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Fast & Furious 8: la spiegazione del finale del film

Gianmaria Cataldo
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Fast & Furious 8: la spiegazione del finale del film

Fast & Furious 8 (il cui titolo originale è The Fate of the Furious), uscito nel 2017, rappresenta un punto di svolta nella celebre saga automobilistica iniziata nel 2001. Diretto da F. Gary Gray, il film continua a esplorare l’universo dei corrieri ad alta velocità e delle operazioni criminali internazionali, ma introduce novità significative sia nella narrazione sia nel cast. La trama ruota attorno a Dominic Toretto, che tradisce apparentemente la sua famiglia per unirsi a un misterioso antagonista noto come Cipher, una cyber-terrorista internazionale interpretata da Charlize Theron. Questo tradimento interno aggiunge una nuova dimensione di conflitto emotivo e morale, spostando l’attenzione dal semplice azione-spettacolo a dilemmi personali e dinamiche di fiducia.

Il film amplia ulteriormente la portata globale della saga, ambientando sequenze d’azione in luoghi iconici come Cuba, Islanda e New York, e introduce personaggi nuovi che arricchiscono il gruppo già consolidato: l’agente dell’MI6 Mr. Nobody (Kurt Russell) assume un ruolo chiave nell’operazione per fermare Cipher, mentre la hacker Ramsey (Nathalie Emmanuel) diventa centrale per le sequenze tecnologiche ad alta tensione. La presenza di Cipher come villain con motivazioni complesse segna un cambio di paradigma: non si tratta più solo di corse e rapine, ma di minacce globali e manipolazioni sofisticate.

Tematicamente, Fast & Furious 8 continua a esplorare i valori ricorrenti della saga, come la famiglia, la lealtà e il senso di comunità, ma li arricchisce con questioni di tradimento, controllo e redenzione. La tensione narrativa nasce proprio dal dilemma centrale: come reagire quando il leader del gruppo, il simbolo stesso della fiducia familiare, sembra diventare nemico? Allo stesso tempo, il film anticipa dinamiche e sviluppi che saranno fondamentali nei successivi sequel, preparando il terreno per la lotta contro Cipher e le sfide globali che attendono Dominic e la sua squadra. Nel resto dell’articolo si analizzerà in dettaglio il finale del film, spiegando come chiude questa fase della saga e allo stesso tempo apre le porte ai capitoli successivi.

Fast & Furious 8 cast

La trama di Fast & Furious 8

Con l’uscita di scena di Brian, allontanatosi dall’ambiente per vivere in tranquillità con la propria famiglia, tutti i membri della squadra sembrano aver trovato un nuovo equilibrio. Il letale Deckard Shaw è infatti stato consegnato alla giustizia, e Dominic Toretto può finalmente godersi la sua luna di miele con la ritrovata compagna Letty. La sua pace dura però ben poco, spezzata nel momento in cui riceve la chiamata di quella che si presenta come Chiper, una letale terrorista. Questa avverte Toretto di aver rapito la sua ex fiamma, Elena Neves, e il figlio avuto da lei. Se vuole che vengano rilasciati incolumi, egli deve aiutarla in misterioso e controverso piano.

Toretto si ritrova così a dover tradire il suo gruppo, venendo inevitabilmente accusato di complicità con Chiper. Alle sue calcagna si porranno dunque gli amici di sempre, tra cui l’inarrestabile Luke Hobbs. Ben presto però questi capiscono però che non riusciranno a fermare la terrorista da soli, ed è così che devono rivolgersi al loro acerrimo nemico: Deckard Shaw. Liberato dalla sua prigionia, l’uomo accetta di aiutarli a patto di poter mantenere la propria libertà al termine della missione. Nel frattempo, Toretto si ritrova a dover rubare un pericoloso ordigno nucleare, che Chiper intende usare per scopi che potrebbero porre in serio rischio la pace mondiale. Ancora una volta, salvare il mondo sarà una vera e propria corsa con il tempo.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Fast & Furious 8, la tensione raggiunge l’apice quando Dominic Toretto, costretto a collaborare con la cyberterrorista Cipher, deve affrontare la difficile realtà delle sue scelte. Con l’intera squadra all’inseguimento, Dom riesce a sabotare il controllo remoto di Cipher sulle auto della città e a proteggere Ramsey, impedendo che il suo programma di sorveglianza cada nelle mani sbagliate. La minaccia nucleare diventa concreta quando Cipher prende possesso di un sottomarino armato. Nel frattempo, Deckard Shaw, apparentemente morto, riappare e si unisce a Owen e agli altri per salvare il figlio di Dom, rendendo possibile la controffensiva finale.

Il racconto si risolve con un susseguirsi di scontri ad alta tensione: Dom riesce a fermare Rhodes e impedire l’uso del sottomarino da parte di Cipher, mentre la squadra collabora per neutralizzare gli henchmen. L’azione culmina con la distruzione del sottomarino e l’eliminazione delle minacce più immediate, mentre Cipher riesce a sfuggire con un paracadute. La sequenza finale mostra Dom riunito con Letty e il figlio Brian, simbolo della ricomposizione della famiglia, e Deckard che guadagna la fiducia della squadra, suggellando l’unità del gruppo dopo il tradimento e i conflitti.

Fast & Furious 8 sequel

Il finale porta così a compimento i temi centrali del film, in particolare la famiglia e la lealtà, mostrando come la fiducia e il legame tra i membri del gruppo possano superare persino il tradimento più doloroso. La minaccia globale diventa uno strumento per testare la determinazione della squadra e la resilienza morale di Dom. La sua scelta di proteggere il figlio e gli amici dimostra che la famiglia va oltre il sangue e che le responsabilità personali e la dedizione reciproca sono il vero motore delle azioni del protagonista.

Inoltre, la conclusione rafforza il tema della redenzione e della collaborazione: Deckard Shaw, inizialmente antagonista, viene integrato nella famiglia grazie alla fiducia guadagnata, e Cipher, pur rimasta in fuga, rappresenta il ritorno della minaccia che spinge la squadra a unirsi ulteriormente. Il film sottolinea l’equilibrio tra azione spettacolare e dinamiche emotive, mostrando che la risoluzione dei conflitti passa sia attraverso il coraggio individuale sia attraverso la solidarietà collettiva del gruppo.

Il messaggio principale che il film lascia è l’importanza dei legami affettivi e della fiducia reciproca, anche di fronte a tradimenti e pericoli apparentemente insormontabili. La famiglia, nel contesto della saga, non è solo un nucleo biologico ma una rete di supporto costruita con rispetto, lealtà e sacrificio. Dom e la sua squadra dimostrano che il senso di responsabilità verso chi si ama e la volontà di proteggere gli altri sono valori imprescindibili, in grado di superare qualsiasi ostacolo, anche in scenari ad alto rischio globale.

I sequel di Fast & Furious 8

Questo finale, inoltre, prepara i sequel della saga, lasciando aperta la minaccia di Cipher e anticipando ulteriori sviluppi con la famiglia Toretto e la sua squadra. La presenza di nuovi membri come Deckard Shaw nella cerchia dei protagonisti amplia le dinamiche narrative future, permettendo l’introduzione di nuove missioni internazionali e conflitti, mentre la continuità dei valori di lealtà e famiglia assicura coerenza nella costruzione della saga nei capitoli successivi: Fast & Furious – Hobbs & Shaw, Fast & Furious 9 – The Fast Saga e Fast X.

Gangs of New York: la storia vera dietro il film

Gianmaria Cataldo
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Gangs of New York: la storia vera dietro il film

Martin Scorsese ha impiegato quasi 30 anni per realizzare Gangs of New York del 2002. Negli anni ’70, Scorsese si imbatté in un libro intitolato “The Gangs of New York: An Informal History of the Underworld” (Le bande di New York: una storia informale della malavita), scritto da Herbert Asbury. Il libro descriveva in dettaglio le bande e i movimenti politici nella New York del XIX secolo, prima del dominio della mafia. Sebbene oggi sia ampiamente considerato un’esagerazione degli eventi dell’epoca, il libro di Asbury ha fortemente ispirato Scorsese.

Italo-americano cresciuto a Little Italy, Scorsese amava la sua città e la sua storia di bande. Era affascinato dalla storia e dalla descrizione della vecchia Five Points di New York descritta nel libro, che oggi ospita Chinatown, Columbus Park e il Manhattan Civic Center. In una vecchia puntata della NPR, Scorsese è citato mentre spiega con parole sue che “Questo film rappresenta in un certo senso le fondamenta su cui si basano tutti i miei altri film. Crea una sorta di mondo in cui si inseriscono quelli che descrivo in Mean Streets, Quei bravi ragazzi e Toro scatenato”, una sorta di antefatto al genere del gangster movie.

Gangs of New York segna inoltre la prima collaborazione tra l’ormai leggendario duo Scorsese-Leonardo DiCaprio. Gran parte del film è finzione, o verità non confermate, come l’esistenza della spaventosa Hellcat Maggie (Cara Seymour). Tuttavia, è stato elogiato per la sua rappresentazione dello storico quartiere Five Points e per aver richiamato l’attenzione sugli eventi storici dell’epoca. Gangs of New York segue Amsterdam Vallon, interpretato da DiCaprio, figlio del prete Vallon (Liam Neeson).

Il film inizia 16 anni prima degli eventi narrati, con uno scontro tra le bande del Five Points, in cui il prete cattolico Vallon viene ucciso da Bill “The Butcher” Cutting (Daniel-Day Lewis). Amsterdam inizia dunque a tramare la sua vendetta contro l’assassino di suo padre, e veniamo trasportati nel 1862, l’epoca in cui è ambientato il film. Gangs of New York è incentrato sulle bande reali della New York della metà del XIX secolo, tra cui The Plug Uglies, The Forty Thieves, The O’Connell Guards, The Shirt Tails, The Chichesters, The Daybreak Boys, The Swamp Angels e molte altre, ma la trama centrale è di fantasia.

Quanto di Gangs of New York è vero?

Guardare Gangs of New York nel 2025 significa ricordare che la storia tende a ripetersi, o che alcune parti della storia non finiscono mai veramente. Uno dei temi principali del film è la tensione tra cattolici, immigrati e “nativi” protestanti nella New York del XIX secolo, in particolare nella Little Italy, all’epoca città natale di Scorsese. Come affermato dalla Khan Academy, molti degli immigrati erano cattolici, mentre molti degli americani nativi erano protestanti. Il film riflette un sentimento di xenofobia nei confronti dell’elevato afflusso di immigrati che alla fine ha portato gran parte della popolazione degli Stati Uniti a diventare cittadini naturalizzati.

Coloro che erano nati negli Stati Uniti e quindi si consideravano “nativi” temevano che la crescente popolazione di immigrati e di americani naturalizzati potesse influenzare negativamente la loro vita sia dal punto di vista politico che economico. Di conseguenza, molti iniziarono a organizzare società politiche la cui missione era quella di sostenere i politici nativi o incoraggiare la candidatura di leader politici nativi, privando al contempo gli immigrati e i cittadini naturalizzati dei diritti civili. Questi gruppi entrarono a far parte del Native American Party, conosciuto colloquialmente come “Know Nothings” (i “Non so nulla”), perché quando ai membri veniva chiesto delle loro organizzazioni, veniva loro insegnato a rispondere: “Non so nulla”.

William “The Butcher” Poole

Un membro famoso dei Know Nothings era William “The Butcher” Poole, che ispirò il personaggio di William Cutting. Come riportato da History Daily, Poole era un macellaio di professione, ma era conosciuto come “The Butcher” per la sua reputazione spietata di pugile che distruggeva fisicamente i suoi avversari. Poole faceva parte della banda dei Bowery Boys che, come la banda di Day-Lewis, era incentrata sulle idee nativiste.

Poole avrebbe incontrato la sua fine in modo simile a Cutting, per mano di un uomo amico di un immigrato irlandese con cui aveva avuto un conflitto in precedenza. Si dice che le sue ultime parole siano state: “Addio ragazzi, muoio da vero americano”, che sono quasi congruenti con le ultime parole di Day-Lewis nei panni di Cutting: “Grazie a Dio. Muoio da vero americano”. I Know-Nothing furono una forza potente con cui fare i conti per un certo periodo, ma furono decimati durante la guerra civile, poiché molti si concentrarono sulla politica della schiavitù.

Daniel Day-Lewis in Gangs of New York

Le rivolte di New York contro la leva militare

La lotta tra Cutting e Amsterdam ebbe luogo durante le rivolte di New York contro la leva militare, che si verificarono nel luglio 1863. I commercianti di New York City non accolsero con favore l’inizio della guerra civile, poiché temevano di perdere il Sud come partner commerciale redditizio. I politici e i periodici contrari alla guerra e alla libertà degli schiavi nel Sud instillarono paura in molti cittadini bianchi della classe operaia, avvertendoli che avrebbero sostituito la manodopera precedentemente fornita dagli schiavi.

Quando fu firmata la Proclamazione di emancipazione, ciò sconvolse la classe operaia e coloro che apprezzavano la conservazione dell’Unione, ma non necessariamente la libertà degli uomini e delle donne di colore nel Sud. Questo tono razzista è presente in tutto il film Gangs of New York. Pertanto, quando fu approvata la legge sulla coscrizione militare della guerra civile del 1863, ciò portò allo scoppio di disordini civili tra i residenti di New York. Gangs of New York menziona anche una norma che consentiva agli uomini di essere esentati dalla coscrizione se potevano pagare una tassa di 300 dollari.

La maggior parte degli uomini non poteva permettersi la tassa, il che aumentava la loro rabbia. Uomini, donne e persino bambini di colore divennero bersaglio di violenze, così come gli abolizionisti, gli edifici governativi e quelli militari. Le rivolte durarono solo pochi giorni, ma causarono migliaia di vittime. Sono ricordate come una delle rivolte più sanguinose della storia americana.

Daniel Day-Lewis e Leonardo DiCaprio in Gangs of New York

I Dead Rabbits e la Five Points Gang

I Dead Rabbits, guidati da Priest Vallon nel film, erano anch’essi una vera banda composta da immigrati irlandesi. Come riportato da History.com, si ritiene che Hellcat Maggie facesse parte della banda dei Dead Rabbits, così come nel film Gangs of New York. I membri dei Dead Rabbits, insieme a diverse altre bande dell’epoca, avrebbero poi formato la Five Points Gang. La Five Points Gang sarebbe sopravvissuta fino agli anni ’10 e avrebbe ospitato due dei membri di bande più famigerati del XX secolo: Al Capone e Lucky Luciano, inaugurando così una nuova generazione di bande a New York.

Mentre dagli altoparlanti risuona “The Hands That Built America” degli U2, il passato si trasforma gradualmente in presente fino a quando vediamo New York City per quella che molti un tempo conoscevano. Il film mostra lo skyline dal ponte di Brooklyn, comprese le Torri Gemelle. Gangs of New York è stato girato prima dell’11 settembre, quindi il World Trade Center rimane nell’ultima inquadratura. In un certo senso, questo sembra profondamente patriottico quando si parla di un film basato sugli anni formativi ma movimentati degli Stati Uniti, in particolare di New York City.

Guardare Gangs of New York oggi ricorda a molti di noi giorni ormai passati, lontani nella periferia della memoria, ma importanti oggi come lo erano allora. Giorni inizialmente segnati dall’incertezza, ma ricordati come giorni in cui una città ha perseverato e è cresciuta. Un simbolo di forza e speranza, come a dire che, a volte, romanticizzare il passato è esattamente ciò di cui abbiamo bisogno, perché non si tratta di vera e propria romanticizzazione. È un ricordo onesto della storia, della sopravvivenza e dello spirito.

Escape Plan – Fuga dall’inferno: la spiegazione del finale del film

Gianmaria Cataldo
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Escape Plan – Fuga dall’inferno: la spiegazione del finale del film

Il finale contorto di Escape Plan – Fuga dall’inferno (qui la recensione) ha spiegato tutto sul personaggio di Arnold Schwarzenegger, Rottmeyer. Questo thriller d’azione del 2013 è uno dei numerosi film con Sylvester Stallone e Schwarzenegger e vede il primo nei panni dello specialista di fughe Ray Breslin. Ray viene mandato in una prigione “inviolabile”, La Tomba, gestita dal crudele direttore Hobbes (Jim Caviezel). Ray stringe presto amicizia con Rottmeyer, che gestisce la sicurezza per un misterioso ladro chiamato Mannheim, che ruba ai ricchi per dare ai poveri. Insieme, i due uomini cercano i punti deboli nella struttura di La Tomba e pianificano attentamente la loro fuga.

Si scopre anche che il socio in affari di Breslin, Clark (Vincent D’Onofrio), è in combutta con Hobbes e vuole che Ray rimanga intrappolato in quell’inferno, che alla fine si rivela essere una nave prigione. Il film Escape Plan – Fuga dall’inferno si conclude però con Breslin e Rottmeyer che mettono in atto il loro piano e, dopo una serie di sparatorie e scazzottate, riescono a fuggire su un elicottero di soccorso. Ray scopre poi che Rottmeyer è in realtà Mannheim, mentre la figlia di quest’ultimo, Jessica (Caitríona Balfe), si era finta un’agente della CIA per far entrare Ray nella Tomba e salvare suo padre.

Perché Victor Mannheim si è travestito da Emil Rottmayer

Sebbene non sia una grande sorpresa, Ray è comunque scioccato nell’apprendere che Rottmeyer era in realtà il benevolo Mannheim. I furti di Mannheim gli hanno procurato molti nemici che faranno di tutto per fermarlo. Quando è stato catturato, Mannheim si è travestito da capo della sua sicurezza per (comprensibilmente) evitare di essere torturato per ottenere informazioni e possibilmente giustiziato. Naturalmente, “Rottmeyer” è stato comunque sottoposto a un interrogatorio brutale, anche se Hobbes lo ha lasciato in gran parte in pace, sperando che alla fine avrebbe ceduto e tradito il suo “capo”.

Il grande colpo di scena di Escape Plan – Fuga dall’inferno rivela anche che il nome Rottmeyer è un codice che ha avvisato sua figlia del suo arresto. Lei si è quindi finta un’agente della CIA durante l’incontro con Breslin, Clark e la loro squadra, riferendosi alla Tomba come alla prova definitiva delle abilità di Ray. Nonostante le bugie e gli inganni, Mannheim e Breslin si separano in modo amichevole; nonostante ciò, Schwarzenegger non è tornato per Escape Plan 2 – Ritorno all’inferno né per il terzo film. Al suo posto, Dave Bautista si è unito al franchise nei panni di un nuovo personaggio chiamato DeRosa.

