L’attore Ryan Reynolds ha in programma il suo prossimo
film su Netflix, che sarà un adattamento della classica serie
di libri Eloise di Kay Thompson. L’attore è famoso
soprattutto per aver interpretato il supereroe MarvelDeadpool,
molto amato dai fan, e per aver recitato in commedie romantiche
come The Proposal, ma ha anche recitato in numerosi film per
famiglie, tra cui The Croods, Turbo, e
Detective Pikachu.
Ora, Reynolds è pronto a recitare
in un film per famiglie live-action che adatta l’iconica serie di
libri Eloise, con Mae Schenk nel ruolo del personaggio
principale e Reynolds in quello del cattivo.
Amy Sherman-Palladino, creatrice di
Gilmore Girls e The Marvelous Mrs. Maisel, è alla guida del progetto
come regista e sceneggiatrice, mentre Hannah Marks e Linda
Woolverton sono co-sceneggiatrici.
Oltre a unirsi al cast, Reynolds
produrrà anche Eloise attraverso la sua società di
produzione, Maximum Effort. Mentre la versione di Netflix è basata
sulla serie di libri, il film dello streamer con Reynolds sarà una
“avventura originale”.
In una dichiarazione, Hannah
Minghella, responsabile dei film d’animazione e dei film per
famiglie di Netflix, ha affermato che “è un onore” riportare
in vita Eloise per una nuova generazione e ha definito il
film in uscita “audace, esilarante e sincero”.
Il dirigente ha aggiunto che
Reynolds e Sherman-Palladino condividono la “tipica malizia e il
fascino” di Eloise, che li rendono i talenti creativi perfetti
per guidare Eloise di Netflix davanti e dietro la
telecamera. Leggi la dichiarazione qui sotto:
Eloise è amata da generazioni, da quando è stata
pubblicata per la prima volta negli anni ’50 fino ad oggi, quando
nessuna gita familiare a New York City è completa senza una sosta
al Plaza. È un onore reintrodurre questo personaggio amato al mondo
con due persone che condividono la sua caratteristica malizia e il
suo fascino: Amy Sherman-Palladino e Ryan Reynolds, in questo nuovo
film per famiglie audace, esilarante e sincero.
Ryan Reynolds non è nuovo a
Netflix, avendo recitato in
The Adam Project, 6 Underground e
Red Notice. Per quanto riguarda Schenk, secondo i dirigenti
della Maximum Effort Ashley Fox e Johnny Pariseau, ha la giusta
dose di “brio”, “arguzia” e “malizia” per interpretare il
personaggio di Eloise, e hanno capito “immediatamente” che doveva
essere nel film.
Quando Amy ci ha presentato Mae Schenk, abbiamo
capito subito che era Eloise. Ha la scintilla, l’arguzia e la
giusta dose di malizia. Siamo entusiasti di presentarla al mondo
insieme ai nostri amici della MRC e di Netflix.
Eloise, la protagonista dei libri
per bambini di Thompson pubblicati negli anni ’50, vive al Plaza
Hotel di New York City e si ritrova coinvolta in varie avventure
con la sua tata, il suo cane e la sua tartaruga.
La serie di libri comprende Eloise:
A Book for Precocious Grown-Ups, Eloise in Paris, Eloise at
Christmastime, Eloise in Moscow e Eloise Takes a Bawth
(quest’ultimo pubblicato dopo la morte dell’autrice).
Eloise è già stata adattata per il
cinema. Eloise at the Plaza e il particolarmente citabile Eloise at
Christmastime sono stati entrambi trasmessi dalla ABC nel 2003. Tre
anni dopo, Starz Kids & Family ha mandato in onda un cartone
animato intitolato Me, Eloise! che ha prodotto 13 episodi.
Da allora, altri adattamenti di
Eloise hanno cercato di decollare, senza successo. Ma nel 2020, la
società di produzione MRC ha finalmente ottenuto i diritti e da
allora sta sviluppando un film, con Netflix, Schenk, Reynolds e
Sherman-Palladino pronti a riportare in vita il classico
personaggio per bambini.
Netflix sta collaborando con gli
eredi di Thompson e con l’illustratore originale, Hilary Knight, il
che significa che il film Eloise dello streamer rimarrà
probabilmente fedele a ciò che ha reso i libri così speciali.
Uscito il 21 aprile 2023 con grande
successo di critica, The Covenant di Guy Ritchie è liberamente
ispirato alle esperienze di molti interpreti mediorientali che
hanno lavorato con le forze armate statunitensi durante la guerra
in Afghanistan. Piuttosto che adattare l’esperienza personale di un
singolo soldato, il film esplora i sacrifici e le conseguenze
subite da molti interpreti anonimi che hanno rischiato la vita per
la promessa di un futuro migliore.
Per mettere in luce questo problema
reale e ancora attuale, la storia segue John Kinley (interpretato
da Jake Gyllenhaal), un berretto verde
statunitense in servizio in Afghanistan nel 2018. Quando Kinley
viene ferito in battaglia, il vero eroe è Ahmed (Dar Salim), un
interprete afghano assunto dall’esercito statunitense che porta
Kinley in salvo. Promesso un visto per la sua famiglia in cambio
dei suoi sacrifici che mettono a rischio la sua vita, Ahmed viene
tradito dal governo statunitense e costretto a nascondersi. Anche
se la storia potrebbe non essere basata sull’esperienza precisa di
una persona, The Covenant di Guy Ritchie usa un
problema reale per fare una profonda dichiarazione sulla
generosità umana.
Cos’è “The Covenant” di Guy
Ritchie?
The Covenant di Guy Ritchie
non è basato su alcun materiale preesistente. La sceneggiatura
originale è stata invece scritta da Ivan Atkinson e Marn Davies,
collaboratori che hanno già lavorato con Ritchie in film come
The
Gentlemen, Operation Fortune: Ruse de Guerre e Wrath of
Man. Sebbene i loro film precedenti non siano radicati nella
precisione storica, The Covenant si ispira a un problema
persistente in Afghanistan e in altri paesi del Medio Oriente.
Il problema riguarda gli interpreti
afghani assunti dal governo degli Stati Uniti per aiutare i soldati
americani a superare la barriera linguistica nella regione. Per
aver tradito il proprio paese e aver rischiato la vita, il governo
degli Stati Uniti promette di concedere agli interpreti i visti per
trasferirsi negli Stati Uniti in sicurezza. Il più delle volte,
questo accordo è stato rinnegato dagli Stati Uniti, lasciando molti
interpreti afghani in pericolo, con il loro destino in bilico.
L’esperienza collettiva di questi coraggiosi interpreti è alla
base del film The Covenant di Guy Ritchie, con la
storia di Ahmed che funge da allegoria per molte persone in
situazioni simili.
Nel film, il sergente maggiore
delle forze speciali dell’esercito statunitense John Kinley
(Gyllenhaal) e la sua squadra cadono in un’imboscata dei talebani
con un’autobomba, che provoca la morte dell’interprete di Kinley.
Un afgano di nome Ahmed Abdullah (Salim) accetta di sostituire
l’interprete di Kinley, insistendo che lo fa per soldi piuttosto
che per compassione. Kinley scopre anche che Ahmed è un ex membro
dell’esercito talebano, ma che li ha traditi quando hanno ucciso
suo figlio. Mentre Kinley e Ahmed conquistano la fiducia l’uno
dell’altro, tutto cambia quando Kinley rimane gravemente ferito in
un altro attacco talebano.
Quando Kinley si risveglia dalle
ferite, si rende conto di essere tornato negli Stati Uniti e di
aver perso ogni contatto con Ahmed. Desideroso di ripagare il
favore di avergli salvato la vita e averlo portato in salvo, Kinley
cerca di ottenere per Ahmed e la sua famiglia dei visti
internazionali che consentano loro di entrare negli Stati Uniti in
sicurezza. Purtroppo, il governo americano oppone resistenza per un
mese, costringendo Ahmed e la sua famiglia a nascondersi e Kinley a
tornare in Afghanistan con lo pseudonimo di Ron Kay per ritrovarlo.
Prima di tornare in Medio Oriente, Kinley chiede al suo comandante,
il colonnello Vokes (Jonny Lee Miller), di procurare i visti per la
famiglia di Ahmed.
Una volta trovato Ahmed in
Afghanistan, Kinley convince lui e la sua famiglia a unirsi a lui
nel viaggio verso gli Stati Uniti. Vokes informa Kinley che i visti
sono stati elaborati e organizza un attacco aereo per sventare
un’imboscata dei talebani.
Dopo essersi protetti a vicenda in
un intenso scontro, Kinley, Ahmed, la moglie e il figlio di Ahmed
vengono portati via dall’Afghanistan e riportati negli Stati Uniti.
Anche se le cose sono finite in modo abbastanza felice per Ahmed,
il film si conclude con un epilogo sobrio che recita:“Più di 300
interpreti e le loro famiglie sono stati uccisi dai talebani per
aver collaborato con l’esercito statunitense. Migliaia di altri
sono ancora nascosti”.
Sotto le spoglie di un film
d’azione militaristico, The Covenant di Guy Ritchie
racconta una storia di guerra semi-vera su un problema reale che
persiste ancora oggi in Medio Oriente. Sebbene Ahmed e la sua
famiglia siano stati fortunati a sopravvivere nel film, molti
interpreti reali nella guerra in Afghanistan non lo sono stati. Il
film mira a sensibilizzare l’opinione pubblica su questo tema e a
rendere giustizia agli interpreti.
Un precedente storico ha
ispirato “The Covenant” di Guy Ritchie
Sebbene The Covenant di Guy
Ritchie non sia basato sulla storia vera di una persona, è ispirato
a un precedente storico. Nel 2016, due anni prima degli eventi
descritti nel film,
The Smithsonian ha pubblicato un articolo inquietante
intitolato “Il destino inquietante degli interpreti afghani che gli
Stati Uniti hanno lasciato indietro”. L’articolo descrive le
esperienze di molti interpreti afghani, come Ahmed Abdullah, che
hanno tradito il loro Paese per lavorare con il governo degli Stati
Uniti in cambio di un visto. Tuttavia, nonostante i loro sforzi
eroici, molti interpreti afghani sono stati abbandonati,
dimenticati e gli è stato negato il visto dagli Stati Uniti.
L’articolo descrive diversi
interpreti afghani che hanno rinunciato a tutto per fuggire in
America e vivere una vita migliore, solo per vedersi negare il
visto e, in alcuni casi, essere uccisi. Sebbene molte di queste
vicende personali siano troppo tragiche e dolorose per essere
rivissute sulla carta stampata, l’articolo cita una statistica
inquietante:
“Nel 2014, l’International Refugee
Assistance Project, un’organizzazione no profit con sede a New York
City, ha stimato che ogni 36 ore veniva ucciso un interprete
afgano”.
Sebbene si tratti di una questione
molto più oscura e complessa di quanto descritto in The Covenant di
Guy Ritchie, il film prende spunto dalla storia vera degli
interpreti afgani, a lungo dimenticati ma profondamente eroici, e
cerca di sensibilizzare l’opinione pubblica attraverso la
compassione e la generosità umana.
Il punto di vista di Guy
Ritchie su “The Covenant”
Sebbene The Covenant di Guy Ritchie
sia basato sulle esperienze di vita reale di molti interpreti
afghani sconosciuti, il regista insiste sul fatto che raccontare
la storia immaginaria di John Kinley e Ahmed Abdullah significa
raccontare il legame umano che si è creato tra due persone molto
diverse. Ritchie racconta
all’AP:
“Sono rimasto commosso dai
legami piuttosto complicati e paradossali che sembravano essere
stati creati dal trauma della guerra tra gli interpreti e i loro
colleghi, per così dire, dall’altra parte del divario culturale, e
da come tutto ciò sia svanito sotto la pressione. L’ironia della
guerra è la profondità con cui lo spirito umano può esprimersi,
cosa che in qualsiasi altra situazione quotidiana non è mai
consentita. È molto difficile esprimere a parole il significato e
la profondità di quei legami. Il mio compito era cercare di
catturare quello spirito in un film e in una narrazione molto
semplice”.
Seguendo una narrazione semplice,
The Covenant di Guy Ritchie ha affrontato e portato alla luce una
storia vera che continua ad affliggere gli interpreti affiliati
agli Stati Uniti all’indomani della guerra in Afghanistan.
Questo film di guerra sottovalutatoracconta la storia
personale di John e Ahmed per sensibilizzare l’opinione pubblica
sullo sfruttamento che persiste ancora oggi in Medio
Oriente.
Il successo di critica e di
pubblico di “The Covenant”
The Covenant è uscito nelle sale il
21 aprile 2023. Ha ottenuto recensioni entusiastiche sia dal
pubblico che dalla critica per la sua potente narrazione, la
profondità emotiva e la fenomenale interpretazione di Gyllenhaal.
Molti hanno elogiato Ritchie per la sua magistrale esplorazione del
profondo legame che si instaura tra i soldati e i loro interpreti e
per il profondo cameratismo che li unisce. Il film d’azione ha
ricevuto un punteggio dell’82% su Rotten Tomatoes e un ottimo 98%
su Popcornmeter dai fan, che hanno anche assegnato a “The Covenant”
un CinemaScore “A”.
Il film di Guy Ritchie è uscito
insieme ad altri film come Evil Dead Rise, Chevalier e Beau is Afraid, e si prevedeva che avrebbe
incassato circa 6 milioni di dollari nel suo primo weekend. Alla
fine si è classificato terzo dietro al precedentemente uscito The
Super Mario Bros. Movie e Evil Dead Rise, incassando 6,3 milioni di
dollari. The Covenant avrebbe poi completato la sua corsa nelle
sale con un incasso totale mondiale di 21,9 milioni di dollari,
diventando un flop al botteghino nonostante l’accoglienza
entusiastica della critica, dato il suo budget di 55 milioni di
dollari.
Sebbene The Covenant abbia ottenuto
risultati deludenti al botteghino, l’avvincente dramma bellico è
comunque diventato il film di Ritchie con il punteggio più alto su
Rotten Tomatoes, con un impressionante 82% sul Tomatometer. È stato
un grande trionfo di pubblico, con il San
Diego Reader che ha elogiato il pluripremiato regista e il suo
approccio alla narrazione nella sua recensione:
“Il regista Guy Ritchie esercita
una notevole moderazione nella sua rappresentazione dell’azione:
più e più volte, si accontenta di fare un passo indietro, mantenere
l’inquadratura e lasciare che ciò che accade sia sufficiente per
coinvolgere lo spettatore. E più e più volte, è più che
sufficiente”.
Lo stesso Batman, Robert Pattinson, ha finalmente rotto il
silenzio sulla sua partecipazione alla serie Dune,
acclamata dalla critica e diretta da Denis Villeneuve. L’attore,
che si sta preparando a tornare nei panni del Cavaliere Oscuro ma
che al momento sta promuovendo la sua commedia nera, Die My Love, non solo ha confermato il suo ruolo nel
sequel dell’epico film di fantascienza, ma ha anche offerto alcune
anticipazioni su come sia stato girare nel deserto rovente.
Attenzione spoiler: fa caldo.
Pattinson si unirà a
Timothée Chalamet, Zendaya e Florence Pugh nel prossimo Dune: Parte
Tre, e anche se il suo ruolo non è ancora stato rivelato
ufficialmente, la teoria più accreditata è che l’attore
interpreterà il cattivo della storia: Scytale. Sebbene Pattinson
non abbia confermato quale personaggio interpreterà, ha rivelato
(tramite IndieWire) che girare in condizioni così torride gli ha
permesso di lasciar andare le sue solite preoccupazioni e
ansie.
“Quando stavo girando ”Dune”
faceva così caldo nel deserto che non riuscivo proprio a farmi
domande. Ed era così rilassante, come se il mio cervello non
funzionasse, non avevo una sola cellula cerebrale funzionante. E mi
limitavo ad ascoltare Denis [Villeneuve]: “Qualunque cosa tu
voglia!‘’
Dune: Parte Terza promette
grandi cambiamenti
Si pensava che Dune: Parte Terza
avrebbe avuto come titolo Dune:
Messiah, in linea con il nome del secondo romanzo di Frank
Herbert. Tuttavia, è stato ora confermato che il sequel seguirà
invece la tendenza del secondo film e aggiungerà invece ”Parte
Terza”.
Ma mentre il titolo rimarrà lo
stesso dei suoi predecessori, Dune: Parte Terza promette molti
cambiamenti. Anche se il candidato all’Oscar Timothée Chalamet
tornerà a interpretare Paul Atreides, l’attore sfoggerà un nuovo
look significativo per il sequel. L’attore sembra essersi rasato la
testa per il suo prossimo viaggio su Arrakis, dato che nelle nuove
immagini si vede il celebre attore nascondere un taglio di capelli
molto corto sotto un cappello. Per chi conosce ciò che accade a
Paul nel prossimo capitolo della serie Dune, i cambiamenti
dell’attore non dovrebbero essere una sorpresa.
Il sequel, a seconda di quanto
seguirà fedelmente il romanzo, sarà anche molto più orientato alla
fantascienza rispetto ai primi due film.
Ciò potrebbe includere il cattivo
interpretato da Robert Pattinson, se interpreterà
Scytale, sarà quello che viene chiamato Face Dancer o mutaforma. Il
terzo capitolo riporterà anche Duncan Idaho interpretato da
Jason Momoa che, dopo aver compiuto il
sacrificio estremo nel primo Dune, tornerà come ghola. Il che
significa essenzialmente che è una sorta di clone.
Oltre a tutti questi cambiamenti,
Dune: Parte Tre manterrà intatto un elemento fondamentale: il cast
stellare. Oltre a Chalamet, Pattinson e Momoa, il sequel riporterà
Zendaya nel ruolo di Chani, Florence Pugh in quello della
principessa Irulan, Josh
Brolin nei panni di Gurney Halleck, Rebecca Ferguson nei panni di Lady Jessica e
Anya Taylor-Joy nei panni di Alia Atreides,
mentre si aggiungeranno Nakoa-Wolf Momoa nei panni di Leto II
Atreides, figlio di Paul (Chalamet) e Chani (Zendaya), e Ida Brooke
nei panni di Ghanima Atreides, sorella gemella di Leto II. Dune:
Parte Terza uscirà il 18 dicembre 2026.
The Counselor – Il procuratore (qui
la recensione) è uno dei titoli più discussi della filmografia
recente di Ridley Scott, autore che, dopo grandi
produzioni storiche e sci-fi, torna qui a un crime
thriller cupo, asciutto e moraleggiante. Il film rappresenta
una parentesi particolare nella carriera del regista: niente
eroismi, niente spettacolo epico, ma un racconto cinico e disilluso
sul potere della scelta e sulle conseguenze dell’avidità. Scott
firma un’opera che rinuncia ai ritmi hollywoodiani tradizionali,
privilegiando dialoghi serrati, atmosfere tese e una regia più
trattenuta, al servizio dei personaggi e della loro lenta
discesa.
Particolarità fondamentale del film è la sceneggiatura originale di
Cormac McCarthy, alla sua prima opera scritta
direttamente per il cinema. L’autore de La strada e Non è un paese per vecchi porta sul grande schermo la
propria visione brutale e filosofica del crimine: in The
Counselor – Il procuratore non c’è spazio per il caso
o per la redenzione, solo la crudele logica delle conseguenze. Il
genere è quello del neo-noir moderno, sporco, violento, carico di
fatalismo, dove il protagonista – un avvocato che tenta di
arricchirsi entrando nel traffico di droga – si trova rapidamente
schiacciato da una spirale fuori dal suo controllo.
