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The Beauty: guida al cast e ai personaggi

The Beauty: guida al cast e ai personaggi

Il nuovo drama televisivo body horror di Ryan Murphy, The Beauty (qui la nostra recensione dei primi due episodi), è arrivato su Disney+, ottenendo apprezzamenti cauti dalla critica e paragoni piuttosto riduttivi con il film The Substance. Raccontando gli effetti disastrosi di una superdroga biologica progettata per rendere le persone più attraenti, la serie presenta diverse star di Hollywood celebrate per la loro bellezza.

In The Beauty c’è un notevole dispiego di talento, con alcune star che offrono le loro migliori interpretazioni degli ultimi anni. Inoltre, dato che al momento non abbiamo ancora visto tutta la serie, alcune delle sue star più importanti non sono ancora apparse.

L’intervista al cast di The Beauty

Allo stesso tempo, trattandosi di un drama che ruota attorno a terrificanti mutazioni corporee che rendono irriconoscibili diversi personaggi, una delle protagoniste è destinata a scomparire dalla serie, con un suo ritorno in una fase successiva tutt’altro che certo. In ogni caso, il body horror di The Beauty sembra destinato a cambiare per sempre il genere televisivo.

Evan Peters nel ruolo di Cooper Madsen

Attore: collaboratore storico di Ryan Murphy, Evan Peters è noto soprattutto per i suoi ruoli televisivi nella serie antologica American Horror Story. Gli appassionati di supereroi e fantascienza potrebbero però conoscerlo meglio per il grande schermo, dove ha interpretato Peter Maximoff negli X-Men o il dirigente ENCOM Julian Dillinger nel film del 2025 Tron: Ares.

Personaggio: protagonista principale di The Beauty, Cooper Madsen è un agente dell’FBI incaricato di indagare su una serie di morti violente collegate alla superdroga che dà il titolo alla serie. Con un addestramento da Navy SEAL, Madsen è l’eroe d’azione perfetto per questo caso, che nei primi episodi sfugge rapidamente a ogni controllo.

Anthony Ramos nel ruolo di Antonio / L’Assassino

Attore: Anthony Ramos è il protagonista di Twisters e dei suoi possibili sequel, ma ha ottenuto la sua grande occasione come attore interpretando Mars Blackmon nell’adattamento televisivo di Spike Lee del suo film She’s Gotta Have It. È noto anche per aver doppiato Mr. Piranha nel film animato The Bad Guys e per essere stato il personaggio centrale di Transformers: Rise of the Beasts.

Personaggio: finora il personaggio più incisivo di The Beauty, Antonio è il killer assoldato dalla corporation che produce la droga protagonista della serie, la cui personalità è da tempo soccombuta agli effetti collaterali della sostanza. Ramos sembra divertirsi enormemente a interpretare questo spietato assassino dal sorriso minacciosamente malevolo.

Jeremy Pope nel ruolo di Jeremy

Attore: The Beauty è solo il sesto ruolo di rilievo negli otto anni di carriera sullo schermo di Jeremy Pope. Prima di questa serie, le sue apparizioni più importanti sono state nella miniserie pseudo-storica Hollywood e in un ruolo di supporto come Jackie Wilson nel film One Night in Miami.

Personaggio: Pope compare appena nel trailer da record di The Beauty, ma è destinato a svolgere un ruolo centrale nella serie, nei panni dell’outsider qualunque che finisce per assumere la superdroga biologica che dà il titolo allo show. Un uomo comune che crede di aver fatto bingo diventando un partecipante a una sperimentazione farmaceutica, Jeremy è il nostro punto di vista su questo mondo distorto di bellezza letale.

Rebecca Hall nel ruolo di Jordan Bennett

Attore: attrice inglese con una solida tradizione familiare nel settore, Rebecca Hall si è fatta conoscere alla fine degli anni Duemila grazie a Vicky Cristina Barcelona e Frost/Nixon. In seguito ha recitato nel thriller di successo The Town, nella serie sci-fi soprannaturale di Prime Video Tales from the Loop e nei film Godzilla x Kong di Adam Wingard.

Personaggio: Jordan Bennett è l’agente dell’FBI che affianca Cooper Madsen nell’indagine federale della serie. Il ruolo di Hall in The Beauty viene di fatto “ricastato” a metà stagione, quando Jordan viene infettata dai sintomi della superdroga della bellezza e subisce una trasformazione fisica.

Ashton Kutcher nel ruolo di Byron Forst / La Corporation

Attore: la star più famosa di The Beauty, Ashton Kutcher, si è imposto come attore comico e da sitcom grazie a That ’70s Show, al film demenziale Dude, Where’s My Car? e a Punk’d, il suo programma con telecamere nascoste per MTV. Dalla metà degli anni Duemila ha ampliato il suo raggio d’azione con ruoli più drammatici al cinema, oltre a sostituire Charlie Sheen in Due uomini e mezzo.

Personaggio: la divertentissima interpretazione di Kutcher nei panni del viziato machiavellico aziendale Byron Forst è ciò che inizialmente distingue The Beauty da The Substance, il film body horror del 2024 di Coralie Fargeat. Forst è il finanziatore e il responsabile marketing della pericolosa superdroga biologica al centro della storia, completamente indifferente alla sua estrema pericolosità.

Isabella Rossellini nel ruolo di Franny Forst

Attore: autentica leggenda di Hollywood, il cui ruolo di supporto è una delle principali attrazioni di The Beauty, Isabella Rossellini ha recentemente contribuito al successo della terza stagione di Jurassic World: Chaos Theory, la più vista della serie. Ha costruito la sua carriera rubando la scena sul grande schermo, in particolare nel capolavoro di David Lynch Velluto blu.

Personaggio: Franny Forst è la moglie separata e amareggiata di Byron, che nutre solo disprezzo per il marito e i suoi esperimenti genetici. L’inaspettato casting della Rossellini in questo ruolo è un colpo di genio che richiama il suo personaggio nel film del 1992 La morte ti fa bella.

Cast di supporto e personaggi di The Beauty

  • Chanel Stewart nel ruolo di Claire — la consumatrice di The Beauty che inizialmente diffonde la pericolosa mutazione della droga.
  • Bella Hadid nel ruolo di Ruby — una supermodella all’apice della carriera.
  • Jaquel Spivey nel ruolo di Jeremy — la versione del personaggio di Jeremy Pope prima della trasformazione.
  • Jessica Alexander nel ruolo di Jordan Bennett — la versione del personaggio di Rebecca Hall dopo la trasformazione.
  • Rob Yang nel ruolo di un genetista — lo scienziato chiave dietro la superdroga biologica di Byron Forst.
  • John Carroll Lynch nel ruolo di Meyer — il capo dell’FBI a cui Cooper e Jordan fanno rapporto.
  • Meghan Trainor nel ruolo di Brittany — una pedina aziendale che gestisce le pubbliche relazioni di una modella-cliente che assume la droga che migliora l’aspetto fisico chiamata The Beauty.

Free Bert, spiegazione del finale: cosa accade al protagonista?

Free Bert, spiegazione del finale: cosa accade al protagonista?

La serie comica di Netflix Free Bert (2026) segue il comico Bert Kreischer, che interpreta una versione esasperata di sé stesso, raccontando una storia di scoperta personale tanto quanto di umorismo. Piuttosto che basarsi su battute isolate in una serie di sei episodi, lo show si concentra sulla crescita di Bert come uomo, padre e marito.

La serie esplora la tensione tra la sua immagine pubblica – il comico senza maglietta amante delle feste – e il suo desiderio privato di essere un padre e un marito migliori. Affronta inoltre le dinamiche familiari, la presa di coscienza della mezza età e le conseguenze di una vita vissuta in parte per la performance e non per la sostanza. Il percorso di Bert è reso ancora più complesso dal rapporto con la moglie Lee Ann e con le figlie Georgia e Ila. Seguono spoiler, quindi si consiglia di guardare prima la serie per evitare sorprese.

Free Bert (2026) – Recap:

La serie si apre con Bert che riceve un invito alla festa di compleanno di Rob Lowe, con una condizione ben precisa: deve togliersi la maglietta. Questo è da sempre il marchio di fabbrica di Bert, simbolo della sua immagine spensierata e festaiola, ma l’episodio lo porta a rendersi conto di essere visto solo attraverso questa persona superficiale. L’interazione lo costringe a riflettere sulla necessità di essere più presente per la sua famiglia.

La moglie Lee Ann e la figlia maggiore Georgia guardano con scetticismo il suo improvviso interesse per le questioni familiari, dato che Bert ha una lunga storia di buone intenzioni accompagnate da risultati disastrosi. La figlia più piccola, Ila, che ha un disturbo dell’apprendimento e un umorismo tagliente, è invece più favorevole e in parte è proprio grazie a lei che la famiglia ha iscritto Georgia a una scuola privata con un programma per disturbi dell’apprendimento.

Bert inizia a coinvolgersi attivamente nella vita delle figlie. A scuola, si accorge che Georgia è isolata e che i ragazzi più popolari, in particolare Kiersten Vanderthal e il suo fidanzato Zach, dominano la scena sociale. Bert tenta di aumentare la popolarità di Georgia raccontando una storia su di lei in un podcast, ma l’iniziativa si ritorce contro di lui quando Kiersten condivide la clip online, lasciando Georgia imbarazzata e bersaglio di prese in giro.

Bert cerca di limitare i danni organizzando un incontro tra genitori, ma i genitori di Kiersten, Landon e Chanel, si rifiutano di assumersi qualsiasi responsabilità e la preside prende le loro parti. Umiliato, Bert sfoga la propria frustrazione sul palco in una serie di equivoci comici; l’esibizione viene registrata e diventa virale, peggiorando ulteriormente la situazione.

Nel frattempo, Bert teme che l’interesse di Zac per Georgia possa portarla a perdere la verginità. Chiede quindi aiuto a Lee Ann per intervenire e trova Zac da solo nello spogliatoio. Uno psicoterapeuta scolastico, il dottor Jeff, interviene per evitare che Bert si cacci in altri guai e gli dà consigli su come moderare il proprio comportamento, che Bert prende sul serio. Si infila la camicia nei pantaloni e parla con il padre di Zac, Randy, venendo a conoscenza dell’imminente intervento chirurgico allo scroto del ragazzo. Questo rassicura Bert sulla sicurezza di Georgia e lo porta a permetterle di frequentare Zac, anche se il fatto che lui poi la “ghosti” crea una nuova sfida per Bert.

Bert lavora per reinserire Zac nella vita di Georgia partecipando a una festa organizzata dai Vanderthal, dove deve destreggiarsi tra dinamiche sociali complesse. Riesce a conquistare Randy, mentre Lee Ann fatica a entrare in sintonia con Chanel. Bert convince Zac a trascorrere del tempo con Georgia e inizia a far parte del gruppo maschile dei padri, che comprende Randy, Landon e Glen. Questo gruppo, fondato sulla complicità, è anche una forma di evasione, e Bert comincia ad apprezzare la convalida e l’accettazione che gli offre. Riceve persino un’offerta per entrare nel consiglio scolastico, con la possibilità di influenzare le decisioni riguardanti i vari dipartimenti della scuola.

Bert riesce a conciliare la vita familiare?

L’ascesa di Bert nella gerarchia sociale viene minacciata quando Kiersten scopre il suo ruolo nella manipolazione di Zac e del voto del consiglio scolastico. Sfruttando la conoscenza dell’intervento chirurgico di Zac, lo ricatta affinché la proclami Mister e Miss Berkleage. Inizialmente Bert accetta, giustificando questa decisione poco etica come necessaria per proteggere la propria posizione e la sua famiglia.

Landon scopre la fuga di notizie e ricatta a sua volta Bert, alzando ulteriormente la posta in gioco. Bert si rende conto di aver messo in pericolo il dipartimento per i disturbi dell’apprendimento, fondamentale per l’istruzione di Ila. Questo rappresenta un punto di svolta, costringendolo ad affrontare le conseguenze di aver anteposto lo status sociale alla famiglia.

La spiegazione del finale di Free Bert

Il finale si concentra sulla riconquista dell’identità di Bert e sulla scelta di fare la cosa giusta per la sua famiglia. Rendendosi conto che le sue azioni hanno messo a rischio il dipartimento LD e danneggiato direttamente la figlia minore, Bert decide di essere onesto. Rivela pubblicamente di essere stato ricattato, rende nota l’operazione di Zac e ammette di aver manipolato il voto del consiglio scolastico.

La verità sconvolge Landon e le autorità scolastiche. Viene chiamata la sicurezza, ma Bert trova sostegno nella sua famiglia, con Lee Ann e le figlie che gli restano accanto. In modo inaspettato, anche Randy, Glen e altri genitori mostrano solidarietà togliendosi la maglietta, un gesto comico ma sentito a sostegno dell’onestà e del coraggio di Bert.

Georgia e Zac si riconciliano, dimostrando che l’interferenza di Bert ha finito per proteggere il benessere della figlia. Kiersten vince comunque il titolo di Miss Berkleage, ma l’esito resta equo per gli studenti. La serie si conclude con Bert che riceve una misteriosa carta da un uomo di nome Gene, suggerendo possibili sviluppi futuri in caso di una seconda stagione. L’arco narrativo di Bert si completa quando abbraccia la sua natura autentica – il comico rozzo e senza maglietta – riuscendo però allo stesso tempo a proteggere e rafforzare il legame con la sua famiglia. Il finale sottolinea i temi della responsabilità, della crescita personale e dell’equilibrio tra immagine pubblica e doveri privati.

Il percorso di Bert in Free Bert dimostra che anche personalità imperfette e caotiche possono cambiare quando si trovano ad affrontare sfide etiche e la necessità di proteggere le persone amate. Tornando a essere sé stesso e assumendosi le proprie responsabilità, Bert conquista sia il rispetto degli altri sia una più profonda realizzazione personale, aprendo la strada a potenziali nuove avventure nella serie.

Avengers: Secret Wars, un rumor suggerisce piani per il ritorno dell’iconico villain di Infinity War

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Josh Brolin ha interpretato per la prima volta Thanos nell’MCU nel film Guardiani della Galassia del 2014, sostituendo Damion Poitier, che aveva interpretato il Titano Pazzo nella scena post-crediti di The Avengers. Il cattivo è poi diventato protagonista in Avengers: Infinity War, ed è stato in molti modi il personaggio principale del film. Decapitato da Thor nei primi minuti di Avengers: Endgame, il cattivo è poi tornato nella sua versione del 2014 per assediare gli eroi più potenti della Terra.

La storia di Thanos è finita quando Iron Man lo ha fatto scomparire, anche se What If…? ci ha mostrato che ha ancora molte varianti sparse nel multiverso. Re Thanos verrà introdotto come parte di una prossima attrazione di Disneyland, ma che ne sarà di Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars? Da tempo circolano voci sul ritorno di Thanos nell’MCU e Daniel Richtman suggerisce che Brolin riprenderà effettivamente il ruolo nel secondo dei prossimi due film dedicati agli Avengers e previsto per il 2027.

Con un po’ di fortuna, questo significa che i fratelli Russo intendono ricreare quella scena iconica di Avengers: Secret Wars di Jonathan Hickman ed Esad Ribic, in cui Dottor Destino strappa senza sforzo la spina dorsale del Titano Pazzo. Sarebbe un modo incredibile per affermare Victor Von Doom come una minaccia inarrestabile, ed è un momento molto specifico dei fumetti che i fan hanno chiaramente espresso il desiderio di vedere sullo schermo. È anche qualcosa che la Marvel Studios ha già accennato.

The Last of Us – Stagione 3: Kaitlyn Dever informa il pubblico sullo stato dei lavori

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Kaitlyn Dever ha appena rivelato un importante aggiornamento sulle riprese di The Last of Us stagione 3. Questa dichiarazione arriva dopo la recente notizia che il personaggio di Manny verrà riassegnato dopo l’abbandono di Danny Ramirez per un problema di programmazione.

Non è l’unica persona coinvolta nella serie post-apocalittica di successo ad abbandonare la serie. Anche il co-showrunner Neil Druckmann (che ha anche co-creato il videogioco) e la produttrice esecutiva/sceneggiatrice Halley Gross si sono dimessi, sebbene quest’ultima sia ancora indicata come produttrice esecutiva.

Lo show deve continuare, ovviamente, e Kaitlyn Dever ha ammesso di essersi “preparata mentalmente e fisicamente” per girare The Last of Us – stagione 3. Tra un paio di giorni si recherà nella Columbia Britannica, dove viene girata la serie, per “iniziare ufficialmente i preparativi lì”. Ecco cosa ha detto:

“Mi sto preparando mentalmente e fisicamente in questo momento. Tra un paio di giorni, in realtà, andrò lì per iniziare i preparativi. Sono così emozionata di assumere un ruolo molto più importante nella stagione.”

