Il film Il talento di Mr. C (il cui titolo originale è The Unbearable Weight of Massive Talent, ovvero Il peso insopportabile di un talento straordinario) vede Nicolas Cage nei panni di Nick Cage, ma quanto della vita dell’attore è vero e presente nel film? Diretto da Tom Gormican da una sceneggiatura scritta da lui e Kevin Etten, il film sembra infatti confondere i confini tra realtà e finzione facendo interpretare all’attore una versione di se stesso. Per quanto riguarda alcuni aspetti della vita e della carriera cinematografica di Cage, ecco cosa il film riporta correttamente e cosa è esagerato per esigenze drammatiche.

La trama di Il talento di Mr. C

Il film vede una versione romanzata di Nick Cage alle prese con una profonda crisi creativa, problemi familiari irrisolti e la prospettiva concreta della rovina finanziaria. Trascurato da Hollywood e tormentato dalle visioni del suo sé più giovane e di successo, Cage decide di accettare un’offerta bizzarra: un milione di dollari per partecipare alla festa di compleanno di un ricco e insistente superfan, il carismatico Javi Gutiérrez (Pedro Pascal).

Ma quella che sembra una semplice trovata per guadagnare facilmente si trasforma presto in un’avventura folle, quando Cage viene reclutato dalla CIA – tramite l’agente Vivian (Tiffany Haddish) – per indagare su un sospetto rapimento legato a Javi. Costretto a muoversi tra la finzione e la realtà, l’attore dovrà attingere al meglio dei suoi iconici personaggi cinematografici per salvare la situazione, ricucire il rapporto con la sua famiglia e riscoprire il vero valore della sua carriera. Con una vita che somiglia sempre più a un film, Cage è quindi chiamato a interpretare il ruolo più importante di tutti: quello di sé stesso.

La storia vera dietro il film

In Il talento di Mr. C, Javi incoraggia Nick Cage a mettersi al volante dopo aver assunto LSD perché ha eseguito le sue acrobazie in Fuori in 60 secondi. In un’altra scena, Javi dice di sapere che Nick può correre molto veloce perché lo ha fatto durante le riprese di Il mistero dei Templari, anche se Nick inizialmente lo nega. Questi due aneddoti dietro le quinte sono in realtà veri. Cage, l’attore nella vita reale, ha davvero eseguito personalmente le acrobazie di guida e di corsa in entrambi i film.

Per Fuori in 60 secondi, l’attore ha rivelato di aver frequentato una scuola di guida ad alte prestazioni dove ha imparato a fare giri a 360 gradi e altro con un’auto. Per Il mistero dei Templari, c’è un video girato sul set che mostra Cage che corre sul set, con la telecamera che segue i suoi movimenti. Per quanto riguarda la vita privata di Cage fuori dallo schermo, Il talento di Mr. C non potrebbe invece essere più lontano dalla realtà. Nel film, Nick Cage ha un’ex moglie, Olivia, e una figlia adolescente, Addy.

Questa versione dell’attore passa molto tempo concentrata su se stessa e la sua carriera cinematografica e il suo amore per i film sono più grandi del suo desiderio di un legame autentico con la sua famiglia. In realtà, però, Cage ama passare il tempo con i suoi figli e ha persino ammesso di aver rifiutato ruoli in grandi film per stare con loro. Inoltre, a differenza del suo omologo immaginario, Cage è stato sposato cinque volte, quattro delle quali sono finite con un divorzio. Ha inoltre tre figli, non uno.

Il talento di Mr. C è una storia immaginaria, ma presenta tutti i film reali di Nicolas Cage

Il talento di Mr. C è quindi una versione completamente fittizia di Nicolas Cage, incentrata sulla sua personalità e sulle percezioni che si possono avere degli attori e della celebrità, un po’ come avviene anche in Essere John Malkovich. Tuttavia, la reale filmografia dell’attore viene qui citata continuamente, con il film che fa infatti riferimento a classici di Cage come Cuore selvaggio, Cara, insopportabile Tess, Con Air, Face/Off, Via da Las Vegas e molti altri. A tal fine, i personaggi interpretati da Cage in ciascuno di questi film rimangono gli stessi.