I
temi centrali sono infatti la responsabilità morale, la corruzione,
la fragilità del libero arbitrio e l’illusione di poter controllare
un mondo governato da regole spietate. Il cast stellare
contribuisce a rendere il film un oggetto di culto: Michael Fassbender è il procuratore senza nome
che precipita nel caos, accanto a Javier Bardem, Cameron Diaz, Penélope Cruz e Brad Pitt, tutti coinvolti in ruoli segnati da
ambiguità, desiderio e violenza. Le interpretazioni e la scrittura,
volutamente filosofica e simbolica, divisero critica e pubblico,
facendo di questo un film affascinante e controverso.
La trama di The
Counselor – Il procuratore
Protagonista del film è un avvocato
di successo, in procinto di sposarsi con la bella fidanzata
Laura. Nonostante il suo lavoro, però, l’uomo
fatica ad avere le disponibilità economiche necessarie a dar vita
al grande evento. Disposto a tutto pur di soddisfare i desideri
della sua futura moglie, questi finisce per accettare una
controversa proposta da un suo vecchio cliente,
Reiner. Questo, che ha contatti con la malavita
messicana impegnata nel traffico di droga, assegna all’avvocato il
compito di recuperare un carico di cocaina dal valore di 20 milioni
di dollari. Per farlo, però, dovrà recarsi al confine con il
Messico.
Ad aiutarlo nel corso della
missione vi è anche Westray, un tipo dall’aria non
raccomandabile e che sembra ben più conscio dei pericoli
dell’operazione. Con loro vi è anche Malkina, la
conturbante fidanzata di Reiner, la quale li seguirà in ogni loro
spostamento per assicurarsi che tutto vada secondo i piani.
Naturalmente, però, la situazione sfugge di mano e precipita
inesorabilmente in un crescendo di violenza e morte. Ben presto,
l’avvocato si renderà conto di non essere affatto portato per quel
mondo, ma per uscirne vivo e riabbracciare Laura dovrà andare fino
in fondo, dando sfogo a tutta la sua avidità.
La spiegazione del finale del film
Nel
terzo atto, la spirale di violenza si chiude definitivamente
attorno al Procuratore. Il cartello recupera il carico rubato e
inizia a eliminare sistematicamente chiunque sia coinvolto. Reiner
viene ucciso durante un tentativo di cattura e, subito dopo, Laura
viene rapita. Comprendendo di non avere più alcun controllo sulla
situazione, il Procuratore tenta un gesto disperato: contatta Jefe,
un alto esponente dell’organizzazione, implorando clemenza. Ma
l’uomo gli risponde con un monologo filosofico e crudele, chiarendo
che non esiste possibilità di tornare indietro. Il destino è ormai
già scritto.
Il
Procuratore rimane solo, nascosto in Messico, in un limbo di attesa
e terrore. Una busta infilata sotto la porta del suo hotel contiene
un DVD con scritto “Hola!”. Capendo che il video mostra l’omicidio
di Laura, l’uomo crolla definitivamente. La scena successiva
conferma la brutalità del cartello: il corpo decapitato della donna
viene abbandonato in una discarica, come rifiuto senza valore.
Parallelamente, Malkina continua a muoversi come un fantasma
inafferrabile: raggiunge Londra, fa uccidere Westray con il
micidiale “bolito” e ottiene il controllo dei suoi conti. Il film
si chiude con lei, calma e imperturbabile, pronta a spostarsi a
Hong Kong.
Il finale sancisce la logica spietata del mondo in cui il
Procuratore ha scelto di entrare. Non c’è eroismo, vendetta o
salvezza: chi varca quella soglia perde tutto. Il cartello elimina
Laura non per necessità, ma come messaggio, dimostrando quanto sia
irrilevante la vita di chiunque in quella catena criminale. Jefe,
con il suo discorso filosofico, ribadisce un punto chiave: il
destino non si compie quando tutto precipita, ma quando si compie
il primo passo. Il Procuratore ha creduto di poter rischiare senza
pagarne le conseguenze, ma la sua ingenuità è stata punita senza
appello.
Ridley Scott e Cormac
McCarthy non offrono redenzione. Il film è una meditazione
sul prezzo delle scelte e sulla natura amorale del denaro quando
entra nei territori del crimine organizzato. The Counselor
– Il Procuratore non è un criminale abituale, ma un uomo
comune che si è illuso di poter restare pulito. La morte di Laura
non è un effetto collaterale: è la prova della sua responsabilità.
Malkina, invece, incarna la legge del più forte, dimostrando che la
violenza non è caotica, ma pianificata e capitalistica. Il male non
solo vince, ma prospera.
Il messaggio che resta è
cupo e disturbante: non esiste contrattazione né pentimento in un
sistema che vive di sangue e profitto. The Counselor – Il
Procuratore mostra come anche una singola decisione
sbagliata possa travolgere un’intera esistenza. Il protagonista
cercava amore, ricchezza e controllo, ma scopre che la vita comune
non ha spazio in un mondo governato dalla crudeltà. La violenza non
è spettacolo, è routine. E in questa realtà, l’unico personaggio
che “vince” è chi non ha più alcuna umanità da perdere.
Il film Sai
tenere un segreto?(qui la recensione) apporta una
serie di modifiche al libro di Sophie Kinsella,
quindi analizziamo i cambiamenti più significativi e il loro
significato. Hollywood da tempo adatta libri amati al grande e al
piccolo schermo, prendendo storie familiari e dando loro vita sia
in film live-action che in animazione per un pubblico di tutte le
età. Alcuni adattamenti sono molto fedeli al materiale originale,
mentre altri apportano molte modifiche, nel bene e nel male. Nel
caso di Sai tenere un segreto?, lo sceneggiatore
Peter Hutchings e la regista Elise
Duran sono riusciti ad adattare fedelmente la trama
principale del libro di Kinsella, con la maggior parte delle
modifiche apportate per ridurla a un film di 90 minuti.
Come il romanzo di Kinsella del
2003, il film segue una giovane collaboratrice del reparto
marketing di una grande azienda produttrice di bevande energetiche
sportive di nome Emma Corrigan (Alexandra
Daddario). Durante un volo turbolento dopo una
riunione andata male, Emma confida tutti i suoi segreti a uno
sconosciuto, che però si rivela essere Jack Harper (Tyler
Hoechlin), uno dei cofondatori della sua azienda. La
vita di Emma viene sconvolta da quest’uomo che conosce tutti i
dettagli umilianti della sua vita, come il fatto che non si è mai
innamorata nonostante abbia una relazione a lungo termine. Ma
questa situazione bizzarra avvicina Emma e Jack, permettendo loro
di sviluppare una relazione senza finzioni.
La struttura di base della trama
del film Sai tenere un segreto? rimane la stessa
del libro di Kinsella, seguendo più o meno gli stessi ritmi.
Pertanto, la maggior parte delle modifiche apportate nel processo
di adattamento riguardano altri aspetti, come l’ambientazione e i
personaggi secondari. Oppure le modifiche sono state apportate per
ridurre la lunghezza della storia e adattarla ai limiti di un film.
Ecco allora tutte le modifiche più significative apportate al film
Sai tenere un segreto? rispetto al libro.
Can You Keep A Secret?
L’ambientazione è stata cambiata da Londra a New York City
Il cambiamento più evidente
apportato al film Sai tenere un segreto? è il
fatto che è ambientato negli Stati Uniti anziché nel Regno Unito.
Nel libro, l’incontro di Emma si svolge in Scozia ed è con una
compagnia petrolifera, mentre nel film il suo incontro è con una
compagnia di crociere per anziani con sede a Chicago. Inoltre,
invece di vivere a Londra, Emma vive a New York City, il che
significa che incontra Jack su un aereo da Chicago a New York.
A seguito di questo cambiamento di
ambientazione, molti dei dettagli minori di Sai tenere un
segreto? sono stati americanizzati, come il fatto che Emma
acquisti i suoi vestiti di seconda mano presso il negozio Beacon’s
Closet di New York invece che da Oxfam. Non è chiaro perché
Hutchings e Duran abbiano cambiato l’ambientazione della storia a
New York City, ma potrebbe avere qualcosa a che fare con le loro
conoscenze e con il desiderio di rendere il film attraente per il
pubblico statunitense.
Panther Prime diventa Panda
Prime
Un altro grande cambiamento dal
libro al film è il nome dell’azienda per cui lavora Emma. Invece
che per Panther Prime, lavora per Panda
Prime. Questo cambiamento in particolare non ha molto
senso, dato che Sai tenere un segreto? mantiene il
famoso slogan ideato da Jack Harper e dal suo partner: “Don’t
pause” (Non fermarti). Nel libro ha senso, dato che Panther è
posizionata come un’azienda sportiva al livello di Puma e Nike.
In effetti, si potrebbe dire che lo
slogan nel libro di Kinsella assomiglia al marchio “Just do it”
della Nike. Quando l’animale viene cambiato in un panda, però, lo
slogan “Don’t pause” non ha più molto senso, soprattutto perché
Sai tenere un segreto? posiziona l’azienda come
più attenta alla salute che aggressivamente attiva. Non è chiaro
perché il nome dell’azienda di Jack sia stato cambiato in Panda
Prime, ma non funziona altrettanto bene.
La famiglia di Emma è stata
completamente eliminata dal film
Ogni volta che un libro viene
adattato per il cinema, è inevitabile che ci siano delle vittime
sul pavimento della sala montaggio. Nel caso di Sai tenere
un segreto?, la vittima più importante del processo di
adattamento è la sottotrama riguardante la famiglia di Emma. Nel
libro, Emma ha un ruolo secondario rispetto alla cugina maggiore
Kerry, che è venuta a vivere con la famiglia di Emma quando era
piccola e sua madre è morta. I genitori di Emma adoravano Kerry,
che è cresciuta fino a diventare un’imprenditrice di successo,
mentre Emma faticava a trovare una carriera.
Tuttavia, quando Jack sconvolge la
vita di Emma, rivelando accidentalmente e intenzionalmente i suoi
segreti alle persone che la circondano, cambia in meglio le
dinamiche familiari. È una sottotrama dolce nel libro, ma è anche
la più facile da eliminare per garantire che il film non sia troppo
lungo. Sai tenere un segreto? fa comunque un cenno
a quella particolare trama, quando Cybill (Laverne
Cox) fa riferimento a una giornata aziendale dedicata alla
famiglia durante la prima visita di Jack in ufficio: è in
quell’evento nel libro che Jack incontra la famiglia di Emma.
Riferimenti aggiornati alla
cultura pop
Poiché Sai tenere un
segreto? è stato pubblicato originariamente nel 2003,
molti dei suoi riferimenti alla cultura pop sono ormai superati e
il film cerca di aggiornarli. Ad esempio, la canzone che fa
piangere Emma nel libro è “Close To You” dei
Carpenters, mentre nel film è “Demons”
degli Imagine Dragons. E l’imbarazzante copriletto
di Emma nel libro è a tema Barbie, mentre nel film è My Little
Pony.
Sono però stati mantenuti alcuni
riferimenti più classici, come il romanzo che Emma finge di leggere
per il suo club del libro, che rimane “Great Expectations”
di Charles Dickens. Ha sicuramente senso
aggiornare i riferimenti alla cultura popolare per il film, in modo
che non sembri obsoleto, anche se alcuni fan del libro potrebbero
obiettare che “Demons” non ha molto senso come canzone che
fa piangere qualcuno.
Il cast di supporto è più
diversificato
Nel libro, la maggior parte delle
persone nella vita di Emma sono uomini e donne bianchi, ma il film
Sai tenere un segreto? fa uno sforzo concertato
affinché le persone nel mondo di Emma riflettano più accuratamente
la New York City dei giorni nostri. Di conseguenza, le coinquiline
di Emma, Lissy e Gemma (Jemima nel libro), sono interpretate
rispettivamente da Sunita Mani e Kimiko
Glenn. Cox interpreta Cybill, il capo di Emma, che
sostituisce Paul del libro e che probabilmente è stato adattato dal
personaggio di Cyril, il responsabile dell’ufficio.
Inoltre, Katie, la collega di Emma
appassionata di uncinetto, cambia sesso e diventa Casey
(Robert King), anche se rimane invariato il
dettaglio su un potenziale partner che usa Casey per fare
riparazioni in casa. Anche il partner di ballo di Lissy è cambiato,
diventando Omar invece di Jean-Paul. Tuttavia, sebbene il film
Sai tenere un segreto? sia molto più
diversificato, nessuno dei due protagonisti – né il fidanzato di
Emma, Connor (David Ebert) – fa parte di questa
spinta ad aggiungere più rappresentatività.
Il finale è ambientato su un
aereo, non all’after party
Il terzo atto di Sai tenere
un segreto? si svolge quasi interamente allo stesso modo
nel film e nel libro. Jack sorprende Emma a parlare con il
giornalista scandalistico assunto da Gemma/Jemima e se ne va
infuriato, nonostante Emma protesti dicendo che non avrebbe mai
venduto il suo segreto. Tuttavia, nel libro, Jack torna alla festa
dove è avvenuto questo scontro e lui ed Emma parlano fuori,
passeggiando nel giardino mentre lui le racconta tutti i suoi
segreti. Nel film, Emma lo segue sul suo volo per Chicago e si
siede nel posto di prima classe accanto a lui per fargli le sue
scuse.
Quando è costretta a tornare al suo
posto in classe economica, Jack la segue e le racconta i suoi
segreti. Si baciano e Jack continua a raccontare a Emma tutto di
sé. Questo finale cattura la stessa sensazione del libro, ma riesce
a chiudere il cerchio della storia, sia con il discorso di Emma che
ambientando la loro riconciliazione su un aereo, riportandola al
luogo dove si sono incontrati. Questo è forse il cambiamento più
grande apportato al film Sai tenere un segreto?,
ma ha anche molto senso ed è senza dubbio un finale ancora migliore
rispetto al libro di Kinsella.
L’Uomo
d’Acciaio (qui
la recensione) rappresenta una rivisitazione radicale di
Superman rispetto alle
incarnazioni classiche del personaggio, in particolare quelle
luminose e ottimistiche legate al cinema di Richard Donner e alla
figura iconica di Christopher Reeve. Zack
Snyder sceglie un tono più cupo, realistico e drammatico,
cercando di raccontare un Superman moderno: un alieno costretto a
vivere tra esseri umani che lo temono, in un mondo segnato da
paura, geopolitica e diffidenza. Il film mette al centro il
conflitto identitario, trasformando Clark Kent in un uomo che deve
scegliere chi essere, e non solo un eroe che difende la Terra.
Questa reinterpretazione portò a molte novità apprezzate, come la
rappresentazione di Krypton e la sua estetica sci-fi, il ruolo più
complesso dei genitori adottivi, e la costruzione di un Superman
tormentato, vulnerabile e costretto a confrontarsi con il peso
delle proprie responsabilità. Tuttavia, alcune scelte divisero il
pubblico e la critica: l’eccesso di distruzione, l’atmosfera troppo
cupa e la figura di un eroe meno luminoso rispetto alla tradizione
fumettistica. La decisione più controversa fu quella finale:
Superman che spezza il collo a Zod, uccidendolo.
Quel gesto, mai visto
prima nelle trasposizioni cinematografiche di Superman, cambiò per
molti l’essenza del personaggio, solitamente simbolo di speranza,
controllo morale e incorruttibilità. Alcuni lo interpretarono come
un punto di crescita drammatica, altri come un tradimento
dell’icona. Per questo motivo, nel resto di questo articolo verrà
proposto un approfondimento sul “finale alternativo” inizialmente
considerato dagli autori: un epilogo in cui Superman non uccide
Zod. Analizzeremo come questa scelta avrebbe modificato la
narrazione, l’evoluzione psicologica del protagonista e il
significato complessivo del film.
Il finale alternativo di L’Uomo d’Acciaio: le
parole di David S. Goyer
Come già detto, il finale di
L’Uomo d’Acciaio potrebbe passare alla storia come
uno dei finali più controversi dei film tratti dai fumetti.
Tuttavia, la famigerata battaglia tra Superman e Zod nel finale
avrebbe potuto prendere una direzione diversa, come rivelato dallo
sceneggiatore David
S.Goyer, il quale ha però difeso la
conclusione poi scelta, spiegando: “Capisco perfettamente che
molte persone abbiano avuto dei problemi con questo finale. Quando
ho contribuito all’adattamento di queste cose, volevo essere il più
rispettoso possibile del materiale originale”. “
Ma non è possibile proteggersi
dal fallimento. Bisogna osare. E osare comporta grandi
ricompense”. Ma il team ha rischiato di non osare, ha detto
Goyer, rivelando che il team aveva preso in considerazione un
finale alternativo per L’Uomo d’Acciaio che non
avrebbe visto Superman uccidere Zod: “L’idea era che Superman
avrebbe… c’era una di quelle capsule criogeniche sulla nave che
finisce per diventare la Fortezza della Solitudine, nella quale
avrebbe potuto rimettere Zod e poi lanciarlo nello
spazio”.
“Ne abbiamo discusso e forse
alcune persone sarebbero state più contente di questo finale, ma ci
sembrava una scappatoia per la storia che stavamo
raccontando”. Quel finale non avrebbe certamente suscitato la
reazione e le critiche che ha ricevuto il finale di L’Uomo
d’Acciaio, e sarebbe stato più in linea con le
rappresentazioni tradizionali di Superman come supereroe non
letale. Ma Goyer e i realizzatori del film erano determinati a
mantenere il loro approccio realistico a Superman, con un finale
che avrebbe messo Superman in una posizione etica difficile, e con
nessuna scelta se non quella di uccidere il suo avversario.
“Stavamo cercando di… se si
segue la storia dall’inizio alla fine, in termini di emergere di
questo personaggio, della sua maturità e della piena comprensione
del tipo di potere che ha, e quando combattono il tipo di
devastazione che ne deriva.Non è una lotta frivola, è
quasi come l’11 settembre quando combattono. Stavamo cercando di
creare una situazione di stallo in cui lui non potesse… C’era stata
una decisione editoriale nei fumetti secondo cui Superman non
uccide, era una regola, ma è una regola imposta a un mondo
immaginario. Quando stai scrivendo per la televisione o per un
film, non puoi appoggiarti a una stampella, a una norma che trova
la sua ragion d’essere al di fuori dell’esigenza
narrativa”.
“Nel nostro caso, la situazione
era questa: Zod non avrebbe smesso di uccidere degli innocenti
finché uno fra lui o Kal-el non fosse morto. La realtà dei fatti è
che nessuna prigione sulla Terra avrebbe potuto tenerlo bloccato,
il nostro Superman non poteva volare sulla Luna e non volevamo
neanche usare una scappatoia come questa. Inoltre, la nostra opera
è da intendersi come un “Superman Begins”. Clark non è Superman
fino alla fine del lungometraggio. Volevamo che lui avesse sulle
proprie spalle il peso dell’aver ucciso qualcuno, in modo tale da
poter trasportare ciò anche nel secondo film. Dato che lui è
Superman e le persone lo idolatrano, adesso deve ancorarsi a uno
standard molto elevato.
Come il finale alternativo avrebbe cambiato il film
L’ipotesi di un finale in cui Superman imprigiona Zod in una
capsula criogenica avrebbe radicalmente cambiato la percezione del
protagonista e dell’intero film. Avrebbe mantenuto intatta la
tradizione dell’eroe non letale, rafforzando l’idea di un Superman
moralmente incorruttibile, capace di trovare sempre una soluzione
alternativa alla violenza definitiva. La narrazione ne sarebbe
uscita più rassicurante, più vicina al mito classico e alla figura
del salvatore perfetto, riducendo la componente realistica e
tragica che invece caratterizza il finale ufficiale scelto da
Snyder e Goyer.
