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Zack Snyder condivide una nuova inquietante immagine del Joker di Jared Leto

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Jared Leto ha debuttato nei panni del Joker nel film Suicide Squad del 2016, e qualcosa di curioso è successo con la sua interpretazione. Prima dell’uscita del film, c’era molta eccitazione intorno alla sua scelta per il ruolo. Poi, è stata rilasciata una prima immagine del personaggio e le aspettative nei suoi confronti sono radicalmente cambiate. Ma il peggio doveva ancora arrivare. Il film è stato universalmente disapprovato al momento dell’uscita, e una delle critiche più grandi riguardava proprio il Joker di Leto.

Il film è poi rimasto l’unica incursione dell’attore nell’universo DC per alcuni anni, al punto che sembrava destinato a essere l’ultima. Tuttavia, le cose sono cambiate quando Zack Snyder è stato richiamato dalla Warner Bros. per completare la sua versione di Justice League. Con una mossa a sorpresa, Leto è tornato nei panni del Principe Clown del Crimine per una sequenza post-apocalittica.

Alla fine, la Zack Snyder’s Justice League sarebbe diventata l’ultimo film in cui abbiamo visto il personaggio. Tuttavia, sempre grazie a Snyder, ora abbiamo una nuova immagine del personaggio con un look completamente nuovo. Continuando la sua tendenza a condividere immagini dei progetti DC passati, il regista ha infatti pubblicato questa foto inquietante del Joker di Leto.

Il post era accompagnato dalla didascalia: “Obiettivo 50 mm Dream Leica monocromatico”. Sebbene breve, il suo ritorno nei panni del Joker nella Justice League rielaborata ha permesso al cattivo di Leto di interagire con il Batman di Ben Affleck sullo schermo per la prima volta nel DCEU (anche se gli attori hanno girato le loro scene separatamente). Ad ogni modo, l’immagine ci mostra un Joker potenzialmente pronto allo scontro, cosa che purtroppo non abbiamo avuto modo di vedere nel DCEU.

Diane Ladd: muore ad 89 anni l’attrice candidata all’Oscar, madre di Laura Dern

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Diane Ladd è morta all’età di 89 anni. Nata il 29 novembre 1935 a Laurel, nel Mississippi, Ladd è stata candidata tre volte all’Oscar come migliore attrice non protagonista per le sue interpretazioni in Alice non abita più qui (1974) di Martin Scorsese, Cuore selvaggio (1990) di David Lynch e Rambling Rose (1991), con quest’ultimo che l’ha vista recitare insieme alla figlia Laura Dern.

In una dichiarazione rilasciata a The Hollywood Reporter, Laura Dern ha condiviso la notizia della morte di sua madre Diane Ladd. “La mia straordinaria eroina e il mio dono più grande, mia madre Diane Ladd, è venuta a mancare questa mattina, con me al suo fianco, nella sua casa di Ojai, in California. Era la figlia, la madre, la nonna, l’attrice, l’artista e lo spirito empatico più straordinari che solo i sogni avrebbero potuto creare. Siamo stati fortunati ad averla. Ora sta volando con i suoi angeli”.

Diane Ladd era una classica bellezza del sud e un’attrice vivace, nota per le sue interpretazioni intense che combinavano forza, vulnerabilità, umorismo e fascino. Il ruolo che le ha dato la notorietà, quello di Flo, la cameriera dalla lingua tagliente e dai capelli voluminosi in Alice non abita più qui, ha messo perfettamente in mostra il suo talento. Quel film ha segnato anche il debutto di sua figlia Laura Dern, che appare brevemente nella scena finale mentre mangia un cono gelato in una tavola calda all’età di 7 anni.

Il talento di Ladd per l’improvvisazione l’ha aiutata a ottenere il ruolo di Marietta Fortune, la madre autoritaria ed emotivamente segnata di Lula (interpretata sempre da Laura Dern), in Cuore selvaggio. Madre e figlia si sono poi riunite sullo schermo l’anno successivo in Rambling Rose, in cui Ladd interpretava un’eccentrica matriarca del Sud la cui famiglia viene gettata nel caos quando la tormentata Rose (interpretata da Dern) diventa la loro domestica. Anche Dern ha ricevuto una nomination all’Oscar per la sua interpretazione.

Ladd ha incontrato il suo ex marito, l’attore Bruce Dern, in una produzione off-Broadway nel 1958. I due si sono sposati nel 1960 e Ladd ha debuttato al cinema al fianco di lui in The Wild Angels (1966). Ladd ha dato alla luce la loro figlia, Laura Dern, nel 1967, e i due hanno divorziato nel 1969. Tra i film interpretati da Diane Ladd figurano anche Chinatown (1974), Something Wicked This Way Comes (1983), National Lampoon’s Christmas Vacation (1989), Primary Colors (1998) e, più recentemente, Joy (2015).

La CBS segna ufficialmente la fine di un’era per Tracker

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La CBS segna ufficialmente la fine di un’era per Tracker

Tracker stagione 3, episodio 3, “First Fire”, segna la fine di un’era per la serie di successo di Justin Hartley. In testa alla programmazione della CBS per il 2025-2026, la serie procedurale basata sul romanzo “The Never Game” ha riscosso un enorme successo sin dal suo debutto nel febbraio 2024. È impressionante come sia riuscito a mantenere il suo posto come programma televisivo numero 1 nonostante la forte concorrenza di serie consolidate e programmi più recenti.

Aprendo la Tracker – stagione 3 con uno speciale di due episodi, la serie di Hartley ha immediatamente chiarito che non ha intenzione di rallentare il ritmo. Dopo non essere tornato per un’altra apparizione nella seconda stagione, Jensen Ackles ha ottenuto un ruolo più importante, apparendo nei primi due episodi di quest’anno. Tuttavia, man mano che le cose iniziano a stabilizzarsi in “First Fire”, i cambiamenti in Tracker diventano più evidenti, portando alla fine definitiva della sua serie originale.

Tracker Stagione 3, Episodio 3 Completa il Rinnovamento della Squadra di Colter Shaw

Prima del suo ritorno in prima serata, è stato annunciato che Abby McEnany ed Eric Graise non sarebbero tornati nei panni di Velma e Bobby nella terza stagione di Tracker. Francamente, non è ancora chiaro perché siano stati eliminati dalla serie, soprattutto perché entrambi hanno fatto parte della squadra di Colter fin dall’inizio come suoi assistenti e supporto tecnico/informativo. In precedenza, Tracker aveva già perso Robin Weigert nel ruolo di Teddi.

Randy ha effettivamente assunto il ruolo di Bobby in Tracker. Infatti, ha persino stabilito un legame con Reenie trasferendosi nel suo ufficio. Non ci sono stati indizi che lo show stia cercando di sostituire anche Velma; lo show non ha portato nessuno a riempire il posto lasciato libero da Teddi. La situazione cambia, tuttavia, nella terza stagione di Tracker, episodio 3, con l’assunzione di Mel. Lei svolgerà essenzialmente il lavoro che Velma svolgeva sia per Reenie che per Colter. Se rimarrà nel suo posto di lavoro, tuttavia, è tutta un’altra storia.

Vale la pena notare che, sebbene Reenie sia ancora in Tracker, non ha mai fatto parte della squadra di Colter sin dall’inizio. Inizialmente, appariva solo quando c’era un intoppo legale nella missione. Da allora, però, il suo ruolo si è ampliato. Ma per quanto riguarda il vero sistema di supporto di Colter, tutti i suoi membri sono già stati sostituiti, segnando così la fine di un’era per Tracker.

Velma, Teddi e Bobby torneranno mai in Tracker?

Tracker Justin Hartley

Nessuno dei personaggi usciti da Tracker ha avuto un addio adeguato. La loro uscita di scena è avvenuta fuori dallo schermo, con la loro sorte spiegata successivamente attraverso scene espositive. A quanto pare, Bobby ha accettato un lavoro redditizio in una start-up tecnologica, mentre Velma si è riunita con Teddi. Pragmaticamente, tutti i personaggi hanno avuto un’uscita di scena felice e, dato che nessuno di loro è morto, possono essere facilmente reinseriti nella serie.

Il loro ritorno dipende ora dagli sceneggiatori di Tracker, che devono decidere se c’è una valida ragione narrativa per la loro ricomparsa. Naturalmente, dipende anche dalla disponibilità degli attori a riprendere i loro ruoli, ma ci deve essere una giustificazione narrativa per il loro ritorno. Sarebbe irrispettoso riportarli in Tracker per un cameo forzato.

I mercenari (The Expendables): svelato il destino del franchise di Sylvester Stallone

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Il futuro della serie The Expendables è stato confermato dopo lo scarso successo di Expend4bles nel 2023. Con Sylvester Stallone nel ruolo principale, questa serie d’azione con un cast stellare è iniziata nel 2010, ma l’accoglienza riservata all’ultimo film ha sollevato grandi interrogativi sul suo futuro.

Due anni dopo, Lionsgate ha annunciato di aver acquisito i diritti del franchise Expendables da Millennium Media. Questo accordo conferisce allo studio, che ha distribuito i quattro film del franchise in Nord America e nel Regno Unito, i diritti per sviluppare e produrre tutti i futuri film, programmi TV e videogiochi di quell’universo.

L’accordo tra Lionsgate e Millennium Media include anche i diritti di distribuzione globale del prossimo film prequel di Rambo, John Rambo. Noah Centineo è attualmente in fase di trattative finali per interpretare il ruolo principale precedentemente interpretato da Stallone. Lionsgate è anche diventata lo studio principale e partner di produzione di tutti i futuri film di Rambo.

Il COO di Lionsgate, Brian Goldsmith, ha rilasciato la seguente dichiarazione sull’accordo, esprimendo entusiasmo per il futuro delle serie Expendables e Rambo:

“Questo accordo amplia il portafoglio di Lionsgate di franchise d’azione che definiscono il genere e rafforza il nostro impegno a fornire IP di livello mondiale su più piattaforme. Siamo entusiasti di reimmaginare sia The Expendables che Rambo al cinema e in televisione e, con John Rambo, stiamo riunendo un team creativo audace per reinventare un personaggio classico per una nuova generazione di fan”.

Anche il presidente della Millennium Media, Jonathan Yunger, ha rilasciato una dichiarazione, elogiando Lionsgate come partner forte per il futuro di queste due proprietà:

“Abbiamo sempre creduto nel potere duraturo di questi franchise, e questa partnership offre loro la portata, il supporto creativo e la diffusione globale che meritano. La solida esperienza di Lionsgate con le principali proprietà d’azione la rende il partner ideale per contribuire a plasmare i prossimi capitoli di The Expendables e Rambo”.

L’annuncio include la conferma che Jalmari Helander (Sisu) dirigerà John Rambo e che le riprese del progetto inizieranno il prossimo anno in Thailandia.

Per quanto riguarda il franchise di The Expendables, l’accordo è un segno che questa proprietà intellettuale non è ancora morta. Dopo il successo commerciale dei primi tre film, con The Expendables 2 (2012) che ha segnato il record del franchise con 314 milioni di dollari incassati in tutto il mondo, il quarto capitolo ha fatto registrare un crollo con soli 51 milioni di dollari. Con un budget stimato di 100 milioni di dollari, il film è stato un fallimento significativo.

Dopo aver recitato in tutti e tre i film precedenti, il personaggio di Stallone, Barney Ross, passa in secondo piano in The Expendables 4, che doveva servire da passaggio di testimone a una generazione più giovane di star d’azione, tra cui Jason Statham e Megan Fox. Il punteggio del 14% su Rotten Tomatoes, insieme al risultato al botteghino, suggerisce che il film sia stato ampiamente rifiutato dal pubblico.

La domanda principale che si pone per i film futuri è se riporteranno attori come Stallone, Statham, Fox, 50 Cent, Dolph Lundgren e Iko Uwais, tra gli altri, o se ricominceranno da zero con un nuovo cast di star. Data la reazione a Expend4bles, la seconda ipotesi sembra più probabile, ma Statham rimane una star di successo, grazie a film come The Meg (2018) e The Beekeeper (2024).

Invece di tornare sul grande schermo, è certamente possibile che il franchise faccia prima un tentativo sul piccolo schermo, il che sarebbe un interessante test dell’appeal dell’IP su diversi media. Resta da vedere cosa riserva il futuro a The Expendables, ma il franchise, proprio come Barney Ross di Stallone, è evidentemente difficile da uccidere.

FOTO DI COPERTINA: Sylvester Stallone alla cerimonia di chiusura del 72° Festival di Cannes. Foto di arp via DepositPhotos.com

 

One Piece – Stagione 1: la spiegazione del finale

One Piece – Stagione 1: la spiegazione del finale

Il finale della prima stagione di One Piece di Netflix è tutt’altro che definitivo, con molti misteri da risolvere, capitoli da adattare e mari da esplorare per Monkey D. Rufy. Seguendo lo stesso formato dell’iconica serie anime e manga di Eiichiro Oda, la prima stagione di One Piece comprendeva una serie di brevi archi narrativi che introducevano i primi cinque membri dei Pirati di Cappello di Paglia al cast live-action di One Piece. Questa saga iniziale è culminata in una battaglia per la libertà di Nami contro i temibili pirati di Arlong dell’East Blue. Spinto dalla rabbia per la crudeltà dell’uomo-pesce, Rufy ha scatenato le sue tecniche Gum Gum più letali per sconfiggere Arlong e distruggere il suo quartier generale, un parco acquatico. Il villaggio di Nami ha finalmente assaporato la libertà.

Il finale di One Piece ha poi visto Rufy confrontarsi con la trama secondaria, ovvero suo nonno, Monkey D. Garp. Piuttosto che arrestare suo nipote per pirateria, il pestaggio di Garp si è rivelato essere una prova per assicurarsi che il pirata alle prime armi fosse pronto per i pericoli della Rotta Maggiore. Soddisfatto della convinzione di Rufy, Garp ha permesso ai Cappelli di Paglia di salpare, con il quintetto che ha consolidato il proprio status di vera ciurma pirata tramite il cerimoniale calcio al barile. Inevitabilmente, il pericolo è in agguato, poiché il finale della stagione 1 di One Piece rivela nuove minacce in attesa di Rufy Cappello di Paglia nella stagione 2.

Chi è l’uomo misterioso nel finale della prima stagione di One Piece

One Piece La prima stagione si conclude con un’immagine di una figura misteriosa che brucia il poster di Monkey D. Rufy con un sigaro acceso. I capelli chiari e la propensione al tabacco confermano che questo nuovo personaggio live-action è il capitano Smoker, un marine particolarmente potente il cui Frutto del Diavolo gli permette di trasformare il suo corpo in puro fumo, rendendo inefficaci i pugni di Rufy. Un giovane Smoker può essere effettivamente individuato all’inizio della stagione di debutto di One Piece, mentre assiste all’esecuzione di Gold Roger durante il flashback iniziale. Il personaggio è molto simile a Garp dal punto di vista morale. Smoker detesta i pirati e li dà la caccia con tenacia, ma non è corrotto o malvagio come Morgan o l’ufficiale che Arlong pagava.

L’introduzione di Smoker suggerisce che la prima location della One Piece – stagione 2 sarà Loguetown, il luogo nell’East Blue dove Gold Roger è stato giustiziato. Quest’isola è l’ultima tappa prima che i pirati si uniscano alla Grand Line, e Smoker è il capitano della base locale della Marina, che schiaccia i sogni di molti equipaggi di raggiungere il leggendario oceano prima ancora che lo raggiungano. Questo è il motivo per cui Smoker viene mostrato mentre brucia il poster di Rufy nel finale della One Piece stagione 1. Non c’è alcun legame personale tra i due, ma la rapida ascesa di Rufy a pirata più ricercato dell’East Blue è qualcosa che Smoker trova particolarmente irritante.

Perché Garp ride quando lascia andare Rufy

One Piece ciurma netflix
One Piece. (L to R) Taz Skylar as Sanji, Mackenyu Arata as Roronoa Zoro, Iñaki Godoy as Monkey D. Luffy, Emily Rudd as Nami, Jacob Romero Gibson as Usopp in season 1 of One Piece. Cr. Courtesy of Netflix © 2023

Sebbene l’inseguimento di Rufy da parte del viceammiraglio Garp durante la prima stagione di One Piece fosse solo un modo per mettere alla prova il suo coraggio prima della fase successiva della sua avventura, Garp ride stranamente quando si rende conto che la determinazione di Rufy a diventare il Re dei Pirati è incrollabile. Questa reazione inaspettata è dovuta al fatto che, in quel preciso momento, Rufy ricorda a suo nonno Gold Roger, il precedente Re dei Pirati.

Roger viene mostrato mentre ride quando Garp assiste alla sua esecuzione nel flashback introduttivo di One Piece e, come rivelato dalla storia originale dell’anime e del manga, i due erano in realtà amici, nonostante fossero su fronti opposti della legge.

Quando Garp tiene Luffy per il collo e suo nipote ride mentre ribadisce il suo desiderio di trovare il tesoro di One Piece, il viceammiraglio ricorda immediatamente il suo defunto amico pirata. Questa consapevolezza si ricollega al commento di Dracule Mihawk a Garp all’inizio della stagione 1 di One Piece, in cui il Warlord sottolineava una strana somiglianza tra Rufy e Roger. Gli spettatori che hanno visto solo la versione live-action potrebbero essere perdonati se pensassero che Roger sia in realtà il padre di Rufy e, quindi, il figlio di Garp. Non è così, ma i personaggi provengono dallo stesso antico clan.

Dove stanno andando ora i Pirati di Cappello di Paglia?

