Your Eyes Tell (Kimi no Me ga
Toikaketeiru) è un lungometraggio dell’etichetta I
Love Japan, che riunisce le produzioni del Sol Levante
ancora inedite sui grandi schermi italiani. Basato sul sudcoreano
Always del 2011 non è un semplice remake ma un
nuovo adattamento meno melodrammatico dell’originale e che punta
sulla crescita dei due giovani protagonisti. Questo film fa parte
di una trilogia live action su storie d’amore e profondi sentimenti
e arriva in sala dopo il successo di
Let Me Eat Your Pancreas e della maratona di
L’Attacco dei Giganti – il Film. Parte 1 – L’ Arco e le Freccia
Cremisi e Parte 2 – Le Ali della Libertà.
La trama di Your Eyes Tell
Il film racconta la storia di
RuiShinozaki, l’attore e modello
Ryusei Yokohama e AkariKashiwagi interpretata dall’attrice Yuriko
Yoshitaka. Rui è un ex kickboxer con un passato oscuro
fatto di criminalità e di violenza, che dopo una condanna di tre
anni in carcere, ha trovato lavoro come guardiano di un parcheggio
coperto di Tokyo. Akari è una giovane donna che ha perso la vista
ed entrambi i genitori per colpa di un tragico incidente d’auto e
che impiega le sue giornate come centralinista in un call
center.
Dopo che l’anziano guardiano con il
quale la ragazza ipovedente trascorreva le serate guardando la
televisione viene sostituito da Rui, lei comunque riprende la
medesima routine con il nuovo ragazzo. Da notare che la serie tv di
cui i due protagonisti finiranno per appassionarsi è A Story to
Read When You First Fall in Love, il j-drama
che ha lanciato lo stesso Yokohama con i suoi inconfondibili
capelli rosa. Rui e Akira pian piano si avvicinano sempre di più,
ma purtroppo il passato verrà a bussare alla loro porta. Il giovane
protagonista, un bambino orfano cresciuto dalle suore che lo hanno
battezzato col nome di Antonio, scoprirà che è lui la causa
dell’incidente della sua amata.
Rui quasi per espiare,
ancora una volta, i suoi peccati tornerà a gareggiare nei circuiti
clandestini della kickboxing rinunciando
definitivamente al suo sogno di diventare un campione di pugilato.
Questa scelta sacrificabile è anche un modo per il ragazzo
d’aiutare la sua amata che grazie ad un intervento, pagato da lui
con i soldi delle scommesse illegali, per riavere la
vista attraverso una delicata e costosa operazione. Alla
fine però tutto si risolverà ma in modo inaspettato e con un
epilogo finale struggente e pieno di poesia.
Rui e Akari due anime che si
appartengono
Il punto di forza di questo
lungometraggio diretto da Takahiro Miki, regista
di titoli come My Tomorrow, Your Yesterday e Love Me,
Love Me Not, è avere per protagonisti Ryusei
Yokohama e Yuriko Yoshitaka. Questi
due attori in Giappone sono due e veri proprio
divi acclamati soprattutto dal pubblico più
giovane, quello a cui punta il target di questo lungometraggio.
Ryusei e Yuriko fin dalla loro prima scena insieme riescono a
trasmettere il loro legale prima platonico e poi più profondo che
supera anche le limitazioni fisiche. Ci sono sguardi, carezze,
abbracci e baci che riescono a creare l’intimità tra loro senza mai
ricorrere a scene esplicite di sesso, come è facile trovare invece
nei Young Adult occidentali.
Your Eyes Tell, un film non solo
per i romantici
Your Eyes Tell si
presenta come una storia d’amore ma non è solo questo, c’è anche
molta violenza, quella degli incontri di kickboxing o quella di un
tentativo di stupro da parte del datore di lavoro di Akari. Il
regista giapponese comunque riesce a dosare il giusto mix con
palette cromatiche che giocano su ombre, quelle del passato oscuro
d’entrambi, con quelle fatte di luce che rappresentano le
emozioni più pure che i due innamorati provano. Per concludere
durante la visione del film si può ascoltare un brano originale dei
BTS, una nota band di Kpop, intitolato proprio
come il film che parla di speranza e resilienza che non altri il
messaggio stesso di Your Eyes Tell.
Il nuovo thriller K-drama di
Netflix,
Karma, intreccia una narrazione complessa fatta di
personaggi interconnessi e si conclude con una spiegazione di come
le loro storie siano legate tra loro. Karma vede come
protagonisti Park Hae-soon, Shin
Min-a e Lee Hee-jun nei ruoli
rispettivamente del Testimone, di Lee Ju-yeon e del Debitore.
Raccontata attraverso flashback, Karma inizia con il
Debitore, messo alle strette a causa dei debiti che ha con uno
strozzino che minaccia di ucciderlo se non paga entro la scadenza.
Il Debitore escogita un piano per far uccidere suo padre e
riscuotere l’assicurazione sulla vita.
Il Debitore assume Gil-ryong
(Kim Sung-kyun), un uomo pericoloso che lavora
nella sua azienda, per uccidere il padre. Si scopre però che
Gil-ryong ha stretto un accordo con un suo vecchio amico, il
Testimone, il quale decide di mettere in atto una truffa usando il
corpo del padre del Debitore per ricattare Glasses (Lee
Kwang-soo). Man mano che il thriller procede, la vita del
Debitore si intreccia con quella degli altri personaggi coinvolti
nella morte del padre. Il finale di Karma mostra l’impatto
che ha avuto la morte del padre del Debitore e cosa è successo a
ciascuno dei personaggi coinvolti.
Cosa succede al Testimone alla fine
di Karma
Il Testimone muore nel
finale di stagione di Karma
Il Testimone, Kim Beom-jun,
viene introdotto nel secondo episodio di Karma. Beom-jun
sta andando in bicicletta quando vede Sang-hun (Glasses) investire
un uomo con l’auto. Quando Sang-hun lo nota, gli impedisce di
andarsene dalla scena dell’incidente. Per assicurarsi che il
Testimone non lo denunci alla polizia, gli dà 10 milioni di won e
gli chiede di aiutarlo a seppellire il cadavere.
Sang-hun, in preda al panico dopo
aver commesso omicidio colposo, crede di essersi sbarazzato del
Testimone, ma Beom-jun continua a chiedergli più soldi e alla fine
uccide Sang-hun. Alla fine, molte cose del piano ideato da Beom-jun
insieme a Yu-jeong (Gong Seung-yeon) vanno storte, e lui si ritrova
in fuga dalla polizia. Quando incontra Park Jae-young e Gil-ryong
in una casa abbandonata, dopo essere scappato, si rende conto che
c’è una sola via d’uscita.
Dà fuoco alla casa, uccidendo
Jae-young. Ma prima di poter fuggire, rimane gravemente ustionato e
viene portato in ospedale, dove il dottor Lee riconosce il suo
nome. Quello che Beom-jun non aveva capito era che, assumendo
l’identità del Debitore, aveva anche ereditato i suoi problemi.
Alla fine, lo strozzino a cui Jae-young doveva dei soldi si
presenta per riscuotere il debito e il Testimone viene ucciso dal
dottor Yoon, che gli preleva gli organi.
Come sono collegati i 6 personaggi
in Karma
Le storie in Karma
sono intrecciate
Fin dal primo episodio di
Karma, è chiaro che i personaggi del K-drama originale
Netflix sono collegati in qualche modo. Park
Jae-young ha promesso di dare a Gil-ryong il 30% del pagamento
dell’assicurazione se avesse ucciso suo padre. Gil-ryong, a sua
volta, decide di coinvolgere il Testimone per truffare Glasses,
facendogli credere di aver ucciso il padre di Jae-young, che in
realtà era già morto.
Per far sì che Glasses si trovasse
sulla strada dove il Testimone lo aspettava con il corpo, serviva
qualcuno che lo convincesse a lasciare il motel nel cuore della
notte: questo compito tocca a Yu-jeong, che collabora con Beom-jun.
Yu-jeong e Beom-jun sono amici d’infanzia e hanno truffato persone
per anni. Dopo che il Testimone assume l’identità di Jae-young,
Ju-yeon (la dottoressa Lee) ricorda che l’uomo l’aveva violentata
quando era adolescente. Alla fine, è il dottor Yoon, fidanzato
della dottoressa Lee, a uccidere il Testimone.
Tutti coloro che muoiono in
Karma
Cinque dei sei personaggi
principali muoiono in Karma
La maggior parte dei
personaggi principali di Karma muore prima della fine del
K-drama. Fin dall’inizio, la miniserie di Netflix stabilisce che
alcuni personaggi saranno uccisi in modo cruento e violento. Il
primo a morire è Glasses. Quando seppellisce il padre di Jae-young,
scopre grazie alle riprese della dashcam di non essere stato lui a
ucciderlo. Quando lo dice alla fidanzata, lei gli rivela cosa pensa
davvero di lui e lui la aggredisce. Ma il Testimone interviene
prima che la uccida.
Il Testimone droga Glasses e lo
porta in un luogo isolato per seppellirlo, ma lui si riprende e
colpisce Yu-jeong. Il Testimone uccide Glasses e vendica la morte
del suo vecchio amico. Come è successo a Glasses e Yu-jeong, anche
Gil-ryong e il Debitore muoiono nello stesso luogo. Gil-ryong viene
accoltellato dal Testimone e bruciato nell’edificio abbandonato
insieme al Debitore.
Ma forse la morte più cruenta in
Karma è proprio quella del Testimone. Dopo aver rubato
l’identità di Jae-young, Beom-jun crede di essere sfuggito
all’arresto. Ma il dottor Yoon ha altri piani per lui: quando
finisce sul suo tavolo operatorio, lo taglia senza anestesia e gli
rimuove gli organi.
Cosa significa davvero il finale di
Karma
Tutti hanno avuto ciò che
meritavano in Karma
Il finale di Karma
fa onore al titolo del K-drama. Alla fine, ogni personaggio
principale che ha commesso un crimine nella serie è stato punito in
qualche modo. Cinque dei protagonisti principali muoiono, e solo
Ju-yeon è ancora viva alla fine. Il finale di Karma parla
di persone che ottengono ciò che meritano in base alle loro azioni.
La dottoressa Lee può vivere felice perché coloro che l’hanno
tormentata sono finalmente morti.
Jae-young ha fatto qualcosa di
spregevole ordinando la morte di suo padre, quindi non è
sorprendente che abbia fatto la stessa fine. Yu-jeong e il
Testimone hanno passato la vita a mentire, imbrogliare e
approfittarsi dei deboli, finché il karma non li ha raggiunti.
Sebbene Glasses sembrasse debole, in realtà era una persona
crudele. Infine, Gil-ryong è morto perché, anche se credeva che
uccidere il padre del Debitore fosse sbagliato, lo ha fatto
comunque.
Il finale di Karma prepara
una seconda stagione?
Karma non finisce con un
cliffhanger
L’episodio finale di
Karma, intitolato appropriatamente “Karma”, risponde a
tutte le domande sollevate all’inizio del K-drama originale
Netflix. Tutti coloro che hanno avuto un ruolo nella morte del
padre di Jae-young, che si trattasse di ucciderlo o coprirne la
morte, muoiono. Ju-yeon trova la pace e riesce a lasciarsi il
passato alle spalle. Tutto ciò significa che non ci sono fili
narrativi lasciati in sospeso che giustificherebbero una seconda
stagione di Karma. Se ci fosse una seconda stagione,
dovrebbe basarsi su personaggi completamente nuovi.
“Bob” viene finalmente battezzato
Sentry, il suo soprannome nei fumetti, nel nuovo trailer di
Thunderbolts* conferma la sua identità nel
Marvel Cinematic Universe. La Fase
5 si sta avvicinando alla fine, poiché questo film fungerà da film
finale prima che The Multiverse Saga passi finalmente alla
Fase 6. Mentre il team moralmente dubbio sta finalmente ottenendo
il dovuto spazio nella timeline MCU, i Marvel Studios stanno intensificando il
marketing di Thunderbolts*,
con il film in arrivo tra meno di un mese.
Il canale ufficiale Marvel Australia e Nuova Zelanda ha
recentemente lanciato un nuovo trailer internazionale di Thunderbolts*
insieme a diversi altri canali Marvel, poiché i biglietti sono in
vendita da oggi, e uno dei grandi momenti salienti del filmato è
stato il nuovo giocatore MCU di Lewis
Pullman. Dopo averlo tenuto il mistero, il filmato mostra
finalmente il film Thunderbolts* soprannominato Sentry, anche se
non lo vediamo ancora in volto!
Tutto quello che c’è da sapere su
Thunderbolts*
Diretto da Jake
Schreier (Paper Towns), il cast di Thunderbolts*
comprende Sebastian Stan nel ruolo di Bucky Barnes,
Hannah John-Kamen nel ruolo di Ava Starr alias
Ghost, Wyatt Russell nel ruolo di John Walker,
David Harbour nel ruolo di Alexei Shostakov
alias Red Guardian, Olga Kurylenko nel ruolo di Antonia Dreykov
alias Taskmaster, Harrison Ford nel ruolo del Generale Thaddeus
‘Thunderbolt’ Ross e Lewis Pullman nel ruolo di
Bob alias Sentry.
In Thunderbolts*,
i Marvel Studios
riuniscono una insolita squadra di antieroi: Yelena Belova, Bucky
Barnes, Red Guardian, Ghost, Taskmaster e John Walker. Dopo essersi
ritrovati nel mezzo di una trappola mortale orchestrata da
Valentina Allegra de Fontaine, questi emarginati disillusi devono
affrontare una missione pericolosa che li costringerà a
confrontarsi con gli aspetti più oscuri del loro passato. Questo
gruppo disfunzionale si distruggerà dall’interno o riuscirà a
trovare redenzione, unendosi e trasformandosi in qualcosa di più
grande, prima che sia troppo tardi?
Florence Pugh riprende il ruolo di Yelena
Belova, sorella di Vedova Nera (e una delle parti migliori della
serie MarvelDisney+ Occhio di Falco). Inoltre, Julia
Louis-Dreyfus interpreta Valentina Allegra de Fontaine,
con Geraldine Viswanathan nei panni di Mel, la sua assistente (che
sostituisce una Ayo Edebri estremamente impegnata e piena di
impegni).
Lo sceneggiatore di Black
WidoweThor:
Ragnarok Eric Pearson si unisce agli sceneggiatori di
Beef Lee Sung Jin e Joanna Calo. Un trailer è stato mostrato a
porte chiuse al San Diego Comic-Con. Thunderbolts*
arriverà nelle sale il 30 aprile 2025, in ritardo
rispetto alla precedente data di uscita del 20 dicembre 2024 a
causa degli scioperi della WGA e della SAG-AFTRA. Nel frattempo,
restate aggiornati sul MCU con la nostra
guida alla storia della Fase 5 della Marvel e con uno
sguardo a ciò che deve ancora venire nella Fase 6 della Marvel.
Thunderbolts*
è diretto da Jake Schreier e Kevin
Feige è il produttore. Louis D’Esposito, Brian
Chapek, Jason Tamez e Scarlett
Johansson sono i produttori esecutivi.
The Walt Disney
Company ha annunciato che celebrerà il Mese della Terra
con una campagna aziendale, insieme a National
Geographic, per ispirare il pubblico ad apprezzare il
mondo che ci circonda attraverso il potere dello storytelling.
Per tutto il mese di aprile, la
campagna ourHOME offrirà nuovi contenuti, attività
digitali ed esperienze, e metterà in luce gli sforzi globali per
proteggere, ripristinare e celebrare il mondo naturale, permettendo
agli spettatori e ai fan di scoprire tanti altri motivi per amare
questo luogo chiamato casa.
La campagna ourHOME
torna dopo il successo del primo anno e fonda le sue radici nella
tradizione condivisa di Disney e National Geographic nel raccontare
storie che ispirano un legame più profondo con il nostro mondo.
Disney si impegna a intraprendere azioni significative per
sostenere un pianeta più sano per le persone e la natura. Questo
impegno ha contribuito a ispirare la creazione del Disney
Conservation Fund (DCF) che, come parte della campagna ourHOME, dà
il via a un anno di celebrazioni per il suo 30° anniversario. Ad
aprile, il DCF assegnerà più di 500.000
dollari in contributi filantropici a organizzazioni non profit
che lavorano per offrire esperienze che siano fonte di ispirazione
per i giovani, aiutandoli a entrare in contatto con la natura e a
sostenere la fauna e gli spazi incontaminati nelle loro
comunità.
La Collezione
ourHOME, disponibile su Disney+ per tutto l’anno, celebra
la bellezza, lo stupore e la meraviglia del nostro pianeta
attraverso titoli acclamati come I segreti del polpo,
Queens: Le regine della natura e A Real Bug’s
Life: Megaminimondo, insieme all’intero catalogo di
film Disneynature. Inoltre, durante
la Settimana della Terra, debutteranno in
tutto il mondo tre nuovi titoli: I Segreti dei
Pinguini di National Geographic,
oltre a Leoni marini delle Galapagos – Una nuova casa per
Leo e I Guardiani delle
Galapagos di Disneynature.
I Segreti dei
Pinguini debutterà il 21 aprile su Disney+, con tutti gli episodi
disponibili. Con Bertie Gregory (@BertieGregory),
National Geographic Explorer e vincitore dei premi Emmy®
e BAFTA, e narrato nella versione originale da Blake Lively, questo
nuovo capitolo del franchise “I Segreti di”, vincitore del premio
Emmy, accompagna gli spettatori di tutte le età negli angoli più
remoti del mondo per assistere ai comportamenti dei pinguini
ripresi per la prima volta dalle telecamere, mostrando i
teneri e soffici uccelli incapaci di volare mentre affrontano
alcuni degli ambienti più estremi della Terra.
Leoni marini delle
Galapagos – Una nuova casa per Leo debutterà il
22 aprile su Disney+. Questo nuovo film, narrato da
Brendan Fraser nella versione originale, si immerge in acqua per
seguire Leo, un bellissimo cucciolo di leone marino che impara ad
affrontare la vita accanto a sua madre, Luna. Leo deve lasciare la
colonia della madre per trovare la sua casa: un’impresa
monumentale, piena di sfide e di nuovi incontri con una serie di
creature, dalle iguane marine ai colubri neri, dai tonni pinna
gialla ai giganteschi squali
delle Galapagos.
I Guardiani delle
Galapagos debutterà il 22 aprile su Disney+. Blair Underwood è la
narratrice nella versione originale di questo sguardo dietro le
quinte a Leoni marini delle
Galapagos – Una nuova casa per Leo, che
segue la troupe di Disneynature intenta a catturare i
comportamenti intimi dei leoni marini, mettendo in luce le sfide
che minacciano l’arcipelago e la comunità dei Guardiani delle
Galapagos, coloro che lavorano per proteggere questo luogo
magico.
