Vicini all’orizzonte, film del 2019 diretto da Tim Trachte, è un dramma sentimentale tedesco tratto dal romanzo autobiografico omonimo di Jessica Koch, pubblicato nel 2016. La pellicola si inserisce nel solco delle storie d’amore giovani e tormentate, affrontando tematiche profonde legate alla malattia, alla fiducia e all’elaborazione del dolore. Il regista, già noto per progetti rivolti a un pubblico giovane, adatta con delicatezza e realismo una storia vera che ha commosso migliaia di lettori in Germania e nel mondo. Il film si basa infatti sulla vera vicenda vissuta da Jessica Koch nella seconda metà degli anni Duemila, quando conobbe Danny, un giovane dal passato traumatico e segnato da segreti dolorosi.

La storia è narrata in prima persona nel libro originale e trasposta sul grande schermo mantenendo un forte focus sull’introspezione emotiva e sull’evoluzione psicologica dei personaggi. Koch ha raccontato pubblicamente come la scrittura sia stata per lei un modo per elaborare la perdita e condividere una storia d’amore tanto potente quanto tragica. Proprio questa autenticità ha contribuito a rendere Vicini all’orizzonte un successo editoriale prima, e un progetto cinematografico molto atteso poi, soprattutto da parte del giovane pubblico tedesco.

Tematicamente, Vicini all’orizzonte affronta questioni complesse come la violenza subita nell’infanzia, l’HIV, il rifiuto sociale e la capacità di amare nonostante il peso di un destino segnato. La pellicola, pur mantenendo i tratti del romanticismo adolescenziale, si distingue per la crudezza di alcune rivelazioni e per il modo diretto con cui affronta il tema della vulnerabilità maschile. La forza del messaggio – che l’amore può nascere e sopravvivere anche nel dolore – ha trovato un riscontro significativo presso il pubblico, rendendo il film un tassello importante nel panorama recente del cinema sentimentale tedesco. In questo articolo, esploriamo proprio il finale, andando ad evidenziare come esso richiama tutti i temi del film.

La trama di Vicini all’orizzonte

Protagonista del film è Jessica (Luna Wedler), da poco 18ene con un futuro ricco di possibilità davanti a sé. Un giorno incontra Danny (Jannik Schümann), bello, affascinante e sicuro di sè, che dietro una facciata da ragazzo perfetto nasconde un doloroso segreto. Jessica rimane sin da subito affascinata dal giovane dall’oscuro passato. Tra i due scatta la scintilla e un sentimento puro li travolge, tanto che ben presto diventa chiaro a entrambi che è ormai impossibile sottrarsi all’amore; la dura corazza di Danny va però in mille pezzi, rivelando la verità dolorosa che il ragazzo si porta dietro e che abbatte ogni certezza.

Jessica capisce a quel punto che il futuro che sogna insieme al suo amato forse non sarà mai realizzabile, ma non vuole comunque rinunciare a Danny e alla loro relazione, difficile da portare avanti, ma al tempo stesso mossa da un sentimento profondo. È così che la ragazza si ritrova di fronte a una scelta: rinunciare a quella che sembra essere la sua anima gemella o combattere per ogni inebriante secondo di felicità?

La spiegazione del finale del film

Nel finale di Vicini all’orizzonte, il film raggiunge il suo momento più toccante e tragico, lasciando emergere con forza la componente autobiografica e il messaggio centrale della storia. Dopo aver affrontato insieme il dolore, le paure e le ombre del passato, Jessica e Danny giungono a un punto in cui la verità non può più essere evitata: la malattia di Danny – l’HIV contratto a seguito di abusi subiti in gioventù – lo sta consumando, e con essa si assottigliano anche le possibilità di vivere il loro amore in modo pieno e duraturo. Eppure, il film sceglie di non chiudere con la disperazione.

L’ultimo periodo vissuto insieme diventa infatti un testamento di amore autentico, un tempo sospeso in cui entrambi imparano ad accettare ciò che non si può cambiare e a vivere intensamente ogni istante. È così che quando scoprono che la malattia ha accelerato il suo corso e al giovane restano pochi mesi di vita, i due innamorati decidono di compiere quel viaggio negli Stati Uniti che sognavano. Lì Danny annuncia a Jessica che non farà la possibile terapia che gli prolungherebbe la vita, perché preferirebbe morire in modo indipendente.

