A poco più di una settimana dalla
fine dell’anno, HBO Max ha svelato un nuovo spot
promozionale per la sua lista di serie tv in arrivo nel 2023 con
serie sia nuove che sequel di serie note. Il filmato include nuovi
filmati del dramma apocalittico diretto da Pedro Pascal The
Last of Us, così come il nostro primo sguardo
a True
Detective: Night Country, che segna il primo grande
dramma sceneggiato dal premio Oscar Jodie Foster in cinquant’anni.
Il promo HBO Max 2023 offre anche
un nuovo sguardo alle prossime stagioni di spettacoli di successo
come Succession, Perry
Mason, Barry, The
Righteous Gemstones, Curb Your
Enthusiasm, Hacks, Harley
Quinn e altri. Mostra anche nuovi filmati di
spettacoli originali imminenti come The
Idol, The White House
Plumbers, Love and
Death , Velma e Full
Circle. Di seguito il filmato!
The Last of
Us
La serieThe Last
of Usaffronterà
gli eventi del primo gioco con la possibilità di contenuti
aggiuntivi basati sul sequel. Sarà guidato dagli attori di
Game of ThronesPedro
Pascal nei panni di Joel e Bella Ramsey nei panni di Ellie. Attualmente è
impostato per fare il suo debutto nel 2023.
“La serie live-action si svolge 20
anni dopo che la civiltà moderna è stata distrutta”, si legge nella
sinossi. “Joel ed Ellie, una coppia legata dalla durezza del
mondo in cui vivono, sono costretti a sopportare circostanze
brutali e spietati assassini in un viaggio attraverso un’America
post-pandemica”.
True Detective: Night Country
True Detective: Night
Country sarà guidato da Jodie Foster nei panni della detective Liz
Danvers. Sarà affiancata dal pugile Kali Reis, John
Hawkes (Deadwood), Christopher
Eccleston (Doctor Who), Fiona Shaw
(Killing Eve), Finn Bennett (The
Nevers) e Anna Lambe (Three Pines).
“Quando la lunga notte invernale
cala a Ennis, in Alaska, i sei uomini che gestiscono la Tsalal
Arctic Research Station svaniscono senza lasciare traccia”, si
legge nella sinossi. “Per risolvere il caso, le detective Liz
Danvers (Foster) ed Evangeline Navarro (Reis) dovranno affrontare
l’oscurità che portano dentro di sé e scavare nelle verità
infestate che giacciono sepolte sotto il ghiaccio eterno.”
Dopo Arma
letalee Kiss
Kiss Bang Bang, era diventato chiaro che il
regista Shane Black amava ambientare i suoi film nel
periodo festivo.L’aspettativa era che un “film di
Shane Black” sarebbe stato un “film di Natale”, ecco perché tutti
ci aspettavamo che Iron
Man 3 si svolgesse durante il
Natale quando è stato annunciato come regista. Parlando
con Empire
Online, il regista rivela che inizialmente non
intendeva che il trequel fosse un’avventura ambientata in una
vacanza per Armored Avenger.
In effetti, ha ceduto solo
dopo che il co-sceneggiatore Drew Pearce ha spinto affinché
Iron Man 3 si
svolgesse a Natale! “Non volevo che il
Natale sembrasse una trovata, o qualcosa di prevedibile o ostentato
da parte mia”, dice
Black. “È iniziato come divertente, e non
appena la gente l’ha notato, ha smesso di essere divertente. Ma ho
acconsentito in gran parte a causa dei riferimenti al Christmas
Carol. Tony perde il suo sostegno, perde la sua base, è alla deriva
in Mid-America.”“E non riceverà la
visita di fantasmi, ma sarà sicuramente nel mezzo di una resa dei
conti, o di una riconciliazione, dove dovrà fare il punto, capire
cosa lo preoccupa e come continuerà. Ha funzionato fuori bene per
il finale.”
“La conclusione è
fondamentalmente lui a Natale, che fa un regalo alla sua fidanzata
e fa un regalo a un bambino che lo ha aiutato. E c’è un miracolo di
Natale quando il personaggio di
Jon Favreau esce dal coma”, continua
il regista. “C’è qualcosa in questo, dove
puoi diventare oscuro e oscuro e oscuro, duro quanto vuoi, e poi
evocare un piccolo Natale, e ti dà quel piacevole finale che stai
cercando.”
Sebbene
Iron Man 3possa essere considerato a
tutti gli effetti un
film di Natale non è cambiato molto (avrebbe potuto abbandonare
le decorazioni ed essere comunque altrettanto divertente), è
interessante ascoltare questi parallelismi da Black.Possiamo certamente dire che la prima storia natalizia in
piena regola dei Marvel Studios è stataHawkeye dell’anno
scorso su Disney+, anche se il mese
scorso hanno davvero abbracciato le vacanze
con The
Guardians of the Galaxy Holiday
Special. Per quanto
riguarda Iron
Man 3, rimane in qualche modo
divisivo, ma è ampiamente considerato da molti uno dei migliori
film della
Infinity Saga. Iron
Man 3è ora in
streaming su Disney+!
Durante la celebrazione di
Star
Wars di quest’anno, Lucasfilm ha
annunciato la prossima serie
Star Wars: Skeleton Crew. La serie Disney+ sembra destinata a
concentrarsi su un gruppo di ragazzi persi nella
Galassia che cercano la via di casa, mentre
Jude Law (Captain
Marvel) è destinato a guidare la serie tv
come uno dei suoi unici membri del cast confermati.
Jon Watts
(Spider-Man:
No Way Home) e Christopher Ford (Chaos
Walking) stanno sviluppando il progetto ambientato nello
stesso periodo di The Mandalorian, e un nuovo
sguardo al misterioso personaggio di Law ha trovato la sua strada
online.
Incluso in un’anteprima di
Disney+ 2023, mostra l’attore
con indosso un cappuccio e apparentemente in fuga. Si pensa che si
unirà a quei ragazzi nel loro viaggio, con alcuni rumors che hanno
anticipato che egli possa essere leader del gruppo in quanto
insegnante di qualche tipo.
In effetti, Making Star Wars
ha condiviso oggi una storia rivelando che il personaggio di
Law e il suo equipaggio saranno, a un certo
punto, “ospiti” in
un “hotel opulento”. Le persone lì sono
descritte come “Canto Bight
rich”, mentre si dice che la location sia tra le più
grandi create per Star Wars: Skeleton
Crew. “Questa sequenza è
grande”, rivela il sito. “Sono stati
realizzati un sacco di costumi per i ricchi ospiti e servitori di
questo set e location. Quindi immagino che la spesa di produzione
sia giustificata dal fatto che è importante per la narrazione
generale”.
Siamo decisamente incuriositi da
questi dettagli che emergono, e ci aspettiamo che sia qualcosa di
più di un divertente diversivo rispetto alle altre storie
raccontate su Disney+. In effetti, ci sono
rumors secondo cui questa serie si collegherà anche a spettacoli
come The
Mandaloriane Ahsoka,
quindi è probabilmente una parte fondamentale di qualunque cosa
Jon Favreau e Dave Filoni abbiano pianificato per questo angolo
della Galassia mentre continuano ad espandersi in questa era.
Star Wars: Skeleton Crew dovrebbe debuttare
su Disney+ nel 2023.
È passato poco più di un anno
dall’uscita di Spider-Man: No Way
Home, ma non c’è ancora una parola
ufficiale su Spider-Man 4. Mentre all’inizio di
quest’anno circolavano voci secondo cui il film sarebbe uscito
nell’estate del 2024, né i Marvel Studios né Sony Pictures ha
commentato i rumors.
Promuovendo il trequel lo
scorso dicembre (e Uncharted pochi
mesi dopo), Tom Holland ha ripetutamente affermato che il
suo tempo come Spider-Man potrebbe essere finito,
anche se l’ipotesi era che l’attore stesse semplicemente reclamando
pubblicamente un nuovo enorme accordo. Se è così, ha funzionato,
perché da allora abbiamo sentito voci secondo cui l’attore tornerà
davvero per una nuova trilogia insieme ad altri cameo
dell’MCU.
Indipendentemente da
ciò, The Hollywood
Reporter ha recentemente incontrato il presidente della
Sony Pictures Tom Rothman e gli ha chiesto
se Spider-Man 4 è effettivamente
pianificato nello studio. La sua risposta è stata abbastanza
eloquente: “Puoi
scommettere”, ha risposto prima di
aggiungere, “Quando te lo puoi aspettare,
non lo so. Non servire il vino prima del
tempo”.
Siamo sicuri che sia in programma una nuova serie di film, anche se
resta da vedere se alla fine vedremo
Peter Parker di Tom Holland passare la mano ad un
Miles Morales live-action. Lo stesso attore
protagonista ha ammesso che gli piacerebbe vedere
e si è addirittura ipotizzato che l’adolescente
potesse vivere nello stesso condominio di
Spidey nel prossimo film. Anche se bisogna dire
che sono solo rumors e commenti. Speriamo di ottenere qualche
annuncio ufficiale all’inizio del 2023 poiché per
rispettare un’eventuale uscita nel 2014, le riprese dovranno
necessariamente iniziare al più presto!
Charlie Cox ha fatto il suo debutto
nell’MCU nei panni di Matt
Murdock in Spider-Man:
No Way Home prima di riprendere il ruolo ancora
una volta come Daredevil in She-Hulk: Attorney at Law. La
prossima occasione per l’attore dovrebbe essere un’altra
apparizione cameo in Echo
(secondo alcuni rumors) prima dell’arrivo su Disney+ dall’annunciata nuova serie
standalone Daredevil:
Born Again.
Durante una recente intervista
con NME, l’attore ha detto
che “è stato al settimo cielo” quando ha
ricevuto la chiamata dal presidente dei Marvel StudiosKevin Feige,
ma i piani per un seguito di
Daredevil non erano in atto fin
dall’inizio. Tuttavia questo avverà nel 2024, e Cox è
desideroso di dare una nuova svolta all’Uomo senza paura.
“Questa deve essere una reincarnazione, deve essere
diversa, altrimenti perché lo facciamo?” ha
commentato l’attore.
“La mia opinione è che
questo personaggio funzioni meglio quando è orientato verso un
pubblico leggermente più maturo. Il mio istinto mi diche che su
Disney+ sarà ancora con toni
oscuri ma probabilmente non sarà così cruento”. Per quanto
riguarda quelli di voi che sperano che questa sarà la stagione 4
di Daredevil , Cox aggiunge: “Direi a
quelle persone, l’abbiamo fatto. Prendiamo le cose che hanno
davvero funzionato, ma possiamo ampliare?”“Possiamo fare appello a un pubblico leggermente più
giovane senza perdere ciò che abbiamo imparato su ciò che
funziona?”
Resta da vedere come sarà, ma
Daredevil:
Born Again occuperà la maggior parte dell’anno di
Cox. “Mi hanno detto: ‘Gireremo nel 2023.’ Ho
detto: ‘Fantastico, quando?’ Hanno detto: ‘Tutto il 2023’.
Inizio le riprese a febbraio e finisco a dicembre”. A
parte sapere che avranno sede a New York City, l’attore ha rivelato
ben poco su quello che accadrà.
“Sono affascinato nello
scoprire perché hanno scelto di fare 18 episodi” ,
aggiunge. “Immagino che ci sarà un elemento simile
allo spettacolo procedurale in stile vecchia scuola. Non
necessariamente il caso della settimana, ma qualcosa in cui andiamo
davvero in profondità sulla vista dell’avvocato Matt Murdock e
vediamo davvero com’è la sua vita e cosa ha in serbo per
lui”.“Se è bravo e se lui si sporca davvero le
mani con quel mondo… penso che ci sia qualcosa di piuttosto
interessante, passare molto tempo nella vita quotidiana di un
supereroe e vedere davvero i momenti in cui lui si
adatta”.
E’ molto probabile che non vedremo
nulla di Daredevil:
Born Again fino al Comic-Con del prossimo anno,
anche se abbiamo la sensazione vedremo molte foto dal set di New
York che ci permetterò di avere piccole anteprime della serie! Cox
è chiaramente impegnato a interpretare un nuovo
Daredevil per l’MCU e, se si devono
credere alle voci recenti, potrebbe andare direttamente da
Born
Again a Spider-Man
4.Daredevil:
Born Again debutterà su Disney+ nel 2024.
Ieri, l’Academy of Motion Picture
Arts and Science (OSCAR) ha pubblicato gli
elenchi di una serie di categorie minori per gli Oscar del prossimo
anno. Ci sono stati alcuni spunti che hanno dato il via alle prime
discussioni anche se ovviamente gli annunci non riguardano
categorie di livello quali“Miglior film” e “Miglior
regista”.
Tuttavia, mentre ora verranno
espressi i voti per decidere chi farà parte delle nomination finali
che saranno annunciate il 24 gennaio, molti fan del cinema hanno
espresso già forti critiche rispetto ad alcune esclusioni
eccellenti.