Escape Plan - Fuga dall'inferno trama film
Sylvester Stallone in Escape Plan – Fuga dall’inferno. Foto di Alan Markfield – © 2013 Summit Entertainment, LLC. All rights reserved.

Il vero piano di fuga di Breslin

Una volta imprigionato, il grande compito di Ray è capire dove si trova La Tomba. Ray è sbalordito nell’apprendere che la prigione è contenuta all’interno di un’enorme nave, il che rende naturalmente più difficile la fuga. Nonostante ciò, si mette a riflettere e, durante il finale, inganna Hobbes facendogli credere che organizzerà una rivolta in un certo blocco di celle. Il direttore della prigione invia la maggior parte della sua squadra di sicurezza in quella zona, ma Ray e Rottmeyer organizzano una rivolta nella zona centrale mentre solo una manciata di guardie è in servizio.

Da lì, è essenzialmente una corsa disperata verso la cima della nave per arrivare in tempo all’elicottero. Lungo la strada, Breslin trova il tempo di uccidere la brutale guardia Drake (Vinnie Jones) e alla fine fa saltare in aria anche Hobbes. Va detto che il piano di fuga di Breslin è piuttosto rudimentale e improvvisato e non sembra adatto a un presunto genio della fuga. La sua fuga iniziale è molto più creativa e originale, mentre quella finale in Escape Plan sembra improvvisata.

Chi ha costruito la prigione La Tomba e perché?

La Tomba è stata costruita per “far sparire” alcune persone scomode senza un regolare processo. I detenuti di alto valore possono anche essere torturati da Hobbes e dal suo staff per ottenere informazioni, come nel caso di Rottmeyer, con il direttore e Clark assunti da banche di tutto il mondo per trovare Mannheim prima della sua prossima rapina. La prigione di massima sicurezza di Escape Plan – Fuga dall’inferno è un’operazione a scopo di lucro gestita da misteriosi finanziatori, che rimangono tali fino alla fine del film.

Il gruppo si rivela in seguito essere il gestore della prigione HADES nel primo sequel. Sembra che anche loro abbiano una vendetta personale contro Breslin, presumibilmente a causa della fuga di Ray da La Tomba. Il finale sospeso di Escape Plan 2 – Ritorno all’inferno lasciava intendere che un terzo film avrebbe visto Ray dare la caccia a questa oscura cricca, ma Escape Plan 3 – L’ultima sfida ha completamente ignorato questa trama quando è uscito l’anno successivo.

Escape Plan - Fuga dall'inferno location
Arnold Schwarzenegger in Escape Plan – Fuga dall’inferno. Foto di Alan Markfield – © 2013 Summit Entertainment, LLC. All rights reserved.

La spiegazione del tragico passato di Ray Breslin

Gli eroi di Escape Plan – Fuga dall’inferno passano da alleati riluttanti a compagni, con Ray che in seguito rivela le ragioni che lo spingono a svolgere un lavoro così strano. Si scopre che nella sua vita precedente era un procuratore con una moglie e un figlio, ma la sua famiglia è stata poi aggredita e uccisa da un detenuto che Ray aveva perseguito, il quale ha promesso a Breslin che avrebbe ottenuto la sua vendetta.

Questo detenuto ha trascorso anni determinato a mantenere la sua promessa prima di evadere dal carcere per compiere la sua vendetta. Dopo che la sua famiglia è stata uccisa, Ray ha dedicato la sua vita a garantire che i potenziali difetti di progettazione nelle prigioni di massima sicurezza fossero individuati ed eliminati. Breslin ha letteralmente scritto il libro su come progettare prigioni a prova di errore. Ciò risulta ironico, poiché Hobbes informa in seguito Breslin che il suo libro è stato fondamentale per la progettazione della Tomba.

Perché Clark ha tradito il suo socio Ray

Clark è il socio in affari di Ray, che viene attirato dalla CIA con l’offerta del doppio della tariffa abituale di Breslin per testare La Tomba. A metà film, si rivela che Clark non solo lavora per le persone dietro La Tomba, ma che vuole che Ray rimanga lì per sempre per dimostrare che la prigione è davvero inespugnabile. Non c’è altra motivazione dietro le azioni di Clark se non l’avidità, ed è molto ben pagato dai finanziatori di La Tomba per tradire il suo socio.

Dopo che Ray è riuscito a fuggire da La Tomba, il finale di Escape Plan – Fuga dall’inferno vede Clark che cerca di scappare. Viene presto intercettato dal tecnico di Breslin, Hush (50 Cent), e più tardi lo si vede rinchiuso in un container su una nave da carico, mentre viene portato in un luogo sconosciuto.

Escape Plan - Fuga dall'inferno Sylvester Stallone Arnold Schwarzenegger
Arnold Schwarzenegger e Sylvester Stallone in Escape Plan – Fuga dall’inferno. Foto di Alan Markfield – © 2013 Summit Entertainment, LLC. All rights reserved.

Il figlio di Clark cerca vendetta contro Ray in Escape Plan 3

Mentre Escape Plan 2 – Ritorno all’inferno non ha rivelato il destino di Clark, Escape Plan 3 – L’ultima sfida ha confermato che è morto in quel container. Questo porta suo figlio Lester Clark Jr. (Devon Sawa) a intraprendere una missione di vendetta contro Ray, durante la quale rapisce la fidanzata di Ray, Abigail (Jaime King), oltre alla figlia di un ricco uomo d’affari cinese, per chiedere un riscatto. In una svolta rispetto alla formula, Ray e la sua squadra devono irrompere in una prigione soprannominata “Devil’s Station” per salvare Abby e gli altri ostaggi.

Il terzo film della trilogia si conclude però con una nota cupa: mentre gli altri ostaggi vengono liberati, Abigail viene uccisa, mentre Ray picchia selvaggiamente Clark Jr prima di tagliargli la gola. Ray aveva intenzione di ritirarsi dopo questo episodio e, dato che non sono previsti nuovi film, ha mantenuto la parola data.

Il vero significato del finale di Escape Plan – Fuga dall’inferno

Il significato generale del finale di Escape Plan – Fuga dall’inferno è quello di superare le grandi imprese, che spesso cercano di opprimere e distruggere i poveri. Mannheim era in prigione perché era un ladro alla Robin Hood, che rubava ai ricchi per dare ai poveri. Tuttavia, non era in una prigione vera e propria, ma in una prigione segreta nascosta dove le persone venivano rinchiuse senza che nessuno lo sapesse. Questo ci porta a Ray, il cui intero libro sulla costruzione di prigioni inespugnabili è stato utilizzato per progettare questa, rendendo Ray un uomo molto ricco.

Tuttavia, Ray non ha contribuito a influenzare questo perché voleva diventare ricco. Lo stava facendo per assicurarsi che ciò che era successo alla sua famiglia non accadesse mai a nessun altro. D’altra parte, il suo socio, Clark, era interessato solo al denaro. Ecco perché aveva rinchiuso Ray nella prigione segreta con l’intenzione di assicurarsi che rimanesse lì, permettendo a Clark di prendere il controllo dell’azienda e diventare ancora più ricco grazie ai suoi contatti con la società che gestiva la prigione. Con Mannheim interessato ad aiutare i poveri e Ray a proteggere gli innocenti, Escape Plan – Fuga dall’inferno mette in scena la battaglia perfetta contro l’élite.

Norman Reedus annuncia la fine di un’era per The Walking Dead

Redazione
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Norman Reedus annuncia la fine di un’era per The Walking Dead

Norman Reedus ha annunciato la fine di un’era per The Walking Dead, mentre l’ultimo capitolo della saga sugli zombie si avvicina all’orizzonte. Reedus ha interpretato Daryl nella serie sin dalla prima stagione dello show originale, assumendo il ruolo nel 2010. Da allora, è stato un pilastro della saga fino al finale della serie The Walking Dead.

Dopo la fine della serie originale, ha ripreso il suo ruolo in The Walking Dead: Daryl Dixon, che vede il suo personaggio protagonista sia in Francia che in Spagna, mentre cerca di tornare a casa in America. La serie è stata ben accolta dalla critica e dal pubblico. Tuttavia, all’inizio di quest’anno è stato annunciato che la quarta stagione di Daryl Dixon porrà fine allo spin-off.

Ora, Reedus ha confermato su X che le riprese della quarta stagione di The Walking Dead: Daryl Dixon sono giunte al termine. L’attore ha espresso gratitudine per aver potuto interpretare Daryl per così tanto tempo, ringraziando i fan della serie per il loro continuo sostegno. Ecco cosa ha detto Reedus sulla conclusione delle riprese:

È stato confermato che la quarta stagione concluderà questo capitolo della storia di Daryl, insieme a Carol (Melissa McBride), che lo ha accompagnato nei suoi viaggi a partire dalla seconda stagione. Daryl Dixon La terza stagione si è conclusa con l’esplosione della barca della coppia da parte di Fede (Óscar Jaenada), che li ha lasciati ancora una volta bloccati in Spagna. Tuttavia, Codron (Romain Levi) ha assistito all’esplosione, segnalando un imminente ricongiungimento.

Finora non è chiaro se la quarta stagione sarà l’ultima per Daryl e Carol nell’universo di The Walking Dead. Il direttore dei contenuti Scott Gimple ha già espresso interesse a riunire i sopravvissuti principali delle serie sequel. Anche se un crossover non è stato confermato, sembra probabile che Daryl non scomparirà definitivamente dal franchise.

Quando lo spin-off finirà, però, Dead City – stagione 3 sarà l’unica altra stagione in arrivo del franchise. Al momento della stesura di questo articolo, l’unico altro show annunciato è More Tales from The Walking Dead Universe, anche se non ci sono stati aggiornamenti sullo sviluppo dal 2023. Questo rende Daryl Dixon uno degli ultimi due bastioni della serie originale.

L’annuncio di Reedus potrebbe porre fine a un’era di The Walking Dead, ma segna anche l’inizio di un nuovo capitolo della serie. Non è ancora chiaro se Daryl e Carol faranno parte di quel futuro. Tuttavia, con la serie spin-off che sta finalmente volgendo al termine, anche il loro viaggio oltreoceano giungerà al termine, ponendo fine alle loro difficoltà nel tornare a casa.

The Walking Dead: Daryl Dixon stagione 4 arriverà su AMC e AMC+ nel 2026.

Ben Stiller promuove la nuova serie fantascientifica di Apple TV che ha battuto tutti i record, in vista della terza stagione di Severance

Redazione
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Ben Stiller promuove la nuova serie fantascientifica di Apple TV che ha battuto tutti i record, in vista della terza stagione di Severance

Ben Stiller elogia brevemente ma con entusiasmo Pluribus mentre continuano i lavori sulla terza stagione di Severance. Creata da Vince Gilligan, la nuova serie fantascientifica di Apple TV è stata trasmessa per la prima volta il 7 novembre e ha avuto subito un grande impatto.

Pluribus è ora alla quarta puntata della sua prima stagione e Stiller ha pubblicato un semplice messaggio su X, ex Twitter, rivelando le sue opinioni sulla serie dal ritmo lento. Cita il nome dello show e aggiunge un’emoji con le mani alzate, chiarendo che gli piace molto. Dai un’occhiata al post di Stiller qui sotto:

Stiller non è l’unico ad elogiare la nuova serie di Gilligan, che segna il seguito di progetti come Breaking Bad e Better Call Saul. Pluribus ha ricevuto recensioni entusiastiche da parte della critica e la serie vanta un incredibile 99% su Rotten Tomatoes su 108 recensioni.

Con protagonista Rhea Seehorn di Better Call Saul, la serie segue la triste autrice Carol Sturka che diventa l’ultima speranza per l’umanità dopo che una misteriosa ondata di felicità forzata travolge il pianeta. Karolina Wydra, Carlos-Manuel Vesga e Miriam Shor compaiono anche nella prima stagione di nove episodi della serie.

Uno dei punti di forza di Pluribus è la sua acuta capacità di osservare la natura umana e la cultura moderna, anche sulla scia di un reset mondiale della coscienza. Attinge al bisogno viscerale degli esseri umani di proteggersi dalle minacce percepite, anche quelle concettuali come il cambiamento (nel bene e nel male).

Anche il pubblico generale sembra apprezzare Pluribus. Il punteggio Popcornmeter su Rotten Tomatoes è un rispettabile 78%, ma ovviamente è inferiore al 99% ottenuto dalla critica.

Tuttavia, la risposta positiva è un segnale promettente per Pluribus stagione 2, che arriverà come parte dell’ordine di due stagioni dello show. Se la serie continuerà oltre questo punto dipenderà apparentemente dal numero di spettatori, ma il palcoscenico è pronto per ulteriori stagioni su Apple TV.

Con la terza stagione di Scissione (Severance) in lavorazione e il probabile arrivo nel 2027, lo streamer potrebbe ritrovarsi con due successi fantascientifici di lento consumo. La serie di Stiller segue Pluribus su Rotten Tomatoes, con un punteggio della critica del 95%. Queste serie si aggiungono a serie come Foundation, Silo, Monarch: Legacy of Monsters e Dark Matter, tutte molto popolari su Apple TV.

Resta da vedere come evolverà l’accoglienza riservata a Pluribus con l’uscita dei restanti episodi della prima stagione, ma le lodi di Stiller potrebbero dare una spinta alla serie, vista la forte reputazione di Severance e l’attesa per la prossima stagione.

Tracker – Stagione 3: confermato il ritorno del membro dimenticato del team Colter Shaw

Redazione
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Tracker – Stagione 3: confermato il ritorno del membro dimenticato del team Colter Shaw

La CBS riporta in scena un membro dimenticato della squadra di Colter Shaw nella terza stagione di Tracker. Mantenendo il suo posto come programma non sportivo più visto nel ciclo televisivo 2025-2026, la serie procedurale con Justin Hartley nei panni del survivalista continua a registrare risultati impressionanti. Ciò che permette a Tracker di continuare la sua serie di successi come progetto sceneggiato numero uno sulla TV generalista è il fatto che, prima della terza stagione, ha subito alcuni cambiamenti importanti che sono stati percepiti come rischiosi.

Con una mossa inaspettata, è stato annunciato che Abby McEnany ed Eric Graise non sarebbero tornati nei panni di Velma e Bobby nella terza stagione di Tracker.  Presumibilmente, la loro partenza era dovuta al desiderio dello show di dare una scossa alla serie man mano che questa evolveva. Anche se Colter opera sul campo di solito da solo, fa sicuramente affidamento sull’aiuto a distanza della sua squadra non ufficiale, rendendo le sue missioni successive un po’ più complicate.

Fortunatamente, la CBS ha confermato che Colter si riunirà con uno dei suoi alleati più fidati nella terza stagione di Tracker: Keaton, interpretato da Brent Saxton. Introdotto nella seconda stagione, il survivalista ha incontrato per caso il personaggio di Brent Saxton durante una missione. Alla fine hanno collaborato per risolvere il caso di Gina Picket che ha tormentato l’eroe di Hartley per un decennio.

Nella terza stagione di Tracker, episodio 9, “Good Trouble”, è il turno di Keaton di chiedere aiuto a Colter. Secondo la sinossi ufficiale, Keaton contatta il protagonista della serie per rintracciare il suo ex partner. Durante la loro missione, scoprono inaspettatamente una scia di cadaveri legata a una cospirazione selvaggia. L’episodio andrà in onda il 14 dicembre e potrebbe essere il finale di metà stagione della terza stagione di Tracker.

Considerando quanto Keaton e Colter abbiano lavorato bene insieme nella seconda stagione di Tracker, è bello vederli di nuovo insieme. Data la natura della serie, è difficile riportare personaggi non regolari, poiché la storia si svolge ogni settimana in una parte diversa del paese. Tuttavia, la CBS è riuscita a trovare un’apertura narrativa che permette a Colter di andare da Keaton, il che è fantastico sotto questo aspetto.

Keaton è uno dei pochissimi alleati ricorrenti che Colter ha nella serie procedurale. Russell di Jensen Ackles è già tornato nella premiere della terza stagione di Tracker, mentre Reenie e Randy sono stati una presenza costante nella serie, anche se non sempre accompagnano il personaggio di Hartley sul campo. La domanda ora è se riportare questi alleati ricorrenti più frequentemente sarà la norma in futuro.

Oltre a questo, il ritorno di Colter solleva anche la questione della possibilità di rivedere Bobby, Velma e persino Teddi. La loro perdita ha segnato la fine di un’era per Tracker, ma grazie al modo in cui la CBS li ha eliminati, tutti possono ancora tornare nella serie come ospiti.

From – Stagione 4 rivela ufficialmente un importante traguardo produttivo

Redazione
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From – Stagione 4 rivela ufficialmente un importante traguardo produttivo

From – Stagione 4 ha raggiunto un importante traguardo produttivo, anche se rimane irrisolto un grande mistero sul ritorno della serie. Il finale di From – stagione 3 è stato pubblicato il 24 novembre 2024, con un episodio rivoluzionario che ha risposto a molte delle domande più importanti della serie, lasciando però i fan alle prese con numerosi colpi di scena.

Ora, a un anno dal finale della terza stagione, le riprese della quarta stagione di From sono ufficialmente terminate. Un video dietro le quinte mostra i membri del cast che festeggiano il traguardo e, sebbene la didascalia annunci che la nuova stagione arriverà presto su MGM+, non è stata ancora comunicata la data di uscita. Guarda il video dell’annuncio qui sotto:

La conferma della fine delle riprese arriva pochi giorni dopo che Simon Webster, Elizabeth Saunders e altri membri del cast di From hanno confermato sui social media di aver completato le riprese della quarta stagione. Quando l’attore Harold Perrineau, che interpreta lo sceriffo Boyd Stevens, ha ricondiviso il video lo stesso giorno in cui è stato pubblicato, ha detto: “Abbiamo appena finito oggi”.

La quarta stagione di From aveva una finestra di uscita prevista per il 2026, che la serie dovrebbe rispettare dato che le riprese sono terminate alla fine del 2025. Anche se non è stata ancora comunicata una data di uscita precisa, ora che la produzione è terminata, le probabilità che la nuova stagione venga rilasciata nella prima metà del 2026 sono aumentate.