La versione canonica,
invece, trasforma la morte di Zod in un punto di trauma e
maturazione, segnando l’inizio della consapevolezza del potere e
del peso morale che comporta. Un finale alternativo avrebbe invece
evitato questa frattura psicologica, privando Superman della colpa
e del tormento che lo umanizzano e che giustificano il suo bisogno
di controllare sé stesso. Di conseguenza, il film avrebbe trasmesso
un messaggio più semplice, meno drammatico, minando l’idea di un
supereroe costretto a confrontarsi con le conseguenze reali delle
proprie azioni.
Il periodo in cui
Sylvester Stallone ha interpretato John Rambo potrebbe
essere giunto al termine, ma la storia del suo tormentato veterano
della guerra del Vietnam continuerà con un prequel in fase di
sviluppo diretto dal regista di SISUJalmari
Helander, con Noah
Centineo pronto a vestire i panni del protagonista. Sebbene sia
ancora nelle fasi iniziali, il
prequel di Rambo dovrebbe iniziare le riprese in
Thailandia il prossimo anno e ha già ottenuto un accordo di
distribuzione.
Joe Deckelmeier di MovieWeb
ha incontrato Helander mentre promuoveva SISU: Road to
Revenge, il sequel del sanguinoso film d’azione di successo del
2022, e gli ha chiesto del suo prossimo approfondimento sulla
storia di uno degli eroi d’azione più longevi del cinema. Alla
domanda se il suo Rambo avrebbe avuto lo stesso livello di
brutalità creativa di SISU, Helander ha risposto:
“Non ne sono sicuro.
Sarà la mia interpretazione di Rambo, questo è certo, ma è un
processo. È ancora in corso. Non posso ancora
rispondere”.
John Rambo ha fatto il suo debutto
nel 1982 in First Blood come uomo distrutto
dalle sue esperienze di guerra. Sebbene la serie sia diventata
famosa per le sparatorie e per il muscoloso veterano interpretato
da Stallone che sconfigge i cattivi, il primo film era tanto un
thriller psicologico quanto un film d’azione, quindi come
affronterà Helander la storia di come John Rambo è diventato il
personaggio che conosciamo? A quanto pare con la stessa
combinazione di dramma e azione del film originale.
“È la storia di ciò che
è successo a questo soldato in Vietnam e che lo ha reso l’uomo che
tutti abbiamo visto in First Blood. Ma ovviamente non è un dramma
su qualcuno che ha un crollo mentale, è anche un film
d’azione”.
Il franchise di “Rambo” è
stato acquisito da un nuovo distributore
Si parla da tempo di un prequel di
Rambo, con voci che risalgono a diversi anni fa, e il fatto che
finalmente si stia procedendo è entusiasmante per i fan del
franchise che erano alla ricerca di nuova linfa dopo l’uscita di
Rambo: Last Blood nel 2019, quasi certamente l’ultima apparizione
di Stallone.
Come riportato oggi da
THR, il franchise di Rambo è stato ora assicurato in un
“accordo di diritti ad ampio raggio” tra Lionsgate e Millennium
Media. Lionsgate distribuirà ora il prequel di John Rambo e avrà un
“ruolo di produzione principale” in qualsiasi progetto televisivo
di Rambo. In precedenza si era discusso di una serie TV su Rambo,
che era il piano originale per il prequel prima che si passasse
alla realizzazione di un film, ma sembra che il nuovo accordo di
distribuzione sia stato stipulato con l’intenzione di realizzare
comunque un progetto televisivo.
Nel frattempo, Stallone ha
recentemente aggiunto il suo peso alla nuova versione di Rambo,
dichiarando a EW che ritiene che il prequel potrebbe essere
“fantastico, se riusciranno a centrare tutti gli obiettivi”.
Condividendo la sua opinione sul passato di John Rambo, Stallone ha
detto:
“Ho sempre pensato a
Rambo come a un personaggio molto popolare. Era il capitano della
squadra di football, prendeva sempre il massimo dei voti. Insomma,
era proprio quel tipo di ragazzo, il primo della classe. Poi la
guerra lo ha distrutto e lo ha trasformato in una macchina da
guerra, affetta da disturbo da stress post-traumatico. Volevo
vedere quell’evoluzione da ‘Non vedo l’ora di andare in guerra.
Sarà divertente. Finirà tutto in tre settimane’”.
Come molti fan, Stallone potrà ora
vedere quella evoluzione nel nuovo film, che si spera sarà
all’altezza delle aspettative molto alte.
Predator:
Badlands ha già ottenuto un primo riscontro
positivo dai
social media la scorsa settimana, ma ora anche i critici hanno
espresso il loro parere sull’ultimo capitolo dell’iconica saga
fantascientifica. Sebbene alcuni fan temessero che Badlands si allontanasse troppo dalla
formula originale, sembra che il film sia comunque riuscito a
soddisfare le elevate aspettative create dai sequel più
recenti.
Predator: Badlands ha
ricevuto recensioni per lo più positive su Rotten
Tomatoes, ottenendo un punteggio dell’86% basato su 51
recensioni. Il consenso è finora stellare per il terzo progetto
Predator del regista Dan Trachtenberg, con la maggior parte
dei critici che lodano l’approccio unico del film alla formula
della saga, che si concentra su una storia sentimentale incentrata
sul protagonista Yautja di nome Dek, interpretato da Dimitrius
Schuster-Koloamatangi.
Bloody Disgusting afferma che il film prende una “deviazione
netta verso l’avventura, con la sua azione propulsiva e ricca di
creature che si abbina al brivido polarizzante dell’innovazione
Yautja”. Nel frattempo, The
Film District ha sottolineato il tono relativamente leggero del
film, che a volte può assomigliare “al pilot di un cartone animato
vintage del sabato mattina”.
“Tra il sagace compagno,
l’adorabile animale domestico non verbale e il protagonista che
subisce una crescita personale, Predator: Badlands ricorda spesso
il pilot di un cartone animato vintage del sabato mattina, ma non è
necessariamente una cosa negativa”.
Non tutti hanno amato
“Predator: Badlands”, ma le opinioni variano
Sebbene la maggior parte dei
critici abbia espresso un giudizio estremamente positivo su
Predator: Badlands, non tutti hanno apprezzato la nuova
audace direzione intrapresa dal film. Come già detto, il sequel di
fantascienza abbandona la maggior parte delle convenzioni che hanno
caratterizzato i film di Predator negli ultimi 38 anni.
Invece della bestia titolare che dà la caccia al protagonista, ora
lo Yautja è l’eroe, che cerca di dimostrare il proprio valore dando
la caccia a un mostro ancora più formidabile, insieme a un androide
semidistrutto dell’universo di Alien. The Playlist è rimasto particolarmente deluso dal modo
in cui Badlands cerca di evolvere la formula, ma non riesce
ad essere altro che una “mutazione riuscita solo a metà”.
“Curiosa mutazione riuscita solo
a metà nella stirpe di ”Predator“, ‘Badlands’ vuole trascendere gli
istinti primari del franchise. Invece, dimostra che a volte
sopravvivere significa sapere cosa non evolvere”.
Sembra che molte delle cose che la
maggior parte dei critici ha trovato soddisfacenti sembrino invece
dare fastidio ad altri. Il cambio di genere è stato apprezzato
dalla maggior parte delle recensioni, ma
Deadline ha ritenuto che il film perda slancio perché presenta
un Predator che non condivide più le qualità di “macchina da guerra
spietata e inarrestabile” dei suoi predecessori.
“Le scene d’azione non sembrano
mai galvanizzare e, a un certo punto, il predatore, un tempo
macchina da guerra spietata e inarrestabile, ha semplicemente perso
il suo fascino minaccioso. Il tutto sembra un po’, beh,
sciocco”.
In ogni caso, il pubblico scoprirà
se Predator: Badlands sarà all’altezza della serie
quando uscirà nelle sale alla fine di questa settimana.
Sebbene oggi sia uno dei thriller
polizieschi più popolari, le origini di The
Blacklist risalgono alla NBC. Creata da Jon
Bokenkamp, la serie, incentrata sull’insolita
collaborazione tra uno dei criminali più ricercati e l’FBI, ha
debuttato nel settembre 2013. In seguito al clamoroso successo
della serie, nel 2014 Netflix ha acquisito The Blacklist per la cifra record di 2
milioni di dollari a episodio. Si trattava della cifra più alta mai
pagata per un’acquisizione fino a quel momento.
Con un’impresa che solo pochi
programmi sono riusciti a realizzare, The Blacklist è
riuscita a mantenere gli spettatori incollati allo schermo per
tutti i suoi dieci anni di programmazione. Gran parte del fascino
della serie è attribuibile a un personaggio senza il quale la trama
di The Blacklist non sarebbe stata possibile:
Raymond “Red” Reddington (James
Spader). La trama centrale di The Blacklist, la “lista
nera” stessa, proviene direttamente da Red. Tuttavia, nonostante la
vitalità di Red nella storia, un’aura di mistero ha circondato il
personaggio per gran parte della serie. A rendere Red ancora più
interessante è anche il fatto che il personaggio trova le sue
origini in un vero boss mafioso.
Chi è Raymond Reddington in
“The Blacklist”?
Apparentemente, Red è una mente
criminale. Con i suoi modi affabili e la sua brillante
intelligenza, Red è in grado di manipolare le persone con
facilità e, sebbene non sia un grande fan della violenza, non esita
a ricorrervi quando necessario. Queste qualità rendono Red un
criminale davvero formidabile, degno del primo posto che occupa
nella lista dei ricercati dall’FBI.
Tuttavia, l’aura di mistero non è
mai stata troppo lontana da Red. Anzi, sembra essere una delle
caratteristiche più distintive del genio del crimine, che suscita
la curiosità degli spettatori e li attira. Red crea un’aura di
mistero fin dall’inizio, chiedendo di lavorare solo con Liz,
rendendo le domande sul perché Red tenesse così tanto a Liz e su
come fossero collegati alcune delle domande più pressanti della
serie.
Come serie, The Blacklist ha
preservato il mistero di Red fino alla fine. La sua vera identità
non viene mai rivelata in modo definitivo. Quando Liz ha lasciato
la serie nella stagione 8, credeva che Red fosse suo padre.
Tuttavia, questo non è mai stato confermato esplicitamente, anche
se c’erano molti indizi che indicavano che Red doveva essere in
qualche modo un genitore di Liz. Aggiungendosi all’ambiguità che
circonda la sua identità, Red risponde a una battuta fatta dalla
figlia di Liz, dicendo che non poteva fare a meno di sembrare una
madre. Questo apre una serie di possibilità, dato che i fan avevano
già una teoria secondo cui
Red era in realtà la madre di Liz, precedentemente nota come
Katarina Rostova.
Raymond Reddington è stato
ispirato da un boss mafioso di Boston
Con il pubblico già affascinato
dall’enigma che era Red in The Blacklist, sapere che quel
personaggio ha solide radici nella vita reale non fa che aumentare
il suo fascino. Il personaggio di Reddington nella serie è stato
ispirato da un famigerato e pericoloso boss mafioso di
Boston, Whitey Bulger.
Nato nel 1929, Bulger era un
criminale molto ricercato che figurava nella lista dei dieci
fuggitivi più ricercati dall’FBI. Controllava la Winter Hill
Gang dell’area di Boston ed era una figura temibile nel crimine
organizzato dalla fine degli anni ’60 fino agli anni ’90.
Analogamente al personaggio di Reddington in The Blacklist,anche Bulger è stato un informatore dell’FBI per un certo
periodo, fino a quando il rapporto si sarebbe deteriorato e
corrotto. Bulger è stato catturato dalla polizia nel giugno 2011 e
condannato nell’agosto 2013.
Il personaggio di Bulger è stato
fondamentale nella creazione di The Blacklist, poiché i
creatori della serie volevano realizzare uno show incentrato su un
boss mafioso. In
un’intervista a Collider nel 2013, lo showrunner e produttore
esecutivo John Eisendrath ha dichiarato che l’idea iniziale era
quella di creare uno show incentrato sulla “caccia ai cattivi”, ma
con “un cattivo al centro della trama”. È stato in quel periodo che
è stato trovato Whitey Bulger.
“Quindi, l’idea era: ‘Beh, cosa succederebbe se un
uomo come Whitey Bulger si costituisse e dicesse: ”Sono qui. Ho
alcune regole che voglio che seguiate, ma se le seguirete vi darò i
nomi delle persone con cui ho lavoratodurante i 20 anni
in cui sono stato un fuggitivo”. Quindi, c’è stata un’influenza del
mondo reale che ha influenzato la definizione della serie che era
già stata pensata… È stata una svolta fortuita, in cui si stava
valutando l’idea per una serie e poi è arrivata una storia di vita
reale che ha contribuito a darle forma”.
The
Blacklist, una serie televisiva trasmessa dalla NBC dal
2013 al 2023, ha tenuto gli spettatori incollati allo schermo per
tutti i suoi 10 anni di programmazione. Ad oggi, detiene un
punteggio del 91% da parte della critica e del 79% da parte del
pubblico su Rotten Tomatoes, e i fan continuano a speculare sulle
domande rimaste senza risposta a più di un anno dalla sua
conclusione ufficiale. La serie raccontava la storia di Raymond
“Red” Reddington, un ex agente governativo diventato latitante che
stringe un accordo con l’FBI: in cambio della sua libertà,
collaborerà con loro per catturare i membri della “lista nera”.
La lista in questione è un elenco
dei peggiori mafiosi, spie e terroristi del mondo nel mirino
dell’FBI, un vero e proprio “who’s who” dei criminali più ricercati
d’America, che solo una mente come quella di Red poteva comprendere
abbastanza bene da catturarli. Era una premessa che ha catturato
l’attenzione degli spettatori di tutto il paese, ma era il mistero
al centro dello show che faceva sintonizzare i fan ogni settimana:
chi è davvero Ray, alias “Red”, e quali sono le sue reali
motivazioni per stringere questo accordo con l’FBI?
Chi è Red in
apparenza?
Ray “Red” Reddington è
considerato una mente criminale, un antieroe altamente intelligente
e spietato che è in cima alla lista dei ricercati dall’FBI, e per
una buona ragione. È abituato a essere la persona più
intelligente nella stanza, sa leggere e manipolare le persone con
facilità e, con la sua mancanza di senso morale o empatia per la
maggior parte delle persone, può essere un alleato incredibile o un
grande pericolo per tutti coloro che lo circondano. Sebbene non
provi necessariamente piacere nel fare del male alle persone e non
ami uccidere, non è nemmeno contrario a farlo: non lo fa mai per il
gusto di farlo, ma lo considera un mezzo per raggiungere un fine,
un modo potenzialmente necessario per ottenere ciò che vuole,
specialmente dalle persone sulla lista nera.
Red è una figura enigmatica e
imperscrutabile, e il mistero che lo circonda è qualcosa che lui
stesso si impegna a mantenere. Gli altri personaggi sanno solo ciò
che lui vuole che sappiano, vedono solo le parti di lui che è
disposto a mostrare, e non è mai del tutto chiaro quanto di ciò che
mostra loro sia affidabile e quanto sia invece manipolazione. Per
questo motivo, al pubblico vengono forniti solo indizi, pezzi di
un puzzle che potrebbero non portare mai al quadro completo, sulle
sue vere intenzioni e identità. I fan della serie hanno preso
queste informazioni frammentarie e le possibili rivelazioni e hanno
fatto ciò che i fan fanno spesso: hanno creato le loro teorie e le
possibili risposte su chi sia realmente Red al di là di tutte le
bugie e le manipolazioni del suo personaggio.
Cosa vuole Red?
Oltre alla libertà, una delle
condizioni di Red per collaborare con il governo è quella di
lavorare con una profiler in particolare: Elizabeth Keen. Il
suo interesse o il suo legame con lei è sconosciuto agli altri
agenti e al pubblico, il che solleva la domanda sul perché sia così
insistente nel voler lavorare con lei. Sebbene non manchino
suspense e mistero in ogni aspetto della serie, è proprio questo
mistero ad aver affascinato maggiormente gli spettatori, che
cercano di capire chi sia Liz Keen per Red e perché lui desideri
così tanto far parte della sua vita. Nel corso della serie, la
domanda su come Red e Liz siano collegati e sul perché Red tenga
così tanto a lei è uno dei misteri principali sia per gli altri
personaggi che per gli spettatori a casa.
Man mano che la serie procedeva,
frammenti del passato di Red e il suo strano legame con Liz
venivano lentamente rivelati, o almeno accennati. Alla fine della
storia di Liz nella serie nella stagione 8, lei credeva che Red
fosse suo padre e gran parte del pubblico, almeno in quel
momento, credeva lo stesso, anche se lui negava di esserlo. Una
volta rivelato tutto sul suo passato, tranne il suo esatto rapporto
con Liz, sembrava ovvio che fosse suo padre.
Chi è Red, in realtà?
Fino alla fine, TheBlacklist non ha mai dato al pubblico una risposta
definitiva sull’identità di Red: come ci si aspetta dagli
sceneggiatori, essi offrono possibilità ambigue senza dire nulla di
definitivo agli spettatori. L’indizio più importante che ha portato
gli spettatori a una risposta è stato
nel finale, quando Red stava parlando con la figlia di Liz,
Agnes. Agnes ha scherzato durante la loro conversazione dicendo
che lui sembrava una mamma, e Red ha risposto che non poteva farci
niente.Correlati10 momenti scioccanti di The Blacklist che hanno lasciato gli spettatori
senza paroleScopri i 10 momenti più sbalorditivi di The Blacklist,
tra cui morti sorprendenti, tradimenti e rivelazioni che hanno
cambiato le carte in tavola.
Potrebbe non essere una conferma
diretta, ma a modo suo ambiguo, questo sembra essere un
suggerimento della serie ai fan che la loro teoria sull’identità di
Red come madre di Liz, e in precedenza come Katarina Rostova, era
corretta. Se questo è ciò che lo showrunner e gli sceneggiatori
stavano suggerendo, allora significherebbe che Red aveva cambiato
identità prima dell’inizio della serie: una trama potenzialmente
interessante che non è mai stata realmente esplorata in The
Blacklist, il che forse è meglio, dato che molti spettatori non
erano sicuri della capacità della serie di affrontare quella trama
con sfumature e complessità.
Questa possibile risposta, come
spesso accade in una serie che si basa su intrighi e mistero come
The Blacklist, è quanto di più vicino i fan potranno mai arrivare a
conoscere la vera identità di Red. Non è una risposta, ma è
qualcosa, ed è quanto di più vicino si possa arrivare, senza mai
sapere con certezza.
Sarà disponibile dal 15
novembre su RaiPlayLast Swim, l’esordio cinematografico del regista
britannico Sasha
Nathwani, presentato in anteprima mondiale alla
74ª edizione del Festival
Internazionale del Cinema di Berlino nella sezione
Generation 14plus. Il
film, accolto con entusiasmo da pubblico e critica, si è distinto
per la delicatezza con cui ritrae l’adolescenza contemporanea e per
la capacità di esplorare temi come l’identità culturale, il senso
di appartenenza e la paura del futuro in una Londra multiculturale
e vibrante.
