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MCU: le migliori canzoni utilizzate nell’universo condiviso

Stefano Terracina
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MCU: le migliori canzoni utilizzate nell’universo condiviso

Negli ultimi 12 anni, il MCU ha rivoluzionato lo standard dei cinecomic. Se da un lato è facile sottolineare le incredibili performance degli attori, le immagini straordinarie, le scene d’azione epiche e il lavoro senza precedenti sulla continuity, dall’altro ciò che distingue davvero l’universo condiviso è il tono dei suoi film. La musica ha sempre giocato un ruolo enorme nell’impostazione di questi toni, ed ecco che The Direct ha raccolto le migliori canzoni utilizzate nei film del MCU:

“The Rubberband Man” – Avengers: Infinity War

Uno dei momenti più attesi di Avengers: Infinity War era l’apparizione dei Guardiani della Galassia al fianco degli altri Vendicatori, quindi nel più ampio universo condiviso del MCU.

Prima di vederli apparire sullo schermo, sentiamo il sottile basso di “The Rubberband Man” degli Spinners. È un momento tanto funky quanto perfetto, che anticipa il viaggio attraverso la galassia di questi eroi in procinto di incorrere in una serie (almeno all’apparenza) indistricabile di problemi.

“Shoot to Thrill” – Iron Man 2 / The Avengers

Ovviamente, Iron Man è stato in grado di infondere il proprio marchio anche nei temi musicali dei film a lui dedicati. Molto spesso, gli AC/DC hanno rappresentato il catalizzatore di quel marchio. Nel suo ingresso alla Stark Expo in Iron Man 2, Tony ha mostrato al mondo di che pasta è fatto sulle note epiche di “Shoot to Thrill”.

La canzone è stata utilizzata anche in The Avengers, quando Tony Stark è arrivato in ritardo – ma sempre in grande stile – al primo incontro della squadra con Loki ad Amburgo.

“Opps” – Black Panther

Black Panther è stato considerato un fenomeno culturale per tutta una serie di ragioni, una delle quali è l’uso del genere hip-hop per dare ancora più credibilità ad alcune incredibili sequenze.

L’inclusione di “Opps” di Kendrick Lamar nel mezzo di una scena di inseguimento in auto piuttosto sorprendente, non ha fatto altro che aumentare l’energia intrisa nell’intera sequenza. La colonna sonora del film, vincitrice dell’Oscar, è uno dei tanti elementi che hanno contribuito a dare vita a Wakanda e alla storia di T’Challa.

“Trouble Man” – Captain America: The Winter Soldier

Captain America: The Winter Soldier potrebbe essere considerato il film più radicato nella realtà del MCU, e anche in questo caso, la musica è al servizio della storia. Nella prima scena del film, assistiamo all’incontro tra Steve Rogers e Sam Wilson.

A fare da sottofondo a quel momento, abbiamo la canzone “Trouble Man” di Marvin Gaye (con tanto di riferimento al film omonimo). Quella stessa canzone viene riprese nella scena finale, quando Cap è ormai sconfitto e distrutto.

“Dear Mr. Fantasy” – Avengers: Endgame

In Avengers: Endgame, i fratelli Russo non ci hanno risparmiato le emozioni forti, e ciò non riguarda soltanto le tragiche morti di alcuni degli eroi più amati, ma anche l’utilizzo della musica.

Dopo essere stati trascinati di nuovo nella tristezza cementata da Avengers: Infinity War, ascoltiamo le bellissime note di “Dear Mr. Fantasy” mentre diamo il nostro primo sguardo a Tony Stark, dopo lo schiocco delle dita di Thanos.

“O-O-H Child” – Guardians of the Galaxy Vol. 1

Il primo Guardiani della Galassia è il film che ha avuto un impatto decisivo sull’uso della musica nei film dedicati ai supereroi. Uno degli aspetti più importanti di come la musica è stata utilizzata in questo film è rappresentato dal realismo.

Lo stereo dell’astronave Milano giace tra le macerie mentre Peter Quill colpisce Ronin sulle note di “O-O-H Child” dei Five Stairsteps. Sarebbe potuta passare alla storia come una delle sequenze più imbarazzanti di sempre, e invece, grazie alla visione di James Gunn, quella canzone si adatta perfettamente al momento.

Father & Son – Guardians of the Galaxy Vol. 2

https://www.youtube.com/watch?v=_1gtbfuZaHg

Quando abbiamo appreso per la prima volta che avremmo avuto un film del MCU con un procione parlante, un albero articolato a malapena, Dave Bautista coperto di vernice e uno degli attori di The Walking Dead dipinto di blu, nessuno di noi sapeva davvero a cosa sarebbe andato incontro.

Anni dopo, Guardiani della Galassia Vol. 2 e la scena finale con Rocket Racoon in lacrime, ci avrebbe regalato uno dei momento più emozionanti dell’universo condiviso. “Father and Son” di Cat Stevens risuona nella scena del funerale di Yondu insieme agli altri Ravager, ed è senza dubbio una delle scene più sorprendenti del MCU fino ad oggi.

“Brandy” – Guardians of the Galaxy Vol. 2

Prendere un’oscura canzone pop degli anni ’70 come “Brandy” dei Looking Glass ed usarla come una delle canzoni di un film di supereroi crivellato di alieni è davvero una scelta ardua. Ma James Gunn riesce a far funzionare sempre tutto quello che la sua mente iperattiva partorisce.

Guardiani della Galassia Vol. 2 è una grande storia sulla famiglia e sul destino, e questa canzone non serve soltanto da velata motivazione per l’antagonista e per il suo destino, ma può anche essere cantata a squarciagola da Meridith Quill in una straordinaria Ford Mustang di seconda generazione.

“Come and Get Your Love” – Guardians of the Galaxy Vol. 1

Nessuno, nemmeno i fan dei fumetti, sapevano cosa aspettarsi dal primo Guardiani della Galassia. E per i primi sei minuti e diciotto secondi del film, sembrava di essere di fronte all’ennesimo film ambientato nello spazio realizzato con un budget elevato.

Poi, Chris Pratt si infila le cuffie di un vecchio walkman… e sentiamo per la prima volta “Come and Get Your Love” dei Redbones. Quella scena sarà destinata a cambiare la nostra percezione del MCU per sempre…

“Back in Black” – Iron Man/Spider-Man: Far From Home

Nessuno metterà mai in dubbio che Iron Man sia stato un punto di svolta per tutti coloro che amano i film di supereroi. Una volta che abbiamo sentito “Back In Black” degli AC/DC in un film su un miliardario che beve whisky in un Hum-v, abbiamo subito capito che sarebbe stato un film speciale.

E proprio come la maggior parte delle cose incredibili del MCU, anche questa canzone ha un significato molto più profondo. L’abbiamo infatti sentita anche in Spider-Man: Far From Home, a sottolineare quanto sia stata importante la relazione tra Tony Stark e Peter Parker.

“Immigrant Song” – Thor: Ragnarok

Questa canzone, quella scena con il Dio del Tuono… quella battaglia finale in Thor: Ragnarok… è tutto più che perfetto. Non c’è davvero bisogno di spiegare perché “Immigrant Song” dei Led Zeppelin sia senza dubbio il meglio che il MCU abbia da offrire.

“It’s Been A Long, Long Time” – Avengers: Endgame

Non c’è dubbio che Steve Rogers sia il cuore del MCU. 21 film e, per tutto il tempo, dal primo giorno in cui l’abbiamo visto entrare in azione, tutto ciò che Cap voleva era ballare con la sua amata Peggy. E dopo aver dato tutto quello che poteva in nome del suo paese, Steve ottiene finalmente di poter realizzare il suo desiderio. Nella scena finale che chiude la Saga dell’Infinito, Cap fa suonare “It’s Been A Long, Long Time” di Harry James. La conclusione perfetta di uno degli archi narrativi più amati dai fan dell’universo condiviso.

Jurassic World: Dominion, modifiche allo script a causa del Covid-19

Stefano Terracina
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Jurassic World: Dominion, modifiche allo script a causa del Covid-19

In occasione di una recente intervista con PeopleTV’s Couch Surfing, Jeff Goldblum ha parlato di Jurassic World: Dominion, l’atteso nuovo capitolo della saga dedicata ai dinosauri, le cui riprese sono nuovamente in corso dopo lo stop causato dalla pandemia di Covid-19.

Proprio in merito alla pandemia e all’emergenza sanitaria, l’attore ha lasciato intendere che alle luce di quanto accaduto a livello mondiale sono state apportate una serie di modifiche alla sceneggiatura: “Ci sono alcuni elementi nel film che stiamo trovando particolarmente calzanti, ma altri che toccano corde troppo sensibili che la produzione sta sistemando. L’obiettivo è quello di renderli più giusti in riferimento all’oggi e più adatti ai tempi che stiamo vivendo.”

Goldblum, che nel film tornerà a vestire i panni del Dr. Ian Malcolm dopo Jurassic Park, Il mondo perduto – Jurassic Park e un breve cameo in Jurassic World – Il regno distrutto, ha poi parlato brevemente del suo personaggio, sottolineando quanto sia sempre stato rilevante: “Si dà il caso che il mio personaggio parli e abbia sempre parlato di certe cose. Della fragilità della nostra specie e di quanto sia necessaria la cooperazione globale, di quanto sia necessario credere nella scienza e nel suo fondamento etico, necessario per unirci nella fiducia e nella connettività come famiglia, oltre che per raggiungere il nostro potenziale e fare del bene da soli per questo glorioso pianeta “.

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Jurassic World: Dominion vedrà sia Chris Pratt che Bryce Dallas Howard tornare nei loro ruoli. Insieme a loro, ritroveremo anche Justice Smith, Daniella Pineda, Jake Johnson e Omar Sy. Laura Dern e Sam Neill riprenderanno rispettivamente i ruoli che avevano in Jurassic Park, rispettivamente la Dr. Ellie Sattler e il Dr. Alan Grant. I personaggi sono stati visti per l’ultima volta nel Jurassic Park 3 del 2001. Un altro eroe originale, Ian Malcolm, interpretato da Jeff Goldblum, ha firmato per tornare in Jurassic World 3. Goldblum è stato visto l’ultima volta in Jurassic World: Il Regno Distrutto.

Alien: Ridley Scott è ancora al lavoro su un nuovo film

Stefano Terracina
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Alien: Ridley Scott è ancora al lavoro su un nuovo film

Ridley Scott ha confermato di essere ancora al lavoro su un nuovo film di Alien. Rilasciato nel 1979, il primo film del franchise ha cambiato per sempre la storia del cinema grazie alla sua combinazione di fantascienza e horror, e anche alla presenza dell’iconica eroina femminile Ellen Ripley, interpretata da Sigourney Weaver.

Dopo tre film senza il suo diretto coinvolgimento (e un paio di spinoff appartenenti alla serie Alien vs. Predator), Scott è finalmente tornato ad occuparsi della saga grazie al prequel Prometheus del 2012, un tentativo di espandere la mitologia di Alien che è stato accolto con enorme scetticismo da parte dei fan. Il film ha avuto anche un sequel, Alien: Covenant del 2017, che ha incassato soltanto 240 milioni al box office mondiale e che – almeno apparentemente – aveva congelato il franchise per sempre.

Nonostante quel film sia stato bombardato tanto dalla critica quanto dal pubblico, sembra che ci sia ancora speranza per altri film della saga di Alien. Parlando con Forbes, è stato proprio Ridley Scott a confermare di essere ancora al lavoro su un altro film del franchise, senza però nascondere i suoi dubbi in merito all’approccio da adottare con il nuovo film rispetto alla proprietà in generale. 

“Un nuovo film è in programma. Con Prometheus e Covenant abbiamo provato a seguire una nuova strada e a reinventarci. Qualora andassimo avanti con la saga, non credo racconteremo una storia ambientata prima dei fatti narrati in Prometheus. Ciò che è stato fatto è già sufficiente. Adesso i fan si stanno facendo una serie di domande fondamentali: Alien, il facehugger, il chestubster… è stato già detto tutto su di loro o c’è ancora altro da raccontare? Noi continuiamo a chiedersi se si dovrebbe ripartire da zero, e magari provare a conservare il ‘brand’ Alien solo in funzione del franchise. La domanda fondamentale continuano ad essere questa.”

Alien: proseguire con i prequel o ripartire da zero?

Insomma, Ridley Scott sembra fortemente intenzionato a far proseguire il franchise di Alien, anche se ciò dovesse significare far ripartire la storia “da zero”. Nonostante Covenant ha lasciato una porta aperta per un eventuale prosieguo, Scott sembra essere consapevole che forse è arrivato il momento di svecchiare in qualche modo il franchise, optando per nuove soluzioni narrative. Sarà davvero così? Solo il tempo ce lo dirà…

Tenet supera i 100 milioni di dollari al box office mondiale

Stefano Terracina
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Tenet supera i 100 milioni di dollari al box office mondiale

Tenet ha incassato più di 100 milioni di dollari al box office mondiale, tagliando il traguardo grazie alla release in Cina e negli Stati Uniti della scorso settimana e superando di gran lunga le aspettative. Il film, diretto da Christopher Nolan, avrebbe dovuto riportare il pubblico in sala, ma al di là delle classiche speculazioni, nessuno poteva davvero sapere se ciò sarebbe effettivamente accaduto.

La maggior parte dei cinema che hanno riaperto in tutto il mondo seguono – giustamente – una serie di politiche rigorose per cercare di contenere la diffusione del Coronavirus, limitando drasticamente il numero di posti per ogni singola proiezione. Tenet è stato il primo grande blockbuster hollywoodiano ad essere rilasciato dopo un’estate particolarmente triste che ha visto i cinema costretti a rimanere chiusi a causa della pandemia.

Variety – via Screen Rant – riferisce che il film ha raggiunto i 100 milioni di dollari a livello internazionale questo fine settimana, e sebbene questo non sarà sufficiente per salvare il botteghino, è sicuramente un inizio promettente. La longevità è la chiave in questi tempi incerti e, non essendoci molto altro in uscita, la Warner Bros. può ancora sperare che il suo film abbia la capacità di realizzare un profitto superiore al budget di 200 milioni di dollari impiegato per la produzione del film.