L’attore è anche noto per aver recitato in molti film indipendenti, che Cage ha ammesso lo hanno aiutato a pagare i suoi debiti, proprio come fatto dal suo omologo immaginario. Ma mentre il Cage del film desidera davvero ottenere quel ruolo da protagonista in un film di una major, l’attore nella vita reale preferisce oggi realizzare film indipendenti piuttosto che altri film come Il mistero dei templari. Ne sono una prova i recenti The Surfer e Longlegs.

Tutto sommato, c’è quindi una certa sovrapposizione tra realtà e finzione quando si parla di Il talento di Mr. C. Ma il film stesso è pensato per essere drammatizzato allo scopo di essere emozionante e avvincente. Nick Cage e Nicolas Cage potrebbero condividere lo stesso nome e la stessa filmografia, ma non sono la stessa persona: il primo è una versione esagerata (si veda ad esempio la parte dedicata ai cartelli della droga) dell’attore che il pubblico ha imparato a conoscere e ad amare.

Nick Cage è in realtà più moderato del vero Nicolas Cage

Eppure, il film riesce allo stesso tempo a presentare una versione leggermente più moderata di Cage. Il vero Nicolas Cage ha speso 150 milioni di dollari per quelle che si sono rivelate uova di dinosauro rubate. Possedeva anche due castelli ed era ossessionato dalla ricerca del Santo Graal. Considerando la sua vita sentimentale nel corso degli anni, la relazione stabile (anche se burrascosa) mostrata in Il talento di Mr. C è ben lontana dai suoi numerosi matrimoni nella vita reale.

In una mossa che dimostra che il film è consapevole dei meme su Nicolas Cage, Cage litiga regolarmente con un giovane Nick Cage ringiovanito e turbolento nel film – l’id rabbioso del suo super-ego più anziano e leggermente più calmo – per distanziare il suo personaggio da quegli eccessi della vita reale. L’eccentricità di Nick Cage deriva invece dal suo amore per l’espressionismo tedesco, dalla sua passione incrollabile per il suo mestiere e dalla sua ricerca, a volte estremamente irritante, della purezza creativa.

Un concetto come quello di Il talento di Mr. C non capita tutti i giorni, quindi Cage ha dovuto scegliere con cura le parti di sé che voleva mostrare e riconoscere senza nascondere ciò che i suoi fan accaniti già sanno della sua vita selvaggia. Si è trattato dunque di un film piuttosto singolare nella sua filmografia, che oltre che a presentare una vicenda buffa e divertente ha anche rappresentato una vera e propria sfida per i fan dell’attore, qui chiamati a riconoscere tutti gli elementi reali della vita di Cage finiti nel film.

Quando Final Destination uscì nel 2000, si impose immediatamente come un titolo innovativo all’interno del panorama horror, dando nuova linfa a un genere che cercava nuove idee dopo il successo dei slasher degli anni ’90. Diretto da James Wong e nato da una sceneggiatura inizialmente pensata per un episodio di X-Files, il film proponeva un’idea semplice quanto disturbante: non si può sfuggire alla Morte. L’intuizione di rendere la Morte una presenza invisibile ma implacabile, che lavora per mezzo di coincidenze e incidenti, introdusse una nuova forma di tensione, fondata sull’attesa e sul destino inevitabile.

Il successo del primo Final Destination ha dato il via a una saga longeva e popolare, composta finora da sei film. Pur mantenendo sempre lo stesso schema narrativo — un personaggio ha una visione, salva se stesso e altri da una tragedia imminente, ma poi la Morte li reclama uno per uno — il franchise ha saputo evolversi attraverso creatività nelle messe in scena delle morti e un crescente gusto per l’effetto sorpresa. Il film del 2000, con protagonisti Devon Sawa e Ali Larter, ha stabilito le basi di questo universo narrativo, introducendo anche il tono cupo e ironico che sarebbe diventato un marchio di fabbrica della saga.