L’attrice ha aggiunto di essere “emozionata” che il suo personaggio, Abby, avrà un “ruolo molto più importante” nella prossima stagione. Dopo le prime due stagioni incentrate principalmente su Joel Miller (Pedro Pascal) ed Ellie (Bella Ramsey), la terza stagione sposterà l’attenzione su Abby, che ha ucciso Joel come parte del suo piano di vendetta dopo la morte del padre.

Leggi anche – The Last of Us 3: Bella Ramsey condivide un aggiornamento chiave sulla produzione

La seconda stagione di The Last of Us si è conclusa con un episodio flashback per mostrare il “Giorno 1” del viaggio di Abby. Questo “cambio di prospettiva” sarà qualcosa che i fan “apprezzeranno molto“, secondo Dever, poiché finalmente scopriranno il contesto di tutte le decisioni di Abby nella seconda stagione. “Sono molto emozionata che i fan lo vedano“, ha aggiunto.

“Penso che ai fan piacerà molto, il cambio di prospettiva su Abby, l’approfondimento della sua trama e il ritorno al passato con questa stagione. Quindi, sono molto emozionata che i fan lo vedano.”

Sebbene non sia ancora stata annunciata una data di debutto per The Last of Us – stagione 3, il 2027 sembra il periodo più probabile, considerando che le riprese non sono ancora iniziate. C’è stato un intervallo di due anni tra le prime due stagioni, il che rende il 2027 l’anno più probabile per la trasmissione del prossimo capitolo da parte di HBO.

Oltre al cliffhanger del “Giorno 1” con Abby, il finale della seconda stagione di The Last of Us includeva anche uno sparo seguito da un passaggio al nero, lasciando gli spettatori all’oscuro se Ellie fosse rimasta ferita o uccisa. Con la terza stagione che torna per raccontare la storia di Abby, non è chiaro quando verrà risolto il cliffhanger dello sparo.

The Last of Us, che descrive una società devastata dagli zombie a seguito di un’infezione di massa senza precedenti, vede protagonisti Ramsey, Dever, Gabriel Luna, Isabela Merced e Young Mazino. Nella seconda stagione, Ramirez ha interpretato Manny, anche se il suo sostituto non è ancora stato annunciato.

La serie TV è basata sul videogioco The Last of Us di Druckmann e Bruce Straley, acclamato dalla critica e da record, uscito per la prima volta nel 2013. Il sequel, The Last of Us Part II, è uscito nel 2020.

L’adattamento HBO di The Last of Us ha ricevuto recensioni estremamente positive dalla critica, con un punteggio del 94% su Rotten Tomatoes. La serie ha anche ottenuto numerosi premi e nomination, tra cui agli Emmy, ai Golden Globe e ai Critics’ Choice Awards.

Run Away, la spiegazione del finale: cosa accade a Simon alla fine?

Run Away segue Simon Greene (James Nesbitt), un padre devoto che intraprende una missione per ritrovare la figlia adolescente, Paige (Ellie de Lange), dopo la sua misteriosa scomparsa. Ma la sua ricerca lo conduce presto lungo un percorso sempre più oscuro, mentre si imbatte in segreti capaci di distruggere per sempre la sua famiglia, fino a culminare in un finale drammatico.

Il penultimo capitolo vede Simon trovarsi faccia a faccia con la membro della setta omicida Dee-Dee (Maeve Courtier-Lilley) e Ash (Jon Pointing) in una sparatoria estremamente pericolosa.

Quando la polvere si posa, Ash è morto, Simon è stato colpito da un proiettile e Dee-Dee è stata gettata giù da un balcone da un altro membro di Shining Haven, mentre il coinvolgimento e la sorte di Paige restano un mistero.

Vuoi sapere cosa è successo dopo? Continua a leggere per un riepilogo del finale della serie, insieme alle riflessioni di Nesbitt e dell’icona di Gavin & Stacey Ruth Jones, che in Run Away interpreta l’investigatrice privata Elena Ravenscroft.

Il finale di Run Away spiegato: cosa succede a Simon?

Mentre viene trasportato d’urgenza in ospedale, Simon chiede ai paramedici di riferire al detective Fagbenle (Alfred Enoch) di avere una pista su Paige. Vediamo quindi Fagbenle e la sua squadra fare irruzione a Shining Haven, dove risiedono i membri del Faro della Verità Splendente (The Beacon of the Shining Truth). Purtroppo non trovano Paige, ma rintracciano il leader della setta, Casper Vartage.

Al centro di numerose accuse di abuso e sospettato di diverse sparizioni, Fagbenle è determinato ad arrestarlo, anche se inizialmente non riescono a trovarlo. Alla fine Fagbenle lo scova mentre si nasconde, proprio mentre sta per ingerire una pillola letale per evitare il carcere per i suoi crimini. Fortunatamente, Fagbenle lo affronta appena in tempo e lo arresta.

Andando a trovare Simon in ospedale, Fagbenle riesce a collegare i fili di questa complessa rete di persone. Gli spiega che Aaron era in realtà nato all’interno della setta, così come i suoi numerosi fratellastri, tutti adottati illegalmente e generati da Vartage. Vartage li riteneva non divini e, sapendo che i fratelli si erano ritrovati, aveva assoldato un sicario per ucciderli tutti. Come già sapevamo, aveva incaricato Dee-Dee e Ash di portare a termine il lavoro.

Per quanto riguarda la donna misteriosa che ha di fatto salvato la vita a Simon uccidendo Dee-Dee, Fagbenle lo esorta a informarlo nel caso la riveda. Simon promette di farlo, ma in un flashback scopriamo che in realtà lei era andata a trovarlo la sera precedente.

Conosciuta come Madre Adiona, racconta a Simon il lungo periodo trascorso nella Verità Splendente. Dice che quando ebbe un figlio le fu detto che sarebbe diventato il prossimo leader, ma quando ne ebbe un altro, Vartage le ordinò di rinunciarvi. L’anno prima aveva provato a rintracciarlo tramite un sito di DNA, riuscendo a trovarlo e a incontrarlo. Venuta però a conoscenza del piano per uccidere tutti i fratelli più giovani, non poteva restare a guardare. Ringrazia Simon per non aver detto alla polizia che era stata lei a uccidere Dee-Dee, ma non ha buone notizie per lui: non sa se Paige si trovi davvero a Shining Haven oppure no.

Nel corso dei mesi, in una sequenza di montaggio, vediamo Simon ristabilirsi completamente e determinato a rintracciare Paige, girando per la città con la sua foto e parlando con sconosciuti. In questo periodo scopriamo che Fagbenle ha purtroppo trovato Elena sepolta nei boschi e informa Lou (Annette Badland) e Simon della tragica notizia. Un giorno, però, quando Simon va a trovare Ingrid (Minnie Driver) in ospedale, scorge una figura familiare: Paige.

Ellie de Lange è Paige in Run Away. Netflix

Cosa è successo a Paige ed è stata ritrovata?

Si scopre che Paige è rimasta in riabilitazione per tutto questo tempo e, senza accesso al telefono o a internet, non era a conoscenza di quanto accaduto finché la sua consulente non le ha parlato di Ingrid. Appena appresa la notizia, è corsa in ospedale per vedere la madre, ma spiega a Simon che, essendo sobria da un mese, l’ambiente ospedaliero rappresenta per lei un fattore scatenante per una possibile ricaduta.

Paige racconta poi di aver trovato Aaron morto nel loro appartamento e di non aver saputo cosa fare, poiché sembrava potesse essere stata lei la responsabile. Dice di essersi nascosta e poi di essere andata in riabilitazione, ma quando Simon le chiede come facesse a sapere dove andare, lei ammette di esserci già stata in passato. Stava andando bene finché Aaron non aveva fatto irruzione nella struttura, iniettandole droghe mentre dormiva, costringendola a lasciare il centro con lui il giorno successivo.

Alla fine Paige confessa che era stata Ingrid a portarla in riabilitazione, spiegandole che anche lei ci era stata da giovane. Simon non sapeva nulla di tutto ciò, ma insiste per riportare Paige il giorno seguente.

Chi è l’assassino in Run Away?

Quando arrivano sul posto, però, Simon affronta Paige riguardo ad alcune incongruenze nel suo racconto sulla notte in cui Aaron è stato ucciso. È chiaro che Dee-Dee e Ash stessero visitando il complesso per la prima volta quando hanno attaccato Simon e Cornelius; non sarebbe stato così se fossero già stati lì in precedenza per uccidere Aaron. Paige ammette di non riuscire a disintossicarsi con Aaron ancora in giro e di averlo quindi ucciso.

Simon non le crede e le chiede se fosse andata da Ingrid dopo che Aaron l’aveva picchiata. Ingrid le aveva detto di tornare in riabilitazione, ma quando Paige era rientrata nell’appartamento aveva trovato Aaron morto. Dopo aver dormito per giorni, era giunta alla conclusione che fosse stata in realtà Ingrid a uccidere Aaron per proteggere Paige. Simon ammette che non diranno a Ingrid di sapere la verità e che il segreto resterà tra loro due.

In seguito vediamo Ingrid risvegliarsi dal coma e la famiglia Greene ritrovare finalmente una parvenza di serenità. Simon partecipa al funerale di Elena, che viene sepolta accanto al marito Joel, e dopo il periodo in riabilitazione Paige torna a casa, riaccompagnata da Simon.

Durante una passeggiata al parco, Simon affronta Ingrid sull’omicidio di Aaron. Ingrid racconta di aver pianificato di ucciderlo dopo che Paige le aveva detto di essere stata picchiata. Dopo aver visto un servizio al telegiornale su un omicidio di gang, aveva deciso di far sembrare il delitto collegato a quell’episodio. Simon fatica a comprendere come Ingrid sia riuscita a tenere segreta la permanenza di Paige in riabilitazione, considerando che lui l’ha cercata disperatamente per mesi.

Ingrid ammette anche che non è successo nulla con il collega Jay e che lui era semplicemente il suo alibi per quella notte. Preoccupato per lei, Jay l’aveva seguita quella sera, ma Ingrid era riuscita a seminarlo e ad andare a uccidere Aaron. Uscendo dall’appartamento, però, aveva incontrato lo spacciatore locale Luther, che è la persona che le ha sparato mortalmente. Ora è chiaro che l’ha colpita perché, vedendola quella sera nel covo della droga, aveva pensato che fosse lì per uccidere anche loro.

Ingrid spiega di non aver detto nulla a Simon per proteggerlo, così che, se lei fosse stata arrestata, Simon sarebbe rimasto a prendersi cura dei loro figli. Promettono di non tenere più segreti e tutto sembra andare per il meglio. Finché Simon non ha un presentimento e si reca a casa della sorella di Ingrid, Yvonne, alla ricerca di vecchie fotografie. Ricorda un Natale in cui Ingrid si era arrabbiata quando Yvonne aveva iniziato a mostrare foto di una giovane Ingrid ai tempi della sua carriera da modella. Simon trova le immagini e una di esse cade a terra, facendolo restare di sasso.

James Nesbitt è Simon e Minnie Driver è Ingrid in Run Away. Netflix

Cosa scopre Simon su Ingrid?

Più tardi quello stesso giorno, Simon torna a casa e trova la famiglia che prepara il pranzo e si gode la reciproca compagnia. Vede Paige fuori in giardino che suona la chitarra e va a parlare con lei, chiedendole cosa provasse per Aaron.

Simon racconta a Paige di aver sempre trovato strano che, nell’appartamento di lei e Aaron, ci fossero due materassi singoli ai lati opposti della stanza invece di un letto matrimoniale condiviso. Le dice poi di essere andato a trovare Doug Mulzer per affrontarlo su ciò che aveva fatto a Paige. Doug gli aveva raccontato di essere stato a sua volta aggredito da un uomo con un passamontagna; Paige ammette che si trattava di Aaron. Doug, però, aveva riferito a Simon che, mentre Aaron lo picchiava, urlava: «Nessuno fa del male a mia sorella».

Paige stava anche usando un sito di genealogia per un progetto universitario e aveva scoperto che Aaron era il suo fratellastro, il che significava che Ingrid era la loro madre. Simon recupera la foto presa a casa di Yvonne e la consegna a Paige: ritrae una giovane Ingrid incinta, in piedi davanti al simbolo della Verità Splendente.

Paige racconta che Ingrid le aveva sempre detto di non essere mai andata a fare la modella all’estero da giovane, quando in realtà faceva parte di quella setta. Era rimasta incinta e aveva avuto un bambino, che credeva nato morto. Alla fine era riuscita a fuggire e ad andare in riabilitazione, la stessa struttura in cui aveva poi portato Paige. Paige spiega il vortice di emozioni provocato dalla scoperta che Aaron fosse suo fratello, chiarendo che era stato proprio lui a introdurla alla droga.

Paige dice di aver affrontato Ingrid riguardo al fatto di aver avuto un figlio prima di lei, ma Ingrid le aveva spiegato di aver sempre creduto che fosse nato morto. Nel pieno della sua dipendenza, Paige non le aveva creduto ed era ovviamente scappata. Ora deve fare i conti con il fatto di non solo aver spinto la madre a uccidere Aaron, ma che Aaron fosse in realtà suo figlio.

Paige dice a Simon che non potranno mai dire a Ingrid chi fosse davvero Aaron, perché la distruggerebbe. Simon non vuole più mantenere segreti, ma sembra capire che rivelare la verità a Ingrid avrebbe conseguenze devastanti.

Max: la storia vera dietro al film in Top 10 su Netflix

Max: la storia vera dietro al film in Top 10 su Netflix

Uscito più di 10 anni fa al cinema e ora di nuovo sotto i riflettori della top 10 di Netflix, Max è un film del 2015 diretto da Boaz Yakin e interpretato da Lauren GrahamRobbie Amell e basato su una storia vera.

Quella di Jon Tumilson. La sua storia è stata ricordata nella straziante scena in cui Max corre verso la bara del suo addestratore caduto e si sdraia davanti a essa per tutta la durata della cerimonia. Nella vita reale, Tumilson, un Navy SEAL, è stato uno dei 30 militari americani rimasti uccisi quando un elicottero Chinook è stato abbattuto in Afghanistan. Al suo funerale, il suo Labrador Retriever, Hawkeye, è stato fotografato disteso davanti alla bara. Da allora, una statua di bronzo è stata eretta in onore di Tumilson e Hawkeye a Rockford, Illinois.

La storia vera di Max

Torniamo ora al film. Dopo il funerale, Max, che soffre di PTSD, è stato congedato e mandato a vivere con la famiglia del suo addestratore e il loro giovane figlio. Questo si basa probabilmente sulla storia di Eli, il cui addestratore, il ventenne Colton Rusk, è stato ucciso dal fuoco dei cecchini talebani. Anche lui un Labrador Retriever (non un Pastore Belga Malinois come Max), Eli è stato portato a casa con la famiglia Rusk, dove ha trovato il dodicenne Brady, che ha subito legato con il cane.

“Ci distrae dalla tristezza per la perdita di Colton”, dice Kathy Rusk in un video della cerimonia in cui la famiglia incontra Eli, “il solo sapere che avremo un pezzettino di Colton in Eli. Avrei solo voluto che potesse parlare e raccontarci qualche storia. Sapere che potremo condividere l’amore che proviamo per nostro figlio con qualcosa che lui amava profondamente”.

Il film si prende qualche libertà e dà a queste storie commoventi un tocco hollywoodiano, ma è comunque un film avvincente che mostra l’incredibile addestramento, l’intelligenza e, soprattutto, la dedizione di questi cani militari.

Darkman, il celebre film horror di Sam Raimi con Liam Neeson, potrebbe finalmente avere un seguito

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Il film cult Darkman, il film di Sam Raimi con Liam Neeson, potrebbe finalmente avere un sequel a 36 anni dalla sua uscita. Raimi – da giovedì al cinema con Send Help ha infatti recentemente affrontato la possibilità di un seguito e ha confermato che sta lavorando alla realizzazione del film, ma ha avvertito che ci sono ancora alcuni ostacoli da superare. “Sì, la Ghost House Pictures, la società con cui lavoro, sta cercando di realizzare il sequel in questo momento”, ha detto Raimi. “Abbiamo una sceneggiatura e due grandi registi, ma stiamo ancora avendo qualche difficoltà con il finanziamento. È sempre così nel mondo del cinema”.