Lo studio spera di superare almeno la soglia dei 450 milioni di dollari in tutto il mondo: grazie all’incasso internazionale di 100 milioni di dollari questo fine settimana, sembra alquanto possibile che il film riesce a superare quella soglia. Sempre lo scorso fine settimana, il film ha anche incassato 20 milioni di dollari in Cina e sta lottando per il primo posto al box office, un altro promettente indicatore del fatto che Tenet prospererà nonostante le precedenti incertezze circa la sua uscita in sala.

Tenet di Christopher Nolan arriverà al cinema il 03 Agosto. Il cast annovera John David Washington, Robert Pattinson, Elizabeth Debicki, Michael Caine, Kenneth Branagh, Dimple Kapadia, Aaron Taylor-Johnson e Clémence Poésy. Il film, il primo lungometraggio di Nolan dal 2017, anno di uscita di Dunkirk, viene descritto come un’epica storia action che si svolge nel mondo dello spionaggio internazionale.

Justice League: continua la diatriba tra Ray Fisher e la WB

Stefano Terracina
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Justice League: continua la diatriba tra Ray Fisher e la WB

A quanto pare, non sembra esserci fine per la diatriba tra la Warner Bros. e Ray Fisher in merito alla produzione di Justice League. Dopo che l’interprete di Cyborg ha pubblicamente accusato il regista Joss Whedon di aver assunto un comportamento poco professionale durante le riprese aggiuntive, la major ha ufficialmente avviato un’indagine per provare la veridicità delle pesanti affermazione dell’attore.

Alcuni giorni fa, Fisher ha dichiarato sempre via Twitter che la DC Films gli avrebbe fatto pressioni per cercare di non coinvolgere Geoff Johns nelle sue affermazioni (già comunque tirato in ballo dall’attore in merito alla vicenda tramite alcuni tweet passati). Dopo le recenti dichiarazioni, la Warner Bros. ha rilasciato un comunicato ufficiale per spiegare meglio la vicenda, sottolineando che – in realtà – Fisher non starebbe collaborando alle indagini.

Secondo quanto si legge nel comunicato, l’interprete di Cyborg non avrebbe procurato delle “prove credibili” dei presunti comportamenti “non professionali” e non avrebbe voluto incontrare un investigatore terzo. Così, subito dopo la diffusione del comunicato, Fisher è tornato nuovamente all’attacco, smentendo – sempre via Twitter – quanto affermato dalla major e postando una copia della mail mandata al suo avvocato:

“Grazie a tutti per il supporto e per aver notato il modo disperato e indiscriminato da parte della Warner Bros. di mettermi in cattiva luce continuando a proteggere chi ha il potere. Ho incontrato l’investigatore su Zoom il 26 Agosto. Ecco la mail che ho mandato al mio team e al sindacato degli attori subito dopo.”

“Ho appena riattaccato con l’investigatore. Ho dovuto concludere la chiamata prima di entrare nel dettaglio. È chiaro che è stato ingaggiato dalla Warner Bros. Pictures e non da Warner Media. Le sue conclusioni verranno condivise unicamente con i legali della Warner Bros. Pictures. Inoltre c’era un’altra persona in linea, come testimone, e noi non lo sapevamo. Ho detto che avevo bisogno anche io di un’altra persona in linea, per sicurezza. Ha cercato di farmi rimanere, ma gli ho detto che avrei dovuto consultarmi con il mio team prima di procedere.

Vi ricordiamo che la Snyder Cut di Justice League uscirà nel 2021 sulla piattaforma streaming di Warner Bros HBO Max che è disponibile negli USA dall’Aprile scorso. Attualmente non sappiamo se in Italia la versione debutterà su qualche piattaforma streaming dato che HBO MAX non è disponibile nel nostro paese. Ma sappiamo che HBO in Italia ha un accordo in esclusiva con SKY, dunque potrebbe essere una valida teoria pensare che in Italia il film possa essere programmato su SKY CINEMA o su SKY ATLANTIC. Tuttavia, quest’ultima è solo una supposizione dunque non ci resta che aspettare ulteriori notizie.

Justice League è il film del 2017 diretto da Zack Snyder e rimaneggiato da Joss Whedon. Nel film vedremo protagonista Henry Cavill come Superman, Ben Affleck come Batman, Gal Gadot come Wonder Woman, Ezra Miller come Flash, Jason Momoa come Aquaman e Ray Fisher come Cyborg. Nel cast anche Amber Heard, Amy Adams, Jesse Eisenberg, Willem Dafoe, J.K. Simmons e Jeremy Irons. I produttori esecutivi del film sono Wesley Coller, Goeff Johns e Ben Affleck stesso.

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Infinity celebra il compleanno di Dario Argento

Redazione
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Infinity celebra il compleanno di Dario Argento

Il celebre regista e sceneggiatore italiano, Dario Argento, festeggia oggi il suo ottantesimo compleanno e, per l’occasione, Infinity propone una selezione di alcuni titoli diretti dal re del brivido.

Tra i più amati capolavori di Dario Argento, accompagnato dalla celebre colonna sonora dei Goblin, Profondo Rosso segue le vicende del pianista Marc, che è testimone dell’omicidio di Helga e vuole scoprire chi l’ha uccisa, ma le persone in grado di aiutarlo a risolvere il mistero vengono uccise una alla volta…

Con le musiche di Ennio Morricone e interpretati da Asia Argento, sono disponibili su Infinity anche Il Fantasma dell’Opera, tratto dall’omonimo romanzo di Gaston Leroux, in cui il fantasma dell’Opera si invaghisce della bella Christine ed esce dai sotterranei del teatro; e La Sindrome di Stendhal, in cui la poliziotta Anna Manni viene rapita e stuprata dal serial killer al quale sta dando la caccia: le conseguenze sulla sua personalità saranno devastanti.

Interpretato da Stefania Rocca, Liam Cunningham e Claudio Santamaria, Il Cartaio segue le vicende di un misterioso e spietato assassino che sfida le forze dell’ordine che gli danno la caccia. Il killer si firma “Il Cartaio” per la sua mania per il gioco delle carte.

Non ho sonno racconta la storia del giovane Giacomo che, traumatizzato in tenera età dall’assassinio della madre, indaga su un serial killer che miete vittime seguendo un’inquietante filastrocca ed è aiutato dall’ex commissario Ulisse Moretti.

In Trauma, un giovane aiuta un’adolescente, interpretata da Asia Argento, fuggita da una clinica dopo aver assistito all’omicidio dei genitori, a trovare il killer prima che uccida di nuovo…

Animali Fantastici 3: un membro del cast propone una folle teoria su Hagrid

Stefano Terracina
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Animali Fantastici 3: un membro del cast propone una folle teoria su Hagrid

Durante una recente intervista con The Movie Dweeb, Dan Fogler, interprete di Jacob Kowalski nella saga di Animali Fantastici, ha paralto della possibilità che altri personaggi del mondo di Harry Potter possano essere incorporati nel nuovo franchise, come accaduto alla versione giovane di Silente interpretata da Jude Law.

Tra i possibili personaggi, è stato tirato in ballo anche Hagrid, il mezzogigante guardiacaccia, nonché Custode delle Chiavi e dei Luoghi ad Hogwarts, colui che rivela la verità sulla sua natura e sull’esistenza del Mondo Magico ad Harry. A tal proposito, Fogler ha detto: “Non sarebbe male un crossover con Hagrid. Sarebbe interessante. È di questo che si parla in giro? Onestamente non lo sapevo. Io ci ho sempre pensato, perché amo il personaggio. Chi non ama Hagrid?”

A quel punto l’attore ha esposto la sua teoria e parlato di come Hagrid potrebbe essere inserito all’interno del franchise di Animali Fantastici: “Magari la madre di Hagrid, Fridwulfa, potrebbe andare da Newt e dirgli: ‘Questo è mio figlio, puoi prenderti cura di lui?’. Ma Newt sarebbe un po’ troppo occupato. Allora verrebbe da me, che potrei rispondere: ‘Va bene. Mi prenderò cura di questo bambino gigante’.”

Parlando poi dell’atteso Animali Fantastici 3, le cui riprese partiranno ufficialmente il prossimo Ottobre dopo essere state rimandate a causa dell’emergenza Covid-19, Fogler ha aggiunto brevemente: “Il mio personaggio avrà sicuramente tanto da fare in questo nuovo film, e ne sono felicissimo. Tutta la storia punterà alla Seconda Guerra Mondiale.”

Animali Fantastici 3 risponderà ai misteri insoluti del precedente episodio?

Al momento la data di uscita di Animali Fantastici 3 è ancora fissata per Novembre 2021: non è chiaro se i continui ritardi nella produzione avranno effetti anche sull’uscita in sala. I crimini di Grindelwald si è concluso con diversi cliffhanger, inclusa la rivelazione che Credence Barebone (Ezra Miller) è in realtà Aurelius Dumbledore, il fratello perduto da tempo di Albus. Proprio per questo, i fan non vedono l’ora di scoprire in che modo la trama del terzo film risponderà ai misteri insoluti del precedente episodio.

Doctor Strange 2: anche i figli di Wanda e Visione nel film?

Stefano Terracina
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Doctor Strange 2: anche i figli di Wanda e Visione nel film?

Da quando i personaggi di Wanda e Visione sono diventati ufficialmente una coppia nel MCU, i fan hanno cominciato a chiedersi se i Marvel Studios avrebbero mai introdotto nell’universo condiviso i loro due figli, Billy e Tommy. In tal senso, le prime immagini ufficiali della serie WandaVision presenti all’interno dello spot trasmesso in occasione dello scorso SuperBowl, potrebbero aver rivelato più del dovuto sulla trama dello show.

Le immagini hanno confermato che, al di là dell’ambientazione da sit-com anni ’50, la serie con Elizabeth Olsen e Paul Bettany omaggerà anche altri celebri classici della tv americana. Inoltre, per una manciata di secondi, è possibile vedere i personaggi di Wanda e Visione di fronte a due culle: naturalmente, i fan hanno iniziato a speculare sulla presenza dei loro gemelli (nonché futuri Vendicatori) all’interno della serie.

È da tempo che ci parla del possibile debutto di Wiccan e Speed nel MCU, e adesso un nuovo rumor sembrerebbe confermare i piani dei Marvel Studios in relazione ai due gemelli. Secondo quanto riportato da Jeremy Conrad di MCU Cosmic (via The Direct), Wiccan e Speed appariranno in Doctor Strange in the Multiverse of Madness insieme allo Stregone Supremo e a Wanda Maximoff. Nello specifico, nel sequel appariranno le versioni ormai adulte dei personaggi che vedremo in WandaVision (che dovrebbero, comunque, apparire anche nella serie).

Con Doctor Strange 2 la Marvel preparerà il terreno per l’introduzione degli Young Avengers?

Naturalmente, non esiste ancora una conferma ufficiale e per adesso si tratta di un puro e semplice rumor. Tuttavia, è interessante notare come l’eventuale presenza dei personaggi di Wiccan e Speed nel sequel di Doctor Strange rappresenti un segnale forte – unito alla recente voce circa la presenza di America Chavez nel film – della volontà da parte dei Marvel Studios di preparare il terreno all’introduzione degli Young Avengers sul grande schermo. Inoltre, il fatto che in WandaVision potrebbero apparire sia le versioni bambine che le versioni adulte di Billy e Tommy sembra confermare che nella serie assisteremo a numerosi viaggi nel tempo.

Annunciato ufficialmente questa estate al Comic-Con di San Diego, Doctor Strange 2 vedrà Benedict Cumberbatch tornare nel ruolo di Stephen Strange. Diretto da Sam Raimi, il sequel vedrà anche Wanda Maximoff alias Scarlet Witch (Elizabeth Olsen) assumere un ruolo da co-protagonista dopo WandaVision.

Secondo Collider, la produzione ha fatto già un passo in avanti assumendo lo sceneggiatore Jade Bartlett. Il suo ruolo non è stato ancora chiarito, visto che lo script dovrebbe essere firmato da Derrickson in persona e quindi Bartlett dovrebbe intervenire solo a limare il testo o magari a scrivere a quattro mani con il regista.

Il primo film su Doctor Strange è uscito nel 2016 e ha raccontato la nascita dell’eroe, dall’incidente di Stepehn Strange fino al confronto con Dormammu. Nel film c’erano anche Benedict Wong, Tilda Swinton e Chiwetel Ejiofor. Rachel McAdams non tornerà nei panni di Christine Palmer. Abbiamo rivisto Strange in Infinity War e in Endgame. Doctor Strange in the Multiverse of Madness arriverà al cinema il 25 marzo 2022.

Mission Impossible 7: una foto incredibile dal set. Al via le riprese

Chiara Guida
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Mission Impossible 7: una foto incredibile dal set. Al via le riprese

È stato battuto il primo ciak di Mission Impossible 7 e Christopher McQuarrie, regista che torna al franchise alla sua proficua collaborazione con Tom Cruise ha condiviso, direttamente dal set del film, una suggestiva immagine di quello che ci aspetta da questa nuova avventura di Ethan Hunt.

Naturalmente stiamo parlando della ripresa delle riprese (perdonate il gioco di parole) successiva al lockdown e alla pausa forzata. Di seguito l’immagine molto suggestiva dal set, che preannuncia grandi stunt per il nostro inossidabile Tom Cruise.

https://www.instagram.com/p/CEzSnUzjFAx/?utm_source=ig_embed

Nei prossimi due capitoli della saga di Mission Impossible, Tom Cruise e Rebecca Ferguson torneranno nei panni di Ethan Hunt e Ilsa Faust. I due film vedranno coinvolti anche Shea Whigham (Kong: Skull Island), Hayley Atwell (Captain America: Il primo vendicatore), Pom Klementieff (Guardiani della Galassia) e Esai Morales (Ozark). Christopher McQuarrie scriverà e dirigerà i film, che faranno il loro debutto nelle sale americane rispettivamente il 19 novembre 2021 e il 4 novembre 2022.

Scarlett Johansson e il destino di Nat in Endgame: “Non è stato uno shock”

Stefano Terracina
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Scarlett Johansson e il destino di Nat in Endgame: “Non è stato uno shock”

Sappiamo ormai da diverso tempo che Black Widow con Scarlett Johansson sarà ambientato tra gli eventi di Captain America: Civil War e Avengers: Infinity War. Tuttavia, nonostante il dettaglio fosse ben noto ancor prima dell’arrivo nelle sale di Avengers: Endgame, la morte di Natasha Romanoff nel cinecomic di Anthony e Joe Russo è stata ugualmente scioccante.