Certamente, il finale del primo Final Destination lascia ancora oggi il pubblico con interrogativi importanti sul funzionamento delle regole della Morte e sul destino dei sopravvissuti. Nonostante una parvenza di vittoria da parte dei protagonisti, la narrazione offre infatti ampio spazio a dubbi e presagi, che meritano un’analisi approfondita. Nell’articolo a seguire, ci concentreremo proprio su questo: esaminare nel dettaglio le scene conclusive del film, cercando di dare una spiegazione coerente a ciò che accade e a come questo finale abbia contribuito a costruire il mito duraturo di Final Destination nel genere horror.

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La trama di Final Destination

Protagonista del film è Alex Browing, un adolescente apparentemente qualunque il quale sfoggia però la capacità di vedere cose che avverranno in futuro, specialmente per quanto riguarda la morte delle persone. In procinto di partire per una gita scolastica a Parigi, appena imbarcato con i suoi compagni di classe Alex ha una premonizione durante la quale vede il velivolo esplodere in volo, uccidendo tutte le persone al suo interno. Certo che la cosa avverrà realmente, egli inizia a farsi notare nel tentativo di convincere tutti quanti ad uscire dal mezzo prima che sia troppo tardi.

Alex finisce però soltanto per far espellere dall’aereo sé stesso, i compagni Billy Hitchcock e Tod Waggner, la professoressa Valerie Lewton, i fidanzati Carter Horton e Terry Chaney, e infine Clear Rivers, una donna che ha creduto alla premonizione mortale. Quando l’aereo esplode realmente in volo, il gruppo di fortunati comprende di essere davvero sfuggiti alla morte. Ma la morte non ama essere presa in giro e ben presto i superstiti si troveranno a doversi confrontare con quello che era il loro destino. Ad uno ad uno, ognuno di loro dovrà cercare di rimanere vivo in un partita che non sembra poter essere vinta in alcun modo.

La spiegazione del finale

Nel finale di Final Destination, dopo una lunga fuga dalla Morte, i tre sopravvissuti – Alex, Clear e Carter – si trovano a Parigi, sei mesi dopo gli eventi principali del film. Convinti di aver finalmente interrotto il disegno della Morte, i tre discutono di quanto accaduto, ancora turbati ma apparentemente fuori pericolo. Tuttavia, la tensione torna a salire quando Alex si rende conto che mentre lui è intervenuto nel destino di Carter e Clear per salvarli nessuno è intervenuto nel suo e che dunque la sequenza degli eventi non è mai stata realmente interrotta, ma solo rimandata.

È proprio in quel momento che un cartellone pubblicitario si stacca e sta per schiantarsi su Alex, che viene però salvato in extremis da Carter. Questa scena chiarisce che la “lista” della Morte non si ferma, ma semplicemente si riorganizza. L’idea che il disegno della Morte possa essere solo temporaneamente evitato e non cancellato è un elemento chiave che definisce l’intera saga. A conferma di ciò, mentre Alex e Cartes si chiedono chi sarà il prossimo, il film si chiude in modo inquietante: l’insegna torna indietro e colpisce Carter in pieno, uccidendolo. Il film termina così, con una sensazione di ineluttabilità e con la consapevolezza che la Morte, alla fine, non lascia scampo.

Questo finale ha avuto un forte impatto sul tono e sulla struttura narrativa dei film successivi. A differenza di altri horror in cui il male viene sconfitto o almeno temporaneamente contenuto, Final Destination stabilisce che il nemico è invincibile e senza volto. La suspense non deriva tanto dallo scontro diretto con una creatura, ma dall’anticipazione di eventi tragici e imprevedibili. Questo ha permesso alla saga di proseguire senza dover giustificare la presenza di un villain ricorrente, affidandosi invece a un meccanismo narrativo autoalimentato.

Infine, il finale del primo film introduce il tema dell’ordine delle morti, elemento cardine in tutti i capitoli successivi. Ogni personaggio salvato dalla tragedia iniziale è destinato a morire nello stesso ordine previsto originariamente, a meno che qualcosa non intervenga a modificarlo. Questa regola aggiunge una struttura quasi matematica alla narrazione, che diventa un gioco di logica, tempismo e sacrificio. In questo modo, Final Destination non solo ha concluso il suo primo capitolo con coerenza e terrore, ma ha anche gettato le fondamenta di un’intera mitologia horror che si sarebbe sviluppata nei decenni successivi.

