Dopo anni in cui i fan hanno chiesto a gran voce il loro ritorno in un nuovo film, Brendan Fraser e Rachel Weisz sono in trattative per un nuovo film della serie La Mummia, al momento noto come La Mummia 4.
Deadline ha infatti riferito che Fraser e Weisz stanno trattando con la Universal Pictures per tornare nella serie La Mummia dopo 24 anni di assenza. Fonti riferiscono che il film La Mummia 4 sarà diretto dal team di ScreamRadio Silence, con la sceneggiatura scritta da David Coggeshall di The Family Plan e la produzione del veterano della serie Sean Daniel.
La saga de La Mummia
In precedenza, Fraser e Weisz avevano recitato insieme in due film della serie La mummia: La mummia del 1999 e La mummia – Il ritorno del 2001, entrambi basati su uno dei mostri originali dei film della Universal dei primi del XX secolo, entrambi diretti da Stephen Sommers e entrambi con un incasso mondiale di oltre 400 milioni di dollari. Il film del 1999 ha presentato Fraser nei panni di Rick O’Connell, un avventuriero americano ribelle ed ex soldato della Legione straniera francese, e Weisz nei panni di Evelyn Carnahan, un’egittologa inglese che lavora al Museo delle Antichità del Cairo.
Nel corso dei due film, i due passano dall’essere partner riluttanti a una coppia sposata con un figlio piccolo, combattendo antiche maledizioni come quella del sommo sacerdote egizio Imhotep, tornato in vita. Evelyn, interpretata dalla Weisz, muore nel secondo film dopo aver scoperto di essere la reincarnazione di una principessa egizia, ma alla fine viene riportata in vita da Rick.
Contribuendo all’ascesa di Fraser come una delle più grandi star della fine degli anni ’90 e dei primi anni 2000, questi particolari film della Mummia erano così popolari da diventare famose attrazioni dei parchi Universal di Hollywood, Orlando, Florida e Singapore. Il franchise è proseguito con lo spin-off del 2002 Il re scorpione, con Dwayne Johnson, che ha incassato oltre 180 milioni di dollari in tutto il mondo, e con La mummia – La tomba dell’Imperatore Dragone del 2008 (403 milioni di dollari in tutto il mondo), in cui Fraser è tornato senza la Weisz sotto la regia di Rob Cohen.
Più recentemente, la Universal ha tentato di rivitalizzare la proprietà intellettuale con La mummia del 2017, con Tom Cruise, che aveva lo scopo di lanciare una nuova serie di film sui mostri sotto la bandiera del Dark Universe. Sebbene il film abbia ottenuto un buon successo al botteghino, incassando 409 milioni di dollari in tutto il mondo, è stato stroncato dalla critica, portando la Universal ad abbandonare i suoi piani più ambiziosi per il Dark Universe.
Tornare al franchise de La mummia ha perfettamente senso per la Universal, data la vera e propria ondata di nostalgia dei millennial per tutto ciò che riguarda Fraser e, in particolare, i suoi film sulla mummia. Questo fandom incorporato sarebbe una risorsa in un momento in cui lo studio ha ottenuto scarsi risultati al botteghino con i suoi tentativi di realizzare film moderni sui mostri, tra cui Abigail, diretto dal duo di Radio Silence.
L’attore Ryan Reynolds ha in programma il suo prossimo film su Netflix, che sarà un adattamento della classica serie di libri Eloise di Kay Thompson. L’attore è famoso soprattutto per aver interpretato il supereroe MarvelDeadpool, molto amato dai fan, e per aver recitato in commedie romantiche come The Proposal, ma ha anche recitato in numerosi film per famiglie, tra cui The Croods, Turbo,e Detective Pikachu.
Ora, Reynolds è pronto a recitare in un film per famiglie live-action che adatta l’iconica serie di libri Eloise, con Mae Schenk nel ruolo del personaggio principale e Reynolds in quello del cattivo.
Amy Sherman-Palladino, creatrice di Gilmore Girls e The Marvelous Mrs. Maisel, è alla guida del progetto come regista e sceneggiatrice, mentre Hannah Marks e Linda Woolverton sono co-sceneggiatrici.
Oltre a unirsi al cast, Reynolds produrrà anche Eloise attraverso la sua società di produzione, Maximum Effort. Mentre la versione di Netflix è basata sulla serie di libri, il film dello streamer con Reynolds sarà una “avventura originale”.
In una dichiarazione, Hannah Minghella, responsabile dei film d’animazione e dei film per famiglie di Netflix, ha affermato che “è un onore” riportare in vita Eloise per una nuova generazione e ha definito il film in uscita “audace, esilarante e sincero”.
Il dirigente ha aggiunto che Reynolds e Sherman-Palladino condividono la “tipica malizia e il fascino” di Eloise, che li rendono i talenti creativi perfetti per guidare Eloise di Netflix davanti e dietro la telecamera. Leggi la dichiarazione qui sotto:
Eloise è amata da generazioni, da quando è stata pubblicata per la prima volta negli anni ’50 fino ad oggi, quando nessuna gita familiare a New York City è completa senza una sosta al Plaza. È un onore reintrodurre questo personaggio amato al mondo con due persone che condividono la sua caratteristica malizia e il suo fascino: Amy Sherman-Palladino e Ryan Reynolds, in questo nuovo film per famiglie audace, esilarante e sincero.
Ryan Reynolds non è nuovo a Netflix, avendo recitato in The Adam Project, 6 Underground e Red Notice. Per quanto riguarda Schenk, secondo i dirigenti della Maximum Effort Ashley Fox e Johnny Pariseau, ha la giusta dose di “brio”, “arguzia” e “malizia” per interpretare il personaggio di Eloise, e hanno capito “immediatamente” che doveva essere nel film.
Quando Amy ci ha presentato Mae Schenk, abbiamo capito subito che era Eloise. Ha la scintilla, l’arguzia e la giusta dose di malizia. Siamo entusiasti di presentarla al mondo insieme ai nostri amici della MRC e di Netflix.
Eloise, la protagonista dei libri per bambini di Thompson pubblicati negli anni ’50, vive al Plaza Hotel di New York City e si ritrova coinvolta in varie avventure con la sua tata, il suo cane e la sua tartaruga.
La serie di libri comprende Eloise: A Book for Precocious Grown-Ups, Eloise in Paris, Eloise at Christmastime, Eloise in Moscow e Eloise Takes a Bawth (quest’ultimo pubblicato dopo la morte dell’autrice).
Eloise è già stata adattata per il cinema. Eloise at the Plaza e il particolarmente citabile Eloise at Christmastime sono stati entrambi trasmessi dalla ABC nel 2003. Tre anni dopo, Starz Kids & Family ha mandato in onda un cartone animato intitolato Me, Eloise! che ha prodotto 13 episodi.
Da allora, altri adattamenti di Eloise hanno cercato di decollare, senza successo. Ma nel 2020, la società di produzione MRC ha finalmente ottenuto i diritti e da allora sta sviluppando un film, con Netflix, Schenk, Reynolds e Sherman-Palladino pronti a riportare in vita il classico personaggio per bambini.
Netflix sta collaborando con gli eredi di Thompson e con l’illustratore originale, Hilary Knight, il che significa che il film Eloise dello streamer rimarrà probabilmente fedele a ciò che ha reso i libri così speciali.
Uscito il 21 aprile 2023 con grande successo di critica, The Covenant di Guy Ritchie è liberamente ispirato alle esperienze di molti interpreti mediorientali che hanno lavorato con le forze armate statunitensi durante la guerra in Afghanistan. Piuttosto che adattare l’esperienza personale di un singolo soldato, il film esplora i sacrifici e le conseguenze subite da molti interpreti anonimi che hanno rischiato la vita per la promessa di un futuro migliore.
Per mettere in luce questo problema reale e ancora attuale, la storia segue John Kinley (interpretato da Jake Gyllenhaal), un berretto verde statunitense in servizio in Afghanistan nel 2018. Quando Kinley viene ferito in battaglia, il vero eroe è Ahmed (Dar Salim), un interprete afghano assunto dall’esercito statunitense che porta Kinley in salvo. Promesso un visto per la sua famiglia in cambio dei suoi sacrifici che mettono a rischio la sua vita, Ahmed viene tradito dal governo statunitense e costretto a nascondersi. Anche se la storia potrebbe non essere basata sull’esperienza precisa di una persona,The Covenant di Guy Ritchie usa un problema reale per fare una profonda dichiarazione sulla generosità umana.
Cos’è “The Covenant” di Guy Ritchie?
The Covenant di Guy Ritchie non è basato su alcun materiale preesistente. La sceneggiatura originale è stata invece scritta da Ivan Atkinson e Marn Davies, collaboratori che hanno già lavorato con Ritchie in film come The Gentlemen, Operation Fortune: Ruse de Guerre e Wrath of Man. Sebbene i loro film precedenti non siano radicati nella precisione storica, The Covenant si ispira a un problema persistente in Afghanistan e in altri paesi del Medio Oriente.
Il problema riguarda gli interpreti afghani assunti dal governo degli Stati Uniti per aiutare i soldati americani a superare la barriera linguistica nella regione. Per aver tradito il proprio paese e aver rischiato la vita, il governo degli Stati Uniti promette di concedere agli interpreti i visti per trasferirsi negli Stati Uniti in sicurezza. Il più delle volte, questo accordo è stato rinnegato dagli Stati Uniti, lasciando molti interpreti afghani in pericolo, con il loro destino in bilico. L’esperienza collettiva di questi coraggiosi interpreti è alla base del film The Covenant di Guy Ritchie, con la storia di Ahmed che funge da allegoria per molte persone in situazioni simili.
Nel film, il sergente maggiore delle forze speciali dell’esercito statunitense John Kinley (Gyllenhaal) e la sua squadra cadono in un’imboscata dei talebani con un’autobomba, che provoca la morte dell’interprete di Kinley. Un afgano di nome Ahmed Abdullah (Salim) accetta di sostituire l’interprete di Kinley, insistendo che lo fa per soldi piuttosto che per compassione. Kinley scopre anche che Ahmed è un ex membro dell’esercito talebano, ma che li ha traditi quando hanno ucciso suo figlio. Mentre Kinley e Ahmed conquistano la fiducia l’uno dell’altro, tutto cambia quando Kinley rimane gravemente ferito in un altro attacco talebano.
Quando Kinley si risveglia dalle ferite, si rende conto di essere tornato negli Stati Uniti e di aver perso ogni contatto con Ahmed. Desideroso di ripagare il favore di avergli salvato la vita e averlo portato in salvo, Kinley cerca di ottenere per Ahmed e la sua famiglia dei visti internazionali che consentano loro di entrare negli Stati Uniti in sicurezza. Purtroppo, il governo americano oppone resistenza per un mese, costringendo Ahmed e la sua famiglia a nascondersi e Kinley a tornare in Afghanistan con lo pseudonimo di Ron Kay per ritrovarlo. Prima di tornare in Medio Oriente, Kinley chiede al suo comandante, il colonnello Vokes (Jonny Lee Miller), di procurare i visti per la famiglia di Ahmed.
Una volta trovato Ahmed in Afghanistan, Kinley convince lui e la sua famiglia a unirsi a lui nel viaggio verso gli Stati Uniti. Vokes informa Kinley che i visti sono stati elaborati e organizza un attacco aereo per sventare un’imboscata dei talebani.
Dopo essersi protetti a vicenda in un intenso scontro, Kinley, Ahmed, la moglie e il figlio di Ahmed vengono portati via dall’Afghanistan e riportati negli Stati Uniti. Anche se le cose sono finite in modo abbastanza felice per Ahmed, il film si conclude con un epilogo sobrio che recita:“Più di 300 interpreti e le loro famiglie sono stati uccisi dai talebani per aver collaborato con l’esercito statunitense. Migliaia di altri sono ancora nascosti”.
Sotto le spoglie di un film d’azione militaristico, The Covenant di Guy Ritchie racconta una storia di guerra semi-vera su un problema reale che persiste ancora oggi in Medio Oriente. Sebbene Ahmed e la sua famiglia siano stati fortunati a sopravvivere nel film, molti interpreti reali nella guerra in Afghanistan non lo sono stati. Il film mira a sensibilizzare l’opinione pubblica su questo tema e a rendere giustizia agli interpreti.
Un precedente storico ha ispirato “The Covenant” di Guy Ritchie
Sebbene The Covenant di Guy Ritchie non sia basato sulla storia vera di una persona, è ispirato a un precedente storico. Nel 2016, due anni prima degli eventi descritti nel film, The Smithsonian ha pubblicato un articolo inquietante intitolato “Il destino inquietante degli interpreti afghani che gli Stati Uniti hanno lasciato indietro”. L’articolo descrive le esperienze di molti interpreti afghani, come Ahmed Abdullah, che hanno tradito il loro Paese per lavorare con il governo degli Stati Uniti in cambio di un visto. Tuttavia, nonostante i loro sforzi eroici, molti interpreti afghani sono stati abbandonati, dimenticati e gli è stato negato il visto dagli Stati Uniti.
L’articolo descrive diversi interpreti afghani che hanno rinunciato a tutto per fuggire in America e vivere una vita migliore, solo per vedersi negare il visto e, in alcuni casi, essere uccisi. Sebbene molte di queste vicende personali siano troppo tragiche e dolorose per essere rivissute sulla carta stampata, l’articolo cita una statistica inquietante:
“Nel 2014, l’International Refugee Assistance Project, un’organizzazione no profit con sede a New York City, ha stimato che ogni 36 ore veniva ucciso un interprete afgano”.
Sebbene si tratti di una questione molto più oscura e complessa di quanto descritto in The Covenant di Guy Ritchie, il film prende spunto dalla storia vera degli interpreti afgani, a lungo dimenticati ma profondamente eroici, e cerca di sensibilizzare l’opinione pubblica attraverso la compassione e la generosità umana.
Il punto di vista di Guy Ritchie su “The Covenant”
Sebbene The Covenant di Guy Ritchie sia basato sulle esperienze di vita reale di molti interpreti afghani sconosciuti, il regista insiste sul fatto che raccontare la storia immaginaria di John Kinley e Ahmed Abdullah significa raccontare il legame umano che si è creato tra due persone molto diverse. Ritchie racconta all’AP:
“Sono rimasto commosso dai legami piuttosto complicati e paradossali che sembravano essere stati creati dal trauma della guerra tra gli interpreti e i loro colleghi, per così dire, dall’altra parte del divario culturale, e da come tutto ciò sia svanito sotto la pressione. L’ironia della guerra è la profondità con cui lo spirito umano può esprimersi, cosa che in qualsiasi altra situazione quotidiana non è mai consentita. È molto difficile esprimere a parole il significato e la profondità di quei legami. Il mio compito era cercare di catturare quello spirito in un film e in una narrazione molto semplice”.
Seguendo una narrazione semplice, The Covenant di Guy Ritchie ha affrontato e portato alla luce una storia vera che continua ad affliggere gli interpreti affiliati agli Stati Uniti all’indomani della guerra in Afghanistan. Questo film di guerra sottovalutato racconta la storia personale di John e Ahmed per sensibilizzare l’opinione pubblica sullo sfruttamento che persiste ancora oggi in Medio Oriente.
Il successo di critica e di pubblico di “The Covenant”
The Covenant è uscito nelle sale il 21 aprile 2023. Ha ottenuto recensioni entusiastiche sia dal pubblico che dalla critica per la sua potente narrazione, la profondità emotiva e la fenomenale interpretazione di Gyllenhaal. Molti hanno elogiato Ritchie per la sua magistrale esplorazione del profondo legame che si instaura tra i soldati e i loro interpreti e per il profondo cameratismo che li unisce. Il film d’azione ha ricevuto un punteggio dell’82% su Rotten Tomatoes e un ottimo 98% su Popcornmeter dai fan, che hanno anche assegnato a “The Covenant” un CinemaScore “A”.
Il film di Guy Ritchie è uscito insieme ad altri film come Evil Dead Rise, Chevalier e Beau is Afraid, e si prevedeva che avrebbe incassato circa 6 milioni di dollari nel suo primo weekend. Alla fine si è classificato terzo dietro al precedentemente uscito The Super Mario Bros. Movie e Evil Dead Rise, incassando 6,3 milioni di dollari. The Covenant avrebbe poi completato la sua corsa nelle sale con un incasso totale mondiale di 21,9 milioni di dollari, diventando un flop al botteghino nonostante l’accoglienza entusiastica della critica, dato il suo budget di 55 milioni di dollari.
Sebbene The Covenant abbia ottenuto risultati deludenti al botteghino, l’avvincente dramma bellico è comunque diventato il film di Ritchie con il punteggio più alto su Rotten Tomatoes, con un impressionante 82% sul Tomatometer. È stato un grande trionfo di pubblico, con il San Diego Reader che ha elogiato il pluripremiato regista e il suo approccio alla narrazione nella sua recensione:
“Il regista Guy Ritchie esercita una notevole moderazione nella sua rappresentazione dell’azione: più e più volte, si accontenta di fare un passo indietro, mantenere l’inquadratura e lasciare che ciò che accade sia sufficiente per coinvolgere lo spettatore. E più e più volte, è più che sufficiente”.
Lo stesso Batman, Robert Pattinson, ha finalmente rotto il silenzio sulla sua partecipazione alla serieDune, acclamata dalla critica e diretta da Denis Villeneuve. L’attore, che si sta preparando a tornare nei panni del Cavaliere Oscuro ma che al momento sta promuovendo la sua commedia nera, Die My Love, non solo ha confermato il suo ruolo nel sequel dell’epico film di fantascienza, ma ha anche offerto alcune anticipazioni su come sia stato girare nel deserto rovente. Attenzione spoiler: fa caldo.
Pattinson si unirà aTimothée Chalamet, Zendaya e Florence Pugh nel prossimo Dune: Parte Tre, e anche se il suo ruolo non è ancora stato rivelato ufficialmente, la teoria più accreditata è che l’attore interpreterà il cattivo della storia: Scytale. Sebbene Pattinson non abbia confermato quale personaggio interpreterà, ha rivelato (tramite IndieWire) che girare in condizioni così torride gli ha permesso di lasciar andare le sue solite preoccupazioni e ansie.
“Quando stavo girando ”Dune” faceva così caldo nel deserto che non riuscivo proprio a farmi domande. Ed era così rilassante, come se il mio cervello non funzionasse, non avevo una sola cellula cerebrale funzionante. E mi limitavo ad ascoltare Denis [Villeneuve]: “Qualunque cosa tu voglia!‘’
Dune: Parte Terza promette grandi cambiamenti
Si pensava che Dune: Parte Terza avrebbe avuto come titolo Dune: Messiah, in linea con il nome del secondo romanzo di Frank Herbert. Tuttavia, è stato ora confermato che il sequel seguirà invece la tendenza del secondo film e aggiungerà invece ”Parte Terza”.