Black Widow dovrebbe raccontare non soltanto delle origini di Natasha e del suo passato primi di unirsi ai Vendicatori, ma dovrebbe servire anche come passaggio di testimone per il personaggio di Yelena Belova interpretato da Florence Pugh, che dovrebbe diventare a tutti gli effetti la nuova Vedova Nera. In attesa dell’arrivo del film nelle sale (si spera il prossimo Novembre), è stata proprio Scarlett Johansson ha rivelare in una recente intervista con Digital Spy come ha appreso dello scioccante destino di Black Widow nell’ensemble movie del 2019.

“Kevin Feige mi ha chiamato e mi ha detto: ‘Guarda, ovviamente siamo in un momento in cui ci saranno grandi sacrifici e grandi perdite’. Lo avevamo previsto tutti. Quindi non sembrava una cosa fuori contesto o slegata dai personaggi”, ha spiegato Johansson. “Per certi versi aveva senso per me, credo, anche se ero comunque triste all’idea. Ma dopo aver riattaccato il telefono ricordo di aver pensato, ‘Ok, immagino che toccherà a me’.”

Scarlett Johansson sulla morte di Nat in Endgame: “Mi ci è voluto un po’ per elaborare la cosa”

“Mi ci è voluto un po’ per elaborare la cosa”, ha concluso l’attrice. “È stata certamente una notizia dolceamara, ma non è stato uno shock”. Anche se Johansson era preparata a quello che sarebbe accaduto a Nat, per i fan è stato comunque uno shock assistere al destino di uno dei sei Vendicatori originali. Dopo la morte di Tony Stark e Natasha Romanoff e il ritiro a vita privata di Steve Rogers, i membri ancora attivi degli Avengers originali sono soltanto tre: Thor, Hulk e Occhio di Falco. Tuttavia, con Clint Barton che sta per consegnare il suo arco a Kate Bishop, Jane Foster che si prepara a brandire il Mjolnir e l’arrivo di She-Hulk, è probabile che i fan dovranno prepararsi a dire addio all’intera formazione originale molto presto.

La regia di Black Widow è stata affidata a Cate Shortland, seconda donna (dopo Anna Boden di Captain Marvel) a dirigere un titolo dell’universo cinematografico Marvel, mentre la sceneggiatura è stata riscritta nei mesi scorsi da Ned Benson (The Disappearance of Eleanor Rigby). Insieme a Scarlett Johansson ci saranno anche David Harbour, Florence Pugh e Rachel Weisz.

In Black Widow, quando sorgerà una pericolosa cospirazione collegata al suo passato, Natasha Romanoff dovrà fare i conti con il lato più oscuro delle sue origini. Inseguita da una forza che non si fermerà davanti a nulla pur di sconfiggerla, Natasha dovrà affrontare la sua storia in qualità di spia e le relazioni interrotte lasciate in sospeso anni prima che diventasse un membro degli Avengers.

Venezia 77, oggi Never Gonna Snow Again in concorso

Redazione
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Venezia 77, oggi Never Gonna Snow Again in concorso

Arriva domani, lunedì 7 settembre, alla Mostra Internazionale d’arte cinematografica di Venezia, in concorso nella selezione ufficiale Venezia 77, Never Gonna Snow Again, il film diretto dai visionari e pluripremiati Malgorzata Szumowska e Michal Englert e interpretato da Alec Utgoff, (attore ucraino naturalizzato inglese conosciuto a Hollywood e dintorni per vari ruoli tra cui l’ultimo nella serie TV Stranger Things) qui nei panni di un magico massaggiatore del corpo e dell’anima.

Un massaggiatore entra nelle case e nelle vite dei cittadini di un ricco quartiere residenziale, i cui abitanti, a dispetto della loro ricchezza, trasudano tristezza interiore e desiderio. Le mani del misterioso nuovo arrivato hanno proprietà curative, i suoi occhi penetrano le loro anime. Alle loro orecchie, il suo accento russo suona come una melodia del passato, un ricordo di un’infanzia più sicura e protetta. Zhenia, questo è il suo nome, cambierà le loro vite.

Never Gonna Snow Again, che è già stato scelto come film per rappresentare la Polonia ai prossimi Oscar 2021, sarà nelle sale italiane prossimamente con I Wonder Pictures

Never Gonna Snow Again, la trama

Un massaggiatore dell’Est fa il suo ingresso nella vita dei facoltosi abitanti di una comunità scialba e inaccessibile, i quali, a dispetto della loro ricchezza, trasudano tristezza interiore e desiderio. Le mani del misterioso nuovo arrivato hanno proprietà curative, i suoi occhi penetrano le loro anime. Alle loro orecchie, il suo accento russo suona come una melodia del passato, un ricordo di un’infanzia più sicura e protetta. Zhenia, questo è il suo nome, cambierà le loro vite.

Il commento del regista

La parola “neve” può assumere svariati significati ed evocare molteplici emozioni. Se da un lato può essere un elemento pervasivo e pericoloso, dall’altro è fonte di sicurezza e conforto, una coperta che ci riporta alle favole dell’infanzia. Oggi, viene associata alla distruzione del clima del pianeta per mano dell’uomo e, di conseguenza, alla sua lenta sparizione dalla nostra vita. I protagonisti sono concentrati su un piccolo mondo rassicurante, che danno per scontato. Tuttavia, dietro le apparenze, sono alla ricerca di una dimensione più spirituale. I personaggi bramano il contatto, l’intimità, il sesso, la comprensione, la libertà. Finanziariamente ricchi e spiritualmente poveri, sono sopraffatti da una brama inconscia. Proiettano le proprie fantasie su uno sconosciuto che, dopo essere entrato nelle loro vite, agisce come uno specchio. È difficile dire se questa esperienza sia reale o un’illusione. La foresta magica nella quale si trovano con lo sconosciuto è puramente frutto della loro immaginazione, oppure esiste veramente? Il film è avvolto da un’aura di mistero. Vorremmo incoraggiare il pubblico a riflettere sulle condizioni attuali dell’Europa. Il nostro obiettivo è suscitare una serie di domande, sottili, all’insegna dell’umorismo, senza alcun preconcetto da parte nostra.

Tobias Menzies: 10 cose che non sai sull’attore

Carolina Bonito
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Tobias Menzies: 10 cose che non sai sull’attore

Nel mondo del cinema e delle serie tv si fa sempre un distinguo tra gli attori americani e quelli britannici. Grazie alla loro formazione teatrale, in genere si tende a considerare gli attori inglesi come più completi o semplicemente migliori. Ma è davvero così? A prescindere dai giudizi personali, oggi vi parliamo di Tobias Menzies uno degli attori inglese più apprezzati e famosi, soprattutto negli ultimi anni.

Scopriamo insieme tutto quello che c’è da sapere su Tobias Menzies, sulla sua formazione e vita privata e sulla sua brillante carriera.

Tobias Menzies vita privata e carriera

10. Nato il 7 marzo del 1974 nel quartiere di Hammersmith, a Londra, Tobias Menzies è figlio di Gillian Simpson, un’insegnante e di Peter Menzier, un produttore radiofonico della BBC. Insieme al fratello minore Luke, frequenta la Perry Court Rudolf Steiner School a Canterbury, nel Kent, dove viene formato seguendo il controverso Steiner System.

La Steiner Education prende il nome da Rudolf Steiner, fondatore dell’antroposofia, detta anche ‘scienza dello spirito’. La sua pedagogia spinge gli alunni a sviluppare capacità intellettive, artistiche e pratiche in modo unitario e completo. Gli insegnanti e le scuole che applicano questa tipologia di insegnamento, creano curriculum di studi completamente diversi da quelli delle scuole tradizionali che sono invece legate alle direttive governative.
Nonostante l’antroposofia di Steiner sia stata declassata a pseudo-scienza, le scuole che applicano il metodo Steiner sono ancora molte e viste non esattamente di buon occhio.

9. Formatosi col metodo Steiner, Tobias continua i suoi studi prima alla Frensham Hights School vicino Farnham, nel Surrey e poi alla Deborah Moody’s Years Out Drama Company. Nel 1994 si iscrive alla Royal Academy of Dramatic Art, dove consegue la laurea quattro anni più tardi, nel 1998. Durante i suoi anni di college, inoltre, Tobiez Menzie partecipa al The Spontaneity Shop, un programma teatrale d’improvvisazione comica.

Tobias Menzies film e serie tv

8. La carriera di Tobias Menzies comincia in televisione nel 1998 quanto viene scelto per il cast della serie Casualty dove appare in un arco di 11 episodi. Con il nuovo millennio, l’attore continua la sua gavetta con i film per la tv Longitude (2000) e Summer in the Suburbs (2000) e con una comparsata nella famosa serie L’Ispettore Barnaby (2000). Nello stesso anno, inoltre, partecipa alla realizzazione del film per il grande schermo The Low Down, diretto da Jamie Thraves.

7. Nei primi dieci anni del nuovo millennio, Tobias partecipa a tantissimi progetti sia per il cinema che per la televisione. Tra i più importanti ricordiamo le serie tv I Saw You (2002), Ultimate Force (2002), Rome (2005-2007), Fairy Tales (2007), Bonekickers – I segreti del tempo (2008), Spooks (2009), Any Human Heart (2010) e Law & Order: UK (2010) e i film per la tv A very Social Secretary (2005), Persuasion (2007) e The Relief of Belsen (2007).

6. Negli stessi anni lo vediamo sul grande schermo e in produzioni di grande prestigio come Neverland – Un Sogno per la Vita (2004), Casino Royale (2006) ed Espiazione (2007).

Quest’ultimo film, diretto da Joe Wright e tratto dall’omonimo romanzo di Ian McEwan, racconta la storia di una famiglia alto borghese e di un’accusa infondata che distrugge la vita di due sorelle. Siamo nell’Inghilterra del 1935 quando, in un caldissimo giorno d’estate, la piccola Briony Tallis (Saoirse Ronan) coglie sua sorella Cecilia (Keira Knightley) e Robbie Turner (James McAvoy), figlio della serva, in atteggiamenti compromettenti. Avendo da sempre una cotta per Robbie, Briony fraintende i gesti del ragazzo, accusandolo di essere un maniaco sessuale. Una lunga serie di fraintendimenti e faranno finire il ragazzo in carcere e distruggeranno per sempre il rapporto tra le due sorelle.

Tobias Menzies in Il Trono di Spade

5. Col passare del tempo la notorietà di Tobias cresce sia al cinema che in televisione. Di questi anni sono i film Hysteria (2011), Black Sea (2014), Una (2016) e Underworld: Blood Wars (2016). Ma mentre la sua carriera cinematografica si ferma, quella televisiva continua e prospera sul piccolo schermo.

4. Dal 2011 Tobias partecipa a tantissime serie tv come The Shadow Line (2011), Eternal Law (2012), The Thick of It (2012), Secret State (2012), Getting On (2012), Black Mirror (2013), Doctor Who (2013) e Il Trono di Spade (2013-2019).

Quest’ultima, tratta dall’omonima saga fantasy letteraria di George R. R. Martin, è una serie della HBO, creata da David Benioff e D. B. Weiss. La serie è ambientata in un mondo immaginario diviso in in due continenti, quello Occidentale (Westeros) e quello Orientale (Essos). Il continente Occidentale è quello più grande e civilizzato, dove sorge anche la città capitale, detta Approdo del Re, e dove si trova il Trono di Spade dei Sette Regni. Le famiglie nobili più ricche e potenti del continente sono costantemente in lotta per la conquista del trono, scatenando guerre e improbabili alleanze.

https://www.youtube.com/watch?v=jmCWqUHHlvs&ab_channel=DaemonBlackfyre

Tobias Menzies in Il Trono di Spade interpreta Lord Edmure Tully, lord di Delta delle Acque e Lord Supremo del Tridente, figlio ed erede del defunto Lord Hoster Tully, di Delta delle Acque. Zio materno di Robb, Sansa, Arya, Bran, Rickon e Robin Stark, Lord Edmure Tully ha combattuto al fianco di suo nipote Robb durante la sua ascensione come Re nel Nord. [fonte: Fandom]

Il Trono di Spade è andato in onda dal 2011 al 2019 per un totale di 8 stagioni e 73 episodi e Tobias Menzies compare nella serie in un arco di 9 puntate, dalla 3×03 “Walk of Punishment” (2013) alla 8×06 “The Iron Throne” (2019).

Tobias Menzies in Outlander

3. Grazie alla sua presenza altalenante nel Trono di Spade, Tobias può dedicarsi anche ad altri progetti. Il più importante è sicuramente Outlander, serie tv ambientata in Scozia a cavallo di quasi due secoli.

Tratta dall’omonima saga letteraria di Diana Gabaldon e creata da Ronald D. Moore per la Starz, Outlander racconta la storia di Claire Randall (Caitriona Balfe), un’infermiera della seconda guerra mondiale, di ritorno dal fronte insieme al marito Frank (Tobias Menzies). La coppia, scampata alla guerra, decide di partire per le Highland scozzesi per una seconda luna di miele. Durante il loro soggiorno a Inverness, Claire fa visita alla collina di Craigh na Dun dove, entrando in un cerchio fatto di enormi massi, viene magicamente catapultata nella Scozia del 1743.

La donna, sola e in un luogo a lei completamente sconosciuto, incontra il capitano Jack Randall (Tobias Menzies), un antenato di suo marito che, abusando dei suoi poteri, tenta di violentarla. Fortunatamente Claire viene tratta in salvo da Murtagh Fitzgibbons (Duncan Lacroix) e condotta al clan dei MacKenzie a Castle Leoch. Qui Claire fa la conoscenza di Jamie Fraser (Sam Heughan), un giovane guerriero, forte e valoroso, ricercato dalle Giubbe Rosse.

L’unica speranza per Claire di ritornare nella sua epoca è quella di varcare di nuovo il cerchio di Craigh na Dun ma, grazie alle sue doti d’infermiera, viene costretta a rimanere al castello come guaritrice. Claire dovrà dunque stare al gioco e guadagnarsi la fiducia dei suoi nuovi protettori per poter un giorno tornare a casa.