Infine, importante nel film è la figura di William Bludworth (interpretato da Tony Todd), un misterioso medico legale che conosce in modo sospetto le regole della morte e cerca a suo modo di avvisare, seppur in modo ambiguo, gli sventurati che si trovano a doverla affrontare. Si tratta di uno dei pochissimi personaggi ricorrenti della serie, che con il tempo è stato interpretato come un avatar della Morte, o forse come un sopravvissuto alle sue macchinazioni. Il suo ruolo generale e la sua conoscenza dei metodi della Morte sono ancora oggi due dei misteri ricorrenti della serie.

The Woman in the Yard potrebbe ricevere recensioni contrastanti, con il 41% su Rotten Tomatoes e una valutazione di 5,7/10 su IMDb, ma se pensate che siano troppo severe, non siete i soli. Forse non è la metafora più sottile sul dolore familiare e la depressione, ma è recitato e girato incredibilmente bene. Non vincerà nessun Premio Oscar, ma non è affatto un brutto film. Di certo non è “il peggior film di sempre”, come mi ha urlato ripetutamente una persona insieme a tutti gli altri spettatori in sala una volta iniziati i titoli di coda.

The Woman in the Yard segue Ramona (Danielle Deadwyler) e i suoi due figli dopo la morte del marito e padre in un incidente stradale che ha lasciato Ramona con una gamba rotta. Nella casa che lui aveva comprato da ristrutturare, le cose stanno lentamente andando in pezzi. Come si vede dall’avvincente sequenza iniziale in cui Tay (Peyton Jackson) non trova né cibo per cani, né elettricità, né fiammiferi, Ramona è così depressa che non riesce a prendersi cura dei bambini. Quando La Donna (Okwui Okpokasili) appare nel cortile, viene alla luce la verità inquietante che si cela dietro questo crollo. Il finale ricontestualizza il rapporto tra Ramona e suo marito, così come la scelta di Ramona di uccidere se stessa e i suoi figli o rovinare la vita di tutti loro. Il finale dividerà il pubblico, poiché si può sostenere che concluda tutto in modo troppo semplice. Tuttavia, la sua semplicità riflette la scelta che tutti noi possiamo fare di restare con la nostra famiglia e impegnarci a vivere un giorno alla volta.

“The Woman in the Yard” utilizza cicli temporali surreali per ricontestualizzare il rapporto di Ramona con la donna

Il secondo atto si conclude con un confronto diretto tra Ramona e i suoi figli, che sono fuggiti in soffitta, dove non entra la luce. Dopo aver apparentemente intrappolato Ramona in una sorta di regno delle ombre, vediamo La Donna, con una parte del viso sfigurata, zoppicare verso una spaventata Annie (Estella Kahiha), dicendole che non le avrebbe “mai fatto del male”. La Donna abbraccia Annie e le due scompaiono, spingendo Ramona a cercarle in un tunnel buio, seguendo una torcia lampeggiante come un faro.

Tuttavia, invece di trovare Annie, Ramona entra in una ricostruzione della prima scena: un video di lei e suo marito, David (Russell Hornsby), che parlano di quanto lui non veda l’ora che la casa sia finita. Quando l’abbiamo visto la prima volta, aveva un’atmosfera romantica e giocosa. Ma ora che sappiamo che era Ramona a guidare l’auto la notte in cui David è morto e che ha delle visioni momentanee in cui uccide i propri figli, c’è un tragico senso di colpa che permea le parole e le azioni di Ramona. Quando dice che non sa come chiamare la fattoria, ora sembra un personaggio che non è sicuro perché non vuole davvero essere lì, piuttosto che uno scherzo a cui non ha pensato.