LEGGI ANCHE: Darkman: trama, cast e curiosità sul film di Sam Raimi

Raimi aveva aggiornato sullo stato del franchise di Darkman l’ultima volta nel 2022, quando ha indicato che la Universal era interessata a realizzare un nuovo sequel, ma sembrava sottintendere che non fosse ancora direttamente coinvolto nel progetto. “La Universal sta parlando di un sequel di Darkman”, ha rivelato in quell’occasione il regista. “C’è un produttore coinvolto. Non ho ancora sentito la trama né mi sono informato, sono stato molto impegnato con Doctor Strange. Ma penso che sia una buona idea”.

Di cosa parla Darkman?

Darkman è stato un successo inaspettato quando è uscito nel 1990, incassando 48,8 milioni di dollari con un budget dichiarato di 14 milioni. I critici hanno accolto con grande entusiasmo questo insolito film horror sui supereroi, portando il cult classico a un punteggio dell’80% su Rotten Tomatoes. Il film ha per protagonista un brillante scienziato, impegnato nella ricerca di una nuova pelle sintetica. Un gruppo di criminali penetra però nel suo laboratorio mandandolo in fiamme. Sopravvissuto, ma sfigurato orribilmente, l’uomo medita la vendetta ed assume una nuova identità proprio grazie alle sue scoperte scientifiche.

Il successo del film originale ha portato a due sequel direct-to-video, Darkman II: The Return of Durant e Darkman III: Die Darkman Die, ma Neeson non ha partecipato a nessuno dei due film, mentre Raimi ha ceduto la regia a Bradford May. Lo stesso Neeson ha discusso la possibilità di tornare per un nuovo sequel di Darkman, esprimendo un interesse deciso a riprendere il ruolo del dottor Peyton Westlake.

È una buona domanda”, ha detto l’attore in risposta a una domanda sul suo potenziale ritorno in un’intervista del 2022. “Sarei molto interessato a leggere la sceneggiatura. Molto”. Non resta a questo punto che scoprire se questo nuovo aggiornamento si rivelerà quello definitivo, portando così finalmente ad un vero e proprio film di quel cult uscito ormai quasi quarant’anni fa.

Il film live-action Dragon Trainer 2 inizia ufficialmente le riprese con un nuovo logo

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Le riprese del film live-action Dragon Trainer 2 sono ufficialmente iniziate. Il primo remake live-action della celebre trilogia animata è uscito nel 2025 (leggi qui la recensione), con Mason Thames nel ruolo di Hiccup, Nic Parker in quello di Astrid, Gerard Butler in quello di Stoick e Nick Frost in quello di Gobber. Il sequel, sempre in live-action, è stato confermato prima che il suo predecessore uscisse nelle sale, dove ha incassato 636,6 milioni di dollari in tutto il mondo, ottenendo un punteggio del 97% su Rotten Tomatoes. Al momento, l’11 giugno 2027 è la data di uscita del sequel.

Ora, il regista e sceneggiatore Dean DeBlois ha dunque condiviso un’immagine dietro le quinte (la si può vedere qui) che lo ritrae sorridente durante il primo giorno delle riprese principali di Dragon Trainer 2. Ha anche rivelato un nuovo look del logo del film, che può essere visto per la prima volta in rosso. La didascalia recita: “Di nuovo in sella! Primo giorno delle riprese principali di HTTYD2! L’avventura ha inizio……”.

Cosa sappiamo di Dragon Trainer 2

Thames, Parker, Butler e Frost sono tra i membri del cast che torneranno a interpretare i loro personaggi, insieme a Julian Dennison nei panni di Fishlegs, Bronwyn James nei panni di Ruffnut, Gabriel Howell nei panni di Snotlout e Harry Trevaldwyn nei panni di Tuffnut. Dopo molte speculazioni su chi avrebbe interpretato la madre di Hiccup, Valka, è stato annunciato che Cate Blanchett avrebbe interpretato il personaggio dopo averlo doppiato nel film d’animazione.

Un altro nuovo personaggio chiave che è stato scritturato è il malvagio Drago. Sarà interpretato da Ólafur Darri Ólafsson, che in precedenza ha doppiato Ragnar the Rock in Dragon Trainer – Il mondo nascosto, terzo film animato della serie. È stato anticipato che un nuovo personaggio di nome Eret sarà un’aggiunta significativa al prossimo adattamento, ma non è stato ancora confermato chi interpreterà questo personaggio.

Con le riprese ufficialmente iniziate, il sequel è sulla buona strada per rispettare la data di uscita nelle sale prevista per l’11 giugno 2027. Dragon Trainer 2 adatterà la storia dell’omonimo film d’animazione del 2014 e avrà l’opportunità di consolidare ulteriormente il successo commerciale e la risposta estremamente positiva del pubblico al primo capitolo live-action. Se anche questo secondo remake si rivelerà un buon successo economico, è estremamente probabile che la Universal punterà a completare la trilogia dando il via libera anche al remake del terzo film animato.

LEGGI ANCHE: Dragon Trainer: la spiegazione del finale e il paragone con l’originale animato

Il nuovo film di fantascienza di Ryan Gosling, Project Hail Mary, è il suo secondo film più lungo di sempre

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Ryan Gosling sta per battere il suo record personale, il che è anche un avvertimento per chi ha intenzione di andare a vedere il suo prossimo film. Project Hail Mary, basato sull’omonimo romanzo di Andy Weir, è diretto da Phil Lord e Christopher Miller, vede Gosling nei panni di un astronauta solitario nello spazio che deve salvare il pianeta Terra. Weir è anche l’autore di The Martian, da cui è stato tratto il film di Ridley Scott.

Su X il regista Phil Lord h confermato che Project Hail Mary dura 2 ore e 36 minuti, rendendolo il secondo film più lungo di Gosling fino ad oggi (si può vedere qui il post). Il record della sua carriera è detenuto da Blade Runner 2049 di Denis Villeneuve, con Gosling al fianco di Harrison Ford, che dura 2 ore e 43 minuti. Questo è anche considerato uno dei migliori film di Gosling.

Anche The Martian era un film lungo, della durata di 2 ore e 31 minuti, e il fatto che Project Hail Mary lo sia altrettanto sembra essere una conferma di quanto siano dettagliate le storie di fantascienza di Weir, che richiedono dunque questi tempi di proiezione. Non è impossibile per il pubblico impegnarsi in film più lunghi, come dimostrano Avatar: Fuoco e Cenere e Oppenheimer, nella storia recente, ma è necessario il giusto gancio.

L’ultimo film di Gosling uscito nelle sale è stato The Fall Guy del 2024, che è stato un flop, in parte a causa del suo budget stimato e gonfiato di 140 milioni di dollari. Prima di quello, Gosling ha recitato nel fenomeno globale Barbie, che ha incassato 1,4 miliardi di dollari in tutto il mondo, grazie a un fascino diverso da quello di Project Hail Mary o The Martian.

Variety riporta che il budget di Project Hail Mary è di 150 milioni di dollari, creando lo stesso ostacolo affrontato da The Fall Guy. Secondo la regola empirica secondo cui un film deve incassare 2,5 volte il suo budget per andare in pareggio, il nuovo film dell’attore dovrebbe puntare probabilmente a circa 400 milioni di dollari e potrebbe ancora raggiungerli, dato che The Martian ha incassato 630 milioni di dollari, anche se 10 anni fa.

Gosling è anche previsto nel cast di un altro promettente blockbuster, Star Wars: Starfighter, che uscirà nel maggio 2027. Ci saranno quindi diverse occasioni per vedere quale potere al botteghino ha oggi la star di La La Land. Project Hail Mary ha inoltre una classificazione PG-13, quindi non allontana il pubblico che non andrebbe a vedere un film classificato R, ma richiede comunque la disponibilità a sedersi in sala per un tempo più lungo del solito.

La trama di L’ultima missione: Project Hail Mary

L’insegnante di scienze Ryland Grace (Ryan Gosling) si sveglia su un’astronave lontano da casa anni luce e senza alcun ricordo di chi sia o di come sia arrivato lì. Con il riaffiorare della sua memoria, torna alla luce lo scopo della sua missione: risolvere l’enigma della misteriosa sostanza che sta causando il collasso del Sole. Dovrà fare affidamento sia sulle sue conoscenze scientifiche che sulle sue capacità di pensare fuori dagli schemi per salvare dall’estinzione la vita sulla Terra… ma un’inaspettata amicizia gli farà capire che non è solo in questa impresa.

Channing Tatum parla del ritorno di Chris Evans nei panni di Capitan America in Avengers: Doomsday

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Il ritorno di Chris Evans in Avengers: Doomsday è stato affrontato da un altro membro del Marvel Cinematic Universe, dopo che la presenza dell’attore è stata finalmente rivelata. L’ultima apparizione di Evans nella serie è stata in uno dei migliori film dell’MCU, Deadpool & Wolverine del 2024. Tuttavia, in quell’occasione l’attore ha interpretato una versione di Johnny Storm dei Fantastici Quattro, non Capitan America, continuando la sua carriera Marvel pre-MCU.

Per anni si è vociferato che Evans sarebbe tornato nei progetti dell’MCU nei panni di Steve Rogers, con notizie che sostenevano che l’attore avesse firmato per tornare nell’MCU già nel 2021. Tuttavia, Evans ha smentito con veemenza le voci e le notizie ogni volta che gli è stato chiesto. Recentemente però, un primo teaser trailer di Avengers: Doomsday ha confermato il ruolo di Evans in Avengers: Doomsday.

Ora, parlando con E! News, l’interprete di Gambit, Channing Tatum, ha evitato una domanda sul ritorno di Chris Evans nei panni di Capitan America. Alla domanda sul ritorno dell’attore, Tatum ha infatti risposto: “Non so di cosa stai parlando”. Anche se è stato rivelato che Evans apparirà nel prossimo film Marvel, sembra che le star del franchise abbiano ancora paura di rivelare potenziali spoiler su uno dei film più importanti dell’MCU. Tatum ha aggiunto: “Se dicessi qualcosa in più, ci sarà qualcuno che mi metterà un sacco nero sulla testa e mi butterà in macchina”.

Il ritorno di Evans, come anticipato, stato confermato dal primo teaser di Avengers: Doomsday, uscito nelle sale insieme ad Avatar: Fuoco e Cenere. Il filmato mostrava Steve Rogers nella stessa casa in cui era stato visto l’ultima volta ballare con Peggy Carter, interpretata da Hayley Atwell, in Avengers: Endgame. Steve viene mostrato mentre ripone la sua tuta di Capitan America in una scatola, con il trailer che rivela che lui e Peggy hanno avuto un bambino. Non resta a questo punto che scoprire cosa gli accadrà.

@enews

Channing Tatum is keeping his lips sealed when it comes to those Chris Evans “Avengers: Doomsday” rumors. 👀

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Cosa sappiamo di Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars arriveranno in sala rispettivamente il 18 dicembre 2026, e il 17 dicembre 2027. Entrambi i film saranno diretti da Joe e Anthony Russo, che tornano anche nel MCU dopo aver diretto Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame.

La sinossi ufficiale conferma il ritorno di Robert Downey Jr. all’interno dell’universo Marvel, questa volta nel ruolo di Doom. La trama resta però al momento sotto riserbo. Stephen McFeely e Michael Waldron risultano accreditati come sceneggiatori.

Il cast di Avengers: Doomsday è stato rivelato per la prima volta durante una diretta streaming a sorpresa della Marvel Studios, in cui diverse sedie hanno svelato il ritorno di numerosi attori. Una delle grandi novità è il ritorno di diversi attori degli X-Men dell’era Fox-Marvel.

Sono confermati nel cast del film (per ora): Paul Rudd (Ant-Man), Simu Liu (Shang-Chi), Tom Hiddleston (Loki), Lewis Pullman (Bob/Sentry), Florence Pugh (Yelena), Danny Ramirez (Falcon), Ian McKellen (Magneto), Sebastian Stan (Bucky), Winston Duke (M’Baku), Chris Hemsworth (Thor), Kelsey Grammer Bestia), James Marsden (Ciclope), Channing Tatum (Gambit), Wyatt Russell (U.S. Agent), Vanessa Kirby (Sue Storm), Rebecca Romijn (Mystica), Patrick Stewart (Professor X), Alan Cumming (Nightcrawler), Letitia Wright (Black Panther), Tenoch Huerta Mejia (Namor), Pedro Pascal (Reed Richards), Hannah John-Kamen (Ghost), Joseph Quinn (Johnny Storm), David Harbour (Red Guardian), Robert Downey Jr. (Dottor Destino), Ebon Moss-Bachrach (La Cosa), Anthony Mackie (Captain America) e Chris Evans (Captain America).

Ben – Rabbia Animale: lo scimpanzé assassino è davvero spaventoso per un motivo importante

Il regista Johannes Roberts non si è risparmiato con il suo nuovo horror Ben – Rabbia Animale, ma il vero motivo per cui il film ha un punteggio piuttosto alto su Rotten Tomatoes è l’animale al centro della storia. Il contesto per il film intriso di sangue della Paramount è abbastanza semplice: una famiglia ha uno scimpanzé intelligente che si scatena in una strage dopo essere stato infettato dalla rabbia.

Ma a differenza del film di Roberts del 2017 sullo squalo assassino 47 Metri o persino di un classico come Cujo, c’è qualcosa di profondamente inquietante in un animale intelligente con qualità umane che si scatena in una situazione disperata rispetto a una creatura più semplice. Il regista lo capisce chiaramente, e la caratterizzazione di Ben nel film è in gran parte ciò che lo rende tanto legittimamente spaventoso.

In Ben – Rabbia Animale, lo scimpanzé diventa più intelligente e apparentemente più malvagio

Il primate usa l’infezione da rabbia come catalizzatore per la carneficina, ma dato che è così rara nelle grandi scimmie, Roberts ha avuto un certo margine di manovra nel modo in cui è riuscito a renderla presente in Ben. Si è certamente preso qualche libertà creativa, ma è questo che ha reso Ben un animale assassino così spaventoso.

Ben non si limita a scatenarsi come la maggior parte degli animali rabbiosi: diventa più calcolatore, più intelligente e più vendicativo. In certi momenti, prende persino in giro le sue vittime, tormentandole con la sua tavoletta vocale dopo averne gettata una da un dirupo e averla uccisa. Gli scimpanzé hanno volti espressivi, tanto per cominciare, e Miguel Torres Umba, l’attore che indossa la tuta di Ben, fa un lavoro eccezionale nel comunicare autentica cattiveria.

Ben - Rabbia AnimaleIn più occasioni, Ben gioca persino con le sue vittime. Dopo aver ucciso uno dei ragazzi strappandogli la mandibola (scena mostrata da Roberts con dettagli raccapriccianti e sanguinolenti), Ben gioca persino con il pezzo di mandibola spezzato, fingendo di usarlo come bocca mentre ride. A differenza di un animale impazzito, Ben si sente una creatura calcolatrice con un autentico carisma da slasher.

Ben – Rabbia Animale funziona perché abbraccia il genere B-Horror

Mentre quell’antropomorfizzazione alla Michael Myers rende Ben molto più intimidatorio della media delle scimmie, Roberts colpisce nel segno appoggiandosi completamente ai concetti dei film di serie B che il pubblico si aspetta. Giovani adulti eccitati che prendono decisioni stupide e incontrano la loro fine in modo sempre più macabro per mano di una scimmia assassina ultra-intelligente possono funzionare solo abbracciando questi tropi, e quasi tutto funziona nel microcsmo di Ben – Rabbia Animale.

Roberts arriva addirittura a dare a Ben un metodo caratteristico per uccidere le sue vittime, come se fosse uno slasher. Jason Voorhees ha il suo machete, Michael Myers ha il suo grande coltello da chef e Ben strappa le mascelle alle persone usando la sua forza naturale. Dopo aver dimostrato con grande efficacia come menzionato sopra, tenta di utilizzare la stessa tecnica per uccidere la protagonista del film, Lucy di Johnny Sequoyah.

Ben – Rabbia Animale arriva nelle sale italiane il 29 gennaio distribuito da Eagle Pictures.

Sulle ali dell’onore: la vera storia dietro il film

Sulle ali dell’onore: la vera storia dietro il film

Il film epico sulla guerra di Corea Sulle ali dell’onore è basato sulla storia vera del primo pilota afroamericano della Marina degli Stati Uniti, Jesse Brown (interpretato da Jonathan Majors), e del suo gregario Tom Hudner (Glen Powell). Il film è tratto dal romanzo del 2015 Devotion: An Epic Story of Heroism, Friendship, and Sacrifice di Adam Makos, che racconta la storia vera del cameratismo tra Jesse e Tom, ripercorrendo le esperienze dei due ufficiali della Marina durante la guerra di Corea. Il film è relativamente fedele alla storia vera, compresa la tragica morte di Jesse e gli sforzi di Tom per salvare il suo amico.

