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Your Eyes Tell: recensione del film giapponese

Your Eyes Tell: recensione del film giapponese

Your Eyes Tell (Kimi no Me ga Toikaketeiru) è un lungometraggio dell’etichetta I Love Japan, che riunisce le produzioni del Sol Levante ancora inedite sui grandi schermi italiani. Basato sul sudcoreano Always del 2011 non è un semplice remake ma un nuovo adattamento meno melodrammatico dell’originale e che punta sulla crescita dei due giovani protagonisti. Questo film fa parte di una trilogia live action su storie d’amore e profondi sentimenti e arriva in sala dopo il successo di Let Me Eat Your Pancreas e della maratona di L’Attacco dei Giganti – il Film. Parte 1 – L’ Arco e le Freccia Cremisi e Parte 2 – Le Ali della Libertà.

La trama di Your Eyes Tell

Il film racconta la storia di Rui Shinozaki, l’attore e modello Ryusei Yokohama e Akari Kashiwagi interpretata dall’attrice Yuriko Yoshitaka. Rui è un ex kickboxer con un passato oscuro fatto di criminalità e di violenza, che dopo una condanna di tre anni in carcere, ha trovato lavoro come guardiano di un parcheggio coperto di Tokyo. Akari è una giovane donna che ha perso la vista ed entrambi i genitori per colpa di un tragico incidente d’auto e che impiega le sue giornate come centralinista in un call center.

Dopo che l’anziano guardiano con il quale la ragazza ipovedente trascorreva le serate guardando la televisione viene sostituito da Rui, lei comunque riprende la medesima routine con il nuovo ragazzo. Da notare che la serie tv di cui i due protagonisti finiranno per appassionarsi è A Story to Read When You First Fall in Love, il j-drama che ha lanciato lo stesso Yokohama con i suoi inconfondibili capelli rosa. Rui e Akira pian piano si avvicinano sempre di più, ma purtroppo il passato verrà a bussare alla loro porta. Il giovane protagonista, un bambino orfano cresciuto dalle suore che lo hanno battezzato col nome di Antonio, scoprirà che è lui la causa dell’incidente della sua amata.

Rui quasi per espiare, ancora una volta, i suoi peccati tornerà a gareggiare nei circuiti clandestini della kickboxing rinunciando definitivamente al suo sogno di diventare un campione di pugilato. Questa scelta sacrificabile è anche un modo per il ragazzo d’aiutare la sua amata che grazie ad un intervento, pagato da lui con i soldi delle scommesse illegali, per riavere la vista attraverso una delicata e costosa operazione. Alla fine però tutto si risolverà ma in modo inaspettato e con un epilogo finale struggente e pieno di poesia.

Rui e Akari due anime che si appartengono

Il punto di forza di questo lungometraggio diretto da Takahiro Miki, regista di titoli come My Tomorrow, Your Yesterday e Love Me, Love Me Not, è avere per protagonisti Ryusei Yokohama e Yuriko Yoshitaka. Questi due attori in Giappone sono due e veri proprio divi acclamati soprattutto dal pubblico più giovane, quello a cui punta il target di questo lungometraggio. Ryusei e Yuriko fin dalla loro prima scena insieme riescono a trasmettere il loro legale prima platonico e poi più profondo che supera anche le limitazioni fisiche. Ci sono sguardi, carezze, abbracci e baci che riescono a creare l’intimità tra loro senza mai ricorrere a scene esplicite di sesso, come è facile trovare invece nei Young Adult occidentali.

Your Eyes Tell, un film non solo per i romantici

Your Eyes Tell si presenta come una storia d’amore ma non è solo questo, c’è anche molta violenza, quella degli incontri di kickboxing o quella di un tentativo di stupro da parte del datore di lavoro di Akari. Il regista giapponese comunque riesce a dosare il giusto mix con palette cromatiche che giocano su ombre, quelle del passato oscuro d’entrambi, con quelle  fatte di luce che rappresentano le emozioni più pure che i due innamorati provano. Per concludere durante la visione del film si può ascoltare un brano originale dei BTS, una nota band di Kpop, intitolato proprio come il film che parla di speranza e resilienza che non altri il messaggio stesso di Your Eyes Tell.

Karma, spiegazione del finale: in che modo i sei personaggi sono connessi?

Il nuovo thriller K-drama di Netflix, Karma, intreccia una narrazione complessa fatta di personaggi interconnessi e si conclude con una spiegazione di come le loro storie siano legate tra loro. Karma vede come protagonisti Park Hae-soon, Shin Min-a e Lee Hee-jun nei ruoli rispettivamente del Testimone, di Lee Ju-yeon e del Debitore. Raccontata attraverso flashback, Karma inizia con il Debitore, messo alle strette a causa dei debiti che ha con uno strozzino che minaccia di ucciderlo se non paga entro la scadenza. Il Debitore escogita un piano per far uccidere suo padre e riscuotere l’assicurazione sulla vita.

Il Debitore assume Gil-ryong (Kim Sung-kyun), un uomo pericoloso che lavora nella sua azienda, per uccidere il padre. Si scopre però che Gil-ryong ha stretto un accordo con un suo vecchio amico, il Testimone, il quale decide di mettere in atto una truffa usando il corpo del padre del Debitore per ricattare Glasses (Lee Kwang-soo). Man mano che il thriller procede, la vita del Debitore si intreccia con quella degli altri personaggi coinvolti nella morte del padre. Il finale di Karma mostra l’impatto che ha avuto la morte del padre del Debitore e cosa è successo a ciascuno dei personaggi coinvolti.

Cosa succede al Testimone alla fine di Karma

Il Testimone muore nel finale di stagione di Karma

Il Testimone, Kim Beom-jun, viene introdotto nel secondo episodio di Karma. Beom-jun sta andando in bicicletta quando vede Sang-hun (Glasses) investire un uomo con l’auto. Quando Sang-hun lo nota, gli impedisce di andarsene dalla scena dell’incidente. Per assicurarsi che il Testimone non lo denunci alla polizia, gli dà 10 milioni di won e gli chiede di aiutarlo a seppellire il cadavere.

Sang-hun, in preda al panico dopo aver commesso omicidio colposo, crede di essersi sbarazzato del Testimone, ma Beom-jun continua a chiedergli più soldi e alla fine uccide Sang-hun. Alla fine, molte cose del piano ideato da Beom-jun insieme a Yu-jeong (Gong Seung-yeon) vanno storte, e lui si ritrova in fuga dalla polizia. Quando incontra Park Jae-young e Gil-ryong in una casa abbandonata, dopo essere scappato, si rende conto che c’è una sola via d’uscita.

Dà fuoco alla casa, uccidendo Jae-young. Ma prima di poter fuggire, rimane gravemente ustionato e viene portato in ospedale, dove il dottor Lee riconosce il suo nome. Quello che Beom-jun non aveva capito era che, assumendo l’identità del Debitore, aveva anche ereditato i suoi problemi. Alla fine, lo strozzino a cui Jae-young doveva dei soldi si presenta per riscuotere il debito e il Testimone viene ucciso dal dottor Yoon, che gli preleva gli organi.

Come sono collegati i 6 personaggi in Karma

Le storie in Karma sono intrecciate

Fin dal primo episodio di Karma, è chiaro che i personaggi del K-drama originale Netflix sono collegati in qualche modo. Park Jae-young ha promesso di dare a Gil-ryong il 30% del pagamento dell’assicurazione se avesse ucciso suo padre. Gil-ryong, a sua volta, decide di coinvolgere il Testimone per truffare Glasses, facendogli credere di aver ucciso il padre di Jae-young, che in realtà era già morto.

Per far sì che Glasses si trovasse sulla strada dove il Testimone lo aspettava con il corpo, serviva qualcuno che lo convincesse a lasciare il motel nel cuore della notte: questo compito tocca a Yu-jeong, che collabora con Beom-jun. Yu-jeong e Beom-jun sono amici d’infanzia e hanno truffato persone per anni. Dopo che il Testimone assume l’identità di Jae-young, Ju-yeon (la dottoressa Lee) ricorda che l’uomo l’aveva violentata quando era adolescente. Alla fine, è il dottor Yoon, fidanzato della dottoressa Lee, a uccidere il Testimone.

Tutti coloro che muoiono in Karma

Cinque dei sei personaggi principali muoiono in Karma

La maggior parte dei personaggi principali di Karma muore prima della fine del K-drama. Fin dall’inizio, la miniserie di Netflix stabilisce che alcuni personaggi saranno uccisi in modo cruento e violento. Il primo a morire è Glasses. Quando seppellisce il padre di Jae-young, scopre grazie alle riprese della dashcam di non essere stato lui a ucciderlo. Quando lo dice alla fidanzata, lei gli rivela cosa pensa davvero di lui e lui la aggredisce. Ma il Testimone interviene prima che la uccida.

Il Testimone droga Glasses e lo porta in un luogo isolato per seppellirlo, ma lui si riprende e colpisce Yu-jeong. Il Testimone uccide Glasses e vendica la morte del suo vecchio amico. Come è successo a Glasses e Yu-jeong, anche Gil-ryong e il Debitore muoiono nello stesso luogo. Gil-ryong viene accoltellato dal Testimone e bruciato nell’edificio abbandonato insieme al Debitore.

Ma forse la morte più cruenta in Karma è proprio quella del Testimone. Dopo aver rubato l’identità di Jae-young, Beom-jun crede di essere sfuggito all’arresto. Ma il dottor Yoon ha altri piani per lui: quando finisce sul suo tavolo operatorio, lo taglia senza anestesia e gli rimuove gli organi.

Cosa significa davvero il finale di Karma

Tutti hanno avuto ciò che meritavano in Karma

Il finale di Karma fa onore al titolo del K-drama. Alla fine, ogni personaggio principale che ha commesso un crimine nella serie è stato punito in qualche modo. Cinque dei protagonisti principali muoiono, e solo Ju-yeon è ancora viva alla fine. Il finale di Karma parla di persone che ottengono ciò che meritano in base alle loro azioni. La dottoressa Lee può vivere felice perché coloro che l’hanno tormentata sono finalmente morti.

Jae-young ha fatto qualcosa di spregevole ordinando la morte di suo padre, quindi non è sorprendente che abbia fatto la stessa fine. Yu-jeong e il Testimone hanno passato la vita a mentire, imbrogliare e approfittarsi dei deboli, finché il karma non li ha raggiunti. Sebbene Glasses sembrasse debole, in realtà era una persona crudele. Infine, Gil-ryong è morto perché, anche se credeva che uccidere il padre del Debitore fosse sbagliato, lo ha fatto comunque.

Il finale di Karma prepara una seconda stagione?

Karma non finisce con un cliffhanger

L’episodio finale di Karma, intitolato appropriatamente “Karma”, risponde a tutte le domande sollevate all’inizio del K-drama originale Netflix. Tutti coloro che hanno avuto un ruolo nella morte del padre di Jae-young, che si trattasse di ucciderlo o coprirne la morte, muoiono. Ju-yeon trova la pace e riesce a lasciarsi il passato alle spalle. Tutto ciò significa che non ci sono fili narrativi lasciati in sospeso che giustificherebbero una seconda stagione di Karma. Se ci fosse una seconda stagione, dovrebbe basarsi su personaggi completamente nuovi.

Sentry viene chiamato per la prima volta per nome nel nuovo trailer di Thunderbolts*

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“Bob” viene finalmente battezzato Sentry, il suo soprannome nei fumetti, nel nuovo trailer di Thunderbolts* conferma la sua identità nel Marvel Cinematic Universe. La Fase 5 si sta avvicinando alla fine, poiché questo film fungerà da film finale prima che The Multiverse Saga passi finalmente alla Fase 6. Mentre il team moralmente dubbio sta finalmente ottenendo il dovuto spazio nella timeline MCU, i Marvel Studios stanno intensificando il marketing di Thunderbolts*, con il film in arrivo tra meno di un mese.

Il canale ufficiale Marvel Australia e Nuova Zelanda ha recentemente lanciato un nuovo trailer internazionale di Thunderbolts* insieme a diversi altri canali Marvel, poiché i biglietti sono in vendita da oggi, e uno dei grandi momenti salienti del filmato è stato il nuovo giocatore MCU di Lewis Pullman. Dopo averlo tenuto il mistero, il filmato mostra finalmente il film Thunderbolts* soprannominato Sentry, anche se non lo vediamo ancora in volto!

Tutto quello che c’è da sapere su Thunderbolts*

Diretto da Jake Schreier (Paper Towns), il cast di Thunderbolts* comprende Sebastian Stan nel ruolo di Bucky Barnes, Hannah John-Kamen nel ruolo di Ava Starr alias Ghost, Wyatt Russell nel ruolo di John Walker, David Harbour nel ruolo di Alexei Shostakov alias Red Guardian, Olga Kurylenko nel ruolo di Antonia Dreykov alias Taskmaster, Harrison Ford nel ruolo del Generale Thaddeus ‘Thunderbolt’ Ross e Lewis Pullman nel ruolo di Bob alias Sentry.

In Thunderbolts*, i Marvel Studios riuniscono una insolita squadra di antieroi: Yelena Belova, Bucky Barnes, Red Guardian, Ghost, Taskmaster e John Walker. Dopo essersi ritrovati nel mezzo di una trappola mortale orchestrata da Valentina Allegra de Fontaine, questi emarginati disillusi devono affrontare una missione pericolosa che li costringerà a confrontarsi con gli aspetti più oscuri del loro passato. Questo gruppo disfunzionale si distruggerà dall’interno o riuscirà a trovare redenzione, unendosi e trasformandosi in qualcosa di più grande, prima che sia troppo tardi?

Florence Pugh riprende il ruolo di Yelena Belova, sorella di Vedova Nera (e una delle parti migliori della serie MarvelDisney+ Occhio di Falco). Inoltre, Julia Louis-Dreyfus interpreta Valentina Allegra de Fontaine, con Geraldine Viswanathan nei panni di Mel, la sua assistente (che sostituisce una Ayo Edebri estremamente impegnata e piena di impegni).

Lo sceneggiatore di Black Widow e Thor: Ragnarok Eric Pearson si unisce agli sceneggiatori di Beef Lee Sung Jin e Joanna Calo. Un trailer è stato mostrato a porte chiuse al San Diego Comic-Con. Thunderbolts* arriverà nelle sale il 30 aprile 2025, in ritardo rispetto alla precedente data di uscita del 20 dicembre 2024 a causa degli scioperi della WGA e della SAG-AFTRA. Nel frattempo, restate aggiornati sul MCU con la nostra guida alla storia della Fase 5 della Marvel e con uno sguardo a ciò che deve ancora venire nella Fase 6 della Marvel.

Thunderbolts* è diretto da Jake Schreier e Kevin Feige è il produttore. Louis D’Esposito, Brian Chapek, Jason Tamez e Scarlett Johansson sono i produttori esecutivi.

Disney celebra il Mese della Terra con la campagna ourHOME con National Geographic

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The Walt Disney Company ha annunciato che celebrerà il Mese della Terra con una campagna aziendale, insieme a National Geographic, per ispirare il pubblico ad apprezzare il mondo che ci circonda attraverso il potere dello storytelling.

Per tutto il mese di aprile, la campagna ourHOME offrirà nuovi contenuti, attività digitali ed esperienze, e metterà in luce gli sforzi globali per proteggere, ripristinare e celebrare il mondo naturale, permettendo agli spettatori e ai fan di scoprire tanti altri motivi per amare questo luogo chiamato casa.

La campagna ourHOME torna dopo il successo del primo anno e fonda le sue radici nella tradizione condivisa di Disney e National Geographic nel raccontare storie che ispirano un legame più profondo con il nostro mondo. Disney si impegna a intraprendere azioni significative per sostenere un pianeta più sano per le persone e la natura. Questo impegno ha contribuito a ispirare la creazione del Disney Conservation Fund (DCF) che, come parte della campagna ourHOME, dà il via a un anno di celebrazioni per il suo 30° anniversario. Ad aprile, il DCF assegnerà più di 500.000 dollari in contributi filantropici a organizzazioni non profit che lavorano per offrire esperienze che siano fonte di ispirazione per i giovani, aiutandoli a entrare in contatto con la natura e a sostenere la fauna e gli spazi incontaminati nelle loro comunità.

La Collezione ourHOME, disponibile su Disney+ per tutto l’anno, celebra la bellezza, lo stupore e la meraviglia del nostro pianeta attraverso titoli acclamati come I segreti del polpo, Queens: Le regine della natura A Real Bug’s Life: Megaminimondo, insieme all’intero catalogo di film Disneynature. Inoltre, durante la Settimana della Terra, debutteranno in tutto il mondo tre nuovi titoli: I Segreti dei Pinguini di National Geographic, oltre a Leoni marini delle Galapagos – Una nuova casa per Leo e I Guardiani delle Galapagos di Disneynature.

La Collezione ourHOME, disponibile su Disney+

I Segreti dei Pinguini debutterà il 21 aprile su Disney+, con tutti gli episodi disponibili. Con Bertie Gregory (@BertieGregory), National Geographic Explorer e vincitore dei premi Emmy® e BAFTA, e narrato nella versione originale da Blake Lively, questo nuovo capitolo del franchise “I Segreti di”, vincitore del premio Emmy, accompagna gli spettatori di tutte le età negli angoli più remoti del mondo per assistere ai comportamenti dei pinguini ripresi per la prima volta dalle telecamere, mostrando i teneri e soffici uccelli incapaci di volare mentre affrontano alcuni degli ambienti più estremi della Terra.

Leoni marini delle Galapagos – Una nuova casa per Leo debutterà il 22 aprile su Disney+. Questo nuovo film, narrato da Brendan Fraser nella versione originale, si immerge in acqua per seguire Leo, un bellissimo cucciolo di leone marino che impara ad affrontare la vita accanto a sua madre, Luna. Leo deve lasciare la colonia della madre per trovare la sua casa: un’impresa monumentale, piena di sfide e di nuovi incontri con una serie di creature, dalle iguane marine ai colubri neri, dai tonni pinna gialla ai giganteschi squali delle Galapagos.

I Guardiani delle Galapagos debutterà il 22 aprile su Disney+. Blair Underwood è la narratrice nella versione originale di questo sguardo dietro le quinte a Leoni marini delle Galapagos – Una nuova casa per Leo, che segue la troupe di Disneynature intenta a catturare i comportamenti intimi dei leoni marini, mettendo in luce le sfide che minacciano l’arcipelago e la comunità dei Guardiani delle Galapagos, coloro che lavorano per proteggere questo luogo magico.

Siamo felicissimi di celebrare il ritorno della campagna ourHOME, che unisce il potere dello storytelling di National Geographic e l’impegno di Disney nel sostenere un pianeta più sano attraverso contenuti di altissima qualità e grandi esperienze” ha commentato Courteney Monroe, President, National Geographic. “Insieme speriamo di ispirare gli esploratori di tutte le età a scoprire e preservare il nostro bellissimo pianeta”.

Werner Herzog riceverà il Leone d’Oro alla Carriera a Venezia 82

Werner Herzog riceverà il Leone d’Oro alla Carriera a Venezia 82

È stato attribuito al grande regista tedesco Werner Herzog (Aguirre, furore di Dio, Fitzcarraldo, Nosferatu-Il principe della notte) il Leone d’oro alla carriera dell’82. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della Biennale di Venezia (27 agosto – 6 settembre 2025). La decisione è stata presa dal Cda della Biennale, che ha fatto propria la proposta del Direttore artistico della Mostra, Alberto Barbera.

Werner Herzog, nell’accettare, ha dichiarato: “Sono profondamente onorato di ricevere il Leone d’oro alla carriera dalla Biennale di Venezia. Ho sempre cercato di essere un Buon Soldato del Cinema e questa mi sembra una medaglia per il mio lavoro. Grazie. Tuttavia non mi sono ancora ritirato. Lavoro come sempre. Qualche settimana fa ho terminato un documentario in Africa, Ghost Elephants, e in questo momento sto girando il mio prossimo lungometraggio, Bucking Fastard, in Irlanda. Sto realizzando un film d’animazione basato sul mio romanzo The Twilight World, e interpreterò la voce di un personaggio nel prossimo film d’animazione di Bong Joon-ho. Non sono ancora finito”.