Ma mentre il titolo rimarrà lo stesso dei suoi predecessori, Dune: Parte Terza promette molti cambiamenti. Anche se il candidato all’Oscar Timothée Chalamet tornerà a interpretare Paul Atreides, l’attore sfoggerà un nuovo look significativo per il sequel. L’attore sembra essersi rasato la testa per il suo prossimo viaggio su Arrakis, dato che nelle nuove immagini si vede il celebre attore nascondere un taglio di capelli molto corto sotto un cappello. Per chi conosce ciò che accade a Paul nel prossimo capitolo della serie Dune, i cambiamenti dell’attore non dovrebbero essere una sorpresa.
Il sequel, a seconda di quanto seguirà fedelmente il romanzo, sarà anche molto più orientato alla fantascienza rispetto ai primi due film.
Ciò potrebbe includere il cattivo interpretato da Robert Pattinson, se interpreterà Scytale, sarà quello che viene chiamato Face Dancer o mutaforma. Il terzo capitolo riporterà anche Duncan Idaho interpretato da Jason Momoa che, dopo aver compiuto il sacrificio estremo nel primo Dune, tornerà come ghola. Il che significa essenzialmente che è una sorta di clone.
Oltre a tutti questi cambiamenti, Dune: Parte Tre manterrà intatto un elemento fondamentale: il cast stellare. Oltre a Chalamet, Pattinson e Momoa, il sequel riporterà Zendaya nel ruolo di Chani, Florence Pugh in quello della principessa Irulan, Josh Brolin nei panni di Gurney Halleck, Rebecca Ferguson nei panni di Lady Jessica e Anya Taylor-Joy nei panni di Alia Atreides, mentre si aggiungeranno Nakoa-Wolf Momoa nei panni di Leto II Atreides, figlio di Paul (Chalamet) e Chani (Zendaya), e Ida Brooke nei panni di Ghanima Atreides, sorella gemella di Leto II. Dune: Parte Terza uscirà il 18 dicembre 2026.
The Counselor – Il procuratore (qui la recensione) è uno dei titoli più discussi della filmografia recente di Ridley Scott, autore che, dopo grandi produzioni storiche e sci-fi, torna qui a un crime thriller cupo, asciutto e moraleggiante. Il film rappresenta una parentesi particolare nella carriera del regista: niente eroismi, niente spettacolo epico, ma un racconto cinico e disilluso sul potere della scelta e sulle conseguenze dell’avidità. Scott firma un’opera che rinuncia ai ritmi hollywoodiani tradizionali, privilegiando dialoghi serrati, atmosfere tese e una regia più trattenuta, al servizio dei personaggi e della loro lenta discesa.
Particolarità fondamentale del film è la sceneggiatura originale di Cormac McCarthy, alla sua prima opera scritta direttamente per il cinema. L’autore de La strada e Non è un paese per vecchi porta sul grande schermo la propria visione brutale e filosofica del crimine: in The Counselor – Il procuratore non c’è spazio per il caso o per la redenzione, solo la crudele logica delle conseguenze. Il genere è quello del neo-noir moderno, sporco, violento, carico di fatalismo, dove il protagonista – un avvocato che tenta di arricchirsi entrando nel traffico di droga – si trova rapidamente schiacciato da una spirale fuori dal suo controllo.
I temi centrali sono infatti la responsabilità morale, la corruzione, la fragilità del libero arbitrio e l’illusione di poter controllare un mondo governato da regole spietate. Il cast stellare contribuisce a rendere il film un oggetto di culto: Michael Fassbenderè il procuratore senza nome che precipita nel caos, accanto a Javier Bardem, Cameron Diaz, Penélope Cruze Brad Pitt, tutti coinvolti in ruoli segnati da ambiguità, desiderio e violenza. Le interpretazioni e la scrittura, volutamente filosofica e simbolica, divisero critica e pubblico, facendo di questo un film affascinante e controverso.
La trama di The Counselor – Il procuratore
Protagonista del film è un avvocato di successo, in procinto di sposarsi con la bella fidanzata Laura. Nonostante il suo lavoro, però, l’uomo fatica ad avere le disponibilità economiche necessarie a dar vita al grande evento. Disposto a tutto pur di soddisfare i desideri della sua futura moglie, questi finisce per accettare una controversa proposta da un suo vecchio cliente, Reiner. Questo, che ha contatti con la malavita messicana impegnata nel traffico di droga, assegna all’avvocato il compito di recuperare un carico di cocaina dal valore di 20 milioni di dollari. Per farlo, però, dovrà recarsi al confine con il Messico.
Ad aiutarlo nel corso della missione vi è anche Westray, un tipo dall’aria non raccomandabile e che sembra ben più conscio dei pericoli dell’operazione. Con loro vi è anche Malkina, la conturbante fidanzata di Reiner, la quale li seguirà in ogni loro spostamento per assicurarsi che tutto vada secondo i piani. Naturalmente, però, la situazione sfugge di mano e precipita inesorabilmente in un crescendo di violenza e morte. Ben presto, l’avvocato si renderà conto di non essere affatto portato per quel mondo, ma per uscirne vivo e riabbracciare Laura dovrà andare fino in fondo, dando sfogo a tutta la sua avidità.
La spiegazione del finale del film
Nel terzo atto, la spirale di violenza si chiude definitivamente attorno al Procuratore. Il cartello recupera il carico rubato e inizia a eliminare sistematicamente chiunque sia coinvolto. Reiner viene ucciso durante un tentativo di cattura e, subito dopo, Laura viene rapita. Comprendendo di non avere più alcun controllo sulla situazione, il Procuratore tenta un gesto disperato: contatta Jefe, un alto esponente dell’organizzazione, implorando clemenza. Ma l’uomo gli risponde con un monologo filosofico e crudele, chiarendo che non esiste possibilità di tornare indietro. Il destino è ormai già scritto.
Il Procuratore rimane solo, nascosto in Messico, in un limbo di attesa e terrore. Una busta infilata sotto la porta del suo hotel contiene un DVD con scritto “Hola!”. Capendo che il video mostra l’omicidio di Laura, l’uomo crolla definitivamente. La scena successiva conferma la brutalità del cartello: il corpo decapitato della donna viene abbandonato in una discarica, come rifiuto senza valore. Parallelamente, Malkina continua a muoversi come un fantasma inafferrabile: raggiunge Londra, fa uccidere Westray con il micidiale “bolito” e ottiene il controllo dei suoi conti. Il film si chiude con lei, calma e imperturbabile, pronta a spostarsi a Hong Kong.
Il finale sancisce la logica spietata del mondo in cui il Procuratore ha scelto di entrare. Non c’è eroismo, vendetta o salvezza: chi varca quella soglia perde tutto. Il cartello elimina Laura non per necessità, ma come messaggio, dimostrando quanto sia irrilevante la vita di chiunque in quella catena criminale. Jefe, con il suo discorso filosofico, ribadisce un punto chiave: il destino non si compie quando tutto precipita, ma quando si compie il primo passo. Il Procuratore ha creduto di poter rischiare senza pagarne le conseguenze, ma la sua ingenuità è stata punita senza appello.
Ridley Scott e Cormac McCarthy non offrono redenzione. Il film è una meditazione sul prezzo delle scelte e sulla natura amorale del denaro quando entra nei territori del crimine organizzato. The Counselor – Il Procuratore non è un criminale abituale, ma un uomo comune che si è illuso di poter restare pulito. La morte di Laura non è un effetto collaterale: è la prova della sua responsabilità. Malkina, invece, incarna la legge del più forte, dimostrando che la violenza non è caotica, ma pianificata e capitalistica. Il male non solo vince, ma prospera.
Il messaggio che resta è cupo e disturbante: non esiste contrattazione né pentimento in un sistema che vive di sangue e profitto. The Counselor – Il Procuratore mostra come anche una singola decisione sbagliata possa travolgere un’intera esistenza. Il protagonista cercava amore, ricchezza e controllo, ma scopre che la vita comune non ha spazio in un mondo governato dalla crudeltà. La violenza non è spettacolo, è routine. E in questa realtà, l’unico personaggio che “vince” è chi non ha più alcuna umanità da perdere.
Il film Sai tenere un segreto?(qui la recensione) apporta una serie di modifiche al libro di Sophie Kinsella, quindi analizziamo i cambiamenti più significativi e il loro significato. Hollywood da tempo adatta libri amati al grande e al piccolo schermo, prendendo storie familiari e dando loro vita sia in film live-action che in animazione per un pubblico di tutte le età. Alcuni adattamenti sono molto fedeli al materiale originale, mentre altri apportano molte modifiche, nel bene e nel male. Nel caso di Sai tenere un segreto?, lo sceneggiatore Peter Hutchings e la regista Elise Duran sono riusciti ad adattare fedelmente la trama principale del libro di Kinsella, con la maggior parte delle modifiche apportate per ridurla a un film di 90 minuti.
Come il romanzo di Kinsella del 2003, il film segue una giovane collaboratrice del reparto marketing di una grande azienda produttrice di bevande energetiche sportive di nome Emma Corrigan (Alexandra Daddario). Durante un volo turbolento dopo una riunione andata male, Emma confida tutti i suoi segreti a uno sconosciuto, che però si rivela essere Jack Harper (Tyler Hoechlin), uno dei cofondatori della sua azienda. La vita di Emma viene sconvolta da quest’uomo che conosce tutti i dettagli umilianti della sua vita, come il fatto che non si è mai innamorata nonostante abbia una relazione a lungo termine. Ma questa situazione bizzarra avvicina Emma e Jack, permettendo loro di sviluppare una relazione senza finzioni.
La struttura di base della trama del film Sai tenere un segreto? rimane la stessa del libro di Kinsella, seguendo più o meno gli stessi ritmi. Pertanto, la maggior parte delle modifiche apportate nel processo di adattamento riguardano altri aspetti, come l’ambientazione e i personaggi secondari. Oppure le modifiche sono state apportate per ridurre la lunghezza della storia e adattarla ai limiti di un film. Ecco allora tutte le modifiche più significative apportate al film Sai tenere un segreto? rispetto al libro.
Can You Keep A Secret? L’ambientazione è stata cambiata da Londra a New York City
Il cambiamento più evidente apportato al film Sai tenere un segreto? è il fatto che è ambientato negli Stati Uniti anziché nel Regno Unito. Nel libro, l’incontro di Emma si svolge in Scozia ed è con una compagnia petrolifera, mentre nel film il suo incontro è con una compagnia di crociere per anziani con sede a Chicago. Inoltre, invece di vivere a Londra, Emma vive a New York City, il che significa che incontra Jack su un aereo da Chicago a New York.
A seguito di questo cambiamento di ambientazione, molti dei dettagli minori di Sai tenere un segreto? sono stati americanizzati, come il fatto che Emma acquisti i suoi vestiti di seconda mano presso il negozio Beacon’s Closet di New York invece che da Oxfam. Non è chiaro perché Hutchings e Duran abbiano cambiato l’ambientazione della storia a New York City, ma potrebbe avere qualcosa a che fare con le loro conoscenze e con il desiderio di rendere il film attraente per il pubblico statunitense.
Panther Prime diventa Panda Prime
Un altro grande cambiamento dal libro al film è il nome dell’azienda per cui lavora Emma. Invece che per Panther Prime, lavora per Panda Prime. Questo cambiamento in particolare non ha molto senso, dato che Sai tenere un segreto? mantiene il famoso slogan ideato da Jack Harper e dal suo partner: “Don’t pause” (Non fermarti). Nel libro ha senso, dato che Panther è posizionata come un’azienda sportiva al livello di Puma e Nike.
In effetti, si potrebbe dire che lo slogan nel libro di Kinsella assomiglia al marchio “Just do it” della Nike. Quando l’animale viene cambiato in un panda, però, lo slogan “Don’t pause” non ha più molto senso, soprattutto perché Sai tenere un segreto? posiziona l’azienda come più attenta alla salute che aggressivamente attiva. Non è chiaro perché il nome dell’azienda di Jack sia stato cambiato in Panda Prime, ma non funziona altrettanto bene.
La famiglia di Emma è stata completamente eliminata dal film
Ogni volta che un libro viene adattato per il cinema, è inevitabile che ci siano delle vittime sul pavimento della sala montaggio. Nel caso di Sai tenere un segreto?, la vittima più importante del processo di adattamento è la sottotrama riguardante la famiglia di Emma. Nel libro, Emma ha un ruolo secondario rispetto alla cugina maggiore Kerry, che è venuta a vivere con la famiglia di Emma quando era piccola e sua madre è morta. I genitori di Emma adoravano Kerry, che è cresciuta fino a diventare un’imprenditrice di successo, mentre Emma faticava a trovare una carriera.
Tuttavia, quando Jack sconvolge la vita di Emma, rivelando accidentalmente e intenzionalmente i suoi segreti alle persone che la circondano, cambia in meglio le dinamiche familiari. È una sottotrama dolce nel libro, ma è anche la più facile da eliminare per garantire che il film non sia troppo lungo. Sai tenere un segreto? fa comunque un cenno a quella particolare trama, quando Cybill (Laverne Cox) fa riferimento a una giornata aziendale dedicata alla famiglia durante la prima visita di Jack in ufficio: è in quell’evento nel libro che Jack incontra la famiglia di Emma.
Riferimenti aggiornati alla cultura pop
Poiché Sai tenere un segreto? è stato pubblicato originariamente nel 2003, molti dei suoi riferimenti alla cultura pop sono ormai superati e il film cerca di aggiornarli. Ad esempio, la canzone che fa piangere Emma nel libro è “Close To You” dei Carpenters, mentre nel film è “Demons” degli Imagine Dragons. E l’imbarazzante copriletto di Emma nel libro è a tema Barbie, mentre nel film è My Little Pony.
Sono però stati mantenuti alcuni riferimenti più classici, come il romanzo che Emma finge di leggere per il suo club del libro, che rimane “Great Expectations” di Charles Dickens. Ha sicuramente senso aggiornare i riferimenti alla cultura popolare per il film, in modo che non sembri obsoleto, anche se alcuni fan del libro potrebbero obiettare che “Demons” non ha molto senso come canzone che fa piangere qualcuno.
Il cast di supporto è più diversificato
Nel libro, la maggior parte delle persone nella vita di Emma sono uomini e donne bianchi, ma il film Sai tenere un segreto? fa uno sforzo concertato affinché le persone nel mondo di Emma riflettano più accuratamente la New York City dei giorni nostri. Di conseguenza, le coinquiline di Emma, Lissy e Gemma (Jemima nel libro), sono interpretate rispettivamente da Sunita Mani e Kimiko Glenn. Cox interpreta Cybill, il capo di Emma, che sostituisce Paul del libro e che probabilmente è stato adattato dal personaggio di Cyril, il responsabile dell’ufficio.
Inoltre, Katie, la collega di Emma appassionata di uncinetto, cambia sesso e diventa Casey (Robert King), anche se rimane invariato il dettaglio su un potenziale partner che usa Casey per fare riparazioni in casa. Anche il partner di ballo di Lissy è cambiato, diventando Omar invece di Jean-Paul. Tuttavia, sebbene il film Sai tenere un segreto? sia molto più diversificato, nessuno dei due protagonisti – né il fidanzato di Emma, Connor (David Ebert) – fa parte di questa spinta ad aggiungere più rappresentatività.
Il finale è ambientato su un aereo, non all’after party
Il terzo atto di Sai tenere un segreto? si svolge quasi interamente allo stesso modo nel film e nel libro. Jack sorprende Emma a parlare con il giornalista scandalistico assunto da Gemma/Jemima e se ne va infuriato, nonostante Emma protesti dicendo che non avrebbe mai venduto il suo segreto. Tuttavia, nel libro, Jack torna alla festa dove è avvenuto questo scontro e lui ed Emma parlano fuori, passeggiando nel giardino mentre lui le racconta tutti i suoi segreti. Nel film, Emma lo segue sul suo volo per Chicago e si siede nel posto di prima classe accanto a lui per fargli le sue scuse.
Quando è costretta a tornare al suo posto in classe economica, Jack la segue e le racconta i suoi segreti. Si baciano e Jack continua a raccontare a Emma tutto di sé. Questo finale cattura la stessa sensazione del libro, ma riesce a chiudere il cerchio della storia, sia con il discorso di Emma che ambientando la loro riconciliazione su un aereo, riportandola al luogo dove si sono incontrati. Questo è forse il cambiamento più grande apportato al film Sai tenere un segreto?, ma ha anche molto senso ed è senza dubbio un finale ancora migliore rispetto al libro di Kinsella.
L’Uomo d’Acciaio (qui la recensione) rappresenta una rivisitazione radicale di Superman rispetto alle incarnazioni classiche del personaggio, in particolare quelle luminose e ottimistiche legate al cinema di Richard Donner e alla figura iconica di Christopher Reeve. Zack Snyder sceglie un tono più cupo, realistico e drammatico, cercando di raccontare un Superman moderno: un alieno costretto a vivere tra esseri umani che lo temono, in un mondo segnato da paura, geopolitica e diffidenza. Il film mette al centro il conflitto identitario, trasformando Clark Kent in un uomo che deve scegliere chi essere, e non solo un eroe che difende la Terra.
Questa reinterpretazione portò a molte novità apprezzate, come la rappresentazione di Krypton e la sua estetica sci-fi, il ruolo più complesso dei genitori adottivi, e la costruzione di un Superman tormentato, vulnerabile e costretto a confrontarsi con il peso delle proprie responsabilità. Tuttavia, alcune scelte divisero il pubblico e la critica: l’eccesso di distruzione, l’atmosfera troppo cupa e la figura di un eroe meno luminoso rispetto alla tradizione fumettistica. La decisione più controversa fu quella finale: Superman che spezza il collo a Zod, uccidendolo.
Quel gesto, mai visto prima nelle trasposizioni cinematografiche di Superman, cambiò per molti l’essenza del personaggio, solitamente simbolo di speranza, controllo morale e incorruttibilità. Alcuni lo interpretarono come un punto di crescita drammatica, altri come un tradimento dell’icona. Per questo motivo, nel resto di questo articolo verrà proposto un approfondimento sul “finale alternativo” inizialmente considerato dagli autori: un epilogo in cui Superman non uccide Zod. Analizzeremo come questa scelta avrebbe modificato la narrazione, l’evoluzione psicologica del protagonista e il significato complessivo del film.
