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Cobra Kai, la spiegazione del finale di serie: Chi vince il Sekai Taikai?

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Cobra Kai, la spiegazione del finale di serie: Chi vince il Sekai Taikai?

Il finale della sesta stagione di Cobra Kai ha segnato la fine del capitolo più memorabile della serie The Karate Kid dalla sua nascita. Proprio quando sembrava che Miguel vs. Axel sarebbe stato il round finale del torneo Sekai Taikai di Cobra Kai, la competizione ha ricevuto una proroga a sorpresa. Pochi minuti prima dell’episodio finale, è stato rivelato che la rimonta tardiva di Miguel è culminata in un pareggio tra Cobra Kai e gli Iron Dragons. Di conseguenza, è stato necessario un tie-break: un combattimento finale tra i sensei dei dojo in competizione.

Questo ha preparato il terreno per un montaggio di allenamento in stile Rocky, seguito da una resa dei conti accesa tra Johnny Lawrence e Sensei Wolf. Con i consigli di Daniel, Johnny ha superato le avversità in perfetto stile Karate Kid. Ha avuto un lieto fine, come la maggior parte dei personaggi di Cobra Kai. Anche se non è stato così per tutti i protagonisti, Cobra Kai ha tracciato un percorso di speranza per alcuni dei personaggi preferiti dai fan, tra cui Chozen Toguchi e il Maestro Kim.

Cobra Kai ha ucciso tre personaggi di Karate Kid in una scena

Kreese muore proteggendo Johnny

Cobra Kai ha aperto il finale della serie con una delle scene più importanti delle sue sei stagioni. Non volendo lasciare al caso la vittoria della sua squadra, Terry Silver ha ordinato a Dennis di agire contro la famiglia di Johnny. Se fosse riuscito a organizzare un rapimento, sarebbe stato senza dubbio il peggior atto mai commesso dal cattivo di Karate Kid III. Ma Cobra Kai non ha lasciato che Terry Silver arrivasse a tanto; a quanto pare Kreese sospettava che Silver si sarebbe abbassato a tanto e si è intrufolato sulla barca. In uno sconvolgente sviluppo fuori campo, Kreese ha ucciso Dennis, il che significa che entrambi gli scagnozzi di Silver del terzo film sono ora morti.

L’intervento di Kreese ha gettato le basi per un inaspettato ma emozionante incontro di vendetta tra il personaggio di Martin Kove e Terry Silver. Come accadde quando Terry Silver e Kreese si affrontarono nella seconda parte della sesta stagione di Cobra Kai, Silver aveva il vantaggio fisico e avrebbe vinto l’incontro, ma Kreese gli tolse la situazione dalle mani. Lanciando un mozzicone di sigaro sulla benzina versata, fece sì che la barca andasse a fuoco, uccidendo entrambi i cattivi di Karate Kid allo stesso tempo.

Anche se si è a lungo ipotizzato che uno o entrambi i personaggi non sarebbero sopravvissuti alla fine dello show, il tempismo è stato comunque sorprendente. Anche se ha avuto un confronto a cuore aperto con Kreese, non c’è stato un addio finale tra loro, né Johnny ha mai saputo del sacrificio di Kreese. Detto questo, il finale ha dato un senso al personaggio, in quanto può essere giustamente classificato come “morte del guerriero”, e uno che qualcuno come Kreese avrebbe preferito a qualsiasi altro. Dopo tutto, è morto proteggendo la persona a cui teneva di più.

Come Johnny Sfidare il maestro Wolf, nonostante fosse il lottatore più debole

La battaglia tra Kreese e Silver ha permesso un incontro equo tra Johnny e Wolf. Ma anche se non c’era il rischio che Silver manipolasse il risultato, era ovvio fin dall’inizio che il vantaggio era di Wolf. Johnny era stato chiaramente battuto nel loro precedente incontro e Cobra Kai aveva già fatto molto per dimostrare che Wolf era il lottatore più forte di Cobra Kai. Era più sano, più forte, più giovane e presumibilmente anche più abile. Non solo, ma aveva anche un titolo Sekai Taikai.

Johnny alla fine sconfisse Wolf andando contro la sua stessa mentalità “colpisci per primo”.

Non aiutò il fatto che Johnny si lasciò innervosire da Wolf prima dell’incontro, perdendo la concentrazione e lasciando che Wolf segnasse due punti consecutivi. Ma grazie ad alcuni consigli e a un discorso motivazionale dell’ultimo minuto da parte di Daniel, Johnny riuscì a combinare la propria esperienza e il proprio stile di combattimento con l’enfasi di Daniel sull’equilibrio per combattere gli attacchi di Wolf.

Ciò che consolidò davvero la sua vittoria fu la decisione di Johnny di correggere l’errore che aveva commesso contro Daniel in Karate Kid. Invece di correre a testa bassa per segnare il punto decisivo, Johnny ha lasciato che fosse Wolf a venire da lui, ha neutralizzato una mossa e ha segnato il colpo vincente. Johnny alla fine sconfigge Wolf andando contro la sua stessa mentalità “colpisci per primo”.

Spiegazione della nuova partnership tra Johnny e Daniel

Dopo la vittoria su Wolf, Johnny ha riavuto il suo vecchio dojo Cobra Kai, grazie a Daniel che ha negoziato un accordo con Zarkarian, il proprietario del centro commerciale. Come dimostrato dalle scene finali, Johnny tornerà ad insegnare agli adolescenti “la Via del Pugno,” come ha fatto nelle prime due stagioni, anche se con una visione aggiornata dei tre principi guida di Cobra Kai.

Oltre a riprendere le attività di Cobra Kai, Daniel continuerà a gestire il suo dojo Miyagi-do. Dopo aver parlato con Amanda, Daniel si è reso conto che essere un sensei fa parte di ciò che è. Ma invece di avere dojo completamente indipendenti, i due hanno formato una partnership unica, che ha alcune somiglianze con la loro alleanza nelle stagioni 4 e 5. Entrambi hanno i propri dojo, ma condividono e sostanzialmente si prestano gli studenti l’un l’altro per garantire che ricevano una formazione adeguata sia nel combattimento offensivo che in quello difensivo.

Cobra Kai ha finalmente confermato il “crimine” del signor Miyagi

Inoltre, Cobra Kai ha trovato il modo di dare una risposta a Daniel riguardo alle sue persistenti preoccupazioni sul passato del signor Miyagi. Una storia della madre di Daniel, che aveva anche una relazione personale con il signor Miyagi, ha presentato a Sam una collana che aveva precedentemente ricevuto dal signor Miyagi. A quanto pare, la collana era la ragione della “violenta rapina e aggressione” di cui il signor Miyagi era presumibilmente responsabile nel 1947.

Come spiegò la madre di Daniel, il signor Miyagi stava cercando di recuperare la collana, che era appartenuta a sua moglie e, prima ancora, a sua madre. Sua moglie l’aveva quando era stata rinchiusa in un campo di internamento giapponese e le era stata rubata da una delle guardie. Dopo aver ascoltato la storia, Daniel ora capisce che la persona che il signor Miyagi aveva picchiato nel 1947 era il ladro, il che significa che il suo mentore era innocente.

Cosa è successo ai ragazzi dopo il torneo Sekai Taikai

I dojo di Johnny e Daniel saranno privi della loro classe di diplomandi, ma ciò non significa che tutti loro abbiano abbandonato il karate. Per Robby e Tory in particolare, diventerà il loro lavoro, poiché entrambi hanno firmato un contratto con un’azienda di branding che li pagherà per fare dimostrazioni in giro per il mondo. Gli altri, invece, sono concentrati sui rispettivi studi. Miguel realizzerà il suo sogno frequentando la Stanford University, Sam sta seguendo un programma di formazione di un anno a Okinawa e Dimitri ha rinunciato a frequentare il MIT per unirsi a Hawk al Cal Tech.

Nel frattempo, gli studenti più giovani, come Kenny, Anthony e Devon, continueranno la loro formazione con Johnny e Daniel e parteciperanno a tornei, come l’All Valley. Il finale della serie conferma che Anthony si allena principalmente sotto la guida di Daniel, mentre Devon è un Cobra Kai. Nella scena post-crediti di Cobra Kai, Johnny e Daniel considerano la possibilità di far scambiare i due dojo per il prossimo All Valley. A quanto pare, Devon e Anthony, oltre a Kenny, sono ora i combattenti più forti dei due dojo.

The Gilded Age – Stagione 3: conferme, cast e tutto quello che sappiamo

Redazione
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The Gilded Age – Stagione 3: conferme, cast e tutto quello che sappiamo

The Gilded Age è in arrivo con la terza stagione e la popolarità di questo dramma storico ne garantisce il successo. In onda sulla rete originale NBC nel 2022, The Gilded Age è scritto e creato da Julian Fellowes, noto per la serie di successo Downton Abbey. Con un cast che include diversi veterani del teatro e attori di formazione classica, The Gilded Age porta le sfumature delle altre serie di Fellowes al boom industriale americano della fine del 1800, in particolare agli industriali e ai mondani di New York che prosperarono (e caddero) durante questo momento storico unico.

La serie è stata acclamata dalla critica durante le prime due stagioni e la seconda stagione di The Gilded Age ha addirittura superato la precedente con un punteggio di oltre il 90% su Rotten Tomatoes. Con la crescente popolarità dei drammi storici grazie a serie come Bridgerton, The Gilded Age ha la possibilità di diventare il prossimo dramma imperdibile che trae ispirazione dagli annali della storia. La terza stagione offre a HBO l’opportunità di consolidare la serie come il prossimo grande dramma storico.

Ultime notizie su The Gilded Age stagione 3

Rivelato il mese di uscita della terza stagione

Dopo mesi senza notizie concrete, l’ultimo aggiornamento conferma il mese di uscita della terza stagione di The Gilded Age. Il dramma in costume arriverà su HBO e Max nel giugno 2025, ma la data esatta di uscita rimane ancora sconosciuta. L’annuncio è stato accompagnato da una serie di immagini della prossima stagione, tra cui alcune foto delle star Carrie Coon, Cynthia Nixon e Christine Baranski. Per quanto riguarda il nuovo cast, in un’immagine spicca anche Phylicia Rashad.