Outlander, in onda dal 2014 e ancora in corso d’opera, a oggi conta al suo attivo 5 stagioni e 67 episodi. Nella serie Tobias Menzies interpreta due personaggi molti diversi, Frank, il marito premuroso della Claire del 1945 e il malvagio Jack Randall, capitano violento e corrotto.

Tobias Menzies in The Crown

2. Dopo aver partecipato alle serie Testimoni Silenziosi (2014), The Honourable Woman (2014), Catastrophe (2015-2017), The Night Manager (2016), The Terror (2018) e al film tv King Lear (2018), per Tobias arriva un nuovo esaltante progetto televisivo. Nel 2019 viene scelto per partecipare alla fortunata serie The Crown, nel ruolo del Principe Filippo, marito della Regina Elisabetta II d’Inghilterra.

Creata da Peter Morgan per Netflix, la serie The Crown racconta la storia della Regina Elisabetta II, a partire dal 1947 agli inizi del XXI secolo. Nella prima stagione vengono raccontati i primi anni di matrimonio tra Elisabetta e Filippo di Edimburgo fino alla scoppio della crisid i Suez nel 1956. La seconda stagione, invece, si concentra di più sulla politica e sui mandati a primo ministro di Anthony Eden e Harold MacMillan, ultimo dei quali rovinato dal cosiddetto Scandalo Profumo del 1963. In quell’anno, infatti, fu scoperta la relazione segreta di John Profumo, l’allora segretario di Stato per la guerra, con la modella Christine Keeler, amante anche di una presunta spia sovietica. Lo scandalo mandò il governo Macmillan a gambe all’aria e il ministro fu costretto a dimettersi. Nella stessa stagione assistiamo anche alla nascita del principe Edoardo.

La terza stagione si concentra invece sull’elezione e poi sul mandato del primo ministro Harold Wilson nel 1964. Inoltre, viene raccontato, nello stesso periodo, il giubileo dei primi venticinque anni del regno di Elisabetta II, ascesa al trono nel 1977. La quarta stagione, che sarà disponibile su Netflix dal 15 novembre 2020, racconterà degli eventi dal 1977, anno dell‘incontro tra Carlo e Lady Diana Spender, al 1990, anno delle dimissione da primo ministro di Margaret Thatcher.

Tobias Menzies in The Crown interpreta il Principe Filippo a partire dalla terza stagione in poi.

Segui Tobias Menzies sui social

1. Per essere sempre aggiornati sulla vita privata ma soprattutto sulla carriera di Tobias Menzies, vi consigliamo di seguire il suo account ufficiale Twitter e l’account Instagram ufficiale della serie The Crown targata Netflix.

Fonte: Wiki, IMDB, Fandom

Venezia 77: The World To Come con Casey Affleck in concorso

Redazione
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Venezia 77: The World To Come con Casey Affleck in concorso

Arriva in concorso a Venezia 77 The World To Come diretto da Mona Fastvold con protagonisti Katherine Waterston, Vanessa Kirby, Christopher Abbott e Casey Affleck.

La pellicola è prodotta da Sea Change Media (Casey Affleck, Whitaker Lader), Killer Films (Pamela Koffler, Christine Vachon, David Hinojosa, Ben Kuller) Hype Film (Ilya Stewart, Murad Osmann, Pavel Buria), Charades (Carole Baraton, Pierre Mazars, Yohann Comte), M.Y.R.A. Entertainment (Margarethe Baillou), Yellow Bear Entertainment (Andrew Morrison), Panasper Films e Ingenious Media.

The World to Come prende in esame le vite di due donne comuni, che sono diventate figure sempre più straordinarie ed eroiche nella mia vita. È un grande onore essere riuscita a condividere la loro storia con il pubblico.

The World to Come, la trama

Verso la metà dell’Ottocento nel nord dello stato di New York, Abigail si appresta a iniziare un nuovo anno nella fattoria in cui vive con il marito Dyer. Mentre rifette sull’anno che verrà, sfogliando le annotazioni del suo diario, si percepisce il forte contrasto tra il comportamento pacato e stoico della donna e le complesse emozioni che affiorano dalle pagine. All’arrivo della primavera, Abigail incontra Tallie, donna estroversa di straordinaria bellezza, appena trasferitasi con il marito Finney in una fattoria nelle vicinanze. Le due provano a stringere una relazione, riempendo un vuoto nelle loro vite di cui non conoscevano l’esistenza.

Il film segue il crescere dell’intimità e dell’appassionato attaccamento tra le due donne, proprio mentre incominciano a comprendere di non avere alcun modello a cui riferirsi per la condizione in cui si trovano. Mentre i mariti fanno i conti con l’intensità del legame delle loro mogli, tra i sentimenti feriti di Dyer e la gelosia vendicativa di Finney, gli eventi culminano con la decisione di quest’ultimo di allontanare Tallie, e la determinazione di Abigail a seguire la sua anima gemella.

Ettore Scola: 10 cose che non sai sul regista

Gianmaria Cataldo
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Ettore Scola: 10 cose che non sai sul regista

Con il suo esordio nella metà degli anni Sessanta, Ettore Scola si è da subito affermato come uno dei registi più interessanti e originali del panorama cinematografico italiano. Riconosciuto poi anche a livello internazionale, egli ha nel corso della propria carriera realizzato alcuni dei più acclamati e celebri di sempre, veri e propri gioielli che hanno portato in alto il nome del cinema italiano nel mondo.

Grazie alle sue collaborazioni con alcuni tra i più grandi interpreti italiani, Scola ha dato vita a personaggi e storie indimenticabili, in bilico tra il nostalgico e il grottesco. Veri e propri ritratti di un’Italia e di un’italianità ancora oggi spesso attuali, in grado di raccontare vizi e virtù di un popolo unico.

Ecco 10 cose che non sai di Ettore Scola.

Parte delle cose che non sai sul regista

Ettore Scola moglie

Ettore Scola: i suoi film

10. Ha diretto celebri lungometraggi. L’esordio del regista avviene con Se permettete parliamo di donne (1964), poi seguito da apprezzati titoli come Riusciranno i nostri eroi a ritrovare l’amico misteriosamente scomparso in Africa? (1968), Dramma della gelosia – Tutti i particolari in cronaca (1970), con Marcello Mastroianni, e C’eravamo tanto amati (1974), considerato uno dei suoi più belli. Si è poi reso celebre con i film Brutti, sporchi e cattivi (1976), Una giornata particolare (1977), I nuovi mostri (1977), La terrazza (1980), Ballando ballando (1983), La famiglia (1987), con Vittorio Gassman, e Splendor (1989). Negli ultimi anni ha poi diretto Romanzo di un giovane povero (1995), con Isabella Ferrari, Concorrenza sleale (2001), con Sergio Castellitto, e Gente di Roma (2003), con Edoardo Leo. Nel 2013 il suo ultimo film è Che strano chiamarsi Federico, con Sergio Rubini.

9. È stato sceneggiatore di celebri film. Oltre ad aver poi scritto molti dei film da lui anche diretti, Scola ha iniziato ben prima di diventare regista una fervida attività da sceneggiatore, contribuendo alla scrittura di alcuni dei film oggi annoverati come classici del cinema italiano. Tra questi si annoverano Un americano a Roma (1954), Accadde al commissariato (1954), Lo scapolo (1955), I giorni più belli (1956), Il conte Max (1957), Nata di marzo (1958), Nel blu dipinto di blu (1959), Il sorpasso (1962), La marcia su Roma (1962), I mostri (1963), Il magnifico cornuto (1964) e Io la conoscevo bene (1965).

8. Ha ricevuto importanti riconoscimenti. Scola è ancora oggi uno dei registi più premiati in Italia e all’estero. Un primo importante riconoscimento da lui ottenuto è quello del Gran Premio al Festival cinematografico internazionale di Mosca per il film C’eravamo tanto amati, nel 1975. L’anno seguente vince invece la miglior regia per Brutti, sporchi e cattivi al Festival di Cannes. Nel corso della sua carriera, inoltre, Scola ha ricevuto ben tre David di Donatello alla miglior regia, due alla miglior sceneggiatura e due per il miglior film. Nel 2011, invece, gli è stato assegnato il David alla carriera.

Ettore Scola agli Oscar

7. È stato candidato al prestigioso premio. Il successo dei film di Scola è noto anche all’estero, a tal punto che in quattro occasioni il regista è stato candidato al premio Oscar per il miglior film straniero. La prima fu nel 1978 per Una giornata particolare, e in seguito per I nuovi mostri, Ballando ballando e La famiglia. In tali occasioni ha sempre rappresentato l’Italia, tranne che per Ballando ballando, dove concorreva invece in rappresentanza dell’Algeria. Pur non vincendo mai l’ambito premio, Scola ha avuto modo di portare il proprio cinema nel mondo, venendo riconosciuto come uno dei maggiori autori del nostro cinema.

Ettore Scola e Alberto Sordi

6. Era molto legato al celebre attore. Scola conobbe il celebre attore Alberto Sordi negli anni Cinquanta, iniziando a lavorare con lui in radio. Ben presto, i due finiscono con il formare un sodalizio artistico particolarmente fortunato, sfociato poi in diverse collaborazioni cinematografiche. Scola dirige infatti Sordi prima in Riusciranno i nostri eroi a ritrovare l’amico misteriosamente scomparso in Africa?, e in seguito in alcuni episodi di I nuovi mostri, La più bella serata della mia vita e Romanzo di un giovane povero. Per Scola, Sordi è sempre stato un modello eccezionale, inventore di alcuni tra i più memorabili personaggi della nostra cinematografia.

Parte delle cose che non sai sul regista

Ettore Scola c'eravamo tanto amati

Ettore Scola: la moglie e le figlie

5. Era sposato con una sceneggiatrice. Nel corso della sua vita Scola è sempre stato legato all’amata Gigliola Fantoni, anche lei sceneggiatrice e regista. Non è noto l’anno di matrimonio dei due o il modo in cui si siano conosciuti, ma il loro rapporto è stato sempre particolarmente stretto. Al momento della scomparsa del regista, poi, le parole più toccanti nel ricordarlo sono state proprio quelle della moglie, che ancora oggi continua a portare in alto il nome di uno dei più apprezzati e celebri registi del nostro cinema.

4. Ha avuto due figlie. Dal matrimonio con la Fantoni, Scola ebbe due figlie, chiamate Paola e Silvia. Entrambe hanno poi a loro modo seguito le orme del padre, collaborando con lui per alcune sue opere in qualità di aiuto regista e sceneggiatrice. Le due hanno poi anche realizzato anche un documentario dedicato al padre, intitolato Ridendo e scherzando, dove si ripercorrono la vita e le opere dell’autore. In seguito, hanno pubblicato anche un libro di memorie dal titolo Chiamiamo il babbo. Ettore Scola, una storia di famiglia.

Ettore Scola e la politica

3. Si è sempre interessato di politica. Con le sue opere Scola ha spesso trattato anche temi sociali e relativi alla vita politica, aspetti che da sempre lo affascinavano e di cui si interessava in prima persona. Egli, inoltre, non nascose mai le proprie simpatie politiche per i partiti di sinistra, e il suo impegno politico lo portò infine, nel 1989, a far parte del governo ombra del Partito Comunista Italiano, venendo delegato alla cura e alla gestione dei Beni Culturali.

Ettore Scola dirige C’eravamo tanto amati

2. È considerato il suo capolavoro. Nel 1974 Scola dirige C’eravamo tanto amati, che si rivela uno dei maggiori successi di critica e pubblico di quell’anno, e gli permette di essere considerato uno tra i più grandi cineasti italiani di sempre. Il film è a metà tra la commedia all’italiana e il cinema d’impegno sociale, e ripercorre circa 30 anni di storia del nostro paese, con personaggi e scene oggi divenute memorabili. Arricchito da un cast comprendente alcuni tra i migliori attori di quel momento, il film ricevette numerosi riconoscimenti, ed è ancora oggi indicato come il capolavoro di Scola.

Ettore Scola: la morte e l’età

1. Ettore Scola è nato a Trevico, in Campania, il 10 maggio del 1931, ed è deceduto a Roma il 19 gennaio del 2016 a causa di un malore avuto nei giorni precedenti. In seguito alla sua scomparsa, si sono tenuti numerosi eventi in suo onore, che hanno permesso di scoprire o riscoprire molto del suo cinema.

Fonte: IMDb, Wikipedia

Miss Marx, recensione del film di Susanna Nicchiarelli #Venezia77

Mattia Pasquini
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Miss Marx, recensione del film di Susanna Nicchiarelli #Venezia77

Miss Marx è il secondo dei quattro film italiani in concorso in questa strana e discussa edizione della Mostra Internazionale di Cinema di Venezia. L’edizione del Covid, come molti la definiscono, non senza qualche timore. Una edizione nella quale il film di Susanna Nicchiarelli irrompe con una innegabile forza e una inattesa freschezza. Come aveva fatto già nel 2017, quando il suo Nico, 1988 – sugli ultimi anni di vita della ex cantante dei Velvet Underground e musa di Andy Warhol – vinse il Premio Orizzonti.

Con questo quarto lungometraggio, la regista romana sembra continuare a giocare con l’immagine di intellettuale “organico” (come si sarebbe detto una volta), soprattutto ripensando al Cosmonauta del 2009 e al La scoperta dell’alba del 2013, adattamento cinematografico dell’omonimo romanzo di Walter Veltroni. Non un cliché, ovviamente, né una etichetta, anche se la vicenda ruota intorno alla figlia minore del filosofo teorico del comunismo, Karl Marx. Una figura appassionata e coinvolgente, colta e volitiva come non era comune vedere alla fine del secolo XIX. Una paladina ante litteram dei diritti delle donne e dei lavoratori, che seguiamo nella promozione di femminismo e socialismo, nella sua partecipazione alle lotte operaie e per l’abolizione del lavoro minorile. Ma anche la protagonista di una storia d’amore che oggi definiremmo “tossica”, quella con il più leggero Edward Aveling, un incontro capace di cambiare la sua vita per sempre.

