Le montagne, un cane bianco, un bambino coraggioso. Di cosa si tratta? Di Belle e Sebastien – Next Generation, pellicola di Pierre Coré che ripropone in chiave moderna la storia del legame fra il bambino Sebastien e il suo Pastore dei Pirenei, Belle.

In questa nuova versione del racconto, il regista taglia fuori qualsiasi trama secondaria che possa appesantire il contenuto principale, mettendo a fuoco solo il loro intimo rapporto la cui fiducia reciproca sta alla base. Il film, di genere family/avventura, è distribuito da Medusa Film per Notorious Pictures e sarà in sala dal 17 novembre.

Belle e Sebastien – Next Generation, la trama

Sebastien (Robinson Mensah-Rouanet) è un ragazzino di dieci anni la cui vita a Parigi è fatta di pomeriggi con lo skateboard e qualche marachella. Quando però la madre parte per Praga, Sebastien è costretto a passare due settimane in campagna insieme alla nonna Corinne (Michele Laroque) e alla zia Noémie (Alice David), il cui rapporto non è però ben consolidato a causa del poco tempo trascorso insieme.

Dopo un incontro un po’ distaccato e turbolento con la nonna, Sebastien inizia ad adattarsi alla quotidianità della fattoria, ma è solo l’arrivo di Belle, Pastore dei Pirenei, a movimentare le sue giornate. L’avventura insieme però inizia solo quando il ragazzino ad un certo punto è obbligato a seguire Corinne per la transumanza, e sarà nel fitto bosco ai piedi delle alpi che il duo si troverà ad affrontare sfide indimenticabili.

Un classico senza tempo

Le trasposizioni cinematografiche il cui fulcro è il rapporto animale – uomo sono da sempre storie d’amore capaci di far vibrare l’anima. È in una cornice della montagna francese, lontano dall’urbe, che il racconto del coraggioso Sebastien e della sua Belle prende forma, impiantandosi in un contesto sì moderno, ma dalle sfumature quasi fiabesche. Le montagne innevate, le verdi colline e il cottage che porta sulle spalle il peso ma anche il profumo degli anni passati rendono il filmico un’esperienza sensoriale a trecentosessanta gradi, il cui centro sono le tradizioni antiche pastorizie (come la transumanza) e il rapporto con la natura e i suoi abitanti.

In Belle e Sebastien – Next Generation ciò che cambia di base è solo lo sfondo che dalla Seconda Guerra Mondiale – con il sub-plot della fuga degli ebrei che metteva in scena un periodo storico rilevante per l’umanità – passa a un’ambientazione che si può percepire di più, quella contemporanea, in cui Sebastien scatta selfie con il Pastore dei Pirenei e gira con lo smartphone, introducendo il tema dell’industrializzazione. La contaminazione tecnologica però non svilisce la storia di per sé simbolica, né tantomeno la priva della sua essenziale magia e l’impianto narrativo del film rimane pulito, scorre con naturalezza e assume toni morbidi e leggeri.

Belle e Sebastien – Next Generation è una pellicola che continua a proporre una storia classica e senza tempo, con l’obiettivo di far immergere lo spettatore nei panorami naturalistici di cui la Francia è pregna, e al cui centro c’è la storia di un’amicizia immortale. Dalla fotografia, molto basica ma estremamente suggestiva nella sua semplicità, si può sentire l’odore del fogliame, della neve e dei pascoli, ma soprattutto si riesce a percepire la freschezza delle alpi. Seppur siano tanti i lungometraggi la cui trama segue le vicende dei due compagni, Belle e Sebastien rimangono quel duo formidabile la cui visione non è mai stancante, ma anzi permette di riconciliarsi con la vera bellezza della vita: il creato.

Trai film più attesi della stagione, spicca senza ombra di dubbio The Fabelmans, nuovo lungometraggio di Steven Spielberg. Attraverso la lente della finzione cinematografica alcuni importanti autori hanno saputo raccontare se stessi, non soltanto la propria visione del mondo ma anche la storia personale che li ha in qualche modo condotti ad essa. Con il suo ultimo The Fabelmans, Spielberg ci regala un film che riduce tale lente a uno strato sottilissimo, mettendo in scena gli anni della sua giovinezza e gli eventi che lo hanno condotto all’amore per la Settima Arte.

The Fabelmans, fare i conti con la propria storia

Lo scopo principale appare senza dubbio quello di fare i conti con i fatti che hanno minato l’unità familiare nella sua adolescenza, indirizzandolo verso il cinema come momento di evasione dal dolore del quotidiano ma anche come mezzo per esprimere quel dolore stesso, incanalandolo in una storia capace di parlare al grande pubblico. E Steven Spielberg, ovvero uno dei più grandi narratori per immagini dei nostri tempi – se non il più grande – con The Fabelmans fa ancora una volta proprio questo: sviluppa una storia di crescita e accettazione che rimane comunque finzione, ovvero quella finzione quella che lui stesso avrebbe voluto vivere.