La terza stagione di The Gilded Age è confermata

La terza stagione è in arrivo

HBO ha dato il via libera alla terza stagione di The Gilded Age solo pochi giorni dopo la fine della seconda stagione, e questo è un buon segno per il futuro della serie. A differenza di altre serie che accumulano visualizzazioni in un periodo di tempo prolungato, la popolarità di The Gilded Age ha reso indispensabile un rapido rinnovo. Il lavoro è proceduto lentamente nel corso del 2024 e le riprese si sono concluse nella seconda parte dell’anno. Da allora è stato annunciato che The Gilded Age stagione 3 sarà trasmessa nel mese di giugno 2025, ma per ora non è ancora stata comunicata una data precisa.

La seconda stagione di The Gilded Age si è conclusa il 17 dicembre 2023.

Il cast della terza stagione di The Gilded Age

Il clan Russell torna nella terza stagione

Il cast di The Gilded Age è un vasto ensemble e la maggior parte degli attori dovrebbe tornare nella terza stagione di The Gilded Age. Poiché la storia è incentrata su Marian, Agnes, la famiglia Russell e il rigido ambiente sociale dei “nuovi ricchi” in cui vivono, sembra probabile che i Russell torneranno nella terza stagione di The Gilded Age. Tuttavia, dato che la serie abbraccia un ecosistema sociale in continua evoluzione, potrebbero entrare in scena anche una serie di nuovi personaggi che sconvolgeranno le carte in tavola.

Non ci è voluto molto perché nuovi membri del cast fossero aggiunti alla terza stagione, con Phylicia Rashad scelta per interpretare la ricca e protettiva signora Elizabeth Kirkland. Ad affiancarla ci saranno Brian Stokes Mitchell, che interpreterà suo marito Frederick, e Jordan Donica, che interpreterà il dottor William Kirkland, un parente non specificato di Elizabeth. Victoria Clark interpreterà un’altra donna ricca, Joan Carlton. Bill Camp è stato scelto per interpretare il finanziere JP Morgan, mentre LisaGay Hamilton sarà la suffragista Frances Ellen Watkins Harper.

Altri nomi si sono aggiunti al cast nel novembre 2024, con l’aggiunta di Dylan Baker nel ruolo del dottor Logan, che cura l’élite ricca. Inoltre, Kate Baldwin interpreterà Nancy Adams Bell, la sorella di John, al fianco di Michael Cumpsty nel ruolo dell’aristocratico britannico Lord Mildmay. John Ellison Conlee è il ricco uomo d’affari Weston, mentre Bobby Steggert interpreterà il famoso pittore americano John Singer Sargent. Hannah Shealy interpreterà Charlotte, la figlia adulta della signora Astor.

La trama della terza stagione di The Gilded Age

Ada conquista ricchezza e status nella terza stagione

La rottura tra Gladys e Bertha rischia di frammentare il clan Russell nella terza stagione di The Gilded Age.

In termini di colpi di scena, il finale della seconda stagione di The Gilded Age non solo ha stravolto tutto, ma ha anche fornito agli sceneggiatori molti spunti per la terza stagione. Forse il cambiamento più grande è stata la rivelazione che Ada ha ereditato una grossa somma di denaro che non solo salverà la famiglia Brook, ma le darà anche potere. Le conseguenze della rottura tra Gladys e Bertha potrebbero anche portare alla frammentazione del clan Russell nella terza stagione di The Gilded Age, il che potrebbe preparare il terreno per ulteriori colpi di scena in futuro.

Francesca Orsi, dirigente della HBO, ha offerto alcune anticipazioni su ciò che accadrà nella terza stagione di The Gilded Age, e stando alle sue dichiarazioni, il divorzio sarà un tema importante. Secondo Orsi, la stagione non solo esaminerà l’introduzione del divorzio nella società, ma anche come la fine delle relazioni (dal punto di vista legale) abbia ripercussioni sul modo in cui le donne sono viste nelle loro comunità.

Leggi qui i commenti di Orsi:

Penso che, in generale, sia un modo interessante di esplorare quell’epoca in cui il divorzio è diventato un tema centrale nelle relazioni negli Stati Uniti. Penso che ci sia da discutere sui matrimoni combinati e, se non funzionano necessariamente, su come fosse il divorzio a quel tempo e cosa significasse per la società. E poi se si viene accettati o meno dalla società in base al divorzio.

The Gilded Age – stagione 2: la spiegazione del finale

Redazione
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The Gilded Age – stagione 2: la spiegazione del finale

Con la conclusione trionfale della Guerra dell’Opera e il salvataggio della fortuna della famiglia Van Rhijn, la seconda stagione di The Gilded Age si è conclusa in modo spettacolare. Dopo aver combattuto per tutta la stagione, la signora Astor e la signora Russell fanno il loro ultimo sforzo per ingraziarsi l’elite di New York City mentre l’Accademia della Musica e il Metropolitan iniziano le loro stagioni la stessa sera. Mentre le luci si abbassano sulla serata di apertura, diverse sorprese scuotono le fondamenta del set di cucchiai d’argento e mandano la società in tilt.

The Gilded Age si ispira ai Vanderbilt e ad altre famiglie storiche reali, quindi mentre la prima stagione ha impiegato molto tempo per introdurre i personaggi e definire le loro rispettive storie, la seconda stagione ha accelerato il ritmo, passando da una piacevole passeggiata in giardino a una corsa in carrozza per le strade acciottolate. Non solo ogni episodio è stato rivelatore e dinamico, ma poiché le basi dei personaggi sono state gettate, è stato necessario dedicare meno tempo al contesto e all’esposizione. Grazie a tutta la nuova crescita e allo sviluppo, il finale ha preparato ogni sorta di emozionante melodramma per la terza stagione di The Gilded Age.

Cosa promise Bertha al duca per vincere la guerra dell’opera?

Doveva dargli qualcosa che la signora Astor non poteva

Dopo aver superato in astuzia la signora Winterton per aggiudicarsi il duca di Buckingham, Bertha Russell supera in astuzia la signora Astor all’ultimo momento, assicurandosi la presenza del duca alla serata di apertura del Met invece di accettare un palco all’Academy. Quando si rese conto che non poteva offrirgli i soldi di suo marito, né promettergli i contatti della signora Astor con la cerchia ristretta del Vecchio Mondo, decise di dargli qualcosa che solo lei poteva dargli. Il contenuto del loro incontro clandestino nella sua stanza all’Union Hotel rimane avvolto nel mistero fino alla fine della seconda stagione di The Gilded Age.

In base a dove si siede il duca durante lo spettacolo e a quanto si preoccupa Bertha per sua figlia, è chiaro che lei gli ha promesso Gladys. Dal momento in cui ha risistemato i cartoncini dei posti a sedere quando ha incontrato per la prima volta il nobile, era chiaro che stava cercando di organizzare un matrimonio vantaggioso. Il duca ha un titolo e delle terre, ma non ha i soldi per mantenerli, quindi deve sposarsi bene per mantenere il suo status. La scelta di Bertha potrebbe metterla in contrasto con suo marito nella terza stagione di The Gilded Age, perché lui ha promesso a Gladys che avrebbe potuto sposarsi per amore.

Come Bertha Russell ha reinventato la società americana

Il nuovo denaro supera la vecchia guardia

Quando la signora Fish si rende conto che il posto dove stare è il Met, abbandona completamente l’Accademia e si affretta a stare con il resto dell’élite di New York. Fa in modo di dire alla signora Russell che non solo ha vinto la guerra dell’opera, ma che con la sua vittoria ha “reinventato la società americana”. Quando la signora Russell assiste allo spettacolo dal suo palco, vede che quasi tutte le persone importanti che voleva che venissero hanno scelto di stare al suo fianco, lasciando solo la signora Astor, Agnes Van Rhijn e qualche decina di membri della Vecchia Guardia a sedere e a rimuginare sulla sconfitta all’Accademia.

Le parole della signora Fish implicano che i vecchi standard di funzionamento della società sono cambiati e che è possibile per i nuovi ricchi come i Russell dettare nuove condizioni piuttosto che essere alla mercé di coloro che lasciano poco spazio all’innovazione. Sostenendo il Met come luogo di cultura e arte, la signora Russell ha sfidato le regole della signora Astor e ne ha inventate di proprie. La guerra dell’opera rappresenta il progresso e la potenza industriale evidenziata nell’età dell’oro americana come motore di grandi cambiamenti e prosperità, con il successo che arriva a coloro che aiutano a realizzarlo, non a ostacolarlo.

Cosa significa la fortuna di zia Ada per il futuro della famiglia Van Rhijn

Una delle rivelazioni più scioccanti del finale della seconda stagione di The Gilded Age è arrivata da zia Ada che, nella scena finale dell’ottavo episodio, spiega che suo marito Luke Forte, recentemente scomparso, le ha lasciato una grossa eredità. Mentre Oscar Van Rhijn potrebbe aver investito male i soldi di sua madre e averla lasciata indigente, sua sorella potrebbe essere la sua salvezza. Non solo Agnes non dovrà vendere la casa e trasferirsi, ma tutto il personale di servizio non dovrà cercare un altro lavoro e i nomi Van Rhijn e Brook non dovranno essere infangati acquisendo la reputazione di poveri.

Come dimostra l’avvocato che si rivolge alla zia Ada, invece che ad Agnes, nella scena finale della serie, la dinamica della famiglia è cambiata. Ada pagherà i salari dei domestici e sarà quindi il loro datore di lavoro, e anche se Agnes è ancora proprietaria della casa, non avrà più l’ultima parola sulle questioni domestiche. Ada disse al suo defunto marito poco prima che morisse che il suo amore l’aveva resa più forte e le aveva fatto credere in se stessa, ed è chiaro che la solitamente mite Ada diventerà una forza potente con cui fare i conti, soprattutto dopo aver vissuto per così tanto tempo sotto il governo dittatoriale di Agnes.