A dare vita alla giovane Eleanor è Romola Garai, che mancava all’appello dal Suffragette del 2015 e che qualcuno ricorderà nel Espiazione (Atonement) di Joe Wright o nella miniserie BBC ispirata alla Emma di Jane Austen. Ma attenzione a vedere anche qui una ‘organicità’ che non c’è. L’interpretazione dell’ottima trentottenne e l’impostazione data dalla Nicchiarelli alla sua biografia regalano imprevisti schiocchi, quando non vere e proprie esplosioni di colore e musica. Che non ci si aspetterebbe forse a far da colonna sonora a una vicenda del genere, ma che non sorprenderanno i più avvezzi allo stile della regista.

Miss Marx film 2020Miss Marx, musica e libertà

Emblematica la prima scena, inaspettatamente punk. Perfetta – ma lo scopriremo poi – introduzione del personaggio: una Miss Marx coloratissima, tra Woodstock e Desigual, che esplode nell’ultima sequenza, liberatoria e a suo modo disperata. Momenti contrappuntati da alcuni degli splendidi riarrangiamenti dei torinesi Gatto ciliegia contro il Grande Freddo (gli stessi del film precedente) e degli statunitensi Downtown Boys, su tutti quelli de L’Internazionale e Dancing in the Dark. E che tracciano un circolo, che nel suo chiudersi affida ai pannelli conclusivi il racconto della fine della lotta di Eleanor. Non solo politica, ovviamente. Purtroppo.

“Future is on our side” si illudeva, e proclamava convinta la nostra antieroina, una combattente, in grado di partire dalle teorie paterne per scardinare le dinamiche di disuguaglianza tra uomini e donne, superandole nella sua lotta per l’abolizione del lavoro minorile, ma non abbastanza da gestire diversamente il suo rapporto con Aveling. Un amore accettato con i suoi pro e i suoi contro, con una consapevolezza rara per il tempo e la situazione, ulteriore conferma della forza di una donna capace di lottare per quello che voleva, anche se non esattamente per il proprio bene. Un elemento imprescindibile nella caratterizzazione di una protagonista che altrimenti sarebbe stata ben più piatta e polverosa e che sullo schermo acquista invece corpo e unicità.

Il socialismo dal volto umano

L’universalità di una relazione tanto contraddittoria e sofferta, fin troppo vicina a quelle di tanti, la modernità di un rapporto fuori dagli schemi e dalle convenzioni sociali, sono componenti fondamentali della vicenda. Ancor più di quelli legati alla sfera pubblica, alla Eleanor politica, la cui voce spicca di fronte a una platea di uomini incapaci di emergere dallo sfondo. Una scelta anche visiva, oltre che concettuale, della Nicchiarelli, determinata a capovolgere i clichés del dramma in costume e dell’epoca. Anche a costo di rivelare gli aspetti più esecrabili, fin troppo umani, di icone sopravvissute alle ingiurie dei secoli e al crollo delle ideologie. Facendo strabordare dalla cornice temporale un’ondata di umanità, contraddizioni e sentimenti, che travolge tutto. Anche lei, Miss Marx, che in un finale alla C’era una volta in America si appropria del piacere dell’amato ‘carnefice’ prima della definitiva liberazione.

Mank: le prime foto del ritorno alla regia di David Fincher

Chiara Guida
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Mank: le prime foto del ritorno alla regia di David Fincher

Sono disponibili le prime immagini di Mank, il nuovo film di David Fincher per Netflix. Proprio nelle scorse ore, Charles Dance, ospite a Venezia 77, aveva parlato del film, definendo Fincher un vero e proprio genio e informando che il film era stato girato con le stesse lenti che Welles aveva usato per Quarto Potere, visto che racconta proprio del backstage di quel capolavoro.

Dopo aver lanciato brand del calibro di House of Cards e Mindhunter, David Fincher torna a lavorare con Netflix. Il regista dirigerà Mank, un progetto dalla lunghissima gestazione per lui, che racconta dell’uomo che ha condiviso con Orson Welles il premio Oscar per la migliore sceneggiatura originale di Quarto Potere.

A interpretare lo sceneggiatore, Herman J. Mankiewicz, ci sarà Gary Oldman, mentre il film è stato scritto da Howard Fincher il padre defunto di David.

Il film dovrebbe entrare in fase di riprese il prossimo novembre a Los Angeles, e Fincher girerà in bianco e nero. A produrre il film invece troviamo Ceán Chaffin, frequente collaboratrice di Fincher, e Douglas J. Urbanski che aveva già prodotto L’ora più buia, film per il quale Oldman ha il premio Oscar come migliore attore protagonista.

Mank doveva essere il progetto a cui David Fincher voleva dedicarsi dopo The Game del 1997, con Kevin Spacey accreditato come protagonista, tuttavia la produzione è stata rallentata a causa della decisione di Fincher di girare in bianco e nero, proprio come Quarto Potere.

Mankiewicz è stato uno degli sceneggiatori più noti e meglio pagati nei primi anni di Hollywood e ha lavorato con Orson Welles per Quarto Potere. Ex-corrispondente di Berlino per il Chicago Tribune e critico teatrale del New York Times e del New Yorker, Mankiewicz ha scritto alcuni dei film più importanti del suo periodo, e sia lui che Welles hanno condiviso l’Oscar per la migliore sceneggiatura originale per Quarto Potere nel 1941. Altri film a cui ha lavorato durante la sua carriera includono Il mago di Oz, L’uomo del mondo, Pranzo alle otto, L’idolo delle folle e The Pride of St. Louis.

Oldman ha appena recitato per Netflix nel film diretto da Steven Soderbergh The Laundromat, il film drammatico che racconta lo scandalo dei Panama Paper, insieme a un cast che include Meryl Streep e Antonio Banderas.

Sempre per Netflix, David Fincher ha prodotto la raccolta di racconti animati Love, Death & Robots.

Mandibules, recensione del film di Quentin Dupieux #Venezia77

Mattia Nicoletti
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Mandibules, recensione del film di Quentin Dupieux #Venezia77

Film da festival. Il parigino Quentin Dupieux, alias Mr.Oizo per gli appassionati di musica elettronica, è uno di quegli autori capace, più di molti altri, di interpretare il senso di una manifestazione cinematografica e di realizzare lungometraggi che rappresentano guilty pleasure per gli appassionati di cinema d’autore.

Mandibules, la trama

Nel caso di Mandibules, presentato fuori concorso alla 77esima Mostra del Cinema di Venezia, la sua visione surreale e i suoi concetti estremi, tuttavia molto semplici e immediati, si materializzano sullo schermo nella rappresentazione di un insetto gigante. Jean-Gab (David Marsais) e Manu (Grégoire Ludig) , sempre alla ricerca di trovare il modo di sopravvivere e di sbarcare il lunario, trovano accidentalmente una mosca enorme nel bagagliaio di un’auto. Senza scomporsi, dopo un attimo di perplessità, pensano di ammaestrarla per poi farla esibire per guadagnare molti soldi.

Il film si gioca tutto fra il rapporto fra i due e la loro “gallina dalle uova d’oro”. In questo road movie surreale (Jean-Gab e Manu devono portare a termine una missione) emerge la sincerità dell’amicizia che li lega e l’umanità con cui trattano il mostro. Questi tre personaggi borderline dimostrano di essere più vivi di tutti coloro che incontrano, e in un certo senso ne escono vincenti. La loro esistenza, alla fine, è fatta di espedienti, e ne sono totalmente consapevoli. In Mandibules, Dupieux, utilizza il suo humor dell’assurdo per mettere in scena situazioni paradossali mai scontate, coincidenze e incontri casuali, in 77 minuti che si rivelano la durata perfetta per evitare l’esagerazione.

Oltre ai due bravissimi protagonisti, e alla mosca degna di un film scifi anni ’50, a tenere la scena è Adèle Exarchoupoulos (La vita di Adèle), nella parte di Agnes, una ragazza impossibilitata a moderare il tono di voce a causa di un incidente sugli sci. Sempre perché il mondo più reale è quello ai confini.

Miss Marx: intervista a Romola Garai e a Susanna Nicchiarelli

Sonia Serafini
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Miss Marx: intervista a Romola Garai e a Susanna Nicchiarelli

In occasione della presentazione a Venezia 77, ecco la nostra intervista a Romola Garai e Susanna Nicchiarelli, rispettivamente protagonista e regista di Miss Marx.

Miss Marx di Susanna Nicchiarelli con protagonisti Romola Garai, Patrick Kennedy, John Gordon Sinclair, Felicity Montagu, Karina Fernandez, Oliver Chris, e Philip Gröning.

La storia di Eleanor mi ha dato l’opportunità di esplorare temi incredibilmente contemporanei in un contesto d’epoca, ma ho ritenuto necessario capovolgere i clichés del dramma in costume. Ho cercato di sovvertire l’immagine dell’eroina vittoriana e sostituirla con quella emblematica e moderna di una donna che combatte sul fronte personale e pubblico. Credo che la storia di Eleanor richieda di essere raccontata con delicata ironia: la sua vita sentimentale fu assurda e tragica, i suoi guai condivisibili anche per le donne di oggi. Ma questa storia richiede anche un profondo rispetto: le battaglie di Eleanor e dei suoi compagni risultano più che mai attuali e urgenti, oggi come ieri.

Miss Marx: la trama

Brillante, colta, libera e appassionata, Eleanor è la figlia più piccola di Karl Marx: tra le prime donne ad avvicinare i temi del femminismo e del socialismo, partecipa alle lotte operaie, combatte per i diritti delle donne e l’abolizione del lavoro minorile. Quando, nel 1883, incontra Edward Aveling, la sua vita cambia per sempre, travolta da un amore appassionato ma dal destino tragico.

PREMIO KINÉO “New Generation”: 18° edizione, tutti i premiati

Chiara Guida
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PREMIO KINÉO “New Generation”: 18° edizione, tutti i premiati

La diciottesima edizione del Premio Kinéo – che quest’anno ha cambiato veste, diventando “Kinéo New Generation” per “sottolineare la capacità del premio di sapersi rinnovare, abbracciando anche il mondo delle piattaforme streaming nazionali e internazionali”, come ha sottolineato la direttrice e ideatrice Rosetta Sannelli – come sempre assegna il prestigioso riconoscimento ad alcuni dei migliori talenti cinematografici internazionali.

IL PREMIO KINÉO “NEW GENERATION”

Il Premio Kinéo “diamanti al cinema italiano”, è nato nel 2002 per iniziativa del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, progettato e promosso dall’Associazione Culturale Kinéo, ideato e diretto da Rosetta Sannelli. Fin dagli esordi ha realizzato una stretta collaborazione con Cinecittà, con il Centro Sperimentale di Cinematografia e con il MIBACT. Da allora, ogni anno si svolge all’interno della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, di cui è evento speciale collaterale.

Quest’anno, giunto alla diciottesima edizione, il Premio Kinéo ha saputo rinnovarsi ancora una volta. La storica kermesse, infatti, per l’occasione, ha voluto intitolarsi “Kinéo New Generation”, una scelta che intende sottolineare la capacità del premio di sapersi rinnovare, abbracciando anche il mondo delle piattaforme streaming nazionali e internazionali che, proprio di questi tempi, ci hanno costretto a ripensare nuove forme di fruizione e del cinema e dell’audiovisivo in un contesto quasi universale, anche se la sala cinematografica sarà ancora per molto la “piattaforma regina, quella che ci regalerà emozioni e magia.

Una nuova visione di tutto il settore audiovisivo, tanto interconnesso, ci ha guidato verso un incontro predestinato, con le fondatrici dell’Italian Television Festival di Los Angeles (ITTV), Valentina Martelli, Cristina Scognamillo e Francesca Scorcucchi, un progetto che vuole unireil mondo del cinema e il mondo della televisione, valorizzando produzioni uniche e complementari che diventano successi internazionali e che portano all’attenzione di un pubblico internazionale tutto il mondo dell’audiovisivo italiano.

TUTTI I PREMIATI

Miglior Film Drammatico: Pinocchio di Matteo Garrone – Produzione Archimede Film/Mibact – 01 Distribution
Miglior Commedia: Odio l’estate di Massimo Venier – Produzione Agidi – Distribuzione Medusa Film
Miglior Opera Prima: L’Immortale di Marco D’Amore – Produzione Cattleya/Fandango – Distribuzione Vision Distribution
Miglior Attore Protagonista: Pierfrancesco Favino per Hammamet di Gianni Amelio
Miglior Attrice Protagonista: Anna Foglietta per Genitori quasi perfetti di Laura Chiossone
Miglior Attore Non Protagonista: Lino Capolicchio per Il signor Diavolo di Pupi Avati
Miglior Attrice Non Protagonista: – Silvia D’Amico per Brave Ragazze di Michela Andreozzi
Menzione speciale Opera Prima: Picciridda – Con i piedi nella sabbia di Paolo Licata – Alba produzioni
Menzione speciale Opera Prima: Nevia di Nunzia di Stefano – Produzione Archimede Film
Kinéo Giovani Rivelazioni: Rossella Romano
Kinéo Giovani Rivelazioni: Massimiliano Caiazzo
Premio SNCCI Pubblico & Critica: Volevo nascondermi di Giorgio Diritti
Kinéo International Award Best Actress: Olga Kurylenko
Kinéo International Award Best Actor in a Drama Series: Madds Mikkelsen for Hannibal
Kinéo International Award Best Production in a Drama Series: Martha De Laurentiis for Hannibal
Kinéo International Award Best Picture: Joker by Todd Phillips
Kinéo Life Achieving Award: Oliver Stone
Kinéo International Award: Sara Serraiocco
Kinéo – Green & Blu Project U.N.Award: Katherine Waterson

IL PREMIO ITTV/KINEO

Il Premio ITTV/KINEO è un riconoscimento voluto da Kinéo e ITTV- The Italian Tv Festival di Los Angeles, dedicato alla migliore Serie televisiva italiana, premierà la produzione TV e i protagonisti che hanno ottenuto maggiori consensi negli Stati Uniti.
Nel settembre del 2021, infatti, il Kinéo volerà a Los Angeles, durante la II edizione di ITTV Festival dove sarà consegnato l’ITTV/KINEO premiando produzioni e protagonisti più amati.