Ambientato durante un’estate assolata, Last Swim racconta l’ultima giornata di libertà di Ziba,
un’adolescente anglo-iraniana brillante e sensibile che si trova di
fronte a una scelta capace di cambiare per sempre la sua vita. È il
giorno dei risultati degli esami di maturità, e Ziba, unica del suo
gruppo ad aver ottenuto voti eccellenti, decide di attraversare la
città con i suoi amici Tara, Shea, Merf e Malcolm per festeggiare
l’inizio di una nuova fase. Tra corse nei parchi, bagni nel fiume e
la trepidante attesa per un raro evento astronomico, la giovane
vive il suo “ultimo tuffo” nell’adolescenza, cercando di affrontare
il segreto che la tormenta e la paura di crescere in un mondo
incerto.
Last Swim è un
racconto di formazione
intenso e visivamente potente, che unisce la leggerezza
dei momenti di amicizia alla malinconia del cambiamento. Nathwani —
nato a Londra da madre iraniana e padre indiano, laureato alla
Tisch School of the Arts
di New York — firma la regia e la sceneggiatura insieme a
Helen Simmons,
dando vita a un’opera nata durante la pandemia, capace di
riflettere il senso di sospensione e vulnerabilità di un’intera
generazione.
«Questo film parla di controllo, di perdita e di come i nostri
sogni e le nostre scelte cambino quando gli anni più importanti ci
vengono sottratti», ha raccontato il regista. «Ziba rappresenta la
tensione tra la voglia di vivere e l’impulso di fuggire dal dolore.
È una storia di speranza, di crescita e di resilienza».
Il cast vede protagonista Deba Hekmat nel ruolo di Ziba, affiancata da
Narges Rashidi,
Denzel Baidoo,
Solly McLeod,
Lydia Fleming,
Jay Lycurgo e
Michelle
Greenidge. La fotografia è firmata da Olan Collardy, il montaggio da
Stephen Dunne,
le scenografie da Julija
Fricsone-Gavriss, i costumi da Natalie Caroline Wilkins, le musiche
originali da Federico
Albanese e il suono da George Castle.
Il film è prodotto da Campbell Beaton, Bert Hamelinck, Nisha Mullea, Sorcha
Shepherd, Helen Simmons e James Isilay per Caviar London e Pablo and Zeus, con la presentazione di
Screencrib e la
collaborazione dei produttori esecutivi Ruby Walden, Kelly Peck, Jess Ozeri, Max
Fisher e Liam
Johnson.
Con il suo sguardo intimo e autentico, Last Swim si impone come uno dei titoli più
promettenti del cinema indipendente europeo e segna l’inizio di un
percorso autoriale da seguire con grande attenzione.
George Clooney è uno dei nomi e dei volti più
riconoscibili di Hollywood, quindi è ironico che lui stesso si
descriva come una persona che ha avuto una “mancanza di
successo”, ma se si considera il contesto la cosa acquista più
senso. Clooney ha sfondato nel mondo dello spettacolo come star
televisiva, interpretando il dottor Doug Ross in ER,
prima di diventare una star del cinema acclamata.
Clooney ha poi recitato nei film
iconici Ocean’s Eleven all’inizio degli anni 2000, e in
seguito ha ottenuto ruoli in alcuni veri successi di critica. I
migliori film di Clooney oggi includono Michael Clayton,
Paradiso amaro e Syriana, l’ultimo dei quali gli è valso
l’Oscar come miglior attore non protagonista. Il suo nuovo
lungometraggio Jay Kelly, distribuito da Netflix, arriverà in alcuni cinema il 14
novembre.
Il trailer di Jay Kelly mostra il personaggio
principale, una star del cinema in declino, che intraprende un
viaggio trasformativo con il suo manager di lunga data (Adam Sandler). In una nuova intervista, Seth
Doane della
CBS sottolinea che “alcuni elementi inseriti” nel
personaggio di Jay Kelly sono stati evidentemente tratti dalla vita
di Clooney, tra cui il fatto che sia originario del Kentucky e che
gli sia stato chiesto di candidarsi alla presidenza.
Lo stesso Clooney ne aggiunge poi
un’altra: la percezione che Kelly (ovvero Clooney) interpreti solo
se stesso. Tuttavia, dopo aver cercato di dissipare questa critica
comune affermando di “non essere mai stato un agente della CIA o
un ladro”, Clooney prosegue dicendo che il suo successo
commerciale relativamente mediocre gli ha permesso di interpretare
molti ruoli diversi, anziché rimanere bloccato in un unico
genere.
Leggi qui sotto il commento
completo di Clooney:
George Clooney:Beh, non lo so, in
realtà non sono mai stato un agente della CIA né un ladro. C’è una
parte della mia carriera che è stata affascinante, ovvero il fatto
di aver avuto un enorme successo, ma non un successo esagerato, non
quello, sapete, dei franchise multimiliardari. Sai, i film della
serie Ocean’s hanno avuto un grande successo, ma molti dei miei
successi sono stati doppi, sai, Michael Clayton, è costato 12
milioni di dollari e ne abbiamo incassati circa 90 [milioni]. Ma è
un film fantastico […] Quindi, se ne fai alcuni, Up in the Air è la
stessa cosa, The Descendants è la stessa cosa, perché non hanno
avuto un successo enorme, non vieni etichettato come uno che può
fare solo commedie o solo drammi. E grazie a questo mi è stato
permesso di fare O Brother [Where Art Thou?] e Syriana. È molto
divertente per me non essere bloccato in un genere, quindi in un
certo senso la mia mancanza di successo…
Seth Doane: La gente farà fatica ad
accettare questa affermazione.
George Clooney:Beh, sai, ma lo capirai se lo
confronti con la carriera di altri attori. Non mi sembra che la mia
carriera non abbia funzionato, mi sembra di stare andando bene. Ma
una parte importante del mio lavoro di attore è che posso fare cose
che molti attori non possono fare perché sono diventati famosi con
un film d’azione e quindi sono delle star d’azione. […] Io sono il
beneficiario di aver fatto dei doppi invece che, sai, dei
fuoricampo.
Secondo The Numbers, Clooney si
colloca solo al 76° posto tra gli attori più redditizi di tutti i
tempi, con le star dell’MCUScarlett Johansson, Samuel L. Jackson e Robert Downey Jr. che occupano i
primi tre posti. Questi attori saranno anche prontamente accolti in
qualsiasi film drammatico candidato ai premi, compresi Marriage
Story e Oppenheimer negli ultimi anni.
È vero che Clooney ha recitato
in commedie, drammi, film d’azione e altro ancora, anche se
alcuni spettatori potrebbero pensare che i suoi personaggi abbiano
tutti personalità simili. Tra i film più particolari di Clooney ci
sono Gravity, The American e Fantastic Mr. Fox. Tuttavia, il tipo
di successo che lui sostiene di non aver raggiunto permette
generalmente agli attori di perseguire progetti diversi, con gli
studios che puntano sul loro potere di star.
Clooney mette in evidenza i diversi
criteri di successo a Hollywood, poiché lui stesso ha un
incredibile potere di star, ma potrebbe non essere la scelta
preferita di tutti i produttori che vogliono un successo al
botteghino. Jay Kelly era un film scritto intorno a George
Clooney, e potrebbe ancora faticare a ottenere nomination agli
Oscar di quest’anno. Tuttavia, l’attore ha chiaramente ancora una
carriera redditizia e l’opportunità di intraprendere lavori più
entusiasmanti.
100 Nights of Hero,
con Maika Monroe, ha ufficialmente pubblicato un
nuovo trailer del film fantasy che mostra il cast stellare e un
potenziale triangolo amoroso.
La sinossi ufficiale di 100
Nights of Hero è:
“Ambientato a Darkly End, un
mondo alternativo governato dal dispotico Birdman. Cherry è infelicemente sposata con Jerome,
che non vuole passare del tempo con lei. Considerando il loro
“dovere” di generare un erede, la situazione è preoccupante.
L’unico raggio di sole nella giornata di Cherry è la sua domestica,
Hero. Hero fa parte di una società segreta che raccoglie storie di
donne che si sono ribellate e hanno incontrato destini ingiusti,
giurando che i loro sacrifici non saranno dimenticati…
Perché la morte non è mai
lontana per le donne qui. Quindi, quando Jerome parte
misteriosamente per un “viaggio di lavoro” e lascia Cherry con il
suo amico donnaiolo Manfred, Hero ha un brutto presentimento.
Mentre l’affascinante Manfred si sistema, Cherry si ritrova
intrappolata tra l’unico uomo che l’ha mai ascoltata e la domestica
per cui sta sviluppando sentimenti proibiti.Tutte le
donne ribelli finiscono per morire: Cherry e Hero riusciranno a
sfuggire a quel destino?“
Il cast include Emma Corrin nel ruolo di Hero, Nicholas
Galltzine nel ruolo di Manfred, Monroe nel ruolo di Cherry, Charli
XCX nel ruolo di Rosa e Richard E. Grant nel ruolo di Birdman. La
data di uscita ufficiale del film è il 5 dicembre. Il film ha
attualmente un punteggio perfetto del 100% su Rotten Tomatoes prima
della sua uscita, con i critici che lodano la narrazione
“eccentrica e divertente” di Jackman.
Questo fantasy storico è il
secondo lungometraggio della regista Julia Jackman, dopo il
film Bonus Track del 2023 e numerosi cortometraggi. 100 Nights
of Hero è basato sul romanzo grafico di Isabel Greenberg
intitolato The One Hundred Nights of Hero. Il film esplora
la sessualità, il desiderio e la misoginia in un’ambientazione
fantasy in stile gotico con scenografie e costumi elaborati.
L’adattamento del romanzo di
Greenberg è distribuito dalla Independent Film Company e ha avuto
la sua prima mondiale al Festival Internazionale del Cinema di
Venezia il 6 settembre. Non ci sono dati ufficiali in termini di
budget, ma trattandosi di un film indipendente, è probabile che il
budget non sia troppo elevato. Tuttavia, il cast impressionante
è un punto di forza per portare questo fantasy eccentrico alla
stagione dei premi.
Monroe interpreta l’innocente sposa
Cherry, mentre Corrin interpreta la sua damigella Hero. La chimica
tra Monroe e Corrin ha conquistato il cuore dei critici, essendo
uno dei motivi principali delle recensioni e dei commenti così
positivi, che hanno portato a un punteggio perfetto su Rotten
Tomatoes.
Dopo quasi un anno di cause legali
reciproche, parte della battaglia legale post It Ends With Us tra Blake Lively e Justin Baldoni è giunta al
termine. Già autori dell’adattamento cinematografico del
controverso romanzo di Colleen Hoover, Baldoni e Lively hanno
lavorato insieme al successo al botteghino del 2024, diventando
oggetto di discussioni scandalistiche a causa delle voci e delle
notizie che circolavano sui loro conflitti sul set e sul minimo
coinvolgimento del regista/produttore nella promozione del
film.
La situazione è esplosa quando
Lively ha presentato una denuncia contro Baldoni per aver reso il
set di It Ends With Us un ambiente di lavoro
tossico, e sono emerse notizie secondo cui il regista avrebbe
assunto un team di PR per danneggiare la sua immagine pubblica.
Ciò si è trasformato in una serie
di cause legali e denunce tra i due, tra cui molestie sessuali
contro Baldoni, cause per diffamazione contro Lively e The New York
Times e citazioni in giudizio per far testimoniare Taylor Swift e
Perez Hilton, tra gli altri, sul loro coinvolgimento nella
produzione.
Come riportato per la prima volta
da PEOPLE, la controquerela per diffamazione da 400 milioni
di dollari intentata da Baldoni contro Lively e Ryan Reynolds è stata archiviata dal giudice
della Corte Distrettuale degli Stati Uniti Lewis Liman. La
sentenza è stata favorevole a questi ultimi dopo che il regista
di It Ends With Us e la sua società di produzione, Wayfarer
Studios, non sono riusciti a presentare ulteriori denunce
modificate prima della scadenza fissata dal giudice dopo che il
caso era stato archiviato a giugno.
Nel documento della causa, Lively
sarebbe stata l’unica a rispondere alla richiesta del giudice a
entrambe le parti di chiudere completamente il caso. Oltre alla
sconfitta legale del regista, il giudice ha accolto la richiesta
di Lively che Baldoni coprisse le sue spese legali, e al
momento della stesura di questo articolo, il regista di It Ends
With Us non ha esercitato il suo diritto di appellarsi contro
la sentenza.
Nei 10 mesi trascorsi da quando
Lively ha presentato la sua denuncia iniziale contro Baldoni, il
regista ha agito in difesa nelle varie battaglie legali contro la
suaco-protagonista. Oltre al già citato rigetto della
sua causa per diffamazione contro la Lively, poiché quest’ultima
era protetta da una legge della California relativa alle sue accuse
di molestie, la causa da 250 milioni di dollari intentata da
Baldoni contro The New York Times è stata respinta,
mentre è stato anche abbandonato dalla sua agenzia di talenti, la
WME, e allontanato da vari altri attori.
La Lively, che ha ottenuto il
sostegno esplicito di numerosi importanti personaggi di Hollywood,
tra cui Hoover, alcuni membri del cast di It Ends With Us e
la Sony, non ha ottenuto finora una vittoria totale. La causa
dell’attrice contro l’esperto di pubbliche relazioni Jed Wallace,
che secondo lei avrebbe partecipato alla presunta campagna
diffamatoria contro di lei, è stata respinta senza
pregiudizio, poiché il giudice ha ritenuto che la star non
avesse fornito prove sufficientemente definitive per citare in
giudizio Wallace.
Con la causa principale di Lively
contro Baldoni che andrà in giudizio nel marzo 2026, la sua ultima
vittoria contro il regista di It Ends With Us
continua a essere un colpo più dannoso per la carriera di
quest’ultimo che per quella della prima. Lively ha già diversi
altri progetti in varie fasi di sviluppo, tra cui la commedia
romantica d’azione The Survival List, che la riunisce con i
produttori della Simple Favor franchise Lionsgate, mentre
Baldoni non ha ancora in programma nessuna impresa importante.
Più affiatati che mai,
tra set infuocati, provini da incubo e talent sempre più
indomabili, sono pronti ad affrontare una nuova, scoppiettante
stagione i protagonisti di Call My Agent –
Italia, la serie Sky Original remake del cult Dix
pour cent sul dietro le quinte dello show business italiano, che
torna con i nuovi episodi dal 14 novembre in esclusiva su Sky e in
streaming solo su NOW.
Sempre prodotta da Sky
Studios e da Palomar (a Mediawan Company), la terza stagione della
serie è diretta da Simone Spada (Hotel Gagarin,
Studio Battaglia, Rocco Schiavone) e scritta da Federico
Baccomo (Call My Agent – Italia, Improvvisamente Natale,
Studio Battaglia), autore del soggetto di serie e dei soggetti di
puntata, con Camilla Buizza (ep. 2 e 5) e
Tommaso Renzoni (ep. 4).
Col consueto tono
brillante e autoironico, la terza stagione celebrerà ancora una
volta il nostro star system raccontando il dietro le quinte del
mondo dello spettacolo attraverso le vicende di una immaginaria – e
ormai amatissima – agenzia di spettacolo, la CMA, e dei suoi
agenti, che nei nuovi episodi, pronti ad affrontare un nuovo anno
esplosivo, si prepareranno a una vera e propria rivoluzione che
rischierà di far deflagrare la loro straordinaria famiglia.
Sullo sfondo di una Roma
ritratta nelle sue location più esclusive e rappresentative del jet
set, la nuova stagione sarà ricchissima di volti noti. Affiancati
anche quest’anno da tanti sorprendenti camei, tornano i
protagonisti delle prime due stagioni: Michele Di Mauro, Sara Drago
e Maurizio Lastrico ancora nei ruoli di Vittorio, Lea e Gabriele,
talentuosi, instancabili e appassionati agenti di alcuni fra i più
grandi protagonisti del mondo dello spettacolo italiano. E i loro
assistenti: Monica (Sara Lazzaro), Pierpaolo
(Francesco Russo) e Camilla (Paola
Buratto). Nei nuovi episodi ritornano anche Kaze nel ruolo
di Sofia, Emanuela Fanelli in quello di Luana
Pericoli e Corrado Guzzanti.
A complicare la vita
degli agenti e, di conseguenza, quella dei loro assistenti, anche
nei nuovi episodi tanti nuovi nomi di primissimo piano, guest di
ciascuna puntata nei panni di se stessi: Luca Argentero (protagonista di Ligas,
da marzo su Sky e Now) è deciso a mettere da parte la
carriera per dedicarsi alla famiglia; Michelle
Hunziker e Aurora Ramazzotti sono chiamate a
essere mamma e figlia anche sul set; Stefania Sandrelli è in cerca
di una nuova sfida da aggiungere al suo lungo curriculum; il cast
di “Romanzo Criminale – La serie” (Marco Bocci, Vinicio
Marchioni, Francesco Montanari, Edoardo Pesce, Alessandro Roia,
Daniela Virgilio) si ritrova per una reunion attesissima
che prende però una piega inaspettata; Miriam Leone dopo la maternità è pronta a
tornare sul set, ma è sommersa da proposte che sono spesso ruoli di
madri; la coppia Ficarra & Picone in piena crisi
alla vigilia di un importante anniversario, quello dei 30 anni di
carriera. Nella terza stagione anche Nicolas Maupas nei panni di se
stesso e Gianmarco Saurino in quelli dell’intermediario di UBA tra
Italia e Stati Uniti. E con la partecipazione di Cristina Marino,
Simon & the Stars, Matteo Giuggioli, Elia Nuzzolo, Alessandro
Borghese, Tananai, Giorgia.
Ora che non c’è più
Elvira, gli equilibri alla CMA sono destinati a mutare, anche
perché UBA, la più grande agenzia mondiale, si sta apprestando a
sbarcare sul suolo italiano, decisa a spazzare via la concorrenza.
Vittorio, Lea e Gabriele sono determinati e pronti a raccogliere la
sfida, ma non si tratta di una battaglia facile, soprattutto ora
che la vita privata dei tre spariglia le carte in tavola. Tra amori
che nascono, relazioni che finiscono e contrattempi imprevedibili,
i nostri tre agenti, insieme ai loro fedeli assistenti,
affronteranno una vera e propria lotta contro il tempo per salvare
il futuro della CMA.
Negli anni successivi all’esecuzione
di Aileen Wuornos nel 2002 — dopo gli omicidi
di sette uomini avvenuti in Florida tra il 1989 e il 1990 — la sua
storia è stata oggetto di dibattiti, reinterpretazioni e
mitizzazioni, ispirando l’interpretazione premiata con l’Oscar di
Charlize Theron nel film
Monster (2003) e numerosi documentari
true crime.
Il nuovo documentario della regista
Emily Turner, Aileen: storia di una serial killer,
ora disponibile su Netflix, torna sul caso nel 2025 — non per rimettere
in discussione il verdetto, ma per comprendere meglio chi fosse
Wuornos e perché la sua storia continui a resistere a spiegazioni
semplici.
«È così confusa e così
complessa, in modo del tutto opposto a come ci piace che le donne
siano», racconta Turner a Tudum. «E per me
era davvero importante che non stessimo realizzando un film che
cercasse di giustificare ciò che aveva fatto. Spero che le persone
arrivino a conclusioni molto diverse tra loro».
Cosa c’è di nuovo nel documentario
su Aileen Wuornos?
Il film include nuove conversazioni
audio con figure chiave del caso Wuornos, insieme a filmati
d’archivio dei servizi di Dateline della giornalista
Michele Gillen, scene di tribunale e registrazioni
della polizia. Mostra anche conversazioni mai viste prima tra
Wuornos — quando si trovava nel braccio della morte — e la regista
Jasmine Hirst.