Werner Herzog Leone d’Oro a Venezia 82

A proposito di questo riconoscimento, il Direttore Alberto Barbera ha affermato: “Cineasta fisico e camminatore instancabile, Werner Herzog percorre incessantemente il pianeta Terra inseguendo immagini mai viste, mettendo alla prova la nostra capacità di guardare, sfidandoci a cogliere ciò che sta al di là dell’apparenza del reale, sondando i limiti della rappresentazione filmica alla ricerca inesausta di una verità superiore, estatica, e di esperienze sensoriali inedite. Affermatosi come uno dei maggiori innovatori del Nuovo Cinema Tedesco, con film quali Segni di vita, Nosferatu – Il principe della notte, Aguirre, furore di Dio, Fitzcarraldo, Il cattivo tenente – Ultima chiamata New Orleans e Grizzly Man, non ha mai smesso di saggiare i limiti del linguaggio cinematografico smentendo la tradizionale distinzione tra documentario e finzione, invitando nel contempo a un’interrogazione radicale sui temi della comunicazione, sui rapporti fra le immagini e la musica, sull’infinita bellezza della natura e la sua inevitabile corruzione.

La carriera di Herzog è insieme affascinante e pericolosa, perché consiste in un coinvolgimento totale, nella messa in gioco di sé fino al limite del rischio fisico, dove la catastrofe è costantemente in agguato. Geniale narratore di storie insolite, Herzog è anche l’ultimo erede della grande tradizione del romanticismo tedesco, un umanista visionario, un perlustratore instancabile votato a un nomadismo perpetuo, alla ricerca (com’ebbe a dire) «di un luogo dignitoso e conveniente per l’uomo, un luogo che è talvolta un Paesaggio dell’Anima».”

Thunderbolts*: il cast commenta la sua presenza (o meno) in Avengers: Doomsday

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Durante la presentazione del cast di Avengers: Doomsday della durata di cinque ore e mezza dei Marvel Studios, le star di Thunderbolts* Florence Pugh (Yelena Belova), David Harbour (Red Guardian), Sebastian Stan (Bucky), Wyatt Russell (U.S. Agent), Lewis Pullman (The Sentry) e Hannah John-Kamen (Ghost) sono state tutte annunciate come protagoniste del film.

Si prevede che il team si riunisca come “New Avengers” del MCU e, in un’intervista per promuovere la vendita dei biglietti, Pugh, Harbour, Russell e John-Kamen hanno reagito alla notizia. Tuttavia, il nome di Julia Louis-Dreyfus non era sullo schienale di una sedia, il che significa che Valentina Allegra de Fontaine al momento non dovrebbe apparire nel film guidato da Robert Downey Jr. come Dottor Destino. Inutile dire che la sua reazione è impagabile.

Alla domanda al CinemaCon su cosa la emoziona di più quando si tratta di condividere lo schermo con Doom di Downey, Pugh ha rivelato: “In realtà non ne ho idea perché non ho letto una sceneggiatura. No. Quindi, non posso far trapelare nulla”. “Non so proprio come facciano a far stare tutti zitti”, ha aggiunto la star di Black Widow e Hawkeye. “Tutti parleranno solo con i loro idoli e saranno completamente concentrati su quello [Ride]. Auguro la migliore fortuna ai direttori e mi dispiace in anticipo”.

Il nuovo poster di Thunderbolts*

Tutto quello che sappiamo su Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday arriverà nelle sale il 1° maggio 2026, mentre Avengers: Secret Wars è previsto per il 7 maggio 2027.

Entrambi i film saranno diretti da Joe Russo e Anthony Russo, che faranno anche il loro ritorno nell’MCU dopo aver diretto Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame. Al momento non si hanno certezze sugli attori che comporranno il cast del film, né su precisi elementi di trama.

I Marvel Studio hanno per ora confermato il seguente cast in Avengers: Doomsday: Chris Hemsworth (Thor), Vanessa Kirby (Susan Storm/Donna Invisibile), Anthony Mackie (Sam Wilson/Captain America), Sebastian Stan (Bucky Barnes/Soldato d’Inverno), Letitia Wright (Shuri/Black Panther), Paul Rudd (Scott Lang/Ant-Man), Wyatt Russell (John Walker/U.S. Agent), Tenoch Huerta Mejia (Namor), Ebon Moss-Bachrach (Ben Grimm/The Thing), Simu Liu (Shang-Chi), Florence Pugh (Yelena Belova/Black Widow), Kelsey Grammer (Hank McCoy/Bestia), Lewis Pullman (Sentry), Danny Ramirez (Joaquin Torres/Falcon), Joseph Quinn (Johnny Storm/Torcia Umana), David Harbour (Alexei Shostakov/Red Guardian), Winston Duke (M’Baku), Hannah John-Kamen (Ava Starr/Ghost), Tom Hiddleston (Loki), Patrick Stewart (Charles Xavier/Professor X), Ian McKellen (Erik Lehnsherr/Magneto), Alan Cumming (Kurt Wagner/Nightcrawler), Rebecca Romijn (Raven Darkhölme/Mystica), James Marsden (Scott Summers/Ciclope), Channing Tatum (Remy LeBeau/Gambit), Pedro Pascal (Reed Richards/Mister Fantastic), Robert Downey Jr. (Victor von Doom/Dottor Destino).

Eden: 7 curiosità che probabilmente non sai sul film in arrivo al cinema!

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Eden (qui la recensione) è uno dei film più attesi del 2025, pronto a conquistare il pubblico con la sua potente storia basata su eventi reali. Ambientato nell’affascinante e selvaggia isola di Floreana, nelle Isole Galápagos, il film esplora le difficoltà e le sfide che un gruppo di coloni europei ha affrontato nel tentativo di ricostruire una nuova vita in un angolo remoto del mondo. Con un cast di altissimo livello, tra cui Jude Law, Vanessa Kirby, Sydney Sweeney e Ana de Armas, Eden promette di essere un’esperienza cinematografica intensa ed emozionante. Il film sarà distribuito nelle sale italiane a partire dal 10 aprile 2024 da 01 Distribution. Ma cosa rende questo film ancora più interessante? Ecco 7 curiosità che potrebbero sorprenderti.

Di cosa parla Eden

Eden racconta la storia di un gruppo di coloni europei che cercano di costruire una nuova vita su Floreana, una delle Isole Galápagos. La pellicola segue le vicende di diversi protagonisti, tra cui il dottor Friedrich Ritter (interpretato da Jude Law), Eloise Bosquet de Wagner Wehrhorn (Ana de Armas), Margret Wittmer (Sydney Sweeney) e altri, ognuno dei quali affronta le difficoltà di un’esistenza isolata e lontana dalla civiltà. La lotta per la sopravvivenza, le sfide emotive e le dinamiche interpersonali tra i coloni sono al centro di un racconto che esplora le profondità dell’animo umano in condizioni estreme. Il film, diretto da Ron Howard, mescola il dramma storico con la tensione psicologica, offrendo uno spaccato di vita su una delle isole più remote del pianeta.

Una storia vera

Vanessa Kirby nel ruolo di Dora Strauch Ritter
© Cortesia 01 Distribution

Eden è ispirato a eventi reali, raccontando le vicende di alcuni coloni europei che tentarono di stabilirsi su Floreana negli anni ’30, un’impresa che si rivelò tragica e complessa. La narrazione del film esplora le sfide fisiche, psicologiche e morali dei protagonisti.

Ambientato nelle Isole Galápagos, ma girato in Australia

EDEN Ron Howard

Anche se la storia è ambientata nelle Isole Galápagos, le riprese del film sono state effettuate in Australia. Le località australiane sono riuscite a ricreare perfettamente il paesaggio selvaggio e incontaminato che caratterizza l’isola di Floreana.

Cambio di cast a causa dello sciopero degli attori del 2023

Alicia Vikander
Alicia Vikander al Festival di Cannes – Foto di Luigi De Pompeis © Cinefilos.it

Inizialmente, Alicia Vikander e Daisy Edgar-Jones erano state scritturate per i ruoli principali di Eden. Tuttavia, a causa dello sciopero degli attori nel 2023, entrambe sono state costrette a rinunciare. Vanessa Kirby e Sydney Sweeney hanno successivamente preso i loro posti, dando nuova energia e dinamiche ai personaggi.

La prima collaborazione tra Ron Howard e Daniel Brühl dal 2013

Daniel Brühl Heinz Wittmer
Cortesia 01 Distribution

Eden segna la prima collaborazione tra Ron Howard e Daniel Brühl dal film Rush (2013). Questo ritorno tra regista e attore ha generato grandi aspettative, in quanto entrambi hanno una solida reputazione nel cinema internazionale.

Anteprima al Toronto International Film Festival e premio a Ron Howard

Ron Howard
Ron Howard sul set di EDEN – Credit © Jasin Boland cortesia 01 Distribution

Il film è stato presentato in anteprima al Toronto International Film Festival il 7 settembre 2024, ricevendo un’ottima accoglienza. In Europa, è stato proiettato al Torino Film Festival, nella prima edizione del neo direttore artistico Giulio Base, dove Ron Howard ha ricevuto un premio per la sua regia.

Un cast stellare

Eden Ana De Armas
Credit © Jasin Boland cortesia 01 Distribution

Oltre ai protagonisti Jude Law, Vanessa Kirby, Sydney Sweeney e Ana de Armas, Eden vanta anche un cast di supporto di grande talento, tra cui Richard Roxburgh, Toby Wallace, Jonathan Tittel e Felix Kammerer. Ognuno di questi attori contribuisce in modo significativo alla narrazione, aggiungendo complessità e intensità alla storia.

Le sfide della vita in un’isola remota

EDEN Ron Howard

Il film mette in luce le difficoltà di vivere su un’isola sperduta e la lotta quotidiana per la sopravvivenza. Le dinamiche tra i coloni sono influenzate dall’isolamento, dalla scarsità di risorse e dai conflitti interni, temi che vengono esplorati con grande realismo.

Eden è un film che promette di essere un’esperienza intensa, ricca di emozioni e di spunti riflessivi. La sua narrazione basata su eventi reali, unita a un cast stellare e a una regia magistrale di Ron Howard, lo rende uno degli appuntamenti cinematografici più attesi del 2024. Non perdere l’occasione di scoprire Eden al cinema, a partire dal 10 aprile, distribuito da 01 Distribution. Un viaggio unico alla scoperta di una delle storie più affascinanti e tragiche della storia recente.

Tron: Ares, il regista rivela intriganti dettagli sulla trama

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Tron: Ares, il regista rivela intriganti dettagli sulla trama

Il primo trailer di Tron: Ares è uscito sabato e, finora, la risposta sembra essere stata estremamente positiva. Mentre il regista Joachim Rønning sembra adottare un nuovo approccio audace al franchise, gli effetti visivi sono impressionanti e la storia ha incuriosito i fan.

Il seguito di TRON e TRON: Legacy vedrà Ares di Jared Leto, un’intelligenza artificiale canaglia, portare La Griglia nel mondo reale. Parlando con Empire Online (tramite SFFGazette.com), Rønning ha gettato nuova luce su cosa aspettarsi dal personaggio e su come si inserisce nel futuro di TRON. “Per non essere troppo banale, ma l’ho sempre pensato un po’ come Pinocchio”, ha spiegato il regista. “Ares vuole essere un vero bambino. Abbiamo parlato molto del fatto che fosse quasi un neonato, che scoprisse il mondo per la prima volta, e di come volevamo che il pubblico vedesse il mondo attraverso i suoi occhi.” “Le piccole cose che diamo per scontate o che non vediamo più. Questo era importante,” ha aggiunto Rønning. “E poi un tema più ampio per il film è cosa ci vuole, cosa significa essere umani. Soprattutto in questo caso, perché è un programma per computer.”

Molti fan con gli occhi d’aquila hanno notato che Ares sembra avere un Identity Disc triangolare, e sarà davvero un miglioramento rispetto al classico design circolare. Ciò promette di rendere l’intelligenza artificiale ancora più formidabile di quelle che abbiamo visto in precedenza in La Griglia.

“È sicuramente un’arma,” ha stuzzicato Rønning. “Ed è semplicemente un disco superiore. Quando fai parte di un franchise, vuoi far evolvere il design, anche se sono sicuro che la gente impazzirà perché non è rotondo: ‘Oh no!’ Ma abbiamo anche dischi rotondi. Prenditela comoda.”

La storia segue un programma altamente sofisticato, Ares, che viene inviato dal mondo digitale a quello reale per una pericolosa missione, segnando il primo incontro dell’umanità con esseri dotati di intelligenza artificiale.

Il film è diretto da Joachim Rønning e interpretato da Jared Leto, Greta Lee, Evan Peters, Hasan Minhaj, Jodie Turner-Smith, Arturo Castro, Cameron Monaghan, con Gillian Anderson e Jeff Bridges. Sean Bailey, Jeffrey Silver, Justin Springer, Jared Leto, Emma Ludbrook e Steven Lisberger sono i produttori, mentre Russell Allen è il produttore esecutivo.

Il film Disney arriverà nelle sale italiane il 9 ottobre 2025. Di seguito, un nuovo scatto di Jared Leto nei panni del protagonista.

Rachel Brosnahan sulla differenza di questo Superman con gli altri film: “Questa non è una storia di origine”

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In una nuova intervista, Rachel Brosnahan, nuova Lois Lane per il Superman di James Gunn, ha spiegato come il reboot DCU sia diverso dalle versioni precedenti della storia dell’Uomo d’Acciaio. Negli anni abbiamo visto molte diverse interpretazioni di Superman, sul grande e piccolo schermo, e la maggior parte delle interpretazioni del leggendario eroe della DC Comics raccontano almeno alcuni aspetti della storia delle origini dell’Ultimo figlio di Krypton.

Il regista James Gunn ha già confermato che il suo imminente reboot DCU salterà la prima parte della vita di Kal-El sulla Terra e inizierà quando avrà già abbracciato il suo destino di Superman, e Rachel Brosnahan ha ora rivelato che questo è ciò che non vede l’ora che il pubblico sperimenti quando vedrà il film.

“Adoro anche il fatto che questa non sia una storia di origine”, dice a Collider. “Abbiamo visto la storia delle origini realizzata così bene un certo numero di volte, ma entriamo in un mondo che esiste già: Lois e Clark lavorano al Daily Planet, i mostri esistono a Metropolis, Lex Luthor ha la LuthorCorp. Arriviamo a questo punto della loro relazione che non avevo mai visto prima”.

Come precedentemente riportato, Superman inizia con Lois e Clark Kent che hanno già in una relazione. “Stanno insieme da circa tre mesi. E si stanno ponendo alcune domande sul futuro della loro relazione. Non sono sicuri se questa sia solo una grande avventura o qualcosa che potrebbe durare per sempre, e hanno visioni del mondo davvero opposte, e si scontrano in questo modo. Quindi, è stato un modo davvero divertente per entrare in una storia familiare”.

I lettori di fumetti e gli appassionati di serie come Superman e Lois della CW saranno abituati a questa dinamica, ma non è qualcosa che è stato esplorato così spesso in un formato cinematografico e, si spera, costituirà un’interessante introduzione a questi personaggi iconici del DCU.

Superman, tutto quello che sappiamo sul film di James Gunn

Superman, scritto e diretto da James Gunn, non sarà un’altra storia sulle origini, ma il Clark Kent che incontriamo per la prima volta qui sarà un “giovane reporter” a Metropolis. Si prevede che abbia già incontrato Lois Lane e, potenzialmente, i suoi compagni eroi (Gunn ha detto che esistono già in questo mondo e che l’Uomo di domani non è il primo metaumano del DCU). Il casting ha portato alla scelta degli attori David Corenswet e Rachel Brosnahan come Clark Kent/Superman e Lois Lane. Nel casta anche Isabela Merced, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nicholas HoultNathan Fillion.

Il film è stato anche descritto come una “storia delle origini sul posto di lavoro“, suggerendo che una buona parte del film si concentrerà sull’identità civile di Superman, Clark Kent, che è un giornalista del Daily Planet. Secondo quanto riferito, Gunn ha consegnato la prima bozza della sua sceneggiatura prima dello sciopero degli sceneggiatori, ma ciò non significa che la produzione non subirà alcun impatto in futuro.

Con la sua solita cifra stilistica, James Gunn trasporta il supereroe originale nel nuovo immaginario mondo della DC, con una singolare miscela di racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e dall’innato convincimento nel bene del genere umano.

“Superman è il vero fondamento della nostra visione creativa per l’Universo DC. Non solo è una parte iconica della tradizione DC, ma è anche uno dei personaggi preferiti dai lettori di fumetti, dagli spettatori dei film precedenti e dai fan di tutto il mondo”, ha detto Gunn durante l’annuncio della lista DCU. “Non vedo l’ora di presentare la nostra versione di Superman, che il pubblico potrà seguire e conoscere attraverso film, film d’animazione e giochi”. Il film uscirà nelle sale il 10 luglio 2025.

Lone Survivor: la spiegazione del finale del film

Lone Survivor: la spiegazione del finale del film

Il finale di Lone Survivor racconta il salvataggio di Marcus Luttrell dopo un’imboscata dei talebani dietro le linee nemiche in Afghanistan, ma quanto è accurato il film e cosa è successo a Luttrell dopo il servizio militare? Diretto da Peter Berg, Lone Survivor è basato sull’omonimo libro di Luttrell e vede la partecipazione di Mark Wahlberg, Taylor Kitsch, Emile Hirsch, Ben Foster, Eric Bana e altri ancora. Nel film si raccontano le vicende dell’Operazione Red Wings, una missione del 2005 in Afghanistan per eliminare il leader talebano Ahmad Shah.

Guidata dal tenente Michael P. Murphy (Kitsch), la squadra SEAL era composta anche dal sottufficiale di seconda classe Danny Dietz (Hirsch), dal paramedico di seconda classe Marcus Luttrell (Wahlberg) e dal sottufficiale di seconda classe Matthew G. Axelson (Foster). La squadra viene rapidamente scoperta e attaccata dai Talebani. Murphy, Dietz e Axelson muoiono, ma Luttrell riporta gravi ferite prima di essere salvato.

La vera storia di Lone Survivor e l’accuratezza del film

Sebbene il film sia per lo più coerente con il libro, si discosta in alcuni punti e anche il libro stesso è stato messo sotto esame per alcune affermazioni, quindi l’accuratezza del film di Lone Survivor è una questione complicata. Una delle maggiori divergenze rispetto al libro e alla storia reale è il numero di forze talebane che tendono un’imboscata a Marcus Luttrell e alla squadra SEAL. Il film descrive circa 50 soldati talebani che li attaccano nei boschi, mentre nel libro si parla di 80-200 talebani, ma questo numero è stato messo in dubbio.

Lo stesso Marcus Luttrell avrebbe detto che in realtà c’erano solo 20-35 talebani. Indipendentemente dalle dimensioni reali delle forze nemiche, non ci sono prove di vittime talebane. La scena del film in cui la squadra SEAL cattura i caprai è stata criticata per il fatto che i Seal hanno votato se ucciderli o meno. Nel libro di Lone Survivor, c’è una votazione, ma nel film le cose vanno diversamente: c’è un acceso dibattito, ma alla fine Mike dice esplicitamente “questa non è una votazione” e prende una decisione esecutiva in qualità di ufficiale superiore.

Mark Wahlberg, Emile Hirsch e Taylor Kitsch in Lone Survivor
Mark Wahlberg, Emile Hirsch e Taylor Kitsch in Lone Survivor. Foto di Gregory E. Peters – © Universal Pictures

La natura stessa del dibattito è scomoda, indipendentemente dal fatto che si sia verificata o meno una votazione, ma il film vuole rappresentare alcune delle scelte difficili che gli uomini hanno dovuto prendere in decisioni difficili. Con un aumento del numero di nemici (sia nel libro che nel film) e una mancanza di chiarezza sul fatto che ci siano stati effettivamente dei morti tra i combattenti nemici, l’azione del film è probabilmente molto più intensa e drammatizzata di quanto sia accaduto nella vita reale.