The Batman, che è
stato rilasciato a marzo con recensioni estremamente positive, è
stato finora confermato tra categorie comne “Miglior trucco e
acconciatura”, “Miglior suono” e “Migliori effetti visivi”.
Tuttavia, l’adattamento DC Comics non è
stato selezionato per “Miglior colonna sonora
originale”.
Questo è sicuramente
sorprendente dato che molte di quelle colonne sonore non sonon
certo memorabili, come Avatar: The Way of
Water,Babylon , Don’t Worry Darling,
Everything Everywhere All at Once, The Fabelmans, Glass
Onion, per citarne alcuni.. Al contrario
della colonna sonora del premio Oscar Michael
Giacchino che è stata a dir poco fenomenale, con il suo
tema per il Cavaliere Oscuro di Robert Pattinson
tra i migliori che abbiamo ascoltato quest’anno. Il suo lavoro è
stato notevole, quindi sorprende questa prematura
esclusione.
Mentre lo spin-off WandaVision
dei Marvel Studios,
Agatha: Coven of Chaos, continua a completare il suo
cast, le ultime aggiunte sono nientemeno che il pluripremiato
Tony Olivier e l’attrice/cantante vincitrice del
Grammy Award, Patti LuPone. I dettagli sui loro
personaggi sono tenuti nascosti, ma Deadline ha
sentito dire che quest’ultima potrebbe interpretare un’altra
strega, e si spera che nella serie tv Marvel ami cantare a squarciagola
una melodia come fatto dalla star Kathryn Hahn,
che ha interpretato la vincitrice dell’Emmy “Agatha All Along” di WandaVision.
Agatha: Coven of Chaos sarà interpretata anche da
Joe Locke, Ali Ahn, Maria Dizzia, Sasheer Zamata ed Emma
Caulfield Ford, che riprenderà il ruolo di Dottie
in WandaVision.Aubrey Plaza è
a bordo come il cattivo e, secondo una voce che ha guadagnato una
certa credibilità online, l’ex star della serie tv
Legion interpreterà Morgan Le
Fay.
Apparentemente, Agatha tenterà di
tenere lontana la congrega della potente maga da Billy Maximoff,
che ha attirato l’attenzione di Mefisto. Non
è noto se il cattivo demoniaco apparirà effettivamente nella serie
tv, ma una voce precedente affermava che Sacha Baron Cohen – che interpreterà il
personaggio in Ironheart –
ha girato alcune scene anche per questa serie tv.
Coven of
Chaos si concentrerà sulla potente strega
Agatha Harkness, che è quasi riuscita a
sconfiggere Scarlet Witch (Elizabeth
Olsen) nel finale di stagione di WandaVision prima
di essere sconfitta e intrappolata a Westview nel suo personaggio
di “vicina ficcanaso Agnes”. Sebbene
Elizabeth Olsen non dovrebbe apparire, si ipotizza che Wanda
possa avere qualcosa a che fare la rivalsa di Harkness in seguito
agli eventi di Doctor
Strange in the Multiverse of Madness.
Jac Schaeffer, che
è sotto un accordo generale congiunto con Marvel e 20th Television, sarà lo
sceneggiatore e produttore esecutivo. Un recente rapporto ha
rivelato che dirigerà anche almeno un episodio. Al momento nessuna
data di uscita della serie è stata annunciata.
Il nuovo DCU sta rapidamente iniziando a prendere
forma, con i primi progetti che saranno annunciati dai DC
Studios il prossimo mese. Mentre James
Gunn e Peter Safran stanno lavorando sodo per creare
un piano lungo 8-10 anni che darà finalmente ai fan un vero e
proprio universo condiviso, c’è ancora qualche incertezza su come
i franchise di
Batman e Joker
si inseriranno in tutto questo.
Dopo aver recentemente smascherato
le notizie secondo cui i DC Studios stanno prendendo in
considerazione l’idea di portare il Cavaliere
Oscuro di Robert Pattinson nel DCU, Gunn ha ora confermato su Twitter
che possiamo aspettarci altre storie di
Elseworlds.
Ciò significa che entrambi i
franchise R-Rated saranno indipendenti, lasciando Matt
Reeves, Todd Phillips e DC Studios
liberi di andare avanti con i rispettivi piani senza crossover
forzati. Con tutti i segnali che indicano che tutti nel
DCU sono stati ricollocati, non
sorprenderti se anche la stagione 2 di Peacemaker rientra
in questo stendardo di Elseworlds. In altre
notizie, Gunn ha anche anticipato i piani futuri per Slade
Wilson, alias Deathstroke.
Il piano originale nel
DCEU prevedeva che
Joe Manganiello seguisse il suo cameo
in Justice League con un ruolo
da protagonista in The
Batman. Dopo aver preso di mira il cavaliere
oscuro di Ben Affleck, il Terminator della DC doveva
apparire nella sua uscita solista dal regista di The
RaidGareth
Evans. Sfortunatamente, niente di tutto ciò è
diventato realtà.
Supponiamo che James
Gunn non riporterà indietro Joe Manganiello visti i suoi legami con lo
Snyderverse, ma non vediamo l’ora di vedere qual è il piano per
Deathstroke nel DCU. Il personaggio sui fumetti si è scontrato
con molti eroi nel corso degli anni, anche se è più strettamente
associato ai Teen Titans. Se quella trama si svolgerà sullo
schermo, aspettiamoci che la serie sui
Titans verrà cancellata. Non resta che
aspettare i primi annunci sul nuovo DCU che dovrebbero arrivare a inizio anno. Di
seguito i Twitt di James Gunn:
Hey James, you and Peter must be having tons
of fun planning things out for the DCU🔥 (other than the Twitter crazies). Were any
of the animated DC Shows like Justice League Unlimited and Young
Justice an inspiration for you when planning out this universe?
La Universal
Pictures e la commedia horror del regista Chris McKay,
Renfield,
hanno terminato la produzione all’inizio di
quest’anno, e ora abbiamo delle buone notizie per i
fan dell’horror dato che c’era preoccupazione su un film
eccessivamente edulcorato. Ebbene pare che il film avrà i toni
sperati dai fan, perché ha ottenuto un rating vietato, in una
valutazione PG-13.
Bloody
Disgusting ha appreso che l’MPA ha assegnato
a Renfield una
valutazione R per “Violenza sanguinaria, un po’ di sangue,
linguaggio dappertutto e un po’ di uso di droghe”. A
parte la rivelazione del logo, non abbiamo ancora visto alcun
materiale promozionale ufficiale per Renfield,
ma il primo trailer dovrebbe essere rilasciato entro la fine
dell’anno
Renfield
uscirà nelle sale il 14 aprile 2023 esi concentrerà sul personaggio del titolo
(interpretato da
Nicholas Hoult), che “si è ammalato e stanco dei suoi
secoli come lacchè di Dracula (Nicolas
Cage). Lo scagnozzo trova una nuova prospettiva di
vita e forse persino la redenzione quando si innamora della
grintosa e perennemente arrabbiata poliziotta Rebecca Quincy
(Awkwafina).
Ryan Ridley
ha scritto la sceneggiatura, che si basa su una trama originale di
Robert Kirkman. McKay produrrà anche insieme
a Samantha Nisenboim e al team cinematografico di
Skybound Entertainment composto da Kirkman, David Alpert,
Bryan Furst e Sean Furst.
Nel romanzo classico di
Bram Stoker, RM Renfield
è stato presentato come uno dei detenuti del dottor Seward prima
che la sua storia passata rivelasse che era in realtà l’avvocato di
Dracula e il predecessore di Jonathan Harker. Fatto impazzire dal
malvagio Conte, Renfield
divenne il suo accolito volontario, credendo che un giorno gli
sarebbe stato dato il dono della vita eterna.
Il personaggio è apparso
nella maggior parte degli adattamenti del racconto ed è stato
interpretato da artisti del calibro di Dwight Frye
nel Dracula del
1931 e Tom Waits nella versione del
1992 di Francis Ford Coppola.
È giusto dire che la Warner
Bros. ha guadagnato una certa reputazione per l’interferenza dello
studio nel corso degli anni, in particolare quando si trattava dei
suoi film basati su DC. Sebbene ogni studio
ne sia colpevole in una certa misura, secondo quanto riferito WB ha
“macellato” Suicide
Squad di David
Ayer al punto che era quasi irriconoscibile rispetto al
film originariamente girato, per non parlare della debacle
della Justice
League.
Sebbene alcune alcune voci
siano state probabilmente esagerate o sproporzionate, molti fan
ritengono che il precedente regime della Warner Bros. sia
responsabile dei fallimenti del DCEU.Quindi, in che modo i capi DC Studios recentemente nominati
James
Gunn e Peter Safran intendono mitigare questo potenziale campo
minato mentre supervisionano la nuova era DCU? A quanto pare non ne avranno
bisogno!
Gunn ha rassicurato un fan
su Mastadonche non c’è motivo di preoccuparsi che i dirigenti della WBD
“scavalchino” le sue decisioni, chiarendo che le cose funzioneranno
in modo leggermente diverso rispetto a quanto “accaduto a
Snyder”.“La posizione è diversa da quella con
Zack, ecc. Peter e io siamo i capi dei DC Studios. L’unica
interferenza in studio sarebbe da parte nostra!
Un recente rapporto ha
indicato che alcuni dirigenti hanno espresso preoccupazione per la
mancanza di esperienza di James Gunn in questo tipo di ruolo. Che sia
vero o no, sembra che si sia assunto molte
responsabilità, e sembra che lui e Safran eserciteranno lo
stesso livello di potere di Kevin Feige ai
Marvel Studios.
Allo stato attuale, sembra
che sia stato implementato un riavvio completo, anche se James Gunn non ha ancora confermato
apertamente quanto segue. Sappiamo che
Henry Cavillè
fuori dal nuovo universo e Dwayne
Johnsonè ritenuta un’iterazione
ancora lontana(per il momento, comunque), ma
stiamo ancora aspettando di sentire una
dichiarazione ufficiale in merito ad attori come Gal
Gadot (anche se su quest’ultima
Gunn si è espresso) e Jason Momoa. Zachary
Levi ha rivelato
cherimarrà come Shazam.
Megan Fox (Transformers, Teenage
Mutant Ninja Turtles) ha scelto un
nuovo ruolo fantascientifico/horror
in Subserviencedi Millennium Media, che vedrà protagonista anche
Michele Morrone (365
Days).Secondo Deadline, il film si concentrerà su “un padre in difficoltà (Morrone)
che acquista una SIM domestica (Fox) per prendersi cura della sua
casa e della sua famiglia fino a quando non acquisisce
consapevolezza e diventa mortale”.
Non siamo esattamente sicuri
di cosa si intenda per “SIM” in questo contesto, ma non
suonatroppodiverso da un altro
film horror in arrivo, che prende in prestito il titolo dal nome
della signora Fox! Fox tornerà a lavorare con il
regista di Till
DeathS.K. Dale nel
progetto, che è stato scritto da Will Honley
(Escape Room: Tournament of Champions) e
April Maguire (Lost
Girls).
“Megan e Michele sono
perfetti per questo thriller tempestivo e provocatorio. Come
terzo film di Megan con noi, questo concetto elevato e argomento di
attualità costituisce un ammonimento sull’intelligenza artificiale
e sui pericoli spaventosamente reali che potrebbero
sorgere. Con l’aggiunta del talentuoso Michele per aggiungere
un ulteriore livello di pepe come nostro protagonista, siamo
entusiasti di vedere la protagonista Megan e SK collaborare di
nuovo con Megan che presta i suoi talenti recitativi a un
personaggio incredibilmente stratificato
“, ha dichiarato il presidente di
Millennium Jeffrey Greenstein .
“Questo film mostrerà
un lato di Megan che non abbiamo mai visto prima. Il cast che
stiamo mettendo insieme eleverà questa storia carica di emozioni e
non vedo l’ora di mostrarvi tutto quello che abbiamo in
serbo”,ha commentato il regista S.K.
Dale.Non è stata annunciata alcuna data di
uscita, ma la produzione dovrebbe iniziare all’inizio del prossimo
anno.
Whitney: Una
Voce Diventata Leggenda è l’ultimo lungometraggio
dedicato alla cantante statunitense. Dopo la sua morte, avvenuta a
febbraio del 2012, son stati più d’uno i documentari dedicati
all’artista che ha raggiunto i maggiori record della storia della
musica. Tra questi, a spiccare, c’era stato Whitney Houston –
Stella senza cielo diretto da Kevin Macdonald, presentato in
anteprima a Cannes
nel 2018, che aveva approfondito molti degli eventi della sua
infanzia e non solo.
Mentre, invece, I wanna dance with somebody, questo il titolo originale,
è un film biografico per la regia di Kasi Lemmons,
il cui ultimo film, Harriet del 2019, era stato a sua volta
un biopic. La sceneggiatura è scritta da Anthony
McCarten, che aveva già curato quella di Bohemian Rhapsody quattro anni fa,
restando dunque sempre in tema di personalità che hanno –
letteralmente – scritto una parte di storia della musica pop.