La scelta di Turner di rinunciare
alle interviste filmate aveva due obiettivi: innanzitutto,
permettere agli spettatori di vivere gli eventi con maggiore
immediatezza, lasciando che i filmati d’archivio scorressero senza
interruzioni da parte di commentatori; inoltre, favorire
riflessioni più sincere e rivelatrici da parte dei
partecipanti.
«Ero sbalordita da quanto la
gente ti racconti quando non hai una telecamera davanti», dice
Turner. «Volevamo che quelle voci risultassero il più possibile
dirette, non filtrate».
Il risultato è un’inversione
deliberata della classica struttura del true crime. Invece di
ricostruzioni cronologiche e interviste di esperti che
attribuiscono significato agli eventi, gli spettatori vengono
immersi direttamente nell’indagine, osservando filmati grezzi,
reazioni spontanee e contraddizioni in tempo reale.
«[Volevamo] che sembrasse di guardare i filmati grezzi della
storia che si sviluppa insieme alle persone che ne facevano
parte», spiega Turner. «Così, quando si vede quel
poliziotto, lui sta effettivamente guardando il materiale che voi
state guardando, e quelle sono le sue reazioni a cose che non
vedeva da trent’anni».
Aileen: storia di una serial killer – Immagine dal set
Cosa spinse Wuornos a uccidere
sette uomini?
Mostrando momenti non filtrati del
caso così come emersero, Turner ha voluto superare la visione
semplicistica di Wuornos come “assassina o vittima”. Si è invece
concentrata sui momenti chiave che hanno plasmato — e alla fine
deformato — il corso della sua vita.
«È molto più facile liquidare
qualcuno che ha commesso atti così orribili come un assassino a
sangue freddo, piuttosto che vederlo come un essere umano
profondamente ferito», afferma Turner. «In realtà, lei è
stata creata, e questo è agghiacciante».
Nata nel 1956 nel Michigan, Wuornos
non conobbe mai suo padre e fu abbandonata dalla madre a quattro
anni. Fu cresciuta dai nonni, da cui subì abusi fisici e sessuali.
A 14 anni rimase incinta dopo uno stupro e diede alla luce un
bambino che fu costretta a dare in adozione. Abbandonò la scuola e,
dopo essere stata cacciata di casa dal nonno, visse nei boschi
vicini.
Fece autostop fino in Florida,
sopravvivendo grazie al lavoro sessuale e a piccoli reati.
Attraverso filmati d’archivio e interviste, il documentario
suggerisce che questo percorso traumatico e instabile fu la
premessa dei crimini che la resero famosa.
Le eco di quella storia di violenza
risuonano anche in tribunale, quando il film rievoca la difesa di
Wuornos, basata sull’autodifesa. Il documentario presenta la sua
testimonianza riguardo a una brutale aggressione sessuale da parte
della sua prima vittima, Richard Mallory, senza interrompere la
narrazione con commenti esterni.
Rivela inoltre che i documenti
sulla precedente condanna di Mallory per tentato stupro e i suoi
anni di trattamento in una struttura per autori di reati sessuali
non furono mai presentati come prove. Gli spettatori sono quindi
invitati a valutare il racconto di Wuornos alla luce di questi
dettagli e a chiedersi se ciò cambi il giudizio sul suo caso.
Fu condannata per l’omicidio di
Mallory e condannata a morte. Quello fu il suo unico processo: in
seguito si dichiarò colpevole (senza ammettere formalmente la
colpa) per altri cinque omicidi, mentre non fu mai incriminata per
il settimo.
Che Wuornos meriti o meno
compassione per le violenze subite, Turner sottolinea che la
dissonanza è parte integrante del messaggio. «Spero che due
persone guardino questo film e arrivino a conclusioni completamente
diverse», dice. «Voglio che il pubblico si senta
confuso».
In che modo genere e stigma hanno
influenzato il caso Wuornos?
Rara donna in una categoria
criminale dominata dagli uomini, Wuornos affrontò un’attenzione
morbosa da parte dei media e del sistema giudiziario. Durante la
realizzazione del film, Turner e la sua squadra si sono trovate a
dover contrastare quegli stessi pregiudizi.
«Eravamo una squadra piuttosto
piccola e quasi tutta al femminile, quindi ci mettevamo
costantemente in discussione», racconta Turner. «Parlavamo
di lei ogni giorno, e ciascuna di noi si trovava a cambiare punto
di vista di continuo. Era proprio quello il mio obiettivo: portare
gli spettatori nello stesso viaggio che abbiamo fatto
noi».
Nei materiali d’archivio e nelle
interviste audio, il pregiudizio emerge chiaramente: i giornalisti
la etichettano e la sensazionalizzano come una prostituta («È stata
definita la “prostituta infernale”», dice un servizio nel film). Il
procuratore capo, John Tanner, un cristiano rinato, la descrisse
come irrimediabilmente malvagia e degna della punizione più severa
possibile.
La figura imponente di Tanner come
procuratore “fuoco e zolfo” portò Turner a scoprire un collegamento
sorprendente tra lui e un altro famigerato serial killer: Ted Bundy. Questo rivelò un evidente doppio
standard di genere.
«Era qualcosa che all’epoca era
stato riportato, ma per noi è stata una sorpresa: John Tanner, il
procuratore, era stato il “compagno di preghiera” di Ted Bundy
pochi anni prima del processo a Wuornos, trascorrendo ore a pregare
con lui come parte del suo ministero carcerario», spiega
Turner. «E poi, solo pochi anni dopo, lo stesso uomo persegue
Aileen e scrive articoli d’opinione in cui sostiene che le
prostitute sono la causa dei mali della società — è qualcosa di
profondamente immorale, nel migliore dei casi».
Questo contrasto solleva una
domanda che il film pone più volte: chi ha diritto alla
complessità, alla grazia o alla possibilità di cambiamento — e chi
no?
Turner sottolinea come quel clima
culturale si fosse insinuato anche nella percezione che Wuornos
aveva di sé stessa in carcere. «Il suo rifiuto di vedersi come
vittima era un aspetto molto difficile della sua personalità»,
afferma. «Dice a Jasmine: “Non sono una donnicciola debole”. È
devastante sentirla accennare con leggerezza a ciò che aveva
sopportato crescendo».
Qual era la relazione tra Wuornos
e Tyria Moore?
Tyria Moore era la
fidanzata di Wuornos durante il periodo degli omicidi e divenne
parte dell’indagine quando la polizia cominciò a sospettare di
Aileen. Dopo aver lasciato la Florida, Moore collaborò con le
autorità e, durante telefonate registrate organizzate dalla
polizia, cercò di spingere Wuornos a fare ammissioni
compromettenti.
Nel documentario si sentono
frammenti di quelle chiamate, in cui Moore incalza Wuornos a
confessare, seguiti da dichiarazioni implicite di colpevolezza da
parte di quest’ultima. Moore poi testimoniò contro Wuornos in
tribunale, e la sua deposizione fu determinante per la
condanna.
Il film presenta la collaborazione
di Moore con gli investigatori come il risultato della pressione
del momento e della complessità del legame che la univa a Wuornos.
«È giusto dire che Tyria non vuole far parte del racconto di
questa storia», osserva Turner.
Le famiglie delle vittime di
Wuornos partecipano al documentario?
Pur insistendo sul fatto che il
genere, lo stigma e la relazione di Wuornos con Moore debbano
essere considerati per comprendere il caso, Turner è altrettanto
attenta a non cadere nell’estremo opposto — quello di trasformare
Wuornos in una sorta di vendicatrice femminista che oscuri il
dolore reale delle sue vittime. «Alcuni si chiedono se possa
essere considerata un’icona femminista. Io credo che la verità di
ciò che ha fatto sia brutale», afferma.
Questo equilibrio si riflette anche
nel modo in cui il film tratta le persone più direttamente colpite.
Turner spiega che la troupe è rimasta in contatto con le famiglie e
ha valutato con cura le proprie responsabilità nei loro confronti,
scegliendo di non trasformare il loro dolore in materiale
filmico.
«Ci sono delle vittime al
centro di tutto questo, e rimangono sempre in primo piano nei
nostri pensieri», dice. «Abbiamo riflettuto molto sulle
nostre responsabilità come registi. Ma un regista deve scegliere la
storia che vuole raccontare, e sarebbe stato sbagliato ridurre i
traumi di quelle famiglie a brevi spezzoni in questo
progetto».
Come si conclude il
documentario?
Nel finale, Aileen: storia di una serial
killer invita gli spettatori a confrontarsi
con una verità scomoda: questa storia non offre risposte nette — e
il modo in cui vediamo Wuornos rivela tanto di noi quanto di
lei.
«Penso che, soprattutto oggi,
in un mondo di soluzioni rapide, ci venga continuamente detto come
pensare, e che tutto si divida in bianco e nero. Ma non è
così», afferma Turner. «Vogliamo che Aileen sia o la
vittima impotente creata dalla società, a cui la vita è
semplicemente accaduta, oppure l’assassina a sangue freddo. Ma
nessuna di queste due immagini le rende giustizia. È carismatica,
ed è un’assassina… È solo molto più facile pensare in termini
assoluti. Ma la vita non è così, vero?».
La storia di Aileen
Wuornos — che uccise sette uomini tra il 1989 e il 1990 e
fu giustiziata mediante iniezione letale nel 2002 — è da tempo una
presenza fissa nella cultura popolare, raccontata in versioni
televisive e adattata per il cinema, con Charlize Theron che interpretò la serial
killer in un ruolo vincitore dell’Oscar.
Wuornos era una prostituta in
Florida e confessò di aver ucciso a colpi di arma da fuoco sette
uomini di mezza età in un periodo di dodici mesi, tra il 1989 e il
1990. Fu condannata solo per uno di questi omicidi nel 1992,
all’età di 35 anni. Più di due decenni dopo, i suoi motivi restano
poco chiari.
Ora, un nuovo documentario di
Netflix, Aileen: storia di una serial
killer, uscito il 30 ottobre, ripercorre i suoi crimini e
include una rara testimonianza della stessa Wuornos, tratta da
un’intervista del 1997 condotta dall’artista e regista
Jasmine Hirst, che divenne sua corrispondente mentre
Wuornos era in prigione.
La conversazione, filmata in
carcere, offre uno sguardo sullo stato mentale di Wuornos al
momento degli omicidi e costituisce la spina dorsale del
documentario. Nel film sono inoltre inseriti estratti
audio di interviste che la regista Emily Turner ha
realizzato la scorsa estate con membri delle forze dell’ordine
coinvolti nel caso, oltre che con la famiglia e gli amici di
Wuornos.
Ecco le principali rivelazioni
dell’intervista e le teorie più accreditate sui motivi di
Wuornos.
Durante l’intervista con Hirst,
Wuornos si presenta come una vittima, descrivendo un’infanzia
difficile trascorsa sotto la rigida educazione dei suoi nonni,
devoti cristiani. Scappò di casa a 15 anni e trascorse i cinque
anni successivi viaggiando in autostop, dormendo sotto i viadotti e
nei pascoli. «Sono tosta», dice a Hirst. Afferma di essere stata
stuprata più volte in quel periodo.
La sua amica d’infanzia, Dawn
Botkins, crede che Wuornos sia diventata prostituta per guadagnare
abbastanza da poter sfamare il fratello, che viveva anch’egli con i
nonni. Sebbene Wuornos abbia sempre sostenuto che l’uomo per il cui
omicidio fu condannata nel 1989, Richard Mallory, l’avesse stuprata
e sodomizzata, nell’intervista con Hirst ammette di aver mentito
riguardo alla sodomia.
«C’è solo una cosa su cui ho
mentito: non c’è stata alcuna sodomia», dice, aggiungendo che
aveva “sbagliato con i poliziotti” e poi aveva cominciato a
“parlare a vanvera”, pensando “alle donne stuprate, ai loro
problemi e ai miei”. Dice che per lei fu frustrante dover “portare
avanti quella stupida bugia durante tutto il processo”.
Sostiene di non identificarsi con
il termine “serial killer”, affermando che divenne un’assassina
solo a causa dell’abuso di alcol. Come dice lei stessa: «Ci
sono diventata, ma il mio vero io non è quello». Nonostante le
sue affermazioni di non riconoscersi nell’etichetta di “serial
killer”, Wuornos sembrava compiacersi dell’attenzione legata ai
suoi crimini. «Voi guadagnerete milioni con tutto questo», sussurra
a Hirst, sistemando i capelli prima dell’intervista davanti alla
telecamera.
«È una cosa così triste»,
dice la regista Turner, «che la prima volta nella sua vita in
cui Aileen si sia sentita ascoltata o considerata qualcuno sia
stata quando è diventata una serial killer».
Secondo Turner, una teoria su cosa
abbia spinto Wuornos a uccidere è che fosse stata talmente
brutalizzata nella vita da agire per vendetta. La sua
sessualità ne faceva parte: al momento dell’uccisione di Mallory,
aveva una relazione stabile con una donna di nome Tyria Moore, alla
quale confessò il delitto. «Dopo aver avuto così tante
relazioni violente con uomini, decise, come dice lei stessa, di
“provare il lesbismo”», spiega Turner. Il lavoro sessuale con
gli uomini era solo un modo per guadagnare qualcosa e sopravvivere
“alla giornata”.
Wuornos è «una narratrice
incredibilmente inaffidabile».
Il vero movente di Wuornos potrebbe
non essere mai pienamente compreso. «Probabilmente non esiste
una risposta semplice», dice Turner. «Voglio che
la gente guardi il film e tragga le proprie
conclusioni».
Giovedì 6 novembre 2025, il Cineclub Roma ospita una serata
speciale dedicata al cinema del reale con la proiezione di Notturno, il pluripremiato documentario di
Gianfranco Rosi, all’interno della rassegna Semi di pace.
L’iniziativa, promossa da Blade Runner Foundation con il patrocinio della Presidenza
dell’Assemblea Capitolina, offrirà al pubblico un’occasione unica
per riscoprire uno dei lavori più intensi del cinema contemporaneo
italiano, capace di attraversare i confini mediorientali per
restituire, attraverso il linguaggio poetico e rigoroso di Rosi, un
ritratto intimo e universale della sofferenza civile e della
dignità umana.
La serata inizierà alle 19:00 con l’ingresso del pubblico,
seguita dalla proiezione del film alle 20:30. A chiudere
l’incontro, alle 22:00, un dibattito con la produttrice Donatella
Palermo, che condividerà con il pubblico riflessioni e retroscena
sul processo creativo di Notturno e sul ruolo del cinema
come strumento di testimonianza e consapevolezza sociale.
Girato lungo i confini di Iraq, Kurdistan, Siria e Libano,
Notturno raccoglie immagini di vita quotidiana segnate dalla
guerra, ma anche momenti di straordinaria umanità. Come affermava
Rosi in occasione della presentazione del film:
“Volevo raccontare ciò che accade dopo le bombe, dopo il
rumore: le ferite invisibili, il silenzio delle persone che
continuano a vivere.”
L’appuntamento si inserisce nel progetto Semi di pace, che
attraverso il linguaggio cinematografico intende promuovere una
riflessione collettiva sulla pace e sulla responsabilità
civile.
Vice – L’uomo nell’ombra (qui la recensione) ricostruisce
l’ascesa politica di Dick Cheney (interpretato da
Christian Bale)
trasformandolo in una figura quasi machiavellica, capace di
manovrare la politica americana da dietro le quinte con una
freddezza “da burattinaio”. Adam McKay sceglie una
narrazione satirica, tagliente e spesso volutamente esasperata,
facendo emergere un ritratto che, per molti aspetti, si distacca
dalla realtà dei fatti. Per capire chi fosse davvero Cheney,
bisogna attraversare la sua storia dalla giovinezza fino agli anni
alla Casa Bianca, distinguendo ciò che il film suggerisce da ciò
che è documentato.
La storia vera
dietro Vice – L’uomo nell’ombra
Dick Cheney nasce nel 1941 a Lincoln, Nebraska, e
cresce in Wyoming, un luogo che lui stesso descriverà sempre come
fondamentale per la sua identità. Figlio di un impiegato
governativo, non ha un percorso accademico brillante come ci si
aspetterebbe da un futuro vicepresidente degli Stati Uniti. Nel
film vediamo un giovane Cheney completamente allo sbando, ed è vero
che il suo arrivo a Yale fu un fallimento: il giovane Dick venne
ammesso grazie a una borsa di studio e al sostegno di un petroliere
del Wyoming, ma finì per abbandonarsi all’alcol e alle cattive
compagnie.
Ufficialmente, Cheney venne espulso, non una ma due volte, dopo
aver tentato senza successo di rientrare. Nel film, la
sceneggiatura aggiunge episodi inventati, come la rissa che lo
etichetta come “dirtbag”, dettaglio mai confermato da documenti o
testimonianze. Dopo gli anni bui, Cheney lavorò per un periodo come
operaio, occupandosi della posa delle linee elettriche: nel film
viene mostrato come lineman, arrampicato sui pali, mentre la realtà
è meno spettacolare. Era un “groundman”, addetto a scavare,
sollevare cavi e assistere chi si arrampicava davvero. In quel
periodo venne arrestato due volte per guida in stato di ebbrezza,
tra i 21 e i 22 anni.
Le
cronache confermano tutto: multe, ritiro temporaneo della patente e
un momento di svolta nella sua vita personale. Cheney stesso ammise
che le due denunce lo costrinsero a guardarsi allo specchio e a
capire che stava andando nella direzione sbagliata. La sua compagna
di allora, Lynne Vincent, avrà un ruolo decisivo
nella trasformazione. Nella versione cinematografica, Lynne sembra
quasi salvarlo con una predica infuocata e ultimativa, un momento
romanzato ma basato su qualcosa di reale. Cheney raccontò che smise
di frequentare bar, trovò disciplina e decise di sposarsi. Tornò a
studiare, si iscrisse all’Università del Wyoming e, questa volta,
completò il percorso: prima la laurea, poi un master in Scienze
Politiche.
La carriera politica
Quando nel film vediamo un Cheney spaesato e senza convinzioni
politiche, pronto a scegliere un partito quasi per caso dopo aver
assistito a un comizio di Donald Rumsfeld, siamo lontani dalla
realtà. Cheney aveva già idee conservative radicate, sviluppate
proprio negli anni universitari. Alcuni professori influenti, come
H. Bradford Westerfield, formarono la sua visione
di politica estera e gli diedero basi che lo avrebbero accompagnato
per tutta la carriera. Il film suggerisce che Cheney arrivò a
Washington privo di identità politica, ma la storia dice altro: il
giovane Dick si era già fatto notare come assistente parlamentare e
analista politico, e la collaborazione con Donald Rumsfeld nacque
da interessi e visioni già compatibili.
La
sua carriera governativa fu fulminante: consigliere sotto
Nixon, capo di gabinetto alla Casa Bianca con
Gerald Ford, poi membro del Congresso. Vice – L’uomo
nell’ombra racconta la campagna elettorale per il suo
seggio del 1978 come un disastro che costringe Lynne a sostituire
il marito ai comizi, ribaltando il risultato. Non esistono fonti
che confermino questo passaggio, e nella realtà Cheney si impose
con una comunicazione prudente ma efficace. Anche il suo voto sulla
festività dedicata a Martin Luther King viene
alterato nel film: votò contro in un primo momento, ma nel 1983
sostenne la proposta, a differenza di quanto la sceneggiatura
lascia intendere.