Il finale alternativo di L’Uomo d’Acciaio: le parole di David S. Goyer
Come già detto, il finale di L’Uomo d’Acciaio potrebbe passare alla storia come uno dei finali più controversi dei film tratti dai fumetti. Tuttavia, la famigerata battaglia tra Superman e Zod nel finale avrebbe potuto prendere una direzione diversa, come rivelato dallo sceneggiatore David S.Goyer, il quale ha però difeso la conclusione poi scelta, spiegando: “Capisco perfettamente che molte persone abbiano avuto dei problemi con questo finale. Quando ho contribuito all’adattamento di queste cose, volevo essere il più rispettoso possibile del materiale originale”. “
Ma non è possibile proteggersi dal fallimento. Bisogna osare. E osare comporta grandi ricompense”. Ma il team ha rischiato di non osare, ha detto Goyer, rivelando che il team aveva preso in considerazione un finale alternativo per L’Uomo d’Acciaio che non avrebbe visto Superman uccidere Zod: “L’idea era che Superman avrebbe… c’era una di quelle capsule criogeniche sulla nave che finisce per diventare la Fortezza della Solitudine, nella quale avrebbe potuto rimettere Zod e poi lanciarlo nello spazio”.
“Ne abbiamo discusso e forse alcune persone sarebbero state più contente di questo finale, ma ci sembrava una scappatoia per la storia che stavamo raccontando”. Quel finale non avrebbe certamente suscitato la reazione e le critiche che ha ricevuto il finale di L’Uomo d’Acciaio, e sarebbe stato più in linea con le rappresentazioni tradizionali di Superman come supereroe non letale. Ma Goyer e i realizzatori del film erano determinati a mantenere il loro approccio realistico a Superman, con un finale che avrebbe messo Superman in una posizione etica difficile, e con nessuna scelta se non quella di uccidere il suo avversario.
“Stavamo cercando di… se si segue la storia dall’inizio alla fine, in termini di emergere di questo personaggio, della sua maturità e della piena comprensione del tipo di potere che ha, e quando combattono il tipo di devastazione che ne deriva. Non è una lotta frivola, è quasi come l’11 settembre quando combattono. Stavamo cercando di creare una situazione di stallo in cui lui non potesse… C’era stata una decisione editoriale nei fumetti secondo cui Superman non uccide, era una regola, ma è una regola imposta a un mondo immaginario. Quando stai scrivendo per la televisione o per un film, non puoi appoggiarti a una stampella, a una norma che trova la sua ragion d’essere al di fuori dell’esigenza narrativa”.
“Nel nostro caso, la situazione era questa: Zod non avrebbe smesso di uccidere degli innocenti finché uno fra lui o Kal-el non fosse morto. La realtà dei fatti è che nessuna prigione sulla Terra avrebbe potuto tenerlo bloccato, il nostro Superman non poteva volare sulla Luna e non volevamo neanche usare una scappatoia come questa. Inoltre, la nostra opera è da intendersi come un “Superman Begins”. Clark non è Superman fino alla fine del lungometraggio. Volevamo che lui avesse sulle proprie spalle il peso dell’aver ucciso qualcuno, in modo tale da poter trasportare ciò anche nel secondo film. Dato che lui è Superman e le persone lo idolatrano, adesso deve ancorarsi a uno standard molto elevato.
Come il finale alternativo avrebbe cambiato il film
L’ipotesi di un finale in cui Superman imprigiona Zod in una capsula criogenica avrebbe radicalmente cambiato la percezione del protagonista e dell’intero film. Avrebbe mantenuto intatta la tradizione dell’eroe non letale, rafforzando l’idea di un Superman moralmente incorruttibile, capace di trovare sempre una soluzione alternativa alla violenza definitiva. La narrazione ne sarebbe uscita più rassicurante, più vicina al mito classico e alla figura del salvatore perfetto, riducendo la componente realistica e tragica che invece caratterizza il finale ufficiale scelto da Snyder e Goyer.
La versione canonica, invece, trasforma la morte di Zod in un punto di trauma e maturazione, segnando l’inizio della consapevolezza del potere e del peso morale che comporta. Un finale alternativo avrebbe invece evitato questa frattura psicologica, privando Superman della colpa e del tormento che lo umanizzano e che giustificano il suo bisogno di controllare sé stesso. Di conseguenza, il film avrebbe trasmesso un messaggio più semplice, meno drammatico, minando l’idea di un supereroe costretto a confrontarsi con le conseguenze reali delle proprie azioni.
Il periodo in cui Sylvester Stallone ha interpretato John Rambo potrebbe essere giunto al termine, ma la storia del suo tormentato veterano della guerra del Vietnam continuerà con un prequel in fase di sviluppo diretto dal regista di SISUJalmari Helander, con Noah Centineo pronto a vestire i panni del protagonista. Sebbene sia ancora nelle fasi iniziali, il prequel di Rambo dovrebbe iniziare le riprese in Thailandia il prossimo anno e ha già ottenuto un accordo di distribuzione.
Joe Deckelmeier di MovieWeb ha incontrato Helander mentre promuoveva SISU: Road to Revenge, il sequel del sanguinoso film d’azione di successo del 2022, e gli ha chiesto del suo prossimo approfondimento sulla storia di uno degli eroi d’azione più longevi del cinema. Alla domanda se il suo Rambo avrebbe avuto lo stesso livello di brutalità creativa di SISU, Helander ha risposto:
“Non ne sono sicuro. Sarà la mia interpretazione di Rambo, questo è certo, ma è un processo. È ancora in corso. Non posso ancora rispondere”.
John Rambo ha fatto il suo debutto nel 1982 in First Blood come uomo distrutto dalle sue esperienze di guerra. Sebbene la serie sia diventata famosa per le sparatorie e per il muscoloso veterano interpretato da Stallone che sconfigge i cattivi, il primo film era tanto un thriller psicologico quanto un film d’azione, quindi come affronterà Helander la storia di come John Rambo è diventato il personaggio che conosciamo? A quanto pare con la stessa combinazione di dramma e azione del film originale.
“È la storia di ciò che è successo a questo soldato in Vietnam e che lo ha reso l’uomo che tutti abbiamo visto in First Blood. Ma ovviamente non è un dramma su qualcuno che ha un crollo mentale, è anche un film d’azione”.
Il franchise di “Rambo” è stato acquisito da un nuovo distributore
Si parla da tempo di un prequel di Rambo, con voci che risalgono a diversi anni fa, e il fatto che finalmente si stia procedendo è entusiasmante per i fan del franchise che erano alla ricerca di nuova linfa dopo l’uscita di Rambo: Last Blood nel 2019, quasi certamente l’ultima apparizione di Stallone.
Come riportato oggi da THR, il franchise di Rambo è stato ora assicurato in un “accordo di diritti ad ampio raggio” tra Lionsgate e Millennium Media. Lionsgate distribuirà ora il prequel di John Rambo e avrà un “ruolo di produzione principale” in qualsiasi progetto televisivo di Rambo. In precedenza si era discusso di una serie TV su Rambo, che era il piano originale per il prequel prima che si passasse alla realizzazione di un film, ma sembra che il nuovo accordo di distribuzione sia stato stipulato con l’intenzione di realizzare comunque un progetto televisivo.
Nel frattempo, Stallone ha recentemente aggiunto il suo peso alla nuova versione di Rambo, dichiarando a EW che ritiene che il prequel potrebbe essere “fantastico, se riusciranno a centrare tutti gli obiettivi”. Condividendo la sua opinione sul passato di John Rambo, Stallone ha detto:
“Ho sempre pensato a Rambo come a un personaggio molto popolare. Era il capitano della squadra di football, prendeva sempre il massimo dei voti. Insomma, era proprio quel tipo di ragazzo, il primo della classe. Poi la guerra lo ha distrutto e lo ha trasformato in una macchina da guerra, affetta da disturbo da stress post-traumatico. Volevo vedere quell’evoluzione da ‘Non vedo l’ora di andare in guerra. Sarà divertente. Finirà tutto in tre settimane’”.
Come molti fan, Stallone potrà ora vedere quella evoluzione nel nuovo film, che si spera sarà all’altezza delle aspettative molto alte.
Predator: Badlandsha già ottenuto un primo riscontro positivo dai social media la scorsa settimana, ma ora anche i critici hanno espresso il loro parere sull’ultimo capitolo dell’iconica saga fantascientifica. Sebbene alcuni fan temessero che Badlandssi allontanasse troppo dalla formula originale, sembra che il film sia comunque riuscito a soddisfare le elevate aspettative create dai sequel più recenti.
Predator: Badlands ha ricevuto recensioni per lo più positive su Rotten Tomatoes, ottenendo un punteggio dell’86% basato su 51 recensioni. Il consenso è finora stellare per il terzo progetto Predator del regista Dan Trachtenberg, con la maggior parte dei critici che lodano l’approccio unico del film alla formula della saga, che si concentra su una storia sentimentale incentrata sul protagonista Yautja di nome Dek, interpretato da Dimitrius Schuster-Koloamatangi.
Bloody Disgusting afferma che il film prende una “deviazione netta verso l’avventura, con la sua azione propulsiva e ricca di creature che si abbina al brivido polarizzante dell’innovazione Yautja”. Nel frattempo, The Film District ha sottolineato il tono relativamente leggero del film, che a volte può assomigliare “al pilot di un cartone animato vintage del sabato mattina”.
“Tra il sagace compagno, l’adorabile animale domestico non verbale e il protagonista che subisce una crescita personale, Predator: Badlands ricorda spesso il pilot di un cartone animato vintage del sabato mattina, ma non è necessariamente una cosa negativa”.
Non tutti hanno amato “Predator: Badlands”, ma le opinioni variano
Sebbene la maggior parte dei critici abbia espresso un giudizio estremamente positivo su Predator: Badlands, non tutti hanno apprezzato la nuova audace direzione intrapresa dal film. Come già detto, il sequel di fantascienza abbandona la maggior parte delle convenzioni che hanno caratterizzato i film di Predator negli ultimi 38 anni. Invece della bestia titolare che dà la caccia al protagonista, ora lo Yautja è l’eroe, che cerca di dimostrare il proprio valore dando la caccia a un mostro ancora più formidabile, insieme a un androide semidistrutto dell’universo di Alien. The Playlist è rimasto particolarmente deluso dal modo in cui Badlands cerca di evolvere la formula, ma non riesce ad essere altro che una “mutazione riuscita solo a metà”.
“Curiosa mutazione riuscita solo a metà nella stirpe di ”Predator“, ‘Badlands’ vuole trascendere gli istinti primari del franchise. Invece, dimostra che a volte sopravvivere significa sapere cosa non evolvere”.
Sembra che molte delle cose che la maggior parte dei critici ha trovato soddisfacenti sembrino invece dare fastidio ad altri. Il cambio di genere è stato apprezzato dalla maggior parte delle recensioni, ma Deadline ha ritenuto che il film perda slancio perché presenta un Predator che non condivide più le qualità di “macchina da guerra spietata e inarrestabile” dei suoi predecessori.
“Le scene d’azione non sembrano mai galvanizzare e, a un certo punto, il predatore, un tempo macchina da guerra spietata e inarrestabile, ha semplicemente perso il suo fascino minaccioso. Il tutto sembra un po’, beh, sciocco”.
In ogni caso, il pubblico scoprirà se Predator: Badlands sarà all’altezza della serie quando uscirà nelle sale alla fine di questa settimana.
Sebbene oggi sia uno dei thriller polizieschi più popolari, le origini di The Blacklist risalgono alla NBC. Creata da Jon Bokenkamp, la serie, incentrata sull’insolita collaborazione tra uno dei criminali più ricercati e l’FBI, ha debuttato nel settembre 2013. In seguito al clamoroso successo della serie, nel 2014 Netflix ha acquisito The Blacklistper la cifra record di 2 milioni di dollari a episodio. Si trattava della cifra più alta mai pagata per un’acquisizione fino a quel momento.
Con un’impresa che solo pochi programmi sono riusciti a realizzare, The Blacklist è riuscita a mantenere gli spettatori incollati allo schermo per tutti i suoi dieci anni di programmazione. Gran parte del fascino della serie è attribuibile a un personaggio senza il quale la trama di The Blacklist non sarebbe stata possibile: Raymond “Red” Reddington (James Spader). La trama centrale di The Blacklist, la “lista nera” stessa, proviene direttamente da Red. Tuttavia, nonostante la vitalità di Red nella storia, un’aura di mistero ha circondato il personaggio per gran parte della serie. A rendere Red ancora più interessante è anche il fatto che il personaggio trova le sue origini in un vero boss mafioso.
Chi è Raymond Reddington in “The Blacklist”?
Apparentemente, Red è una mente criminale. Con i suoi modi affabili e la sua brillante intelligenza, Red è in grado di manipolare le persone con facilità e, sebbene non sia un grande fan della violenza, non esita a ricorrervi quando necessario. Queste qualità rendono Red un criminale davvero formidabile, degno del primo posto che occupa nella lista dei ricercati dall’FBI.
Tuttavia, l’aura di mistero non è mai stata troppo lontana da Red. Anzi, sembra essere una delle caratteristiche più distintive del genio del crimine, che suscita la curiosità degli spettatori e li attira. Red crea un’aura di mistero fin dall’inizio, chiedendo di lavorare solo con Liz, rendendo le domande sul perché Red tenesse così tanto a Liz e su come fossero collegati alcune delle domande più pressanti della serie.
Come serie, The Blacklist ha preservato il mistero di Red fino alla fine. La sua vera identità non viene mai rivelata in modo definitivo. Quando Liz ha lasciato la serie nella stagione 8, credeva che Red fosse suo padre. Tuttavia, questo non è mai stato confermato esplicitamente, anche se c’erano molti indizi che indicavano che Red doveva essere in qualche modo un genitore di Liz. Aggiungendosi all’ambiguità che circonda la sua identità, Red risponde a una battuta fatta dalla figlia di Liz, dicendo che non poteva fare a meno di sembrare una madre. Questo apre una serie di possibilità, dato che i fan avevano già una teoria secondo cui Red era in realtà la madre di Liz, precedentemente nota come Katarina Rostova.
Raymond Reddington è stato ispirato da un boss mafioso di Boston
Con il pubblico già affascinato dall’enigma che era Red in The Blacklist, sapere che quel personaggio ha solide radici nella vita reale non fa che aumentare il suo fascino. Il personaggio di Reddington nella serie è stato ispirato da un famigerato e pericoloso boss mafioso di Boston, Whitey Bulger.
Nato nel 1929, Bulger era un criminale molto ricercato che figurava nella lista dei dieci fuggitivi più ricercati dall’FBI. Controllava la Winter Hill Gang dell’area di Boston ed era una figura temibile nel crimine organizzato dalla fine degli anni ’60 fino agli anni ’90. Analogamente al personaggio di Reddington in The Blacklist, anche Bulger è stato un informatore dell’FBI per un certo periodo, fino a quando il rapporto si sarebbe deteriorato e corrotto. Bulger è stato catturato dalla polizia nel giugno 2011 e condannato nell’agosto 2013.
Il personaggio di Bulger è stato fondamentale nella creazione di The Blacklist, poiché i creatori della serie volevano realizzare uno show incentrato su un boss mafioso. In un’intervista a Collider nel 2013, lo showrunner e produttore esecutivo John Eisendrath ha dichiarato che l’idea iniziale era quella di creare uno show incentrato sulla “caccia ai cattivi”, ma con “un cattivo al centro della trama”. È stato in quel periodo che è stato trovato Whitey Bulger.
“Quindi, l’idea era: ‘Beh, cosa succederebbe se un uomo come Whitey Bulger si costituisse e dicesse: ”Sono qui. Ho alcune regole che voglio che seguiate, ma se le seguirete vi darò i nomi delle persone con cui ho lavorato durante i 20 anni in cui sono stato un fuggitivo”. Quindi, c’è stata un’influenza del mondo reale che ha influenzato la definizione della serie che era già stata pensata… È stata una svolta fortuita, in cui si stava valutando l’idea per una serie e poi è arrivata una storia di vita reale che ha contribuito a darle forma”.
The Blacklist, una serie televisiva trasmessa dalla NBC dal 2013 al 2023, ha tenuto gli spettatori incollati allo schermo per tutti i suoi 10 anni di programmazione. Ad oggi, detiene un punteggio del 91% da parte della critica e del 79% da parte del pubblico su Rotten Tomatoes, e i fan continuano a speculare sulle domande rimaste senza risposta a più di un anno dalla sua conclusione ufficiale. La serie raccontava la storia di Raymond “Red” Reddington, un ex agente governativo diventato latitante che stringe un accordo con l’FBI: in cambio della sua libertà, collaborerà con loro per catturare i membri della “lista nera”.
La lista in questione è un elenco dei peggiori mafiosi, spie e terroristi del mondo nel mirino dell’FBI, un vero e proprio “who’s who” dei criminali più ricercati d’America, che solo una mente come quella di Red poteva comprendere abbastanza bene da catturarli. Era una premessa che ha catturato l’attenzione degli spettatori di tutto il paese, ma era il mistero al centro dello show che faceva sintonizzare i fan ogni settimana: chi è davvero Ray, alias “Red”, e quali sono le sue reali motivazioni per stringere questo accordo con l’FBI?
Chi è Red in apparenza?
Ray “Red” Reddington è considerato una mente criminale, un antieroe altamente intelligente e spietato che è in cima alla lista dei ricercati dall’FBI, e per una buona ragione. È abituato a essere la persona più intelligente nella stanza, sa leggere e manipolare le persone con facilità e, con la sua mancanza di senso morale o empatia per la maggior parte delle persone, può essere un alleato incredibile o un grande pericolo per tutti coloro che lo circondano. Sebbene non provi necessariamente piacere nel fare del male alle persone e non ami uccidere, non è nemmeno contrario a farlo: non lo fa mai per il gusto di farlo, ma lo considera un mezzo per raggiungere un fine, un modo potenzialmente necessario per ottenere ciò che vuole, specialmente dalle persone sulla lista nera.
Red è una figura enigmatica e imperscrutabile, e il mistero che lo circonda è qualcosa che lui stesso si impegna a mantenere. Gli altri personaggi sanno solo ciò che lui vuole che sappiano, vedono solo le parti di lui che è disposto a mostrare, e non è mai del tutto chiaro quanto di ciò che mostra loro sia affidabile e quanto sia invece manipolazione. Per questo motivo, al pubblico vengono forniti solo indizi, pezzi di un puzzle che potrebbero non portare mai al quadro completo, sulle sue vere intenzioni e identità. I fan della serie hanno preso queste informazioni frammentarie e le possibili rivelazioni e hanno fatto ciò che i fan fanno spesso: hanno creato le loro teorie e le possibili risposte su chi sia realmente Red al di là di tutte le bugie e le manipolazioni del suo personaggio.
Cosa vuole Red?
Oltre alla libertà, una delle condizioni di Red per collaborare con il governo è quella di lavorare con una profiler in particolare: Elizabeth Keen. Il suo interesse o il suo legame con lei è sconosciuto agli altri agenti e al pubblico, il che solleva la domanda sul perché sia così insistente nel voler lavorare con lei. Sebbene non manchino suspense e mistero in ogni aspetto della serie, è proprio questo mistero ad aver affascinato maggiormente gli spettatori, che cercano di capire chi sia Liz Keen per Red e perché lui desideri così tanto far parte della sua vita. Nel corso della serie, la domanda su come Red e Liz siano collegati e sul perché Red tenga così tanto a lei è uno dei misteri principali sia per gli altri personaggi che per gli spettatori a casa.
