU, come la distruzione della Red Room in Black Widow e la battaglia finale in Black Panther, falliscono in almeno uno dei tre aspetti menzionati da Chad Stahelski.

La regista Lucrecia Martel ha rivelato una volta che era in lizza per dirigere Black Widow, ma ha rinunciato perché “le aziende sono interessate alle registe donne, ma continuano a pensare che le scene d’azione siano per i registi uomini”, suggerendo che le scene d’azione di Black Widow siano state relegate ai registi della seconda unità.

In copertina. Chad Stahelski arriva alla premiere di Los Angeles del film della Lionsgate “John Wick: Chapter 4”. Foto di Image Press Agency via DepositPhotos.com

Criminal Code – Stagione 2, la spiegazione del finale: I senza anima muoiono?

La seconda stagione di “Criminal Code” di Netflix si conclude con Suellen e Benicio che escogitano un modo per ostacolare le ambizioni di Isaac, trovando anche una sorta di redenzione personale. Dopo aver trascorso gran parte della narrazione un passo indietro rispetto a ogni mossa di Isaac, gli ultimi momenti ribaltano la situazione a danno del leader della Ghost Gang, che si trova ad affrontare problemi che vanno dall’esistenziale al personale. Tuttavia, nonostante gli sforzi del nostro duo protagonista, catturare Isaac e la sua banda di ladri si rivela un compito arduo che costringe tutti a dare il meglio di sé. Alla fine, tutto culmina in un epico scontro dalle conseguenze immense, in cui vengono alla ribalta rivalità vecchie e nuove, lasciandoci con uno scenario aperto che potrebbe avere ulteriori implicazioni in futuro.

Cosa succede nella seconda stagione di Criminal Code

Come previsto, in Criminal Code – Stagione 2 inizia con la squadra della polizia federale guidata da Rossi alle prese con le conseguenze del finale della prima stagione. A tal fine, Suellen, Benicio e gli altri tengono d’occhio i membri della malavita nel tentativo di ottenere maggiori informazioni sulla sfuggente Ghost Gang guidata da Isaac e dall’Ambasciatore. Nonostante abbiano un’idea abbastanza chiara che la banda sia impegnata a pianificare la sua prossima mossa, Suellen e Benicio non hanno modo di intervenire a meno che non ottengano un quadro completo della situazione e della disposizione delle forze in campo. Purtroppo, questo è un lusso che non possono permettersi, poiché Isaac, suo fratello Gabriel e il loro stretto collaboratore Lobo sono già in movimento con un grande piano di rapina, che ha come obiettivo la Banca Centrale di Fortaleza. Sebbene le autorità arrivino in tempo per opporre resistenza, i rapinatori riescono a superare le barricate e a fuggire.

Durante la fuga, il Professore (Assuncao) viene ucciso da un membro ribelle della banda di nome Xuxa. La sua morte ha un effetto sconvolgente su Suellen e Benicio, soprattutto perché la prima è responsabile di aver permesso al Professore di partecipare alle operazioni sul campo. Come nuovo capo della squadra, Suellen si assume una responsabilità ancora maggiore per la morte del Professore e si impegna a consegnare Isaac e la sua banda alla giustizia, vendicandosi anche di Xuxa. L’omicidio del Professore mette in moto una serie di eventi a catena che portano Rossi a perdere la sua autorità nell’ufficio, poiché i vertici della Polizia Federale perdono fiducia nella sua capacità di ottenere risultati e mitigare errori costosi. Al suo posto, l’ispettore Vendramin viene nominato nuovo responsabile del dipartimento, mentre Rossi viene retrocesso a vice sceriffo.

Determinati a fare un passo avanti, Suellen e Benicio iniziano a seguire le tracce di Xuxa per avvicinarsi a Isaac e alla sua banda. Scoprono che si incontra spesso con prostitute in una zona malfamata della città e utilizzano questa informazione per rintracciarlo. La ricerca li conduce infine allo strip club Shangri-La. Durante un appostamento, vedono Xuxa aggirarsi nei pressi del locale e decidono di agire. Dopo un intenso inseguimento, riescono ad arrestarlo, catturando così il responsabile dell’omicidio del professore. Tuttavia, lui rivela che nel tentativo di catturarlo, hanno completamente perso di vista Isaac, che in quel momento si trovava anche lui all’interno dello Shangri-La. Successivamente, Suellen chiede a Luana, una prostituta e informatrice part-time di Benicio, di infiltrarsi nello Shangri-La per scoprire di più sulla Ghost Gang.

La spiegazione del finale di Criminal Code – Stagione 2: come Suellen e Benicio sventano i piani di Isaac?

Durante tutta Criminal Code – Stagione 2, Suellen adotta una vasta gamma di approcci per mettere Isaac alle strette, ma i suoi sforzi sono vani. Qualunque cosa provi, il Fantasma si rivela una figura sfuggente che ha la fortuna dalla sua parte. Tuttavia, con ogni incidente, lei si avvicina sempre più a fargli commettere un grave errore, che alla fine accade quando una delle sue rapine va storta, nonostante lui riesca a mettere le mani sulla maggior parte dei gioielli di valore. Durante la rapina a Vera Cruz, Suellen e Benicio, insieme al resto della polizia federale, mettono in atto una strategia aggressiva contro la banda di Isaac. Mentre questi tentano la fuga, i poliziotti li seguono fino al loro magazzino, che diventa immediatamente teatro di nuovi scontri. Alla fine della colluttazione, Suellen infligge un duro colpo a Isaac uccidendo Gabriel, costringendolo a limitare le perdite nonostante sia profondamente colpito.

Dopo la perdita di Gabriel, Isaac teme che le sue possibilità di sfuggire alla polizia siano scarse. Inoltre, è profondamente ferito dalla morte di Gabriel, al punto da avere dei flashback sul loro ingresso nel mondo dei ladri professionisti. Di conseguenza, inizia a pensare ad altri modi per fare fortuna senza tornare al mondo delle rapine. Tuttavia, l’ambasciatore è un ostacolo significativo sulla strada verso la realizzazione dei suoi sogni. Per questo motivo, cospira con Djeison per uccidere l’ambasciatore, una mossa audace che avrà immense ripercussioni sul resto della narrazione per tutti i personaggi coinvolti. Dopo aver ucciso l’ambasciatore, Isaac inizia a lavorare con Cabeca per entrare nell’impero della droga, che è una soluzione alla sua attuale situazione difficile e anche un modo per fare un ultimo tentativo di successo per ottenere denaro.

Nelle ultime puntate di Criminal Code – Stagione 2, Isaac e Soulless si preparano per un ingente traffico di cocaina nel porto di Santos. Arrivano lì con l’obiettivo preciso di prendere il controllo delle attività commerciali dell’ambasciatore senza intoppi. Tuttavia, Benicio e Suellen li rintracciano al porto, dove scoppia una lotta epica tra le autorità e i criminali. Entrambe le parti aprono il fuoco mentre alcuni cercano di fuggire. Durante la battaglia, Benicio lascia Suellen alle spalle per occuparsi di Soulless, ossessionato dalla sua vendetta personale contro l’uomo. Nel frattempo, Suellen uccide Lobo, l’amico di Isaac, che non ha altra scelta che fuggire. Le autorità sequestrano così tutto il carico di cocaina dal porto, che viene poi pubblicizzato come una vittoria della Polizia Federale.

Soulless muore? Cosa significa questo per Benicio?

Mentre Suellen deve affrontare Isaac e Lobo da sola, Benicio insegue Soulless fino alla riva del fiume con l’unico scopo di rimandarlo in prigione. È innegabile che i due abbiano una rivalità speciale a causa di tutto ciò che è successo nella prima stagione (Soulless ha ucciso Santos, il precedente partner di Benicio). Di conseguenza, la tensione tra loro è spesso tale da poter essere tagliata con un coltello affilato. Una volta che Benicio mette Soulless alle strette vicino allo specchio d’acqua, i due hanno un confronto verbale. Mentre il primo è determinato a rimandare il suo avversario in prigione, dove secondo lui è il suo posto, il secondo afferma che tutto ciò che sta facendo, giusto o sbagliato che sia, è in nome di una nobile causa: la sua famiglia. Di conseguenza, il combattimento uno contro uno che ne segue è intenso e carico di alta tensione.

All’inizio dello scontro, sembrano alla pari in termini di forza fisica. Tuttavia, man mano che il fango intorno a loro inizia a dare i suoi effetti, Benicio perde l’iniziativa nella battaglia e viene progressivamente dominato da Soulless. Quest’ultimo ne approfitta e si prepara per una mossa finale per strangolare il suo rivale e porre fine alla sua vita. All’ultimo secondo, Benicio riesce a liberarsi dalla sua presa pugnalando Soulless, che viene colto alla sprovvista dall’attacco a sorpresa. Successivamente, si sdraia nel fango, mentre la sua vita lentamente si spegne e Benicio finalmente riacquista l’equilibrio. Soulless consegna a Benicio il ciondolo che porta al collo, esortando il suo rivale a darlo a suo figlio una volta che sarà morto. Nonostante abbia trionfato sul suo nemico, Benicio è sopraffatto dall’emozione mentre guarda Soulless chiudere gli occhi.

Le ultime parole di Soulless hanno chiaramente un profondo effetto su Benicio, che deve provare un senso di affinità a causa del suo rapporto conflittuale con suo figlio Samuel. Durante tutta la seconda stagione vediamo che Benicio fatica a entrare in contatto con Samuel, nonostante dedichi parte della sua giornata a fare cose con lui. Pertanto, sentire Soulless chiedergli di consegnare la sua collana al proprio figlio deve scatenare un senso di tristezza nel protagonista, facendogli capire che, dopotutto, non è così diverso dal suo rivale. Infatti, sebbene siano su fronti opposti della legge, entrambi dimostrano ripetutamente la stessa adesione alla giustizia, a modo loro. A tal fine, il personaggio di Soulless mette in luce la complessità degli esseri umani e come le persone che fanno cose cattive possano anche avere dei lati positivi, cosa che viene ulteriormente esemplificata quando incontra la sua fine.

Cosa succede a Isaac?

Sebbene alla fine la Polizia Federale riesca a riaffermare il proprio controllo, il suo lavoro è lungi dall’essere concluso, poiché Isaac riesce a fuggire. Dopo lo scontro al porto di Santos, Isaac si rifugia in un nascondiglio dove recupera una scorta nascosta di denaro, armi e provviste necessarie per ricominciare da zero. A tal fine, decide di mantenere un profilo basso, riuscendo a non farsi notare dalla polizia. Nel frattempo, i media credono che la Polizia Federale abbia ottenuto una grande vittoria, anche se alcuni membri delle forze dell’ordine, come Suellen e Benicio, sanno che i risultati ottenuti sono solo la metà di quelli pubblicizzati. Ciò diventa ancora più evidente quando vediamo Isaac presentarsi alla porta di Italio nelle ultime puntate della stagione, il che significa che ha stretto una nuova alleanza con l’uomo.

All’inizio di Criminal Code – Stagione 2, Isaac considera indegno di sé ricorrere all’aiuto di qualcuno come Italio, che chiama “Playboy” per via del suo stile di vita lussuoso e della sua mancanza di serietà. Quando Italio interviene per sostenere Isaac dopo l’omicidio dell’ambasciatore, il leader della Ghost Gang pensa che avrebbe dovuto rivolgersi a partner migliori. Tuttavia, alla fine, queste opzioni sono completamente fuori discussione a causa degli occhi della Polizia Federale puntati su di lui. Pertanto, è logico che Isaac metta da parte il suo orgoglio e decida di collaborare con Italio, indicando che ora ha un potente benefattore che lo aiuta a ritrovare il suo posto nel mondo della malavita. Questo lascia spazio a ulteriori sviluppi nella terza stagione, che inevitabilmente vedrà altri scontri tra le autorità e Isaac.

Cabeca è il nuovo ambasciatore?

La morte dell’ambasciatore è uno dei grandi colpi di scena della seconda stagione di “Criminal Code”. Dopo aver svolto un ruolo così importante nella prima stagione e in gran parte della seconda, l’ambasciatore sembra un personaggio intoccabile che esercita un’enorme influenza e potere sugli altri. Tuttavia, la seconda stagione dimostra che nessuno è al sicuro da individui ambiziosi che cercano sempre di abbattere chi detiene il potere. L’ambasciatore lo scopre a sue spese, con Greco che fa pressione su di lui da un lato e perdendo il controllo su Isaac e gli altri dall’altro. Successivamente, viene eliminato da Isaac e dal suo braccio destro, Djuisen, che si alleano alle sue spalle per metterlo fuori gioco. Di conseguenza, si crea un enorme vuoto di potere e Isaac cerca di conquistarlo con l’aiuto di altri, come Cabeca.

All’inizio di Criminal Code – Stagione 2, Cabeca è il capo del penitenziario di Sao Paolo Avare, una posizione di notevole peso che gli conferisce un grande potere all’interno della prigione. Tuttavia, alla fine, diventa ancora più potente perché assume praticamente la posizione dell’ambasciatore come leader della sua organizzazione, il che significa che è, per molti versi, il nuovo ambasciatore. Questo significa che ora è lui a occuparsi delle operazioni di droga che prima erano di competenza dell’Ambasciatore. Inoltre, con Isaac nascosto, Cabeca ha carta bianca per fare ciò che vuole con il suo nuovo potere, il che lo rende una minaccia formidabile per il futuro. Pertanto, la sua cattura e quella di Isaac costituiranno probabilmente la parte principale della trama di una potenziale terza stagione, che continuerà la lotta di Suellen e Benicio contro il crimine organizzato sia all’interno che all’esterno dei loro quartieri.

Sara – Woman in the Shadows, la spiegazione del finale della serie Netflix

Sara: Woman in the Shadows, una nuova serie crime drama di Netflix, segue le vicende di un’ex agente segreta che si muove in un mondo fatto di corruzione, segreti e pericolo alla ricerca di giustizia per il figlio assassinato. In sei episodi, la serie approfondisce i temi della perdita e del tradimento, mentre Sara combatte contro un sistema corrotto.

Il finale di Sara: Woman in the Shadows rivela la verità dietro la morte del figlio di Sara, Giorgio. Per anni, Sara ha vissuto immersa nel dolore e in una ricerca incessante di giustizia, convinta che l’incidente d’auto che ha causato la morte di suo figlio fosse una tragica coincidenza. Tuttavia, le sue indagini rivelano una verità molto più oscura. Ecco come la serie risponde alle domande più importanti.

Cosa scopriamo su Ludovico Terzani

Ludovico Terzani, un rispettato medico della città, è stato ufficialmente dichiarato responsabile dell’incidente stradale in cui è morto Giorgio.

La polizia ha classificato il caso come incidente, ma Sara si è rifiutata di accettare questa versione. A poco a poco, attraverso indagini e controlli incrociati, Sara ha scoperto che Ludovico era coinvolto in un intricato complotto personale: aveva una relazione extraconiugale con Silvia Prati, una donna che era stata l’amante di Giorgio. La relazione tra Ludovico e Silvia ha scatenato un rancore mortale: Ludovico temeva che Giorgio potesse rivelare la relazione e rovinare la sua reputazione.

Nel primo episodio, Sara ottiene le prove che dimostrano che la morte di Giorgio in un incidente stradale con omissione di soccorso non è stata accidentale, ma un atto premeditato da Ludovico, che ha usato la sua influenza per cercare di insabbiare il caso. Tuttavia, non avendo prove legali sufficienti per incriminarlo formalmente e con la polizia che insabbia il caso, Sara decide di farsi giustizia da sola.

Nel corso della serie, diventa chiaro che la corruzione e la collusione tra le autorità di polizia e personaggi influenti impediscono che la verità venga a galla. Ludovico ha contatti potenti ed è riuscito a manipolare le indagini per far sembrare l’incidente un caso fortuito. La morte di Giorgio è servita a proteggere interessi più grandi, come contratti e relazioni politiche tra le famiglie influenti della città.

La vendetta di Sara

Nell’ultimo episodio, Sara affronta Ludovico. Con la stessa freddezza con cui lui le ha portato via suo figlio, Sara mette in atto la sua vendetta e lo uccide, assicurandosi che paghi per il crimine commesso. Questo gesto trasforma Sara in una giustiziera, una donna che infrange leggi corrotte e un sistema marcio per ottenere giustizia a modo suo.

Sara non è l’unico personaggio della serie che incarna la resistenza in un mondo che le nega costantemente giustizia. Anche Teresa, amica di Sara dai tempi in cui era un’agente segreta, ha deciso di prendere in mano la situazione dopo aver perso una persona cara a causa di un sistema corrotto. Il marito di Teresa, Sergio, è stato ucciso dal mafioso Enrico Vigilante, che le autorità hanno smesso di cercare a causa di questioni politiche interne.

Spinte dal dolore, entrambe le donne hanno scelto di agire da sole, al di fuori della legge, diventando vendicatrici implacabili. Teresa non esita a dare il colpo di grazia a Vigilante, mentre Sara usa la sua intelligenza e le sue abilità per smascherare il gioco sporco che si cela dietro l’omicidio di suo figlio. Entrambe assumono il ruolo che le istituzioni non sono riuscite a svolgere: proteggere gli innocenti e punire i colpevoli.

L’eredità invisibile

Alla fine, Sara riceve un ultimo dono cruciale dal suo mentore, Massimiliano: un CD con un messaggio enigmatico. Più che un semplice file, è un invito all’azione, un promemoria che la lotta alla corruzione non è finita con la sua morte.

La serie chiude la trama principale con la morte di Vigilante e la rivelazione della verità sull’omicidio di Sergio. Ma le ombre rimangono: la corruzione è ancora viva e Sara e Teresa assumono il ruolo di guardiane di un mondo che non offre loro alcuna protezione.

E così, Sara – Woman in the Shadows si conclude con la promessa che finché esisterà l’ingiustizia, ci saranno persone disposte a combatterla e che la vera giustizia nasce nelle mani di coloro che rifiutano di arrendersi.

New Amsterdam, la spiegazione del finale di serie con Ryan Eggold

Gli spettatori non hanno certo l’imbarazzo della scelta quando si tratta di serie televisive ambientate in ospedale, ma New Amsterdam è ormai da tempo una delle preferite dai fan. La serie segue le vicende del dottor Max Goodwin (Ryan Eggold), direttore sanitario di uno degli ospedali più antichi del Paese, e le innumerevoli vicissitudini professionali e personali che accompagnano il suo lavoro. Nota per le sue relazioni romantiche e il suo cuore familiare, la cancellazione dello show è stata una sorpresa non solo per i fan, ma anche per i creatori. Con una reputazione così forte tra i fan, la quinta stagione è l’occasione per i personaggi di ottenere il finale che meritano.

Le trame della quinta stagione di New Amsterdam hanno già entusiasmato i fan e, per la maggior parte, il piano di puntare in grande o rinunciare sta producendo risultati soddisfacenti. Con il finale di stagione che offre ai fan molte risposte su cosa succederà a Max, Luna e al resto dello staff di New Amsterdam, c’è ancora molto spazio per interpretare dove potrebbe portarli il futuro. Anche se la serie giunge al termine, almeno per ora, non c’è motivo di pensare che non rivedremo mai più i nostri personaggi preferiti. Ecco cosa c’è da sapere sul finale della quinta stagione di “New Amsterdam”. Attenzione: spoiler in arrivo.

Il finale è vago per un motivo

Sebbene i fan abbiano iniziato la quinta stagione sapendo che “New Amsterdam” sarebbe terminato presto, la storia è rimasta aperta. Sebbene il percorso di ciascuno dei nostri personaggi principali sia stato concluso in modo ordinato con risposte definitive, c’è abbastanza margine di manovra per interpretare ciò che potrebbe accadere in futuro. L’esempio più chiaro è Max, che sta per intraprendere una nuova avventura dopo aver ricevuto una nuova offerta di lavoro. Il produttore esecutivo David Schulner e il regista Peter Horton affermano che la vaghezza è fondamentale per ciò che volevano dire sulle relazioni di Max con sua figlia ed Elizabeth.

Parlando con TV Line, Horton ha spiegato: “Amiamo molto l’ambiguità e volevamo lasciare un po’ in sospeso la questione del suo rapporto con [Elizabeth] Wilder. Con [Max] che le dà le chiavi del New Amsterdam, è chiaro che in questo momento non stanno insieme. Lui sta partendo per Ginevra con sua figlia. Sono ancora innamorati, ma il futuro è ambiguo e volevamo lasciare questo tono”. Questa decisione non solo dà ai fan molti spunti di speculazione, ma non fornendo una risposta chiara apre la serie a potenziali reboot e spin-off.

Max ha gatti più grossi da pelare

ryan eggod New Amsterdam

Essendo il personaggio più centrale del finale della quinta stagione, l’azione di “New Amsterdam” ruota attorno alle decisioni personali di Max. Non solo Max lascia l’ospedale per lavorare per l’Organizzazione Mondiale della Sanità, ma l’episodio finale riguarda il suo futuro romantico con Elizabeth Wilder. Con l’episodio strutturato in modo da seguire il suo ultimo giorno in ospedale, non è un segreto che i fan si stiano preparando all’addio sin dall’inizio della stagione. Dopo il dramma della quarta stagione con la dottoressa Helen Sharpe, il fatto che la quinta stagione di Max lo prepari a cambiare completamente vita ha perfettamente senso. La sorpresa più grande sarà probabilmente vedere Max giocare con due donne diverse in un modo nuovo: questa volta, la sua fiamma della quinta stagione contro sua figlia.

Come vediamo nel corso dell’episodio, alla fine è sua figlia Luna ad avere la meglio. È un punto di svolta per l’evoluzione del personaggio di Max, che riconosce che costruire una buona relazione a lungo termine con Luna deve venire prima di qualsiasi altra cosa. Anche se alcuni fan hanno definito il suo comportamento passato fastidioso e irrealistico, questo nuovo senso di stabilità è forse la direzione migliore per mandare Max per la sua strada. Allo stesso tempo, il finale incompiuto tra lui ed Elizabeth lascia spazio a un potenziale ritorno, anche se la fine della loro relazione mostra un senso di crescita e maturità.