Quindi, dopo il viaggio negli Stati Uniti, i due si ritrovano di nuovo. Lei decide di non esortarlo più a lottare, ma decide invece di accettare la sua decisione. Tempo dopo, Jessica trova una lettera di Danny in cui lui le dice addio e le augura il meglio. Lui le lascia la sua casa e un conto a suo nome e la saluta con un riferimento ad una poesia di Joseph von Eichendorff che entrambi collegano all’inizio della loro relazione, a proposito della linea all’orizzonte (a cui fa riferimento il titolo del film) dove si incontrano la terra e il cielo, la vita e la morte.

La morte di Danny, che arriva nel silenzio e nella tenerezza di un addio inevitabile, non viene quindi mostrata con toni enfatici, ma è rappresentata con delicatezza, quasi come una naturale conclusione di un percorso già segnato. La regia di Tim Trachte evita il patetismo e sceglie invece di restare fedele all’intimità del racconto, focalizzandosi sugli sguardi, sulle carezze, sui piccoli gesti quotidiani che assumono un valore eterno. Il lutto di Jessica non è solo la perdita dell’amato, ma la fine di una fase di vita in cui ha imparato a fidarsi, ad amare senza riserve e a confrontarsi con la morte in modo lucido e consapevole.

Il film si chiude quindi a suo modo con un senso di pace malinconica, in cui la memoria si fonde con l’accettazione. Si tratta di un finale che incarna alla perfezione il cuore del film: Vicini all’orizzonte non è infatti solo la cronaca di una storia d’amore impossibile, ma una riflessione sul coraggio di vivere nonostante la fragilità, sul potere redentivo dell’amore e sull’importanza di affrontare la verità. Il percorso di Danny è emblematico in tal senso: da giovane chiuso e segnato dal trauma, riesce ad aprirsi grazie alla relazione con Jessica, trovando in lei non solo una compagna, ma una via per riconciliarsi con sé stesso.

Allo stesso tempo, Jessica – ancora adolescente all’inizio – evolve attraverso la sofferenza e l’empatia, diventando una donna capace di comprendere che l’amore non è fatto di promesse eterne, ma di presenza reale anche nel dolore. Il messaggio conclusivo del film, così come del libro da cui è tratto, è quindi che l’amore vero non si misura sulla durata, ma sull’intensità e sulla capacità di trasformare chi lo vive. L’orizzonte, evocato nel titolo, non è tanto un luogo fisico da raggiungere, quanto una metafora della speranza, del futuro possibile nonostante tutto, e del confine sottile tra vita e morte, oltre il quale ciò che conta è ciò che si è stati capaci di donare.

Skyfall (qui la recensione), diretto da Sam Mendes, rappresenta un punto di svolta cruciale nella saga di James Bond. Ventitreesimo capitolo ufficiale della serie e terzo con Daniel Craig nei panni dell’Agente 007, il film celebra i 50 anni del personaggio cinematografico introducendo al tempo stesso un’evoluzione profonda nel tono e nella narrazione. Dopo l’approccio più fisico e spoglio di Casino Royale e Quantum of Solace, Skyfall punta a una riflessione più intima sul mito di Bond, esplorandone la vulnerabilità, il passato e il rapporto complesso con l’autorità, rappresentata dalla figura materna di M, interpretata da Judi Dench.

Tra le principali novità apportate, spicca l’approccio visivo sofisticato firmato dal premio Oscar Roger Deakins, che dona al film un’eleganza formale rara per il genere action. Al tempo stesso, Mendes introduce una minaccia più personale e psicologica attraverso il villain Silva, interpretato da Javier Bardem, un ex agente MI6 tradito e assetato di vendetta. L’ambientazione, che spazia da Istanbul a Macao fino alla desolata campagna scozzese, accompagna una narrazione che mette in discussione le fondamenta del mito: la tecnologia può davvero sostituire l’azione sul campo? I fantasmi del passato possono essere sconfitti? E soprattutto, chi è davvero James Bond senza l’organizzazione che lo sostiene?