In un’intervista a Newsweek, Gulab afferma che Luttrell aveva ancora tutte le munizioni con sé quando l’ha scoperto, il che indicherebbe che ha sparato molto meno di quanto si vede nel film, anche se il film sembra spiegarlo mostrando Mike Murphy che dà a Luttrell tutte le sue munizioni di riserva prima che si sacrifichi per fare un’ultima chiamata dal telefono satellitare. Anche la presentazione di Gulab e del suo villaggio è drammatizzata rispetto alla realtà in alcuni modi.

Luttrell è rimasto nel villaggio per quattro giorni e Gulab e gli abitanti del villaggio hanno dovuto spostarlo da un luogo all’altro per evitare le occasionali ricerche dei Talebani. Quando finalmente arrivarono gli elicotteri di salvataggio di Luttrell, non ci fu una battaglia drammatica o un’evacuazione affrettata. Nel libro di Lone Survivor, la squadra di soccorso statunitense rimase a parlare con alcuni abitanti del villaggio per un po’ prima di evacuare Luttrell, che era gravemente ferito, ma non in condizioni critiche.

Lone Survivor ha esagerato le ferite riportate dalla squadra SEAL?

Nonostante una serie di imprecisioni nella portata e nell’entità del conflitto, il regista Peter Berg ha prestato particolare attenzione alle ferite ricevute dalla squadra SEAL, assicurandosi che corrispondessero a quelle indicate nei referti autoptici. Nonostante l’accuratezza della collocazione delle ferite, le morti effettive di Mike, Danny e Axe sono state tutte modificate rispetto al racconto di Luttrell nel libro. Per Luttrell, mentre l’entità delle ferite riportate nel film era grave, nella vita reale era in realtà peggiore.

Una delle ferite più estreme descritte nel film sono i salti multipli da un dirupo per sfuggire ai talebani. Dopo essere caduti dalle ripide scogliere di 20-30 piedi e aver apparentemente colpito ogni roccia, ramo e radice durante la discesa, i quattro SEAL si rialzano e continuano a muoversi, per poi farlo di nuovo. I salti dalla scogliera sembrano ancora meno credibili delle ferite multiple da proiettile subite da ciascuno dei SEAL, anche se i salti dalla scogliera non sono un abbellimento fatto dal film e Marcus Luttrell dice che sono effettivamente saltati dalla scogliera per evitare il fuoco dei Talebani.

Mark Wahlberg, Ben Foster, Emile Hirsch e Taylor Kitsch in Lone Survivor
Foto di Gregory E. Peters – © Universal Pictures

 

Cosa accade nel finale del film

La mancanza di ricezione radio diventa presto un problema per i SEAL, che non riescono a chiedere supporto dopo aver capito di dover evacuare l’area, ma anche quando riescono a mettersi in contatto con la base aerea di Bagram, il tenente comandante Erik Kristensen (Bana) non può inviare immediatamente i rinforzi, dal momento che non possono volare gli elicotteri Black Hawk senza inviare gli elicotteri Apache per il supporto, e gli Apache sono stati richiamati per un’altra missione a causa delle risorse limitate.

Invece di inviare gli elicotteri Black Hawk, i rinforzi arrivano con elicotteri Chinhook, molto più grandi, ma la mancanza di supporto Apache e gli elicotteri più grandi li mettono in grave svantaggio tattico. Uno dei talebani colpisce il Chinhook con un RPG, distruggendo l’elicottero e uccidendo l’intera squadra a bordo. Dopo l’Operazione Red Wings, Marcus fu trasferito a Ramadi, in Iraq, dove riportò ancora una volta gravi ferite e si ritirò dall’esercito. Grazie al successo del libro e del film Lone Survivor, Luttrell è diventato un imprenditore, ha fondato un’organizzazione no-profit e ha girato il Paese tenendo conferenze.

Che fine ha fatto Mohammad Gulab?

La fine di Lone Survivor rivela poi che Mohammad Gulab e i suoi compagni del villaggio Pashtun salvarono Marcus Luttrell per rispettare un codice d’onore noto come “Pashtunwali”. Gulab ha dichiarato al Daily Beast: “Salvandolo e tenendolo al sicuro per cinque notti nella nostra casa, stavamo solo adempiendo al nostro obbligo culturale”. Il Pashtunwali non fa distinzione tra amici e nemici e gli abitanti del villaggio ritengono di aver dovuto aiutare Marcus a qualunque costo. Gulab ha anche dovuto spostarsi più volte e alcuni dei suoi familiari sono stati addirittura uccisi.

Ironia della sorte, nonostante la volontà di Gulab di mettere a repentaglio la propria vita per salvare Marcus Luttrell, il suo tentativo di fuggire dall’Afghanistan per mettersi al sicuro in America è stato segnato da lungaggini burocratiche e, secondo Newsweek, ha avuto un diverbio con Luttrell per questioni di denaro legate al libro e al film, in particolare dopo aver contestato la versione dei fatti di Luttrell. Gulab ha dichiarato: “Non mi pentirò mai di aver salvato Marcus… Ma mi pento di quello che ho fatto per aiutare il film. E prego che un giorno Marcus dica la verità all’America“.

Old: le differenze tra il fumetto e il film di M. Night Shyamalan

Old (qui la recensione), il film di M. Night Shyamalan, è tratto dalla graphic novel Sandcastle, di Oscar Lévy e Frederik Peeters. Ma mentre le due opere condividono la stessa premessa di base e alcuni punti della trama, il film di Shyamalan si spinge molto più in là nella spiegazione del mistero centrale e sceglie anche di dare ai suoi personaggi un finale più felice. Interpretato da Gael García Bernal, Vicky Kriepps e Alex Wolff, il film è ambientato su una spiaggia idilliaca che ha un effetto insidioso e infine letale su chiunque vi trascorra del tempo. Per ogni mezz’ora che passa, le persone sulla spiaggia invecchiano fisicamente di un anno, riducendo la loro durata di vita a un solo giorno.

Con il tempo che scorre, le persone intrappolate sulla spiaggia devono trovare un modo per fuggire prima di morire di vecchiaia. In un’intervista a Entertainment Weekly, Shyamalan ha spiegato che la graphic novel gli è stata regalata dalle figlie. “L’ho tenuta nella mia borsa e ho continuato a pensarci”, ha detto il regista. “La graphic novel è quasi perfetta come trappola per me, perché è incredibilmente visiva, fa pensare a Twilight Zone e ha un finale enigmatico”. Shyamalan è stato spinto ad adattare la graphic novel dal desiderio di “finire questa storia e portarla sullo schermo”. Ecco allora come l’adattamento di Old è simile e diverso dalla storia originale.

Come le storie di Old e Sandcastle sono diverse

Gli elementi della trama di un misterioso resort e di un nefasto gestore che inganna le persone per portarle in spiaggia non sono realmente presenti in Sandcastle, anche se la storia inizia più o meno nello stesso modo. Una giovane donna si spoglia sulla spiaggia e cammina nell’oceano, osservata dalla riva da un uomo (anche se nella graphic novel l’uomo è Amesan, un gioielliere cabilo dell’Algeria, non un rapper semi-famoso chiamato Mid-Sized Sedan). Sulla spiaggia arrivano diversi gruppi di persone, a cominciare da una madre e un padre con i loro giovani figli. Quando il corpo della giovane donna viene ritrovato in acqua, nel gruppo si diffonde l’allarme, che si aggrava ulteriormente quando ci si rende conto della rapidità con cui si invecchia.

Old Gael Garcia Bernal
Gael García Bernal e Thomasin McKenzie in Old. Photo Credit: Phobymo/Universal – © 2021 Universal Studios. All Rights Reserved.

Prima muore una donna anziana, poi un cane e i bambini diventano adolescenti. Due di loro fanno sesso e la ragazza ha una gravidanza estremamente accelerata. È qui che la storia di Old si discosta da quella di Sandcastle in modo sostanziale. Nel film di Shyamalan, il bambino muore di fame dopo meno di un minuto, poiché è stato stabilito che i bambini sulla spiaggia hanno bisogno di grandi quantità di cibo per sostenere il loro rapido accumulo di massa. Per il bambino, un minuto senza cibo era l’equivalente fisico di settimane, ed era troppo delicato per sopravvivere ai rapidi effetti di invecchiamento della spiaggia. In Sandcastle, invece, il bambino sopravvive ed è l’ultima persona del gruppo a rimanere in vita alla fine della storia.

La storia di Old sul fatto che la località di villeggiatura sia una copertura per un’azienda farmaceutica che usa la spiaggia per fare esperimenti su persone con particolari malattie è stata costruita a partire da alcuni momenti minori di Sandcastle. Nella graphic novel, uno degli sfortunati frequentatori della spiaggia è uno scrittore di fantascienza che propone alcune teorie diverse su ciò che potrebbe accadere loro. Suggerisce che forse la spiaggia è il risultato di un’azienda di cosmetici che cerca di creare una “fonte di giovinezza” anti-invecchiamento, o che potrebbe essere una sorta di esperimento sociale. A un certo punto il gruppo vede José, il figlio dell’albergatore, correre verso la spiaggia per poi essere freddato da tiratori invisibili prima che possa raggiungerli.

Come finisce Sandcastle

A differenza di Old, dove le persone sulla spiaggia sono in preda al panico e cercano disperatamente di fuggire, in Sandcastle il gruppo accetta il proprio destino in modo più passivo. Dopo che diventa chiaro che la spiaggia è circondata da una forza che non li lascerà andare via, rinunciano più o meno a fuggire e si concentrano alternativamente sul lamento del loro destino e sul tentativo di sfruttare al meglio le loro vite improvvisamente ridotte dando una festa. Quando si avvicinano alla fine della loro vita, Marianna (il personaggio analogo a Prisca in Old) si rivolge al marito Charles (il personaggio su cui si basa Guy) chiedendogli un po’ di “tenerezza” prima di morire.

Ma a differenza dell’adattamento cinematografico, la coppia non si riconcilia. Charles ignora Marianne a favore della costruzione di un castello di sabbia, che continuerà a costruire fino a quando non vi cadrà a faccia in giù e morirà. Alla fine, tutte le persone che erano arrivate sulla spiaggia muoiono di vecchiaia. L’unica persona rimasta in vita è la bambina nata sulla spiaggia, ora donna adulta, che si sveglia e scopre con orrore che sua madre e tutte le altre persone che conosce sono morte. Non avendo nient’altro da fare e nessuna speranza di fuga o di consapevolezza del mondo esterno o di quanto la sua vita sia stata gravemente accorciata, la donna inizia a costruire un castello di sabbia.

Old spiegazione finale
Gael García Bernal, Vicky Krieps, Thomasin McKenzie e Luca Faustino Rodriguez in Old. Photo Credit: Phobymo/Universal – © 2021 Universal Studios. All Rights Reserved.

Come finisce Old

Old ha un finale decisamente più lieto rispetto a Sandcastle, anche se il film ha ancora un alto numero di morti e presenta morti più violente, come la caduta di Kara dalla scogliera e la carenza di calcio di Chrystal che causa l’orribile maciullamento del suo corpo mentre le sue ossa si rompono e si rimarginano istantaneamente con angolazioni strane. Alla fine Maddox e Trent, ormai fisicamente cinquantenni, sono le ultime due persone rimaste in vita sulla spiaggia. Come i personaggi di Sandcastle, si avvicinano alla loro morte con uno strano senso di tranquillità. Tuttavia, a Trent viene in mente che il figlio del gestore del resort, Idlib, gli ha dato un messaggio in codice che non ha ancora capito.

Traduce il messaggio criptico, che dà loro l’indizio che la vicina barriera corallina è il loro unico mezzo di fuga. Prima dell’ultimo tentativo di lasciare la spiaggia, Trent e Maddox sacrificano un altro anno o due della loro vita, prendendosi il tempo di costruire insieme un castello di sabbia. Quando sembra che Trent e Maddox siano annegati nel corallo, Old rivela che erano solo le ultime cavie di un’azienda farmaceutica che sta usando le proprietà di rapido invecchiamento della spiaggia per testare l’efficacia di nuovi farmaci nel tempo.

Mentre il direttore del resort si prepara ad accogliere il prossimo gruppo di soggetti da testare, Trent e Maddox tornano al resort con le prove di tutte le persone scomparse sulla spiaggia, che consegnano a un agente di polizia che soggiorna lì. I dipendenti dell’azienda farmaceutica vengono tutti arrestati e il film si conclude con Trent e Maddox che si allontanano dalla spiaggia in elicottero. È certamente un finale più pulito, ma probabilmente manca della pregnanza dell’immagine finale di Sandcastle.

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Le maggiori differenze tra Sandcastle e Old

Forse la più grande differenza tra Old e Sandcastle è il genere. Shyamalan utilizza il concetto della graphic novel di Lévy e Peeters per creare un film dell’orrore, con un senso di pericolo più immediato e momenti spaventosi come l’inseguimento di Trent e Maddox da parte di Chrystal attraverso le grotte, mentre il suo corpo diventa sempre più contorto. I poteri della spiaggia non sono spiegati in Sandcastle, ma il film approfondisce molto il motivo per cui la spiaggia invecchia le persone (è dovuto alle proprietà insolite delle rocce che la circondano), perché le persone perdono i sensi quando cercano di andarsene e perché le vittime della spiaggia sono state attirate lì.

Il tutto è dunque molto più simile alla fantascienza che non al realismo magico della graphic novel. Mentre il film mostra un forte interesse nel capire esattamente perché la spiaggia fa quello che fa, Sandcastle utilizza invece il rapido invecchiamento come un modo per esplorare il modo in cui le persone vivono la loro vita e i rimpianti che hanno quando invecchiano. Verso la fine della graphic novel, quando il gruppo ha accettato il proprio destino, Amesan racconta loro una storia sulla morte di un re. Nella storia, il re riceve la visita di un mezzo uomo che dichiara di essere un messaggero della morte e di essere venuto a prendere l’anima del re.

Old Thomasin McKenzie Alex Wolff
Alex Wolff e Thomasin McKenzie in Old. Photo Credit: Phobymo/Universal – © 2021 Universal Studios. All Rights Reserved.

Non essendo pronto a morire, il re implora altri sette anni di vita. Il mezz’uomo gli concede il perdono, con la clausola che tornerà a un certo punto nei prossimi sette anni, ma il re non saprà quando apparirà esattamente. Deciso a tenere lontana la morte, il re ordina di costruire una grande fortezza intorno a lui e dice al suo staff di allontanare dai cancelli chiunque lo visiti. Nei sette anni successivi, il re siede nella sua fortezza da solo, mentre i suoi portatori allontanano la moglie, la figlia e il figlio quando cercano di fargli visita. Nel settimo anno il mezz’uomo ritorna, non influenzato dalle mura del forte, e dice al re che morirà nella tomba che ha costruito per sé.

Troppo tardi, il re si rende conto di aver sprecato il prezioso tempo extra che gli era stato concesso, trascorrendo sette anni a preoccuparsi di quando e come sarebbe morto, invece di trascorrere il tempo che gli rimaneva con la sua famiglia. In Sandcastle, la spiaggia è come il mezzo uomo della storia: costringe i personaggi a rendersi conto che presto moriranno e che il vero significato della storia sta nel modo in cui trascorrono il tempo che gli rimane. Old è stato criticato nelle recensioni per aver perso di vista questo significato più profondo a scapito di un’eccessiva spiegazione dei meccanismi della spiaggia.

Tuttavia, l’adattamento di Shyamalan introduce i momenti filosofici più lenti del fumetto in modi più sottili, come quando Guy e Prisca (ormai giunti alla fine della loro vita) si rendono conto di non riuscire più a ricordare il motivo per cui erano così ansiosi di lasciare la spiaggia, e si concedono invece semplicemente di apprezzare il fatto di essere insieme come una famiglia. La decisione di Trent e Maddox di costruire un castello di sabbia prima di nuotare verso il corallo dimostra che hanno imparato la stessa lezione: anche se un’ora sulla spiaggia costa loro due anni di vita, almeno avranno trascorso quei due anni con qualcuno che amano.

Spider-Man: dov’è oggi il cast del film del 2002

Spider-Man: dov’è oggi il cast del film del 2002

Il film Spider-Man di Sam Raimi ha inaugurato una nuova era del cinema dei supereroi e molti membri del cast di questo primo lungometraggio hanno poi intrapreso carriere di rilievo. Con una linea temporale del MCU che ha continuato a combinare tutti i vari universi in film come Spider-Man: No Way Home, c’è motivo di credere che altri attori e personaggi di questa iterazione dell’universo del fionda-ragnatela possano ancora giocare un ruolo nel futuro della Marvel. Per questo è importante rivedere il cast di Spider-Man, con un occhio di riguardo alla loro attuale situazione.

Lo Spider-Verse si è ampliato nei decenni successivi, con film d’animazione e d’azione che si sono incrociati l’uno con l’altro. Il pubblico ha continuato a chiedersi a che punto siano i futuri sequel dell’Uomo Ragno di Tobey Maguire, e anche se più passa il tempo, meno sembra probabile che un evento del genere possa effettivamente verificarsi, sperare non costa nulla. Con l’universo di Spider-Man incentrato sui cattivi della Sony che sembra essersi concluso, il futuro potrebbe essere tutto da scrivere. In questo articolo andiamo allora alla scoperta del cast del film e di dove è oggi.

Tobey Maguire ha interpretato Peter Parker alias Spider-Man

Tobey Maguire è stato una scelta controversa quando è stato scritturato per il ruolo di Peter Parker, ma il fascino pacato dell’attore ha contribuito in modo determinante a far conoscere l’attore e il personaggio al pubblico di tutto il mondo. L’attore ha poi interpretato il ruolo più volte nella trilogia, prima di riprenderlo con grande successo in Spider-Man: No Way Home. Maguire ha avuto un’eccellente carriera cinematografica, ma forse è conosciuto soprattutto per questo ruolo.

Negli anni successivi, Maguire ha continuato a recitare e si è anche cimentato nel mondo del poker professionale. Ha recitato con successo in film come Brothers e Il grande Gatsby e ha prodotto e recitato nel recente film Babylon di Damien Chazelle. Il futuro di Maguire a Hollywood sembra però essere piuttosto incentrato su Spider-Man: si dice infatti che l’attore apparirà in Spider-Man 4 con Tom Holland e nei prossimi film degli Avengers.

Tobey Maguire fisico

Kirsten Dunst ha interpretato Mary Jane Watson

Kirsten Dunst è salita alla ribalta come attrice bambina, poi è cresciuta in film come Bring It On e Il giardino delle vergini suicide prima di diventare una star mondiale in Spider-Man. La sua interpretazione di Mary Jane Watson è stata memorabile e ha mantenuto il ruolo per tutta la trilogia. La chimica della Dunst con Maguire è stata una parte importante della sua inclusione nel franchise, e il ruolo del suo personaggio è stato centrale per l’arco di Peter.

Da allora, la Dunst ha continuato a condurre un’eccellente carriera a Hollywood, apparendo in film come Melancholia e L’inganno. Più recentemente, ha ricevuto una nomination all’Oscar come miglior attrice non protagonista per la sua interpretazione in Il potere del cane. Ha poi recitato in Civil War di Alex Garland nel 2024, e apparirà accanto a Channing Tatum in Roofman, un dramma criminale diretto da Derek Cianfrance.

Willem Dafoe ha interpretato Norman Osborn, il Goblin Verde

Uno dei migliori cattivi di Spider-Man, Willem Dafoe è stato una delle parti più memorabili di un film incredibile, interpretando Norman Osborn come una sorta di mentore e nemico di Peter. Dafoe è stato lodato per la sua passione e il suo dinamismo nel ruolo, che è tornato a interpretare ancora una volta in Spider-Man: No Way Home. Il ritorno si è rivelato appropriato per l’attore, che nei decenni successivi ha esplorato una pletora di ruoli interessanti e artistici.