La stagione 1 ha debuttato il 20 febbraio 2022, la stagione 2 è stata trasmessa per la prima volta il 23 aprile 2023 e la stagione 3 è iniziata il 22 settembre 2024. Con le riprese appena terminate, febbraio è troppo presto per l’inizio della stagione 4 su MGM+, ma un’uscita nell’aprile 2026 o più vicina a quel periodo dell’anno sembra possibile.

From segue un gruppo di personaggi che si ritrovano intrappolati in una misteriosa cittadina. Ogni notte compaiono mostri letali, che sono solo una delle numerose forze soprannaturali che tormentano i personaggi. Mentre alcuni di loro fanno semplicemente del loro meglio per sopravvivere, altri sono determinati a risolvere i misteri più profondi della città per fuggire e tornare alla civiltà.

Insieme ai membri del cast che tornano, Julia Doyle è stata scelta come nuova protagonista della quarta stagione. Secondo quanto riferito, interpreterà un personaggio di nome Sophia, la figlia vulnerabile e protetta di un pastore. Resta da vedere se avrà qualche legame con padre Khatri (Shaun Majumder).

I fan sono ora più vicini che mai a scoprire chi interpreterà Doyle nella quarta stagione di From, oltre a scoprire cosa succederà dopo la morte di un personaggio importante e le numerose rivelazioni scioccanti nel finale della terza stagione. La serie è stata uno dei più grandi successi di MGM+ e questo trend è destinato a continuare quando tornerà.

Fallout – Stagione 2: data di uscita, cast, trama e tutto quello che sappiamo

Redazione
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Fallout – Stagione 2: data di uscita, cast, trama e tutto quello che sappiamo

La prima stagione di Fallout di Prime Video ha impressionato sia la critica che il pubblico, e la seconda stagione sarà presto disponibile. Forse la differenza più grande tra la serie e altri adattamenti di videogiochi è stata la timeline e l’ambientazione. La serie live-action è stata costruita per adattarsi alla continuità della serie di videogiochi, piuttosto che come adattamento diretto di una storia esistente.

Questo ha reso Fallout assolutamente unico, poiché ha funzionato sia come storia autonoma per chi non conosceva la serie di videogiochi, sia per i fan dei precedenti capitoli. Alla fine della prima stagione di Fallout, questo è diventato ancora più chiaro grazie al grande successo riscosso dalla serie.

Essendo uno degli show che ha dimostrato che siamo decisamente nell’epoca d’oro degli adattamenti dei videogiochi, Fallout è diventato un grande successo per Prime Video. L’impressionante record di audience di Fallout lo ha confermato, portando molti ad attendere con impazienza una seconda stagione. Fortunatamente, la seconda stagione di Fallout è stata confermata molto rapidamente, promettendo altre avventure televisive nella zona contaminata.

Data di uscita della seconda stagione di Fallout

Poco dopo l’uscita della prima stagione di Fallout, Prime Video ha confermato il seguito. È stato poi rivelato che Fallout – stagione 2 uscirà nel dicembre 2025. A differenza della prima stagione, che è stata rilasciata nella sua interezza il 10 aprile 2024, la seconda stagione di Fallout seguirà un formato di uscita settimanale.

Il primo episodio della stagione 2 di Fallout sarà disponibile su Prime Video il 17 dicembre 2025, mentre gli episodi successivi saranno pubblicati settimanalmente. La stagione 2 di Fallout durerà otto settimane, consentendo al pubblico di immergersi nel mondo post-apocalittico per un periodo molto più lungo rispetto alla stagione 1. Il finale della stagione 2 di Fallout andrà in onda il 4 febbraio 2026.

Dettagli sul cast della seconda stagione di Fallout

Il cast della seconda stagione di Fallout sarà in gran parte lo stesso della prima stagione, con solo alcune aggiunte degne di nota. Ella Purnell tornerà nei panni di una delle protagoniste della serie, Lucy MacLean, insieme a Walton Goggins nel ruolo di Cooper Howard/The Ghoul. Entrambi hanno parlato candidamente del futuro dei rispettivi personaggi, e il trailer della seconda stagione di Fallout offre un primo assaggio dei loro viaggi.

Tornerà anche Aaron Moten nei panni di Maximus, un cavaliere della Confraternita d’Acciaio, che ha stretto un forte legame con Lucy nella prima stagione di Fallout. Altri membri del cast che torneranno sono Kyle MacLachlan nei panni del padre di Lucy, Hank, Moisés Arias nei panni di Norm, il fratello di Lucy, e Xelia Mendes-Jones nei panni di Dane, un alleato della Confraternita di Maximus.

Altri membri del cast che riprendono i loro ruoli dalla prima stagione includono:

  • Leslie Uggams nel ruolo di Betty Pearson
  • Johnny Pemberton nel ruolo di Thaddeus
  • Leer Leary nel ruolo di Davey
  • Frances Turner nel ruolo di Barb Howard
  • Teagan Meredith nel ruolo di Janey Howard
  • Michael Cristofer nel ruolo dell’anziano chierico Quintu
  • Jon Daly nel ruolo del venditore di olio di serpente

Tra i nuovi membri del cast confermati per la seconda stagione di Fallout c’è Macaulay Culkin in un ruolo ricorrente ancora senza nome. Anche Justin Theroux avrà un ruolo importante, quello di Robert House, un personaggio dei videogiochi che ha avuto un ruolo fondamentale nella preparazione della guerra nucleare che ha decimato il mondo.

Dettagli sulla trama della seconda stagione di Fallout

Sulla base del finale della prima stagione di Fallout e degli indizi forniti dal trailer della seconda stagione, la trama del prossimo seguito diventa chiara. L’ultima scena della prima stagione di Fallout ha visto il padre di Lucy, smascherato per il suo ruolo di dipendente della Vault-Tec che ha aiutato la sua azienda a organizzare la guerra nucleare nel tentativo di ottenere il controllo, fuggire a New Vegas.

New Vegas è una delle principali ambientazioni del gioco Fallout, con il già citato Robert House di Theroux come leader. Il trailer della seconda stagione di Fallout mostra dei flashback prebellici degli incontri di Cooper Howard con Robert House, il che significa che quest’ultimo potrebbe essere collegato alla ricerca della sua famiglia da parte del primo.

Tutto questo si ricollega anche a Hank e alla Vault-Tec, spiegando perché Lucy e Cooper, ora noto come The Ghoul, hanno collaborato per la seconda stagione di Fallout. Poi c’è Maximus, ora acclamato come un eroe nella Confraternita d’Acciaio, che dovrà destreggiarsi nella politica della sua fazione mentre cerca di trovare un modo per tornare da Lucy.

La trama della seconda stagione di Fallout approfondirà anche gli eventi che si svolgono nel Vault 33, la casa di Lucy. Nella prima stagione, Norm ha scoperto la oscura verità che i Vault 33 e 32 erano controllati dai dipendenti della Vault-Tec, che erano stati criogenicamente congelati prima della guerra e regolarmente scongelati per fungere da amministratori dei Vault.

Nell’episodio finale della prima stagione di Fallout, Norm è rimasto intrappolato all’interno del Vault 31, il luogo che ospita queste capsule criogeniche. Pertanto, la seconda stagione di Fallout approfondirà i suoi tentativi di scoprire questa cospirazione, che è legata più di quanto lui sappia alle scoperte di Lucy sul loro padre, Hank.

Ultime notizie su Fallout – stagione 2

Fallout – stagione 2 è una delle serie più attese nella storia recente della televisione, soprattutto vista l’immensa reazione alla stagione 1. Pertanto, qualsiasi notizia è molto gradita. Le riprese di Fallout stagione 2 sono iniziate nel novembre 2024 e sono proseguite fino a maggio 2025.

Durante le riprese, Walton Goggins ha anticipato cosa ci aspetta nella seconda stagione di Fallout: “Ora che le persone capiscono com’è il mondo, questa storia raggiunge un livello completamente nuovo. Sono nel settore da molto tempo e di solito, in una serie che attira il pubblico, con quella licenza, la seconda stagione è quella che dà il meglio, giusto? È allora che può accadere qualcosa di davvero magico”.

Oltre ad altri dettagli sul cast, la notizia più importante è stata il primo trailer ufficiale della seconda stagione di Fallout. Il trailer è stato pubblicato nell’agosto 2025 in occasione di un evento della Gamescom, ricollegandosi alle origini videoludiche del franchise. Successivamente è stato accompagnato da un articolo sulla seconda stagione di Fallout pubblicato da Empire Magazine.

Durante questo articolo, Ella Purnell ha anticipato l’evoluzione del personaggio di Lucy, nonché lo sviluppo della relazione tra Lucy e The Ghoul nella seconda stagione di Fallout. Purnell ha affermato che “A volte è come se fossero in viaggio insieme”, prima di insistere sul fatto che questo può cambiare in un attimo, al punto che i due finiscono per essere in contrasto tra loro.

Purnell ha poi continuato parlando di come i due personaggi finiscano per influenzarsi a vicenda. Purnell si chiede scherzosamente se The Ghoul diventerà buono o se Lucy diventerà cattiva, o se entrambi finiranno da qualche parte nel mezzo. Man mano che l’attesa per la seconda stagione di Fallout si fa più breve, ci si aspettano altre notizie come questa, così come altri trailer e sguardi dietro le quinte.

The Office: il nuovo remake debutterà ufficialmente il prossimo anno

Redazione
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The Office: il nuovo remake debutterà ufficialmente il prossimo anno

Data la popolarità travolgente di The Office, non sorprende che numerose reti televisive abbiano cercato di sfruttarne il successo dopo la messa in onda dell’ultima stagione nel 2013. In effetti, il fatto che The Office sia esso stesso un remake viene spesso trascurato. La serie originale era andata in onda nel Regno Unito quattro anni prima e vedeva Ricky Gervais nel ruolo di protagonista.

Steve Carell ha preso il suo posto nel 2005 ed è entrato nella storia quando il remake americano di The Office è stato acclamato come una delle migliori sitcom di tutti i tempi. Ora, Dunder Mifflin sta cercando di aprire ancora più filiali. The Paper è uno spin-off diretto della serie americana, un remake australiano andato in onda nel 2025, e le voci di una reunion americana non hanno smesso di circolare negli ultimi 12 anni.

Ora, un altro remake di The Office è all’orizzonte. Die Kantoor, un remake sudafricano ambientato alla Deluxe Processed Meats invece che alla Dunder Mifflin, sarà trasmesso in anteprima su Showmax il 20 gennaio 2026 (via Variety). Rispecchiando lo stile mockumentary delle versioni precedenti, Deluxe Processed Meats è un produttore di polony, un tipo di carne che lo scrittore e regista Bennie Fourie descrive come l’ultima cosa di cui qualcuno vorrebbe dire di essere appassionato.

La variante di Die Kantoor di David Brent/Michael Scott sarà Flip, interpretato da Albert Pretorius. Come i precedenti protagonisti di The Office, Flip nutre manie di grandezza, poiché si aspetta che la troupe del documentario all’interno dell’universo catturi la sua “ascesa alla grandezza” dopo essere stato promosso a manager.

Sembra proprio che tutti gli ingredienti principali di The Office siano presenti e corretti: troupe cinematografica fittizia, capo imbarazzante, settore industriale poco stimolante. Il passaggio da azienda cartiera a produttore di carne è una scelta interessante, ma uno dei trucchi migliori della versione americana di The Office è stato quello di soddisfare il pubblico americano piuttosto che attenersi fedelmente alla versione britannica. Die Kantoor sta seguendo intelligentemente l’esempio per il pubblico sudafricano.

Allo stesso tempo, abbiamo visto diversi adattamenti di The Office riscuotere vari gradi di successo. The Paper è stato un successo di pubblico e di critica ed è stato rinnovato per la seconda stagione, mentre il remake australiano di The Office è stato cancellato dopo una sola stagione.

La storia è simile con altri remake internazionali. Le Bureau (la versione francese) è durato solo sei episodi, mentre Stromberg (tedesco) è andato in onda per cinque stagioni e ha ottenuto recensioni discrete. In termini di longevità e impatto culturale, nessuna versione di The Office ha eguagliato quella di Michael Scott, ma Die Kantoor potrebbe essere uno di quei rari remake che risuonano nel pubblico tanto quanto lo show americano ha fatto per gli americani tra il 2005 e il 2013.

Fallout – Stagione 2 risponderà ufficialmente a un mistero di New Vegas che dura da 15 anni

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Fallout – Stagione 2 risponderà ufficialmente a un mistero di New Vegas che dura da 15 anni

La seconda stagione di Fallout è in arrivo a New Vegas e, così facendo, prenderà una decisione importante per il franchise, rispondendo a una domanda che era stata posta per la prima volta 15 anni fa con l’uscita del videogioco Fallout: New Vegas. Mentre la prima stagione ha introdotto nuovi personaggi e ambientazioni, molti volti e luoghi familiari sono già stati anticipati nel trailer della seconda stagione.

La stagione 1 ha seguito Lucy, abitante del Vault, Maximus, scudiero della Confraternita d’Acciaio diventato cavaliere, e il Ghoul, mentre le loro strade si intrecciavano lungo il viaggio di Lucy alla ricerca del padre rapito, Hank. Lucy stringe amicizia con Maximus, che ha fatto carriera nella Confraternita rubando l’identità del cavaliere che avrebbe dovuto servire. In seguito si prende il merito di aver ucciso Moldaver, diventando cavaliere a pieno titolo.

Lucy e il Ghoul formano una riluttante alleanza quando il Ghoul capisce che Hank potrebbe avere delle risposte sulla sua famiglia perduta da tempo. Quando Lucy trova – e poi perde – Hank, le luci di New Vegas si vedono in lontananza. I due decidono di andarci insieme, il che rivelerà anche lo stato di New Vegas dopo gli eventi del videogioco.

La seconda stagione di Fallout renderà canonico il finale di un gioco

In Fallout: New Vegas, il giocatore interagisce con diverse fazioni e compie scelte che avranno un impatto su New Vegas per gli anni a venire. Il giocatore, un Corriere che è stato dissotterrato nella piccola città di Goodsprings dopo un tentativo di omicidio per il suo pacco (una fiche da poker), viene mandato in missione a Las Vegas per affrontare il suo potenziale assassino, Benny.

Lungo il percorso, il Corriere entra in contatto con le tre principali fazioni che si contendono il controllo di Las Vegas e della Mojave Wasteland: la Legione di Cesare, una società imperialista schiavista, la Nuova Repubblica Californiana, che ricorda l’esercito e il governo statunitensi prebellici, e Mr. House, un miliardario prebellico che ha conservato il proprio corpo, ha trasferito il proprio cervello in un computer e governa la Strip con un esercito di robot.

Alla fine, il Corriere deve scegliere di aiutare uno di questi tre gruppi a ottenere il controllo del Mojave (in alternativa, il Corriere può uccidere Mr. House e prendere il controllo del suo esercito di robot). Nella scena finale del gioco, viene svelato il futuro di New Vegas, fortemente influenzato dalle numerose scelte del Corriere.

Fallout: New Vegas è ambientato nell’anno 2281, mentre la serie TV Fallout è ambientata nell’anno 2296. Ciò significa che le linee temporali di New Vegas e della stagione 2 sono collegate, e Lucy e il Ghoul entreranno in una città che sta ancora affrontando gli effetti delle scelte fatte in New Vegas. In effetti, la serie sta per rendere canonico uno dei finali del gioco.

Quale finale di Fallout: New Vegas dovrebbe diventare canonico nella seconda stagione

Il finale della Legione è oggettivamente la scelta sbagliata, anche se alcuni giocatori hanno usato la forza della Legione per giustificare il loro sostegno a Cesare. Mentre la NCR ha dei punti deboli e fatica a mantenere il suo potere, la Legione di Cesare ha saccheggiato l’intera città di Nipton, usando un sistema di lotteria per determinare chi nella città sarebbe stato ucciso, crocifisso o ridotto in schiavitù.

Nonostante il brutale sistema di schiavitù della Legione, coloro che sono sotto il dominio di Cesare saranno al sicuro da qualsiasi altra minaccia nella Zona Contaminata. Tuttavia, la società di Cesare è una ricostruzione autoproclamata dell’Impero Romano, una grave battuta d’arresto per la società moderna.

Oltre ad essere desolante, questo sarebbe anche il futuro meno interessante per il Mojave. Data la semplicità e la forza della Legione di Cesare, Las Vegas e le aree circostanti diventerebbero uno stato schiavista dittatoriale con poche minacce esterne o opportunità di cambiamento.

Il finale della NCR, d’altra parte, offre più sfumature e libertà. Con questo percorso, il Corriere aiuta la Repubblica a mettere in sicurezza la diga di Hoover, consentendole di ottenere il controllo dell’intera area. Ciò aumenta la prosperità e il commercio in tutto il Mojave, ma porta anche la New Vegas Strip sotto il controllo della NCR dopo anni di indipendenza sotto Mr. House.

Sebbene il finale della NCR offra in definitiva un senso di ordine e comunità, i punti deboli nella protezione della NCR rimarranno se il Corriere non sarà accurato nell’eliminare le minacce esterne durante il gioco. Sembra anche una scelta disfattista, poiché la NCR è l’opzione che più si avvicina alla società che ha portato alla Grande Guerra in primo luogo.

Il finale di Mr. House sembra il più futuristico e distopico, ma potrebbe anche offrire i maggiori progressi. Se il Corriere cede il gettone da poker critico a Mr. House, il suo esercito di securitron prende il pieno controllo della Strip, della diga di Hoover e del Mojave. La scena finale di questo finale rivela che la Strip diventa sia “ordinata” che “fredda” sotto il dominio di Mr. House.

Sebbene Cass, potenziale compagna del Corriere e membro della NCR, muoia suicidandosi dopo la vittoria di House, il risultato finale offre più potenzialità del previsto per il Mojave. Grazie all’influenza del Corriere, House mantiene la stabilità a Las Vegas e la libertà nelle zone circostanti, nonostante il suo approccio sterile e distaccato.