“Siamo felicissimi di celebrare
il ritorno della campagna ourHOME, che unisce il potere dello
storytelling di National Geographic e l’impegno di Disney nel
sostenere un pianeta più sano attraverso contenuti di altissima
qualità e grandi esperienze” ha commentato Courteney Monroe,
President, National Geographic. “Insieme speriamo di ispirare
gli esploratori di tutte le età a scoprire e preservare il nostro
bellissimo pianeta”.
È stato attribuito al grande regista
tedesco Werner Herzog (Aguirre, furore di Dio,
Fitzcarraldo, Nosferatu-Il principe della notte) il Leone d’oro
alla carriera dell’82. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica
della Biennale di Venezia (27 agosto – 6 settembre 2025). La
decisione è stata presa dal Cda della Biennale, che ha fatto
propria la proposta del Direttore artistico della Mostra,
Alberto Barbera.
Werner Herzog, nell’accettare, ha
dichiarato: “Sono profondamente onorato di ricevere il Leone d’oro
alla carriera dalla Biennale di Venezia. Ho sempre cercato di
essere un Buon Soldato del Cinema e questa mi sembra una medaglia
per il mio lavoro. Grazie. Tuttavia non mi sono ancora ritirato.
Lavoro come sempre. Qualche settimana fa ho terminato un
documentario in Africa, Ghost Elephants, e in questo momento sto
girando il mio prossimo lungometraggio, Bucking Fastard, in
Irlanda. Sto realizzando un film d’animazione basato sul mio
romanzo The Twilight World, e interpreterò la voce di
un personaggio nel prossimo film d’animazione di Bong Joon-ho.
Non sono ancora finito”.
Werner Herzog Leone d’Oro a Venezia 82
A proposito di questo
riconoscimento, il Direttore Alberto Barbera ha affermato:
“Cineasta fisico e camminatore instancabile, Werner Herzog percorre
incessantemente il pianeta Terra inseguendo immagini mai viste,
mettendo alla prova la nostra capacità di guardare, sfidandoci a
cogliere ciò che sta al di là dell’apparenza del reale, sondando i
limiti della rappresentazione filmica alla ricerca inesausta di una
verità superiore, estatica, e di esperienze sensoriali inedite.
Affermatosi come uno dei maggiori innovatori del Nuovo Cinema
Tedesco, con film quali Segni di vita, Nosferatu – Il principe
della notte, Aguirre, furore di Dio, Fitzcarraldo, Il cattivo
tenente – Ultima chiamata New Orleans e Grizzly Man, non ha mai
smesso di saggiare i limiti del linguaggio cinematografico
smentendo la tradizionale distinzione tra documentario e finzione,
invitando nel contempo a un’interrogazione radicale sui temi della
comunicazione, sui rapporti fra le immagini e la musica,
sull’infinita bellezza della natura e la sua inevitabile
corruzione.
La carriera di Herzog è insieme
affascinante e pericolosa, perché consiste in un coinvolgimento
totale, nella messa in gioco di sé fino al limite del rischio
fisico, dove la catastrofe è costantemente in agguato. Geniale
narratore di storie insolite, Herzog è anche l’ultimo erede della
grande tradizione del romanticismo tedesco, un umanista visionario,
un perlustratore instancabile votato a un nomadismo perpetuo, alla
ricerca (com’ebbe a dire) «di un luogo dignitoso e conveniente per
l’uomo, un luogo che è talvolta un Paesaggio dell’Anima».”
Si prevede che il team si riunisca
come “New Avengers” del MCU e, in un’intervista per
promuovere la vendita dei biglietti, Pugh, Harbour, Russell e
John-Kamen hanno reagito alla notizia. Tuttavia, il nome di
Julia Louis-Dreyfus non era sullo schienale di una
sedia, il che significa che Valentina Allegra de Fontaine al
momento non dovrebbe apparire nel film guidato da
Robert Downey Jr. come Dottor Destino. Inutile dire
che la sua reazione è impagabile.
Alla domanda al CinemaCon su cosa la emoziona di più quando si
tratta di condividere lo schermo con Doom di Downey, Pugh ha
rivelato: “In realtà non ne ho idea perché non ho letto una
sceneggiatura. No. Quindi, non posso far trapelare nulla”.
“Non so proprio come facciano a far stare tutti zitti”, ha
aggiunto la star di Black Widow e Hawkeye.“Tutti parleranno solo con i
loro idoli e saranno completamente concentrati su quello [Ride].
Auguro la migliore fortuna ai direttori e mi dispiace in
anticipo”.
Eden
(qui
la recensione) è uno dei film più attesi del 2025, pronto a
conquistare il pubblico con la sua potente storia
basata su eventi reali. Ambientato nell’affascinante e
selvaggia isola di Floreana, nelle Isole Galápagos, il film esplora
le difficoltà e le sfide che un gruppo di coloni europei ha
affrontato nel tentativo di ricostruire una nuova vita in un angolo
remoto del mondo. Con un cast di altissimo livello, tra cui
Jude Law,
Vanessa Kirby,
Sydney Sweeney e Ana de Armas, Eden promette di essere un’esperienza cinematografica
intensa ed emozionante. Il film sarà distribuito nelle sale italiane
a partire dal 10 aprile 2024 da 01 Distribution. Ma cosa rende
questo film ancora più interessante? Ecco 7 curiosità che
potrebbero sorprenderti.
Di cosa parla
Eden
Eden racconta la
storia di un gruppo di coloni europei che cercano di costruire una
nuova vita su Floreana, una delle Isole Galápagos. La pellicola
segue le vicende di diversi protagonisti, tra cui il dottor
Friedrich Ritter (interpretato da Jude Law), Eloise Bosquet de
Wagner Wehrhorn (Ana de Armas), Margret Wittmer (Sydney Sweeney) e
altri, ognuno dei quali affronta le difficoltà di un’esistenza
isolata e lontana dalla civiltà. La lotta per la sopravvivenza, le
sfide emotive e le dinamiche interpersonali tra i coloni sono al
centro di un racconto che esplora le profondità dell’animo umano in
condizioni estreme. Il film, diretto da Ron Howard, mescola il
dramma storico con la tensione psicologica, offrendo uno spaccato
di vita su una delle isole più remote del pianeta.
Eden è ispirato a
eventi reali, raccontando le vicende di alcuni coloni europei che
tentarono di stabilirsi su Floreana negli anni ’30, un’impresa che
si rivelò tragica e complessa. La narrazione del film esplora le
sfide fisiche, psicologiche e morali dei protagonisti.
Ambientato nelle Isole
Galápagos, ma girato in Australia
Anche se la storia è ambientata nelle Isole Galápagos, le
riprese del film sono state effettuate in Australia. Le località
australiane sono riuscite a ricreare perfettamente il paesaggio
selvaggio e incontaminato che caratterizza l’isola di Floreana.
Cambio di cast a causa
dello sciopero degli attori del 2023
Inizialmente,
Alicia Vikander e
Daisy Edgar-Jones erano state scritturate per i ruoli
principali di Eden.
Tuttavia, a causa dello sciopero degli attori nel 2023, entrambe
sono state costrette a rinunciare. Vanessa Kirby e Sydney
Sweeney hanno successivamente preso i loro posti, dando
nuova energia e dinamiche ai personaggi.
La prima collaborazione
tra Ron Howard e Daniel Brühl dal 2013
Cortesia 01 Distribution
Eden segna la
prima collaborazione tra Ron Howard e Daniel Brühl dal film
Rush (2013). Questo
ritorno tra regista e attore ha generato grandi aspettative, in
quanto entrambi hanno una solida reputazione nel cinema
internazionale.
Anteprima al Toronto
International Film Festival e premio a Ron Howard
Il film è stato presentato in anteprima al Toronto
International Film Festival il 7 settembre 2024, ricevendo
un’ottima accoglienza. In Europa, è stato proiettato al Torino Film
Festival, nella prima edizione del neo direttore artistico Giulio
Base, dove Ron Howard ha ricevuto un premio per la sua regia.
Oltre ai protagonisti Jude Law, Vanessa Kirby,
Sydney Sweeney e Ana de Armas, Eden vanta anche un
cast di supporto di grande talento, tra cui Richard Roxburgh,
Toby Wallace, Jonathan Tittel e Felix Kammerer. Ognuno di questi
attori contribuisce in modo significativo alla narrazione,
aggiungendo complessità e intensità alla storia.
Le sfide della vita in
un’isola remota
Il film mette in luce le difficoltà di vivere su un’isola
sperduta e la lotta quotidiana per la sopravvivenza. Le dinamiche
tra i coloni sono influenzate dall’isolamento, dalla scarsità di
risorse e dai conflitti interni, temi che vengono esplorati con
grande realismo.
Eden è un film che
promette di essere un’esperienza intensa, ricca di emozioni e di
spunti riflessivi. La sua narrazione basata su eventi reali, unita
a un cast stellare e a una regia magistrale di Ron Howard, lo rende
uno degli appuntamenti cinematografici più attesi del 2024. Non
perdere l’occasione di scoprire Eden al cinema, a partire dal 10 aprile, distribuito da
01 Distribution. Un viaggio unico alla scoperta di una delle
storie più affascinanti e tragiche della storia recente.
Il primo
trailer di Tron:
Ares è uscito sabato e, finora, la
risposta sembra essere stata estremamente positiva. Mentre il
regista Joachim Rønning
sembra adottare un nuovo approccio audace al franchise, gli effetti
visivi sono impressionanti e la storia ha incuriosito i fan.
Il seguito di TRON
e TRON: Legacy vedrà Ares di Jared Leto, un’intelligenza artificiale
canaglia, portare La Griglia nel mondo reale. Parlando con Empire Online (tramite
SFFGazette.com), Rønning ha gettato nuova luce su cosa aspettarsi
dal personaggio e su come si inserisce nel futuro di TRON. “Per
non essere troppo banale, ma l’ho sempre pensato un po’ come
Pinocchio”, ha spiegato il regista. “Ares vuole essere un
vero bambino. Abbiamo parlato molto del fatto che fosse quasi un
neonato, che scoprisse il mondo per la prima volta, e di come
volevamo che il pubblico vedesse il mondo attraverso i suoi
occhi.”“Le piccole cose che diamo per scontate o che non
vediamo più. Questo era importante,” ha aggiunto Rønning.
“E poi un tema più ampio per il film è cosa ci vuole, cosa
significa essere umani. Soprattutto in questo caso, perché è un
programma per computer.”
Molti fan con gli occhi d’aquila
hanno notato che Ares sembra avere un Identity Disc triangolare, e
sarà davvero un miglioramento rispetto al classico design
circolare. Ciò promette di rendere l’intelligenza artificiale
ancora più formidabile di quelle che abbiamo visto in precedenza in
La Griglia.
“È sicuramente un’arma,” ha
stuzzicato Rønning. “Ed è semplicemente un disco superiore.
Quando fai parte di un franchise, vuoi far evolvere il design,
anche se sono sicuro che la gente impazzirà perché non è rotondo:
‘Oh no!’ Ma abbiamo anche dischi rotondi. Prenditela
comoda.”
La storia segue un programma
altamente sofisticato, Ares, che viene inviato dal mondo digitale a
quello reale per una pericolosa missione, segnando il primo
incontro dell’umanità con esseri dotati di intelligenza
artificiale.
Il film è diretto da Joachim
Rønning e interpretato da Jared Leto, Greta Lee,
Evan Peters, Hasan Minhaj, Jodie Turner-Smith, Arturo Castro,
Cameron Monaghan, con Gillian Anderson e Jeff Bridges. Sean Bailey, Jeffrey Silver,
Justin Springer, Jared Leto, Emma Ludbrook e Steven Lisberger sono
i produttori, mentre Russell Allen è il produttore esecutivo.
Il film Disney arriverà nelle sale
italiane il 9 ottobre 2025. Di seguito, un nuovo scatto di
Jared Leto nei panni del
protagonista.
In una nuova intervista,
Rachel Brosnahan, nuova Lois Lane per il Superman
di James Gunn, ha
spiegato come il reboot DCU sia diverso dalle versioni precedenti della
storia dell’Uomo d’Acciaio. Negli anni abbiamo visto molte diverse
interpretazioni di Superman,
sul grande e piccolo schermo, e la maggior parte delle
interpretazioni del leggendario eroe della DC Comics raccontano
almeno alcuni aspetti della storia delle origini dell’Ultimo figlio
di Krypton.
Il regista James Gunn ha
già confermato che il suo imminente reboot DCU salterà la prima parte della vita di Kal-El
sulla Terra e inizierà quando avrà già abbracciato il suo destino
di Superman, e Rachel Brosnahan ha ora rivelato che questo è ciò
che non vede l’ora che il pubblico sperimenti quando vedrà il
film.
“Adoro anche il fatto che questa
non sia una storia di origine”, dice a Collider. “Abbiamo
visto la storia delle origini realizzata così bene un certo numero
di volte, ma entriamo in un mondo che esiste già: Lois e Clark
lavorano al Daily Planet, i mostri esistono a Metropolis, Lex
Luthor ha la LuthorCorp. Arriviamo a questo punto della loro
relazione che non avevo mai visto prima”.
Come precedentemente riportato,
Superman
inizia con Lois e Clark Kent che hanno già in una
relazione. “Stanno insieme da circa tre mesi. E si stanno
ponendo alcune domande sul futuro della loro relazione. Non sono
sicuri se questa sia solo una grande avventura o qualcosa che
potrebbe durare per sempre, e hanno visioni del mondo davvero
opposte, e si scontrano in questo modo. Quindi, è stato un modo
davvero divertente per entrare in una storia familiare”.
I lettori di fumetti e gli
appassionati di serie come Superman e
Lois della CW saranno abituati a questa dinamica, ma
non è qualcosa che è stato esplorato così spesso in un formato
cinematografico e, si spera, costituirà un’interessante
introduzione a questi personaggi iconici del DCU.
Superman, tutto
quello che sappiamo sul film di James Gunn
Superman,
scritto e diretto da James Gunn, non
sarà un’altra storia sulle origini, ma il Clark Kent che
incontriamo per la prima volta qui sarà un “giovane reporter” a
Metropolis. Si prevede che abbia già incontrato Lois Lane e,
potenzialmente, i suoi compagni eroi (Gunn ha detto che
esistono già in questo mondo e che l’Uomo di domani non è il primo
metaumano del DCU). Il casting ha
portato alla scelta degli attori David Corenswet
e Rachel
Brosnahan come Clark Kent/Superman e Lois Lane. Nel
casta anche Isabela Merced, Edi Gathegi,
Anthony Carrigan,
Nicholas Hoult e Nathan Fillion.
Il film è stato anche descritto come
una “storia
delle origini sul posto di lavoro“, suggerendo che una
buona parte del film si concentrerà sull’identità civile di
Superman, Clark Kent, che è un giornalista del Daily Planet.
Secondo quanto riferito, Gunn ha consegnato la prima bozza della
sua sceneggiatura prima dello sciopero degli sceneggiatori, ma ciò
non significa che la produzione non subirà alcun impatto in
futuro.
Con la sua solita cifra stilistica,James Gunn
trasporta il supereroe originale nel nuovo immaginario mondo della
DC, con una singolare miscela di racconto epico, azione, ironia e
sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e
dall’innato convincimento nel bene del genere umano.
“Superman è il vero fondamento
della nostra visione creativa per l’Universo DC. Non solo è una
parte iconica della tradizione DC, ma è anche uno dei personaggi
preferiti dai lettori di fumetti, dagli spettatori dei film
precedenti e dai fan di tutto il mondo”, ha detto Gunn durante
l’annuncio della lista DCU. “Non vedo
l’ora di presentare la nostra versione di Superman, che il pubblico
potrà seguire e conoscere attraverso film, film d’animazione e
giochi”. Il film uscirà nelle sale il 10 luglio
2025.
Il finale di Lone
Survivor racconta il salvataggio di Marcus
Luttrell dopo un’imboscata dei talebani dietro le linee
nemiche in Afghanistan, ma quanto è accurato il film e cosa è
successo a Luttrell dopo il servizio militare? Diretto da Peter Berg,
Lone Survivor è basato sull’omonimo libro di
Luttrell e vede la partecipazione di Mark Wahlberg, Taylor Kitsch, Emile Hirsch, Ben Foster,
Eric Bana e altri ancora. Nel film si
raccontano le vicende dell’Operazione Red
Wings, una missione del 2005 in Afghanistan per eliminare
il leader talebano Ahmad Shah.
Guidata dal tenente Michael
P. Murphy (Kitsch), la squadra SEAL era composta anche dal
sottufficiale di seconda classe Danny Dietz
(Hirsch), dal paramedico di seconda classe Marcus
Luttrell (Wahlberg) e dal sottufficiale di seconda classe
Matthew G. Axelson (Foster). La squadra viene
rapidamente scoperta e attaccata dai Talebani. Murphy, Dietz e
Axelson muoiono, ma Luttrell riporta gravi ferite prima di essere
salvato.
La vera storia di Lone
Survivor e l’accuratezza del film
Sebbene il film sia per lo più
coerente con il libro, si discosta in alcuni punti e anche il libro
stesso è stato messo sotto esame per alcune affermazioni, quindi
l’accuratezza del film di Lone Survivor è una
questione complicata. Una delle maggiori divergenze rispetto al
libro e alla storia reale è il numero di forze talebane che tendono
un’imboscata a Marcus Luttrell e alla squadra SEAL. Il film
descrive circa 50 soldati talebani che li attaccano nei boschi,
mentre nel libro si parla di 80-200 talebani, ma questo numero è
stato messo in dubbio.
Lo stesso Marcus Luttrell avrebbe
detto che in realtà c’erano solo 20-35 talebani. Indipendentemente
dalle dimensioni reali delle forze nemiche, non ci sono prove di
vittime talebane. La scena del film in cui la squadra SEAL cattura
i caprai è stata criticata per il fatto che i Seal hanno votato se
ucciderli o meno. Nel libro di Lone Survivor, c’è
una votazione, ma nel film le cose vanno diversamente: c’è un
acceso dibattito, ma alla fine Mike dice esplicitamente “questa non
è una votazione” e prende una decisione esecutiva in qualità di
ufficiale superiore.