Dafoe ha lavorato con diversi registi d’autore nel corso degli anni, apparendo in film di Robert Eggers come The Lighthouse e Nosferatu. Ha anche lavorato per la DC, interpretando un ruolo in Aquaman. Dafoe era già un attore affermato quando è entrato a far parte del cast di Spider-Man, e da allora ha continuato a dare prova di sé. Il futuro di Dafoe sembra brillante come il passato, a prescindere dal fatto che torni o meno a vestire i panni di Norman Osborn.

James Franco ha interpretato Harry Osborn

James Franco è stato quasi scritturato per il ruolo di Spider-Man, ma l’attore si è poi sviluppato nella trilogia come Harry Osborn. Franco ha poi avuto un’eccellente carriera a Hollywood come scrittore, regista e attore. È apparso in tutti i tipi di ruoli, sia comici in film come The Interview e Pineapple Express che drammatici, ottenendo una nomination all’Oscar per il suo ruolo di protagonista in 127 ore.

Recentemente Franco ha affrontato polemiche pubbliche dopo le accuse di sfruttamento nel 2018. Da allora l’attore ha continuato a lavorare, anche se la sua presenza nel settore è molto più ridotta rispetto al passato. Di recente lo si è visto nel film Hey Joe, mentre il suo prossimo lavoro da regista è il film The Last Home, in cui Franco recita anche con Josh Hutcherson e Zoe Levin.

Rosemary Harris ha interpretato zia May Parker

Rosemary Harris era perfetta per la zia May, importante come attrice e accurata dal punto di vista dei fumetti. Ha interpretato un tipo di zia anziana dolce e premurosa, che è stato poi sovvertito in film più recenti con attori più giovani e moderni. La Harris aveva già settant’anni quando ha accettato il ruolo e oggi ne ha 97, ma continua a lavorare con una certa frequenza.

Più che al cinema, Harris è apparsa in varie serie acclamate, tra cui The Undoing e Search Party. Ha anche lavorato a Broadway nel 2019, dove ha interpretato Mrs. Higgins in un adattamento di My Fair Lady. Harris continua chiaramente a essere un’attrice importante e celebrata e sembra che probabilmente continuerà a lavorare fino a quando non potrà più farlo.

Cliff Robertson interpreta Ben Parker

Cliff Robertson ha interpretato uno dei personaggi più importanti del mito di Spider-Man, lo zio Ben, venendo ricordato in questo film per la sua iconica battuta: “Da un grande potere derivano grandi responsabilità”. L’attore ha lavorato per molti decenni, iniziando con il suo primo ruolo accreditato nel 1955. È apparso in tutta la trilogia di Spider-Man di Raimi e nei film più recenti dello Spider-Verse sono stati utilizzati filmati d’archivio dell’attore.

Purtroppo Robertson è deceduto per cause naturali nel 2011 all’età di 88 anni. Il suo ultimo ruolo filmato è stato un cameo in Spider-Man 3 di Raimi. Il lavoro dell’attore nella sfera dei supereroi, dove è apparso per la prima volta nella serie di Batman del 1966, e al di fuori di essa, ha contribuito a definirlo come una parte importante del canone cinematografico.

J.K. Simmons ha interpretato J. Jonah Jameson

J. K. Simmons è diventato uno dei più memorabili caratteristi del nostro tempo e gran parte di questo successo è dovuto alla sua iconica interpretazione di J. Jonah Jameson. L’attore era così perfetto per il ruolo che Simmons è stato riportato come Jameson nel MCU nei film recenti. Tuttavia, l’attore è noto per molto altro e ha persino attraversato gli universi dei supereroi, prestando la sua voce a Invincible e apparendo come James Gordon in Justice League.

Simmons ha vinto un Oscar per il suo lavoro in Whiplash e continua a lavorare in ambito drammatico, oltre che in film più commerciali. Recentemente, ha interpretato Babbo Natale in Uno Rosso e ha prestato la sua voce a videogiochi come Baldur’s Gate 3 e Mortal Kombat 1. Nel 2025 riprenderà il ruolo di Ray King in The Accountant 2, accanto a Ben Affleck e Jon Bernthal.

J.K. Simmons come J. Jonah Jameson

Joe Manganiello ha interpretato Flash Thompson

Joe Manganiello è apparso brevemente nel ruolo del bullo di Peter, Flash Thompson, ma l’attore ha poi avuto una lunga carriera di successo. Sebbene il suo ingresso nel DCEU nel ruolo di Deathstroke non sia stato visto appieno, con il cattivo previsto per l’iterazione abbandonata del Batman di Ben Affleck che ha fatto solo un breve cameo in Justice League, Mangianello ha continuato a lavorare. Il suo esordio è stato nella serie HBO True Blood.

Da allora, è apparso in progetti di ogni tipo. L’attore ha avuto un ruolo memorabile nella trilogia di Magic Mike, oltre a ruoli in film come Rampage, What to Expect When You’re Expecting e The Kill Room. Oltre a recitare, Manganiello ha lavorato nella scrittura e nella regia e attualmente sta sviluppando un documentario sul popolare gioco di ruolo da tavolo Dungeons & Dragons.

Elizabeth Banks ha interpretato Betty Brandt

Elizabeth Banks è diventata famosa da quando ha interpretato Betty Brandt, uno dei primi interessi amorosi di Peter nei fumetti, nei film di Raimi sull’Uomo Ragno. Da allora, la Banks è apparsa in film di ogni tipo, interpretando ruoli da cattiva in Power Rangers del 2017, ma anche commedie in The Lego Movie e nel suo sequel. Ha lavorato nell’horror in Brightburn e ha avuto ruoli ricorrenti in serie televisive come Modern Family e la serie Netflix Wet Hot American Summer.

Più recentemente, tuttavia, la Banks ha lavorato nella regia. Ha ottenuto un discreto successo con il reboot di Charlie’s Angels e Pitch Perfect 2 prima di dirigere Cocainorso, uno dei film più chiacchierati del 2023. La Banks ha in programma una serie di progetti per il futuro, e prossimamente produrrà e reciterà nel thriller psicologico Dreamquil insieme a John C. Reilly.

Bruce Campbell ha interpretato l’annunciatore del ring

In un’apparizione notevole, anche se breve, la leggenda dei film di serie B Bruce Campbell – celebre per il ruolo di Ash nella trilogia di La casa – dà in questo film il nome da supereroe al protagonista. Campbell è poi apparso in diversi altri ruoli nel corso della trilogia. L’attore vanta infatti un lungo rapporto collaborativo con il regista Sam Raimi e avrebbe dovuto interpretare Mysterio in Spider-Man 4. Ciò non è avvenuto, ma Campbell ha continuato a lavorare, riprendendo il ruolo del protagonista in Ash vs Evil Dead, che è durata tre stagioni.

Più di recente l’attore è tornato ai camei Marvel, con un’apparizione in Doctor Strange nel Multiverso della Follia di Raimi nel ruolo di Pizza Poppa. Nel 2024 ha recitato nella serie televisiva Hysteria e ha continuato a prestare la sua voce a vari media, compresi i videogiochi, dove il personaggio di Ash è apparso più volte. Campbell continua a essere acclamato per i suoi ruoli storici.

Octavia Spencer

Octavia Spencer è forse l’ex allieva più nota del cast di Spider-Man, avendo intrapreso un’incredibile e acclamata carriera cinematografica. La Spencer ha avuto solo un piccolo ruolo nel film, svolgendo il compito di registrare il nome dell’Uomo Ragno per il suo primo combattimento, ma da allora è diventata un nome noto in film come Il diritto di contareLa forma dell’acqua e The Help, grazie al quale ha vinto l’Oscar come Miglior attrice non protagonista. Ha anche pubblicato una serie di libri per bambini intitolata Randi Rhodes, Ninja Detective e presterà la sua voce a I puffi – Il film.

Death Stranding: l’adattamento di A24 ha trovato un regista/sceneggiatore

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Anche se è immerso nella post-produzione del suo prossimo film Death of Robin Hood per A24, Michael Sarnoski e lo studio stanno già tenendo d’occhio il loro prossimo progetto insieme. Sarnoski scriverà e dirigerà l’attesissimo adattamento live-action del videogioco di Hideo Kojima che sfida i generi, Death Stranding, con A24 e Kojima Productions come produttori. Anche Square Peg si unirà come produttore. Il film approfondirà i misteri che circondano “Death Stranding”, una serie catastrofica di eventi che hanno offuscato i confini tra il mondo dei vivi e quello dei morti, facendo emergere creature da incubo in un mondo frammentato sull’orlo del collasso.

Death Stranding ha catturato l’immaginazione di milioni di giocatori, raggiungendo oltre 19 milioni di giocatori in tutto il mondo. Lanciato originariamente l’8 novembre 2019 per PlayStation 4, il gioco vanta un cast stellare, tra cui Norman Reedus, Mads Mikkelsen, Léa Seydoux, Guillermo del Toro e Margaret Qualley. I giocatori assumono il ruolo di Sam Porter Bridges, un personaggio incaricato di riunire un’America divisa, ricostruire la speranza e ristabilire i legami tra gli ultimi resti dell’umanità.

La notizia segue a ruota una serie di annunci di Kojima Productions al SXSW, tra cui la data di lancio del nuovo gioco Death Stranding 2: On the Beach (26 giugno 2025), il debutto di un nuovissimo trailer, la conferma di un tour mondiale di concerti basato sul franchise e una collaborazione con l’orologiaio di lusso Hamilton; i dettagli completi del prodotto sono disponibili qui. Questo gioco vede il ritorno di Norman Reedus, Léa Seydoux, Nicolas Winding Refn e Troy Baker, a cui si uniranno Luca Marinelli, George Miller ed Elle Fanning.

Il progetto offre allo scrittore-regista un’altra proprietà intellettuale di alto profilo da aggiungere al suo curriculum dopo il suo film di successo acclamato dalla critica Pig. Il film ha visto Nicolas Cage dare una delle sue interpretazioni più acclamate dalla critica della sua carriera e ha messo Sarnoski sulla mappa come una stella nascente tra i registi. Il progetto ha anche portato a Sarnoski lo spin-off di alto profilo di A Quiet Place, A Quiet Place: Giorno Uno. Il film è uscito la scorsa estate incassando più di 250 milioni di dollari in tutto il mondo.

Jenna Ortega rivela il vero motivo per cui ha deciso di non tornare per Scream 7

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Jenna Ortega ha rotto il silenzio sulla vera motivazione che l’ha spinta a dire di no a Scream 7 e a lasciare il franchise. Nel 2023, è emersa la notizia che la star di Scream Melissa Barrera non sarebbe tornata per l’imminente settimo capitolo della longeva saga slasher dopo essere stata licenziata dal suo ruolo di Sam Carpenter per aver condiviso sui social media quelli che erano considerati commenti “antisemiti”.

A questo evento ha fatto seguito la notizia che Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett, il duo noto come Radio Silence, non sarebbero tornati a dirigere il progetto dopo aver diretto i due capitoli precedenti. Lo studio ha ricevuto molte reazioni negative per la situazione di Barrera e si è ipotizzato che alcuni dei suoi compagni di cast di Scream avrebbero potuto mostrare il loro supporto. Poco dopo, abbiamo appreso che Jenna Ortega, che interpreta la sorella sullo schermo di Barrera, Tara, non avrebbe ripreso il suo ruolo, sebbene i media affermassero che la sua decisione non aveva nulla a che fare con la partenza di Barrera.

I rappresentanti di Ortega avrebbero informato Spyglass prima dello sciopero SAG-AFTRA che non sarebbe tornata. Molteplici fonti hanno affermato che l’attrice “o non aveva un accordo o, nel rinegoziare la sua opzione, ha chiesto ciò che la società cinematografica riteneva fosse troppo denaro”.

Ora, Jenna Ortega ha rotto il silenzio sulla questione e, nonostante le segnalazioni contrarie, sembra che abbia deciso di non tornare dopo aver appreso che Barrera e i registi originali Radio Silence non sarebbero tornati. “Non aveva nulla a che fare con lo stipendio o la programmazione”, dice Ortega a The Cut. “Stava tutto andando a rotoli. Se Scream VII non fosse stato con quel team di registi e quelle persone di cui mi ero innamorata, allora non mi sembrava la mossa giusta per la mia carriera in quel momento”.

“Mi è capitato di entrare a far parte di molti franchise, ed è fantastico far parte di un’eredità”, ha aggiunto. “Ma io sto cercando di dare la priorità a nuovi registi e storie originali. So che dall’esterno, forse le persone guardano alle mie scelte come, ‘Cavolo, che diavolo sta facendo questa ragazza?’ Non avrei mai pensato di fare un film con gli unicorni. Ma una sceneggiatura originale è emozionante. Se posso aiutare a realizzarla, mi piace farlo”.

Tutto quello che sappiamo su Scream 7

Dopo mesi di attesa, è stato confermato che Scream 7 è ufficialmente in fase di sviluppo. Nel 2022, il franchise slasher preferito dai fan è stato ripreso sotto la guida del duo di registi Tyler Gillett e Matt Bettinelli-Olpin, che fanno parte del collettivo di cineasti noto come Radio Silence. I due hanno diretto sia Scream del 2022 che Scream VI di quest’anno, che è diventato il capitolo di maggior incasso del franchise a livello nazionale. Christopher Landon, il regista di successi horror come i film Auguri per la tua morte, era stato chiamato ad occuparsi della regia, ma ha in seguito abbandonato il ruolo, ora passato a Kevin Williamson.

Neve Campbell e Courteney Cox sono pronte a riprendere i rispettivi ruoli di Sidney Prescott e Gale Weathers, insieme al ritorno di Mason Gooding nei panni di Chad Meeks-Martin. I nuovi membri del cast includono Isabel May, Celeste O’Connor, Asa Germann, Mckenna Grace e Sam Rechner. Come confermato, anche Jasmin Savoy Brown tornerà nei panni della sorella del personaggio di Gooding, Mindy. David Arquette tornerà nel ruolo dell’ex agente di polizia Dewey Riley, insieme a uno dei due Ghostface originali, Matthew Lillard, e Scott Foley.

Non è ancora stata resa nota la trama del nuovo slasher, ma sappiamo che Kevin Williamson, architetto del franchise di Scream che ha sceneggiato il film originale di Wes Craven, dirigerà da una sceneggiatura di Guy Busick. Dopo aver collaborato con lo sceneggiatore per il reboot di Scream del 2022 e per il già citato Scream VI, sono presenti anche James Vanderbilt, William Sherak e Paul Neinstein, che producono per Project X Entertainment. Prodotto da Spyglass Media Group, Scream 7 uscirà nelle sale di tutto il mondo tramite Paramount Pictures il 27 febbraio 2026.

The White Lotus Stagione 3: quali sono i termini dell’accordo tra Greg e Belinda?

ATTENZIONE: SPOILER ENORMI per il finale della terza stagione di The White Lotus.

La tensione tra Greg e Belinda nella terza stagione di The White Lotus culmina in un accordo che merita una riflessione approfondita. Sebbene la stagione presenti un cast di nuovi personaggi interpretati da attori di talento, Greg e Belinda, già noti per i loro ruoli nelle stagioni precedenti, tornano con una storia che si collega agli eventi della seconda stagione, in particolare alla morte di Tanya (di cui Greg è responsabile). La trama si sviluppa con Belinda che scopre il coinvolgimento di Greg nella morte di Tanya e viene perseguitata da lui affinché mantenga il silenzio.

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Fin dall’inizio della serie, era noto che Tanya avesse un patrimonio di 500 milioni di dollari, che Greg eredita dopo la sua morte, un decesso che sappiamo essere stato causato da lui. Nella terza stagione, Belinda viene a conoscenza della verità e Greg cerca di farla tacere. La prima proposta di Greg è di darle 100.000 dollari, ma dopo aver discusso con Zion, il figlio di Belinda, lei decide di negoziare una cifra maggiore. Zion, usando il suo fascino e le sue competenze in business, tenta di estorcere a Greg una somma più alta. Il suo piano include la fornitura dei dettagli bancari di Belinda, permettendo a Greg di trasferire i fondi direttamente. Alla fine, Greg accetta di pagare 5 milioni di dollari. Belinda, una volta ricevuto il denaro, accetta di mantenere il silenzio, permettendo a Greg di vivere senza preoccupazioni legali.

Come mai Greg sceglie di soddisfare le richieste di Belinda nel finale di The White Lotus Stagione 3?

La scelta di Greg di offrire una somma maggiore si può spiegare sotto vari aspetti. Da un lato, c’è la sua volontà di evitare qualsiasi problema legale riguardo alla morte di Tanya, ma dall’altro, emerge anche una sua trasformazione psicologica. Greg, che si è sempre mostrato un personaggio negativo e manipolatore, sembra più sereno, forse anche grazie alla sua giovane fidanzata Chloe, con cui sta finalmente esplorando un lato della sua sessualità che aveva trascurato per anni. Questo cambiamento nel suo stato d’animo lo porta a prendere decisioni più generose, compreso l’accordo con Belinda, che gli consente di evitare situazioni problematiche e di vivere senza l’ombra della legge che incombe su di lui.

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Per quanto riguarda Belinda, inizialmente è indecisa se accettare o meno il denaro, poiché è uno dei personaggi più moralisti della serie. Tuttavia, quando alla fine accetta i 5 milioni, la sua decisione suggerisce che, nonostante le sue convinzioni iniziali, la ricchezza ha avuto una forte influenza su di lei. Questo cambiamento rapido nelle sue priorità è significativo. Infatti, una volta ottenuto il denaro, Belinda abbandona i suoi sogni imprenditoriali, scegliendo di vivere una vita più comoda, segno di una trasformazione interiore. Questo comportamento riflette uno dei temi centrali di The White Lotus: come la ricchezza possa cambiare radicalmente le persone, facendo emergere desideri e scelte che prima sembravano impensabili.

La stagione si chiude quindi con la conferma che Belinda ha accettato il silenzio in cambio dei 5 milioni di dollari, e Greg, pur mantenendo il suo lato oscuro, sembra finalmente in pace con se stesso, libero dalle preoccupazioni legali.

Sydney Sweeney, in attesa di Eden, ecco dove vedremo l’attrice!

Sydney Sweeney, in attesa di Eden, ecco dove vedremo l’attrice!

Che sai decisamente bella, è lampante, che sia versatile e molto talentuosa è quello che ha dimostrato di progetto in progetto negli ultimi anni Sydney Sweeney, che, arrivata alla ribalta con Euphoria, si è conquistata un posto d’onore nel panorama hollywoodiano. La vedremo a breve in Eden di Ron Howard (qui la recensione) e in molti altri progetti in fase di produzione e sviluppo a cui l’attrice ha aderito. Eccoli di seguito!

Eden di Ron Howard

Ana de Armas, Sidney Sweeney e Daniel Bruhl in Eden
Ana de Armas, Sidney Sweeney e Daniel Bruhl in Eden © Cortesia 01 Distribution

Tra i vari registi di comprovata fama con cui sta lavorando, Ron Howard è una specie di gioiello della corona nel tesoro di Sydney Sweeney. Il regista premio oscar l’ha diretta infatti in Eden, in cui recita al fianco di Jude Law, Vanessa Kirby, Daniel Brühl e Ana de Armas. Distribuito da 01 Distribution, il film sarà nelle sale italiane dal 10 aprile.

Il film segue le vicende di Friedrich Ritter, medico tedesco, e della sua compagna Dora, che approdano sull’isola di Floreana nel 1929 con l’obiettivo di costruire una nuova vita lontano dalla società. Il loro esperimento attira ben presto l’attenzione internazionale e, nel tempo, altre persone decidono di unirsi a loro, tra cui la famiglia Wittmer e una misteriosa baronessa austriaca accompagnata da due amanti. Quella che doveva essere un’utopia si trasforma però in un microcosmo teso e instabile, dove le tensioni, le gelosie e le ambizioni personali portano a una serie di eventi oscuri e mai completamente chiariti. Eden mette in scena questa vicenda con uno stile visivo potente e una narrazione che fonde dramma psicologico e mistero.