Il malvagio Robert House, amministratore delegato della RobCo Industries e vertice della vecchia ricchezza prebellica, ha motivazioni tutt’altro che altruistiche per la sua conquista del potere. Ma gli eventi di New Vegas dimostrano che il suo esercito di robot è sia onnipotente che fragile. Mr. House, il cui corpo anziano è legato al casinò Lucky 38, aveva bisogno dell’aiuto del Corriere per completare la sua missione.

Il Corriere avrebbe potuto facilmente prendere quel potere per sé, e presumibilmente Mr. House rimane ancora in qualche modo vulnerabile anche dopo aver vinto la lotta di potere nella Mojave Wasteland. Tenendo questo a mente, il finale di Mr. House offre il futuro a breve termine più forte per Vegas e la Mojave, pur mantenendo la possibilità di futuri cambiamenti di regime.

La seconda stagione di Fallout ha già accennato a quale finale sarà canonico

Con alcune delle informazioni rivelate nella prima stagione e gli scorci visti nel Fallout trailer della seconda stagione, abbiamo già un’idea abbastanza chiara della direzione che prenderà la serie TV Fallout. Un’opzione di dialogo con un missionario della NCR in New Vegas rivela che Shady Sands è la capitale originale della NCR.

Nella stagione 1 di Fallout, un flashback rivela che Shady Sands, la casa d’infanzia di Maximus, è stata bombardata. Il giovane Maximus, nascosto in un distributore automatico di latte, è stato salvato dalla Confraternita d’Acciaio dal cratere che un tempo era Shady Sands. Nel finale di stagione, Lucy conferma a Maximus che Hank è responsabile dell’attacco nucleare su Shady Sands.

Considerando l’età approssimativa di Maximus e la cronologia del gioco e della serie TV, il bombardamento è probabilmente avvenuto poco dopo gli eventi di Fallout: New Vegas. L’eliminazione di Shady Sands è un forte indizio del fatto che non vi sia più una forte presenza della NCR nella zona, e la sua vulnerabilità all’attacco suggerisce che abbiano perso il controllo della diga di Hoover.

In realtà, nel trailer della seconda stagione di Fallout si intravedono brevemente tutte e tre le fazioni: un accampamento della Legione, una bandiera della NCR lacera e, soprattutto, una replica quasi perfetta del quartier generale di Mr. House nell’attico del Lucky 38, con lo stesso Mr. House in persona.

Tutto ciò suggerisce un finale incentrato su Mr. House. Gli eventi a Shady Sands escludono molto probabilmente il finale incentrato sulla NCR e, per arrivare al finale incentrato sulla Legione, il Corriere deve “uccidere o neutralizzare Mr. House”. La sua immagine perfettamente integra sul gigantesco schermo del computer nel Lucky 38 suggerisce che ciò non sia avvenuto.

Suggerisce anche che la serie non seguirà il finale jolly del Corriere, il che è positivo; sarebbe un incubo logistico introdurre nella serie un personaggio che rappresenta il giocatore del videogioco, che può avere personalità infinite e significare qualcosa di diverso per tutti coloro che hanno giocato.

Il finale di Mr. House offre alla serie la massima flessibilità per esplorare ogni angolo della tradizione del franchise. La scena finale del finale di Mr. House indica che la NCR e la Legione si sono ritirate, ma Mr. House non ha eliminato ogni traccia delle organizzazioni, il che significa che probabilmente avremo un po’ di tempo con tutte e tre nella serie.

L’introduzione del Ghoul, che in passato aveva legami con Vault-Tec, crea anche una possibilità molto eccitante: un’interazione tra due figure iconiche del periodo prebellico nel franchise di Fallout. Il finale di Mr. House offre non solo la soluzione migliore per Las Vegas, ma anche l’opzione più ricca dal punto di vista narrativo, e tutti gli indizi indicano che questa sarà la strada che prenderà la serie.

Ariana Grande: 10 cose che forse non sai sulla star di Wicked

Redazione
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Ariana Grande: 10 cose che forse non sai sulla star di Wicked

Nel panorama pop contemporaneo Ariana Grande è una delle figure più riconoscibili e influenti della sua generazione. Cantante, attrice e performer completa, ha attraversato con naturalezza mondi diversi – dalla TV per ragazzi al musical cinematografico, dal pop mainstream alle collaborazioni di alta moda – lasciando un’impronta profonda in ognuno di essi. Con una voce che richiama l’elasticità e il fraseggio delle grandi dive R&B degli anni ’90, e un’estetica che ha evoluto nel tempo tra sperimentazione e iconografia personale, Ariana Grande è oggi un’artista globale capace di attraversare pubblico, generazioni e linguaggi.

Il 2024–2025 rappresenta un punto di svolta nella sua carriera grazie a Wicked, il musical cinematografico che la vede nel ruolo di Glinda e che ha riacceso l’attenzione sulla sua formazione teatrale, spesso sottovalutata dal grande pubblico. Allo stesso tempo, la sua vita privata e la sua presenza pubblica sono diventate oggetto di discussione, dalle sue origini italiane alle riflessioni – da lei stessa condivise – sul proprio corpo e sul rapporto con l’immagine mediatica. Ecco dunque 10 cose che forse non sai su Ariana Grande, per analizzare da vicino una delle artiste pop più complesse, poliedriche e discusse del momento.

Le origini italiane di Ariana Grande e l’infanzia tra teatro e musica

Cynthia Erivo e Ariana Grande
Cynthia Erivo e Ariana Grande alla premiere di Los Angeles di “Wicked”. Foto di PopularImages Via DepositPhotos.com

1. Le origini familiari e culturali. Ariana Grande-Butera nasce il 26 giugno 1993 a Boca Raton, in Florida, ma le sue radici raccontano una storia profondamente italiana. La madre, Joan Grande, ha origini abruzzesi, mentre il padre, Edward Butera, è di discendenza siciliana: una componente culturale che Ariana ha più volte riconosciuto con affetto e fierezza. Cresciuta in una famiglia che incoraggia la creatività, Ariana muove i primi passi nel mondo dello spettacolo già da bambina, partecipando a piccoli spettacoli teatrali locali e mostrando una predisposizione naturale al canto e alla recitazione. Quell’identità mista – americana di nascita, italiana nelle origini – contribuisce a definire un immaginario personale fatto di passione, determinazione e sensibilità mediterranea.

2. Gli inizi a Broadway e la formazione da performer. Prima ancora della fama televisiva, Ariana costruisce un percorso solido nella recitazione, approdando a Broadway a soli 15 anni con il musical 13, dove ottiene il plauso della critica grazie alla sua voce potente e alla presenza scenica sorprendente per la giovane età. Quegli anni sono fondamentali per affinare tecnica vocale, lavoro sul corpo e gestione dell’emotività in scena. L’esperienza nel teatro musicale diventerà un tassello imprescindibile quando, molti anni dopo, interpreterà Glinda in Wicked, riportando Ariana alle sue radici artistiche e riportando al centro la sua identità di performer totale.

Ariana Grande oggi: tra Wicked, cinema e nuova musica

Ariana Grande in Wicked- For Good (2025)
Foto di Giles Keyte/Universal Pictures – © Universal Studios.

3. Dove si trova oggi la sua carriera. Ariana Grande è oggi una delle star più influenti del panorama pop internazionale, capace di muoversi tra mainstream e sperimentazione con una disinvoltura rara. Dopo il successo degli album Thank U, Next e Positions, negli anni successivi si è dedicata tanto alla musica quanto alla recitazione, partecipando al progetto cinematografico Wicked, che ha segnato un ritorno al musical e ha ampliato la sua credibilità come interprete. La sua carriera attuale si distribuisce su più fronti: cinema, musica, televisione e una presenza digitale che continua a essere tra le più seguite al mondo. Parallelamente, Ariana ha mostrato grande attenzione ai temi della salute mentale e del benessere, diventati parte integrante del suo rapporto con il pubblico.

Ariana Grande tra cinema e TV: i nuovi ruoli tra American Horror Story e Focker In-Law

Negli ultimi anni Ariana Grande ha progressivamente ampliato la sua presenza sullo schermo, tornando alle sue radici attoriali e affiancando alla musica una carriera audiovisiva sempre più ricca. Oltre all’impegno nel dittico di Wicked, l’artista sarà tra i volti della nuova stagione di American Horror Story, un progetto che segna il suo ingresso ufficiale nell’antologia creata da Ryan Murphy. Parallelamente, è attesa anche sul grande schermo in Focker In-Law, nuovo film in cui reciterà al fianco di Robert De Niro, consolidando ulteriormente la sua posizione come interprete capace di muoversi tra commedia, musical e ruoli più drammatici. Due progetti che contribuiscono a definire la fase più matura e cinematografica della sua carriera.

4. Ariana Grande in Wicked – Parte 1 e Parte 2. Il debutto cinematografico di Wicked nel 2024 segna un punto di svolta nella carriera di Ariana, che veste i panni di Glinda, uno dei personaggi più iconici del musical moderno. La sua interpretazione, costruita su un equilibrio delicato tra vocalità cristallina, comic timing e sensibilità teatrale, è stata accolta in modo entusiastico sia dai fan del musical sia dal pubblico generalista. La seconda parte, in uscita nel 2025, vedrà una Glinda più complessa e matura, e accompagnerà Ariana in un momento di forte risonanza mediatica. Per la cantante, Wicked rappresenta il perfetto punto di incontro tra le sue origini da performer e la sua capacità di reinventarsi artisticamente.

Ariana Grande e le serie TV che l’hanno resa famosa

5. Da Victorious a Sam & Cat: l’ascesa su Nickelodeon. Prima di diventare un’icona pop globale, Ariana è stata una delle figure più amate del pubblico di Nickelodeon. In Victorious interpreta Cat Valentine, un personaggio vivace, ingenuo e affascinante, che diventa rapidamente uno dei più popolari della serie. Il successo porta a uno spin-off, Sam & Cat, che consolida ulteriormente la sua immagine televisiva. Quel periodo segna l’inizio della sua relazione con un pubblico giovanissimo, che la seguirà poi nella musica grazie alla sua voce riconoscibile e alla costruzione di un’estetica pop immediatamente iconica.

6. Le altre partecipazioni televisive. Oltre ai ruoli Nickelodeon, Ariana fa brevi incursioni in altre serie e special televisivi che contribuiscono ad arricchire il suo percorso attoriale. Una delle più note è Scream Queens, dove interpreta Sonya Herfmann (Chanel #2), un’apparizione breve ma di grande impatto per i fan del genere horror-comedy. Le sue apparizioni musicali in show TV e special live hanno consolidato la sua immagine di performer capace di dominare palco, camera e pubblico con la stessa naturalezza.

Vita privata e corpo mediatico: cosa ha detto lei sulla “magrezza”

Jonathan Bailey and Ariana Grande in Wicked- For Good (2025)
Foto di Giles Keyte/Universal Pictures – © Universal Studios.

7. La risposta pubblica alle critiche sul fisico. Nel corso degli anni Ariana Grande ha affrontato più volte l’attenzione – talvolta invadente – che il pubblico e i media riservano al suo aspetto. In un video condiviso sui social nel 2023, l’artista ha invitato i fan a evitare commenti sul corpo degli altri, spiegando come l’apparenza esterna non rifletta sempre lo stato di benessere di una persona. Nelle sue parole traspare un messaggio semplice e forte: l’importanza della cura di sé, della salute mentale e del rispetto reciproco. Questo intervento, molto apprezzato dal pubblico, ha posto l’accento sulla delicatezza del tema e sul valore di un dialogo più consapevole intorno all’immagine e all’identità personale.

Età e altezza

8. Quanti anni ha e quanto è alta Ariana Grande. Ariana Grande è nata il 26 giugno 1993 e ha 32 anni nel 2025. Con un’altezza di 1.53 cm, Ariana è una delle star più “piccole” del pop contemporaneo, ma la sua presenza scenica – che combina tecnica vocale, controllo del movimento e personalità – supera qualunque dato anagrafico o fisico. La sua figura pubblica dimostra da anni come talento, dedizione e lavoro possano trascendere qualsiasi standard estetico.

Carriera musicale: record, premi e successi

9. I traguardi musicali più importanti. Ariana Grande è una delle artiste più premiate della sua generazione. Con milioni di stream e vendite globali, ha conquistato Grammy, AMA, Billboard Music Awards e MTV Awards, e ha costruito una discografia che mescola pop, R&B, soul e influenze jazz. Album come Sweetener e Thank U, Next hanno segnato una generazione di ascoltatori e ridefinito il linguaggio del pop contemporaneo, grazie a una ricerca sonora che alterna sperimentazione e immediatezza. Le sue collaborazioni – da The Weeknd a Lady Gaga – confermano il suo posto al centro dell’ecosistema musicale moderno.

Ariana Grande nel 2025 e oltre

10. I progetti futuri tra cinema, TV e nuova musica. Il 2025 vedrà Ariana Grande protagonista della seconda parte di Wicked, ma anche impegnata in nuovi progetti discografici, come confermato nelle sue ultime interviste. Il ritorno in studio punterà a un sound più maturo, influenzato dalle esperienze personali e dalle trasformazioni artistiche degli ultimi anni. Parallelamente, l’artista potrebbe tornare alla televisione con apparizioni speciali e collaborazioni con altri performer. La sua traiettoria indica un percorso in continua evoluzione, sempre più internazionale e multidisciplinare.

Jonathan Bailey: 10 cose che forse non sai sull’attore

Gianmaria Cataldo
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Jonathan Bailey: 10 cose che forse non sai sull’attore

Negli ultimi anni Jonathan Bailey è diventato uno dei volti più riconoscibili del panorama televisivo internazionale. Il successo di Bridgerton, dove interpreta Anthony, ha trasformato la sua popolarità in un fenomeno globale, ma la sua storia professionale affonda le radici in un percorso molto più ricco, costruito con costanza tra teatro, televisione, cinema e doppiaggio. Bailey ha attraversato generi, formati e ruoli diversissimi, mostrando una naturale versatilità e una dedizione che lo hanno reso uno degli interpreti più rispettati della sua generazione.

Allo stesso tempo, la sua figura pubblica si è imposta per autenticità e sincerità. La trasparenza con cui ha affrontato temi personali – dal coming out al rapporto con la notorietà – ha consolidato un legame forte con il pubblico. Tra nuovi film, progetti Disney e franchise di alto profilo come Wicked e Jurassic World – La rinascita, l’attore sembra avviato verso un ulteriore salto di carriera. Ecco quindi un ritratto completo, tra vita professionale e privata, con 10 cose che forse non sai su Jonathan Bailey.

I film e le serie TV più importanti della carriera di Jonathan Bailey

Bridgerton Jonathan Bailey

1. La carriera di Jonathan Bailey è iniziata presto, con un percorso costellato da ruoli televisivi che gli hanno permesso di farsi conoscere come attore versatile e affidabile. Da Baddiel’s Syndrome (2001) a Doctors (2007), passando per Lewis (2010) e Leonardo (2011-2012), l’attore ha costruito un curriculum solido, apparendo in serie britanniche di rilievo. È poi arrivata la svolta con titoli come Broadchurch (2013), Doctor Who (2014), Crashing (2016) e W1A (2014–2017). Il successo globale arriva, però, dal 2020 con Bridgerton, che lo consacra come star internazionale. Nel 2023 ottiene grande attenzione anche grazie a Compagni di viaggio, serie in cui riceve consensi critici nettissimi. Il 2025 sarà l’anno della sua definitiva esplosione cinematografica, grazie ai nuovi blockbuster.

2. Oltre alla televisione, Bailey ha sempre alternato importanti ruoli cinematografici. Il debutto avviene con 5 bambini & It (2004), cui seguono Elizabeth: The Golden Age (2007), St. Trinian’s (2007), Permanent Vacation (2007) e Testament of Youth (2014). Negli ultimi anni, però, il cinema ha preso una direzione molto più internazionale: Bailey è uno dei protagonisti di Wicked (2024) e della Parte 2 (2025), dove interpreta Fiyero accanto ad Ariana Grande e Cynthia Erivo.

Jonathan Bailey e Scarlett Johansson

Scarlett Johansson è Zora Bennett, Mahershala Ali è Duncan Kincaid e Jonathan Bailey è il Dr. Henry Loomis in JURASSIC WORLD – LA RINASCITA, diretto da Gareth Edwards. © Universal Studios. All Rights Reserved.

Nel 2025 recita inoltre in Jurassic World – La rinascita, diretto da Gareth Edwards, condividendo il set con Scarlett Johansson e Mahershala Ali. Il suo ruolo, il Dr. Henry Loomis, è già uno dei più discussi del franchise.

Il lavoro di doppiatore: dai videogiochi ai nuovi progetti

3. Ha svolto anche il ruolo di doppiatore. La voce di Bailey è diventata negli anni uno dei suoi marchi di fabbrica. L’attore ha dato contributi significativi anche nel doppiaggio, soprattutto per videogiochi di grande popolarità: ha interpretato Gunther in Anthem (2018), Crystal Exarch in Final Fantasy XIV: Shadowbringers (2019) e G’raha Tia in Final Fantasy XIV: Endwalker (2021). Nel futuro lo rivedremo in Squadron 42, dove presterà la voce ad Aaron Seetow, ruolo che conferma il suo crescente coinvolgimento nel settore.

Jonathan Bailey Bridgerton

Jonathan Bailey su Instagram: l’ascesa di una star globale

4. Ha un account sul celebre social. Il profilo Instagram di Jonathan Bailey è oggi seguito da oltre 3 milioni di persone, un numero in costante crescita grazie all’impatto internazionale delle sue produzioni. La sua bacheca alterna contenuti professionali a scatti più intimi, ma sempre selezionati con cura: backstage dai set, momenti di preparazione ai ruoli, vita quotidiana, viaggi e incontro con altri artisti. L’approccio è sobrio, elegante e autentico, in linea con la discrezione che lo caratterizza da sempre, e permette ai fan di seguirne l’evoluzione artistica da vicino.

Jonathan Bailey in Bridgerton: il ruolo che gli ha cambiato la carriera

5. Si era presentato per un altro personaggio. Il personaggio di Anthony Bridgerton rappresenta la svolta definitiva della sua carriera. Curiosamente, nella prima fase dei casting, Bailey si era presentato per il ruolo di Simon Basset, poi assegnato a Regé-Jean Page. I produttori compresero però che la sua intensità, la sua eleganza e la sua fisicità erano perfette per il Visconte Bridgerton.