La natura stessa del dibattito è
scomoda, indipendentemente dal fatto che si sia verificata o meno
una votazione, ma il film vuole rappresentare alcune delle scelte
difficili che gli uomini hanno dovuto prendere in decisioni
difficili. Con un aumento del numero di nemici (sia nel libro che
nel film) e una mancanza di chiarezza sul fatto che ci siano stati
effettivamente dei morti tra i combattenti nemici, l’azione del
film è probabilmente molto più intensa e drammatizzata di quanto
sia accaduto nella vita reale.
In un’intervista a Newsweek, Gulab
afferma che Luttrell aveva ancora tutte le munizioni con sé quando
l’ha scoperto, il che indicherebbe che ha sparato molto meno di
quanto si vede nel film, anche se il film sembra spiegarlo
mostrando Mike Murphy che dà a Luttrell tutte le sue munizioni di
riserva prima che si sacrifichi per fare un’ultima chiamata dal
telefono satellitare. Anche la presentazione di Gulab e del suo
villaggio è drammatizzata rispetto alla realtà in alcuni modi.
Luttrell è rimasto nel villaggio per
quattro giorni e Gulab e gli abitanti del villaggio hanno dovuto
spostarlo da un luogo all’altro per evitare le occasionali ricerche
dei Talebani. Quando finalmente arrivarono gli elicotteri di
salvataggio di Luttrell, non ci fu una battaglia drammatica o
un’evacuazione affrettata. Nel libro di Lone Survivor, la squadra
di soccorso statunitense rimase a parlare con alcuni abitanti del
villaggio per un po’ prima di evacuare Luttrell, che era gravemente
ferito, ma non in condizioni critiche.
Lone Survivor ha
esagerato le ferite riportate dalla squadra SEAL?
Nonostante una serie di imprecisioni
nella portata e nell’entità del conflitto, il regista Peter Berg ha
prestato particolare attenzione alle ferite ricevute dalla squadra
SEAL, assicurandosi che corrispondessero a quelle indicate nei
referti autoptici. Nonostante l’accuratezza della collocazione
delle ferite, le morti effettive di Mike, Danny e Axe sono state
tutte modificate rispetto al racconto di Luttrell nel libro. Per
Luttrell, mentre l’entità delle ferite riportate nel film era
grave, nella vita reale era in realtà peggiore.
Una delle ferite più estreme
descritte nel film sono i salti multipli da un dirupo per sfuggire
ai talebani. Dopo essere caduti dalle ripide scogliere di 20-30
piedi e aver apparentemente colpito ogni roccia, ramo e radice
durante la discesa, i quattro SEAL si rialzano e continuano a
muoversi, per poi farlo di nuovo. I salti dalla scogliera sembrano
ancora meno credibili delle ferite multiple da proiettile subite da
ciascuno dei SEAL, anche se i salti dalla scogliera non sono un
abbellimento fatto dal film e Marcus Luttrell dice che sono
effettivamente saltati dalla scogliera per evitare il fuoco dei
Talebani.
La mancanza di ricezione radio
diventa presto un problema per i SEAL, che non riescono a chiedere
supporto dopo aver capito di dover evacuare l’area, ma anche quando
riescono a mettersi in contatto con la base aerea di Bagram, il
tenente comandante Erik Kristensen (Bana) non può
inviare immediatamente i rinforzi, dal momento che non possono
volare gli elicotteri Black Hawk senza inviare gli elicotteri
Apache per il supporto, e gli Apache sono stati richiamati per
un’altra missione a causa delle risorse limitate.
Invece di inviare gli elicotteri
Black Hawk, i rinforzi arrivano con elicotteri Chinhook, molto più
grandi, ma la mancanza di supporto Apache e gli elicotteri più
grandi li mettono in grave svantaggio tattico. Uno dei talebani
colpisce il Chinhook con un RPG, distruggendo l’elicottero e
uccidendo l’intera squadra a bordo. Dopo l’Operazione Red Wings,
Marcus fu trasferito a Ramadi, in Iraq, dove riportò ancora una
volta gravi ferite e si ritirò dall’esercito. Grazie al successo
del libro e del film Lone Survivor, Luttrell è
diventato un imprenditore, ha fondato un’organizzazione no-profit e
ha girato il Paese tenendo conferenze.
Che fine ha fatto Mohammad Gulab?
La fine di Lone
Survivor rivela poi che Mohammad Gulab e i suoi compagni
del villaggio Pashtun salvarono Marcus Luttrell per rispettare un
codice d’onore noto come “Pashtunwali”. Gulab ha dichiarato al
Daily Beast: “Salvandolo e tenendolo al sicuro per cinque notti
nella nostra casa, stavamo solo adempiendo al nostro obbligo
culturale”. Il Pashtunwali non fa distinzione tra amici e
nemici e gli abitanti del villaggio ritengono di aver dovuto
aiutare Marcus a qualunque costo. Gulab ha anche dovuto spostarsi
più volte e alcuni dei suoi familiari sono stati addirittura
uccisi.
Ironia della sorte, nonostante la
volontà di Gulab di mettere a repentaglio la propria vita per
salvare Marcus Luttrell, il suo tentativo di fuggire
dall’Afghanistan per mettersi al sicuro in America è stato segnato
da lungaggini burocratiche e, secondo Newsweek, ha avuto un
diverbio con Luttrell per questioni di denaro legate al libro e al
film, in particolare dopo aver contestato la versione dei fatti di
Luttrell. Gulab ha dichiarato: “Non mi pentirò mai di aver
salvato Marcus… Ma mi pento di quello che ho fatto per aiutare il
film. E prego che un giorno Marcus dica la verità
all’America“.
Old (qui
la recensione), il film di M. Night Shyamalan, è
tratto dalla graphic novel Sandcastle, di
Oscar Lévy e Frederik Peeters. Ma
mentre le due opere condividono la stessa premessa di base e alcuni
punti della trama, il film di Shyamalan si spinge molto più in là
nella spiegazione del mistero centrale e sceglie anche di dare ai
suoi personaggi un finale più felice. Interpretato da Gael García Bernal, Vicky
Kriepps e Alex Wolff, il film è
ambientato su una spiaggia idilliaca che ha un effetto insidioso e
infine letale su chiunque vi trascorra del tempo. Per ogni mezz’ora
che passa, le persone sulla spiaggia invecchiano fisicamente di un
anno, riducendo la loro durata di vita a un solo giorno.
Con il tempo che scorre, le persone
intrappolate sulla spiaggia devono trovare un modo per fuggire
prima di morire di vecchiaia. In un’intervista a Entertainment
Weekly, Shyamalan ha spiegato che la graphic novel gli è stata
regalata dalle figlie. “L’ho tenuta nella mia borsa e ho
continuato a pensarci”, ha detto il regista. “La graphic
novel è quasi perfetta come trappola per me, perché è
incredibilmente visiva, fa pensare a Twilight Zone e ha un finale
enigmatico”. Shyamalan è stato spinto ad adattare la graphic
novel dal desiderio di “finire questa storia e portarla sullo
schermo”. Ecco allora come l’adattamento di
Old è simile e diverso dalla storia originale.
Come le storie di Old e Sandcastle
sono diverse
Gli elementi della trama di un
misterioso resort e di un nefasto gestore che inganna le persone
per portarle in spiaggia non sono realmente presenti in
Sandcastle, anche se la storia inizia più o meno
nello stesso modo. Una giovane donna si spoglia sulla spiaggia e
cammina nell’oceano, osservata dalla riva da un uomo (anche se
nella graphic novel l’uomo è Amesan, un
gioielliere cabilo dell’Algeria, non un rapper semi-famoso chiamato
Mid-Sized Sedan). Sulla spiaggia arrivano diversi
gruppi di persone, a cominciare da una madre e un padre con i loro
giovani figli. Quando il corpo della giovane donna viene ritrovato
in acqua, nel gruppo si diffonde l’allarme, che si aggrava
ulteriormente quando ci si rende conto della rapidità con cui si
invecchia.
Prima muore una donna anziana, poi
un cane e i bambini diventano adolescenti. Due di loro fanno sesso
e la ragazza ha una gravidanza estremamente accelerata. È qui che
la storia di Old si discosta da quella di
Sandcastle in modo sostanziale. Nel film di Shyamalan, il bambino
muore di fame dopo meno di un minuto, poiché è stato stabilito che
i bambini sulla spiaggia hanno bisogno di grandi quantità di cibo
per sostenere il loro rapido accumulo di massa. Per il bambino, un
minuto senza cibo era l’equivalente fisico di settimane, ed era
troppo delicato per sopravvivere ai rapidi effetti di
invecchiamento della spiaggia. In Sandcastle, invece, il bambino
sopravvive ed è l’ultima persona del gruppo a rimanere in vita alla
fine della storia.
La storia di Old
sul fatto che la località di villeggiatura sia una copertura per
un’azienda farmaceutica che usa la spiaggia per fare esperimenti su
persone con particolari malattie è stata costruita a partire da
alcuni momenti minori di Sandcastle. Nella graphic
novel, uno degli sfortunati frequentatori della spiaggia è uno
scrittore di fantascienza che propone alcune teorie diverse su ciò
che potrebbe accadere loro. Suggerisce che forse la spiaggia è il
risultato di un’azienda di cosmetici che cerca di creare una “fonte
di giovinezza” anti-invecchiamento, o che potrebbe essere una sorta
di esperimento sociale. A un certo punto il gruppo vede
José, il figlio dell’albergatore, correre verso la
spiaggia per poi essere freddato da tiratori invisibili prima che
possa raggiungerli.
Come finisce Sandcastle
A differenza di
Old, dove le persone sulla spiaggia sono in preda
al panico e cercano disperatamente di fuggire, in
Sandcastle il gruppo accetta il proprio destino in
modo più passivo. Dopo che diventa chiaro che la spiaggia è
circondata da una forza che non li lascerà andare via, rinunciano
più o meno a fuggire e si concentrano alternativamente sul lamento
del loro destino e sul tentativo di sfruttare al meglio le loro
vite improvvisamente ridotte dando una festa. Quando si avvicinano
alla fine della loro vita, Marianna (il
personaggio analogo a Prisca in
Old) si rivolge al marito Charles
(il personaggio su cui si basa Guy) chiedendogli
un po’ di “tenerezza” prima di morire.
Ma a differenza dell’adattamento
cinematografico, la coppia non si riconcilia. Charles ignora
Marianne a favore della costruzione di un castello di sabbia, che
continuerà a costruire fino a quando non vi cadrà a faccia in giù e
morirà. Alla fine, tutte le persone che erano arrivate sulla
spiaggia muoiono di vecchiaia. L’unica persona rimasta in vita è la
bambina nata sulla spiaggia, ora donna adulta, che si sveglia e
scopre con orrore che sua madre e tutte le altre persone che
conosce sono morte. Non avendo nient’altro da fare e nessuna
speranza di fuga o di consapevolezza del mondo esterno o di quanto
la sua vita sia stata gravemente accorciata, la donna inizia a
costruire un castello di sabbia.
Old ha un finale
decisamente più lieto rispetto a Sandcastle, anche
se il film ha ancora un alto numero di morti e presenta morti più
violente, come la caduta di Kara dalla scogliera e
la carenza di calcio di Chrystal che causa
l’orribile maciullamento del suo corpo mentre le sue ossa si
rompono e si rimarginano istantaneamente con angolazioni strane.
Alla fine Maddox e Trent, ormai
fisicamente cinquantenni, sono le ultime due persone rimaste in
vita sulla spiaggia. Come i personaggi di
Sandcastle, si avvicinano alla loro morte con uno
strano senso di tranquillità. Tuttavia, a Trent viene in mente che
il figlio del gestore del resort, Idlib, gli ha
dato un messaggio in codice che non ha ancora capito.
Traduce il messaggio criptico, che
dà loro l’indizio che la vicina barriera corallina è il loro unico
mezzo di fuga. Prima dell’ultimo tentativo di lasciare la spiaggia,
Trent e Maddox sacrificano un altro anno o due della loro vita,
prendendosi il tempo di costruire insieme un castello di sabbia.
Quando sembra che Trent e Maddox siano annegati nel corallo,
Old rivela che erano solo le ultime cavie di
un’azienda farmaceutica che sta usando le proprietà di rapido
invecchiamento della spiaggia per testare l’efficacia di nuovi
farmaci nel tempo.
Mentre il direttore del resort si
prepara ad accogliere il prossimo gruppo di soggetti da testare,
Trent e Maddox tornano al resort con le prove di tutte le persone
scomparse sulla spiaggia, che consegnano a un agente di polizia che
soggiorna lì. I dipendenti dell’azienda farmaceutica vengono tutti
arrestati e il film si conclude con Trent e Maddox che si
allontanano dalla spiaggia in elicottero. È certamente un finale
più pulito, ma probabilmente manca della pregnanza dell’immagine
finale di Sandcastle.
Forse la più grande differenza tra
Old e Sandcastle è il genere.
Shyamalan utilizza il concetto della graphic novel di Lévy e
Peeters per creare un film dell’orrore, con un senso di pericolo
più immediato e momenti spaventosi come l’inseguimento di Trent e
Maddox da parte di Chrystal attraverso le grotte, mentre il suo
corpo diventa sempre più contorto. I poteri della spiaggia non sono
spiegati in Sandcastle, ma il film approfondisce
molto il motivo per cui la spiaggia invecchia le persone (è dovuto
alle proprietà insolite delle rocce che la circondano), perché le
persone perdono i sensi quando cercano di andarsene e perché le
vittime della spiaggia sono state attirate lì.
Il tutto è dunque molto più simile
alla fantascienza che non al realismo magico della graphic novel.
Mentre il film mostra un forte interesse nel capire esattamente
perché la spiaggia fa quello che fa, Sandcastle
utilizza invece il rapido invecchiamento come un modo per esplorare
il modo in cui le persone vivono la loro vita e i rimpianti che
hanno quando invecchiano. Verso la fine della graphic novel, quando
il gruppo ha accettato il proprio destino, Amesan racconta loro una
storia sulla morte di un re. Nella storia, il re riceve la visita
di un mezzo uomo che dichiara di essere un messaggero della morte e
di essere venuto a prendere l’anima del re.
Non essendo pronto a morire, il re
implora altri sette anni di vita. Il mezz’uomo gli concede il
perdono, con la clausola che tornerà a un certo punto nei prossimi
sette anni, ma il re non saprà quando apparirà esattamente. Deciso
a tenere lontana la morte, il re ordina di costruire una grande
fortezza intorno a lui e dice al suo staff di allontanare dai
cancelli chiunque lo visiti. Nei sette anni successivi, il re siede
nella sua fortezza da solo, mentre i suoi portatori allontanano la
moglie, la figlia e il figlio quando cercano di fargli visita. Nel
settimo anno il mezz’uomo ritorna, non influenzato dalle mura del
forte, e dice al re che morirà nella tomba che ha costruito per
sé.
Troppo tardi, il re si rende conto
di aver sprecato il prezioso tempo extra che gli era stato
concesso, trascorrendo sette anni a preoccuparsi di quando e come
sarebbe morto, invece di trascorrere il tempo che gli rimaneva con
la sua famiglia. In Sandcastle, la spiaggia è come
il mezzo uomo della storia: costringe i personaggi a rendersi conto
che presto moriranno e che il vero significato della storia sta nel
modo in cui trascorrono il tempo che gli rimane.
Old è stato criticato nelle recensioni per aver
perso di vista questo significato più profondo a scapito di
un’eccessiva spiegazione dei meccanismi della spiaggia.
Tuttavia, l’adattamento di Shyamalan
introduce i momenti filosofici più lenti del fumetto in modi più
sottili, come quando Guy e Prisca (ormai giunti alla fine della
loro vita) si rendono conto di non riuscire più a ricordare il
motivo per cui erano così ansiosi di lasciare la spiaggia, e si
concedono invece semplicemente di apprezzare il fatto di essere
insieme come una famiglia. La decisione di Trent e Maddox di
costruire un castello di sabbia prima di nuotare verso il corallo
dimostra che hanno imparato la stessa lezione: anche se un’ora
sulla spiaggia costa loro due anni di vita, almeno avranno
trascorso quei due anni con qualcuno che amano.
Il film Spider-Man
di Sam Raimi ha inaugurato una nuova era del
cinema dei supereroi e molti membri del cast di questo primo
lungometraggio hanno poi intrapreso carriere di rilievo. Con una
linea temporale del MCU che ha continuato a combinare
tutti i vari universi in film come Spider-Man:
No Way Home, c’è motivo di credere che altri attori e
personaggi di questa iterazione dell’universo del fionda-ragnatela
possano ancora giocare un ruolo nel futuro della Marvel. Per questo è importante
rivedere il cast di Spider-Man, con un occhio di
riguardo alla loro attuale situazione.
Lo Spider-Verse si è ampliato nei
decenni successivi, con film d’animazione e d’azione che si sono
incrociati l’uno con l’altro. Il pubblico ha continuato a chiedersi
a che punto siano i futuri sequel dell’Uomo Ragno di Tobey Maguire, e anche se più passa il tempo,
meno sembra probabile che un evento del genere possa effettivamente
verificarsi, sperare non costa nulla. Con l’universo di Spider-Man
incentrato sui cattivi della Sony che sembra essersi concluso, il
futuro potrebbe essere tutto da scrivere. In questo articolo
andiamo allora alla scoperta del cast del film e di dove è
oggi.
Tobey Maguire ha interpretato Peter
Parker alias Spider-Man
Tobey Maguire è stato una scelta
controversa quando è stato scritturato per il ruolo di
Peter Parker, ma il fascino pacato dell’attore ha
contribuito in modo determinante a far conoscere l’attore e il
personaggio al pubblico di tutto il mondo. L’attore ha poi
interpretato il ruolo più volte nella trilogia, prima di
riprenderlo con grande successo in Spider-Man:
No Way Home. Maguire ha avuto un’eccellente carriera
cinematografica, ma forse è conosciuto soprattutto per questo
ruolo.
Negli anni successivi, Maguire ha
continuato a recitare e si è anche cimentato nel mondo del poker
professionale. Ha recitato con successo in film come
Brothers e Il grande
Gatsby e ha prodotto e recitato nel recente film Babylon
di Damien Chazelle. Il futuro di Maguire a
Hollywood sembra però essere piuttosto incentrato su Spider-Man: si
dice infatti che l’attore apparirà in Spider-Man 4 con
Tom Holland e nei prossimi film degli
Avengers.
Kirsten Dunst ha interpretato Mary
Jane Watson
Kirsten Dunst è salita alla ribalta come
attrice bambina, poi è cresciuta in film come Bring It On
e Il giardino delle vergini suicide prima di diventare una
star mondiale in Spider-Man. La sua
interpretazione di Mary Jane Watson è stata
memorabile e ha mantenuto il ruolo per tutta la trilogia. La
chimica della Dunst con Maguire è stata una parte importante della
sua inclusione nel franchise, e il ruolo del suo personaggio è
stato centrale per l’arco di Peter.