L’importanza dell’invenzione della sveglia di Jack

Una delle sottotrame più affascinanti tra il personale del piano inferiore è stata il viaggio della sveglia di Jack. Dopo aver inventato un meccanismo di scappamento che assicurava che i componenti di un orologio sveglia che indicano l’ora non si bloccassero (anche senza olio), i membri della famiglia Van Rhijn si unirono per procurargli i fondi per brevettare il componente. Dopo essersi unito a una società di orologeria e aver ottenuto le certificazioni necessarie, la sua invenzione ottenne il proprio brevetto, e non solo, ma Larry Russell suggerì a Jack di mettersi in affari insieme a lui con il loro design superiore di sveglia.

L’invenzione di Jack non è solo significativa nella storia dei dispositivi per la misurazione del tempo e della crescente precisione delle sveglie, ma mostra anche la mobilità ascendente insita nell’ingegno e nell’innovazione dell’epoca. Dimostra che, anche se non è nato in una famiglia ricca, qualcuno come Jack può raggiungere la mobilità ascendente nella società attraverso le proprie idee. Questo è il “sogno americano” all’opera, e un esempio delle tante storie tipicamente americane che hanno visto l’avanzamento della classe inferiore a quella superiore attraverso il duro lavoro, la dedizione e una rete di sostenitori.

L’importanza della lotta contro il Consiglio dell’Istruzione che chiudeva le scuole per le persone di colore

Una triste verità nella storia americana è radicata nel fatto che il Consiglio dell’Istruzione di New York City cercò di chiudere le scuole per gli studenti di colore durante l’Età dell’Oro, negando loro l’accesso a importanti competenze scolastiche e a contatti vitali per il loro avanzamento nella vita. Citando la frequenza insufficiente e insegnanti con credenziali insufficienti, il Consiglio dell’Istruzione cercò di chiudere tre scuole separate, arrivando persino a cambiare le date del voto in modo che nessuna opposizione potesse presentare prove contro la loro causa. Fortunatamente, il sostegno e le prove sono fornite in massa, e riescono a chiudere solo una scuola.

A quel tempo, gli immigrati irlandesi, come le persone di colore, subivano pregiudizi e ostilità estremi, e ci volle un lavoro di squadra per sopraffare il Consiglio dell’Istruzione e ottenere un cambiamento significativo. Quando il Consiglio dell’Istruzione si rese conto che anche gli studenti bianchi avrebbero frequentato queste scuole, non ebbe altra scelta che modificare la sua decisione. La lotta sarebbe continuata fino al secolo successivo, ma grazie al lavoro svolto da Peggy Scott, dalla sua famiglia e dalla loro comunità, alle persone di colore non poterono essere negate le necessità e la dignità.

Perché Peggy Scott dovette sacrificare il lavoro dei suoi sogni

Anche se ci sono molti momenti di euforia nel finale della seconda stagione di The Gilded Age, ce n’è uno che brucia a causa delle sue implicazioni personali. Peggy Scott decide di rinunciare al lavoro dei suoi sogni presso il giornale del signor Fortune e di concentrarsi sul suo romanzo. Mentre lui è contento di lavorare al suo fianco perché crede nelle sue capacità di scrittrice e di avvocato, lei non vede un futuro in cui possa scrivere per il giornale e mettere da parte i suoi sentimenti per lui, soprattutto considerando le voci che circolano dopo il bacio proibito che i due si sono scambiati a Tuskegee, in Alabama.

Un grande impulso alla decisione di Peggy di rinunciare al lavoro dei suoi sogni è il fatto di aver incrociato la moglie e il figlio del signor Fortune, che prima erano stati per lei concetti astratti. Vedere due persone innocenti che potrebbero essere molto ferite dai sentimenti che Peggy prova per il suo datore di lavoro (e lui per lei) le fa riconsiderare l’impropietà del loro rapporto di lavoro. Potrebbe essere il destino di Peggy diventare una grande scrittrice e continuare a influenzare cuori e menti con i suoi scritti intrepidi sulle sfide che le persone di colore hanno affrontato nell’età dell’oro.

Cosa significa per lei e Larry Russell il matrimonio annullato di Marian

Dashiell Montgomery è stato il pretendente di Marian per tutta la seconda stagione di The Gilded Age, ma è stato chiaro fin dall’inizio che, sebbene potesse essere un partner sensibile, non era quello giusto per Marian Brook. Lei ha dimostrato di avere una certa chimica con Larry Russell, ma i due sono stati tenuti separati a favore delle sue imminenti nozze. Dopo un’attenta riflessione, decide che non può sposare Dashiell in buona fede perché non è pronta a rinunciare alla sua carriera e a sistemarsi, lasciando a lei e Larry l’opportunità di corteggiarsi da qualche parte nella terza stagione.

La posta in gioco è molto alta per le giovani donne del livello sociale di Marian, e zia Agnes vuole assicurarle un futuro con un buon partito e un marito rispettabile. Sfortunatamente, Marian non si preoccupa molto delle regole della società e preferirebbe avere una carriera e nessuna prospettiva piuttosto che sposare la persona sbagliata che considera la sua vocazione frivola. Lei e Larry hanno una mentalità molto più artistica e sono desiderosi di cambiare il mondo, mentre il loro corteggiamento creerebbe ogni sorta di divertente melodramma tra Bertha Russell e Agnes Van Rhijn nella terza stagione di The Gilded Age.

Resident Alien – Stagione 3, la spiegazione del finale

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Resident Alien – Stagione 3, la spiegazione del finale

La terza stagione di Resident Alien, episodio 8, “Homecoming”, termina in modo ancora più drammatico rispetto al finale della seconda stagione di Resident Alien, con la serie Syfy che presenta tante risposte quante sono le domande sul destino dei suoi personaggi. Gran parte della terza stagione di Resident Alien si concentra sul piano dei Grigi per trasformare l’atmosfera terrestre, e “Homecoming” non esita a portare questa trama a una conclusione drammatica. Con Joseph che cambia schieramento all’ultimo secondo, Harry Vanderspeigle si ritrova con un alleato inaspettato nella sua missione per salvare il pianeta che ora chiama casa.

A parte i temi legati alla salvezza del pianeta, “Homecoming” riporta anche una versione migliorata del localizzatore alieno e mostra D’arcy che salva il bambino di Kate. Il colpo più duro dell’episodio arriva quando si scopre che il protagonista di “Resident Alien” è in qualche modo intrappolato a bordo della nave dei Grigi insieme a Bridget, una nave che si rivela essere stata camuffata da luna terrestre per tutto il tempo. Con lo sceriffo Mike ora coinvolto nella vicenda a causa della sua nuova rivelazione extraterrestre, sembra che l’intero cast di “Resident Alien” sia sulla stessa lunghezza d’onda, il che potrebbe essere fondamentale per il salvataggio di Harry.

Cosa significa l’imprigionamento di Harry da parte dei Grigi nel finale della terza stagione di Resident Alien

Harry avrà probabilmente bisogno di aiuto per fuggire dalla nave dei Grigi

Resident Alien inganna brillantemente il suo pubblico in “Homecoming” facendo sembrare che Harry sia tornato a casa sano e salvo con Asta e gli altri. La sua natura eccentrica rende difficile capire quando si comporta in modo insolito, perché comportarsi in modo insolito è semplicemente il suo modo di essere. Tuttavia, c’erano indizi come la sua reazione insensibile alla “morte” di Bridget e il rifiuto della torta gratuita che avrebbero dovuto essere un indizio evidente.

Alla fine, Harry e Bridget vengono mostrati imprigionati a bordo della nave dei Grigi. Insolitamente, probabilmente non sono stati nemmeno i Grigi a metterli lì. Quando Robert rientra nella mischia, spiega agli altri che il Mantide mutaforma nell’altra cella ha un modo per entrare nella mente degli altri. Pertanto, è probabile che Harry si sia avvicinato troppo al Mantide e che il cattivo dell’ultimo minuto di Resident Alien abbia usato questa abilità per convincere Harry a liberarlo e prendere il suo posto.

L’abilità del Mantide di trasformare il suo aspetto esteriore può ingannare molti degli abitanti di Patience, ma la serie dimostra che Max è in grado di vedere attraverso il travestimento del Mantide proprio come fa con quello di Harry. Inoltre, all’inizio dell’episodio viene stabilito che il Mantide ha tendenze omicide e che la sua razza ha una reputazione temibile. Quindi, il fatto che il Mantide ora conosca l’abilità di Max lo mette in grave pericolo.

La Luna è sempre stata la nave dei Grigi

La rivelazione ha enormi implicazioni per la tradizione di Resident Alien

Una delle rivelazioni più importanti nel finale della terza stagione di Resident Alien è il fatto che la nave dei Grigi è stata camuffata da luna per un periodo di tempo indeterminato. Non è chiaro se i Grigi abbiano distrutto la luna originale e preso il suo posto ad un certo punto o se la nave sia stata lì per tutta la storia dell’umanità. Entrambe le opzioni sono scenari terrificanti, poiché dimostrano il potere, la longevità e la determinazione degli alieni Grigi.

Gli altri Grigi rimangono i principali antagonisti dopo il cambio di schieramento di Joseph, ma “Homecoming” introduce anche i Mantid come nuovi cattivi di Resident Alien.

L’obiettivo principale di Harry durante la terza stagione di Resident Alien è stato quello di far saltare in aria la nave dei Grigi. Ora che lui e gli altri sanno che la nave è la luna della Terra, questa opzione è molto meno favorevole. Inoltre, i Grigi stanno anche nascondendo un gran numero di bambini umani, proprio come hanno tenuto prigioniero il bambino di Kate per così tanto tempo. D’arcy è l’unico personaggio che vede questo asilo alieno e lo ricorda, ma molto probabilmente passerà l’informazione ai suoi complici, rendendo il piano originale inutile fino a quando i bambini non potranno essere salvati.

Anche Kate Hawthorne vede l’asilo con D’arcy, ma i Grigi cancellano la memoria di Kate prima di riportarla sulla Terra.

Lo sceriffo Mike ottiene finalmente la prova concreta dell’esistenza degli alieni nel finale della terza stagione di Resident Alien

Mike non può più negare l’esistenza della vita extraterrestre

Probabilmente, Mike è il personaggio di Resident Alien che è cresciuto di più dall’inizio della serie. Tuttavia, una delle sue convinzioni più radicate in tutta la serie Resident Alien è che gli alieni appartengono esclusivamente al regno della finzione. Verso la fine di “Homecoming”, Mike vede per la prima volta uno dei Grigi quando lo mette al tappeto con un solo pugno in un edificio abbandonato.