Madre e Padre

Anche se in superficie il personaggio portante della trama è Mitzi, la madre del giovane protagonista Sam, nel profondo The Fabelmans è un atto d’amore verso la figura paterna di Burt, una figura che nel cinema si Spielberg è stata costantemente motivo di frustrazione: pensate ad esempio ai padri assenti, manipolatori, distratti di film come E.T., Prova a prendermi o Incontri ravvicinati del terzo tipo, solo per citare gli esempi maggiormente espliciti. In questo ultimo lungometraggio autobiografico (a modo suo…) Spielberg invece celebra la resilienza, l’abnegazione, la devozione incondizionata di un uomo destinato ad amare una donna a cui sta troppo stretta la vita che lui può offrirle.

Sotto questo punto di vista The Fabelmans si conferma, alla maniera di molti film del primo Spielberg, una favola che reinterpreta la realtà. O meglio l’espressione di un desiderio preciso, quello di aver avuto la possibilità di capire meglio i propri genitori. In certi momenti sembra quasi che il cineasta voglia spiegarci perché negli anni ‘70 e ‘80 faceva film in quel modo, e questo introduce un certo didascalismo nella narrazione e nell’estetica scelta per The Fabelmans.

Al tempo stesso però troviamo nel film sequenze che parlano di cinema in maniera talmente precisa e profonda da colpire dritte al cuore: Spielberg ci mostra ad esempio con straordinaria semplicità ed efficacia che fare cinema ha significato per lui tentare di prendere il controllo della propria vita, oppure che si possono usare le immagini quando le parole diventano troppo pesanti o dolorose per poter essere pronunciate.

Spielberg strizza l’occhio a John Hughes

Questi sono i momenti più belli di The Fabelmans, opera che possiede anche momenti di incredibile e insieme dolorosa leggerezza, alla maniera di quel John Hughes a cui Spielberg strizza più volte l’occhio in questo lungometraggio. E a chiudere un’operazione tanto complessa e stratificata proprio perché estremamente personale, ci sono gli ultimi dieci minuti che sono qualcosa che è difficile definire, tante sono le emozioni che racchiude: una sequenza cinefila, spassosa, geniale anche nella scelta di un cameo straordinariamente assurdo eppure perfetto che ovviamente non vi spoileriamo. 

Per quanto riguarda la direzione degli attori, Spielberg si conferma perfetto regista di giovani interpreti, consentendo al protagonista Gabriel LaBelle di regalarci una prova maiuscola, trattenuta e sofferta nella prima parte e poi progressivamente più libera e carismatica quando invece il personaggio di Sam inizia a trovare la forza per lottare al fine di affermare la propria personalità. Straordinaria – giustamente nominata all’Oscar – la partecipazione del grande veterano Judd Hirsch in una sola ma fondamentale sequenza. Funzionano a dovere Paul Dano e Seth Rogen, mentre invece si sviluppa a corrente alternata la prova di Michelle Williams, la quale a tratti sembra incerta sul come interpretare una figura femminile la cui frustrazione emotiva conduce ad atteggiamenti eccessivamente melodrammatici. 

Riscrivere la propria infanzia con il cinema

The Fabelmans è un film forse un po’ troppo alterno nei toni e nell’esposizione della storia per convincere del tutto: nei momenti in cui funziona è di una potenza emotiva profonda, in altri al contrario fa pensare a quanto altri giovani protagonisti nel cinema di Steven Spielberg si siano rivelati maggiormente emblematici di Sam Fabelman. A conti fatti, il senso di solitudine e di innocenza perduta derivati dall’aver perso il sostegno del nucleo familiare hanno trovato piena rappresentazione in altri film dell’autore – su tutti a nostro avviso si staglia il giovane Christian Bale de L’impero del sole – ma a conti fatti probabilmente non è neppure questo lo scopo di The Fabelmans.

Spielberg sembra volerci dire che, alla soglia dei 76 anni, con quello che gli è accaduto, lui ci ha finalmente fatto i conti. Alla sua maniera, ovvero adoperando il cinema come “fabula”, come possibilità di riscrivere la propria storia interiore. E sotto questo punto di vista il suo film è quantomai prezioso. 

Juliette Binoche torna sul grande schermo con Incroci Sentimentali, pellicola romance dal taglio dolceamaro di Claire Denis. La regista propone una storia convenzionale, quella dell’adulterio, mettendo enfasi sui punti di rottura dei personaggi per invadere l’intimità di una coppia il cui rapporto apparentemente sano si sbriciola a causa della debolezza carnale e amorosa.