Da allora, la Dunst ha continuato a
condurre un’eccellente carriera a Hollywood, apparendo in film come
Melancholia e L’inganno. Più recentemente, ha ricevuto una
nomination all’Oscar come miglior attrice non protagonista per la
sua interpretazione in Il potere del cane. Ha poi recitato in Civil War di Alex Garland nel 2024, e
apparirà accanto a Channing Tatum in Roofman, un dramma
criminale diretto da Derek Cianfrance.
Willem Dafoe ha interpretato Norman
Osborn, il Goblin Verde
Uno dei migliori cattivi di
Spider-Man, Willem Dafoe è stato una delle parti più
memorabili di un film incredibile, interpretando Norman
Osborn come una sorta di mentore e nemico di Peter. Dafoe
è stato lodato per la sua passione e il suo dinamismo nel ruolo,
che è tornato a interpretare ancora una volta in Spider-Man:
No Way Home. Il ritorno si è rivelato appropriato per
l’attore, che nei decenni successivi ha esplorato una pletora di
ruoli interessanti e artistici.
Dafoe ha lavorato con diversi
registi d’autore nel corso degli anni, apparendo in film di
Robert Eggers come The
Lighthouse e Nosferatu. Ha anche lavorato per la DC, interpretando
un ruolo in Aquaman. Dafoe era già un attore affermato quando è
entrato a far parte del cast di Spider-Man, e da
allora ha continuato a dare prova di sé. Il futuro di Dafoe sembra
brillante come il passato, a prescindere dal fatto che torni o meno
a vestire i panni di Norman Osborn.
James Franco ha interpretato Harry
Osborn
James Franco è stato quasi scritturato per il
ruolo di Spider-Man, ma l’attore si è poi sviluppato nella trilogia
come Harry Osborn. Franco ha poi avuto
un’eccellente carriera a Hollywood come scrittore, regista e
attore. È apparso in tutti i tipi di ruoli, sia comici in film come
The Interview e Pineapple Express che drammatici,
ottenendo una nomination all’Oscar per il suo ruolo di protagonista
in
127 ore.
Recentemente Franco ha affrontato
polemiche pubbliche dopo le accuse di sfruttamento nel 2018. Da
allora l’attore ha continuato a lavorare, anche se la sua presenza
nel settore è molto più ridotta rispetto al passato. Di recente lo
si è visto nel film Hey Joe,
mentre il suo prossimo lavoro da regista è il film The Last
Home, in cui Franco recita anche con Josh Hutcherson e Zoe
Levin.
Rosemary Harris ha interpretato zia
May Parker
Rosemary Harris era
perfetta per la zia May, importante come attrice e
accurata dal punto di vista dei fumetti. Ha interpretato un tipo di
zia anziana dolce e premurosa, che è stato poi sovvertito in film
più recenti con attori più giovani e moderni. La Harris aveva già
settant’anni quando ha accettato il ruolo e oggi ne ha 97, ma
continua a lavorare con una certa frequenza.
Più che al cinema, Harris è apparsa
in varie serie acclamate, tra cui The Undoing e Search Party. Ha anche lavorato
a Broadway nel 2019, dove ha interpretato Mrs. Higgins in un
adattamento di My Fair Lady. Harris continua chiaramente a
essere un’attrice importante e celebrata e sembra che probabilmente
continuerà a lavorare fino a quando non potrà più farlo.
Cliff Robertson interpreta Ben
Parker
Cliff Robertson ha
interpretato uno dei personaggi più importanti del mito di
Spider-Man, lo zio Ben, venendo ricordato in
questo film per la sua iconica battuta: “Da un grande potere
derivano grandi responsabilità”. L’attore ha lavorato per
molti decenni, iniziando con il suo primo ruolo accreditato nel
1955. È apparso in tutta la trilogia di Spider-Man di Raimi e nei
film più recenti dello Spider-Verse sono stati utilizzati filmati
d’archivio dell’attore.
Purtroppo Robertson è deceduto per
cause naturali nel 2011 all’età di 88 anni. Il suo ultimo ruolo
filmato è stato un cameo in Spider-Man 3 di Raimi. Il
lavoro dell’attore nella sfera dei supereroi, dove è apparso per la
prima volta nella serie di Batman del 1966, e al di fuori di essa,
ha contribuito a definirlo come una parte importante del canone
cinematografico.
J.K. Simmons ha interpretato J.
Jonah Jameson
J. K. Simmons è diventato uno dei più
memorabili caratteristi del nostro tempo e gran parte di questo
successo è dovuto alla sua iconica interpretazione di J.
Jonah Jameson. L’attore era così perfetto per il ruolo che
Simmons è stato riportato come Jameson nel MCU nei film recenti. Tuttavia,
l’attore è noto per molto altro e ha persino attraversato gli
universi dei supereroi, prestando la sua voce a Invincible
e apparendo come James Gordon in Justice League.
Simmons ha vinto un Oscar per il suo
lavoro in Whiplash e continua a lavorare in ambito drammatico,
oltre che in film più commerciali. Recentemente, ha interpretato
Babbo Natale in Uno
Rosso e ha prestato la sua voce a videogiochi come
Baldur’s Gate 3 e Mortal Kombat 1. Nel 2025
riprenderà il ruolo di Ray King in The
Accountant 2, accanto a Ben Affleck e Jon Bernthal.
Joe Manganiello ha interpretato
Flash Thompson
Joe Manganiello è apparso brevemente nel ruolo
del bullo di Peter, Flash Thompson, ma l’attore ha
poi avuto una lunga carriera di successo. Sebbene il suo ingresso
nel DCEU nel ruolo di Deathstroke non sia stato visto appieno, con
il cattivo previsto per l’iterazione abbandonata del Batman di
Ben Affleck che ha fatto solo un breve cameo
in Justice League, Mangianello ha continuato a lavorare.
Il suo esordio è stato nella serie HBO True Blood.
Da allora, è apparso in progetti di
ogni tipo. L’attore ha avuto un ruolo memorabile nella trilogia di
Magic Mike, oltre a ruoli in film come Rampage, What to Expect When You’re Expecting
e The Kill Room. Oltre a recitare, Manganiello ha lavorato
nella scrittura e nella regia e attualmente sta sviluppando un
documentario sul popolare gioco di ruolo da tavolo Dungeons &
Dragons.
Elizabeth Banks ha interpretato
Betty Brandt
Elizabeth Banks è diventata famosa da quando
ha interpretato Betty Brandt, uno dei primi
interessi amorosi di Peter nei fumetti, nei film di Raimi sull’Uomo
Ragno. Da allora, la Banks è apparsa in film di ogni tipo,
interpretando ruoli da cattiva in Power Rangers del 2017, ma anche commedie in The Lego
Movie e nel suo sequel. Ha lavorato nell’horror in
Brightburn e ha avuto ruoli ricorrenti in serie
televisive come Modern Family e la serie NetflixWet Hot American Summer.
Più recentemente, tuttavia, la Banks
ha lavorato nella regia. Ha ottenuto un discreto successo con il
reboot di Charlie’s
Angels e Pitch Perfect 2 prima di dirigere Cocainorso,
uno dei film più chiacchierati del 2023. La Banks ha in programma
una serie di progetti per il futuro, e prossimamente produrrà e
reciterà nel thriller psicologico Dreamquil insieme a
John C. Reilly.
Bruce Campbell ha interpretato
l’annunciatore del ring
In un’apparizione notevole, anche se
breve, la leggenda dei film di serie B Bruce
Campbell – celebre per il ruolo di Ash nella trilogia di
La casa – dà in questo film il nome da supereroe al
protagonista. Campbell è poi apparso in diversi altri ruoli nel
corso della trilogia. L’attore vanta infatti un lungo rapporto
collaborativo con il regista Sam Raimi e avrebbe
dovuto interpretare Mysterio in Spider-Man 4. Ciò non è
avvenuto, ma Campbell ha continuato a lavorare, riprendendo il
ruolo del protagonista in Ash vs Evil Dead, che è durata
tre stagioni.
Più di recente l’attore è tornato ai
camei Marvel, con un’apparizione in
Doctor Strange nel Multiverso della Follia di Raimi
nel ruolo di Pizza Poppa. Nel 2024 ha recitato nella serie
televisiva Hysteria e ha continuato a prestare la sua voce
a vari media, compresi i videogiochi, dove il personaggio di Ash è
apparso più volte. Campbell continua a essere acclamato per i suoi
ruoli storici.
Octavia Spencer
Octavia Spencer è forse l’ex allieva più nota
del cast di Spider-Man, avendo intrapreso
un’incredibile e acclamata carriera cinematografica. La Spencer ha
avuto solo un piccolo ruolo nel film, svolgendo il compito di
registrare il nome dell’Uomo Ragno per il suo primo combattimento,
ma da allora è diventata un nome noto in film come Il
diritto di contare, La
forma dell’acqua e The Help, grazie al quale ha vinto l’Oscar come
Miglior attrice non protagonista. Ha anche pubblicato una serie di
libri per bambini intitolata Randi Rhodes, Ninja
Detective e presterà la sua voce a I puffi – Il
film.
Anche se è immerso nella
post-produzione del suo prossimo film Death of Robin
Hood per A24,
Michael Sarnoski e lo studio stanno già tenendo
d’occhio il loro prossimo progetto insieme. Sarnoski scriverà e
dirigerà l’attesissimo adattamento live-action del videogioco di
Hideo Kojima che sfida i generi, Death
Stranding, con
A24 e Kojima Productions come produttori. Anche Square Peg si
unirà come produttore. Il film approfondirà i misteri che
circondano “Death Stranding”, una serie catastrofica di eventi che
hanno offuscato i confini tra il mondo dei vivi e quello dei morti,
facendo emergere creature da incubo in un mondo frammentato
sull’orlo del collasso.
Death Stranding ha
catturato l’immaginazione di milioni di giocatori, raggiungendo
oltre 19 milioni di giocatori in tutto il mondo. Lanciato
originariamente l’8 novembre 2019 per PlayStation 4, il gioco vanta
un cast stellare, tra cui Norman Reedus,
Mads Mikkelsen,
Léa Seydoux,
Guillermo del Toro e Margaret
Qualley. I giocatori assumono il ruolo di Sam Porter
Bridges, un personaggio incaricato di riunire un’America divisa,
ricostruire la speranza e ristabilire i legami tra gli ultimi resti
dell’umanità.
La notizia segue a ruota una serie
di annunci di Kojima Productions al SXSW, tra cui la data di
lancio del nuovo gioco Death Stranding 2: On the
Beach (26 giugno 2025), il debutto di un nuovissimo
trailer, la conferma di un tour mondiale di concerti basato sul
franchise e una collaborazione con l’orologiaio di lusso Hamilton;
i dettagli completi del prodotto sono disponibili qui. Questo gioco
vede il ritorno di Norman Reedus,
Léa Seydoux,
Nicolas Winding Refn e Troy
Baker, a cui si uniranno Luca Marinelli, George Miller
ed Elle Fanning.
Il progetto offre allo
scrittore-regista un’altra proprietà intellettuale di alto profilo
da aggiungere al suo curriculum dopo il suo film di successo
acclamato dalla critica Pig. Il film ha visto
Nicolas Cage dare una delle sue interpretazioni
più acclamate dalla critica della sua carriera e ha messo Sarnoski
sulla mappa come una stella nascente tra i registi. Il progetto ha
anche portato a Sarnoski lo spin-off di alto profilo di A
Quiet Place, A Quiet Place: Giorno Uno.
Il film è uscito la scorsa estate incassando più di 250 milioni di
dollari in tutto il mondo.
A questo evento ha fatto seguito la
notizia che Matt Bettinelli-Olpin e Tyler
Gillett, il duo noto come Radio Silence, non sarebbero
tornati a dirigere il progetto dopo aver diretto i due capitoli
precedenti. Lo studio ha ricevuto molte reazioni negative per la
situazione di Barrera e si è ipotizzato che alcuni dei suoi
compagni di cast di Scream avrebbero potuto
mostrare il loro supporto. Poco dopo, abbiamo appreso che Jenna Ortega,
che interpreta la sorella sullo schermo di Barrera, Tara,
non avrebbe ripreso il suo ruolo, sebbene i media affermassero
che la sua decisione non aveva nulla a che fare con la partenza di
Barrera.
I rappresentanti di Ortega avrebbero
informato Spyglass prima dello sciopero SAG-AFTRA che non sarebbe
tornata. Molteplici fonti hanno affermato che l’attrice “o non
aveva un accordo o, nel rinegoziare la sua opzione, ha chiesto ciò
che la società cinematografica riteneva fosse troppo
denaro”.
Ora, Jenna Ortega ha
rotto il silenzio sulla questione e, nonostante le segnalazioni
contrarie, sembra che abbia deciso di non tornare dopo aver appreso
che Barrera e i registi originali Radio Silence non sarebbero
tornati. “Non aveva nulla a che fare con lo stipendio o la
programmazione”, dice Ortega a The Cut. “Stava tutto
andando a rotoli. Se Scream VII non fosse stato con quel team di
registi e quelle persone di cui mi ero innamorata, allora non mi
sembrava la mossa giusta per la mia carriera in quel
momento”.
“Mi è capitato di entrare a far
parte di molti franchise, ed è fantastico far parte di
un’eredità”, ha aggiunto. “Ma io sto cercando di dare la
priorità a nuovi registi e storie originali. So che dall’esterno,
forse le persone guardano alle mie scelte come, ‘Cavolo, che
diavolo sta facendo questa ragazza?’ Non avrei mai pensato di fare
un film con gli unicorni. Ma una sceneggiatura originale è
emozionante. Se posso aiutare a realizzarla, mi piace
farlo”.
Tutto quello che sappiamo su
Scream 7
Dopo mesi di attesa, è stato
confermato che Scream
7 è ufficialmente in fase di sviluppo. Nel 2022,
il franchise slasher preferito dai fan è stato ripreso sotto la
guida del duo di registi Tyler Gillett e
Matt Bettinelli-Olpin, che fanno parte del
collettivo di cineasti noto come Radio Silence. I
due hanno diretto sia Scream
del 2022 che Scream
VI di quest’anno, che è diventato il capitolo di
maggior incasso del franchise a livello nazionale.
Christopher Landon, il regista di successi horror
come i film Auguri
per la tua morte, era stato chiamato ad occuparsi della
regia, ma ha in seguito abbandonato il ruolo, ora passato a
Kevin Williamson.
Neve Campbell e Courteney Cox sono
pronte a riprendere i rispettivi ruoli di Sidney Prescott e Gale
Weathers, insieme al ritorno di Mason Gooding nei
panni di Chad Meeks-Martin. I nuovi membri del cast includono
Isabel May, Celeste O’Connor,
Asa Germann, Mckenna Grace e
Sam Rechner. Come confermato, anche Jasmin
Savoy Brown tornerà nei panni della sorella del
personaggio di Gooding, Mindy. David Arquette
tornerà nel ruolo dell’ex agente di polizia Dewey Riley, insieme a
uno dei due Ghostface originali, Matthew Lillard,
e Scott Foley.
Non è ancora stata resa nota la
trama del nuovo slasher, ma sappiamo che Kevin
Williamson, architetto del franchise di Scream
che ha sceneggiato il film originale di Wes
Craven, dirigerà da una sceneggiatura di Guy
Busick. Dopo aver collaborato con lo sceneggiatore per il
reboot di Scream del 2022 e per il già citato Scream
VI, sono presenti anche James Vanderbilt, William
Sherak e Paul Neinstein, che producono
per Project X Entertainment. Prodotto da Spyglass Media Group,
Scream 7 uscirà nelle sale di tutto il mondo
tramite Paramount Pictures il 27 febbraio
2026.
ATTENZIONE: SPOILER ENORMI
per il finale della terza stagione di The White
Lotus.
La tensione tra Greg e
Belinda nella terza stagione di The White Lotus culmina in un
accordo che merita una riflessione approfondita. Sebbene la
stagione presenti un cast di nuovi personaggi interpretati da
attori di talento, Greg e Belinda, già noti per i loro ruoli nelle
stagioni precedenti, tornano con una storia che si collega agli
eventi della seconda stagione, in particolare alla morte di Tanya
(di cui Greg è responsabile). La trama si sviluppa con Belinda che
scopre il coinvolgimento di Greg nella morte di Tanya e viene
perseguitata da lui affinché mantenga il silenzio.
Fin dall’inizio della serie, era
noto che Tanya avesse un patrimonio di 500 milioni di dollari, che
Greg eredita dopo la sua morte, un decesso che sappiamo essere
stato causato da lui. Nella terza stagione, Belinda viene a
conoscenza della verità e Greg cerca di farla tacere. La prima
proposta di Greg è di darle 100.000 dollari, ma dopo aver discusso
con Zion, il figlio di Belinda, lei decide di negoziare una cifra
maggiore. Zion, usando il suo fascino e le sue competenze in
business, tenta di estorcere a Greg una somma più alta. Il suo
piano include la fornitura dei dettagli bancari di Belinda,
permettendo a Greg di trasferire i fondi direttamente. Alla fine,
Greg accetta di pagare 5 milioni di dollari. Belinda, una volta
ricevuto il denaro, accetta di mantenere il silenzio, permettendo a
Greg di vivere senza preoccupazioni legali.
Come mai Greg sceglie di
soddisfare le richieste di Belinda nel finale di The White Lotus
Stagione 3?
La scelta di Greg di offrire una
somma maggiore si può spiegare sotto vari aspetti. Da un lato, c’è
la sua volontà di evitare qualsiasi problema legale riguardo alla
morte di Tanya, ma dall’altro, emerge anche una sua trasformazione
psicologica. Greg, che si è sempre mostrato un personaggio negativo
e manipolatore, sembra più sereno, forse anche grazie alla sua
giovane fidanzata Chloe, con cui sta finalmente esplorando un lato
della sua sessualità che aveva trascurato per anni. Questo
cambiamento nel suo stato d’animo lo porta a prendere decisioni più
generose, compreso l’accordo con Belinda, che gli consente di
evitare situazioni problematiche e di vivere senza l’ombra della
legge che incombe su di lui.
Per quanto riguarda Belinda,
inizialmente è indecisa se accettare o meno il denaro, poiché è uno
dei personaggi più moralisti della serie. Tuttavia, quando alla
fine accetta i 5 milioni, la sua decisione suggerisce che,
nonostante le sue convinzioni iniziali, la ricchezza ha avuto una
forte influenza su di lei. Questo cambiamento rapido nelle sue
priorità è significativo. Infatti, una volta ottenuto il denaro,
Belinda abbandona i suoi sogni imprenditoriali, scegliendo di
vivere una vita più comoda, segno di una trasformazione interiore.