One Piece

L’introduzione del Capitano Smoker suggerisce fortemente che la seconda stagione di One Piece inizierà a Loguetown, ma il finale della prima stagione ha già preparato il terreno per l’arrivo della Going Merry alla Grand Line. Quando Nami è confusa dalla sua mappa che sembra indicare un fiume che scorre su una montagna nelle scene finali di One Piece, lei preannuncia la famosa Reverse Mountain. Nami presume che si tratti di un errore sulla mappa, ma Reverse Mountain sarà un momento importante nella seconda stagione di One Piece e la pietra miliare in cui la serie Netflix lascerà alle spalle East Blue per spostarsi esclusivamente sulla Grand Line.

Per quanto riguarda ciò che attende dall’altra parte di Reverse Mountain, One Piece di Netflix ha già fatto diversi riferimenti espliciti a una losca organizzazione nota come Baroque Works. I suoi membri saranno i principali antagonisti della seconda stagione di One Piece e, rompendo l’attuale formula episodica della serie, Baroque Works fornirà una trama generale a lungo termine che culminerà con la comparsa di un secondo Warlord of the Sea. Al momento della stesura di questo articolo, Netflix non ha confermato che la seconda stagione di One Piece andrà avanti, ma la prima stagione getta comunque basi significative per le storie future.

Perché Rufy ha una taglia (e perché gli altri Cappelli di Paglia no)

Il Governo Mondiale assegna le taglie in base a quanto considera pericoloso un pirata, e Rufy conclude la stagione 1 di One Piece con un’enorme taglia di 30.000.000 di berry sulla sua testa, nonostante abbia preso di mira solo criminali e altri pirati. Questo perché il Governo Mondiale considera i Pirati di Cappello di Paglia un pericolo per la pace e l’ordine, piuttosto che un pericolo per i cittadini. Sconfiggendo Arlong, il precedente detentore della taglia più alta dell’East Blue, Rufy si vede automaticamente assegnata una taglia più alta. Pertanto, il sistema di taglie di One Piece funziona in linea di massima come un modo per classificare la forza dei pirati, anche se tale confronto non è sempre accurato.

Rufy è l’unico pirata di Cappello di Paglia a ricevere una taglia perché, francamente, gli altri non sono ancora considerati abbastanza importanti dal Governo Mondiale. In qualità di capitano della ciurma, nonché responsabile dell’abbattimento di Arlong, Rufy è l’unico Cappello di Paglia che il Governo Mondiale è attualmente interessato a catturare. Man mano che la notorietà della ciurma aumenterà, la situazione cambierà e tutti i nakama di Rufy finiranno per ricevere a loro volta ingenti taglie.

Arlong è morto dopo la fine della prima stagione di One Piece?

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One Piece La fine della prima stagione non chiarisce direttamente cosa succede ad Arlong dopo che Rufy lo sconfigge. Il pirata uomo-pesce viene sepolto sotto le macerie della sua ex casa e solo Rufy emerge. Il viceammiraglio Garp ordina ai suoi marines di dare la caccia ai pirati rimasti che sono fuggiti durante l’attacco dei Cappelli di Paglia, ma questi momenti conclusivi non fanno alcun riferimento ad Arlong. Sebbene Arlong non sia mai tornato fisicamente nel manga One Piece dopo la sua sconfitta, il materiale originale di Eiichiro Oda ha confermato verbalmente che il cattivo è sopravvissuto alla brutale Gum Gum Battleaxe di Rufy.

Lo stesso vale probabilmente per la serie TV One Piece di Netflix, anche se il tono un po’ più cupo e l’approccio più maturo fanno sì che non sia assurdo supporre che Arlong sia stato schiacciato a morte. In entrambi i casi, è altamente improbabile che il cattivo ritorni nella seconda stagione di One Piece. Con molti nuovi nemici da introdurre e nessun precedente per il suo ritorno nel materiale originale, la storia di Arlong sembra conclusa in One Piece.

Cosa significa il nuovo tatuaggio di Nami

One Piece

Come rivelato in One Piece durante la stagione 1, l’ingresso di Nami nella ciurma dei Pirati di Arlong ha significato per lei l’obbligo di farsi tatuare il simbolo di Arlong sul braccio. Dopo la sconfitta di Arlong, il tatuaggio di Nami è stato modificato, sostituendo la bandiera di Arlong con un disegno meno offensivo. La nuova body art di Nami simboleggia la sua ritrovata libertà dal controllo di Arlong, ma l’immagine del tatuaggio, una girandola combinata con un’arancia, ha un significato ancora più profondo. Nel manga originale, la girandola era un giocattolo regalato a Nami da bambina dal capo del suo villaggio, Genzo, mentre i mandarini erano coltivati come specialità dalla madre adottiva di Nami, Bell-mère.

Nella storia di Netflix, il tatuaggio è un omaggio più generico al villaggio natale di Nami. L’immagine del mandarino rappresenta sia Bell-mère, che coltivava i frutti, sia il villaggio di Coco nel suo complesso, dove sono una specialità locale. I flashback di One Piece di Netflix mostrano Bell-mère che regala a Nami una girandola fatta con la buccia di mandarino, che probabilmente ha ispirato l’elemento della girandola nel nuovo tatuaggio di Nami. Stranamente, però, i flashback mostrano anche il giovane Genzo con una girandola nel cappello, la stessa che regala a Nami nell’anime. Genzo non viene mai mostrato mentre le consegna il giocattolo, quindi il capo del villaggio non ha alcun legame con il tatuaggio ridisegnato di Nami nella versione live-action.

Come Mihawk e Shanks si conoscono

In una scena finale di festa, il finale della stagione 1 di One Piece mostra Shanks il Rosso e la sua ciurma di pirati ai giorni nostri, che brindano allegramente alla prima taglia su Monkey D. Rufy. Stranamente, a loro si unisce Dracule Mihawk, un ufficiale Warlord of the Sea al servizio del Governo Mondiale. Tecnicamente parlando, Mihawk non dovrebbe bere così cordialmente con un pirata del calibro di Shanks. La conversazione tra i due trasuda familiarità, dando l’impressione di una rivalità amichevole che si è protratta nel corso degli anni. La natura completa del rapporto tra Shanks e Mihawk – ammesso che ce ne sia uno al di là delle occasionali scaramucce in mare – deve ancora essere rivelata, anche nel manga One Piece.

Buggy e Alvida stanno formando una squadra?

One Piece La prima stagione si conclude mostrando le reazioni dei vari amici e nemici di Rufy al suo nuovo manifesto di ricercato, e una delle reazioni meno entusiastiche proviene da un cupo Buggy il Clown, ora tornato dalla sua temporanea alleanza con i Pirati di Cappello di Paglia. Lamentandosi del suo nemico elastico, Buggy trova un’anima gemella in Alvida, l’originale capitano di Koby e la pirata che Rufy ha scaraventato in mare durante l’episodio iniziale. Questa scena suggerisce fortemente un’alleanza tra questi due avversari di basso livello nella seconda stagione di One Piece, e questa teoria è supportata dall’anime e dal manga originali, in cui Buggy e Alvida recitano entrambi nell’arco narrativo di Loguetown di One Piece al fianco del capitano Smoker.

È interessante notare che la collaborazione tra Buggy e Alvida in One Piece ha importanti ripercussioni che vanno oltre la sola seconda stagione. Buggy è un personaggio significativo anche nei capitoli attuali del manga, e Alvida rimane parte del suo equipaggio, anche se non ha un ruolo di primo piano. Resta da vedere se la versione di Netflix arriverà a quel punto, ma il finale della prima stagione di One Piece non nasconde nulla nella definizione delle trame future.

One Piece è attualmente in streaming su Netflix.

La canzone sbagliata dei KPop Demon Hunters è diventata virale

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La canzone sbagliata dei KPop Demon Hunters è diventata virale

“Golden” è il suono perfetto di una canzone pop, ma non è il brano che meglio cattura il messaggio di KPop Demon Hunters. Questo fine settimana sono andato a una proiezione con karaoke di KPop Demon Hunters (Netflix ha riportato il film nelle sale per Halloween, due mesi dopo una distribuzione già storica), che mi ha permesso di rivedere il film con un pubblico che conosceva ogni canzone a memoria.

Da tutti che urlavano “Fit check for my Napalm era” durante “How It’s Done” all’intero cinema che muoveva le spalle al ritornello di “Soda Pop”, è incredibile quanto KPop Demon Hunters abbia risuonato con persone di tutte le età. Ma mentre tutte le canzoni del film sono orecchiabili e si collegano alla storia in modo intelligente, “Golden” è il campione indiscusso quando si tratta di popolarità.

Dopo che “Golden” ha raggiunto il primo posto nella Billboard Global 200, è diventato chiaro che anche HUNTR/X stavano salendo, salendo, salendo nel nostro mondo. La canzone è diventata il simbolo di KPop Demon Hunters, con le voci di Rumi, Mira e Zoey che l’hanno persino eseguita dal vivo al The Tonight Show. Tuttavia, per quanto “Golden” sia fantastica ed emozionante, c’è un’altra canzone degli HUNTR/X che merita lo stesso amore.

“What It Sounds Like” è il vero cuore dei KPop Demon Hunters

Se ‘Golden’ è la canzone che avrebbe suggellato l’Honmoon, “What It Sounds Like” è la canzone che ha creato la nuova versione migliorata di cui parlava Rumi. In “Golden”, Rumi canta di lasciarsi alle spalle gli schemi e diventare la ragazza che tutti vedono. Nel contesto della storia, “Golden” non è mai stata una canzone sull’accettazione.

Si può sentire la voce di Celine nelle parole di ‘Golden’: Rumi, Mira e Zoey sono cacciatrici, hanno voci forti e i loro difetti e le loro paure non devono mai essere visti. Le ragazze dovevano essere perfette, anche se questo significava non affrontare mai i propri demoni. È solo in “What It Sounds Like” che finalmente sentiamo le loro vere voci. È la canzone che non sono riuscite a scrivere, dopotutto.

“What It Sounds Like” è un’esperienza catartica, sia per il pubblico che per le Huntrix. Rumi ha passato tutta la sua vita pensando che ci fosse qualcosa di sbagliato in lei che doveva essere corretto. Ma in “What It Sounds Like” finalmente vede la bellezza nel vetro rotto. Anche Mira e Zoey accettano chi sono, indipendentemente dai loro difetti.

Ammetto che “What It Sounds Like” non è la canzone più commerciale, soprattutto se paragonata a ‘Golden’ o “Soda Pop”. A differenza di queste due, “What It Sounds Like” funziona solo nel contesto del film. Il testo e la melodia sono direttamente legati a ciò che accade sullo schermo, e la canzone perde il suo impatto senza momenti visivi chiave come l’abbraccio di gruppo o il sacrificio di Jinu.

“Golden” è diventata più grande di KPop Demon Hunters

KPop Demon Hunters

Anche se mi sarebbe piaciuto vedere “What It Sounds Like” diventare un successo ancora più grande, ‘Golden’ merita assolutamente il suo successo. Nonostante la dolceamarezza del testo, “Golden” è una bellissima canzone che parla di trovare la forza di tracciare la propria strada, indipendentemente dal proprio passato o dalle avversità che si sono affrontate.

EJAE, che ha co-scritto la canzone e ha prestato la sua voce a Rumi, ha parlato di quanto “Golden” sia speciale e personale per lei. Con “Golden”, l’ex tirocinante K-pop ha trasformato alcune delle sue difficoltà in un inno che ora sta raggiungendo persone di tutto il mondo.

Anche se Rumi, come personaggio, aveva bisogno di crescere oltre il messaggio di “Golden” nella storia, il testo della canzone non potrebbe essere più stimolante. ‘Golden’ è per KPop Demon Hunters ciò che “Let It Go” è per Frozen: una canzone che forse non definisce completamente il personaggio principale, ma con cui il film sarà per sempre associato.

One Piece – Stagione 2: rinnovo, cast, trama e tutto quello che sappiamo

La seconda stagione dell’adattamento live-action di One Piece di Netflix è in arrivo e ci sono già molte notizie sul cast, sulla trama e sulla data di uscita per quanto riguarda il futuro di Rufy e dei Pirati di Cappello di Paglia. Basato sul manga e sull’anime One Piece, lo show live-action di Netflix racconta la storia di Monkey D. Rufy e della sua ciurma, i Pirati di Cappello di Paglia. Nella prima stagione, Rufy ha riunito la banda, nonostante l’iniziale esitazione di Zoro e Nami, e si è messo alla ricerca del tesoro di Gold Roger, il One Piece, sulla Grand Line.

Poiché è basata sul manga e sull’anime di Eiichiro Oda, c’è già molto da discutere sulla prossima stagione di One Piece su Netflix. La seconda stagione live-action di One Piece seguirebbe gli eventi della prima, che copriva la saga East Blue del manga. Monkey D. Rufy ha giurato di diventare un grande pirata e, alla fine della One Piece – stagione 1, è sulla buona strada per raggiungere i suoi obiettivi, ottenendo il suo poster da ricercato, la sua nave e il suo equipaggio. La One Piece stagione 2 segue l’arco narrativo successivo del manga e dell’anime, la saga di Arabasta, mostrando le prime tappe del viaggio dei Pirati di Cappello di Paglia verso la Grand Line.

Notizie recenti su One Piece – Stagione 3

Un nuovo teaser rivela l’arrivo di Tashigi

A distanza di mesi dalla scelta dell’attrice per interpretare il ruolo, arrivano le ultime notizie sotto forma di un teaser sul personaggio di Julia Rehwald, Tashigi. L’account ufficiale One Piece su Netflix su X (ex Twitter) ha condiviso un breve video in cui Rehwald risponde a domande su se stessa e su Tashigi, oltre che sul processo di ripresa della seconda stagione. Il video scherzoso non rivela molto sui prossimi episodi, ma è chiaro che, come nell’anime, Tashigi avrà un ruolo importante nella nuova stagione.

La serie live-action di Netflix One Piece è stata rinnovata per la seconda stagione

Cr. Courtesy of Netflix © 2025

Presto arriverà ancora più follia con i Cappelli di Paglia

Netflix ha rinnovato One Piece per la seconda stagione. La conferma è arrivata nel settembre 2023, due settimane dopo la prima della serie. Il rinnovo di Netflix One Piece per un’altra stagione non è stato una sorpresa, anche se la notizia è stata comunque accolta con grande entusiasmo. One Piece ha ricevuto recensioni incredibilmente positive ed è stato un successo tra gli abbonati, ottenendo l’82% su Rotten Tomatoes dai critici e un punteggio ancora più alto, pari al 94%, dal pubblico. Con l’enorme successo della serie, sembra che Netflix abbia finalmente spezzato la maledizione degli anime live-action, da tempo noti per essere un genere difficile.

Netflix ha pubblicato tutti gli episodi della stagione 1 di One Piece il 31 agosto 2023.

Stato di produzione della seconda stagione di One Piece live-action

ONE PIECE - Stagione 2

Le riprese sono iniziate nel giugno 2024

Sebbene le notizie siano state piuttosto scarse da quando lo show è stato rinnovato nel settembre 2023, è stato ora rivelato che la seconda stagione di One Piece è entrata in produzione nel giugno 2024 e si è conclusa nel febbraio 2025. La serie, ricca di effetti speciali, avrà probabilmente un periodo di post-produzione prolungato, il che significa che la seconda stagione potrebbe debuttare non prima degli ultimi mesi del 2025. Netflix lo ha confermato quando ha annunciato una finestra di rilascio per la fine del 2025 (tra ottobre e dicembre).

Cast della seconda stagione di One Piece live-action

One Piece

Il ritorno della ciurma di Cappello di Paglia

Il cast della seconda stagione di Netflix One Piece riporterà molto probabilmente i personaggi della prima stagione nei ruoli principali. A capitanare la Going Merry nel cast di One Piece nei panni di Monkey D. Luffy c’è Iñaki Godoy, affiancato da Mackenyu Arata nel ruolo del suo secondo in comando, Roronoa Zoro. Emily Rudd interpreta la navigatrice della nave, Nami, e Jacob Romero Gibson interpreta il cecchino della ciurma, Usop. Infine, Taz Skylar interpreta il ruolo dello chef, Sanji.

I nuovi arrivati si sono già uniti al cast della seconda stagione, dato che è stata rivelata la Baroque Works. A guidare la squadra c’è David Dastmalchian nel ruolo di Mr. 3, affiancato da Daniel Lasker nel ruolo di Mr. 9. Camrus Johnson è stato scelto per interpretare il ruolo di Mr. 5 e apparirà al fianco di Jazzara Jaslyn, che interpreta Miss Valentine. La Baroque Works è un collettivo di cattivi che sono i principali antagonisti della saga di Arabasta. Alla ciurma della Baroque Works si aggiungono Joe Manganiello nel ruolo di Mr 0. e Lera Abova nel ruolo di Miss All Sunday.

Continuando ad arricchire il team di Baroque Works, Sophia Anne Caruso interpreterà ora l’iconica cattiva Miss Goldenweek, che usa trappole di colore per controllare la mente dei suoi avversari. Chess, l’arciere in bianco e nero di Drum Island, sarà interpretato da Mark Penwill. Allo stesso modo, il più temibile difensore della legge di Drum Island, Kuromarimo, sarà interpretato da Anton David Jeftha.

Si prevede che nella seconda stagione torneranno anche Vincent Regan nei panni di Garp, Morgan Davies nei panni di Koby, Aidan Scott nei panni di Helmeppo, Jeff Ward nei panni di Buggy e Ilia Isorelýs Paulino nei panni di Alvida. Ci saranno anche molti altri nuovi personaggi che la prossima stagione dell’adattamento live-action di One Piece richiederà nuovi attori per interpretare. Ci sono ancora 3 Pirati di Cappello di Paglia che dovrebbero unirsi alla ciurma nella seconda stagione: Chopper, Nico Robin e Jinbe (anche se l’apparizione di Jinbe potrebbe avvenire solo dopo la prossima stagione).