Man mano che la serie procedeva, frammenti del passato di Red e il suo strano legame con Liz venivano lentamente rivelati, o almeno accennati. Alla fine della storia di Liz nella serie nella stagione 8, lei credeva che Red fosse suo padre e gran parte del pubblico, almeno in quel momento, credeva lo stesso, anche se lui negava di esserlo. Una volta rivelato tutto sul suo passato, tranne il suo esatto rapporto con Liz, sembrava ovvio che fosse suo padre.
Chi è Red, in realtà?
Fino alla fine, TheBlacklist non ha mai dato al pubblico una risposta definitiva sull’identità di Red: come ci si aspetta dagli sceneggiatori, essi offrono possibilità ambigue senza dire nulla di definitivo agli spettatori. L’indizio più importante che ha portato gli spettatori a una risposta è stato nel finale, quando Red stava parlando con la figlia di Liz, Agnes. Agnes ha scherzato durante la loro conversazione dicendo che lui sembrava una mamma, e Red ha risposto che non poteva farci niente.Correlati10 momenti scioccanti di The Blacklist che hanno lasciato gli spettatori senza paroleScopri i 10 momenti più sbalorditivi di The Blacklist, tra cui morti sorprendenti, tradimenti e rivelazioni che hanno cambiato le carte in tavola.
Potrebbe non essere una conferma diretta, ma a modo suo ambiguo, questo sembra essere un suggerimento della serie ai fan che la loro teoria sull’identità di Red come madre di Liz, e in precedenza come Katarina Rostova, era corretta. Se questo è ciò che lo showrunner e gli sceneggiatori stavano suggerendo, allora significherebbe che Red aveva cambiato identità prima dell’inizio della serie: una trama potenzialmente interessante che non è mai stata realmente esplorata in The Blacklist, il che forse è meglio, dato che molti spettatori non erano sicuri della capacità della serie di affrontare quella trama con sfumature e complessità.
Questa possibile risposta, come spesso accade in una serie che si basa su intrighi e mistero come The Blacklist, è quanto di più vicino i fan potranno mai arrivare a conoscere la vera identità di Red. Non è una risposta, ma è qualcosa, ed è quanto di più vicino si possa arrivare, senza mai sapere con certezza.
Sarà disponibile dal 15 novembre su RaiPlayLast Swim, l’esordio cinematografico del regista britannico Sasha Nathwani, presentato in anteprima mondiale alla 74ª edizione del Festival Internazionale del Cinema di Berlino nella sezione Generation 14plus. Il film, accolto con entusiasmo da pubblico e critica, si è distinto per la delicatezza con cui ritrae l’adolescenza contemporanea e per la capacità di esplorare temi come l’identità culturale, il senso di appartenenza e la paura del futuro in una Londra multiculturale e vibrante.
Ambientato durante un’estate assolata, Last Swim racconta l’ultima giornata di libertà di Ziba, un’adolescente anglo-iraniana brillante e sensibile che si trova di fronte a una scelta capace di cambiare per sempre la sua vita. È il giorno dei risultati degli esami di maturità, e Ziba, unica del suo gruppo ad aver ottenuto voti eccellenti, decide di attraversare la città con i suoi amici Tara, Shea, Merf e Malcolm per festeggiare l’inizio di una nuova fase. Tra corse nei parchi, bagni nel fiume e la trepidante attesa per un raro evento astronomico, la giovane vive il suo “ultimo tuffo” nell’adolescenza, cercando di affrontare il segreto che la tormenta e la paura di crescere in un mondo incerto.
Last Swim è un racconto di formazione intenso e visivamente potente, che unisce la leggerezza dei momenti di amicizia alla malinconia del cambiamento. Nathwani — nato a Londra da madre iraniana e padre indiano, laureato alla Tisch School of the Arts di New York — firma la regia e la sceneggiatura insieme a Helen Simmons, dando vita a un’opera nata durante la pandemia, capace di riflettere il senso di sospensione e vulnerabilità di un’intera generazione.
«Questo film parla di controllo, di perdita e di come i nostri sogni e le nostre scelte cambino quando gli anni più importanti ci vengono sottratti», ha raccontato il regista. «Ziba rappresenta la tensione tra la voglia di vivere e l’impulso di fuggire dal dolore. È una storia di speranza, di crescita e di resilienza».
Il cast vede protagonista Deba Hekmat nel ruolo di Ziba, affiancata da Narges Rashidi, Denzel Baidoo, Solly McLeod, Lydia Fleming, Jay Lycurgo e Michelle Greenidge. La fotografia è firmata da Olan Collardy, il montaggio da Stephen Dunne, le scenografie da Julija Fricsone-Gavriss, i costumi da Natalie Caroline Wilkins, le musiche originali da Federico Albanese e il suono da George Castle.
Il film è prodotto da Campbell Beaton, Bert Hamelinck, Nisha Mullea, Sorcha Shepherd, Helen Simmons e James Isilay per Caviar London e Pablo and Zeus, con la presentazione di Screencrib e la collaborazione dei produttori esecutivi Ruby Walden, Kelly Peck, Jess Ozeri, Max Fisher e Liam Johnson.
Con il suo sguardo intimo e autentico, Last Swim si impone come uno dei titoli più promettenti del cinema indipendente europeo e segna l’inizio di un percorso autoriale da seguire con grande attenzione.
George Clooney è uno dei nomi e dei volti più riconoscibili di Hollywood, quindi è ironico che lui stesso si descriva come una persona che ha avuto una “mancanza di successo”, ma se si considera il contesto la cosa acquista più senso. Clooney ha sfondato nel mondo dello spettacolo come star televisiva, interpretando il dottor Doug Ross in ER, prima di diventare una star del cinema acclamata.
Clooney ha poi recitato nei film iconici Ocean’s Eleven all’inizio degli anni 2000, e in seguito ha ottenuto ruoli in alcuni veri successi di critica. I migliori film di Clooney oggi includono Michael Clayton, Paradiso amaro e Syriana, l’ultimo dei quali gli è valso l’Oscar come miglior attore non protagonista. Il suo nuovo lungometraggio Jay Kelly, distribuito da Netflix, arriverà in alcuni cinema il 14 novembre.
Il trailer di Jay Kelly mostra il personaggio principale, una star del cinema in declino, che intraprende un viaggio trasformativo con il suo manager di lunga data (Adam Sandler). In una nuova intervista, Seth Doane della CBS sottolinea che “alcuni elementi inseriti” nel personaggio di Jay Kelly sono stati evidentemente tratti dalla vita di Clooney, tra cui il fatto che sia originario del Kentucky e che gli sia stato chiesto di candidarsi alla presidenza.
Lo stesso Clooney ne aggiunge poi un’altra: la percezione che Kelly (ovvero Clooney) interpreti solo se stesso. Tuttavia, dopo aver cercato di dissipare questa critica comune affermando di “non essere mai stato un agente della CIA o un ladro”, Clooney prosegue dicendo che il suo successo commerciale relativamente mediocre gli ha permesso di interpretare molti ruoli diversi, anziché rimanere bloccato in un unico genere.
Leggi qui sotto il commento completo di Clooney:
George Clooney: Beh, non lo so, in realtà non sono mai stato un agente della CIA né un ladro. C’è una parte della mia carriera che è stata affascinante, ovvero il fatto di aver avuto un enorme successo, ma non un successo esagerato, non quello, sapete, dei franchise multimiliardari. Sai, i film della serie Ocean’s hanno avuto un grande successo, ma molti dei miei successi sono stati doppi, sai, Michael Clayton, è costato 12 milioni di dollari e ne abbiamo incassati circa 90 [milioni]. Ma è un film fantastico […] Quindi, se ne fai alcuni, Up in the Air è la stessa cosa, The Descendants è la stessa cosa, perché non hanno avuto un successo enorme, non vieni etichettato come uno che può fare solo commedie o solo drammi. E grazie a questo mi è stato permesso di fare O Brother [Where Art Thou?] e Syriana. È molto divertente per me non essere bloccato in un genere, quindi in un certo senso la mia mancanza di successo…
Seth Doane: La gente farà fatica ad accettare questa affermazione.
George Clooney: Beh, sai, ma lo capirai se lo confronti con la carriera di altri attori. Non mi sembra che la mia carriera non abbia funzionato, mi sembra di stare andando bene. Ma una parte importante del mio lavoro di attore è che posso fare cose che molti attori non possono fare perché sono diventati famosi con un film d’azione e quindi sono delle star d’azione. […] Io sono il beneficiario di aver fatto dei doppi invece che, sai, dei fuoricampo.
Secondo The Numbers, Clooney si colloca solo al 76° posto tra gli attori più redditizi di tutti i tempi, con le star dell’MCUScarlett Johansson, Samuel L. Jackson e Robert Downey Jr. che occupano i primi tre posti. Questi attori saranno anche prontamente accolti in qualsiasi film drammatico candidato ai premi, compresi Marriage Story e Oppenheimer negli ultimi anni.
È vero che Clooney ha recitato in commedie, drammi, film d’azione e altro ancora, anche se alcuni spettatori potrebbero pensare che i suoi personaggi abbiano tutti personalità simili. Tra i film più particolari di Clooney ci sono Gravity, The American e Fantastic Mr. Fox. Tuttavia, il tipo di successo che lui sostiene di non aver raggiunto permette generalmente agli attori di perseguire progetti diversi, con gli studios che puntano sul loro potere di star.
Clooney mette in evidenza i diversi criteri di successo a Hollywood, poiché lui stesso ha un incredibile potere di star, ma potrebbe non essere la scelta preferita di tutti i produttori che vogliono un successo al botteghino. Jay Kelly era un film scritto intorno a George Clooney, e potrebbe ancora faticare a ottenere nomination agli Oscar di quest’anno. Tuttavia, l’attore ha chiaramente ancora una carriera redditizia e l’opportunità di intraprendere lavori più entusiasmanti.
100 Nights of Hero, con Maika Monroe, ha ufficialmente pubblicato un nuovo trailer del film fantasy che mostra il cast stellare e un potenziale triangolo amoroso.
La sinossi ufficiale di 100 Nights of Hero è:
“Ambientato a Darkly End, un mondo alternativo governato dal dispotico Birdman. Cherry è infelicemente sposata con Jerome, che non vuole passare del tempo con lei. Considerando il loro “dovere” di generare un erede, la situazione è preoccupante. L’unico raggio di sole nella giornata di Cherry è la sua domestica, Hero. Hero fa parte di una società segreta che raccoglie storie di donne che si sono ribellate e hanno incontrato destini ingiusti, giurando che i loro sacrifici non saranno dimenticati…
Perché la morte non è mai lontana per le donne qui. Quindi, quando Jerome parte misteriosamente per un “viaggio di lavoro” e lascia Cherry con il suo amico donnaiolo Manfred, Hero ha un brutto presentimento. Mentre l’affascinante Manfred si sistema, Cherry si ritrova intrappolata tra l’unico uomo che l’ha mai ascoltata e la domestica per cui sta sviluppando sentimenti proibiti. Tutte le donne ribelli finiscono per morire: Cherry e Hero riusciranno a sfuggire a quel destino?“
Il cast include Emma Corrin nel ruolo di Hero, Nicholas Galltzine nel ruolo di Manfred, Monroe nel ruolo di Cherry, Charli XCX nel ruolo di Rosa e Richard E. Grant nel ruolo di Birdman. La data di uscita ufficiale del film è il 5 dicembre. Il film ha attualmente un punteggio perfetto del 100% su Rotten Tomatoes prima della sua uscita, con i critici che lodano la narrazione “eccentrica e divertente” di Jackman.
Questo fantasy storico è il secondo lungometraggio della regista Julia Jackman, dopo il film Bonus Track del 2023 e numerosi cortometraggi. 100 Nights of Hero è basato sul romanzo grafico di Isabel Greenberg intitolato The One Hundred Nights of Hero. Il film esplora la sessualità, il desiderio e la misoginia in un’ambientazione fantasy in stile gotico con scenografie e costumi elaborati.
L’adattamento del romanzo di Greenberg è distribuito dalla Independent Film Company e ha avuto la sua prima mondiale al Festival Internazionale del Cinema di Venezia il 6 settembre. Non ci sono dati ufficiali in termini di budget, ma trattandosi di un film indipendente, è probabile che il budget non sia troppo elevato. Tuttavia, il cast impressionante è un punto di forza per portare questo fantasy eccentrico alla stagione dei premi.
Monroe interpreta l’innocente sposa Cherry, mentre Corrin interpreta la sua damigella Hero. La chimica tra Monroe e Corrin ha conquistato il cuore dei critici, essendo uno dei motivi principali delle recensioni e dei commenti così positivi, che hanno portato a un punteggio perfetto su Rotten Tomatoes.
Dopo quasi un anno di cause legali reciproche, parte della battaglia legale post It Ends With Us tra Blake Lively e Justin Baldoni è giunta al termine. Già autori dell’adattamento cinematografico del controverso romanzo di Colleen Hoover, Baldoni e Lively hanno lavorato insieme al successo al botteghino del 2024, diventando oggetto di discussioni scandalistiche a causa delle voci e delle notizie che circolavano sui loro conflitti sul set e sul minimo coinvolgimento del regista/produttore nella promozione del film.
La situazione è esplosa quando Lively ha presentato una denuncia contro Baldoni per aver reso il set di It Ends With Us un ambiente di lavoro tossico, e sono emerse notizie secondo cui il regista avrebbe assunto un team di PR per danneggiare la sua immagine pubblica.
Ciò si è trasformato in una serie di cause legali e denunce tra i due, tra cui molestie sessuali contro Baldoni, cause per diffamazione contro Lively e The New York Times e citazioni in giudizio per far testimoniare Taylor Swift e Perez Hilton, tra gli altri, sul loro coinvolgimento nella produzione.
Come riportato per la prima volta da PEOPLE, la controquerela per diffamazione da 400 milioni di dollari intentata da Baldoni contro Lively e Ryan Reynolds è stata archiviata dal giudice della Corte Distrettuale degli Stati Uniti Lewis Liman. La sentenza è stata favorevole a questi ultimi dopo che il regista di It Ends With Us e la sua società di produzione, Wayfarer Studios, non sono riusciti a presentare ulteriori denunce modificate prima della scadenza fissata dal giudice dopo che il caso era stato archiviato a giugno.
Nel documento della causa, Lively sarebbe stata l’unica a rispondere alla richiesta del giudice a entrambe le parti di chiudere completamente il caso. Oltre alla sconfitta legale del regista, il giudice ha accolto la richiesta di Lively che Baldoni coprisse le sue spese legali, e al momento della stesura di questo articolo, il regista di It Ends With Us non ha esercitato il suo diritto di appellarsi contro la sentenza.
Nei 10 mesi trascorsi da quando Lively ha presentato la sua denuncia iniziale contro Baldoni, il regista ha agito in difesa nelle varie battaglie legali contro la suaco-protagonista. Oltre al già citato rigetto della sua causa per diffamazione contro la Lively, poiché quest’ultima era protetta da una legge della California relativa alle sue accuse di molestie, la causa da 250 milioni di dollari intentata da Baldoni contro The New York Times è stata respinta, mentre è stato anche abbandonato dalla sua agenzia di talenti, la WME, e allontanato da vari altri attori.
La Lively, che ha ottenuto il sostegno esplicito di numerosi importanti personaggi di Hollywood, tra cui Hoover, alcuni membri del cast di It Ends With Us e la Sony, non ha ottenuto finora una vittoria totale. La causa dell’attrice contro l’esperto di pubbliche relazioni Jed Wallace, che secondo lei avrebbe partecipato alla presunta campagna diffamatoria contro di lei, è stata respinta senza pregiudizio, poiché il giudice ha ritenuto che la star non avesse fornito prove sufficientemente definitive per citare in giudizio Wallace.
Con la causa principale di Lively contro Baldoni che andrà in giudizio nel marzo 2026, la sua ultima vittoria contro il regista di It Ends With Us continua a essere un colpo più dannoso per la carriera di quest’ultimo che per quella della prima. Lively ha già diversi altri progetti in varie fasi di sviluppo, tra cui la commedia romantica d’azione The Survival List, che la riunisce con i produttori della Simple Favor franchise Lionsgate, mentre Baldoni non ha ancora in programma nessuna impresa importante.
Più affiatati che mai, tra set infuocati, provini da incubo e talent sempre più indomabili, sono pronti ad affrontare una nuova, scoppiettante stagione i protagonisti di Call My Agent – Italia, la serie Sky Original remake del cult Dix pour cent sul dietro le quinte dello show business italiano, che torna con i nuovi episodi dal 14 novembre in esclusiva su Sky e in streaming solo su NOW.
Sempre prodotta da Sky Studios e da Palomar (a Mediawan Company), la terza stagione della serie è diretta da Simone Spada (Hotel Gagarin, Studio Battaglia, Rocco Schiavone) e scritta da Federico Baccomo (Call My Agent – Italia, Improvvisamente Natale, Studio Battaglia), autore del soggetto di serie e dei soggetti di puntata, con Camilla Buizza (ep. 2 e 5) e Tommaso Renzoni (ep. 4).
Col consueto tono brillante e autoironico, la terza stagione celebrerà ancora una volta il nostro star system raccontando il dietro le quinte del mondo dello spettacolo attraverso le vicende di una immaginaria – e ormai amatissima – agenzia di spettacolo, la CMA, e dei suoi agenti, che nei nuovi episodi, pronti ad affrontare un nuovo anno esplosivo, si prepareranno a una vera e propria rivoluzione che rischierà di far deflagrare la loro straordinaria famiglia.
Sullo sfondo di una Roma ritratta nelle sue location più esclusive e rappresentative del jet set, la nuova stagione sarà ricchissima di volti noti. Affiancati anche quest’anno da tanti sorprendenti camei, tornano i protagonisti delle prime due stagioni: Michele Di Mauro, Sara Drago e Maurizio Lastrico ancora nei ruoli di Vittorio, Lea e Gabriele, talentuosi, instancabili e appassionati agenti di alcuni fra i più grandi protagonisti del mondo dello spettacolo italiano. E i loro assistenti: Monica (Sara Lazzaro), Pierpaolo (Francesco Russo) e Camilla (Paola Buratto). Nei nuovi episodi ritornano anche Kaze nel ruolo di Sofia, Emanuela Fanelli in quello di Luana Pericoli e Corrado Guzzanti.