Il futuro di Luna viene rivelato

Freema Agyeman New Amsterdam

Mentre la maggior parte delle stagioni di “New Amsterdam” seguono una linea temporale lineare nel presente, il finale della quinta stagione decide di fare le cose in modo diverso. Alternando il presente e un futuro non troppo lontano, l’episodio offre agli spettatori alcuni scorci di una donna sconosciuta, anche se il suo nome non viene mai menzionato nella conversazione. Alla fine dell’episodio, viene rivelato il suo legame con il resto della trama: la donna è Luna nel futuro, tornata in ospedale per prendere il posto di suo padre. È un finale che alcuni fan non si aspettavano, che amplia l’universo di “New Amsterdam” in un modo che potrebbe portare a infinite possibilità. Nello spirito dei nuovi inizi, non è troppo azzardato pensare che questa trama potrebbe avere lo stesso impatto che “Private Practice” ha avuto su “Grey’s Anatomy”, portando un personaggio particolare in una direzione completamente nuova.

Il finale della quinta stagione è incentrato sul ritorno alle origini. Il discorso commovente di Luna nell’auditorium su Max ricorda quello della prima stagione, in cui lui citava la famiglia e la sorella come motivi per cui voleva diventare direttore medico. Anche se il rapporto di Luna con il padre è stato analizzato e criticato, il finale dell’episodio è un modo bellissimo per sottolineare che, nonostante i drammi, la famiglia viene sempre al primo posto.

C’è speranza per Sharpwin?

Mentre Max rafforza il suo rapporto con Luna, molto resta in sospeso per la vita sentimentale di Max. Sebbene Elizabeth sia stata la pupilla di Max per gran parte della quinta stagione, il finale di “New Amsterdam” porta la loro relazione appena sbocciata a una fine improvvisa. Max ammette il suo amore per Elizabeth, ma tecnicamente lascia la serie da single. Tenendo questo a mente, è possibile che la sua ex fiamma, la dottoressa Helen Sharpe, possa tornare in qualche modo. Infatti, fa un cameo nell’ultima stagione, apparendo su uno schermo televisivo in sottofondo per rappresentare la lotta del servizio sanitario nazionale contro il cancro.

Dato che i fan hanno tifato per “Sharpwin” per gran parte della serie, avrebbe senso che la coppia tornasse se “New Amsterdam” dovesse mai tornare sui nostri schermi. Mentre alcuni hanno considerato l’uscita di Helen dalla serie come una cosa positiva, altri si aggrappano a ciò che la relazione potrebbe significare e a come si è evoluta nel tempo. Se consideriamo come si conclude “New Amsterdam”, non c’è motivo di pensare che la relazione tra Sharpwin non possa essere ricucita. Chi può dire che il nuovo lavoro di Max non lo riporterà direttamente da Helen?

Elizabeth è lasciata in balia di se stessa

Sebbene il futuro sembri essere già deciso per Max, lo stesso non si può dire per Elizabeth. Ora che ha rifiutato l’opportunità di dirigere un ospedale gestito da medici non udenti, tutto ciò che resta da fare a Elizabeth è essere respinta dall’uomo per cui prova dei sentimenti. A parte rivelare una determinazione professionale alimentata dall’esperienza infantile di essersi sentita dire che non avrebbe potuto realizzare ciò che desiderava, non succede molto altro per Elizabeth.

Alcuni fan pensano che il finale di stagione sia stato affrettato e che ci sarebbe stato sicuramente più spazio per sviluppare il percorso di Elizabeth.

Essendo una donna di successo, è un peccato che sia considerata degna di apparire sullo schermo solo quando è coinvolta con Max. Anche se il suo futuro da sola non viene particolarmente esplorato, il finale di stagione fa luce sul suo potenziale ruolo nella vita di Max. Le teorie dei fan includono l’idea che Max non potrà mai stare lontano dall’ospedale, il che significa che il suo percorso è destinato a incrociare nuovamente quello di Elizabeth, indipendentemente dal fatto che tornino insieme o meno. Altri spettatori credono che Elizabeth sia la matrigna non ufficiale di Luna, il che significa che i legami familiari potrebbero essere più forti di quanto pensiamo.

Il romanticismo è nel futuro di Floyd

Mentre Max è decisamente sfortunato in amore, il finale della quinta stagione di “New Amsterdam” dimostra che Floyd è tutto il contrario. È un momento di consapevolezza per lui, sia nella vita personale che in quella professionale. Nel lavoro, Floyd capisce finalmente che la sua ispirazione per fare ciò che fa deriva dal bisogno di unire le persone. Questo si riflette nella sua vita sentimentale: professa il suo amore per la fidanzata Gabrielle nel tentativo di convincerla a rimanere a New York. Per coronare il tutto, Floyd riesce a salvare un ultimo paziente prima dei titoli di coda, confermando forse di essere il medico migliore per restare in ospedale.

Se alcuni fan erano preoccupati che Floyd fosse noioso nelle stagioni precedenti, non si può dire lo stesso del suo finale. Dopo aver dovuto affrontare la malattia di sua madre e una rottura sentimentale nella terza stagione, sembra giusto che il viaggio di Floyd in “New Amsterdam” si concluda con l’amore, la speranza e la felicità che merita. È anche destinato a diventare il medico capo indiscusso dell’ospedale, dopo aver messo in discussione l’integrità di Max in numerose occasioni.

Iggy e Martin mantengono il riserbo

Molte relazioni sono nate e finite nel corso di “New Amsterdam”, ma forse nessuna è stata più dolorosa di quella tra Iggy e Martin. Sebbene molti fan adorino la coppia, le tendenze narcisistiche e il comportamento predatorio di Iggy hanno spesso causato controversie. Per quanto riguarda Martin, alcuni spettatori ritengono che potrebbe trovare di meglio, ma il finale della quinta stagione mostra la coppia impegnata a ricostruire il proprio amore. Dopo essersi concessi un appuntamento per ritrovarsi, i due finalmente si risposano in una chiesa tranquilla e senza pretese.

Sebbene alcuni spettatori più attenti abbiano notato alcune piccole discrepanze, la scena contribuisce in qualche modo a proiettare il futuro di Iggy e Martin. Il tempo è completamente flessibile durante l’episodio, il che indica che il loro matrimonio deve aver avuto luogo qualche tempo dopo, piuttosto che immediatamente dopo, il loro appuntamento. La decisione di ricongiungere i due alimenta anche il pensiero positivo di David Schulner e Peter Horton. “La speranza è di per sé un potere, e quel testimone continuerà a essere passato e la speranza continuerà”, ha detto Horton a TV Line.

Vanessa e Lauren si ritrovano

Sebbene Lauren abbia avuto un ruolo importante nel viaggio di “New Amsterdam”, nel finale della quinta stagione passa in secondo piano. Con la trama dell’aborto affrontata in precedenza nella serie, si potrebbe dire che i momenti finali non rendono giustizia al percorso personale di Lauren, né al suo rapporto con Max.

Almeno i fan possono vederla riunirsi con sua sorella Vanessa mentre vende il suo appartamento. Con l’intenzione di ristrutturare la sua casa, il finale potrebbe essere interpretato come una rottura netta di Lauren con il passato di droga da cui ha cercato con tutte le sue forze di uscire.

Con il personaggio di Vanessa che appare solo nella quinta stagione, il rapporto tra le due donne è indicativo di quanto Lauren sia cresciuta. L’episodio finale serve a fornire le storie delle origini di tutti i personaggi attivi in “New Amsterdam”, quindi l’idea che Lauren possa avere un rapporto sano con un membro della sua famiglia compensa il trauma infantile che Iggy ha vissuto nella prima stagione. Dopo aver sofferto la riabilitazione e un brutto incidente in ambulanza, una fine lenta e sottile del viaggio di Lauren potrebbe essere esattamente la pace mentale che il suo personaggio merita.

I figli del creatore sono stati coinvolti

Sebbene la famiglia sia al centro del finale della quinta stagione di “New Amsterdam”, è dietro le quinte che questo modo di pensare ha il maggiore impatto. La rivelazione che Luna è la misteriosa adulta che è stata inserita nella trama è un colpo di scena che gli spettatori non si aspettavano. In un certo senso, nemmeno i creatori se lo aspettavano. Dato che i legami tra padre e figlia sono così forti in questo episodio, è soddisfacente e appropriato sapere che i momenti finali sono nati da una conversazione fugace al tavolo della colazione.

Parlando con NBC Insider, David Schulner spiega che sua figlia di 11 anni è stata l’ispirazione dietro al cambiamento. “Ho detto: ‘Ok, figlia di 11 anni. Lascia scrivere a me“, scherza. ”Mangia i tuoi cereali”. E io l’ho completamente ignorata. Poi, una settimana dopo, Laura Valdivia, una delle nostre sceneggiatrici, mi ha proposto lo stesso finale. E allora ho detto: ‘Oh, ok, ti ascolterò perché ti pago per trovare idee’. E poi, una settimana dopo, [la sceneggiatrice] Erika Green ed io eravamo sedute sul set e lei mi ha detto: ‘Dammi pure della pazza, ma che ne diresti se Luna tornasse come direttore medico nel finale?’. Quindi, in poco più di tre settimane, c’era qualcosa nell’aria che puntava proprio in quella direzione”.

Tutti hanno il loro momento di chiusura

Quando si tratta del finale di una serie TV, di solito ci sono molti nodi da sciogliere. Fortunatamente per i fan di “New Amsterdam”, i creatori hanno lavorato duramente per realizzare un finale soddisfacente sotto tutti i punti di vista. Max ha davanti a sé sua figlia e il suo futuro professionale, Floyd sta vivendo l’amore, Iggy e Martin sono tornati in carreggiata e Luna è destinata a seguire le orme di suo padre. Tutti questi personaggi chiave ottengono finalmente ciò di cui non sapevano di aver bisogno nella prima stagione, rendendo molto più facile da digerire un addio definitivo.

Allo stesso tempo, ci sono abbastanza casi di curioso dubbio da mantenere vive le speranze dei fan. Parlando con EW, Peter Horton ha detto che lasciare qualche elemento di mistero serve alla curiosità dello spettatore. “Una volta uno sceneggiatore mi ha spiegato che c’è una differenza tra confusione e ambiguità”, ha ricordato. “Nella narrazione non si vuole creare confusione, ma ambiguità. Volevamo lasciare il pubblico con un interrogativo, in modo che potesse partecipare. Se diciamo loro cosa succede, non possono immaginarlo e prendere la direzione che vogliono. Volevamo dare loro questa libertà”.
L’intervento finale rivela un volto familiare

I fan di lunga data di “New Amsterdam” avranno notato che la dottoressa Helen Sharpe non è stata l’unica faccia familiare ad apparire nel finale della quinta stagione. Anche se era stato silenziosamente eliminato dopo la sua rottura con Helen nella terza stagione, il dottor Cassian Shin ha riservato un’ultima piacevole sorpresa, riapparendo per l’ultimo intervento in “New Amsterdam”.

Nello spirito di creare un finale soddisfacente, non sorprende che i creatori abbiano scelto di affrontare una questione che gli spettatori si sono chiesti, in particolare, dove fossero finiti Cassian e il suo interprete, il volto noto della televisione Daniel Dae Kim. Tuttavia, parlando con TV Line, David Schulner ha rivelato che le domande scottanti dei fan non avevano nulla a che fare con il ritorno di Kim. “Uno dei motivi per cui abbiamo deciso di dedicare il finale a questa storia medica è stato perché ci ha dato l’opportunità di riportare tutti i personaggi che abbiamo amato in questi cinque anni. Quindi, se avete operato al New Amsterdam, abbiamo fatto del nostro meglio per farvi partecipare al finale, all’ultima operazione”.

Potrebbe esserci una futura stagione di New Amsterdam o uno spin-off?

Dopo la pausa di metà stagione durante la quarta stagione e l’annuncio ufficiale della cancellazione nel marzo 2022, al momento non ci sono piani per riportare in vita “New Amsterdam”. Tuttavia, con il finale della quinta stagione lasciato così com’è, non si può escludere la possibilità di un reboot o di uno spin-off.

Non sorprende che ci siano molti fan che sarebbero interessati a uno spin-off di “New Amsterdam”, ma alcuni preferirebbero un rilancio incentrato su determinati personaggi. Con il finale della quinta stagione che vede una Luna ormai adulta pronta a prendere il centro della scena, forse scoprire come sarà l’ospedale sotto la sua guida è il modo più probabile per far continuare il programma.

Allo stesso tempo, anche la storia di Max potrebbe essere approfondita. Sebbene il suo lavoro con l’Organizzazione Mondiale della Sanità rimanga piuttosto vago, il suo nuovo ruolo potrebbe dare spazio a molti drammi medici. Allo stesso modo, il nuovo inizio di Lauren potrebbe essere collegato a questo, insieme alla carriera di Elizabeth e alla nuova vita di Iggy e Martin. Anche Helen potrebbe avere un suo ramo separato dell’universo di “New Amsterdam”, approfondendo il suo lavoro con il Servizio Sanitario Nazionale.

Paycheck, la spiegazione del finale del film con Ben Affleck

Paycheck, la spiegazione del finale del film con Ben Affleck

Paycheck è un thriller fantascientifico diretto da John Woo e interpretato da Ben Affleck, tratto da un racconto di Philip K. Dick. Uscito nel 2003, il film mescola azione, memoria cancellata e viaggi mentali nel tempo, offrendo un intreccio ricco di misteri e colpi di scena. Al centro della vicenda c’è Michael Jennings, un ingegnere che lavora su progetti segreti e accetta volontariamente di farsi cancellare la memoria al termine di ogni incarico. Ma qualcosa stavolta è andato storto.

Il finale di Paycheck lascia molti interrogativi aperti, soprattutto per chi cerca di capire come gli oggetti apparentemente insignificanti che Jennings riceve in una busta si rivelino decisivi per il suo destino. In questo approfondimento analizziamo passo dopo passo il significato delle ultime sequenze, cosa rappresenta realmente la macchina per vedere il futuro e perché il protagonista riesce a ribaltare il proprio futuro partendo da piccoli indizi.

In “Paycheck”, Michael Jennings, uno specialista di alta tecnologia con la memoria cancellata, scopre di aver ricevuto una busta piena di cianfrusaglie invece della somma a otto cifre che si aspettava. Utilizza gli oggetti e il ricordo di aver visto il futuro attraverso la macchina che ha creato per scoprire il suo passato e sfuggire a chi lo insegue. Il finale prevede un ultimo utilizzo della macchina, che rivela il numero vincente della lotteria e un atto di autodifesa che porta alla sua “morte” e a una nuova vita con la donna che ama e un amico.

I ninnoli e il passato

Jennings trova la busta contenente oggetti strani come un orologio, un biglietto e una gabbia per uccelli, che sono indizi dei suoi ultimi tre anni. Usa la macchina per vedere il futuro, compreso il modo in cui sarà braccato dal suo ex datore di lavoro.

L’uso finale della macchina

Prima di distruggere la macchina, Jennings la usa un’ultima volta per vedere se stesso mentre viene ucciso da un agente dell’FBI su una passerella. Manomette la macchina con degli esplosivi in modo che venga distrutta poco dopo e usa l’ultima previsione della macchina per schivare il proiettile che lo avrebbe ucciso, colpendo invece a morte il suo inseguitore, Rethrick.

“Morte” e una nuova vita:

Con la macchina distrutta e Rethrick morto, arrivano l’agente Dodge e la sua squadra. Solidali con la situazione, riferiscono della “morte” di Jennings nella distruzione del laboratorio. Jennings, Porter e Shorty si trasferiscono in campagna e aprono un vivaio.

Il biglietto della lotteria

Jennings, ricordando il messaggio di un biscotto della fortuna, scopre un biglietto della lotteria nella gabbia degli uccelli di Porter. Si rende conto che il biglietto è quello vincente di una lotteria da 90 milioni di dollari, un ultimo gesto che ha compiuto con la macchina per assicurarsi il successo futuro.

The Cloverfield Paradox, la spiegazione del finale

The Cloverfield Paradox, la spiegazione del finale

The Cloverfield Paradox, il terzo film della serie Cloverfield, ha già suscitato grande scalpore grazie alla sua improvvisa uscita su Netflix, ma continuerà a far discutere grazie al suo finale scioccante.

Il film, originariamente intitolato God Particle, era da tempo nel mirino dei fan di Cloverfield, con la data di uscita costantemente posticipata. Tutto ciò che si sapeva del film di Julius Onah era il cast – Daniel Brühl, David Oyelowo, Elizabeth Debicki, Gugu Mbatha-Raw – e la trama di base – un esperimento energetico lascia una stazione spaziale alla deriva lontano dalla Terra. Il film finito, Cloverfield Paradox, va ben oltre, esplorando dimensioni alternative, la guerra moderna, una crisi energetica e, naturalmente, le origini del mostro del primo Cloverfield del 2008.

C’è molto da dire sul film e, data la natura del franchise, molte domande rimangono senza risposta. Ora che avete visto il film, scoprite tutti i suoi segreti con la nostra spiegazione del finale.

La spiegazione delle dimensioni alternative di Cloverfield Paradox

La trama principale di The Cloverfield Paradox riguarda l’equipaggio della stazione Cloverfield che viene trasportato in una dimensione alternativa. All’inizio credono che la Terra sia scomparsa, ma man mano che le cose diventano sempre più strane, si rendono conto che sono loro ad essersi spostati, in più di un senso.

The Cloverfield Paradox aderisce alla teoria del multiverso, secondo cui esiste un numero infinito di universi paralleli, ciascuno leggermente diverso dal nostro, ma si concentra solo su due di essi che entrano in collisione. Nel nostro mondo (A), la stazione Cloverfield conduce un esperimento e viene trasportata in un’altra dimensione (B), dove la stazione viene distrutta dal sabotaggio di Schmidt (Daniel Brühl), parte di un più ampio piano che porta la Terra B a una guerra totale. Ci sono altre differenze minori, la più evidente delle quali è l’assenza di Tam (Zhang Ziyi) e Ava (Gugu Mbatha-Raw) dalla missione dell’universo B, quest’ultima perché i suoi figli sono ancora vivi (un punto chiave della trama su cui torneremo). Le cose però non sono così semplici come un semplice trasporto uno a uno. Vari elementi della nuova dimensione si riversano nella stazione dell’Universo A – gli ordini segreti di Schmidt dalla sua Germania natale, il braccio mozzato di Mundy (Chris O’Dowd), i messaggi di Ava alla nave – rivelando lentamente che la nuova dimensione potrebbe stare infettando la casa degli astronauti.

Questo è il Cloverfield Paradox stesso, delineato dal professor Mark Stambler in un’intervista vista nella stazione prima dell’esperimento. Parte della sua teoria coincide con le preoccupazioni del mondo reale riguardo al Large Hadron Collider del Cern (che sta cercando di ricreare la particella di Higgs-Boson), suggerendo che la creazione della nuova energia creerà una frattura nel tessuto dello spazio-tempo. Le sue vere paure, tuttavia, sono puramente fantascientifiche: che dimensioni alternative entrino in collisione con la nostra, riversando ogni sorta di orrori mostruosi sul nostro mondo. Questo accade durante tutto il film sulla stazione Cloverfield, ma anche in senso più apocalittico sulla Terra, invisibile per gran parte del film fino all’ultima scena. Tuttavia, prima di addentrarci in questo argomento, dobbiamo capire di cosa tratta realmente The Cloverfield Paradox.

The Cloverfield Paradox è una decostruzione dei bisogni dei molti

Elizabeth Debicki in The Cloverfield Paradox (2018)
Foto di Scott Garfield / Netflix – © NETFLIX

Fin dalla prima scena, in cui Ava e Michael (Roger Davies) discutono della sua partecipazione a una missione spaziale di durata indefinita, The Cloverfield Paradox chiarisce abbondantemente che il tema centrale sarà quello di fare la cosa giusta a scapito della propria vita personale. I bisogni dei molti superano davvero quelli dei pochi?

Questo è particolarmente evidente nell’arco narrativo di Ava. Lei decide di mettere in secondo piano la sua relazione per partecipare alla missione Cloverfield, una scelta che, come scopriremo in seguito, ha fatto solo nell’universo A in reazione alla morte dei suoi figli (morti in un incendio causato dal suo furto di energia); nell’universo B, invece, è rimasta sulla Terra.

Qui abbiamo due Ava, ognuna delle quali prende decisioni diametralmente opposte che influenzano il futuro dell’umanità basandosi esclusivamente sulla propria vita familiare. C’è autonomia nella decisione, ma è influenzata da una tragedia più grande (o dalla sua assenza).

Insieme, le Ava chiariscono immediatamente che The Cloverfield Paradox non sostiene ciecamente il sacrificio estremo; entrambe fanno del bene a modo loro. Il film presenta l’idea di equilibrio e scelta attenta, con la consapevolezza che il mondo è imprevedibile (ovviamente mostrato con i crescenti problemi della stazione spaziale e la morte orribile dei suoi membri dell’equipaggio, ma anche nella scena finale in cui il ritorno sulla Terra di Ava e Schmidt è accompagnato dal più mostruoso degli avvertimenti).

All’interno di questa esplorazione c’è il potere travolgente della lealtà e del pregiudizio. Schmidt B ha scelto di sabotare i test di Shepard per patriottismo, sperando che un ritardo nell’energia rigenerabile avrebbe aiutato la sua Germania natale a battere la Russia, e Mina B diventa la cattiva del film esclusivamente per il suo desiderio di salvare la sua dimensione; ucciderà tre persone per salvarne otto miliardi, ma così facendo rischia di condannare un’altra Terra. In tutti i casi di “bisogni della maggioranza” c’è un senso diffuso di voler fare la cosa giusta, ma una contro-chiarificazione che “la cosa giusta” è un concetto molto vago e auto-definito che deriva dall’esperienza personale (nel bene o nel male).

La crisi energetica

John Ortiz, David Oyelowo e Gugu Mbatha-Raw in The Cloverfield Paradox (2018)
Foto di Scott Garfield / Netflix – © NETFLIX

In primo piano in The Cloverfield Paradox c’è una crisi energetica; il film si apre con notizie che descrivono una carenza e assistiamo a parte di un blackout a catena, e ogni passo lungo il percorso è compiuto sapendo che il test di Shepard definirà il futuro dell’umanità. La Terra (in entrambe le dimensioni) è sull’orlo del baratro e, come si vede dalla dimensione B, potrebbe facilmente scoppiare una guerra vecchio stile. L’attenzione è esplicitamente rivolta alla Germania e alla Russia come Stati in guerra e al concetto di “boots on the ground” (truppe sul campo). Il film evoca uno scenario geopolitico e militare che ricorda più l’inizio del XX secolo che il XXI, con solo un accenno all’attacco nucleare, suggerendo che senza energia il nostro mondo lentamente si disgrega.