Cosa c’è di vero in Sulle ali dell’onore?

Jesse è stato il primo pilota di colore della Marina degli Stati Uniti

Sulle ali dell’onore è dedicato al percorso di Jesse come primo pilota di colore della Marina. Brown è stato vittima di razzismo e intolleranza durante tutta la sua carriera nella Marina. È stato il primo afroamericano a superare il programma di addestramento al volo della Marina e durante l’esame finale ha effettuato cinque atterraggi perfetti su una portaerei.

A soli 22 anni, è diventato un aviatore navale designato, diventando il primo afroamericano a ricevere le “ali d’oro” del distintivo di aviatore navale e anche il primo a volare in combattimento. Sembra che la sua famiglia abbia sempre riso e pensato che fosse uno scherzo quando Jesse diceva di voler diventare un pilota della Marina, ma lui ha presto dimostrato che tutti si sbagliavano quando ha realizzato quei sogni.

Jesse Brown si gridava insulti allo specchio

Una scena sorprendente in Sulle ali dell’onore vede Jesse Brown gridare epiteti razzisti a se stesso allo specchio dopo aver lottato per affrontare i vicini razzisti. Inoltre, Brown continua questo auto-abuso per motivarsi prima delle missioni. Secondo quanto riferito, questo è vero. Brown ha sopportato il razzismo sia nella sua vita professionale che in quella privata e ha ricorso all’insulto di se stesso per poter sopportare meglio questi attacchi. Nel libro di Makos, Jesse inizia a farlo quando è giovane e si trova davanti all’unico specchio della sua famiglia. Il libro non menziona se abbia continuato a ripetere questo comportamento durante il suo periodo in Marina, ma è altamente probabile.

Jonathan Majors in Sulle ali dell'onore
Jonathan Majors in Sulle ali dell’onore

Tom e Jesse hanno incontrato Elizabeth Taylor in Francia

Un’altra scena di Sulle ali dell’onore vede Jesse incontrare l’iconica star di Cleopatra, Elizabeth Taylor, su una spiaggia di Nizza, in Francia. Nel filmato, Jesse ottiene degli inviti per il resto della squadriglia per andare al casinò. Nella vita reale, Jesse e Tom hanno davvero incontrato la Taylor, che si trovava a Cannes per l’omonimo Festival del Cinema. Secondo quanto riferito, Brown l’ha incontrata mentre cenava al Carlton Hotel. Anche Hudner l’ha incontrata quattro giorni dopo, mentre era in visita a Leyte.

Non è noto se la Taylor li abbia invitati personalmente al casinò. Tuttavia, la Taylor era ben nota per il suo sostegno al personale militare degli Stati Uniti. L’USO le ha reso omaggio scrivendo: “Era profondamente appassionata nel sostenere le nostre truppe, visitando gli ospedali e intrattenendo i soldati con l’USO. Infatti, ha ricevuto l’USO Merit Award per tutti i suoi incredibili sforzi di volontariato”.

Nel film Tom ha rischiato la vita per salvare Jesse

Nel finale di Sulle ali dell’onore, l’aereo di Jesse Brown viene abbattuto da un artigliere antiaereo cinese ed è costretto ad effettuare un atterraggio di fortuna sulle montagne della Corea del Nord. Hudner vede che Brown è vivo ma intrappolato nella cabina di pilotaggio. Fa dunque schiantare intenzionalmente il suo aereo nella stessa radura per salvare il suo amico. Sebbene riesca a spegnere l’incendio, non è in grado di salvare Jesse dai rottami e Brown muore tristemente. Il modo in cui il film racconta la morte di Jesse e il tentativo di Hudner di salvarlo è completamente accurato.

In uno dei colpi di scena più tragici della vera storia, si ritiene che un artigliere nascosto nella neve abbia abbattuto l’aereo di Brown, che è precipitato in una valle. Ha tentato di liberarsi, ma senza successo. Tom Hudner ha fatto un atterraggio di fortuna con il suo aereo a soli 100 metri da quello di Brown e ha usato la neve per spegnere l’incendio del motore. Ha cercato disperatamente per 45 minuti di liberare Jesse dall’incidente, ma senza successo. Invece di essere sottoposto alla corte marziale per aver abbattuto il suo aereo, Hudner ha ricevuto la prima Medaglia d’Onore della Marina per la guerra di Corea.

Jonathan Majors e Glen Powell in Sulle ali dell'onore
Jonathan Majors e Glen Powell in Sulle ali dell’onore

La Marina inviò un “volo funebre” per Jesse Brown

In Sulle ali dell’onore, i superiori di Hudner sulla USS Leyte rifiutano la sua richiesta di inviare una squadra sul luogo dell’incidente di Brown per recuperare il corpo del suo amico. Il comandante della Leyte, il capitano Thomas Sisson (Dean Denton), ritiene che sia troppo rischioso recuperare il corpo di Jesse dall’area controllata dai cinesi. Invece, a Jesse Brown viene riservato un funerale da guerriero, in cui un V-32 distrugge i Corsair abbattuti con il suo corpo ancora all’interno.

Con alcune modifiche, questo era in linea con ciò che accadde nella storia vera che ha ispirato il film. Nella vita reale, la Marina inviò sette aerei da combattimento per il “volo funebre” di Jesse Brown. I sette aerei volarono in cerchio intorno al sito e poi sganciarono il napalm per avvolgere il corpo di Brown e gli aerei nelle fiamme. Mentre lo facevano, recitarono il Padre Nostro via radio e poi fecero oscillare le ali prima di andarsene, come ultimo saluto al loro compagno d’armi caduto.

Cosa c’è di falso in Sulle ali dell’onore?

Nella realtà Tom non ha preso parte ad una rissa

Il pilota della Marina Tom Hudner è venuto in difesa di Jesse più volte in Sulle ali dell’onore. Tuttavia, una scena in particolare non è tratta dalla realtà. Durante una licenza a terra a Nizza, in Francia, Hudner finisce in una rissa da ubriachi con un marine che in precedenza aveva molestato Jesse. Jesse gli dice di non combattere le sue battaglie al posto suo, ma solo di stargli vicino. Questa rissa non è mai avvenuta. Un incidente che potrebbe aver ispirato la scena è avvenuto in un hotel quando un cameriere si è rifiutato di servire Brown. Tom si è alzato e ha detto al resto del gruppo: “Andiamocene da qui”.

Jesse non disobbedì agli ordini di Tom

Durante una delle missioni di volo, Jesse disobbedisce agli ordini di Tom di ritirarsi e poi fa saltare in aria un ponte da solo. Dopo la fine della missione, quando entrambi sono al sicuro a terra, Tom elogia Jesse nel rapporto, ma Jesse gli dice che probabilmente verrà usato dai loro superiori razzisti per negargli la promozione nella Marina. Entrambi questi momenti sono fittizi, poiché non ci sono documenti che menzionino che Jesse Brown abbia fatto saltare un ponte e disobbedito a un ordine diretto, né che Tom Hudner abbia presentato un rapporto al riguardo.

Sebbene queste scene non siano autentiche al 100% rispetto alla vera storia, aiutano a stabilire gli aspetti più cruciali del perché il vero Jesse Brown sia importante per la storia della Marina. Sebbene siano fattualmente false, mettono in luce il razzismo che Jesse ha dovuto affrontare e come lo ha affrontato con puro eroismo e tenacia. Il fatto che Jesse abbia disobbedito a un ordine per portare a termine una missione e che Tom abbia presentato un rapporto accurato è coerente con i rispettivi personaggi. Questo è ciò che ha reso le scene autentiche anche se erano completamente inventate.

Jonathan Majors nel film Sulle ali dell'onore
Jonathan Majors nel film Sulle ali dell’onore

Daisy e Tom non si conoscevano

Nel film, Hudner e Brown fanno spesso carpooling, il che spinge Brown a presentare Hudner alla sua famiglia, compresa sua moglie Daisy (Christina Jackson). Prima di essere inviato nel Mediterraneo, Daisy implora Hudner di stare vicino a suo marito, e lui accetta. Nel finale di Sulle ali dell’onore, Tom incontra Daisy al funerale di Jesse e le chiede scusa per non essere riuscito a salvarlo. Daisy lo respinge e gli dice che gli aveva solo chiesto di stare vicino a Jesse, non di salvarlo.

Tom le racconta allora le ultime parole di Jesse, che riguardavano quanto amasse sua moglie. È una scena straziante, ma purtroppo non è vera. Nella storia vera, Tom non incontrò Daisy fino alla cerimonia di consegna della medaglia d’onore, e i due non fecero affatto carpooling. Fu piuttosto la collega pilota Carol Mohring (Nick Hargrove) a fare carpooling e a frequentare la famiglia Brown. Daisy era presente alla cerimonia di consegna della medaglia d’onore a Tom, dove incontrò Hudner.

L’unica volta che Tom l’aveva vista prima era da lontano, quando lei e Jesse si stavano salutando prima che lui salisse a bordo della Leyte. Questa è probabilmente la più grande differenza tra Sulle ali dell’onore e la vera storia di Jesse Brown, che per il resto segue abbastanza fedelmente le sue esperienze di vita reale come primo pilota di colore della Marina degli Stati Uniti.

I cambiamenti nella storia vera di Sulle ali dell’onore sono stati positivi?

Sebbene sia importante rimanere fedeli ai fatti quando si tratta di una storia importante come quella del primo pilota di colore della Marina, ci sono sempre dei cambiamenti necessari per renderla adatta al grande schermo. Tuttavia, la chiave è apportare queste modifiche in aree che si concentrano sui personaggi e non sugli eventi reali. Queste modifiche avvengono in momenti come quello in cui Tom finisce in una rissa da ubriaco mentre difende Jesse. È bello vedere questo dal punto di vista narrativo, e funziona meglio della storia reale in cui si dice semplicemente che volevano andarsene.

Tuttavia, queste modifiche si avvicinano un po’ troppo al cliché del salvatore bianco, che a volte rischia di affossare film come questo. Fortunatamente, si trattava di un momento caratteriale costruito nel corso del film e non è stato sufficiente a danneggiarne la reputazione. Un’altra modifica che ha contribuito a bilanciare la situazione è stata quella in cui Jesse ha disobbedito agli ordini per vincere una battaglia, solo per scoprire che avrebbe potuto perdere una possibile promozione. Anche se non è vero, questo ha rafforzato la trama della devozione di Jesse, che riesce ad avere successo nonostante il razzismo lo ostacoli.

E venne il giorno: la spiegazione del finale del film di M. Night Shyamalan

La narrazione visiva è uno strumento così potente che può suscitare risate, sentimenti e sensazioni di terrore nella mente del pubblico. Soprattutto quando si tratta di un film horror o thriller, può immergere un gruppo di spettatori in un’altalena di paura e suspense. M. Night Shyamalan è noto per la sua capacità di giocare con il terrore o la suspense attraverso la sua narrazione. Il sesto senso (1999) o Split (2016) sono alcuni dei film horror più notevoli e brillanti della sua carriera. Tra questi si colloca anche E venne il giorno (qui la recensione), del 2008, con protagonisti Mark Wahlberg e Zooey Deschanel.

La trama di E venne il giorno

La storia si svolge in una soleggiata mattina a Central Park, New York, dove un gruppo di persone viene colpito da un gas tossico rilasciato nell’aria dalle piante. Il gas velenoso influisce sulle capacità cognitive delle persone e le rende confuse e distanti, portandole infine al suicidio. La storia ruota principalmente attorno a un insegnante di scienze, Elliot Moore (interpretato da Mark Wahlberg), sua moglie Alma (Zooey Deschanel) e alcune altre persone che cercano di fuggire da questa situazione disastrosa nella loro città natale, Filadelfia. Tuttavia, la situazione si fa sempre più intensa, rendendo impossibile per loro fuggire così rapidamente.

Qual è la ragione dietro ai suicidi di massa?

Il disastro naturale in E venne il giorno è inquietante e complesso da spiegare perché è invisibile e ambiguo per tutta la durata della storia. Si suppone che le piante siano responsabili di questi eventi catastrofici, poiché emettono una neurotossina nociva che altera le funzioni cerebrali degli esseri umani. La neurotossina influenza direttamente le capacità cognitive delle persone, compromettendo la loro capacità di conservare la memoria. I primi segni o sintomi di questo evento sono confusione e perdita dei ricordi, ma non ci vuole molto tempo perché abbia effetti fatali. Ben presto, le persone colpite perdono le loro capacità cognitive e la loro voglia di vivere, spingendole a togliersi la vita in modo brutale.

Il disastro non viene mai menzionato esplicitamente nel corso del film, anche se emergono molte speculazioni e teorie. Elliot, essendo lui stesso un insegnante di scienze, cerca di trovare una ragione logica e spiega a sua moglie che questa neurotossina colpisce gli esseri umani seguendo una folata di vento. Conclude che questa tossina può danneggiare solo le persone in un grande gruppo, quindi è meglio dividersi in piccoli gruppi per sopravvivere a questa minaccia. Tuttavia, la teoria di Elliot viene successivamente smentita quando la neurotossina uccide una donna anziana che si trova da sola nel suo giardino. Nessuna teoria o logica può dunque definire l’origine, la causa o la soluzione di questa situazione minacciosa nel film.

Mark Whalberg in E venne il giorno

La spiegazione del finale del film E venne il giorno

Elliot e Alma si uniscono a Julian e sua figlia Jess per lasciare Filadelfia, credendo di aver trovato finalmente qualcuno disposto ad aiutarli e ad accompagnarli fuori dalla città. Tuttavia, Julian non può unirsi a loro perché deve tornare nella città dove si sta recando sua moglie. Chiede quindi a Elliot di prendere Jess e prendersi cura della bambina. L’uomo sa che non c’è alcuna certezza che tornerà vivo, quindi, con la speranza nel cuore, torna indietro per andare a prendere sua moglie. Sfortunatamente, durante il tragitto, viene colpito dalla neurotossina e si uccide pugnalandosi.

Elliot e Alma si prendono intanto cura di Jess come se fosse loro figlia e non la perdono mai di vista. Nel frattempo, Elliot fa amicizia con due ragazzini che stanno fuggendo da questo pericolo per sopravvivere. Con l’aiuto dei ragazzi, individua una casa dove spera di trovare del cibo e un posto dove passare la notte. Sfortunatamente, un gruppo di sopravvissuti eccessivamente sospettosi e armati uccide i ragazzi e spaventa Elliot e Alma, costringendoli ad abbandonare la proprietà. Alla fine, Elliot, Alma e Jess trovano una villa di proprietà di una signora anziana che sembra losca e scortese. La signora offre loro la cena e un posto dove stare, ma è anche vittima della paranoia.

Accusa costantemente Elliot di essere un ladro e un assassino, pensando che possa essere venuto a casa sua per ucciderla. Il giorno seguente, quando Elliot fa del suo meglio per convincerla che è innocuo, la signora non si fida delle sue parole. Tuttavia, mentre esce dalla sua villa, una folata di vento che trasporta la neurotossina la colpisce, causandole una morte orribile. Elliot non può uscire a causa della tossina, ma scopre con orrore che sua moglie Alma e Jess non sono nella villa. Si trovano in una baracca vicina, dove sono bloccate a causa della tossina nociva all’esterno. Elliot chiede loro di rimanere dove sono e continua a comunicare con loro con l’aiuto di un condotto che collega i due luoghi.

Mentre è bloccato nella villa della vecchia signora, Elliot si sente isolato e distaccato dalla sua famiglia. D’altra parte, anche Alma si sente bloccata e ansiosa perché è più preoccupata per quella bambina, Jess, che per se stessa. Tuttavia, Elliot e Alma cercano di evitare tutti i malintesi e di parlarne in questa situazione. Ricordano alcuni dei momenti più felici della loro vita e si rendono conto che si amano ancora come sempre. Rendendosi conto che la morte sta bussando alla loro porta, sia Elliot che Alma accettano il loro destino imminente e decidono di uscire dalla villa per salutarsi per sempre. Ma, sorprendentemente, quando escono, il vento smette improvvisamente di soffiare, rendendo l’ambiente normale come prima.

E venne il giorno film 2015

I temi di E venne il giorno

E venne il giorno tratta dell’assurdità e dell’impenetrabilità della vita, che va oltre la nostra conoscenza e comprensione. Il disastro naturale descritto nel film è un fenomeno inspiegabile che alla fine nessuna logica può definire. La catastrofe inizia all’improvviso e si ferma senza alcun intervento da parte dell’umanità. Tuttavia, questo evento catastrofico può essere visto come un avvertimento naturale all’umanità. Gli esseri umani hanno oppresso gli elementi naturali per secoli. Dalla deforestazione all’estinzione di molte specie, l’equilibrio del nostro ecosistema è stato compromesso.