Naomi Ackie è Whitney Huston in Whitney: Una Voce
Diventata Leggend’
Ad interpretare la
meravigliosa Houston, è la trentenne inglese Naomi
Ackie, vista tre anni fa sul grande schermo per Star Wars: L’ascesa di Skywalker, che compie il percorso
cronologico della vita della cantante vestendone tutti i panni
possibili, pur discostandosi dalla raffinatezza dei suoi
lineamenti, ma rendendo bene ogni sua fase, in particolar modo
quella discendente. Anche
Stanley Tucci, nel ruolo del suo fedele e saggio
produttore discografico Clive Davis, regala un
personaggio fermo ma dolce, presente e sano, considerando il resto
dell’entourage. È infatti prevalentemente su questo aspetto che si
sofferma la pellicola di Kasi Lemmons: le
relazioni che Whitney Houston aveva con le figure di riferimento
della sua vita, partendo dal padre, che le ha sempre fatto da
manager ma approfittando largamente dei suoi profitti, passando per
l’agghiacciante figura dell’ex marito Bobby Brown (Ashton
Sanders) e per quella della sua intima amica Robyn
Crawford (Nafessa Williams).
Il problema, però, è che
ogni momento viene attraversato con grande rapidità, facendo capo
ai punti salienti delle hit, il cambio di stile, ma senza entrare
nel profondo della donna che doveva essere stata Whitney, nelle sue
motivazioni, passioni, sofferenze. L’impressione generale è quella
di un lungo trailer, ricco di spezzoni scintillanti, dove Naomi
Ackie prende il posto di Houston nelle immagini e filmati passati
alla storia, ma attraverso i quali non si vede qualcosa che non sia
il personaggio pubblico.
Un riassunto da rotocalco
Ci sono tanti accenni a
molte cose tra cui, naturalmente, il rapporto con la figlia Bobbi
Kristina (Bria Danielle Singleton) avuta dal
matrimonio con Brown, ma si tratta sempre di aspetti sfiorati dove
sembra che a far fede non sia ciò che viene mostrato nel film,
quanto il contrario: quello che vediamo in Whitney: Una
Voce Diventata Leggenda è un veloce sunto di
tanti videoclip e rotocalchi scandalistici, nulla di più.
È evidente l’ammirazione
della regista per quello di cui sta parlando, oltre al fatto che
l’effetto finale è comunque coinvolgente, al netto del livello
letteralmente eccezionale della star in questione. Ed è altrettanto
chiara la denuncia rispetto alla poca libertà gestionale e
organizzativa che a Whitney veniva imposta nei riguardi della
propria carriera, cosa purtroppo molto diffusa. Emerge, quindi,
piuttosto facilmente la fragilità dell’artista, così come quella
del mondo che le è ruotato attorno e che, ovviamente, ne ha
principalmente sfruttato le luci, ma restando totalmente incapace
di curarne le ombre.
Whitney: Una
Voce Diventata Leggenda è dunque piacevole nella
misura dello splendore della cantante di cui mostra la (breve)
vita. Ma aggiunge molto poco, vivendo della rendita della sua voce
e delle sue canzoni. A tal proposito un’ulteriore nota di merito va
alla protagonista per i momenti in cui non canta in playback. Ma, a
parte ciò, non resta che molta ammirazione e dispiacere per un
talento strappato così presto alla vita, senza sentirci né più
vicini né più lontani alla sua storia.
Nonostante il
comportamento spregiudicato della star Ezra Miller e le recenti notizie secondo cui
James
Gunn e Peter Safran stanno (molto probabilmente)
pianificando un
riavvio completo del DCU, c’è ancora un bel po’ di
eccitazione per l’uscita diThe
Flash, e ora sappiamo quando il
primo teaser dovrebbe essere rilasciato.
Secondo The
Wrap, la Warner Bros. tornerà al Super
Bowl dopo un’assenza di 17 anni per presentare il trailer della
prima uscita da solista di Scarlet Speedster.Il Super
Bowl LVII andrà in onda domenica 12 febbraio 2023 e, secondo quanto
riferito, il teaser verrà proiettato di fronte
ad Ant-Man
and the Wasp: Quantumaniadei
Marvel Studios cinque giorni dopo, il 17
febbraio. Al momento non c’è certezza dunque le cose potrebbero
anche cambiare.
Secondo alcune indiscrezioni
il film è andato molto bene nelle proiezioni di prova e un recente
rapporto commerciale ha affermato che l’avventura del supereroe
guidata da Andy Muschietti è stata “testata alle stelle”, con una
fonte che ha elogiato il film e paragonato a “Spider-Man:
No Way Home“.
Sebbene non sia stata
rilasciata alcuna sinossi ufficiale, The
Flashsarà (vagamente) basato
sull’arco dei fumetti di Flashpoint e si dice che serva come una
sorta di “ripristino” per il DCU. Sia
Ben Affleck che
Michael Keaton torneranno nelle rispettive
interpretazioni di Batman, e il film presenterà anche
Sasha Calle nei panni di Supergirl.
Da quello che abbiamo capito,
Henry Cavill e
Gal Gadot hanno filmato cameo nei panni di Superman e Wonder Woman, ma ci sono rapporti contrastanti
sul fatto che appariranno ancora (diremmo comunque che
Henry Cavill è ormai fuori dai giochi). The
Flash ha recentemente spostato
la sua data di uscita di una settimana ed è ora programmato per
correre nei cinema il 16 giugno 2023.
Abbiamo visto tutti trailer
con scene che non finiscono mai nel montaggio finale del film.
Questo è spesso il risultato di nuove riprese,
con Rogue
One: A Star Wars Story e Fantastic
Fourdel 2015, entrambi
buoni esempi di blockbuster che hanno finito per sembrare molto
diversi nei cinema rispetto a qualsiasi anticipazione
iniziale. Tuttavia, gli studi potrebbero dover
iniziare a pensarci due volte su come promuovere i titoli in arrivo
dopo che un giudice distrettuale degli Stati Uniti ha stabilito che
possono essere citati in giudizio per pubblicità ingannevole se
pubblicano trailer ingannevoli.
La decisione è stata presa
quando due spettatori hanno deciso di intentare una causa dopo aver
visto Yesterdaydi Danny Boyle. Dopo aver visto la
star di
No Time to DieAna
de Armas nel trailer, hanno deciso di noleggiare il film, solo
per scoprire che era stata tagliata dal prodotto finale (l’attrice
doveva interpretare un interesse amoroso del protagonista, ma è
stata ritenuta superflua per il film e storia). La Universal ha cercato di reagire dicendo che i trailer dei
film sono protetti dal Primo Emendamento e dovrebbero essere visti
come un “lavoro artistico ed espressivo” simile a una storia di tre
minuti piuttosto che a una pubblicità. Il giudice non è stato
d’accordo e ora ci troviamo in una posizione molto
bizzarra.
Quindi, questo significa che
negli USA d’ora in avanti si potrà citare in giudizio Disney e
Marvel Studios perchéAvengers: Infinity
Warnon includeva Hulk che correva
in battaglia insieme al resto dei più potenti eroi della
Terra? Secondo la sentenza, la falsa pubblicità
si applicherà solo quando “parti significative” di un trailer non
entrano in un film, il che significa che dovrà essere più di una o
due scene alternative. Per quanto riguarda i due fan di de
Armas, fanno parte di un’azione collettiva che chiede $ 5 milioni
di dollari di danni dopo aver pagato solo $ 3,99 per l’affitto di
una copia.
Vedremo come si svilupperà
questa storia, ma questo potrebbe costituire un pericoloso
precedente. Tra i lati positivi, c’è l’eventualità che una sentenza
potrebbe costringere gli studi a essere un po’ più attenti quando
si tratta di come i film vengono commercializzati, assicurandosi
che ciò che promuovono corrisponda al prodotto finito.
Rian Johnson torna
con un altro mystery saporito da risolvere. Si tratta di
Glass Onion – Knives Out, sequel dell’amato
Cena con delitto, pellicola che ha portato “alla
ribalta” il personaggio carismatico di Benoit Blanc. Il film
strizza un po’ l’occhio ad Assassinio sul Nilo di Kenneth Branagh, il cui sfondo è quello di una
luxury vacation che si tramuta nel peggiore degli incubi
per i suoi partecipanti. A differenza del primo Knives Out, in cui il delitto era consumato
all’interno della abbiente famiglia Thrombey, la nuova
trama tesse la sua tela attorno ad una compagnia di amici
aggrappati alla ricchezza del miliardario Miles Bron.
Il sequel si presenta come storia
indipendente dalla precedente, il cui unico elemento in comune è il
detective Blanc afflitto a causa della situazione pandemica
attuale. Si smorzano un po’ anche i toni, e il cinismo cede il
passo al sarcasmo di cui Benoit si fa portatore. Glass
Onion – Knives Out, distribuito da Netflix e Lucky Red, sarà al cinema per una sola
settimana dal 23 novembre e sulla piattaforma streaming dal 23
dicembre.
Glass Onion – Knives Out, la
trama
Benoit Blanc (Daniel
Craig) a causa della pandemia è sprofondato nella
noia; nessun caso per lui è succulento e intrigante come vorrebbe e
passa la maggior parte del suo tempo nella vasca da bagno. Un bel
giorno un invito, nascosto in una scatola di legno piena di enigmi
da risolvere, lo conduce in Grecia, sull’isola di Miles Bron
(Edward
Norton), magnate della tecnologia.
Qui Benoit ci arriva assieme alla
singolare comitiva di amici del miliardario: Claire Debella
(Kathryn
Hahn), Lionel Touissaint (Leslie Odom
Jr), Birdie Jay (Kate
Hudson), Duke Cody (Dave
Bautista) e l’ex socia in affari Cassandra Brand
(Janelle Monae). Ognuno di loro, per motivi
diversi, è legato a Bron non solo da un’amicizia datata, ma anche
da un profitto personale. Credendo di trascorrere un weekend
all’insegna del relax, il gruppo si troverà di fronte all’omicidio
di uno loro, in cui tutti sembrano in qualche modo colpevoli.
Un delizioso delitto
estivo
Johnson impiatta un
whodonuitdal set-up tradizionale, alla
Agatha Christie story, le cui pedine e indizi si sparpagliano
dentro la suggestiva e ricca isola greca del miliardario Miles. La
struttura narrativa si modella lungo il mystery crimecon un taglio ironico, e costella la diegesi di
dialoghi al limite del comico, supportati da alcune gag studiate a
puntino per movimentare le scene. La prima parte di Glass
Onion – Knives Outè volta a
spiegare – rallentando un po’ il racconto – in che rapporti
sentimentali i personaggi si trovino l’uno con l’altro, sfruttando
la prima ora per mostrare allo spettatore la loro posizione
sociale. Ma è nella terza parte, con un incidente
scatenate posizionato molto più in là dei canonici trenta minuti
(errore), che il vero giallo prende forma con
ritmo incalzante.
Nell’ultimo atto si scopre chi è il
vero protagonista della storia, in questo caso l’ex socia Cassandra
Brand che riesce, con il suo carisma, a eclissare il detective
Benoit Blanc che in questo caso tende più a mimetizzarsi che a
prorompere. In alcune sequenze che vanno a ritroso nel tempo e
raccolgono ciò che si è seminato durante la diegesi, lo
spettatore entra finalmente in contatto con l’oggetto del desiderio
della Brand, prima oscurato dalla morte improvvisa di uno
degli amici. Si mette così in moto il processo di empatia verso la
donna, sperimentando la sua transizione di valori – in termini di
sceneggiatura – che da negativo/negativo per i buoni sessanta
minuti, si trasforma in negativo/positivo iniziando ad alternarsi,
restituendo la tipica esperienza emozionale che culmina in
frenetici plot twist.
L’impostazione del delitto a cui si
partecipa attivamente appare in principio come un mistero fin
troppo ingarbugliato e multistrato, capace di risolversi solo
diminuendone lo spessore. Ma proprio come la cipolla di vetro –
cuore e cupola della villa di Bron – finisce con l’essere più
banale e per certi versi più stupido del previsto. Poiché a
volte sono le cose che stanno proprio davanti agli occhi a
sfuggire allo sguardo dell’attenzione. Esattamente come la
glass onion, tanto scontata quanto essenziale.
Avidità e desiderio di potere, le
cifre dominanti
Glass Onion – Knives
Out si presenta con uno script potenzialmente astuto. I
personaggi scelti per questo nuovo gioco – e inizialmente lo è
davvero – sono ben assortiti sulla trama-scacchiera. Ognuno di essi
è simbolo e incarnazione del concetto di avidità e bramosia
di potere all’interno della loro costruita estrazione
sociale, volta a rimarcarne la doppiezza. Se all’apparenza
sono mossi da libertà verso se stessi e lealtà verso ciò che
istituzionalmente rappresentano, in realtà sono pedine tenute sotto
scacco dal burattinaio dello show, il capitalismo, raffigurato
dalla presenza venale di Miles.