A complicare la vita degli agenti e, di conseguenza, quella dei loro assistenti, anche nei nuovi episodi tanti nuovi nomi di primissimo piano, guest di ciascuna puntata nei panni di se stessi: Luca Argentero (protagonista di Ligas, da marzo su Sky e Now) è deciso a mettere da parte la carriera per dedicarsi alla famiglia; Michelle Hunziker e Aurora Ramazzotti sono chiamate a essere mamma e figlia anche sul set; Stefania Sandrelli è in cerca di una nuova sfida da aggiungere al suo lungo curriculum; il cast di “Romanzo Criminale – La serie” (Marco Bocci, Vinicio Marchioni, Francesco Montanari, Edoardo Pesce, Alessandro Roia, Daniela Virgilio) si ritrova per una reunion attesissima che prende però una piega inaspettata; Miriam Leone dopo la maternità è pronta a tornare sul set, ma è sommersa da proposte che sono spesso ruoli di madri; la coppia Ficarra & Picone in piena crisi alla vigilia di un importante anniversario, quello dei 30 anni di carriera. Nella terza stagione anche Nicolas Maupas nei panni di se stesso e Gianmarco Saurino in quelli dell’intermediario di UBA tra Italia e Stati Uniti. E con la partecipazione di Cristina Marino, Simon & the Stars, Matteo Giuggioli, Elia Nuzzolo, Alessandro Borghese, Tananai, Giorgia.
Ora che non c’è più Elvira, gli equilibri alla CMA sono destinati a mutare, anche perché UBA, la più grande agenzia mondiale, si sta apprestando a sbarcare sul suolo italiano, decisa a spazzare via la concorrenza. Vittorio, Lea e Gabriele sono determinati e pronti a raccogliere la sfida, ma non si tratta di una battaglia facile, soprattutto ora che la vita privata dei tre spariglia le carte in tavola. Tra amori che nascono, relazioni che finiscono e contrattempi imprevedibili, i nostri tre agenti, insieme ai loro fedeli assistenti, affronteranno una vera e propria lotta contro il tempo per salvare il futuro della CMA.
Negli anni successivi all’esecuzione di Aileen Wuornos nel 2002 — dopo gli omicidi di sette uomini avvenuti in Florida tra il 1989 e il 1990 — la sua storia è stata oggetto di dibattiti, reinterpretazioni e mitizzazioni, ispirando l’interpretazione premiata con l’Oscar di Charlize Theron nel film Monster (2003) e numerosi documentari true crime.
Il nuovo documentario della regista Emily Turner, Aileen: storia di una serial killer, ora disponibile su Netflix, torna sul caso nel 2025 — non per rimettere in discussione il verdetto, ma per comprendere meglio chi fosse Wuornos e perché la sua storia continui a resistere a spiegazioni semplici.
«È così confusa e così complessa, in modo del tutto opposto a come ci piace che le donne siano», racconta Turner a Tudum. «E per me era davvero importante che non stessimo realizzando un film che cercasse di giustificare ciò che aveva fatto. Spero che le persone arrivino a conclusioni molto diverse tra loro».
Cosa c’è di nuovo nel documentario su Aileen Wuornos?
Il film include nuove conversazioni audio con figure chiave del caso Wuornos, insieme a filmati d’archivio dei servizi di Dateline della giornalista Michele Gillen, scene di tribunale e registrazioni della polizia. Mostra anche conversazioni mai viste prima tra Wuornos — quando si trovava nel braccio della morte — e la regista Jasmine Hirst.
La scelta di Turner di rinunciare alle interviste filmate aveva due obiettivi: innanzitutto, permettere agli spettatori di vivere gli eventi con maggiore immediatezza, lasciando che i filmati d’archivio scorressero senza interruzioni da parte di commentatori; inoltre, favorire riflessioni più sincere e rivelatrici da parte dei partecipanti.
«Ero sbalordita da quanto la gente ti racconti quando non hai una telecamera davanti», dice Turner. «Volevamo che quelle voci risultassero il più possibile dirette, non filtrate».
Il risultato è un’inversione deliberata della classica struttura del true crime. Invece di ricostruzioni cronologiche e interviste di esperti che attribuiscono significato agli eventi, gli spettatori vengono immersi direttamente nell’indagine, osservando filmati grezzi, reazioni spontanee e contraddizioni in tempo reale.
«[Volevamo] che sembrasse di guardare i filmati grezzi della storia che si sviluppa insieme alle persone che ne facevano parte», spiega Turner. «Così, quando si vede quel poliziotto, lui sta effettivamente guardando il materiale che voi state guardando, e quelle sono le sue reazioni a cose che non vedeva da trent’anni».
Aileen: storia di una serial killer – Immagine dal set
Cosa spinse Wuornos a uccidere sette uomini?
Mostrando momenti non filtrati del caso così come emersero, Turner ha voluto superare la visione semplicistica di Wuornos come “assassina o vittima”. Si è invece concentrata sui momenti chiave che hanno plasmato — e alla fine deformato — il corso della sua vita.
«È molto più facile liquidare qualcuno che ha commesso atti così orribili come un assassino a sangue freddo, piuttosto che vederlo come un essere umano profondamente ferito», afferma Turner. «In realtà, lei è stata creata, e questo è agghiacciante».
Nata nel 1956 nel Michigan, Wuornos non conobbe mai suo padre e fu abbandonata dalla madre a quattro anni. Fu cresciuta dai nonni, da cui subì abusi fisici e sessuali. A 14 anni rimase incinta dopo uno stupro e diede alla luce un bambino che fu costretta a dare in adozione. Abbandonò la scuola e, dopo essere stata cacciata di casa dal nonno, visse nei boschi vicini.
Fece autostop fino in Florida, sopravvivendo grazie al lavoro sessuale e a piccoli reati. Attraverso filmati d’archivio e interviste, il documentario suggerisce che questo percorso traumatico e instabile fu la premessa dei crimini che la resero famosa.
Le eco di quella storia di violenza risuonano anche in tribunale, quando il film rievoca la difesa di Wuornos, basata sull’autodifesa. Il documentario presenta la sua testimonianza riguardo a una brutale aggressione sessuale da parte della sua prima vittima, Richard Mallory, senza interrompere la narrazione con commenti esterni.
Rivela inoltre che i documenti sulla precedente condanna di Mallory per tentato stupro e i suoi anni di trattamento in una struttura per autori di reati sessuali non furono mai presentati come prove. Gli spettatori sono quindi invitati a valutare il racconto di Wuornos alla luce di questi dettagli e a chiedersi se ciò cambi il giudizio sul suo caso.
Fu condannata per l’omicidio di Mallory e condannata a morte. Quello fu il suo unico processo: in seguito si dichiarò colpevole (senza ammettere formalmente la colpa) per altri cinque omicidi, mentre non fu mai incriminata per il settimo.
Che Wuornos meriti o meno compassione per le violenze subite, Turner sottolinea che la dissonanza è parte integrante del messaggio. «Spero che due persone guardino questo film e arrivino a conclusioni completamente diverse», dice. «Voglio che il pubblico si senta confuso».
In che modo genere e stigma hanno influenzato il caso Wuornos?
Rara donna in una categoria criminale dominata dagli uomini, Wuornos affrontò un’attenzione morbosa da parte dei media e del sistema giudiziario. Durante la realizzazione del film, Turner e la sua squadra si sono trovate a dover contrastare quegli stessi pregiudizi.
«Eravamo una squadra piuttosto piccola e quasi tutta al femminile, quindi ci mettevamo costantemente in discussione», racconta Turner. «Parlavamo di lei ogni giorno, e ciascuna di noi si trovava a cambiare punto di vista di continuo. Era proprio quello il mio obiettivo: portare gli spettatori nello stesso viaggio che abbiamo fatto noi».
Nei materiali d’archivio e nelle interviste audio, il pregiudizio emerge chiaramente: i giornalisti la etichettano e la sensazionalizzano come una prostituta («È stata definita la “prostituta infernale”», dice un servizio nel film). Il procuratore capo, John Tanner, un cristiano rinato, la descrisse come irrimediabilmente malvagia e degna della punizione più severa possibile.
La figura imponente di Tanner come procuratore “fuoco e zolfo” portò Turner a scoprire un collegamento sorprendente tra lui e un altro famigerato serial killer: Ted Bundy. Questo rivelò un evidente doppio standard di genere.
«Era qualcosa che all’epoca era stato riportato, ma per noi è stata una sorpresa: John Tanner, il procuratore, era stato il “compagno di preghiera” di Ted Bundy pochi anni prima del processo a Wuornos, trascorrendo ore a pregare con lui come parte del suo ministero carcerario», spiega Turner. «E poi, solo pochi anni dopo, lo stesso uomo persegue Aileen e scrive articoli d’opinione in cui sostiene che le prostitute sono la causa dei mali della società — è qualcosa di profondamente immorale, nel migliore dei casi».
Questo contrasto solleva una domanda che il film pone più volte: chi ha diritto alla complessità, alla grazia o alla possibilità di cambiamento — e chi no?
Turner sottolinea come quel clima culturale si fosse insinuato anche nella percezione che Wuornos aveva di sé stessa in carcere. «Il suo rifiuto di vedersi come vittima era un aspetto molto difficile della sua personalità», afferma. «Dice a Jasmine: “Non sono una donnicciola debole”. È devastante sentirla accennare con leggerezza a ciò che aveva sopportato crescendo».
Qual era la relazione tra Wuornos e Tyria Moore?
Tyria Moore era la fidanzata di Wuornos durante il periodo degli omicidi e divenne parte dell’indagine quando la polizia cominciò a sospettare di Aileen. Dopo aver lasciato la Florida, Moore collaborò con le autorità e, durante telefonate registrate organizzate dalla polizia, cercò di spingere Wuornos a fare ammissioni compromettenti.
Nel documentario si sentono frammenti di quelle chiamate, in cui Moore incalza Wuornos a confessare, seguiti da dichiarazioni implicite di colpevolezza da parte di quest’ultima. Moore poi testimoniò contro Wuornos in tribunale, e la sua deposizione fu determinante per la condanna.
Il film presenta la collaborazione di Moore con gli investigatori come il risultato della pressione del momento e della complessità del legame che la univa a Wuornos. «È giusto dire che Tyria non vuole far parte del racconto di questa storia», osserva Turner.
Le famiglie delle vittime di Wuornos partecipano al documentario?
Pur insistendo sul fatto che il genere, lo stigma e la relazione di Wuornos con Moore debbano essere considerati per comprendere il caso, Turner è altrettanto attenta a non cadere nell’estremo opposto — quello di trasformare Wuornos in una sorta di vendicatrice femminista che oscuri il dolore reale delle sue vittime. «Alcuni si chiedono se possa essere considerata un’icona femminista. Io credo che la verità di ciò che ha fatto sia brutale», afferma.
Questo equilibrio si riflette anche nel modo in cui il film tratta le persone più direttamente colpite. Turner spiega che la troupe è rimasta in contatto con le famiglie e ha valutato con cura le proprie responsabilità nei loro confronti, scegliendo di non trasformare il loro dolore in materiale filmico.
«Ci sono delle vittime al centro di tutto questo, e rimangono sempre in primo piano nei nostri pensieri», dice. «Abbiamo riflettuto molto sulle nostre responsabilità come registi. Ma un regista deve scegliere la storia che vuole raccontare, e sarebbe stato sbagliato ridurre i traumi di quelle famiglie a brevi spezzoni in questo progetto».
Come si conclude il documentario?
Nel finale, Aileen: storia di una serial killer invita gli spettatori a confrontarsi con una verità scomoda: questa storia non offre risposte nette — e il modo in cui vediamo Wuornos rivela tanto di noi quanto di lei.
«Penso che, soprattutto oggi, in un mondo di soluzioni rapide, ci venga continuamente detto come pensare, e che tutto si divida in bianco e nero. Ma non è così», afferma Turner. «Vogliamo che Aileen sia o la vittima impotente creata dalla società, a cui la vita è semplicemente accaduta, oppure l’assassina a sangue freddo. Ma nessuna di queste due immagini le rende giustizia. È carismatica, ed è un’assassina… È solo molto più facile pensare in termini assoluti. Ma la vita non è così, vero?».
La storia di Aileen Wuornos — che uccise sette uomini tra il 1989 e il 1990 e fu giustiziata mediante iniezione letale nel 2002 — è da tempo una presenza fissa nella cultura popolare, raccontata in versioni televisive e adattata per il cinema, con Charlize Theron che interpretò la serial killer in un ruolo vincitore dell’Oscar.
Wuornos era una prostituta in Florida e confessò di aver ucciso a colpi di arma da fuoco sette uomini di mezza età in un periodo di dodici mesi, tra il 1989 e il 1990. Fu condannata solo per uno di questi omicidi nel 1992, all’età di 35 anni. Più di due decenni dopo, i suoi motivi restano poco chiari.
Ora, un nuovo documentario di Netflix, Aileen: storia di una serial killer, uscito il 30 ottobre, ripercorre i suoi crimini e include una rara testimonianza della stessa Wuornos, tratta da un’intervista del 1997 condotta dall’artista e regista Jasmine Hirst, che divenne sua corrispondente mentre Wuornos era in prigione.
La conversazione, filmata in carcere, offre uno sguardo sullo stato mentale di Wuornos al momento degli omicidi e costituisce la spina dorsale del documentario. Nel film sono inoltre inseriti estratti audio di interviste che la regista Emily Turner ha realizzato la scorsa estate con membri delle forze dell’ordine coinvolti nel caso, oltre che con la famiglia e gli amici di Wuornos.
Ecco le principali rivelazioni dell’intervista e le teorie più accreditate sui motivi di Wuornos.
Durante l’intervista con Hirst, Wuornos si presenta come una vittima, descrivendo un’infanzia difficile trascorsa sotto la rigida educazione dei suoi nonni, devoti cristiani. Scappò di casa a 15 anni e trascorse i cinque anni successivi viaggiando in autostop, dormendo sotto i viadotti e nei pascoli. «Sono tosta», dice a Hirst. Afferma di essere stata stuprata più volte in quel periodo.
La sua amica d’infanzia, Dawn Botkins, crede che Wuornos sia diventata prostituta per guadagnare abbastanza da poter sfamare il fratello, che viveva anch’egli con i nonni. Sebbene Wuornos abbia sempre sostenuto che l’uomo per il cui omicidio fu condannata nel 1989, Richard Mallory, l’avesse stuprata e sodomizzata, nell’intervista con Hirst ammette di aver mentito riguardo alla sodomia.
«C’è solo una cosa su cui ho mentito: non c’è stata alcuna sodomia», dice, aggiungendo che aveva “sbagliato con i poliziotti” e poi aveva cominciato a “parlare a vanvera”, pensando “alle donne stuprate, ai loro problemi e ai miei”. Dice che per lei fu frustrante dover “portare avanti quella stupida bugia durante tutto il processo”.
Sostiene di non identificarsi con il termine “serial killer”, affermando che divenne un’assassina solo a causa dell’abuso di alcol. Come dice lei stessa: «Ci sono diventata, ma il mio vero io non è quello». Nonostante le sue affermazioni di non riconoscersi nell’etichetta di “serial killer”, Wuornos sembrava compiacersi dell’attenzione legata ai suoi crimini. «Voi guadagnerete milioni con tutto questo», sussurra a Hirst, sistemando i capelli prima dell’intervista davanti alla telecamera.
«È una cosa così triste», dice la regista Turner, «che la prima volta nella sua vita in cui Aileen si sia sentita ascoltata o considerata qualcuno sia stata quando è diventata una serial killer».
Secondo Turner, una teoria su cosa abbia spinto Wuornos a uccidere è che fosse stata talmente brutalizzata nella vita da agire per vendetta. La sua sessualità ne faceva parte: al momento dell’uccisione di Mallory, aveva una relazione stabile con una donna di nome Tyria Moore, alla quale confessò il delitto. «Dopo aver avuto così tante relazioni violente con uomini, decise, come dice lei stessa, di “provare il lesbismo”», spiega Turner. Il lavoro sessuale con gli uomini era solo un modo per guadagnare qualcosa e sopravvivere “alla giornata”.
Wuornos è «una narratrice incredibilmente inaffidabile».
Il vero movente di Wuornos potrebbe non essere mai pienamente compreso. «Probabilmente non esiste una risposta semplice», dice Turner. «Voglio che la gente guardi il film e tragga le proprie conclusioni».
Giovedì 6 novembre 2025, il Cineclub Roma ospita una serata speciale dedicata al cinema del reale con la proiezione di Notturno, il pluripremiato documentario di Gianfranco Rosi, all’interno della rassegna Semi di pace.
L’iniziativa, promossa da Blade Runner Foundation con il patrocinio della Presidenza dell’Assemblea Capitolina, offrirà al pubblico un’occasione unica per riscoprire uno dei lavori più intensi del cinema contemporaneo italiano, capace di attraversare i confini mediorientali per restituire, attraverso il linguaggio poetico e rigoroso di Rosi, un ritratto intimo e universale della sofferenza civile e della dignità umana.
La serata inizierà alle 19:00 con l’ingresso del pubblico, seguita dalla proiezione del film alle 20:30. A chiudere l’incontro, alle 22:00, un dibattito con la produttrice Donatella Palermo, che condividerà con il pubblico riflessioni e retroscena sul processo creativo di Notturno e sul ruolo del cinema come strumento di testimonianza e consapevolezza sociale.
Girato lungo i confini di Iraq, Kurdistan, Siria e Libano, Notturno raccoglie immagini di vita quotidiana segnate dalla guerra, ma anche momenti di straordinaria umanità. Come affermava Rosi in occasione della presentazione del film:
“Volevo raccontare ciò che accade dopo le bombe, dopo il rumore: le ferite invisibili, il silenzio delle persone che continuano a vivere.”
L’appuntamento si inserisce nel progetto Semi di pace, che attraverso il linguaggio cinematografico intende promuovere una riflessione collettiva sulla pace e sulla responsabilità civile.
Vice – L’uomo nell’ombra (qui la recensione) ricostruisce l’ascesa politica di Dick Cheney (interpretato da Christian Bale) trasformandolo in una figura quasi machiavellica, capace di manovrare la politica americana da dietro le quinte con una freddezza “da burattinaio”. Adam McKay sceglie una narrazione satirica, tagliente e spesso volutamente esasperata, facendo emergere un ritratto che, per molti aspetti, si distacca dalla realtà dei fatti. Per capire chi fosse davvero Cheney, bisogna attraversare la sua storia dalla giovinezza fino agli anni alla Casa Bianca, distinguendo ciò che il film suggerisce da ciò che è documentato.
La storia vera dietro Vice – L’uomo nell’ombra
Dick Cheney nasce nel 1941 a Lincoln, Nebraska, e cresce in Wyoming, un luogo che lui stesso descriverà sempre come fondamentale per la sua identità. Figlio di un impiegato governativo, non ha un percorso accademico brillante come ci si aspetterebbe da un futuro vicepresidente degli Stati Uniti. Nel film vediamo un giovane Cheney completamente allo sbando, ed è vero che il suo arrivo a Yale fu un fallimento: il giovane Dick venne ammesso grazie a una borsa di studio e al sostegno di un petroliere del Wyoming, ma finì per abbandonarsi all’alcol e alle cattive compagnie.