Questa catastrofe naturale causata dalle piante potrebbe essere un messaggio di avvertimento per gli esseri umani. Il perdono della natura ha incoraggiato le persone a commettere ulteriori atrocità, quindi questa volta agisce contro gli esseri umani, sperando in un cambiamento. Se le persone non smetteranno presto le loro azioni ingiuste contro la natura, potrebbero presto assistere a forme ancora più orribili di calamità naturali. Inoltre, il film tratta anche del legame umano rappresentato dalla relazione tra Elliot e Alma in questo momento di pericolo. Il modo in cui si riconciliano e si riuniscono trasmette la necessità dell’amore e dell’unità anche in mezzo al pericolo.

Come mai tutto torna improvvisamente alla normalità?

Il finale non menziona esplicitamente il motivo per cui il disastro naturale si ferma improvvisamente nella parte nord-orientale degli Stati Uniti. Gli scienziati e gli esperti sono all’oscuro quanto la gente comune. Intanto, Alma ed Elliot adottano Jess, scoprendo poi di aspettare anche un figlio tutto loro. La parte nord-orientale degli Stati Uniti è a questo punto libera da questa minaccia naturale, ma sfortunatamente un evento simile si verifica in Francia. Qui, in una mattina soleggiata, un gruppo di turisti viene improvvisamente colpito da quest’aria velenosa, che li costringe a fermarsi e a uccidersi, segno che l’orrore può riprendere da un momento all’altro.

Io vi troverò: la spiegazione del finale del film

Io vi troverò: la spiegazione del finale del film

Quello del revenge movie è da sempre un filone di film particolarmente popolari e acclamati, dove l’eroe intraprende una spedizione punitiva nei confronti di quanti hanno ucciso o rapito dei suoi cari. Negli anni sono diversi i titoli che hanno riconfermato la fortuna di questo genere, da Vendetta finale a Io sono vendetta. Uno dei più importanti e riconosciuti a livello internazionale è però Io vi troverò, titolo italiano di Taken, film scritto dal regista francese Luc Besson e diretto da Pierre Morel. Oggi considerato un vero e proprio cult, questo fu anche il primo di una fortuna trilogia.

L’idea alla base del film è delle più semplici, con un padre disposto a tutto pur di ritrovare e proteggere sua figlia. Nelle mani di Besson e Morel, però, tale progetto si trasforma in qualcosa di più grande, con tanta adrenalinica azione e molta emotività. Il merito dei due autori sta proprio nel dosare al meglio questi ingredienti, dando vita ad un’opera intelligente, capace di intrattenere ed emozionare. In questo approfondimento, andiamo alla scoperta di ciò che accade nel suo finale.

La trama di Io vi troverò (Taken)

Bryan Mills (Liam Neeson) è un ex agente della CIA che tiene molto a sua figlia Kim (Maggie Grace) e desidera partecipare attivamente alla sua vita. La sua capacità di farlo, però, è ostacolata dalla rottura con Lenore (Famke Janssen) e dal suo matrimonio con il benestante Stuart St. John. Kim vive con la madre e il patrigno e Bryan si sente un estraneo. Tuttavia, cerca di rimanere coinvolto e di aiutare Kim al meglio delle sue possibilità. Bryan desidera compiacere Kim ed esprimere il suo amore attraverso atti di cura. Come regalo di compleanno, le compra un apparecchio per il karaoke, dimostrando di conoscere la sua aspirazione a diventare una cantante. Ma Stuart le ruba la scena regalandole un cavallo, e il regalo di Bryan appare inutile al confronto.

Questa scena identifica il dilemma di Bryan: non può eguagliare le risorse finanziarie di Stuart e i suoi sforzi per impressionare Kim si rivelano infruttuosi. Tuttavia, l’impegno definitivo di Bryan si trova nel suo comportamento coraggioso e non attraverso regali tangibili. Come consulente di sicurezza privata, salva la cantante pop Sheerah da un’aggressione. Come ringraziamento, Sheerah promette di assistere Kim assumendo una valutazione canora professionale e mettendola in contatto con un agente. Bryan ne approfitta, dimostrando che non si limita a favorire gli obiettivi di Kim con dei regali, ma le apre vere e proprie porte professionali.

Perché Bryan è riluttante a lasciare che Kim vada a Parigi?

Bryan Mills esita a lasciare che sua figlia Kim si rechi a Parigi perché è molto preoccupato per la sua sicurezza. Essendo un agente della CIA in pensione, conosce i pericoli del mondo più di chiunque altro. L’idea che due ragazze di 17 anni viaggino da sole lo mette a disagio, perché sa che potrebbero essere vulnerabili a minacce che non sono preparate a gestire. Il suo scetticismo ha radici nell’esperienza piuttosto che nella semplice iperprotettività. Quando Kim chiede il permesso, Bryan inizialmente rifiuta, ritenendo che non sia sicuro. Tuttavia, alla fine cede dopo aver visto quanto lei sia turbata. La sua decisione non è dettata dalla fiducia, ma piuttosto dalla volontà di evitare ulteriori conflitti e di mantenere il rapporto con lei.

Nonostante la firma del modulo di consenso, rimane cauto, cosa che si giustifica in seguito quando scopre che Kim ha mentito sullo scopo del viaggio. All’aeroporto, Bryan scopre che Kim e Amanda non stanno facendo un tour artistico, ma intendono seguire gli U2 in Europa. Questo tradimento rafforza i suoi timori. Si rende anche conto che Lenore era a conoscenza della menzogna ma non è intervenuta. Lenore sostiene che Kim ha dovuto ingannare Bryan a causa del suo carattere severo. Questa rivelazione frustra Bryan, perché conferma la sua convinzione che Kim sia ingenua sui pericoli del mondo e che l’indulgenza di Lenore metta a rischio la figlia.

Cosa succede a Kim a Parigi?

L’entusiasmo di Kim per il viaggio si trasforma in un incubo. All’aeroporto di Parigi, Kim e Amanda si imbattono in Peter, un giovane di bell’aspetto che si offre di dividere il taxi con loro, visto che i taxi a Parigi costano molto. Kim esita ma accetta. Peter sembra amichevole e scatta persino una foto alle ragazze usando il telefono di Kim. Tuttavia, le sue intenzioni si rivelano diverse quando fa una telefonata, annunciando la loro posizione ad alcuni gruppi non identificati. Non appena raggiungono l’appartamento, Kim diventa apprensiva. Sa che Amanda ha mentito sulla presenza dei cugini a Parigi e che quindi sono completamente soli.

Questo non va giù a Kim, ma Amanda non pensa che abbiano già mentito sul viaggio a Bryan. La spensierata e spericolata Amanda è desiderosa di fare festa e di vivere la vita, trascinando Kim con sé, completamente ignara del pericolo in agguato. Mentre Kim parla al telefono con Bryan, dei ladri si introducono nell’appartamento e rapiscono Amanda. Bryan, prevedendo la minaccia, non reagisce nervosamente ma ordina a Kim di nascondersi sotto il letto. Registra anche la loro conversazione, consapevole che il tempo è fondamentale.

Pur tremando per la paura, Kim obbedisce alle sue istruzioni e fornisce importanti informazioni sui rapitori, tra cui un uomo barbuto, alto un metro e ottanta, con un tatuaggio a forma di luna e stella sulla mano destra. Uno dei rapitori afferra il telefono di Kim. Bryan, senza mezzi termini, lo minaccia di lasciare andare Kim o di affrontare conseguenze mortali. Il rapitore lo deride: “Buona fortuna”, non rendendosi conto delle capacità e della determinazione di Bryan. Questo è l’inizio della missione di Bryan, che ha una sola mente, per salvare sua figlia.

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Cosa scopre Bryan sul rapimento di Kim?

Bryan scopre presto la macabra realtà del rapimento di Kim. Con l’aiuto del suo amico della CIA Sam, esamina la telefonata registrata durante il rapimento di Kim. Riconosce i rapitori come una banda albanese guidata da Marko, che gestisce un traffico di esseri umani. Sam avverte Bryan che, in base ai casi precedenti, se Kim non verrà salvata entro 96 ore, sarà perduta per sempre. Questo spinge Bryan a proseguire senza sosta. Quando Bryan arriva a Parigi, rintraccia l’ultimo luogo conosciuto di Kim. Guardando una foto sul suo telefono, vede il riflesso di Peter. Seguendo Peter all’aeroporto, Bryan lo sorprende mentre cerca di adescare un’altra vittima.

Cerca di ottenere informazioni con la forza, ma viene interrotto e si scatena un inseguimento ad alta velocità. Prima che Bryan riesca ad arrestarlo, Peter viene investito da un camion e ucciso, interrompendo una pista fondamentale. Bryan si rivolge al suo contatto, Jean-Claude, un ex agente dei servizi segreti diventato ufficiale di polizia. Jean-Claude lo avverte di non farsi coinvolgere, ma gli fornisce un indirizzo collegato ai trafficanti albanesi. Fingendosi un cliente, Bryan piazza un dispositivo di ascolto su un protettore, che lo conduce a un bordello improvvisato in un cantiere. Lì trova una ragazza drogata che indossa la giacca di jeans di Kim.

Dopo un violento scontro e un inseguimento ad alta velocità, salva la ragazza e la aiuta a riprendersi dalla droga. In seguito, la ragazza rivela il luogo in cui Kim è stata tenuta prigioniera per l’ultima volta. Travestito da Jean-Claude, Bryan si infiltra in un rifugio albanese con la scusa di rinegoziare la tangente della polizia. Con l’inganno, Marko si rivela facendogli ripetere le parole “buona fortuna”, una frase che aveva sentito durante il rapimento di Kim. Ne segue una lotta brutale che provoca la morte di diversi trafficanti.

Perquisendo la casa, Bryan scopre il corpo senza vita di Amanda, morta per overdose, una tragica conseguenza delle operazioni della banda. Deciso a ottenere risposte, Bryan tortura Marko con l’elettricità. Marko confessa che Kim, essendo vergine, è stata subito venduta al mercato nero. Identifica l’acquirente come Patrice Saint-Clair, un potente leader del crimine. Lasciando Marko a morire fulminato, Bryan ha ora il suo prossimo obiettivo.

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La spiegazione del finale di Io vi troverò (Taken): Come è coinvolto Jean-Claude nel racket?

Jean-Claude, un ex agente dei servizi segreti francesi diventato ufficiale della polizia nazionale, è segretamente coinvolto nel traffico di esseri umani. Invece di fermare la banda di albanesi, fornisce loro protezione in cambio di tangenti. La sua corruzione permette a criminali come Marko e Saint-Clair di operare liberamente, rendendo Parigi un centro di traffico. Dopo aver appreso del coinvolgimento di Saint-Clair, Bryan si rende conto che Jean-Claude sa più di quanto abbia ammesso. Bryan lo affronta nel suo appartamento, chiedendo informazioni.

Quando Jean-Claude si rifiuta di collaborare, Bryan adotta un’azione drastica, sparando a sua moglie nel braccio. Questa mossa violenta ma calcolata costringe Jean-Claude a rivelare la posizione di Saint-Clair. Una volta ottenute le informazioni necessarie, Bryan fa perdere i sensi a Jean-Claude, assicurandosi che non sia più una minaccia. Bryan si infiltra poi in un’asta clandestina di traffico sessuale nella villa di Saint-Clair, dove Kim è l’ultima ragazza in vendita. Sapendo di dover agire in fretta, costringe un offerente, Ali, ad acquistare Kim. Tuttavia, prima di poter fuggire con lei, Bryan viene sopraffatto e catturato.

Saint-Clair, resosi conto dell’identità di Bryan, ordina ai suoi uomini di giustiziarlo. Ma Bryan, abile e implacabile, riesce a liberarsi, uccidendo tutti gli scagnozzi che gli si parano davanti. Un Saint-Clair in fin di vita, desideroso di salvarsi, rivela che Kim è stato portato su uno yacht di proprietà dello sceicco Raman. Senza esitare, Bryan giustizia Saint-Clair e punta allo yacht. Bryan rintraccia lo yacht e si lancia in un assalto solitario, abbattendo sistematicamente tutte le guardie del corpo di Raman, compreso Ali.

Alla fine raggiunge la cabina principale, dove Raman tiene Kim sotto la minaccia di un coltello. Lo sceicco cerca di contrattare per la sua vita, ma Bryan non negozia. Uccide rapidamente Raman, garantendo la sicurezza di Kim. Dopo aver salvato Kim, Bryan torna negli Stati Uniti e la sorprende portandola a conoscere la pop star Sheerah, mantenendo la promessa fatta in precedenza di sostenere i suoi sogni di cantante. Nonostante il trauma, l’incessante ricerca di Bryan dimostra quindi che farà di tutto per proteggere sua figlia.

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Wonder Man: la recensione della nuova serie Marvel Television

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Wonder Man: la recensione della nuova serie Marvel Television

Negli ultimi anni si è parlato tanto di “superhero fatigue”, letteralmente: affaticamento da supereroi. In soldoni, ce ne sono troppi e non tutti sono interessanti. Ma l’espressione è stata così abusata che è diventata un luogo comune. Eppure, se questa stanchezza esiste davvero, non nasce tanto dall’idea dei supereroi in sé quanto dall’iperproduzione seriale del marchio: Marvel Studios. Dopo un anno cinematografico sottotono e una fase televisiva altalenante, Marvel Television sembra però aver finalmente imboccato una strada diversa. Wonder Man, nuova serie in arrivo su Disney+ dal 28 gennaio con tutti e sei gli episodi disponibili, è il segnale più chiaro di questa inversione di rotta.

Wonder Man, la rinascita televisiva dei Marvel Studios?

wonder-manDopo l’entusiasmo iniziale generato da WandaVision e Loki, molte serie live-action del MCU hanno dato l’impressione di essere idee cinematografiche ridimensionate e diluite in formato televisivo. Wonder Man, al contrario, nasce e vive come serie TV, con una struttura, un ritmo e un’ambizione narrativa perfettamente calibrati per il piccolo schermo.

Sotto la guida di Brad Winderbaum, Marvel Television sembra finalmente più selettiva e consapevole. Accanto a progetti come Daredevil: Rinascita e X-Men ’97, Wonder Man rappresenta probabilmente il miglior risultato seriale Marvel dai tempi di Loki, ma lo fa percorrendo una strada completamente opposta: niente multiverso, niente catastrofi globali, niente agganci forzati a eventi futuri del franchise.

Una storia minimale, sorprendentemente universale

La trama di Wonder Man è volutamente disarmante nella sua semplicità. Simon Williams (Yahya Abdul-Mateen II) è un attore di talento ma senza fortuna, intrappolato in audizioni fallimentari e sogni mai realizzati. La svolta arriva quando incontra Trevor Slattery (Ben Kingsley), ex finto terrorista e attore shakespeariano in fase di riabilitazione, che lo introduce a un progetto destinato a cambiare tutto: il remake del film supereroistico preferito di Simon, Wonder Man.

Il paradosso narrativo è il cuore della serie: Simon possiede davvero dei superpoteri, ma in un mondo in cui agli individui superumani è vietato recitare. Il Dipartimento del Controllo dei Danni diventa così una presenza minacciosa ma mai invadente, più burocratica che un vero e proprio villain. Wonder Man non costruisce misteri artificiali né minacce nascoste: è, prima di tutto, il racconto di un uomo che cerca il proprio posto nel mondo.

Un MCU insolitamente intimo e a basso rischio

La scelta più radicale della serie è l’abbattimento totale delle “stakes” tipiche del MCU. Wonder Man contiene una sola scena d’azione in sei episodi, e non solo non se ne sente la mancanza, ma il risultato è una narrazione più matura e concentrata sui personaggi. Destin Daniel Cretton e Andrew Guest firmano una slice-of-life comedy che guarda più a Atlanta o The Studio che a qualsiasi altro prodotto Marvel.

Il tono oscilla con naturalezza tra satira dell’industria dell’intrattenimento e momenti di autentica malinconia, affrontando temi come l’identità, il fallimento, la dipendenza e il bisogno di redenzione. Se c’è un limite nella scrittura, è una certa insistenza sul meccanismo del “non detto” tra i personaggi, ma si tratta di un difetto marginale in un impianto narrativo solido e coerente.