La compagnia sui generis che
approda sull’isola sembra condividere un sentimento forte di
amicizia, eppure man mano che dell’omicidio se ne dispiegano prove
e ragionamenti, si scopre che ciò che si cela nei loro rapporti a
volte fin troppo melensi e cringe, ossia il desiderio di
rimanere, tutti per un tornaconto personale, sotto l’egida
dell’amico/finto benefattore miliardario. E così la trama
vira all’analisi minuziosa dei suoi protagonisti,
diventando l’omicidio l’ingegnoso escamotage per poterli esaminare,
come fossero davanti al tribunale in attesa di giudizio.
Nell’assoggettamento di Lionel, Claire, Duke e Birdie a Miles,
Johnson ha introdotto un tema caldo della storia contemporanea,
quello di un sistema che garantisce posizioni apparentemente
semplici da ottenere ma in cambio di quelli che diventano dei
privilegi, chiede lealtà e devozione.
La costruzione autoreferenziale del
personaggio di Norton, il regista la mostra destrutturando la
compagnia di amici. Come i set di enigmi della scatola di legno,
questi vengono svelati in maniera progressiva step by
step, sbucciati come gli strati di una cipolla, fino ad
arrivare al fulcro. Nella loro disgregazione, termine spesso
ripetuto nel film, risultano tutti perfettamente coesi e simili, e
l’apparente loro diversità che fa di Glass Onion il punto di forza
iniziale, costellato da riferimenti della cultura
pop, si tramuta nell’uguaglianza attitudinale dei
personaggi. In fondo sono tutti pronti a tradire per assicurarsi il
posto nella campana di vetro.
Glass Onion – Knives
Out risulta perciò una pellicola con un impianto narrativo
e contenutistico ben strutturato, la cui suspense viene smorzata
dall’humor che imprime i dialoghi dei personaggi e di cui lo stesso
Blanc, con il suo accento del sud, sembra impossessarsi. Seppur il
finale non raggiunga l’apice del climax e lasci un po’ con
l’amaro in bocca, l’omicidio ben scorre fra le varie sfaccettature
dei suoi protagonisti coinvolti e, giunti ai titoli di coda, le due
ore e venti sembrano essere volate.
Charlie Cox interpreta Adam
Lawrence, un agente dell’MI6 che è costretto a mettere in
discussione tutto e tutti in seguito ad un evento sorprendente che
sconvolgerà la sua vita. Il suo personaggio si cala nel mondo
dell’intelligence segreta britannica per Treason
di
Netflix. Adam Lawrence, un ufficiale dell’MI6
diventa capo ad interim dopo che il capo dell’organizzazione viene
avvelenato da una spia russa. Ancora una volta, dopo The
Recruit, Netflix punta tutto su un thriller di spionaggio.
Divisa in cinque episodi e creata da Matt Charman
(che ha contribuito alla creazione de
Il ponte delle spie) la serie ha una trama intricata e
misteriosa che ha il compito di coinvolgere tutta la famiglia
riunita per le feste alla ricerca della risoluzione. Tutti i cinque
episodi che compongono Treason sono disponibile su
Netflix a partire dal 26 dicembre.
Treason, la recensione
Addestrato e preparato dall’MI6, la
carriera di Adam Lawrence sembra una favola. Ma
una persona che fa parte del suo passato tornerà per tormentarlo.
Kara (interpretata da Olga Kurylenko) è una spia
russa con cui condivide dei turbolenti trascorsi. Il personaggio di
Charlie Cox e allora costretto a mettere in
discussione tutto e tutti nella sua vita. In particolare, il
rapporto con la moglie Maddy (interpretata da
Oona Chaplin) creando una specie di triangolo amoroso tra Adam,
Maddy e Kara. La presenza ingombrante della spia russa si fa
sentire e fa dubitare Maddy riguardo la fedeltà
del marito. L’arrivo di Kara nella loro vita però
è assolutamente premeditato. Scopriamo che è stata lei ad
architettare il tentato omicidio al capo dell’MI6 Martin
Angelis (interpretato da
Ciarán Hinds) solo per arrivare a Adam.
Infatti, i due sono ex amati e
complici, si conoscono già dai tempi di Baku, missione che
ritornerà nel corso della serie perché è lì che si accede al punto
di svolta dell’intera trama. Scopriremo che Kara è
venuta a riscuotere tutti i favori – non richiesti – fatti a
compagno. Parallelamente però la coppia ha una faccenda ben più
grave da risolvere. La loro figlia maggiore, Ella
(interpretata da Beau Gadsdon) è stata rapita e
solo Kara conosce il modo per ritrovarla. Inizia
così la strategia fatta di spionaggio e contro spionaggio dove la
stessa Maddy ormai non si fida più del marito.
Ormai venuta a conoscenza di informazioni riservate riguardo il
passato di Adam, il personaggio interpretato da Oona Chaplin inizia
a fare il doppio gioco. La storia è appena cominciata e non si
prospetta essere così semplice.
La matassa da sbrogliare è così
aggrovigliata che risulta complicato capirne l’inizio e la fine.
Non abbiamo il quadro completo della situazione e così come i
personaggi della serie non possiamo fidarci di nessuno. Infatti, se
inizialmente siamo tentati di vedere Kara come una
minaccia a poco a poco conosciamo i motivi delle sue scelte. La
giovane che spia che prima teneva le redini di questa minaccia
adesso a sua volta è minacciata. Al centro di tutto c’è
Adam che cerca in tutti i modi di destreggiarsi
tra le serate in famiglia e la sua ex mentre l’MI6 inizia a nutrire
dei dubbi sulla sua fedeltà nei confronti dell’intelligence.
Traseon – Immagine dal set. Crediti Netflix
Per il bene della famiglia
Essere uno stacanovista al lavoro
non giova molto alla vita personale di Adam
Lawrence. Inevitabilmente, quando sei “costretto” a
prendere una posizione di potere ti ritrovi a governare da solo.
Questa è una delle regole non scritte di chi comanda. Purtroppo,
però per Adam la vita con la sua famiglia gli sta
sfuggendo di mano. Il tema della famiglia non riguarda solo Adam.
Una volta messa alle strette il Ministro Audrey
Gratz (interpretata da Alex Kingston) è costretta a
confessare: “È disumano vedere una persona che ami soffrire in
quel modo”. La maschera dietro cui si nascondono questi
personaggi che ricoprono un ruolo di potere, cade e non c’è più
modo di nascondersi.
Cade anche la maschera di
Martin Angelis che ha da sempre complottato contro
Adam, che apparentemente considerava il suo braccio destro.
Treason, infatti, è un grande enigma da risolvere
dove la mente dello spettatore è continuamente bombardata da
informazioni preziose. Si vengono a creare due fazioni ben distinte
da una parte Adam e la sua famiglia che cercano in tutti i modi di
aiutare Kara a raggiungere il suo scopo: scoprire chi ha ucciso i
suoi uomini durante la missione a Baku e, dall’altra parte i
federali e l’MI6. Buoni e cattivi, come in una vera fiaba. Al
centro varie pedine che fanno parte di un gioco più grande come il
Ministro degli Esteri, Gratz, e la migliore amica di Maddy, Dede.
Non si tratta di amore, ma di senso di colpa.
Ci avviciniamo al finale della serie
con tante domande senza risposta. E ci aspettiamo che un turning
point finale dia una scossa alla trama di Treason.
Adesso la serie ci mette di fronte a uno stallo in cui Adam e Kara
si espongono in prima linea contro l’MI6 per recuperare i preziosi
documenti che potrebbero mettere con le spalle a muro il capo
dell’agenzia.
Chi sono i buoni?
Angelis ha da tempo iniziato la sua
crociata contro Adam. Convinto che l’agente sia un traditore di
nome Dorian e che abbia ucciso lui gli agenti in missione a Baku
con Kara. Proprio sul finale Treason inizia a
diventare ancora più interessante aggiungendo altri tasselli. Con
Olamide fuorigioco, spalla destra di
Angelis, recuperare l’hardisk con i documenti
diventa semplice, forse troppo. Dede, infatti, ha
teso una trappola a Adam dando a Maddy ultimatum
che consacrerà nelle mani della donna il destino del marito.
Adam muore, vittima di un’incomprensione talmente
più grande di lui e al di fuori della sua portata. Così Maddy e
Kara per riabilitare il suo nome dovranno cercare di scoprire chi è
in realtà Dorian. Per una volta Angelis non è un
passo avanti a tutti.
Consegnati i documenti
compromettenti nelle mani di Audrey Gratz lo
spettatore è pronto a rispondere a un’ultima domanda: chi sono i
buoni? Adam, creduto un traditore, muore
sacrificando la sua vita per i suoi affetti e la sua famiglia.
Vittima delle stesse persone che fino a un momento prima chiamava
amiche. Una di queste era Patrick che ha giocato sporco incastrando
Adam e la sua famiglia. La famiglia e gli affetti sono quello che
tiene le persone ancorate alla vita. È quello che ha fatto
Kara, cercando per 15 anni la persona che ha
premuto il grilletto, uccidendo i suoi amici. È quello che ha fatto
Adam, cercando di proteggere la moglie e i figli
da questa minaccia. Ed è quello che farà Maddy che
continuerà a vivere per il bene dei suoi figli, pensando al giorno
in cui si vendicherà.
Arrivato sul grande schermo nel
2013, il film La notte del giudizio
ha dato il via ad una delle più fortunate saghe cinematografiche
ambientate in una realtà distopica. Composta da cinque film e una
serie televisiva, la saga è stata ideata da
James DeMonaco, ed ha in breve ottenuto ottimi
riscontri di pubblico, tanto da giustificare la sua espansione.
Dopo diversi sequel, nel 2018 è invece stato realizzato il primo
prequel della saga, intitolato La prima notte del
giudizio (qui la recensione), diretto da
Gerard McMurray. Si tratta dunque del primo film
non diretto da DeMonaco, il quale si è occupato soltanto della
sceneggiatura.
Dopo aver visto le degenerazioni
della notte del giudizio nei primi film della saga, gli autori
hanno dunque deciso di raccontare in che modo tale evento è nato e
si è diffuso. Inizialmente, questo capitolo spin-off era previsto
come terzo film della saga, ma dato l’interesse dell’attore
Frank Grillo e
DeMonaco a continuare le vicende relative al personaggio di Leo
Barnes, si preferì realizzare prima Election Year, rimandando
di due anni le riprese di La prima notte del giudizio. Con
un budget di 13 milioni, questo è anche il film di maggior incasso
della saga, avendo totalizzato 127 milioni complessivi al box
office.
Apprezzato in particolare per il suo
aver presentato elementi inediti rispetto ai precedenti tre
lungometraggi, questo quarto film della saga è dunque una gradita
variazione sul tema, che offre la possibilità di confrontarsi con
nuovi retroscena sul celebre periodo di sfogo collettivo. Prima di
intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile
approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo.
Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare
ulteriori dettagli relativi alla trama e al
cast di attori. Infine, si elencheranno anche le
principali piattaforme streaming contenenti il
film nel proprio catalogo.
La prima notte del
giudizio: la trama e il cast del film
In un futuro distopico il governo
degli Stati Uniti D’America, guidato dai Nuovi Padri Fondatori,
decide di testare un nuovo metodo che permetterebbe alla nazione di
avere maggior sicurezza e sviluppo. Nel quartiere di Staten Island,
una volta all’anno e solamente per dodici ore, viene consentito ai
civili qualsiasi tipo di atto violento e disumano senza alcuna
ripercussione giuridica. Questa notte infernale, nominata ‘Lo
Sfogo’, permetterà di liberare ogni bisogno primordiale e bestiale
così da diminuire il tasso di omicidi in tutto il paese nel corso
dell’anno. Per incentivare i cittadini a partecipare all’evento, i
Padri Fondatori promettono una lauta ricompensa che aumenterà in
base all’efferatezza della violenza.
La psicologa May
Updale viene incaricata di osservare l’esperimento, al
fine di poter fornire dati esatti sull’efficacia dello sfogo. Il
giovane Isaiah, attratto dalla prospettiva di
guadagnare molti soldi per poter dare a sua sorella
Nya una stabilità economica, decide di partecipare
alla folle notte. Il ragazzo vorrebbe anche vendicarsi del
tossicodipendente Skeletor, ignorando che anche
quest’ultimo ha intenzione di partecipare per potersi permettere le
sue dosi di droga. Scoccata l’ora prestabilita, Isaiah si aggira
dunque per il quartiere e mentre con sua sorella tenta di resistere
alla carneficina aiutato dallo spacciatore Dmitri,
May fa una scoperta sconcertante sul vero scopo dello sfogo.
Ad interpretare il giovane Isaiah vi
è l’attore Joivan Wade, fattosi notare grazie a
serie come Youngers, Big School e, in particolare, la
serie Doom Patrol, dove ricopre il ruolo di Victor Stone
alias Cyborg. Accanto a lui, nel ruolo della sorella Nya vi è
invece l’attrice Lex Scott Davis, divenuta celebre
proprio grazie a tale ruolo. Y’lan Noel, invece, è
lo spacciatore Dmitri, che aiuterà i due ragazzi a superare la
notte dello sfogo. Rotimi Paul, invece, interpreta
Skeletor. Per ottenere il ruolo, l’attore ha accettato di prendere
la metro con indosso il costume del suo personaggio. Infine le
attrici Marisa Tomei e
Melonie Diaz
ricoprono il ruolo della psicologa May Updale e della ricercatrice
Juani.