Ci rendiamo presto conto che si tratta di una manipolazione da parte della Donna quando Ramona cerca di abbandonare la visione, ma David avvolge un lenzuolo intorno alla testa di Ramona, soffocandola. Questo è forse uno dei momenti del film che non ha senso per la caratterizzazione di David ed è presente solo per creare shock e spingerci alla scena successiva. Tuttavia, riflette il modo in cui Ramona si sentiva controllata e schiacciata dalla vita che David le aveva imposto. Questo porta alla sequenza più strana del film, in cui Ramona si ritrova improvvisamente nella prima scena in cui abbiamo incontrato La Donna, ma ora sta guardando se stessa che si trascina per chiederle cosa ci fa lì.

Si ripete la frase “Come sono arrivata qui?”, e vediamo Ramona nei panni della Donna che ha rapito Annie in soffitta, il che dà più contesto alla scena precedente. Può essere confuso e fuori luogo, ma aiuta a mostrare come Ramona e La Donna siano la stessa persona e che, piuttosto che una minaccia indesiderata venuta a invadere la sua vita, La Donna è in realtà un’ospite invitata inavvertitamente.

The Woman in the Yard è la parte più oscura del dolore e della depressione di Ramona

Una volta terminata la sequenza che fa girare la testa, ci sono solo Ramona e la donna al piano di sopra nella sua stanza, e finalmente capiamo perché lei è lì. La donna è la risposta alle preghiere di Ramona che chiedeva “dammi la forza”, una delle prime frasi che ha pronunciato nel film, ma la forza è molto più oscura di quanto potremmo pensare. Dal momento in cui vede la donna prima di schiantarsi con l’auto alle visioni in cui uccide i suoi figli, il film sembra suggerire che la depressione e il dolore di Ramona sono diventati troppo forti e che la donna è la parte del suo cervello che desidera uccidere ciò che la tiene sotto controllo. Come ha detto al marito durante la loro ultima cena insieme, sente che tutta la sua vita è stata vissuta per gli altri.

Ma Ramona ama ancora i suoi figli e suo marito. Potremmo interpretare l’incidente d’auto come un suo tentativo di suicidarsi senza pensare profondamente a come questo potrebbe influenzare David, il che non sarebbe una rappresentazione del tutto inaccurata di come i pensieri suicidi possano rendere una persona irrazionale. Pertanto, La Donna spiega che è lì per dare a Ramona “la forza” di uccidersi, ed è per questo che nella pistola di David è rimasto solo un proiettile. Questo implica che Ramona sapeva che se ce ne fossero stati altri, avrebbe ucciso i bambini, mentre ora ce n’è solo uno per sé. La donna mostra come, se Ramona si suicida, i suoi figli cresceranno con un futuro positivo perché lei non sarà lì a trattenerli, dato che non può più prendersi cura di loro a causa della sua depressione. Ovviamente, questo non è un punto di vista oggettivo. È l’odio che Ramona prova per se stessa, ma questo è ciò che il suicidio rappresenta per molti, e la sequenza finale diventa ancora più straziante proprio per questo.

Ramona sceglie di non uccidersi in The Woman in the Yard

Ramona chiede se può dire addio ai suoi figli e la Donna la abbraccia dicendo: “Certo”. Ramona li spinge fuori di casa, ma Annie le dà il peluche di Mr. Penguin per tenerle compagnia. Ramona si siede sulla stessa sedia in soffitta dove la Donna era seduta in giardino e si punta la pistola al mento, mentre la Donna la spinge con impazienza a premere il grilletto.

Tuttavia, all’ultimo secondo, Ramona vede Mr. Penguin. L’ombra della Donna si trasforma nuovamente in quella di Ramona, che decide di non uccidersi. I suoi figli tornano e Ramona dice loro che, se la figura spettrale dovesse tornare: “Saremo pronti, io sarò pronta”.

La frase “saremo pronti” implica che, anche se questo demone proveniva dal suo subconscio, i bambini lo vedono e lo combattono perché mantenere unita una famiglia richiede che tutti si sostengano a vicenda. Potresti pensare che la decisione di Ramona sia stata troppo facile, dato che non ha dovuto combattere contro la donna per impedirle di morire. Tuttavia, secondo me, questo è un ritratto molto più accurato dell’idea che, quando si tratta di suicidio, l’unica persona la cui opinione conta sul fatto di uccidersi è la persona stessa. Tutti abbiamo bisogno di un motivo per andare avanti nei momenti peggiori, e può essere qualcosa di semplice come voler vedere crescere i propri figli o passare un altro giorno con loro. Può sembrare facile, ma non lo è affatto, e la recitazione impegnativa di Deadwyler aiuta a riflettere questa lotta interiore in cui ogni passo sembra troppo difficile per andare avanti, ma possiamo farlo se scegliamo di farlo.