Questo si sviluppa parallelamente al tema principale dell’altruismo, anche se non ha molti collegamenti diretti con la storia. Detto questo, ha una maggiore importanza per il franchise. Cloverfield è sempre stata una serie dominata dai mali delle grandi aziende e dai pericoli dell’energia capitalista in particolare; in origine si credeva che il mostro fosse stato risvegliato dal suo sonno oceanico dalle trivellazioni petrolifere della Targruato, un’azienda giapponese di cui era dipendente Howard Stambler (nessuna parentela con Mark) di 10 Cloverfield Lane. Nei tre film, Cloverfield ha presentato un caso contro le grandi compagnie petrolifere, ma con Paradox sembra suggerire che questo fenomeno è così radicato nella nostra cultura moderna che non c’è modo di sfuggirgli.

Il mostro di Cloverfield

La sorpresa più grande di The Cloverfield Paradox è riservata per il finale. Proprio mentre Ava e Schmidt tornano a casa dalla stazione di Cloverfield, scopriamo che sulla Terra sta accadendo qualcosa di ancora più terrificante: un’invasione di mostri. Mentre la loro capsula di salvataggio attraversa le nuvole, un gigantesco mostro di Cloverfield irrompe dal cielo e lancia un urlo profondo e assordante.

Evidentemente, le previsioni di Mark Stambler si sono rivelate più accurate di quanto chiunque osasse immaginare, con mostri provenienti da altre dimensioni che imperversano su tutto il pianeta. Questo viene anticipato durante tutto il film con la trama secondaria di Michael, che scopre lentamente la minaccia e salva una bambina mentre cerca di avvisare i suoi genitori e Ava.

A una prima visione, si tratta solo di un complimento al contrario (una dimensione alternativa, se volete) dell’arco narrativo di Ava, con suo marito che ottiene anch’egli una catarsi attraverso l’orrore, ma a posteriori è pieno di ripetuti indizi che qualcosa di orribile è accaduto sulla Terra. La vera portata è nascosta come parte del colpo di scena finale, ma è lecito supporre che si tratti di una catastrofe globale. Questo è Cloverfield Monster Planet.

Una nota molto importante da fare sui mostri è che quello mostrato alla fine è notevolmente più grande di quello che abbiamo visto nell’originale Cloverfield; quello era alto circa 75 metri, con braccia lunghe che gli permettevano di raggiungere l’altezza di un grattacielo. Questo nuovo mostro lo sovrasta di gran lunga, raggiungendo le nuvole. Da tempo si ipotizzava, sia dai commenti dei registi che dal manga collegato, che il mostro di Cloverfield fosse solo un cucciolo, e quest’ultima scena sembrerebbe confermarlo.

L’origine del mostro originale di Cloverfield spiegata

Ma mentre il mondo nel prossimo futuro (l’ARG colloca gli eventi di The Cloverfield Paradox nel 2028, che sembra coincidere con la tecnologia) è ora devastato dai mostri, ciò non spiega da solo la presenza del piccolo a New York City nel 2008, oltre vent’anni prima.

La spiegazione arriva di sfuggita da Stambler, la cui teoria sugli effetti di contaminazione dimensionale riguarda lo spazio e il tempo. Egli sospetta che qualsiasi scissione porterebbe alla creazione di fratture nel passato e nel futuro, oltre che nel punto di connessione del presente. Pertanto, mentre l’impatto peggiore sembra essere nel 2028, alieni e altri mostri sono apparsi lungo tutta la linea temporale. L’incidente di New York è stato un caso isolato.

Ciò che è apprezzabile di questa rivelazione è che, pur fornendo un contesto più ampio per il mostro di Cloverfield, non elimina completamente il mistero. Stambler delinea alcune delle ipotesi più popolari sull’origine del mostro – extraterrestre, sub-oceanica – e il film non cerca mai di andare oltre nel chiarire, assicurando che il fascino della confusione che rende così duraturo il found footage movie di Matt Reeves rimanga intatto. Si suggerisce inoltre che gli alieni di 10 Cloverfield Lane siano arrivati con un metodo simile e che le forze soprannaturali con cui lavorano i nazisti in Overlord – recentemente confermato essere Cloverfield 4 – siano simili viaggiatori interdimensionali, anche se non vengono forniti dettagli specifici al riguardo.

The Cloverfield Paradox ha completamente ridefinito il franchise, estendendo l’approccio di marketing a sorpresa della serie all’uscita effettiva del film, ma fornendo anche un contesto fantascientifico alle avventure scollegate tra loro. Cloverfield non è, come si pensava dopo 10 Cloverfield Lane, una serie antologica simile a The Twilight Zone, ma una serie di storie autonome ambientate in dimensioni alternative che insieme raccontano una storia astratta dell’umanità minacciata in un multiverso. Chissà dove andrà a finire.

Cloverfield 2: conferma, trama e tutto quello che sappiamo

Cloverfield 2: conferma, trama e tutto quello che sappiamo

Cloverfield 2 è il sequel di Cloverfield del 2008 e, a differenza di 10 Cloverfield Lane e The Cloverfield Paradox, sarà il diretto seguito del film originale nella stessa linea temporale. Diretto da Matt Reeves e prodotto da J.J. Abrams, Cloverfield ha ridefinito il genere del found footage nel 2008, quando il film di fantascienza ha dimostrato che gli alieni delle dimensioni di Kaiju sono perfetti per questo mezzo. In seguito sono arrivati due sequel che hanno completato la trilogia Cloverfield: 10 Cloverfield Lane del 2016 e The Cloverfield Paradox del 2018, anche se non erano direttamente collegati all’originale.

Cloverfield 2 è stato annunciato dalla Paramount come il primo vero sequel del film originale Cloverfield, e l’attesa è già alta. Il quarto film della serie Cloverfield è stato confermato nel 2018 e, sebbene lo sviluppo sia stato lento, è ancora in corso e l’uscita di Cloverfield 2 sembra finalmente a portata di mano. L’ultimo film di Cloverfield è particolarmente atteso perché è la prima volta che la serie torna alla timeline del film originale dal 2008.

Ultime notizie su Cloverfield 2

Un aggiornamento interessante da un potenziale regista

Sebbene non si sappia quasi nulla sul sequel in arrivo, l’ultimo aggiornamento è un intrigante teaser di Cloverfield 2 da parte di un potenziale regista. Si vocifera che Babak Anvari sarà alla regia del sequel, ed è apparso al SXSW 2025 per promuovere il film Hallow Road.

Durante il festival, Anvari ha parlato con ScreenRant del suo coinvolgimento in Cloverfield 2, dando una risposta scherzosamente evasiva. “Se te lo dicessi, potrei essere [ucciso] dai cecchini”, ha scherzato, prima di aggiungere “purtroppo non posso divulgare nulla”. Questo livello di segretezza è interessante e se Anvari non fosse coinvolto probabilmente lo avrebbe detto.

Leggi qui il commento completo di Anvari:

Se ve lo dicessi, potrei essere [ucciso] dai cecchini. Sono tutti lì. Quindi, purtroppo, non posso divulgare nulla. [Qual è il mio rapporto con Cloverfield?] Ho adorato il primo film. L’ho visto due volte al cinema ed era fantastico. Adoro la tensione, quindi è un film molto stressante da guardare, e questo mi piace molto.

Cloverfield 2 è confermato

Il vero sequel di Cloverfield è in arrivo

Cloverfield 2 è stato annunciato dalla Paramount nel 2018 ed è stato confermato come vero sequel del film del 2008 Cloverfield. Sebbene l’originale sia stato seguito da 10 Cloverfield Lane e The Cloverfield Paradox a formare la trilogia Cloverfield, i collegamenti tra i film sono vaghi. Cloverfield 2 sarà il sequel diretto dell’originale Cloverfield, anche se non sarà un altro film found footage. Nel 2021 è stato annunciato che Joe Barton ha scritto la sceneggiatura e Babak Anvari dirigerà Cloverfield 2, con Matt Reeves e J.J. Abrams come produttori.

The Cloverfield Paradox ha debuttato il 4 febbraio 2018.

Dettagli sul cast di Cloverfield 2

Il cast di Cloverfield 2 è ancora sconosciuto ed è improbabile che includa membri del cast del film del 2008, poiché è implicito che nessuno di loro sia riuscito a fuggire da New York quando è arrivato il mostro Cloverfield. Tuttavia, dato che il franchise fa uso di universi alternativi e linee temporali diverse, è possibile che alcuni membri del cast di 10 Cloverfield Lane o The Cloverfield Paradox potrebbero apparire nei panni dei loro personaggi che esistono nel mondo dell’originale del 2008.

Ciò significa che Mary Elizabeth Winstead (Scott Pilgrim vs. The World) o John Goodman (The Righteous Gemstones) potrebbero apparire in Cloverfield 2 nei panni di Michelle o Howard. Inoltre, potrebbero essere presenti una versione alternativa di Shmidt o Ava, interpretati da Daniel Brühl (Captain America: The Winter Soldier) e Gugu Mbatha-Raw (Surface), per collegare Cloverfield 2 a The Cloverfield Paradox e al franchise più ampio.

Dettagli sulla trama di Cloverfield 2

La Paramount non ha ancora rivelato alcun dettaglio specifico sulla trama di Cloverfield 2. Tuttavia, il produttore di Cloverfield 2 e regista dell’originale, Matt Reeves, ha fornito alcuni potenziali indizi sulla trama. Reeves ha accennato al fatto che la trama del prossimo film di Cloverfield potrebbe coinvolgere un virus. Non è stato ancora reso ufficiale nulla, ma oltre a questo Cloverfield 2 sarà ambientato dopo gli eventi di Cloverfield, nella stessa linea temporale del film del 2008, e non in una realtà o linea temporale diversa come 10 Cloverfield Lane o The Cloverfield Paradox.

Non è chiaro come questo altererà il suddetto paradosso visto nel film del 2018, dato che l’esperimento energetico ha essenzialmente alterato l’idea di tempo e spazio lineari. Quella comoda struttura per spiegare la trilogia di film disparati di Cloverfield non deve necessariamente influenzare la trama di Cloverfield 2, soprattutto perché le conseguenze degli eventi del primo film lascerebbero sicuramente spazio a ulteriori sviluppi narrativi.

10 Cloverfield Lane, la spiegazione del finale: come si collega al mostro di Cloverfield?

Il finale di 10 Cloverfield Lane è un aspetto controverso di questo sequel altrimenti acclamato, ma è una conclusione che gioca sui temi più profondi del film. Il secondo film della serie Cloverfield è un’esperienza profondamente inquietante e claustrofobica, che dall’inizio alla fine si presenta come un thriller cerebrale e complesso che affronta in modo introspettivo temi come la paranoia e il rimpianto. Tuttavia, il film ha poco in comune con il film kaiju del 2008 Cloverfield, girato in stile found footage, poiché solo le scene finali collegano 10 Cloverfield Lane a Cloverfield.

10 Cloverfield Lane inizia con Michelle (Mary Elizabeth Winstead) che viene buttata fuori strada e si risveglia in un bunker dove il suo rapitore Howard (John Goodman) le spiega che il mondo è sotto attacco. Mettendo da parte i suoi dubbi, Michelle si sistema nel bunker di Howard insieme a Emmett (John Gallagher Jr.). Quello che segue è un dramma teso e incentrato sui personaggi che trasmette un senso di terrore costante. Ci sono temi molto più profondi in gioco in 10 Cloverfield Lane, anche se, forse a suo discapito, il finale richiede un’analisi approfondita per spiegare come si inserisce nella più ampia trama di Cloverfield.

Cosa succede nel finale di 10 Cloverfield Lane?

Dopo che Howard diventa sempre più pericoloso e squilibrato, Michelle decide di rischiare la libertà nel finale di 10 Cloverfield Lane, fuggendo dal bunker dopo avergli dato fuoco. Indossando un equipaggiamento protettivo improvvisato, Michelle riesce a fuggire dal bunker poco prima che esploda e si rende conto che l’insistenza di Howard sul fatto che l’aria fosse tossica era falsa. Vedendo gli uccelli volare sopra di lei, Michelle capisce che l’aria è respirabile e si toglie la maschera. Tuttavia, la fuga di Michelle dal bunker di Howard, sebbene simbolicamente importante, non è la ragione principale per cui il finale di 10 Cloverfield Lane suscita così tante domande.

Il finale di 10 Cloverfield Lane vede Michelle decidere di andare a Houston.

Sebbene alcuni aspetti delle affermazioni di Howard fossero falsi, con l’improvvisa comparsa di un gigantesco alieno nel cielo, diventa chiaro che il mondo è davvero sotto attacco. La creatura attacca Michelle, che è costretta a lottare per la propria vita, uccidendo infine l’enorme essere con una molotov improvvisata. Finalmente riuscita a fuggire dalla fattoria di Howard, Michelle si ritrova a un bivio, dovendo scegliere se dirigersi verso una zona sicura a Baton Rouge o andare a Houston per aiutare a combattere le creature. Il finale di 10 Cloverfield Lane vede Michelle scegliere di andare a Houston.

Questa sequenza di eventi alla fine di 10 Cloverfield Lane ha confuso molti spettatori, soprattutto prima dell’uscita di The Cloverfield Paradox nel 2018, che ha colmato alcune lacune. Fino al finale, 10 Cloverfield Lane era stato un thriller psicologico intimo e teso, in cui le minacce provenienti dall’esterno diventavano gradualmente secondarie rispetto alla malvagità di Howard.

Inoltre, molte delle decisioni di Michelle e il motivo per cui era stata trattenuta da Howard in primo luogo sollevavano domande legittime. Tuttavia, il finale è coerente con il resto del film, e un’analisi del significato di 10 Cloverfield Lane e dei suoi temi centrali spiega il perché.

Howard ha portato Michelle per ricostruire la famiglia che aveva perso

John Gallagher Jr. in 10 Cloverfield Lane (2016)
Foto di Photo credit: Michele K. Short – © 2016 Paramount Pictures

Uno degli elementi più sospetti e significativi del finale di 10 Cloverfield Lane è il bunker di Howard, e l’unica spiegazione offerta sul perché Michelle non possa lasciarlo viene dallo stesso Howard. Come spiega Howard, ha portato Michelle lì per curare le ferite riportate nell’incidente. La loro successiva quarantena nel bunker al 10 Cloverfield Lane (che è l’indirizzo di Howard) è stata il risultato dell’attacco da parte di forze sconosciute. Tuttavia, c’è molto di più nella storia di Howard di quanto lui racconti a Michelle, e questo è uno dei motivi della sua sfiducia nei confronti del suo salvatore/rapitore.

La sceneggiatura originale, The Cellar, non aveva alcun collegamento con Cloverfield.

Come Michelle ed Emmett scopriranno in seguito, i continui riferimenti di Howard a Megan non riguardano solo sua figlia: la foto e i vestiti di “Megan” offerti a Michelle appartenevano in realtà a una ragazza del posto di nome Brittany, scomparsa diversi anni prima. Quando il comportamento di Howard diventa sempre più delirante, è chiaro che è ossessionato dall’idea di avere una famiglia e che vuole che Michelle sostituisca sua figlia. Michelle ed Emmett devono combattere contro Howard, senza sapere se è sicuro lasciare il bunker, ma consapevoli che Howard è una minaccia per le loro vite.

Howard era delirante su quasi tutto, anche se non è chiaro quanto credesse alla sua storia. Il fatto che Michelle abbia trovato il mondo in preda a una vera invasione aliena quando è uscita ha rivelato che la minaccia esisteva davvero. Howard aveva collegato alcuni punti, ma era lontano dal quadro completo e non c’era gas tossico nell’aria come sosteneva. La natura specifica della minaccia era secondaria rispetto alle sue azioni. Se avesse trovato Michelle dopo l’arrivo dei mostri di Cloverfield, probabilmente l’avrebbe comunque tenuta prigioniera, con la differenza che la sua storia sarebbe stata vera.

10 Cloverfield Lane parla di paura e rimpianto

John Gallagher Jr. e Mary Elizabeth Winstead in 10 Cloverfield Lane (2016)
Foto di Photo credit: Michele K. Short – © 2016 Paramount Pictures

I temi centrali di 10 Cloverfield Lane sono il rimpianto e la paura, entrambi esemplificati dal personaggio di John Goodman, Howard. Howard è l’antagonista principale del film, nonché il salvatore di Michelle ed Emmett. È anche un assassino, è delirante ed è un pericoloso teorico della cospirazione (anche se le cospirazioni si rivelano vere). Tuttavia, comprendere il passato di Howard è importante per capire le sue motivazioni nel corso del film. Il passato di Howard è raccontato solo in parte dallo stesso Howard in 10 Cloverfield Lane, rendendo gran parte di ciò che il film rivela su di lui relativamente inaffidabile.

Howard è un uomo pericoloso, ossessionato dall’idea di sostituire la figlia scomparsa.

Il suo lavoro sui satelliti potrebbe spiegare perché Howard fosse a conoscenza dei pericoli, e i suoi commenti sulla scomparsa della figlia e dell’ex moglie assumono un tono sinistro dopo la rivelazione su Brittany. Howard è un uomo pericoloso, ossessionato dall’idea di sostituire la figlia scomparsa, con l’implicazione che Michelle sia l’ultima di una serie di prigionieri. Sembra che Howard abbia visto l’opportunità di rapire Michelle quando è iniziato l’attacco e l’abbia sfruttata per tenerla con sé nel bunker.

Sebbene 10 Cloverfield Lane sia un thriller particolarmente claustrofobico, alla fine non parla del bunker, né dell’attacco alieno che lo ha reso necessario. Il vero significato del film viene rivelato in una scena commovente tra Emmett e Michelle, mentre discutono delle loro vite prima dell’attacco. Emmett spiega che non ha mai lasciato la sua città natale per paura di non avere successo e che questo è forse il suo più grande rimpianto.

Michelle condivide il proprio rimpianto, che si ricollega all’inizio del film. Michelle inizia il film scappando dal fidanzato dopo una lite e rivela che questo è il suo solito meccanismo di difesa a causa di un’infanzia violenta. Questi abusi sono simili al rapporto paterno psicotico che Howard cerca di imporre a lei, e la sua resistenza finale dimostra il suo tentativo di rompere il circolo vizioso della paura e del rimpianto.

Dare a Emmett un retroscena con una motivazione simile crea un legame tra i due personaggi, e la morte di Emmett fornisce la spinta di cui Michelle ha bisogno per liberarsi finalmente dalla propria paura e fuggire dal bunker nel finale di 10 Cloverfield Lane.

Il vero significato del finale di 10 Cloverfield Lane

Mary Elizabeth Winstead in 10 Cloverfield Lane (2016)
Foto di Photo credit: Michele K. Short – © 2016 Paramount Pictures

Il finale di 10 Cloverfield Lane vede Michelle sfuggire a un predatore e imbattersi in un altro sotto forma di una grande minaccia aliena. Sebbene si tratti di una rivelazione improvvisa, in realtà fornisce un’interessante continuazione dei temi stabiliti dal film. Presentando a Michelle un altro mostro da affrontare, le offre l’opportunità di reagire e, dato che è appena sfuggita per un pelo a una forma di prigionia, è finalmente propensa a farlo.

Nei momenti finali, Michelle si trova a un bivio, dovendo scegliere tra la fuga verso la salvezza o affrontare il problema a testa alta. Proprio come la rivelazione del mostro di Cloverfield nell’ultima scena del film, questa scena lega tutto insieme: tutto ciò che Michelle ha affrontato durante il film l’ha portata a quel bivio e lei è finalmente disposta a reagire. Sebbene le scene finali di 10 Cloverfield Lane siano spesso citate come i momenti più deboli del film, in realtà forniscono un’interessante continuazione dei suoi temi più profondi, oltre a collegare il tutto al franchise di Cloverfield.

Perché il finale di 10 Cloverfield Lane è stato controverso

Il finale di 10 Cloverfield Lane ha scatenato polemiche perché alcuni spettatori hanno ritenuto che fosse stato inserito a forza nella trama per inserirlo nel più ampio franchise di Cloverfield. È stato un salto stridente nel territorio della fantascienza e non aveva molto senso dal punto di vista tonale se chi guardava non capiva il collegamento con Cloverfield. Molti critici hanno ritenuto che il finale minasse il resto del film e che 10 Cloverfield Lane sarebbe stato migliore come film a sé stante con una conclusione meno trasversale ai generi. Tuttavia, anche se il finale di 10 Cloverfield Lane è controverso, ha altrettanti sostenitori.

L’improvviso cambio di ritmo rispecchia il bisogno di Michelle di cambiare, e in fretta, se vuole sfuggire a Howard e all’ambiente tossico del bunker. Ha bisogno di superare la sua paura, soprattutto quando si tratta di mettersi in pericolo, e il passaggio quasi istantaneo da un thriller lento e inquietante a un incontro alieno ad alto ritmo cattura tematicamente il panico adrenalinico che Michelle proverebbe alla fine di 10 Cloverfield Lane. Gli alieni rappresentano anche l’ignoto che lei deve affrontare quando fa il passo successivo, simile all’ignoto che Emmett temeva e che gli impediva di andarsene.

Lei ha superato le sue paure e si avventura consapevolmente nel pericolo.

Molti di coloro che sono intrappolati nel tipo di relazioni abusive che 10 Cloverfield Lane esplora magistralmente hanno riferito che la paura dell’ignoto al di là della loro situazione attuale li ha resi incapaci di fuggire dagli abusi. Questo si cristallizza nei momenti finali del film, quando Michelle si dirige verso Houston sullo sfondo di un lampo che illumina le navi aliene in fase di atterraggio. Ha superato le sue paure e si dirige consapevolmente verso il pericolo, avendo sviluppato la consapevolezza che la pace che cerca si trova al di là di ulteriori difficoltà.