Ora che Mike ha visto un alieno alla fine della terza stagione di Resident Alien, dovrebbe smettere di rimproverare continuamente gli altri perché credono negli UFO. Invece, Mike dovrà chiedere scusa a Liv e agli altri che ha ridicolizzato. Tuttavia, Mike è un uomo intelligente e un detective capace. Pertanto, essendo a conoscenza di ciò che sta succedendo, potrà intervenire e dare una mano invece di stare a guardare scuotendo la testa.

D’arcy salva il bambino degli Hawthorne dai Grigi

Il piano distruttivo di D’arcy ha preso una piega diversa nel finale della terza stagione di Resident Alien

I Grigi hanno rapito il bambino di Ben e Kate alla fine della seconda stagione di Resident Alien. Da allora, nessuno tranne i Grigi era a conoscenza dell’esistenza del bambino, finché Harry non ha aiutato Kate a ricordarsene alla fine dell’episodio 7 della terza stagione di Resident Alien, intitolato “Here Comes My Baby”. Quando D’Arcy ruba la bomba di Harry, è chiaro che il suo piano originale è quello di far saltare in aria la nave dei Grigi, ma questo va rapidamente in fumo quando viene catturata subito dopo aver attraversato il portale.

Il tema della genitorialità è stato messo sotto i riflettori molte volte durante gli otto episodi della terza stagione.

È una fortuna che D’arcy non abbia portato a termine il suo sacrificio, perché avrebbe causato la morte di molti giovani, tra cui il piccolo Hawthorne. Per fortuna, anche se Kate viene trattenuta mentre cerca di salvare suo figlio, il piano distruttivo di D’Arcy si trasforma in uno di salvezza quando lei prende il bambino e fugge. Il senso di insoddisfazione di D’arcy è emerso più volte nel corso della terza stagione di Resident Alien. Ora può stare a testa alta, sapendo di aver fatto la differenza per la famiglia Hawthorne salvando il loro membro più giovane.

Il finale della terza stagione di Resident Alien cambia il personaggio del cattivo

Il Mantide sembra essere un temibile antagonista

I Grigi sono stati i cattivi principali di Resident Alien per un po’ di tempo, con Joseph che era il volto “umano” del gruppo di cattivi extraterrestri. In “Homecoming”, Joseph si rende conto che i suoi superiori lo avrebbero lasciato morire una volta riuscito a modificare l’atmosfera terrestre per adattarla alla fisiologia dei Grigi. In quanto ibrido umano/Grigio, Joseph non sarebbe stato in grado di respirare la nuova aria terrestre proprio come gli esseri umani purosangue. Scoprendo questo, Joseph promette di aiutare Harry e lo fa sventando il piano dei Grigi sulla caldera di Yellowstone.

Gli altri Grigi rimangono i principali antagonisti dopo il cambio di schieramento di Joseph, ma “Homecoming” introduce anche silenziosamente il Mantid come nuovo cattivo di Resident Alien. L’insettoide alieno è un individuo violento, spaventosamente abile nel mutare forma e nella manipolazione mentale. Tuttavia, non è chiaro se il Mantid agisca da solo o come parte di un gruppo più grande. In ogni caso, ora che la caldera è inattiva, il Mantide rappresenta la minaccia più grande per Resident Alien.

Il vero significato del finale della terza stagione di Resident Alien

“Homecoming” rafforza i temi della genitorialità della terza stagione di Resident Alien

Al di là dei tropi fantascientifici, “Homecoming” consolida i temi della famiglia che hanno caratterizzato tutta la terza stagione di Resident Alien. In particolare, il tema della genitorialità è stato più volte messo in primo piano durante gli otto episodi della terza stagione. Uno degli esempi più evidenti che appare nel finale è Kate e Ben che cercano di salvare il loro bambino dai Grigi, così come Harry e Bridget che finalmente lavorano fianco a fianco invece di essere sempre in contrasto tra loro.

Anche altri personaggi hanno lottato con il concetto di genitorialità durante la terza stagione di Resident Alien, tra cui Asta, D’arcy e persino l’arco narrativo di Liv con sua nonna potrebbe rientrare in questa categoria. Tuttavia, uno dei riferimenti più sottili all’atto di essere genitori è il ritorno di Robert in “Homecoming”. In quanto figlio di Peter Bach, il cacciatore di alieni recentemente tornato e potenziato, Harry ha cercato di fare da genitore a Robert quando Peter era creduto morto. Non è finita particolarmente bene, ma il ritorno di Robert per aiutare Harry nella terza stagione di Resident Alien è una coincidenza troppo grande per essere ignorata.

Come è stato accolto il finale della terza stagione di Resident Alien

I fan e la critica hanno adorato il finale mozzafiato

Resident Alien è stato un incredibile successo per Syfy sin dal suo debutto nel 2021, e questo non è cambiato con il finale della terza stagione, che è stato accolto con nuovi elogi universali da parte dei fan e della critica. La terza stagione di Resident Alien ha ottenuto un punteggio del 92% su Rotten Tomatoes, con “Homecoming” che ha ottenuto un punteggio di 8,2/10 su IMDb. Resident Alien stagione 3 è stata accolta molto bene fin dal primo episodio, e il finale pulito e ben strutturato ha fatto sì che gli ascolti rimanessero alti anche dopo la messa in onda del finale nell’aprile 2024.

Oltre ai numerosi colpi di scena, ai ribaltamenti e agli sviluppi della trama (tutti accolti molto bene), molti spettatori e recensioni professionali hanno elogiato l’azione ad alta intensità del finale della terza stagione di Resident Alien. È stato anche regolarmente sottolineato il grande successo ottenuto da Syfy Resident Alien e l’ottimo lavoro svolto dal team creativo nel mantenere la storia avvincente anche dopo tre stagioni. Ad esempio, Carissa Pavlica di TV Fanatic scrive:

“Syfy non ha avuto un successo così grande da anni, e non è facile creare una serie di questa portata o mantenerne lo slancio. Qui ci sono riusciti egregiamente”.

Pavlica ha poi fatto eco alle opinioni di molti fan accaniti di Resident Alien, che festeggiavano il fatto che, dopo la fine della terza stagione, la serie fosse arrivata al punto più interessante fino a quel momento:

Incrociamo le dita per un rapido rinnovo e un calendario di produzione ancora più veloce. Siamo al settimo cielo! Gli alieni sono ovunque! Harry e Bridget devono essere salvati! Gli Hawthorne hanno una figlia! E ci sono un sacco di Grigi incazzati che probabilmente vogliono assaporare il dolce gusto della vendetta.

Tutto sommato, si può dire che il finale della terza stagione di Resident Evil è stato un degno addio al terzo capitolo della storia. È stato un intrattenimento solido e accattivante, che ha contenuto anche molti sviluppi importanti della trama: un ottimo equilibrio che molte serie non riescono a raggiungere.

Come il finale della terza stagione di Resident Alien prepara la quarta stagione

Le basi per il prossimo capitolo della storia sono state chiaramente gettate

Per quanto il finale della terza stagione di Resident Alien sia stato sbalorditivo e da cardiopalma, una fonte fondamentale di eccitazione per i fan è stata anche la way in which ha preparato la quarta stagione. Anche se non c’è ancora una data di uscita per la quarta stagione di Resident Alien, è stato confermato che la serie passerà da Syfy a USA Network quando tornerà (il che potrebbe avvenire già nel 2025). Non ci sono ancora conferme su cosa comporterà la trama della quarta stagione di Resident Alien, anche se il finale della terza stagione ha lasciato molti indizi.

L’indizio più evidente sulla trama della quarta stagione di Resident Alien è che la luna è segretamente la base dei Grigi. Non è esagerato dire che questa è stata la rivelazione più importante di “Homecoming” e che le conseguenze per la serie (e forse anche per l’umanità stessa) sono enormi. Qualunque cosa ci aspetti nella stagione 4 di Resident Alien, il fatto che la luna sia la nave dei Grigi dovrà essere affrontato come uno dei punti più importanti della trama, soprattutto perché Harry e Bridget erano ancora lì alla fine di “Homecoming”.

Tuttavia, non sono solo le ramificazioni per la trama della serie ad essere state preparate dal finale della terza stagione di Resident Alien.Ci sono anche molti archi narrativi incentrati sui personaggi per la quarta stagione che “Homecoming” ha accennato. A parte la presenza di Harry e Bridget nello spazio, ci sono anche sviluppi come lo sceriffo Mike che finalmente ha prove concrete dell’esistenza degli alieni. Questo avrà sicuramente un impatto sul suo personaggio quando Resident Alien tornerà, anche se resta da vedere esattamente in che modo. Questo e molti altri sviluppi sono il motivo per cui “Homecoming” e il finale della terza stagione di Resident Alien sono stati così ben accolti, poiché non c’è stato quasi nessun momento che non abbia chiaramente definito la traiettoria narrativa della quarta stagione.

Broken Rage: recensione del film di e con Takeshi Kitano

Agnese Albertini
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Broken Rage: recensione del film di e con Takeshi Kitano

Dopo la presentazione in anteprima alla Mostra del Cinema di Venezia 2024, arriva su Prime Video Broken Rage, nuovo esperimento dell’eclettico attore, regista e provocatore giapponese Takeshi “Beat” Kitano che offre, sostanzialmente, due film in uno, mettendo in scena una delle sue tipiche beffe che, a uno sguardo più attento, si rivela essere la più grande di tutte: uno scherzo infinito.

Un racconto decisamente sui generis

Un sicario riceve un incarico. Lo porta a termine. E si ricomincia. Un sicario riceve lo stesso incarico. E lo esegue di nuovo. Kitano ci regala prima un thriller e poi una commedia esilarante. In realtà, consegna la più folle e geniale riflessione sul cinema che un festival potesse immaginare proprio nel giorno della sua chiusura (ci riferiamo alla presentazione in anteprima a Venezia 2024).

Con Broken Rage, il regista giapponese ha presentato fuori concorso al Lido un esperimento irresistibile, un concentrato di un’ora che sintetizza la sua carriera. Come un disco antologico con un lato A e un lato B: prima il Kitano nei panni di un sicario laconico, brutale e implacabile, un gangster in pensione che sembra uscito da un film di Bresson; poi il Kitano di Mai dire Banzai, che distrugge la propria immagine iconica con ironia, il genio folle che fa ciò che vuole senza curarsi di nulla.