Dalla seconda stagione in poi, il suo personaggio è diventato il fulcro narrativo dell’universo creato da Shondaland. Bailey ha dato ad Anthony una profondità emotiva rara nelle serie romance, contribuendo a trasformarlo in uno dei personaggi più amati della piattaforma.

Jonathan Bailey in Broadchurch: il ruolo che lo ha imposto al grande pubblico britannico

6. Ha avuto un ruolo ricorrente nella serie. Prima di diventare una star globale, Bailey era già molto noto nel Regno Unito. In Broadchurch interpreta Oliver Stevens, giovane giornalista locale e nipote del personaggio di Olivia Colman. Il ruolo, presente nelle prime due stagioni, gli permette di mostrare ottime doti drammatiche in una serie acclamata per scrittura e cast. La sua presenza, pur non essendo protagonista, risulta incisiva nel tessuto narrativo della serie.

Jonathan Bailey in Wicked

7. Si è esercitato nella danza. L’interpretazione di Fiyero in Wicked richiede una preparazione complessa, soprattutto sul piano fisico. Pur avendo un background teatrale solido, Bailey ha raccontato di essersi allenato intensamente per padroneggiare le coreografie del musical. Lo studio della danza – tra discipline diverse e allenamenti quotidiani – gli ha permesso di interpretare un Fiyero credibile, elegante e scenicamente potente. La sua performance è stata accolta con entusiasmo sia dai fan del musical originale sia dal pubblico cinematografico.

Jonathan Bailey e Leonardo da Vinci: uno dei suoi ruoli più amati dagli spettatori italiani

8. Ha interpretato il celebre inventore e artista. Nel 2011 la BBC ha trasmesso in televisione la serie Leonardo, un racconto non propriamente fedele dell’attività del giovane Leonardo Da Vinci, mentre cerca di affermarsi come pittore e inventore. Bailey ha ricoperto il ruolo per ben 26 episodi, raccontando di essersi preparato approfondendo quanto più possibile la vita di Leonardo, specialmente nei suoi aspetti meno noti ai più. Fu proprio questo ruolo a conferirgli una prima notorietà.

Jonathan Bailey è fidanzato? Partner, vita privata e cosa ha detto pubblicamente

9. Ha fatto coming out. Jonathan Bailey è dichiaratamente gay e ha sempre raccontato con sincerità il proprio percorso personale. Nel dicembre 2023 ha confermato di essere in una relazione con un “uomo delizioso”, mantenendo però la massima riservatezza – una scelta che ribadisce spesso nelle interviste. Non ha una moglie, come talvolta suggerito da ricerche online, e preferisce non condividere dettagli pubblici sull’identità del compagno. In un’intervista a British Vogue del 2024 ha parlato del desiderio di diventare padre in futuro, ipotizzando anche la co-genitorialità. La sua vita privata rimane un territorio che protegge con cura, nonostante la crescente attenzione mediatica.

L’età e l’altezza di Jonathan Bailey

10. Jonathan Bailey è nato il 25 aprile 1988 a Wallingford, in Inghilterra. È alto 1.80 metri. La sua formazione artistica inizia molto presto e comprende studi di recitazione, danza e teatro, discipline che gli hanno consentito di affermarsi come interprete completo e trasversale.

Fonte: IMDb

Send Help: il trailer del nuovo film di Sam Raimi

Chiara Guida
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Send Help: il trailer del nuovo film di Sam Raimi

Il trailer e il poster di Send Help, il survival thriller dalla comicità dark targato 20th Century Studios e diretto dal visionario regista Sam Raimi (Spider-Man, La Casa).

Il film vede protagonisti l’attrice candidata all’Oscar® e al Tony Award® Rachel McAdams, (Spotlight, Ci sei Dio? Sono io, Margaret, Mean Girls), Dylan O’Brien (Twinless, Saturday Night), Edyll Ismail (La Brea), Dennis Haysbert (Lontano dal Paradiso), Xavier Samuel (Elvis), Chris Pang (Crazy & Rich), Thaneth Warakulnukroh (Thai Cave Rescue – Salvati dalla Grotta) ed Emma Raimi (Happy Pills) e arriverà nelle sale italiane il 29 gennaio 2026.

Nel trailer vediamo i due protagonisti, Rachel McAdams e Dylan O’Brien, nei ruoli di Linda Liddle e Bradley Preston, due colleghi un tempo rivali, che si ritrovano improvvisamente naufraghi su un’isola deserta dopo essere gli unici sopravvissuti a un disastro aereo. Costretti a collaborare per sopravvivere, Linda e Bradley dovranno affrontare vecchi rancori e mettere alla prova la propria forza di volontà per riuscire a salvarsi.

“Ho sempre amato le storie in cui personaggi interessanti e dinamici vengono spinti all’estremo”, afferma il regista Sam Raimi. “Nella nostra storia, la ridefinizione dei ruoli crea una situazione sempre più tesa, ricca di colpi di scena e suspense”.

Send Help è prodotto da Raimi e Zainab Azizi (65 – Fuga dalla Terra), con JJ Hook (Operazione Vendetta) come executive producer e scritto da Damian Shannon e Mark Swift (Venerdì 13, Baywatch), con musiche originali di Danny Elfman (The Nightmare Before Christmas, Batman).

Trailers FilmFest, si è conclusa la XXIII edizione: i numeri

Chiara Guida
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Trailers FilmFest, si è conclusa la XXIII edizione: i numeri

Si è conclusa venerdì la XXIII edizione del Trailers FilmFest, l’unico evento in tutta Europa dedicato alla promozione cinematografica, che si è svolto a Roma dal 19 al 21 novembre.

Il Trailers FilmFest vuole riconoscere e celebrare tutti i mestieri del cinema che contribuiscono al successo di un film.

“La nostra prima edizione da direttori artistici, la ventitreesima per il festival, è stata ricca di novità”, dichiarano Francesca Sofia Allegra e Alessandro De Simone, a conclusione della kermesse. “Abbiamo avuto un’affluenza inaspettata grazie a un programma molto ricco che ha interessato gli addetti ai lavori molto più rispetto agli ultimi anni, un aspetto a cui tenevamo tantissimo. Ma la cosa più importante per noi era dare volto e voce a chi i trailer, i poster, le campagne di lancio, le fa: ai trailer maker, poster maker e i professionisti della distribuzione”.

We Make It Big è il claim che ha accompagnato l’edizione numero ventitré, che punta sicuramente a trovare il giusto posizionamento nel panorama festivaliero, ma soprattutto a radicarsi come un laboratorio permanente, un osservatorio su un settore dell’industria audiovisiva ancora troppo poco analizzato e studiato.

Ed è stata proprio questa la grande novità di quest’anno: la trasformazione del festival in un osservatorio sul settore e un laboratorio permanente. Da ora in poi, Il Trailers FilmFest non sarà solo la tre-giorni intensiva che celebra queste specifiche professioni, ma diventerà uno spazio di confronto e di scambio costante, oltre che di formazione, l’aspetto a cui i due nuovi direttori artistici tengono di più.

“Vogliamo, durante il festival e attraverso le iniziative che faremo nel corso del 2026, celebrare la creatività e tutto quello che è legato al mondo della promozione cinematografica. Il nostro obiettivo è trasformare il Trailers FilmFest in un laboratorio permanente, con eventi ogni mese diretti ai professionisti del settore, ai giovani che vogliono entrare in questo mondo e al pubblico degli appassionati di cinema”, hanno continuato Allegra e De Simone.

La prima iniziativa è prevista già per il primo trimestre del 2026 e ve la comunicheremo davvero a breve.

Di seguito vi ricordiamo tutti  i premi della XXII edizione, compresa la Battle of Creativity, tenutasi durante la serata di premiazione con grande coinvolgimento del pubblico.

Francesca Sofia Allegra e Alessandro De Simone – Foto di Chiara Guida
  • Miglior Trailer Italia: Follemente (Distribuzione: 01 Distribution – Trailer Maker: Edoardo Massieri – Ottoemezzo Movie Factory
  • Miglior Trailer Europa: The Substance (Distribuzione: I Wonder Pictures)
  • Miglior Trailer World: Mission: Impossible – The Final Reckoning(Distribuzione: Eagle Pictures)
  • Miglior Trailer Documentario: Ambra Sabatini (Distribuzione: Adler – Trailer Maker: Daniele Cametti Aspri)
  • Miglior Poster Italiano: Diamanti (Distribuzione: Vision Distribution – Realizzato da Vertigo)
  • Menzione speciale a: Anywhere Anytime (Distribuzione: Fandango – Realizzato da Midnight Marauder)
  • Miglior Campagna Promozionale: Il ragazzo dai pantaloni rosa (Distribuzione: Eagle Pictures)
  • Miglior Campagna Creators: Mauro Zingarelli per Final Destination – In collaborazione con Movieplayer.it
  • Audience Award Premio Miro Grisanti: Il corpo (Distribuzione: Eagle Pictures – Realizzato da: CIT Studio)
  • Miglior Pitch Trailer: Beyul di Francesco ClericiMenzione speciale: Solos di Sara Patané
  • Premio Film Rivelazione dell’anno Robert Bernocchi: Ciao Bambino di Edgardo Pistone
  • La Battle of Creativity è stata vinta da Francesco Marchetti, Fondatore e Direttore Strategico di AKA-LAB, Curatore Cinema e TV del Napoli Comicon • Former Marketing Manager di 20th Century Fox Italy, Chief Marketing Advisor Italia di Vertice 360.

Tutto quello che devi sapere prima dell’arrivo di Stranger Things – Stagione 5

Chiara Guida
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Tutto quello che devi sapere prima dell’arrivo di Stranger Things – Stagione 5

La quarta stagione di Stranger Things arriva dopo quasi un decennio dal debutto della serie, che da semplice omaggio nostalgico agli anni ’80 è diventata un vero fenomeno culturale globale. Mentre il cast è cresciuto e la storia si è ampliata, la stagione 4 rappresenta il penultimo capitolo prima dell’atteso finale.

Hopper, Joyce e Murray: la missione in Russia

La prigionia di Hopper

Creduto morto dopo l’esplosione del laboratorio, Hopper è in realtà sopravvissuto ed è finito in un gulag russo. Qui emerge nuovamente il lato più maturo e vulnerabile del personaggio, segnato dalle sue perdite e dal passato militare.

L’operazione di salvataggio

Joyce e Murray partono per salvarlo dopo aver ricevuto un criptico messaggio. Tra tradimenti e situazioni surreali, i due arrivano alla prigione e partecipano alla fuga finale, culminata in una battaglia contro un Demogorgone.

Il monologo e la rinascita di Hopper

Il suo discorso sulla morte della figlia e sul senso di colpa è uno dei momenti più intensi della stagione e rimedia alle eccessive caricature della terza stagione.

Stranger Things 4Eleven: tra trauma, identità e manipolazione

Vita in California e perdita dei poteri

Trasferita con i Byers, Eleven vive un periodo difficile fatto di bullismo, incomprensioni e fragilità: non ha più poteri e non trova il suo posto.

Il ritorno al laboratorio

Reclutata da Dr. Owens per recuperare le sue abilità, Eleven finisce di nuovo sotto il controllo di Brenner nel laboratorio segreto NINA. Qui riaffiorano ricordi traumatici della sua infanzia e scopre la verità su Henry Creel, il misterioso Numero Uno.

Origine di Vecna e ambiguità morale

La trama esplora l’origine di Vecna e del collegamento con l’Upside Down. La serie sfiora però una problematicità narrativa nel tentativo di rendere Brenner quasi empatico, nonostante sia un manipolatore responsabile di abusi.

Ritorno dei poteri e fuga

Durante l’assalto dell’esercito, Eleven recupera le sue abilità, distrugge un elicottero e assiste alla morte definitiva di Brenner, rifiutando il suo tentato “perdono”.

Stranger Things 4 - Volume 2 recensione
Courtesy of Netflix

Il road trip: la storyline meno riuscita

Jonathan, Will e la crisi identitaria

Will affronta il suo amore non corrisposto per Mike e una profonda incertezza sul proprio futuro. Il dipinto che gli dedica diventa simbolo della sua vulnerabilità. Jonathan, invece, perde peso narrativo e vive una crisi personale poco approfondita.

Argyle e la comicità fuori posto

Argyle funge da elemento comico, ma spesso stona con il tono più cupo della stagione.

L’attacco dell’esercito e il recupero di Eleven

Il gruppo fugge dopo un assalto militare e raggiunge Suzie, in una scena volutamente esagerata ma dissonante. Alla fine localizzano Eleven e la salvano, permettendole di aiutare Hawkins a distanza.

Hawkins: il cuore narrativo della stagione

Vecna e l’estetica à la Nightmare

La storyline di Hawkins è la più riuscita e presenta Vecna, un antagonista più complesso e inquietante dei precedenti, le cui uccisioni psicologiche richiamano l’immaginario di Nightmare on Elm Street.

Eddie Munson e l’Hellfire Club

Eddie diventa il nuovo volto iconico della stagione. Accusato ingiustamente dell’omicidio di Chrissy, si rifugia con Dustin e gli altri mentre la città si lascia travolgere dall’isteria anti-satanista.

Il passato dei Creel e il legame con Eleven

La scoperta della casa dei Creel rivela l’origine di Henry Creel, vero colpevole del massacro familiare e futuro Vecna. Eleven ricorda di averlo affrontato da bambina e, nel tentativo di fermarlo, di aver aperto la prima crepa verso l’Upside Down.

Max e la fuga sulle note di Kate Bush

La scena in cui Max scappa da Vecna grazie a “Running Up That Hill” è diventata una delle sequenze più iconiche dell’intera serie.

La battaglia finale e la voragine su Hawkins

Nel climax, Eddie si sacrifica suonando un assolo metal nell’Upside Down per proteggere Dustin. Max arriva vicina alla morte e rimane in coma, mentre l’Upside Down si riversa nel mondo reale attraverso una gigantesca spaccatura.

Stranger Things finale 4 stagioneTemi, limiti e riflessioni critiche

Il “problema dei sacrificabili”

La serie tende a introdurre personaggi secondari carismatici solo per eliminarli nel finale, creando un effetto prevedibile e poco bilanciato rispetto alla protezione quasi totale del cast principale.

L’eredità di Stephen King

Pur omaggiando King, Stranger Things spesso ne fraintende l’anima politica. Nei racconti di King, il male nasce da sistemi sociali corrotti e dal trauma, mentre la serie livella le esperienze, presentando tutte le forme di emarginazione come equivalenti.

Una stagione imperfetta ma potente

Nonostante alcune criticità tonali e morali, la quarta stagione resta avvincente, emotivamente coinvolgente e visivamente impressionante. In vista della quinta stagione, il pubblico è pronto a un finale che promette nostalgia, epica e nuove ferite emotive.

Chloé Zhao spiega il vero significato di Eternals e le possibilità di un ritorno al MCU 4 anni dopo

Chiara Guida
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Chloé Zhao spiega il vero significato di Eternals e le possibilità di un ritorno al MCU 4 anni dopo

La regista di Eternals, Chloé Zhao, spiega il vero significato del film e ci dice se i personaggi torneranno mai nel Marvel Cinematic Universe. Il film MCU del 2021 segue un gruppo di individui immortali che trascorrono secoli sulla Terra credendo che la loro missione sia proteggere il pianeta dai Devianti e aiutare l’umanità senza interferire direttamente. In seguito scoprono che la loro vera missione è molto più oscura di quanto avrebbero mai potuto immaginare.

Liam Crowley di ScreenRant ha parlato con Chloé Zhao del suo nuovo film, Hamnet, e ha affermato di aver sempre visto Eternals come una storia di mitologia greca ambientata in un mondo familiare di supereroi. Zhao conferma che questa interpretazione è in linea con la sua visione creativa, spiegando di aver sempre visto il film come una storia di dei che si riconciliano con la natura dell’umanità e con il proprio giudizio. Vedere questa storia attraverso la lunghezza di personaggi divini ha lo scopo di suscitare domande più profonde sulla gentilezza, la scoperta di sé e se l’umanità stia vivendo al massimo del suo potenziale.

EternalsConsiderando che Zhao vedeva i film del MCU come una versione moderna dei miti, sentiva che fosse il luogo perfetto per esplorare la storia mitologica di Eternals. Per quanto riguarda il futuro dei personaggi, “adorerebbe riportarli indietro” e approfondire il loro percorso, dopo essere stata “davvero orgogliosa” del film del 2021. Date un’occhiata ai suoi commenti qui sotto:

<<Mi piacerebbe tantissimo! Guarda, hai ragione, e l’hai capito. Si tratta di un pantheon di divinità che discutono della natura dell’umanità e, in ultima analisi, del loro giudizio. Che è ciò che ha detto Arishem: “Tornerò per il giudizio”. E il motivo per cui quelle brevi opere teatrali sono esistite è perché l’umanità potesse vedere come ci vedono gli dei, così da poter valutare come eravamo come parte di questo ciclo dell’universo. Stiamo facendo un buon lavoro? Siamo gentili gli uni con gli altri? Stiamo imparando a conoscerci abbastanza bene?

Questo tipo di mito esiste per una ragione, e questi film [dell’MCU] ne sono una versione moderna per me. Quindi, mi piacerebbe molto riportarli indietro e discutere più approfonditamente del mondo in cui viviamo. Ne sono davvero orgoglioso.>>

L’analisi di Zhao offre una visione stimolante di Eternals, chiarendo ulteriormente cosa si era prefissata di raggiungere e perché il film sembra così diverso dai film MCU usciti prima e dopo.

Quattro anni dopo il debutto cinematografico, non ci sono ancora piani confermati per un sequel, quindi non è chiaro quando o se i personaggi torneranno, ma Zhao ha fatto sapere che è a bordo per continuare a raccontare le loro storie. Gli effetti della morte di Tiamut e il suo legame con l’adamantio sono un punto importante della trama di Captain America: Brave New World, ma ci sono ancora molte domande senza risposta su Eternals.

Una delle scene post-credit di Eternals ha preparato Dane Whitman (Kit Harington) a interpretare un ruolo più importante nell’MCU, che si sarebbe collegato al film Blade con Mahershala Ali. Quel film è stato rimandato a tempo indeterminato dopo numerosi intoppi, rendendo ancora più difficile la continuazione di questa trama di Eternals.