Questo riflette l’esperienza che vivono le vittime di abusi quando denunciano i loro aguzzini e il fatto che molte continuano ad aiutare altre vittime di abusi domestici nonostante questo le avvicini al proprio trauma. Considerando il suo legame con i messaggi più profondi del film, il finale di 10 Cloverfield Lane può essere visto come una conclusione più intelligente e appropriata di quanto inizialmente riconosciuto. Un potenziale 10 Cloverfield Lane 2 potrebbe essere ancora più controverso.

Perché il finale di 10 Cloverfield Lane è perfetto per la sua storia

Alla fine, 10 Cloverfield Lane ha spiegato i pericoli della violenza domestica sistematica, e Michelle è stata la chiave per opporsi e porre fine a quella forma di abuso. Howard era un classico archetipo di abusatore. Era violento con lei fin dall’inizio, dimostrando che voleva solo controllarla e dominarla, senza curarsi dei suoi pensieri o dei suoi sentimenti. Tuttavia, c’è un problema nel fatto che Michelle abbia superato e sconfitto Howard. Non era lui l’origine dei suoi problemi di abuso. Fuggire da quest’uomo significava per Michelle scappare di nuovo, anche se aveva lottato per la sua libertà.

Quando sconfigge questo mostro nel finale di 10 Cloverfield Lane, deve prendere una nuova decisione: continuare a scappare o combattere.

Michelle non può sfuggire a questo motivo ricorrente nella sua vita a meno che non faccia qualcosa di più che scappare. Fuggendo dal suo rapitore e tornando nel mondo reale, si è resa conto che c’era un altro predatore che voleva farle del male. Questo era un vero mostro. Quando sconfigge questo mostro nel finale di 10 Cloverfield Lane, deve prendere una nuova decisione: continuare a scappare o combattere. Con mostri giganti che minacciano di distruggere il mondo, sceglie di combattere, ed è così che Michelle alla fine vince.

Howard è stato presentato come un paranoico preparatore dell’apocalisse e, in un ironico scherzo del destino, le sue azioni hanno preparato Michelle all’invasione aliena che stava per verificarsi.

Il posto di 10 Cloverfield Lane nella timeline del franchise di Cloverfield

Stabilire dei collegamenti tra Cloverfield e 10 Cloverfield Lane è più difficile di quanto possa sembrare, soprattutto perché la premessa fantascientifica di quest’ultimo viene tenuta nascosta fino alla fine del film. Ciò rende difficile individuare con esattezza il posto di 10 Cloverfield Lane nella narrazione frammentaria del franchise di Cloverfield. Tuttavia, alcuni piccoli easter egg indicano una collocazione specifica nella più ampia timeline di Cloverfield.

È ragionevole supporre che gli eventi di 10 Cloverfield Lane si svolgano almeno poco dopo quelli di Cloverfield, poiché il primo racconta la prima apparizione dei mostri a New York, mentre alla fine di 10 Cloverfield Lane il problema dei mostri sembra essere mondiale. Tuttavia, ciascuno dei film attuali della serie Cloverfield è stato concepito per essere completamente indipendente dagli altri.

C’è anche un piccolo easter egg nel materiale promozionale di 10 Cloverfield Lane che conferma che Howard lavorava per Tagruato, la stessa azienda che ha assunto Rob all’inizio di Cloverfield, e un teorico della cospirazione in The Cloverfield Paradox che condivide il nome “Stambler” con Howard.

Cloverfield 4 deve spiegare la cronologia del franchise

Con il finale di 10 Cloverfield Lane che non fa riferimento diretto a come si inserisce nella cronologia del primo Cloverfield, è stata presentata l’idea che questo franchise fosse vagamente collegato. È un approccio interessante, creare un’antologia horror fantascientifica sotto l’egida di Cloverfield, con ogni uscita che affronta una storia totalmente nuova nel genere, simile all’idea originale del franchise di Halloween. Tuttavia, dopo tre film della serie Cloverfield, la confusione su come tutto sia collegato sta dimostrando di essere dannosa per l’accettazione di questi film da parte del pubblico.

La risposta deludente a The Cloverfield Paradox ha confermato il fatto che la serie aveva bisogno di trovare un focus se voleva continuare. Il terzo film inizialmente sembrava una storia autonoma ambientata nello spazio, ma solo nei momenti finali si rivelava una versione molto più grande del mostro originale di Cloverfield sulla Terra. Collegare la storia in modo più diretto al primo Cloverfield, pur suggerendo che si tratta di un universo diverso, non fa che aumentare la confusione.

Qualunque sia il prossimo progetto, sarà un momento decisivo per il franchise

Cloverfield 4 è confermato e, data la segretezza che ha circondato i film fino ad ora, potrebbe arrivare in qualsiasi momento. Tuttavia, qualunque sia il prossimo progetto, sarà un momento decisivo per il franchise, poiché c’è bisogno di un film che leghi tutto insieme e dia ai fan un po’ di chiarezza, mentre un altro film autonomo con vaghi collegamenti agli altri potrebbe uccidere del tutto l’interesse per il futuro di Cloverfield.

Come è stato accolto il finale di 10 Cloverfield Lane

10 Cloverfield Lane ha ricevuto ottime recensioni quando è uscito, e anche il pubblico lo ha apprezzato. Grazie al budget ridotto (13-15 milioni di dollari), è stato un successo al botteghino, incassando 110,2 milioni di dollari (secondo Box Office Mojo), e gran parte di questo successo è dovuto al passaparola positivo. Tuttavia, anche le recensioni positive del pubblico non hanno necessariamente apprezzato il finale. Uno spettatore ha scritto: “In linea di massima il film mi è piaciuto, ma ho trovato il finale artificioso e inverosimile, perché forzato per collegarsi a Cloverfield.

I critici erano d’accordo in molti casi. Nella sua recensione, Leonard Maltin ha scritto che il film riesce a “creare tensione attraverso una serie di espedienti thriller, alcuni dei quali al limite del cliché, ma comunque piuttosto efficaci.” Tuttavia, dopo aver elogiato la performance di John Goodman, Maltin ha aggiunto: “Il finale (che ricorda Cloverfield) non ha l’impatto che dovrebbe avere.

Non tutte le recensioni sono positive, però. Owen Gleiberman della BBC ha scritto che “10 Cloverfield Lane sembra un piano di marketing mascherato da film.” Ciò è dovuto al colpo di scena finale che rende il film parte di un franchise più ampio:

“Nel caso di 10 Cloverfield Lane, ciò che attira l’attenzione dell’ultimo atto del film è soprattutto il fatto che sembra essere stato preso da un altro film. Nell’ambiente conformista e popcornistico di oggi, questo può essere interpretato come audacia. Ma in realtà è solo disperazione, come se i realizzatori fossero disposti a tutto pur di suscitare scalpore tra il pubblico.”

Qual è il film di Cloverfield con il finale migliore?

Nel corso degli anni, il franchise di Cloverfield ha ricevuto recensioni contrastanti, ma questo vale soprattutto per i finali dei film. Sebbene i tre film del franchise realizzati finora siano di qualità diversa, si potrebbe sostenere che nessuno di essi abbia davvero centrato l’obiettivo in modo significativo.

Gran parte dei problemi di questi finali è stata la tendenza a promettere una storia più grande che non si concretizza mai. Il brusco cambio di tono di 10 Cloverfield Lane nei momenti finali apre il mondo di questa massiccia invasione aliena e della lotta dell’umanità per difendersi. Sebbene questo sia un cliffhanger emozionante per il film, non dà necessariamente al pubblico la sensazione di una storia completa del film che ha appena visto.

Le critiche ricevute da 10 Cloverfield Lane per il suo finale che inserisce a forza il collegamento con il franchise sono superate dal finale di The Cloverfield Paradox. Non solo non ha la forte risoluzione dei personaggi di 10 Cloverfield Lane, ma l’improvvisa apparizione del mostro di Cloverfield è più confusa che emozionante.

Con questi difetti che appesantiscono gli altri finali, l’originale Cloverfield riesce ad avere il finale più soddisfacente presentandolo come una storia a sé stante. È vero che alla fine di Cloverfield c’è un piccolo teaser che potrebbe preparare il terreno per Cloverfield 2, se mai dovesse realizzarsi, ma il finale del film porta la storia a una conclusione reale che riporta i personaggi al centro del viaggio.

Non è un finale completamente emozionante, ma mantiene lo sguardo intimo del film su un film di attacchi di mostri e utilizza il formato del found footage per portare la storia a una conclusione emotiva.

Il film termina con i protagonisti Rob e Beth che affrontano insieme l’apparente fine mentre l’esercito bombarda la città nel tentativo di uccidere il mostro. Mentre si stringono l’uno all’altra e si sentono le esplosioni, il film passa a un altro video che li ritrae durante un appuntamento a Coney Island, mentre condividono un momento più felice. Non è un finale completamente emozionante, ma mantiene lo sguardo intimo del film su un film di mostri e utilizza il formato del found footage per portare la storia a una conclusione emotiva.

La vedova nera, la spiegazione del finale: Chi ha ucciso Arturo?

La vedova nera, la spiegazione del finale: Chi ha ucciso Arturo?

Alla fine di La vedova nera (A Widow’s Game), viene finalmente svelata la Black Widow della rete di bugie di Patraix.

Diretto da Carlos Sedes, il thriller psicologico spagnolo, che dal 30 maggio, data della sua uscita, ha scalato le classifiche di Netflix, segue María Jesús “Maje” Moreno (Ivana Baquero), soprannominata la Vedova Nera di Patraix, il cui marito, Arturo (Álex Gadea), viene trovato brutalmente assassinato. All’inizio il caso sembra abbastanza semplice, ma man mano che le indagini approfondiscono, la detective Eva Torres (Carmen Machi) scopre relazioni nascoste e segreti scioccanti.

La vedova nera è basato sulla storia vera dell’omicidio di Antonio Navarro Cerdán avvenuto nel 2017. Mentre si recava al lavoro, Cerdán è stato pugnalato al petto in un parcheggio ed è morto sul posto, secondo quanto riportato da TIME. I suoi assassini sono stati condannati al carcere tre anni dopo.

Dopo aver letto della morte di Cerdán, il produttore esecutivo Ramón Campos ha deciso che il film avrebbe dovuto esplorare più a fondo le motivazioni degli assassini.

“Questo film non parla della vittima, ma degli assassini”, ha dichiarato in un comunicato stampa del dicembre 2024. “Perché a volte la risposta alle nostre azioni non sta in chi siamo, ma da dove veniamo”. Come finisce La vedova nera? Ecco tutto quello che c’è da sapere sul finale di La vedova nera, compreso chi è stato arrestato per l’omicidio di Arturo.

Cosa succede alla fine di La vedova nera?

Maje manipola il suo collega più anziano e uno dei suoi numerosi amanti, Salva (Tristán Ulloa), affinché uccida Arturo con il pretesto di essere intrappolata in un matrimonio violento.

Salva porta a termine il crimine, pugnalando a morte Arturo in un parcheggio. Man mano che le indagini procedono, le forze dell’ordine intercettano il telefono di Maje e scoprono il coinvolgimento di Salva.

Salva e Maje vengono arrestati. Salva si assume tutta la responsabilità del crimine, con l’intento di proteggere Maje, anche dopo che il detective Torres lo informa che Maje non ha mai subito abusi da parte del marito.

Tuttavia, quando Salva scopre che Maje ha intrapreso una relazione sentimentale con altri detenuti, decide di modificare la sua dichiarazione prima del processo, confessando alle autorità che Maje ha orchestrato l’intero complotto.

Un giudice condanna Maje a 22 anni di carcere, mentre Salva riceve una pena di 17 anni, grazie alla sua collaborazione con le indagini.

Perché Maje voleva uccidere suo marito?

Il motivo che ha spinto Maje a orchestrare l’omicidio del marito è complesso e apparentemente aperto a diverse interpretazioni. La sua infedeltà prima e dopo il matrimonio con Arturo porta il pubblico a credere che non abbia mai veramente amato suo marito.

Il film suggerisce che Maje fosse disperata di mantenere la sua libertà e continuare le sue varie relazioni con altri uomini senza essere vincolata dal marito.

“’Perché una persona ritiene che sia meglio commettere un omicidio piuttosto che divorziare? Questa è stata la domanda che mi ha assalito quando ho letto per la prima volta la notizia del crimine di Maje e Salvador”, ha detto Campos nel suo comunicato stampa di dicembre.

Ha continuato: “Nel corso degli anni abbiamo cercato di svelare la risposta e pensiamo di aver capito, ma non completamente, perché Maje abbia deciso di manipolare Salvador per uccidere una persona che era senza dubbio una brava persona”.

Come sono stati catturati Maje e Salva?

Maje ha destato i primi sospetti della polizia quando è apparsa stranamente calma dopo la morte di Arturo. Il detective Torres l’ha tenuta d’occhio e alla fine ha messo sotto controllo il suo telefono.

Le conversazioni incriminanti tra Maje e Salva, in cui discutevano indirettamente del crimine, hanno portato al loro arresto. La confessione di Salva ha infine portato alla loro condanna.

La vedova nera è basato su una storia vera?

Sì, La vedova nera è basato sul caso di omicidio di Antonio Navarro Cerdán avvenuto nel 2017 a Valencia, in Spagna. Secondo TIME, sua moglie, María “Maje” Jesús Moreno Canto, ha orchestrato l’omicidio con l’aiuto del suo collega e amante, Salvador Rodrigo Lapiedra. Il 16 agosto 2017, mentre Antonio era in un parcheggio mentre si recava al lavoro, Salvador lo ha pugnalato a morte con un coltello da cucina.

Maje e Salvador sono stati entrambi arrestati nel gennaio 2018. Salvador ha inizialmente rivendicato la responsabilità esclusiva, ma in seguito ha rivelato il coinvolgimento di Maje dopo aver scoperto che lei aveva intrapreso una relazione sentimentale con un altro detenuto mentre era in custodia. Nel 2020, Maje è stata condannata a 22 anni di carcere, mentre Salvador ha ricevuto una pena di 17 anni, secondo TIME. Nel 2023, Maje ha dato alla luce un bambino avuto da un compagno di detenzione di nome David.

Blue Beetle, la spiegazione del finale: cosa riserva il futuro a Jaime Reyes nell’universo DC?

L’universo DC ha un nuovo eroe, Jaime Reyes (Xolo Maridueña), e il finale di Blue Beetle lo vede sconfiggere i suoi primi nemici, anticipando il suo futuro e molto altro ancora. Ufficialmente parte della cronologia dei film DCEU, Blue Beetle racconta la storia delle origini del supereroe latino della DC Jaime Reyes, un neolaureato che torna a casa a Palmera City e viene legato a uno scarabeo alieno simbiotico che gli conferisce dei poteri. Lo Scarabeo rubato mette lui e Jennifer Kord (Bruna Marquezine) nel mirino dell’amministratrice delegata della Kord Industries, Victoria Kord (Susan Sarandon), e del suo scagnozzo Conrad Carapax (Raoul Trujillo). Questo alla fine porta alla morte del padre di Jaime e alla scoperta della storia del mantello di Blue Beetle.

Dopo che Victoria e Carapax catturano Jaime per riottenere l’accesso allo Scarab, il finale di Blue Beetle ruota attorno a Jennifer e alla famiglia di Jaime che escogitano un piano per salvarlo. Jaime rimane intrappolato in un dispositivo programmato per scaricare il codice dello Scarab e trasferirlo alle tute O.M.A.C. di Victoria, consentendole di creare un esercito di migliaia di soldati. Mentre alla fine riesce a liberarsi e inizia a combattere contro i suoi nemici, gli alleati di Jaime tra i personaggi di Blue Beetle continuano la loro caccia per aiutare a sconfiggere Victoria, Carapax e altri soldati. Il finale di Blue Beetle culmina in uno scontro finale tra gli eroi e i cattivi, prima di anticipare parte del futuro dell’universo DC.

Come Blue Beetle ferma il piano di Victoria Kord

L’intero finale di Blue Beetle ruota attorno a Jaime, Jennifer, Milagro Reyes, Rudy Reyes, Nana Reyes e Rocio Reyes che cercano un modo per proteggersi a vicenda e sconfiggere Victoria Kord. Lei riesce a scaricare il codice dello Scarabeo e a trasferirlo alla tuta O.M.A.C. di Carapax, ma ne ha migliaia di altri nascosti nell’isola remota dove lavora segretamente. Solo dopo che il dottor Sanchez aiuta Blue Beetle a fuggire, questi può iniziare a combattere contro Victoria e Carapax. Come previsto, Blue Beetle termina con la vittoria degli eroi sui cattivi e la sconfitta di Victoria, ma il modo in cui ciò avviene è inaspettato.

Perché lo Scarabeo impedisce a Jaime Reyes di uccidere Carapax

Blue Beetle film 2023

Un punto di svolta nel finale di Blue Beetle arriva quando lo Scarabeo, noto come Khaji-Da, impedisce a Jaime di uccidere Carapax. Jaime vuole vendicarsi dell’uomo che ritiene in parte responsabile della morte di suo padre e arriva a pochi centimetri dal diventare un assassino. Grazie al legame tra Jaime e lo Scarabeo, Khaji-Da riesce a impedire a Jaime di affondare le lame abbastanza da uccidere Carapax. Quando lui le chiede perché non gli permette di uccidere Carapax, Khaji-Da ripete le parole pronunciate da Jaime all’inizio del film per ricordargli che loro non sono assassini. Il film rivela anche un motivo più profondo per cui lo Scarabeo ferma Jaime attraverso il retroscena di Carapax.

La verità sulla storia di Carapax rivelata nel finale di Blue Beetle

Poiché i nuovi poteri di Carapax derivano dal trasferimento del codice dello Scarabeo, Khaji-Da rivela di avere ora accesso ai suoi ricordi e mostra a Jaime la verità sul passato del suo nemico. È qui che il finale di Blue Beetle rivela che la partecipazione di Carapax agli esperimenti di Victoria non era del tutto volontaria. La madre di Conrad morì quando lui era piccolo a causa di una bomba della Kord Industries, lasciando Victoria a trovarlo e costringerlo a crescere come un killer e un soldato addestrato. La verità dietro le origini di Carapax aiuta a convincere Jaime a risparmiargli la vita, sapendo che non ha scelto di diventare la macchina assassina in cui Victoria lo ha trasformato.

Perché Carapax si autodistrugge e uccide Victoria Kord

C’è un momento in cui sembra che sia Carapax che Victoria Kord rimarranno in vita, consentendo potenzialmente a entrambi i personaggi di entrare nei piani futuri del film. Tuttavia, il finale di Blue Beetle va nella direzione opposta, rendendo Carapax responsabile della morte di entrambi. Carapax torna da Victoria dopo che lei gli ordina di uccidere Jaime e Jennifer, ma lui non vuole più servire la donna responsabile dell’uccisione di sua madre. Questo porta Carapax a sovraccaricare la sua tuta per trasformarsi in una bomba vivente e trascinare Victoria in un campo in fiamme nelle vicinanze. Poco dopo, la tuta di Carapax si autodistrugge, uccidendo lui stesso e Victoria Kord.

Cosa è successo alle altre tute O.M.A.C. di Victoria?

Blue Beetle Susan Sarandon
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C’è un mistero irrisolto nel finale di Blue Beetle, ovvero quello delle altre tute O.M.A.C. che Victoria Kord aveva creato sull’isola. Jennifer e Milagro sono responsabili della scoperta della loro ubicazione mentre attraversavano la base e confermano l’esistenza di centinaia o migliaia di tute aggiuntive. Blue Beetle non approfondisce in alcun modo questa rivelazione né la risolve, poiché non è stato confermato che siano state distrutte né che siano finite in altre mani. Considerando che gli O.M.A.C. sono collegati a Brainiac, Lex Luthor e altri personaggi dei fumetti, potrebbero essere un tassello importante per il futuro dell’universo DC.

Il finale di Blue Beetle prepara il futuro di Jaime Reyes e Blue Beetle 2

La maggior parte del finale di Blue Beetle è incentrato sulla risoluzione del conflitto centrale e sul dare al pubblico un lieto fine per i personaggi. C’è ancora spazio in questi momenti per il film per preparare il futuro di Jaime Reyes nell’universo DC e dove potrebbe andare la storia in un potenziale Blue Beetle 2. Dopotutto, questa è solo la storia delle origini di Jaime Reyes, quindi è probabile che ci saranno altre avventure con il supereroe di Xolo Maridueña. Il modo in cui si sviluppa il suo arco narrativo nel terzo atto e dove il film lo lascia, insieme al franchise, aiutano a far luce su ciò che potrebbe succedere dopo.

Jaime Reyes accetta il suo destino di diventare Blue Beetle

Blue Beetle

Uno dei momenti chiave del finale di Blue Beetle arriva quando Jaime Reyes accetta che essere Blue Beetle è il suo vero scopo nella vita. Essendo una storia delle origini, il film si concentra molto sui pro e i contro dell’essere un supereroe e su come i poteri di Blue Beetle cambiano la vita di Jaime. Alla fine non c’è dubbio che Jaime abbia accettato il suo destino di Blue Beetle, il che contribuisce a gettare le basi per un suo futuro come supereroe. Ciò significa che Blue Beetle 2 potrà iniziare con Jaime ormai affermato e determinato a essere un supereroe, mostrando come ha continuato a evolversi.

Jaime Reyes e Jennifer Kord aiuteranno Palmera City

Palmera City sembra essere in mani molto migliori per il futuro dopo la fine di Blue Beetle, grazie a Jaime Reyes e Jennifer Kord. L’amore di Jaime per la sua città e il desiderio di ricostruire il posto della sua famiglia nella comunità assicurano che continuerà a prendersi cura di Palmera City e dell’intera comunità messicana, anche se le sue avventure lo porteranno altrove. Aiuta anche il fatto che il film confermi che Jennifer è ora a capo della Kord Industries. Lei chiarisce subito come vuole che l’azienda agisca sotto la sua guida, annunciando la cessazione della produzione di armi e offrendosi di ricostruire la casa della famiglia Reyes.

Ted Kord è vivo e diventa il nuovo mentore di Jaime Reyes

Un grande indizio su cosa e chi potrebbe arrivare in Blue Beetle 2 arriva dalla scena post-crediti di Blue Beetle. Il teaser a metà dei titoli di coda conferma che Ted Kord è vivo nonostante sia scomparso 15 anni fa, poiché invia un messaggio tramite il suo computer. Il teaser prepara direttamente Ted Kord per Blue Beetle 2, consentendo a Jennifer e a suo padre di riunirsi. Ciò significa anche che Ted potrebbe diventare un mentore per Jaime Reyes, come ha fatto a volte nei fumetti. Dopo la morte di suo padre, Jaime potrebbe aver bisogno di un nuovo modello maschile che lo aiuti a guidarlo nel suo viaggio da supereroe.