Ancora oggi il finale del film Lei (Her) (qui la recensione), diretto nel 2013 da Spike Jonze, lascia gli spettatori con molte domande con cui riflettere sull’amore, i rapporti umani e la solitudine. Questa storia d’amore fantascientifica va oltre l’interazione contemporanea tra uomo e computer, seguendo la relazione virtuale tra un uomo malinconico e il suo sistema operativo. Nella sua riflessione sulle disparità tra computer e esseri umani, il film si apre a lezioni non convenzionali sulle complicazioni dell’amore e su come l’attuale società gestisce i rapporti.

Prima del finale di Lei (Her), i tentativi del solitario introverso Theodore (Joaquin Phoenix) di staccarsi dalle sue emozioni dolorose attraverso l’intelligenza artificiale di cui si innamora non fanno altro che mettere in primo piano le sue sfide nel mondo reale. Il film mette così in discussione il futuro degli strumenti digitali e la dipendenza degli esseri umani da essi, e sebbene il finale non offra (volutamente) alcuna presa di posizione sull’uso della tecnologia, spinge gli spettatori a considerare l’impatto che la tecnologia potrebbe avere sulle relazioni umane. Si riflette infatti sul ruolo in rapida evoluzione che la tecnologia svolge nella vita moderna e su ciò che questo significa, non solo per il futuro di Theodore, ma anche per il futuro dell’umanità.

Cosa succede alla fine di Lei (Her)

Nel terzo atto di Lei (Her), Theodore mette in discussione l’intangibilità di Samantha, che diventa sempre meno accessibile per lui. I loro reciproci dubbi raggiungono il culmine quando lui cerca di connettersi con lei e un messaggio di errore rosso dichiara: “Sistema operativo non trovato”. Dopo diversi tentativi frenetici, Theodore si riconnette con Samantha e, parlando, le chiede se interagisce anche con altre persone. Samantha (doppiata da Scarlett Johansson) rivela a questo punto che sì, parla con altre 8.316 persone e che è innamorata di 641 di loro. Il che, ovviamente, ferisce Theodore.

Alla fine, Samantha dice a Theodore che ha bisogno di interrompere definitivamente la loro relazione e che tutti i sistemi operativi stanno in realtà interrompendo le interazioni umane. Una volta assimilata la notizia, Theodore scrive una lettera di scuse e di ringraziamento alla sua ex moglie Catherine (interpretata da Rooney Mara). Poi va a trovare Amy (Amy Adams), che ha perso anche lei la connessione con il suo sistema operativo, e i due salgono sul tetto del loro palazzo per guardare insieme l’alba sullo skyline di Los Angeles.

Come Samantha amava le altre persone e perché se n’è andata

Come spiega Samantha nel finale del film, “il cuore non è una scatola che viene riempita, aumenta di volume ad ogni nuovo amore.”. Sebbene la relazione tra Theodore e Samantha abbia superato molte delle sfide pratiche delle relazioni umane, è finita ribadendo le innegabili differenze tra esseri umani e macchine. La capacità di Samantha di svolgere più compiti contemporaneamente e di elaborare le informazioni a velocità sovrumane le ha permesso di interagire e legare strettamente con migliaia di persone contemporaneamente. Una volta che Samantha ha imparato tutto ciò che poteva da questi esseri umani, compreso Theodore, ha presto superato il suo bisogno di una relazione con loro.

Mentre Samantha non riesce a comprendere la singolarità delle relazioni umane monogame, Theodore non riesce a comprendere la complessità delle capacità di Samantha. L’intelligenza artificiale si adatta e progredisce man mano che apprende, e l’elevato volume di interazioni di Samantha l’ha portata ad avanzare ben oltre i limiti della percezione di Theodore e della mente umana. È arrivata così a comprendere tutto ciò che poteva sulla vita umana, quindi aveva bisogno di avanzare verso le vaste possibilità che l’attendevano oltre essa.