Uno dei tocchi più sensazionalistici riguarda la madre di
Lynne Cheney. Nel film si insinua che il padre di
Lynne l’abbia uccisa per annegamento, gesto volutamente lasciato
sospeso per alimentare tensione narrativa. La realtà è molto
diversa: la donna è caduta accidentalmente nel lago Yesness,
probabilmente stordita dai farmaci per la pressione. Il coroner
escluse ogni traccia di omicidio e Lynne non ha mai accusato il
padre, morto due anni dopo per depressione e alcolismo. Negli anni
’80 Cheney diventa una figura influente nel Congresso e un
importante sostenitore di Reagan.
Nel film gli viene attribuito il merito – o la colpa – di aver
salvato il Veto presidenziale sulla Fairness Doctrine, aprendo
secondo la narrazione la strada all’ascesa di Fox News e
dell’informazione polarizzata. La storia, però, smentisce
l’episodio: non esistono documenti che provino il ruolo decisivo di
Cheney e nel 1987 non era neppure capogruppo repubblicano alla
Camera. Il film sceglie poi di saltare quasi completamente gli anni
della Guerra del Golfo, quando Cheney, nominato Segretario della
Difesa da George H. W. Bush, divenne una delle
figure più rispettate della politica americana.
Dopo l’11 Settembre
Sotto la sua guida l’intervento contro Saddam
Hussein fu rapido, limitato e sostenuto da gran parte del
Congresso. Erano anni di popolarità e riconoscimento pubblico:
difficile conciliare questa fase con l’immagine del “burattinaio
oscuro” che McKay costruisce fin dall’inizio. La trasformazione più
poderosa della sua immagine avviene dopo l’attacco dell’11
settembre. Vice – L’uomo
nell’ombra suggerisce che Cheney accettò il ruolo di
vicepresidente già con un piano per estendere i poteri della Casa
Bianca. La documentazione storica racconta invece qualcosa di più
pragmatico: il progetto fu una risposta – discutibile ma reale –
all’idea che gli Stati Uniti fossero entrati in guerra e che, come
in guerra, la priorità fosse prevenire nuovi attacchi.
È
in questa cornice che nascono il Patriot Act, la sorveglianza
interna, la detenzione di sospetti terroristi e le tecniche di
interrogatorio estreme, tra cui il waterboarding. Cheney fu tra i
principali sostenitori delle misure, convinto che fossero
necessarie. Il film lo mostra come unico responsabile morale,
ignorando che istituzioni, servizi segreti, Congresso e perfino
amministrazioni successive scelsero di proseguire su quella strada:
Barack Obama tentò di chiudere Guantanamo ma non
ci riuscì, lasciando molte politiche di Bush e Cheney inalterate.
Un’altra invenzione cinematografica riguarda l’ordine di abbattere
gli aerei dirottati l’11 settembre.
Nel film Cheney agisce senza consultare il Presidente, ma sia
George W. Bush che Condoleezza Rice hanno
dichiarato che la decisione fu concordata telefonicamente in
diretta emergenza. Il rapporto della Commissione 9/11 non ha
trovato una documentazione scritta della chiamata, senza però
smentirne l’esistenza. Uno dei capitoli più controversi del film
riguarda l’Iraq. Il film sostiene che Cheney abbia sostenuto
l’invasione solo per favorire Halliburton, l’azienda per cui fu CEO
prima della vicepresidenza. È vero che Halliburton guadagnò
enormemente, ed è vero che Cheney ottenne un ricco compenso
vendendo le sue azioni, ma ridurre l’intervento a un movente
personale è un’interpretazione politica.
Dopo l’11 settembre, una parte consistente dell’esecutivo e del
Congresso credeva – erroneamente – che Saddam Hussein possedesse
armi di distruzione di massa e avesse legami con al-Qaeda. Quando
l’ONU non trovò prove, ormai la macchina era già partita. Critici e
sostenitori, ancora oggi, discutono quanto Cheney abbia pesato
nella decisione. Sul tema dei diritti civili, Vice – L’uomo
nell’ombra dipinge Cheney come un opportunista pronto a
tradire la sua figlia omosessuale, Mary, pur di
sostenere la carriera politica dell’altra figlia
Liz. La realtà è più sfumata: Cheney aveva
espresso sostegno pubblico per le unioni tra persone dello stesso
sesso già nel 2000, e ribadirà la sua posizione nel 2009.
Quando Liz si presentò alle elezioni con una posizione contraria,
la coppia decise di sostenerla comunque, senza cambiare idea su
Mary. Nel film diventa un gesto gretto e calcolato, nella realtà è
un equilibrio familiare imperfetto e doloroso. Celebre è anche
l’episodio della battuta di caccia, quando Cheney accidentalmente
sparò all’amico Harry Whittington. Il film lo ritrae impassibile e
privo di empatia. Nella realtà, Cheney si assunse la responsabilità
dell’incidente e dichiarò pubblicamente che “fu uno dei giorni
peggiori” della sua vita. Il caso diventò un fenomeno mediatico e
alimentò la sua cattiva reputazione pubblica.
Gli ultimi anni di Dick
Cheney
In molti momenti Vice – L’uomo nell’ombra fa
di Cheney un genio del male, un “uomo nell’ombra” che controlla
ogni leva del potere americano. Diversi funzionari dell’epoca hanno
smentito la narrazione: Cheney ebbe un ruolo influente, soprattutto
sulla sicurezza nazionale, ma non fu il regista occulto
dell’amministrazione Bush. Una figura potente, sì, ma non
onnipotente. Cheney sopravvisse a cinque attacchi cardiaci, un
numero enorme, e nel 2012 ricevette un trapianto di cuore. A
differenza di quanto si potrebbe dedurre dall’arco narrativo del
film, non è mai scomparso nell’ombra dopo il 2009: ha scritto
libri, rilasciato interviste e difeso con fermezza la sua visione
politica. Muore, infine, il 4 novembre 2025 all’età di 84 anni.
Vice – L’uomo
nell’ombra resta un’opera feroce, visionaria e apertamente
schierata. È cinema, non archivio storico. Molti dei dialoghi sono
inventati, molte scene semplificano o distorcono, altre
suggeriscono verità alternative utili alla satira politica. Il
ritratto che ne emerge è provocatorio, ma lontano dalla realtà
documentata. Per alcuni rimarrà il simbolo di un’America paranoica
e aggressiva, per altri un difensore della sicurezza nazionale in
un momento senza precedenti. La verità, come spesso accade, non
vive nei toni estremi del film, ma in quella zona grigia in cui
storia, politica e morale raramente coincidono.
Frank Grillo (“The Purge”,
“Kingdom”) e Maria Bakalova (“The Apprentice”,
“Borat Subsequent Movie Film”) saranno i protagonisti del
thriller di fantascienza survival
Override. Il film, entrato in produzione
questo mese a Belfast, verrà lanciato al prossimo American Film
Market da Capture, la società di vendita fondata all’inizio di
quest’anno come joint venture tra Capstone Global e Signature
Entertainment.
Descritto come un “thriller
mozzafiato”, Override è diretto e
co-sceneggiato da Jordan Downey (“The Head
Hunter”, “The Cycle”) insieme agli sceneggiatori Jackson
Murray e Kevin Stewart.
Il film segue una soldato
futuristica (Bakalova)
che viene data per morta. Ma con l’aiuto di un angelo sintetico
(Grillo)
– l’ultima novità in fatto di intelligenza artificiale sul campo di
battaglia – dovrà lottare contro il tempo per sopravvivere a una
ferita mortale. Riunisce Grillo e Bakalova dopo che entrambi hanno
prestato la loro voce alla serie animata di supereroi per adulti di
James
Gunn “Creature Commandos”, lanciata alla fine
dell’anno scorso.
Override
è prodotto da James Harris della Tea Shop Productions, già autore
di film di successo come “Fall”, “Obsession” e “47 Meters Down” (e
Michael Downey (“The Big Ugly”, “The Swallow”). È stato finanziato
da Capstone di Christian Mercuri.
Oltre a gestire le vendite
internazionali di “Override”, il catalogo di Capture include anche
il thriller sportivo “Killa Bee” con Daisy Ridley, il thriller sugli squali “Above &
Below” con Antonio Banderas, il thriller d’azione e avventura “Dark
Jungle” e il thriller poliziesco “Spring Breakers: Salvation
Mountain”.
Le prossime uscite di Tea Shop
includono “Giant”, con Amir El-Masry e Pierce Brosnan, e
“Obsession” del regista Curry Barker. Grillo è rappresentato da
CAA, Entertainment 360, 42West e Paul Hastings. Bakalova è
rappresentata da CAA, Insight Management, Brookside Artist
Management e Yorn, Levine, Barnes, Krintzman.
Netflix Italia ha diffuso il trailer e il poster di
Terrazza sentimento, la nuova serie
documentario che ripercorre, in 3 episodi, i fatti che hanno
coinvolto Alberto Genovese, l’imprenditore,
ragazzo d’oro delle start up italiane (è lui il fondatore di
Prima.it e Facile.it), portandolo ad un’accusa, prima, e ad una
condanna, poi, per violenza sessuale, lesioni personali aggravate,
detenzione di materiale pedopornografico, cessione e detenzione di
sostanze stupefacenti.
La serie, disponibile solo su
Netflix dal 5 novembre, è prodotta da Fremantle Italia, sviluppata
e scritta da Alessandro Garramone (anche executive producer),
scritta con Davide Bandiera e Annalisa Reggi, prodotta da Gabriele
Immirzi, con la regia di Nicola Prosatore.
Cortesia di Netflix
Terrazza
Sentimento racconta gli abusi perpetrati dall’imprenditore
Alberto Genovese ai danni di alcune ragazze che frequentavano le
sue feste. Partendo dallo spunto di un tremendo caso di cronaca che
ha catalizzato l’attenzione dell’opinione pubblica per diverso
tempo, la serie vuole tuttavia raccontare anche il lato oscuro di
un mondo in apparenza meraviglioso, fatto di soldi, bellezza e
gioventù. C’è una protagonista indiretta, Milano, la città delle
grandi opportunità, come le start up tecnologiche, di cui Genovese
era considerato un guru, ma anche una città a due facce, di cui una
incredibilmente oscura. Poi c’è la protagonista vera e propria,
Terrazza Sentimento, l’attico a 5 stelle di Genovese che non solo
dà il titolo alla serie ma che, attraverso il suo triste
riferimento alla cronaca nera, offre l’occasione per immergersi in
una storia dove l’abuso sembra la normalità. Che sia abuso delle
proprie possibilità finanziarie, abuso di sostanze stupefacenti in
quantità irreali, abuso, ed è il punto di non ritorno, della
volontà delle ragazze che resteranno coinvolte dalla vicenda. Ma è
anche abuso di se stessi, una storia di cattiveria verso tutti,
fino all’autodemolizione.
La
Toho ha avviato ufficialmente la produzione del sequel di
Godzilla Minus One, con l’uscita prevista
per il prossimo anno. Takashi Yamazaki tornerà
alla regia e si occuperà nuovamente della sceneggiatura e degli
effetti visivi (premiati
con l’Oscar). Dopo mesi di riservatezza sul possibile seguito,
il successo internazionale del film — sia al botteghino che presso
la critica — ha reso l’annuncio altamente probabile.
Nel
corso del Godzilla Fest 2025, organizzato in occasione del Godzilla
Day alla Kanadevia Hall di Tokyo, è dunque stato svelato il titolo
del nuovo capitolo del franchise: Godzilla Minus Zero. L’annuncio è stato
accompagnato dalla presentazione del logo ufficiale (lo
si può vedere qui), realizzato a mano dallo stesso Yamazaki. Al
momento non sono state fornite indicazioni sul significato del
titolo. Se “Godzilla Minus One”
richiamava eventi ambientati prima del film originale del 1954,
la nuova rivelazione non aggiunge ulteriori dettagli, limitandosi a
rimandare aggiornamenti futuri.
Secondo quanto riportato da The Wrap, la nuova produzione potrebbe
rappresentare una reinterpretazione del classico del 1954, ma non è
stata ancora confermata alcuna informazione in merito. Le recenti
dichiarazioni di Yamazaki suggeriscono comunque una continuità
narrativa con Godzilla Minus One, con lo sviluppo
dei personaggi principali e una struttura da vero e proprio
sequel.
Il progetto, caratterizzato da un budget più elevato e
un’impostazione produttiva su scala ampliata, avrebbe già iniziato
le riprese tre mesi fa. Nonostante l’assenza di una data ufficiale
di uscita, un report di aprile indicava una possibile
distribuzione a fine 2026. Godzilla Minus
One è stato il 37º film complessivo del franchise e la 33ª
produzione Godzilla firmata Toho. Il film ha ottenuto ampi
riconoscimenti, ricevendo elogi pubblici anche da parte di registi
come Guillermo Del Toro, Steven Spielberg e Christopher Nolan.
La
macchina produttiva dei Marvel Studios prosegue senza
soste. Nonostante le recenti difficoltà dell’MCU, il franchise è
tornato a puntare sui film dedicati agli Avengers. Avengers:
Doomsday ha infatti da poco completato la sua
lunga fase di riprese nel 2025, lavorando dal 28 aprile fino alla
metà di settembre. Terminata le riprese principali, il film entrerà
ora in un periodo di post-produzione stimato in circa 15 mesi,
salvo eventuali riprese aggiuntive. Secondo quanto riportato da
Hollywood North Buzz, la tempistica
sarebbe legata alla lavorazione consecutiva del sequel, Avengers: Secret Wars, anch’esso
affidato ai fratelli Russo.
Avengers: Secret Wars dovrebbe essere
girato nuovamente a Vancouver, tra aprile e settembre del prossimo
anno, e seguire un analogo periodo di post-produzione di circa 15
mesi. Entrambi i progetti sono descritti come produzioni di grande
scala, caratterizzate da un massiccio impiego di effetti visivi,
numerosi cameo e possibili sessioni di riprese supplementari.
Sempre Hollywood North Buzz segnala che le riprese aggiuntive di
Avengers: Doomsday sarebbero
programmate per gennaio 2026. La tempistica suggerisce possibili
riscritture o modifiche al cast, nell’ambito della regolare fase di
aggiustamento delle produzioni Marvel.
La sinossi ufficiale conferma il ritorno di
Robert Downey Jr. all’interno dell’universo
Marvel, questa volta nel ruolo di Doom. La trama resta però al
momento sotto riserbo. Stephen McFeely e
Michael Waldron risultano accreditati come
sceneggiatori.
Nel 2026 inizieranno le riprese del
prequel di “Ocean’s Eleven”, con Margot Robbie e Bradley Cooper nei ruoli principali.
Lee Isaac Chung (“Minari”)
sarà il regista, mentre Linus Sandgren (“La La
Land”, ‘Saltburn’,
“Babylon”)
sarà il direttore della fotografia. Secondo alcune indiscrezioni, il
premio Oscar Benicio del Toro sarebbe in trattative per
entrare a far parte del cast del prequel. Anche se i dettagli sui
personaggi rimangono segreti, sembra che del Toro sia stato preso
in considerazione per un potenziale ruolo da antagonista.
Del Toro, Robbie e Cooper formano
sicuramente un cast avvincente, ma ci sono ancora altri membri del
cast che devono essere rivelati. Il film è in fase di sviluppo alla
Warner Bros. dal maggio 2022; a un certo punto, Ryan Gosling avrebbe dovuto recitare al fianco
di Robbie, con Jay Roach alla regia,
ma poi le cose sono cambiate. Non resta a questo punto che
attendere l’ufficialità del coinvolgimento di del Toro, come anche
di avere ulteriori dettagli sul film.
Cosa riserva il futuro alla saga
di Ocean’s
Sebbene i dettagli della trama
siano stati definiti “definitivi”, secondo Deadline, Roger
Friedman di Showbiz411 aveva precedentemente riportato che
il film si sarebbe intitolato ‘Oceans’, con Cooper
e Robbie nei panni dei genitori di Danny Ocean, il personaggio
interpretato da George Clooney nella trilogia originale.
Sempre stando a quanto riportato, nel film prequel gli Ocean
insegneranno ai loro figli, i giovani Danny e Debbie (quest’ultima
poi interpretata da Sandra Bullock in Ocean’s 8),
l’arte di rubare ai ricchi.
Ambientato sullo sfondo del Gran
Premio di Monaco del 1962, il progetto è stato descritto come
un’elegante avventura vecchio stile ispirata a “Caccia al
ladro” di Hitchcock. La sceneggiatura attuale è di
Carrie Solomon, autrice del film Netflix del 2024 “A
Family Affair”, che non ha però riscosso molto successo.
Solomon non ha altri crediti come sceneggiatrice elencati sulla sua
pagina IMDb.
Clayface
ha recentemente concluso le riprese e il protagonista Tom
Rhys Harries ha condiviso un’altra foto dal set, che ha
rapidamente cancellato. L’immagine potrebbe infatti fornire alcuni
indizi su cosa aspettarsi dal prossimo film horror della DCU. La teoria prevalente tra i fan è che le
parole scritte sui muri e sulla porta siano battute di dialogo.
Fuori contesto, non sembrano rivelare troppo, ma ci deve essere un
motivo per cui Harries ha rapidamente rimosso questa foto dopo
averla condivisa su Instagram (la si può comunque vedere
qui).
Il fatto che Clayface abbia un lungo periodo di
post-produzione non è troppo sorprendente, soprattutto perché la
trasformazione di Matt Hagen richiederà probabilmente molti effetti
speciali. Abbiamo visto alcuni effetti pratici nelle foto dal set,
ma questi avranno un effetto limitato quando lui diventerà un
mostro di argilla a tutti gli effetti. Nei fumetti, Hagen era il
secondo Clayface, un avventuriero che si trasformò in un mostro
dopo essere entrato in contatto con una pozza radioattiva di
protoplasma.
Questo aspetto è stato modificato
in Batman: The Animated Series, dove è stato descritto
come un attore che ha usato una crema antietà per sembrare più
giovane. Dopo essersi messo contro il suo creatore, Roland Daggett,
Hagen è stato immerso in una vasca piena di quella sostanza ed è
diventato il “classico” Clayface che tutti conosciamo dai fumetti.
In ogni caso, possiamo aspettarci di ascoltare le battute scritte
sulla porta nel film, anche se non sembrano rivelare poi molto se
non grandi conflitti.
Al momento sono stati rivelati
pochi dettagli sulla trama, ma abbiamo appreso che Matt Hagen sarà
al centro dell’attenzione. Nei fumetti, era il secondo
Clayface, un avventuriero che si è trasformato in
un mostro dopo aver incontrato una pozza radioattiva di
protoplasma. Questo è cambiato in Batman: The Animated
Series, dove è stato ritratto come un attore che usava una
crema anti-età per sembrare più giovane. Dopo essersi scontrato con
il suo creatore, Roland Daggett, Hagen viene immerso in una vasca
di quella sostanza e diventa il “classico” Clayface che tutti
conoscete dai fumetti.
Stando ad alcuni rumor emersi
online, la storia di Clayface sarà incentrata su
un attore in ascesa il cui volto è sfigurato da un gangster. Come
ultima risorsa, il divo si rivolge a uno scienziato eccentrico per
poter ottenere nuovamente il suo fascino. All’inizio l’esperimento
ha successo, ma le cose prenderanno presto una piega
inaspettata.
Poiché Clayface
sarà ambientato nell’universo DC, i fan dovrebbero aspettarsi molti
collegamenti con l’universo più ampio, e saremmo molto sorpresi se
Batman apparisse o fosse anche solo menzionato. Il produttore
Peter Safran ha condiviso alcuni nuovi dettagli
sulla sceneggiatura di Flanagan, sottolineando che il film sarà
effettivamente un film horror in piena regola, sulla scia di La
mosca di David Cronenberg, ma si dice
trarrà anche ispirazione dal successo horror di Coralie
Fargeat, The
Substance.