Yahya Abdul-Mateen II e Ben Kingsley: cuore pulsante della serie

Wonder Man serie MarvelIl vero punto di forza di Wonder Man è la coppia protagonista. Yahya Abdul-Mateen II costruisce un Simon Williams profondamente umano, fragile, spesso egoista e lontanissimo dall’archetipo del supereroe morale e incorruttibile. È un personaggio che non vuole essere definito dai suoi poteri, ma dal suo talento e dalla sua sensibilità artistica, rendendolo uno dei protagonisti più interessanti mai visti nel MCU.

Accanto a lui, Ben Kingsley firma una performance sorprendentemente intensa nei panni di Trevor Slattery. Da macchietta odiata in Iron Man 3 a figura tragica e complessa, Trevor trova qui una delle redenzioni più riuscite dell’intero universo Marvel. La chimica tra Kingsley e Abdul-Mateen è straordinaria e trasforma Wonder Man in una serie basata prima di tutto sulle relazioni, non sugli effetti speciali.

Una boccata d’aria fresca per il futuro del MCU

In un anno che vedrà il MCU tornare a pieno regime con produzioni più rumorose e spettacolari, Wonder Man arriva come una pausa necessaria. È una serie misurata, emotiva, sorprendentemente adulta, che dimostra come il genere supereroistico possa ancora raccontare qualcosa di nuovo semplicemente cambiando prospettiva.

Accessibile anche a chi non ha familiarità con il MCU, Wonder Man è uno di quei rari titoli capaci di parlare a pubblici diversi senza rinunciare alla propria identità. Più che un esperimento, è una dichiarazione d’intenti: se questo è il futuro della Marvel televisiva, la tanto citata “affaticamento da supereroi” potrebbe finalmente diventare solo un ricordo.

The Paper: la recensione della serie spinoff di The Office con Sabrina Impacciatore

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Dopo vent’anni esatti da quando una troupe documentaristica entrava negli uffici della Dunder Mifflin di Scranton, Greg Daniels torna a maneggiare il mockumentary che ha cambiato per sempre la sitcom americana. The Paper, nuova serie Peacock in arrivo in Italia su Sky e NOW dal 26 gennaio con tutti gli episodi, non è un revival diretto di The Office, ma ne rappresenta una derivazione dichiarata, consapevole e volutamente prudente. Il risultato è una comedy che non tenta di reinventare il genere, ma preferisce rifugiarsi nella comfort zone di un linguaggio televisivo ormai codificato.

The Paper: ritorno al mockumentary tra nostalgia e continuità

Il punto di partenza di The Paper è tanto semplice quanto efficace: la stessa troupe che aveva documentato le vicende di Scranton si sposta a Toledo, Ohio, per raccontare la lenta agonia del Toledo Truth Teller, storico quotidiano locale ormai ridotto a una manciata di dipendenti e a un ruolo marginale nel panorama informativo. Il collegamento con The Office è narrativamente giustificato dall’acquisizione della Dunder Mifflin da parte di Enervate, conglomerato che possiede anche il giornale.

Daniels e il co-creatore Michael Koman scelgono di non modernizzare eccessivamente la formula: camera a spalla, interviste frontali, silenzi imbarazzanti e tempi comici dilatati sono esattamente quelli che il pubblico conosce bene. In un panorama televisivo che negli anni ha visto proliferare mockumentary di successo come Parks and Recreation, Abbott Elementary e St. Denis Medical, The Paper si presenta come un ritorno alle origini più che come un’evoluzione.

Una redazione in disfacimento come specchio dell’industria

Il cuore della serie è la redazione del Truth Teller, un ambiente lavorativo claustrofobico, disorganizzato e privo di reali ambizioni. A guidare il tentativo di rinascita è Ned Sampson (Domhnall Gleeson). La sua etica del lavoro e il suo entusiasmo fuori tempo massimo lo rendono un protagonista perfettamente in linea con la tradizione dei “capi sbagliati” cari a Daniels.

Intorno a lui ruota una galleria di personaggi volutamente sopra le righe: Mare Pritti (Chelsea Frei), unica vera giornalista rimasta, ridotta a impaginare comunicati stampa; Nicole Lee (Ramona Young), responsabile della circolazione che ricorre a pratiche quantomeno discutibili; Barry (Duane Shepard Sr.), presenza quasi spettrale; e soprattutto Esmerelda Grand, interpretata da Sabrina Impacciatore, decisamente sopra le righe.

Sabrina Impacciatore e il peso del carisma

Esmerelda è senza dubbio il personaggio più riuscito della serie. Interim managing editor, regina del clickbait e figura larger-than-life, incarna una teatralità che sfiora la caricatura, ma che trova nella performance di Impacciatore una forza comica irresistibile. Il suo successo negli Stati Uniti dopo The White Lotus viene qui sfruttato con intelligenza: The Paper gioca sul sicuro, affidandosi al suo carisma per dare ritmo e personalità alle scene più statiche.

Il conflitto tra Esmerelda e Ned, costantemente sabotato anche da Ken Davis (Tim Key), responsabile strategico di Enervate, diventa il vero motore narrativo della serie, più ancora delle dinamiche redazionali.

Una prima stagione in crescita, tra incertezze e potenziale

Come già accaduto per The Office e Parks and Recreation, anche The Paper soffre di evidenti problemi di assestamento nella prima metà della stagione. I primi episodi appaiono rigidi, con battute che non sempre vanno a segno e interpreti ancora in cerca di una chiara identità per i propri personaggi. La sensazione iniziale è quella di assistere a una lunga prova generale.

La svolta arriva con il quinto episodio, “Scam Alert!”, in cui un’indagine su un catfisher online permette alla serie di fondere satira, narrazione e dinamiche di gruppo in modo finalmente armonico. Da quel momento in poi, The Paper trova un equilibrio più solido e costruisce episodi memorabili, dimostrando di avere un potenziale comico autentico.

More of the same, ma consapevole

The Paper è un prodotto che non corre rischi. Omaggia apertamente The Office, ne ricalca le dinamiche e ne aggiorna il contesto all’era digitale, spostando l’attenzione dal mondo della carta per ufficio a quello, altrettanto fragile, del giornalismo locale. Non innova, non sorprende, ma conosce perfettamente il proprio pubblico e gli offre esattamente ciò che si aspetta.

Un “more of the same” ben confezionato, che potrebbe non conquistare nuovi spettatori, ma che ha tutte le carte in regola per diventare una serie di conforto, capace di raccontare con ironia e malinconia un’industria in declino che, come suggerisce la serie stessa, vale ancora la pena difendere.

Crime 101 – La Strada del Crimine: il nuovo trailer italiano

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Crime 101 – La Strada del Crimine: il nuovo trailer italiano

Il nuovo trailer di Crime 101 – La Strada del Crimine, il thriller interpretato da Chris Hemsworth (Avengers: Endgame, Furiosa: A Mad Max Saga), Mark Ruffalo (Avengers: Endgame, Povere Creature!) e Barry Keoghan (Gli Spiriti dell’Isola, Saltburn).

Tratto dall’acclamato racconto di Don Winslow, il film è scritto e diretto da Bart Layton (American Animals, L’impostore – The Imposter). Nel cast anche Monica Barbaro (A Complete Unknown), Corey Hawkins (Il colore viola), Jennifer Jason Leigh (The Hateful Eight), Nick Nolte (Cape Fear – Il promontorio della paura, Die My Love) e il premio Oscar® Halle Berry (Moonfall).

Crime 101 – La Strada del Crimine sarà al cinema da giovedì 12 febbraio distribuito da Eagle Pictures.

La trama di Crime 101 – La Strada del Crimine

L’avvincente ed elegante thriller Crime 101 – La Strada del Crimine racconta la storia di Davis (Chris Hemsworth), un ladro sfuggente le cui rapine magistralmente pianificate hanno da tempo lasciato la polizia senza indizi.  Davis sta organizzando il colpo più ambizioso della sua carriera — quello che spera possa essere l’ultimo — quando il suo cammino si incrocia con quello di Sharon (Halle Berry), una disillusa assicuratrice con cui è costretto a collaborare, e di Orman (Barry Keoghan), un rivale dai metodi molto più pericolosi. Con l’avvicinarsi del furto multimilionario, l’inarrestabile tenente Lubesnik (Mark Ruffalo) si avvicina alla verità, facendo crescere la tensione e rendendo sempre più sottile il confine tra cacciatore e preda. Ognuno dei protagonisti dovrà confrontarsi con il prezzo delle proprie scelte — e con la consapevolezza di essere ormai oltre il punto di non ritorno.

Crime 101 – La Strada del Crimine è scritto e diretto da Bart Layton (American Animals,L’impostore – The Imposter).

La stanza di Mariana: recensione del nuovo film sull’olocausto

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La stanza di Mariana: recensione del nuovo film sull’olocausto

L’avvicinarsi del 27 gennaio porta con sé la necessità di ricordare, di non dimenticare ciò che è accaduto per fare in modo che il male non si ripeta (o almeno questa è la speranza). In corrispondenza del Giorno della Memoria, anche il cinema diventa un’arma potente, e La stanza di Mariana ce lo dimostra ancora una volta. Il film, diretto da Emmanuel Finkiel, nasce da una collaborazione tra più paesi nella produzione, in particolare Francia, Ungheria, Belgio e Israele. La stanza di Mariana racconta uno scorcio ben preciso della Seconda guerra mondiale, attraverso gli occhi di due figure sensibili, una donna e un bambino. Il cast è formato da figure note prevalentemente nel panorama cinematografico nazionale: Mélanie Thierry (Zero Theorem) qui interpreta Mariana, una prostituta, mentre Artem Kyryk è nei panni del piccolo Hugo, bambino ebreo che viene ospitato e salvato da Mariana. Altre figure rilevanti sono interpretate da Julia Goldberg (Sorelle e delitti) e Yona Rozenkier, rispettivamente nei ruoli di Yulia e Yacov.

La stanza di Mariana: il silenzio che salva

In una piccola cittadina dell’Ucraina, nel 1942, ormai essere ebrei non è più sicuro, così Hugo e sua madre sono costretti alla fuga. A costo di mantenere il figlio al sicuro, la donna lo affida alla sua ultima amica, Mariana, una triste prostituta con dei problemi con l’alcol. Hugo passerà da vivere le sue giornate all’aria aperta a giocare con la giovane amichetta Anna, a guardare le stagioni passargli davanti attraverso le fessure nell’armadio in cui è nascosto.

Hugo continuerà ad aggrapparsi alla speranza attraverso un intreccio di ricordi felici, proiettando le persone a lui più care all’interno dello spazio angusto che è la sua nuova casa. Ma Hugo non è solo: Mariana ha promesso di proteggerlo e lo farà ad ogni costo. Ed è proprio così che tra i due si crea uno stretto legame che dona a entrambi la speranza di andare avanti. E così le stagioni continuano a susseguirsi, e la guerra a farsi sempre più aspra: la vita per Hugo e Mariana diventa sempre più complicata, e la paura che i nazisti scoprano il bambino nascosto aumenta sempre di più.

La stanza di Mariana: un legame indissolubile

Il primo elemento che emerge con maggiore dirompenza in La stanza di Mariana è certamente la crescita personale dei due personaggi principali, Hugo e Mariana. Hugo all’inizio del film è un bambino silenzioso e spaventato, abituato a una vita di agi e di spensieratezza; con l’avanzare delle vicende diventa chiara la sua crescita, nel modo in cui affronta le situazioni che gli si pongono davanti, nel coraggio che dimostra di avere.

Mariana dal canto suo è una donna chiaramente infelice, che vive un’esistenza fatta di continua finzione, senza alcun affetto vicino; l’arrivo di Hugo cambierà questo. Tra i due si crea un rapporto di fiducia e di sostegno reciproco; se da un lato inizialmente per il bambino la donna diventa una figura quasi materna, di riferimento, diventa chiaro come nel volgere verso la fine sarà Hugo a tentare di prendersi maggiormente cura di Mariana.

Dialogo tra realtà e sogno

Fin dalle prime scene di La stanza di Mariana si crea questo interessante alternarsi di realtà e sogno nella mente di Hugo. Il primo esempio si ritrova proprio nella visione della madre che torna dal figlio pochi istanti dopo averlo lasciato a Mariana, non volendo dividersi da lui. A questa seguiranno tante visioni che diverranno un modo per Hugo di convivere con la sua nuova quotidianità senza impazzire. Così si creano delle forme di dialogo tra il bambino e la madre o il padre, i parenti e gli amici.

A questi dialoghi immaginari si aggiungono i flashback del bambino, ricordi di un passato felice. Anna sembra spesso essere protagonista di queste visioni: loro che immaginano di baciarsi, o di essere in posti lontani, Anna che lo invita a giocare lanciando palle di neve alla sua finestra.

Anche lo stesso finale resta aperto tra realtà e sogno. In un dopoguerra non più roseo della guerra stessa, uno spirale di luce si apre: sarà un lieto fine o solo l’immaginazione di un bambino solo?

La stanza di Mariana ci ricorda ancora una volta di non dimenticare ciò che è accaduto, per evitare che riavvenga e questo assume certamente un’importanza anche maggiore nella realtà mondiale dilaniata da guerre e tensioni in cui viviamo oggi. La guerra non era e non è solo quella combattuta dai soldati, ma è anche la sofferenza di donne e bambini che ne subiscono solamente le conseguenze.

A Knight of the Seven Kingdoms – intervista ai protagonisti

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A Knight of the Seven Kingdoms – intervista ai protagonisti

In occasione della presentazione a Roma di A Knight of the Seven Kingdoms, abbiamo intervistato Peter Claffey e Tanzyn Crawford che interpretano Ser Duncan l’Alto e Tanselle nella serie HBO disponibile su HBO Max. Ecco cosa ci hanno raccontato!

Qui la recensione della serie completa

Con Ben – Rabbia Animale (e non solo), gennaio 2026 si conferma un ottimo “mese di horror”

Gennaio è in genere un metaforico piatto di avanzi al cinema, soprattutto per quanto riguarda l’horror. Negli USA, il cartellone di gennaio è solitamente pieno di titoli rimasti fuori dalla promozione della stagione dei premi, titoli che vengono distribuiti ma per i quali gli studi non nutrono troppa fiducia. Per l’horror questo è particolarmente vero, poiché gennaio è spesso pieno di thriller a basso budget e film di sottogenere mal commercializzati che non hanno praticamente alcuna possibilità di avere un impatto al botteghino.

Tuttavia, dopo il 2025 eccezionale che il genere horror ha appena trascorso e l’entusiasmante programma per il 2026 che ci aspetta, potrebbe esserci un cambiamento nelle opportunità che l’horror ha di avere un impatto nella monotonia dei mesi invernali. Il pubblico ha iniziato ad affluire in massa per i film horror, soprattutto quando le recensioni sono positive. La detta tendenza si è interrotta per il 2026, con una lista di horror di alto profilo che hanno chiamato in sala molti spettatori. A partire da 28 Anni Dopo: il Tempio delle Ossa.

Gennaio 2026 presenta un programma horror straordinario rispetto agli anni precedenti

Negli ultimi anni, ogni gennaio ha avuto essenzialmente un film horror “principale”, che riceve una discreta promozione rispetto alla maggior parte degli altri film usciti quel mese. Nel 2025, quel film era Wolf Man, un remake moderno basato molto liberamente sull’iconico mostro della Universal di Leigh Whannell (L’uomo invisibile). Wolf Man è stato una delusione di critica e al botteghino, incassando solo 32,5 milioni di dollari con un budget di 20 milioni di dollari.

Nel 2024 l’attrazione principale è stata Night Swim, un film su una piscina infestata (letteralmente) che ha avuto un discreto ritorno per il suo modesto budget di 15 milioni di dollari (52,5 milioni di dollari), ma ha ottenuto solo il 19% di punteggio su Rotten Tomatoes. Tornando al 2023, troverete il successo a sorpresa M3gan, ma praticamente nient’altro.

Johnny Sequoyah in Ben - Rabbia Animale (2025)Gennaio 2026 è un trionfo strepitoso in confronto. Nel mercato USA, il mese è iniziato con il film horror zombie We Bury the Dead, ampiamente sottovalutato ma acclamato dalla critica, con Daisy Ridley, che ha fatto naufragio al botteghino ma è certificato Fresh su Rotten Tomatoes con un 85%. A seguire, Ben – Rabbia Animale, lo slasher sugli scimpanzé, anch’esso certificato Fresh con un 79% a una settimana dalla sua uscita. Il film arriverà in Italia il prossimo 29 gennaio, distribuito da Eagle Pictures e con una buon passaparola da Oltreoceano.