La prima notte del
giudizio: il sequel del film
Dato il grande successo ottenuto dal
prequel, DeMonaco ha poi deciso di far proseguire ulteriormente la
saga con La notte del giudizio per
sempre, uscito nel 2021. Questo è un sequel
diretto del terzo capitolo, Election Year, e
riprende la narrazione a otto anni di distanza dall’elezione
presidenziale di Charley Roan, con lo sfogo ristabilito dai Nuovi
Padri Fondatori, tornati al controllo del governo statunitense.
Inizialmente questo doveva essere l’ultimo capitolo della saga, ma
recentemente DeMonaco ha affermato di essere al lavoro su un sesto
capitolo che dovrebbe espandere il concetto dello Sfogo all’intero
mondo. Al momento non vi sono però notizie in merito e non è noto
quando il film sarà effettivamente realizzato.
La prima notte del
giudizio: il trailer e dove vedere il film in streaming e in
TV
È possibile fruire di La
prima notte del giudizio grazie alla sua presenza su
alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in
rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten
TV, Chili Cinema, Apple iTunes e Amazon Prime Video. Per vederlo, una
volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il
singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così
modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità
video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di
giovedì 22 dicembre alle ore
21:15 sul canale Italia 2.
Il regista Scott
Speer ha abituato il suo pubblico a storie d’amore
particolarmente strazianti, segnate dall’impossibilità dei
protagonisti di coronare il proprio amore ma anche a racconti di
genere fantasy, dove il reale e l’irreale si fondono in modi
impensabili. Del primo caso è un esempio evidente il suo
lungometraggio Il sole a mezzanotte,
mentre Sei ancora qui – I Still see You appartiene al
secondo. Nel 2020 Speer ha poi realizzato un film che mette
d’accordo entrambe queste tendenze, ovvero
Endless, un’opera che coniuga
romanticismo, dramma e fantasy.
Scritto da Andre
Case e Oneil Sharma, questo teen
drama affronta il tema dell’amore impossibile attraverso una
netta separazione dei due protagonisti, puntando su elementi
surreali e metafisici. Attraverso questa loro condizione, gli
sceneggiatori e il regista puntano ad esaltare una lezione tanto
dolorosa quanto importante: a volta bisogna saper lasciare andare
chi si ama. Un tema simile a quello proposto da un classico come
Ghost – Fantasma, adattato però qui per un pubblico più
giovane, che può ritrovare nei sentimenti dei due personaggi anche
qualcosa di sé.
Endless non è in realtà
stato accolto positivamente dalla critica e il suo essere uscito al
cinema nel pieno del periodo segnato dalla pandemia di Covid-19 ha
bloccato le sue possibilità di affermarsi presso un ampio pubblico.
Al pari di altri titoli simili, tuttavia, è questo un film capace
di regalare emozioni e lezioni di vita. Prima di intraprendere una
visione del film, però, sarà utile approfondire alcune curiosità
relative ad esso. Proseguendo nella lettura sarà possibile
ritrovare ulteriori dettagli sulla trama e il
cast di attori. Infine, si elencheranno anche le
principali piattaforme streaming contenenti il
film nel proprio catalogo.
Endless: la trama del
film
Chris e
Riley sono due fidanzati che frequentano l’ultimo
anno di scuola prima di iscriversi all’università. La sera della
festa di fine anno, dopo essere arrivati alla festa con la moto del
ragazzo, la migliore amica della fidanzata, Julia,
rivela a tutti che Riley è stata presa all’università di
giurisprudenza di un’altra città. Chris, scosso, decide di bere
fino a diventare completamente ubriaco. A quel punto, grazie alla
macchina dell’amico di Chris, Riley accompagna il fidanzato quando,
nel bel mezzo di un discorso sul suo futuro, hanno un incidente. La
ragazza si risveglia in un ospedale vicino all’amato,
apparentemente sano e salvo, e ai suoi genitori, che però le
comunicano la triste notizia della morte di Chris.
Quest’ultimo, pensando si trattasse
di un qualche scherzo, prova a toccare la fidanzata, ma si accorge
di non poterlo fare essendo realmente morto e intrappolato in una
sorta di limbo. Incontra poi un ragazzo, anche lui morto, che gli
rivela che un giorno potrà passare ad un “livello superiore”
fuggendo da questo limbo. Nel mentre Riley, turbata dalla morte del
ragazzo torna a disegnare sul suo quaderno, riuscendo ad entrare in
contatto con Chris. Inizialmente non riesce a credere sia tutto
vero, ma quando il ragazzo le dimostra la verità, lei disegna
sempre di più, tentando di ricongiungersi col suo ragazzo. Ben
presto, però, capiranno di non potersi influenzare in questo modo a
lungo.
Endless: il cast del
film
A interpretare i protagonisti di
Endless Chris e Riley vi sono gli attori Nicholas
Hamilton e Alexandra
Shipp. Il primo, nato in Australia, è divenuto famoso
per aver impersonato uno dei figli di Viggo
Mortensen in Captain Fantastic e Henry Bowers in IT e IT: Capitolo due. La seconda,
invece, americana, è divenuta celebre per essere stata Tempesta in
X-Men – Apocalisse e in
X-Men – Dark Phoenix,
oltre ad aver recitato in Tuo, Simon, dove ricopriva il
ruolo di Abby. L’attrice Zoe Belkin interpreta
Julia, l’amica di Riley, mentre Ian Tracey è
Richard e DeRon Horton ricopre il ruolo di
Jordan.
Accanto a loro, nel ruolo del padre
di Chris vi è l’attore Aaron Pearl, mentre
l’attrice Famke Janssen,
il nome più noto del cast di Endless, interpreta Lee
Douglas, la mamma di Chris. Anche lei è divenuta celebre grazie
alla saga degli X-Men, avendo recitato
nella trilogia originale nel ruolo di Jean Grey, alias Fenice.
Completano poi il cast gli attori Eddie Ramos nei
panni di Nate, Catherine Lough Haggquist in quelli
di Helen e Barbara Meier, celebre per aver vinto
la seconda edizione di Germany’s Next Topmodel, nel ruolo
di Teri.
Endless: il trailer e dove
vedere il film in streaming e in TV
È possibile fruire di
Endless grazie alla sua presenza su
alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in
rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten
TV, Apple iTunes e Amazon Prime Video. Per vederlo, una
volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il
singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così
modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità
video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di
giovedì 22 dicembre alle ore
21:20 sul canale Italia 1.
Prima di diventare l’autore de
Le Cronache del Ghiaccio e del Fuoco,
George R.R. Martin era un avido lettore di fumetti
e di fumetti Marvel. E’ emerso nei meandri della
rete la foto di una pagina di un Fantastici Quattro numero 29 in cui, nella
sezione dedicata alle lettere dei lettori, un giovane Martin si
esprime con grande chiarezza in merito a cosa ha amato e cosa ha
amato meno del numero di Jack Kirby e
Stan Lee. Ecco di seguito:
Cari Stan e
Jack,
Un altro mese, un
altro classico, ma del resto cos’altro ci si può aspettare da voi,
ragazzi! FF#29 è stato ancora una volta sublime, con i bellissimi
disegni di Kirby-Stone che hanno dato il giusto impatto alla
splendente scrittura di Stan. Così come quell’ultimo panel a pagina
11, potrei andare avanti tutto il giorno e ancora non finire le
parole da spendere. Quando i miei piccoli e brillanti hanno visto
la prima volta quel panel, bombe all’idrogeno sono esplose dentro
la mia testa e sono stato spazzato via dalla sua purezza magnifica.
Per favore, compagni, non fatelo spesso se non volete che io muoia
giovane! Tuttavia, mi dispiace informarvi che ho trovato una pecca
in questo altrimenti perfetto capolavoro, una pecca che è,
purtroppo, molto comune con voi. Quando abbiamo visto l’ultima
volta Red Ghost in FF #13 era bloccato sulla luna, rincorso da tre
scimmie super potenti livide con odio e agitando il raggio
paralizzante di Mr Fantastic contro di lui. Ora improvvisamente lo
riportate indietro nel pieno controllo delle sue scimmie senza una
singola parola di spiegazione. Questa non è la prima volta che
riportate indietro un cattivo senza spiegare esattamente come. Lo
avete fatto quando avete fatto risorgere Puppet Master in FF #14
dopo che Reed aveva sentenziato che era morto in FF #8. Uno
scienziato non riesce nemmeno dire se un tizio è vivo o morto, ma è
abbastanza brillante da inventare un raggio doohickey radioattivo
cosmico super amplificato in un attimo! In conclusione, vi auguro
buona fortuna per tutti i vostri prossimi libri, ma Stan, non
tirare fuori dal tuo cappello altri villain di ritorno. La prossima
volta spiegaci come fanno a tornare, ok? Ok!
Dal 2008 a oggi il
Marvel Cinematic Universe
ha fatto tanta strada, perché non è poi troppo difficile immaginare
che Kamala Khan, alias Ms. Marvel, protagonista della
nuova serie Disney+, avesse soltanto due anni quando
Tony Stark ha vissuto la sua prima avventura.
Una nuova generazione sulle orme
dei Vendicatori
Questo mette la giovane
Kamala quasi nella posizione che era stata di Kate Bishop in
Hawkeye.
Entrambe le ragazze sono cresciute con il mito degli Avengers, che
sono ormai una realtà consolidata in quel’Universo Marvel, ed entrambe arriveranno ad
incontrare i propri idoli, Kate diventando proprio l’erede di Clint
Barton, Kamala incontrando Carol Danvers. Ma questo accadrà in
The
Marvels al cinema. Quello che per adesso sappiamo
della nuova eroina Marvel, un’adolescente piena di
energia e fantasia con una sfrenata adorazione per Captain Marvel, è che in una maniera del tutto
inaspettata viene in possesso di superpoteri che la riconnettono
con le sue origini pakistane e ne fanno la prima eroina musulmana
del MCU.
Uno sguardo alla comunità
musulmana
I primi due episodi
della serie, disponibili sulla piattaforma dall’8 giugno,
raccontano la quotidianità di Kamala con grande immediatezza,
affrontandone la vita in famiglia, la scuola, gli amici, le prime
cotte, il rapporto con la comunità musulmana tutto con un tono
estremamente brillante e divertente, proprio come è Kamala, grazie
al ritratto che ne fa Iman Vellani, la sua
fortunata e talentosa interprete.
Al di là dell’importanza
dal punto di vista della rappresentazione di una comunità ancora
ignorata dal MCU, Ms. Marvel si distingue per
uno spirito vivace e accattivante, che coinvolge principalmente una
fascia d’età molto giovane e in target, ma che può essere
apprezzato anche da chi ha superato da un po’ l’adolescenza, perché
fa immediatamente una dichiarazione di intenti che la colloca in
uno dei posti più alti delle serie Marvel/Disney, fino a questo
momento.
Ms. Marvel arricchisce i toni del
MCU
Il tono leggero da
prodotto teen si inserisce con intelligenza all’interno di un
panorama che continua ad arricchirsi, e, se pensiamo anche solo
agli ultimi prodotti arrivati allo spettatore, l’horror con
Doctor Strange nel Multiverso della Follia e i
miti egizi con Moon
Knight, sicuramente l’intento di Kevin
Feige e compagnia è quello di offrire un quadro completo
del mondo in cui viviamo andando a spuntare una casella ad ogni
nuova incarnazione televisiva o cinematografica di un eroe Marvel.
Produttori esecutivi
della serie sono Adil El Arbi & Bilall Fallah, che hanno
lavorato a Bad Boys for Life, e che presto vedranno
debuttare su HBO Max la loro Batgirl.
Per Ms. Marvel, la coppia creativa ha messo
in campo una buona dose di fantasia e inventiva, dando
letteralmente vita alle fantasticherie di Kamala a schermo. I
pensieri della protagonista non sono solo narrati dalla sua Voice
over, ma appaiono sullo schermo in forma disegnata e graficizzata,
aggiungendo una dimensione in più alla messa inscena per il resto
abbastanza classica.
Vi innamorerete di Kamala
Khan
Ms. Marvel è un prodotto
brillante, che, almeno per quello che raccontano i primi due
episodi, si colloca nel cassetto delle commedie Marvel ma che, dato il cliffhanger
del secondo episodio, può prendere mille strade diverse e tutte
plausibilmente interessanti, soprattutto perché raccontate dal
punto di vista di un’eroina “normale”, a volte goffa ma sempre
intraprendente e piena di voglia di vivere, con una enorme passione
per gli Avengers. Questo forse più di tutto la rende
una figura con cui è facile entrare in sintonia.