Questo comportamento riflette uno dei temi centrali di
The White Lotus: come la ricchezza possa
cambiare radicalmente le persone, facendo emergere desideri e
scelte che prima sembravano impensabili.
La stagione si chiude quindi con la
conferma che Belinda ha accettato il silenzio in cambio dei 5
milioni di dollari, e Greg, pur mantenendo il suo lato oscuro,
sembra finalmente in pace con se stesso, libero dalle
preoccupazioni legali.
Che sai decisamente bella, è
lampante, che sia versatile e molto talentuosa è quello che ha
dimostrato di progetto in progetto negli ultimi anni Sydney Sweeney, che, arrivata alla ribalta con
Euphoria, si è conquistata un posto d’onore
nel panorama hollywoodiano. La vedremo a breve in
Eden di Ron Howard (qui
la recensione) e in molti altri progetti in fase di produzione
e sviluppo a cui l’attrice ha aderito. Eccoli di seguito!
Tra i vari registi di comprovata
fama con cui sta lavorando, Ron Howard è una specie di gioiello
della corona nel tesoro di Sydney Sweeney. Il regista premio oscar
l’ha diretta infatti in Eden, in cui recita al fianco di Jude Law, Vanessa Kirby, Daniel Brühl e Ana de Armas. Distribuito da
01 Distribution, il film sarà nelle sale italiane dal 10
aprile.
Il film segue le vicende
di Friedrich Ritter, medico tedesco, e della sua compagna Dora, che
approdano sull’isola di Floreana nel 1929 con l’obiettivo di
costruire una nuova vita lontano dalla società. Il loro esperimento
attira ben presto l’attenzione internazionale e, nel tempo, altre
persone decidono di unirsi a loro, tra cui la famiglia Wittmer e
una misteriosa baronessa austriaca accompagnata da due amanti.
Quella che doveva essere un’utopia si trasforma però in un
microcosmo teso e instabile, dove le tensioni, le gelosie e le
ambizioni personali portano a una serie di eventi oscuri e mai
completamente chiariti. Eden mette in scena questa vicenda
con uno stile visivo potente e una narrazione che fonde dramma
psicologico e mistero.
Scandalous! di Colman Domingo
Sarà sicuramente sul set di
Euphoria che Colman Domingo ha
imparato ad apprezzare le doti di Sydney Sweeney.
Scandalous! è un tuffo nella Hollywood classica
per la quale Sweeney sembra fatta apposta. Nel film interpreterà
Kim Novak, per una storia d’amore tra lei e
Sammy Davis Jr. In questa occasione si occuperà
anche della produzione del film con Tani Cohen e Bobby Rock.
Scandalous è un dramma in costume
sulla storia d’amore clandestina tra la star del cinema degli anni
’50 e il cantante e ballerino. Il film esplorerà l’esame che la
coppia ha dovuto affrontare dopo che la loro relazione è diventata
pubblica.
The Housemaid di Paul Feig
Photo Courtesy of NEON
Il maestro della commedia Paul Feig
ha voluto Sydney Sweeney nel suo prossimo film, in cui la giovane
interprete recita al fianco di un’altrettanto bionda e talentuosa
attrice, Amanda Seyfried.
Nel film, Sydney Sweeney interpreterà Millie, una
giovane donna in difficoltà che si sente sollevata dall’idea di
ricominciare da capo come domestica della ricca coppia Nina
(Seyfried) e Andrew. Tuttavia, secondo la logline ufficiale,
“Millie scopre presto che i segreti della famiglia sono molto più
pericolosi dei suoi”.
“Sono entusiasta che ‘The
Housemaid’ si unisca alla nostra programmazione”, ha
dichiarato Adam Fogelson, presidente del Lionsgate Motion Picture
Group. “Un grande regista e un grande cast con una grande
sceneggiatura tratta da un grande libro è un ottimo punto di
partenza. Le mie precedenti esperienze di lavoro con Paul e Amanda
sono state a dir poco spettacolari, e Sydney ha un talento e
un’attitudine irresistibili”.
Il biopic su Christy Martin di David
Michod
Sydney Sweeney at the world premiere of Madame Web – Photo by
imagepressagency via Depositphoto.com
Sotto la direzione del regista di Oz
David Michôd, noto per film viscerali come
Animal Kingdom e The King, il
progetto attualmente senza titolo traccerà la vera storia
dell’ascesa di Martin fino a diventare la pugile più famosa
d’America negli anni ’90: la “Rocky femmina”, nelle
parole dei produttori del film. Combattente dotata per natura, la
sua vita si trasformò nel 1989 quando incontrò il suo manager, e
poi marito, Jim Martin. Superando i confini, è
diventata la prima donna a firmare con l’iconico promotore Don King
e l’unica pugile donna ad apparire sulla copertina di
Sports Illustrated. Il suo carisma, il suo
bell’aspetto e la sua resilienza sul ring le hanno fatto guadagnare
un’appassionata base di fan e l’hanno spinta a diventare
campionessa dei pesi welter. Ma dietro il personaggio pubblico ben
definito, ha affrontato demoni personali, relazioni tossiche e un
brutale attentato alla sua vita.
Per Sydney Sweeney si tratta di un ritorno a un
materiale maturo che ha già ampiamente dimostrato di saper gestire
con Euphoria e White Lotus. L’attrice ha detto a Deadline:
“Ho lottato e praticato kickboxing dai 12 ai 19 anni. Non
vedevo l’ora di tornare sul ring, allenarmi e trasformare il mio
corpo. La storia di Christy non è leggera, è fisicamente ed
emotivamente impegnativa, c’è molto peso da portare. Ma adoro
sfidare me stessa”.
Euphoria stagione 3 creata da Sam
Levinson
Per Levinson,Sydney Sweeney
torna a vestire i panni di Cassie. Finalmente, dopo molti dubbi e
ripensamenti, la terza
stagionedi Euphoria è in fase di ripresa.
Dopo molti mesi di aggiornamenti contrastanti riguardo alla serie
originale
della HBO,
il network via cavo ha finalmente annunciato su X (ex Twitter)
che
il dramma young adult era effettivamente in
lavorazione.
Il post include la semplice didascalia “La
terza stagione di Euphoria è in produzione”
e un’immagine di
Zendaya nei panni di Rue che si guarda alle spalle con aria
cupa.
Sebbene l’aggiornamento sia certamente entusiasmante, nessuno dei
partecipanti alla terza stagione ha ancora rivelato una tempistica
di produzione completa. Tuttavia, con un ritardo di tre anni tra le
stagioni (finora), forse la HBO vorrà girare la terza stagione il
più rapidamente possibile. Allo stato attuale,
non è nota alcuna data di uscita per la
terza
stagione di Euphoria.
Un film Minecraft è appena uscito nelle sale
e, come prevedibile, il film contiene molti riferimenti ed
Easter Egg relativi al videogioco originale.
Sebbene le recensioni non siano state entusiastiche, il film sta
percorrendo una buona strada al box office e ci sono molti momenti,
personaggi e scene che i fan di Minecraft possono analizzare man
mano che nuovi dettagli vengono resi pubblici.
Con il suo cast di prima categoria,
Un film Minecraft cerca di conquistare anche
chi non ha un legame così profondo con il gioco, ma per fortuna il
film non lesina riferimenti alla storia originale, offrendo a chi
ha una storia con il gioco molti divertenti Easter Egg da
scovare.
Schermata di generazione del
mondo
Ogni volta che viene creato un
nuovo mondo appare un quadrato
Una schermata di
caricamento di Minecraft con la scritta “generazione del mondo”.
Un film Minecraft si apre con un monologo di
Steve, interpretato da Jack Black, ma la prima
immagine che il film mostra al pubblico è una barra di avanzamento
che si accumula lentamente fino al 100% mentre i pixel nel riquadro
centrale si riempiono. Chiunque abbia giocato al videogioco avrà
familiarità con questa barra, che appare anche ogni volta che viene
creato un nuovo mondo in Minecraft.
Questo è un riferimento molto
divertente che rafforza l’idea che si tratti semplicemente di una
storia che si sviluppa nell’universo di Minecraft, da cui il nome
Un film Minecraft, anziché qualcosa di simile
a Il film Minecraft. Il videogioco si basa sul
fatto che ogni persona vive un’esperienza unica con cui può fare
ciò che vuole, quindi questa è stata un’ottima scelta per
l’inquadratura iniziale.
Spider Jockey
Una rara proliferazione
dell’1%
Un aspetto divertente del
film, che è stato evidenziato all’inizio del ciclo di marketing,
era il fatto che uno dei personaggi, solitamente Steve di
Jack Black, gridasse continuamente i nomi di
oggetti e concept di Minecraft, dai chicken jockey alle perle di
Ender fino a un tavolo da lavoro. Tuttavia, un gruppo di creature
che non ha ricevuto alcun riconoscimento specifico sono state le
spider jockey, gli scheletri che cavalcano ragni apparsi durante la
prima notte degli umani.
Sebbene nel film siano state
affrontate con relativa facilità, possono rivelarsi creature molto
letali quando incontrate nel gioco, poiché gli attacchi a distanza
dello scheletro combinati con i movimenti più rapidi del ragno
possono rappresentare una combinazione pericolosa per i nuovi
giocatori. Sono anche piuttosto rare, con una probabilità di
spawnare solo dell’1% ogni volta che un ragno appare nel mondo.
Carrelli da miniera lenti
Una parte frustrante del gioco
Questo è qualcosa che
tutti i giocatori di Minecraft probabilmente dovranno affrontare a
un certo punto della loro vita: carrelli da miniera molto lenti che
si rifiutano di muoversi alla velocità desiderata. Quando Steve,
Garrett e Henry cercavano di sfuggire al Grande Cinghiale nella
miniera di redstone, i loro binari si sono esauriti e Garrett è
stato costretto a spingere il carrello a piedi, nel disperato
tentativo di sfuggire a un’orda di creeper.
Questo è molto fedele al gioco,
perché se si esauriscono le rotaie alimentate su un binario, si
dovrà aspettare a lungo per percorrere qualsiasi distanza.
Tuttavia, questo è un riferimento ancora più profondo, perché nelle
precedenti edizioni del gioco non era possibile spostare i carrelli
da miniera senza una rotaia alimentata, e bisognava spingerli per
spostarli.
Pigstep
Una delle canzoni più amate del
gioco
Sebbene la colonna sonora
di Un film Minecraft contenga numerose canzoni su
licenza, include anche diversi brani classici di Minecraft, il più
importante dei quali è la classica sigla di C418, intitolata
semplicemente “Minecraft”. Tuttavia, un’altra canzone del
videogioco è presente in modo prominente durante la scena del
talent show di Nether, intitolata “Pigstep”, composta da Lena Raine
e pubblicata per Minecraft.
Quell’aggiornamento è stato quello
che ha introdotto i Piglin e, da allora, “Pigstep” è diventata una
delle canzoni più amate della colonna sonora di Minecraft. Non è
nota quanto i classici di C418, che ormai sono sinonimo del
videogioco, quindi probabilmente sarà un dettaglio un po’ meno noto
ad essere incluso nel film.
Attuare una caduta con un
secchio
Un classico trucco di
Minecraft
Questo riferimento si
verifica dopo che Steve, Garrett e Henry sono fuggiti dall’assalto
dei Piglin al villaggio e sono atterrati di fortuna vicino alle
miniere di pietra rossa mentre si dirigevano verso la Woodland
Mansion. Mentre iniziavano a schiantarsi al suolo, Steve,
interpretato da Jack Black, ha lasciato cadere un
secchio d’acqua a terra, attutindo la caduta senza che nessuno dei
due riportasse ferite gravi. La scena viene citata anche in
seguito, quando Garrett spiega come è sopravvissuto all’esplosione
sul ponte usando lo stesso trucco.
Questo è un classico trucco di
Minecraft, che ha resistito alla prova del tempo fin dai primi
giorni del gioco. Qualsiasi quantità d’acqua attutisce una caduta
nel videogioco, quindi se un giocatore ha tempi di reazione
sufficientemente rapidi, può sopravvivere a una caduta da qualsiasi
distanza. Oggigiorno ci sono altri modi per sopravvivere a cadute
simili in Minecraft, ma il trucco del secchio d’acqua è chiaramente
rimasto importante per molti giocatori.
Abitante del Villaggio Idiota
Un sottotipo specifico di abitante
del villaggio
Mentre la maggior parte
degli abitanti del villaggio in Un film Minecraft svolgeva vari lavori nella
piccola città in cui vive Steve, ce n’è uno che si è trovato a
vagare per il portale per la Terra ed è fuggito nel mondo reale,
innamorandosi infine del personaggio di Jennifer Coolidge.
Indossava un abito verde e non sembrava avere alcun tipo di lavoro,
il che è un chiaro riferimento al sottotipo di abitante del
villaggio Idiota, che indossa un abito verde e non può ottenere una
professione.
La sottotrama
dell’abitante/vicepreside Marlene è stata uno degli aspetti più
divertenti del film, e conoscendo la natura idiota dell’abitante
del villaggio, ha ancora più senso. Sebbene Un film Minecraft sia molto buffo nel
complesso, quel punto della trama in particolare si distingue per
essere molto ridicolo, e sapere che l’abitante del villaggio (a cui
viene data voce in modo esilarante nella scena post-credit di
Un film Minecraft) era un idiota rende il
tutto ancora più divertente.
Ciclo del giorno di 20 minuti
Un cenno al funzionamento interno
del gioco
Questo è stato menzionato
molto presto nel film, quando l’Overworld è diventato notte molto
più velocemente di quanto i nuovi arrivati umani si aspettassero,
con Dawn che ha persino osservato che sembravano 20 minuti.
Ironicamente, aveva colto nel segno, dato che 20 minuti è
esattamente la durata di un giorno in Minecraft, con il tempo che
scorre 72 volte più velocemente che nel mondo reale.
Sebbene il tempo che scorre molto
più velocemente in Un film Minecraft sia una parte ovvia della
trama, il riferimento specifico al ciclo giorno-notte di 20 minuti
è un divertente cenno per chi ha più familiarità con il
funzionamento interno del gioco. È qualcosa che non è necessario
per capire cosa sta succedendo nel film, ma fa sentire meglio chi
lo conosce per aver capito il riferimento, che è ciò che sono la
maggior parte dei grandi Easter egg.
Pirotecnico con elitre
potenziate
Mantiene lo spirito del gioco
Questa scena è accaduta
poco prima che Steve si attutisca la caduta con il secchio d’acqua,
mentre Henry cercava di liberarsi dal piglin che gli si era
aggrappato alla gamba durante il volo. Tira fuori un fuoco
d’artificio e lo usa per ottenere un’enorme accelerazione, facendo
cadere il piglin dalla sua gamba prima di perdere il controllo e
infine schiantarsi con le elitre contro Garrett e Steve.
Questo momento era stato prefigurato
in precedenza, quando Steve disse che i fuochi d’artificio erano
utili per aumentare la velocità, quindi all’interno del film aveva
senso, dato che c’era un’introduzione e una conclusione. Anche i
fuochi d’artificio funzionano in questo modo nel gioco, sebbene
tendano ad essere molto meno volatili quando danno l’impulso di
velocità. Un film di Minecraft non è fedele al 100% alle regole di
Minecraft, ma riesce comunque a rimanere fedele allo spirito del
gioco, rendendo queste differenze irrilevanti nel grande schema
delle cose.
Non guardare un Enderman
Non attaccheranno mai per primi se
lasciati soli
Per i giocatori di
Minecraft, questo è uno dei consigli più importanti da dare a chi
ha meno familiarità con il gioco, poiché non seguire questo
avvertimento L’ing può causare molto dolore a chi non sa cosa sta
facendo. Gli Enderman sono tra i nemici più difficili di Minecraft,
ma ignoreranno completamente un giocatore a meno che non attacchi
per primo o non osi guardarlo negli occhi.
Un film Minecraft ha dato a tutti i diversi
nemici il loro momento di gloria e, per fortuna, all’Enderman è
stata concessa una scena in cui gli è stato permesso di essere la
terrificante creatura che è nel gioco. Sebbene la versione
videoludica di questi nemici non mostri ai giocatori le loro
peggiori paure che si avverano, farsene nemico al momento sbagliato
può certamente trasformare quelle paure in realtà in pochi colpi
rapidi.
Technoblade non muore mai
Uno YouTuber leggendario
C’è un momento in Un film Minecraft in cui appare un maiale con
una corona in testa, al che Henry chiede: “È una specie di re?” e
Steve risponde: “È una leggenda”. Questo è un riferimento allo
YouTuber di Minecraft Technoblade, il cui logo era un maiale con
una corona in testa. Technoblade è tragicamente scomparso qualche
anno fa all’età di 23 anni, rendendo questo tributo uno dei momenti
più strazianti del film.
Technoblade era amato dalla
community di Minecraft e la sua scomparsa è stata un momento che
sembra aver unito quasi tutti su Internet nel lutto per una persona
che ha portato così tanta gioia a così tante persone in tutto il
mondo. Minecraft ha persino aggiunto una schermata iniziale alla
home page del gioco con la scritta “Technoblade non muore mai!”
Fortunatamente, con questo Easter egg, Un film Minecraft continua questa tendenza,
consolidando la sua eredità nel film, assicurando che il suo
impatto sul gioco non venga dimenticato.
ATTENZIONE: Include GRANDI SPOILER
sul finale della terza stagione di The White Lotus
La terza stagione di The White Lotus si è
conclusa con un finale mozzafiato, ricco di colpi di scena e
morti di personaggi importanti. Creata da Mike
White, The White Lotus si è guadagnata la
reputazione di una delle serie dramedy più coinvolgenti della TV,
con ogni stagione incentrata su misteriosi decessi. Le dinamiche
tra i personaggi sono sempre avvincenti e il cast è straordinario,
ma la vera domanda che accompagna ogni episodio è sempre la stessa:
“Chi l’ha fatto?”, fin dalla prima puntata.
La stagione 3 di The White
Lotus ha presentato diverse trame che avrebbero potuto
facilmente sfociare in un bagno di sangue. In un momento, sembrava
che Timothy stesse per avvelenare l’intera famiglia Ratliff, e lo
show ha inscenato la morte di Lochlan. Nessuna delle tre donne in
vacanza sembrava davvero in pericolo, ma il loro rapporto con
Valentin e i suoi complici avrebbe potuto trasformarle in vittime
collaterali. Greg e Belinda hanno raggiunto un accordo, ma Belinda
sembrava una delle candidate più ovvie a morire. Le possibilità
erano molteplici, e ciò ha reso il climax della stagione ancora più
teso.