Storia della seconda stagione live-action di One Piece

Cr. Courtesy of Netflix © 2025

La saga di Arabasta nella versione live-action

Sembra che la storia della seconda stagione live-action di One Piece terminerà probabilmente con l’arco narrativo di Loguetown per poi proseguire con la saga di Arabasta, che è la seconda saga del manga dopo quella di East Blue. Per concludere l’arco narrativo di Loguetown, i Cappelli di Paglia dovranno affrontare il capitano Smoker, come anticipato nel finale della prima stagione, ma anche combattere i nemici che vogliono la taglia. Qui viene introdotto anche Monkey D. Dragon.

l’eventuale introduzione del malvagio leader della Baroque Works Crocodile, coinvolto in una grande guerra civile ad Arabasta.

Per quanto riguarda la saga di Arabasta, questa contava 117 capitoli, quindi non è chiaro quanto apparirà nella storia della seconda stagione di One Piece su Netflix. Naturalmente, la saga di East Blue era composta da 100 capitoli e rimane solo l’ultima parte da raccontare. Per quanto riguarda i momenti salienti che potrebbero affrontare i Cappelli di Paglia, questi includono la loro nave che viene inghiottita da una balena gigante, l’introduzione di Mr. 9 e Ms. Wednesday (entrambi della Baroque Works), un’isola piena di dinosauri e l’eventuale introduzione del malvagio leader della Baroque Works Crocodile, che è parte di una massiccia guerra civile ad Arabasta.

One Piece – Stagione 3 ingaggia la prima nuova star nel cast

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One Piece – Stagione 3 ingaggia la prima nuova star nel cast

La Baroque Works continuerà a essere una spina nel fianco dei Pirati di Cappello di Paglia, dato che la terza stagione di One Piece ha inserito nel cast un personaggio importante dell’organizzazione. La seconda stagione di One Piece introdurrà la Baroque Works, un’organizzazione segreta che opera nella Grand Line e che cerca di ottenere il potere sull’area centrale in cui si svolge la trama.

A cinque mesi dall’introduzione della seconda stagione, Netflix ha annunciato sui propri social media che Cole Escola è entrato a far parte del cast della terza stagione di One Piece come membro chiave del gruppo. La star di Big Mouth, che è non binaria e usa i pronomi they/them, interpreterà il membro della Baroque Works Bon Clay, noto anche come Mr. 2 e Bentham.

Bon Clay ha la capacità di trasformarsi in una copia esatta di chiunque abbia mai toccato con la mano destra. La sua interpretazione sarà reimmaginata come una figura non binaria invece che come un personaggio drag, come era stato rappresentato nel manga originale e nell’adattamento anime. Dai un’occhiata all’annuncio ufficiale del casting qui sotto:

Escola si unisce a molti altri nuovi arrivati nel cast di One Piece che interpreteranno i membri della Baroque Works. Tra i nomi più importanti figurano David Dastmalchian nel ruolo di Mr. 3, Sophia Anne Caruso nel ruolo di Miss Goldenweek, Lera Abova nel ruolo di Miss All Sunday, ovvero Nico Robin, e Joe Manganiello nel ruolo di Mr. 0, ovvero Crocodile. Anche Bon Clay è un altro membro importante del gruppo.

Nel manga e nell’anime, Bentham viene introdotto durante l’arco narrativo Little Garden, inizialmente stringendo amicizia con i Pirati di Cappello di Paglia mentre nutre i propri obiettivi malvagi a causa della sua associazione con la Baroque Works. Il suo arco narrativo è però più dinamico rispetto a quello degli altri membri, durando per tutta la saga di Alabasta dell’anime.

Nella versione live-action, tuttavia, non appariranno fino alla terza stagione di One Piece. Poiché Little Garden sarà presente nella seconda stagione, questo segna un cambiamento fondamentale nella loro apparizione. Resta da vedere se questo comporterà anche altre differenze nella trama.

Escola è un attore esperto, il che lo rende una scelta azzeccata per Bon Clay. Recentemente ha prestato la sua voce al dramma animato Boys Go to Jupiter e ha vinto numerosi premi per la sceneggiatura e la recitazione nella commedia Oh Mary!. Il suo background comico e drammatico lo rende perfetto per il ruolo di Baroque Works.

Poiché la seconda stagione di One Piece è ancora lontana, ci vorrà ancora un po’ di tempo prima che la versione di Bentham interpretata da Escola arrivi sullo schermo. La versione rivisitata del personaggio apre le porte a nuove possibilità narrative, pur mantenendo gli stessi elementi per cui è noto nel materiale originale. Questo, insieme alla sua successiva apparizione in live-action in contrasto con l’anime, lo rende ancora più avvincente.

One Piece stagione 2 arriverà il 10 marzo 2026 su Netflix.

Prey: la spiegazione del finale del film prequel di Predator

Prey: la spiegazione del finale del film prequel di Predator

Il finale di Prey (qui la nostra recensione) conclude egregiamente questo prequel di Predator e la storia di Naru, ma lascia anche la porta aperta a Prey 2 e a future avventure fantascientifiche con l’iconico cacciatore interstellare. Il film presenta una serie di temi ricorrenti nel corso del film, primo fra tutti quello secondo cui le persone dovrebbero seguire la propria vocazione, indipendentemente da ciò che la tradizione può imporre.

Con Amber Midthunder nel ruolo di Naru, l’ambientazione di Prey ha spostato la serie dal presente al 1719 in Nord America, in una storia che potrebbe benissimo essere la prima spedizione in assoluto della razza Predator sulla Terra. La storia si concentra su Naru, una Comanche che sente la vocazione di diventare una cacciatrice all’interno della sua tribù, ma è ostacolata dal ruolo tradizionale che è destinata a ricoprire.

LEGGI ANCHE: Prey: ecco come il film si connette con Predator

Perché il fratello di Naru si è sacrificato

Nel film, il fratello di Naru, Taabe, combatte il Predator al campo dei cacciatori, ferendo la creatura e poi sacrificandosi affinché Naru possa fuggire, dicendole: “Questo è il massimo che posso fare. Non posso andare oltre. È finita. Porta a casa il risultato“. Mentre era stato catturato dai cacciatori e utilizzato come esca per il Predatore, Taabe rivela di aver catturato il puma utilizzando il piano originale di Naru, dicendo che lei lo aveva indebolito e che era sempre in grado di vedere ciò che lui non vedeva.

Il che significa che forse non avrebbe ucciso la bestia se non avesse utilizzato il piano di Naru. Taabe si rende conto che, sebbene sia un grande cacciatore, Naru è più intelligente e astuta di lui, e alla fine ripone la sua fiducia in lei quando capisce che il Predator sta per ucciderlo, sapendo che lei ha le migliori possibilità di porre fine alla minaccia. Questo momento non solo è stato incredibilmente tragico, ma ha anche aggiunto un significativo peso emotivo alla vittoria finale di Naru contro il guerriero intergalattico durante il finale di Prey.

Prey film Amber Midthunder
Foto di David Bukach/ HULU – © 2022 20th Century Studios. All Rights Reserved.

La spiegazione del piano di Naru per sconfiggere il Predator alla fine di Prey

La battaglia finale tra Naru e il Predator alla fine di Prey è stata uno dei momenti salienti del film, anche perché lei ha usato la sua intelligenza e la sua abilità marziale per sconfiggere il suo temibile nemico. Naru conosceva bene la sua posizione, poiché era fuggita da poco da una pozza di fango vicino al campo dei cacciatori all’inizio del film. Aveva anche notato fin dall’inizio che i mirini laser sulla maschera del Predator avrebbero inviato i proiettili che sparava direttamente dove puntavano i laser.

Rubare la maschera del Predator era una parte fondamentale del suo piano, così come una serie di trappole, tra cui l’uso di esche umane per attirare il Predator, un piano simile a quello usato in precedenza dai cacciatori. Tuttavia, i cacciatori non si rendevano conto che il Predator non voleva esche disarmate, ma voleva cacciare, ed è per questo che Naru dà al cacciatore che cattura un fucile. Naru studia il Predator, osservando come pensa, si muove, combatte e uccide, capendo alla fine come usare tutti i suoi punti di forza e di debolezza contro di lui.

Così, mette insieme un piano basato sulla sua esperienza, creatività e astuzia. Il piano di Naru era quello di ferire ulteriormente il Predator distraendolo con un’altra preda, rubargli la maschera e poi attirarlo verso di lei dove lo attendeva una serie di trappole, tra cui la fossa di fango, dove aveva posizionato la maschera per colpire il Predator e ucciderlo con la sua stessa tecnologia. Naru osserva, pensa e pianifica costantemente, senza mai usare la forza bruta al posto dell’intelligenza, dimostrando che un vero cacciatore è colui che conosce la sua preda.

Cosa significano le ultime parole di Naru al Predator

Ci sono state molte citazioni iconiche nella serie Predator, specialmente quando gli eroi affrontano l’alieno durante i vari finali. Anche il finale di Prey contiene una citazione incredibilmente soddisfacente di Naru, ma il suo significato è un po’ più sfumato rispetto al semplice insultare il suo nemico un’ultima volta. Una volta che Naru si rende conto di aver intrappolato il Predator in Prey e che il colpo finale è inevitabile, pronuncia la frase che suo fratello le ha insegnato all’inizio, la stessa che lui pronuncia prima di sacrificarsi al Predator per permetterle di fuggire.

Questo è il limite massimo che puoi raggiungere. Non puoi andare oltre. È finita”, dice, proprio prima che il Predator si uccida con la sua stessa tecnologia. La frase è quella che il fratello di Naru le aveva detto di pronunciare quando stava per uccidere la sua preda durante la caccia, e che trova piena realizzazione nel momento in cui lei abbatte il Predator alla fine di Prey. Suo fratello ha accettato il suo destino quando è stato cacciato e ucciso dal Predator, ed è questo che lo ha spinto a dire quella frase a Naru – e il fatto che lei la ripeta quando ha sconfitto la creatura è il completamento del cerchio che la riporta a lei.

Foto di David Bukach/ HULU – © 2022 20th Century Studios. All Rights Reserved.

Ci sarà un Prey 2? Come i titoli di coda preparano il terreno per un sequel

Il finale del film Prey vede Naru dire alla sua tribù che devono spostare il loro accampamento perché “c’è pericolo nelle vicinanze” e che devono trasferirsi in un “terreno più facile da proteggere”. Il Predator che Naru sconfigge era stato mostrato venire lasciato da una nave Predator all’inizio del film, il che suggerisce che possono facilmente tornare (se non sono già nelle vicinanze). Questa idea è rafforzata dall’animazione dei titoli di coda di Prey, che suggerisce che una flotta di navi Predator arriverà per attaccare nuovamente la sua tribù.

Potrebbe anche semplicemente suggerire che altri Predator stanno arrivando, non necessariamente per vendetta, ma semplicemente perché gli eventi di Prey rappresentano la prima caccia alle creature aliene, che ha portato alla morte di uno di loro, il che significa che ora è considerato un terreno di caccia impegnativo e ricco di prede degne sotto forma di esseri umani. Fortunatamente, i fan della serie avranno delle risposte sul significato del teaser del sequel nei titoli di coda. Prey 2 è stato confermato nel 2024, anche se non ci sono stati dettagli sulle tempistiche, prossimamente il film dovrebbe prendere forma.

Il vero significato del finale di Prey

Il finale di Prey gioca con il doppio significato del titolo e la dualità dei termini predatore e preda, mentre Naru lotta con il suo desiderio di essere una cacciatrice invece che una raccoglitrice, scoprendo ciò che serve per raggiungere questo obiettivo: diventare sia predatrice che preda, così come l’alieno che combatte ricoprendo entrambi questi ruoli. “Vuoi cacciare qualcosa che sta cacciando te?” è una domanda che le viene posta da suo fratello all’inizio del film e che risuona per tutta la durata della pellicola.

Quando Naru ha l’occasione di abbattere un pericoloso puma, sembra fallire la prova, ma si scopre che il suo piano per ucciderlo era più astuto e intelligente di quanto si pensasse inizialmente. Applica le lezioni apprese da quell’esperienza e ritrova la sua sicurezza mentre sfugge più volte all’alieno Predator, studiandolo, imparando i suoi punti di forza e le sue debolezze nel corso del film, prima di applicare le sue conoscenze per intrappolarlo e ucciderlo. Nel finale di Prey, Naru subisce un cambiamento quando diventa lei la predatrice e il Predator la preda, completando il suo percorso per diventare una cacciatrice e una guerriera.

LEGGI ANCHE: Prey: dal cast agli easter eggs, tutte le curiosità sul film

Fuga da Alcatraz: la storia vera dietro il film

Fuga da Alcatraz: la storia vera dietro il film

Fuga da Alcatraz, uscito nel 1979 e diretto da Don Siegel, è uno dei titoli più iconici nella carriera di Clint Eastwood e rappresenta la quinta e ultima collaborazione tra l’attore e il regista dopo film come La notte brava del soldato Jonathan e Ispettore Callaghan: il caso Scorpio è tuo!. Con questo film, Eastwood mette da parte l’azione esplosiva che spesso lo aveva accompagnato negli anni Settanta, abbracciando invece un racconto più essenziale, minimalista e sospeso sulla tensione psicologica. Nei panni del detenuto Frank Morris, l’attore offre una delle sue interpretazioni più asciutte e carismatiche, costruendo un personaggio caparbio, silenzioso e intuitivo.

Il film si colloca nel solco del prison-movie classico, ma ne aggiorna i codici, privilegiando realismo, introspezione e un rigoroso rispetto delle condizioni carcerarie dell’epoca. Fuga da Alcatraz racconta un’evasione realmente avvenuta e lo fa senza colori romanzati, presentando l’isola-prigione come un organismo oppressivo, fatto di regole ferree, spazi angusti e un controllo istituzionale soffocante. Più che la spettacolarità, a dominare è la battaglia mentale: il silenzio diventa linguaggio, l’ingegno arma principale, la resistenza psicologica l’unica possibilità di sopravvivenza.

Tra i suoi temi principali emergono la lotta contro un sistema disumanizzante, la determinazione individuale e la capacità di ribellarsi quando ogni via sembra chiusa. L’evasione non è solo fuga fisica, ma liberazione simbolica dall’autorità assoluta. Nel resto dell’articolo, sveleremo però la storia vera dietro il film, ovvero quella di Frank Morris, che nel 1962 riuscì a fuggire dalla celebre prigione e a far perdere le sue tracce. Una figura, la sua, divenuta una vera e propria icona culturale.

Clint Eastwood in Fuga da Alcatraz
Clint Eastwood in Fuga da Alcatraz

La trama di Fuga da Alcatraz

Nel 1960, l’isolata prigione di Alcatraz è il luogo di detenzione più sicuro degli Stati Uniti d’America. Nel corso dei precedenti ventisei anni, nessuno è mai riuscito a lasciare l’isola. Per questo, dopo aver intrapreso con successo una serie di evasioni da penitenziari minori, il rapinatore Frank Morris (Clint Eastwood) viene condotto nella prigione di massima sicurezza. L’arrivo di Morris scatena le fantasie del detenuto Wolf Grace, che cerca un approccio sessuale ma è brutalmente respinto da Frank. Con il passare del tempo, il nuovo arrivato inizia ad integrarsi e forma una cricca.

Ne fanno parte l’eccentrico Tornasole, l’afro-americano English, il ladro d’auto Charlie Puzo e i fratelli Anglin, esperti rapinatori di banche. Insieme, iniziano ad architettare un piano per la fuga. Il loro progetto è quello di sfruttare l’azione del mare sulle pareti di Alcatraz, rese deboli dall’erosione naturale dell’acqua, scrostando il muro con un tagliaunghie e procedendo per le vie di areazione fino a raggiungere la spiaggia. Il piano richiede diversi mesi di lavoro e segreti, ma le previsioni di Morris si rivelano essere esatte. Parallelamente, tuttavia, Wolf ha meditato di punire Frank per il rifiuto e la sua brama di vendetta rischia di interferire con la fuga.

La storia vera dietro il film

Fuga da Alcatraz si basa sull’omonimo libro di J. Campbell Bruce, pubblicato nel 1963, che ricostruisce in forma giornalistica l’evasione realmente avvenuta nel 1962 dal penitenziario federale di Alcatraz. Il film di Siegel non introduce elementi romanzati o fantastici: al contrario, aderisce con notevole precisione ai fatti documentati dall’FBI e dai rapporti ufficiali dell’epoca. La storia di Frank Morris e dei fratelli Clarence e John Anglin – gli unici evasi dalla prigione considerata fino ad allora a prova di fuga – è rimasta una delle più celebri e misteriose della storia carceraria americana, anche perché, ancora oggi, non esiste una risposta definitiva sul loro destino dopo quella notte.

Frank Lee Morris nacque nel 1926, crebbe in condizioni difficili e passò gran parte della giovinezza tra istituti e carceri minorili. Secondo la documentazione giudiziaria, era dotato di un quoziente intellettivo superiore alla media, oltre che di un carattere estremamente riservato. Le sue condanne furono principalmente legate a rapine e furti. Dopo aver evaso da diversi penitenziari statali, l’ultima volta nel 1960, fu classificato come detenuto ad alto rischio di fuga e trasferito ad Alcatraz, la prigione federale più sorvegliata e sicura degli Stati Uniti.