Un gruppo di quattro ragazzine
pedalano sulle loro biciclette nella notte di Halloween del 1988,
quando all’improvviso un fenomeno che sfugge ad ogni logica le
trasporta in una realtà che non è la loro, nella quale dovranno
difendersi da misteriosi pericoli nel tentativo di capire come
tornare a casa. Riassumendo così la vicenda alla base di
Paper Girls, si potrebbe pensare di avere
a che fare con una copia di Stranger
Things firmata Netflix. Le somiglianze, fortunatamente,
finiscono qui, perché la serie ideata da Stephany Folsom
(sceneggiatrice di Toy Story 4 e di alcuni
episodi dell’attesa Il Signore degli Anelli – Gli
Anelli del Potere) è un prodotto che intraprende ben
presto direzioni diverse, imprevedibili e accattivanti.
Adattamento dell’omonima graphic
novel firmata da Brian K.Vaughan
e illustrata da Cliff
Chiang, Paper Girls si
concentra infatti sul gruppo di ragazze formato da
Erin, Mac,
Tiffany e KJ. Queste rimangono
inconsapevolmente coinvolte in un conflitto tra due fazioni di
viaggiatori del tempo: gli Anziani e i
Teenager. Dal 1988 si vedono dunque trasportate
nel futuro, più precisamente nel 2019, dove dovranno schierarsi con
l’una o l’altra delle due fazioni. Qui avranno inoltre modo di
incontrare le loro versioni del futuro e dovranno scegliere se
abbracciare o rifiutare il proprio destino. Ad oggi la serie a
fumetti è composta da 30 albi, il che lascia presupporre che questa
prima stagione della serie non sia che l’inizio di una lunga e
articolata avventura.
Benvenuti nel futuro, di nuovo!
Sulla carta l’idea alla base di
Paper Girls è tutt’altro che originale. Negli ultimi anni
si sono moltiplicati a dismisura i racconti incentrati sui viaggi
nel tempo, affrontati attraverso generi e punti di vista sempre
diversi. Questa nuova serie sembra dunque non raccontare nulla di
nuovo a riguardo, presentandoci un futuro in guerra non dissimile
da quello visto anche in un altro prodotto Amazon quale Future Man. Ciò che cambia
sono però qui le motivazioni alla base della guerra, le quali hanno
a che fare con la libertà o meno di alterare il passato e il
futuro. Se gli Anziani sostengono la conservazione della linea
temporale, i Teenager al contrario credono nella possibilità del
suo cambiamento.
Lo scontro che ne scaturisce è
dunque un elemento centrale nel racconto, ma più che le battaglie
vere e proprie, ciò che risulta possedere un certo fascino sono le
riflessioni etiche sollevate da questa guerra. È davvero possibile
alterare il passato? Se sì, è possibile prevederne le conseguenze?
E se no, è possibile accettare realmente il naturale corso degli
eventi? Più che offrire elementi d’azione con cui intrattenere il
proprio pubblico, Paper Girls trova maggior interesse nel
riflettere su tali questioni, esplicitate dall’incontro tra le
quattro protagoniste con le loro versioni adulte. Una situazione
che spinge tutte loro a riflettere su ciò che erano e ciò che sono
diventate.
Riley Lai Nelet e Ali Wong in una scena di Paper
Girls.
Paper Girls, una serie
dalle molteplici sfumature
Quella che inizialmente può
sembrare una serie in cerca di una propria identità, specialmente
considerando i tanti prodotti simili per genere e temi, svela a
poco a poco molteplici sfumature, che diventano il suo carattere
primario. Oltre ai diversi momenti malinconici, nei quali le
quattro protagoniste riflettono su ciò che erano e ciò che saranno,
non mancano infatti anche situazioni particolarmente comiche, che
giocano in modo intelligente con l’assurda situazione vissuta dai
personaggi primari. Si tratta di momenti costruiti con un certo
gusto, che non risultano affatto discordanti con il tono più
drammatico dato dal conflitto in corso.
C’è dunque tempo per divertirsi e
tempo per preoccuparsi di ciò che, episodio dopo episodio, si
scopre sul guerra temporale tra Anziani e Teenagers. In entrambi i
casi, Paper Girls offre un buon intrattenimento, che
suscita un crescente interesse nello spettatore. Nonostante alcuni
cliché narrativi, presenti in particolare nella caratterizzazione
di certi personaggi, la serie possiede dunque un buon potenziale
che, seppur ancora non del tutto espresso con la prima stagione,
lascia immaginare risvolti futuri sempre più accattivanti. Per un
prodotto che, pur affrontando i viaggi temporali, punta così poco
sugli effetti speciali (non che questo sia un male, anzi), la sua
forza è da ritrovarsi nei personaggi.
Le quattro attrici protagoniste
sfoggiano una buona chimica di gruppo, che rende i loro momenti
insieme sempre piacevoli, arricchiti dal loro non cercare di essere
eroine ma rimanendo semplici adolescenti alle prese con la paura di
crescere. A guidarle, nel corso della stagione, vi è Ali Wong,
celebre attrice comica che ha qui modo tanto di rubare la scena nei
momenti più divertenti quanto di dar prova anche delle sue doti
drammatiche con un personaggio estremamente fragile. A loro ci si
affeziona episodio dopo episodio e per quanto ad ora non sembrano
ancora possedere la forza dei grandi personaggi della serialità,
questa sembra essere sufficiente a reggere Paper Girls,
facendone un prodotto godibile e avvincente.
Dopo il successo
ottenuto con la prima stagione di The Morning Show, Gugu Mbatha-Raw è tornata a collaborare con
Apple
TV+ grazie a Surface, dramma
psicologico con risvolti che sconfinano nel thriller che vede come
Creator Veronica West (Ugly
Betty).
Surface, la trama
Dopo essere
miracolosamente sopravvissuta a un drammatico tentativo di
suicidio, Sophie deve ricostruire la propria agiata vita a San
Francisco pur avendo perso gran parte della memoria. Ad aiutarla ci
sono principalmente suo marito James, la migliore amica Caroline e
la psicologa Hannah. Quando però all’improvviso spunta il
misterioso Baden e le insinua il sospetto che il suo passato non è
quello che tutti stanno tentando di farle credere, e soprattutto
che potrebbe essere ancora in pericolo di vita, Sophie inizia a
notare delle discrepanze nel suo presente che la portano a
sospettare non si sia trattato veramente di un tentato
suicidio…
Surface fatica a catturare l’attenzione dello spettatore
Nelle prime puntate,
Surface offre allo spettatore uno sviluppo
narrativo e dei personaggi che non rappresentano davvero nulla di
nuovo rispetto al genere di appartenenza dello show, e, difetto
sicuramente anche peggiore, non possiede uno spessore drammatico in
grado di catturarlo veramente. A parte alcuni interessanti
accorgimenti di regia che rendono la messa in scena intrigante, la
serie si sviluppa attraverso un ritmo narrativo eccessivamente
posato. Il che avrebbe potuto diventare qualcosa di originale se
avesse permesso di approfondire la vita interiore e i dilemmi dei
personaggi principali, magari anche quelli secondari rispetto alla
protagonista Sophie. Ma ciò non accade, e alla lunga la fluidità
“contenuta” della progressione narrativa diventa complessa da
sostenere.
Una serie molto elegante nella
forma
Visivamente piuttosto
curata, Surface si fa notare in particolar modo
per l’eleganza delle ambientazioni che rappresentano
metaforicamente la gabbia dorata in cui la protagonista è
rinchiusa: un fattore che avrebbe potuto diventare una stimolante
fonte di contrasto man mano che si comincia a scoprire l’universo
in cui invece vive e si muove Baden. Anche questo aspetto però
viene purtroppo mal gestito, in quanto rappresentato in maniera fin
troppo esplicita: il look estremamente curato e i continui cambi di
costume di Gugu Mbatha-Raw diventano un fattore
controproduttivo, in quanto distraggono ulteriormente dalla trama:
anche se siamo coscienti possa sembrare un’osservazione
superficiale, se non addirittura frivola, a tratti si presta
maggiore attenzione all’abbigliamento alla moda dell’attrice che
alle vicende del suo personaggio.
Scenografia e costumi catturano più della storia
Un lavoro estremamente
curato per quanto riguarda scenografie e costumi, adoperato come
artificio per catturare e intrigare il pubblico anche a dispetto di
un prodotto non particolarmente efficace, era un qualcosa che
avevamo già notato quando avevamo scritto della sit-com Loot con protagonista Maya
Rudolph, sempre realizzato per Apple TV+.
Che si tratti solo di un coincidenza o stia diventando un marchio
di fabbrica della piattaforma in streaming, saranno il tempo e le
prossime serie realizzate a dircelo…
Se la qualità media
delle serie prodotte da Apple TV+
risulta a nostro avviso superiore rispetto a quella delle
piattaforme di streaming concorrenti, Surface al
contrario si presenta come un mezzo passo falso. A uno spunto di
partenza non particolarmente originale segue uno sviluppo non
equilibrato tra narrazione e messa in scena, con quest’ultima che
risulta molto più curata (addirittura fin troppo…) rispetto
all’altra. Gugu Mbatha-Raw – anche executive producer –
Stephan James, Oliver
Jackson-Cohen, Ari Graynor e
Marianne Jean-Baptiste non riescono più di tanto a
rendere i proprio personaggi bidimensionali, costretti a lavorare
su una storia che non li aiuta a evitare molti stereotipi del
genere.
Surface
manca di piglio, di spunti e reali riflessioni su quello che vuole
raccontare dietro la superficie. E cosa forse ancor più grave
sembra tentare di nascondere questa mancanza con una confezione che
sfrutta con eccessiva furbizia molti dei trend di questi anni.
Peccato.
Il rifacimento in
versione seriale del film di successo Ragazze vincenti
– La serie (A League of Their Own) (da noi
arrivato con il titolo di Ragazze Vincenti) diretto da Penny
Marshall nel 1992, che vedeva a protagonisti Geena
Davis, Lory Petty e Tom Hanks, propone una variazione sul tema che
adopera la stessa cornice storico-sociale per raccontare tematiche
decisamente più attuali.
Ragazze vincenti – La
serie (A League of Their Own), la trama
Come noto la storia
prende spunto dalla formazione nel 1935 della lega femminile di
baseball, creata per “salvare” il più popolare sport americano dal
momento che la maggior parte dei giocatori professionisti e dei
giovani del Paese erano stati arruolati per combattere durante la
Seconda Guerra Mondiale.
Co-creator (insieme a
Will Graham) e protagonista degli otto episodi è
Abbi Jacobson, il cui personaggio di Carson Shaw
si trova ad affrontare non soltanto la sfida di giovare come pitch
nelle Rockford Peaches ma anche quella umana di scoprire veramente
il suo posto nel mondo. Continuare ad essere la moglie ideale di un
marito partito per il fronte o affrontare la nuova realtà di un
mondo che la vede affermarsi come protagonista del proprio mondo?
Allo stesso tempo Ragazze vincenti – La serie
(A League of Their Own) racconta anche la storia
della giovane Max (Chanté Adams), talento naturale
come lanciatrice che vede però il proprio amore per il baseball
ostacolato solamente dal colore della propria pelle…
Una feel-good series
Il merito maggiore di
Ragazze vincenti – La serie (A League of Their
Own) sta nel fatto di settare il
tono della serie fin dal primo episodio, e mantenerlo costante
per l’intera durata della stagione. Si tratta di un prodotto
chiaramente intento a proporsi come “feel-good” entertainment, e
all’interno di questo contenitore propone uno sguardo sincero ed
efficacemente gentile nei confronti di un tema come l’omosessualità
nello sport.
Abbi
Jacobson sembra sapere fin dall’inizio quale è la scala
dello show e i suoi obiettivi principali, e non li perde di vista
per un solo episodio: Ragazze vincenti – La serie
(A League of Their Own) non perde mai tensione
tentando di diventare eccessivamente melodrammatica o “volare alto”
con artifici narrativi o fuorvianti trovate di messa in scena. Al
contrario
la serie si dipana con un tono gioviale, a tratti magari anche
civettuolo, ma in nessun caso superficiale. I rapporti tra i
personaggi che compongono la squadra sono ben delineati, e molti
archi narrativi funzionano a dovere. Soprattutto lo show
restituisce con discreta efficacia la quieta rassegnazione di chi
deve condurre la propria vita secondo le etichette prestabilite dal
costume dell’epoca, nascondendo i propri impulsi e istinti per non
incorrere nello scandalo e nel disonore.
La storia viene
sviluppata attraverso due narrazioni principali, in cui appare
piuttosto chiaro che quello riguardante Carson Shaw funziona meglio
rispetto alle vicende di Max, ma non per questo Ragazze
vincenti – La serie (A League of Their
Own) soffre di evidenti scompensi in fase di
tensione drammatica, tutt’altro. A rafforzare l’operazione
partecipano poi la notevole presenza scenica e la bravura di D’Arcy
Carden e la presenza di caratteristi di lusso quali Nick
Offerman, Kevin Dunn e soprattutto la sempre poderosa
Dale Dickey.