Jim – Ucciso da Rick
L’attore veterano Scott
Glenn si è unito al cast della terza stagione negli ultimi due
episodi, interpretando l’uomo che Rick aveva raggiunto a Bangkok.
La madre di Rick gli aveva raccontato che suo padre era stato
ucciso da uno speculatore edilizio in Thailandia, e Rick scopre che
Jim è il marito della proprietaria dell’hotel White Lotus, Sritala.
Nell’episodio 7, Rick ha finalmente l’occasione di affrontare
l’uomo, ottenendo una soddisfazione a lungo desiderata.
Purtroppo, Sritala e Jim tornano
all’hotel proprio l’ultimo giorno di Rick per scattare alcune foto
con la star televisiva Jaclyn Lemon, e ciò porta a un altro
incontro tra i due uomini. Stavolta, Jim dice a Rick di ricordarsi
di sua madre, definendola una “sgualdrina”. Questo fa perdere il
controllo a Rick, che, preso dal panico, si avvicina a Jim e gli
spara al petto. Solo in quel momento viene rivelato che Jim era
davvero suo padre.
Le guardie del corpo di Sritala –
Uccise da Rick
Le guardie del corpo di
Sritala si erano allontanate per lasciare spazio mentre i loro
clienti scattavano foto con Jaclyn, offrendo a Rick l’opportunità
perfetta per colpire Jim. Ne è seguito un conflitto a fuoco: Rick
si è messo al riparo e ha freddato entrambi i bodyguard con colpi
precisi. Si tratta degli stessi uomini che, durante tutta la
stagione, hanno maltrattato Gaitok, quindi è difficile provare
simpatia per la loro sorte. La loro assenza lascia un posto vacante
che, come mostrato nel montaggio finale, viene preso proprio da
Gaitok.
Chelsea – Uccisa dalle guardie del
corpo di Sritala
La morte di Chelsea è
forse la più tragica del finale della terza stagione di The
White Lotus, poiché si tratta semplicemente di una spettatrice
innocente coinvolta nello scontro a fuoco. La sua sorte era stata
in parte preannunciata nel corso della stagione, ad esempio con il
commento “le cose succedono sempre in tre” dopo che aveva già
sfiorato la morte due volte: durante la rapina dei gioielli e
all’incidente durante lo spettacolo dei serpenti. Il momento che
condivide con Rick, in cui parlano di stare insieme per sempre,
rappresentava chiaramente la quiete prima della tempesta.
Aimee Lou Wood è stata straordinaria
nel ruolo di Chelsea: sebbene il personaggio avesse una visione un
po’ curiosa della vita, era chiaramente una vittima di un ciclo
vizioso di vendetta. Rick forse provava davvero qualcosa per lei,
ma quella “tristezza” che lei tanto ammirava in lui ha finito per
avere la meglio sul loro legame. Rick non è riuscito a resistere
alla tentazione della vendetta, e Chelsea ha pagato con una
pallottola vagante al cuore.
Quando si rende conto che Chelsea è
morta, Rick capisce finalmente quanto significasse per lui. Al
momento del ritrovamento del suo corpo, è devastato nell’animo.
Forse ha messo fine al suo passato oscuro, ma ha perso ogni
possibilità di costruirsi un futuro. Porta via il corpo di Chelsea
in un ultimo tentativo disperato di salvare ciò che può,
probabilmente in preda allo shock, prima di essere colpito alle
spalle da Gaitok.
Gaitok è stato uno dei personaggi
più interessanti della terza stagione. Le pressioni esterne legate
alla mascolinità lo hanno spinto a rinnegare i suoi istinti
naturali di gentilezza e spiritualità. Non credeva nella violenza,
ma l’interesse amoroso per Mook e la voglia di affermarsi lo hanno
portato a cedere alle richieste di Sritala, che voleva vendetta per
la morte del marito. Gaitok forse ha ottenuto la promozione e la
ragazza, ma la serie lascia intendere che ha perso la sua anima nel
momento in cui ha premuto il grilletto contro Rick.
ATTENZIONE: seguono SPOILER
su The White Lotus stagione 3
Il colpo di scena che coinvolge
Lochlan nel finale di The White Lotus stagione 3 è stato uno
dei momenti più scioccanti dell’episodio. Dopo essere
apparentemente morto avvelenato da un frullato contenente semi
tossici dell’albero pong-pong, Lochlan torna miracolosamente in
vita mentre Timothy lo tiene tra le braccia. Sembrava essere la
prima vittima della stagione (e del finale stesso), ma contro ogni
aspettativa riprende conoscenza. Nonostante il finale presenti più
di una morte, Lochlan non è tra queste e torna a casa, in North
Carolina, con tutta la sua famiglia.
Mentre era creduto in fin di vita,
Lochlan immagina la sorella Piper e il fratello Saxon, prima di
ritrovarsi metaforicamente immerso in una profonda piscina,
guardando verso l’alto dove vede quattro figure simili a monaci o
maestri buddhisti. Quando si risveglia miracolosamente, racconta al
padre di aver visto Dio, dopo aver trascorso buona parte della
stagione confuso su molte cose. Sorprendentemente, nessun membro
della famiglia Ratliff muore nel finale. Dopo aver scoperto i guai
seri in cui si trova Timothy al ritorno, però, alcuni potrebbero
aver preferito aver finito quelle piña colada.
Perché Timothy cerca di avvelenare
Victoria, Saxon, Piper e sé stesso con il frutto pong-pong
Le tendenze suicide di
Timothy e le sue visioni oscure in cui uccideva la propria famiglia
hanno preso il sopravvento nel finale della stagione. Ecco perché
ha preparato quei cocktail congelati tossici. Perfettamente
consapevole del potere letale delle bevande, Timothy credeva di
agire per il bene della famiglia, che in larga parte aveva ammesso
di non poter vivere senza i privilegi del loro stile di vita.
Ucciderli prima che scoprissero cosa li attendeva negli Stati Uniti
era, secondo lui, l’unico modo per risparmiargli una vita di
difficoltà.
Timothy esclude intenzionalmente
Lochlan dall’avvelenamento di massa in stile Jonestown, ma non
perché fosse minorenne. Usa quell’argomentazione solo come scusa.
Lochlan è l’unico dei Ratliff ad aver detto che avrebbe potuto
vivere senza agi o persino senza una casa – un’affermazione che
Timothy, in uno stato mentale fragile e distorto, prende molto sul
serio. Saxon, la cui carriera dipendeva interamente da Timothy, e
Piper, che ha scoperto di non riuscire a stare un anno in
Thailandia perché il cibo era “troppo insipido”, avevano entrambi
fatto intendere – insieme a Victoria – di non poter sopportare una
vita da classe media o bassa.
Perché Timothy cambia idea
sull’avvelenare la famiglia
Dopo che la famiglia aveva già
bevuto qualche sorso, Timothy cambia improvvisamente idea e li
ferma prima che finiscano le bevande tossiche. Victoria, Saxon e
Piper avevano percepito che c’era qualcosa di strano nei cocktail,
ma, nel tipico stile Ratliff, nessuno ha voluto mettere in
discussione il padre, specialmente durante i festeggiamenti di fine
vacanza. La logica contorta che aveva portato Timothy a tentare
l’omicidio della sua famiglia si sgretola all’ultimo momento,
motivo per cui toglie il drink dalle mani di Saxon e finge che il
latte di cocco fosse andato a male.
Tim non riesce a essere onesto con
la famiglia, e sembra non ammettere mai chiaramente di aver quasi
ucciso tutti. Aspetta fino all’ultimo secondo possibile per parlare
della tempesta in arrivo una volta rientrati a casa, lasciando
tutti senza parole. Come Rick, che per tutta la stagione fantastica
di uccidere Jim ma finisce per ferirlo solo lievemente prima di
sparargli nel finale, anche le fantasie di Timothy prendono forma e
si trasformano in realtà. Incapace di immaginare la sua famiglia
senza i loro attaccamenti materiali, è convinto – in modo assurdo –
di agire per il loro bene.
L’avvelenamento accidentale e
l’esperienza di pre-morte di Lochlan spiegati
Lochlan, in modo
sconcertante, decide di farsi un frullato proteico usando il mixer
ancora sporco e pieno di semi tritati del frutto pong-pong. La sua
scelta di non pulirlo prima dell’uso è forse uno degli aspetti più
confusi dell’intera stagione, ma d’altra parte Lochlan è stato
costantemente confuso per tutto il tempo. Poco prima, Saxon aveva
cercato di spiegargli i ruoli di potere che li avevano condizionati
per anni, dicendogli che non doveva più idolatrarlo. Ma dalla loro
conversazione imbarazzante è chiaro che Lochlan aspira ancora a
essere come il fratello – ed è proprio per questo che si prepara
quel frullato.
Quello che accade dopo è volutamente
inspiegabile, e può solo essere descritto come un’esperienza di
pre-morte. Dopo che Victoria, Saxon e Piper escono per colazione
senza aspettarlo o controllarlo, Lochlan inizia a sentirsi male e
vomita violentemente. Aveva bevuto tutto il frullato, in cui si era
raccolta una gran parte dei semi tossici sul fondo del mixer.
L’esperienza spirituale che vive sul confine con la morte
probabilmente cambierà per sempre il suo rapporto con la vita e con
Dio. In un modo tanto strano quanto profondo, potrebbe persino
guarirlo da tutto il “marciume interiore” con cui ha lottato per
tutta la stagione.
Il vero significato del finale
della terza stagione per la famiglia Ratliff
Per quasi tutti i membri della
famiglia Ratliff, tornare a casa e vivere una vita semplice e
modesta potrebbe sembrare peggio di una condanna a morte. Sono
quasi tutti morti a causa delle azioni del loro stesso padre – o
marito, nel caso di Victoria – e ora dovranno affrontare insieme le
conseguenze dello scandalo di riciclaggio di denaro in cui è
coinvolto Timothy. Tim sembra finalmente aver accettato il proprio
destino, che con ogni probabilità includerà anche il carcere, ma
ciò che conta di più è che la sua immagine da “uomo di famiglia” è
ormai rovinata per sempre. Curiosamente, ora i Ratliff dovranno
iniziare a contare l’uno sull’altro a livello emotivo – come fa la
maggior parte delle famiglie – e questo potrebbe persino
avvicinarli.
La vacanza in Thailandia ha
brutalmente abbattuto il piedistallo su cui si trovavano. Piper non
potrà più ingannare i genitori per restare in resort di lusso con
secondi fini. Saxon dovrà rivedere drasticamente la sua idea di
mascolinità, carriera e scopo nella vita – e questo potrebbe essere
un bene. Victoria non potrà più passare le giornate abusando di
farmaci e dovrà probabilmente cercarsi un lavoro, specialmente se
Tim finirà davvero in prigione. Quanto a Lochlan, potrebbe
diventare il nuovo punto di riferimento emotivo della famiglia
Ratliff nei momenti difficili, risolvendo finalmente tutta la
confusione e il senso di smarrimento che lo hanno accompagnato fino
a questo finale di stagione.
Ci sono volti che rappresentano la
settima arte e battute che lasciano un segno indelebile nella
cinefilia. Con il suo stile interiorizzato, che emerge in un
sorriso gentile o in uno sguardo duro, Robert De
Niro è diventato una leggenda del cinema.
«Nutro sentimenti molto profondi
per il Festival
di Cannes…» ha dichiarato dopo aver appreso della sua
Palma d’oro onoraria. «Soprattutto oggi, in un momento in cui
nel mondo ci sono tante forze che ci dividono, Cannes ci unisce —
narratori, cineasti, fan e amici. È come tornare a casa.»
Il suo debutto sul grande schermo ha
segnato il destino di una storica generazione di registi di New
York, destinati a diventare la nuova generazione del cinema
hollywoodiano. Fin dai primissimi film del neolaureato
Brian De Palma, Robert De Niro ha prestato il
proprio volto a personaggi anti-eroici. The Wedding Party,
Greetings e Hi, Mom! danno forma tanto allo stile
di Brian De Palma quanto alla recitazione di De Niro, in cui la
violenza scaturisce da una calma carismatica. Dalla sua giovinezza
bohémien come figlio di pittori a New York, ha attinto a un
atteggiamento da “strada” che, con i suoi codici di comportamento
ed etica, ha vivacizzato le sue prime interpretazioni, per poi
sbocciare davanti alla cinepresa di Martin Scorsese. Questa leggendaria amicizia
cinematografica è iniziata nel 1973 con Mean
Streets, in cui raccontano il loro quartiere di
Little Italy.
Nel corso della sua carriera, De
Niro ha prestato la sua naturale autorevolezza a personaggi della
mafia italo-americana, da piccoli delinquenti a grandi boss,
rendendoli dei veri e propri marchi di fabbrica, a partire
dall’anno successivo. Poi ha interpretato uno dei ruoli più
significativi della sua carriera e della storia del cinema: il
giovane Vito Corleone in Il padrino – Parte
IIdi Francis Ford
Coppola, riuscendo nella sfida di dare vita agli anni
giovanili del personaggio di Marlon Brando senza imitarlo. La sua
interpretazione gli è valsa l’Oscar come Miglior attore non
protagonista.
Gli anni successivi hanno confermato
il talento di Robert De Niro, con una serie di film e successi. Nel
1976, ha presentato due capolavori della settima arte in Selezione
Ufficiale al Festival di Cannes: Novecento di Bernardo
Bertolucci e Taxi Driver di
Martin Scorsese, che ha vinto la Palma d’oro. La sua recitazione
perfezionista ha avuto un ruolo chiave in quel premio, tra
preparazione (ottenne una licenza da tassista a New York) e
improvvisazione (la scena allo specchio è indescrivibile).
Il suo impegno nei ruoli è diventato
leggendario, man mano che la collaborazione con Scorsese
continuava: ha imparato a suonare il sassofono per New York,
New York, si è allenato nella boxe e ha preso 30 chili per
Toro scatenato, un’idea sua, che gli è valsa l’Oscar come
Miglior attore protagonista. Per esorcizzare il suo rapporto
conflittuale con la fama, ha proposto la sceneggiatura di Re
per una notte al collega protagonista, arrivando persino a
intervistare i propri fan per interpretare un personaggio
ossessionato da un presentatore televisivo. Il film ha aperto il
Festival di Cannes nel 1983. L’anno successivo, sempre a Cannes, De
Niro ha presentato C’era una volta in
America, ultimo film di Sergio Leone, prima di tornare
sulla Croisette con Mission di Roland Joffé. Evento raro
per un attore, a soli 10 anni da Taxi Driver, Robert De
Niro ha recitato come protagonista in una seconda Palma d’oro.
Negli anni ’90, l’attore si è
reinventato. Ha giocato con la propria immagine autoritaria in
commedie come Bulloni di piombo di John McNaughton,
Jackie Brown di Quentin Tarantino, Terapia e
pallottole di Harold Ramis, e Ti presento i miei di
Jay Roach, in cui traumatizza un disponibile Ben Stiller.
Pur continuando a lavorare con
Martin Scorsese — Quei bravi ragazzi, Cape Fear – Il
promontorio della paura e Casinò — ha iniziato a
produrre e dirigere. Con Jane Rosenthal, ha fondato la TriBeCa
Productions nel 1989. Nel 1993 ha esordito alla regia con il suo
primo lungometraggio, Bronx, che affronta uno dei suoi
temi preferiti: come un quartiere può plasmare i rapporti
comunitari, tra violenza e legami familiari. Il suo secondo film da
regista, The Good Shepherd – L’ombra del potere, è uscito
13 anni dopo.
Negli anni 2000, ha alternato
apparizioni inaspettate — doppiaggio (Shark Tale,
Arthur e il popolo dei Minimei), sitcom (Extras,
30 Rock), ruoli secondari commoventi (Il lato
positivo, Joy) — a interpretazioni che confermano la
sua leggenda, in collaborazioni di altissimo livello come Heat
– La sfida con Al Pacino.
Dopo l’11 settembre, Robert De Niro
ha fondato il TriBeCa Film Festival nel 2002 per aiutare i
newyorkesi a riappropriarsi del loro quartiere ferito. Da allora ha
rivelato un altro lato della sua personalità: il suo impegno
politico. Prima ancora di diventare un fervente difensore di una
società egualitaria e umanista, non ha mai smesso di esplorare la
violenza della società americana in film che mostrano il nuovo
volto inquietante del crimine organizzato, il declino dello Stato,
il trauma della guerra in Vietnam e la manipolazione delle
coscienze da parte dell’industria dell’intrattenimento. Esempi
emblematici sono la sua interpretazione in Joker di Todd
Phillips e la sua più recente apparizione sulla Croisette per un
altro film con il suo amico Marty (Killers of the Flower
Moon).
Robert De Niro riceverà la Palma d’oro
onoraria del Festival di Cannes martedì 13 maggio 2025, durante la
cerimonia di apertura. Il giorno seguente, mercoledì 14 maggio,
incontrerà il pubblico del festival per una masterclass sul palco
del Théâtre Debussy.
Esce al cinema il 30 aprile
Ritrovarsi a Tokyo, il nuovo film di Guillaume
Senez con Romain Duris girato nella capitale del
Giappone. Il film è stato presentato in anteprima per il pubblico
domenica 6 aprile al cinema Nuovo Sacher di Roma, come evento
di chiusura di Rendez-Vous – Festival del Nuovo Cinema
Francese, promosso da Institut français Italia.
La trama di Ritrovarsi a
Tokyo
Ogni giorno Jay percorre Tokyo in
lungo e in largo a bordo del suo taxi, sperando di ritrovare sua
figlia Lily. Il matrimonio con una donna giapponese è naufragato
anni prima, ma in Giappone la legge non prevede l’affido congiunto:
l’unica possibilità che ha Jay di rivedere la figlia è incontrarla
per caso in una grande metropoli. Quando ha perso ormai le speranze
e sta per tornare in Francia, il destino sembra finalmente
offrirgli un’occasione straordinaria…
Dopo Le nostre battaglie
Guillaume Senez torna a dirigere Romain Duris in un film
intenso e emozionante, che ha anche il merito di raccontare il
Giappone di oggi da un punto di vista inusuale, in
cui convivono luci e ombre. Tra i più apprezzati attori della
sua generazione, Duris ha studiato per mesi il giapponese per
affrontare il ruolo al meglio, confermandosi un interprete
d’eccezione.