Clint Eastwood è Frank Morris in Fuga da Alcatraz
Clint Eastwood è Frank Morris in Fuga da Alcatraz

Una volta sull’isola, Morris iniziò a lavorare nella falegnameria e a osservare con precisione la struttura del penitenziario. Fu lì che, nel 1961, incontrò i fratelli John e Clarence Anglin, anch’essi rapinatori di banca con diversi tentativi di fuga alle spalle, e il detenuto Allen West. I rapporti investigativi raccontano che, studiando le condutture d’aria e la struttura in cemento ormai deteriorato dall’umidità, Morris ideò un piano meticoloso e quasi ingegneristico: ampliare discretamente le bocche d’aerazione delle celle, risalire nei condotti fino alla zona tecnica non sorvegliata del tetto e realizzare un’imbarcazione improvvisata utilizzando impermeabili rubati e cuciti insieme.

La fuga avvenne nella notte del 11 giugno 1962. Dopo mesi di lavoro, i detenuti erano riusciti a sostituire le griglie metalliche con pannelli finti e a fabbricare dei manichini rudimentali con carta, capelli veri presi dal barbiere del carcere e sapone, così che i secondini, durante il controllo notturno, pensassero che fossero ancora nei letti. Allen West rimase però indietro: il foro nella sua cella non era abbastanza grande e non riuscì a uscire in tempo. Morris e i fratelli Anglin, invece, raggiunsero il tetto, scesero lungo una tubazione posteriore fino alla riva e si allontanarono sulle zattere di fortuna, diretti verso la baia di San Francisco. Dopo la fuga scattò una delle ricerche più estese mai realizzate dall’FBI.

Il mare aperto e le correnti della baia rendevano statisticamente improbabile una sopravvivenza, e i rapporti ufficiali dell’epoca conclusero che i tre detenuti fossero probabilmente annegati. Tuttavia, nessun corpo fu mai recuperato e nessuna traccia certa venne individuata. Negli anni successivi, diverse testimonianze e presunti avvistamenti alimentarono il mito: fotografie, lettere e ipotesi secondo cui i tre si sarebbero rifugiati in Sud America. Nessuna prova definitiva venne mai confermata. È proprio questa ambiguità, fedele alla storia reale, che rende Fuga da Alcatraz un film tanto incisivo: racconta un’evasione autentica, costruita con logica, ingegno e determinazione, lasciando aperta la domanda che da oltre sessant’anni continua ad affascinare pubblico e studiosi.

Fast & Furious 5: la spiegazione del finale del film

Fast & Furious 5: la spiegazione del finale del film

Con Fast & Furious 5 (qui la recensione), la saga compie una svolta decisiva: non più soltanto corse clandestine e inseguimenti su quattro ruote, ma un vero e proprio heist movie internazionale che trasforma il franchise in un fenomeno d’azione globale. Ambientato soprattutto a Rio de Janeiro, il film amplia l’orizzonte della serie, puntando su set più spettacolari, missioni ad alto rischio e un’organizzazione di squadra che avvicina l’opera ai grandi film coral-action. È a partire da qui che Fast & Furious diventa un universo narrativo più grande, dove la famiglia di Dom Toretto smette di essere un gruppo di piloti e diventa una crew operativa, affiatata e quasi paramilitare.

Le novità non si limitano al cambio di tono e genere: Fast & Furious 5 introduce nuovi personaggi destinati a segnare il futuro della saga, primo fra tutti Luke Hobbs, l’agente DSS interpretato da Dwayne Johnson. La sua presenza inaugura la fase “muscolare” del franchise, impostata su combattimenti corpo a corpo, inseguimenti sempre più estremi e un crescendo di spettacolarità. Tornano inoltre volti fondamentali dei capitoli precedenti, riuniti in un’unica squadra per il colpo più ambizioso mai tentato: derubare il signore del crimine Hernan Reyes, responsabile della corruzione che affligge la città.

A livello tematico, il film rafforza i concetti cardine della saga: la famiglia come legame indissolubile, l’amicizia che supera la legge, la ricerca di una seconda possibilità e il conflitto tra giustizia e libertà personale. Ogni personaggio agisce con obiettivi morali diversi ma complementari, mentre il confine tra buoni e cattivi si fa sempre più sfumato. Fast & Furious 5 non solo segna il passaggio a un nuovo linguaggio d’azione, ma avvia un arco narrativo che cambierà definitivamente la serie. Nel resto dell’articolo si proporrà una spiegazione del finale e di come questo capitolo anticipa gli sviluppi dei sequel successivi.

Fast & Furious 5 cast

La trama di Fast & Furious 5

Il quinto film della saga si apre con Brian O’Connor intento a lasciare il ruolo di poliziotto per aiutare l’amico Dominic Toretto ad evadere di prigione. Insieme a Mia Toretto, i due si rifugiano poi a Rio de Janeiro, in casa di un amico di vecchia data. Questi, in cambio dell’ospitalità, propone loro un colpo facile e dal gran guadagno. Si tratta di rubare alcuni automobili di lusso insieme ad un gruppo di malviventi locali. Dominic, Brian e Mia, capiranno però ben presto di essere caduti in una trappola particolarmente pericolosa, che li porterà ad essere incolpati della morte di alcuni agenti DEA.

Tale evento porta l’infallibile agente Luke Hobbs a mettersi sulle tracce della banda di Toretto. Insieme alla collega Elena Neves intraprenderà dunque la propria caccia, con l’obiettivo di consegnare i criminali alla giustizia. Per potersi salvare da quella situazione, Dominic, Brian e Mia dovranno riuscire a dimostrare la colpevolezza del criminale Hernan Reyes, entrando in possesso prima di lui di un chip contenente una serie di dati relativi ai traffici illegali, i quali valgono milioni di dollari. Avranno però bisogno di ricomporre la squadra per poter portare a termine la loro missione. Per dimostrare la loro innocenza, però, dovranno riuscire anche a convincere di questa il temibile Hobbs.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Fast & Furious 5, il piano per impossessarsi dei 100 milioni di dollari di Hernan Reyes raggiunge il suo momento cruciale. Dom e Brian, con l’aiuto dell’intera squadra e dell’insolita alleanza con Hobbs ed Elena, entrano nella stazione di polizia con un veicolo blindato e strappano dalla struttura l’enorme caveau carico di banconote. Ne nasce un inseguimento caotico per le strade di Rio, tra pattuglie distrutte, incidenti spettacolari e un livello di caos raramente visto nella saga. Dom, come sempre, sceglie la strada più rischiosa, fidandosi della velocità, dell’istinto e della squadra.

Quando il gruppo arriva sul ponte, Dom ordina a Brian di continuare da solo, rimanendo a fronteggiare le auto di Reyes e le forze corrotte della città. In un crescendo d’azione, Dom utilizza la stessa cassaforte come arma, travolgendo i veicoli che lo inseguono e bloccando ogni nemico rimasto. Brian torna indietro, eliminando Zizi, mentre Hobbs arriva per concludere la resa dei conti e uccide Reyes per vendicare la sua squadra. Sembrerebbe tutto finito, e Hobbs concede a Dom e Brian una fuga di 24 ore, ma quando apre la cassaforte si accorge che è vuota: la squadra l’ha sostituita durante l’inseguimento.

Fast & Furious 5 film

La spiegazione del finale chiarisce la riuscita perfetta del colpo: l’inseguimento era una distrazione per permettere a Tej, Roman e gli altri di scambiare il caveau con uno identico caricato su un camion della spazzatura. Dom non punta solo sulla forza bruta, ma sull’intelligenza collettiva della “famiglia”, vero motore narrativo della saga. Il successo del furto non è soltanto la conquista del denaro, ma una riscrittura dei ruoli: gli inseguiti diventano i veri giocatori del sistema, superando Stato, criminali e legge grazie alla loro lealtà reciproca.

Tematicamente, il finale incarna i due concetti simbolo della saga: libertà e famiglia. Il sacrificio di Vince, la scelta di Hobbs di cambiare schieramento, e la determinazione di Dom dimostrano che il gruppo non è solo un team di piloti, ma una comunità che sfida strutture più grandi e corrotte. La vittoria non è solo materiale: il film suggerisce che la seconda possibilità non si ottiene attendendola, ma prendendola a forza, un colpo dopo l’altro, senza tradire chi si ama. Il denaro diventa solo un mezzo per un futuro diverso.

Ciò che il film ci lascia è un messaggio di rinascita: nonostante la legge, gli errori e i nemici, il gruppo costruisce una nuova vita cambiando identità e destino. Dom e Brian passano da fuggitivi a uomini liberi, mentre l’ultima corsa senza posta in palio sancisce la loro amicizia come il vero traguardo. Fast & Furious 5 è anche il film in cui il franchise smette di essere un racconto di singoli e diventa definitivamente un’epopea corale, dove la famiglia non è solo sangue, ma scelta.

I sequel di Fast & Furious 5

I sequel confermano questa evoluzione: le vicende proseguono direttamente con Fast & Furious 6, dove Hobbs recluta la squadra per una nuova missione e si scopre che Letty è ancora viva, come anticipato nel mid-credits. Da quel momento la saga apre archi narrativi sempre più ampi, culminando in Fast & Furious 7, Fast & Furious 8Fast & Furious 9, Fast X e nello spin-off Hobbs & Shaw. Fast & Furious 5 è quindi l’innesco che trasforma un franchise di corse in uno dei più grandi universi action del cinema contemporaneo.

I am Luke Perry in prima visione su Sky Documentaries il 15 novembre

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Il documentario I am Luke Perry, in prima visione su Sky Documentaries il 15 novembre alle 22.50 e disponibile in streaming solo su NOW e on demand, racconta l’incredibile ascesa di Luke Perry: da ragazzo di provincia a icona di Hollywood, attraverso storie inedite, ricordi di famiglia e testimonianze dei suoi colleghi più cari. Un omaggio imperdibile a un talento senza tempo.

I Am Luke Perry è un lungometraggio prodotto dall’amico e co-protagonista di Beverly Hills, 90210 Jason Priestley, che celebra la vita di un talento generazionale: un uomo dalle umili origini, capace di emergere dall’anonimato di una piccola città per diventare un sex symbol di Hollywood e un’icona della cultura pop.​ Dal ruolo che lo ha consacrato come Dylan McKay in Beverly Hills, 90210 ai suoi film più impegnativi come Normal Life e 8 Seconds, fino alle interpretazioni più mature in Riverdale e in C’era una volta a… Hollywood di Quentin Tarantino, Luke Perry ha costruito una carriera segnata da autenticità e dedizione.​ Un documentario che celebra il talento di un artista umile e instancabile, capace di superare l’etichetta di “teen idol” per affermarsi come attore maturo e rispettato, il cui lavoro ha toccato milioni di persone.​

Cortesia Sky Documentaries

Attraverso una selezione di fotografie e filmati, sia inediti che iconici, provenienti da archivi privati e collezioni internazionali, e grazie a nuove interviste con colleghi, amici e registi, tra cui si annoverano Stephen Baldwin, Jason Priestley, Marisol Nichols e Timothy Olyphant, che lo hanno accompagnato nei suoi trent’anni di carriera, il film ripercorre la straordinaria vita e il percorso di uno degli attori più amati di Hollywood contemporanea.

Una produzione CW Original Network Entertainment, I am Luke Perry è scritto e diretto da Adrian Buitenhuis e ha come executive producer  Ali Pejman, Tim Gamble, Erik Dekker, Adrian Buitenhuis, Rob Lee, Brian Gersh, Derik Murray, Kent Wingerak, Paul Gertz, Greg Zeschuk e Jason Priestley ed è prodotto da Stephen Sawchuk e Gemma Strongman.

I AM LUKE PERRY IN PRIMA VISIONE SU SKY DOCUMENTARIES IL 15 NOVEMBRE ALLE 22.50, IN STREAMING SOLO SU NOW E DISPONIBILE ANCHE ON DEMAND.

Jennifer Lawrence definisce Die, My Love una “vendetta” dopo aver fallito il provino per Twilight

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Jennifer Lawrence definisce Die, My Love una forma di vendetta dopo non essere riuscita a ottenere un ruolo da protagonista in Twilight. La star aveva precedentemente rivelato di aver fatto un provino per il ruolo di Bella nell’adattamento romantico di successo per ragazzi, una parte che alla fine è andata a Kristen Stewart.

Diretto da Lynne Ramsay, il film vede Lawrence e Pattinson nei panni rispettivamente di Grace e Jackson, una coppia che cade in una psicosi condivisa dopo che Grace sviluppa una depressione post-partum. Il film, presentato in anteprima al Festival di Cannes all’inizio di quest’anno, segna il seguito di Ramsay a You Were Never Really Here (2017).

Per Lawrence, Die, My Love rappresenta un ritorno sullo schermo dopo No Hard Feelings (2023) e Causeway (2022). Robert Pattinson, d’altra parte, è reduce dalla deludente interpretazione di Mickey 17 (2025) la scorsa primavera.

Lawrence ha rivelato nel podcast The Rewatchables nel 2023 di aver fatto un provino per Twilight. “Mi hanno rifiutato subito”, ricorda. “Non sono stata nemmeno richiamata.” Questa si è rivelata una benedizione, ovviamente, dato che Lawrence ha ottenuto il ruolo di Katniss Everdeen in Hunger Games poco dopo.

Sia Lawrence che Pattinson hanno recitato in quattro episodi di un importante franchise per ragazzi, ed entrambi hanno intrapreso percorsi di carriera simili negli anni successivi. Entrambi hanno optato per un mix di progetti minori e film sui supereroi, con Lawrence che ha interpretato Mystica in X-Men: Dark Phoenix (2019) e Pattinson che ha interpretato il Crociato Incappucciato in The Batman (2022).

La risposta a Die, My Love è stata finora positiva da parte della critica. Su Rotten Tomatoes, il film ha ottenuto un punteggio dell’80%, con l’interpretazione di Lawrence evidenziata come uno dei momenti salienti.

Avengers: Doomsday è “una lettera d’amore” al genere dei supereroi, secondo Simu Liu

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Il Marvel Cinematic Universe vedrà finalmente i più potenti eroi della Terra riunirsi di nuovo nel 2026 con Avengers: Doomsday. Oltre a diversi nuovi eroi della Saga del Multiverso che uniscono le forze con quelli vecchi, il film di squadra vedrà anche il ritorno degli X-Men della Fox.

Ash Crossan di ScreenRant ha recentemente parlato con Simu Liu per il suo nuovo film, In Your Dreams, in cui è stato menzionato Avengers: Doomsday, chiedendogli di usare tre parole per descriverlo. Liu ha rivelato: “Sì, cinque: un sogno che si avvera”.

L’attore di Shang-Chi ha poi aggiunto: “Voglio dire, ci sono così tanti attori, e lavorare con queste persone come colleghi è davvero incredibile perché sono cresciuto guardandone così tanti”. Il ritorno di Liu nell’MCU è stato rivelato per la prima volta il 26 marzo 2025, durante la grande trasmissione a sorpresa dei Marvel Studios, che ha svelato il cast di Avengers: Doomsday.

Per il neofita dell’MCU, il capitolo della Fase 6 è una celebrazione dell’amato genere. Liu ha spiegato: “Sembra, per molti versi, una lettera d’amore all’intero genere dei film sui supereroi. E penso che ci sia qualcosa di davvero divertente in questo”. Simu Liu ha concluso dicendo che questo film è “per tutti i disadattati, gli strambi e gli sfavoriti che sono cresciuti leggendo fumetti e hanno sentito che in qualche modo c’era speranza per loro – che non importava se non si adattavano – penso che ci sia sempre un posto speciale nel mio cuore per l’intero genere”.

Nonostante le numerose rivelazioni sulla line-up iniziale per l’uscita di dicembre 2026, il presidente dei Marvel Studios Kevin Feige ha dichiarato durante il CinemaCon del 3 aprile 2025 di non aver ancora rivelato il cast completo. Anthony e Joe Russo hanno diretto il film corale e dirigeranno anche Avengers: Secret Wars.

Il prossimo capitolo cinematografico nella timeline dell’MCU sarà Spider-Man: Brand New Day, che vedrà il ritorno del lancia-ragnatele di Tom Holland, dopo la conclusione di Spider-Man: No Way Home del 2021.

Robert Downey Jr.
Robert Downey Jr. sarà Dottor Destino in Avengers: Doomsday. Gentile Concessione Disney – (Photo by Jesse Grant/Getty Images for Disney)

Cosa sappiamo di Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars arriveranno in sala rispettivamente il 18 dicembre 2026, e il 17 dicembre 2027. Entrambi i film saranno diretti da Joe e Anthony Russo, che tornano anche nel MCU dopo aver diretto Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame.

Sono confermati nel cast del film (per ora): Paul Rudd (Ant-Man), Simu Liu (Shang-Chi), Tom Hiddleston (Loki), Lewis Pullman (Bob/Sentry), Florence Pugh (Yelena), Danny Ramirez (Falcon), Ian McKellen (Magneto), Sebastian Stan (Bucky), Winston Duke (M’Baku), Chris Hemsworth (Thor), Kelsey Grammer Bestia), James Marsden (Ciclope), Channing Tatum (Gambit), Wyatt Russell (U.S. Agent), Vanessa Kirby (Sue Storm), Rebecca Romijn (Mystica), Patrick Stewart (Professor X), Alan Cumming (Nightcrawler), Letitia Wright (Black Panther), Tenoch Huerta Mejia (Namor), Pedro Pascal (Reed Richards), Hannah John-Kamen (Ghost), Joseph Quinn (Johnny Storm), David Harbour (Red Guardian), Robert Downey Jr. (Dottor Destino), Ebon Moss-Bachrach (La Cosa), Anthony Mackie (Captain America).