Cosa significa il finale di Blue Beetle per l’universo DC

Blue Beetle potrebbe non avere alcun collegamento scioccante con l’universo DC, ma il futuro di Jaime Reyes è comunque assicurato. Il co-CEO della DC Studios James Gunn ha confermato che Blue Beetle, interpretato da Xolo Maridueña, tornerà nell’universo DC. Resta da vedere quando e dove questo accadrà. Inoltre, non è ancora chiaro come Blue Beetle si inserirà nel canone dell’universo DC. La buona notizia è che il finale di Blue Beetle lascia la porta piuttosto aperta a James Gunn e Peter Safran per lavorare con il regista Ángel Manuel Soto e capire come portare Jaime Reyes e gli altri nel nuovo franchise.

Blue Beetle fa parte del nuovo universo DC?

Purtroppo, dopo la conclusione del film, rimangono ancora alcune domande sul fatto che Blue Beetle sia canonico per l’universo DC. Sebbene Gunn abbia confermato che Xolo Maridueña tornerà e abbia affermato che Blue Beetle è il primo personaggio dell’universo DC, non ha detto che Blue Beetle è un film dell’universo DC. Superman: Legacy lancerà ufficialmente il nuovo franchise e la continuità nel 2025, lasciando in sospeso lo status canonico della storia delle origini di Jaime Reyes. A meno che qualcosa nel film non contraddica direttamente il canone dell’universo DC che Gunn vuole stabilire, il film dovrebbe essere abbastanza facile da aggiungere retroattivamente alla timeline.

Dove Blue Beetle può tornare nell’universo DC

Con il ritorno di Blue Beetle confermato, dove e quando avverrà nell’universo DC è ancora oggetto di dibattito. Il finale di Blue Beetle non anticipa direttamente quando il pubblico rivedrà Jaime Reyes, ma ci sono 10 film e serie TV DC Universe in uscita da prendere in considerazione. Alcuni possono essere esclusi dalla lista dei candidati per la prossima apparizione di Blue Beetle in base alla loro premessa, ambientazione o tono. È possibile che Superman: Legacy includa Blue Beetle in un piccolo ruolo. Potrebbe anche avere senso per Booster Gold o Lanterns, a seconda di come si evolveranno i progetti. È persino possibile che Blue Beetle 2 sia la prossima occasione in cui il pubblico rivedrà Jaime.

Ted Kord apparirà nel DCU prima di Blue Beetle 2?

La conferma che Ted Kord è vivo in Blue Beetle è stata data per il sequel, ma rende anche potenzialmente il personaggio disponibile per altri film e serie TV del DC Universe. Booster Gold è il luogo più probabile in cui il DCU potrebbe utilizzare il precedente Blue Beetle. Ted Kord e Michael Carter sono amici intimi nei fumetti, e Booster Gold potrebbe essere utilizzato per spiegare perché il precedente Blue Beetle è scomparso. Booster Gold è un supereroe che viaggia nel tempo, quindi è possibile che lui e Ted Kord abbiano viaggiato nel tempo 15 anni fa e siano rimasti intrappolati in un punto diverso del tempo.

Altri personaggi di Blue Beetle sopravviveranno al reboot della DCU?

Mentre Jaime Reyes si è assicurato un posto nell’universo DC, resta da vedere se il resto dei personaggi di Blue Beetle sopravviverà al reboot. L’esito più probabile è che Jennifer e i restanti membri della famiglia di Jaime saranno riportati in vita. Le dinamiche familiari e le relazioni che si sono formate tra i personaggi sono una parte fondamentale della storia e dei temi di Blue Beetle. Se non tornassero nei futuri progetti dell’universo DC, la storia di Jaime ne risentirebbe.

Il vero significato del finale di Blue Beetle

Il vero significato del finale di Blue Beetle è legato al potere della famiglia. L’amore di Jaime per i suoi familiari viene inizialmente criticato da Carapax come qualcosa che lo rende debole. Tuttavia, nulla potrebbe essere più lontano dalla verità. Jaime Reyes è in grado di essere un supereroe così grande grazie alla sua famiglia. Vuole salvare il mondo per proteggerli, ma anche loro creano un incredibile sistema di supporto per lui. Invece di essere vista come un peso, la famiglia di Jaime dimostra che l’amore di Jaime per la sua famiglia e i suoi amici (e per il mondo) è una forza e il motivo per cui essere un supereroe è il suo scopo.

Blue Beetle: spiegazione della scena post-crediti del film DC

Blue Beetle: spiegazione della scena post-crediti del film DC

L’universo DC continua a prendere forma, ma ci sono scene post-crediti di Blue Beetle che anticipano il futuro? Il film del 2023 con Xolo Maridueña nel ruolo di Jaime Reyes ha fatto notizia per essere il primo grande film di supereroi con protagonista un latinoamericano. Sebbene originariamente concepito per HBO Max e come parte del rilancio del DC Extended Universe, i cambiamenti alla DC Studios che hanno portato James Gunn e Peter Safran a riprendere le redini del progetto hanno sollevato nuovamente interrogativi sul futuro di Blue Beetle. Inoltre, sono state sollevate preoccupazioni sulla possibilità che ulteriori anticipazioni possano essere dimenticate e rimanere irrealizzate.

Blue Beetle si concentra sulla storia delle origini di Jaime Reyes, che ottiene i superpoteri grazie allo Scarabeo, catapultandolo in un mondo di supereroi radicato nell’universo DC. Mentre lo status specifico di Blue Beetle nel suo complesso rimane un po’ un mistero, il futuro di Jaime come personaggio canonico dell’universo DC è confermato. Il co-CEO della DC Studios ha già annunciato che Blue Beetle, interpretato da Xolo Maridueña, continuerà in qualche forma. Ciò crea comprensibilmente una maggiore aspettativa che i piani per il futuro di Jaime Reyes e gli anticipazioni sul DC Universe in generale possano arrivare se ci saranno scene post-crediti di Blue Beetle.

Blue Beetle ha 2 scene post-crediti

È confermato che Blue Beetle ha una scena post-crediti, poiché ce ne sono due diverse incluse dopo l’inizio dei titoli di coda. La prima appare poco dopo la fine di Blue Beetle, mentre una scena di Blue Beetle si svolge a metà dei titoli di coda. C’è anche un’altra scena aggiuntiva alla fine dei titoli di coda. L’uso delle scene post-crediti di Blue Beetle continua la tendenza dei film DC di seguire il trend hollywoodiano di includere anticipazioni sul futuro, battute aggiuntive e altre sorprese nei titoli di coda. Inoltre, incoraggiano il pubblico a rimanere seduto per vedere i nomi degli sceneggiatori, degli attori, degli artisti degli effetti speciali e degli altri membri della troupe che rendono possibile la realizzazione dei film.

Vale la pena aspettare le scene post-crediti di Blue Beetle?

Si può dire con certezza che vale la pena aspettare le scene dopo i titoli di coda di Blue Beetle. La scena a metà dei titoli di coda è un’anticipazione più diretta di dove potrebbe andare la serie in un possibile Blue Beetle 2 e potrebbe anche collegarsi ad altri progetti DC Universe già annunciati. La scena alla fine dei titoli di coda di Blue Beetle è più divertente e meno importante da aspettare. A differenza del post-crediti di Black Adam, che anticipa una lotta tra Superman e Black Adam, o dei crediti di Shazam 2, che anticipano l’ingresso di Shazam nella Suicide Squad o il ritorno di Mister Mind, la scena a metà dei titoli di coda di Blue Beetle può ancora funzionare dopo il reboot dell’universo DC, rendendola degna di essere vista.

Spiegazione della scena a metà dei titoli di coda di Blue Beetle: Ted Kord è vivo

La prima scena post-crediti di Blue Beetle è la più importante, poiché conferma che Ted Kord è ancora vivo. Il film non esita a dare al precedente Blue Beetle un posto consolidato nella storia di questo universo. È il padre di Jennifer e l’ex amministratore delegato della Kord Industries prima di scomparire misteriosamente e lasciare il posto a Victoria Kord (Susan Sarandon). Si pensava che Ted fosse morto in qualche modo alla ricerca di informazioni sullo Scarabeo, a causa della sua ossessione per esso. La scena a metà dei titoli di coda di Blue Beetle inizia mostrando la base Beetle Nest di Ted Kord e zoomando sul manichino che non indossa il costume di Blue Beetle.

La parte principale della scena post-crediti di Blue Beetle ruota attorno a un messaggio che viene riprodotto dal computer nella base. Inizia con un semplice “Ciao?”, prima che l’uomo inizi a mostrare il suo stupore. Ringrazia chiunque abbia acceso il suo computer, senza sapere che si trattava di Jaime, Jennifer (Bruna Marquenize) e Rudy Reyes (George Lopez). Il messaggio prosegue dicendo che ha bisogno di qualcuno che consegni questo messaggio a sua figlia, affinché lei sappia che suo padre è vivo. Sebbene non ci fossero molti dubbi prima, la scena a metà dei titoli di coda di Blue Beetle termina con l’oratore che dice “Ted Kord è vivo”.

Come la sopravvivenza di Ted Kord prepara il terreno per Blue Beetle 2

La sopravvivenza di Ted Kord è un chiaro indizio su dove potrebbe andare a parare la storia in Blue Beetle 2. Il film termina con Jaime e Jennifer che volano insieme alla tenuta dei Kord perché lei vuole vedere ancora i vecchi dipinti di sua madre. Questo potrebbe portarli a tornare al Beetle Nest e a scoprire il nuovo messaggio. La scoperta di Jennifer e Jaime che Ted Kord è vivo potrebbe essere l’evento scatenante della trama di Blue Beetle 2. La coppia appena formata potrebbe iniziare una ricerca per trovare Ted Kord, risolvere il mistero di ciò che gli è successo 15 anni fa e portare un esperto di Scarab nel gruppo.

Sebbene al momento non si conosca la natura esatta di ciò che ha portato Ted Kord a scomparire per 15 anni, la sua apparizione in Blue Beetle 2 gli consentirà di assumere il ruolo di mentore di Jaime Reyes. Si tratta di una dinamica presente in tutti i fumetti da quando Jaime Reyes è diventato l’ospite dello Scarabeo. Il sequel di Blue Beetle potrebbe quindi vedere Ted aiutare Jaime a diventare un supereroe ancora migliore e a scoprire di più sui poteri e sulle origini dello Scarabeo. Considerando i piani per l’integrazione di Blue Beetle nella DCU, la spiegazione del ritorno di Ted potrebbe essere molteplice.

Spiegazione della scena post-crediti di Blue Beetle

La scena post-crediti di Blue Beetle è un divertente omaggio alla cultura messicana rispetto alla scena a metà dei titoli di coda. Questo perché si basa sull’amore di Rudy per il supereroe satirico messicano El Chapulín Colorado. Il personaggio è citato in precedenza nel film attraverso l’invenzione di Rudy che blocca i segnali video e riproduce invece scene dell’amato eroe messicano. El Chapulín Colorado è stato creato da Roberto Gómez Bolaños negli anni ’70 e ha recitato in vari programmi live-action e animati nel corso degli anni. Le clip presenti nella scena post-crediti di Blue Beetle rendono omaggio alle forti radici messicane del film e presentano El Chapulín Colorado a un pubblico più ampio.

Dept. Q, la spiegazione del finale: Che fine ha fatto Merritt Lingard?

La serie poliziesca di Netflix Dept. Q segue l’avvincente caso irrisolto di Merritt Lingard, mentre un gruppo di detective di Edimburgo ricostruisce gli indizi della sua scomparsa. Matthew Goode è il protagonista del Dept. Q nel ruolo di Carl Morck, un detective impersonevole che si sta riprendendo da una ferita da arma da fuoco che ha paralizzato il suo partner e ucciso l’agente di polizia intervenuto sul posto. Di conseguenza, Morck viene assegnato ai casi irrisolti e alla fine si occupa del caso di Merritt Lingard, un avvocato scomparso quattro anni prima.

La serie è un’aggiunta impressionante alla categoria delle serie TV poliziesche di Netflix e tiene il pubblico incollato allo schermo fin dal primo episodio. Morck e la sua squadra, Akram e Rose, scoprono lentamente delle incongruenze nel caso di Merritt, che li portano a chiedersi se qualcuno dall’interno abbia avuto un ruolo nella sua scomparsa. Non sorprende che Dept. Q sia diventato rapidamente un successo su Netflix, con gli spettatori che già sperano in una seconda stagione. Anche se non ci sono ancora annunci, la scoperta di Merritt da parte di Morck e il lieto fine della sua squadra hanno concluso bene la prima stagione.

Perché Merritt è stata rapita dalla famiglia Jennings (e come è sopravvissuta)

La madre e il figlio erano legati al passato di Merritt a Mhor

Il pubblico sa dall’episodio 1 di Dept. Q che Merritt Lingard è in realtà viva ed è stata tenuta prigioniera in una camera iperbarica negli ultimi quattro anni, ma gli investigatori della serie impiegano molto più tempo per arrivare a questa conclusione. Mentre Morck e la sua squadra indagano su tutti gli aspetti della sua scomparsa che non tornano, Merritt viene costantemente interrogata dal suo rapitore su cosa abbia fatto per meritarsi la sua punizione. L’avvocato ricorda casi passati in cui ha aiutato a mettere in prigione delle persone, ma si è rifiutata di aiutarle quando avevano bisogno; tuttavia, nessuno di questi casi è accurato.

Alla fine viene rivelato che è stato Lyle ad aggredire William, ma Harry si è preso la colpa, mentre i Jennings hanno incolpato Merritt per la sua morte.

È solo nell’ultimo episodio che lei capisce che i suoi rapitori sono Ailsa e Lyle Jennings, la madre e il fratello di un ragazzo con cui usciva al liceo, morto cadendo dal traghetto dopo aver tentato di fuggire dall’isola dove vivevano. Harry Jennings è stato accusato di aver picchiato selvaggiamente il fratello di Merritt, William, e di aver svaligiato la loro casa. Alla fine si scopre che è stato Lyle ad aggredire William, ma Harry si è preso la colpa e i Jennings hanno incolpato Merritt per la sua morte.

Sia Ailsa che Lyle Jennings erano chiaramente malati di mente e incapaci di capire che Merritt non era responsabile di ciò che era successo a Harry, che era invece stato un tragico incidente causato dalle azioni di Lyle. Lei scopre l’identità dei suoi rapitori solo poco prima di essere salvata da Morck e Akram, rendendosi conto alla fine che il suo rapimento non era colpa sua e che non deve sentirsi in colpa per Harry o per essere sopravvissuta alla camera iperbarica.

Sam Haig era Lyle Jennings fin dall’inizio – Perché ha rubato l’identità

Dept. Q serie tv

O meglio, c’erano due Sam diversi

Dept. Q presenta molti colpi di scena che tengono gli spettatori con il fiato sospeso nel tentativo di scoprire chi fosse il vero responsabile della scomparsa di Merritt, e forse uno dei più intricati è quello dell’identità di Sam Haig. Morck, Akram e Rose passano molto tempo a cercare di scoprire la portata della relazione tra Merritt e Sam e chi fosse al di fuori del suo lavoro di giornalista, ma non si fermano mai a chiedersi se stiano davvero parlando dello stesso uomo.

Alla fine, i detective si rendono conto che le storie che hanno appreso dai suoi amici del centro di arrampicata e ciò che sanno della sua relazione con Merritt collocherebbero Sam Haig in due posti diversi contemporaneamente. Attraverso le loro scoperte e i flashback di Lyle Jennings, Dept. Q rivela che Sam e Lyle si conoscevano da adolescenti in un istituto di correzione, ma Lyle ha ucciso Sam dopo che si erano ritrovati e ha rubato la sua identità per avvicinarsi a Merritt.

Il capo di Merritt era coinvolto nell’insabbiamento di un crimine?

Il detective Morck scopre che Stephen Burns aveva un segreto

Morck e la sua squadra interrogano tutti i possibili sospettati della scomparsa di Merritt, compresi i suoi colleghi dell’ufficio del procuratore generale. Dopo aver scoperto che Merritt era andata a letto con uno dei suoi colleghi, lo interrogano e vengono a conoscenza di altri sospetti nel dipartimento. Nel frattempo, si rendono conto che Sam Haig stava indagando sul capo di Merritt, Stephen Burns, e sul suo potenziale collegamento con l’imputato nel processo che Merritt stava seguendo prima di scomparire. Sebbene Burns non fosse coinvolto nel rapimento di Merritt, aveva un grande segreto da nascondere.

Temendo per la vita di sua figlia, Burns ha permesso che il testimone fosse messo a tacere e che Finch fosse rilasciato.

Poco prima della sua scomparsa, Merritt stava lavorando al caso Finch, in cui un marito era accusato di aver ucciso sua moglie, anche se lui sosteneva che fosse caduta dalle scale. Finch è stato infine dichiarato non colpevole, ma c’era dell’altro. Aveva legami con altri criminali che avevano minacciato la figlia di Burns e avevano aggredito un potenziale testimone. Temendo per la vita di sua figlia, Burns ha permesso che il testimone fosse messo a tacere e che Finch fosse rilasciato. Morck però lo scopre e alla fine lo sfrutta per chiedere più fondi e il grado di DI per Akram.

Chi ha davvero sparato a Morck?

Il finale della prima stagione di Dept. Q vede Morck e la sua squadra risolvere il caso Merritt, ma i detective che lavorano al caso della sparatoria che ha coinvolto Morck hanno molta meno fortuna. Uno dei fili conduttori della stagione è il seguito della sparatoria che ha coinvolto Morck e il suo partner Hardy. Questo vale sia per il caso stesso, ancora irrisolto, sia per il benessere mentale e fisico dei due, dato che Hardy deve sottoporsi a una lunga riabilitazione e Morck deve partecipare a malincuore a una terapia. Nel corso della stagione fanno progressi, ma il caso rimane irrisolto.

I colleghi di Morck che lavorano al suo caso trascurano molti dettagli, spingendolo a essere molto più coinvolto di quanto probabilmente dovrebbe. Alla fine della prima stagione di Dept. Q, non hanno ancora trovato l’identità dell’assassino, ma Morck ha una teoria secondo cui sarebbe coinvolta più di una persona. L’agente che ha risposto alla chiamata ha finto di effettuare un controllo di routine e ha semplicemente aspettato l’arrivo degli agenti, dove qualcuno era in attesa all’interno per aggredirli, rendendo probabile che alcuni agenti abbiano legami con il mondo criminale.

Come il finale di Dept. Q prepara la seconda stagione

In generale, “Dept. Q” ha un finale abbastanza felice, poiché Morck e la sua squadra risolvono il caso di Merritt e la salvano, Morck sta finalmente iniziando ad avere un atteggiamento più positivo e un rapporto migliore con il figliastro, e Hardy è in grado di camminare di nuovo con le stampelle e si unisce per la prima volta alla squadra dei casi irrisolti in ufficio. Tuttavia, la serie lascia ampio spazio per un ritorno dei personaggi in numerose stagioni, dato che ci sono così tanti casi irrisolti da affrontare.

Dept. Q ha attualmente un indice di gradimento della critica dell’84% su Rotten Tomatoes e un indice di gradimento del pubblico ancora migliore, pari al 94%.

Oltre al fatto che la squadra del Dept. Q ha un sacco di casi da risolvere e una reputazione più positiva, ci sono ancora alcune domande irrisolte della prima stagione. La domanda più importante che la seconda stagione potrebbe esplorare è chi ha davvero sparato a Hardy e Morck e perché. Sembra che ci sia molta corruzione all’interno della stazione di polizia e nei tribunali, quindi questi potrebbero essere più collegati di quanto il pubblico sappia. Allo stesso modo, sarebbe divertente vedere il Dept. Q esplorare ulteriormente le relazioni crescenti di Morck con coloro che lo circondano, creando una visione ancora più complessa del personaggio.

Ombre nell’acqua, la spiegazione del finale: La morte di Bronte e la scomparsa di Gabby sono collegate?

La serie Netflix Ombre nell’acqua (The Survivors) intreccia un misterioso omicidio che si sviluppa lentamente, conducendo a un finale che finalmente risolve i misteri dell’omicidio di Bronte e della scomparsa di Gabby. La storia inizia con Kieran e Mia che tornano con la loro figlia nella comunità isolana di Evelyn Bay. Entrambi se ne erano andati dopo che una tempesta aveva ucciso due giovani, Finn e Toby, e spazzato via una ragazza adolescente di nome Gabby. Kieran era il fratello di Finn e Mia era la migliore amica di Gabby. Poco dopo il loro arrivo, una donna di nome Bronte viene assassinata sulla spiaggia, dando il via a un grande mistero.

Prima della sua morte, Bronte stava indagando sulla scomparsa di Gabby, portando Mia a chiedersi se l’omicidio potesse essere collegato. Mentre lei, Kieran e la polizia indagano sull’omicidio, iniziano a rendersi conto che Evelyn Bay nasconde dei segreti. Il cast di Ombre nell’acqua (The Survivors) include molti sospetti che potrebbero essere coinvolti nella scomparsa, nell’omicidio o in entrambi. Fortunatamente, il finale fornisce una risposta davvero scioccante che collega la scomparsa di Gabby e la morte di Bronte.

Come la scomparsa di Gabby e la morte di Bronte sono collegate in Ombre nell’acqua

Bronte è stata uccisa per nascondere la verità su Gabby

In tutto Ombre nell’acqua (The Survivors), Mia cerca di capire se la morte di Bronte è collegata alla scomparsa, avvenuta quindici anni prima, della sua migliore amica d’infanzia, Gabby. Dopotutto, Bronte stava indagando direttamente sulla scomparsa di Gabby e intervistando amici e familiari prima della sua morte. Anche se tutti trattano Mia come se fosse fuori di testa per averlo pensato, lei ha ragione sui due incidenti: sono direttamente collegati. Gabby e Bronte sono state entrambe uccise dalla stessa persona: Sean Gilroy.