Il successo di Skyfall fu immediato e clamoroso, sia di pubblico che di critica: superò il miliardo di dollari al box office globale e vinse due premi Oscar, tra cui la miglior canzone per Adele. Ma oltre i numeri, il film segnò un nuovo equilibrio tra spettacolo e introspezione, aprendo la strada a una riformulazione più adulta del personaggio. Nel resto dell’articolo, analizzeremo in dettaglio il finale del film, svelando il significato simbolico delle ultime scene e il loro impatto duraturo sull’universo narrativo di 007.

La trama di Skyfall

A Istanbul, James Bond (Daniel Craig) ed Eve Moneypenny inseguono il mercenario Patrice, che ha rubato un disco rigido contenente informazioni su agenti sotto copertura. Mentre 007 e il criminale combattono su un treno in movimento, M (Judi Dench) ordina a Moneypenny (Naomi Harris) di sparare a Patrice, la quale però colpisce per sbaglio Bond, che precipita in un fiume. Mentre tutti credono che l’agente britannico sia morto, il mercenario fugge con il prezioso hard disk. L’MI6 viene quindi messa sotto accusa: in particolare, M viene pressata da Gareth Mallory, presidente del comitato per l’intelligence, il quale ritiene che per lei sia giunto per lei il tempo di ritirarsi in pensione.

Tuttavia, M resiste alle pressioni, ritentendosi ancora utile per la causa. Pochi istanti dopo essersi congedata da Mallory, si verifica però un’esplosione nell’edificio dell’MI6. Venuto a sapere di questo incidente, Bond rientra in servizio dimostrando di essere ancora vivo. M gli affida quindi il compito di rintracciare Patrice, rubare l’hard disk e ucciderlo. Così, l’Agente 007 vola a Shanghai per compiere la sua missione, dove scoprirà che l’uomo per cui Patrice lavora non è altri che Raoul Silva (Javier Bardem), un ex agente dei servizi segreti britannici, che ha molto da raccontare sul suo passato.

La spiegazione del finale del film

Il finale di Skyfall si consuma in una cornice atipica per un film di James Bond: una vecchia casa di campagna isolata nelle Highlands scozzesi, la tenuta di famiglia di Bond, appunto chiamata Skyfall. Dopo aver attirato Silva lontano da Londra, Bond e M decidono di affrontarlo in campo aperto, senza l’appoggio del MI6 e con mezzi rudimentali, preparando trappole artigianali all’interno della villa. Con loro c’è Kincade, il vecchio guardiacaccia, che rappresenta un legame con l’infanzia di Bond. Questa scelta narrativa sottolinea il ritorno alle origini dell’agente, sia in senso fisico che simbolico: Bond non combatte più per l’Inghilterra o per il dovere, ma per proteggere ciò che resta del suo passato e della sua figura materna, M.

Lo scontro culmina in un attacco brutale da parte degli uomini di Silva, che riesce a raggiungere la cappella dove M si è rifugiata con Kincade. Qui avviene il confronto finale tra il villain e i suoi due “genitori simbolici”: Silva implora M di ucciderli entrambi con un colpo solo, ponendo fine alla loro sofferenza condivisa. Ma prima che ciò possa accadere, Bond interviene e uccide Silva con un coltello, ponendo fine alla sua vendetta. La scena ha però un tono tragico: M è gravemente ferita e muore poco dopo tra le braccia di Bond. La sua morte chiude un’epoca e segna una frattura emotiva nella vita dell’agente, privato della figura che più lo aveva compreso e protetto.

Il significato di questa conclusione è profondo: Skyfall non racconta solo una missione, ma una perdita. Con la morte di M, James Bond completa un percorso di trasformazione interiore, affrontando il dolore, la memoria e l’identità. Il passato, letteralmente fatto esplodere con la distruzione della villa, viene lasciato alle spalle. L’agente sopravvive, ma non è più lo stesso: più consapevole, più solo, forse anche più umano. Infine, il film si chiude con una rinascita simbolica. Nella scena conclusiva, Bond incontra il nuovo M, Gareth Mallory (Ralph Fiennes), in un ufficio che richiama fedelmente l’iconografia classica della saga.