L’ultimo spettacolo è
in sala il 7, 8 e 9 aprile distribuito da Mescalito Film. Il documentariopone
l’attenzione su questo tema importanteed
è una storia di liberazione animale, la storia del più grande
sequestro di animali da un circo in Italia e racconta come 20
animali siano stati salvati dal Circo Martin in Sardegna, grazie
alla tenacia dei volontari e degli attivisti della LAV di Cagliari
che per anni, nonostante il nulla di fatto ogni volta che veniva
presentata una denuncia o una richiesta di controllo, hanno tenuto
duro, fino alla svolta del processo. L’ultimo spettacolo può quasi
considerarsi un
legal drama,
perché narra del processo per maltrattamento di animali, durato
dieci anni, che ha portato ad un risultato mai raggiunto prima: la
condanna in via definitiva in Cassazione per Eusanio Martino e Adam
Caroli, proprietari del Circo Martin. Un traguardo raggiunto anche
grazie ad un pool di avvocate determinate a non fare alcun passo
indietro di fronte alle intimidazioni e alle lungaggini del
processo. La loro tenacia ha contribuito a portare in salvo gli
animali del Circo Martin e ad una sentenza che ha fatto
giurisprudenza nel diritto animale. Il docufilm di Morabito,
attraverso la vicenda accaduta nel 2014, rivolge lo sguardo anche
all’attuale situazione dei circhi in Italia.
L’ultimo spettacolo è
l’opera prima di Andrea Morabito, giornalista e regista LAV
che ha saputo raccontare in 74 minuti la storia della più grande
liberazione di animali da un circo. Abbiamo raggiunto
telefonicamente Morabito, che con parole incisive e entusiastiche
ci ha raccontato la genesi del film.
“È una necessità ma anche un
sogno che si realizza” dice Andrea Morabito,
regista all’opera prima che lavora con LAV dal 2020 “La
storia degli animali del Circo
Martin aveva bisogno di tempo per essere raccontata in tutti i
suoi particolari. Negli anni io stesso, e la LAV, abbiamo avuto la
possibilità di mostrarla attraverso le news e i video per i social,
ma è una storia simbolica di quello che accade agli animali
all’interno dei circhi. In un anno fondamentale come questo, in cui
entro il 18 agosto il Ministero della Cultura si deve esprimere
sulla possibilità di interrompere per sempre il coinvolgimento
degli animali nei circhi, questa storia diventa necessaria e
rappresentativa di una battaglia. Per me già dal 2020 era diventato
un sogno raccontare questa storia, perché per tanto tempo ho
filmato questi animali di nascosto nella speranza di cogliere
dettagli i primi piani, e intanto mi incuriosivo e studiavo la loro
storia. Capivo come si era arrivati a questo risultato.”
L’ultimo spettacolo è
un documentario dal formato classico, con filmati di repertorio e
interviste, che adotta un ritmo di un legal drama. Ci sono dei film
che ti hanno ispirato nella realizzazione del film?
“Mi sono formato con
documentari come The Cove o Blackfish, produzioni americane che si
presentano anche come legal drama, o reportage d’inchiesta, sono
storie sempre legate al mondo animale. The Cove per esempio è un
documentario che ha vinto agli Oscar e racconta di maltrattamenti
sugli animali, per me è diventato una bibbia, mi ha insegnato a
capire in che modo si fa emergere non solo un fatto, ma anche
l’esperienza emotiva di chi ha partecipato. In questo modo sono
riuscito a trovare il modo affinché le persone che ho intervistato
tirassero fuori emozioni di dieci anni fa per il film.”
Com’è andata la
collaborazione con LAV nella fase di assemblaggio del
film?
“La raccolta di
immagini si è svolta due fronti: abbiamo usato materiale d’archivio
che nel corso degli anni LAV ha accumulato, per raccontare i
passaggi cruciali di questo evento, il sequestro gli animali, il
trasporto degli stessi nel centro di recupero, le investigazioni
nei circhi, tutto lavoro fatto negli anni anche prima che arrivassi
io. All’interno della LAV si è creato un team produttivo, e ogni
reparto ha svolto un ruolo. Il dipartimento comunicazione per
esempio è diventato proprio il cuore produttivo del film. La parte
di riprese vere e proprie è stata l’ultima e grazie a questo
processo abbiamo raccolto le testimonianze non solo di chi lavora
con LAV ma anche di chi ha collaborato con questa operazione nel
corso degli anni. Con tutto il materiale a nostra disposizione,
abbiamo poi realizzato una sceneggiatura e siamo andati avanti con
il montaggio”.
Il film si
trasforma, legal drama in forma di documentario, ma anche una
storia di resistenza e un approfondimento scientifico, dal momento
che mette insieme non solo l’esperienza di LAV, ovvero chi ha
salvato questi animali, ma anche l’attivismo, la giurisprudenza,
l’etologia. Come hai unito questi aspetti in maniera
organica?
“La trama principale
del film riguarda gli animali del Circo Martin. L’unione di questa
storia con le altre discipline è derivata dal naturale fluire del
racconto. Il tutto nasce dalla necessità di rispondere a una
domanda ‘C’è differenza tra quello che è avvenuto nel 2014 e quello
che vediamo oggi?’ Cercando una risposta, il discorso si è
naturalmente allargato a tutte le discipline che sono collegate
alla soluzione migliore al problema.”
Continua Andrea
Morabito: “La risposta la lascio ai protagonisti del
film ma queste testimonianze ci servivano per far capire che
smettere di far esibire gli animali era importante non solo di quel
circo ma è una necessità tutta’ora viva. Bisogna trovare una
soluzione unica e questa può essere la legge sul riordino dello
spettacolo e sul superamento degli animali nei circhi, grazie alla
quale una volta per tutte si può mettere fine all’utilizzo degli
animali per l’intrattenimento.”
L’ambizione di L’Ultimo
spettacolo è questa?
“Il film non vuole
solo sensibilizzazione o intrattenere, il film nasce per
un’esigenza politica, ovvero far comprendere quanto sia importante
rivalutare il ruolo degli animali che abbiamo nella società. Non
considerarli più solo delle marionette. Ci piacerebbe che questa
“tradizione” venisse superata. Ci sono stati in passato dei circhi
che esibivano persone con delle disabilità e quella tradizione, per
fortuna, è stata superata, ci sono stati degli zoo che esibivano
persone che provenivano da altri paesi. Oggi questa cosa qui non la
accetterebbe nessuno. Speriamo che anche esibire animali diventi
prima o poi inaccettabile.”
Ancora oggi si
stima che siano circa 2.000 gli animali usati nei circhi italiani,
costretti a spettacoli e addestramenti basati su violenza fisica e
psicologica, rinchiusi in piccoli spazi e ambienti inadeguati,
sottoposti a spostamenti molto stressanti. Da anni è prevista
l’approvazione di un decreto attuativo che vieti l’uso degli
animali in questi spettacoli, come avviene già in molti altri paesi
europei, approvazione che è stata numerose volte rimandata e che
deve essere approvato entro il prossimo 18 agosto pena la decadenza
della Legge-delega sullo spettacolo.
Un film
Minecraft, distribuito da Warner Bros. Pictures,
debutta con un weekend d’esordio straordinario, aprendo al primo
posto al box office incassando 4.8 milioni di euro in
Italia, richiamando nelle sale più di 620mila di spettatori di
tutte le età. Il debutto sul grande schermo del primo
adattamento cinematografico live-action di Minecraft, il videogioco
più popolare al mondo, registra in Italia il miglior weekend
d’esordio del 2025.
Mike De Luca e Pam
Abdy – CEO di Warner Bros. Motion Picture Group – dichiarano:
“Siamo estremamente felici che UN FILM MINECRAFT sia stato
accolto così calorosamente dal pubblico di tutto il mondo ed
estendiamo le nostre congratulazioni al regista Jared Hess e al suo
team di filmmakers, a Legendary, Vertigo, Mojang e al nostro
fenomenale cast guidato da Jason Momoa, Jack Black, Emma Myers,
Sebastian Hansen, Danielle Brooks e Jennifer Coolidge che hanno
contribuito a rendere il film un evento imperdibile per gli
spettatori di tutte le età. Il viaggio decennale di UN FILM
MINECRAFT verso le sale cinematografiche è stato seguito con grande
attenzione da Jesse Ehrman di Warner Bros. Pictures e dal suo team,
e siamo entusiasti che i loro sforzi abbiano avuto un riscontro
così straordinario. L’innovativa campagna di marketing condotta da
Dana Nussbaum, Christian Davin, John Stanford e i loro team,
insieme al piano strategico di distribuzione globale definito da
Jeff Goldstein e dal suo team, hanno portato a un risultato
spettacolare. A loro – e a tutte le divisioni di Warner Bros.
Discovery che hanno sostenuto il film – vanno i nostri
ringraziamenti per l’incredibile lavoro svolto”.
Diretto da
Jared Hess, con protagonisti Jason Momoa,
Jack Black, Emma Myers, Sebastian Hansen, Danielle Brooks
e Jennifer Coolidge, il film ha debuttato in
Italia il 3 aprile 2025 in oltre 550 schermi
cinematografici.
Disney+ ha annunciato la nuova
data di debutto di Good American Family, la serie
originale interpretata da
Ellen Pompeo, Mark Duplass e Imogen Reid, che arriverà in
Italia il 9 aprile sulla piattaforma streaming con
5 episodi disponibili al lancio, seguiti da un episodio a
settimana.
Raccontato da più punti di vista,
per esplorare prospettive, pregiudizi e traumi diversi, questo
avvincente drama si ispira alle vicende di una coppia del Midwest
che adotta una bambina con una rara forma di nanismo. Ma quando
iniziano a crescerla insieme ai loro tre figli biologici, emerge un
mistero sulla sua età e sulle sue origini, e cominciano lentamente
a sospettare che possa non essere chi dice di essere. Mentre
difendono la loro famiglia dalla figlia che credono rappresenti una
minaccia, lei combatte la sua battaglia per affrontare il suo
passato e il suo futuro, in una resa dei conti che si giocherà sui
tabloid e in tribunale.
Good American Family è
interpretata da Ellen Pompeo, Mark Duplass e Imogen Reid. Dulé
Hill, Christina Hendricks, Sarayu Blue e Jenny O’Hara sono guest
star ricorrenti.
La serie è creata da
Katie Robbins, che è anche executive producer e showrunner con
Sarah Sutherland. Ellen Pompeo è executive producer con la sua casa
di produzione Calamity Jane con Laura Holstein. Andrew Stearn, Dan
Spilo, Niles Kirchner e Mike Epps sono executive producer. Liz
Garbus è regista ed executive producer dell’episodio
pilota. Good American Family è prodotta da 20th
Television.
Un efficace sistema di parental
control assicura che Disney+ rimanga un’esperienza di
visione adatta a tutti i membri della famiglia. Oltre alla
“Modalità Junior” già presente sulla piattaforma, gli abbonati
possono impostare dei limiti di accesso ai contenuti per un
pubblico più adulto e creare profili con accesso tramite PIN, per
garantire massima tranquillità ai genitori.
Paramount ha appena diffuso il
trailer ufficiale e il poster di Mission:
Impossible – The Final Reckoning, quella che dovrebbe
essere l’ultima avventura di Ethan Hunt (Tom
Cruise) alle prese con le sue missioni impossibili.
Mission:
Impossible – The Final Reckoning, ottavo capitolo
della
saga, riprenderà dal drammatico cliffhanger lasciato da
Mission: Impossible – Dead Reckoning (qui
la recensione), e potrebbe essere la fine di Ethan Hunt
(Tom
Cruise) I dettagli sulla storia di quello che era
originariamente intitolato Mission: Impossible – Dead Reckoning
Parte Due sono ancora perlopiù coperti da segreto, e ci sono
state molte speculazioni su cosa potrebbe fare la star Tom
Cruise per superare le incredibili imprese compiute
interpretando l’agente dell’IMF Ethan Hunt. Dal momento che il
franchise è già stato una montagna russa di colpi di scena e di
azioni che sfidano la fede, le aspettative per questo ottavo
capitolo sono alte.
Il cast di Mission:
Impossible – The Final Reckoning include molti nomi che
ritornano dal cast del precedente film, a partire da Tom Cruise, ancora una volta nei panni della
superspia internazionale Ethan Hunt. Anche Simon
Pegg e Ving Rhames
torneranno, rispettivamente, nei panni di Benji e
Luther, due dei più stretti amici e fidati
consiglieri di Hunt. Tra gli altri membri del cast del nuovo film
figurano anche Vanessa Kirby nel ruolo della Vedova
Bianca ed Esai Morales nel ruolo del
nuovo cattivo Gabriel, un’oscura figura del
passato di Ethan.
Nonostante Mission:
Impossible – Dead Reckoning si sia concluso con
l’apparente assissinio di Paris, l’interprete
Pom Klementieff ha confermato il suo ritorno
per Mission: Impossible – The Final Reckoning.
Rolf Saxon tornerà a sua volta nel franchise,
riprendendo il ruolo dell’analista della CIA William
Donloe dal film originale del 1996. Donloe è stato visto
l’ultima volta degradato dal Kittridge di Henry
Czerny – che tornerà nel nuovo film – e riassegnato a una
sottostazione polare in Alaska per il pasticcio di Langley.
Confermato anche il ritorno di
Hayley Atwelle Angela
Bassett.
La data di uscita di
Mission: Impossible – The Final Reckoning è
fissata al 22 maggio 2025. La prima era stata
precedentemente fissata per il giugno 2024, ma è stata posticipata
di quasi un anno dalla Paramount per via degli scioperi degli
sceneggiatori e degli attori verificatisi e che hanno rallentato i
lavori. Quando il film uscirà in sala, saranno passati 29 anni
dall’uscita dell’originale Mission: Impossible, che si
colloca tra i franchise d’azione più longevi di sempre. Come
Dead Reckoning e i due precedenti film della saga, anche
l’ottavo capitolo sarà scritto e diretto da Christopher
McQuarrie, storico collaboratore di Cruise.
In arrivo il 10 aprile in sala con
01 Distribution, Eden
(qui
la recensione) è il nuovo film di Ron Howard
che è stato presentato in anteprima in Italia al Festival di
Torino. Il film segna il ritorno dell’amatissimo Howard sulla sedia
di regia a 5 anni dal suo sfortunato Elegia Americana che, come
molti altri titoli, ha sofferto a causa dell’anno d’uscita, il
2020.
Ron Howard però non ha certo bisogno
di presentazioni, vista la sua lunghissima e fortunata carriera
davanti e dietro alla macchina da presa. Per cui in attesa di
vedere Eden in sala, ecco i migliori titoli diretti dal
regista.
Cocoon – L’energia
dell’universo – 1985
Al suo secondo film da
regista, Ron Howard offre al pubblico quello che sarebbe diventato
un classico di fantascienza e che porta a casa due premi Oscar: al
migliore attore non protagonista Don Ameche e ai migliori effetti
visivi. Il film è un adattamento dall’omonimo romanzo
di David Saperstein.
Tre vecchietti di una casa di riposo
della Florida, facendo il bagno nella piscina di un vicino,
ritrovano l’energia della giovinezza ormai dimenticata. Senza
saperlo, sono entrati in contatto con alcuni bozzoli di origine
aliena, ripescati in mare dai loro compagni.
Ancora basandosi su un
libro, Lost Moon, scritto da Jim Lovell e Jeffrey
Kluger, Ron Howard realizza nel 1995 quello che forse è il suo film
più significativo e famoso, in cui dirige uno squadrone di
superstar: Tom Hanks, Kevin Bacon, Bill Paxton, Gary
Sinise, Ed Harris e Kathleen Quinlan.
Le vicende narrate sono quelle
della missione spaziale omonima, fallita a causa di un grave
incidente che mise a rischio la vita dei tre astronauti. Il film è
stato inserito nella lista stilata dal New York Times
dei 1000 migliori film di sempre.
Con ben nove nomination agli Oscar,
il film porta a casa il premio al miglior sonoro e al miglior
montaggio e ancora oggi è uno dei film “spaziali” più amati e
riconosciuti dal grande pubblico.
Il Grinch –
2000
Per alcuni è diventato
negli anni il film natalizio per eccellenza, anche in Italia dove
il libro omonimo del Dr. Seuss, dal cui è tratto, non è così
famoso come nei paesi anglofoni. Il Grinch rappresenta senza dubbio
una vetta del cinema di Ron Howard, che ha sempre avuto un occhio
di riguardo per il pubblico 0-100.
Il film non ha certo bisogno di
presentazioni, e si distingue per l’interpretazione memorabile di
Jim Carrey nei panni del verde bisbetico avverso al Natale.
A Beautiful Mind –
2001
L’anno dopo, Ron Howard
torna in sala con un film che ha segnato la storia del cinema
popolare. A Beautiful Mind è la storia romanzata della vita
turbolenta del matematico John Nash, genio dei numeri, premio Nobel
per l’economia e schizofrenico certificato. Il film ha trionfato
agli Academy Awards, portando a casa 4 statuette su otto
nomination, tra cui migliore sceneggiatura non originale (il film è
basato sulla biografia di Sylvia Nasar che venne pubblicata in
Italia col titolo Il genio dei numeri), e quelle
pesantissime di Migliore attrice non Protagonista Jennifer
Connelly, Migliore regia a Howard e Miglior film.
Come i titoli già citati, anche A
Beautiful mind è un capolavoro del popolo, uno di quei film di
stampo hollywoodiano che riescono a raggiungere una capillarità
tale da uscire dalla bolla dei cinefili e arrivare davvero al
mondo. Si tratta di uno degli ultimi film di Ron Howard ad aver
avuto questa potenza comunicativa. Nel 2000 il cinema e gli
spettatori sono cambiati.
Frost/Nixon – il duello –
2008
Forse meno famoso di altri
titoli citati ma di grande potenza e portato di una storia
potentissima, Frost/Nixon – Il duello è l’adattamento
cinematografico delle vere interviste a Nixon registrate nel
1977 dal giornalista britannico David Frost e
dell’omonimo dramma teatrale scritto da Peter
Morgan, che ha firmato anche la sceneggiatura del film. Il
film ha ottenuto cinque candidature agli Oscar 2009, tra cui
miglior film, miglior regista e miglior attore protagonista.
Il film è forte di un racconto
particolarmente affascinante e avvincente, nonché basato su una
storia vera, elemento che aumenta sempre l’interesse nel pubblico,
e si fregia dell’interpretazione brillante di una coppia di assi:
Frank Langella nei panni diRichard
Nixon e il bravissimo Michael Sheen in quelli di David Frost.
Sembra che il progetto facesse gola a molti a Hollywood e si
racconta che Howard ha battuto sul tempo una serie di grossi nomi
che avevano intenzione di girare il film: Martin
Scorsese, Mike Nichols, George Clooney, Sam Mendes,
e Bennett Miller.