Il mese si chiuderà con Send Help, un survival horror con Rachel McAdams e Dylan O’Brien che segna il ritorno alla regia del leggendario Sam Raimi per la prima volta da quando ha diretto Dr. Strange nel Multiverso della Follia della Marvel. Sarà anche il primo film horror che dirige dall’acclamato horror soprannaturale del 2009 Drag Me To Hell. Quindi l’attesa per Send Help e Ben – Rabbia Animale è giustamente alta.

Gennaio potrebbe diventare un punto fermo per l’horror

Gli appassionati di horror saranno appagati a gennaio, come si dice, e potrebbe essere l’inizio di una nuova tendenza. Mentre gli studi cinematografici continueranno probabilmente a usare gennaio come mese di scarico per altri generi, gli incassi di film come Ben – Rabbia Animale, 28 Anni Dopo: il Tempio delle Ossa e Send Help potrebbero incoraggiare gli studi a considerare gennaio un mese più “appetitoso“.

Ella McCay Perfettamente Imperfetta, dal 5 febbraio in esclusiva su Disney+

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Ella McCay Perfettamente Imperfetta debutterà il 5 febbraio in esclusiva su Disney+ a livello internazionale. Il film 20th Century Studios condivide la storia della vita familiare in tutti i suoi momenti difficili e comici, e tutto ciò che sta nel mezzo.

Guarda il trailer del film

Dopo una lunga carriera come produttore di film quali 17 anni (e come uscirne vivi) e Ci sei Dio? Sono io, Margaret., oltre che per il lavoro di lunga data nella serie I Simpson, James L. Brooks ha sentito il bisogno di dedicare nuovamente le sue energie alla scrittura di una storia originale. “Il mio obiettivo con questo film era rendere omaggio, per quanto possibile, all’età d’oro della commedia cinematografica, gli anni ‘40 e ‘50… La sfida è stata quella di mantenere lo stesso spirito folle di quell’epoca, pur prendendo sul serio gli inevitabili scossoni, i dolori e le insidie dell’essere umani”, spiega Brooks. Mentre la sceneggiatura di Brooks approfondisce il tema dei traumi infantili e dei loro effetti a lungo termine, Ella McCay Perfettamente Imperfetta tratta essenzialmente del riconoscimento dell’amore e della creazione di un senso di famiglia ovunque abbiamo la fortuna di trovarlo, indipendentemente da quanto possano essere complicati i membri di quella stessa famiglia.

Cortesia di 20th Century Studios

Il film 20th Century Studios Ella McCay Perfettamente Imperfetta invita il pubblico a seguire un percorso di drammi umani con piacevoli deviazioni verso momenti comici inaspettati, fino ad arrivare a una conclusione commovente che rivela che “non esiste una parola opposta a trauma, ma la speranza ci si avvicina molto”.

Ella McCay Perfettamente Imperfetta

Il film racconta la storia di una giovane donna idealista, alle prese con la gestione della famiglia, tutt’altro che perfetta, e della sua passione per il lavoro. Scritta e diretta da James L. Brooks, questa commedia fresca e commovente parla delle persone che ami e di come sopravvivere a loro.

Ella McCay Perfettamente Imperfetta vanta un cast stellare che include Emma Mackey, Jamie Lee Curtis, Jack Lowden, Kumail Nanjiani, Ayo Edebiri, Spike Fearn, Rebecca Hall, Julie Kavner, Becky Ann Baker, Joey Brooks con Albert Brooks e Woody Harrelson. Il film è prodotto da James L. Brooks, p.g.a., Richard Sakai, p.g.a., Julie Ansell, p.g.a., Jennifer Brooks.

Lyonel Baratheon è il migliore rappresentante “di famiglia” visto negli adattamenti dai romanzi di George R.R. Martin

Lyonel Baratheon è uno dei migliori nuovi personaggi apparsi in A Knight of the Seven Kingdoms, forse è perché combina i migliori aspetti di tre Baratheon principali visti ne Il Trono di Spade. I primi due episodi di AKOTSK hanno introdotto una serie di nuovi personaggi.

Nella serie HBO, molti personaggi hanno nomi familiari, le loro case sono le stesse di Game of Thrones e di House of the Dragon. Tuttavia, come ha dimostrato Ser Manfred Dondarrion (Daniel Monks), le persone nelle case spesso si comportano in modo diverso rispetto ai loro antenati e discendenti. Lyonel, tuttavia, ricorda molto la sua discendenza Baratheon vista in Game of Thrones.

Lyonel Baratheon è uno dei migliori nuovi personaggi di A Knight of the Seven Kingdoms

Il primo episodio di A Knight of the Seven Kingdoms è molto diverso dalle puntate iniziali delle altre serie de Le Cronache del Ghiaccio e del Fuoco, offrendo umorismo, leggerezza e momenti di tranquillità. Il momento clou, se così si può definire, è una festa, ma di tutt’altro tipo rispetto alle Nozze Rosse.

Quando Dunk (Peter Claffey) si ritrova di fronte al Signore di Capo Tempesta, Lyonel Baratheon (Daniel Ings), si potrebbe pensare che sia nei guai per aver partecipato ai festeggiamenti senza offrire un dono alla Tempesta Ridente. Invece, Lyonel si affeziona al massiccio cavaliere e i due si sfidano in una gara di danza.

Lyonel è un personaggio vorticoso, che si è guadagnato rapidamente il suo soprannome. È affascinante, feroce, divertente e non disdegna di aiutare un cavaliere che tutti gli altri hanno dato per spacciato. Il suo sorriso illumina la tenda, ma genera tanto rispetto che tutti tacciono quando parla. Lyonel è un Baratheon fino al midollo.

Lyonel unisce i lati migliori dei suoi discendenti della Casa Baratheon di Game of Thrones

Lyonel è un antenato dei Baratheon che compaiono in Game of Thrones: Robert (Mark Addy), Renly (Gethin Anthony) e Stannis (Stephen Dillane). Ognuno di questi Baratheon ha i suoi difetti, ma hanno anche molti pregi, e sono tre dei personaggi più simpatici della serie.

Forse Lyonel è così accattivante perché incarna il meglio di questi fratelli. Lyonel ama bere e fare festa, ma è anche temibile e formidabile, proprio come Robert. È generoso con ciò che ha e affascinante, fa subito amicizia con Dunk e lo guida nel suo viaggio, proprio come Renly.

Lyonel è anche giusto e saggio, come Stannis. Rimprovera Dunk per il suo passo falso, ma poi gli permette di restare. I fratelli Baratheon sembravano aspetti diversi della stessa persona in Game of Thrones, ed è forse per questo che hanno fallito. Lyonel è il pacchetto completo in A Knight of the Seven Kingdoms, e per questo è un vincitore.

A Knight of the Seven Kingdoms, episodio 2: i Targaryen fanno la loro entrata in scena

Il principale dilemma di Dunk, quando arriva ad Ashford Meadow, è che non ha alcun modo di dimostrare di essere stato nominato cavaliere. L’inizio dell’episodio 2 di A Knight of the Seven Kingdoms mostra Dunk che racconta e continua la storia di Ser Arlan, sperando che qualcuno di alto rango presente al torneo possa ricordare il suo maestro e garantire per la sua investitura a cavaliere. Tuttavia, quando i Targaryen reali arrivano ad Ashford, dando ufficialmente il via alla giostra, il sogno di Dunk sembra destinato a svanire.

I Targaryen sono arrivati ufficialmente al torneo

Durante gli eventi di A Knight of the Seven Kingdoms, Daeron II Targaryen è il re di Westeros. Il sovrano non si reca personalmente ad Ashford nell’episodio 2, ma vi arrivano due dei suoi figli, il principe Baelor e il principe Maekar. Baelor è l’erede al Trono di Spade e attuale Primo Cavaliere del Re, mentre il fratello minore Maekar si trova molto più indietro nella linea di successione.

Mentre Dunk osserva questi principi Targaryen mentre vengono accolti da Lord Ashford, ha un’interazione spiacevole con il principe Aerion, figlio di Maekar. È subito evidente che Aerion è una persona estremamente sgradevole. È, a tutti gli effetti, l’equivalente del Principe Joffrey di A Knight of the Seven Kingdoms: un reale arrogante che trae piacere nel trattare con crudeltà chi considera inferiore.

Dunk scopre che due principi Targaryen sono scomparsi

Il principe Maekar ha quattro figli, ma Aerion è l’unico ad arrivare al torneo come parte del seguito Targaryen. Nell’episodio 2 di A Knight of the Seven Kingdoms, Dunk scopre un passaggio di servizio che conduce alla dimora di Lord Ashford. Una volta entrato, si avvicina alla sala dove i fratelli hanno iniziato a sistemarsi. È in questo momento che Dunk sente dire che Maekar ha perso di vista due dei suoi figli.

Il principe Daeron e il principe Aegon risultano scomparsi da un giorno durante gli eventi dell’episodio 2. Mentre Dunk origlia la conversazione, sente Baelor affermare che Maekar non avrebbe mai dovuto ordinare a Daeron di prendere parte al torneo, lasciando intendere che il giovane principe fosse riluttante a scendere in campo. L’erede Targaryen aggiunge di essere certo che Daeron e Aegon si faranno vivi, anche se la strana figlia di Lord Ashford dice a Dunk che i principi sono probabilmente morti.

Il principe Baelor Targaryen conferma la cavalleria di Dunk

Per quanto Dunk sia grande e impacciato, non sorprende che i principi Targaryen scoprano il suo nascondiglio nell’episodio 2 di A Knight of the Seven Kingdoms. Maekar gli ordina di mostrarsi, ed è in quel momento che Dunk decide di tentare il tutto per tutto. Spiega al futuro re che non potrà competere se nessuno potrà garantire per lui, e che nessuno dei cavalieri presenti sembra ricordare Ser Arlan. La sua ultima speranza è che il principe Baelor sia diverso.

Miracolosamente, Baelor ricorda il maestro di Dunk. Rammenta che Ser Arlan di Pennytree non aveva mai vinto un torneo, ma che «non si era mai disonorato». Naturalmente, il fatto che Ser Arlan fosse un vero cavaliere non dimostrava che Dunk fosse stato il suo scudiero. Così Baelor decide di metterlo alla prova: afferma che Ser Arlan aveva disarcionato il Leone Grigio in un torneo passato e chiede a Dunk quale fosse il vero nome di quell’avversario, qualcosa che Dunk avrebbe dovuto sapere se avesse davvero sentito quella storia così tante volte come sosteneva.

Dunk esita per un attimo, ma alla fine riesce a rispondere che il Leone Grigio è Ser Damon Lannister, ora Lord di Castel Granito. Baelor sembra sinceramente soddisfatto della risposta. Garantisce per il cavaliere errante e conferma al Maestro dei Giochi che Dunk può competere. Con la benedizione del futuro Re di Westeros, non può più esserci alcun dubbio: Ser Duncan l’Alto è un vero cavaliere dei Sette Regni.

Il nuovo sigillo e l’armatura di Dunk spiegati

Quando Dunk lascia i principi Targaryen, Baelor gli fa notare che questo cavaliere appena riconosciuto dovrà far ridipingere il suo scudo, poiché solo un membro della famiglia di Arlan può giostrare con quel sigillo. Questo conduce Dunk da Tanselle Troppo-Alta, la ragazza dorniana che aveva già visto esibirsi nello spettacolo di burattini. Quando Tanselle gli dice di essere lei a dipingere i burattini, Dunk le chiede se può ridipingere il suo scudo con un nuovo emblema.

Con l’aiuto di Egg, Dunk concepisce il nuovo disegno. Su uno sfondo del colore del tramonto, al centro del sigillo vuole un olmo, come quello sotto cui lui ed Egg avevano campeggiato. Sopra l’albero ci sarà una stella cadente, in riferimento al presagio di buona fortuna visto la loro prima notte ad Ashford. Tanselle accetta di fare il lavoro, dopo che Dunk si rende piuttosto ridicolo con un goffo tentativo di corteggiamento.

Dopo aver consegnato lo scudo a Tanselle, Dunk va a parlare con Steely Pate, un fabbro noto per il suo lavoro eccellente e il suo approccio pratico. Diventa subito chiaro nell’episodio 2 di A Knight of the Seven Kingdoms che Dunk non può permettersi la sua armatura. Tuttavia, l’armiere sembra provare compassione per lui e accetta la vecchia armatura di Ser Arlan come pagamento parziale. Per coprire la differenza, Dunk vende la sua amata cavalla, Sweetfoot, con l’intenzione di ricomprarla quando sarà diventato un campione.

La rivelazione di Dunk su Ser Arlan nell’episodio 2 spiegata

L’episodio 2 di A Knight of the Seven Kingdoms rappresenta un vero percorso di crescita per Dunk. In un certo senso, è qui che diventa un vero cavaliere. Prima di arrivare ad Ashford, non aveva un sigillo, non possedeva un’armatura adatta e non aveva alcuna prova della sua investitura. In effetti, è probabile (considerando il flashback visto nell’episodio 1) che Ser Arlan non abbia mai realmente nominato cavaliere Dunk. Tuttavia, nel corso dell’episodio 2, Ser Duncan l’Alto ottiene l’approvazione del principe Baelor e si assicura armi e sigillo propri.

Mentre compie tutti questi passi verso la piena cavalleria, Dunk riflette su chi fosse realmente Ser Arlan. L’episodio 2 si era aperto con scene del passato condiviso tra Arlan e Dunk. Alla fine dell’episodio, Dunk riconosce che Ser Arlan non era mai stato un campione e non aveva legami stretti, se non con il suo scudiero. Forse, in fin dei conti, non era stato un grande cavaliere.

Dunk amava il suo maestro come un padre. Tuttavia, dopo aver assistito ai primi eventi del torneo, Ser Duncan capisce di non voler seguire le orme di Arlan. Con il procedere di A Knight of the Seven Kingdoms, Dunk è determinato a diventare un cavaliere veramente grande, superando di gran lunga Ser Arlan. Naturalmente, se il suo sogno si realizzerà dipenderà da come si svolgerà il Torneo di Ashford.

Rian Johnson spera che il futuro di Star Wars dia spazio a “nuove voci e registi” per raccontare “nuove storie in quel mondo”

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Rian Johnson è “emozionato di vedere” cosa farà Kathleen Kennedy dopo essersi dimessa dalla guida di Lucasfilm. Kennedy, che ha preso in carico il franchise di Star Wars dopo che George Lucas l’aveva scelta personalmente per dirigere Lucasfilm 14 anni fa, ha annunciato il suo ritiro dallo studio all’inizio di questo mese. Al suo posto ci saranno Dave Filoni e Lynwen Brennan.

“Adoro Kathy. Non vedo l’ora di vedere cosa farà in futuro”, ha detto Johnson al Variety Studio presentato da Audible mentre era al Sundance. “Come fan di Star Wars, la cosa più emozionante per me è sempre vedere quando portano nuove voci e nuovi registi a raccontare nuove storie in quel mondo. È quello che non vedo l’ora di vedere accadere di più”.

Rian Johnson ha diretto Star Wars: Episodio VIII – Gli ultimi Jedi e ha dichiarato: “Mi sono divertito un mondo a farlo. Ora sono una fan di “Star Wars” ancora più grande di quanto non lo fossi quando ho iniziato. Mi sentirei fortunata se ciò dovesse mai accadere [di nuovo]”.

Kelly Marie Tran, che ha interpretato Rose Tico in Gli ultimi Jedi e L’Ascesa di Skywalker, era presente anche lei al Sundance per promuovere il nuovo film “Rock Springs”. Interrogata al Variety Studio su cosa significasse per lei la leadership di Kennedy, la Tran ha detto che è “una grande perdita” che il franchise di “Star Wars” la stia perdendo.

“Ha avuto una carriera incredibile”, ha detto la Tran. “Avere qualcuno che non è solo una donna, ma che è così capace di ricoprire quel ruolo per così tanto tempo, è una cosa storica. Penso che sia una grande perdita, ma sono molto felice per tutti i cambiamenti che sta apportando alla sua vita”.

Dopo Gli ultimi Jedi del 2017, Rian Johnson avrebbe dovuto sviluppare un’altra trilogia di “Star Wars”. Ma il progetto non è mai decollato e Johnson si è dedicato alla scrittura e alla regia della trilogia di Knives Out.

Avengers: Secret Wars, un rumor rivela perché la Marvel sta ritardando la decisione di dividere il film

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All’inizio di questa settimana è stato riportato un rumor secondo cui i Marvel Studios potrebbero dividere Avengers: Secret Wars in due parti. Se ciò dovesse accadere, questo film e Avengers: Doomsday diventerebbero una trilogia, e si può sostenere che il potenziale narrativo sia sufficiente per renderla un’opzione praticabile.