Interpretando un sicario che crolla sotto la pressione della polizia, Kitano trova la comicità sovvertendo le aspettative. La sua sceneggiatura gioca con un genere familiare, mantenendo però quel tanto di logica necessario a dare un ancoraggio alle derive più assurde. Senza cambiare nulla se non il tono, trasforma la tensione in comicità grazie a una conoscenza approfondita di ciò che cattura il pubblico.

L’ultima grande follia di Kitano

Conosciuto con il soprannome di “Beat” Takeshi, Kitano ha guadagnato fama mondiale come creatore e conduttore dello storico programma televisivo Takeshi’s Castle – in poche parole, giapponesi che subiscono colpi esilaranti. Successivamente, si è affermato come un autore venerato dalla cinefilia grazie a film magistrali sulla yakuza come Sonatine (1993) e soprattutto Hana-bi (1997), con cui vinse il Leone d’Oro a Venezia. Da allora, Kitano ha spesso unito nel suo cinema le due anime della sua carriera, commedia e ultraviolenza, ma forse non lo aveva mai fatto con tanta efficacia come in Broken Rage.

Regista inclassificabile e versatile – è anche pittore, conduttore televisivo e comico – ha dimostrato di saper eccellere in tutti i generi cardine del cinema giapponese, dal yakuza eiga al melodramma, fino al chambara. A lungo idolatrato e pluripremiato in Europa, a differenza del suo stesso paese (dove il pubblico ha faticato a separare il Beat Takeshi comico televisivo dal cineasta Kitano), ha però subito un notevole calo di consenso in Occidente dal 2010, quando ha presentato in concorso a Cannes il primo capitolo della sua trilogia, Outrage Coda. Il film fu accolto con freddezza sia dalla critica che dai festivalieri, tanto che tra gli appassionati di Kitano è considerato un fallimento che segna l’inizio del suo declino artistico. Con il suo tono più realistico, le lunghe scene dialogate e uno sguardo cinico e disilluso sulla società giapponese, Outrage abbandonava il lirismo e le rotture di tono tipiche della sua filmografia. Tuttavia, la trilogia non rappresenta affatto una deviazione accidentale, bensì una brillante reinvenzione dei temi kitaniani, in cui il regista smonta in modo quasi masochistico alcuni dei codici che lui stesso aveva contribuito a rendere celebri.

Una geniale autoparodia e riflessione meta

Come dicevamo, nella sua prima metà Broken Rage è un classico thriller criminale: un sicario è costretto a collaborare con la polizia per eliminare una banda di mafiosi. Successivamente, la storia prende una svolta inaspettata e si trasforma in un’autoparodia. Kitano racconta la stessa vicenda, ma con un’ironia incredibilmente affilata, prendendo in giro le molteplici identità che ha assunto come attore nel corso della sua carriera.

Kitano sfrutta questa struttura per riflettere sul cinema stesso, inserendo momenti di metacinema in cui commenta il suo lavoro e il panorama cinematografico attuale. Prende in giro la tendenza dei film festivalieri a durare troppo a lungo e gioca con il concetto di budget ridotto, sostituendo una scena d’azione con un gioco di sedie musicali e realizzando una delle sequenze di inseguimento in auto più anti-spettacolari di sempre. Il tutto con una consapevolezza e un’ironia che mostrano un Kitano in grande forma, capace di rinnovarsi e sorprendere. Il risultato è un’ora di cinema che zittisce chiunque lo desse per finito e che riesce a far ridere anche lo spettatore più impassibile. Una pellicola alla quale i fan possono rispondere con una sola parola: grazie.

The Handmaid’s Tale – Stagione 6: teaser trailer della sesta stagione svela l’esercito di ancelle di June e la ribellione di Gilead

Redazione
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The Handmaid’s Tale – Stagione 6: teaser trailer della sesta stagione svela l’esercito di ancelle di June e la ribellione di Gilead

È stato presentato il trailer ufficiale della sesta stagione di The Handmaid’s Tale. Basata sul romanzo distopico di Margaret Atwood, la serie di successo di Hulu è stata un dramma avvincente e politico fin dal suo debutto nel 2017. The Handmaid’s Tale – Stagione 6 segue June (Elisabeth Moss) mentre resiste all’oppressivo regime di Gilead, una società totalitaria del prossimo futuro che schiavizza le donne come ancelle partorienti. In cinque stagioni, la serie ha ricevuto 15 Emmy Awards. Per il suo capitolo finale, la sesta stagione di The Handmaid’s Tale è prevista per l’8 aprile.

Ora, Hulu ha rilasciato un nuovo trailer di The Handmaid’s Tale – Stagione 6, che mostra June che prepara il suo esercito di ancelle per la guerra contro Gilead. A un certo punto, June dichiara: “Il vestito è diventato la nostra uniforme. E siamo diventate un esercito”, mentre le vittime velate del regime diventano la sua più grande minaccia. Insieme agli scorci di Moira (Samira Wiley), Luke (O-T Fagbenle) e Nick (Max Minghella), il trailer anticipa la resa dei conti quando la lotta per la libertà raggiunge il suo apice. Guardate il video qui sotto:

Cosa significa il trailer della sesta stagione di The Handmaid’s Tale

Con l’esercito di ancelle di June che sta formando una vera e propria ribellione, il capitolo finale di The Handmaid’s Tale è impostato su una guerra che va oltre i loro piccoli atti di sfida. Dopo un culmine di sofferenza e pianificazione, June e i suoi alleati sembrano pronti a portare la loro lotta direttamente alla leadership di Gilead. Il finale della quinta stagione di Handmaid’s Tale ha portato June e Serena (Yvonne Strahovski) insieme sullo stesso treno in partenza da Toronto, suggerendo l’inizio di un’improbabile alleanza.

15 anni dopo gli eventi dello show originale, il seguito della serie dovrebbe concentrarsi su un altro gruppo di donne di Gilead, con Ann Dowd che riprenderà il suo ruolo di zia Lydia. Aggiornamenti significativi su The Testaments potrebbero arrivare solo dopo la conclusione della sesta stagione, rendendo il 2026 un anno importante per il futuro dell’universo di The Handmaid’s Tale.

September 5: recensione del film di Tim Fehlbaum

Chiara Guida
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September 5: recensione del film di Tim Fehlbaum

Il sogno di ogni giornalista è trovarsi nel posto giusto al momento giusto, avere lo scoop e una posizione privilegiata per raccontare una storia epocale, tutto quello che accade in September 5 alla squadra della American Broadcasting Company (ABC). Ma gli eventi del 5 settembre 1972, l’attacco del gruppo terroristico Settembre Nero e la crisi degli ostaggi alle Olimpiadi di Monaco, non erano certo la storia che la troupe si aspettava di dover raccontare. Il thriller diretto da Tim Fehlbaum, ci porta dietro le quinte della redazione, intrecciando abilmente scene drammatizzate con autentici filmati d’archivio della trasmissione di quel giorno della ABC. Il risultato è un’opera cinematografica tesa e coinvolgente che mette in primo piano il ruolo dei media nel documentare eventi storici in tempo reale, ma problematizza anche l’etica di un lavoro di cui oggi sembra si sia persa ogni misura.

La storia di September 5 da una prospettiva inedita

A differenza dell’approccio spettacolare e denso di azione adottato da Steven Spielberg in Munich (2005), September 5 si concentra esclusivamente sul giornalismo e sul modo in cui la notizia viene costruita. La regia di Fehlbaum, dinamica e nervosa, utilizza prevalentemente la camera a mano, i piani molto stretti, per immergere lo spettatore nella frenesia di una redazione alle prese con una situazione senza precedenti. La tensione è palpabile, quasi fisica, e lo spettatore percepisce la pressione crescente che subiscono i giornalisti che si trovano improvvisamente a dover raccontare una tragedia in diretta.

Il film si regge su un cast di attori straordinari, tra cui spicca Peter Sarsgaard nel ruolo di Roone Arledge, il veterano della ABC che gestisce con lucidità e fermezza una situazione fuori controllo. John Magaro, recentemente visto in Past Lives, interpreta Geoffrey Mason, un giovane produttore che si trova improvvisamente al centro dell’azione, al suo banco di prova con la serie A, mentre Leonie Benesch brilla nei panni di Marianne Gebhardt, un’assistente di studio tedesca che si dimostra essenziale grazie alla sua conoscenza dell’ebraico e del tedesco, ma offre anche il punto di vista dei “padroni tedeschi” in una Germania che aveva voglia di apparire buona agli occhi del mondo. Le interpretazioni concentrate riescono a rendere lo stress dei personaggi, la loro determinazione e i loro dilemmi morali con grande efficacia.

Un campo minato tra etica e professione

Uno degli aspetti più affascinanti di September 5 è il modo in cui esplora il giornalismo televisivo dell’epoca. Fehlbaum ci mostra un mondo analogico, dove telecamere ingombranti, problemi tecnici e difficoltà logistiche rappresentano ostacoli quotidiani e mettono alla prova la volontà di chi insegue le notizie. Il film mette in luce il ruolo dell’informazione come campo minato etico e professionale: come si copre un evento del genere senza cadere nel sensazionalismo? Quali immagini trasmettere, consapevoli che verranno viste da persone coinvolte in prima persona in eventi tragici (i parenti degli ostaggi)? Qual è il confine tra cronaca e spettacolarizzazione della tragedia? Domande ancora oggi attuali, che rendono il film particolarmente rilevante nell’era della disinformazione e delle fake news.

La fotografia di Markus Förderer contribuisce a creare un’estetica che richiama l’epoca, con l’uso di obiettivi vintage e riprese traballanti che aumentano il senso di urgenza. Inoltre, l’integrazione dei filmati d’archivio con le scene girate conferisce al film un senso di autenticità, e aumentato la sensazione di “verità” di ciò che stiamo guardando.