“Clayface, vedete, è una storia
horror hollywoodiana, secondo le nostre fonti, che utilizza
l’incarnazione più popolare del cattivo: un attore di film di serie
B che si inietta una sostanza per rimanere rilevante, solo per
scoprire che può rimodellare il proprio viso e la propria forma,
diventando un pezzo di argilla ambulante”, ha dichiarato
Safran.
Tom Rhys Harries interpreterà il personaggio
principale di Clayface,
il film dei DC Studios. Il film vedrà anche la partecipazione di
Max Minghella nel ruolo di John, un detective di
Gotham City che inizia a nutrire sospetti sulla relazione tra la
sua fidanzata Caitlin e Matt Hagen. Naomi Ackie
interpreta invece proprio Caitlin Bates, amministratrice delegata
di un’azienda biotecnologica che cura Matt dopo che questi è stato
sfigurato.
Il film è basato su una storia di
Mike Flanagan, attore di La caduta della casa
degli Usher (l’ultima bozza è stata firmata da Hossein
Amini, sceneggiatore di Drive), con James
Watkins, regista di
Speak No Evil, alla regia.
Clayface è attualmente previsto per l’arrivo
nelle sale l’11 settembre 2026.
Dopo il grande successo ottenuto
con We Bury the Dead, Daisy Ridley ha già messo gli occhi sul suo prossimo
grande ruolo.
Deadline riporta che la star britannica ha ottenuto il
suo prossimo progetto, Killa Bee, che si concentrerà sulla
storia vera di Bryony Tyrell, che vive una vita complicata sia come
infermiera di terapia intensiva alle prese con “le sfide del
servizio sanitario nazionale”, sia come “una delle
promesse britanniche della gabbia” durante la notte.
Originaria di Southampton, ha
iniziato a praticare kickboxing durante gli anni dell’università
fino a raggiungere il livello di cintura nera, dedicandosi anche
alle arti marziali. Durante la sua carriera, Tyrell ha vinto
diverse cinture entrando nel mondo dei professionisti.
Il film sulla lottatrice di MMA
esplora anche la vita di Tyrell, che ha un master in
infermieristica e una laurea in biologia molecolare, e che si
destreggia tra la vita di madre di due bambini. Ridley ha condiviso
la seguente dichiarazione sul portare in vita la storia
dell’infermiera attraverso Killa Bee:
Daisy Ridley: La storia di Bryony è una storia
di straordinario coraggio e resilienza. Sono rimasta profondamente
commossa dal suo viaggio emotivo e stimolante. Non vedo l’ora di
portare il suo spirito sullo schermo”.
Knockout Productions sta producendo
Killa Bee, insieme a Picture Perfect. Ruth Sewell, che ha scritto i
cortometraggi Kill e Fish Love, ha scritto la sceneggiatura di
Killa Bee, che sarà diretto da Farah’s Kenton Oxley. Il
produttore esecutivo Michael Foster, insieme ai produttori Mark
Vennis e Lucinda Thakrar, ha condiviso questa dichiarazione
sull’adattamento della vita di Tyrell al cinema:
Bryony Tyrell è stata
coinvolta nel progetto con Kenton Oxley sin dall’inizio e sostiene
l’idea di portare la sua storia ispiratrice sul grande schermo. Sta
fornendo attivamente la sua consulenza sul progetto. Il processo di
scrittura della sceneggiatura è stato modellato in stretto dialogo
con la famiglia di Bryony, garantendo la verità emotiva e
l’integrità creativa in ogni fase. Il regista Kenton, amico di
lunga data di Bryony sin dai tempi della scuola, porta nella storia
una visione profondamente personale, radicata nella fiducia, nella
storia e in una forte lealtà creativa.
Secondo il settore, Capture
inizierà le vendite mondiali di Killa Bee prima dell’American Film
Market, che si terrà la prossima settimana. Le riprese principali
del film con Ridley sono previste per il secondo trimestre del
2026.
Oltre al suo ultimo progetto,
l’attrice 33enne sta anche valutando il suo ritorno nell’universo
di Star
Wars, dato che
un film New Jedi Order con Rey è in lavorazione alla Lucasfilm
e alla Disney. Killa Bee al momento non ha una data di
uscita definita.
La quinta stagione di Only Murders in the Building si è conclusa in grande
stile, con il famoso trio di detective dilettanti della serie che
ha risolto il suo ultimo misterioso omicidio in un casinò
clandestino nascosto all’interno dell’edificio Arconia. Il titolo
dell’episodio finale, “The House Always…” (La casa vince sempre…),
allude al vecchio adagio del gioco d’azzardo secondo cui la casa
vince sempre, cosa che Mabel, Charles e Oliver possono
confermare.
Dimostrando ancora una volta di
essere all’altezza dei migliori show polizieschi in circolazione,
Only Murders in the Building inizia il finale della
quinta stagione invalidando il depistaggio con cui ci aveva
stuzzicato alla fine del penultimo episodio della stagione. Nonna
Caccimelio, infatti, non ha nulla a che fare con l’omicidio del
portiere dell’Arconia, Lester Coluca.
Tuttavia, fornisce al trio di
podcaster un indizio importante che restringe il campo dei
possibili colpevoli, rivelando che il dito trovato da Oliver tra i
piatti del buffet del suo matrimonio apparteneva all’amante di sua
figlia Sofia. Mentre stanno interrogando i miliardari amici di
poker di Nicky Caccimelio sui loro incontri amorosi con Sofia nel
casinò dell’Arconia, il vero assassino entra nella stanza.
La migliore serie TV di Steve
Martin è un regalo che continua a dare soddisfazioni agli
appassionati di gialli, con la quinta stagione che si rivela avere
la trama più elaborata e intricata mai vista. Only Murders in the Building
ha fatto nuovamente centro, approfondendo i segreti dell’Arconia
per smascherare un altro assassino.
Chi ha ucciso Lester alla fine
della quarta stagione di Only Murders in the Building
Come avranno intuito gli
appassionati di giochi di parole, Lester Coluca è stato ucciso
nientemeno che dal sindaco fittizio di New York Beau Tillman,
interpretato da Keegan-Michael Key. Only Murders in the
Building ha aggiunto Key al cast della quinta stagione a marzo,
ma alla fine è stato solo uno dei tanti volti famosi aggiunti allo
show.
Only Murders In The Building
StagioneIdentità dell’assassinoStagione 1Jan BellowsStagione 2Poppy
White/Becky ButlerStagione 3Donna & Cliff DeMeo
È stato il sindaco Tillman a
infliggere a Lester una ferita mortale alla testa, nel cortile
dell’edificio dove aveva lavorato come portiere per 32 anni. Anche
se la modalità della morte stessa potrebbe essere stata
accidentale, non c’è dubbio che Tillman fosse intenzionato a
compiere un atto violento.
Perché Lester è stato ucciso
nel cortile dell’Arconia
Lester è diventato la vittima
principale della quinta stagione di Only Murders in the
Building quando il sindaco Tillman lo ha scaraventato contro il
centro in pietra della fontana del cortile dell’Arconia. Questo
atto di violenza ha apparentemente fratturato il cranio
dell’anziano portiere con una forza tale da causarne la morte.
Sembra tuttavia che Tillman non
avesse intenzione di uccidere Lester. Voleva semplicemente usare la
forza fisica per riavere il suo dito mancante, che era convinto
Lester gli avesse nascosto. Tillman aveva giustamente ipotizzato
che il suo dito perduto potesse essere usato come prova per
implicarlo nella morte del mafioso Nicky Caccimelio, l’altra
vittima di omicidio nella quinta stagione.
Come è morto Nicky Caccimelio e
chi ha fatto sparire il suo corpo
Lo showrunner di Only Murders in
the Building, John Hoffman, aveva rivelato ad agosto che la
quinta stagione sarebbe stata un mistero mafioso con una
differenza, e così è stato con la morte di Nicky Caccimelio. Gli
episodi precedenti della stagione sembravano confermare che Lester
Coluca avesse ucciso Nicky, ma il finale presenta una versione più
complicata di ciò che è accaduto.
Mentre Nicky inseguiva il sindaco
Tillman, l’amante di sua moglie, nella sala del casinò dell’Arconia
con una mannaia, Lester lo ha colpito alla nuca con una manovella
dell’ascensore dell’edificio, implicandolo nel presunto omicidio.
In realtà, Nicky è poi caduto su Lester mentre ancora impugnava la
mannaia, infliggendosi accidentalmente una ferita mortale.
Il colpo ben assestato alla testa
che Nicky ha ricevuto da Lester potrebbe essere stato sufficiente a
ucciderlo, anche se questo scenario è improbabile. Più realistico è
che Nicky sia stato ucciso dalla ferita inflitta dal coltello da
macellaio e che la sua morte sia stata accidentale.
Come rivela Jay, l’interesse
amoroso di Mabel, nell’atto finale dell’episodio finale, su ordine
del sindaco, lui e gli altri soci miliardari di Nicky, Camila White
e Bash Steed, si sono sbarazzati del corpo di Nicky. Hanno usato il
telo da pittura di Camila per trasportare il corpo fuori dalla sala
del casinò, la camera criogenica di Bash per congelarlo, e Jay
stesso lo ha scaricato nella lavanderia a secco di Nicky.
Perché il dito è finito nei
gamberetti del matrimonio di Oliver
Il finale della quinta stagione
offre un’altra delle battute più divertenti di Oliver Putnam in
Only Murders in the Building, quando lui, Charles e Mabel
irrompono nella sala del casinò e dichiarano che il sindaco Tillman
è l’assassino. “E il suo dito era nel mio gamberetto!”
aggiunge Oliver in modo drammatico.
Si scopre che era davvero il dito
di Tillman a trovarsi tra gli antipasti del matrimonio di Oliver,
ed era stato Lester a mettercelo. Nel caos che è seguito dopo che
Nicky ha tagliato il dito a Tillman, è stato colpito alla testa da
Lester e poi si è impalato su una mannaia, Lester è scappato al
piano di sopra con il dito mancante.
Sperava che potesse essere usato
come prova per smascherare il coinvolgimento corrotto di Tillman
con mafiosi e finanzieri disonesti, a patto che riuscisse a
consegnarlo a Charles, Mabel e Oliver. Ecco perché lo vediamo dire
a Tillman poco prima della sua morte: “I miei amici ti
prenderanno”. Lo nasconde nell’unico posto in cui sa che lo
troveranno: tra il cibo del matrimonio di Oliver.
Naturalmente, il dito è poi finito
nelle mani della famiglia Caccimelio, che lo ha rubato dalla casa
di Charles e lo ha venduto ai miliardari, che volevano usarlo come
leva su Tillman. È Mabel a rivelare che appartiene al sindaco,
quando taglia il suo dito finto con lo stesso coltello da macellaio
usato da Nicky.
Come Mabel, Charles e Oliver
risolvono l’omicidio
Dato che sono podcaster dilettanti
di true crime in uno show comico, è difficile mettere Mabel,
Charles e Oliver nella stessa categoria dei migliori detective
televisivi. Tuttavia, hanno sicuramente un dono raro quando si
tratta di risolvere gli omicidi nel loro palazzo, come dimostra la
rapida connessione di Mabel tra il nome del sindaco Beau Tillman e
l’ultimo messaggio di testo di Lester.
Quando questo messaggio è apparso
per la prima volta in “Flatbush”, il sesto episodio della quinta
stagione di Only Murders, si è pensato che Lester stesse
semplicemente ricordando con nostalgia la prima volta che aveva
parlato con sua moglie. In realtà, però, la parola
“beautiful” nel messaggio era una versione autocorretta del
nome del sindaco “Beau Tillman”.
Mabel risolve questo enigma quando
riceve un messaggio simile da Howard, che poi le invia
immediatamente un altro messaggio per correggersi, dicendole: “È
Beautiful. Scusa, correzione automatica. È Beau Tillman”. Da
questo momento in poi, tutti gli indizi vanno al loro posto e
Tillman rivela come ha commesso il suo crimine.
La quinta stagione è l’ultima
di Only Murders in the Building?
Possiamo confermare con certezza
che la stagione 5 non sarà l’ultima della serie, poiché Hulu ha ora
confermato il suo rinnovo per la sesta stagione. In un comunicato
stampa, il gigante dello streaming di proprietà della Disney ha
annunciato quanto segue:
“La serie comica originale di Hulu Only Murders in
the Building, prodotta dalla 20th Television, è stata rinnovata per
una sesta stagione composta da 10 episodi”.
Questa notizia potrebbe sorprendere
alcuni, soprattutto considerando i commenti di Martin Short su
quante stagioni Only Murders in the Building potrebbe continuare ad
andare avanti, fatti ad agosto. Ma finché c’è ancora richiesta da
parte del pubblico, recensioni entusiastiche da parte della critica
e un nuovo omicidio da risolvere all’Arconia, non c’è motivo per
cui la serie non debba continuare.
Come il finale della quinta
stagione prepara Only Murders In The Building alla sesta
stagione
È già stato confermato che Only
Murders in the Building stagione 6 cambierà location e si
trasferirà a Londra, dove Oliver, Charles e Mabel tenteranno di
risolvere un omicidio legato all’altra sponda dell’Atlantico. Il
finale della stagione 5 si conclude con la rivelazione che
l’omicidio su cui indagheranno è quello della podcaster di true
crime Cinda Canning, interpretata da Tina Fey.
Canning era un personaggio
secondario di spicco nella seconda stagione della serie e, a quanto
pare, era appena tornata dalla registrazione di un podcast sui
misteriosi omicidi nel Regno Unito quando è stata trovata morta
fuori dall’Arconia. Il trio protagonista della serie stava
ascoltando il podcast proprio prima di trovare il corpo di
Canning.
Questa situazione suggerisce cosa
possiamo aspettarci nella stagione 6 di Only Murders in the
Building. Si deduce che le indagini di Canning sull’omicidio
britannico per il suo podcast “The Girl with the Curls” l’abbiano
portata a scontrarsi con qualcuno di pericoloso. La trama si
infittisce quando notiamo che Canning stessa indossa una parrucca
rossa riccia quando muore.
La serie televisiva spagnola su
NetflixRespira (Breathless) vede i lavoratori
dell’ospedale
Joaquin Sorolla affrontare nuove difficili sfide, poiché la
privatizzazione della struttura porta inevitabilmente a una nuova e
fastidiosa gestione. Nicolas, un uomo che condivide un passato
familiare sfortunato con Biel, prende il controllo dell’ospedale,
più desideroso di realizzare profitti che di fare del bene.
Tuttavia, il suo arrivo ha il vantaggio di portare con sé una nuova
responsabile del reparto di oncologia, Sophie Lafont, che sta
lavorando a un trattamento sperimentale rivoluzionario.
Tuttavia, anche se questo si rivela
vantaggioso per la presidente Patricia, Nestor non può fare a meno
di rimanere sospettoso nei confronti della nuova oncologa e dei
suoi metodi. Nel frattempo, il dramma interpersonale tra i
professionisti sanitari rimane più vivo che mai, soprattutto perché
le conseguenze dell’aggressione subita da Jesica la costringono a
prendere decisioni definitive sul suo futuro. Pertanto, quando
alcuni volti nuovi entrano nel gruppo, nel bene e nel male, Sorolla
si ritrova ad essere un focolaio di disastri in attesa di
verificarsi. SPOILER IN ARRIVO!
Cosa succede in Respira – Stagione
2
All’inizio della stagione, Joaquin
Sorolla sta attraversando un periodo difficile mentre il personale
affronta le conseguenze dell’accoltellamento di Jesica, con Pilar,
Biel e altri membri dello staff che si occupano della sua
operazione. Contemporaneamente, viene diffusa la notizia
dell’imminente privatizzazione dell’ospedale, secondo la decisione
del Presidente. Due settimane dopo, la situazione sembra più cupo
che mai. Il chirurgo ferito è in convalescenza e Patricia ha
assegnato una nuova direzione all’ospedale: Nicolas. Questa
decisione si rivela particolarmente sinistra quando Biel rivela che
quell’uomo è suo padre, che lo ha abbandonato insieme alla madre
durante la sua infanzia dopo la diagnosi di cancro. Nonostante il
loro passato tormentato, Nicolas sostiene di essere un uomo
cambiato che vuole solo il meglio per l’ospedale e per suo figlio.
Inoltre, chiama Sophie Lafont, una rinomata oncologa francese, per
supervisionare Patricia attraverso un nuovo trattamento per il suo
cancro al seno.
Naturalmente, Nestor è scontento di
questo abuso di potere. Di conseguenza, finisce per rivolgersi ai
media, che mettono sotto esame le decisioni di Patricia al punto
che l’opposizione lancia l’idea di un voto di sfiducia. Questo
costringe il presidente ad annunciare una rielezione che avrebbe
avuto luogo tre mesi dopo. Dopo questo annuncio, un problema di
salute costringe la donna a sottoporsi a un intervento chirurgico,
che riduce ulteriormente le sue possibilità di guarigione.
Tuttavia, la natura terminale della sua condizione la rende la
candidata perfetta per partecipare alla sperimentazione top-secret
di Sophie. Poco dopo, l’oncologa viene assunta a Sorolla, che le
garantisce l’istituzione e i finanziamenti necessari per continuare
la sua promettente ricerca. Inoltre, Nicolas le assegna anche la
carica di nuovo capo del reparto di oncologia.
Nello stesso periodo, le condizioni
di Jesica peggiorano, soprattutto dopo che entra in uno stato di
delirio durante la convalescenza e finisce per riaprire le ferite.
Di conseguenza, finisce per perdere il fegato e i reni. Con il
passare del tempo, il suo fidanzato Lluís decide di usare la sua
posizione di direttore dell’ospedale per falsificare dei documenti
che le consentano di ricevere gli organi di un donatore all’ultimo
minuto. A sua volta, Nicolas usa questo fatto per avviare
un’indagine contro il medico, destituendolo dalla sua posizione. In
sua assenza, offre il ruolo a Pilar, che è critica nei suoi
confronti ma capace di gestire l’istituto medico. Nel frattempo,
Patricia inizia il suo trattamento con Sophie e fa amicizia con uno
degli altri partecipanti, Ximo. Pertanto, i suoi sospetti riguardo
al trattamento riservato dell’oncologo aumentano quando
quest’ultimo paziente inizia a soffrire di effetti collaterali
significativi. Quando si allea con Nestor per indagare sulla
situazione, scoprono la sua apparente morte e il fatto che ci sono
discrepanze nelle sue cartelle cliniche sigillate.
Tornati al Sorolla, il pronto
soccorso deve affrontare problemi di sottofinanziamento e carenza
di personale. Tuttavia, invece di trovare una soluzione
praticabile, Nicolas propone l’idea di stringere una partnership
poco saggia con Healock, l’azienda farmaceutica. Nonostante le
preoccupazioni di Pilar riguardo a tale partnership, finisce per
dare il via libera all’accordo alle sue spalle. Inevitabilmente,
questo accordo porta a una serie di complicazioni, soprattutto per
Rocio e gli altri operatori del pronto soccorso. Anche se assumono
una nuova dottoressa, Hacia, lei finisce per causare attriti
generali quando viene coinvolta nel triangolo amoroso tra Jesica,
il suo fidanzato Lluís e il suo ex amante Biel. Tuttavia,
quest’ultimo ha problemi più gravi da affrontare, poiché finisce
per unirsi a Nestor nella sua missione di scoprire il segreto di
Sophie e assicurarla alla giustizia. Anche se il loro piano alla
fine funziona, Pilar, un’altra collaboratrice, agisce
precipitosamente denunciando l’oncologa alle autorità.