Kathryn Bigelow commenta il finale divisivo di A House Of Dynamite

Il punto che sta facendo più discutere di A House of Dynamite di Netflix (La nostra recensione), diretto dalla regista premio Oscar per The Hurt Locker Kathryn Bigelow, è il finale. Il thriller politico segue la risposta del governo e dell’esercito degli Stati Uniti a un imminente attacco missilistico nucleare, lanciato da un paese sconosciuto, mostrando i complessi processi e il processo decisionale in questa situazione potenzialmente inutile.

Tuttavia, l’ambiguo finale di A House of Dynamite non mira a soddisfare il pubblico. Dopo che la linea temporale si resetta due volte, raccontando di tre gruppi di personaggi nella mezz’ora che precede la detonazione, il film termina prima che il missile colpisca effettivamente Chicago e che il Presidente degli Stati Uniti (Idris Elba) prenda una decisione ufficiale sullo schermo su quale sarà la risposta del Paese.

A House of Dynamite mostra efficacemente come il Presidente degli Stati Uniti si trovi in ​​una situazione impossibile e debba scegliere tra accettare la perdita di un’intera città o rischiare di dare il via alla fine del mondo.

Ora, Kathryn Bigelow ha risposto alle divisioni del pubblico sulla conclusione potenzialmente frustrante del film, affermando che riflette il messaggio che intendeva trasmettere. Bigelow dice a Netflix: “Voglio che il pubblico esca dal cinema pensando: ‘OK, cosa facciamo adesso?'”. È un leggero passaggio da un racconto ammonitore che si conclude con una nota cupa a uno con un finale poco definito, per motivare le persone a evitare questa situazione nella realtà.

Bigelow continua: Questo è un problema globale e, naturalmente, spero che un giorno ridurremo le scorte nucleari. Ma nel frattempo, viviamo davvero in una casa di dinamite. Ho ritenuto fosse fondamentale diffondere queste informazioni, in modo da poter avviare un dialogo. È questa l’esplosione che ci interessa: il dialogo che le persone avranno sul film dopo la sua uscita.

A House of Dynamite
Credits Netflix 2025

È stato anche sottolineato che A House of Dynamite mira a mostrare come anche le persone più qualificate non siano realmente preparate ad affrontare la capacità distruttiva delle armi nucleari. In questo, A House of Dynamite riesce, mostrando come i funzionari governativi gestiscano tutto con professionalità ma siano comunque sotto shock. Lo sceneggiatore Noah Oppenheim racconta a Netflix:

Uno degli aspetti più importanti che volevamo evidenziare realizzando questo film è quanto poco tempo avrebbe avuto il governo degli Stati Uniti, o qualsiasi altro governo, per rispondere a un attacco nucleare. Durante quegli stessi 18 minuti, volevamo mostrare cosa stava accadendo nell’intero apparato governativo.

Il film è stato elogiato per la sua rappresentazione assolutamente terrificante del potenziale effetto domino di più paesi in possesso di un arsenale nucleare. Il fittizio Presidente degli Stati Uniti valuta di reagire quando i suoi consiglieri gli fanno notare che potrebbero arrivare altri missili, ma questo causerebbe vittime altrove su una scala senza precedenti.

Il thriller di Netflix ha sicuramente avviato un dibattito, soprattutto dopo che il Pentagono stesso ha criticato A House of Dynamite per aver presumibilmente affermato che il sistema di difesa missilistica americano ha molte meno probabilità di successo di quanto non abbia in realtà.

Hellaverse sul palco di Lucca Comics & Games 2025

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Hellaverse sul palco di Lucca Comics & Games 2025

Tutto esaurito al Teatro del Giglio per il panel di Prime Video dedicato all’Hellaverse, l’universo animato creato da Vivienne “VivziePop” Medrano. Il pubblico di Lucca Comics & Games 2025 è stato trascinato all’inferno – tra anteprime e sorprese – durante un incontro incentrato sulla seconda, esplosiva stagione della dark comedy di culto Hazbin Hotel, approdata su Prime Video il 29 ottobre, e sulla serie spinoff Helluva Boss, già disponibile sulla piattaforma con due stagioni e un episodio speciale.

Rossa Caputo (che presta la voce a Charlie Stella del Mattino), Riccardo Suarez (voce di Angel Dust), Oreste Baldini (Vox nella serie e direttore del doppiaggio di entrambe le serie), Giulia Franceschetti (Vaggie in Hazbin Hotel) e Daniele Giuliani (voce di Blitzo in Helluva Boss), accompagnati sul palco da un coro di angeli indisciplinati, sono stati i protagonisti di uno speciale incontro dedicato alle due serie e hanno infiammato la platea con un medley delle canzoni più famose di Hazbin Hotel. Ad arricchire il panel, uno speciale karaoke “infernale” che ha coinvolto pubblico e fan, al ritmo dei brani ormai cult della serie.

In serata, inoltre, l’universo di Hazbin Hotel si sposta al Cinema Astra, per la proiezione dei primi due episodi della seconda stagione. Tutti gli episodi delle prime due stagioni di Hazbin Hotel e Helluva Boss sono disponibili in esclusiva su Prime Video.

Hazbin Hotel S2 – Sinossi

Dopo la vittoria di Charlie contro l’esercito del Paradiso, l’hotel è in pieno fermento grazie all’arrivo di nuovi ospiti. Tuttavia, con grande disappunto di Charlie, la maggior parte di loro non è lì per le ragioni giuste. Mentre cresce il risentimento nei confronti del Paradiso e i peccatori si rendono conto di poter reagire, molti di loro cercano di approfittare delle crescenti tensioni: in particolare il trio di signori noto come “I Vees”. Mentre Charlie lotta per preservare gli obiettivi originari dell’hotel e proteggere la propria immagine pubblica, i Vees (guidati da Vox) elaborano un piano per conquistare il Paradiso e ottenerne il comando. Nel frattempo, in Paradiso, gli angeli devono affrontare le ripercussioni della redenzione di Sir Pentious e il loro ruolo nelle precedenti atrocità commesse contro l’Inferno. Creata da Vivienne Medrano, Hazbin Hotel è una serie d’animazione basata sul suo popolare episodio pilota, pubblicato su YouTube nel 2019 e che ha rapidamente ottenuto oltre 117 milioni di visualizzazioni e un vasto seguito di fan in tutto il mondo. La serie unisce umorismo per adulti, personaggi indimenticabili e brani musicali accattivanti, creando un mondo completamente unico e inconfondibile. Vivienne Medrano ha diretto tutti gli episodi ed è executive producer della serie insieme a Dana Tafoya-Cameron e Brett Coker. Hazbin Hotel è prodotta da A24, vincitrice di Oscar ed Emmy, e dalla Bento Box Entertainment di FOX Entertainment Studios, vincitrice di Emmy.

Helluva Boss – Sinossi

Ambientato all’inferno, Helluva Boss racconta la storia di Blitzo (la “o” è muta), un diavoletto nato all’inferno, eccentrico leader dell’I.M.P. (Immediate Murder Professionals), una piccola e caotica organizzazione di assassini che prospera grazie a un grimorio magico, e una complicata relazione con il principe demone Stolas. Insieme alla sua squadra altrettanto caotica ed eterogenea – Moxxie, un tiratore scelto ligio alle regole; Millie, un’impulsiva e abile assassina; e Loona, la loro sarcastica receptionist, votata all’inferno – Blitzo viene incaricato di uccidere bersagli nel mondo umano. Cercando di conciliare il lavoro con la vita privata, il gruppo si ritroverà costantemente in situazioni assurde, violente e tragicomiche.

Buon Viaggio, Marie: il trailer del film dal 20 novembre al cinema

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È disponibile il trailer in italiano di BUON VIAGGIO, MARIE, esordio alla regia di un lungometraggio dell’attrice Enya Baroux, che uscirà nelle sale italiane il 20 novembre 2025.

Commedia familiare on the road, il film intavola una importante riflessione sulla vita, all’interno di un discorso sempre più attuale e necessario.

Buon viaggio, Marie sarà distribuito in Italia da Movies Inspired.

  • Titolo originale: On Ira
  • Regia: Enya Baroux
  • Con: Hélène Vincent, Pierre Lottin, David Ayala
  • Nazione: Francia
  • Durata: 97 min
  • Uscita: 20 novembre 2025

La trama di Buon Viaggio, Marie

Marie, 80 anni, è sfinita dalla sua malattia. Ha un piano: andare in Svizzera per porre fine alla sua vita. Ma quando deve dirlo a Bruno, suo figlio irresponsabile, e ad Anna, sua nipote in crisi adolescenziale, va nel panico e inventa una bugia enorme. Accampando la scusa di una misteriosa eredità da riscattare in una banca svizzera, propone loro di fare un viaggio tutti insieme. Complice involontario di questa farsa è Rudy, un assistente sanitario conosciuto solo il giorno prima, che si metterà al volante del vecchio camper di famiglia e condurrà questa famiglia in un viaggio inaspettato.

La Mummia, ecco il titolo del nuovo reboot

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La Mummia, ecco il titolo del nuovo reboot

La Mummia è pronta a risorgere dalla sua tomba ancora una volta, con il regista Lee Cronin alla regia di un nuovo film di Universal e Blumhouse/Atomic Monster. Il regista di Evil Dead Rise ha recentemente annunciato che le riprese principali sono “completamente terminate” e ora abbiamo la notizia che il film ha ricevuto un nuovo titolo. Secondo lo scooper Daniel Richtman, il reboot è stato rinominato The Resurrected, e ha anche condiviso una sinossi con alcuni dettagli molto interessanti sulla trama.

“Dopo il ritorno misterioso della figlia scomparsa otto anni dopo, un padre scopre che la figlia porta con sé lo spirito di un’antica mummia egizia e, mentre il male si diffonde all’altro figlio, deve eseguire un rituale mortale per salvarli, anche se ciò significa diventare lui stesso il mostro.”

Questo non sembra certo il tipico film della Mummia, e questa sinossi suggerisce che la storia includerà elementi di possessione demoniaca.

The Mummy The Resurrected avrà come protagonisti Jack Reynor, Laia Costa, Veronica Falcón, May Calamawy e May Elghety. Non sono stati divulgati dettagli sui personaggi che interpreteranno.

Dopo il successo del suo avvincente e malizioso revival di Evil Dead Rise (leggi la nostra recensione qui), Cronin è stato annunciato come regista di un progetto horror senza titolo, la cui uscita è prevista per il 17 aprile 2026. Blumhouse ha successivamente rivelato che si tratterà di una nuova versione del classico mostro della Universal. Cronin ha anche scritto la sceneggiatura.

“Questo sarà diverso da qualsiasi film della Mummia che abbiate mai visto prima. Sto scavando in profondità nella terra per far emergere qualcosa di molto antico e molto spaventoso”, ha dichiarato Cronin in una dichiarazione all’inizio della produzione.

Atomic Monster e Blumhouse cofinanziano il film, con James Wan, Jason Blum e John Keville come produttori. Michael Clear, Judson Scott e Macdara Kelleher sono i produttori esecutivi. Alayna Glasthal è la responsabile esecutiva del progetto per Atomic Monster.

Ci sono state segnalazioni secondo cui un altro film ambientato nell’universo de La Mummia di Stephen Sommers sarebbe in fase di sviluppo, ma non è stato annunciato nulla di ufficiale.

Quando gli è stato chiesto se fosse interessato a riprendere il suo ruolo più famoso in un’intervista del 2023, la star Brendan Fraser è sembrata più che intenzionata a tornare per combattere le forze dell’oscurità.

“Non sono contrario, non conosco un attore che non voglia un lavoro. Non credo di essere mai stato così famoso e senza stipendio allo stesso tempo nella mia vita professionale, quindi fatemi firmare!”

Ecco perché Emma Stone era “così spaventata” all’idea di radersi la testa per Bugonia

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L’ultimo ruolo di Emma Stone in Bugonia (un remake del film coreano diretto da Jang Joon-Hwan intitolato Save the Green Planet!) ha costretto l’attrice a rasarsi la testa, e lei stessa rivela perché era “così spaventata”.

In un’intervista con Entertainment Weekly, Stone ha espresso le sue preoccupazioni riguardo alla sua audace trasformazione in CEO di un’azienda farmaceutica, Michell Fuller. La Stone ha dichiarato di “meditare sul restare fermi, restare fermi e basta“. Aveva “così paura” di rovinare il momento. Emma Stone ha anche aggiunto che “è stata una sola ripresa e c’erano quattro telecamere installate solo per sicurezza“.

Il film è stato diretto da Yorgos Lanthimos, che ha collaborato con Stone a diversi progetti, tra cui Povere Creature, La Favorita e Kinds of Kindness. Lanthimos ha parlato della dedizione di Stone e ha affermato che non è stato affatto difficile convincere l’attrice a radersi i capelli. Ha continuato dicendo:

“Lesse prima la sceneggiatura, e ha avuto una minima esitazione poco prima, non un’esitazione a farlo, ma una specie di nodo allo stomaco. Ma è successo. Per fortuna, ce l’abbiamo fatta. Avevamo solo un’occasione per riuscirci. E poi si è sentita benissimo. Si è vista, le è piaciuto davvero, e si è sentita molto libera.”

Stone non si è solo rasata la testa per il ruolo, ma si è sottoposta anche a una continua immersione in creme e lozioni: il personaggio di Jesse Plemons, Teddy, credeva che fosse necessario applicarle regolarmente spessi strati di lozione su tutto il corpo per attenuare i suoi poteri alieni. Emma Stone ha spiegato ulteriormente il procedimento e ha affermato che la pelle umana ha una temperatura di circa 37,5 °C, che è “un punto di fusione per molte creme“. Ciò ha richiesto test e una serie di tentativi per far sì che la crema rimanesse intatta. Insomma un’altra prova della dedizione dell’attrice al suo lavoro.

KPop Demon Hunters, cosa sappiamo del sequel!

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KPop Demon Hunters, cosa sappiamo del sequel!

Il film numero uno su Netflix, KPop Demon Hunters, sta conquistando il mondo e la star Rei Ami (Zoey) ha ufficialmente risposto alle voci di un sequel del film d’animazione di grande successo.

Sul red carpet della festa di Halloween di Heidi Klum, Ami (nota per il suo ruolo di Zoey in KPop Demon Hunters) ha parlato con E! News di un possibile sequel. La rapper coreano-americana ha dichiarato di “aspettare la chiamata, proprio come te! Lo scoprirai quando lo scoprirò io, quindi ne parleremo”.

KPop Demon Hunters segue il popolare girl group K-pop mentre domina le classifiche e deve sconfiggere una boy band rivale di demoni per proteggere la luna di miele e salvare il mondo dal dominio demoniaco. Il cast vocale include Arden Cho nel ruolo di Rumi, May Hong in quello di Mira, Ken Jeong in quello di Bobby e Ahn Hyo-seop in quello di Ji-noo.

Ami ha continuato, affermando di non essersi ancora pienamente adeguata alla popolarità mondiale del film. Ha aggiunto: “Questo è un fenomeno culturale. I record, i titoli… è assolutamente senza precedenti. Sono così onorata e ammirata, e penso di essere davvero onorata dal potere della musica e della buona arte e da come possano davvero, davvero – sembra un cliché – cambiare il mondo”.

KPop Demon Hunters è attualmente il film più visto di sempre su Netflix, grazie al suo successo virale e alla colonna sonora da record, con numerosi successi attualmente nelle classifiche di Billboard. Netflix ha distribuito il film in un’edizione cinematografica limitata, con un incasso di 19,2 milioni di dollari.

Si vocifera di un potenziale sequel dopo il successo mondiale, ma non è stato ancora confermato nulla. La produttrice del film, Michelle Wong, ha parlato di un sequel di KPop Demon Hunters e ha dichiarato: “Siamo tutti molto stanchi [ride]. Ma siamo entusiasti del prossimo passo”.

Anche la creatrice e co-regista Maggie Kang ha affrontato le voci e ha aggiunto che non c’è nulla di ufficiale di cui parlare, ma “c’è sicuramente altro che possiamo fare con questi personaggi in questo mondo. E qualunque cosa sarà, sarà una storia che merita un sequel, e sarà qualcosa che vogliamo vedere”.

KPop Demon Hunters ha totalizzato 325 milioni di visualizzazioni entro 90 giorni dalla sua uscita nel giugno 2025. Ha un punteggio di Rotten Tomatoes del 95% e rimane nella mente dei fan, con la speranza che un sequel non sia troppo lontano.

Millie Bobby Brown avrebbe sporto denuncia contro David Harbour

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Millie Bobby Brown avrebbe sporto denuncia contro David Harbour

La star di Stranger Things, Millie Bobby Brown, avrebbe sporto denuncia per molestie contro il padre sullo schermo, David Harbour. Secondo quanto riportato dal Daily Mail, Brown avrebbe sporto denuncia contro Harbour, accusandolo di aver “bullizzato e molestato” la sua co-protagonista. La fonte afferma: Millie Bobby Brown ha sporto denuncia per molestie e bullismo prima dell’inizio delle riprese dell’ultima stagione. Ci sono state pagine e pagine di accuse. L’indagine è andata avanti per mesi.”

La denuncia di molestie, nessuna delle quali a sfondo sessuale, da parte di una fonte sconosciuta arriva dopo le accuse di tradimento da parte della moglie separata di Harbour, Lily Allen. Le accuse di Allen sono state messe a nudo nel suo ultimo album, West End Girl, che contiene brani come “Pussy Palace”, che descrivono dettagliatamente la presunta infedeltà di Harbour durante la loro relazione durata quattro anni.

La fonte anonima che ha affermato che è stata presentata la denuncia di molestie ha dichiarato di non essere sorpresa dal silenzio di Netflix. “Netflix non commenterà mai un’indagine interna, ma il fatto che non l’abbiano negata la dice lunga. Stranger Things ha contribuito a rendere Netflix famosa. Milioni di fan in tutto il mondo attendevano con ansia il finale. Nessuno vuole che qualcosa distolga l’attenzione da questo.”