Ufficialmente, Cheney venne espulso, non una ma due volte, dopo aver tentato senza successo di rientrare. Nel film, la sceneggiatura aggiunge episodi inventati, come la rissa che lo etichetta come “dirtbag”, dettaglio mai confermato da documenti o testimonianze. Dopo gli anni bui, Cheney lavorò per un periodo come operaio, occupandosi della posa delle linee elettriche: nel film viene mostrato come lineman, arrampicato sui pali, mentre la realtà è meno spettacolare. Era un “groundman”, addetto a scavare, sollevare cavi e assistere chi si arrampicava davvero. In quel periodo venne arrestato due volte per guida in stato di ebbrezza, tra i 21 e i 22 anni.
Le cronache confermano tutto: multe, ritiro temporaneo della patente e un momento di svolta nella sua vita personale. Cheney stesso ammise che le due denunce lo costrinsero a guardarsi allo specchio e a capire che stava andando nella direzione sbagliata. La sua compagna di allora, Lynne Vincent, avrà un ruolo decisivo nella trasformazione. Nella versione cinematografica, Lynne sembra quasi salvarlo con una predica infuocata e ultimativa, un momento romanzato ma basato su qualcosa di reale. Cheney raccontò che smise di frequentare bar, trovò disciplina e decise di sposarsi. Tornò a studiare, si iscrisse all’Università del Wyoming e, questa volta, completò il percorso: prima la laurea, poi un master in Scienze Politiche.
La carriera politica
Quando nel film vediamo un Cheney spaesato e senza convinzioni politiche, pronto a scegliere un partito quasi per caso dopo aver assistito a un comizio di Donald Rumsfeld, siamo lontani dalla realtà. Cheney aveva già idee conservative radicate, sviluppate proprio negli anni universitari. Alcuni professori influenti, come H. Bradford Westerfield, formarono la sua visione di politica estera e gli diedero basi che lo avrebbero accompagnato per tutta la carriera. Il film suggerisce che Cheney arrivò a Washington privo di identità politica, ma la storia dice altro: il giovane Dick si era già fatto notare come assistente parlamentare e analista politico, e la collaborazione con Donald Rumsfeld nacque da interessi e visioni già compatibili.
La sua carriera governativa fu fulminante: consigliere sotto Nixon, capo di gabinetto alla Casa Bianca con Gerald Ford, poi membro del Congresso. Vice – L’uomo nell’ombra racconta la campagna elettorale per il suo seggio del 1978 come un disastro che costringe Lynne a sostituire il marito ai comizi, ribaltando il risultato. Non esistono fonti che confermino questo passaggio, e nella realtà Cheney si impose con una comunicazione prudente ma efficace. Anche il suo voto sulla festività dedicata a Martin Luther King viene alterato nel film: votò contro in un primo momento, ma nel 1983 sostenne la proposta, a differenza di quanto la sceneggiatura lascia intendere.
Uno dei tocchi più sensazionalistici riguarda la madre di Lynne Cheney. Nel film si insinua che il padre di Lynne l’abbia uccisa per annegamento, gesto volutamente lasciato sospeso per alimentare tensione narrativa. La realtà è molto diversa: la donna è caduta accidentalmente nel lago Yesness, probabilmente stordita dai farmaci per la pressione. Il coroner escluse ogni traccia di omicidio e Lynne non ha mai accusato il padre, morto due anni dopo per depressione e alcolismo. Negli anni ’80 Cheney diventa una figura influente nel Congresso e un importante sostenitore di Reagan.
Nel film gli viene attribuito il merito – o la colpa – di aver salvato il Veto presidenziale sulla Fairness Doctrine, aprendo secondo la narrazione la strada all’ascesa di Fox News e dell’informazione polarizzata. La storia, però, smentisce l’episodio: non esistono documenti che provino il ruolo decisivo di Cheney e nel 1987 non era neppure capogruppo repubblicano alla Camera. Il film sceglie poi di saltare quasi completamente gli anni della Guerra del Golfo, quando Cheney, nominato Segretario della Difesa da George H. W. Bush, divenne una delle figure più rispettate della politica americana.
Dopo l’11 Settembre
Sotto la sua guida l’intervento contro Saddam Hussein fu rapido, limitato e sostenuto da gran parte del Congresso. Erano anni di popolarità e riconoscimento pubblico: difficile conciliare questa fase con l’immagine del “burattinaio oscuro” che McKay costruisce fin dall’inizio. La trasformazione più poderosa della sua immagine avviene dopo l’attacco dell’11 settembre. Vice – L’uomo nell’ombra suggerisce che Cheney accettò il ruolo di vicepresidente già con un piano per estendere i poteri della Casa Bianca. La documentazione storica racconta invece qualcosa di più pragmatico: il progetto fu una risposta – discutibile ma reale – all’idea che gli Stati Uniti fossero entrati in guerra e che, come in guerra, la priorità fosse prevenire nuovi attacchi.
È in questa cornice che nascono il Patriot Act, la sorveglianza interna, la detenzione di sospetti terroristi e le tecniche di interrogatorio estreme, tra cui il waterboarding. Cheney fu tra i principali sostenitori delle misure, convinto che fossero necessarie. Il film lo mostra come unico responsabile morale, ignorando che istituzioni, servizi segreti, Congresso e perfino amministrazioni successive scelsero di proseguire su quella strada: Barack Obama tentò di chiudere Guantanamo ma non ci riuscì, lasciando molte politiche di Bush e Cheney inalterate. Un’altra invenzione cinematografica riguarda l’ordine di abbattere gli aerei dirottati l’11 settembre.
Nel film Cheney agisce senza consultare il Presidente, ma sia George W. Bush che Condoleezza Rice hanno dichiarato che la decisione fu concordata telefonicamente in diretta emergenza. Il rapporto della Commissione 9/11 non ha trovato una documentazione scritta della chiamata, senza però smentirne l’esistenza. Uno dei capitoli più controversi del film riguarda l’Iraq. Il film sostiene che Cheney abbia sostenuto l’invasione solo per favorire Halliburton, l’azienda per cui fu CEO prima della vicepresidenza. È vero che Halliburton guadagnò enormemente, ed è vero che Cheney ottenne un ricco compenso vendendo le sue azioni, ma ridurre l’intervento a un movente personale è un’interpretazione politica.
Dopo l’11 settembre, una parte consistente dell’esecutivo e del Congresso credeva – erroneamente – che Saddam Hussein possedesse armi di distruzione di massa e avesse legami con al-Qaeda. Quando l’ONU non trovò prove, ormai la macchina era già partita. Critici e sostenitori, ancora oggi, discutono quanto Cheney abbia pesato nella decisione. Sul tema dei diritti civili, Vice – L’uomo nell’ombra dipinge Cheney come un opportunista pronto a tradire la sua figlia omosessuale, Mary, pur di sostenere la carriera politica dell’altra figlia Liz. La realtà è più sfumata: Cheney aveva espresso sostegno pubblico per le unioni tra persone dello stesso sesso già nel 2000, e ribadirà la sua posizione nel 2009.
Quando Liz si presentò alle elezioni con una posizione contraria, la coppia decise di sostenerla comunque, senza cambiare idea su Mary. Nel film diventa un gesto gretto e calcolato, nella realtà è un equilibrio familiare imperfetto e doloroso. Celebre è anche l’episodio della battuta di caccia, quando Cheney accidentalmente sparò all’amico Harry Whittington. Il film lo ritrae impassibile e privo di empatia. Nella realtà, Cheney si assunse la responsabilità dell’incidente e dichiarò pubblicamente che “fu uno dei giorni peggiori” della sua vita. Il caso diventò un fenomeno mediatico e alimentò la sua cattiva reputazione pubblica.
Gli ultimi anni di Dick Cheney
In molti momenti Vice – L’uomo nell’ombra fa di Cheney un genio del male, un “uomo nell’ombra” che controlla ogni leva del potere americano. Diversi funzionari dell’epoca hanno smentito la narrazione: Cheney ebbe un ruolo influente, soprattutto sulla sicurezza nazionale, ma non fu il regista occulto dell’amministrazione Bush. Una figura potente, sì, ma non onnipotente. Cheney sopravvisse a cinque attacchi cardiaci, un numero enorme, e nel 2012 ricevette un trapianto di cuore. A differenza di quanto si potrebbe dedurre dall’arco narrativo del film, non è mai scomparso nell’ombra dopo il 2009: ha scritto libri, rilasciato interviste e difeso con fermezza la sua visione politica. Muore, infine, il 4 novembre 2025 all’età di 84 anni.
Vice – L’uomo nell’ombra resta un’opera feroce, visionaria e apertamente schierata. È cinema, non archivio storico. Molti dei dialoghi sono inventati, molte scene semplificano o distorcono, altre suggeriscono verità alternative utili alla satira politica. Il ritratto che ne emerge è provocatorio, ma lontano dalla realtà documentata. Per alcuni rimarrà il simbolo di un’America paranoica e aggressiva, per altri un difensore della sicurezza nazionale in un momento senza precedenti. La verità, come spesso accade, non vive nei toni estremi del film, ma in quella zona grigia in cui storia, politica e morale raramente coincidono.
Frank Grillo (“The Purge”, “Kingdom”) e Maria Bakalova (“The Apprentice”, “Borat Subsequent Movie Film”) saranno i protagonisti del thriller di fantascienza survival Override. Il film, entrato in produzione questo mese a Belfast, verrà lanciato al prossimo American Film Market da Capture, la società di vendita fondata all’inizio di quest’anno come joint venture tra Capstone Global e Signature Entertainment.
Descritto come un “thriller mozzafiato”, Override è diretto e co-sceneggiato da Jordan Downey (“The Head Hunter”, “The Cycle”) insieme agli sceneggiatori Jackson Murray e Kevin Stewart.
Il film segue una soldato futuristica (Bakalova) che viene data per morta. Ma con l’aiuto di un angelo sintetico (Grillo) – l’ultima novità in fatto di intelligenza artificiale sul campo di battaglia – dovrà lottare contro il tempo per sopravvivere a una ferita mortale. Riunisce Grillo e Bakalova dopo che entrambi hanno prestato la loro voce alla serie animata di supereroi per adulti di James Gunn “Creature Commandos”, lanciata alla fine dell’anno scorso.
Override è prodotto da James Harris della Tea Shop Productions, già autore di film di successo come “Fall”, “Obsession” e “47 Meters Down” (e Michael Downey (“The Big Ugly”, “The Swallow”). È stato finanziato da Capstone di Christian Mercuri.
Oltre a gestire le vendite internazionali di “Override”, il catalogo di Capture include anche il thriller sportivo “Killa Bee” con Daisy Ridley, il thriller sugli squali “Above & Below” con Antonio Banderas, il thriller d’azione e avventura “Dark Jungle” e il thriller poliziesco “Spring Breakers: Salvation Mountain”.
Le prossime uscite di Tea Shop includono “Giant”, con Amir El-Masry e Pierce Brosnan, e “Obsession” del regista Curry Barker. Grillo è rappresentato da CAA, Entertainment 360, 42West e Paul Hastings. Bakalova è rappresentata da CAA, Insight Management, Brookside Artist Management e Yorn, Levine, Barnes, Krintzman.
Netflix Italia ha diffuso il trailer e il poster di Terrazza sentimento, la nuova serie documentario che ripercorre, in 3 episodi, i fatti che hanno coinvolto Alberto Genovese, l’imprenditore, ragazzo d’oro delle start up italiane (è lui il fondatore di Prima.it e Facile.it), portandolo ad un’accusa, prima, e ad una condanna, poi, per violenza sessuale, lesioni personali aggravate, detenzione di materiale pedopornografico, cessione e detenzione di sostanze stupefacenti.
La serie, disponibile solo su Netflix dal 5 novembre, è prodotta da Fremantle Italia, sviluppata e scritta da Alessandro Garramone (anche executive producer), scritta con Davide Bandiera e Annalisa Reggi, prodotta da Gabriele Immirzi, con la regia di Nicola Prosatore.
Cortesia di Netflix
Terrazza Sentimento racconta gli abusi perpetrati dall’imprenditore Alberto Genovese ai danni di alcune ragazze che frequentavano le sue feste. Partendo dallo spunto di un tremendo caso di cronaca che ha catalizzato l’attenzione dell’opinione pubblica per diverso tempo, la serie vuole tuttavia raccontare anche il lato oscuro di un mondo in apparenza meraviglioso, fatto di soldi, bellezza e gioventù. C’è una protagonista indiretta, Milano, la città delle grandi opportunità, come le start up tecnologiche, di cui Genovese era considerato un guru, ma anche una città a due facce, di cui una incredibilmente oscura. Poi c’è la protagonista vera e propria, Terrazza Sentimento, l’attico a 5 stelle di Genovese che non solo dà il titolo alla serie ma che, attraverso il suo triste riferimento alla cronaca nera, offre l’occasione per immergersi in una storia dove l’abuso sembra la normalità. Che sia abuso delle proprie possibilità finanziarie, abuso di sostanze stupefacenti in quantità irreali, abuso, ed è il punto di non ritorno, della volontà delle ragazze che resteranno coinvolte dalla vicenda. Ma è anche abuso di se stessi, una storia di cattiveria verso tutti, fino all’autodemolizione.
La Toho ha avviato ufficialmente la produzione del sequel di Godzilla Minus One, con l’uscita prevista per il prossimo anno. Takashi Yamazaki tornerà alla regia e si occuperà nuovamente della sceneggiatura e degli effetti visivi (premiati con l’Oscar). Dopo mesi di riservatezza sul possibile seguito, il successo internazionale del film — sia al botteghino che presso la critica — ha reso l’annuncio altamente probabile.
Nel corso del Godzilla Fest 2025, organizzato in occasione del Godzilla Day alla Kanadevia Hall di Tokyo, è dunque stato svelato il titolo del nuovo capitolo del franchise: Godzilla Minus Zero. L’annuncio è stato accompagnato dalla presentazione del logo ufficiale (lo si può vedere qui), realizzato a mano dallo stesso Yamazaki. Al momento non sono state fornite indicazioni sul significato del titolo. Se “Godzilla Minus One” richiamava eventi ambientati prima del film originale del 1954, la nuova rivelazione non aggiunge ulteriori dettagli, limitandosi a rimandare aggiornamenti futuri.
Secondo quanto riportato da The Wrap, la nuova produzione potrebbe rappresentare una reinterpretazione del classico del 1954, ma non è stata ancora confermata alcuna informazione in merito. Le recenti dichiarazioni di Yamazaki suggeriscono comunque una continuità narrativa con Godzilla Minus One, con lo sviluppo dei personaggi principali e una struttura da vero e proprio sequel.
Il progetto, caratterizzato da un budget più elevato e un’impostazione produttiva su scala ampliata, avrebbe già iniziato le riprese tre mesi fa. Nonostante l’assenza di una data ufficiale di uscita, un report di aprile indicava una possibile distribuzione a fine 2026. Godzilla Minus One è stato il 37º film complessivo del franchise e la 33ª produzione Godzilla firmata Toho. Il film ha ottenuto ampi riconoscimenti, ricevendo elogi pubblici anche da parte di registi come Guillermo Del Toro, Steven Spielberg e Christopher Nolan.
La macchina produttiva dei Marvel Studios prosegue senza soste. Nonostante le recenti difficoltà dell’MCU, il franchise è tornato a puntare sui film dedicati agli Avengers. Avengers: Doomsday ha infatti da poco completato la sua lunga fase di riprese nel 2025, lavorando dal 28 aprile fino alla metà di settembre. Terminata le riprese principali, il film entrerà ora in un periodo di post-produzione stimato in circa 15 mesi, salvo eventuali riprese aggiuntive. Secondo quanto riportato da Hollywood North Buzz, la tempistica sarebbe legata alla lavorazione consecutiva del sequel, Avengers: Secret Wars, anch’esso affidato ai fratelli Russo.
Avengers: Secret Wars dovrebbe essere girato nuovamente a Vancouver, tra aprile e settembre del prossimo anno, e seguire un analogo periodo di post-produzione di circa 15 mesi. Entrambi i progetti sono descritti come produzioni di grande scala, caratterizzate da un massiccio impiego di effetti visivi, numerosi cameo e possibili sessioni di riprese supplementari. Sempre Hollywood North Buzz segnala che le riprese aggiuntive di Avengers: Doomsday sarebbero programmate per gennaio 2026. La tempistica suggerisce possibili riscritture o modifiche al cast, nell’ambito della regolare fase di aggiustamento delle produzioni Marvel.
La sinossi ufficiale conferma il ritorno di Robert Downey Jr. all’interno dell’universo Marvel, questa volta nel ruolo di Doom. La trama resta però al momento sotto riserbo. Stephen McFeely e Michael Waldron risultano accreditati come sceneggiatori.
Nel 2026 inizieranno le riprese del prequel di “Ocean’s Eleven”, con Margot Robbie e Bradley Cooper nei ruoli principali. Lee Isaac Chung (“Minari”) sarà il regista, mentre Linus Sandgren (“La La Land”, ‘Saltburn’, “Babylon”) sarà il direttore della fotografia. Secondo alcune indiscrezioni, il premio Oscar Benicio del Torosarebbe in trattative per entrare a far parte del cast del prequel. Anche se i dettagli sui personaggi rimangono segreti, sembra che del Toro sia stato preso in considerazione per un potenziale ruolo da antagonista.
Del Toro, Robbie e Cooper formano sicuramente un cast avvincente, ma ci sono ancora altri membri del cast che devono essere rivelati. Il film è in fase di sviluppo alla Warner Bros. dal maggio 2022; a un certo punto, Ryan Gosling avrebbe dovuto recitare al fianco di Robbie, con Jay Roach alla regia, ma poi le cose sono cambiate. Non resta a questo punto che attendere l’ufficialità del coinvolgimento di del Toro, come anche di avere ulteriori dettagli sul film.
Cosa riserva il futuro alla saga di Ocean’s
Sebbene i dettagli della trama siano stati definiti “definitivi”, secondo Deadline, Roger Friedman di Showbiz411 aveva precedentemente riportato che il film si sarebbe intitolato ‘Oceans’, con Cooper e Robbie nei panni dei genitori di Danny Ocean, il personaggio interpretato da George Clooney nella trilogia originale. Sempre stando a quanto riportato, nel film prequel gli Ocean insegneranno ai loro figli, i giovani Danny e Debbie (quest’ultima poi interpretata da Sandra Bullock in Ocean’s 8), l’arte di rubare ai ricchi.
Ambientato sullo sfondo del Gran Premio di Monaco del 1962, il progetto è stato descritto come un’elegante avventura vecchio stile ispirata a “Caccia al ladro” di Hitchcock. La sceneggiatura attuale è di Carrie Solomon, autrice del film Netflix del 2024 “A Family Affair”, che non ha però riscosso molto successo. Solomon non ha altri crediti come sceneggiatrice elencati sulla sua pagina IMDb.