Scandalous! di Colman Domingo

reality Sydney Sweeney

Sarà sicuramente sul set di Euphoria che Colman Domingo ha imparato ad apprezzare le doti di Sydney Sweeney. Scandalous! è un tuffo nella Hollywood classica per la quale Sweeney sembra fatta apposta. Nel film interpreterà Kim Novak, per una storia d’amore tra lei e Sammy Davis Jr. In questa occasione si occuperà anche della produzione del film con Tani Cohen e Bobby Rock.

Scandalous è un dramma in costume sulla storia d’amore clandestina tra la star del cinema degli anni ’50 e il cantante e ballerino. Il film esplorerà l’esame che la coppia ha dovuto affrontare dopo che la loro relazione è diventata pubblica.

The Housemaid di Paul Feig

Immaculate recensione Sydney Sweeney
Photo Courtesy of NEON

Il maestro della commedia Paul Feig ha voluto Sydney Sweeney nel suo prossimo film, in cui la giovane interprete recita al fianco di un’altrettanto bionda e talentuosa attrice, Amanda Seyfried.

Nel film, Sydney Sweeney interpreterà Millie, una giovane donna in difficoltà che si sente sollevata dall’idea di ricominciare da capo come domestica della ricca coppia Nina (Seyfried) e Andrew. Tuttavia, secondo la logline ufficiale, “Millie scopre presto che i segreti della famiglia sono molto più pericolosi dei suoi”.

Sono entusiasta che ‘The Housemaid’ si unisca alla nostra programmazione”, ha dichiarato Adam Fogelson, presidente del Lionsgate Motion Picture Group. “Un grande regista e un grande cast con una grande sceneggiatura tratta da un grande libro è un ottimo punto di partenza. Le mie precedenti esperienze di lavoro con Paul e Amanda sono state a dir poco spettacolari, e Sydney ha un talento e un’attitudine irresistibili”.

Il biopic su Christy Martin di David Michod

Sydney Sweeney attrice
Sydney Sweeney at the world premiere of Madame Web – Photo by imagepressagency via Depositphoto.com

Sotto la direzione del regista di Oz David Michôd, noto per film viscerali come Animal Kingdom e The King, il progetto attualmente senza titolo traccerà la vera storia dell’ascesa di Martin fino a diventare la pugile più famosa d’America negli anni ’90: la “Rocky femmina”, nelle parole dei produttori del film. Combattente dotata per natura, la sua vita si trasformò nel 1989 quando incontrò il suo manager, e poi marito, Jim Martin. Superando i confini, è diventata la prima donna a firmare con l’iconico promotore Don King e l’unica pugile donna ad apparire sulla copertina di Sports Illustrated. Il suo carisma, il suo bell’aspetto e la sua resilienza sul ring le hanno fatto guadagnare un’appassionata base di fan e l’hanno spinta a diventare campionessa dei pesi welter. Ma dietro il personaggio pubblico ben definito, ha affrontato demoni personali, relazioni tossiche e un brutale attentato alla sua vita.

Per Sydney Sweeney si tratta di un ritorno a un materiale maturo che ha già ampiamente dimostrato di saper gestire con Euphoria e White Lotus. L’attrice ha detto a Deadline: “Ho lottato e praticato kickboxing dai 12 ai 19 anni. Non vedevo l’ora di tornare sul ring, allenarmi e trasformare il mio corpo. La storia di Christy non è leggera, è fisicamente ed emotivamente impegnativa, c’è molto peso da portare. Ma adoro sfidare me stessa”.

Euphoria stagione 3 creata da Sam LevinsonSydney Sweeney

Per Levinson, Sydney Sweeney torna a vestire i panni di Cassie. Finalmente, dopo molti dubbi e ripensamenti, la terza stagione di Euphoria è in fase di ripresa. Dopo molti mesi di aggiornamenti contrastanti riguardo alla serie originale della HBO, il network via cavo ha finalmente annunciato su X (ex Twitter) che il dramma young adult era effettivamente in lavorazione. Il post include la semplice didascalia “La terza stagione di Euphoria è in produzione” e un’immagine di Zendaya nei panni di Rue che si guarda alle spalle con aria cupa.

Sebbene l’aggiornamento sia certamente entusiasmante, nessuno dei partecipanti alla terza stagione ha ancora rivelato una tempistica di produzione completa. Tuttavia, con un ritardo di tre anni tra le stagioni (finora), forse la HBO vorrà girare la terza stagione il più rapidamente possibile. Allo stato attuale, non è nota alcuna data di uscita per la terza stagione di Euphoria.

Un film Minecraft: 10 easter eggs dal videogioco originale

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Un film Minecraft: 10 easter eggs dal videogioco originale

Un film Minecraft è appena uscito nelle sale e, come prevedibile, il film contiene molti riferimenti ed Easter Egg relativi al videogioco originale. Sebbene le recensioni non siano state entusiastiche, il film sta percorrendo una buona strada al box office e ci sono molti momenti, personaggi e scene che i fan di Minecraft possono analizzare man mano che nuovi dettagli vengono resi pubblici.

Con il suo cast di prima categoria, Un film Minecraft cerca di conquistare anche chi non ha un legame così profondo con il gioco, ma per fortuna il film non lesina riferimenti alla storia originale, offrendo a chi ha una storia con il gioco molti divertenti Easter Egg da scovare.

Schermata di generazione del mondo

Ogni volta che viene creato un nuovo mondo appare un quadrato

Una schermata di caricamento di Minecraft con la scritta “generazione del mondo”. Un film Minecraft si apre con un monologo di Steve, interpretato da Jack Black, ma la prima immagine che il film mostra al pubblico è una barra di avanzamento che si accumula lentamente fino al 100% mentre i pixel nel riquadro centrale si riempiono. Chiunque abbia giocato al videogioco avrà familiarità con questa barra, che appare anche ogni volta che viene creato un nuovo mondo in Minecraft.

Questo è un riferimento molto divertente che rafforza l’idea che si tratti semplicemente di una storia che si sviluppa nell’universo di Minecraft, da cui il nome Un film Minecraft, anziché qualcosa di simile a Il film Minecraft. Il videogioco si basa sul fatto che ogni persona vive un’esperienza unica con cui può fare ciò che vuole, quindi questa è stata un’ottima scelta per l’inquadratura iniziale.

Spider Jockey

Una rara proliferazione dell’1%

Un aspetto divertente del film, che è stato evidenziato all’inizio del ciclo di marketing, era il fatto che uno dei personaggi, solitamente Steve di Jack Black, gridasse continuamente i nomi di oggetti e concept di Minecraft, dai chicken jockey alle perle di Ender fino a un tavolo da lavoro. Tuttavia, un gruppo di creature che non ha ricevuto alcun riconoscimento specifico sono state le spider jockey, gli scheletri che cavalcano ragni apparsi durante la prima notte degli umani.

Sebbene nel film siano state affrontate con relativa facilità, possono rivelarsi creature molto letali quando incontrate nel gioco, poiché gli attacchi a distanza dello scheletro combinati con i movimenti più rapidi del ragno possono rappresentare una combinazione pericolosa per i nuovi giocatori. Sono anche piuttosto rare, con una probabilità di spawnare solo dell’1% ogni volta che un ragno appare nel mondo.

Carrelli da miniera lenti

Una parte frustrante del gioco

Questo è qualcosa che tutti i giocatori di Minecraft probabilmente dovranno affrontare a un certo punto della loro vita: carrelli da miniera molto lenti che si rifiutano di muoversi alla velocità desiderata. Quando Steve, Garrett e Henry cercavano di sfuggire al Grande Cinghiale nella miniera di redstone, i loro binari si sono esauriti e Garrett è stato costretto a spingere il carrello a piedi, nel disperato tentativo di sfuggire a un’orda di creeper.

Questo è molto fedele al gioco, perché se si esauriscono le rotaie alimentate su un binario, si dovrà aspettare a lungo per percorrere qualsiasi distanza. Tuttavia, questo è un riferimento ancora più profondo, perché nelle precedenti edizioni del gioco non era possibile spostare i carrelli da miniera senza una rotaia alimentata, e bisognava spingerli per spostarli.

Pigstep

Una delle canzoni più amate del gioco

Sebbene la colonna sonora di Un film Minecraft contenga numerose canzoni su licenza, include anche diversi brani classici di Minecraft, il più importante dei quali è la classica sigla di C418, intitolata semplicemente “Minecraft”. Tuttavia, un’altra canzone del videogioco è presente in modo prominente durante la scena del talent show di Nether, intitolata “Pigstep”, composta da Lena Raine e pubblicata per Minecraft.

Quell’aggiornamento è stato quello che ha introdotto i Piglin e, da allora, “Pigstep” è diventata una delle canzoni più amate della colonna sonora di Minecraft. Non è nota quanto i classici di C418, che ormai sono sinonimo del videogioco, quindi probabilmente sarà un dettaglio un po’ meno noto ad essere incluso nel film.

Attuare una caduta con un secchio

Un classico trucco di Minecraft

Questo riferimento si verifica dopo che Steve, Garrett e Henry sono fuggiti dall’assalto dei Piglin al villaggio e sono atterrati di fortuna vicino alle miniere di pietra rossa mentre si dirigevano verso la Woodland Mansion. Mentre iniziavano a schiantarsi al suolo, Steve, interpretato da Jack Black, ha lasciato cadere un secchio d’acqua a terra, attutindo la caduta senza che nessuno dei due riportasse ferite gravi. La scena viene citata anche in seguito, quando Garrett spiega come è sopravvissuto all’esplosione sul ponte usando lo stesso trucco.

Questo è un classico trucco di Minecraft, che ha resistito alla prova del tempo fin dai primi giorni del gioco. Qualsiasi quantità d’acqua attutisce una caduta nel videogioco, quindi se un giocatore ha tempi di reazione sufficientemente rapidi, può sopravvivere a una caduta da qualsiasi distanza. Oggigiorno ci sono altri modi per sopravvivere a cadute simili in Minecraft, ma il trucco del secchio d’acqua è chiaramente rimasto importante per molti giocatori.

Abitante del Villaggio Idiota

Un sottotipo specifico di abitante del villaggio

Mentre la maggior parte degli abitanti del villaggio in Un film Minecraft svolgeva vari lavori nella piccola città in cui vive Steve, ce n’è uno che si è trovato a vagare per il portale per la Terra ed è fuggito nel mondo reale, innamorandosi infine del personaggio di Jennifer Coolidge. Indossava un abito verde e non sembrava avere alcun tipo di lavoro, il che è un chiaro riferimento al sottotipo di abitante del villaggio Idiota, che indossa un abito verde e non può ottenere una professione.

La sottotrama dell’abitante/vicepreside Marlene è stata uno degli aspetti più divertenti del film, e conoscendo la natura idiota dell’abitante del villaggio, ha ancora più senso. Sebbene Un film Minecraft sia molto buffo nel complesso, quel punto della trama in particolare si distingue per essere molto ridicolo, e sapere che l’abitante del villaggio (a cui viene data voce in modo esilarante nella scena post-credit di Un film Minecraft) era un idiota rende il tutto ancora più divertente.

Ciclo del giorno di 20 minuti

Un cenno al funzionamento interno del gioco

Questo è stato menzionato molto presto nel film, quando l’Overworld è diventato notte molto più velocemente di quanto i nuovi arrivati ​​umani si aspettassero, con Dawn che ha persino osservato che sembravano 20 minuti. Ironicamente, aveva colto nel segno, dato che 20 minuti è esattamente la durata di un giorno in Minecraft, con il tempo che scorre 72 volte più velocemente che nel mondo reale.

Sebbene il tempo che scorre molto più velocemente in Un film Minecraft sia una parte ovvia della trama, il riferimento specifico al ciclo giorno-notte di 20 minuti è un divertente cenno per chi ha più familiarità con il funzionamento interno del gioco. È qualcosa che non è necessario per capire cosa sta succedendo nel film, ma fa sentire meglio chi lo conosce per aver capito il riferimento, che è ciò che sono la maggior parte dei grandi Easter egg.

Pirotecnico con elitre potenziate

Mantiene lo spirito del gioco

Questa scena è accaduta poco prima che Steve si attutisca la caduta con il secchio d’acqua, mentre Henry cercava di liberarsi dal piglin che gli si era aggrappato alla gamba durante il volo. Tira fuori un fuoco d’artificio e lo usa per ottenere un’enorme accelerazione, facendo cadere il piglin dalla sua gamba prima di perdere il controllo e infine schiantarsi con le elitre contro Garrett e Steve.

Questo momento era stato prefigurato in precedenza, quando Steve disse che i fuochi d’artificio erano utili per aumentare la velocità, quindi all’interno del film aveva senso, dato che c’era un’introduzione e una conclusione. Anche i fuochi d’artificio funzionano in questo modo nel gioco, sebbene tendano ad essere molto meno volatili quando danno l’impulso di velocità. Un film di Minecraft non è fedele al 100% alle regole di Minecraft, ma riesce comunque a rimanere fedele allo spirito del gioco, rendendo queste differenze irrilevanti nel grande schema delle cose.

Non guardare un Enderman

Non attaccheranno mai per primi se lasciati soli

Per i giocatori di Minecraft, questo è uno dei consigli più importanti da dare a chi ha meno familiarità con il gioco, poiché non seguire questo avvertimento L’ing può causare molto dolore a chi non sa cosa sta facendo. Gli Enderman sono tra i nemici più difficili di Minecraft, ma ignoreranno completamente un giocatore a meno che non attacchi per primo o non osi guardarlo negli occhi.

Un film Minecraft ha dato a tutti i diversi nemici il loro momento di gloria e, per fortuna, all’Enderman è stata concessa una scena in cui gli è stato permesso di essere la terrificante creatura che è nel gioco. Sebbene la versione videoludica di questi nemici non mostri ai giocatori le loro peggiori paure che si avverano, farsene nemico al momento sbagliato può certamente trasformare quelle paure in realtà in pochi colpi rapidi.

Technoblade non muore mai

Uno YouTuber leggendario

C’è un momento in Un film Minecraft in cui appare un maiale con una corona in testa, al che Henry chiede: “È una specie di re?” e Steve risponde: “È una leggenda”. Questo è un riferimento allo YouTuber di Minecraft Technoblade, il cui logo era un maiale con una corona in testa. Technoblade è tragicamente scomparso qualche anno fa all’età di 23 anni, rendendo questo tributo uno dei momenti più strazianti del film.

Technoblade era amato dalla community di Minecraft e la sua scomparsa è stata un momento che sembra aver unito quasi tutti su Internet nel lutto per una persona che ha portato così tanta gioia a così tante persone in tutto il mondo. Minecraft ha persino aggiunto una schermata iniziale alla home page del gioco con la scritta “Technoblade non muore mai!” Fortunatamente, con questo Easter egg, Un film Minecraft continua questa tendenza, consolidando la sua eredità nel film, assicurando che il suo impatto sul gioco non venga dimenticato.

The White Lotus stagione 3: la spiegazione di tutte le morti del finale

ATTENZIONE: Include GRANDI SPOILER sul finale della terza stagione di The White Lotus

La terza stagione di The White Lotus si è conclusa con un finale mozzafiato, ricco di colpi di scena e morti di personaggi importanti. Creata da Mike White, The White Lotus si è guadagnata la reputazione di una delle serie dramedy più coinvolgenti della TV, con ogni stagione incentrata su misteriosi decessi. Le dinamiche tra i personaggi sono sempre avvincenti e il cast è straordinario, ma la vera domanda che accompagna ogni episodio è sempre la stessa: “Chi l’ha fatto?”, fin dalla prima puntata.

La stagione 3 di The White Lotus ha presentato diverse trame che avrebbero potuto facilmente sfociare in un bagno di sangue. In un momento, sembrava che Timothy stesse per avvelenare l’intera famiglia Ratliff, e lo show ha inscenato la morte di Lochlan. Nessuna delle tre donne in vacanza sembrava davvero in pericolo, ma il loro rapporto con Valentin e i suoi complici avrebbe potuto trasformarle in vittime collaterali. Greg e Belinda hanno raggiunto un accordo, ma Belinda sembrava una delle candidate più ovvie a morire. Le possibilità erano molteplici, e ciò ha reso il climax della stagione ancora più teso.

Jim – Ucciso da Rick

L’attore veterano Scott Glenn si è unito al cast della terza stagione negli ultimi due episodi, interpretando l’uomo che Rick aveva raggiunto a Bangkok. La madre di Rick gli aveva raccontato che suo padre era stato ucciso da uno speculatore edilizio in Thailandia, e Rick scopre che Jim è il marito della proprietaria dell’hotel White Lotus, Sritala. Nell’episodio 7, Rick ha finalmente l’occasione di affrontare l’uomo, ottenendo una soddisfazione a lungo desiderata.

Purtroppo, Sritala e Jim tornano all’hotel proprio l’ultimo giorno di Rick per scattare alcune foto con la star televisiva Jaclyn Lemon, e ciò porta a un altro incontro tra i due uomini. Stavolta, Jim dice a Rick di ricordarsi di sua madre, definendola una “sgualdrina”. Questo fa perdere il controllo a Rick, che, preso dal panico, si avvicina a Jim e gli spara al petto. Solo in quel momento viene rivelato che Jim era davvero suo padre.

Le guardie del corpo di Sritala – Uccise da Rick

Le guardie del corpo di Sritala si erano allontanate per lasciare spazio mentre i loro clienti scattavano foto con Jaclyn, offrendo a Rick l’opportunità perfetta per colpire Jim. Ne è seguito un conflitto a fuoco: Rick si è messo al riparo e ha freddato entrambi i bodyguard con colpi precisi. Si tratta degli stessi uomini che, durante tutta la stagione, hanno maltrattato Gaitok, quindi è difficile provare simpatia per la loro sorte. La loro assenza lascia un posto vacante che, come mostrato nel montaggio finale, viene preso proprio da Gaitok.

Chelsea – Uccisa dalle guardie del corpo di Sritala

La morte di Chelsea è forse la più tragica del finale della terza stagione di The White Lotus, poiché si tratta semplicemente di una spettatrice innocente coinvolta nello scontro a fuoco. La sua sorte era stata in parte preannunciata nel corso della stagione, ad esempio con il commento “le cose succedono sempre in tre” dopo che aveva già sfiorato la morte due volte: durante la rapina dei gioielli e all’incidente durante lo spettacolo dei serpenti. Il momento che condivide con Rick, in cui parlano di stare insieme per sempre, rappresentava chiaramente la quiete prima della tempesta.

Aimee Lou Wood è stata straordinaria nel ruolo di Chelsea: sebbene il personaggio avesse una visione un po’ curiosa della vita, era chiaramente una vittima di un ciclo vizioso di vendetta. Rick forse provava davvero qualcosa per lei, ma quella “tristezza” che lei tanto ammirava in lui ha finito per avere la meglio sul loro legame. Rick non è riuscito a resistere alla tentazione della vendetta, e Chelsea ha pagato con una pallottola vagante al cuore.

Rick – Ucciso da Gaitok

Walton Goggins in The White Lotus (2025)
Walton Goggins in The White Lotus. Foto di Fabio Lovino/HBO – © HBO

Quando si rende conto che Chelsea è morta, Rick capisce finalmente quanto significasse per lui. Al momento del ritrovamento del suo corpo, è devastato nell’animo. Forse ha messo fine al suo passato oscuro, ma ha perso ogni possibilità di costruirsi un futuro. Porta via il corpo di Chelsea in un ultimo tentativo disperato di salvare ciò che può, probabilmente in preda allo shock, prima di essere colpito alle spalle da Gaitok.

Gaitok è stato uno dei personaggi più interessanti della terza stagione. Le pressioni esterne legate alla mascolinità lo hanno spinto a rinnegare i suoi istinti naturali di gentilezza e spiritualità. Non credeva nella violenza, ma l’interesse amoroso per Mook e la voglia di affermarsi lo hanno portato a cedere alle richieste di Sritala, che voleva vendetta per la morte del marito. Gaitok forse ha ottenuto la promozione e la ragazza, ma la serie lascia intendere che ha perso la sua anima nel momento in cui ha premuto il grilletto contro Rick.