Mentre la morte di Gabby è stata per lo più un incidente estremamente imprudente causato da un ragazzo adolescente, Sean ha ucciso Bronte perché si era avvicinata troppo alla verità su Gabby. Bronte e Sean erano andati in spiaggia per fotografare la bioluminescenza. Mentre erano lì, lei gli ha mostrato la foto del nome di Gabby nella grotta nord, suggerendo che forse non era stata spazzata via dalla tempesta. Quando Bronte ha cercato di andarsene con la macchina fotografica, lui l’ha colpita due volte con una torcia elettrica.

Se abbia premeditato l’omicidio o abbia semplicemente perso il controllo è discutibile. Sembra probabile che la prima volta che l’ha colpita con la torcia sia stato solo un impulso dettato dalla paura, ma con il secondo colpo sembrava volerla zittire. In ogni caso, Sean ha sicuramente deciso di disfarsi del corpo in acqua invece di chiamare i soccorsi, nascondere le prove e incastrare Brian.

Cosa è successo davvero a Gabby il giorno della sua scomparsa

Ombre nell’acqua fornisce alcuni dei pezzi più importanti del puzzle su ciò che è realmente accaduto a Gabby prima del finale. Tuttavia, alla fine è comunque uno shock quando Sean rivela la verità. Il giorno della sua scomparsa, Gabby voleva comprare dell’alcol per una festa, il che ha portato a una lite tra lei e Mia. Purtroppo, questa è l’ultima volta che le due migliori amiche si vedono, il che senza dubbio pesa molto su Mia.

Gabby va a cercare Kieran, sperando che lui le compri dell’alcol. Come rivelato all’inizio, incontra Brian, che la avverte dell’arrivo di una tempesta. Lei lo ignora e scende al molo, chiedendo a Finn e Toby di portarla alle grotte. I due ragazzi più grandi mettono il suo zaino nella scatola asciutta perché è troppo stretta per trasportare uno zaino attraverso le grotte. Alla fine, Finn e Toby la fanno entrare nelle grotte con Sean.

All’interno, Sean bacia Gabby, ma lei lo respinge. Lei gli chiede di aiutarla a uscire dalle grotte e lui le dice di seguirlo. Tuttavia, lui scappa perché è arrabbiato con lei. Purtroppo, senza l’aiuto di Sean per uscire, Gabby annega. È chiaro che, piuttosto che agire a sangue freddo, Sean era un adolescente avventato e incurante che probabilmente non capiva la portata delle sue scelte. Sfortunatamente, segue il consiglio di suo padre e nasconde la verità per 15 anni, impedendo alla famiglia di Gabby di ottenere la chiusura di cui ha bisogno.

Perché Sean ha incastrato Brian per l’omicidio di Bronte

Il motivo più ovvio per cui Sean incastra Brian per l’omicidio di Bronte è il fatto che era presente sulla spiaggia la notte della morte di Bronte. È facile liquidare la cosa dicendo che Brian si è semplicemente trovato nel posto sbagliato al momento sbagliato. Tuttavia, Sean rivela un pensiero più insidioso alla base della sua decisione quando Kieran lo affronta riguardo all’incastrare Brian. L’assassino afferma, in termini molto meno diretti, che la vita di Brian è già finita a causa della sua regressione della memoria, sottintendendo che Brian non sarebbe comunque in grado di dire cosa sta succedendo.

Il fatto che Brian abbia problemi di memoria non rende la sua vita meno importante, così come il fatto che tutti abbiano dimenticato la scomparsa di Gabby non la rende meno importante.

Purtroppo, questo riflette l’atteggiamento di molti personaggi nei confronti di Brian in The Survivors, poiché pochissimi lo trattano come un uomo adulto con pensieri e sentimenti. Sean considera Brian inutile perché affetto da una malattia neurodegenerativa. Gli agenti lo trattano con tale disprezzo che quasi non si accorgono che sta cercando di spiegare con i gesti di aver aiutato Bronte a uscire dall’acqua. Persino Verity, la persona che gli dimostra più cura e compassione, gli parla continuamente senza ascoltarlo.

In definitiva, il rapporto di Brian con la memoria è probabilmente l’aspetto più rilevante del messaggio di Ombre nell’acqua. Il fatto che Brian abbia problemi di memoria non rende la sua vita meno significativa, così come il fatto che tutti abbiano dimenticato la scomparsa di Gabby non la rende meno importante. Sean aveva torto su entrambi i fronti.

Perché Kieran ha lasciato Evelyn Bay dopo l’incidente

The Survivors

La maggior parte della città nutre ostilità nei confronti di Kieran per aver “causato” la morte di Toby e Finn, e sono ancora più aggressivi per il fatto che Kieran se ne sia andato dopo. Lo interpretano come un’ammissione di colpa. Tuttavia, si scopre che ha lasciato Evelyn Bay su richiesta di suo padre. Brian nota quanto Verity sia crudele nei confronti di Kieran, incolpandolo e chiarendo che avrebbe preferito che Kieran fosse morto al posto di Finn. Visto il suo atteggiamento ostile, il padre pensava che Verity avrebbe rovinato la vita di Kieran se fosse rimasto a Evelyn Bay.

Alla fine, mandare via Kieran è stato un atto di empatia e di amore da parte di Brian, ma ha bloccato il processo di guarigione di tutta la famiglia. Kieran è stato isolato dalla sua famiglia e dalla sua comunità, e questo gli ha fatto sentire che non poteva tornare. Nel frattempo, Verity ha continuato a provare rabbia verso Kieran. La tragedia è stata una situazione triste in cui tutti hanno perso.

Il vero significato del finale di Ombre nell’acqua

La serie australiana di Netflix è profondamente avvincente e ha molto da dire sul dolore, la famiglia, la tragedia e la verità. In tutto il suo svolgimento, parla del modo in cui le famiglie possono rimanere bloccate nel loro dolore quando non hanno risposte. Le famiglie di Finn e Toby sono state in grado di accettare le loro tragiche morti perché avevano una sorta di risposta su ciò che era successo. Tuttavia, Trish, Liv e Mia sono rimaste bloccate per 15 anni perché hanno perso Gabby senza mai sapere cosa fosse realmente successo. Anche se lo hanno espresso in modi diversi, vivevano con il fantasma di Gabby.

Il finale di Ombre nell’acqua fornisce un esempio concreto del perché è importante lottare per ottenere risposte sui casi irrisolti, anche quando sembrano irraggiungibili. Sebbene ci siano voluti 15 anni, Mia, Trish e tutte le altre persone che amavano Gabby sono riuscite a fare pace con la sua morte. Inoltre, il fatto che alla fine di Ombre nell’acqua si riuniscano tutte per onorare Gabby e Bronte dimostra che spesso la guarigione arriva dalla comunità e non dall’isolamento. È bello vederle avvicinarsi e sanare i rapporti tesi.

Finché morte non ci separi: la spiegazione del finale del film

Finché morte non ci separi: la spiegazione del finale del film

Diretto da Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett (anche registi di Scream e Scream VI), Finché morte non ci separi vede Samara Weaving nei panni di Grace, una bellissima sposa che entra a far parte della ricchissima famiglia Le Domas. Subito dopo aver detto “Sì, lo voglio”, Grace viene però a sapere dal suo nuovo marito Alex (Mark O’Brien) che a mezzanotte dovrà partecipare a un gioco, parte di un’eccentrica tradizione che coinvolge tutti i nuovi membri della famiglia.

Commedia nera divertente e spassosa, mescolata a un raccapricciante horror di sopravvivenza, il film è caratterizzato da una serie di regole complesse e da una mitologia che viene rivelata durante la difficile prova che Grace dovrà affrontare con i suoi suoceri infernali. Secondo la dinastia Le Domas, Grace deve infatti sopravvivere alla notte per essere accettata nella famiglia. Il sadico rituale si basa però su un sistema di credenze più profondo che alimenta le azioni della famiglia Le Domas e offre alcune divertenti sorprese che portano al finale esplosivo di Ready or Not.

Cosa succede nel finale di Finché morte non ci separi

Nell’atto finale di Finché morte non ci separi, Grace, ferita e disperata, tenta di fuggire dalla villa dei Le Domas, ma viene catturata dal maggiordomo Stevens (John Ralston). Grace viene ingannata da Daniel (Adam Brody) dopo essere quasi riuscita a scappare, viene infine sopraffatta e riportata alla villa per completare il rituale sacrificale della famiglia al misterioso Mr. Le Bail. In una serie di colpi di scena, Daniel, tormentato dal senso di colpa, libera Grace e cerca di aiutarla a fuggire, ma viene ucciso a colpi di pistola dalla propria moglie, Charity (Elyse Levesque).

Mentre Alex assiste alla morte del fratello, la madre Becky (Andie MacDowell) cerca di uccidere Grace, ma la sposa respinge la suocera e la picchia a morte. Quando Alex vede che Grace ha ucciso sua madre, si rivolge allora contro la sua nuova moglie e la costringe al sacrificio rituale. Tuttavia, Alex non riesce a pugnalare Grace al cuore e invece le trafigge la spalla, interrompendo il rituale. La famiglia scioccata si rende conto che, anche se è ormai l’alba, stanno tutti bene… più o meno.

La loro gioia non dura però a lungo, però, perché ogni membro della famiglia Le Domas prende fuoco spontaneamente, esplodendo in pezzi sanguinolenti in tutta la stanza, mentre Grace, ricoperta di sangue e parti del corpo, scoppia a quel punto a ridere di gusto. Alex, tuttavia, pensa di essere l’unico sopravvissuto fino a quando anche lui esplode dopo che Grace gli chiede: “Voglio il divorzio!”. Grace rimane così l’unica persona sopravvissuta a quella notte bizzarra e violenta.

Finché morte non ci separi cast
Mark O’Brien e Samara Weaving in Finché morte non ci separi. © 2019 Twentieth Century Fox Film Corporation All Rights Reserved

La spiegazione del regole del gioco

Le regole del gioco Finché morte non ci separi sono state stabilite generazioni prima dalla famiglia Le Domas. Secondo la tradizione stabilita dal loro bisnonno, Victor Le Domas, chiunque si sposi nella famiglia Le Domas deve giocare a un gioco. Questo è l’unico modo per essere veramente accettati nella famiglia e dimostrare di appartenervi. A mezzanotte, la nuova sposa o il nuovo marito devono sedersi con il resto della famiglia Le Domas in una sala speciale, vietata a chiunque altro. Il nuovo arrivato inserisce quindi una carta bianca in una scatola speciale che è stata data a Victor dal signor Le Bail.

La scatola determinerà quindi quale gioco giocherà la famiglia. Nella maggior parte dei casi, la scatola scriverà sulla carta bianca il nome di un gioco da tavolo da giocare. Di tanto in tanto, però, sceglierà il nascondino, come è successo con Grace. Quando ciò accade, una canzone inquietante verrà riprodotta improvvisamente dal fonografo, segnando l’inizio del gioco, e l’intera villa dei Le Domas verrà chiusa a chiave. Poiché quando questa tradizione è stata istituita non c’erano telecamere di sicurezza, le telecamere vengono disattivate per rendere il gioco “equo”. Grace ha quindi 100 secondi per nascondersi mentre la famiglia si arma con le armi tradizionali conservate nella sala familiare.

L’identità del signor Le Bail

Il film suggerisce poi fortemente che il signor Le Bail sia il diavolo e che Victor Le Domas abbia stretto un patto con lui per diventare incredibilmente ricco. Non solo il loro rituale sacrificale ha un che di satanico, ma è incentrato sull’apparizione magica del signor Le Bail sulla sua poltrona preferita, cosa che avviene per un breve istante. Grace lo vede apparire nella stanza per un attimo dopo che l’intera famiglia Le Domas è morta. Come spiega Tony Le Domas (Henry Czerny) nella storia della famiglia, il Dominio Le Domas (come preferiscono essere chiamati) ha avuto inizio nel XIX secolo.

Victor Le Domas vinse una partita d’azzardo contro il signor Le Bail e ricevette una scatola nera magica e la capacità di guadagnare la sua vasta fortuna dai giochi da tavolo e dalle carte da gioco. Le regole che la famiglia Le Domas seguiva per mantenere il proprio dominio erano anch’esse opprimenti. Alcuni membri della famiglia non credono che la maledizione sia reale, ma continuavano comunque a seguire i loro terribili rituali per paura di perdere tutto ciò che hanno. La famiglia Le Domas considerava tutto questo come il prezzo da pagare per mantenere la propria ricchezza e il proprio status.

Finché morte non ci separi film trama
Samara Weaving in Finché morte non ci separi. © 2019 – Fox Searchlight

Perché Alex Le Domas ha tradito Grace

Il personaggio più inaffidabile di Finché morte non ci separi risulta essere Alex Le Domas. Alex era il figliol prodigo che aveva lasciato la famiglia per due anni, ma alla fine era tornato con Grace. Alex sapeva che Grace desiderava disperatamente far parte di una famiglia perché era cresciuta in diverse case famiglia. Sposarsi con il ricco Le Domas avrebbe dovuto essere un sogno che si avverava per lei. Tuttavia, Alex non le ha parlato della tradizione di famiglia e di ciò che avrebbe potuto comportare fino a quando il gioco a nascondino non era già iniziato. Anche se Alex ha cercato di salvare Grace per parte del film, in realtà era in conflitto con la sua vera natura di Le Domas e la sua lealtà verso la famiglia.

Alla fine, quando Alex ha visto che Grace aveva ucciso sua madre, ha perso il controllo e si è rivoltato contro la sua nuova moglie. Alex non ha però pugnalato Grace al cuore per completare il rituale perché forse credeva che la maledizione fosse vera, il che significava che tutta la sua famiglia sarebbe morta, ma lui no. Lui e Grace avrebbero potuto essere gli unici membri della famiglia Le Domas rimasti in vita. Ma Alex è un Le Domas fino al midollo e muore dunque con il resto del suo clan. Grace, invece, sopravvive, capendo di non aver bisogno di unirsi ad una famiglia per sentirsi completa.

Perché tutti sono esplodono quando sorge il sole

La famiglia Le Domas esplode quando sorge il sole nel finale di Finché morte non ci separi perché non è riuscita a sacrificare Grace come richiedeva la tradizione familiare. Se fossero riusciti a sacrificare Grace, avrebbero continuato a vivere. Ciò dimostra che la maledizione era vera, contribuendo a rafforzare l’idea che il signor Le Bail sia davvero il diavolo. Il risultato è un finale molto soddisfacente che mostra i miliardari malvagi che se ne vanno con il botto. È un finale appropriato, in linea con i temi generali di Finché morte nonn ci separi sulla natura distruttiva dei più ricchi e dell’élite mondiale.

Samara Weaving in Finché morte non ci separi
Samara Weaving in Finché morte non ci separi. © 2019 – Fox Searchlight

 

Cosa succede dopo il finale

Dopo il climax esplosivo di Finché morte non ci separi, la polizia trova Grace nel suo abito da sposa completamente ricoperta di sangue sui gradini della villa dei Le Domas in fiamme. Grace avrà probabilmente molte spiegazioni da dare alle autorità, ma potrebbe non essere in grado di provare ciò che è realmente accaduto se tutte le prove sono state distrutte nell’incendio della villa. Non è chiaro se Grace abbia firmato un accordo prematrimoniale prima di sposare Alex, poiché la questione non viene affrontata nel film.

Dato che Grace è, in un certo senso, entrata a far parte della famiglia La Domas, avrebbe potuto potenzialmente uscire indenne dalla prova come miliardaria al controllo del Dominio Le Domas. Con le riprese del sequel appena conclusesi, è probabile che i fan scopriranno cosa ne sarà di questa simpatica eroina dell’horror nel prossimo film, di cui si sa però ancora molto poco. Per saperne di più, non resta che attendere l’arrivo di un trailer e poi l’uscita nelle sale cinematografiche di tutto il mondo, attualmente fissata al 10 aprile 2026.

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Il vero significato del finale di Finché morte non ci separi

Finché morte non ci separi è uscito in un’epoca piena di film con messaggi simili, in cui i membri della società trascurati e delle classi inferiori vengono vittimizzati dai privilegiati e alla fine ottengono la loro vendetta. Questi film cosiddetti “mangia i ricchi” includono film cupi e brutali come Joker e Parasite, ma anche versioni più comiche come Cena con delitto – Knives Out. Il film con Samara Weaving si colloca a metà strada, con il finale che consolida il messaggio del film.

Finché morte non ci separi sequel
Samara Weaving in Finché morte non ci separi. © 2019 – Fox Searchlight

Per tutto il film, infatti, Grace è stata vista come una pedina nel gioco che la famiglia La Domas stava giocando, nonché uno strumento da utilizzare per garantire che la loro ricchezza e il loro successo rimangano intatti. La famiglia non ha mai esitato nelle sue azioni, considerando le vite di queste persone innocenti facilmente sacrificabili rispetto al proprio benessere. Anche la morte delle persone al loro servizio, come le domestiche, è trattata come irrilevante, purché possano ottenere ciò che vogliono.

Il finale di Finché morte non ci separi fa finalmente pagare alla famiglia ciò che ha fatto, ma lo fa in modo stratificato. Nel momento in cui sorge il sole e Grace è ancora viva, la famiglia La Domas si trova di fronte all’idea di aver sbagliato per tutto questo tempo, quando non succede nulla. Erano così concentrati sul proprio benessere che non si sono mai fermati a considerare che tutto questo potesse essere una menzogna. I loro sguardi imbarazzati sono abbastanza soddisfacenti, ma ovviamente non sono una punizione sufficiente per loro.

Il loro senso di rimpianto travolgente è seguito da un’esplosione in una pozza di sangue. È la fine definitiva per loro, poiché si rendono conto di non avere più nulla da barattare. Alcuni cercano di scappare, altri si aggrappano al loro senso di potere, e Alex cerca di scusarsi con Grace, ma nessuno può sfuggire al proprio destino. Per la prima volta nella loro vita, sono impotenti. Il fatto che Grace possa ridere di loro e allontanarsi semplicemente dalla loro carneficina senza curarsi di loro è l’insulto definitivo a questi cattivi egocentrici.

Predator: Killer of Killers, la spiegazione del finale e cosa significa per Badlands e Prey

In Predator: Killer of Killers (qui la nostra recensione), facciamo la conoscenza di Ursa, Kenji e Torres, tre guerrieri provenienti da tre periodi storici distinti. Ursa è una guerriera vichinga, Kenji è un ninja del Giappone feudale e Torres è un pilota della Seconda Guerra Mondiale.

Dopo che ognuno di loro è sopravvissuto agli scontri con gli Yautja, apprendiamo che sono stati prelevati dalla Terra e posti in animazione sospesa dai guerrieri alieni. Vengono svegliati dal “Re Grendel”, l’apparente leader dei Predator, che li costringe a combattere l’uno contro l’altro, prima di affrontare lui stesso il vincitore.

Alla fine, i tre killer di Predator decidono di collaborare e di elaborare un piano di fuga; Ursa alla fine rimane indietro, mentre Kenji e Torres fuggono a bordo di un’astronave inseguiti dall’esercito Yautja.

La spiegazione del finale di Predator: Killer of Killers

Con Predator: Killer of Killers, il regista Dan Trachtenberg ha finalmente spiegato perché gli Yautja vanno a caccia. Che sia per rintracciare gli umani o i loro simili alieni, l’obiettivo finale sembra essere mettere alla prova le specie che considerano inferiori a loro e poi combattere quelle che ritengono degne in nome dell’onore e del divertimento.

Alla fine del film, centinaia di guerrieri di tutte le specie vengono rivelati essere tenuti in criogenesi dai Predator. Con Ursa di nuovo tra loro, la telecamera si sposta su Naru, interpretata da Amber Midthunder, protagonista di Prey del 2022. L’abbiamo vista l’ultima volta mentre si preparava a guidare il suo popolo contro un esercito invasore di Yautja, e ora il palcoscenico è pronto per il suo ritorno.

Come il film si collega a Prey e Badlands?

Potrebbe essere in Prey 2, in Predator: Badlands in arrivo quest’estate o in un altro film d’animazione, ma resta da vedere. Non è chiaro come Predator: Badlands affronterà tutto questo, ma saremmo sorpresi se non fosse tutto in qualche modo collegato.

La sinossi del film ha rivelato che “un giovane Predator… intraprende un viaggio pericoloso alla ricerca dell’avversario definitivo”. Poi, c’è la piccola questione di quello che ora sembra essere un inevitabile crossover Alien vs. Predator in futuro. Bisognerà aspettare e vedere.

La trama di Predator: Killer of Killers

La storia antologica segue tre dei guerrieri più feroci della storia umana: una vichinga che guida il suo giovane figlio in una sanguinosa ricerca di vendetta, un ninja del Giappone feudale che si rivolta contro il fratello samurai in una brutale battaglia per la successione e un pilota della Seconda Guerra Mondiale che decolla per indagare su una minaccia ultraterrena alla causa degli Alleati. Tuttavia, sebbene tutti questi guerrieri siano assassini a pieno titolo, sono solo prede del loro nuovo avversario: il killer degli assassini per eccellenza.

Predator: Killer of Killers è ora disponibile in streaming su Disney+.

American Sniper: la spiegazione del finale del film

American Sniper: la spiegazione del finale del film

Il film di guerra American Sniper (qui la recensione) di Clint Eastwood del 2014 è basato sull’avvincente storia vera di Chris Kyle, un Navy SEAL statunitense che ha prestato servizio in quattro campagne durante la guerra in Iraq. Il film è tratto dall’omonima autobiografia di Kyle, pubblicata due anni prima nel 2012, ma include una scena finale che si svolge dopo gli eventi del libro, nel febbraio 2013. A questo punto del film, Kyle si è infatti ritirato dal servizio militare e si gode la vita con la sua famiglia. Sua moglie Taya gli dice che è felice di riavere suo marito con sé, e la storia di Kyle sembra avere un lieto fine.

Durante la visione di American Sniper, assistiamo alla natura estenuante delle missioni di Kyle in Iraq, compresa la sua ricerca del leader di Al-Qaeda Abu Musab al-Zarqawi e del suo braccio destro, conosciuto semplicemente come “Il Macellaio”. Bradley Cooper interpreta brillantemente il peso emotivo che il ruolo di Kyle come cecchino dei Navy SEAL ha su di lui, in quello che è sicuramente uno dei migliori film mai realizzati sulla guerra in Iraq. Nel finale, però, si assiste ad un rapido svolgersi di eventi che meritano un attimo in più di riflessioni e spiegazioni, cosa che andiamo a proporre con questo articolo.