The Duke, recensione del film di Roger Michell #Venezia77

Simona Genovese
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The Duke, recensione del film di Roger Michell #Venezia77

Il regista Roger Michell, noto ai più per l’iconica commedia romantica Notting Hill, ha presentato nella sezione Fuori Concorso della 77ª Mostra d’arte cinematografica di Venezia, il suo ultimo lavoro The Duke.

Commedia in puro stile british racconta la storia vera di Kempton Bunton, anziano di Newcastle che nel 1961 fu coinvolto nel furto di un dipinto di Francisco Goya alla National Gallery di Londra; unico furto nella storia ai danni della celeberrima galleria. Il dipinto in questione è un ritratto del duca di Wellington, da qui il titolo del film.

The Duke, tratto da una storia vera

Il furto è in realtà un pretesto per mostrare al pubblico la storia del protagonista, un buono, che con i suoi metodi stravaganti si è sempre esposto per il bene comune confidando nella reciproca solidarietà tra gli esseri umani. L’uomo della porta accanto, il vicino che chiede in prestito una cosa, sempre per aiutare qualcuno che ha più bisogno.

Curioso a tal proposito, nell’ambito della programmazione festivaliera, come l’eccentrico e altruista Bunton di The Duke sia stato presentato lo stesso giorno del documentario dedicato a Greta Thunberg. Lontani anni luce, i due, hanno in comune il voler migliorare una situazione e la caparbietà per riuscire ad ottenerlo.

Il cast di The Duke

Nel ruolo del protagonista Jim Broadbent, che con il suo inconfondibile stile ci regala una performance da manuale, affiancato da un cast stellare tra cui si distinguono: Helen Mirren, Fionn Whitehead e Matthew Goode. La Mirren si conferma ancora una volta una punta di diamante del cinema britannico, nel ruolo della moglie, apparentemente secondario, ci regala nelle scene a due con Broadbent i momenti più irriverenti del film. Fionn Whitehead, conosciuto per il ruolo da protagonista in Dunkirk di Christopher Nolan, interpreta uno dei figli della coppia, l’unico che vive ancora con loro. Devoto al padre avrà un ruolo decisamente cruciale. Come cruciale e carismatico è l’avvocato interpretato da Goode che sceglierà di assistere un uomo, agli occhi di tutti, indifendibile.

Orfano del suo cast nella prima veneziana, anche Jim Broadbent era misteriosamente assente alla proiezione in Sala Grande, dopo aver presenziato alla conferenza stampa tenutasi nel pomeriggio; The Duke è uno di quei film che risplende di luce propria senza bisogno di lustrini per attirare l’attenzione. Conquista il pubblico che in film come questo riscopre il piacere di tornare al cinema. Una storia vera raccontata bene, con quel pizzico di humor raffinato e freddure pungenti che non possono che innescare una sonora risata.

Un racconto ironico e raffinato

La regia si mette al servizio della storia, anche se non mancano i virtuosismi. In particolare la scena del furto viene narrata attraverso un controcampo di sguardi. Gli sguardi sospettosi, espressivi ed enigmatici dei ritratti che circondano quello del duca, e anche qui l’ironia irrompe, una mano porta via il Goya e, dietro, sullo sfondo, appare in risalto L’Urlo di Edvard Munch. Ciò che appare statico diventa dinamismo narrativo grazie al montaggio. A tal proposito risultano molto convincenti anche le scene d’archivio della Londra degli anni Sessanta mescolate al nuovo girato.

The Duke, senza essere retorico e struggente, tocca molti temi importanti come il senso di colpa, il lutto e l’assenza di dialogo nelle coppie. Punto di forza del film resta però soprattutto il protagonista di cui verrebbe voglia di sapere di più, magari leggendo una delle sue tante opere per cui “ Shakespeare dovrebbe cominciare a preoccuparsi”.

Venezia 77: in concorso Pieces Of a Woman con Shia LaBeouf

Redazione
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Venezia 77: in concorso Pieces Of a Woman con Shia LaBeouf

Sarà presentato in concorso oggi a Venezia77  Pieces Of a Woman, il nuovo film di Kornél Mundruczó con protagonisti Vanessa Kirby, Shia LaBeouf, Ellen Burstyn, Jimmie Fails, Molly Parker, Sarah Snook, Iliza Shlesinger e Benny Safdie.

È possibile sopravvivere dopo che si è persa la persona che più si amava? A cosa ci si aggrappa quando sembra che non ci siano più appigli? Mia moglie ed io volevamo condividere con il pubblico una delle nostre esperienze più personali attraverso la storia di un figlio non nato, nella convinzione che l’arte possa essere la miglior cura per il dolore. Saremo gli stessi di prima dopo una tragedia? Riusciremo a trovare qualcuno che ci accompagni nella caduta libera del dolore? Il mondo appare capovolto, un luogo in cui non riusciamo più a orientarci. Con Pieces of a Woman volevamo realizzare una storia autentica su una tragedia e su come imparare a convivere con quel dolore. Una perdita sfugge alla nostra comprensione o al nostro controllo, ma porta con sé la capacità di rinascere.

Pieces Of a Woman: la trama

Martha e Sean Carson, una coppia di Boston, sono in procinto di avere un bambino. La loro vita cambia irrimediabilmente durante un parto in casa, per mano di un’ostetrica confusa e agitata che verrà accusata di negligenza criminale. Comincia così un’odissea lunga un anno per Martha, che deve sopportare il suo dolore e al contempo gestire le difficili relazioni con il marito e la dispotica madre, oltre che confrontarsi in tribunale con l’ostetrica, divenuta oggetto di pubblica denigrazione. Pieces of a Woman è un’aria profondamente personale e dolorosamente familiare, tratteggiata in ricercati toni di grigio, la storia trascendente di una donna che impara a convivere con la sua perdita.

Venezia 77: il giorno di Miss Marx di Susanna Nicchiarelli

Redazione
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Venezia 77: il giorno di Miss Marx di Susanna Nicchiarelli

Secondo film italiano in concorso alla 77esima Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia, domani sarà presentato Miss Marx di Susanna Nicchiarelli con protagonisti Romola Garai, Patrick Kennedy, John Gordon Sinclair, Felicity Montagu, Karina Fernandez, Oliver Chris, e Philip Gröning.

La storia di Eleanor mi ha dato l’opportunità di esplorare temi incredibilmente contemporanei in un contesto d’epoca, ma ho ritenuto necessario capovolgere i clichés del dramma in costume. Ho cercato di sovvertire l’immagine dell’eroina vittoriana e sostituirla con quella emblematica e moderna di una donna che combatte sul fronte personale e pubblico. Credo che la storia di Eleanor richieda di essere raccontata con delicata ironia: la sua vita sentimentale fu assurda e tragica, i suoi guai condivisibili anche per le donne di oggi. Ma questa storia richiede anche un profondo rispetto: le battaglie di Eleanor e dei suoi compagni risultano più che mai attuali e urgenti, oggi come ieri.

Miss Marx: la trama

Brillante, colta, libera e appassionata, Eleanor è la figlia più piccola di Karl Marx: tra le prime donne ad avvicinare i temi del femminismo e del socialismo, partecipa alle lotte operaie, combatte per i diritti delle donne e l’abolizione del lavoro minorile. Quando, nel 1883, incontra Edward Aveling, la sua vita cambia per sempre, travolta da un amore appassionato ma dal destino tragico.

Padrenostro: intervista a Pierfrancesco Favino e Claudio Noce

Sonia Serafini
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Padrenostro: intervista a Pierfrancesco Favino e Claudio Noce

In occasione della presentazione in Concorso a Venezia 77, ecco Claudio Noce e Pierfrancesco Favino che parlano di Padrenostro.

Nel cast anche Barbara Ronchi, Mattia Garaci, Francesco Gheghi, Anna Maria De Luca, Mario Pupella, Lea Favino, Eleonora De Luca, Antonio Gerardi, Francesco Colella, Paki Meduri, Giordano De Plano.

La sua figura forte, magnetica, eroica, assurge ad archetipo di un’intera generazione di uomini per i quali le emozioni erano percepite solo come debolezza e obbligate a essere camuffate da silenzi. Nel dicembre del 1976, quando mio Padre subì l’attentato, io avevo un anno e mezzo: abbastanza per comprendere la paura, troppo pochi per capire che quell’affanno avrebbe abitato dentro di me per molto tempo. Non sono mai riuscito a dirglielo. Scrivere questa lettera a mio Padre tracciando i contorni di una generazione di bambini “invisibili” avvolti dal fumo delle sigarette degli adulti non è stato facile; provare a farlo mutando le parole da private in universali è stata una grande sfida come cineasta e come uomo.

Padrenostro: la trama

Roma, 1976. Valerio ha dieci anni e una fervida immaginazione. La sua vita di bambino viene sconvolta quando, insieme alla madre Gina, assiste all’attentato ai danni di suo padre Alfonso da parte di un commando di terroristi. Da quel momento, la paura e il senso di vulnerabilità segnano drammaticamente i sentimenti di tutta la famiglia. Ma è proprio in quei giorni difficili che Valerio conosce Christian, un ragazzino poco più grande di lui. Solitario, ribelle e sfrontato, sembra arrivato dal nulla. Quell’incontro, in un’estate carica di scoperte, cambierà per sempre le loro vite.

DC FanDome: Explore the Multiverse, il trailer dell’evento di sabato 12 settembre

Chiara Guida
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DC FanDome: Explore the Multiverse, il trailer dell’evento di sabato 12 settembre

Durante questo evento di 24 ore, i fan avranno la possibilità di creare e gestire la propria visione di oltre 100 ore di contenuti on demand tra tv, film, fumetti, giochi e altro, che metterà in mostra il lavoro di oltre 500 talenti, artisti e scrittori provenienti da tutto il mondo. Tutti i contenuti che vorrete vedere, quando volete, e dove (su piattaforme mobili e desktop). Questo evento offrirà ai fan l’opportunità di portare la passione per l’universo DC a un livello superiore! Si potrà accedere a contenuti esclusivi dietro le quinte di serie TV e film, ad un’ampia raccolta di DC comics, fan art, cosplay e molto altro ancora. 

Tutto quello che dovete sapere sul Multiverse:

  • WatchVerse: I panel includono l’introduzione ufficiale di Batwoman di WBTV, oltre a Superman & Lois, Legends of Tomorrow della DC,  Stargirl della DC, Black Lightning, versioni estese dei panel di Flash (TV) e Titans che hanno debuttato durante la Hall of Heroes, e tanto altro ancora. Tenetevi aggiornati sulle ultimissime notizie durante il giorno dell’evento
  • ITALY LOVES DC: il panel italiano all’interno del WatchVerse! Autori, scrittori, attori, musicisti e DJ – tutti personaggi noti dello scenario pop italiano – si incontreranno per condividere le proprie esperienze professionali con i personaggi dell’Universo DC. Mirka Andolfo, Elena Casagrande ed Emanuela Lupacchino, che lavorano alla DC come autrici, si incontreranno per una originale conversazione in onore del Multiverso DC. Nicola Nocella, Riccardo Zanotti (Pinguini Tattici Nucleari) e Gianluca Gazzoli poi sveleranno le origini della loro passione per i supereroi e i super-villains targati DC, e discuteranno dell’influenza che questi hanno avuto sui loro percorsi cinematografici, musicali e radiofonici. Modera Giorgio Viaro.
  • InsiderVerse: qui i fan potranno accedere al dietro le quinte al fianco dei maestri che portano in vita la DC in tutte le sue forme: dai comics ai giochi, serie TV, film, parchi a tema, consumer products e altro ancora.
  • Blerd & Boujee: la programmazione di Blerd & Boujee celebra la cultura di Blerd (aka “Black Nerd”) e il suo impatto in tutto il mondo, con artisti, voci, musicisti e diversi contenuti.
  • FunVerse: Fun è il nome del gioco in FunVerse, un luogo perfetto per condividere il tuo fandom DC. Leggi centinaia di comics digitali gratuiti, mettiti in posa alla postazione selfie, esplora la Joker Escape Room e molto altro ancora.
  • YouVerse: qui i FAN sono i protagonisti. Si possono ammirare più di 17.000 fan art, cosplay e contenuti generati dagli utenti di tutto il mondo; non dimenticate di votare i vostri preferiti.

Lo store DC presenterà dei fantastici nuovi  prodotti come la nuova key art di Wonder Woman 84, il logo art di Gotham Knights e Suicide Squad: Kill the Justice League, il logo DC Fandome 2020, nuovi entusiasmanti prodotti di Design by Humans e Amazon come adesivi, tappetini per mouse, tazze, decorazioni murali e accessori per telefoni.

Tutti questi contenuti possono essere trasmessi in streaming esclusivamente sul sito DCFanDome.com, disponibili a livello globale per desktop e dispositivi mobili, in 9 lingue (Italiano, Inglese, Cinese, Francese, Tedesco, Giapponese, Coreano, Portoghese, Spagnolo). Inoltre, sempre il 12 settembre, tutte le famiglie potranno divertirsi col DC Kids FanDome (www.DCKidsFanDome) che sarà live per sole 24 ore.

Assandira: trailer ufficiale del film di Salvatore Mereu

Chiara Guida
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Assandira: trailer ufficiale del film di Salvatore Mereu

Ecco il trailer di Assandira, il nuovo film di Salvatore Mereu, che sarà presentato Fuori concorso alla 77. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia domenica 6 settembre. Il film prodotto da Elisabetta Soddu e Salvatore Mereu, una produzione Viacolvento con Rai Cinema, uscirà nelle sale il 9 settembre distribuito da Lucky Red.

Sinossi – Zuppo d’acqua fin dentro alle ossa, Costantino si avvita sul pagliaio come un vecchio legno restituito alla terra dal mare in burrasca. La pioggia torrenziale ha appena finito di spegnere il fuoco che si è mangiato in una notte sola l’agriturismo in mezzo al bosco, Assandira. Ma la pioggia non ha spento il dolore, il rimorso bruciante per il figlio che è morto in mezzo alle fiamme e che non è riuscito a salvare.

All’alba, i primi ad arrivare sono i carabinieri e il giovane magistrato: Costantino prova a raccontare loro cosa è successo in quell’ultima notte, a spiegare come tutto è cominciato…

EST – Dittatura last minute: intervista a Lodo Guenzi

Sonia Serafini
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EST – Dittatura last minute: intervista a Lodo Guenzi

Lodo Guenzi, di EST – Dittatura last minute, è il protagonista della nostra intervista, in occasione della presentazione del film alla 77° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.