Rush –
2013
Basato su una
sceneggiatura di Peter Morgan, racconta l’intensa
rivalità tra i piloti di Formula 1 James
Hunt e Niki Lauda, interpretati rispettivamente
da Chris Hemsworth e Daniel Brühl. Ron Howard si
tuffa nel mondo della F1 con lucidità e grazia, riesce a raccontare
con grande equilibrio la vita personale dei due fenomeni
protagonisti e la loro sfida personale, mettendone in
contrapposizione i caratteri e lo stile di guida e di vita.
Il risultato è un ritratto eroico di
una delle rivalità più famose e avvincenti che la storia della
Formula 1 e dello sport in generale ricordi. Ignorato, questa
volta, ai premi Oscar, il film ha avuto invece un grandissimo
successo di pubblico e in Italia è ancora visto e rivisto, nonché
amato moltissimo dal pubblico di tutte le età.
Esce in sala il 10 aprile Eden,
distribuito da 01 Distribution. Il film è stato presentato in
anteprima al Festival di Tornio del 2024.
Ambientato sull’isola
vulcanica di Floreana, nell’arcipelago delle Galápagos,
Eden
racconta l’incredibile storia di un gruppo di coloni europei che,
negli anni Trenta, decisero di abbandonare la civiltà per cercare
un’esistenza alternativa in un paradiso incontaminato. Tra i
protagonisti della pellicola troviamo un cast stellare guidato da
Jude Law nel ruolo del dottor Friedrich Ritter, Vanessa Kirby nel ruolo di Dora Strauch Ritter, e
Daniel Brühl nei panni di Heinz Wittmer. Accanto a loro
Sydney Sweeney, Jonathan Tittel, Ana de
Armas, Richard Roxburgh, Toby Wallace e Felix
Kammerer danno vita a una storia fatta di sogni, tensioni e
segreti sepolti sotto la superficie.
Arriverà al cinema il prossimo 28
maggio La trama Fenicia, il nuovo film diretto e
scritto da Wes Anderson che per l’occasione torna
a farsi circondare da un ventaglio variegato e brillante di attori
noti: Benicio del
Toro, Mia
Threapleton, Michael Cera, Riz Ahmed, Tom Hanks, Bryan Cranston,
Mathieu Amalric, Richard Ayoade, Jeffrey Wright, Scarlett Johansson, Benedict Cumberbatch,
Rupert Friend, Hope Davis.
Universal Pictures ha diffuso il trailer del film.
La storia di una famiglia e di un’impresa
familiare.
ATTENZIONE: SPOILER sul finale The
White Lotus stagione 3
Il finale della di The White Lotus stagione 3,
intitolato “Amor Fati“, rivela finalmente la fonte degli
spari e l’identità del corpo fluttuante visto per la prima volta
nell’episodio 1. L’episodio-fiume di 90 minuti inizia con Rick che
lascia Bangkok, che sorprendentemente non ha alcun impatto
nell’episodio. Nonostante le sue avances genuine, Gaitok sembra
perdere slancio nel corteggiamento di Mook, la quale lo vorrebbe
più ambizioso. Jaclyn e Kate indagano sulla notte selvaggia di
Laurie con Aleksei mentre Piper dice direttamente a Lochlan che non
vuole che lui si unisca a lei nella sua scelta di diventare
buddista.
Mentre l’episodio si svolge, un
Timothy disperato prende misure disperate per salvare la faccia con
la sua famiglia, pensando di fare la cosa giusta preparando a tutti
delle piña colada avvelenate. Tuttavia, risparmia Lochlan, non
perché sia sotto l’età legale per bere, ma perché Lochlan ammette
che probabilmente sarebbe in grado di vivere senza il privilegio e
la ricchezza con cui è nato. Con l’aiuto di Zion, che ha un MBA
presso l’Università di Houston, Belinda alza il prezzo del suo
silenzio da $ 100.000 a ben $ 5 milioni. Alla fine, è l’impulsività
di Rick a scatenare la tragedia nel finale della terza
stagione di The White Lotus.
Perché Rick ha ucciso Jim al Resort
e chi ha sparato a Chelsea
Rick ha avuto
l’opportunità di uccidere Jim in The White Lotus stagione 3, episodio 7, ma non
ci è riuscito, vedendo Jim come un vecchio fragile e trovando
compassione per lui nel peggior momento possibile. Questa decisione
si rivela avere conseguenze terribili per Rick, che scopre da
Sritala dopo aver sparato a Jim che Jim era in realtà suo
padre.
Sorprendentemente, Rick ha deciso di
rimanere al The White Lotus Thai Resort, sapendo
che Sritala e Jim avrebbero potuto sporgere denuncia o addirittura
farlo uccidere. Anche se Chelsea cerca di tenere Rick sotto
controllo, i demoni interiori di Rick prendono il sopravvento dopo
che Jim rovina la sua ritrovata pace interiore, insultando sua
madre, che Jim conosceva molto meglio di quanto avesse lasciato
intendere. Rick inizia la sparatoria con Jim e le guardie del corpo
di Sritala, che fa sì che Chelsea si becchi un proiettile
involontario.
Perché Gaitok ha ucciso Rick ma non
ha fatto la spia su Valentin
Mentre Gaitok aveva una buona
possibilità di essere ucciso nel finale della terza stagione di
The White Lotus, ha finito per essere l’eroe e per
avere l’amore della ragazza, Mook. Un improbabile assassino, a
Gaitok è stata presentata l’opportunità perfetta per dimostrare il
suo valore a Sritala e Mook quando contava di più ed è stato
eseguito in modo impeccabile. Gaitok fa il suo lavoro e fa fuori
l’assassino di Jim, Rick, che cade nello stagno circostante con
Chelsea tra le braccia.
Negli ultimi momenti del finale
della terza stagione di The White Lotus, Valentin
viene mostrato mentre festeggia con i suoi amici Aleksei e Vlad,
che Gaitok ha scoperto essere quelli che hanno rapinato la
gioielleria del resort. Gaitok avrebbe ancora potuto fare la spia
su Valentin per guadagnarsi l’onore di Sritala e i suoi colleghi,
ma non l’ha mai fatto. Poiché ha ucciso Rick, Gaitok è stato
apparentemente promosso a autista personale di Sritala, quindi era
già sulle tracce di cose più grandi e migliori. Con il crescente
supporto e rispetto di Mook, a Gaitok non importava più di
smascherare Valentin.
Il colpo di scena di Lochlan e la
sua visione spiegati
Lochlan apparentemente
torna dalla morte dopo aver ingerito accidentalmente il seme
velenoso di pong-pong rimasto nel frullatore. Perché Lochlan non
abbia pensato di pulire il frullatore prima di preparare un
frullato proteico è forse la più grande domanda senza risposta nel
finale della terza stagione di The White Lotus. Lochlan non fa
sempre cose che hanno molto senso, quindi la sua negligenza in un
certo senso è accertata.
Anche se Lochlan sembra morire a
causa della bevanda avvelenata, riprende miracolosamente conoscenza
dopo aver avuto una visione dei suoi fratelli e quattro monaci che
lo guardavano sopra l’acqua. Lochlan descrive questa esperienza
come vedere Dio.
Il piano di Tim con i semi di
pong-pong e perché si tira indietro
Tim stava davvero per
uccidere tutta la sua famiglia tranne Lochlan nel finale della
terza stagione di The White Lotus con quei
cocktail ghiacciati infusi di semi di pong-pong. Tim non sopportava
di affrontare la verità sul suo schema di riciclaggio di denaro e
credeva davvero che Victoria, Saxon e Piper sarebbero stati meglio
morti che poveri.
Tim era chiaramente molto ubriaco
quando prese quella decisione, che fu anche alimentata dalle
visioni di uccidere la sua famiglia all’inizio della stagione.
Tuttavia, è stata una mossa sbalorditiva per Tim guardare la sua
famiglia sorseggiare diversi cocktail avvelenati prima di farne
cadere uno dalle mani di Saxon.
Perché Piper ha deciso di non
restare in Thailandia
Piper decide in modo
esilarante che non sarà in grado di sopportare un anno di studio
del Buddhismo in Thailandia a causa del… cibo. Confessa ai suoi
genitori che il cibo che mangiava al monastero buddista era
insipido e insoddisfacente, il che la fece seriamente riconsiderare
la sua intera intenzione di vivere in Thailandia per un anno. Fino
al finale della terza stagione di The White Lotus,
sembrava che Piper fosse la vera pecora nera della
disfunzionale famiglia Ratliff. Questo cambiamento di cuore, e
ancor di più il ragionamento che c’è dietro, dimostra che il frutto
del pong-pong non cade lontano dall’albero e che Piper è
esattamente viziata e immatura come i suoi fratelli.
In che modo la confessione di
Laurie a cena l’ha resa più vicina a Jaclyn e Kate
La trama collettiva di
Laurie, Kate e Jaclyn passa in secondo piano nel finale
della terza stagione di The White Lotus, ma sono alcuni
dei pochi personaggi che finiscono con un lieto fine. Laurie, che
ha avuto un paio di anni difficili prima della sua vacanza in
Thailandia, continua a essere sincera con Kate e Jaclyn su come si
sente e cosa ha significato realmente per lei questa vacanza.
Jaclyn dice di essere stata
incredibilmente felice durante la loro vacanza, il che sembra
difficile da credere completamente e in un certo senso. Laurie
ribatte dicendo alle sue vecchie amiche che è triste,
principalmente perché stare con le belle e ricche Kate e Jaclyn la
costringe a confrontarsi con i suoi errori e rimpianti nella vita.
In definitiva, questa onestà avvicina più che mai il trio del “tour
della vittoria” senza dover fare affidamento sul loro solito
comportamento falso e cattivo.
L’accordo tra Greg e Belinda
spiegato e come mai lei cambia il suo piano con Pornchai
Greg non cerca di uccidere Belinda o
Zion e invece accetta la ridicola controfferta di Zion per tacere
su tutta quella storia di Tanya in Italia. Dopo aver inizialmente
offerto a Belinda $ 100.000, Zion risponde con $ 5 milioni senza
battere ciglio dopo aver fatto i compiti sulla ricchezza di Tanya.
Zion ha calcolato che $ 5 milioni ammonterebbero solo all’1% del
patrimonio netto di Greg, il che si è rivelato accurato. È stato un
grosso rischio che ha ottenuto una grande ricompensa per Belinda e
Zion, che hanno lasciato il White Lotus Thai Resort come
milionari. È interessante notare, tuttavia, che Belinda se
ne va senza dare a Pornchai la buona notizia, lasciandolo indietro
con i suoi sogni tra le mani, similmente a ciò che Tanya ha fatto a
Belinda nella stagione 1.
Il vero significato del finale
della terza stagione di White Lotus
The White Lotus stagione 3 – Cortesia di Sky
Il finale della terza stagione di
White Lotus non incluso risoluzioni per tutti i personaggi
coinvolti (Chloe e Frank sono stati per lo più esclusi
dall’episodio, per esempio). La maggior parte del dramma si basava
sull’impulsività incontrollabile di Rick che lo ha portato a
uccidere Jim, il suo vero padre. È reso ancora più incredibilmente
tragico dalla morte di Chelsea, poiché era probabilmente il
personaggio più simpatico dell’intera stagione. La morte di Jim
dimostra l’insensatezza e la definitività della violenza, mentre la
morte di Rick è più radicata nella giustizia.
La pace interiore di Rick si è
completamente dissolta dopo un insulto su sua madre da parte di
Jim, il che dimostra quanto sia fragile e perso Rick. È un peccato
che Chelsea non sia riuscita a “salvarlo”, ma è ancora peggio che
abbia creduto di poterlo fare e si sia persino presa la briga di
provarci. Per quanto riguarda la famiglia Ratliff, che
sorprendentemente è uscita viva dal finale della terza
stagione di The White Lotus, gli stili di vita
confortevoli a cui si erano abituati sono tutti morti su quella
barca una volta che hanno ricevuto la restituzione dei loro
telefoni. È un peccato che gli spettatori non possano vedere le
conseguenze della caduta di Timothy e come questa influenzi in modo
diverso ogni Ratliff.
Gaitok, che era una persona pacifica
e non violenta nonostante fosse una guardia di sicurezza, trae
enormi benefici dall’aver inflitto violenza nel posto e nel momento
giusti. Il suo finale fornisce un duro commento sul valore del
pensiero buddista in un mondo che spesso premia i comportamenti
aggressivi se portano a fini vantaggiosi per certe persone. Forse
la cosa più scioccante di tutte è che Greg, o Gary, la fa franca
ancora una volta ed è di nuovo libero di perseguire le sue contorte
fantasie sessuali con l’aiuto di Chloe. Il finale della
terza stagione di The White Lotus è stato traumatico per
alcuni, curativo per altri e, nel complesso, un viaggio selvaggio e
spiritualmente denso.
Prime Video presenterà in esclusiva alla XXV
edizione di COMICON Napoli le prime immagini della seconda
stagione della serie comedy Pesci piccoli, prodotta e ideata dalla content factory
The Jackal. Ciro Priello, Fabio
Balsamo, Aurora Leone e Gianluca Fru
incontreranno il pubblico del COMICON venerdì 2 maggio 2025 presso
l’Auditorium della Mostra d’Oltremare, insieme a Martina
Tinnirello, nella serie nei panni della manager Greta, e
al regista Francesco Ebbasta, che firma anche la
sceneggiatura. Prodotta da The Jackal e Mad Entertainment in
collaborazione con Prime Video, la seconda stagione di Pesci
Piccoli sarà disponibile con i suoi otto episodi in esclusiva
su Prime Video in Italia dal 13 giugno.
Pesci Piccoli, la serie con
protagonisti i The Jackal (Ciro Priello, Fabio Balsamo, Aurora
Leone, Gianluca Fru) e una piccola (e sgangherata) agenzia
pubblicitaria che continua a crescere, torna così con la seconda,
attesissima stagione. Greta (Martina Tinnirello) spinge l’azienda
verso sfide su scala nazionale con la complicità del producer
Fabio. Aurora supera un addio e si concentra sulla sua carriera,
Fru e Ciro affrontano i loro traumi imparando sempre più ad
accettarsi. La seconda stagione di Pesci Piccoli si immerge nel
racconto dei molteplici modi di accettare una vita diversa dai
modelli di perfezione con cui i millennial sono cresciuti. La serie
in otto episodi è ideata da Francesco Ebbasta e Alessandro Grespan,
che firmano anche la sceneggiatura con Alessandro Bosi e Mary
Brugiati, e diretta da Francesco Ebbasta, Alessandro Grespan,
Danilo Carlani e Alessio Dogana.
Nella suggestiva cornice di
Cinecittà sono state annunciate le nomination ai David di
Donatello 70. L’accademia del cinema italiano giunge così
alla settantesima edizione, per un anno di cinema che ha visto di
nuovo l’Italia affacciata sul panorama del cinema internazionale,
grazie alla presenza, per esempio, di Vermiglio di Maura Delpero
nella
shortlist degli Oscar e
nella cinquina dei Golden Globes.
Il film, che era stato presentato a
Venezia 74, ha portato a casa 14 nomination, come L’Arte della gioia di Valeria
Golino. Meglio di loro solo Parthenope di Paolo
Sorrentino e Berlinguer – La Grande Ambizione di
Andrea Segre. Entrambi i film sono stati
presentati ai Festival internazionali, rispettivamente, di Cannes e
di Roma.
Di seguito, le candidature dei film usciti nelle sale dal 1˚
gennaio al 31 dicembre 2024, in ordine alfabetico, votate dal 5 al
23 marzo 2025 dai componenti la Giuria dell’Accademia e trasmesse
ufficialmente dal Notaio Vincenzo Papi, dello Studio Papi –
Parisella.
Berlinguer – La grande ambizione – Stefania DE
SANTIS
Familia – Anna PENNELLA
Gloria! – Massimo APPOLLONI
L’arte della gioia – Francesco VEDOVATI, Anna
Maria SAMBUCCO, Massimo APPOLLONI
Vermiglio – Stefania RODÀ, Maurilio
MANGANO
MIGLIOR AUTORE DELLA
FOTOGRAFIA
Campo di battaglia – Luan AMELIO UJKAJ
Dostoevskij – Matteo COCCO
Hey Joe – Daniele CIPRÌ
L’arte della gioia – Fabio CIANCHETTI
Parthenope – Daria D’ANTONIO
Vermiglio – Mikhail KRICHMAN
MIGLIORE
COMPOSITORE
Berlinguer – La grande ambizione –
IOSONOUNCANE
Confidenza – Thom YORKE
Gloria! – Margherita VICARIO, Davide
PAVANELLO
Iddu – COLAPESCE
Il treno dei bambini – Nicola PIOVANI
MIGLIOR CANZONE ORIGINALE
Confidenza – Knife EdgeMusica,
testi e interpretazione di Thom YORKE
Diamanti – Diamanti Musica di Giuliano
TAVIANI, Carmelo TRAVIATesti di Giorgia TODRANIInterpretata da GIORGIA
Familia – AtomsMusica e testi
di Valerio VIGLIARInterpretata da Greta ZUCCOLI
Gloria! – Aria!Musica e testi di
Margherita VICARIO, Davide PAVANELLO, Edwyn Clark ROBERTS, Andrea
BONOMO, Gianluigi FAZIOInterpretata da Margherita
VICARIO
Iddu – La malvagitàMusica,
testi e interpretazione di COLAPESCE
MIGLIORE
SCENOGRAFIA
Berlinguer – La grande ambizione Scenografia
Alessandro VANNUCCIArredamento Laura CASALINI
L’arte della gioia Scenografia Luca MERLINIArredamento Giulietta RIMOLDI
Le déluge – Gli ultimi giorni di Maria Antonietta
Scenografia Tonino ZERAArredamento Maria Grazia
SCHIRRIPA, Carlotta DESMANN
Il premio al miglior cortometraggio viene assegnato
da una commissione composta da Domenico Dinoia, Mauro Donzelli,
Marzia Gandolfi, Francesco Giai Via, Paola Jacobbi, Maria Grazia
Mattei, Claudia Panzica, Marina Sanna, Maria Carolina Terzi.
MIGLIOR
CORTOMETRAGGIO
DOMENICA SERA di Matteo TORTONE
LA CONFESSIONE di Nicola SORCINELLI
LA RAGAZZA DI PRAGA di Andree LUCINI
MAJONEZË di Giulia GRANDINETTI
THE EGGREGORES’ THEORY di Andrea
GATOPOULOS
Il Premio David Giovani viene assegnato da una giuria
nazionale di studenti degli ultimi due anni di corso delle scuole
secondarie di II grado.