September 5 gode di una indiscutibile efficacia narrativa, e da un punto di vista dello spettacolo forse paga un prezzo ben preciso per la scelta di mantenere l’azione all’interno della redazione, che lascia fuori dal quadro alcuni degli aspetti più complessi, e forse più succulenti per lo spettatote, della crisi degli ostaggi. Il film si concentra dichiaratamente sulle difficoltà del giornalismo, e tralascia il contesto politico più ampio, le tensioni internazionali e le ripercussioni a lungo termine dell’attacco. Questa decisione potrebbe risultare limitante per chi cerca un’analisi più approfondita dell’evento, ma aiuta a mantenere una narrazione focalizzata e compatta.

Un’atmosfera elettrica ad alta tensione

Proprio grazie a questa messa a fuoco così precisa su ciò che vuole raccontare, il film offre una straordinaria capacità di catturare la tensione del momento. Gli scontri tra Arledge e i dirigenti della rete, la lotta per ottenere le immagini più esclusive, la necessità di bilanciare informazione e rispetto per le vittime: tutto questo contribuisce a creare un’atmosfera elettrica che tiene lo spettatore incollato allo schermo. Complice anche una sceneggiatura (nominata agli Oscar 2025) preziosa.

September 5 è un’opera potente, un tributo al giornalismo e alla sua importanza nel documentare la storia. La regia di Tim Fehlbaum, il montaggio serrato e le interpretazioni eccellenti fanno di questo film una delle più riuscite rappresentazioni cinematografiche del mondo dell’informazione. Un film da osservare con attenzione, da studiare per l’eco che alcuni aspetti della storia e del punto di vista adottato per raccontarla hanno nella contemporaneità.

Tornando a Est: recensione del film di Antonio Pisu

Gianmaria Cataldo
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Tornando a Est: recensione del film di Antonio Pisu

Nel 2020 esce al cinema Est – Dittatura Last Minute, opera seconda di Antonio Pisu, un road movie liberamente ispirato al racconto Addio Ceausescu, di Maurizio Paganelli e Andrea Riceputi. Un film distintosi come un piccolo gioiello nella cinematografia italiana degli ultimi anni, proponendo un racconto divertente ma anche malinconico ed emotivamente forte su un mondo sull’orlo del cambiamento, il tutto visto attraverso gli occhi increduli di tre giovani a loro volta prossimi a grandi novità. Cinque anni dopo, ecco arrivare in sala un sequel di quel film, Tornando a Est, scritto e diretto anch’esso da Pisu.

 

Ma cosa proporre per un seguito di un’opera autoconclusiva come quella del 2020, in cui la commedia e il dramma si bilanciavano in modo squisito, con la musica di Franco Battiato ad accompagnare immagini della grigia situazione vissuta in Romania in quei difficili anni? Saggiamente, Pisu evita l’effetto déjà vu spostando il proprio interesse verso un racconto macchiato da tinte più thriller, tra spie, corruzione e criminalità. Il tutto vissuto però sempre attraverso gli occhi dei tre protagonisti conosciuti già nel precedente film, grazie ai quali possiamo fare nuovamente esperienza dell’infrangersi di quelle illusioni di un mondo migliore.

La trama di Tornando a Est

È il 1991. Dopo la caduta del muro di Berlino, le tensioni internazionali sembrano essersi allentate. Molte operazioni di spionaggio continuano però a svolgersi nell’ombra. Il SISMI (Servizio Informazioni Sicurezza Militare Italiana) è sulle tracce di Natalino Franchi (Cesare Bocci) e Luigi Rampelli, i quali grazie alla loro posizione di prestigio all’interno dell’Aeronautica Militare Italiana, rivendono informazioni sensibili ai servizi segreti bulgari e al KGB. Pago (Matteo Gatta), Rice (Lodo Guenzi) e Bibi (Jacopo Costantini) sono invece tornati alle loro vite a Cesena dopo il viaggio in Romania di qualche anno prima.

Pago continua il suo lavoro di guida turistica, Rice lavora ora presso una piccola banca, mentre Bibi ha da ormai sei mesi una relazione epistolare con una ragazza bulgara di nome Yuliya (Alexandra Vale) che non ha però mai incontrato e che aiuta economicamente inviandole saltuariamente piccole somme di denaro. Incoraggiato dagli amici, parte insieme a Pago e Rice per un viaggio verso Sofia proprio con l’intento di conoscere finalmente la ragazza. Yuliya, però, nasconde un pericoloso segreto, che metterà in serio pericolo i tre ragazzi, che si vedranno così nuovamente coinvolti in una serie di sfortunate coincidenze.

Tornando a Est ci racconta di un mondo diviso e complicato

Come accennato, il grande pregio di Est – Dittatura Last Minute stava nel suo coniugare con grande sensibilità la spensieratezza e la comicità intrinseca dei tre protagonisti con un contesto quantomai drammatico, dove povertà e paura sembravano essere le sole forze dominanti. Pisu ha costruito con grande abilità un’atmosfera che via via si fa più soffocante, portando i protagonisti e noi spettatori con loro a dover prendere consapevolezza degli orrori che sono avvenuti (e avvengono) a poca distanza da noi. Un film che per certi aspetti ha anticipato il ripresentarsi di certe dinamiche, ancora oggi in vigore.

Con Tornando a Est, invece, l’obiettivo si allarga, andando a riflettere sul mondo post crollo del muro di Berlino. Un evento che si credeva potesse essere il segno tangibile di un mondo che si riscopriva unito e aperto alla fratellanza tra popoli. Purtroppo, come ben sappiamo, così non è stato e anzi nel tempo sono andati ad accentuarsi i confini da non oltrepassare, la paura dello straniero e la volontà di ritirarsi in un individualismo collettivo che non fa che rendere più vulnerabili. Concentrandosi sul viaggio in Bulgaria dei tre protagonisti, il film propone dunque queste e altre riflessioni, tra cui il non potersi fidare di nessuno in contesti simili.

Questioni qui affrontate attraverso dinamiche da thriller di spionaggio, con una vicenda che si svela più complessa rispetto a quella del precedente film proprio perché più complessi i tempi che va a raccontare. Ancora una volta, dunque, il regista fa delle vicende di questi tre ragazzi la base di partenza per un racconto che ha più di qualcosa da dire sul nostro oggi, affidandosi ad una coerenza nei toni e nelle atmosfere che permette anche qui di ritrovare ciò che tanto aveva convinto di Est – Dittatura Last Minute.

Squadra che vince non si cambia

Ma al di là delle novità proposte da questo sequel, vale anche il detto “squadra che vince non si cambia”. È quindi un piacere rivedere Lodo Guenzi, Matteo Gatta e Jacopo Costantini nei ruoli dei tre protagonisti, personaggi che ritroviamo con nuove consapevolezze sulle spalle ma anche pesi dell’età adulta da dover gestire. I tre sfoggiano anche stavolta una sintonia di gruppo che permette a Tornando a Est di poter contare su un trio divertente e spontaneo, dimostrandosi però anche convincenti nei momenti di maggior tensione e drammaticità. In particolare, sui loro volti ritroviamo quei sogni e speranze in parte ammaccati dal passare del tempo ma ancora in grado di restare in piedi.

Non si può però non menzionare l’ingresso in questo sequel di Cesare Bocci (celebre interprete di serie come Il commissario Montalbano e Imma Tatarani – Sostituto procuratore), che si mette alla prova con un personaggio ambiguo, misterioso, dotato indubbiamente di un carisma tutto suo. Diverte però in particolare il suo ricorrere a proverbi e aforismi, reinterpretandoli spesso a modo suo. Una caratterizzazione che ci regala un personaggio che dunque ben si inserisce nel folle contesto ideato da Pisu, per un film che si conferma un esperimento riuscito.

LEGGI ANCHE: Tornando a Est: intervista all’attore Cesare Bocci

Il colore delle magnolie 4: le 8 maggiori differenze rispetto ai libri

Redazione
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Il colore delle magnolie 4: le 8 maggiori differenze rispetto ai libri

Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias), la serie preferita dai fan di Netflix, ha appena pubblicato la quarta stagione e la nuova stagione ha rivelato importanti cambiamenti rispetto ai libri di Sweet Magnolias. Il colore delle magnolie si basa sull’omonima serie di libri scritta da Sherryl Woods. Molti dei personaggi di Sweet Magnolias sono presenti anche nei libri (anche se non tutti), ma le loro storie hanno iniziato ad assumere un aspetto molto diverso man mano che lo show di Netflix ha rilasciato altre stagioni.

Il finale della quarta stagione di Il colore delle magnolie, in particolare, ha rivelato alcune importanti deviazioni dagli archi narrativi originali di Sweet Magnolias nei libri. Tuttavia, anche all’inizio di questa nuova stagione, Il colore delle magnolie ha incluso alcuni colpi di scena davvero scioccanti che hanno cambiato notevolmente i libri. Questi 8 punti della trama della quarta stagione di Il colore delle magnolie rappresentano i maggiori cambiamenti che lo show ha apportato ai libri in questa stagione.

La trama di Isaac non esisteva nei libri

Isaac è il figlio segreto di Bill su Netflix, ma questa storia è nuova

Isaac è stato scioccamente rivelato essere un altro figlio di Bill Townsend, oltre ai tre figli di Maddie, Ty, Kyle e Katie, e alla figlia di Noreen, Bex. Dato che Isaac era un po’ più grande, però, questo è stato probabilmente uno scandalo ancora più grande di quando Bill ha avuto una relazione con Noreen. Forse per questo motivo, pochissime persone, anche nella quarta stagione, avevano idea che Isaac fosse il figlio di Bill. La situazione è cambiata improvvisamente quando Bonnie, la madre di Bill, ha dichiarato la verità di fronte a una stanza piena di abitanti di Serenity.

Nonostante tutti i drammi che questa parentela ha provocato in Il colore delle magnolie, Isaac non era affatto un personaggio dei libri. Isaac è stato inventato per lo show di Netflix, il che significa che tutte le storie relative a Isaac sono esistite solo nello show. Questo include la relazione di Isaac con Bill, naturalmente, ma anche il suo rapporto con Michael, la sua amicizia con Noreen e il suo lavoro nella cucina di Dana Sue. Sembra inoltre che Isaac si stia avvicinando sempre di più ai tre figli di Maddie e Bill.