Chris Kyle è stato ucciso da Eddie Ray Routh al poligono di tiro

Nel tragico finale, American Sniper porta la vera storia di Chris Kyle oltre la sua autobiografia del 2012 fino all’ultimo giorno della sua vita, quando saluta sua moglie e i suoi figli e si reca al poligono di tiro con un altro veterano delle forze armate. Quel veterano è Eddie Ray Routh, un ex membro dei Marines statunitensi di 25 anni che ha poi sparato e ucciso Kyle il 2 febbraio 2013. Routh ha anche ucciso l’amico di Kyle, Chad Littlefield. Sono stati uccisi con due pistole semiautomatiche, entrambe date da Kyle a Routh per usarle al poligono di tiro.

Chris Kyle American Sniper
Bradley Cooper in American Sniper. Foto di Warner Bros. Picture – © 2014

Con lo stile sobrio e rispettoso che contraddistingue i migliori film di Eastwood come regista, American Sniper evita di mostrare l’uccisione di Chris Kyle. Il film spiega invece la sua morte in una sola riga di post scriptum e mostra un montaggio dell’imponente corteo funebre di Kyle insieme ai titoli di coda. Pur rifiutando di assumere una posizione morale esplicita sulle sue azioni, il film descrive senza dubbio Chris Kyle come una sorta di eroe, che eccelleva nel suo lavoro e sembrava aver trovato la pace con la sua amorevole famiglia prima di morire. La decisione di Eastwood di non mostrare come è morto significa che Kyle conserva nella morte la dignità che si è guadagnato nel corso del film.

Eddie Ray Routh soffriva di disturbo da stress post-traumatico

Al momento dell’omicidio di Chris Kyle e del suo amico Chad Littlefield, a Eddie Ray Routh era stata diagnosticata la schizofrenia e la psicosi. Si diceva inoltre che il veterano dei Marines statunitensi soffrisse di disturbo da stress post-traumatico (PTSD) a seguito del suo servizio militare (fonte: The Washington Post). Routh ha poi spiegato di aver sparato a Kyle e Littlefield perché non gli avevano rivolto la parola mentre si recavano al poligono di tiro. Nel frattempo, Kyle aveva inviato a Littlefield un messaggio di testo prima di andare a prenderlo in cui definiva Routh “completamente pazzo”.

Sembra che né Chris Kyle né Chad Littlefield fossero a conoscenza dei disturbi mentali diagnosticati a Eddie Ray Routh prima del loro viaggio al poligono di tiro Rough Creek Ranch-Lodge-Resort nella contea di Erath, in Texas. Questo finale della storia di Kyle, in particolare, sembra una straziante ironia, dato che era sopravvissuto a quattro mandati in prima linea durante la guerra in Iraq e stava appena iniziando a dare una svolta alla sua vita quando gli è stata tolta.

Perché Chris Kyle è andato al poligono di tiro

Chris Kyle frequentava i poligoni di tiro con altri veterani militari già da tempo prima di quel fatidico giorno in cui lui e Littlefield portarono con sé Eddie Ray Routh, il 2 febbraio 2013. Come accenna American Sniper nei suoi ultimi minuti, Kyle decise di intraprendere un lavoro per aiutare i veterani militari a superare i loro traumi di guerra come modo per guarire dalle proprie esperienze, su consiglio di uno psichiatra. Il suo modo di aiutare era apparentemente quello di trascorrere del tempo con i veterani in difficoltà facendo ciò che secondo lui avrebbero apprezzato di più, sparare a bersagli con armi da fuoco vere.

American Sniper finale
Bradley Cooper e Sienna Miller in American Sniper. Foto di Keith Bernstein – © 2014 – Warner Bros. Entertainment

È stata la madre di Routh a suggerire a Kyle che suo figlio avrebbe potuto aver bisogno del suo aiuto, quando l’ha incontrata fuori dalla scuola elementare dei suoi figli. Questo dettaglio è menzionato in una delle battute finali del film, quando il personaggio saluta la sua famiglia senza sapere che sarà l’ultima volta. Nessuno avrebbe potuto prevedere ciò che Eddie Ray Routh avrebbe fatto. Nel finale, la moglie di Chris, Taya Kyle, rivolge uno strano sguardo a Routh, quasi come se avesse un brutto presentimento. Presentimento che, purtroppo, si è poi dimostrato vero.

Cosa è successo dopo la morte di Chris Kyle a seguito del suo omicidio

Taya Kyle ha pubblicato le sue memorie dopo gli eventi di American Sniper, che includono il suo racconto della tragica morte del marito. È anche diventata un’attivista per i veterani militari americani e negli ultimi dieci anni ha scritto e pubblicato altri libri. Inoltre, è stata coinvolta nell’approvazione del Chris Kyle Bill, che ha reso i veterani militari idonei a ricevere licenze statali in Texas, lo stato di residenza di Kyle, per qualifiche professionali al momento del congedo dalle forze armate (tramite il Dipartimento Militare del Texas).

Il film American Sniper è uscito meno di due anni dopo la morte di Chris Kyle, anche se la pre-produzione era iniziata quando Kyle era ancora vivo. La data della sua morte è stata da allora denominata “Chris Kyle Day” in Texas, e un memoriale in suo onore è stato eretto a Odessa, la sua città natale. Il successo del film di Clint Eastwood ha così fatto conoscere anche al di fuori degli Stati Uniti la storia di Chris Kyle, che merita di essere esaminata più per le sue azioni in vita, sia all’interno che all’esterno dell’esercito, che per il tragico incidente che ha causato la sua morte.

Io prima di te: la storia vera dietro il film

Io prima di te: la storia vera dietro il film

Io prima di te (qui la recensione) è un film del 2016 diretto da Thea Sharrock e tratto dall’omonimo romanzo di Jojo Moyes, che ne ha anche curato la sceneggiatura. Al centro della storia troviamo il rapporto tra Louisa Clark, una ragazza eccentrica e solare in cerca di una nuova direzione nella vita, e Will Traynor, un giovane brillante e ricco imprenditore rimasto tetraplegico in seguito a un incidente. La pellicola, interpretata da Emilia Clarke e Sam Claflin, si distingue per la sua capacità di raccontare con delicatezza e sensibilità il confronto tra due mondi opposti, esplorando i temi dell’amore, della dignità, dell’autodeterminazione e della sofferenza invisibile.

Il film ha avuto un grande successo di pubblico, in particolare tra gli appassionati del genere romantico, grazie anche alla popolarità del libro, uscito nel 2012 e diventato un bestseller internazionale. La Moyes ha costruito una storia capace di toccare corde molto profonde, portando alla ribalta una riflessione intensa sul valore della vita e sulla libertà di scelta in situazioni estreme. Il rapporto tra Lou e Will, infatti, non si limita a un’evoluzione sentimentale, ma diventa anche un percorso esistenziale che obbliga entrambi i protagonisti a mettersi in discussione. La forza narrativa del film sta proprio nella tensione tra l’energia vitale di Lou e la rassegnazione consapevole di Will.

Non tutti sanno, però, che Io prima di te prende ispirazione da una vicenda realmente accaduta. In particolare, Jojo Moyes ha dichiarato di essersi ispirata a un fatto di cronaca che la colpì profondamente: la storia di un giovane atleta britannico, affetto da paralisi, che scelse il suicidio assistito in Svizzera. Un evento che ha sollevato ampi dibattiti etici e sociali nel Regno Unito e che ha fornito alla scrittrice lo spunto per creare un racconto che fosse anche una riflessione sul diritto all’autodeterminazione. Nel corso dell’articolo andremo a scoprire nel dettaglio la vera storia che ha ispirato il romanzo e il film.

LEGGI ANCHE: Io prima di te: trama, cast e le differenze tra il libro e il film

Emilia Clarke e Sam Claflin in Io prima di te
Emilia Clarke e Sam Claflin in Io prima di te. Foto di Alex Bailey – © 2015 Warner Bros. Entertainment Inc. and Metro-Goldwin-Mayer Pictures Inc.

La trama di Io prima di te

Protagonista del film è Louisa “Lou” Clark, una giovane ragazza vivace e colorata, residente in una tipica cittadina della campagna inglese. Nonostante sia di indole ottimista, Lou non sa ancora bene cosa fare della sua vita. Ha 26 anni e passa da un lavoro all’altro per aiutare la sua famiglia. Il suo inattaccabile buonumore viene nuovamente messo a dura prova quando si ritrova ad affrontare una nuova sfida lavorativa. Trova infatti lavoro come assistente di Will Traynor, un giovane e ricco banchiere finito sulla sedia a rotelle per un incidente e la cui vita è cambiata radicalmente in un attimo. I due finiranno per cambiarsi reciprocamente la vita molto più di quanto potrebbero immaginare.

La storia vera dietro il film e il romanzo

Come anticipato, molti lettori e spettatori potrebbero rimanere sorpresi nell’apprendere che il tema emotivo e delicato trattato nell’opera della Moyes è stato ispirato da eventi reali. “Quando stavo scrivendo il libro, avevo due parenti che necessitavano di assistenza 24 ore su 24”, ha raccontato Moyes a People, parlando della sua fonte di ispirazione. “Penso che se si vive quotidianamente in una situazione del genere, non si possa fare a meno di porsi domande sulla qualità della vita e su ciò che stiamo facendo per le persone viventi, perché grazie ai progressi della scienza medica è possibile offrire loro la possibilità di vivere, ma non necessariamente una buona qualità di vita“.

Quindi immagino che tutte queste questioni fossero molto presenti nella mia mente mentre scrivevo“. L’autrice ha però aggiunto di essere stata ulteriormente ispirata e commossa da una notizia che aveva sentito su un giovane rimasto tetraplegico dopo un incidente. “Mentre tutto questo accadeva nella mia famiglia, ho sentito una notizia su un giovane sportivo in Inghilterra che aveva subito un terribile incidente che lo aveva lasciato tetraplegico”, ha spiegato. “Diversi anni dopo l’incidente, aveva convinto i suoi genitori a portarlo a porre fine alla sua vita. Fin dall’età di tre anni era ossessionato dall’attività fisica, tutto ciò che voleva fare era praticare sport“.

Sam Claflin e Emilia Clarke in Io prima di te
Sam Claflin e Emilia Clarke in Io prima di te. Foto di Alex Bailey – © 2015 Warner Bros. Entertainment Inc. and Metro-Goldwin-Mayer Pictures Inc.

Sono rimasta molto colpita dalla sua storia perché, come genitore, non riuscivo a capire come si potesse accettare di portare il proprio figlio a porre fine alla sua vita. Probabilmente ero anche piuttosto critica nei confronti di questa scelta”. Moyes ha però aggiunto: “Più leggevo, più mi rendevo conto che lui si era chiuso in se stesso e che i suoi genitori si erano trovati in una situazione impossibile. Non sapevo nulla della tetraplegia, non conoscevo gli aspetti sanitari. Non si tratta solo di stare su una sedia a rotelle, ma di una serie costante di interventi, umiliazioni e problemi di salute”.

“Ho iniziato a pensare: ‘Come sarebbe se una persona che ami prendesse quella decisione? Come sarebbe se fossi tu quella persona?. Tutti noi vorremmo pensare che saremmo forti e coraggiosi come Christopher Reeve. Io non sono sicura che lo sarei. Penso che sarei amareggiata, arrabbiata e invidiosa delle persone che possono ancora usare il proprio corpo, quindi quella storia non mi è uscita dalla testa ed è da lì che è nata, è stata un’esplorazione di una persona normale in una situazione straordinaria”. Dietro Io prima di te, dunque, si possono rintracciare reali situazioni di questo genere, purtroppo all’ordine del giorno e che ci chiedono di riflettere su tematiche che spesso si preferirebbe ignorare.

Mia Goth interpreterà la nuova cattiva di Star Wars al fianco di Ryan Gosling nel film “Starfighter”

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A pochi mesi dall’inizio della produzione di Star Wars: Starfighter, il film Star Wars di Shawn Levy ha trovato il suo cattivo. Il film standalone di Star Wars sarà incentrato sul personaggio interpretato da Ryan Gosling e, sebbene i dettagli sul film siano ancora pochi, ora abbiamo un altro grande nome da aggiungere al cast stellare.

Come riportato da THR, l’attrice Mia Goth, nota principalmente per i suoi ruoli in film horror come Pearl (2022) e X (2022), è stata scelta per interpretare la cattiva in Star Wars: Starfighter. Come per il resto dei dettagli del film, si sa poco del suo personaggio, anche se si può supporre che possa essere una delle “malvagie inseguitrici” di cui THR ha parlato in dettaglio riguardo alla trama che segue il personaggio di Gosling “[che protegge] il suo giovane nipote”.

È interessante notare che questo casting arriva subito dopo le notizie secondo cui il premio Oscar Mikey Madison avrebbe rifiutato il ruolo della cattiva a causa di una disputa sul compenso. Indipendentemente da ciò, Star Wars: Starfighter è riuscito a cambiare rotta e a trovare la sua cattiva in Goth, che senza dubbio sarà perfetta per questo ruolo misterioso ma molto atteso.

Cosa significa il casting di Mia Goth per Star Wars: Starfighter

Star Wars: Starfighter
© Disney

Si tratta di una mossa storica per il franchise

Non sappiamo ancora molto sul ruolo di Goth in Star Wars: Starfighter, ma il suo casting è già di per sé una mossa importante per il franchise. Questo segna la prima volta che Star Wars ha una protagonista femminile in un film, sulla scia del successo ottenuto da Gwendoline Christie nel ruolo dell’antagonista Capitano Phasma nella trilogia sequel di Star Wars. Già di per sé, questa è una decisione molto promettente per Star Wars, soprattutto considerando le recenti interpretazioni di spicco della Goth in vari ruoli.

Pearl è probabilmente il personaggio che viene in mente alla maggior parte delle persone, data la sua performance davvero notevole e feroce nel film. Goth ha dimostrato di essere una forza da non sottovalutare, soprattutto quando si tratta di interpretare personaggi davvero minacciosi. Questo, come già detto, la rende il secondo grande nome ad unirsi al cast di Starfighter, insieme al protagonista Gosling, il che è un altro modo in cui la sua partecipazione sta facendo la storia di Star Wars.

Le 9 domande cruciali a cui Beauty in Black 2 dovrà rispondere

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Le 9 domande cruciali a cui Beauty in Black 2 dovrà rispondere

Dal destino di Rain in ospedale alla relazione tra Mallory e Calvin, ci sono molte domande senza risposta e trame irrisolte nella prima stagione di Beauty in Black che la seconda stagione dovrà riprendere. La prima stagione di Beauty in Black si è conclusa con l’episodio più emozionante e ricco di azione mai visto finora. Si è aperto con una sparatoria in un rifugio sicuro e si è concluso con una brutale rissa in un parcheggio. Kimmie e Angel sono in fuga, l’impero dei prodotti per la cura dei capelli di Mallory è nei guai con la legge e Rain è in ospedale, ancora convalescente dopo le complicazioni dell’intervento chirurgico.

Netflix ha già rinnovato Beauty in Black per una seconda stagione di otto episodi. Come promesso dal trailer apparso alla fine del finale della prima stagione, il cast di Beauty in Black tornerà sul piccolo schermo nella primavera del 2025. Ed è un bene che la soap opera di Tyler Perry torni così presto, perché la prima stagione ha lasciato molti nodi da sciogliere e colpi di scena. Si è conclusa con un rapimento, una violenta rissa e un’auto sportiva in fiamme, quindi la seconda stagione avrà molto da spiegare.

Cosa farà Horace riguardo alla tentata rapina?

Il finale della prima stagione è iniziato in modo esplosivo con un tentativo di rapina nella casa sicura di Horace. Dopo che un gruppo di aggressori mascherati ha fatto irruzione e lo ha costretto ad aprire la cassaforte sotto il letto, Horace ha tirato fuori un fucile e li ha uccisi tutti. Anche se inizialmente sospettava che Kimmie e Angel fossero coinvolti nella rapina, sono riusciti a convincerlo della loro innocenza e lui li ha lasciati andare. Più tardi, Jules è venuto a ripulire la scena del crimine e Horace lo ha interrogato sul giudice corrotto sul suo libro paga, Harold Wiscollins.

Sembra improbabile che una persona vendicativa e rancorosa come Horace lasci correre questo tentativo di rapina. Chiedendo informazioni sul giudice corrotto, sembra avere in mente un piano malvagio. Jules ha stabilito che la rapina è stata compiuta dalle stesse persone che hanno consegnato la cassaforte: sono tornati per rubarla. Ora che Horace sa chi sono i responsabili, cosa farà per vendicarsi?

Lena denuncerà l’azienda di Mallory?

Lena è un avvocato che conosce abbastanza segreti sull’impero dei prodotti per capelli di Mallory da poter distruggere l’intera azienda. Mallory è già preoccupata che Lena la porti in tribunale e distrugga la sua azienda. Nel finale della prima stagione, sia Mallory che Roy hanno incontrato Lena separatamente per offrirle un lavoro nel reparto legale dell’azienda. Sperano che, se le offrono un lavoro con uno stipendio elevato all’interno dell’azienda, lei ritirerà la causa contro l’azienda.

Sfortunatamente per loro, Lena insiste che non può essere comprata; ha una piccola cosa chiamata integrità. La stagione 1 lascia questo punto in sospeso. Lena non ha ancora intrapreso alcuna azione legale contro l’azienda, ma è pronta a farlo nella stagione 2 – e ora che hanno cercato di corromperla, ha ancora più prove per incriminarli.

Chi ha fatto saltare in aria l’auto di Charles?

Nel penultimo episodio della stagione 1 di Beauty in Black, l’auto di Charles è stata fatta saltare in aria da un gruppo di uomini mascherati. Sembravano lo stesso gruppo che ha cercato di rapinare la cassaforte di Horace, ma i passamontagna e gli abiti completamente neri sono un abbigliamento piuttosto standard per i criminali professionisti, quindi potrebbero essere due gruppi non collegati. La teoria principale è che l’auto di Charles sia stata fatta saltare in aria da Norman per vendicare la morte di Ina. Charles è il figlio di Horace ed è probabile che sia rimasto coinvolto come danno collaterale nella faida tra Horace e Norman.

Ma la prima stagione non ha fornito risposte concrete su chi abbia distrutto l’auto di Charles e perché. Nel finale della prima stagione, Mallory trova l’auto di Charles in fiamme su una strada privata, con la polizia e i paramedici che indagano sulla scena dell’incidente. Lei chiede delle risposte, ma non sono ancora riusciti ad arrivare al fondo della questione. La seconda stagione dovrà finalmente approfondire questo colpo di scena.

Rain si riprenderà dalle complicazioni chirurgiche?

A metà della prima stagione di Beauty in Black, Rain è stata ricoverata in ospedale. Alla disperata ricerca di soldi, ha deciso di sottoporsi a un intervento di chirurgia estetica per migliorare il suo aspetto e sperare di guadagnare di più al club. Tuttavia, durante l’intervento, i prodotti utilizzati hanno interagito con i suoi farmaci per l’asma e le hanno causato complicazioni mediche. Alla fine della prima stagione, Rain è ancora in ospedale, in convalescenza per queste complicazioni. Kimmie e Angel le fanno visita, ma lei non sembra affatto vicina alla guarigione.

La seconda stagione dovrà rivelare il destino di Rain. O si riprenderà dalle complicazioni chirurgiche e tornerà al club, oppure morirà. Rain è uno dei personaggi più amati di Beauty in Black, quindi sarebbe straziante se venisse uccisa, ma in ogni caso la seconda stagione dovrà mostrare il suo destino.

Perché il personale dell’ospedale ha detto a Kimmie che Rain era morta?

Non appena Rain è stata ricoverata in ospedale, Kimmie ha iniziato a farle visita il più spesso possibile. Ai suoi capi al club questo non piaceva, perché se era in ospedale a trovare la sua amica, non guadagnava soldi per loro. Un giorno, quando Kimmie è andata a trovare Rain in ospedale, ha scoperto che non era più nel suo letto e il personale le ha detto che Rain era morta. Kimmie sospettò immediatamente che i suoi loschi capi avessero qualcosa a che fare con tutto questo.

Tuttavia, nel finale della prima stagione, Kimmie scopre con sorpresa che Rain è ancora viva; è stata solo trasferita in un altro ospedale. Va a trovarla nel nuovo ospedale e scopre che sta bene, anche se è ancora in convalescenza. Ma la domanda rimane: perché il personale del primo ospedale ha detto a Kimmie che Rain era morta? È ancora possibile che i capi di Kimmie siano coinvolti nel trasferimento di Rain in un nuovo ospedale e che abbiano ancora qualcosa di oscuro in serbo per lei.

Mallory e Calvin staranno insieme?

Durante tutta la prima stagione di Beauty in Black, Mallory ha avuto una relazione bollente con il suo autista, Calvin. Nel finale di stagione, Calvin ha confessato di provare dei sentimenti veri per Mallory, che vanno oltre la semplice attrazione fisica. Si è innamorato di lei, ma lei ha rifiutato una relazione romantica con lui. Sembrava che Mallory fosse riluttante ad accettare i suoi sentimenti per Calvin perché lui è solo un autista, un uomo che lavora, ma Mallory non sembra il tipo che giudica le persone in base alla loro classe sociale. Ora è estremamente ricca, ma dice di provenire da umili origini.

Potrebbe semplicemente essere che Mallory non provi nulla di più che desiderio per Calvin, quindi non vuole una relazione più seria con lui. In ogni caso, la seconda stagione dovrà dare un seguito a questa storia. O Mallory accetterà i suoi sentimenti per Calvin e inizierà una vera relazione con lui, oppure lo rifiuterà e il loro rapporto di lavoro diventerà molto complicato.

Kimmie riuscirà a salvare Sylvia?

Mentre stavano lasciando la città, Kimmie e Angel sono state fermate da Body. Body credeva erroneamente che Kimmie stesse cercando di usurpare il suo posto nel club, quindi ha architettato un piano per ricattarla. Body ha rivelato di aver fatto rapire Sylvia, la sorella adolescente di Kimmie. Un’auto si è fermata con Sylvia immobilizzata sul sedile posteriore. Prima che Kimmie potesse intervenire per salvare la sorella minore, l’auto è partita e Body ha detto a Kimmie che avrebbe dovuto fare ciò che le diceva, altrimenti sua sorella ne avrebbe pagato le conseguenze.