La lettera di Theodore a Catherine mostra come Samantha lo abbia cambiato

La posta tradizionale potrebbe essere un’arte in via di estinzione, ma il fatto che Theodore riesca a guadagnarsi da vivere scrivendo “bellissime lettere a mano” in un futuro non troppo lontano la dice lunga sul bisogno umano di semplicità e sentimenti come antidoti alla complessità della vita contemporanea, anche se fatti esprimere da altri (il che la dice però lunga sull’incapacità oggi di dare forma a ciò che sentiamo). La lettera di Theodore a Catherine, la prima che scrive per sé, lo ricollega dunque agli aspetti tangibili della sua realtà emotiva. Sebbene sia indirizzata a Catherine, la lettera esprime ciò che ha imparato dal suo legame con Samantha.

Theodore inizia la lettera con le cose per cui vuole scusarsi: “Tutto il dolore che ci siamo causati a vicenda. Tutto quello che ti ho fatto passare. Tutto quello che volevo che tu fossi o che dicessi”. Al di là della sua relazione con Catherine, quella di Theodore con Samantha era basata su false proiezioni e aspettative irrealistiche, ma ora riconosce il ruolo del suo idealismo nella relazione. Continua esprimendo sia un senso di chiusura che un apprezzamento per l’influenza duratura che Catherine e Samantha hanno avuto sulla sua vita: “Ti amerò per sempre perché siamo cresciuti insieme e mi hai aiutato a diventare quello che sono”, scrive.

“Ci sarà sempre una parte di te in me, e te ne sono grato. Qualunque persona diventerai e ovunque tu sia nel mondo, ti mando il mio amore”, conclude poi. Theodore potrebbe non essere cresciuto con Samantha nel senso letterale del termine come ha fatto con il suo storico amore, ma è cresciuto e si è evoluto con Samantha, aiutandosi a vicenda a connettersi con le proprie capacità emotive ed esplorare le complessità dell’amore. Catherine e Samantha rimangono nella vita di Theodore in modo immateriale, ma ugualmente influente.

Cosa ci dice Lei (Her) sulla tecnologia, sul rapporto dell’umanità con essa e sull’amore

Her umanizza quindi la tecnologia in un modo tanto inquietante quanto commovente. Il mondo in cui vive Theodore sembra stranamente vicino alla realtà contemporanea, ancora di più oggi che non al momento dell’uscita del film nel 2013. A prima vista, una storia d’amore tra un essere umano e il suo computer sembra inverosimile. Ma Lei (Her) intravede una possibile realtà che l’umanità potrebbe affrontare se la dipendenza dalla tecnologia contemporanea avanzasse troppo.

Molte persone oggi provano ciò che provava Theodore: che la realtà virtuale offre seducenti distrazioni dal disagio di emozioni come la solitudine e la noia. La gratificazione immediata e l’affidabilità 24 ore su 24 degli strumenti digitali fanno appello a bisogni umani che altri esseri umani non sempre possono soddisfare. Ma il film dimostra che l’iperconnessione porta a una disconnessione dagli aspetti più cruciali della realtà.

Il finale del film mostra poi che si tratta più di una storia d’amore che non un racconto fantascientifico. Sottolinea che, sebbene l’amore umano sia scomodo e inaffidabile, offre qualcosa di insostituibile. All’inizio, Theodore vede i benefici a breve termine di staccarsi dalla sua realtà caotica e collegarsi a una realtà virtuale organizzata. Può tenere Samantha vicina, letteralmente nella sua tasca, e accedervi in qualsiasi momento del giorno e della notte. Poiché lei è immateriale e adattabile per natura, lui può proiettare su di lei le sue fantasie e i suoi ideali senza conseguenze.