Nel mentre, la collega che lo aveva ferito a Istanbul, decide di abbandonare gli incarichi operativi per diventare la segretaria di M, ed è pronta a rivelare a Bond il suo nome, Eve Moneypenny. Con questo film, dunque, l’universo di 007 si rinnova: Skyfall ha distrutto per ricostruire, chiudendo un ciclo per aprirne uno nuovo. Gli faranno seguito Spectre e No Time To Die, in cui il personaggio di James Bond viene ulteriormente messo in crisi ed esplorato nel profondo, fino al tragico finale che pone fine all’avventura di Craig nei panni di questo iconico ruolo.

Diretto da Gabriele Muccino, Quello che so sull’amore  (qui la recensione) è una commedia drammatica che segna una parentesi particolare nella carriera del regista italiano. Girato interamente negli Stati Uniti e interpretato da Gerard Butler, Jessica Biel, Uma Thurman e Catherine Zeta-Jones, il film racconta la storia di un ex calciatore caduto in disgrazia che cerca di riconquistare la stima del figlio e della ex moglie allenando la squadra di calcio del figlio stesso. Attraverso un tono più leggero rispetto ad altre sue opere, Muccino affronta i temi ricorrenti del suo cinema: la disgregazione familiare, la fragilità delle relazioni e il bisogno di redenzione.

All’interno della filmografia di Muccino, Quello che so sull’amore rappresenta un esperimento di mediazione tra il cinema europeo e quello hollywoodiano. A differenza dei suoi precedenti lavori americani come La ricerca della felicità e Sette anime, il film abbandona l’intensità drammatica per avvicinarsi a una narrazione più convenzionale e a tratti ironica. Questa scelta stilistica ha generato reazioni contrastanti, ma rivela un tentativo interessante di esplorare il tema della paternità da una prospettiva più disincantata e quotidiana, mettendo in scena un protagonista in bilico tra il fallimento personale e il desiderio di ricostruzione.

Nel corso dell’articolo analizzeremo più nel dettaglio il significato del finale del film, che mette in discussione l’idea stessa di successo e realizzazione. Nonostante l’apparente leggerezza, Muccino costruisce un epilogo che parla di priorità emotive e di scelte intime, distanti dai cliché americani della vittoria a ogni costo. Attraverso un percorso di maturazione silenziosa, il personaggio di George scopre che l’amore, più che una conquista, è una responsabilità. Un messaggio che, pur nella cornice commerciale, resta profondamente coerente con l’universo narrativo del regista.

La trama e il cast di Quello che so sull’amore

Il film raccont la storia di George Dryer (Gerard Butler), un ex calciatore professionista che ha dovuto ritirarsi dal mercato a causa di un gravissimo infortunio. George non si da per vinto e decide di dare libero sfogo alla sua ambizione, costruendo una nuova carriera come cronista sportivo, pensando di poter sfruttare i vantaggi del suo passato glorioso. Il successo tanto desiderato, però, tarda ad arrivare. Il lavoro non è l’unica cosa che va male nella vita dell’uomo: sua moglie Stacie (Jessica Biel), infatti, lo ha lasciato da tempo. Anche con suo figlio Lewis (Noah Lomax) non va per niente bene, perché i due si vedono davvero poco e non riescono a costruire un vero rapporto, solido e stabile.

Quando Stacie gli comunica poi che vuole sposare il suo nuovo compagno, George cade nello sconforto. L’ex calciatore vuole però a tutti i costi riconquistare la fiducia della sua famiglia e, per farlo, decide di cogliere al volo una preziosa occasione: diventare l’allenatore della squadra di calcio del figlio. Quando comincia ad allenare i bambini, tuttavia, rapisce l’attenzione soprattutto delle loro mamme, attratte dalla sua prestanza e, ovviamente, dal suo fascino. Prima fra tutte Barb (Judy Greer), divorziata, poi Denise (Catherine Zeta-Jones), ex giornalista sportiva, e infine Patti (Uma Thurman), una bellissima donna ancora sposata. Per lui, la situazione si complicherà non poco.