Clayface ha recentemente concluso le riprese e il protagonista Tom Rhys Harries ha condiviso un’altra foto dal set, che ha rapidamente cancellato. L’immagine potrebbe infatti fornire alcuni indizi su cosa aspettarsi dal prossimo film horror della DCU. La teoria prevalente tra i fan è che le parole scritte sui muri e sulla porta siano battute di dialogo. Fuori contesto, non sembrano rivelare troppo, ma ci deve essere un motivo per cui Harries ha rapidamente rimosso questa foto dopo averla condivisa su Instagram (la si può comunque vedere qui).
Il fatto che Clayface abbia un lungo periodo di post-produzione non è troppo sorprendente, soprattutto perché la trasformazione di Matt Hagen richiederà probabilmente molti effetti speciali. Abbiamo visto alcuni effetti pratici nelle foto dal set, ma questi avranno un effetto limitato quando lui diventerà un mostro di argilla a tutti gli effetti. Nei fumetti, Hagen era il secondo Clayface, un avventuriero che si trasformò in un mostro dopo essere entrato in contatto con una pozza radioattiva di protoplasma.
Questo aspetto è stato modificato in Batman: The Animated Series, dove è stato descritto come un attore che ha usato una crema antietà per sembrare più giovane. Dopo essersi messo contro il suo creatore, Roland Daggett, Hagen è stato immerso in una vasca piena di quella sostanza ed è diventato il “classico” Clayface che tutti conosciamo dai fumetti. In ogni caso, possiamo aspettarci di ascoltare le battute scritte sulla porta nel film, anche se non sembrano rivelare poi molto se non grandi conflitti.
Al momento sono stati rivelati pochi dettagli sulla trama, ma abbiamo appreso che Matt Hagen sarà al centro dell’attenzione. Nei fumetti, era il secondo Clayface, un avventuriero che si è trasformato in un mostro dopo aver incontrato una pozza radioattiva di protoplasma. Questo è cambiato in Batman: The Animated Series, dove è stato ritratto come un attore che usava una crema anti-età per sembrare più giovane. Dopo essersi scontrato con il suo creatore, Roland Daggett, Hagen viene immerso in una vasca di quella sostanza e diventa il “classico” Clayface che tutti conoscete dai fumetti.
Stando ad alcuni rumor emersi online, la storia di Clayface sarà incentrata su un attore in ascesa il cui volto è sfigurato da un gangster. Come ultima risorsa, il divo si rivolge a uno scienziato eccentrico per poter ottenere nuovamente il suo fascino. All’inizio l’esperimento ha successo, ma le cose prenderanno presto una piega inaspettata.
Poiché Clayface sarà ambientato nell’universo DC, i fan dovrebbero aspettarsi molti collegamenti con l’universo più ampio, e saremmo molto sorpresi se Batman apparisse o fosse anche solo menzionato. Il produttore Peter Safran ha condiviso alcuni nuovi dettagli sulla sceneggiatura di Flanagan, sottolineando che il film sarà effettivamente un film horror in piena regola, sulla scia di La mosca di David Cronenberg, ma si dice trarrà anche ispirazione dal successo horror di Coralie Fargeat, The Substance.
“Clayface, vedete, è una storia horror hollywoodiana, secondo le nostre fonti, che utilizza l’incarnazione più popolare del cattivo: un attore di film di serie B che si inietta una sostanza per rimanere rilevante, solo per scoprire che può rimodellare il proprio viso e la propria forma, diventando un pezzo di argilla ambulante”, ha dichiarato Safran.
Tom Rhys Harries interpreterà il personaggio principale di Clayface, il film dei DC Studios. Il film vedrà anche la partecipazione di Max Minghella nel ruolo di John, un detective di Gotham City che inizia a nutrire sospetti sulla relazione tra la sua fidanzata Caitlin e Matt Hagen. Naomi Ackie interpreta invece proprio Caitlin Bates, amministratrice delegata di un’azienda biotecnologica che cura Matt dopo che questi è stato sfigurato.
Il film è basato su una storia di Mike Flanagan, attore di La caduta della casa degli Usher (l’ultima bozza è stata firmata da Hossein Amini, sceneggiatore di Drive), con James Watkins, regista di Speak No Evil, alla regia.
Clayface è attualmente previsto per l’arrivo nelle sale l’11 settembre 2026.
Dopo il grande successo ottenuto con We Bury the Dead, Daisy Ridley ha già messo gli occhi sul suo prossimo grande ruolo.
Deadline riporta che la star britannica ha ottenuto il suo prossimo progetto, Killa Bee, che si concentrerà sulla storia vera di Bryony Tyrell, che vive una vita complicata sia come infermiera di terapia intensiva alle prese con “le sfide del servizio sanitario nazionale”, sia come “una delle promesse britanniche della gabbia” durante la notte.
Originaria di Southampton, ha iniziato a praticare kickboxing durante gli anni dell’università fino a raggiungere il livello di cintura nera, dedicandosi anche alle arti marziali. Durante la sua carriera, Tyrell ha vinto diverse cinture entrando nel mondo dei professionisti.
Il film sulla lottatrice di MMA esplora anche la vita di Tyrell, che ha un master in infermieristica e una laurea in biologia molecolare, e che si destreggia tra la vita di madre di due bambini. Ridley ha condiviso la seguente dichiarazione sul portare in vita la storia dell’infermiera attraverso Killa Bee:
Daisy Ridley: La storia di Bryony è una storia di straordinario coraggio e resilienza. Sono rimasta profondamente commossa dal suo viaggio emotivo e stimolante. Non vedo l’ora di portare il suo spirito sullo schermo”.
Knockout Productions sta producendo Killa Bee, insieme a Picture Perfect. Ruth Sewell, che ha scritto i cortometraggi Kill e Fish Love, ha scritto la sceneggiatura di Killa Bee, che sarà diretto da Farah’s Kenton Oxley. Il produttore esecutivo Michael Foster, insieme ai produttori Mark Vennis e Lucinda Thakrar, ha condiviso questa dichiarazione sull’adattamento della vita di Tyrell al cinema:
Bryony Tyrell è stata coinvolta nel progetto con Kenton Oxley sin dall’inizio e sostiene l’idea di portare la sua storia ispiratrice sul grande schermo. Sta fornendo attivamente la sua consulenza sul progetto. Il processo di scrittura della sceneggiatura è stato modellato in stretto dialogo con la famiglia di Bryony, garantendo la verità emotiva e l’integrità creativa in ogni fase. Il regista Kenton, amico di lunga data di Bryony sin dai tempi della scuola, porta nella storia una visione profondamente personale, radicata nella fiducia, nella storia e in una forte lealtà creativa.
Secondo il settore, Capture inizierà le vendite mondiali di Killa Bee prima dell’American Film Market, che si terrà la prossima settimana. Le riprese principali del film con Ridley sono previste per il secondo trimestre del 2026.
Oltre al suo ultimo progetto, l’attrice 33enne sta anche valutando il suo ritorno nell’universo di Star Wars, dato che un film New Jedi Order con Rey è in lavorazione alla Lucasfilm e alla Disney. Killa Bee al momento non ha una data di uscita definita.
La quinta stagione di Only Murders in the Building si è conclusa in grande stile, con il famoso trio di detective dilettanti della serie che ha risolto il suo ultimo misterioso omicidio in un casinò clandestino nascosto all’interno dell’edificio Arconia. Il titolo dell’episodio finale, “The House Always…” (La casa vince sempre…), allude al vecchio adagio del gioco d’azzardo secondo cui la casa vince sempre, cosa che Mabel, Charles e Oliver possono confermare.
Dimostrando ancora una volta di essere all’altezza dei migliori show polizieschi in circolazione, Only Murders in the Building inizia il finale della quinta stagione invalidando il depistaggio con cui ci aveva stuzzicato alla fine del penultimo episodio della stagione. Nonna Caccimelio, infatti, non ha nulla a che fare con l’omicidio del portiere dell’Arconia, Lester Coluca.
Tuttavia, fornisce al trio di podcaster un indizio importante che restringe il campo dei possibili colpevoli, rivelando che il dito trovato da Oliver tra i piatti del buffet del suo matrimonio apparteneva all’amante di sua figlia Sofia. Mentre stanno interrogando i miliardari amici di poker di Nicky Caccimelio sui loro incontri amorosi con Sofia nel casinò dell’Arconia, il vero assassino entra nella stanza.
La migliore serie TV di Steve Martin è un regalo che continua a dare soddisfazioni agli appassionati di gialli, con la quinta stagione che si rivela avere la trama più elaborata e intricata mai vista. Only Murders in the Building ha fatto nuovamente centro, approfondendo i segreti dell’Arconia per smascherare un altro assassino.
Chi ha ucciso Lester alla fine della quarta stagione di Only Murders in the Building
Come avranno intuito gli appassionati di giochi di parole, Lester Coluca è stato ucciso nientemeno che dal sindaco fittizio di New York Beau Tillman, interpretato da Keegan-Michael Key. Only Murders in the Building ha aggiunto Key al cast della quinta stagione a marzo, ma alla fine è stato solo uno dei tanti volti famosi aggiunti allo show.
Only Murders In The Building StagioneIdentità dell’assassinoStagione 1Jan BellowsStagione 2Poppy White/Becky ButlerStagione 3Donna & Cliff DeMeo
È stato il sindaco Tillman a infliggere a Lester una ferita mortale alla testa, nel cortile dell’edificio dove aveva lavorato come portiere per 32 anni. Anche se la modalità della morte stessa potrebbe essere stata accidentale, non c’è dubbio che Tillman fosse intenzionato a compiere un atto violento.
Perché Lester è stato ucciso nel cortile dell’Arconia
Lester è diventato la vittima principale della quinta stagione di Only Murders in the Building quando il sindaco Tillman lo ha scaraventato contro il centro in pietra della fontana del cortile dell’Arconia. Questo atto di violenza ha apparentemente fratturato il cranio dell’anziano portiere con una forza tale da causarne la morte.
Sembra tuttavia che Tillman non avesse intenzione di uccidere Lester. Voleva semplicemente usare la forza fisica per riavere il suo dito mancante, che era convinto Lester gli avesse nascosto. Tillman aveva giustamente ipotizzato che il suo dito perduto potesse essere usato come prova per implicarlo nella morte del mafioso Nicky Caccimelio, l’altra vittima di omicidio nella quinta stagione.
Come è morto Nicky Caccimelio e chi ha fatto sparire il suo corpo
Lo showrunner di Only Murders in the Building, John Hoffman, aveva rivelato ad agosto che la quinta stagione sarebbe stata un mistero mafioso con una differenza, e così è stato con la morte di Nicky Caccimelio. Gli episodi precedenti della stagione sembravano confermare che Lester Coluca avesse ucciso Nicky, ma il finale presenta una versione più complicata di ciò che è accaduto.
Mentre Nicky inseguiva il sindaco Tillman, l’amante di sua moglie, nella sala del casinò dell’Arconia con una mannaia, Lester lo ha colpito alla nuca con una manovella dell’ascensore dell’edificio, implicandolo nel presunto omicidio. In realtà, Nicky è poi caduto su Lester mentre ancora impugnava la mannaia, infliggendosi accidentalmente una ferita mortale.
Il colpo ben assestato alla testa che Nicky ha ricevuto da Lester potrebbe essere stato sufficiente a ucciderlo, anche se questo scenario è improbabile. Più realistico è che Nicky sia stato ucciso dalla ferita inflitta dal coltello da macellaio e che la sua morte sia stata accidentale.
Come rivela Jay, l’interesse amoroso di Mabel, nell’atto finale dell’episodio finale, su ordine del sindaco, lui e gli altri soci miliardari di Nicky, Camila White e Bash Steed, si sono sbarazzati del corpo di Nicky. Hanno usato il telo da pittura di Camila per trasportare il corpo fuori dalla sala del casinò, la camera criogenica di Bash per congelarlo, e Jay stesso lo ha scaricato nella lavanderia a secco di Nicky.
Perché il dito è finito nei gamberetti del matrimonio di Oliver
Il finale della quinta stagione offre un’altra delle battute più divertenti di Oliver Putnam in Only Murders in the Building, quando lui, Charles e Mabel irrompono nella sala del casinò e dichiarano che il sindaco Tillman è l’assassino. “E il suo dito era nel mio gamberetto!” aggiunge Oliver in modo drammatico.
Si scopre che era davvero il dito di Tillman a trovarsi tra gli antipasti del matrimonio di Oliver, ed era stato Lester a mettercelo. Nel caos che è seguito dopo che Nicky ha tagliato il dito a Tillman, è stato colpito alla testa da Lester e poi si è impalato su una mannaia, Lester è scappato al piano di sopra con il dito mancante.
Sperava che potesse essere usato come prova per smascherare il coinvolgimento corrotto di Tillman con mafiosi e finanzieri disonesti, a patto che riuscisse a consegnarlo a Charles, Mabel e Oliver. Ecco perché lo vediamo dire a Tillman poco prima della sua morte: “I miei amici ti prenderanno”. Lo nasconde nell’unico posto in cui sa che lo troveranno: tra il cibo del matrimonio di Oliver.
Naturalmente, il dito è poi finito nelle mani della famiglia Caccimelio, che lo ha rubato dalla casa di Charles e lo ha venduto ai miliardari, che volevano usarlo come leva su Tillman. È Mabel a rivelare che appartiene al sindaco, quando taglia il suo dito finto con lo stesso coltello da macellaio usato da Nicky.
Come Mabel, Charles e Oliver risolvono l’omicidio
Dato che sono podcaster dilettanti di true crime in uno show comico, è difficile mettere Mabel, Charles e Oliver nella stessa categoria dei migliori detective televisivi. Tuttavia, hanno sicuramente un dono raro quando si tratta di risolvere gli omicidi nel loro palazzo, come dimostra la rapida connessione di Mabel tra il nome del sindaco Beau Tillman e l’ultimo messaggio di testo di Lester.
Quando questo messaggio è apparso per la prima volta in “Flatbush”, il sesto episodio della quinta stagione di Only Murders, si è pensato che Lester stesse semplicemente ricordando con nostalgia la prima volta che aveva parlato con sua moglie. In realtà, però, la parola “beautiful” nel messaggio era una versione autocorretta del nome del sindaco “Beau Tillman”.
Mabel risolve questo enigma quando riceve un messaggio simile da Howard, che poi le invia immediatamente un altro messaggio per correggersi, dicendole: “È Beautiful. Scusa, correzione automatica. È Beau Tillman”. Da questo momento in poi, tutti gli indizi vanno al loro posto e Tillman rivela come ha commesso il suo crimine.
La quinta stagione è l’ultima di Only Murders in the Building?
Possiamo confermare con certezza che la stagione 5 non sarà l’ultima della serie, poiché Hulu ha ora confermato il suo rinnovo per la sesta stagione. In un comunicato stampa, il gigante dello streaming di proprietà della Disney ha annunciato quanto segue:
“La serie comica originale di Hulu Only Murders in the Building, prodotta dalla 20th Television, è stata rinnovata per una sesta stagione composta da 10 episodi”.
Questa notizia potrebbe sorprendere alcuni, soprattutto considerando i commenti di Martin Short su quante stagioni Only Murders in the Building potrebbe continuare ad andare avanti, fatti ad agosto. Ma finché c’è ancora richiesta da parte del pubblico, recensioni entusiastiche da parte della critica e un nuovo omicidio da risolvere all’Arconia, non c’è motivo per cui la serie non debba continuare.
Come il finale della quinta stagione prepara Only Murders In The Building alla sesta stagione
È già stato confermato che Only Murders in the Building stagione 6 cambierà location e si trasferirà a Londra, dove Oliver, Charles e Mabel tenteranno di risolvere un omicidio legato all’altra sponda dell’Atlantico. Il finale della stagione 5 si conclude con la rivelazione che l’omicidio su cui indagheranno è quello della podcaster di true crime Cinda Canning, interpretata da Tina Fey.
Canning era un personaggio secondario di spicco nella seconda stagione della serie e, a quanto pare, era appena tornata dalla registrazione di un podcast sui misteriosi omicidi nel Regno Unito quando è stata trovata morta fuori dall’Arconia. Il trio protagonista della serie stava ascoltando il podcast proprio prima di trovare il corpo di Canning.
Questa situazione suggerisce cosa possiamo aspettarci nella stagione 6 di Only Murders in the Building. Si deduce che le indagini di Canning sull’omicidio britannico per il suo podcast “The Girl with the Curls” l’abbiano portata a scontrarsi con qualcuno di pericoloso. La trama si infittisce quando notiamo che Canning stessa indossa una parrucca rossa riccia quando muore.
La serie televisiva spagnola su NetflixRespira (Breathless) vede i lavoratori dell’ospedale Joaquin Sorolla affrontare nuove difficili sfide, poiché la privatizzazione della struttura porta inevitabilmente a una nuova e fastidiosa gestione. Nicolas, un uomo che condivide un passato familiare sfortunato con Biel, prende il controllo dell’ospedale, più desideroso di realizzare profitti che di fare del bene. Tuttavia, il suo arrivo ha il vantaggio di portare con sé una nuova responsabile del reparto di oncologia, Sophie Lafont, che sta lavorando a un trattamento sperimentale rivoluzionario.
Tuttavia, anche se questo si rivela vantaggioso per la presidente Patricia, Nestor non può fare a meno di rimanere sospettoso nei confronti della nuova oncologa e dei suoi metodi. Nel frattempo, il dramma interpersonale tra i professionisti sanitari rimane più vivo che mai, soprattutto perché le conseguenze dell’aggressione subita da Jesica la costringono a prendere decisioni definitive sul suo futuro. Pertanto, quando alcuni volti nuovi entrano nel gruppo, nel bene e nel male, Sorolla si ritrova ad essere un focolaio di disastri in attesa di verificarsi. SPOILER IN ARRIVO!
Cosa succede in Respira – Stagione 2
All’inizio della stagione, Joaquin Sorolla sta attraversando un periodo difficile mentre il personale affronta le conseguenze dell’accoltellamento di Jesica, con Pilar, Biel e altri membri dello staff che si occupano della sua operazione. Contemporaneamente, viene diffusa la notizia dell’imminente privatizzazione dell’ospedale, secondo la decisione del Presidente. Due settimane dopo, la situazione sembra più cupo che mai. Il chirurgo ferito è in convalescenza e Patricia ha assegnato una nuova direzione all’ospedale: Nicolas. Questa decisione si rivela particolarmente sinistra quando Biel rivela che quell’uomo è suo padre, che lo ha abbandonato insieme alla madre durante la sua infanzia dopo la diagnosi di cancro. Nonostante il loro passato tormentato, Nicolas sostiene di essere un uomo cambiato che vuole solo il meglio per l’ospedale e per suo figlio. Inoltre, chiama Sophie Lafont, una rinomata oncologa francese, per supervisionare Patricia attraverso un nuovo trattamento per il suo cancro al seno.