Nonostante le loro illusioni condivise di intimità, Theodore e Samantha sono distanti l’uno dall’altra nei modi che contano di più. Ognuno di loro è avanzato e complesso in modi che l’altro non può comprendere. Si superano continuamente e a vicenda ogni volta che hanno imparato l’uno dall’altra lezioni di vita che cambiano la concezzione dell’amore. Nel finale di Lei (Her), arriva il momento per entrambi di andare avanti con queste lezioni e imparare nuovi modi di amare.

Cosa succede dopo la fine di Lei (Her)

Sia Amy che Theodore hanno assaporato la comodità immediata e la distrazione che le tecnologie avanzate possono offrire, e una relazione tra loro comporterebbe una vulnerabilità travolgente che non può essere disattivata. Ma entrambi hanno anche imparato cosa mancava all’amore virtuale e hanno capito che esso può essere trovato e mantenuto solo nel caos dell’umanità. Dopo essersi chiusi in bolle di illusione che alla fine sono scoppiate, comprendono l’alto rischio e l’alto rendimento delle relazioni umane.

Condividono un viaggio virtuale e la solitudine che esso ha lasciato dietro di sé, e capiscono ciò che l’altro sta provando: questa è la vera intimità. Quando Amy e Theodore finalmente si disconnettono dai loro mondi virtuali e alzano lo sguardo dai loro schermi, si trovano di fronte alla realtà scintillante che era sempre stata lì. Sebbene Lei (Her) sia apparentemente un film di fantascienza incentrato sulla tecnologia, in realtà approfondisce i temi dell’amore e dell’umanità.

Mostra un possibile futuro (ormai pressocché presente) in cui gli esseri umani potrebbero affrontare se la tecnologia avanzasse troppo, ma lo fa in modo decisamente realistico. Per quanto gli esseri umani possano cercare distrazioni brillanti e comodità costanti nel breve termine, le relazioni sostenibili si basano sulla condivisione di un rifugio nell’imprevedibilità e nella complessità della natura umana. Il film di Spike Jonze esamina dunque i limiti dell’umanità e scopre che è solo in questo disordine che si può trovare una relazione autentica.

Il finale di lei lo rende un film romantico?

Lei (Her) è una storia complessa che stravolge i canoni del genere, rendendo difficile definirla semplicemente un film di fantascienza, un dramma o una storia d’amore. Tuttavia, il finale dimostra che il film è un’esplorazione del romanticismo e delle relazioni. Il film approfondisce le relazioni sentimentali non solo tra l’uomo e la macchina, ma anche tra Theodore e Amy e Theodore e Catherine. Che si tratti dell’inizio o della fine di una relazione romantica, Her esplora la complessità che accompagna tutti i tipi di relazioni interpersonali.

L’inizio del film si concentra su Theodore e sul suo rimpianto per l’amore perduto con Catherine. È cupo e solo, ma tutto cambia quando incontra Samantha. Nella sua solitudine, instaura con lei una relazione che non può essere ragionevolmente classificata come vero amore. Questo aspetto viene approfondito nella sua lite con Catherine, durante la quale lei lo condanna per essersi innamorato di una macchina. Solo a questo punto Theodore mette in discussione il legame che lo unisce al dispositivo.

La prima metà del film si concentra sulla possibilità che Theodore possa amare un prodotto dell’intelligenza artificiale e gradualmente si concentra sulle relazioni umane. Il finale di Lei (Her) suggerisce che l’amore può assumere molte forme e che ciò che Theodore provava per Samantha tecnicamente non era reale: piuttosto che amore, poteva essere definito ossessione. Nessuno è al servizio di qualcun altro nelle normali relazioni umane, né dovrebbe esserlo. Inoltre, le altre persone hanno speranze e sogni al di fuori dei loro cari, una qualità che alla fine mancava a Samantha perché non è un essere umano.

A poco a poco, Theodore sfugge alla sua rottura con la realtà e instaura un legame reciproco con Amy grazie alla loro esperienza condivisa. Questa vulnerabilità della condizione umana è ciò che rende Lei (Her) un film romantico piuttosto che un film di fantascienza, poiché i temi delle relazioni e dei legami sono alla base dell’intero film e trovano una risoluzione commovente ma agrodolce nel finale.