Il pubblico seriale in
cerca di grandi emozioni o spettacoli di genere pirotecnici nei
confronti di Ragazze vincenti – La serie (A League of
Their Own) più di tanta attenzione. Si tratta
molto probabilmente di uno di quei prodotti che passeranno
piuttosto in sordina e non finiranno in troppe Top10 dei migliori
show del 2022. Non ci sono grandi star, non c’è un genere “forte”
in grado di solleticare l’attenzione degli appassionati, non ci
sono neppure artifici drammaturgici particolarmente originali.
Ragazze vincenti – La
serie (A League of Their Own) ha una componente
sperimentale
Quello che lo show
possiede è il tono commedia edificante con alcune pennellate di
approccio molto contemporaneo. Sull’ambientazione d’epoca vengono
infatti spesso sovrapposti dialoghi coloriti, che impreziosiscono
il realismo di personaggi e situazioni. Ecco che allora
Ragazze vincenti – La serie (A League of Their
Own) diventa un piccolo esperimento che contiene
“stonature” elettrizzanti, figure che si muovono con grazia tra
stereotipo e originalità, momenti di tenerezza sinceri e discorsi
sotterranei socio-politici ben orchestrati. L’intento è quello di
regalare al pubblico dolcezza, umanità e ritratti femminili a cui
affezionarsi, e in questo l’obiettivo viene pienamente centrato.
Rimane il dubbio che avrebbe potuto essere qualcosa di maggiormente
ficcante? Forse.
La sensazione precisa
vedendo episodio dopo episodio è che non fosse questa l’idea alla
base del tutto. E partendo da questo presupposto Ragazze
vincenti – La serie (A League of Their
Own) diventa una
serie perfetta da vedere per una serata in completa
rilassatezza, magari se possibile accanto alla persona a cui si è
legati. Per coccolarci un po’, difficilmente troverete in giro
qualcosa di più adatto.
Il valore e la
compattezza di una società civile non dovrebbero essere misurati
attraverso gli standard della normalità, quanto piuttosto nelle
situazioni di emergenza. Nel momento del bisogno, un tessuto
sociale e lo Stato che lo rappresenta dovrebbero ergersi come
entità coesa e protrarsi verso gli strati della popolazione
maggiormente bisognosi. Il modo in cui si affronta la calamità
dovrebbe mostrare il reale stato di salute di una nazione e del suo
governo.
Cinque giorni al Memorial,
la storia vera
Ed è per questo che gli
Stati Uniti non riusciranno mai a lavare dalla propria bandiera la
macchia del disastro di New Orleans dopo Katrina. Cinque
giorni al Memorial racconta cosa successe nei giorni
successivi al passaggio dell’uragano in un ospedale rimasto
isolato, o meglio abbandonato al proprio destino. Ideata da John
Ridley e Carlton Cuse, la serie di Apple TV+
è un resoconto preciso, minuzioso e desolante dei tragici fatti che
portarono alcuni medici a prendere decisioni estreme, salvo poi
venir messi sotto accusa a causa di quelle stesse decisioni. Perché
risulta sempre conveniente puntare il dito contro il singolo
piuttosto che il sistema.
Crea uno scarto
concettuale e psicologico profondo e fortissimo, Cinque
giorni al Memorial: nella progressione drammatica,
nell’attenzione all’arco narrativo dei personaggi principali, nel
realismo delle scenografie e delle ambientazioni sembra quasi una
docu-serie (viene adoperato a tal proposito anche molto footage
reale girato dopo il disastro di Katrina). Eppure allo stesso tempo
si ha la sensazione di assistere a un prodotto di fantascienza, a
uno show post-apocalittico proprio per gli stessi motivi appena
elencati. La mente di chi scrive – e supponiamo anche quella di
molti altri spettatori – ha fatto davvero fatica a radicare l’idea
che la ricostruzione mostrata è basata su fatti realmente
accaduti.
Ridley e Cuse – anche
registi di molti degli episodi – evitano dosano con enorme
sensibilità le sottolineature drammatiche e drammaturgiche
lasciando che siano i fatti a parlare. Nell’esporre dettaglio dopo
dettaglio, scena dopo scena, episodio dopo episodio quanto New
Orleans e le sue infrastrutture fossero totalmente impreparate
all’emergenza dell’uragano, Cinque giorni al Memorial diventa un atto
di accusa perentorio nei confronti di un sistema socio-politico
totalmente disinteressato al benessere, anzi soltanto anche alla
mera sicurezza delle classi sociali meno agiate. Ed ecco allora che
della catastrofe l’uragano diventa la causa almeno quanto lo sono
anni e anni di lassismo, incompetenza, razzismo, sfruttamento
economico: piaghe che si sono rivelate come tali nei giorni
immediatamente successivi a Katrina, quando il vuoto assoluto di
potere gestionale – unito alla malafede dolosa e criminale di chi
ha curato prima di tutto i propri interessi economici – ha impedito
che reali e organizzati soccorsi fossero portati alle migliaia e
migliaia di persone colpite dalla catastrofe.
I primi cinque capitoli
dello show sono interamente ambientati al Memorial Hospital, con
l’ultimo di essi che si rivela un episodio scritto con una lucidità
onestamente mai esperita in precedenza in una serie televisiva.
Viene infatti raccontato come persone costrette a compiere delle
scelte che non avrebbero dovuto spettare loro – persone che hanno
dedicato la propria vita professionale al benessere dei propri
pazienti, qualsiasi cosa ciò significhi – hanno fatto quello che
ritenevano giusto (umano) in condizioni estreme. E insieme viene
messo in scena come altri hanno fatto la scelta opposta, ottenendo
altri risultati.
Non c’è giudizio nel racconto
Si insinua allora l’idea
di giusto o sbagliato in Cinque giorni al
Memorial? Si tenta un giudizio? Assolutamente no. Al
contrario si abbraccia l’idea che chi agisce, chi si prende
responsabilità anche gravose nei confronti del prossimo, in
particolar modo quando è bisognoso, è al di sopra di una nozione
così univoca come giusto o sbagliato. E se anche gli ultimi tre
episodi non posseggono la potenza espressiva ed emotiva dei
precedenti, rimangono comunque fondamentali poiché continuano a
presentare la vicenda da molteplici punti di vista, regalando
angolazioni e spunti di riflessione realmente importanti.
È un lungo applauso che
meritano tutti coloro che hanno partecipato a Cinque giorni al Memorial, dai creator agli
sceneggiatori al cast di attori perfetto in cui primeggiano
Vera Farmiga, Cherry Jones e Michael
Gaston. È una miniserie dolorosa, a tratti quasi
insostenibile. Ma è qualcosa a nostro avviso di mai visto prima,
sia nella scrittura che nell’esposizione. Non perdetela.
Continua a fiorire e a
moltiplicarsi la saga di Power che, con la seconda stagione
di Power Book III: Raising Kanan, continua a espandere i
propri fili narrativi, in lungo e largo, anche se in questo caso
sarebbe più corretto dire “indietro nel tempo”, visto che la serie
prequel è ambientata negli anni ’90 e racconta dell’ascesa di Kanan
Stark e di come si è fatto strada nel mondo dello spaccio di
droga.
Power Book III: Raising Kanan
stagione 2, dove eravamo rimasti?
All’inizio della seconda
stagione, Raquel Thomas, madre di Kanan, ha raggiunto il controllo
totale del traffico di droga della città, ma le sta sfuggendo il
controllo sul figlio. Kanan Stark torna nel Queens incerto sul suo
futuro negli affari di famiglia e, a causa del segreto sul
detective Howard, è ancora più incerto sul suo passato. Il giovane
è alla ricerca della verità mentre sua madre Raq con audacia vuole
espandere gli affari in un territorio ostile. Lou-Lou, zio di Kanan
e fratello di Raq, ha altri piani che ruotano attorno alla sua
etichetta discografica in fallimento, ma la donna non ha intenzione
di lasciarsi ostacolare dai problemi del fratello. Allo stesso
tempo l’altro fratello, Marvin, sebbene rimanga un fedele soldato
di Raq, è distratto dalla lotta per ottenere il perdono di Jukebox
e diventare il padre che non è mai stato. I legami che tengono
insieme la famiglia si stanno sciogliendo, ma Raq non si fermerà
davanti a nulla pur di riunirli.
Il franchise in continua
espansione
Dopo il focus sulle
vicende di Tommy Egan all’inizio del 2022, con
Power Book: Force, torniamo negli anni ’90 a
seguire la storia di Kanan Stark, che nella serie principale di
questo franchise sui generis è lo spacciatore ed ex mentore di
Ghost e Tommy, poi diventato il loro rivale.
Le tappe obbligate della
storia, che la porteranno a ricongiungersi con la serie principale
non fanno perdere di freschezza Power Book III: Raising
Kanan stagione 2 che, dopo l’accoglienza positiva della
prima stagione, continua a mettere in scena questo lungo viaggio
d’iniziazione alla vita criminale del personaggio che in
Power ha il volto di 50 Cent.
Il carisma della serie resta
invariato rispetto alla prima stagione e si arricchisce di svolte e
trame che porteranno inevitabilmente, come da titolo, alla
“nascita” di Kanan nel suo universo criminale.
Sascha Penn,
ideatrice della serie e guira della writing room dello show, si
conferma una penna ottima per mettere in scena le avventure
splendidamente interpretate da Patina Miller e
MeKai Curtis, rispettivamente Raq e
Kanan.
Oltre ai protagonisti,
il cast comprende anche Omar Epps (House, Love
and Basketball), London
Brown (Ballers), Malcolm
Mays (Them, Snowfall), Hailey
Kilgore (Amazing Stories), Joey
Bada$$ (Due estranei), Shanley
Caswell (L’evocazione
– The Conjuring), Quincy
Brown (Dope), Toby
Sandeman (The Royals). Antonio
Ortiz (High Fidelity, The Sinner) ha
ora un ruolo ricorrente nella serie nei panni di Shawn “Famous”
Figueroa. Power Book III: Raising Kanan stagione 2 arriverà su
StarzPlay a partire dal 14 agosto.
Dopo una gloriosa
premiere mondiale al
Festival di Cannes 2022, Irma Vep – la vita imita
l’arte arriva in Italia, a partire dal 3 agosto, su Sky e
NOW. La serie riprende ed espande un universo creato a portato a
schermo da Olivier Assayas nel 1996, quando
presenta il suo film. Anni dopo, il regista francese torna a quella
storia, espandendola e dilatando il mondo di Irma Vep, sfuggendo
all’etichetta di remake o di sequel e sviluppando in una serie da 8
episodi di 50 minuti non solo i concetti metatestuali che già
venivano affrontati nel film, ma aggiungendovi un occhio
contemporaneo e avvalendosi di un cast estremamente devoto ai
personaggi che porta in scena.
Irma Vep – la vita imita
l’arte, la trama
La storia è quella di
Mira, un’attrice di blockbuster hollywoodiani che si accinge a
partecipare a una produzione che vuole rimettere in scena una serie
culto per la cultura audiovisiva francese. Stiamo parlando di I
vampiri, serial del 1915 divenuto un punto di riferimento iconico,
a tratti maledetto, per i surrealisti.
Irma Vep – la vita imita
l’arte, metatestualità
Qual è il punto di
maggiore interesse in questa serie? Sicuramente la meta-testualità.
Irma Vep –
la vita imita l’arte è un’indagine sull’industria
cinematografica e sullo star System che racconta il remake di una
serie a sua volta iconica che, anche nella vita reale ha una
valenza artistica importante, mentre contemporaneamente alle
riprese i personaggi interpretato da attori scivolano dentro i
personaggi che loro stessi interpretano.
Il cast straordinario di
Irma Vep
Un gioco di scatole
cinesi che viene tenuto in piedi principalmente dal cast,
particolarmente in armonia con lo scenario messo a disposizione. In
particolare Vincent Macaigne, nei panni del
regista di quest’avventura insolita, che si cimenta in un lavoro di
rifacimento uno a uno, con momenti di grande poesia e lirismo
alternati a gesti e toni grotteschi. Accanto a lui, la vera star
della serie, Alicia Vikander, che compare anche trai
Producer del progetto televisivo e che offre una delle sue migliori
interpretazioni in carriera. Il volto dolce da bambina si concede
guizzi di sensualità improvvisa, come fosse u serpente che salta
sulla sua preda, insieme a una profondità insondabile di sguardo
che accresce quella sensazione di trovarsi di fronte a una ragazza
spaesata che però nasconde un segreto. Insomma, un’ambiguità
elegante e raffinata, quella di Vikander, che sembra essere
perfetta per mettere in scena Mira, che a sua volta scivola dentro
Irma Vep e la fa sua, quanti vendo posseduta da questo personaggio
carismatico e sensuale, talmente tanto consapevole da scatenare
timore negli uomini che la circondano.
Assayas si muove agile
tra questi piani della narrazione, mostrando il fianco talvolta
all’interpretazione stessa e rendendola protagonista della scena,
talvolta a ciò che significa oggi fare arte, o a quello che si
potrebbe fare se l’industria non fosse così castrante e bigotta.