EST – Dittatura Last Minute è un originale road-movie ambientato nel 1989 alla vigilia della caduta del muro, tratto da una storia vera e girato tra il Cesenate e la Romania. Il film è scritto e diretto da Antonio Pisu (che ritorna alla regia dopo la sua opera prima Nobili Bugie) e prodotto da Genoma Films di Paolo Rossi Pisu, e in collaborazione con Maurizio Paganelli e Andrea Riceputi, autori del libro “Addio Ceausescu” da cui è tratta la sceneggiatura. La storia nasce appunto da un’idea degli stessi Maurizio Paganelli e Andrea Riceputi che nel 1989, giovani ventiquattrenni dal grande entusiasmo, intrapresero con un amico il viaggio raccontato nel film. Il ruolo del protagonista è affidato a Lodo Guenzi – voce e chitarra de Lo Stato Sociale nonché diplomato all’accademia di Arte Drammatica Nico Pepe – che con il film EST – Dittatura Last Minute fa il suo esordio sul grande schermo. Al suo fianco gli altri due attori esordienti Matteo Gatta e Jacopo Costantini. Il film è stato realizzato con il sostegno della Regione Emilia Romagna.

Away: recensione della serie Netflix con Hilary Swank

Chiara Guida
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Away: recensione della serie Netflix con Hilary Swank

Arriva il 4 settembere su Netflix Away, la nuova serie fantascientifica ideata da Andrew Hinderaker e scritta dalla showrunner Jessica Goldberg. La serie si posiziona su un gradino molto alto della recente produzione originale della piattaforma streaming, confermando che comunque, nonostante una serie di progetti di medio e basso livello, il servizio può ancora offrire dei prodotti per i quali vale la pena pagare l’abbonamento. Oltretutto affidare la serie intera a Hilary Swank sembra la chiave di volta per il successo di Away.

Away, la trama

La due volte premio Oscar interpreta Emma Green, un’astronauta e scienziata in forze alla NASA che da giovanissima ha condotto una brillante carriera nell’agenzia spaziale e che adesso è stata scelta per guidare una mission to Mars, una missione importantissima per cominciare a portare avanti un ambizioso progetto di colonizzazione del Pianeta Rosso. Green è quindi messa a capo di un team che dovrà gestire e comandare, facendo in modo che ognuno dei membri possa riporre la sua fiducia in lei.

Oltre a questo compito che sembra molto difficile, Emma deve anche gestire una vita privata che richiederebbe la sua presenza fisica, ma che in concomitanza con la sua missione, la costringe ad avvalersi dei più sofisticati sistemi di comunicazione per stare comunque vicino alla figlia adolescente, Alexis (Talitha Bateman), e al marito  (Josh Charles), ingegnere alla NASA, con problemi di salute. Le due sfide di Green si sommano a quella che è la vera e propria missione raccontata dalla serie, in 10 episodi, ovvero la conquista di Marte con un progetto internazionale mai messo in piedi prima.

Hilary Swank protagonista assoluta

Hilary Swank è la colonna portante della serie, così come la sua Emma Green è la colonna portante della missione spaziale e della sua famiglia. L’attrice, dopo anni in cui non aveva avuto a disposizione copioni particolarmente stimolanti, torna in un ruolo che ci ricorda quale grande interprete sia e soprattutto che la mette in condizione di dare ad un personaggio femminile forte, in un mondo di uomini, tutte quelle caratteristiche tipicamente femminili, come la compassione e la dolcezza, che in questo caso sembrano trascendere i generi ed applicarsi semplicemente all’umanità delle persone.

Il cast di Away

Il primo banco di prova di Green è il suo equipaggio: scienziati e astronauti che provengono da tutto il mondo e che non hanno molta simpatia per questa leader che non considerano all’altezza. Mark Ivanir interpreta il veterano russo Misha, astronauta di grande esperienza e presunzione, che meglio di tutti rappresenta lo stereotipo dell’uomo che non vuole essere comandato da una donna, per giunta più giovane. Scopriamo però che Misha ha delle ragioni molto profonde, delle motivazioni che danno tridimensionalità al suo personaggio.

Vivian Wu interpreta Lu, astronauta cinese apparentemente gelida e scostante, che da subito rivela una personalità nascosta, e che, scopriamo presto, è costretta a nascondere degli enormi segreti che riguardano la sua vita privata, esigenza che ha delle conseguenze anche nella sua vita professionale. Ato Essandoh è Kwesi, novellino dello spazio ma scelto per la missione perché è un esperto botanico, figura fondamentale per l’impresa che questo piccolo equipaggio si troverà a compiere.  Infine, Ray Panthaki interpreta Ram, è lui il medico del team, il personaggio che funge da ago della bilancia, mite e accondiscendente, sempre pronto ad appianare i conflitti e supportare il team.

In mezzo a questa umanità variegata per origini, problematiche e caratteri, Emma Green deve trovare un posto da leader e un proprio ordine, mentre una parte di sé vorrebbe tornare sulla Terra, dove la sua famiglia ha bisogno di lei, e il suo istinto la spinge sempre più lontano, verso la missione da compiere, il coronamento del suo sogno, della sua ambizione di essere umano.

Swank riesce a condensare tutte queste emozioni e tensioni con una duttilità e una delicatezza davvero rare, dando anche corpo ad un personaggio davvero moderno e paritario, che occupa un posto di comando per la sua bravura e che gestisce i rapporti con grande umanità e le emergenze con professionalità. Non c’è niente di umorale in Emma Green, niente di femminile nel senso dequalificante del termine: lei è un comandante di una spedizione spaziale, una donna ambiziosa, una professionista, una leader, una madre, una moglie, e tutto con lo stesso livello di dedizione e competenza.

Anche se la componente umanista di Away ne costituisce la spina dorsale, la serie è un prodotto di fantascienza davvero raffinato, che abbraccia tutti gli archetipi visivi e narrativi del genere ottenendo una serie con un arco narrativo solido, una resa estetica affascinante e una presa emotiva salda sullo spettatore.

Amants: recensione del film di Nicole Garcia #Venezia77

Redazione
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Amants: recensione del film di Nicole Garcia #Venezia77

Arriva in concorso alla 77esima edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia Nicole Garcia che presenta il suo ultimo film, Amants, storia di un primo, lungo ed intenso amore corroborato da un’evoluzione lunga un’intera vita. Reduce dagli anni 50′ di Mal di pietre, sua ultima fatica dietro la macchina da presa, Nicole Garcia ritorna a raccontare l’amore attraverso gli occhi di personaggi femminili al centro di triangoli amorosi il cui unico comune denominatore sembra essere una prigione senza amore.

Se nel precedente film che vedeva protagonista Marion Cotillard, la donna al centro della vicenda era per sua scelta finita in un matrimonio senza sentimento. Questa volta il matrimonio della protagonista interpretata da Stacy Martin avviene per necessità. Infatti, tormentata da un prematuro abbandono del suo primo e unico amore, la Lisa di Amants si rifugia in un rassicurante legame privo di affetto per la paura di non riuscire a sopravvivere.

Amants, la trama

Amants racconta la storia di Lisa e Simon, inseparabili. Sono innamorati l’uno dell’altra da quando erano adolescenti. Capita una tragedia, provocata dalle attività criminali di Simon. Egli è in pericolo e fugge. Senza Lisa. Lei aspetta invano notizie da lui. Tre anni dopo, è sposata con Leo quando le loro strade si incrociano nuovamente su un’isola nell’Oceano Indiano.

Fin dalle prime battute, il film si rivela essere un dramma sentimentale incastrato nelle pieghe spinose di un melodramma, i cui personaggi sono tratteggiati in modo superficiale e sono quasi sempre in balia degli eventi senza essere veri artefici del proprio destino.

Lascia perplessa anche la regia del film, al limite del televisivo, prevedibile e scontata come del resto lo è tutta la storia. Seppur ricca di buone intenzioni, la vicenda non riesce mai a sorprendere veramente, finendo per diventare un involucro di elementi ricorrenti del cinema della regista francese quali passione, morte, senso di colpa e desiderio. Tematiche che non vengono affrontare di petto bensì di rigetto.

Infatti, non capiamo mai realmente il sentimento di Lisa, seppur interpreta ottimamente dalla sempre brava Stacy Martin, unica vera vittima della storia. Probabilmente sarebbe molto più interessante comprendere il suo stato d’animo e la sua esistenza condizionata inesorabilmente dalle brame di due uomini: il primo giovane, bello e dannato, il secondo vecchio e alla constante ricerca di qualcosa che non può comprare.

In questa condizione si innesta palesemente la percezione che il desiderio di Lisa è quello di isolarsi in un mondo senza amore e senza uomini ma almeno con la consapevolezza che nessun altro a parte lei possa determinare il suo destino.

Film per bambini: i migliori titoli da vedere assolutamente

Gianmaria Cataldo
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Film per bambini: i migliori titoli da vedere assolutamente

Oggigiorno quella dei bambini è una delle fette di pubblico più ambite dagli studios di produzione. Se da sempre la Disney ha in loro il proprio pubblico privilegiato, sempre più anche gli altri grandi nomi dell’industria aspirano a realizzare film, d’animazione o meno, che possano trovare il favore dei più giovani.

Oggi l’offerta a riguardo è dunque diventata talmente vasta da poter far perdere l’orientamento. Di seguito, si elencheranno allora alcuni tra i migliori film per bambini, da vedere e rivedere da soli o in compagnia.

Ecco i migliori 10 film per bambini da vedere assolutamente.

Film per bambini del 2020

Sonic – Il film

Film per bambini Sonic

Celebre grazie al videogioco Sonic the Hedgehog, il personaggio alieno dalle sembianze di un ricco è infine arrivato al cinema con un film che ha tra i suoi protagonisti anche gli attori James Marsden e Jim Carrey. Il titolo è inoltre divenuto involontariamente popolare per le proteste contro il design del celebre personaggio. Questo è stato poi ridisegnato da capo, andando incontro al completo favore del pubblico. Sonic – Il film ha così avuto modo di diventare uno dei più grandi successi della stagione.

La trama ruota intorno all’arrivo di Sonic sul pianeta terra, dove si nasconde per evitare di essere trovato, catturato e studiato. Dotato di una super velocità, per il ricco risulta però difficile non combinare guai, e così ben presto attirerà su di sé le attenzioni dello scienziato Ivo Robotnik, il quale aspira a farne una preda grazie alle sue brillanti invenzioni. Ad aiutare Sonic, a quel punto, potrà esserci soltanto l’umano in cui l’alieno si imbatte, ovvero il giovane sceriffo Tom Wachowski.

Trolls World Tour

Film per bambini Trolls World Tour

Sequel del film Trolls, uscito al cinema nel 2016, Trolls World Tour è basato sulle celebri bambole ideate da Thomas Dam. Inizialmente previsto per la sala, dove sarebbe dovuto arrivare il 2 aprile del 2020, il film è tuttavia stato poi distribuito direttamente sulle principali piattaforme PVOD (Premium Video On Demand) a partire dal 10 aprile. Ciò è stato causato dall’emergenza sanitaria Covid-19, che ha richiesto la chiusura dei cinema. Ciò non ha impedito al film di ottenere successo, affermandosi anzi come uno dei titoli più noleggiati del periodo.

La trama è ambientata quattro anni dopo gli eventi del precedente film, e vede i protagonisti Poppy e Branch cercare di sventare i malvagi piani della regina Barb. Questa infatti, in seguito alla scoperta dell’esistenza di altre tribù di trolls, aspira a sovraneggiare anche su di esse. I due piccoli amici dovranno così impedire che ciò avvenga, e nel farlo impareranno che ognuna delle altre cinque comunità è dedicata ad un genere musicale. Mantenere questa varietà sarà ora più vitale che mai. Tra i doppiatori originali del film si annoverano noti nomi come Anna Kendrick, Justin Timberlake e Sam Rockwell.

Dolitte

Film per bambini Dolittle

Celebre per il personaggio di Iron Man, nel 2020 l’attore Robert Downey Jr. ha invece riportato in sala il dr. Dolittle, protagonista della serie di romanzi scritti da Hugh Lofting. Il celebre dottore in grado di parlare con gli animali è così tornato sul grande schermo con una trasposizione ambientata in epoca vittoriana. A circondare Downey Jr, una simpatica serie di animali, le cui voci appartengono ad alcuni noti attori di Hollywood. Si segnala infatti la presenza di John Cena, voce dell’orso Yoshi, Marion Cotillard, voce della volpe Tutu, e Tom Holland, voce del cane Jip.

La trama di Dolittle è incentrata sulla missione affidata all’omonimo dottore, incaricato di partire alla ricerca di una cura per la giovane regina, affetta da un male ignoto. Grazie a tale viaggio, dove sarà circondato dai suoi amici animali, egli ritroverà la voglia di vivere, svanita in seguito alla scomparsa della moglie anni prima. Sul suo percorso, tuttavia, non mancherà di imbattersi in pericolosi nemici e misteriosi alleati.

Scooby!

Film per bambini Scooby!

Reboot dei vari film di Scooby-Doo, la pellicola è una nuova storia animata sulla Mystery Gang, composta da Shaggy, Fred, Daphne, Velma e il celebre cane che dà il titolo alla serie. A dare voce a questi personaggi vi sono noti attori come Gina Rodriguez, Zac Efron e Amanda Seyfried. Scooby! era inizialmente previsto per uscita al cinema nel maggio del 2020, ma a causa dell’attuale pandemia è stato distribuito direttamente in digitale a partire dal 26 giugno. In breve, è diventato uno dei titoli più richiesti tra i tanti presenti nei cataloghi delle piattaforme streaming.

In questa loro nuova avventura si va alle origini dell’incontro tra l’alano fifone Scooby e del suo inseparabile amico Shaggy. I due, insieme al resto della Myster Gang, dovranno risolvere un caso particolarmente complesso. Qualcuno sembra infatti intenzionato a liberare il mitologico cane Cerbero, scatenando l’apocalisse. Le loro indagini contro il tempo saranno l’unica cosa che potrà portarli a scongiurare il caos.