La terza stagione di What If…? ha riportato Kingo (Kumail Nanjiani) in un episodio della sua storia multiverso. È possibile che alcuni degli Eternals compaiano anche nei prossimi progetti MCU, soprattutto con Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars che introducono personaggi provenienti dal multiverso e da decenni di film Marvel.

Tuttavia, queste storie affrontano già molto, ed è improbabile che abbiano spazio per il giudizio di Arishem, il destino degli Eterni sopravvissuti e per esplorare cosa significhi l’introduzione del fratello di Thanos, Eros (Harry Styles). Un vero sequel potrebbe avvenire solo con Zhao al timone e basandosi sulle scelte creative che ha già fatto nei primi Eterni.

Werwulf: prime immagini di Lily-Rose Depp e Willem Dafoe

Gianmaria Cataldo
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Werwulf: prime immagini di Lily-Rose Depp e Willem Dafoe

Mentre continua la produzione di Werwulf di Robert Eggers, abbiamo già ricevuto alcune immagini in anteprima dal Regno Unito di Aaron Taylor-Johnson, che chiaramente interpreta il lupo mannaro. Nelle foto lo si vede infatti coperto di sangue e urlare a squarciagola. Ora, grazie a Word of Reel, abbiamo altre immagini, questa volta di Lily-Rose Depp e Willem Dafoe (si possono vedere qui). Di entrambi, tuttavia, risulta ad oggi difficile stabilire l’identità dei personaggi interpretati.

Quello che sappiamo di Werwulf

Eggers dirigerà l’horror sui licantropi da una sceneggiatura che ha scritto insieme a Sjón (il duo ha già collaborato alla sceneggiatura di The Northman del 2022). L’uscita del film in Nord America è prevista per Natale 2026. Tim Bevan ed Eric Fellner di Working Title sono i produttori insieme a Eggers e Sjón, mentre Chris ed Eleanor Columbus di Maiden Voyage sono i produttori esecutivi.

Il cast di Werwulf presenta molti degli stessi attori di Nosferatu di Eggers del 2024. Oltre a Aaron Taylor-Johnson, il film vede il ritorno anche di Lily-Rose Depp, Ralph Ineson e Willem Dafoe. L’uscita di Werwulf è prevista per il giorno di Natale del prossimo anno, il 25 dicembre 2026.

Eggers ha recentemente condotto una sessione di domande e risposte dopo la proiezione al Lincoln Center e ha descritto Werwulf come “la cosa più oscura che abbia mai scritto”. Il film è ambientato nell’Inghilterra del XIII secolo, dove il personaggio principale perseguita gli abitanti di una tranquilla cittadina di campagna. Ciò che inizialmente si pensava fosse solo una leggenda metropolitana o frutto della propria immaginazione si trasforma in una minaccia molto reale che costringe gli abitanti del villaggio a reagire. Si dice che il film tratti anche temi di stregoneria.

Wicked: Parte 2, il regista rivela il mistero che coinvolge Glinda e l’Uomo di Latta

Chiara Guida
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Wicked: Parte 2, il regista rivela il mistero che coinvolge Glinda e l’Uomo di Latta

Il regista di Wicked: Parte 2, Jon M. Chu, affronta un mistero che coinvolge Glinda e l’Uomo di Latta. Dopo il maldestro tentativo di Nessarose di lanciare un incantesimo su Boq usando la Grimmerie, Elphaba lo trasforma nell’Uomo di Latta per salvargli la vita. Boq incolpa Elphaba del suo destino e poi cerca vendetta contro di lei.

Questo percorso conduce Boq alla Città di Smeraldo, dove viene visto alimentare la rabbia della folla contro Elphaba durante la canzone di Wicked: Parte 2 “March of the Witch Hunters”. Durante la canzone, Glinda guarda dall’alto in basso la folla e Boq nella sua forma di Uomo di Latta. I due incrociano lo sguardo per un attimo, ma non è chiaro se Glinda si renda conto che l’Uomo di Latta è Boq.

Parlando con Entertainment Weekly, Jon M. Chu chiarisce di non voler fornire un’interpretazione definitiva della scena, ma dal suo punto di vista, Glinda riconosce Boq durante la canzone. Oltre a riconoscere Boq, Chu crede che vederlo nei panni dell’Uomo di Latta che aizza la folla faccia sì che Glinda si chieda che fine abbia fatto il mondo che un tempo conosceva. “Non mi piace necessariamente dire esattamente di cosa si tratta… ma sì, nella mia mente, lei sa che è Boq. Credo che lo riconosca, lo veda nei suoi occhi. Credo che ci sia anche qualcosa che sa intrinsecamente e che la porta a chiedersi: “Che fine ha fatto questo mondo che conoscevo?”.”

Ariana Grande in Wicked- For Good (2025)
Foto di Giles Keyte/Universal Pictures – © Universal Studios.

I sentimenti romantici di Boq per Glinda sono stati al centro delle motivazioni del suo personaggio. È lei la ragione per cui ha chiesto a Nessarose di andare al ballo nel primo film, e sentire del suo imminente matrimonio con Fiyero è la spinta che porta Boq a cercare di lasciare Nessarose dopo il ritorno di Elphaba in Parte 2. Tuttavia, Chu spiega che quando l’Uomo di Latta si allontana da Glinda durante la canzone, dimostra che non gli importa più di lei ed è consumato solo dall’odio.

“Quel momento in cui alza lo sguardo verso di lei e poi si volta dall’altra parte, è lui che dice di non aver più bisogno di lei, perché ha una nuova famiglia di odio che è più forte dell’amore per lui. Quello, per me, è stato un momento importante.”

Quando si tratta di momenti un po’ ambigui, come se Glinda riconosca l’Uomo di Latta o l’apertura del Grimmerie per Glinda durante il finale di Wicked – Parte 2, il team creativo del film è attento a non fornire un’interpretazione “corretta”, poiché vuole che i fan prendano le proprie decisioni su queste scene cruciali.

La sceneggiatrice Dana Fox ha condiviso la sua interpretazione: Glinda apre il Grimmerie da sola alla fine, ma lascia aperta la possibilità che gli spettatori interpretino la scena in modo diverso, inclusa la possibilità che Elphaba stia usando la sua magia da lontano per aprire il libro per la sua amica.

La prospettiva di Chu rende “March of the Witch Hunters” una canzone ancora più oscura, con l’odio dell’Uomo di Latta che funge da manifestazione più ampia dell’odio che ha travolto Oz. Mentre i sentimenti romantici di Boq per Glinda sono sempre stati unilaterali, il momento è profondamente tragico, perché testimonia come il suo precedente amore e ottimismo siano ora completamente sostituiti dalla rabbia in Wicked: Parte 2.

James Cameron rivela di aver quasi diretto Jurassic Park

Gianmaria Cataldo
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James Cameron rivela di aver quasi diretto Jurassic Park

In una recente intervista a Empire Magazine, James Cameron ha raccontato di essere stato molto vicino a dirigere il primo Jurassic Park, prima che Steven Spielberg acquisisse i diritti del romanzo. Cameron ha spiegato: “Ho provato a comprare i diritti del libro e lui mi ha battuto di poche ore. Ma quando ho visto il film, ho capito che non ero la persona giusta per realizzarlo. Spielberg lo era”. 

Il regista di Aliens, Titanic e Terminator ha infatti sottolineato come la sua versione sarebbe stata più estrema e destinata a un pubblico adulto. “Spielberg ha fatto un film sui dinosauri per ragazzi, mentre il mio sarebbe stato Aliens con i dinosauri, e non sarebbe stato giusto“. Se fosse stato diretto da James Cameron, oggi conosceremmo dunque un Jurassic Park completamente diverso, più cupo e violento, con momenti di terrore più intensi. Ma Cameron stesso ha ammesso che la sua versione sarebbe stata un approccio troppo “estremo”.

Il primo Jurassic Park rimane, a oltre 30 anni dall’uscita, l’unico capitolo universalmente considerato di grande valore della saga, con Il mondo perduto – Jurassic Park come film più oscuro e vicino a elementi horror. La visione di Cameron, R-rated e più intensa, avrebbe rappresentato un’alternativa radicale, ma Spielberg e Universal hanno scelto di privilegiare un equilibrio tra spettacolo e accessibilità per tutte le età ed è anche questo ad aver reso il film un grande classico apprezzato e celebrato ancora oggi.

James Cameron torna al cinema con Avatar: Fuoco e Cenere

James Cameron si appresta ora a tornare al cinema con Avatar: Fuoco e Cenere, che metterà i Sully e il Popolo della Cenere l’uno contro l’altro. A parte la versione Na’vi di Quaritch in La via dell’acqua, i principali antagonisti della serie sono sempre stati umani, ma questa volta le cose cambiano con Varang e il Popolo della Cenere.

Dopo la morte del figlio maggiore dei Sully, Neteyam (Jamie Flatters), in La via dell’acqua, è già stato stabilito che per i giovani personaggi la posta in gioco è davvero la vita o la morte, e che non sono al sicuro semplicemente per la loro età o per il fatto di far parte della famiglia centrale della serie. Lo’ak, Kiri, Tuk e Spider non hanno la garanzia di sopravvivere, anche se sono in arrivo altri due film di Avatar.

Oltre ad affrontare la minaccia rappresentata dal Popolo della Cenere, molti dei figli di Sully assumeranno ruoli più importanti in questo terzo film. Lo’ak è stato confermato come nuovo narratore dopo che suo padre, Jake, ha ricoperto questo ruolo nei film precedenti.

Spider si riconcilierà con la sua eredità umana e con il fatto che suo padre sia Quaritch. Nel marketing sono state anche mostrate immagini di Spider che respira senza maschera, un’impresa che non dovrebbe essere possibile per un essere umano su Pandora. Nel frattempo, Kiri ha un legame profondamente unico con Pandora ed Eywa, che sarà ulteriormente esplorato anche nel sequel.

Si ipotizza che Jake potrebbe morire in Avatar: Fuoco e Cenere, dato che i trailer precedenti mostrano che viene fatto prigioniero, mentre Lo’ak e la generazione più giovane assumono ruoli più importanti. Il pubblico dovrà aspettare fino a dicembre per scoprire se questo diventerà realtà, ma indipendentemente da ciò che accadrà, Jake e Neytiri faranno tutto il possibile per proteggere i loro figli e Pandora.

Avatar: Fuoco e Cenere sarà al cinema dal 17 dicembre.

Cynthia Erivo si prepara a mettere in scena l’Otello di Shakespeare insieme a Rachel Brosnahan

Chiara Guida
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Cynthia Erivo si prepara a mettere in scena l’Otello di Shakespeare insieme a Rachel Brosnahan

Cynthia Erivo è pronta a passare a un nuovo ruolo, dopo il grande successo di Wicked. La tre volte candidata all’Oscar, che ha vinto un Tony Award per il suo ruolo ne Il colore viola a Broadway nel 2016, è forse più nota per aver interpretato Elphaba Thropp in Wicked del 2024 e Wicked – Parte 2 del 2025, che adattano rispettivamente il primo e il secondo atto del musical di Broadway che racconta la storia delle origini della Strega Cattiva dell’Ovest.

Secondo Variety, Cynthia Erivo è stata scritturata per un adattamento cinematografico dell’Otello di William Shakespeare. Il progetto, che sarà girato a Doha, in Qatar, sarà una versione cinematografica della produzione teatrale del 2016 del New York Theatre Workshop dell’iconica opera, diretta da Sam Gold e che ha reinterpretato gli eventi dell’opera ambientandoli nel mezzo della guerra in Medio Oriente.

Erivo interpreterà Emilia nel prossimo film sulla tragedia di Shakespeare. Il personaggio, originariamente interpretato da Marsha Stephanie Blake nel 2016, è la moglie del cattivo dell’opera, Iago. Erivo sarà affiancata da diverse persone che hanno preso parte alla produzione del 2016.

Tra queste, la produttrice Barbara Broccoli, che si trova anche lei a un bivio nella sua carriera. Questa è la prima produzione cinematografica a cui è stata assegnata da quando ha ceduto il pieno controllo del franchise di James Bond ad Amazon MGM Studios e si è dimessa dalla produzione dopo aver portato sullo schermo molti capitoli, a partire da GoldenEye del 1995.

Broccoli ha rilasciato una dichiarazione su Otello, affermando di “aver voluto produrre l’adattamento cinematografico di Otello fin da quando abbiamo messo in scena la produzione a New York nel 2016”.

Tornano dalla produzione del 2016 anche la star di Superman Rachel Brosnahan nel ruolo di Dedemona, la moglie di Otello, e la star di Selma David Oyelowo nel ruolo di Otello stesso. Oyelowo dirigerà e produrrà anche il film. L’altro produttore già ingaggiato, oltre a lui e Broccoli, è Nicky Bentham di Eon Productions. Di seguito, un commento di Oyelowo sul progetto: “La nostra versione cinematografica di Otello è moderna e coraggiosamente ambiziosa. Per riuscirci davvero, servono attori coraggiosi. Cynthia non è solo un talento generazionale, ma anche una cara amica con cui sono sempre entusiasta di collaborare, e Rachel è stata un sogno da interpretare nella nostra produzione teatrale originale ed è stata un pilastro ispiratore attorno al quale costruire la nostra nuova interpretazione di questa storia leggendaria.”

Sebbene Cynthia Erivo abbia già sostituito Marsha Stephanie Blake, ci sono ancora ruoli aperti che potrebbero consentire diversi ritorni. Tra questi potrebbero esserci Daniel Craig (Casino Royale, Skyfall) nel ruolo di Iago, Finn Wittrock (American Horror Story, La La Land) nel ruolo del luogotenente di Otello, Cassio, e Matthew Maher (La nostra bandiera significa morte) nel ruolo di Roderigo, innamorato di Desdemona.

Magic Farm, recensione del film con Chloë Sevigny

Camilla Tettoni
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Magic Farm, recensione del film con Chloë Sevigny

Con Magic Farm, presentato al MUBI Fest e disponibile sulla piattaforma MUBI, Amalia Ulman firma la sua seconda regia e conferma uno sguardo unico, sospeso tra antropologia pop, ironia sottile e un realismo che sfiora volutamente l’assurdo. Il film segue un gruppo di giornalisti alla ricerca di “culture particolari” da raccontare e, attraverso la loro missione fallimentare, riflette con leggerezza e intelligenza sul mondo del reportage, sulle narrazioni occidentali e sulle storie che decidiamo di vedere o ignorare.

La caccia alla “storia perfetta”

Al centro della vicenda c’è Edna, interpretata da una magnetica Chloë Sevigny, giornalista di lungo corso che guida una troupe di giovani reporter abituati a inseguire fenomeni folkloristici in giro per il mondo: dalla moda degli stivali a punta in Messico alla fashion week in Congo. Questa volta l’obiettivo li porta in Argentina, dove, tramite un contatto locale di nome Marita, devono realizzare un servizio su Super Carlitos, cantante che si esibisce travestito da coniglio.

Peccato che nulla di tutto ciò esista. O, meglio, esiste solo nel malinteso iniziale che li ha portati fin lì: Super Carlitos vive da tutt’altra parte, e la signora Marita si era limitata a condividere i suoi post sulla sua pagina social.

Quando la troupe si accorge dell’errore, invece di tornare indietro si aggrappa all’unica possibilità rimasta: creare comunque una storia. Da questo momento in poi la popolazione del luogo – incuriosita, divertita o semplicemente desiderosa di apparire davanti all’obiettivo – si presta al gioco, costruendo insieme ai giornalisti una sorta di performance collettiva in cui verità e finzione si confondono felicemente.

Magic Farm: una leggerezza che osserva, senza giudicare

Ulman sceglie un tono che oscilla tra la commedia minimale e un documentario sghembo, lasciando che la grazia dei personaggi e delle situazioni emerga senza forzature. La comunità argentina che accoglie la troupe regala momenti di freschezza e spontaneità, ma allo stesso tempo lo sguardo della regista non nasconde mai la povertà, le fragilità e lo stato di marginalità in cui vive il paese. Il sorriso non manca, ma la realtà concreta che circonda i personaggi resta costantemente in campo. Ed è proprio attraverso questa convivenza tra leggerezza e verità che Magic Farm rivela il suo commento più tagliente: la miopia di un certo giornalismo occidentale, più interessato a inseguire il “folklore perfetto” che ad ascoltare la complessità delle persone che ha davanti. Edna e la sua troupe non cercano ciò che c’è, ma ciò che credono debba esserci, inseguendo un’idea preconfezionata di esotismo che li porta persino a costruire una storia pur di non tornare a mani vuote.

È proprio questo equilibrio a rendere Magic Farm un’opera tanto leggera quanto significativa: lo spettatore si diverte, si lascia trascinare dal ritmo imprevedibile del film, ma non può fare a meno di chiedersi – come del resto ci si chiede di fronte ai protagonisti – perché la troupe non pensi mai di raccontare quello che vede davvero, anziché ciò che spera di trovare.

Tra paternità, identità e finzione

Oltre alla riflessione sullo sguardo occidentale e sul giornalismo spettacolarizzato, Ulman tocca con sorprendente delicatezza altri temi: la paternità, raccontata con totale naturalezza; la sessualità, spesso vissuta in modo buffo e imperfetto;; l’identità, intesa come maschera, ruolo, invenzione.

Nessun discorso è mai pesante o didascalico: tutto passa attraverso piccoli gesti, momenti quotidiani, dialoghi che sembrano improvvisati e invece rivelano una costruzione precisa e intelligente.

Magic Farm: un’opera brillante, che resta impressa

Con Magic Farm, Amalia Ulman esplora il confine tra realtà e rappresentazione, firmando un film che colpisce per freschezza, originalità e lucidità di sguardo. È un’opera che non punta al sensazionalismo, ma alla vibrazione leggera delle vicende osservate da vicino. Un film che si guarda con un sorriso e si ricorda con un pensiero, perché dietro ogni scena si nasconde una riflessione più ampia sul modo in cui osserviamo il mondo e lo trasformiamo in racconto.

Benedict Cumberbatch su Doctor Strange 3: “Fatevi avanti”

Chiara Guida
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Benedict Cumberbatch su Doctor Strange 3: “Fatevi avanti”

Mentre Doctor Strange 3 è ancora in fase di sviluppo presso i Marvel Studios, Benedict Cumberbatch spiega cosa sta succedendo con il suo eroe del Marvel Cinematic Universe. Mentre la timeline dell’MCU è focalizzata sul completamento della Saga del Multiverso nei prossimi due anni, un film di cui molti attendono con ansia aggiornamenti è Doctor Strange 3.