Irma Vep – la vita imita l’arte è uno sguardo
libero alle costrizioni dello sforzo creativo, attraverso un
racconto nel racconto e un occhio lucido e tuttavia
appassionato.
Dopo il grande – e
strameritato – successo di Catastrophe
suPrime
Video, Sharon Horgan torna allo streaming con
Bad Sisters, una miniserie
che mescola al meglio molti dei temi e toni portanti delle
produzioni made in Britain. Bad Sisters racconta la storia di
cinque sorelle molto diverse tra loro, ognuna con i suoi piccoli
grandi problemi di tutti i giorni. Una in particolare, Grace
(Anne-Marie Duff), ha sposato un uomo che definire
meschino, abusivo, ipocrita o minaccioso sarebbe un eufemismo. Jean
Paul (Claes Bang) è odiato da tutte le cognate per
il modo in cui tratta ognuna di loro, oltre che schiavizzare la
moglie. Finché un giorno l’uomo all’improvviso muore…
La trama di Bad Sisters
Ispirata
dalla serie belga Clan, Bad Sisters è una
commedia che mescola con brio e coerenza la commedia di situazione
con una trama gialla in puro stile Agatha Christie. L’ambientazione
principale è una piccola cittadina vicino Dublino che si dimostra
fin dal pilot molto efficace per circoscrivere l’azione e i
personaggi in una cornice “piccola” e provinciale, al fine di
ottenere quel necessario senso di realismo. Gli episodi sono
infatti sviluppati, sia narrativamente che nella messa in scena,
secondo una sobrietà che permette poi a piccoli e precisi guizzi di
comicità di esplodere e intrattenere il pubblico. Sharon Horgan
dimostra di possedere una versatilità insospettata, allontanandosi
dai toni scatenati, a tratti iperbolici di
Catastrophe, per arrivare a un prodotto molto
stratificato pur se comunque infuso di una leggerezza
ammirevole.
Ogni puntata di
Bad Sister riesce a scivolare dal dramma alla
commedia al thriller (leggero) con un’efficacia che non molti
prodotti televisivi posseggono. E allo stesso tempo si presta a
essere uno spaccato sociale molto preciso e purtroppo
contemporaneo, che racconta quanto esistano ancora oggi nel Regno
Unito (ma ovviamente non solo…) microcosmi dove l’abuso e la
prevaricazione dell’uomo nei confronti della donna è parte
integrante – e tristemente integrata – del tessuto sociale. L’unico
punto a sfavore della miniserie – o meglio non del tutto centrato a
livello di equilibrio del personaggio – è rappresentato proprio dal
personaggio di Jean Paul, il quale alterna momenti in cui è
magnificamente tratteggiato nella quotidianità del suo essere
abusivo e opprimente, ad altri in cui invece si muove un po’ troppo
sopra le righe per risultare realistico, sconfinando nella
macchietta.
Nonostante questo,
Claes Bang riesce a fornire dell’uomo
un’interpretazione molto precisa, subdola e fastidiosa al punto
giusto. E con questa puntualizzazione passiamo dunque a scrivere
del cast di Bad Sister, composto da cinque attrici in stato di
grazia, che riescono ognuna a tratteggiare un personaggio unico e
insieme perfettamente integrato con gli altri. La rappresentazione
del rapporto che lega le sorelle protagoniste è vero, brioso,
profondo, a tratti doloroso. Se Sharon Horgan dimostra ancora una
volta una presenza scenica tutta personale e corposa, la vera
sorpresa è una Sarah Greene (Normal
People) davvero energica nel ruolo di Bibi Garvey, la
sorella maggiormente mossa dalla rabbia e dalla sete di
vendetta.
Una serie di difficile classificazione
È sinceramente difficile
catalogare Bad Sisters all’interno di un genere
specifico. Lo show di Apple
TV+ si declina attraverso molteplici coordinate che lo
rendono un prodotto pieno, corposo e capace di indirizzare il
pubblico verso discorsi anche differenti tra loro ma ottimamente
incorporati insieme. C’è molto nella serie di Sharon Horgan, ma mai
troppo. Ci si diverte in maniera frivola e allo stesso tempo
profonda; c’è un discorso contemporaneo sul rapporto donna/uomo che
non diventa mai pamphlet preconfezionato o messaggio retorico; ci
sono romance, commedia di situazione e personaggi, giallo leggero,
melodramma. Il tutto incorniciato da paesaggi naturali bellissimi
da vedere. Insomma, Bad Sisters merita assolutamente la visione, in
quanto capace di soddisfare una larga parte di pubblico.
L’Immensità, il film di
Emanuele Crialese che vede protagonista
Penelope Cruz, sarà disponibile da oggi,
giovedì 22 dicembre, per l’acquisto e il noleggio su tutte le
principali piattaforme digitali per Warner Bros. Home
Entertainment. Il film è stato presentato in concorso alla 79.
Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. Nel cast
anche Luana Giuliani, Vincenzo Amato, Patrizio Francioni, Maria
Chiara Goretti, Penelope Nieto Conti, Alvia Reale, India Santella,
Mariangela Granelli e Valentina Cenni.
L’Immensità è una produzione Wildside (una società del
gruppo Fremantle), Warner Bros. Entertainment Italia, Chapter 2,
Pathé, France 3 Cinema.
L’Immensità – la
trama
Roma, anni 70: un mondo sospeso tra
quartieri in costruzione e varietà ancora in bianco e nero,
conquiste sociali e modelli di famiglia ormai superati. Clara e
Felice si sono appena trasferiti in un nuovo appartamento. Il loro
matrimonio è finito: non si amano più, ma non riescono a lasciarsi.
A tenerli uniti, soltanto i figli su cui Clara riversa tutto il suo
desiderio di libertà. Adriana, la più grande, ha appena compiuto 12
anni ed è la testimone attentissima degli stati d’animo di Clara e
delle tensioni crescenti tra i genitori. Adriana rifiuta il suo
nome, la sua identità, vuole convincere tutti di essere un maschio
e questa sua ostinazione porta il già fragile equilibrio familiare
ad un punto di rottura. Mentre i bambini aspettano un segno che li
guidi, che sia una voce dall’alto o una canzone in tv, intorno e
dentro di loro tutto cambia.
Arriva come un
uragano di dolcezza e simpatia, il 10 agosto su Disney+, I am Groot,
la nuova
serie Marvel per la piattaforma che va ad arricchire l’offerta
che la Casa delle Idee regala agli abbonati. La serie ci riporta al
tempo in cui l’albero senziente è ancora un bambino, anche se
probabilmente si tratta di un progetto fuori-canone, come ha
dichiarato lo stesso James
Gunn. La serie vede diversi ritorni, non solo quello
di Vin
Diesel che dà la voce al protagonista e di
Bradley Cooper che torna brevemente a doppiare
Rocket Raccoon, ma è lo stesso Groot che torna nel suo pianeta
d’origine, dove non lo abbiamo mai visto!
La serie è formata da 5
episodi, di circa dieci minuti, piccoli cortometraggi, pillole di
divertimento e tenerezza che vedono il nostro ramoscello impegnato
a esplorare la galassia, a fare i conti con l’ambiente circostante
e a farsi rispettare dalle altre creature che incontra sul suo
cammino, indipendentemente dalla taglia! Sicuramente queste
avventure lo formeranno fino a trasformalo nell’albero che abbiamo
conosciuto all’inizio di Guardiani della Galassia e che si
sacrificherà per salvare la sua famiglia.
I Am Groot, la nuova serie animata
Marvel
Anche in questo
prodotto, indirizzato chiaramente ai più piccoli, Groot si dimostra
particolarmente a suo agio nel combinare pasticci, con buona pace
di Rocket Raccoon, che non può fare a meno di adorare il suo
piccolo amico, anche se cerca in tutti i modi di essere severo e
limitarne l’entusiasmo infantile.
Con I Am
Groot, lo stile del MCU si arricchisce ulteriormente,
perché per la prima volta entra in gioco l’animazione
fotorealistica, che sebbene sia la più diffusa nel panorama
contemporaneo dell’animazione, è una prima volta per lo studio di
Kevin Feige. Si potrebbe quindi ipotizzare che si
sta aprendo una nuova strada espressiva e linguistica per la Casa
delle Idee e I am Groot fa da apripista,
soprattutto perché è già stato confermato un secondo ciclo di
cortometraggi. Questa novità non ha però impedito a Feige di
affidarsi a mani note e fidate. A firmare i cinque episodi c’è
infatti Ryan Little, che aveva già seguito
What If…? e che è stato confermato per
questa nuova avventura.
A dispetto delle recenti
polemiche in merito alla scarsa qualità della computer grafica dei
recenti prodotti MCU, è evidente che I am Groot si avvale della tecnica più
raffinata per mettere in campo al meglio l’amatissimo protagonista,
che risplende in tutta la sua dolcezza in tutti e cinque i
cortometraggi disponibili su Disney+ dal 10 agosto.
Non è la versione al
femminile di Hulk, non è un mostro, non è preda della sua rabbia:
potremmo dire che She-Hulk è la controparte femminile del
Gigante di Giada e potremmo dire che sia migliore di lui in ogni
cosa. In effetti, dati alla mano, She-Hulk è
proprio questo: una versione migliore, più equilibrata e completa
di Hulk.
She-Hulk: Attorney at Law, da dove
parte la storia?
Lo scopriamo da subito,
nella primissima parte del pilot della nuova serieDisney+, in cui incontriamo
Jennifer Walters alle prese con Bruce Banner (Mark
Ruffalo). Quando Jennifer si trova a dover gestire lo
stesso problema del cugino Vendicatore, è ovvio che si rivolga a
lui per cercare di capire di cosa si tratta e come “curarsi”, ma
presto scoprirà che lei è più brava a gestire la rabbia, a modulare
la trasformazione in creatura verde, a convivere, in pratica, con
la sua metà bestiale, non perde mai coscienza di sé e si trasforma
in una gigantessa verde ma che conserva la personalità di Jennifer.
Ma una giovane avvocatessa rampante che d’improvviso si trova
investita da superpoteri, e quindi super-responsabilità, è pronta a
fare l’eroe? Per Jennifer la risposta non è immediata, dopotutto ha
studiato tanti anni per diventare avvocato, non vorrà mica mandare
tutto all’aria per una questione di poco conto come questa?
Ally McBeal con i superpoteri, ma
non solo!
She-Hulk: Attorney at Law è una
serie interessante nel panorama Marvel/Disney: non
si colloca mai in un genere preciso, e anche se a tutti verrà in
mente Ally McBeal, il paragone, seppure giusto, non
rende giustizia all’intera serie che, almeno per i primi quattro
episodi, varia di tono e di tema, risultando fresca e intrigante,
ma soprattutto offrendo un punto di vista nuovo sul mondo dei
supereroi.
Come è stato detto in
sede di presentazione della serie alla stampa,
She-Hulk è un sguardo privilegiato al backstage
della vita di supereroe, mentre seguiamo
Jennifer Walters nella sua vita quotidiana, che fa fronte a
tutti gli impegni, le incombenze, gli appuntamenti che una donna in
carriera di 30 anni e single deve affrontare ogni giorno. E mentre
per il cugino la doccia di raggi Gamma è stata uno sconvolgimento,
Jennifer, donna multitasking che oltre a fronteggiare una vita
piena e attiva si trova anche a vivere in un mondo, quello della
professione forense, profondamente maschilista, è semplicemente già
allenata a gestire la rabbia, il disappunto, la frustrazione e
quindi la sua metà verde diventa solo un task in più.
Una donna sa già come
gestire la rabbia
Tutte le emozioni che
fanno di Bruce un animale indomabile, un mostro pericoloso, per
Jennifer sono solo un’altra seccatura, una delle tante, da gestire
in una vita piena. Ed è proprio qui che ci porta She-Hulk:
Attorney at Law, nella vita di Jennifer, che sceglie di
continuare a fare del bene non come supereroe, ma come avvocato,
anche dopo che ha ottenuto i poteri e la sorprendente capacità di
gestirli.
Il personaggio di
Tatiana Maslany offre una nuova prospettiva
sull’essere eroe, quella di scegliere di privilegiare l’impegno e
la professionalità rispetto allo “smash”, allo spaccare tutto e
combattere i cattivi con la forza bruta. Certo, anche lei verrà
messa con le spalle al muro, ma sarà in grado di fare le proprie
scelte, controcorrente per un supereroe Marvel, ma coerenti e realistiche
per una donna contemporanea che vive nel suo tempo.
Rispettato lo stile del
fumetto
La serie, con una
squadra alla produzione prevalentemente al femminile, riesce a
portare a schermo tutto ciò che c’era nei fumetti Marvel degli anni ’80, anche la
rottura della quarta parete, ma attualizzando le questioni e il
punto di vista dei personaggi a oggi, con grande efficacia e con un
risultato fresco e leggero. Certo, per essere un prodotto Marvel l’azione viene lasciata un
po’ indietro, ma forse la scelta di produzione è uno specchio della
scelta stessa di Jennifer, che cerca di essere un’eroina con il suo
incredibile cervello e non con la forza. Ha studiato per questo, in
fondo!