Naturalmente, Nestor è scontento di questo abuso di potere. Di conseguenza, finisce per rivolgersi ai media, che mettono sotto esame le decisioni di Patricia al punto che l’opposizione lancia l’idea di un voto di sfiducia. Questo costringe il presidente ad annunciare una rielezione che avrebbe avuto luogo tre mesi dopo. Dopo questo annuncio, un problema di salute costringe la donna a sottoporsi a un intervento chirurgico, che riduce ulteriormente le sue possibilità di guarigione. Tuttavia, la natura terminale della sua condizione la rende la candidata perfetta per partecipare alla sperimentazione top-secret di Sophie. Poco dopo, l’oncologa viene assunta a Sorolla, che le garantisce l’istituzione e i finanziamenti necessari per continuare la sua promettente ricerca. Inoltre, Nicolas le assegna anche la carica di nuovo capo del reparto di oncologia.
Nello stesso periodo, le condizioni di Jesica peggiorano, soprattutto dopo che entra in uno stato di delirio durante la convalescenza e finisce per riaprire le ferite. Di conseguenza, finisce per perdere il fegato e i reni. Con il passare del tempo, il suo fidanzato Lluís decide di usare la sua posizione di direttore dell’ospedale per falsificare dei documenti che le consentano di ricevere gli organi di un donatore all’ultimo minuto. A sua volta, Nicolas usa questo fatto per avviare un’indagine contro il medico, destituendolo dalla sua posizione. In sua assenza, offre il ruolo a Pilar, che è critica nei suoi confronti ma capace di gestire l’istituto medico. Nel frattempo, Patricia inizia il suo trattamento con Sophie e fa amicizia con uno degli altri partecipanti, Ximo. Pertanto, i suoi sospetti riguardo al trattamento riservato dell’oncologo aumentano quando quest’ultimo paziente inizia a soffrire di effetti collaterali significativi. Quando si allea con Nestor per indagare sulla situazione, scoprono la sua apparente morte e il fatto che ci sono discrepanze nelle sue cartelle cliniche sigillate.
Tornati al Sorolla, il pronto soccorso deve affrontare problemi di sottofinanziamento e carenza di personale. Tuttavia, invece di trovare una soluzione praticabile, Nicolas propone l’idea di stringere una partnership poco saggia con Healock, l’azienda farmaceutica. Nonostante le preoccupazioni di Pilar riguardo a tale partnership, finisce per dare il via libera all’accordo alle sue spalle. Inevitabilmente, questo accordo porta a una serie di complicazioni, soprattutto per Rocio e gli altri operatori del pronto soccorso. Anche se assumono una nuova dottoressa, Hacia, lei finisce per causare attriti generali quando viene coinvolta nel triangolo amoroso tra Jesica, il suo fidanzato Lluís e il suo ex amante Biel. Tuttavia, quest’ultimo ha problemi più gravi da affrontare, poiché finisce per unirsi a Nestor nella sua missione di scoprire il segreto di Sophie e assicurarla alla giustizia. Anche se il loro piano alla fine funziona, Pilar, un’altra collaboratrice, agisce precipitosamente denunciando l’oncologa alle autorità.
Finale della seconda stagione di Respira: Nicolas ha informato Sophie? È morto?
Alla fine, Nestor, Biel e Pilar sono più vicini che mai a catturare Sophie e a svelare la verità sulla sua ricerca disonesta. Una volta ottenute le prove che dimostrano la falsificazione dei dati sulla terapia da parte dell’oncologa francese, Pilar, che ha un conto in sospeso con Nicolas, è fin troppo ansiosa di denunciarla direttamente alla polizia. L’unico motivo per cui il chirurgo aggira qualsiasi comitato è quello di assicurarsi che Sophie non abbia alcuna possibilità di coprire le sue tracce dopo la prima accusa. Pertanto, allo stato attuale, nessuno al di fuori di Pilar, Biel e Nestor è a conoscenza dell’intenzione delle autorità di arrivare a Sorolla per arrestare Sophie. Questo fino a quando Biel finisce per rivelare il segreto a suo padre, Nicolas.
Biel e Nicolas non hanno certo un rapporto molto stretto. Tuttavia, un’emergenza medica a casa del padre avvicina i due in breve tempo. È evidente che l’uomo più anziano è desideroso di sistemare le cose con suo figlio e guadagnarsi la sua fiducia. Per lo stesso motivo, condivide un segreto con il medico residente, rivelando che ha intenzione di entrare a far parte della Healock Pharmaceuticals, alla luce dell’accordo che ha facilitato tra l’azienda e l’ospedale. Nel tentativo di ricambiare la fiducia, il giovane finisce per rivelare a suo padre il piano di Pilar, avvertendolo che le autorità avrebbero indagato su Sophie. Poiché è stato Nicolas a portare la dottoressa a Sorolla, dopo il suo arresto sarà sottoposto a un controllo particolare. Tuttavia, l’arresto non avrà mai luogo. Così, una volta che diventa evidente che Sophie è stata in qualche modo informata del tentativo di arresto, il sospetto immediato di Biel ricade inevitabilmente su Nicolas.
Nonostante ciò, il padre insiste sulla sua innocenza quando viene confrontato al telefono. Si spinge fino ad accettare di difendere la sua causa di persona. Sfortunatamente, nel bel mezzo di questa intensa conversazione telefonica, l’auto di Nicolas finisce per essere tamponata da un camion. Di conseguenza, questo incidente inaspettato lascia due cose in sospeso. In primo luogo, le condizioni di Nicolas rimangono ambigue, poiché le sue possibilità di sopravvivere al grave incidente sono incerte. Inoltre, questo lascia anche irrisolto il mistero del misterioso collaboratore di Sophie. Anche se è probabile che il padre abbia mentito a Biel per salvarsi la pelle, non sarebbe saggio escluderlo così rapidamente. Fin dall’introduzione di Sophie, la narrazione sottolinea che l’oncologa ha contatti in alto luogo. Per lo stesso motivo, è del tutto possibile che la soffiata provenga da altrove, forse anche dalle autorità stesse.
Patricia vincerà la rielezione? È guarita dal cancro?
Uno degli sfortunati effetti collaterali dell’entusiasmo di Pilar nel riferire la notizia rimane l’effetto che ha sui pazienti attuali di Sophie. Anche se la sua terapia è attualmente in fase sperimentale, è riuscita a procurarsi un certo numero di pazienti volontari, come Patricia. Per la presidente e altri come lei, la terapia era l’ultima speranza di guarigione, poiché ogni altra strada era fallita. Nel caso particolare di Patricia, la terapia sembra addirittura funzionare, quasi curandole le varie cellule tumorali presenti nel suo corpo. Tuttavia, quando Pilar denuncia Sophie, la seduta della politica non è ancora terminata.
Pertanto, una volta che Nestor si rende conto che l’arrivo delle autorità a Sorolla porterà alla chiusura del trattamento, non ha altra scelta che avvisare Patricia. Patricia ha già molto da fare, compresa la rielezione. Si dà il caso che la polizia sia pronta a fare irruzione nell’ala di ricerca di Sophie la notte dei risultati delle elezioni. Pertanto, quando Nestor cerca di accelerare le sedute della politica nel corso di un solo giorno, lei si oppone all’idea. Saltare eventi e comizi la notte della sua possibile rielezione sarebbe un incubo per la presidente, soprattutto perché da tempo mente al pubblico dicendo di essere completamente guarita dal cancro.
Per lo stesso motivo, decide di rimanere con il suo team lontano dall’ospedale mentre la serata volge al termine. Quando si rende conto che sta mettendo a rischio tutta la sua vita, sembra già troppo tardi. Anche il piano rischioso di Nestor di rubare l’ultima dose del trattamento per completare la sua sessione fallisce, poiché il laboratorio di Sophie è stato misteriosamente ripulito. Così, la fine della serata porta una realtà polarizzante per Patricia. Nonostante la natura tesa della sua campagna di rielezione, finisce per vincere, consolidando nuovamente la sua posizione di presidente. Tuttavia, nel bel mezzo dei festeggiamenti, nasconde un segreto enorme. Anche se la cura di Sophie l’ha quasi completamente guarita dal cancro, senza l’ultima seduta è destinato a ripresentarsi.
Cosa nasconde Sophie? Verrà scoperta?
Nestor rimane sospettoso nei confronti di Sophie e della sua cura fin dall’inizio, quando lei insiste costantemente per escluderlo dalla sua ricerca in nome della riservatezza. Sospetta che l’ambiguità che circonda la sua reputazione e la sua abitudine di cambiare continuamente ospedale siano chiari tentativi di nascondere una potenziale storia di cattiva condotta. Inizialmente, Patricia è d’accordo con i suoi piani investigativi. Tuttavia, cede quando Sophie riesce a dimostrare che la sua cura ha effettivamente funzionato per Ximo e che il cancro non è stato la causa della sua morte. Tuttavia, più o meno nello stesso periodo, Biel, che lavora come tirocinante nella sperimentazione di Sophie, scopre alcune prove schiaccianti contro l’oncologa.
Biel scopre che Sophie ha manomesso i dati sui sintomi e gli effetti collaterali del trattamento, modificandoli per presentarli in modo più favorevole nel programma ufficiale. Tuttavia, la rapida occhiata che il tirocinante riesce a dare non è affatto sufficiente per costituire una prova adeguata per intraprendere un’azione ufficiale. Fortunatamente, con un piccolo aiuto da parte di Pilar, riescono a simulare un codice rosso in ospedale, che fa guadagnare al medico oncologo il tempo necessario per ottenere informazioni dall’hard disk personale di Sophie. In questo modo, scoprono che, anche se Sophie sostiene che il suo trattamento ha un tasso di successo del 60%, la statistica reale è più vicina al 40%. Ciò significa che ha utilizzato dati falsificati per portare avanti la sua ricerca e convincere i pazienti a partecipare alle sperimentazioni. Di conseguenza, molti di loro, come Ximo, non sono nemmeno consapevoli delle probabilità a cui si stanno sottoponendo. Tuttavia, Nestor e Biel inizialmente hanno entrambi delle riserve sullo stop all’intero trattamento, poiché la discrepanza nelle statistiche non è astronomicamente alta. Ciononostante, Pilar prende la decisione finale. Tuttavia, nonostante le azioni intraprendenti del chirurgo, Sophie riesce comunque a svignarsela.
Cosa è successo a Lola? È sopravvissuta?
Questa stagione introduce una nuova trama romantica per l’anestesista Quique, la cui vita sentimentale è notoriamente in crisi. La sua relazione con Oscar finisce presto, in parte a causa del suo desiderio e della decisione del giovane di iniziare a curare il suo disturbo bipolare. Tuttavia, non ci vuole molto perché un nuovo uomo misterioso appaia all’orizzonte. Inizialmente, il chirurgo Jon Balanzetegui non porta altro che guai a Quique. Tuttavia, col passare del tempo, i due iniziano ad avvicinarsi. Quest’ultimo ha paura di iniziare una relazione con Jon perché lui è padre e sta divorziando. Le persistenti complicazioni relative alla custodia dei figli costringono l’altro uomo a stare lontano da scene di festa potenzialmente scandalose.
Pertanto, Jon rappresenta un nuovo tipo di pericolo per Quique. Avendo una relazione con lui, accetta una relazione più domestica, priva di sguardi rubati e appuntamenti segreti. Tuttavia, sostituirà anche i rave notturni con la colazione con il suo ragazzo e sua figlia. Nonostante tutto, questa realtà finisce per andare abbastanza bene all’anestesista. Questo fino a quando non si verifica una tragedia e la figlia di Jon, Lola, finisce al pronto soccorso. In seguito, i risultati mostrano che le sue condizioni sono state causate dall’ecstasy che aveva trovato a casa di suo padre. Naturalmente, Quique, le cui tendenze festaioli sono ben note, rimane l’unico sospettato. Alla fine, Lola riesce a sopravvivere all’incidente, superandolo, cosa che non si può dire della relazione tra Quique e Jon.
Irene partorirà? Lei e il suo bambino sopravviveranno?
Irene, la compagna di Nicolas, vive una gravidanza complicata fin dal primo trimestre. Dopo aver avuto un episodio, i medici scoprono che il feto nel suo grembo ha un tumore, che ne renderà quasi impossibile la sopravvivenza. Tuttavia, poiché lei rimane riluttante ad abortire, non hanno altra scelta che operare sia lei che il feto. L’operazione, sebbene snervante, alla fine ha successo. Tuttavia, questa non è la peggiore delle esperienze di Irene. Il giorno dei risultati delle elezioni, Nicolas riesce a convincere Biel a cenare a casa sua, un evento a cui quest’ultimo coinvolge Lucia. Tuttavia, tutti i piani per una piacevole cena vanno in fumo quando la compagna di Nicolas entra inaspettatamente in travaglio.
Anche se Irene è lontana dalla data prevista per il parto, Lucia si rende conto che non c’è modo di evitare il travaglio e che la donna dovrà semplicemente partorire il bambino prematuramente. A peggiorare le cose, i precedenti controlli hanno rivelato che il bambino è in posizione podalica. Per lo stesso motivo, la soluzione più sicura sarebbe quella di procedere con un parto cesareo. Tuttavia, data la posizione remota della casa di Nicolas, sarebbe impossibile per un’ambulanza arrivare sul posto in tempo. Alla fine, Lucia e Biel devono eseguire il parto cesareo da soli, utilizzando strumenti improvvisati e con Leo al telefono che li guida durante il processo. Nonostante le difficoltà, le loro competenze esperte assicurano la sopravvivenza sia di Irene che di suo figlio.
La serie televisiva spagnola diNetflixRespira (Breathless) offre un’esperienza avvincente ai suoi spettatori. Ambientata nell’ospedale Joaquín Sorolla di Valencia, in Spagna, i personaggi centrali si uniscono per creare un dramma medico che è allo stesso tempo accattivante e stimolante. La serie, originariamente intitolata “Respira”, segue Biel, un medico interno di un ospedale pubblico che affronta giornate frenetiche piene di cure d’emergenza e gestione delle risorse per fornire il miglior trattamento possibile ai suoi pazienti. Tuttavia, le sue sfide rivelano che la realtà è ben lontana dall’ideale.
In un sistema sanitario pubblico alle prese con la carenza di risorse, le condizioni di lavoro dei medici negli ospedali sono ben lontane da quelle che meritano. Quando arriva un paziente di alto profilo, le tensioni latenti vengono a galla. Viene annunciato uno sciopero dei professionisti del settore medico, lasciando Biel combattuto tra il sostegno alla causa e il suo impegno nei confronti dei pazienti, che secondo lui non dovrebbero soffrire a causa di queste circostanze. Creata da Carlos Montero, noto per “Elite”, la serie solleva questioni importanti e, date le crescenti crisi sociali e istituzionali, ci si potrebbe chiedere se gli eventi siano basati su una storia vera.
I creatori di Respira hanno prestato grande attenzione all’accuratezza sul set
Scritta da Carlos Montero, Carlos Ruano, Guillermo Escribano e Pablo Saiz, la serie TV di otto episodi non è basata su alcuna storia o incidente reale. Tuttavia, il team ha condotto ricerche approfondite e lavori preparatori per cogliere l’essenza del settore sanitario pubblico del Paese. Il risultato è un ambiente iperrealistico in cui personaggi di fantasia si incontrano e interagiscono. In questo modo, sono riusciti a sollevare questioni di grande rilevanza per il dibattito politico in Spagna e nel mondo.
L’ospedale Joaquín Sorolla, dove è ambientata la serie, è stato realizzato con meticolosa attenzione ai dettagli. Il set è quasi una struttura permanente, con solo alcune pareti progettate per essere mobili per facilitare le riprese. I creatori e tutti i membri del team di produzione si sono impegnati a rendere l’ospedale il più realistico possibile, prestando molta attenzione anche ai minimi dettagli. Ad esempio, i nomi sulle liste d’attesa dei pazienti, i poster alle pareti e persino le etichette sui flaconi dei medicinali sono stati creati con grande precisione. Ci sono voluti quasi sei mesi per completare il set, migliorando notevolmente l’esperienza immersiva degli spettatori.
In un’intervista, Montero ha detto di essere rimasto impressionato da ciò che era stato creato la prima volta che è entrato sul set. Tuttavia, a differenza di un ospedale perfettamente funzionante, ha notato che tutto era troppo ordinato e pulito. Durante le riprese sono stati aggiunti graffi, carrelli abbandonati, scarabocchi sui muri e altri piccoli dettagli per aumentare l’autenticità. Questi tocchi hanno reso il set più simile a un vero ospedale, conferendo alla serie un maggiore senso di realismo.
Echi delle proteste della vita reale in Respira
Inoltre, lo sciopero dei professionisti del settore medico non è raro nella storia spagnola. La prima grande protesta è avvenuta nel 2012, durante il picco della crisi finanziaria spagnola. Conosciuta come il movimento “Marea Bianca”, questa serie di manifestazioni ha visto gli operatori sanitari di tutto il paese scendere in piazza per opporsi alle misure di austerità imposte dal governo. Queste misure includevano tagli al bilancio, privatizzazione dei servizi sanitari e licenziamenti del personale, con gravi ripercussioni sulla qualità dell’assistenza. I professionisti del settore medico, vestiti con camici bianchi, hanno guidato massicce manifestazioni in città come Madrid e Barcellona, protestando contro il deterioramento del sistema sanitario pubblico.
Un’altra importante protesta medica in Spagna si è verificata nel 2018, quando i medici di base della Catalogna hanno organizzato uno sciopero di cinque giorni per chiedere migliori condizioni di lavoro e più tempo da dedicare ai pazienti. Questa protesta ha messo in evidenza la cronica carenza di personale e il sovraccarico di lavoro dei medici, che spesso erano costretti a visitare fino a 40 pazienti al giorno con poco tempo a disposizione per fornire cure di qualità. L’opinione pubblica ha ampiamente sostenuto lo sciopero, poiché molte persone erano frustrate dai lunghi tempi di attesa e dal calo degli standard nell’assistenza sanitaria di base. Le proteste hanno risposto ad anni di tagli ai finanziamenti sanitari, che avevano lasciato il sistema a corto di risorse e sovraccarico. A seguito dello sciopero, il governo catalano ha accettato di assumere più medici e ridurre il carico di pazienti, riconoscendo le questioni critiche sollevate dai manifestanti.
Pertanto, Respira non è solo un’opera creativa che esiste in modo isolato e senza contesto. Oltre al suo obiettivo di intrattenere il pubblico con un dramma ad alto rischio, sottolinea anche il potere della voce del popolo e il suo potenziale di apportare cambiamenti sostanziali. Evidenziando un incidente, anche se fittizio, la serie svolge un ruolo significativo nel fissarlo nella memoria del pubblico e nel ricordargli che il cambiamento è sempre a portata di mano.