Body sperava di usare il rapimento per ricattare Kimmie, ma il piano le si è ritorto contro immediatamente. Invece di piegarsi alle richieste di Body, Kimmie ha iniziato a picchiarla. Il teaser della seconda stagione (incluso alla fine del finale della prima stagione) mostrava Kimmie in guerra per trovare e salvare sua sorella. Riuscirà a salvarla?

Body è morta?

Durante la lotta con Body, Kimmie l’ha colpita ripetutamente, sbattendola contro la portiera di un’auto, e sembrava avere il sopravvento. Ma poi Body ha tirato fuori un coltello e lo ha agitato davanti al viso di Kimmie e Angel, minacciando di pugnalarle se non si fossero allontanate. Ovviamente, con la vita di sua sorella in pericolo, Kimmie si è rifiutata di indietreggiare. È salita in macchina, ha premuto a fondo l’acceleratore e ha investito Body.

Body ha portato un coltello in una rissa, quindi Kimmie ha portato una macchina in una rissa con un coltello. Il finale di stagione è passato al nero poco dopo che Kimmie ha investito Body con la sua auto, quindi non è chiaro se Body sia sopravvissuta all’incidente. Ma dato che è rimasta schiacciata tra due auto diverse, sembra improbabile che possa sopravvivere. La seconda stagione dovrà rivelare se Body è viva o morta.

Jules darà la caccia a Kimmie e Angel?

Quando Body affronta Kimmie e Angel per la prima volta, minaccia di chiamare Jules e mandarlo a cercarle. Jules è uno dei personaggi più pericolosi e influenti della serie, quindi non è una minaccia da prendere alla leggera. Basandosi su tutto ciò che è successo nella scena successiva, c’è una buona probabilità che Jules dia la caccia a Kimmie e Angel nella seconda stagione di Beauty in Black.

Kimmie e Angel stanno progettando di abbandonare i loro impegni con il club e lasciare la città, cosa che Jules, il loro protettore, non gradirà affatto. Erano nel rifugio sicuro di Horace durante la rapina, che Jules ha il compito di ripulire. E come se non bastasse, se Body è ancora viva, manterrà sicuramente la sua promessa di reclutare Jules dopo essere stata investita da un’auto. La seconda stagione di Beauty in Black ha molte domande a cui rispondere, ma questa è una delle più urgenti.

Prime Video svela il trailer ufficiale di L’estate dei segreti perduti

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Prime Video ha svelato il trailer ufficiale del mystery thriller basato sul romanzo bestseller di E. Lockhart, L’estate dei segreti perduti. Tutti gli otto episodi saranno disponibili dal 18 giugno 2025 in esclusiva su Prime Video in oltre 240 Paesi e territori nel mondo.

La trama e il cast di L’estate dei segreti perduti

L’estate dei segreti perduti segue le vicende di Cadence Sinclair Eastman e della sua ristretta cerchia di amici, soprannominati “I Bugiardi”, durante le loro avventure estive sull’isola privata del nonno, nel New England. I Sinclair sono l’equivalente dell’aristocrazia americana, noti per il loro bell’aspetto, la ricchezza tramandata da generazioni e il legame invidiabile che li unisce, ma, dopo un misterioso incidente che cambia per sempre la vita di Cadence, tutti, compresi i suoi amati “Bugiardi”, sembrano avere qualcosa da nascondere.

Ad interpretare “I Bugiardi” saranno: Emily Alyn Lind nel ruolo di Cadence Sinclair Eastman, Shubham Maheshwari nei panni di Gat Patil, Esther McGregor come Mirren Sinclair Sheffield, Joseph Zada nel ruolo di Johnny Sinclair Dennis; insieme a Caitlin FitzGerald nei panni di Penny Sinclair, Mamie Gummer come Carrie Sinclair, Candice King come Bess Sinclair, Rahul Kohli nel ruolo di Ed Patil e David Morse, che interpreta Harris Sinclair.

La serie L’estate dei segreti perduti. è scritta dai co-showrunner Julie Plec (The Vampire Diaries, Legacies) e Carina Adly MacKenzie (Roswell, New Mexico, The Originals), che sono anche executive producer insieme a Emily Cummins (The Endgame – La regina delle rapine, Vampire Academy) per My So-Called Company, Brett Matthews (Legacies), Pascal Verschooris (The Vampire Diaries), e all’autrice del romanzo, E. Lockhart. Dietro il progetto ci sono anche Universal Television, una divisione di Universal Studio Group, e Amazon MGM Studios. Il romanzo è pubblicato in Italia da De Agostini.

Dancer in the Dark di Lars Von Trier di nuovo al cinema il 9, 10 e 11 giugno con Movies Inspired

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Lars von Trier torna al cinema: Movies Inspired riporta nelle sale tre film del grande regista danese. Tre uscite evento, ciascuna di tre giorni, ciascuna in edizione interamente restaurata in 4K, di tre dei titoli più amati del grande regista danese. DANCER IN THE DARK sarà nelle sale solo il 9, 10, 11 giugno 2025. Inoltre, nei giorni 23, 24, 25 giugno tornerà nelle sale Le onde del destino.

Lo scorso anno Movies Inspired, che detiene i diritti per l’intera library del cinema di Von Trier in Italia, aveva già distribuito i primi tre film del cineasta co-fondatore del Dogma 95: L’elemento del crimine, Epidemic ed Europa. Quest’anno sarà la volta di tre titoli fra i più amati dell’intera opera di von Trier.

Dogville (2-3-4 giugno), Dancer in the Dark (9-10-11 giugno) e Le onde del destino(23-24-25 giugno), tutti restaurati in 4k.

100 Litri di birra, al cinema dal 17 luglio il nuovo film di Teemu Nikki

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Il 17 luglio arriva nelle sale italiane, distribuito da I Wonder Pictures, 100 Litri di birra (titolo internazionale 100 Litres of Gold), l’ultimo originale e divertente lungometraggio del regista finlandese Teemu Nikki, presentato in concorso alla Festa del Cinema di Roma 2024 e al Festival International du Film de Fribourg 2025. Uscito a marzo in Finlandia, il film è diventato rapidamente il più visto dell’anno e a 10 settimane dall’uscita resta tuttora saldo tra i primi 5 posti al box office finlandese, al punto che la prestigiosa Hans Bubby, la casa di produzione di Dennis Lehane (Mystic River, Shutter Island, Gone Baby Gone, The Drop – Chi è senza colpa, La legge della notte), ne ha recentemente acquisito i diritti per un remake in lingua inglese. Il film, inoltre, sarà presentato in anteprima italiana il 10 giugno alla presenza del regista nell’ambito della 21ª edizione di Biografilm (Bologna, 6-16 giugno 2025), per poi approdare nei principali Festival europei: Emden-Norderney Filmfestival 2025, BIFAN 2025 ed Europe on Screen 2025.

Partendo dalla ricca tradizione legata alla produzione del sahti – una birra molto forte aromatizzata al ginepro, che si trova solo in Finlandia e che si produce preferibilmente in casa secondo metodi secolari – Nikki porta ancora una volta sul grande schermo una galleria di personaggi indimenticabili, catapultati in contesti grotteschi e situazioni esilaranti all’interno di una commedia assolutamente sui generis.

La trama di 100 Litri di birra  

Taina e Pirkko, due sorelle stralunate, vivono alla giornata, con poche idee e poche prospettive, ma con un talento indiscutibile: il loro sahti – la tipica birra artigianale che in Finlandia, per tradizione, accompagna ogni festa, matrimonio o funerale – è spaziale. Quando promettono di prepararne ben 100 litri per un matrimonio in famiglia, si superano e producono il lotto migliore di sempre, un sahti da 10, talmente buono che… finiscono per berselo tutto da sole! Alle prese con gli enormi postumi della sbornia, le due si troveranno coinvolte in una serie di esilaranti disavventure, mentre cercano disperatamente di procurarsi altra birra (con ogni mezzo necessario!), salvare il matrimonio e riconquistare la loro reputazione di migliori birrarie del villaggio.

Teemu Nikki dimostra di essere un cineasta unico nel panorama contemporaneo per la sua capacità di raccontare storie originali e coinvolgenti allo stesso tempo, mescolando trovate ironiche a formule introspettive dal forte coinvolgimento emotivo. 100 Litri di birra non fa di certo eccezione e va ad aggiungersi al “Teemu Nikki Universe” – 16 opere del regista, tra lungometraggi, corti e serie – un affascinante insieme di storie capaci di incantare il pubblico di tutte le età, scoperte e distribuite in Italia da I Wonder Pictures, e successivamente disponibili su IWONDERFULL Prime Video Channel.

100 Litri di Birra – Elina Kinhtilä e Pirjo Lonka-photo credit Rami Rusinen

Che cosa sono i Metaumani nel DCU? La risposta di James Gunn

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Che cosa sono i Metaumani nel DCU? La risposta di James Gunn

Un aspetto a cui James Gunn e Peter Safran hanno prestato particolare attenzione durante la creazione del loro nuovo DCU è la sua tradizione. Nel 2023, ad esempio, Gunn ha rivelato su Threads che i DC Studios stavano creando “una mappa del mondo incredibilmente dettagliata” per il franchise nascente. Poi, parlando con Josh Horowitz sul podcast Happy Sad Confused nel 2024, Gunn ha affermato che il suo obiettivo per il DCU era la costruzione del mondo.

Ora, abbiamo ricevuto un’altra informazione sulla tradizione dal DCU. Questa, tuttavia, è molto più interessante, poiché fornisce un contesto più ampio riguardo alla classificazione dei personaggi dotati di superpoteri nel franchise. I DC Studios hanno recentemente pubblicato una serie di poster dei personaggi di Superman. Gunn ha pubblicato le immagini su Threads e ha scritto la didascalia: “I nostri metaumani arrivano quest’estate“.

James Gunn 2023
Il regista statunitense James Gunn arriva alla premiere di Los Angeles della Warner Bros. ‘The Flash’ tenutasi al TCL Chinese Theatre IMAX il 12 giugno 2023 a Hollywood, Los Angeles, California, Stati Uniti. — Foto di imagepressagency – DepositPhotos

Un utente ha risposto al post, suggerendo che l’unico personaggio tra i poster ad essere effettivamente un metaumano fosse Hawkgirl, interpretata da Isabela Merced. Gunn ha poi fornito questa interessante risposta: “Nei fumetti DC, un metaumano è un essere umanoide con abilità straordinarie, spesso paranormali. Questi poteri possono derivare da una varietà di fonti, tra cui scienza, magia, origini aliene, mutazioni, divinità, abilità o tecnologia.” Il regista ha anche chiarito nello stesso post chi nel cast di Superman è un metaumano: “Pertanto, [il personaggio 4] probabilmente non è un metaumano, ma Terrific presumibilmente lo è. Krypto è metaumano, ma non dirò che non è umano perché potrebbe leggere questo post.”

Il cast di Superman

Superman è il primo film dei DC Studios scritto e diretto da James Gunn, con David Corenswet nei panni di Superman/Clark Kent.

Nel cast anche Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio, María Gabriela de Faría, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor Vince e Neva Howell. Il film sarà al cinema dal 9 luglio distribuito da Warner Bros. Pictures.

Superman”, il primo film dei DC Studios in arrivo sul grande schermo, è pronto a volare nei cinema di tutto il mondo quest’estate, distribuito da Warner Bros. Pictures. Con il suo stile inconfondibile, James Gunn trasporta il supereroe originale nel nuovo universo DC reinventato, con una miscela unica di racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e da una profonda fiducia nella bontà del genere umano.

Produttori esecutivi di “Superman” sono Nikolas Korda, Chantal Nong Vo e Lars Winther. Dietro la macchina da presa, Gunn si è avvalso del lavoro di suoi collaboratori fidati, tra cui il direttore della fotografia Henry Braham, la scenografa Beth Mickle, la costumista Judianna Makovsky e il compositore John Murphy, oltre al compositore David Fleming (“The Last of Us”), ai montatori William Hoy (“The Batman”) e Craig Alpert (“Deadpool 2”, “Blue Beetle”).

Father Mother Sister Brother di Jim Jarmusch in concorso a Venezia 82

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La programmazione ufficiale della Mostra Internazionale del Cinema della Biennale di Venezia 2025 sarà annunciata tra qualche settimana, ma un film sembra destinato a essere incluso. Il prossimo lungometraggio di Jim Jarmusch, “Father Mother Sister Brother”, sarà presentato in concorso al Lido, secondo Efe Cakarel, CEO di Mubi, co-produttore del film.

“È già confermato”, ha detto al pubblico al SXSW di Londra, dove venerdì ha tenuto il discorso d’apertura. “Father Mother Sister Brother”, girato lo scorso anno, vede protagonisti Cate Blanchett, Vicky Krieps, Adam Driver, Mayim Bialik, Tom Waits, Charlotte Rampling, Indya Moore e Luka Sabbat.

Il film di Jim Jarmusch è un trittico che segue tre storie distinte ambientate in paesi diversi e incentrate sulle relazioni tra figli adulti, i loro genitori un po’ distanti e tra di loro. La prima parte, “Father”, è ambientata sulla costa orientale degli Stati Uniti nordorientali, “Mother” a Dublino, in Irlanda, e “Sister Brother” a Parigi, in Francia.

I Fantastici Quattro: Gli Inizi, finalmente on line il Main Theme della colonna sonora di Micheal Giacchino

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Dopo averlo ascoltato in tanti momenti differenti, tra trailer e scena post credits di Thunderbolts*, il tema principale della colonna sonora di I Fantastici Quattro: Gli Inizi è finalmente disponibile on line. Michael Giacchino vanta la discografia più impressionante tra tutti i compositori che lavorano a Hollywood oggi. A titolo di promemoria, tra i suoi lavori figurano Up, Star Trek, Jurassic World, Spider-Man: Homecoming, Coco, The Batman e innumerevoli altri.

Il prossimo progetto del regista di Werewolf by Night è proprio I Fantastici Quattro: Gli Inizi, e il suo “Main Theme” per la nuova interpretazione del regista Matt Shakman della Prima Famiglia Marvel è finalmente uscito nella sua interezza. È un altro tema che sembra destinato a diventare iconico. Ascoltandolo, è facile immaginare che diventi sinonimo dei Fantastici Quattro negli anni a venire, man mano che si radicano pienamente nell’Universo Cinematografico Marvel.

“Sono stato sul set solo per una settimana”, ha spiegato recentemente Giacchino. “È stato semplicemente emozionante vedere veri set ovunque. Non c’era un Volume o uno schermo verde. Erano semplicemente set meravigliosi. Stanno facendo un lavoro incredibile e gli attori sono tutti fantastici.”

Parlando del suo approccio a questo tema, il compositore ha aggiunto: “L’ispirazione per me è stata un mix di Tomorrowland, ciò che rappresenta, la parata di Disneyland Electric Lights, l’incredibile lavoro di synth che è stato fatto per quell’occasione, e poi The Right Stuff.” “Per me, i Fantastici Quattro erano tutte queste cose, e doveva trasmettere un senso di speranza e ottimismo in un modo che, francamente, nessun altro film Marvel ha ancora fatto”, ha concluso Giacchino.

Il “Main Theme” di I Fantastici Quattro: Gli Inizi sarà pubblicato anche in vinile come singolo, insieme a un brano appena annunciato intitolato “Let Us Be Devoured”, scritto ed eseguito da Andrea Datzman (Inside Out 2). Speriamo che maggiori dettagli sulla colonna sonora vengano svelati presto.

I Fantastici Quattro: Gli Inizi

Il film Marvel Studios I Fantastici Quattro: Gli Inizi introduce la prima famiglia Marvel composta da Reed Richards/Mister Fantastic (Pedro Pascal), Sue Storm/Donna Invisibile (Vanessa Kirby), Johnny Storm/Torcia Umana (Joseph Quinn) e Ben Grimm/la Cosa (Ebon Moss-Bachrach) alle prese con la sfida più difficile mai affrontata. Costretti a bilanciare il loro ruolo di eroi con la forza del loro legame familiare, i protagonisti devono difendere la Terra da una vorace divinità spaziale chiamata Galactus (Ralph Ineson) e dal suo enigmatico Araldo, Silver Surfer (Julia Garner). E se il piano di Galactus di divorare l’intero pianeta e tutti i suoi abitanti non fosse già abbastanza terribile, la situazione diventa all’improvviso una questione molto personale.

Il film è interpretato anche da Paul Walter Hauser, John Malkovich, Natasha Lyonne e Sarah Niles. I Fantastici Quattro: Gli Inizi è diretto da Matt Shakman e prodotto da Kevin Feige, mentre Louis D’Esposito, Grant Curtis e Tim Lewis sono gli executive producer.

Superman: dopo i metaumani e i nemici, ecco i poster della stampa!

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Quello che immaginiamo sarà l’ultimo lotto di poster dei personaggi di Superman è arrivato, ed è ora che lo staff della redazione del Daily Planet sia al centro dell’attenzione.

La giornalista stellare Lois Lane (Rachel Brosnahan) guida la carica, con Clark Kent (David Corenswet) la segue, non troppo lontano. I successivi sono il fotografo Jimmy Olsen (Skyler Gisondo), la giornalista di gossip Cat Grant (Mikaela Hoover), il caporedattore Perry White (Wendell Pierce) e il giornalista sportivo Steve Lombard (Beck Bennett).

Mamma e papà Kent non hanno ancora ricevuto i loro poster, e non contiamo sul fatto che il regista James Gunn rovini l’attore che interpreta Jor-El con un singolo poster. Forse arriveranno in futuro. Anche Ultraman è tenuto segreto, così come i personaggi di Kaiju, Abominevole Uomo delle Nevi e Baby Joey che abbiamo visto grazie al merchandising.

Durante una recente intervista con Elle, Brosnahan ha condiviso nuovi spunti sul suo approccio al personaggio di Lois nel DCU. “È un’icona e io mi appoggio alle donne brillanti che hanno contribuito a darle vita per diverse generazioni”, ha detto l’attrice. “Adoro il fatto che non sia sempre aggraziata nella sua ricerca, ma che sia instancabile nella sua ricerca della verità”.

“Penso che abbia resistito perché è fonte di ispirazione vedere qualcuno arrivare fino ai confini del mondo per ciò in cui crede. A volte letteralmente, nel suo caso”, ha continuato Brosnahan. “È anche divertente vedere una persona così mettersi nei guai, cosa che capita spesso, e dover fare affidamento sulla propria intelligenza e sul proprio istinto (e occasionalmente su un Superman) per uscirne vincitore”.

Il cast di Superman

Superman è il primo film dei DC Studios scritto e diretto da James Gunn, con David Corenswet nei panni di Superman/Clark Kent.

Nel cast anche Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio, María Gabriela de Faría, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor Vince e Neva Howell. Il film sarà al cinema dal 9 luglio distribuito da Warner Bros. Pictures.

Superman”, il primo film dei DC Studios in arrivo sul grande schermo, è pronto a volare nei cinema di tutto il mondo quest’estate, distribuito da Warner Bros. Pictures. Con il suo stile inconfondibile, James Gunn trasporta il supereroe originale nel nuovo universo DC reinventato, con una miscela unica di racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e da una profonda fiducia nella bontà del genere umano.

Produttori esecutivi di “Superman” sono Nikolas Korda, Chantal Nong Vo e Lars Winther. Dietro la macchina da presa, Gunn si è avvalso del lavoro di suoi collaboratori fidati, tra cui il direttore della fotografia Henry Braham, la scenografa Beth Mickle, la costumista Judianna Makovsky e il compositore John Murphy, oltre al compositore David Fleming (“The Last of Us”), ai montatori William Hoy (“The Batman”) e Craig Alpert (“Deadpool 2”, “Blue Beetle”).

Downton Abbey: Il Grand Finale, il trailer italiano

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Downton Abbey: Il Grand Finale, il trailer italiano

Universal Pictures ha finalmente diffuso il trailer ufficiale italiano a Downton Abbey: Il Grand Finale, il terzo e ultimo film della serie cinematografica basata sulla serie in costume della PBS creata da Julian Fellowes. Il film arriverà nelle sale il 12 settembre.

Con alcune delle stesse scene mostrate agli esercenti durante la presentazione di Focus al CinemaCon all’inizio di questa primavera, il teaser presenta la trama: la famiglia Crawley e il suo staff arrivano nel 1930, guardando al futuro e salutando il passato.

Questo include la famosa tenuta di famiglia Grantham. A un certo punto, il capofamiglia Robert Crawley (Hugh Bonneville) rende omaggio alla villa che ha reso famosa la serie – il vero Castello di Highclere nell’Hampshire, in Inghilterra – dandole una pacca e un bacio, apparentemente come segno di addio della famiglia.

Il castello era la dimora dei Grantham fin dal lancio della serie nel 2011. Sarebbe andata in onda per sei stagioni, con 52 episodi e cinque speciali natalizi. Per quanto riguarda il cinema, Downton Abbey è uscito nel 2019, seguito da Downton Abbey: Una Nuova Era nel 2022. I primi due film hanno incassato complessivamente oltre 287 milioni di dollari a livello globale.

Simon Curtis torna alla regia dell’ultimo capitolo dopo aver diretto Una Nuova Era. Fellowes ha scritto tutti e tre i film.

Il cast familiare torna anche per Downton Abbey: Il Grand Finale, che include Michelle Dockery, Hugh Bonneville, Laura Carmichael, Jim Carter, Raquel Cassidy, Brendan Coyle, Michelle Dockery, Kevin Doyle, Michael Fox, Joanne Froggatt, Paul Giamatti, Harry Hadden-Paton, Robert James-Collier, Allen Leech, Phyllis Logan, Elizabeth McGovern, Sophie McShera, Lesley Nicol, Dominic West, Penelope Wilton, Joely Richardson, Paul Copley e Douglas Reith.

Nel cast del franchise compaiono anche Joely Richardson, Alessandro Nivola, Simon Russell Beale e Arty Froushan. I produttori sono Gareth Neame, Fellowes e Liz Trubridge. Nigel Marchant è il produttore esecutivo.