Isaac è stato inventato per lo show di Netflix, il che significa che tutte le trame relative a Isaac sono esistite solo nello show.

La lotta di Annie contro i disturbi alimentari non è al centro dello show

Questa trama straziante è una parte importante dei libri di Sweet Magnolias

Annie, la figlia di Dana Sue, è un personaggio importante sia nei libri che nello show, ma il suo arco caratteriale è cambiato parecchio nella serie Netflix. In particolare, nei libri di Il colore delle magnolie, Annie lotta con un disturbo alimentare e questo è un punto importante della trama. Il colore delle magnolie ha evidentemente scelto di non concentrarsi su questa storia, poiché l’arco narrativo di Annie si è invece concentrato sul suo complesso rapporto con il padre (che è notevolmente migliorato nel corso delle stagioni), sulla sua storia d’amore con Ty e sulla sua passione per la fotografia.

Questo non vuol dire però che questa trama non sarà mai presente nello show. La quinta stagione di Il colore delle magnolie  è ancora stata confermata, ma molti sperano che Netflix rinnovi lo show per una seconda stagione. Se lo show verrà rinnovato, è possibile che questa trama dei libri venga utilizzata nella nuova stagione o in eventuali stagioni future. Sembra alquanto improbabile che ciò accada, poiché si tratterebbe di un cambiamento significativo per il personaggio, ma non è da escludere.

Noreen rimane a Serenity solo nella serie Netflix

Noreen diventa un personaggio importante nella serie, ma non era così nei libri

Nella serie Netflix di Il colore delle magnolie, Noreen finisce per mettere radici a Serenity e sviluppare un rapporto di amicizia con Maddie e i suoi figli, il che rappresenta un importante allontanamento dalla sua storia nei libri. Nei libri di Sweet Magnolias , Noreen torna a casa nel Tennessee dopo la relazione con Bill e vi rimane. Anche se si tratta di un cambiamento meno significativo, nei libri Noreen ha anche un figlio e non una figlia.

Questo cambiamento, con la permanenza di Noreen a Serenity, ha rimodellato completamente non solo il personaggio di Noreen, ma anche gli altri personaggi principali. In particolare, questa trama ha rappresentato un punto di crescita per Maddie, che è passata dal (comprensibile) risentimento per Noreen alla sua accettazione e persino all’accoglienza nella famiglia in molti modi. Noreen è diventata sempre più importante anche in Serenity, facendo amicizia con Isaac e lavorando nell’assistenza all’infanzia.

Ty non è andato in tournée in Europa nei libri

Questa storia sta per avere importanti implicazioni per lo show di Netflix

Tra le principali rivelazioni della quarta stagione di Il colore delle magnolie c’è stata la grande opportunità di carriera di Ty, che ha deciso di andare in tour in Europa come apripista per un’altra band. Questo è un cambiamento importante rispetto alla storia di Ty nei libri e ha influenzato direttamente la decisione di Annie su Ty nella quarta stagione. Nei libri, Ty si dedica al baseball e alla fine gioca per gli Atlanta Braves.

Resta da vedere cosa significherà questo cambiamento di carriera per la storia di Ty in Il colore delle magnolie, soprattutto alla luce della sua relazione con Annie. Nel primo episodio della quarta stagione, Ty e Annie sono finalmente diventati una coppia ufficiale. Alla fine della quarta stagione, però, a Ty è stata data questa opportunità e Annie è stata ammessa alla scuola dei suoi sogni in California, mandandoli a migliaia di chilometri di distanza in direzioni opposte. Inizialmente sembravano entrambi felici l’uno dell’altra, ma quando Ty ha chiesto ad Annie di rimandare l’iscrizione e di raggiungerlo in tournée, Annie ha messo fine alla relazione.

Resta da vedere cosa significherà questo cambiamento di carriera per la storia di Ty in Il colore delle magnolie, soprattutto alla luce della sua relazione con Annie.

Nei libri di Sweet Magnolias , Ty e Annie finiscono per sposarsi, e ora non è chiaro se lo show di Netflix seguirà questa trama. Vale la pena notare che Annie rimane a Serenity anche nei libri, il che significa che l’intera storyline dello show ha apportato diversi cambiamenti importanti alla relazione tra Annie e Ty nei libri. Se lo show verrà scelto per una quinta stagione, sarà interessante vedere cosa succederà a questa storia.

Maddie e la suocera non si odiano nei libri

Le tensioni tra Maddie e Bonnie sono alte nella quarta stagione

Una delle più grandi schermaglie della quarta stagione di Il colore delle magnolie è quella tra Maddie e sua suocera, Bonnie. Durante il primo episodio della quarta stagione, è chiaro che Maddie e Bonnie non vanno d’accordo, dato che lei, Dana Sue e Helen scherzano sul fatto che Bonnie apparirà se pronunceranno il suo nome tre volte. La portata del loro disprezzo reciproco diventa chiara quando Bonnie arriva nell’episodio successivo per rivelare la scioccante notizia della morte di Bill. Alla luce della tragedia, Maddie tenta di fare la brava, ma Bonnie diventa sempre più aggressiva.

L’astio tra Maddie e Bonnie giunge al culmine dopo il funerale di Bill, quando Maddie prende la mano di Bonnie appena prima che questa la colpisca in faccia. Questo avviene dopo che Bonnie ha fatto commenti quasi continui su come Maddie, i suoi figli e vari altri personaggi non stiano piangendo Bill in modo adeguato. È interessante notare che nei libri di Sweet Magnolias non esiste questa tensione tra Maddie e Bonnie. Bill è poco presente nei libri, quindi lo stesso vale per sua madre.

Nei libri di Sweet Magnolias , questa tensione tra Maddie e Bonnie non esiste.

Il matrimonio di Cal e Maddie non è una sorpresa nella storia originale

La decisione di Maddie di sposarsi ha causato delle fratture tra le migliori amiche della serie

L‘episodio 1 della quarta stagione di Il colore delle magnolie si è concluso in modo scioccante non solo per il pubblico, ma anche per molti personaggi. Cal e Maddie organizzano quella che quasi tutti credono essere una festa di Halloween, ma che in realtà è il loro matrimonio. Questo porta a una rara frattura tra Maddie e le sue migliori amiche, Helen e Dana Sue, perché si sono sentite colte di sorpresa ed escluse.

Questo problema, tuttavia, non si pone nei libri, perché nei libri di Il colore delle magnolie il matrimonio di Maddie e Cal non è una sorpresa. Al contrario, il loro fidanzamento e il loro matrimonio sono piuttosto convenzionali, con il coinvolgimento dei migliori amici di Maddie. Questa è stata una scelta un po’ strana per lo show di Netflix, non solo perché era fuori dal personaggio di Maddie, ma anche perché era abbinata a un salto temporale di un anno che saltava il fidanzamento di Cal e Maddie. Il fatto che Helen e Dana Sue abbiano avuto reazioni probabilmente egocentriche al matrimonio ha reso il tutto ancora peggiore.

Maddie non si trasferisce a New York City nei libri

Questa rivelazione della quarta stagione lascia in sospeso il futuro dello show

Una delle rivelazioni più scioccanti della quarta stagione, e una delle principali deviazioni dai libri di Sweet Magnolias , è la notizia che Maddie si trasferirà a New York. Nonostante Il colore delle magnolie sia incentrato esclusivamente sulla piccola città di Serenity, nella Carolina del Sud, la storia di Maddie ha preso una piega sorprendente proprio alla fine della quarta stagione, con l’annuncio che ha accettato un lavoro da editrice a New York. Questa trama per Maddie non esisteva nei libri, il che ha lasciato una serie di enormi domande senza risposta dopo la quarta stagione.

È difficile immaginare Serenity senza Maddie, ma è ancora più difficile immaginare che Sweet Magnolias si divida tra Serenity e New York, soprattutto perché questo significherà che le tre migliori amiche non condivideranno più lo schermo insieme (almeno non così spesso). Inoltre, non è chiaro se la famiglia di Maddie si trasferirà con lei, il che cambierebbe ulteriormente la serie. Con la quinta stagione non confermata e un cambiamento così massiccio – che non ha seguito affatto i libri – sarà interessante vedere se/come lo show continuerà.

È difficile immaginare Serenity senza Maddie, ma è ancora più difficile immaginare Il colore delle magnolie che si divide tra Serenity e New York.

Bill Townsend non muore nei libri

Bill è un personaggio molto minore nei libri di Sweet Magnolias

Il più grande shock della quarta stagione è la rivelazione che Bill Townsend è morto improvvisamente. Bill non era uno dei personaggi preferiti dai fan, alla luce della sua relazione con Noreen e del trattamento riservato a Noreen e Maddie. Si era anche messo con Kathy, la sorella spesso difficile di Ronnie (che non compare nei libri), il che non lo ha aiutato a diventare più simpatico. Tuttavia, è stato davvero sorprendente e tragico che sia morto in giovane età e apparentemente dal nulla.

Questo è un altro grande cambiamento rispetto ai libri, perché non solo Bill non è morto nei libri, ma è stato a malapena presente nei libri. C’era tensione a causa del divorzio di Maddie da Bill e della sua nascente storia d’amore con Cal, ma Bill non era certo un personaggio principale nei libri, soprattutto dopo la separazione da Maddie. Sembra che questa scelta sia stata fatta nello show di Netflix per offrire una sorta di colpo di scena importante con cui i personaggi dovessero confrontarsi e crescere nella nuova stagione.

Purtroppo per Bill, l’impatto sui personaggi principali, compresi i suoi figli, è stato minimo. I ragazzi erano chiaramente dispiaciuti per la scomparsa del padre, ma, come ha sottolineato la stessa Bonnie, il loro processo di elaborazione del lutto non è stato quello che ci si aspetterebbe. Sebbene questa sia stata una delle trame più sorprendenti della quarta stagione di Il colore delle magnolie e l’allontanamento più significativo dai libri nella nuova stagione, è purtroppo improbabile che la morte di Bill abbia un impatto troppo significativo in futuro.

Entrevías – Stagione 4, spiegazione del finale: cosa è successo a Ezequiel?

Redazione
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Entrevías – Stagione 4, spiegazione del finale: cosa è successo a Ezequiel?