The White Lotus stagione 3 finale: il destino di Lochlan e della famiglia Ratliff

ATTENZIONE: seguono SPOILER su The White Lotus stagione 3

Il colpo di scena che coinvolge Lochlan nel finale di The White Lotus stagione 3 è stato uno dei momenti più scioccanti dell’episodio. Dopo essere apparentemente morto avvelenato da un frullato contenente semi tossici dell’albero pong-pong, Lochlan torna miracolosamente in vita mentre Timothy lo tiene tra le braccia. Sembrava essere la prima vittima della stagione (e del finale stesso), ma contro ogni aspettativa riprende conoscenza. Nonostante il finale presenti più di una morte, Lochlan non è tra queste e torna a casa, in North Carolina, con tutta la sua famiglia.

Mentre era creduto in fin di vita, Lochlan immagina la sorella Piper e il fratello Saxon, prima di ritrovarsi metaforicamente immerso in una profonda piscina, guardando verso l’alto dove vede quattro figure simili a monaci o maestri buddhisti. Quando si risveglia miracolosamente, racconta al padre di aver visto Dio, dopo aver trascorso buona parte della stagione confuso su molte cose. Sorprendentemente, nessun membro della famiglia Ratliff muore nel finale. Dopo aver scoperto i guai seri in cui si trova Timothy al ritorno, però, alcuni potrebbero aver preferito aver finito quelle piña colada.

Perché Timothy cerca di avvelenare Victoria, Saxon, Piper e sé stesso con il frutto pong-pong

Le tendenze suicide di Timothy e le sue visioni oscure in cui uccideva la propria famiglia hanno preso il sopravvento nel finale della stagione. Ecco perché ha preparato quei cocktail congelati tossici. Perfettamente consapevole del potere letale delle bevande, Timothy credeva di agire per il bene della famiglia, che in larga parte aveva ammesso di non poter vivere senza i privilegi del loro stile di vita. Ucciderli prima che scoprissero cosa li attendeva negli Stati Uniti era, secondo lui, l’unico modo per risparmiargli una vita di difficoltà.

Timothy esclude intenzionalmente Lochlan dall’avvelenamento di massa in stile Jonestown, ma non perché fosse minorenne. Usa quell’argomentazione solo come scusa. Lochlan è l’unico dei Ratliff ad aver detto che avrebbe potuto vivere senza agi o persino senza una casa – un’affermazione che Timothy, in uno stato mentale fragile e distorto, prende molto sul serio. Saxon, la cui carriera dipendeva interamente da Timothy, e Piper, che ha scoperto di non riuscire a stare un anno in Thailandia perché il cibo era “troppo insipido”, avevano entrambi fatto intendere – insieme a Victoria – di non poter sopportare una vita da classe media o bassa.

Perché Timothy cambia idea sull’avvelenare la famiglia

Foto di Fabio Lovino/HBO – © HBO

Dopo che la famiglia aveva già bevuto qualche sorso, Timothy cambia improvvisamente idea e li ferma prima che finiscano le bevande tossiche. Victoria, Saxon e Piper avevano percepito che c’era qualcosa di strano nei cocktail, ma, nel tipico stile Ratliff, nessuno ha voluto mettere in discussione il padre, specialmente durante i festeggiamenti di fine vacanza. La logica contorta che aveva portato Timothy a tentare l’omicidio della sua famiglia si sgretola all’ultimo momento, motivo per cui toglie il drink dalle mani di Saxon e finge che il latte di cocco fosse andato a male.

Tim non riesce a essere onesto con la famiglia, e sembra non ammettere mai chiaramente di aver quasi ucciso tutti. Aspetta fino all’ultimo secondo possibile per parlare della tempesta in arrivo una volta rientrati a casa, lasciando tutti senza parole. Come Rick, che per tutta la stagione fantastica di uccidere Jim ma finisce per ferirlo solo lievemente prima di sparargli nel finale, anche le fantasie di Timothy prendono forma e si trasformano in realtà. Incapace di immaginare la sua famiglia senza i loro attaccamenti materiali, è convinto – in modo assurdo – di agire per il loro bene.

L’avvelenamento accidentale e l’esperienza di pre-morte di Lochlan spiegati

Lochlan, in modo sconcertante, decide di farsi un frullato proteico usando il mixer ancora sporco e pieno di semi tritati del frutto pong-pong. La sua scelta di non pulirlo prima dell’uso è forse uno degli aspetti più confusi dell’intera stagione, ma d’altra parte Lochlan è stato costantemente confuso per tutto il tempo. Poco prima, Saxon aveva cercato di spiegargli i ruoli di potere che li avevano condizionati per anni, dicendogli che non doveva più idolatrarlo. Ma dalla loro conversazione imbarazzante è chiaro che Lochlan aspira ancora a essere come il fratello – ed è proprio per questo che si prepara quel frullato.

Quello che accade dopo è volutamente inspiegabile, e può solo essere descritto come un’esperienza di pre-morte. Dopo che Victoria, Saxon e Piper escono per colazione senza aspettarlo o controllarlo, Lochlan inizia a sentirsi male e vomita violentemente. Aveva bevuto tutto il frullato, in cui si era raccolta una gran parte dei semi tossici sul fondo del mixer. L’esperienza spirituale che vive sul confine con la morte probabilmente cambierà per sempre il suo rapporto con la vita e con Dio. In un modo tanto strano quanto profondo, potrebbe persino guarirlo da tutto il “marciume interiore” con cui ha lottato per tutta la stagione.

Il vero significato del finale della terza stagione per la famiglia Ratliff

The White Lotus - Stagione 3
Foto di Fabio Lovino/HBO – © HBO

Per quasi tutti i membri della famiglia Ratliff, tornare a casa e vivere una vita semplice e modesta potrebbe sembrare peggio di una condanna a morte. Sono quasi tutti morti a causa delle azioni del loro stesso padre – o marito, nel caso di Victoria – e ora dovranno affrontare insieme le conseguenze dello scandalo di riciclaggio di denaro in cui è coinvolto Timothy. Tim sembra finalmente aver accettato il proprio destino, che con ogni probabilità includerà anche il carcere, ma ciò che conta di più è che la sua immagine da “uomo di famiglia” è ormai rovinata per sempre. Curiosamente, ora i Ratliff dovranno iniziare a contare l’uno sull’altro a livello emotivo – come fa la maggior parte delle famiglie – e questo potrebbe persino avvicinarli.

La vacanza in Thailandia ha brutalmente abbattuto il piedistallo su cui si trovavano. Piper non potrà più ingannare i genitori per restare in resort di lusso con secondi fini. Saxon dovrà rivedere drasticamente la sua idea di mascolinità, carriera e scopo nella vita – e questo potrebbe essere un bene. Victoria non potrà più passare le giornate abusando di farmaci e dovrà probabilmente cercarsi un lavoro, specialmente se Tim finirà davvero in prigione. Quanto a Lochlan, potrebbe diventare il nuovo punto di riferimento emotivo della famiglia Ratliff nei momenti difficili, risolvendo finalmente tutta la confusione e il senso di smarrimento che lo hanno accompagnato fino a questo finale di stagione.

Robert De Niro Palma d’Oro onoraria a Cannes 2025

Robert De Niro Palma d’Oro onoraria a Cannes 2025

Ci sono volti che rappresentano la settima arte e battute che lasciano un segno indelebile nella cinefilia. Con il suo stile interiorizzato, che emerge in un sorriso gentile o in uno sguardo duro, Robert De Niro è diventato una leggenda del cinema.

«Nutro sentimenti molto profondi per il Festival di Cannes…» ha dichiarato dopo aver appreso della sua Palma d’oro onoraria. «Soprattutto oggi, in un momento in cui nel mondo ci sono tante forze che ci dividono, Cannes ci unisce — narratori, cineasti, fan e amici. È come tornare a casa.»

Il suo debutto sul grande schermo ha segnato il destino di una storica generazione di registi di New York, destinati a diventare la nuova generazione del cinema hollywoodiano. Fin dai primissimi film del neolaureato Brian De Palma, Robert De Niro ha prestato il proprio volto a personaggi anti-eroici. The Wedding Party, Greetings e Hi, Mom! danno forma tanto allo stile di Brian De Palma quanto alla recitazione di De Niro, in cui la violenza scaturisce da una calma carismatica. Dalla sua giovinezza bohémien come figlio di pittori a New York, ha attinto a un atteggiamento da “strada” che, con i suoi codici di comportamento ed etica, ha vivacizzato le sue prime interpretazioni, per poi sbocciare davanti alla cinepresa di Martin Scorsese. Questa leggendaria amicizia cinematografica è iniziata nel 1973 con Mean Streets, in cui raccontano il loro quartiere di Little Italy.

Nel corso della sua carriera, De Niro ha prestato la sua naturale autorevolezza a personaggi della mafia italo-americana, da piccoli delinquenti a grandi boss, rendendoli dei veri e propri marchi di fabbrica, a partire dall’anno successivo. Poi ha interpretato uno dei ruoli più significativi della sua carriera e della storia del cinema: il giovane Vito Corleone in Il padrino – Parte II di Francis Ford Coppola, riuscendo nella sfida di dare vita agli anni giovanili del personaggio di Marlon Brando senza imitarlo. La sua interpretazione gli è valsa l’Oscar come Miglior attore non protagonista.

Gli anni successivi hanno confermato il talento di Robert De Niro, con una serie di film e successi. Nel 1976, ha presentato due capolavori della settima arte in Selezione Ufficiale al Festival di Cannes: Novecento di Bernardo Bertolucci e Taxi Driver di Martin Scorsese, che ha vinto la Palma d’oro. La sua recitazione perfezionista ha avuto un ruolo chiave in quel premio, tra preparazione (ottenne una licenza da tassista a New York) e improvvisazione (la scena allo specchio è indescrivibile).

Il suo impegno nei ruoli è diventato leggendario, man mano che la collaborazione con Scorsese continuava: ha imparato a suonare il sassofono per New York, New York, si è allenato nella boxe e ha preso 30 chili per Toro scatenato, un’idea sua, che gli è valsa l’Oscar come Miglior attore protagonista. Per esorcizzare il suo rapporto conflittuale con la fama, ha proposto la sceneggiatura di Re per una notte al collega protagonista, arrivando persino a intervistare i propri fan per interpretare un personaggio ossessionato da un presentatore televisivo. Il film ha aperto il Festival di Cannes nel 1983. L’anno successivo, sempre a Cannes, De Niro ha presentato C’era una volta in America, ultimo film di Sergio Leone, prima di tornare sulla Croisette con Mission di Roland Joffé. Evento raro per un attore, a soli 10 anni da Taxi Driver, Robert De Niro ha recitato come protagonista in una seconda Palma d’oro.

Negli anni ’90, l’attore si è reinventato. Ha giocato con la propria immagine autoritaria in commedie come Bulloni di piombo di John McNaughton, Jackie Brown di Quentin Tarantino, Terapia e pallottole di Harold Ramis, e Ti presento i miei di Jay Roach, in cui traumatizza un disponibile Ben Stiller.

Pur continuando a lavorare con Martin Scorsese — Quei bravi ragazzi, Cape Fear – Il promontorio della paura e Casinò — ha iniziato a produrre e dirigere. Con Jane Rosenthal, ha fondato la TriBeCa Productions nel 1989. Nel 1993 ha esordito alla regia con il suo primo lungometraggio, Bronx, che affronta uno dei suoi temi preferiti: come un quartiere può plasmare i rapporti comunitari, tra violenza e legami familiari. Il suo secondo film da regista, The Good Shepherd – L’ombra del potere, è uscito 13 anni dopo.

Negli anni 2000, ha alternato apparizioni inaspettate — doppiaggio (Shark Tale, Arthur e il popolo dei Minimei), sitcom (Extras, 30 Rock), ruoli secondari commoventi (Il lato positivo, Joy) — a interpretazioni che confermano la sua leggenda, in collaborazioni di altissimo livello come Heat – La sfida con Al Pacino.

Dopo l’11 settembre, Robert De Niro ha fondato il TriBeCa Film Festival nel 2002 per aiutare i newyorkesi a riappropriarsi del loro quartiere ferito. Da allora ha rivelato un altro lato della sua personalità: il suo impegno politico. Prima ancora di diventare un fervente difensore di una società egualitaria e umanista, non ha mai smesso di esplorare la violenza della società americana in film che mostrano il nuovo volto inquietante del crimine organizzato, il declino dello Stato, il trauma della guerra in Vietnam e la manipolazione delle coscienze da parte dell’industria dell’intrattenimento. Esempi emblematici sono la sua interpretazione in Joker di Todd Phillips e la sua più recente apparizione sulla Croisette per un altro film con il suo amico Marty (Killers of the Flower Moon).

Robert De Niro riceverà la Palma d’oro onoraria del Festival di Cannes martedì 13 maggio 2025, durante la cerimonia di apertura. Il giorno seguente, mercoledì 14 maggio, incontrerà il pubblico del festival per una masterclass sul palco del Théâtre Debussy.

Ritrovarsi a Tokyo: trailer del film con Romain Duris

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Ritrovarsi a Tokyo: trailer del film con Romain Duris

Esce al cinema il 30 aprile Ritrovarsi a Tokyo, il nuovo film di Guillaume Senez con Romain Duris girato nella capitale del Giappone. Il film è stato presentato in anteprima per il pubblico domenica 6 aprile al cinema Nuovo Sacher di Roma, come evento di chiusura di Rendez-Vous – Festival del Nuovo Cinema Francese, promosso da Institut français Italia.

La trama di Ritrovarsi a Tokyo

Ogni giorno Jay percorre Tokyo in lungo e in largo a bordo del suo taxi, sperando di ritrovare sua figlia Lily. Il matrimonio con una donna giapponese è naufragato anni prima, ma in Giappone la legge non prevede l’affido congiunto: l’unica possibilità che ha Jay di rivedere la figlia è incontrarla per caso in una grande metropoli. Quando ha perso ormai le speranze e sta per tornare in Francia, il destino sembra finalmente offrirgli un’occasione straordinaria…

©LesFilmsPelleas_VersusProduction

Dopo Le nostre battaglie Guillaume Senez torna a dirigere Romain Duris in un film intenso e emozionante, che ha anche il merito di raccontare il Giappone di oggi da un punto di vista inusuale, in cui convivono luci e ombre. Tra i più apprezzati attori della sua generazione, Duris ha studiato per mesi il giapponese per affrontare il ruolo al meglio, confermandosi un interprete d’eccezione.

L’ultimo spettacolo, affinché “esibire animali diventi prima o poi inaccettabile”. Parola al regista Andrea Morabito

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L’ultimo spettacolo è in sala il 7, 8 e 9 aprile distribuito da Mescalito Film. Il documentario pone l’attenzione su questo tema importante ed è una storia di liberazione animale, la storia del più grande sequestro di animali da un circo in Italia e racconta come 20 animali siano stati salvati dal Circo Martin in Sardegna, grazie alla tenacia dei volontari e degli attivisti della LAV di Cagliari che per anni, nonostante il nulla di fatto ogni volta che veniva presentata una denuncia o una richiesta di controllo, hanno tenuto duro, fino alla svolta del processo. L’ultimo spettacolo può quasi considerarsi un legal drama, perché narra del processo per maltrattamento di animali, durato dieci anni, che ha portato ad un risultato mai raggiunto prima: la condanna in via definitiva in Cassazione per Eusanio Martino e Adam Caroli, proprietari del Circo Martin. Un traguardo raggiunto anche grazie ad un pool di avvocate determinate a non fare alcun passo indietro di fronte alle intimidazioni e alle lungaggini del processo. La loro tenacia ha contribuito a portare in salvo gli animali del Circo Martin e ad una sentenza che ha fatto giurisprudenza nel diritto animale. Il docufilm di Morabito, attraverso la vicenda accaduta nel 2014, rivolge lo sguardo anche all’attuale situazione dei circhi in Italia.

L’ultimo spettacolo è l’opera prima di Andrea Morabito, giornalista e regista LAV che ha saputo raccontare in 74 minuti la storia della più grande liberazione di animali da un circo. Abbiamo raggiunto telefonicamente Morabito, che con parole incisive e entusiastiche ci ha raccontato la genesi del film.

“È una necessità ma anche un sogno che si realizza” dice Andrea Morabito, regista all’opera prima che lavora con LAV dal 2020 “La storia degli animali del Circo Martin aveva bisogno di tempo per essere raccontata in tutti i suoi particolari. Negli anni io stesso, e la LAV, abbiamo avuto la possibilità di mostrarla attraverso le news e i video per i social, ma è una storia simbolica di quello che accade agli animali all’interno dei circhi. In un anno fondamentale come questo, in cui entro il 18 agosto il Ministero della Cultura si deve esprimere sulla possibilità di interrompere per sempre il coinvolgimento degli animali nei circhi, questa storia diventa necessaria e rappresentativa di una battaglia. Per me già dal 2020 era diventato un sogno raccontare questa storia, perché per tanto tempo ho filmato questi animali di nascosto nella speranza di cogliere dettagli i primi piani, e intanto mi incuriosivo e studiavo la loro storia. Capivo come si era arrivati a questo risultato.”

L’ultimo spettacolo è un documentario dal formato classico, con filmati di repertorio e interviste, che adotta un ritmo di un legal drama. Ci sono dei film che ti hanno ispirato nella realizzazione del film?

“Mi sono formato con documentari come The Cove o Blackfish, produzioni americane che si presentano anche come legal drama, o reportage d’inchiesta, sono storie sempre legate al mondo animale. The Cove per esempio è un documentario che ha vinto agli Oscar e racconta di maltrattamenti sugli animali, per me è diventato una bibbia, mi ha insegnato a capire in che modo si fa emergere non solo un fatto, ma anche l’esperienza emotiva di chi ha partecipato. In questo modo sono riuscito a trovare il modo affinché le persone che ho intervistato tirassero fuori emozioni di dieci anni fa per il film.”

Com’è andata la collaborazione con LAV nella fase di assemblaggio del film?

“La raccolta di immagini si è svolta due fronti: abbiamo usato materiale d’archivio che nel corso degli anni LAV ha accumulato, per raccontare i passaggi cruciali di questo evento, il sequestro gli animali, il trasporto degli stessi nel centro di recupero, le investigazioni nei circhi, tutto lavoro fatto negli anni anche prima che arrivassi io. All’interno della LAV si è creato un team produttivo, e ogni reparto ha svolto un ruolo. Il dipartimento comunicazione per esempio è diventato proprio il cuore produttivo del film. La parte di riprese vere e proprie è stata l’ultima e grazie a questo processo abbiamo raccolto le testimonianze non solo di chi lavora con LAV ma anche di chi ha collaborato con questa operazione nel corso degli anni. Con tutto il materiale a nostra disposizione, abbiamo poi realizzato una sceneggiatura e siamo andati avanti con il montaggio”.

Il film si trasforma, legal drama in forma di documentario, ma anche una storia di resistenza e un approfondimento scientifico, dal momento che mette insieme non solo l’esperienza di LAV, ovvero chi ha salvato questi animali, ma anche l’attivismo, la giurisprudenza, l’etologia. Come hai unito questi aspetti in maniera organica?

“La trama principale del film riguarda gli animali del Circo Martin. L’unione di questa storia con le altre discipline è derivata dal naturale fluire del racconto. Il tutto nasce dalla necessità di rispondere a una domanda ‘C’è differenza tra quello che è avvenuto nel 2014 e quello che vediamo oggi?’ Cercando una risposta, il discorso si è naturalmente allargato a tutte le discipline che sono collegate alla soluzione migliore al problema.”