David Harbour Stranger Things

La fonte ha anche affermato che il momento per le accuse è “sfortunato”, dato che la carriera di David Harbour sta subendo un duro colpo nel bel mezzo di una delle uscite più attese di Netflix in arrivo a breve. La carriera di Harbour ha avuto un’ascesa significativa grazie al suo ruolo in Stranger Things. Da allora ha lavorato a progetti Marvel, tra cui Thunderbolts*, ma ha anche recitato in Violent Night, Gran Turismo e Black Widow. Apparirà nell’attesissimo Avengers: Doomsday della Marvel, riprendendo il ruolo di Red Guardian il prossimo anno.

Il ruolo di Millie Bobby Brown che l’ha fatta conoscere è stato in Stranger Things, e l’attrice è apparsa in altri progetti, tra cui Enola Holmes e Damsel.

Stranger Things – Stagione 5 arriverà in tre parti:

  • Il VOLUME 1 (ep.1-4) debutta il 27 novembre 2025,
  • il VOLUME 2 (ep. 5-7) il 26 dicembre 2025 e
  • l’EPISODIO FINALE il 1º gennaio 2026

Spider-Man: Brand New Day, il film riporterà in scena un controverso personaggio

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Spider-Man: Brand New Day rappresenterà una sorta di nuovo inizio per l’interpretazione di Tom Holland dell’iconico personaggio dei fumetti Marvel Comics, e si ritiene che sarà il primo film di una seconda trilogia. Nonostante questo nuovo inizio, Peter Parker non lascerà alle spalle ogni legame con la sua vita precedente. Sia Zendaya che Jacob Batalon hanno confermato che riprenderanno i rispettivi ruoli di MJ e Ned Leeds, anche se in modo più limitato, e sembra che anche un altro ex compagno di classe di Parker farà la sua comparsa.

Secondo lo scoop di Daniel Richtman, Flash Thompson, interpretato da Tony Revolori, farà parte del film. Sebbene Thompson sia generalmente descritto come un bullo fisicamente imponente, Spider-Man: Homecoming ha presentato Revolori come un ragazzo ricco e viziato che provava antipatia per Peter, forse nel tentativo di aggiungere un po’ di comicità. Questa versione del personaggio si è rivelata molto controversa e Flash ha fatto solo una breve apparizione in No Way Home.

Un precedente casting ha rivelato che Peter incontrerà un nuovo gruppo di compagni di college, quindi, a meno che Flash non finisca per frequentare lo stesso college, diremmo che Revolori avrà molto probabilmente solo un ruolo minore nel film. Come al solito, non resta che attendere maggiori informazioni sul film, su cui vige ancora molto mistero e l’identità dei personaggi interpretati da alcuni attori non è ancora nota.

Quello che sappiamo su Spider-Man: Brand New Day

Ad oggi, una sinossi generica di Spider-Man: Brand New Day è emersa all’inizio di quest’anno, anche se non è chiaro quanto sia accurata.

Dopo gli eventi di Doomsday, Peter Parker è determinato a condurre una vita normale e a concentrarsi sul college, allontanandosi dalle sue responsabilità di Spider-Man. Tuttavia, la pace è di breve durata quando emerge una nuova minaccia mortale, che mette in pericolo i suoi amici e costringe Peter a riconsiderare la sua promessa. Con la posta in gioco più alta che mai, Peter torna a malincuore alla sua identità di Spider-Man e si ritrova a dover collaborare con un improbabile alleato per proteggere coloro che ama.

L’improbabile alleato potrebbe dunque essere il The Punisher di Jon Bernthal recentemente annunciato come parte del film – in una situazione già vista in precedenti film Marvel dove gli eroi si vedono inizialmente come antagonisti l’uno dell’altro salvo poi allearsi contro la vera minaccia di turno.

Di certo c’è che il film condivide il titolo con un’epoca narrativa controversa, che ha visto la Marvel Comics dare all’arrampicamuri un nuovo inizio, ponendo però fine al suo matrimonio con Mary Jane Watson e rendendo di nuovo segreta la sua identità. In quel periodo ha dovuto affrontare molti nuovi sinistri nemici ed era circondato da un cast di supporto rinnovato, tra cui un resuscitato Harry Osborn.

Il film è stato recentemente posticipato di una settimana dal 24 luglio 2026 al 31 luglio 2026. Destin Daniel Cretton, regista di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, dirigerà il film da una sceneggiatura di Chris McKenna ed Erik Sommers. Tom Holland guida un cast che include anche Zendaya, Jacob Batalon, Mark Ruffalo, Sadie Sink e Liza Colón-Zayas e Jon Bernthal. Michael Mando è stato confermato mentre per ora è solo un rumors il coinvolgimento di Charlie Cox.

Spider-Man: Brand New Day uscirà nelle sale il 31 luglio 2026.

The Rainmaker: trailer della nuova serie Sky Exclusive tratta dal romanzo di John Grisham

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È stato rilasciato il trailer ufficiale di The Rainmaker, la nuova serie Sky Exclusive tratta dal romanzo bestseller di John Grisham, già portato al cinema nel 1997 da Francis Ford Coppola con il celebre film L’uomo della pioggia. La serie, prodotta da Lionsgate Television e Blumhouse Television, sarà disponibile dal 5 dicembre in esclusiva su Sky e in streaming solo su NOW.

Un legal thriller ad alta tensione

The Rainmaker è un legal thriller potente e ricco di tensione, che esplora i limiti della morale, del potere e del desiderio di verità. Nel corso dei suoi dieci episodi, la serie mette in scena un racconto corale dove nulla è come sembra, riprendendo lo spirito del romanzo originale di Grisham e attualizzandolo con nuovi volti e sensibilità contemporanee.

Appena uscito dalla facoltà di legge, Rudy Baylor (interpretato dal giovane Milo Callaghan) si ritrova catapultato nel suo primo grande caso: una battaglia legale alla Davide contro Golia contro Leo Drummond (John Slattery), avvocato di fama e vecchia volpe delle aule di tribunale. A sostenerlo ci sono la sua mentore Bruiser (Lana Parrilla) e l’eccentrico assistente paralegale Deck (P. J. Byrne). Quando Rudy e il suo team scoprono due cospirazioni legate alla misteriosa morte del figlio di un cliente, il giovane avvocato dovrà decidere fin dove spingersi per ottenere giustizia — e a quale prezzo.

Cast e produzione di The Rainmaker

Oltre ai protagonisti Milo Callaghan, John Slattery, Lana Parrilla e P. J. Byrne, nel cast figurano anche Madison Iseman, Dan Fogler, Wade Briggs e Robyn Cara. La serie è ideata, scritta e prodotta da Michael Seitzman (Code Black, Quantico), che ne è anche lo showrunner. Tra i produttori esecutivi figurano lo stesso John Grisham, Jason Richman, David Gernert e Jason Blum, fondatore di Blumhouse Television.

Data d’uscita e dove vederla

The Rainmaker sarà disponibile dal 5 dicembre 2025 in esclusiva su Sky e in streaming solo su NOW. Con la forza del romanzo originale di Grisham e la produzione firmata Blumhouse, la serie promette di diventare uno dei legal thriller più attesi dell’anno.

The King’s Man – Le origini: la spiegazione del finale

The King’s Man – Le origini: la spiegazione del finale

Terzo capitolo del franchise Kingsman, il finale di The King’s Man – Le origini scuote la formula stabilita nei precedenti film. Dopo il successo di Kingsman – Secret Service del 2014, con Taron Egerton e Colin Firth, e Kingsman – Il Cerchio d’Oro, il film contiene molti tropi ormai familiari e segni distintivi della serie. Tuttavia, mentre i fan troveranno ancora molto da apprezzare, ci sono alcuni importanti punti di differenza con il finale di The King’s Man – Le origini, oltre ad altre caratteristiche chiave.

Il film si svolge all’inizio del 1900, prima della Prima Guerra Mondiale, dove un aristocratico di nome Orlando Oxford, alias il Duca di Oxford (Ralph Fiennes), è coinvolto nei piani di guerra in Europa. Egli è un pacifista, avendo perso la moglie mentre lavorava per la Croce Rossa durante la guerra boera nel 1902, e da allora ha deciso di aiutare l’Inghilterra dalla sua posizione di Duca per evitare il conflitto. Anni dopo, con l’inizio della prima guerra mondiale, il figlio di Oxford, Conrad (Harris Dickinson), è implacabile nel suo desiderio di unirsi allo sforzo bellico, mentre Oxford lo ostacola, avendo promesso alla moglie morente di tenere il figlio lontano dal pericolo.

Lavorando dietro le quinte, Oxford confida con Re Giorgio V (Tom Hollander), il Segretario alla Guerra britannico Herbert Kitchener (Charles Dance) e il suo aiutante di campo, il Capitano Morton (Matthew Goode), per contribuire a scongiurare la minaccia di un conflitto più grande, sperando di porre fine alla guerra invogliando gli Stati Uniti a farsi coinvolgere. Nel frattempo, un consiglio segreto guidato da un misterioso personaggio chiamato Il Pastore, riunisce ogni sorta di cattivi storici, da Mata Hari (Valerie Pachner) a Erik Jan Hanussen (Daniel Bruhl) a Grigori Rasputin (Rhys Ifans), che lavorano tutti insieme per contribuire a influenzare lo sforzo bellico che alla fine porterà all’annientamento della Gran Bretagna.

In definitiva, il finale de The King’s Man – Le origini è probabilmente più tragico di quello dei due precedenti episodi del franchise. È anche indubbiamente vero che la narrazione gioca velocemente con la storia consolidata, affrontandola con una spavalderia senza peli sulla lingua. Tuttavia, nonostante il mix tra il tono familiare di Kingsman e una tristezza poco familiare, non c’è dubbio che il finale getti efficacemente le basi per la futura agenzia di spionaggio Kingsman. Ad ogni modo, ecco cosa succede nel finale del film e perché.

LEGGI ANCHE: The King’s Man – Le origini: la storia vera dietro il film

The King's Man - Le Origini
Ralph Fiennes e Harris Dickinson in The King’s Man – Le origini. Foto di 20th – © 2020 Twentieth Century Fox Film Corporation. All Rights Reserved.

Cosa succede nel finale di The King’s Man – Le origini

Dopo l’uccisione di Rasputin, Conrad annuncia al padre che si unirà alla guerra. Chiede il suo appoggio, che Oxford nega, poiché verrebbe meno alla promessa fatta alla madre di Conrad di tenerlo al sicuro. Conrad si arruola comunque e Oxford si organizza segretamente per tenerlo lontano dai pericoli. Tuttavia, Conrad aveva previsto questa eventualità e si scambia il posto con un altro soldato di nome Archie Reid (Aaron Taylor-Johnson), che poco dopo torna al maniero di Oxford per consegnare una lettera di Conrad. Mentre si trova in prima linea con la sua nuova identità, Conrad aiuta a intercettare le informazioni di un agente britannico caduto.

Dopo una battaglia con le truppe d’assalto tedesche, Conrad trova l’agente e lo riporta in trincea. Tuttavia, un altro soldato scopre che Conrad si fa chiamare Archie Reid e lo uccide, pensando che Conrad sia una spia, poiché il soldato dice di conoscere il vero Archie. La notizia della morte di Conrad sconvolge Oxford, che si ritira nella tristezza e nell’isolamento, non avendo mantenuto la promessa fatta alla moglie. In seguito viene rianimato da Polly, che gli dice che lascerà il servizio se non si riprende, ricordandogli la sua missione di usare il suo privilegio per migliorare il mondo.

Oxford si ripulisce e si reca all’ambasciata americana di Londra, dove ha un breve alterco con Mata Hari, che gli porta informazioni sulla posizione del Pastore. Oxford, Shola e Polly si infiltrano nella scogliera in Scozia e finalmente affrontano il Pastore, che si rivela essere il Capitano Mortan, una spia scozzese che si dice intenzionato a distruggere l’Inghilterra come punizione per l’acquisizione della sua terra ancestrale. Andando contro la sua solita natura pacifista, Oxford uccide il Pastore e individua un “sex tape” di Mata Hari e del Presidente Wilson. Fa consegnare il nastro al Presidente, che lo getta nel fuoco, distruggendo le prove della sua infedeltà e spingendo gli Stati Uniti a unirsi allo sforzo bellico, ponendo fine alla Prima Guerra Mondiale.

Chi ha fondato The Kingsman e qual è il significato del nome?

Negli ultimi istanti del film, Oxford fa incontrare tutti gli attori coinvolti nella missione nella sartoria Kingsman (che funge da luogo d’incontro segreto per tutto il film), dove annuncia di aver acquistato il negozio e che servirà come luogo d’incontro per la loro nuova organizzazione segreta di spionaggio, che il Re adotta come braccio della comunità dei servizi segreti britannici. Oxford annuncia anche che ai presenti verranno assegnati nomi in codice che si riferiscono a Re Artù, poiché la storia era molto cara al figlio defunto, Conrad. Oxford è Artù, Polly è Galahad, Shola è Merlino, Archie Reid è Lancillotto, l’ambasciatore degli Stati Uniti (Stanley Tucci) è Bedivere, mentre Re Giorgio V prende il nome di Percival.

Il fondatore, dunque, non è altro che il Duca di Oxford, capo de facto dell’organizzazione Kingsman. In Kingsman – Secret Service, Artù è interpretato da Michael Caine, che si scopre lavorare per gli antagonisti di quel film. Nel sequel, Kingsman – Il cerchio d’oro, un nuovo Artù è interpretato dal veterano Michael Gambon. Il significato di “The King’s Man” si riduce al fatto che Oxford è un gentiluomo al servizio di Re Giorgio V e, per procura, della Gran Bretagna stessa. Il legame arturiano dei soprannomi deriva dal figlio di Oxford, Conrad, che si è appassionato alla storia fin da piccolo, arrivando a chiamare suo padre Artù. In sostanza, l’uso dei nomi di Re Artù e dei Cavalieri della Tavola Rotonda, fino ai film dei giorni nostri, è in onore del defunto Conrad.

The King’s Man – Le origini è davvero un film contro la guerra

La ragione principale per cui l’organizzazione si riunisce in veste ufficiale è dunque quello di impedire che la guerra abbia mai luogo. Dopo aver perso il suo unico figlio in guerra, Oxford forma l’organizzazione come mezzo per sanare le proprie mancanze, sia nei confronti del figlio che del Paese. L’approccio pacifista di Oxford si rivelò però alla fine un costo per lui. Due guerre diverse, in due momenti diversi, gli hanno portato via moglie e figlio e, anche se si è avvicinato a queste situazioni da un luogo di cura e preoccupazione, la sua fede incrollabile nella nonviolenza si è rivelata inutile. Per fermare le guerre, avrebbe dovuto passare all’attacco, sconfiggendo la loro ascesa da dietro le quinte, come spia, e facendo ciò che era necessario, con la violenza o in altro modo, per il bene comune.

Oxford predica a Conrad anche di essere civilizzato e di essere un gentiluomo, dicendogli che questo termine sarebbe stato considerato debole solo secoli prima. L’evoluzione dell’uomo, così come l’elevato privilegio di alcuni, li richiama a una vocazione più grande che va oltre la violenza di base. Tuttavia, anche con tutte le prediche e gli insegnamenti, Conrad non riuscì a liberarsi dal desiderio di andare in guerra e combattere per il proprio Paese, un’azione che Oxford non poteva approvare. L’espressione “Oxfords not Brogues” è un termine coniato nei film originali di Kingsman, che implica che un Kingsman è più raffinato, più intelligente, più furbo e civilizzato della media delle persone.

The King’s Man – Le Origini

In origine, il termine è un paragone con un tipo di scarpa che si indossa solo con gli abiti (Oxfords) piuttosto che con le scarpe destinate a essere usate in ambienti più rurali o casual (Brogues). Ora, con L’uomo del re, il termine ha una sorta di doppio significato che sostiene ancora l’originale, in quanto si riferisce al fondatore letterale dei Kingsman e all’essere più simili a lui, piuttosto che a tutti gli altri. In sostanza, significa essere un uomo migliore, un uomo civile, che cerca di fermare le guerre prima che si verifichino, piuttosto che essere la causa del loro inizio. In sostanza, riassume perfettamente la mitologia di Kingsman.

Il vero significato del finale di The King’s Man – Le origini

Il significato ultimo del finale di The King’s Man – Le origini è quindi la situazione di un genitore che vuole proteggere i propri figli (e la propria eredità) a tutti i costi, sperando di tenerli lontani da qualsiasi tipo di danno o sfida in modo che possano vivere al meglio. Tuttavia, il mondo ha spesso altri piani, e i genitori devono accettare a malincuore che i loro figli sceglieranno la loro strada, per quanto pericolosa, e che non c’è nulla che si possa fare per fermarli. Nel caso di Oxford, i suoi tentativi di mantenere la promessa di una donna morente e di promuovere le proprie convinzioni sul pacifismo non sono stati sufficienti a fermare il desiderio del figlio di andare in guerra e combattere.

È il più grande onere di un genitore, accettare che i propri figli crescano e scelgano la propria strada, una lezione che costa a Oxford molto dolore e rimorso. Oxford ha scelto di affrontare la sua perdita formando la Kingsman, un’organizzazione che si dedica a fermare la guerra e i conflitti prima ancora che inizino, salvando così le vite dei molti figli e figlie che avrebbero scelto di marciare verso il loro destino se quegli eventi fossero mai arrivati alle loro porte. Come sappiamo dai primi due film di questo franchise, l’organizzazione è ancora attiva e funzionante nel presente.