In un’intervista con Liam Crowley di ScreenRant per The Thing with Feathers, a Benedict Cumberbatch è stato chiesto quale sia il futuro di Doctor Strange, dato che il pubblico non vede il potente Vendicatore sul grande schermo dal 2022. Riguardo a come Kevin Feige avesse definito Stephen “l’ancora dell’MCU”, e se fosse ancora così, Cumberbatch ha risposto: “Bisogna chiederlo a Kevin”.

Poiché Benedict Cumberbatch aveva precedentemente espresso il desiderio di impegnarsi di più in Doctor Strange 3, all’attore è stato chiesto un commento sulle voci secondo cui Sam Mendes potrebbe essere candidato alla regia. La star britannica ha risposto: “Onestamente, non vale la pena di subire le reazioni negative, i problemi e la noia di qualsiasi risposta che mi perseguiti per sempre”. Sebbene apprezzi “la quantità di contributo collaborativo che mi è concesso in quell’universo”, Cumberbatch ha sottolineato che “la collaborazione è collaborazione. Stai lavorando con le persone più straordinarie e nelle IP originali più straordinarie”.

Benedict Cumberbatch ha concluso la sua risposta su Doctor Strange 3 dicendo: “Quindi sì, avanti. Adoro far parte di un processo creativo. Quindi sì, dove posso contribuire, lo faccio. Ed è emozionante vedere dove andrà a parare”.

Sebbene a Benedict Cumberbatch non sia stata rivelata la sedia durante l’annuncio del cast di Avengers: Doomsday a marzo 2025, Doctor Strange dovrebbe effettivamente apparire nel film del 2026. Dopo aver inizialmente rivelato di non esserci, Cumberbatch ha chiarito in un’intervista con Business Insider a fine gennaio 2025 che apparirà nel prossimo film di Avengers: “Mi sono sbagliato, ci sarò”.

Dopo il finale di Doctor Strange in the Multiverse of Madness, il film ha incassato 955,7 milioni di dollari al botteghino mondiale, diventando uno dei maggiori successi della Saga del Multiverso. Non è chiaro se Doctor Strange 3 si svolgerà nella Fase 6 o nella Fase 7.

Cumberbatch ha precedentemente dichiarato di far parte del cast di Avengers: Secret Wars, come ha rivelato a Variety il 22 gennaio 2025, affermando che Doctor Strange è “abbastanza centrale per la direzione che potrebbero prendere le cose“. Al momento, Doctor Strange 3 non ha una data di uscita stabilita.

Nicholas Hoult rivela quando inizieranno le riprese di Man of Tomorrow

Gianmaria Cataldo
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Nicholas Hoult rivela quando inizieranno le riprese di Man of Tomorrow

James Gunn ha descritto Man of Tomorrow non come un sequel diretto di Superman, ma come un secondo film del franchise con protagonisti David Corenswet e Nicholas Hoult. La seconda stagione di Peacemaker, invece, dovrebbe essere considerata un prequel del film in uscita. In ogni caso, si tratta comunque del prossimo capitolo della “Saga di Superman”. Indipendentemente da come lo si voglia intendere, gran parte del film è ancora avvolta nel mistero.

Sappiamo che il piano prevede che Superman e Lex Luthor si alleino contro una minaccia molto più grande (che sembrerebbe essere Brainiac) e che Luthor indosserà la sua tuta da guerra verde e viola dei fumetti. Durante una recente apparizione a una convention, proprio all’interprete di Luthor, Nicholas Hoult, è stato chiesto di rivelare qualcosa sul film in uscita.

“Non posso. Mi metterebbe nei guai”, ha dichiarato. “Ma inizieremo le riprese ad aprile. E sono emozionato”. È già qualcosa. Diversi media hanno riportato in precedenza che le riprese inizieranno ad aprile, quindi la conferma di Hoult consolida ulteriormente questo dato. Ci aspettiamo che il cast Man of Tomorrow si rechi a Cleveland e Atlanta per girare le scene ambientate a Metropolis.

Ciò significa che le foto dal set dovrebbero arrivare online abbastanza rapidamente la prossima primavera e con esse qualche prima anticipazione sul film. L’interpretazione di Lex da parte di Nicholas Hoult è stata ben accolta dai fan, e sarà molto interessante scoprire cosa succederà quando lui e Superman saranno costretti a mettere da parte le loro differenze per combattere Brainiac.

Tutto quello che sappiamo su Man of Tomorrow

Le riprese principali di Man of Tomorrow dovrebbero iniziare nella primavera del 2026, con una data di uscita fissata per il 9 luglio 2027. David Corenswet riprenderà il ruolo nel sequel al fianco di Lex Luthor, interpretato da Nicholas Hoult, poiché i due si alleeranno contro questo nuovo nemico, come ha dichiarato il regista.

James Gunn ha infatti affermato: “È una storia in cui Lex Luthor e Superman devono collaborare in una certa misura contro una minaccia molto, molto più grande. È più complicato di così, ma questa è una parte importante. È tanto un film su Lex quanto un film su Superman. Mi è piaciuto molto lavorare con Nicholas Hoult. Purtroppo mi identifico con il personaggio di Lex. Volevo davvero creare qualcosa di straordinario con loro due. Adoro la sceneggiatura”.

Gunn annunciato Man of Tomorrow sui social media il 3 settembre. Nel suo annuncio, lo sceneggiatore e regista ha incluso un’immagine tratta dal fumetto in cui Superman è in piedi accanto a Lex Luthor nella sua Warsuit. Nei fumetti DC, Lex crea la tuta per eguagliare la forza e le abilità di Superman. Mentre l’immagine teaser suggeriva che Lex e Superman sarebbero stati di nuovo in contrasto, ora sembra che Lex userà la sua Warsuit per poter essere allo stesso livello di Superman per qualsiasi grande minaccia si presenti loro.

Al momento, è confermata la presenza della Lois Lane di Rachel Brosnahan. Il co-CEO della DC Studios ha risposto a un fan su Threads all’inizio di settembre 2025 che Lois avrà un “ruolo importante”.

Il film è stato in precedenza descritto come un secondo capitolo della “Saga di Superman”. Ad oggi, Gunn ha affermato unicamente che “Superman conduce direttamente a Peacemaker; va notato che questo è per adulti, non per bambini, ma Superman conduce a questo show e poi abbiamo l’ambientazione di tutto il resto della DCU nella seconda stagione di Peacemaker, è incredibilmente importante”.

Hamnet è il miglior film mai realizzato: ecco come risponde Chloé Zhao a questa affermazione

Chiara Guida
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Hamnet è il miglior film mai realizzato: ecco come risponde Chloé Zhao a questa affermazione

La regista di Hamnet, Chloé Zhao, risponde al poster virale che afferma che il film è il più grande di tutti i tempi. Basato sul romanzo del 2020 di Maggie O’Farrell, la storia di Hamnet esplora una versione romanzata della vita di William Shakespeare. Si concentra in particolare sulla morte del figlio di William e Agnes, Hamnet, e su come questa tragedia abbia contribuito allo sviluppo dell’opera di Amleto.

Dopo le proiezioni ai festival cinematografici di Telluride e Toronto, le recensioni di Hamnet (qui potete leggere la nostra) sono state stellari, e molti critici che lo hanno definito il miglior film del 2025. Il poster diventato virale porta questo elogio a un livello superiore, definendolo il miglior film di tutti i tempi.

In un’intervista con Liam Crowley di ScreenRant per Hamnet, Zhao ammette che questo tipo di elogi viene tributato a molti film. Ciononostante, è entusiasta di aver suscitato finora una reazione così forte e positiva negli spettatori e spiega l’impatto inestimabile di un’emozione così autentica. Date un’occhiata ai commenti di Zhao qui sotto:

Beh, vedo che questo sentimento la dice lunga sui film. [Ride] Ma è incredibile! Avere una reazione del genere dalle persone? Il nostro lavoro è aiutare le persone a provare emozioni. Una volta che provano qualcosa, in qualunque modo la esprimano – qualcuno può scrivere un sacco di appunti, può letteralmente non reagire affatto e non parlarne mai più, o qualcuno può dire che è il miglior film mai realizzato – quella è la loro espressione di ciò che hanno provato. Quindi, lo accetto!

Sebbene definire Hamnet il miglior film di tutti i tempi sia ovviamente soggettivo, il film è uno dei favoriti per il premio come miglior film agli Oscar. È un anno molto competitivo, con altri potenziali candidati tra cui Una battaglia dopo l’altra, I Peccatori, Marty Supreme, Sentimental Value, Frankenstein e Wicked: For Good. Nonostante la concorrenza, Hamnet è considerato uno dei favoriti per la vittoria dell’ambito premio.

Oltre a Miglior Film, si prevede che Hamnet riceverà nomination anche in altre categorie degli Oscar. Jessie Buckley, che interpreta la moglie di Shakespeare, Agnes, è ampiamente attesa come Miglior Attrice agli Oscar di quest’anno. Paul Mescal, che interpreta William Shakespeare nel film, sarà probabilmente candidato come Miglior Attore Non Protagonista.

Per quanto riguarda Chloé Zhao, ci sono alte probabilità che riceva una nomination come Miglior Regista. Con altri probabili candidati tra cui Paul Thomas Anderson per Una battaglia dopo l’altra, Ryan Coogler per I Peccatori e Josh Safdie per Marty Supreme, anche questa è una categoria piuttosto competitiva, ma in cui Zhao potrebbe sicuramente vincere. In precedenza aveva vinto il premio come Miglior Regista nel 2021 per Nomadland e il film con Frances McDormand si era aggiudicato anche il premio come Miglior Film nello stesso anno.

L’uscita cinematografica limitata di Hamnet inizierà il 26 novembre negli Stati Uniti, seguita da un’ampia distribuzione il 12 dicembre. In Italia è atteso per febbraio 2026.

Man of Tomorrow: James Gunn rivela gli storyboard e anticipa l’inizio della produzione

Gianmaria Cataldo
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Man of Tomorrow: James Gunn rivela gli storyboard e anticipa l’inizio della produzione

Il regista e co-CEO della DC Studios James Gunn sta lavorando intensamente su Man of Tomorrow, il sequel di Superman in uscita che vedrà Clark Kent e Lex Luthor affrontare Brainiac (stando a quanto ad oggi riportato). Su Instagram, Gunn ha ora condiviso una prima immagine di una pila enorme di storyboard del prossimo film DCU (la si può vedere qui). Guardando attentamente, si nota lo schizzo di una persona in cima… potrebbe trattarsi di una prima bozza di Brainiac? Al momento non ci sono certezze.

Gunn ha commentato il post scrivendo: “Nuova pila di storyboard pronti per la troupe lunedì mattina”. Secondo diverse fonti, le riprese di Man of Tomorrow non dovrebbero iniziare prima del prossimo aprile. Tuttavia, il fatto che Gunn abbia detto che lunedì consegnerà questi storyboard alla troupe del sequel conferma che il lavoro di pre-produzione è in pieno svolgimento. Tuttavia, non ci aspettiamo di vedere alcuna anteprima ufficiale di questo film prima del 2026.

È probabile che Man of Tomorrow sarà girato di nuovo in spazi pubblici, il che significa che dovremo aspettare solo qualche mese per vedere le prime foto dal set. Gunn ha ad oggi tenuto segreta la trama, ma il prossimo capitolo della “Saga di Superman” sarà probabilmente cruciale per i suoi piani più ampi per la DCU. Checkmate e Salvation dovrebbero entrambi apparire dopo il loro debutto nella seconda stagione di Peacemaker, ma molte saranno le sorprese da attendersi.

Tutto quello che sappiamo su Man of Tomorrow

Le riprese principali di Man of Tomorrow dovrebbero iniziare nella primavera del 2026, con una data di uscita fissata per il 9 luglio 2027. David Corenswet riprenderà il ruolo nel sequel al fianco di Lex Luthor, interpretato da Nicholas Hoult, poiché i due si alleeranno contro questo nuovo nemico, come ha dichiarato il regista.

James Gunn ha infatti affermato: “È una storia in cui Lex Luthor e Superman devono collaborare in una certa misura contro una minaccia molto, molto più grande. È più complicato di così, ma questa è una parte importante. È tanto un film su Lex quanto un film su Superman. Mi è piaciuto molto lavorare con Nicholas Hoult. Purtroppo mi identifico con il personaggio di Lex. Volevo davvero creare qualcosa di straordinario con loro due. Adoro la sceneggiatura”.

Gunn annunciato Man of Tomorrow sui social media il 3 settembre. Nel suo annuncio, lo sceneggiatore e regista ha incluso un’immagine tratta dal fumetto in cui Superman è in piedi accanto a Lex Luthor nella sua Warsuit. Nei fumetti DC, Lex crea la tuta per eguagliare la forza e le abilità di Superman. Mentre l’immagine teaser suggeriva che Lex e Superman sarebbero stati di nuovo in contrasto, ora sembra che Lex userà la sua Warsuit per poter essere allo stesso livello di Superman per qualsiasi grande minaccia si presenti loro.

Al momento, è confermata la presenza della Lois Lane di Rachel Brosnahan. Il co-CEO della DC Studios ha risposto a un fan su Threads all’inizio di settembre 2025 che Lois avrà un “ruolo importante”.

Il film è stato in precedenza descritto come un secondo capitolo della “Saga di Superman”. Ad oggi, Gunn ha affermato unicamente che “Superman conduce direttamente a Peacemaker; va notato che questo è per adulti, non per bambini, ma Superman conduce a questo show e poi abbiamo l’ambientazione di tutto il resto della DCU nella seconda stagione di Peacemaker, è incredibilmente importante”.

Oi Vita Mia, recensione del debutto alla regia di Pio e Amedeo

Camilla Tettoni
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Oi Vita Mia, recensione del debutto alla regia di Pio e Amedeo

Con Oi Vita Mia, Pio e Amedeo firmano il loro esordio alla regia, lasciando da parte la comicità più televisiva per raccontare una storia che parla di amicizia, rispetto, memoria e comunità. Al cinema a partire dal 27 novembre 2025, distribuito da Piper film, il film nasce con un intento dichiarato: dimostrare che la commedia può essere anche uno spazio di riflessione, un terreno dove la leggerezza convive con la sensibilità sociale.

Pio e Amedeo in Oi Vita Mia Recensione 2025
Cortesia di PIPERFILM e OUR FILMS

Oi Vita Mia: una comunità che rinasce dall’incontro tra giovani e anziani

La storia prende vita in una piccola città della Puglia, Vieste, dove Pio interpreta un educatore religioso e idealista, impegnato nel recupero dei ragazzi di una comunità. Quando il tetto della struttura crolla e il luogo viene dichiarato inagibile, trova rifugio dall’amico di sempre Amedeo, che gestisce una casa di riposo locale.

Amedeo è un operatore socio-sanitario (Oss) che si prende cura in prima persona degli anziani ospiti, offrendo loro non solo assistenza, ma anche rispetto, affetto e ascolto. Il suo personaggio è costruito con una tenerezza che sorprende e rappresenta l’anima più empatica del film.

Quando Pio chiede ospitalità, Amedeo accetta di accogliere lui e i suoi ragazzi nel piano disabitato della casa di riposo. Ne nasce una convivenza forzata tra generazioni che sembrano distanti, ma che presto scoprono di condividere le stesse fragilità: la solitudine, il bisogno di sentirsi utili, la voglia di essere amati. Giovani “fuori posto” e anziani danno vita a una nuova comunità, in cui ironia e solidarietà si intrecciano in modo autentico.

Il film costruisce su questa base una riflessione semplice ma efficace: quella sull’inclusione e sulla capacità di riconoscersi nell’altro, anche quando le differenze sembrano incolmabili. L’umanità che emerge dai dialoghi e dai piccoli gesti quotidiani – una partita a carte, una sfida a rubabandiera, una canzone cantata insieme – restituisce il senso profondo di un film che vuole celebrare la vita come incontro, come possibilità continua di rinascita.

Lino Banfi, Pio e Amedeo in Oi Vita Mia Recensione 2025
Cortesia di PIPERFILM e OUR FILMS

Tra ironia e quotidianità

Oi Vita Mia alterna momenti di grande leggerezza a passaggi più riflessivi. L’amicizia tra i due protagonisti diventa così la chiave per esplorare il tema del rispetto reciproco e del bisogno di appartenenza, con una naturalezza che in alcuni momenti sfiora l’emozione autentica.

Non mancano, però, alcune ingenuità narrative: certi passaggi risultano prevedibili, e la regia – pur ispirata nelle intenzioni – fatica a mantenere sempre un equilibrio tra toni comici e drammatici. Si percepisce la voglia di costruire un cinema “vero”, vicino alla gente, ma il risultato alterna momenti ispirati a passaggi più convenzionali. Tuttavia, il film non perde mai il suo cuore: la convinzione che la gentilezza e l’empatia possano essere atti rivoluzionari.

Girato interamente in una vera casa di riposo a Vieste, con la partecipazione degli stessi ospiti come comparse, Oi Vita Mia si distingue per un senso di autenticità raro. Ogni sguardo e ogni sorriso hanno un valore reale, e contribuiscono a creare quell’atmosfera di comunità che il film vuole trasmettere.

Cast Oi Vita Mia 2025 Recensione
Cortesia di PIPERFILM e OUR FILMS

Lino Banfi, l’anima del film Oi Vita Mia

Il vero centro emotivo del racconto è Lino Banfi, nel ruolo di un uomo affetto da Alzheimer. La sua interpretazione è un piccolo capolavoro di misura e sensibilità: il volto segnato dal tempo, lo sguardo che oscilla tra smarrimento e dolcezza, la fatica di ricordare e il bisogno di essere ricordato.

Banfi – che condivide con i registi le radici pugliesi – è qui più che un attore: è una presenza viva e commovente, capace di incarnare la memoria stessa del film. Attraverso di lui, Oi Vita Mia parla della dignità del vivere e del morire, ma anche del valore di ogni istante condiviso.