Continua Andrea Morabito: “La risposta la lascio ai protagonisti del film ma queste testimonianze ci servivano per far capire che smettere di far esibire gli animali era importante non solo di quel circo ma è una necessità tutta’ora viva. Bisogna trovare una soluzione unica e questa può essere la legge sul riordino dello spettacolo e sul superamento degli animali nei circhi, grazie alla quale una volta per tutte si può mettere fine all’utilizzo degli animali per l’intrattenimento.”

L’ambizione di L’Ultimo spettacolo è questa?

“Il film non vuole solo sensibilizzazione o intrattenere, il film nasce per un’esigenza politica, ovvero far comprendere quanto sia importante rivalutare il ruolo degli animali che abbiamo nella società. Non considerarli più solo delle marionette. Ci piacerebbe che questa “tradizione” venisse superata. Ci sono stati in passato dei circhi che esibivano persone con delle disabilità e quella tradizione, per fortuna, è stata superata, ci sono stati degli zoo che esibivano persone che provenivano da altri paesi. Oggi questa cosa qui non la accetterebbe nessuno. Speriamo che anche esibire animali diventi prima o poi inaccettabile.”

Ancora oggi si stima che siano circa 2.000 gli animali usati nei circhi italiani, costretti a spettacoli e addestramenti basati su violenza fisica e psicologica, rinchiusi in piccoli spazi e ambienti inadeguati, sottoposti a spostamenti molto stressanti. Da anni è prevista l’approvazione di un decreto attuativo che vieti l’uso degli animali in questi spettacoli, come avviene già in molti altri paesi europei, approvazione che è stata numerose volte rimandata e che deve essere approvato entro il prossimo 18 agosto pena la decadenza della Legge-delega sullo spettacolo.

Un film Minecraft da record al box office italiano

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Un film Minecraft da record al box office italiano

Un film Minecraft, distribuito da Warner Bros. Pictures, debutta con un weekend d’esordio straordinario, aprendo al primo posto al box office incassando 4.8 milioni di euro in Italia, richiamando nelle sale più di 620mila di spettatori di tutte le età. Il debutto sul grande schermo del primo adattamento cinematografico live-action di Minecraft, il videogioco più popolare al mondo, registra in Italia il miglior weekend d’esordio del 2025.

Mike De Luca e Pam Abdy – CEO di Warner Bros. Motion Picture Group – dichiarano: “Siamo estremamente felici che UN FILM MINECRAFT sia stato accolto così calorosamente dal pubblico di tutto il mondo ed estendiamo le nostre congratulazioni al regista Jared Hess e al suo team di filmmakers, a Legendary, Vertigo, Mojang e al nostro fenomenale cast guidato da Jason Momoa, Jack Black, Emma Myers, Sebastian Hansen, Danielle Brooks e Jennifer Coolidge che hanno contribuito a rendere il film un evento imperdibile per gli spettatori di tutte le età. Il viaggio decennale di UN FILM MINECRAFT verso le sale cinematografiche è stato seguito con grande attenzione da Jesse Ehrman di Warner Bros. Pictures e dal suo team, e siamo entusiasti che i loro sforzi abbiano avuto un riscontro così straordinario. L’innovativa campagna di marketing condotta da Dana Nussbaum, Christian Davin, John Stanford e i loro team, insieme al piano strategico di distribuzione globale definito da Jeff Goldstein e dal suo team, hanno portato a un risultato spettacolare. A loro – e a tutte le divisioni di Warner Bros. Discovery che hanno sostenuto il film – vanno i nostri ringraziamenti per l’incredibile lavoro svolto”.

Diretto da Jared Hess, con protagonisti Jason Momoa, Jack Black, Emma Myers, Sebastian Hansen, Danielle Brooks e Jennifer Coolidge, il film ha debuttato in Italia  il 3 aprile 2025 in oltre 550 schermi cinematografici.

Good American Family: dal 9 aprile su Disney+

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Good American Family: dal 9 aprile su Disney+

Disney+ ha annunciato la nuova data di debutto di Good American Family, la serie originale interpretata da Ellen Pompeo, Mark Duplass e Imogen Reid, che arriverà in Italia il 9 aprile sulla piattaforma streaming con 5 episodi disponibili al lancio, seguiti da un episodio a settimana.

Raccontato da più punti di vista, per esplorare prospettive, pregiudizi e traumi diversi, questo avvincente drama si ispira alle vicende di una coppia del Midwest che adotta una bambina con una rara forma di nanismo. Ma quando iniziano a crescerla insieme ai loro tre figli biologici, emerge un mistero sulla sua età e sulle sue origini, e cominciano lentamente a sospettare che possa non essere chi dice di essere. Mentre difendono la loro famiglia dalla figlia che credono rappresenti una minaccia, lei combatte la sua battaglia per affrontare il suo passato e il suo futuro, in una resa dei conti che si giocherà sui tabloid e in tribunale.

Good American Family è interpretata da Ellen Pompeo, Mark Duplass e Imogen Reid. Dulé Hill, Christina Hendricks, Sarayu Blue e Jenny O’Hara sono guest star ricorrenti.

La serie è creata da Katie Robbins, che è anche executive producer e showrunner con Sarah Sutherland. Ellen Pompeo è executive producer con la sua casa di produzione Calamity Jane con Laura Holstein. Andrew Stearn, Dan Spilo, Niles Kirchner e Mike Epps sono executive producer. Liz Garbus è regista ed executive producer dell’episodio pilota. Good American Family è prodotta da 20th Television.

Un efficace sistema di parental control assicura che Disney+ rimanga un’esperienza di visione adatta a tutti i membri della famiglia. Oltre alla “Modalità Junior” già presente sulla piattaforma, gli abbonati possono impostare dei limiti di accesso ai contenuti per un pubblico più adulto e creare profili con accesso tramite PIN, per garantire massima tranquillità ai genitori.

Mission: Impossible – The Final Reckoning: il trailer ufficiale e il poster

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Paramount ha appena diffuso il trailer ufficiale e il poster di Mission: Impossible – The Final Reckoning, quella che dovrebbe essere l’ultima avventura di Ethan Hunt (Tom Cruise) alle prese con le sue missioni impossibili.

Mission: Impossible – The Final Reckoning, ottavo capitolo della saga, riprenderà dal drammatico cliffhanger lasciato da Mission: Impossible – Dead Reckoning (qui la recensione), e potrebbe essere la fine di Ethan Hunt (Tom Cruise) I dettagli sulla storia di quello che era originariamente intitolato Mission: Impossible – Dead Reckoning Parte Due sono ancora perlopiù coperti da segreto, e ci sono state molte speculazioni su cosa potrebbe fare la star Tom Cruise per superare le incredibili imprese compiute interpretando l’agente dell’IMF Ethan Hunt. Dal momento che il franchise è già stato una montagna russa di colpi di scena e di azioni che sfidano la fede, le aspettative per questo ottavo capitolo sono alte.

Il cast di Mission: Impossible – The Final Reckoning

Il cast di Mission: Impossible – The Final Reckoning include molti nomi che ritornano dal cast del precedente film, a partire da Tom Cruise, ancora una volta nei panni della superspia internazionale Ethan Hunt. Anche Simon Pegg e Ving Rhames torneranno, rispettivamente, nei panni di Benji e Luther, due dei più stretti amici e fidati consiglieri di Hunt. Tra gli altri membri del cast del nuovo film figurano anche Vanessa Kirby nel ruolo della Vedova Bianca ed Esai Morales nel ruolo del nuovo cattivo Gabriel, un’oscura figura del passato di Ethan.

Nonostante Mission: Impossible – Dead Reckoning si sia concluso con l’apparente assissinio di Paris, l’interprete Pom Klementieff ha confermato il suo ritorno per Mission: Impossible – The Final Reckoning. Rolf Saxon tornerà a sua volta nel franchise, riprendendo il ruolo dell’analista della CIA William Donloe dal film originale del 1996. Donloe è stato visto l’ultima volta degradato dal Kittridge di Henry Czerny – che tornerà nel nuovo film – e riassegnato a una sottostazione polare in Alaska per il pasticcio di Langley. Confermato anche il ritorno di Hayley Atwell Angela Bassett.

La data di uscita di Mission: Impossible – The Final Reckoning è fissata al 22 maggio 2025. La prima era stata precedentemente fissata per il giugno 2024, ma è stata posticipata di quasi un anno dalla Paramount per via degli scioperi degli sceneggiatori e degli attori verificatisi e che hanno rallentato i lavori. Quando il film uscirà in sala, saranno passati 29 anni dall’uscita dell’originale Mission: Impossible, che si colloca tra i franchise d’azione più longevi di sempre. Come Dead Reckoning e i due precedenti film della saga, anche l’ottavo capitolo sarà scritto e diretto da Christopher McQuarrie, storico collaboratore di Cruise.

Ron Howard: i suoi migliori film in attesa di Eden

Ron Howard: i suoi migliori film in attesa di Eden

In arrivo il 10 aprile in sala con 01 Distribution, Eden (qui la recensione) è il nuovo film di Ron Howard che è stato presentato in anteprima in Italia al Festival di Torino. Il film segna il ritorno dell’amatissimo Howard sulla sedia di regia a 5 anni dal suo sfortunato Elegia Americana che, come molti altri titoli, ha sofferto a causa dell’anno d’uscita, il 2020.

Ron Howard però non ha certo bisogno di presentazioni, vista la sua lunghissima e fortunata carriera davanti e dietro alla macchina da presa. Per cui in attesa di vedere Eden in sala, ecco i migliori titoli diretti dal regista.

Cocoon – L’energia dell’universo – 1985

Al suo secondo film da regista, Ron Howard offre al pubblico quello che sarebbe diventato un classico di fantascienza e che porta a casa due premi Oscar: al migliore attore non protagonista Don Ameche e ai migliori effetti visivi. Il film è un adattamento dall’omonimo romanzo di David Saperstein.

Tre vecchietti di una casa di riposo della Florida, facendo il bagno nella piscina di un vicino, ritrovano l’energia della giovinezza ormai dimenticata. Senza saperlo, sono entrati in contatto con alcuni bozzoli di origine aliena, ripescati in mare dai loro compagni.

Apollo 13 – 1995

Apollo 13 cast
Una scena di Apollo 13. Foto di Universal Home Video – © 1995 Universal Pictures

Ancora basandosi su un libro, Lost Moon, scritto da Jim Lovell e Jeffrey Kluger, Ron Howard realizza nel 1995 quello che forse è il suo film più significativo e famoso, in cui dirige uno squadrone di superstar: Tom Hanks, Kevin Bacon, Bill Paxton, Gary Sinise, Ed Harris e Kathleen Quinlan.

Le vicende narrate sono quelle della missione spaziale omonima, fallita a causa di un grave incidente che mise a rischio la vita dei tre astronauti. Il film è stato inserito nella lista stilata dal New York Times dei 1000 migliori film di sempre. 

Con ben nove nomination agli Oscar, il film porta a casa il premio al miglior sonoro e al miglior montaggio e ancora oggi è uno dei film “spaziali” più amati e riconosciuti dal grande pubblico.

Il Grinch – 2000

The GrinchPer alcuni è diventato negli anni il film natalizio per eccellenza, anche in Italia dove il libro omonimo del Dr. Seuss, dal cui è tratto, non è così famoso come nei paesi anglofoni. Il Grinch rappresenta senza dubbio una vetta del cinema di Ron Howard, che ha sempre avuto un occhio di riguardo per il pubblico 0-100.

Il film non ha certo bisogno di presentazioni, e si distingue per l’interpretazione memorabile di Jim Carrey nei panni del verde bisbetico avverso al Natale.

A Beautiful Mind – 2001

a beautiful mindL’anno dopo, Ron Howard torna in sala con un film che ha segnato la storia del cinema popolare. A Beautiful Mind è la storia romanzata della vita turbolenta del matematico John Nash, genio dei numeri, premio Nobel per l’economia e schizofrenico certificato. Il film ha trionfato agli Academy Awards, portando a casa 4 statuette su otto nomination, tra cui migliore sceneggiatura non originale (il film è basato sulla biografia di Sylvia Nasar che venne pubblicata in Italia col titolo Il genio dei numeri), e quelle pesantissime di Migliore attrice non Protagonista Jennifer Connelly, Migliore regia a Howard e Miglior film.

Come i titoli già citati, anche A Beautiful mind è un capolavoro del popolo, uno di quei film di stampo hollywoodiano che riescono a raggiungere una capillarità tale da uscire dalla bolla dei cinefili e arrivare davvero al mondo. Si tratta di uno degli ultimi film di Ron Howard ad aver avuto questa potenza comunicativa. Nel 2000 il cinema e gli spettatori sono cambiati.

Frost/Nixon – il duello – 2008

Nixon:Frost Il duelloForse meno famoso di altri titoli citati ma di grande potenza e portato di una storia potentissima, Frost/Nixon – Il duello è l’adattamento cinematografico delle vere interviste a Nixon registrate nel 1977 dal giornalista britannico David Frost e dell’omonimo dramma teatrale scritto da Peter Morgan, che ha firmato anche la sceneggiatura del film. Il film ha ottenuto cinque candidature agli Oscar 2009, tra cui miglior film, miglior regista e miglior attore protagonista.

Il film è forte di un racconto particolarmente affascinante e avvincente, nonché basato su una storia vera, elemento che aumenta sempre l’interesse nel pubblico, e si fregia dell’interpretazione brillante di una coppia di assi: Frank Langella nei panni di Richard Nixon e il bravissimo Michael Sheen in quelli di David Frost. Sembra che il progetto facesse gola a molti a Hollywood e si racconta che Howard ha battuto sul tempo una serie di grossi nomi che avevano intenzione di girare il film: Martin Scorsese, Mike Nichols, George Clooney, Sam Mendes, e Bennett Miller.

Rush – 2013

Rush filmBasato su una sceneggiatura di Peter Morgan, racconta l’intensa rivalità tra i piloti di Formula 1 James Hunt e Niki Lauda, interpretati rispettivamente da Chris Hemsworth e Daniel Brühl. Ron Howard si tuffa nel mondo della F1 con lucidità e grazia, riesce a raccontare con grande equilibrio la vita personale dei due fenomeni protagonisti e la loro sfida personale, mettendone in contrapposizione i caratteri e lo stile di guida e di vita.

Il risultato è un ritratto eroico di una delle rivalità più famose e avvincenti che la storia della Formula 1 e dello sport in generale ricordi. Ignorato, questa volta, ai premi Oscar, il film ha avuto invece un grandissimo successo di pubblico e in Italia è ancora visto e rivisto, nonché amato moltissimo dal pubblico di tutte le età.

Eden – 2025

Ana de Armas, Sidney Sweeney e Daniel Bruhl in Eden
Ana de Armas, Sidney Sweeney e Daniel Bruhl in Eden © Cortesia 01 Distribution

Esce in sala il 10 aprile Eden, distribuito da 01 Distribution. Il film è stato presentato in anteprima al Festival di Tornio del 2024.

Ambientato sull’isola vulcanica di Floreana, nell’arcipelago delle Galápagos, Eden racconta l’incredibile storia di un gruppo di coloni europei che, negli anni Trenta, decisero di abbandonare la civiltà per cercare un’esistenza alternativa in un paradiso incontaminato. Tra i protagonisti della pellicola troviamo un cast stellare guidato da Jude Law nel ruolo del dottor Friedrich Ritter, Vanessa Kirby nel ruolo di Dora Strauch Ritter, e Daniel Brühl nei panni di Heinz Wittmer. Accanto a loro Sydney Sweeney, Jonathan Tittel, Ana de Armas, Richard Roxburgh, Toby Wallace e Felix Kammerer danno vita a una storia fatta di sogni, tensioni e segreti sepolti sotto la superficie.

La trama Fenicia: trailer del nuovo film di Wes Anderson

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La trama Fenicia: trailer del nuovo film di Wes Anderson

Arriverà al cinema il prossimo 28 maggio La trama Fenicia, il nuovo film diretto e scritto da Wes Anderson che per l’occasione torna a farsi circondare da un ventaglio variegato e brillante di attori noti: Benicio del Toro, Mia Threapleton, Michael Cera, Riz Ahmed, Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Richard Ayoade, Jeffrey Wright, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch, Rupert Friend, Hope Davis.

Universal Pictures ha diffuso il trailer del film.

La storia di una famiglia e di un’impresa familiare.

The White Lotus stagione 3, la spiegazione del finale nel dettaglio

ATTENZIONE: SPOILER sul finale The White Lotus stagione 3

Il finale della di The White Lotus stagione 3, intitolato “Amor Fati“, rivela finalmente la fonte degli spari e l’identità del corpo fluttuante visto per la prima volta nell’episodio 1. L’episodio-fiume di 90 minuti inizia con Rick che lascia Bangkok, che sorprendentemente non ha alcun impatto nell’episodio. Nonostante le sue avances genuine, Gaitok sembra perdere slancio nel corteggiamento di Mook, la quale lo vorrebbe più ambizioso. Jaclyn e Kate indagano sulla notte selvaggia di Laurie con Aleksei mentre Piper dice direttamente a Lochlan che non vuole che lui si unisca a lei nella sua scelta di diventare buddista.

Mentre l’episodio si svolge, un Timothy disperato prende misure disperate per salvare la faccia con la sua famiglia, pensando di fare la cosa giusta preparando a tutti delle piña colada avvelenate. Tuttavia, risparmia Lochlan, non perché sia ​​sotto l’età legale per bere, ma perché Lochlan ammette che probabilmente sarebbe in grado di vivere senza il privilegio e la ricchezza con cui è nato. Con l’aiuto di Zion, che ha un MBA presso l’Università di Houston, Belinda alza il prezzo del suo silenzio da $ 100.000 a ben $ 5 milioni. Alla fine, è l’impulsività di Rick a scatenare la tragedia nel finale della terza stagione di The White Lotus.

Perché Rick ha ucciso Jim al Resort e chi ha sparato a Chelsea

Rick ha avuto l’opportunità di uccidere Jim in The White Lotus stagione 3, episodio 7, ma non ci è riuscito, vedendo Jim come un vecchio fragile e trovando compassione per lui nel peggior momento possibile. Questa decisione si rivela avere conseguenze terribili per Rick, che scopre da Sritala dopo aver sparato a Jim che Jim era in realtà suo padre.

Sorprendentemente, Rick ha deciso di rimanere al The White Lotus Thai Resort, sapendo che Sritala e Jim avrebbero potuto sporgere denuncia o addirittura farlo uccidere. Anche se Chelsea cerca di tenere Rick sotto controllo, i demoni interiori di Rick prendono il sopravvento dopo che Jim rovina la sua ritrovata pace interiore, insultando sua madre, che Jim conosceva molto meglio di quanto avesse lasciato intendere. Rick inizia la sparatoria con Jim e le guardie del corpo di Sritala, che fa sì che Chelsea si becchi un proiettile involontario.

Perché Gaitok ha ucciso Rick ma non ha fatto la spia su Valentin

Tayme Thapthimthong in The White Lotus (2025)
Foto di Fabio Lovino/HBO – © HBO

Mentre Gaitok aveva una buona possibilità di essere ucciso nel finale della terza stagione di The White Lotus, ha finito per essere l’eroe e per avere l’amore della ragazza, Mook. Un improbabile assassino, a Gaitok è stata presentata l’opportunità perfetta per dimostrare il suo valore a Sritala e Mook quando contava di più ed è stato eseguito in modo impeccabile. Gaitok fa il suo lavoro e fa fuori l’assassino di Jim, Rick, che cade nello stagno circostante con Chelsea tra le braccia.

Negli ultimi momenti del finale della terza stagione di The White Lotus, Valentin viene mostrato mentre festeggia con i suoi amici Aleksei e Vlad, che Gaitok ha scoperto essere quelli che hanno rapinato la gioielleria del resort. Gaitok avrebbe ancora potuto fare la spia su Valentin per guadagnarsi l’onore di Sritala e i suoi colleghi, ma non l’ha mai fatto. Poiché ha ucciso Rick, Gaitok è stato apparentemente promosso a autista personale di Sritala, quindi era già sulle tracce di cose più grandi e migliori. Con il crescente supporto e rispetto di Mook, a Gaitok non importava più di smascherare Valentin.