Virus letale: la spiegazione del finale del film

Virus letale: la spiegazione del finale del film

Virus letale (1995) è un thriller pandemico con forti tinte drammatiche, diretto da Wolfgang Petersen e costruito secondo i codici del disaster movie e del cinema medico-scientifico. Ambientato negli Stati Uniti durante la diffusione di un virus letale di origine africana, il film unisce tensione militare, ricerca biomedica e investigazione, costruendo una storia che alterna sequenze spettacolari e momenti di studio clinico. L’intento è quello di mostrare come un agente patogeno invisibile possa mettere in ginocchio un’intera comunità, trasformando la scienza in una vera corsa contro il tempo.

Uno dei temi centrali del film è il confine tra prevenzione e responsabilità umana: l’epidemia è frutto di un errore, ma anche della volontà di insabbiare la verità per motivi politici e militari. La narrazione rimane legata a un impianto realistico, basato su protocolli medici, quarantene forzate e trasmissioni virali, evocando paure collettive che nel 1995 erano immaginate, ma non ancora vissute su vasta scala. Virus letale punta molto sulla credibilità: dagli ospedali al centro di controllo delle malattie, tutto è raccontato con un taglio quasi documentaristico.

Il film si inserisce in un filone che ha trovato nuova vita negli anni successivi, con titoli come Contagion di Steven Soderbergh o 28 giorni dopo di Danny Boyle, dove scienza, responsabilità politica e caos sociale si intrecciano. Rispetto a questi, Virus letale sceglie un taglio più classico e hollywoodiano: eroi determinati, antagonisti istituzionali e un forte accento sulla ricerca del vaccino. Nel resto dell’articolo verrà proposta una spiegazione del finale, mostrando come il film risolva la minaccia virale e quale messaggio lasci in chiusura.

Cuba Gooding Jr, Kevin Spacey, Dustin Hoffmann e Rene Russo in Virus letale
Cuba Gooding Jr, Kevin Spacey, Dustin Hoffmann e Rene Russo in Virus letale

La trama di Virus letale

Protagonista della vicenda è il colonnello e ricercatore medico Sam Daniels (Dustin Hoffman), inviato insieme ai suoi colleghi Casey Schuler (Kevin Spacey) e il Maggiore Salt (Cuba Gooding Jr.) in un piccolo villaggio africano, la cui popolazione è stata colpita da un singolare virus. I ricercatori scoprono che il batterio, seppur simile a quello dell’ebola, appare aggressivo e letale ma non si diffonde per via aerea. Allarmato dalla devastazione causata dal virus, Sam cerca di persuadere il generale Billy Ford (Morgan Freeman) a prendere provvedimenti prima che la malattia giunga in America, ma l’uomo viene fermato dal generale Donald McClintock (Donald Sutherland) che dà ordine di non divulgare le informazioni.

Pur essendogli proibito di rivelare l’esistenza del virus, le predizioni di Sam si rivelano, purtroppo esatte e il virus giunge negli Stati Uniti, trasportato da una scimmietta liberata nel bosco che circonda la cittadina di Cedar Creek. Disobbedendo agli ordini, Sam e i suoi colleghi si recano dunque sul posto per studiare il virus. I tre saranno sconvolti nel constatare che il batterio si è evoluto ed è diventato ancora più letale e resistente. Quando Casey e l’ex moglie di Sam, Robby, vengono contagiati dall’epidemia, il ricercatore chiederà l’aiuto di Ford che non potrà più esimersi dal raccontare tutta la verità sulla nascita del virus e sull’insabbiamento di alcuni terribili fatti, accaduti circa trent’anni prima in Zaire.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Virus letale, la situazione precipita: Cedar Creek è isolata dall’esercito e il piano segreto chiamato “Operation Clean Sweep” prevede di bombardare l’intera città per eliminare ogni traccia del virus, sacrificando civili e malati. Daniels e Salt riescono però a identificare il vero ospite del patogeno, la scimmia Betsy, e a catturarla prima che la bomba venga sganciata. Con gli anticorpi dell’animale e il siero sperimentale già disponibile presso l’esercito, Salt prepara l’antidoto definitivo, che viene somministrato agli infetti per tentare di fermare l’epidemia.

Nonostante l’antidoto sia pronto, McClintock rifiuta di fermare il bombardamento, deciso a cancellare la prova dell’esistenza del virus mutato e preservare l’arma biologica originale. Daniels e Salt si lanciano allora in un atto disperato: volano con l’elicottero direttamente sulla traiettoria del bombardiere, costringendo l’equipaggio a esitare e a mettersi in contatto radio. È il momento decisivo: grazie anche all’intervento del generale Ford, l’ordine viene revocato e la bomba viene sganciata in mare, mettendo in salvo la città e i suoi abitanti.

Cuba Gooding Jr, Kevin Spacey e Dustin Hoffmann in Virus letale
Cuba Gooding Jr, Kevin Spacey e Dustin Hoffmann in Virus letale

Il finale porta a compimento i temi principali del film: la battaglia tra la scienza che mira a curare e il potere militare pronto a sacrificare vite umane per mantenere il controllo. Daniels rappresenta la scelta morale, la fiducia nella ricerca e nella trasparenza, mentre McClintock incarna la volontà di insabbiare, dominare e trasformare un virus in strumento di guerra. Il salvataggio di Cedar Creek non è solo la conclusione dell’azione, ma la dimostrazione che la verità e la responsabilità etica possono prevalere sulla violenza istituzionale.

Il ritrovamento della scimmia e la creazione dell’antidoto sono un gesto simbolico, perché dimostrano che l’unico modo per contenere una minaccia biologica è studiarla, non annientarla con la forza. La scienza, nel film, non è infallibile, ma è l’unica strada razionale, mentre la distruzione totale diventa il riflesso di una mentalità autoritaria. Allo stesso tempo, il rapporto tra Daniels e Keough si ricompone proprio grazie al lavoro condiviso e alla comune responsabilità morale, trasformando una crisi globale in un’occasione di umanità ritrovata.

Il messaggio finale di Virus letale è chiaro: nelle pandemie, la trasparenza e la cooperazione salvano vite, mentre la censura, la paura e gli interessi politici le distruggono. Il film mette in guardia contro l’uso militare della scienza e ricorda che, di fronte ai virus, l’unica soluzione reale è la conoscenza. Dopo tanta distruzione, Cedar Creek si salva non grazie alle armi, ma grazie all’intelligenza e al coraggio di pochi individui disposti a scegliere la verità.

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Halloween Ends: la spiegazione del finale del film

Halloween Ends: la spiegazione del finale del film

Il finale catartico di Halloween Ends (qui la recensione) conclude la trilogia reboot della saga, riservando a Michael Myers un destino inquietante mentre Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) finalmente lascia morire il proprio male interiore. Il film è ambientato quattro anni dopo la fine di Halloween Kills, con Laurie e Allyson che vivono insieme mentre cercano di superare il dolore e il trauma causati dall’ultima furia omicida di Michael. Nel frattempo, Allyson intraprende una relazione con Corey Cunningham, il nuovo emarginato della città di Haddonfield, accusato di aver ucciso il ragazzo a cui faceva da babysitter tre anni prima.

Mentre altre tragedie colpiscono in assenza di Michael, Halloween Ends posiziona Corey come il nuovo Boogeyman e pone una domanda significativa sul franchise: il male è innato o viene creato? Michael Myers è rimasto nascosto negli ultimi quattro anni, ma il Boogeyman originale finalmente ritorna in Halloween Ends quando Corey viene gettato da un ponte da un gruppo di bulli. Michael trascina Corey nella sua tana nelle ombre delle fogne, con l’intenzione di ucciderlo, ma poi guarda Corey negli occhi e vede il suo crimine passato.

Il nuovo personaggio di Halloween Ends, Corey, si trasforma quindi in una persona completamente nuova prima di intraprendere una serie di omicidi, che crea un’altra frattura tra Laurie e Allyson. Tuttavia, Laurie e Allyson si riuniscono per porre finalmente fine al male a Haddonfield, collaborando per uccidere Michael Myers e mettere fine al loro dolore e al loro trauma. Mentre il finale del film chiarisce l’immortalità del male nella serie, sembra che il Boogeyman di Laurie Strode sia effettivamente scomparso.

Michael Myers in Halloween Ends

Cosa succede alla fine di Halloween Ends

L’atto finale di Halloween Ends si svolge nella notte di Halloween, quando Corey indossa la maschera di Michael Myers e procede all’omicidio dei residenti di Haddonfield che in precedenza lo avevano terrorizzato. Nel frattempo, Laurie Strode denuncia il proprio suicidio alla polizia per attirare Corey a casa sua, dove il personaggio di Jamie Lee Curtis in Halloween spara al nuovo Boogeyman facendolo cadere dalle scale. Ovviamente Corey non muore, ma si pugnala alla gola per incastrare Laurie per il suo omicidio, ragionando che se lui non può avere Allyson, nessuno potrà averla.

Allyson arriva e continua a incolpare Laurie per le azioni di Michael Myers, ripetendo che Laurie potrebbe essere il male che attira l’assassino. In un’altra finta morte, Corey sopravvive alla ferita da taglio autoinflitta prima di essere ucciso da Michael, che arriva per recuperare la sua maschera. Laurie lotta quindi con Michael prima di riuscire a immobilizzarlo, bloccandogli le mani con dei coltelli sul bancone della cucina e poi gettandogli il frigorifero sulle gambe. Lentamente, Allyson aiuta Laurie a uccidere il mortale Michael Myers, con Laurie che gli taglia la gola e i polsi in modo che sanguini fino alla morte.

Dopo l’arrivo di Frank e della polizia, la città di Haddonfield si riunisce ritualmente alla discarica mentre Laurie getta il corpo di Michael in un trituratore industriale, assicurandosi che il suo terrore sia finalmente giunto al termine. Halloween Ends si conclude poi con Allyson che lascia Haddonfield e Laurie che finisce il suo libro di memorie, spiegando che “il male non muore, cambia forma” – un cenno al fatto che Michael Myers era originariamente chiamato “La forma”.

Perché Corey si è trasformato in Michael Myers

In linea con la valutazione di Laurie secondo cui il male cambia semplicemente forma, Corey che indossa la maschera di Michael Myers, l’abito da meccanico e la personalità minacciosa aveva lo scopo di esprimere che “Michael Myers” è davvero la personificazione del male. Non importa se “la forma” si chiama Michael Myers o Corey Cunningham, è la forma assunta da una figura completamente consumata dal male. Michael di Halloween Ends, in quanto essenza del male, ha visto del potenziale in Corey quando lo ha guardato negli occhi.

Michael era più vecchio e più debole quando Laurie ha iniziato a lasciarsi alle spalle il passato e a superare il dolore e il trauma, il che significava che aveva bisogno di una nuova forma, più giovane, per nutrirsi di qualcun altro. Corey ha avuto l’opportunità di condurre una vita relativamente normale con Allyson, ma è stato consumato dal male che era in lui e dall’isteria esterna della città che lo ha etichettato come un mostro. Alla fine questa rabbia ha avuto la meglio, trasformandolo in un nuovo adepto del male.

Perché Laurie è finalmente riuscita a uccidere Michael in Halloween Ends

Laurie Strode ha cercato di uccidere Michael Myers in innumerevoli occasioni dal film originale Halloween del 1978, e finalmente ci riesce in Halloween Ends. Michael era la personificazione della sua paura, del suo dolore e del suo trauma che la consumavano, quindi finché non fosse riuscita a liberarsi di questo male, Michael non sarebbe mai morto. Laurie aveva anche trascorso gli ultimi anni subendo le accuse per le violenze di Michael, poiché gli abitanti di Haddonfield sostenevano che fosse lei a invitare Michael a tornare solo per uccidere e distruggere chi le stava intorno.

Se Michael non fosse mai morto, Haddonfield avrebbe avuto bisogno di un altro capro espiatorio tangibile, e Laurie Strode, sopravvissuta, era la perfetta emarginata. Proprio come la rappresentazione di Haddonfield in Halloween Ends rivela che la città ha creato un nuovo Michael in Corey Cunningham, la gente stava facendo lo stesso con Laurie. Sebbene sia assurdo incolpare Laurie per i terribili omicidi di Michael, la sua presunta colpevolezza vuole rappresentare il fatto che Laurie, completamente consumata dalla paura e dal trauma, non sta danneggiando solo se stessa, ma anche tutti quelli che la circondano.

La paura di Laurie le è costata innumerevoli relazioni e opportunità nella vita, che alla fine hanno danneggiato sua figlia, suo genero, i suoi amici e i suoi vicini. Una volta che Laurie è stata in grado di affrontare i propri mali causati dalle azioni vili di Michael, il potere coinvolgente dell’influenza di Michael ha potuto essere spazzato via da Haddonfield. Laurie è ora in grado di vivere la propria vita senza i vincoli del male di Michael, con il finale di Halloween Ends che accenna persino alla sua romantica storia d’amore con Frank Hawkins.

 

Perché Laurie sopravvive al finale di Halloween Ends

Halloween ha posizionato Laurie e Michael come una diade in cui ciascuno influenza l’altro; Michael è sopravvissuto grazie alla paura di Laurie, quindi la chiamata “suicida” non era del tutto inaccurata. Il fatto che Laurie abbia tagliato i polsi di Michael è stato un modo per uccidere quella parte di sé completamente guidata e consumata dalla paura che lui le aveva causato, dando vita a una nuova Laurie nel finale di Halloween Ends.

Laurie non aveva bisogno di morire perché la saga di Halloween potesse concludersi, doveva semplicemente sconfiggere l’Uomo Nero. Se sia Michael che Laurie fossero morti alla fine di Halloween Ends, allora la natura consumante del male e della paura avrebbe comunque prevalso. Invece, il film lascia vivere Laurie, rendendo la sua storia una trionfante dimostrazione di vittoria sul dolore e sul trauma.

Michael Myers è davvero morto?

Le innumerevoli occasioni in cui Michael Myers è stato colpito da proiettili, pugnalato, gettato dalle finestre, dato alle fiamme, picchiato e investito nel corso della saga di Halloween hanno sollevato la questione della sua immortalità, e il finale di Halloween Ends risponde finalmente a questa domanda. Michael Myers, l’uomo di Haddonfield che ha ucciso sua sorella nella notte di Halloween del 1963, è morto; ma ciò che rappresenta non lo è, e probabilmente non lo sarà mai. Il male non muore veramente, cambia solo forma.

Ma questa è una storia su Michael Myers e Laurie Strode, il che significa che la morte di Michael è la fine del male personale di Laurie. Il suo dolore e il suo trauma negli ultimi 44 anni hanno creato un male dentro di lei che si è aggravato insieme all’immagine e al ricordo di Michael, con questo terrore che muore insieme al corpo di Michael nel trituratore. Il mortale Michael Myers che ha terrorizzato Laurie Strode e Haddonfield dal 1978 è morto, ma il più filosofico “Michael Myers” non è mai veramente morto.

Michael Myers è la personificazione del male che non ha volto e assume solo una forma riconoscibile. Non importa se il “male” si chiama veramente Michael Myers o Corey Cunningham, assume la stessa forma, alimenta la stessa paura e può consumare le sue vittime in modo irreparabile. Sì, Michael Myers è morto, ma il Boogeyman con la “B” maiuscola non lo è. La prossima volta che Haddonfield avrà bisogno di qualcosa da temere, qualcosa su cui proiettare le proprie paure e qualcosa contro cui unirsi, un altro Michael Myers sorgerà.

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Cosa significa davvero il finale di Halloween Ends

Il finale di Halloween Ends è una purificazione catartica e collettiva del dolore e del trauma che hanno caratterizzato la città di Haddonfield, Illinois, per decenni. Il male che ha contagiato la popolazione di Haddonfield non è stato causato solo dal coltello di Michael, ma si è diffuso internamente alla comunità con il diffondersi dell’isteria. Con la morte di Michael Myers, Haddonfield va avanti e giura di non lasciare più che la paura del Boogeyman guidi le loro vite. Laurie scrive che “il male non muore, cambia forma” nel finale di Halloween Ends.

Ciò stabilisce che la città può andare avanti e guarire, ma c’è ancora la possibilità che il male si infiltri nuovamente a Haddonfield, solo che non sarà sotto le sembianze di Michael Myers. Pertanto, Haddonfield e Laurie dovranno lavorare per impedire che tali mali vengano interiorizzati e persistano di nuovo, causando molte più tragedie oltre alle violenze di Michael. Ciò significa che, in definitiva, Halloween Ends si conclude con una nota che ribadisce l’importanza sia di superare il trauma sia di comprendere che, spesso, una lotta lascia semplicemente il posto a un’altra.

È un messaggio agrodolce. Da un lato, Laurie ha superato il suo trauma distruggendo Michael sia metaforicamente che letteralmente. D’altra parte, momenti come quello in cui Corey diventa The Shape rafforzano l’idea che qualsiasi catarsi provata da Laurie non dovrebbe lasciare spazio all’autocompiacimento. Michael Myers sarà anche sparito, ma il vuoto che ha lasciato può essere e sarà riempito prima o poi. È un finale che è in parti uguali ottimista e intriso di nichilismo, un finale sorprendentemente complesso nei suoi temi, soprattutto perché sembrano contraddittori in superficie.

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Supergirl: Milly Alcock rivela che il film DCU affronterà il controverso retcon di Superman

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Il film Supergirl sarà il prossimo film dell’DC Universe di James Gunn, dopo il debutto di Milly Alcock nell’episodio del 2025 di David Corenswet. Il Capitolo 1 della DCU: “Gods and Monsters” non sta perdendo tempo nel mettere in scena le sue icone kryptoniane, poiché Kara Zor-El sarà sotto i riflettori il prossimo anno.