Il personaggio di Banfi si muove tra lucidità e assenza, e nella sua fragilità diventa un simbolo universale: la vita che sfugge, ma che nel contatto umano ritrova senso. È impossibile non emozionarsi davanti a certi momenti di silenzio o a quella malinconia leggera che accompagna ogni suo gesto.

Lino Banfi in Oi Vita Mia Recensione 2025
Cortesia di PIPERFILM e OUR FILMS

Un film sincero e imperfetto 

Il merito più grande di Oi Vita Mia sta nella sincerità. Pio e Amedeo non cercano di costruire un film furbo o ruffiano: vogliono raccontare la parte più umana e nascosta del loro mondo, quella che sta dietro la risata. E ci riescono, anche se con qualche incertezza stilistica.

La loro regia è semplice, ma mai superficiale. Si percepisce la cura nel dirigere gli attori e l’intenzione di restituire una verità emotiva che supera la tecnica.

La colonna sonora, varia e accogliente, accompagna bene i passaggi di tono: dai momenti corali di leggerezza alle scene più commoventi. E nella scelta musicale, che spazia dai Pooh fino a una citazione dei Beatles (omaggio alla celebre performance sul tetto), emerge l’idea di un film “per tutti”, costruito per abbracciare pubblici diversi.

Oi Vita Mia è un film imperfetto ma onesto, un piccolo passo di crescita per due artisti che cercano nuove forme di espressione. Un racconto sull’amicizia, sulla cura e sul bisogno di riconoscersi, che non sempre convince ma lascia una traccia sincera.

Brendan Fraser rivela perché era incerto sull’interpretare Superman per J. J. Abrams

Gianmaria Cataldo
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Brendan Fraser rivela perché era incerto sull’interpretare Superman per J. J. Abrams

Brendan Fraser ha rivelato di aver fatto un provino per interpretare Superman in un film poi cancellato. L’attore ha infatti raccontato a Josh Horowitz durante un’intervista nel suo podcast Happy Sad Confused che era stato quasi scritturato per interpretare l’Uomo d’Acciaio. Ha ricordato di aver fatto un provino per un potenziale film su Superman di J. J. Abrams e Brett Ratner.

Purtroppo l’adattamento del supereroe non è mai stato prodotto, poiché la Warner Bros. ha deciso invece di portare avanti il film Superman Returns di Bryan Singer del 2006. Tuttavia, Fraser ha ammesso di non essere sicuro che sarebbe stato la persona giusta per il ruolo nel progetto. L’attore de La mummia ha spiegato che sarebbe stata una grande pressione interpretare un ruolo così iconico e che essere il volto di un franchise così importante avrebbe richiesto un grande impegno.

L’attore ha anche espresso l’ansia che molto probabilmente avrebbe provato se avesse interpretato l’Uomo d’Acciaio in un film. Ha aggiunto che una parte di lui temeva che, se avesse ottenuto il ruolo, sarebbe stato conosciuto solo come Superman e nient’altro. Ha chiarito che non sarebbe stato un male essere conosciuto come uno dei supereroi più iconici di tutti i tempi, ma non era sicuro di volere che questo facesse parte del suo marchio.

“Provi comunque una certa ansia quando ti appresti ad affrontare un lavoro importante”, ha detto, “ma ricordo anche di aver pensato: ‘Se ottengo questo lavoro, beh, credo che Superman finirà inciso sulla mia lapide’. C’è un elemento di… tu sei quello per il resto dei tuoi giorni, della tua carriera. E non è una cosa negativa; non sto dicendo che mi ucciderà presto, ma è qualcosa che diventa parte del tuo marchio, di chi sei. E non so se allora fossi pronto ad accettarlo. Cioè, sentivo di esserlo perché era una grande opportunità, ed ero eccitato, eccetera, eccetera”.

Sebbene il film senza titolo non sia mai stato realizzato, Fraser ha detto di essersi sentito molto legato alla sceneggiatura. Gli ricordava stranamente un’opera di Shakespeare. “Ho adorato quella sceneggiatura. Mi hanno permesso di leggerla. Mi hanno chiuso in un ufficio vuoto in uno studio cinematografico, ho firmato un accordo di riservatezza. Era stampata in nero su carta cremisi, quindi non era possibile fotocopiarla o portarla fuori di nascosto. Insomma, era Shakespeare nello spazio. Era una sceneggiatura davvero ottima“, ha spiegato.

LEGGI ANCHE: Superman: 10 attori a un passo dall’essere Clark Kent

It: Welcome To Derry, i produttori analizzano l’attesissima rivelazione di Pennywise

Chiara Guida
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It: Welcome To Derry, i produttori analizzano l’attesissima rivelazione di Pennywise

Pennywise, interpretato da Bill Skarsgård, si mostra finalmente a metà della prima stagione di It: Welcome to Derry. Ovviamente, si trattava di una trappola. Il terrificante clown ha ingannato i bambini che sta attualmente perseguitando e terrorizzando. Poi, in una scena stranamente familiare, “Matty” li attira nelle fogne. E, in un batter d’occhio, l’adorabile ragazzino si trasforma nell’iconica versione del personaggio di Skarsgård, rivelando quella che, per molti, è la sua forma più terrificante.

In un’intervista con Entertainment Weekly, i creatori e showrunner di It: Welcome to Derry, Andy Muschietti, Barbara Muschietti e Jason Fuchs, parlano dell’attesissima rivelazione e del perché abbiano scelto di aspettare così a lungo. Barbara ha spiegato che hanno rimandato la rivelazione per creare suspense, così sarebbe stata ancora più spaventosa quando sarebbe accaduta davvero. Lo ha paragonato a Lo squalo, dove parte dell’ansia che i personaggi e il pubblico provano deriva dal fatto di non riuscire a vedere la creatura che li sta mettendo in pericolo.

<<Abbiamo deciso che, in questa stagione, Pennywise dovesse essere un po’ come lo squalo de Lo squalo. Bisogna essere molto strategici. In entrambi i film, era molto importante per noi mantenere vivi il mistero e la paura per questo personaggio. Abbiamo scoperto che la familiarità è nemica di tutto questo. Quindi era importante per noi ritardare il piacere, o il terrore, il più possibile.>>

Andy ha detto che per lui era “un gioco di anticipazione“. Voleva tenere gli spettatori sulle spine, voleva che fossero ansiosi di vedere il Pennywise di Skarsgård. Il creatore ha detto che l’obiettivo era “mettere le persone in quello stato di ‘Devo vedere il clown! Dov’è?!’ Questo è ciò che avremmo voluto come pubblico. È un processo un po’ lento.”

It: Welcome to DerryFuchs, che originariamente aveva collaborato con i suoi colleghi come co-produttore e revisore della sceneggiatura di It: Capitolo Due, afferma che la cosa più avvincente della creatura è la sua capacità di assumere forme diverse. Aggiunge che questo approccio influenza anche le aspettative del pubblico. Dopo due film che presentavano la versione cinematografica della creatura, gli spettatori erano naturalmente in attesa di quando o se quella versione sarebbe ricomparsa.

<<Al cinema, c’è solo un certo spazio per vedere quelle manifestazioni non-Pennywise di quella creatura”, dice. “Perché sei in TV… ci sono episodi interi in cui puoi esplorare gli altri modi in cui It tormenterà questi ragazzi.>>

Fuchs ha spiegato come pianificare la rivelazione sia stato molto complicato e ci sia voluto un bel po’ di tempo prima che i tre riuscissero a trovare una soluzione. E, ora che Skarsgård ha mostrato il suo volto, il co-creatore ha detto che i fan possono aspettarsi di vederlo fare un sacco di cose che il clown non ha mai fatto prima in nessun adattamento del romanzo di Stephen King.

<<Abbiamo fatto avanti e indietro. Sapevamo fin dall’inizio che questo non sarebbe stato al centro della prima scena del pilot, come invece accade in It 1 con l’introduzione di Georgie e Pennywise. Ma gran parte del processo creativo è stato: ‘Quando introduciamo questo personaggio nel contesto di questa storia?’. In definitiva, era davvero una questione di storia e dei personaggi che la dettavano.

[Skarsgård] ha delle opportunità con questo personaggio che la trama dei film non ha presentato. Non solo avrete un’attesa davvero, si spera, emozionante per Pennywise, ma vedrete anche Bill fare cose che non gli avete ancora visto fare in questo personaggio.>>

It: Welcome to Derry, episodio 5 spiegazione del finale: cosa c’è nella scatola?

Chiara Guida
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It: Welcome to Derry, episodio 5 spiegazione del finale: cosa c’è nella scatola?

L’episodio 5 di It: Welcome to Derry svela un nuovo, gelido volto di Pennywise e si chiude con un finale enigmatico che sembra richiamare direttamente l’universo di Doctor Sleep. I giovani protagonisti sono ancora confusi su come salvarsi dal mostro, ma la situazione prende una piega inattesa quando Matty ricompare sostenendo che Phil potrebbe essere vivo. Spinta dalla speranza, Lilly convince gli altri a scendere nelle fogne. Parallelamente, anche i militari si preparano a catturare Pennywise per trasformarlo in un’arma.

Nel climax dell’episodio, quasi tutti i personaggi principali finiscono nel covo sotterraneo di Pennywise. Qui ognuno affronta le proprie paure più profonde e le conseguenze di aver incrociato la creatura cosmica. Hallorann, più degli altri, sembra subire un effetto devastante: il suo incontro con Pennywise risveglia qualcosa che aveva tenuto “rinchiuso” per anni.

La “scatola” di Dick Hallorann e il collegamento con Dan Torrance di Doctor Sleep

Pennywise costringe le sue vittime a rivivere i loro incubi peggiori prima di consumarle. Hallorann viene quindi travolto da una visione che fonde il trauma della sua infanzia con la paura di perdere il controllo dei propri poteri di shining. In questa visione affronta il nonno, deciso ad aprire la sua misteriosa “scatola”, mentre la nonna lo implora di resistere. Il contenuto non viene mai mostrato chiaramente, ma l’episodio suggerisce che dentro vi sia un’energia maligna.

Questa scatola rappresenta con ogni probabilità la stessa abilità mentale introdotta in Doctor Sleep, dove Dan Torrance costruisce “bauli” interiori per intrappolare entità oscure. L’episodio fa intuire che Hallorann abbia usato un potere simile fin da bambino, imprigionando spiriti e presenze pericolose dentro questo spazio psichico.

Ma Pennywise manipola la mente di Hallorann e lo convince ad aprire la scatola, liberando tutto ciò che vi era rinchiuso. Questo gesto sembra potenziare Pennywise e allo stesso tempo liberare antichi fantasmi che non avrebbero mai dovuto uscire dal loro confinamento mentale.

Perché Hallorann è turbato dopo aver visto il fantasma di Pauly

Pauly, il migliore amico di Leroy nell’esercito, muore durante gli eventi dell’episodio. Eppure, verso la fine, Hallorann vede il suo fantasma con le pupille bianche e svuotate, segno inequivocabile che l’uomo è morto e che il suo spirito vaga nel mondo dei vivi senza pace.

Questo incontro sconvolge Hallorann, che comprende che l’apertura della sua “scatola” potrebbe aver infranto il confine tra vivi e morti. Una sorta di portale—prima sigillato—potrebbe ora essere spalancato, permettendo a varie entità del Sottosuolo di infiltrarsi nella realtà. Questo scenario favorirebbe Pennywise nel diffondere il terrore a Derry, anche se la creatura è ancora intrappolata fisicamente.

Il piano di Pennywise per attirare Lilly e i suoi amici

Già nell’episodio 1, Pennywise aveva ingannato Phil e gli altri mostrando loro un’illusione malefica di Matty, spingendoli così dritti nella sua tana. L’episodio 5 ripete lo schema: Pennywise induce Lilly a credere che Matty sia sopravvissuto e che Phil sia ancora salvabile. Sapendo che Lilly sarebbe corsa in aiuto, il mostro proietta un’immagine di Matty per intrappolarla.

Quando i ragazzi arrivano nelle fogne, Matty si trasforma improvvisamente in Pennywise: era solo una delle sue molte forme. Lì scoprono anche i corpi delle vittime precedenti, confermando che né Matty né Phil sono mai usciti vivi. Per fortuna Lilly e gli altri riescono a fuggire appena in tempo.

Come Taniel salva Lilly senza volerlo

L’episodio 4 ha mostrato l’origine cosmica di Pennywise e rivelato la sua unica debolezza: la stella caduta da cui è arrivato. I frammenti di questo oggetto erano stati usati dal popolo di Rose per tenere la creatura imprigionata nel bosco. Prima che Taniel scenda nelle fogne con i militari, Rose gli affida uno di questi frammenti.

Durante la fuga, però, Taniel perde accidentalmente il pezzo di stella nel tunnel. Poco dopo, Lilly, rimasta indietro, rischia di essere presa da Pennywise. Proprio in quel momento inciampa accanto al frammento: la creatura tenta di avvicinarsi, ma la presenza del minerale la respinge all’istante. Senza saperlo, Taniel ha salvato la ragazza e le ha consegnato l’unica arma realmente capace di ferire il mostro. È probabile che Lilly la userà negli episodi successivi.

Perché Leroy spara a Pauly

Il generale Shaw ha scelto Leroy per l’Operazione Precept a Derry perché conosceva il suo coraggio e soprattutto la sua incapacità di provare paura, l’unica emozione su cui Pennywise può nutrirsi. Anche nell’episodio 5, nonostante le visioni evocate dal mostro, Leroy mantiene un certo controllo.

Tuttavia, il suo autocontrollo vacilla quando Pennywise gli mostra un’illusione legata a suo figlio. Convinto di trovarsi davanti l’ennesima proiezione del clown, Leroy sta per sparare. Pauly, intuendo il pericolo, si mette in mezzo e prende il colpo destinato al ragazzo. Il suo sacrificio sottolinea la fragilità mentale dei personaggi, anche di quelli apparentemente più forti.

La forma di Uncle Sam e il messaggio dietro la trasformazione di Pennywise

In un breve ma potente momento dell’episodio 5, due militari incontrano Pennywise nelle fogne e lo vedono assumere le sembianze di Uncle Sam del famoso poster “I Want You”, icona del reclutamento americano e simbolo di dovere, sacrificio e disciplina.

Per i due soldati—già terrorizzati e spinti dall’obbligo di restare al loro posto—questa trasformazione colpisce la loro paura più intima: quella dell’autorità e dell’incapacità di rispettare la catena di comando. Pennywise sfrutta la loro vulnerabilità psicologica e i due finiscono inevitabilmente vittime della creatura.

Odissea: Matt Damon rivela la “richiesta non negoziabile” di Christopher Nolan

Gianmaria Cataldo
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Odissea: Matt Damon rivela la “richiesta non negoziabile” di Christopher Nolan

Matt Damon è il protagonista dell’impressionante cast di Odissea nel ruolo di Odisseo, e l’attore rivela ora che Christopher Nolan aveva una richiesta non negoziabile riguardo al suo aspetto. In un’intervista a Empire, Damon ha infatti detto che Nolan era irremovibile sul fatto che dovesse sfoggiare una barba vera per interpretare il protagonista. “Vuole che sia tutto reale”, dice l’attore di Nolan. Damon ricorda però di essere stato un po’ preoccupato riguardo alla sua capacità di farsi crescere una barba adatta al ruolo.

“Non avevo mai provato a farmi crescere una barba così lunga. Insomma, ci sono almeno 100 cose che mi impedirebbero di farmi crescere la barba così lunga, a cominciare dai miei figli”. Damon inizialmente ha suggerito di indossare una barba finta per il ruolo, ma Nolan ha subito posto il veto. Secondo il regista, non c’è nulla che possa sostituire i capelli veri quando si tratta del suo approccio pratico alla realizzazione di un film.

“Non sono un grande fan delle parrucche e delle barbe finte. Vuoi la fisicità dei capelli veri, in modo da poter mettere un tubo antincendio sul ragazzo e fare tutte le cose che gli chiediamo di fare”, ha spiegato il regista. La richiesta di Nolan che i suoi attori non indossino parrucche e barbe finte è in linea con il suo approccio generale alla realizzazione dei film.

Non è un segreto che il regista sia appassionato di effetti pratici e di riprese dal vivo. È famoso per aver fatto schiantare un vero Boeing 747 contro un edificio per Tenet (2020) invece di usare la CGI. Inoltre, Odissea è stato girato interamente in IMAX, una novità assoluta per Nolan e per il cinema in generale. È possibile che le parrucche e le barbe finte risaltino maggiormente nell’immagine di formato più grande creata dall’IMAX.

La barba di Damon per il film è stata rivelata ufficialmente per la prima volta nell’immagine di debutto di Odissea, ma era in gran parte coperta da un casco. È stato nelle numerose immagini dal set trapelate che sono seguite che il suo look è stato svelato più completamente. Un breve teaser è stato proiettato in sala prima di Jurassic World – La rinascita, ma non è ancora stato pubblicato online. Non resta dunque che attendere di vedere nuove immagini del film, oltre quelle recentemente pubblicate.

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Quello che sappiamo sul film Odissea di Christopher Nolan

Il film vanta un ricco cast composto da Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Zendaya, Lupita Nyong’o, Robert Pattinson, Charlize Theron, Jon Bernthal, Benny Safdie, John Leguizamo, Elliot Page, Himesh Patel, Mia Goth e Corey Hawkins. Per quanto riguarda la trama, questa segue Odisseo, il leggendario re greco di Itaca, nel suo pericoloso viaggio di ritorno a casa dopo la guerra di Troia. La narrazione descrive i suoi incontri con esseri mitici come il ciclope Polifemo, le sirene e la maga Circe, culminando nel suo tanto atteso ricongiungimento con la moglie Penelope.

Ad oggi sappiamo unicamente che Matt Damon interpreta Odisseo, mentre Tom Holland è suo figlio Telemaco e Charlize Theron è la Maga Circe. L’identità dei personaggi degli altri interpreti è ad oggi segreta. Sappiamo inoltre che Nolan ha girato il film interamente in formato IMAX, avvalendosi di nuove tecnologie realizzate appositamente per Odissea. Il regista ha inoltre limitato quanto più possibile l’uso di CGI, con l’obiettivo di ricreare quanto più possibile in modo pratico l’epico mondo descritto da Omero con il suo poema epico.

Odissea sarà distribuito al cinema da Universal Pictures dal 16 luglio 2026.

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