Il significato del finale del film

Nel corso di Quello che so sull’amore, George George continua a legare con Lewis e gradualmente riaccende la sua intimità con Stacie, creando complicazioni nella relazione di lei con Matt. Le sue prospettive di carriera migliorano poi quando Denise conferma che ESPN gli sta offrendo un lavoro in Connecticut. Tuttavia, George inizia a chiedersi se le sue priorità siano in linea con ciò che conta davvero. La nuova opportunità lavorativa potrebbe rilanciare definitivamente la sua carriera, ma accettarla significherebbe trasferirsi a New York e allontanarsi di nuovo dal figlio Lewis.

Mentre George valuta il da farsi, emergono però una serie di incomprensioni e scontri. Patti appare in alcune foto fuorvianti scattate da un investigatore privato assunto da Carl, e la confusione che ne deriva crea una nuova frattura tra George e Stacie. Tuttavia, George alla fine decide di rifiutare l’offerta della ESPN e di rimanere in Virginia, concentrandosi sull’essere un padre e un compagno migliore. Stacie, invece, rompe il fidanzamento con Matt, capendo di essere ancora innamorata di George. Nel finale, quest’ulitmo diventa un cronista sportivo locale, ritrovando una stabilità personale e professionale e ricostruendo anche la sua vita familiare.

Il significato ultimo del finale risiede dunque nella maturazione personale di George: per tutta la vita ha cercato approvazione nel successo e nelle relazioni superficiali, ma solo quando rinuncia all’ambizione e si assume la responsabilità delle proprie scelte riesce a essere davvero amato. Così facendo riesce a ritrovare un equilibrio nella propria vita, capendo cosa è davvero l’amore e cosa si può essere o meno disposti a fare per esso. Muccino sembra dunque suggerire che la vera vittoria è interiore: amare significa restare, esserci, anche quando nessuno guarda.

L’acrobazia sul Burj Khalifa in Mission: Impossible – Protocollo fantasma (qui la recensione) è un momento fondamentale per la serie, ma il pubblico si chiede se Tom Cruise abbia davvero scalato il Burj Khalifa nella vita reale. Con una lista sempre più lunga di acrobazie estremamente pericolose nel suo curriculum, scalare l’esterno del Burj Khalifa nel quarto capitolo della serie Mission: Impossible è una delle imprese più famose di Cruise. Da allora, Cruise ha continuato a sfidare la morte in diversi film con acrobazie come il salto HALO in Mission: Impossible – Fallout. Tuttavia, l’acrobazia sul Burj Khalifa è diventata un punto di riferimento del cinema.

Il film porta Ethan Hunt, interpretato da Tom Cruise, a Dubai alla ricerca dei codici di lancio nucleare dopo che Kurt Hendricks, alias Cobalt (Michael Nyquist), ruba un’arma devastante. È ormai ovvio che Hunt non sceglie mai la strada più facile. Ethan deve raggiungere il 130° piano del grattacielo alto 828 metri e abbandonare l’ascensore in favore di un paio di discutibili guanti a ventosa. Iniziare la scalata dal 123° piano è la parte facile, perché poi si cala lungo l’edificio e fa un salto nel vuoto. Per quanto la sequenza sia sbalorditiva, anche il dietro le quinte è stato impressionante.

La spiegazione della scena acrobatica di Tom Cruise sul Burj Khalifa

Per la scena acrobatica di Cruise sul Burj Khalifa, l’attore ha dovuto indossare un’imbracatura fissata con cura a punti strategici dell’edificio, il che ha richiesto allo studio di ottenere permessi speciali per forare i pavimenti e le pareti, e la troupe di Mission: Impossible – Protocollo fantasma ha rotto 35 finestre. Il regista Brad Bird si è consultato con diversi professionisti di vari settori, come ingegneri, scalatori professionisti e stuntman, per garantire la sicurezza delle riprese. Ha anche preso in considerazione l’idea di utilizzare uno stuntman dedicato, ma, come ha fatto per la maggior parte della sua carriera, Cruise ha eseguito personalmente l’acrobazia.