Il lungometraggio, vincitore dell’Orso d’argento per il miglior regista al Festival Internazionale del cinema di Berlino, è la trasposizione cinematografica del romanzo di Christine Angot, Un tournant de la vie, la cui sceneggiatura porta anche la sua firma. Incroci Sentimentali è distribuito da Curiosa Films e sarà nelle sale dal 17 novembre.

Incroci sentimentali, la trama

Sara (Juliette Binoche) e Jean (Vincent Lindon) sono una coppia ben consolidata da oramai dieci anni, la cui però intesa è molto più forte a livello sessuale che comunicativo. Lei è una giornalista radiofonica, lui un ex giocatore di rugby finito in carcere per alcuni anni. Dopo una vacanza rilassante al mare, i due amanti tornano alle loro ordinarie vite fatte di caffè al mattino e sguardi sui tetti parigini in un balcone che sa di vissuto.

Quando un giorno Sara intravede il suo ex Francois (Gregoire Colin), amico di Jean, con il quale molto tempo addietro aveva condiviso un amore folle e passionale, la vita della donna viene sconvolta. Il ritorno di Francois nella sua quotidianità come presenza assidua, provoca un’incrinatura nella sua relazione con Jean, fino a farle compiere un passo che metterà in discussione tutte le sue credenze.

Il tema del “frutto proibito”

Secondo William Indick, le pellicole d’amore per funzionare bene devono mettere in scena il complesso di Edipo, che sia presentato letteralmente (più di rado) oppure metaforicamente. Provando a pensare alla sceneggiatura di Incroci Sentimentali, è evidente – grazie al tema trattato – come la rivalità fra Jean e Francois si sia costruita proprio su questo concetto freudiano. Il figlio, che nel complesso di Edipo vede nel padre una minaccia per la conquista dell’amore della madre, a livello cinematografico si tramuta nel personaggio che deve confrontarsi con il suo rivale per possedere l’oggetto del proprio amore. Nel racconto portato in scena da Claire Denis è l’amore di Sara al centro della conflittualità fra i protagonisti maschili.

All’interno della pellicola viene posizionato quello che comunemente è chiamato il tema del “frutto proibito”, in questo caso rappresentato dalla trama adulterina. Jean è messo davanti ad una verità amara: si contende l’amore di Sara proprio con Francois, suo caro amico. Ma il complesso di Edipo qui è simbolico – poiché ripropone le stesse emozioni di base – e nasce in Francois che nel sentimento di Sara vede, moralmente e pubblicamente, un tabù. È qui che si scatena la rivalità nei confronti di Jean, proprio come il figlio con il padre. La “competizione” fra i due amici, Denis la fa esplodere nella crisi della storia fra Jean e Sara, con un finale il cui messaggio è chiaro: a volte non esiste scelta fra la persona giusta e quella sbagliata, e se non si ha il coraggio di capirlo entra in gioco il destino, in un modo o nell’altro.

Un amore che diventa prigione

In Incroci Sentimentali la messinscena si spoglia di ogni orpello e decide, attraverso una scelta registica mirata, di prediligere primi e primissimi piani per porre l’attenzione sul meccanismo dello sguardo e l’evoluzione dello stesso, da cui si elevano sentimenti ed emozioni. È la stessa macchina da presa che conduce lo spettatore a confrontarsi con la trasformazione dei protagonisti, con i loro conflitti interiori, accendendo la luce sui loro stati d’animo che nel progredire della storia prendono forme diverse, fino al compiersi di un climax in cui pathos e gravitas sentimentale sono preponderanti.

Ci si ritrova faccia a faccia, e cuore a cuore, con i desideri più profondi di Jean e Sara, riuscendo a leggere quanto dai loro occhi che dalle rughe d’espressione, i loro più reconditi pensieri. Le immagini che tracciano come una matita i loro volti, inabissandosi nella loro intimità, rendono palese ciò che i dialoghi – già in deficit – non riescono o non vogliono esprimere. È il processo della consapevolezza a essere messo in moto, e si sceglie di descriverlo dando spazio ai silenzi – che rappresentano anche un’insufficiente comunicazione nella coppia – piuttosto che all’eccesso delle parole. È dunque grazie alle sequenze più tacite che ci si accorge di star assistendo alla distruzione del concetto di lealtà, più che di un amore (forse finito anche molto prima), all’interno di una casa che se un tempo era libertà ora diventa prigione.

Incroci Sentimentali risulta perciò un film da osservare con minuzia per coglierne le sfumature, e pone l’accento sui problemi di coppia, incorniciati dall’incomprensione di due persone che, seppur si amino, non riescono a trovare un equilibrio. L’invadenza della mdp è solo un’escamotage per portare la fruizione ai massimi livelli di empatia e identificazione, con lo scopo di esporre uno spaccato di realtà, quella coniugale, che sempre più spesso si frantuma influenzato da tentazioni esterne.