Film per bambini su Netflix

La famiglia Willoughby

Film per bambini La famiglia Willoughby

Presente sulla piattaforma Netflix dalla fine dell’aprile 2020, il film d’animazione La famiglia Willoughby è basato sull’omonimo libro per bambini scritto da Lois Lowry. Scritto e diretto da Kris Pearn, già regista di Piovono polpette 2 – La rivincita degli avanzi, il titolo vanta anche in questo caso la partecipazione di noti interpreti nelle vesti qui dei doppiatori dei personaggi protagonisti della storia. In particolare, la voce del Gatto appartiene al celebre comico Ricky Gervais.

Al centro delle vicende vi sono i quattro bambini della famiglia Willoughby, i quali improvvisamente si ritrovano ad essere abbandonati dai loro genitori egoisti. Insieme all’orfana Ruth, trovata lungo la strada, il gruppetto dovrà ora imparare ad adattare i propri valori antiquati al mondo contemporaneo, con il fine di creare una nuova e moderna famiglia. Una storia irriverente e agrodolce per riflettere in modo originale e genuino sui veri valori della famiglia.

Klaus – I segreti del Natale

Film per bambini Klaus

Film d’animazione in 2D candidato ai premi Oscar, Klaus – I segreti del Natale è opera del regista e sceneggiatore Sergio Pablos, co-autore del celebre Cattivissimo me. Basato su una storia originale e senza tempo, il film è stato realizzato grazie una combinazione unica del classico disegno animato a mano con le tecnologie digitali più all’avanguardia. Il titolo, distribuito su Netflix nel novembre del 2019, è noto specialmente per il doppiaggio italiano, che vanta il cantante Marco Mengoni per il personaggio di Jesper, e di Francesco Pannofino nel ruolo di Klaus.

La storia segue le vicende di un giovane postino egoista che, ritrovatosi a lavorare in una remota città scandinava, stringe un’improbabile amicizia con un solitario fabbricante di giocattoli. Con lui, darà vita ad un progetto: portare doni ad ogni bambino buono che scriverà una letterina all’imponente Klaus. I fini del postino Jesper, tuttavia, sono ben altri. Egli aspira infatti a lasciare quanto prima quel luogo, ma il clima natalizio avrà infine la meglio anche su di lui, cambiandone i desideri e sciogliendo il suo brutto carattere.

Dennis la minaccia

Film per bambini Dennis la minaccia

Classico del 1993, Dennis la minaccia è entrato a far parte dell’immaginario comune come uno dei film per bambini più celebri di sempre, adatto però anche ad un pubblico più adulto. Tratto dall’omonima striscia di fumetti risalente agli anni Cinquanta, il titolo vanta attori celebri come Walter Matthau e Christopher Lloyd, mentre nel ruolo del giovanissimo protagonista vi è Mason Gamble. Il film si trova attualmente sulla piattaforma Netflix, ed è senz’altro uno dei titoli da recuperare assolutamente se si è alla ricerca di film per bambini.

La trama ruota intorno al celebre Dennis, un bambino incontenibile sempre alla ricerca di avventure e guai in cui cacciarsi. La sua vittima preferita è il burbero vicino George Wilson, il quale mal sopporta il pestifero bambino. Quando le circostanze obbligano però l’anziano ad ospitare Dennis in casa sua, non passa molto che iniziano a succederne di tutti i colori. Improvvisamente, però, il bambino viene rapito da un cinico vagabondo e per George verrà così il momento di mettersi alla ricerca di Dennis, svelando quindi un affetto nei suoi confronti.

Film per bambini su Disney+

Lo schiaccianoci e i quattro regni

Film per bambini Lo schiaccianoci e i quattro regni

Adattamento cinematografico dell’omonimo racconto e balletto, Lo schiaccianoci e i quattro regni è arrivato al cinema nel 2018 per la regia di Lasse Hallström e con un cast comprendente Keira Knightley, Mackenzie Foy, Helen Mirren e Morgan Freeman. Ricco di effetti speciali ammalianti, e con una colonna sonora d’eccezione, il film intrattiene ed emoziona nel pieno della tradizione dei classici Disney, in cui si inserisce perfettamente. In più, la pellicola contiene il duetto originale tra Andrea Bocelli e suo figlio Matteo, i quali si esibiscono nella struggente Fall on Me, brano ideato proprio per il film. Attualmente, il film è presente sulla piattaforma Disney+.

La trama ruota intorno alla giovane Clara, la quale durante la cena per la vigilia di Natale si ritrova ospite, insieme al padre, di un ricco uomo d’affare amico di famiglia. Qui, però, la giovane viene distratta da un filo dorato che attraversa i corridoi. Seguendolo, si ritroverà catapultata in un mondo magico e colorato, composto di quattro regni. Attraversandoli senza paura, Clara incontrerà nuovi amici e alleati, i quali la prepareranno ad una missione che solo lei può compiere: introdursi nel più cupo dei quattro regni e sottrarre un’antica chiave magica alla perfida Madre Ginger.

La carica dei 101

Film per bambini La carica dei 101

Altro classico Disney, La carica dei 101 – Questa volta la magia è vera è il rifacimento live-action di uno dei più conosciuti lungometraggi d’animazione dello studios. Al momento della sua uscita, nel 1996, il film ebbe un grandissimo successo, merito anche dell’interpretazione di Glenn Close nei panni di Crudelia De Mon. Accanto a lei, si ritrovano nel film anche attori come Jeff Daniels e Hugh Laurie, nel ruolo di Gaspare. Ma i veri protagonisti sono loro, l’esercito di 101 piccoli dalmata, in grado di scaldare i cuori di grandi e piccini. Anche questo titolo, nonché gli originali animati e il sequel, sono presenti sulla piattaforma Disney+.

La trama ripercorre grossomodo quella dell’originale d’animazione. Dall’incontro tra due dalmata adulti, appartenenti rispettivamente ad un imbranato progettisti di videogiochi e ad una dipendente di una casa di moda, nascerà un’incredibile cucciolata composta da 101 teneri cagnolini. Venuta a sapere del miracolo, la malvagia Crudelia De Mon, titolare della casa di moda specializzata in pellicce d’animale, aspira a rapire i piccoli per farne un abito tutto per sé. I dalmata, tuttavia, non si lasceranno catturare tanto semplicemente, e daranno filo da torcere alla donna fino a sventare il suo malefico piano.

Diario di una schiappa

Film per bambini

Tra i principali film per bambini, impossibile non citare anche Diario di una schiappa, primo di una trilogia basata sull’omonimo libro di Jeff Kinney. Ricco di situazioni comiche, il titolo è interpretato dagli attori Zachary Gordon, nei panni del giovane protagonista, e poi da Chloë Grace Moretz, Robert Capron, Devon Bostick e Steve Zahn. Titolo di grande successo, il film ha soddisfatto quanti avevano apprezzato le avventure dell’undicenne Greg Heffley, diventanto ben presto un cult da vedere assolutamente. Per farlo, basterà abbonarsi alla piattaforma Disney+, dove si può trovare il titolo e i suoi sequel.

La storia è quella di Greg, che mentre si appresta ad affrontare il difficile mondo delle scuole medie, aspira a raggiungere la maggior popolarità possibile. Sfortunatamente, però, egli sembra ben lontano dal raggiungere tale traguardo, ritrovandosi invece ad essere considerato una schiappa. Per tentare di rifuggire da questa etichetta, il giovane stilerà un elenco di propositi, i quali però finiranno con l’assumere conseguenze inaspettate. Grazie a questa serie incredibile di avventure, tuttavia, Greg imparerà che il mondo delle medie non è come se lo aspettava.

 

Star Wars: le 10 migliori storyline della trilogia originale

Stefano Terracina
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Star Wars: le 10 migliori storyline della trilogia originale

Quando George Lucas ha realizzato Star Wars più di quarant’anni fa, ha dato il via ad un fenomeno senza precedenti. È ancora oggi saldamente radicato nello zeitgeist della cultura pop, con l’adorata trilogia originale ancora riconosciuta come una delle più belle della storia del cinema. È davvero improbabile che qualsiasi nuovo film della saga possa raggiungere le vette toccate dal franchise con i primi tre film. Ci sono tante cose che rendono la trilogia originale davvero fenomenale, inclusa la varietà di trame che – in alcuni casi – attraverso anche tutte e tre gli epsiodi. Dopo la trilogia sequel e la trilogia prequel, ecco che Screen Rant ha raccolto anche le migliori storyline della trilogia originale di Star Wars: 

Il viaggio di R2-D2 e C-3PO

George Lucas ha attinto molto dai film del passato che amava quando ha scritto Star Wars, non ultimo il lavoro di Akira Kurosawa. Il viaggio di R2-D2 e C-3PO nel film rispecchia la struttura de I sette samurai del regista giapponese.

È uno dei momenti salienti del film: i fan guardano i due iconici droidi viaggiare attraverso Tatooine alla ricerca di Obi-Wan, separarsi, riunirsi ed essere poi acquistati da Luke, sua zia e suo zio prima di scoprire finalmente il Maestro Jedi.

La famiglia

Ci sono una manciata di temi centrali che si trovano a percorrere la maggior parte degli episodi di Star Wars, con l’idea di famiglia – quella non legata da vincoli di sangue – che è sicuramente uno dei più importanti.

È un tema che ha una sua storia, poiché i fan considerano Luke, Leia, Han, Chewbacca, R2-D2 e C-3PO (e anche altri personaggi come Lando), come una vera e propria famiglia, avvicinandosi sempre più ad ogni film, fino a quando non sono finalmente uniti e felici alla fine del loro incredibile viaggio.

La fuga dalla Morte Nera

Una Nuova Speranza, il film che ha praticamente dato il via a tutto, è praticamente un concentrato di grandi sottotrame che hanno introdotto il mondo alla brillantezza del franchise.

Non meno importante, l’arrivo e la disperata fuga dei nostri eroi dalla Morte Nera. Tutto è semplicemente fantastico, dalla realizzazione della scomparsa di Alderaan al sacrificio di Obi-Wan, fino ai momenti sia esilaranti sia tesi durante le varie sequenze. 

La distruzione della Morte Nera

Quarant’anni dopo, il tropo delle armi che distruggono il pianeta è stato ripetuto altre due volte dal canone di Star Wars, ma quella prima volta è ancora oggi assolutamente fantastica.

Luke porta a compimento il suo arco narrativo abbandonando Tatooine per prendere parte alla Ribellione, mentre Han mostra finalmente la sua genuina buona natura. Distruggere la Morte Nera e tutti coloro a bordo (mentre Vader è sopravvissuto), è stato un colpo di genio, permettendo così alla storia di continuare. Inoltre, l’intera storyline ha introdotto anche i Fantasmi di Forza, permettendoci di scoprire molto di più sui misteri del campo di energia magnetico.

La ribellione silenziosa

La distruzione della prima Morte Nera, ovvero la Battaglia di Yavin, un tempo faceva parte di una ribellione molto più ampia che si era formata nel corso di quasi vent’anni e che era continuata per un altro mezzo decennio.

L’Alleanza Ribelle ha combattuto ed è scappata dall’Impero, avendo vittorie colossali come la Battaglia di Yavin e di Endor, nonostante la sconfitta nella Battaglia di Hoth. Tutto sommato, la storia meno fortunata di questa banda di ribelli che affronta il tirannico Impero è comunque fonte di ispirazione.

Han e Leia

Il romanticismo è uno degli aspetti più cruciali di Star Wars, con l’intera saga degli Skywalker che, probabilmente, si basa sul romanticismo di Anakin e Padmé già scritto nelle stelle.

Tuttavia, senza dubbio la migliore storia d’amore del franchise live action è quella tra Han e Leia. I due condividono una chimica a dir poco elettrica ed alcune delle migliori battute nei film provengono proprio dalla loro storia d’amore, che fa emergere il lato più personale di Leia ed evidenzia la natura buona di Han.

La fuga di Han da Jubba the Hutt

Un’altra trama che coinvolge Han e che si estende attraverso l’intera trilogia sono i suoi collegamenti con il mondo del crimine, e la sua costante fuga da Jabba the Hutt, i suoi scagnozzi e il debito che deve al signore del crimine.

È la fonte di alcune delle scene più brillanti della trilogia: la fuga dal palazzo di Jabba, così come la cattura di Han da parte di Boba, e persino l’inseguimento di un asteroide che vedeva sia Imperiali che Boba Fett ad inseguire l’iconico contrabbandiere.

L’allenamento Jedi di Luke

Spesso annunciato come uno dei più grandi sequel di tutti i tempi, nonché il migliore che Star Wars ha da offrire, L’Impero Colpisce Ancora è un film molto diverso dal suo predecessore, introducendo alcuni dei personaggi più iconici di sempre.

Lando, Boba, l’Imperatore, Bossk e altri fanno il loro debutto nel film, così come Yoda, la cui storyline di addestramento di Luke durante gli ultimi due terzi della trilogia contiene alcune delle scene più incredibili dell’intero franchise. Yoda aiuta il personaggio di Luke a crescere in modo esponenziale, fornendo anche ai fan ulteriori informazioni sulla Forza e su cosa sia effettivamente l’entità misteriosa.

La ricerca di Luke da parte di Vader

Han e la sua banda non erano gli unici ad essere ricercati ne L’Impero Colpisce Ancora, con Vader che cercava Luke, preparandogli una trappola su Bespin.

Questa trama non solo ha fatto dubitare Yoda di Luke e spinto quest’ultimo a dimostrare il suo amore per i suoi amici, ma ha anche portato a una delle migliori battaglie con le spade laser di sempre e alla più grande svolta narrativa che il franchise – e probabilmente il cinema – abbia mai visto.

La redenzione di Anakin/Vader

Anche se Luke Skywalker è il protagonista principale della trilogia originale, il personaggio principale dell’intera saga degli Skywalker è senza dubbio Anakin Skywalker, senza il quale gli eventi del franchise non sarebbero mai avvenuti.

La caduta di Anakin è stata concretizzata attraverso il canone ed è davvero tragica e difficile da guardare, ma la storia della sua redenzione rimane uno degli aspetti più felici del film. La fede assoluta di Luke in suo padre, la sua fede incrollabile nel bene nascosto dentro di lui è eccellente, e Vader che finalmente si riscatta diventando Anakin ancora una volta, farà sorridere per sempre i volti dei fan.

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