Cruise non sapeva che l’imbracatura stretta avrebbe interrotto la circolazione sanguigna, quindi le riprese dovevano essere completate nel modo più efficiente e rapido possibile. Altrimenti, la parte inferiore del suo corpo avrebbe iniziato a diventare insensibile. Anche gli elicotteri che stavano riprendendo avevano un limite di volo di 30 minuti alla volta, quindi la troupe doveva sfruttare al massimo ogni ripresa. La sequenza è stata girata anche in IMAX, il che significava che le telecamere avrebbero esaurito rapidamente la pellicola. Il filmato doveva poi essere riportato a Los Angeles e Bird non poteva verificare se tutto fosse perfetto fino a quando la pellicola non fosse stata sviluppata.

Anche l’allenamento per l’acrobazia sul Burj Khalifa è stato estremamente accurato e calcolato. La troupe ha costruito una parete di vetro per simulare l’esterno dell’edificio reale e ha fatto salire e scendere Cruise più volte affinché familiarizzasse con il disagio dell’imbracatura e lo sforzo fisico della scalata. Sono arrivati al punto di riscaldare la parete con luci artificiali per simulare la temperatura delle finestre del Burj Khalifa. L’acrobazia è stata un incubo logistico, ma la pianificazione ha dato i suoi frutti.

Quella sul Burj Khalifa è la migliore acrobazia di Mission: Impossible

Tom Cruise esegue sempre personalmente le acrobazie di Mission: Impossible, tra cui appendersi a un aereo, trattenere il respiro per sei minuti per compiere una rapina subacquea ed eseguire 109 salti HALO per ottenere la ripresa perfetta. Ma tra tutte queste acrobazie cinematografiche, l’iconica sequenza del Burj Khalifa è la prova migliore della dedizione dell’attore al suo mestiere. Quella in Mission: Impossible – Protocollo fantasma è la sequenza più emozionante, ed è stata estremamente pericolosa, estenuante e probabilmente terrificante per lo stesso Cruise.

Tuttavia, i risultati sono a dir poco impressionanti e il film può vantare una delle migliori scene acrobatiche mai riprese per il cinema. Aver scalato il lato dell’edificio più alto del mondo – per davvero – garantisce alla saga un posto d’onore nella storia del genere d’azione. La scena si svolge inoltre come una scena dal vivo di Incredibles, poiché la sequenza è ricca di commedia d’azione intelligente, come i guanti a ventosa che sembrano avere una mente propria. La scena sul Burj Khalifa offre un equilibrio perfetto tra brividi da cardiopalma e commedia esilarante.

L’acrobazia di Tom Cruise sul Burj Khalifa è stata la più pericolosa?

Dopo l’acrobazia di Tom Cruise al Burj Khalifa, l’attore ha eseguito altre acrobazie altrettanto pericolose. In Mission: Impossible – Rogue Nation, Cruise si è aggrappato al lato di un aereo mentre questo decollava. L’attore ha anche trattenuto il respiro sott’acqua per un tempo record di 6 minuti (fino a quando il record non è stato battuto da Kate Winslet in Avatar – La via dell’acqua). Successivamente, Cruise si è cimentato in un salto HALO per Mission: Impossible – Fallout. Il salto HALO era così pericoloso che Henry Cavill non ha potuto partecipare perché avrebbe messo a rischio la vita di Cruise.

Tuttavia, il salto in moto in Mission: Impossible – Dead Reckoning è ad oggi stata la scena più pericolosa mai girata dall’attore. Era impossibile prevedere dove sarebbe atterrata la moto quando Cruise l’ha lasciata andare, e c’erano molte altre cose che la produzione non poteva pianificare adeguatamente. Condurre una valutazione accurata dei rischi della scena deve essere stata la parte più frustrante dello sviluppo del film. La fisica impossibile da determinare, insieme al controllo di un veicolo a mezz’aria e alla pericolosa vicinanza alle rocce sul bordo di una scogliera, rendono il salto in moto di Cruise la scena più pericolosa della serie Mission: Impossible.