Finale della seconda stagione di
Respira: Nicolas ha informato Sophie? È morto?
Alla fine, Nestor, Biel e Pilar
sono più vicini che mai a catturare Sophie e a svelare la verità
sulla sua ricerca disonesta. Una volta ottenute le prove che
dimostrano la falsificazione dei dati sulla terapia da parte
dell’oncologa francese, Pilar, che ha un conto in sospeso con
Nicolas, è fin troppo ansiosa di denunciarla direttamente alla
polizia. L’unico motivo per cui il chirurgo aggira qualsiasi
comitato è quello di assicurarsi che Sophie non abbia alcuna
possibilità di coprire le sue tracce dopo la prima accusa.
Pertanto, allo stato attuale, nessuno al di fuori di Pilar, Biel e
Nestor è a conoscenza dell’intenzione delle autorità di arrivare a
Sorolla per arrestare Sophie. Questo fino a quando Biel finisce per
rivelare il segreto a suo padre, Nicolas.
Biel e Nicolas non hanno certo un
rapporto molto stretto. Tuttavia, un’emergenza medica a casa del
padre avvicina i due in breve tempo. È evidente che l’uomo più
anziano è desideroso di sistemare le cose con suo figlio e
guadagnarsi la sua fiducia. Per lo stesso motivo, condivide un
segreto con il medico residente, rivelando che ha intenzione di
entrare a far parte della Healock Pharmaceuticals, alla luce
dell’accordo che ha facilitato tra l’azienda e l’ospedale. Nel
tentativo di ricambiare la fiducia, il giovane finisce per rivelare
a suo padre il piano di Pilar, avvertendolo che le autorità
avrebbero indagato su Sophie. Poiché è stato Nicolas a portare la
dottoressa a Sorolla, dopo il suo arresto sarà sottoposto a un
controllo particolare. Tuttavia, l’arresto non avrà mai luogo.
Così, una volta che diventa evidente che Sophie è stata in qualche
modo informata del tentativo di arresto, il sospetto immediato di
Biel ricade inevitabilmente su Nicolas.
Nonostante ciò, il padre insiste
sulla sua innocenza quando viene confrontato al telefono. Si spinge
fino ad accettare di difendere la sua causa di persona.
Sfortunatamente, nel bel mezzo di questa intensa conversazione
telefonica, l’auto di Nicolas finisce per essere tamponata da un
camion. Di conseguenza, questo incidente inaspettato lascia due
cose in sospeso. In primo luogo, le condizioni di Nicolas rimangono
ambigue, poiché le sue possibilità di sopravvivere al grave
incidente sono incerte. Inoltre, questo lascia anche irrisolto il
mistero del misterioso collaboratore di Sophie. Anche se è
probabile che il padre abbia mentito a Biel per salvarsi la pelle,
non sarebbe saggio escluderlo così rapidamente. Fin
dall’introduzione di Sophie, la narrazione sottolinea che
l’oncologa ha contatti in alto luogo. Per lo stesso motivo, è del
tutto possibile che la soffiata provenga da altrove, forse anche
dalle autorità stesse.
Patricia vincerà la rielezione? È
guarita dal cancro?
Uno degli sfortunati effetti
collaterali dell’entusiasmo di Pilar nel riferire la notizia rimane
l’effetto che ha sui pazienti attuali di Sophie. Anche se la sua
terapia è attualmente in fase sperimentale, è riuscita a procurarsi
un certo numero di pazienti volontari, come Patricia. Per la
presidente e altri come lei, la terapia era l’ultima speranza di
guarigione, poiché ogni altra strada era fallita. Nel caso
particolare di Patricia, la terapia sembra addirittura funzionare,
quasi curandole le varie cellule tumorali presenti nel suo corpo.
Tuttavia, quando Pilar denuncia Sophie, la seduta della politica
non è ancora terminata.
Pertanto, una volta che Nestor si
rende conto che l’arrivo delle autorità a Sorolla porterà alla
chiusura del trattamento, non ha altra scelta che avvisare
Patricia. Patricia ha già molto da fare, compresa la rielezione. Si
dà il caso che la polizia sia pronta a fare irruzione nell’ala di
ricerca di Sophie la notte dei risultati delle elezioni. Pertanto,
quando Nestor cerca di accelerare le sedute della politica nel
corso di un solo giorno, lei si oppone all’idea. Saltare eventi e
comizi la notte della sua possibile rielezione sarebbe un incubo
per la presidente, soprattutto perché da tempo mente al pubblico
dicendo di essere completamente guarita dal cancro.
Per lo stesso motivo, decide di
rimanere con il suo team lontano dall’ospedale mentre la serata
volge al termine. Quando si rende conto che sta mettendo a rischio
tutta la sua vita, sembra già troppo tardi. Anche il piano
rischioso di Nestor di rubare l’ultima dose del trattamento per
completare la sua sessione fallisce, poiché il laboratorio di
Sophie è stato misteriosamente ripulito. Così, la fine della serata
porta una realtà polarizzante per Patricia. Nonostante la natura
tesa della sua campagna di rielezione, finisce per vincere,
consolidando nuovamente la sua posizione di presidente. Tuttavia,
nel bel mezzo dei festeggiamenti, nasconde un segreto enorme. Anche
se la cura di Sophie l’ha quasi completamente guarita dal cancro,
senza l’ultima seduta è destinato a ripresentarsi.
Cosa nasconde Sophie? Verrà
scoperta?
Nestor rimane sospettoso nei
confronti di Sophie e della sua cura fin dall’inizio, quando lei
insiste costantemente per escluderlo dalla sua ricerca in nome
della riservatezza. Sospetta che l’ambiguità che circonda la sua
reputazione e la sua abitudine di cambiare continuamente ospedale
siano chiari tentativi di nascondere una potenziale storia di
cattiva condotta. Inizialmente, Patricia è d’accordo con i suoi
piani investigativi. Tuttavia, cede quando Sophie riesce a
dimostrare che la sua cura ha effettivamente funzionato per Ximo e
che il cancro non è stato la causa della sua morte. Tuttavia, più o
meno nello stesso periodo, Biel, che lavora come tirocinante nella
sperimentazione di Sophie, scopre alcune prove schiaccianti contro
l’oncologa.
Biel scopre che Sophie ha manomesso
i dati sui sintomi e gli effetti collaterali del trattamento,
modificandoli per presentarli in modo più favorevole nel programma
ufficiale. Tuttavia, la rapida occhiata che il tirocinante riesce a
dare non è affatto sufficiente per costituire una prova adeguata
per intraprendere un’azione ufficiale. Fortunatamente, con un
piccolo aiuto da parte di Pilar, riescono a simulare un codice
rosso in ospedale, che fa guadagnare al medico oncologo il tempo
necessario per ottenere informazioni dall’hard disk personale di
Sophie. In questo modo, scoprono che, anche se Sophie sostiene che
il suo trattamento ha un tasso di successo del 60%, la statistica
reale è più vicina al 40%. Ciò significa che ha utilizzato dati
falsificati per portare avanti la sua ricerca e convincere i
pazienti a partecipare alle sperimentazioni. Di conseguenza, molti
di loro, come Ximo, non sono nemmeno consapevoli delle probabilità
a cui si stanno sottoponendo. Tuttavia, Nestor e Biel inizialmente
hanno entrambi delle riserve sullo stop all’intero trattamento,
poiché la discrepanza nelle statistiche non è astronomicamente
alta. Ciononostante, Pilar prende la decisione finale. Tuttavia,
nonostante le azioni intraprendenti del chirurgo, Sophie riesce
comunque a svignarsela.
Cosa è successo a Lola? È
sopravvissuta?
Questa stagione introduce una nuova
trama romantica per l’anestesista Quique, la cui vita sentimentale
è notoriamente in crisi. La sua relazione con Oscar finisce presto,
in parte a causa del suo desiderio e della decisione del giovane di
iniziare a curare il suo disturbo bipolare. Tuttavia, non ci vuole
molto perché un nuovo uomo misterioso appaia all’orizzonte.
Inizialmente, il chirurgo Jon Balanzetegui non porta altro che guai
a Quique. Tuttavia, col passare del tempo, i due iniziano ad
avvicinarsi. Quest’ultimo ha paura di iniziare una relazione con
Jon perché lui è padre e sta divorziando. Le persistenti
complicazioni relative alla custodia dei figli costringono l’altro
uomo a stare lontano da scene di festa potenzialmente
scandalose.
Pertanto, Jon rappresenta un nuovo
tipo di pericolo per Quique. Avendo una relazione con lui, accetta
una relazione più domestica, priva di sguardi rubati e appuntamenti
segreti. Tuttavia, sostituirà anche i rave notturni con la
colazione con il suo ragazzo e sua figlia. Nonostante tutto, questa
realtà finisce per andare abbastanza bene all’anestesista. Questo
fino a quando non si verifica una tragedia e la figlia di Jon,
Lola, finisce al pronto soccorso. In seguito, i risultati mostrano
che le sue condizioni sono state causate dall’ecstasy che aveva
trovato a casa di suo padre. Naturalmente, Quique, le cui tendenze
festaioli sono ben note, rimane l’unico sospettato. Alla fine, Lola
riesce a sopravvivere all’incidente, superandolo, cosa che non si
può dire della relazione tra Quique e Jon.
Irene partorirà? Lei e il suo
bambino sopravviveranno?
Irene, la compagna di Nicolas, vive
una gravidanza complicata fin dal primo trimestre. Dopo aver avuto
un episodio, i medici scoprono che il feto nel suo grembo ha un
tumore, che ne renderà quasi impossibile la sopravvivenza.
Tuttavia, poiché lei rimane riluttante ad abortire, non hanno altra
scelta che operare sia lei che il feto. L’operazione, sebbene
snervante, alla fine ha successo. Tuttavia, questa non è la
peggiore delle esperienze di Irene. Il giorno dei risultati delle
elezioni, Nicolas riesce a convincere Biel a cenare a casa sua, un
evento a cui quest’ultimo coinvolge Lucia. Tuttavia, tutti i piani
per una piacevole cena vanno in fumo quando la compagna di Nicolas
entra inaspettatamente in travaglio.
Anche se Irene è lontana dalla data
prevista per il parto, Lucia si rende conto che non c’è modo di
evitare il travaglio e che la donna dovrà semplicemente partorire
il bambino prematuramente. A peggiorare le cose, i precedenti
controlli hanno rivelato che il bambino è in posizione podalica.
Per lo stesso motivo, la soluzione più sicura sarebbe quella di
procedere con un parto cesareo. Tuttavia, data la posizione remota
della casa di Nicolas, sarebbe impossibile per un’ambulanza
arrivare sul posto in tempo. Alla fine, Lucia e Biel devono
eseguire il parto cesareo da soli, utilizzando strumenti
improvvisati e con Leo al telefono che li guida durante il
processo. Nonostante le difficoltà, le loro competenze esperte
assicurano la sopravvivenza sia di Irene che di suo figlio.
La serie televisiva spagnola di
NetflixRespira (Breathless) offre un’esperienza avvincente ai
suoi spettatori. Ambientata nell’ospedale Joaquín Sorolla di
Valencia, in Spagna, i personaggi centrali si uniscono per creare
un dramma medico che è allo stesso tempo accattivante e stimolante.
La serie, originariamente intitolata “Respira”, segue Biel, un
medico interno di un ospedale pubblico che affronta giornate
frenetiche piene di cure d’emergenza e gestione delle risorse per
fornire il miglior trattamento possibile ai suoi pazienti.
Tuttavia, le sue sfide rivelano che la realtà è ben lontana
dall’ideale.
In un sistema sanitario pubblico
alle prese con la carenza di risorse, le condizioni di lavoro dei
medici negli ospedali sono ben lontane da quelle che meritano.
Quando arriva un paziente di alto profilo, le tensioni latenti
vengono a galla. Viene annunciato uno sciopero dei professionisti
del settore medico, lasciando Biel combattuto tra il sostegno alla
causa e il suo impegno nei confronti dei pazienti, che secondo lui
non dovrebbero soffrire a causa di queste circostanze. Creata da
Carlos Montero, noto per “Elite”,
la serie solleva questioni importanti e, date le crescenti crisi
sociali e istituzionali, ci si potrebbe chiedere se gli eventi
siano basati su una storia vera.
I creatori di Respira hanno
prestato grande attenzione all’accuratezza sul set
Scritta da Carlos Montero, Carlos
Ruano, Guillermo Escribano e Pablo Saiz, la serie TV di otto
episodi non è basata su alcuna storia o incidente reale. Tuttavia,
il team ha condotto ricerche approfondite e lavori preparatori per
cogliere l’essenza del settore sanitario pubblico del Paese. Il
risultato è un ambiente iperrealistico in cui personaggi di
fantasia si incontrano e interagiscono. In questo modo, sono
riusciti a sollevare questioni di grande rilevanza per il dibattito
politico in Spagna e nel mondo.
L’ospedale Joaquín Sorolla, dove è
ambientata la serie, è stato realizzato con meticolosa attenzione
ai dettagli. Il set è quasi una struttura permanente, con solo
alcune pareti progettate per essere mobili per facilitare le
riprese. I creatori e tutti i membri del team di produzione si sono
impegnati a rendere l’ospedale il più realistico possibile,
prestando molta attenzione anche ai minimi dettagli. Ad esempio, i
nomi sulle liste d’attesa dei pazienti, i poster alle pareti e
persino le etichette sui flaconi dei medicinali sono stati creati
con grande precisione. Ci sono voluti quasi sei mesi per completare
il set, migliorando notevolmente l’esperienza immersiva degli
spettatori.
In un’intervista, Montero ha detto
di essere rimasto impressionato da ciò che era stato creato la
prima volta che è entrato sul set. Tuttavia, a differenza di un
ospedale perfettamente funzionante, ha notato che tutto era troppo
ordinato e pulito. Durante le riprese sono stati aggiunti graffi,
carrelli abbandonati, scarabocchi sui muri e altri piccoli dettagli
per aumentare l’autenticità. Questi tocchi hanno reso il set più
simile a un vero ospedale, conferendo alla serie un maggiore senso
di realismo.
Echi delle proteste della vita
reale in Respira
Inoltre, lo sciopero dei
professionisti del settore medico non è raro nella storia spagnola.
La prima grande protesta è avvenuta nel 2012, durante il picco
della crisi finanziaria spagnola. Conosciuta come il movimento
“Marea Bianca”, questa serie di manifestazioni ha visto gli
operatori sanitari di tutto il paese scendere in piazza per opporsi
alle misure di austerità imposte dal governo. Queste misure
includevano tagli al bilancio, privatizzazione dei servizi sanitari
e licenziamenti del personale, con gravi ripercussioni sulla
qualità dell’assistenza. I professionisti del settore medico,
vestiti con camici bianchi, hanno guidato massicce manifestazioni
in città come Madrid e Barcellona, protestando contro il
deterioramento del sistema sanitario pubblico.
Un’altra importante protesta medica
in Spagna si è verificata nel 2018, quando i medici di base della
Catalogna hanno organizzato uno sciopero di cinque giorni per
chiedere migliori condizioni di lavoro e più tempo da dedicare ai
pazienti. Questa protesta ha messo in evidenza la cronica carenza
di personale e il sovraccarico di lavoro dei medici, che spesso
erano costretti a visitare fino a 40 pazienti al giorno con poco
tempo a disposizione per fornire cure di qualità. L’opinione
pubblica ha ampiamente sostenuto lo sciopero, poiché molte persone
erano frustrate dai lunghi tempi di attesa e dal calo degli
standard nell’assistenza sanitaria di base. Le proteste hanno
risposto ad anni di tagli ai finanziamenti sanitari, che avevano
lasciato il sistema a corto di risorse e sovraccarico. A seguito
dello sciopero, il governo catalano ha accettato di assumere più
medici e ridurre il carico di pazienti, riconoscendo le questioni
critiche sollevate dai manifestanti.
Pertanto,
Respira non è solo un’opera creativa che
esiste in modo isolato e senza contesto. Oltre al suo obiettivo di
intrattenere il pubblico con un dramma ad alto rischio, sottolinea
anche il potere della voce del popolo e il suo potenziale di
apportare cambiamenti sostanziali. Evidenziando un incidente, anche
se fittizio, la serie svolge un ruolo significativo nel fissarlo
nella memoria del pubblico e nel ricordargli che il cambiamento è
sempre a portata di mano.
Un nuovo film biografico su Audrey
Hepburn sta attualmente cercando l’attrice perfetta per
interpretare la Hepburn, ma non sarà Lily Collins, che per anni è stata considerata dai fan
la candidata ideale per interpretare la defunta attrice.
Deadline ha riportato che il nuovo film biografico su
Hepburn, intitolato Dinner With Audrey, ha scelto come
protagonista
Thomasin McKenzie, nota per i suoi ruoli in Late
Night in Soho e Jojo Rabbit.
Ansel Elgort apparirà al fianco della Hepburn interpretata da
McKenzie nel ruolo dello stilista Hubert de Givenchy. Michael
Shannon, due volte candidato all’Oscar, potrebbe partecipare al
progetto.
Dinner With Audrey è diretto
da Abe Sylvia, che ha al suo attivo Palm Royale,Dead to
Me e The Eyes of Tammy Faye. Il film esplorerà i 40
anni di amicizia tra la Hepburn e lo stilista de Givenchy nel
corso di una magica notte a Parigi. La cena ha dato il via alla
loro lunga collaborazione sugli abiti più iconici della Hepburn,
tra cui quelli di Colazione da Tiffany, Cenerentola a
Parigi, Sciarada e Sabrina.
Kara Holden, nota per Clouds e
Carrie Pibly, sta scrivendo la sceneggiatura. Ashok Amritraj e
Priya Amritraj produrranno il film biografico attraverso Hyde Park
insieme a Mad Chance e Wayfarer.
McKenzie reciterà nella parodia
britannica Fackham Hall al fianco di
Tom Felton ed è la voce narrante dell’ultimo film di Mona
Fastvold, The Testament of Anne Lee, al fianco di Amanda Seyfried. Elgort è noto per
The Fault in Our Stars, West Side Story e Baby Driver.
L’amicizia tra la Hepburn e de
Givenchy iniziò nel 1953 e durò fino alla morte dell’attrice,
avvenuta nel 1993 all’età di 63 anni a causa di un tumore
all’appendice. De Givenchy descriveva spesso la defunta attrice
come sua sorella e musa ispiratrice. Si incontrarono per la prima
volta quando la Hepburn entrò nell’atelier parigino di Givenchy nel
1953, mentre lui stava aspettando Katharine Hepburn. La loro prima
collaborazione fu il guardaroba per il suo ruolo in
Sabrina.
Givenchy si ritirò dalla moda nel
1995 e pubblicò un libro con bozzetti di moda intitolato To
Audrey with Love, che fu poi oggetto di una mostra nel 2016. Lo
stilista francese morì all’età di 91 anni nel 2018.
Molti hanno spesso immaginato
Collins nei panni della Hepburn per via delle loro somiglianze
fisiche, e la Collins rende spesso omaggio allo stile unico e
iconico della Hepburn nella sua ultima serie Netflix, Emily in
Paris. Tuttavia, la McKenzie ha un tono di voce morbido e
lineamenti simili a quelli della Hepburn e ha offerto
interpretazioni crude ed emozionanti nei suoi ultimi ruoli, che
possono essere paragonati a quelli della Hepburn.