Il colpo di scena di Lochlan e la sua visione spiegati

Lochlan apparentemente torna dalla morte dopo aver ingerito accidentalmente il seme velenoso di pong-pong rimasto nel frullatore. Perché Lochlan non abbia pensato di pulire il frullatore prima di preparare un frullato proteico è forse la più grande domanda senza risposta nel finale della terza stagione di The White Lotus. Lochlan non fa sempre cose che hanno molto senso, quindi la sua negligenza in un certo senso è accertata.

Anche se Lochlan sembra morire a causa della bevanda avvelenata, riprende miracolosamente conoscenza dopo aver avuto una visione dei suoi fratelli e quattro monaci che lo guardavano sopra l’acqua. Lochlan descrive questa esperienza come vedere Dio.

Il piano di Tim con i semi di pong-pong e perché si tira indietro

Tim stava davvero per uccidere tutta la sua famiglia tranne Lochlan nel finale della terza stagione di The White Lotus con quei cocktail ghiacciati infusi di semi di pong-pong. Tim non sopportava di affrontare la verità sul suo schema di riciclaggio di denaro e credeva davvero che Victoria, Saxon e Piper sarebbero stati meglio morti che poveri.

Tim era chiaramente molto ubriaco quando prese quella decisione, che fu anche alimentata dalle visioni di uccidere la sua famiglia all’inizio della stagione. Tuttavia, è stata una mossa sbalorditiva per Tim guardare la sua famiglia sorseggiare diversi cocktail avvelenati prima di farne cadere uno dalle mani di Saxon.

Perché Piper ha deciso di non restare in Thailandia

Parker Posey in The White Lotus (2021)Piper decide in modo esilarante che non sarà in grado di sopportare un anno di studio del Buddhismo in Thailandia a causa del… cibo. Confessa ai suoi genitori che il cibo che mangiava al monastero buddista era insipido e insoddisfacente, il che la fece seriamente riconsiderare la sua intera intenzione di vivere in Thailandia per un anno. Fino al finale della terza stagione di The White Lotus, sembrava che Piper fosse la vera pecora nera della disfunzionale famiglia Ratliff. Questo cambiamento di cuore, e ancor di più il ragionamento che c’è dietro, dimostra che il frutto del pong-pong non cade lontano dall’albero e che Piper è esattamente viziata e immatura come i suoi fratelli.

In che modo la confessione di Laurie a cena l’ha resa più vicina a Jaclyn e Kate

Carrie Coon in The White Lotus (2025)La trama collettiva di Laurie, Kate e Jaclyn passa in secondo piano nel finale della terza stagione di The White Lotus, ma sono alcuni dei pochi personaggi che finiscono con un lieto fine. Laurie, che ha avuto un paio di anni difficili prima della sua vacanza in Thailandia, continua a essere sincera con Kate e Jaclyn su come si sente e cosa ha significato realmente per lei questa vacanza.

Jaclyn dice di essere stata incredibilmente felice durante la loro vacanza, il che sembra difficile da credere completamente e in un certo senso. Laurie ribatte dicendo alle sue vecchie amiche che è triste, principalmente perché stare con le belle e ricche Kate e Jaclyn la costringe a confrontarsi con i suoi errori e rimpianti nella vita. In definitiva, questa onestà avvicina più che mai il trio del “tour della vittoria” senza dover fare affidamento sul loro solito comportamento falso e cattivo.

L’accordo tra Greg e Belinda spiegato e come mai lei cambia il suo piano con Pornchai

Natasha Rothwell in The White Lotus (2025)
Foto di Fabio Lovino/HBO – © HBO

Greg non cerca di uccidere Belinda o Zion e invece accetta la ridicola controfferta di Zion per tacere su tutta quella storia di Tanya in Italia. Dopo aver inizialmente offerto a Belinda $ 100.000, Zion risponde con $ 5 milioni senza battere ciglio dopo aver fatto i compiti sulla ricchezza di Tanya. Zion ha calcolato che $ 5 milioni ammonterebbero solo all’1% del patrimonio netto di Greg, il che si è rivelato accurato. È stato un grosso rischio che ha ottenuto una grande ricompensa per Belinda e Zion, che hanno lasciato il White Lotus Thai Resort come milionari. È interessante notare, tuttavia, che Belinda se ne va senza dare a Pornchai la buona notizia, lasciandolo indietro con i suoi sogni tra le mani, similmente a ciò che Tanya ha fatto a Belinda nella stagione 1.

Il vero significato del finale della terza stagione di White Lotus

The White Lotus stagione 3 cast
The White Lotus stagione 3 – Cortesia di Sky

Il finale della terza stagione di White Lotus non incluso risoluzioni per tutti i personaggi coinvolti (Chloe e Frank sono stati per lo più esclusi dall’episodio, per esempio). La maggior parte del dramma si basava sull’impulsività incontrollabile di Rick che lo ha portato a uccidere Jim, il suo vero padre. È reso ancora più incredibilmente tragico dalla morte di Chelsea, poiché era probabilmente il personaggio più simpatico dell’intera stagione. La morte di Jim dimostra l’insensatezza e la definitività della violenza, mentre la morte di Rick è più radicata nella giustizia.

La pace interiore di Rick si è completamente dissolta dopo un insulto su sua madre da parte di Jim, il che dimostra quanto sia fragile e perso Rick. È un peccato che Chelsea non sia riuscita a “salvarlo”, ma è ancora peggio che abbia creduto di poterlo fare e si sia persino presa la briga di provarci. Per quanto riguarda la famiglia Ratliff, che sorprendentemente è uscita viva dal finale della terza stagione di The White Lotus, gli stili di vita confortevoli a cui si erano abituati sono tutti morti su quella barca una volta che hanno ricevuto la restituzione dei loro telefoni. È un peccato che gli spettatori non possano vedere le conseguenze della caduta di Timothy e come questa influenzi in modo diverso ogni Ratliff.

Gaitok, che era una persona pacifica e non violenta nonostante fosse una guardia di sicurezza, trae enormi benefici dall’aver inflitto violenza nel posto e nel momento giusti. Il suo finale fornisce un duro commento sul valore del pensiero buddista in un mondo che spesso premia i comportamenti aggressivi se portano a fini vantaggiosi per certe persone. Forse la cosa più scioccante di tutte è che Greg, o Gary, la fa franca ancora una volta ed è di nuovo libero di perseguire le sue contorte fantasie sessuali con l’aiuto di Chloe. Il finale della terza stagione di The White Lotus è stato traumatico per alcuni, curativo per altri e, nel complesso, un viaggio selvaggio e spiritualmente denso.

Pesci piccoli, seconda stagione: le prime immagini al Comic Con di Napoli

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Prime Video presenterà in esclusiva alla XXV edizione di COMICON Napoli le prime immagini della seconda stagione della serie comedy Pesci piccoli, prodotta e ideata dalla content factory The Jackal. Ciro Priello, Fabio Balsamo, Aurora Leone e Gianluca Fru incontreranno il pubblico del COMICON venerdì 2 maggio 2025 presso l’Auditorium della Mostra d’Oltremare, insieme a Martina Tinnirello, nella serie nei panni della manager Greta, e al regista Francesco Ebbasta, che firma anche la sceneggiatura. Prodotta da The Jackal e Mad Entertainment in collaborazione con Prime Video, la seconda stagione di Pesci Piccoli sarà disponibile con i suoi otto episodi in esclusiva su Prime Video in Italia dal 13 giugno.

Pesci Piccoli, la serie con protagonisti i The Jackal (Ciro Priello, Fabio Balsamo, Aurora Leone, Gianluca Fru) e una piccola (e sgangherata) agenzia pubblicitaria che continua a crescere, torna così con la seconda, attesissima stagione. Greta (Martina Tinnirello) spinge l’azienda verso sfide su scala nazionale con la complicità del producer Fabio. Aurora supera un addio e si concentra sulla sua carriera, Fru e Ciro affrontano i loro traumi imparando sempre più ad accettarsi. La seconda stagione di Pesci Piccoli si immerge nel racconto dei molteplici modi di accettare una vita diversa dai modelli di perfezione con cui i millennial sono cresciuti. La serie in otto episodi è ideata da Francesco Ebbasta e Alessandro Grespan, che firmano anche la sceneggiatura con Alessandro Bosi e Mary Brugiati, e diretta da Francesco Ebbasta, Alessandro Grespan, Danilo Carlani e Alessio Dogana.

David di Donatello 70: tutti i nominati

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David di Donatello 70: tutti i nominati

Nella suggestiva cornice di Cinecittà sono state annunciate le nomination ai David di Donatello 70. L’accademia del cinema italiano giunge così alla settantesima edizione, per un anno di cinema che ha visto di nuovo l’Italia affacciata sul panorama del cinema internazionale, grazie alla presenza, per esempio, di Vermiglio di Maura Delpero nella shortlist degli Oscar e nella cinquina dei Golden Globes.

Il film, che era stato presentato a Venezia 74, ha portato a casa 14 nomination, come L’Arte della gioia di Valeria Golino. Meglio di loro solo Parthenope di Paolo Sorrentino e Berlinguer – La Grande Ambizione di Andrea Segre. Entrambi i film sono stati presentati ai Festival internazionali, rispettivamente, di Cannes e di Roma.

Di seguito, le candidature dei film usciti nelle sale dal 1˚ gennaio al 31 dicembre 2024, in ordine alfabetico, votate dal 5 al 23 marzo 2025 dai componenti la Giuria dell’Accademia e trasmesse ufficialmente dal Notaio Vincenzo Papi, dello Studio Papi – Parisella. 

Tutti i nominati dei David di Donatello 70

MIGLIOR FILM

MIGLIORE REGIA

  • Berlinguer – La grande ambizione – Andrea SEGRE
  • Il tempo che ci vuole – Francesca COMENCINI
  • L’arte della gioia – Valeria GOLINO
  • Parthenope – Paolo SORRENTINO
  • Vermiglio – Maura DELPERO

MIGLIOR ESORDIO ALLA REGIA

  • Ciao bambino – Edgardo PISTONE
  • Gloria! – Margherita VICARIO
  • I bambini di Gaza – Loris LAI
  • Io e il Secco – Gianluca SANTONI
  • Zamora – Neri MARCORÈ

MIGLIORE SCENEGGIATURA ORIGINALE 

  • Berlinguer – La grande ambizione – Andrea SEGRE, Marco PETTENELLO
  • El Paraiso – Enrico Maria ARTALE
  • Gloria! – Margherita VICARIO, Anita RIVAROLI
  • Il tempo che ci vuole – Francesca COMENCINI
  • Parthenope – Paolo SORRENTINO
  • Vermiglio – Maura DELPERO

MIGLIORE SCENEGGIATURA NON ORIGINALE

  • Campo di battaglia – Gianni AMELIO, Alberto TARAGLIO
  • Familia – Francesco COSTABILE, Vittorio MORONI, Adriano CHIARELLI
  • Il ragazzo dai pantaloni rosa – Roberto PROIA
  • L’arte della gioia – Valeria GOLINO, Francesca MARCIANO, Valia SANTELLA, Luca INFASCELLI, Stefano SARDO
  • Napoli – New York – Gabriele SALVATORES

MIGLIOR PRODUTTORE

  • Berlinguer – La grande ambizione
  • Ciao bambino
  • Gloria!
  • Vermiglio
  • Vittoria

MIGLIORE ATTRICE PROTAGONISTA

  • Familia – Barbara RONCHI
  • Il tempo che ci vuole – Romana MAGGIORA VERGANO
  • L’arte della gioia – Tecla INSOLIA
  • Parthenope – Celeste DALLA PORTA
  • Vermiglio – Martina SCRINZI

MIGLIOR ATTORE PROTAGONISTA

  • Berlinguer – La grande ambizione – Elio GERMANO
  • Familia – Francesco GHEGHI
  • Il tempo che ci vuole – Fabrizio GIFUNI
  • Parthenope – Silvio ORLANDO
  • Vermiglio – Tommaso RAGNO

MIGLIORE ATTRICE NON PROTAGONISTA

  • Diamanti – Geppi CUCCIARI
  • Familia – Tecla INSOLIA
  • L’arte della gioia – Valeria BRUNI TEDESCHI
  • L’arte della gioia – Jasmine TRINCA
  • Parthenope – Luisa RANIERI

MIGLIOR ATTORE NON PROTAGONISTA

  • Berlinguer – La grande ambizione – Roberto CITRAN
  • Familia – Francesco DI LEVA
  • L’arte della gioia – Guido CAPRINO
  • Napoli – New York – Pierfrancesco FAVINO
  • Parthenope – Peppe LANZETTA

MIGLIOR CASTING

  • Berlinguer – La grande ambizione – Stefania DE SANTIS
  • Familia – Anna PENNELLA
  • Gloria! – Massimo APPOLLONI
  • L’arte della gioia – Francesco VEDOVATI, Anna Maria SAMBUCCO, Massimo APPOLLONI
  • Vermiglio – Stefania RODÀ, Maurilio MANGANO

MIGLIOR AUTORE DELLA FOTOGRAFIA

  • Campo di battaglia – Luan AMELIO UJKAJ
  • Dostoevskij – Matteo COCCO
  • Hey Joe – Daniele CIPRÌ
  • L’arte della gioia – Fabio CIANCHETTI
  • Parthenope – Daria D’ANTONIO
  • Vermiglio – Mikhail KRICHMAN

MIGLIORE COMPOSITORE

  • Berlinguer – La grande ambizione – IOSONOUNCANE
  • Confidenza – Thom YORKE
  • Gloria! – Margherita VICARIO, Davide PAVANELLO
  • Iddu – COLAPESCE
  • Il treno dei bambini – Nicola PIOVANI

MIGLIOR CANZONE ORIGINALE

  • Confidenza – Knife Edge Musica, testi e interpretazione di Thom YORKE
  • Diamanti – Diamanti Musica di Giuliano TAVIANI, Carmelo TRAVIA Testi di Giorgia TODRANI Interpretata da GIORGIA
  • Familia – Atoms Musica e testi di Valerio VIGLIAR Interpretata da Greta ZUCCOLI
  • Gloria! – Aria! Musica e testi di Margherita VICARIO, Davide PAVANELLO, Edwyn Clark ROBERTS, Andrea BONOMO, Gianluigi FAZIO Interpretata da Margherita VICARIO
  • Iddu – La malvagità Musica, testi e interpretazione di COLAPESCE

MIGLIORE SCENOGRAFIA

  • Berlinguer – La grande ambizione Scenografia Alessandro VANNUCCI Arredamento Laura CASALINI
  • L’arte della gioia Scenografia Luca MERLINI Arredamento Giulietta RIMOLDI
  • Le déluge – Gli ultimi giorni di Maria Antonietta Scenografia Tonino ZERA Arredamento Maria Grazia SCHIRRIPA, Carlotta DESMANN
  • Parthenope Scenografia Carmine GUARINO Arredamento Iole AUTERO
  • Vermiglio Scenografia PIRRA, Vito Giuseppe ZITO Arredamento Sara PERGHER

MIGLIORI COSTUMI

  • Gloria! Mary MONTALTO
  • L’arte della gioia Maria Rita BARBERA
  • Le déluge – Gli ultimi giorni di Maria Antonietta Massimo CANTINI PARRINI
  • Parthenope Carlo POGGIOLI
  • Vermiglio Andrea CAVALLETTO

MIGLIOR TRUCCO

  • Berlinguer – La grande ambizione Sara MORLANDO, Rossella SICIGNANO prostetico | special make-up  Leonardo CRUCIANO, Viola MONETA
  • L’arte della gioia Maurizio FAZZINI
  • Le déluge – Gli ultimi giorni di Maria Antonietta Alessandra VITA prostetico | special make-up Valentina VISINTIN
  • Parthenope Paola GATTABRUSI prostetico | special make-up Lorenzo TAMBURINI
  • Vermiglio Frédérique FOGLIA

MIGLIOR ACCONCIATURA

  • Berlinguer – La grande ambizione Desiree CORRIDONI
  • Gloria! Marta IACOPONI, Carla INDONI
  • Le déluge – Gli ultimi giorni di Maria Antonietta Aldo SIGNORETTI, Domingo SANTORO
  • Parthenope Marco PERNA
  • Vermiglio Tiziana ARGIOLAS

MIGLIORE MONTAGGIO

  • Berlinguer – La grande ambizione Jacopo QUADRI
  • Dostoevskij Walter FASANO
  • L’arte della gioia Giogiò FRANCHINI
  • Parthenope Cristiano TRAVAGLIOLI
  • Vermiglio Luca MATTEI

MIGLIOR SUONO

  • Berlinguer – La grande ambizione Presa diretta Alessandro PALMERINI Montaggio del suono Marc BASTIEN Creazione suoni Vincent GRÉGORIO Mix Franco PISCOPO
  • Campo di battaglia Presa diretta Emanuele CICCONI Montaggio del suono Alessandro FELETTI Creazione suoni Alessandro GIACCO Mix Marco FALLONI
  • Gloria! Presa diretta Xavier LAVOREL Montaggio del suono Daniela BASSANI Creazione suoni François WOLF Mix Maxence CIEKAWY
  • Parthenope Presa diretta Emanuele CECERE Montaggio del suono Silvia MORAES Creazione suoni Mirko PERRI Mix Michele MAZZUCCO
  • Vermiglio Presa diretta Dana FARZANEHPOUR Montaggio del suono Hervé GUYADER Creazione suoni Hervé GUYADER Mix Emmanuel DE BOISSIEU

MIGLIORI EFFETTI VISIVI -VFX

  • Berlinguer – La grande ambizione Supervisore Tristan LILIEN Producer Michel DENIS
  • L’arte della gioia Supervisore Francesco NIOLU Producer Rodolfo MIGLIARI
  • Limonov Supervisore Fabio TOMASSETTI Producer Daniele TOMASSETTI
  • Napoli – New York Supervisore Victor PEREZ
  • Parthenope Supervisore Rodolfo MIGLIARI Producer Lena DI GENNARO

MIGLIOR FILM DOCUMENTARIO, PREMIO DAVID CECILIA MANGINI

  • DUSE – THE GREATEST di Sonia BERGAMASCO
  • IL CASSETTO SEGRETO di Costanza QUATRIGLIO
  • L’OCCHIO DELLA GALLINA di Antonietta DE LILLO
  • LIRICA UCRAINA di Francesca MANNOCCHI
  • PRIMA DELLA FINE – GLI ULTIMI GIORNI DI BERLINGUER di Samuele ROSSI

MIGLIOR FILM INTERNAZIONALE

  • ANORA di Sean Baker
  • CONCLAVE di Edward Berger
  • GIURATO NUMERO 2 – JUROR #2 di Clint Eastwood
  • LA ZONA D’INTERESSE di Jonathan Glazer
  • PERFECT DAYS di Wim Wenders

Il premio al miglior cortometraggio viene assegnato da una commissione composta da Domenico Dinoia, Mauro Donzelli, Marzia Gandolfi, Francesco Giai Via, Paola Jacobbi, Maria Grazia Mattei, Claudia Panzica, Marina Sanna, Maria Carolina Terzi.

MIGLIOR CORTOMETRAGGIO

  • DOMENICA SERA di Matteo TORTONE
  • LA CONFESSIONE di Nicola SORCINELLI
  • LA RAGAZZA DI PRAGA di Andree LUCINI
  • MAJONEZË di Giulia GRANDINETTI
  • THE EGGREGORES’ THEORY di Andrea GATOPOULOS

Il Premio David Giovani viene assegnato da una giuria nazionale di studenti degli ultimi due anni di corso delle scuole secondarie di II grado.

DAVID GIOVANI

  • BERLINGUER – LA GRANDE AMBIZIONE di Andrea SEGRE
  • FAMILIA di Francesco COSTABILE
  • IL RAGAZZO DAI PANTALONI ROSA di Margherita FERRI
  • IL TEMPO CHE CI VUOLE di Francesca COMENCINI
  • NAPOLI – NEW YORK di Gabriele SALVATORES
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