In un’intervista con @Nerdtropolis, David Krumholtz, che interpreta il padre di Kara, Zor-El, in Supergirl, ha spiegato come il film del 2026 renderà omaggio al libro Woman of Tomorrow su cui è basato. Ha esordito affermando: “È molto fedele al romanzo grafico su cui è basato, Woman of Tomorrow, molto fedele, il che è fantastico. Inoltre, Lobo, che, come tutti sanno, sarà interpretato da Jason Momoa. Quindi si tratta di quel fumetto più Lobo”.

Pur non potendo dire molto, Krumholtz ha aggiunto: “Dirò solo che sono entusiasta di essere il prossimo tassello nel raccontare la storia di Krypton e chiarire ulteriormente cosa sia la Casa di El”. Un’altra kryptoniana che apparirà nel film è Emily Beecham, che è stata scelta per interpretare la madre di Kara, Alura In-Ze.

Nel film Superman, è stato rivelato attraverso un grande colpo di scena con Jor-El e Lara che avevano mandato Kal-El sulla Terra per governare e rendere il pianeta il prossimo Krypton, dopo che Lex Luthor aveva rivelato il loro messaggio al mondo. Dato che Zor-El è il fratello di Jor-El, Supergirl potrebbe usare lui, Alura e Kara per consolidare ulteriormente la storia della Casa di El della DCU.

Craig Gillespie ha diretto il film sui supereroi basato su una sceneggiatura di Ana Nogueira, che ha adattato Supergirl: Woman of Tomorrow di Tom King e Bilquis Evely, diventata una delle miniserie più apprezzate della DC Comics. Questo sarà il primo film da solista dell’eroina dal 1984, quando Helen Slater la portò sul grande schermo.

Il cast del film Supergirl includerà anche personaggi chiave del fumetto originale, con Matthias Schoenaerts nel ruolo di Krem delle Colline Gialle ed Eve Ridley in quello di Ruthye Marye Knoll. Il film di Alcock non sarà l’unica uscita della DC Studios nel 2026, poiché Clayface uscirà l’11 settembre. Supergirl arriverà nelle sale il 26 giugno 2026.

Foto di copertina: L’attrice australiana Milly Alcock arriva alla 26ª edizione degli Annual Newport Beach Film Festival Honors. Foto di Image Press Agency via DepositPhotos.com

Spider-Man 4: Traumell Tillman risponde alla domanda se interpreterà un cattivo nel film MCU

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Spider-Man: Brand New Day concluderà finalmente la pausa di Tom Holland dal Marvel Cinematic Universe, con Peter Parker che tornerà nei cinema nel 2026. La saga del Multiverso sta volgendo al termine, con solo una manciata di film e serie TV in programma per la Fase 6.

In una nuova intervista con Variety, a Traumell Tillman è stato chiesto in che modo il suo “personaggio cattivo” sarà diverso dal suo personaggio di Severance nel prossimo episodio di Spider-Man. Tuttavia, la star ha dichiarato: “Chi dice che interpreterò un cattivo? Chi lo dice, da dove l’hai preso?”

Quando gli è stato chiesto se si trattasse di un “personaggio complesso”, Tillman ha aggiunto: “Non posso dire molto al riguardo”. Tuttavia, ha concluso confermando che “mi sto divertendo a girare Spider-Man”.

La partecipazione di Tillman a Spider-Man: Brand New Day è stata rivelata per la prima volta da Variety il 20 agosto 2025, ma i dettagli sul personaggio che interpreterà nel film della Fase 6 sono stati tenuti segreti. Le riprese principali del sequel di Holland sono in corso dal 3 agosto 2025.

Il cast di Spider-Man: Brand New Day comprende anche Sadie Sink e Liza Colón-Zayas​​​​​, ma, come per Tillman, l’identità dei loro personaggi non è ancora stata rivelata. Marvin Jones III interpreterà Tombstone della Marvel, un nemico di Spider-Man a cui ha anche prestato la voce nel film d’animazione Spider-Man: Into the Spider-Verse.

La Sony Pictures e la Marvel Studios hanno mantenuto il massimo riserbo sui dettagli della trama di Spider-Man: Brand New Day, soprattutto dopo il finale di Spider-Man: No Way Home. Ora che nessuno ricorda più chi sia Peter, l’eroe interpretato da Holland è solo.

Per quanto riguarda il futuro della star britannica nell’MCU, non è chiaro se Spider-Man sarà presente in Avengers: Doomsday o Avengers: Secret Wars. Mentre le riprese principali del film in uscita nel dicembre 2026 sono terminate, quelle del finale della Fase 6 devono ancora iniziare. Spider-Man: Brand New Day uscirà nelle sale il 31 luglio 2026.

Un uomo tranquillo: la spiegazione del finale del film

Un uomo tranquillo: la spiegazione del finale del film

Il finale del thriller d’azione Un uomo tranquillo (qui la recensione) del 2019 vede Nels Coxman, interpretato da Liam Neeson, allontanarsi con White Bull (Tom Jackson) dopo una sanguinosa lotta tra bande, ma il suo significato è più profondo. Diretto da Hans Petter Moland, il thriller racconta la storia di un uomo comune che guida uno spazzaneve per garantire la sicurezza delle strade di Kehoe ai suoi cittadini. Tuttavia, la sua vita viene sconvolta quando suo figlio adolescente viene trovato morto e l’autopsia rivela che è deceduto per overdose. In seguito a ciò, Nels Coxman decide che la missione della sua vita sarà scoprire cosa è successo e vendicarsi.

Il film, che è un remake del film norvegese del 2014 In Ordine di Sparizione, non ha ricevuto molta attenzione quando è uscito nelle sale. Tuttavia, Un uomo tranquillo ha invece ottenuto molta attenzione, soprattutto dopo il suo arrivo su Netflix. Anche se Neeson interpreta il personaggio principale, fa parte di un ensemble più ampio. Il cast di include nomi del calibro di Tom Bateman, Laura Dern, Emmy Rossum e Julia Jones. Sangue, vendetta e umorismo nero sono tra i punti di forza di Un uomo tranquillo, che arriva a un finale soddisfacente con temi sottintesi di vendetta e redenzione.

La spiegazione del piano di vendetta di Nels Coxman

Un uomo tranquillo si apre con Nels Coxman che guida il suo spazzaneve prima di tornare a casa dalla sua famiglia. Deve partecipare a una cerimonia in cui riceverà il premio di Cittadino dell’anno, ma suo figlio Kyle (Micheál Richardson) non può partecipare e sostenere suo padre. Apparentemente non è un problema, e Nels partecipa alla cerimonia e tiene un discorso decisamente imbarazzante. Tuttavia, tutto cambia quando il giorno dopo suo figlio viene trovato morto. L’autopsia rivela che è morto per overdose. Questa rivelazione sconvolge la vita di Nels in molti modi. Sua moglie lo lascia e lui cade in depressione dopo la morte del figlio.

Quando scopre che è stato un cartello della droga locale ad uccidere suo figlio, decide di prendere in mano la situazione e inizia a punire i membri del cartello. Li uccide uno ad uno, fino ad arrivare al capo, Trevor “Viking” Calcote (Tom Bateman). Il piano di vendetta di Nels scatena anche una guerra tra due cartelli: quello di Viking e quello di White Bull. Questo complica ulteriormente le cose, coinvolgendo Nels in una resa dei conti tra i due gruppi. Sebbene Nels non abbia un addestramento evidente come altri personaggi dei film d’azione di Liam Neeson, uccide tutti gli uomini che può fisicamente prima di rapire il figlio di Viking, Ryan (Nicholas Holmes).

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Cosa succede nella battaglia finale tra bande: tutti quelli che muoiono

All’inizio, Viking presume che sia il suo rivale, White Bull, a eliminare i suoi uomini in una battaglia per il territorio. Questo lo spinge a reagire, uccidendo accidentalmente il figlio di White Bull, Little Hawk, e scatenando una guerra tra i loro cartelli. Con meno uomini a causa di Nels, nessuna delle due bande ha informazioni reali su ciò che sta succedendo. Ciononostante, continuano la loro serie di omicidi. E dopo la morte di Little Hawk, White Bull decide di uccidere il figlio di Viking, poiché ritiene che sia l’unico modo per affrontare la morte del proprio figlio. Il cartello di White Bull elabora un piano per rapirlo, ma Nels li batte sul tempo.

Dopo diversi malintesi sull’identità di Nels, questi attira Viking sul suo posto di lavoro. Nels nasconde Ryan e cerca di uccidere Viking, ma fallisce. La banda rivale arriva e inizia una sparatoria con gli uomini di Viking. Dopo una sanguinosa battaglia, tutti gli uomini di entrambe le bande muoiono, tranne i loro capi e Nels. Nel tentativo di fuggire, Viking salta sulla sua auto, ma Nels aziona una macchina per tagliare un albero e fermarlo. L’albero taglia l’auto di Viking, intrappolandolo. White Bull approfitta della situazione e gli spara al petto. Una scena successiva mostra che muore dopo aver dato a un poliziotto un messaggio per la sua ex moglie.

Perché Coxman se ne va con White Bull

Dopo che tutti muoiono durante lo scontro finale di Un uomo tranquillo, Nels cerca di andarsene. Tuttavia, White Bull salta con lui sullo spazzaneve. Senza Viking, la persona che ha ucciso entrambi i loro figli, Nels e White Bull sembrano raggiungere un’intesa reciproca sul fatto che devono tornare alle loro vite e andare avanti. Poiché entrambi notano durante la battaglia finale di avere lo stesso nemico, trovano un terreno comune. Inoltre, entrambi hanno perso i figli e altre persone care, il che li accomuna ancora di più. I loro finali si rispecchiano l’uno nell’altro in modo inaspettato ma profondo.

Come Un uomo tranquillo prepara il terreno per un sequel

Un uomo tranquillo risolve gran parte della sua emozionante storia di vendetta nel finale. Tuttavia, sembra che sia in programma un sequel per questo thriller d’azione. Non è chiaro se Neeson tornerà a interpretare il ruolo di Nels Coxman nel prossimo film. Forse non sarà necessario, dato che il finale di Un uomo tranquillo non lascia molte domande senza risposta. Il personaggio di Neeson è ancora vivo, ma non ha bisogno di essere il protagonista di un altro film.

Il figlio di Viking, Ryan, è al sicuro alla fine di Un uomo tranquillo nonostante la brutale sparatoria. Lo si vede guidare un trattore nelle scene finali del film. Con Viking fuori dai giochi, sua madre otterrà probabilmente la custodia esclusiva. Ryan potrebbe essere il protagonista di un sequel, oppure potrebbe diventare la persona che Nels dovrà proteggere in un sequel. Dopotutto, i due si avvicinano inaspettatamente durante il periodo in cui Nels tiene Ryan in ostaggio.

Per quanto riguarda Nels, non divorzia ufficialmente da sua moglie Grace, ma i due non sono in buoni rapporti. Dopo aver portato a termine la sua vendetta contro Viking, torna alla sua vita normale, ripulendo le strade di Kehoe per i cittadini. Anche White Bull si sbarazza del suo rivale nel traffico di droga, anche se non era questa la sua intenzione iniziale, e sembra essere in buoni rapporti con Nels. Questo potrebbe portare a una collaborazione tra i due personaggi o addirittura a una storia dedicata a White Bull.

Il vero significato del finale di Un uomo tranquillo

Nella scena finale, Nels e White Bull incontrano l’ultimo uomo sopravvissuto di quest’ultimo, Valanga (Mitchell Saddleback). Questo, amante del parapendio e per questo riuscito a sfuggire allo scontro a fuoco, atterra con il paracadute dritto sotto il mezzo spazzaneve di Nels, venendo triturato. Quest’ultima morte finale serve a ricordare quanto sia inutile la violenza del film. Sottolinea l’assurdità e la natura inaspettata degli eventi, facendo capire ai personaggi sopravvissuti che la loro pace potrebbe essere di breve durata. Dopo tutto quello che succede, Un uomo tranquillo è un thriller che dimostra che la vendetta è davvero un piatto che va servito freddo e promette che la violenza può sempre continuare.

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Lucca Comics & Games 2025: il meglio dell’ultimo giorno tra Hideo Kojima, Luca Marinelli e Star Wars

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Lucca, 1 novembre 2025 – Dopo cinque giornate all’insegna di anteprime, incontri e grandi emozioni, Lucca Comics & Games 2025 si prepara a salutare il pubblico con un’ultima domenica (2 novembre) densa di eventi e ospiti straordinari. L’edizione “French Kiss” si chiude nel segno della creatività, della passione e della condivisione, confermandosi come uno degli appuntamenti culturali più seguiti d’Europa.

Hideo Kojima e Luca Marinelli protagonisti all’Area Movie

L’Area Movie, a cura di QMI, chiude in grande stile con un programma che abbraccia tutte le generazioni di fan. Tra gli appuntamenti più attesi, il panel dedicato a Death Stranding 2: On the Beach con Hideo Kojima, accompagnato da Luca Marinelli e Alissa Jung (ore 13, Teatro del Giglio). Un incontro esclusivo per esplorare il processo creativo del visionario game designer giapponese, tra narrazione, tecnologia e filosofia.

Spazio anche alla proiezione speciale di Star Wars: Episodio III – La vendetta dei Sith, in occasione del 20° anniversario del film, introdotta da Andrea Bedeschi (ore 14.40, Cinema Astra). La giornata cinematografica si apre alle 11 con l’anteprima italiana dei primi episodi di Digimon BEATBREAK e la versione integrale del film Digimon Adventure (1999), presentata dal produttore Nobuharu Takada.

Comics: Leo Ortolani, Brian K. Vaughan e grandi nomi del fumetto mondiale

Il settore Comics si conferma cuore pulsante del festival.  Alle 10 all’Auditorium del Suffragio Leo Ortolani presenta Tapum (Feltrinelli Comics), il suo progetto più ambizioso, che unisce dramma e ironia sullo sfondo della Grande Guerra. Alle 11.30 spazio a Scrivere l’America con Kevin Eastman, Dan Jurgens e Brian K. Vaughan, tre autori iconici del fumetto americano.

La giornata prosegue con Mostrare l’orrore, incontro con la mangaka Miyako Cojima e il regista Norman England, e con la presentazione di Magica (Tunué) di Barbara Canepa e Katja Centomo. Non mancano i live drawing, le performance musicali dedicate a Hokuto no Ken con il maestro Tetsuo Hara, e le anteprime firmate Bonelli, Barta, Il Castoro e Tunué.

Fantasy: nuove uscite, romantasy e grandi firme

Il programma Fantasy dell’Auditorium Fondazione Banca del Monte di Lucca propone una domenica di presentazioni attesissime:

  • Ali e Ombre di Lou Archer, capitolo conclusivo della serie The Hidden Society;

  • Immortal Consequences di I.V. Marie, presentato da Carmelo Romano e Martina Levato;

  • A Language of Dragons di S.F. Williamson, romanzo d’esordio ambientato nella Londra degli anni ’20 e già caso editoriale internazionale.

Tre incontri che confermano la vitalità del fantasy contemporaneo tra gotico, mistero e introspezione.

Musica e spettacoli: debutta il musical “Sei un brav’uomo, Charlie Brown”

La sezione Music celebra il 75° anniversario dei Peanuts con il musical Sei un brav’uomo, Charlie Brown, diretto da Eugenio Contenti, in scena al Teatro del Giglio alle 16.30.
Un omaggio al fumetto di Charles M. Schulz che unisce comicità, nostalgia e riflessione, in collaborazione con Lucca Crea, Teatro del Giglio e Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia.

Il pomeriggio prosegue al Giardino degli Osservanti con il K-Pop Showcase e il contest All Stars on KST, e in piazzale Verdi con live set che spaziano dai Novanoise ai Domine, fino ai remix anni ’80-’90 di Dj Kiko & Niko.

Lucca Junior: tra Bluey, Bing e Merlinda

Al Real Collegio, trasformato nel Family Palace, i più piccoli incontrano i personaggi di Rai Yoyo — da Bluey a Bing — e partecipano a laboratori e incontri con autori come Davide Barzi, Daniele Mocci e Giulio Ingrosso. Tra le attività anche la mostra LIBROGAME40: il protagonista sei tu! a cura di Mauro Longo, con firmacopie e laboratori interattivi dedicati ai 40 anni di Lupo Solitario.

Games e videogiochi: anteprime, premiazioni e ospiti internazionali

La giornata finale celebra la creatività e il gioco di ruolo con la demo Alea Iacta Est: New Heroes del team ISEKAI_gdr e la premiazione delle Ruolimpiadi (ore 17.30, Sala Ingellis). Gran finale con Dungeons, spettacolo teatrale ispirato a Dungeons & Dragons (ore 18, Auditorium San Girolamo).

Il mondo dei videogames accoglie leggende come John Romero, creatore di DOOM e Quake, protagonista di un incontro alle 10 all’Auditorium San Francesco, mentre lo Esports Stadium ospita il Watch Party ufficiale dei Worlds di League of Legends e la grande Cosplay Parade Riot Games.

Cosplay: parate, contest e la grande community in festa

Domenica sarà anche la giornata del Lucca Cosplay Contest (ore 14, Auditorium San Francesco), con premi per ogni categoria e una sezione dedicata ai più piccoli. A chiudere la manifestazione, le parate tematiche: DC Comics, Steampunk Italia e Star Wars, che coloreranno le vie del centro con centinaia di costumi e performance spettacolari.

Con l’ultima giornata, Lucca Comics & Games 2025 conferma ancora una volta il suo ruolo di evento simbolo della cultura pop, capace di unire fumetto, cinema, videogiochi e musica in un’unica, travolgente esperienza collettiva.