La Disney è desiderosa di produrre un numero maggiore di sequel, e il franchise degli Avengers rimane uno dei più grandi al mondo. Inoltre, ritardare la fine della Saga del Multiverso dà allo studio un po’ più di tempo per assicurarsi che il reboot di X-Men di Jake Schreier sia il migliore possibile.

Daniel Richtman ha ora condiviso oggi un aggiornamento a riguardo, affermando che la Marvel Studios prenderà una decisione sulla divisione di Avengers: Secret Wars in due parti in base al successo di Avengers: Doomsday, in uscita a dicembre.

Con le riprese del film dovrebbero iniziare durante l’estate, una decisione presa a fine dicembre o inizio gennaio non darebbe ai fratelli Russo molto tempo per cambiare i loro piani, anche se supponiamo che abbiano già trovato un modo per espandere questa storia nel caso si decida di attuare questa opzione, consentendo loro di cambiare rapidamente marcia e girare due blockbuster uno dopo l’altro.

Naturalmente c’è da considerare anche la disponibilità dei tanti attori coinvolti, interpreti molto noti e con agende ricche di impegni. Non tutti potrebbero avere la possibilità di protrarre il proprio impegno con Avengers: Secret Wars, per cui occorrerebbe un’organizzazione piuttosto elaborata e pianificata con molto preavviso. È dunque possibile che, nel caso si decida di dividere in due film, la decisione verrà in realtà presa molto prima ed eventualmente resa nota solo in seguito.

Creatives: ecco quando arriverà la prima serie TV prodotta da Seven Stars

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Si chiama CREATIVES, è tratta da una storia VERA e arriverà su PRIME VIDEO, APPLE TV, GOOGLE TV in ULTRA HD. È la prima produzione targata SEVEN STARS, la nuova casa di produzione che fa il suo debutto proprio con questa serie.

Sei episodi, di circa 45 minuti ciascuno, per raccontare la biografia di un organismo pulsante e vivo: il progetto ambizioso di giovani coraggiosi che si sono messi in gioco, hanno rischiato, hanno voluto imprimere nella loro società i valori che hanno insegnato loro a crescere e a diventare donne e uomini. Una storia vera, non filtrata, non edulcorata. Una storia italiana, ma universale.

Perché ovunque ci sono giovani che lottano per qualcosa di più di un mero posto di lavoro. E ovunque c’è bisogno di esempi che, anche cadendo, insegnano a volare.

CREATIVES sarà disponibile a partire dal 20 febbraio 2026 in ULTRA HD su PRIME VIDEO, APPLE TV, GOOGLE TV in ULTRA HD.

Creatives – la serie

Nel cuore di una provincia che sembra troppo stretta per contenere certi sogni, un manipolo di giovani fonda un’agenzia diversa da tutte le altre. Un luogo vivo, pieno di energia e di visione, dove si lavora con passione, si cresce per legami. Si sbaglia. Si cambia. Ci si rialza.

In poco tempo, questa squadra supera i 150 dipendenti, diventando un esempio nazionale di un nuovo modo di fare impresa, abbattendo gerarchie, costruendo un modello fondato su una sola, radicale convinzione: prima vengono le persone.

A guidarli c’è un giovane idealista, che mescola l’irruenza del punk con l’etica profonda dei suoi cartoni animati giapponesi preferiti. Accanto a lui, un gruppo di volti diversi, ognuno con una storia da raccontare.

Ma quando tutto sembra prendere il volo, arriva la caduta. La pandemia spazza via sicurezze e slanci. I clienti si fermano. Lo stato tace. Le promesse si rompono. Chi ha costruito tutto a suon di sacrifici si rifiuta di mollare. Si ostina a salvare ogni singola persona, come se ognuno fosse parte di un’unica famiglia. Ma l’amore, a volte, non basta. Eppure, anche nella sconfitta, resta qualcosa che non può essere cancellato: l’esempio.

CREATIVES è la storia vera di un gruppo che ha creduto fino in fondo che il lavoro potesse essere un atto creativo, affettivo, di necessario cambiamento. È il racconto di chi ha provato a cambiare le regole e ne ha pagato il prezzo. È una serie sulla forza dell’ossessione, sulla bellezza dell’errore, sull’umanità che resiste anche quando tutto crolla.

  • Regia: Davide Manganaro
  • Con: Michelangelo Vizzini, Giulia Schiavo, le Donatella e con Luca Ward, Barbara De Rossi
  • Durata: 6 episodi da 45 minuti cad.
  • Data di uscita: 20 febbraio 2026

Odissea: il nuovo trailer televisivo rivela Travis Scott al fianco di Tom Holland e Jon Bernthal

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Gli spettatori statunitensi che domenica hanno seguito la trasmissione della Fox della finale AFC della NFL tra i New England Patriots e i Denver Broncos hanno potuto vedere un nuovo spot televisivo del film Odissea di Christopher Nolan, che ha offerto un primo assaggio sullo schermo di Travis Scott nel prossimo film epico del regista.

Il breve teaser (ricondiviso poi su X) mostra Scott in piedi su un tavolo mentre attira l’attenzione di un gruppo di soldati. Tra i guerrieri ci sono Telemaco, interpretato da Tom Holland, e Menelao, interpretato da Jon Bernthal. Odissea è il primo film per il grande schermo del cantante candidato ai Grammy e, di conseguenza, il trailer è diventato immediatamente virale sui social media.

Nel trailer, il personaggio di Scott sembra raccontare una storia. Dice: “Una guerra, un uomo, un inganno. Un inganno per abbattere le mura di Troia”. Dopo una serie di clip, continua dicendo: “Sta bruciando, urlando a terra”. Da queste poche parole si può intuire che sta narrando le gesta di Odisseo e di quanto compiuto durante la guerra di Troia. Il film non è la prima collaborazione tra Scott e Nolan. Il musicista aveva già registrato “The Plan” per la colonna sonora del film di fantascienza Tenet del regista nel 2020.

Qui di seguito, ecco il trailer poi diffuso in modo non ufficiale su YouTube:

Quello che sappiamo sul film Odissea di Christopher Nolan

Il film vanta un ricco cast composto da Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Zendaya, Lupita Nyong’o, Robert Pattinson, Charlize Theron, Jon Bernthal, Benny Safdie, John Leguizamo, Elliot Page, Himesh Patel, Mia Goth e Corey Hawkins. Per quanto riguarda la trama, questa segue Odisseo, il leggendario re greco di Itaca, nel suo pericoloso viaggio di ritorno a casa dopo la guerra di Troia. La narrazione descrive i suoi incontri con esseri mitici come il ciclope Polifemo, le sirene e la maga Circe, culminando nel suo tanto atteso ricongiungimento con la moglie Penelope.

Ad oggi sappiamo unicamente che Matt Damon interpreta Odisseo, mentre Tom Holland è suo figlio Telemaco, Jon Bernthal è Menelao, Benny Safdie è Agamennone e Charlize Theron è la Maga Circe. L’identità dei personaggi degli altri interpreti è ad oggi segreta. Sappiamo inoltre che Nolan ha girato il film interamente in formato IMAX, avvalendosi di nuove tecnologie realizzate appositamente per Odissea. Il regista ha inoltre limitato quanto più possibile l’uso di CGI, con l’obiettivo di ricreare quanto più possibile in modo pratico l’epico mondo descritto da Omero con il suo poema epico.

Odissea sarà distribuito al cinema da Universal Pictures dal 16 luglio 2026.

Taika Waititi afferma che il suo Star Wars deve essere “più indipendente” e che “non vede l’ora” di vedere il Thor di Chris Hemsworth in Avengers: Doomsday

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Il film di Star Wars di Taika Waititi è in fase di sviluppo dal 2020, quando Disney e Lucasfilm hanno annunciato che il premio Oscar per Jojo Rabbit avrebbe diretto un nuovo film del franchise scritto dalla sceneggiatrice di 1917, Krysty Wilson-Cairns. Non ci sono stati grandi aggiornamenti nei sei anni successivi, ma l’interesse per il progetto si è recentemente riacceso dopo che Kathleen Kennedy, ex capo di Lucasfilm, ha dichiarato il film era “ancora in qualche modo vivo“.

Cosa ha in serbo Waititi per i fan di Star Wars? “Sto solo cercando di tornare indietro e di sfruttare un po’ di più il divertimento dei film originali, che è ciò che ricordo di loro”, ha detto a Variety al Sundance in occasione della première di Fing!

“La posta in gioco è molto alta e ci sono cose serie in corso, ma c’è anche molto divertimento in quei film. È questo che cercavo di riportare in auge”, ha continuato Waititi. “Cercavo di lavorare in un mondo un po’ diverso da quello, perché ci sono così tante cose in corso in quello spazio. Per me, fare qualcosa lì, avrebbe dovuto essere un po’ diverso e un po’ più autonomo”.

Kennedy ha confermato a Deadline, dopo aver annunciato la sua uscita dalla Lucasfilm, che Waititi ha “consegnato una sceneggiatura che trovo esilarante e fantastica. Non è solo una mia decisione, soprattutto ora che ho già messo piede fuori dalla porta”.

Taika Waititi ha anche espresso il suo interesse nel vedere l’imminente Avengers: Doomsday, che vedrà il ritorno di Thor. Il regista ha diretto due film con Chris Hemsworth e ha detto che non è imbarazzante saltare la prossima avventura cinematografica del Dio del Tuono, con i fratelli Russo che dirigono Hemsworth questa volta.

“Thor c’era prima di me”, ha detto Waititi. “Le cose che Chris e io abbiamo fatto e come lo abbiamo plasmato in quella nuova versione… è stato per il bene superiore del franchise nel suo complesso. Non vedo l’ora di vedere questi film di “Avengers”. Stavo guardando “Infinity War” ed “Endgame” proprio due settimane fa. Sono così belli. Sono un buon amico dei fratelli Russo e mi piacerebbe vedere cosa stanno facendo.”

Chris Pratt voleva un attore AI per il ruolo di Rebecca Ferguson nel thriller fantascientifico Mercy

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Rebecca Ferguson interpreta un’intelligenza artificiale chiamata a fare da giudice nel nuovo thriller fantascientifico Mercy – Sotto accusa (leggi qui la recensione), ma Chris Pratt inizialmente voleva che la parte fosse assegnata a Oprah Winfrey o, meglio ancora, a un attore AI.

Il film vede Pratt nei panni del detective Chris Raven, che si ritrova sotto processo per l’omicidio di sua moglie, Nicole Raven (Annabelle Wallis). Il tribunale stabilisce che gli imputati devono dimostrare la loro innocenza a un giudice AI in 90 minuti o meno, pena l’esecuzione. Chris trascorre la maggior parte del film legato a una sedia e interagendo con il giudice Maddox (Ferguson) mentre cerca di dimostrare che qualcun altro è responsabile della morte di sua moglie.

Durante un’intervista con Entertainment Weekly, Pratt ha ora rivelato che prima che Ferguson fosse scelta per il ruolo, aveva proposto che il giudice Maddox fosse interpretato da un attore AI o da Oprah. Quest’ultima idea lo attirava per il suo umorismo, ma si rese presto conto che nessuna delle due opzioni avrebbe funzionato bene.

Ricordo di aver parlato delle varie persone che avrebbero potuto interpretare questi personaggi e all’inizio ho detto: “Dovremmo usare un’intelligenza artificiale, in modo che il giudice sia effettivamente un’intelligenza artificiale, e crearne una?” E tutti hanno risposto: “No, non credo”. E io ho detto: “Sì, non credo che sia una buona idea”. Quindi in realtà non è mai stata una possibilità, così come non lo è qualsiasi altra cosa quando ti concentri su quale sarà il risultato e quali saranno le scelte che dovrai fare. È uno sforzo collaborativo”, afferma l’attore.

È stupido, sarebbe stato stupido. Non aveva senso e sono contento che non l’abbiamo fatto. Ma una delle mie proposte iniziali era: “E se il mio personaggio potesse scegliere il giudice, e io potessi scegliere Oprah, o chiunque altro volessi?”. Perché in fin dei conti è solo un volto su uno [schermo]. E pensavo che sarebbe stato divertente avere Oprah in quel ruolo. È come quando guardi le scene tagliate e pensi: “Sì, c’è un buon motivo per cancellare quella scena”, ha aggiunto.

Le riprese di Mercy – Sotto accusa sono terminate nel maggio 2024 e, sebbene il concetto di attori AI fosse già controverso e fosse stato uno dei temi oggetto di discussione durante lo sciopero SAG-AFTRA del 2023, da allora la questione si è ulteriormente aggravata. Ciò è dovuto in gran parte alla controversia su Tilly Norwood, in cui la società di produzione Particle 6 sta cercando di convincere gli studi a comprare la loro “attrice” creato dall’intelligenza artificiale generativa.

Sebbene inizialmente Pratt fosse favorevole all’idea che il giudice Maddox fosse interpretato da una vera IA, la sua posizione sembra essere cambiata drasticamente dopo quelle discussioni. Durante la premiere newyorkese del film, ha dichiarato a Variety: “Ho sentito questa storia di Tilly Norwood, penso che siano tutte stronzate. Non l’ho mai vista in un film. Non so chi sia questa stronza. È tutto falso finché non diventa realtà“. Ha anche detto all’AP che ”l’intelligenza artificiale è creata dall’uomo, quindi non può essere Dio“ e ”è intrinsecamente imperfetta, e lo sarà sempre, perché è creata dalla fragilità dell’uomo“.

Arco – un’amicizia per salvare il futuro: il trailer del film candidato agli Oscar 2026

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I Wonder Pictures in collaborazione con Unipol Biografilm Collection è lieta di portare nei cinema italiani dal 12 marzo il film di animazione ARCO – UN’AMICIZIA PER SALVARE IL FUTURO, diretto da Ugo Bienvenu, appena candidato agli Oscar® 2026 per la categoria Miglior Film d’Animazione.

Favola futurista ed ecologista, il film ha conquistato pubblico e critica a livello internazionale grazie al suo immaginario visionario, paragonato da alcuni all’opera di Hayao Miyazaki e dello studio Ghibli, e a una potente riflessione sul futuro del nostro pianeta.

Il film ha già collezionato numerosi premi, tra cui il prestigioso Cristal per il Miglior Lungometraggio all’edizione 2025 del Festival Internazionale del Film d’Animazione di Annecy, Miglior Film di Animazione agli European Film Awards, una candidatura ai Golden Globes 2026 nella categoria Miglior Film d’Animazione e, infine, è nella cinquina che concorre al premio più ambito del cinema mondiale.

Presentato in anteprima al Festival di Cannes e dopo l’anteprima nazionale a Lucca Comics & Games 2025, ARCO – UN’AMICIZIA PER SALVARE IL FUTURO vede protagonista un ragazzino di dieci anni proveniente da un lontanissimo futuro. Il suo mondo è sospeso tra le nuvole, le persone abitano in case autosufficienti costruite su alti piloni e la tecnologia è così avanzata che consente persino i viaggi nel tempo. Durante il suo primo salto temporale, il giovane Arco indossa una speciale tuta arcobaleno, un sofisticato dispositivo che permette di attraversare le epoche. Ma qualcosa va storto: Arco perde il controllo e precipita in un’epoca che per lui è il passato, ma che per noi è un futuro fin troppo vicino.

Ad accoglierlo è Iris, una ragazza della sua stessa età che vive in una grande metropoli dove le relazioni umane sono sempre più mediate dalla tecnologia. Tra i due nasce un legame profondo e inatteso, che spingerà Iris ad aiutare Arco a tornare a casa, in un viaggio emozionante che attraversa tempo e spazio.

Un racconto universale che interroga il rapporto tra progresso, ambiente e umanità, invitando a immaginare un futuro diverso. ARCO – UN’AMICIZIA PER SALVARE IL FUTURO di Ugo Bienvenu, un’opera di straordinaria bellezza e forza visionaria, sarà in sala dal 12 marzo distribuita da I Wonder Pictures in collaborazione con Unipol Biografilm Collection.

La trama di Arco – un’amicizia per salvare il futuro

E se gli arcobaleni fossero in realtà… dei viaggiatori del tempo? Arco ha dieci anni e viene da un lontanissimo futuro. Durante il suo primo viaggio con la tuta arcobaleno, perde il controllo e precipita in un tempo non suo. Iris, una ragazza della sua stessa età che lo ha visto cadere dal cielo, lo trova e decide di aiutarlo a tornare a casa. Sarà l’inizio di una colorata avventura per tutta la famiglia, tra Spielberg e Miyazaki, un’emozionante storia di amicizia premiata ad Annecy e candidata agli Oscar 2026 come Miglior Film d’Animazione.