L’ultima stagione di Entrevías (Wrong Side of the Tracks) porta con sé la sua dose di dramma, emozioni e conflitti, mentre Tirso e la sua famiglia imparano il vero valore della perseveranza. La trama centrale ruota attorno alla vendetta, poiché Tirso è disposto a tutto pur di assicurare alla giustizia Romero, il poliziotto senza scrupoli che nella stagione precedente ha ucciso sua nipote Irene, ma la narrazione è molto più complessa di quanto possa suggerire questa premessa semplicistica. Ogni personaggio della serie con cui gli spettatori hanno instaurato un legame nel corso delle ultime tre stagioni trova una conclusione adeguata alla fine del proprio arco narrativo, il che rende il finale della storia di Tirso ancora più gratificante.

Tirso ha trovato la pace alla fine di Entrevías – Stagione 4?

Tirso è diventato un uomo diverso durante il periodo in cui Irene ha vissuto con lui a Entrevias e è cambiato ancora una volta quando lei gli è stata portata via. No, non c’è stato alcun cambiamento nel suo famoso carattere irascibile, nella sua arroganza e testardaggine e nel suo orgoglio secolare: era un uomo fuori dal tempo in tutto e per tutto, ma la sua determinazione ad andare avanti era a pezzi. Dopo l’incidente con Santi, Tirso ha trovato uno scopo nella vita prendendosi cura della sua famiglia: dopotutto, è stato aiutando Irene che Tirso è riuscito a diventare una persona migliore. Ma il destino aveva in serbo per lui un piano diverso, costringendolo ad affrontare la sua mortalità con la notizia di un tumore al cervello in crescita.

Questo spinse Tirso su un percorso di lotta e sofferenza, poiché, più e più volte, questo anziano malato fu costretto a prendere misure drastiche per garantire che i suoi cari rimanessero al sicuro e che la sua assenza non li facesse mai sentire soli e disperati. Tirso era il tipo di persona che non riusciva a confidare i propri fardelli emotivi e le proprie insicurezze ai figli o alla persona che amava; la terapia che aveva scelto per sé stesso era quella di dedicarsi completamente alla sua famiglia, ignorando la propria situazione. Alla fine, la ricerca di vendetta uccidendo Romero, intrapresa da Tirso, è stata superata dall’amore di Tirso per la sua famiglia. Ha cambiato idea e ha accettato di sottoporsi all’intervento chirurgico dopo aver ascoltato i consigli delle persone a lui vicine; è stato un peccato che l’interferenza di Romero abbia ritardato il tutto alla fine.

Ma si può sicuramente dire che Tirso è cresciuto come persona alla fine. Irene non avrebbe voluto che suo nonno soffrisse rimanendo incatenato ai propri demoni, e Tirso ha onorato la sua memoria permettendo finalmente ai suoi cari di avere voce in capitolo nella sua vita. Alla fine, la morte di Romero potrebbe non aver portato a Tirso alcun senso di pace, come mai fa la vendetta, ma sapere che la sua famiglia ha imparato a perseverare e a lottare contro ogni avversità per andare avanti gli ha sicuramente dato serenità quando ha esalato l’ultimo respiro. Tirso era parte integrante di Entrevias, fedele agli ideali della vecchia scuola e simbolo incrollabile di resilienza. Il suo ideale ha ispirato le persone intorno a lui e ha aiutato i suoi figli a diventare indipendenti alla fine: cosa avrebbe potuto desiderare di più?

Gladys trova l’equilibrio nella sua vita

Gladys era l’unica persona nella serie in grado di raggiungere la persona che Tirso era sotto l’aspetto duro e indurito di un vecchio freddo e amareggiato. Il suo percorso di outsider che ha superato tutte le difficoltà per sopravvivere era già di per sé fonte di ispirazione, e inutile dire che gli spettatori volevano sapere come sarebbe andata a finire la sua storia nell’ultima stagione. Gladys ha visto il suo passato tornare a perseguitarla quando il padre del suo ex marito Nelson, Rene, è tornato nella sua vita, creando una situazione complessa con Tirso. Gladys ha affrontato una serie di situazioni tese durante tutta la stagione, dall’arresto di Nelson alle difficoltà finanziarie e all’impossibilità di trovare un rifugio dopo che Alicia ha deciso di vendere il suo appartamento. A peggiorare le cose, si è trovata con le spalle al muro quando Jimena e Amanda hanno affermato il loro dominio sulla custodia di Nelson, e Tirso, la persona su cui Gladys contava di più, stava affrontando una lotta interiore che l’ha allontanata da lui.

Il ritorno di René ha aiutato Gladys a liberare Nelson, perché anche se non era disposta a rinunciare al suo amor proprio e tornare dalla persona da cui si era separata, per il bene del figlio, alla fine Gladys ha fatto quella scelta. Pepe ha aiutato Gladys a gestire il bar in ogni modo possibile, e la loro collaborazione ha rappresentato il miglior esempio dello spirito comunitario in declino che caratterizzava quartieri come Entrevias. Gladys ha avuto fiducia in Tirso anche quando il mondo gli si è rivoltato contro e alla fine si sono riconciliati. Jimena ha capito l’errore che aveva commesso e invece di imporsi sulla persona che era stata presente per la sua famiglia nei momenti difficili, lei e Amanda hanno deciso di riaccendere il legame che le univa a Gladys e l’hanno accettata nella loro vita come parte della famiglia. Tirso ha esalato l’ultimo respiro sapendo che Gladys non avrebbe più dovuto portare il peso del mondo e soffrire da sola, poiché aveva una famiglia che si prendeva cura di lei. Anche se Gladys probabilmente non accetterà René come suo compagno in futuro dopo la morte di Tirso, la sua presenza l’aiuterà a superare gli ostacoli della vita.

Dulce lascerà il suo passato alle spalle?

L’aggressione di Romero a Dulce ha riportato alla mente la paura mortale che provava da giovane, quando era stata vittima di violenza sessuale e Ezequiel l’aveva salvata. Ha deciso di lasciarsi alle spalle la sua vita a Entrevias, ma non prima di aver condiviso il reciproco rispetto per Tirso e i possibili sentimenti romantici per suo figlio Santi, che l’ha aiutata a superare la paura.

Nonostante non avesse alcun motivo per tornare a Entrevias, Dulce è tornata per elaborare un piano con Tirso per uccidere Romero. Alla fine dei conti, resta da vedere se alla fine lascerà il quartiere per sempre o se i legami familiari con Ezequiel la faranno rimanere per un po’. Data la loro opposizione caratteriale, la relazione tra Dulce e Santi offriva prospettive piuttosto interessanti, e mi piace pensare che finiranno per stare insieme. Sebbene Dulce abbia i mezzi per ricominciare una nuova vita con un’identità completamente diversa, la sua recente esperienza potrebbe farle cambiare idea nel prossimo futuro.

Amanda ed Ezequiel proteggeranno Entrevias

Infine, con la scomparsa di Tirso, Ezequiel e Amanda rimangono le figure chiave che cercheranno di proteggere Entrevias in futuro. Anche se Tirso ed Ezequiel avevano visioni del mondo e sensi morali completamente diversi, in fondo entrambi avevano un cuore buono e volevano proteggere le persone a cui tenevano. È poetico che Ezequiel sia stato il primo a vedere Tirso andarsene, poiché il suo commento su Tirso come persona unica si applica molto bene anche a se stesso. Amanda, d’altra parte, non ha avuto un arco narrativo così forte in questa stagione e ha agito principalmente come una sorta di mediatrice. Il suo legame con la moglie Jimena è stato esplorato in parte, presentando una lotta tra il mantenimento dell’equilibrio nella vita personale e professionale. Alla fine, conoscendo le vere intenzioni di Tirso, Amanda ha acquisito un forte senso di rispetto per lui e seguirà il suo ideale nei giorni a venire.

The Brutalist, la spiegazione del finale: cosa succede a Harrison e Laszlo

Gianmaria Cataldo
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The Brutalist, la spiegazione del finale: cosa succede a Harrison e Laszlo

The Brutalist (qui la recensione) di Brady Corbet offre un finale con un denso materiale tematico da esaminare. Adrien Brody interpreta László Tóth, un architetto ebreo ungherese che è stato separato dalla moglie durante la seconda guerra mondiale. Arriva in America e si ritrova alle dipendenze di Harrison Lee Van Buren (Guy Pearce), un uomo ricco affascinato dal talento architettonico innovativo di Tóth, che gli commissiona la costruzione di un centro comunitario in memoria di sua madre.

Nel finale del film, dopo un periodo di stop, Harrison contatta László per far ripartire i lavori di costruzione. Durante il loro viaggio in Italia, però, Harrison stupra László ubriaco per dimostrare il suo potere su di lui. Questo fa precipitare László, che si scaglia con rabbia contro i suoi amici e dipendenti. Nel mentre, sua moglie Erzsébet (Felicity Jones) finisce le medicine e László le inietta eroina per alleviare il dolore, provocandole però un’overdose. Riuscita a sopravvivere, i due progettano di lasciare il paese, ma prima lei affronta Harrison per quello che ha fatto. Dopo la pesante accusa, Harrison diventa introvabile.

Ecco cosa significa l’ultimo discorso di Zsófia in The Brutalist

L’epilogo di The Brutalist si svolge nel 1980 in occasione di una Biennale per László Tóth, che espone il suo lavoro architettonico degli ultimi due decenni e celebra la sua vita. È un momento scioccante, vista la situazione disperata in cui si trovava alla fine del film, ma sembra che il viaggio di Erzsébet in Pennsylvania sia stato fruttuoso per la sua carriera. Tuttavia, non è chiaro come László sia diventato un architetto famoso nel tempo trascorso dall’ultima volta che lo ha visto. Dato che il centro comunitario di Van Buren è menzionato come una delle sue realizzazioni, sembrerebbe che il lavoro gli sia stato attribuito.

Adrien Brody e Guy Pearce in The Brutalist

All’evento, Zsófia tiene un discorso sulla vita di László Tóth, riassumendo la carriera dello zio e mostrando un lato del suo carattere che il pubblico non conosceva direttamente, poiché László non aveva condiviso l’ispirazione per il suo lavoro. Descrive come la sua vita personale abbia influenzato il suo processo creativo, ispirando diversi aspetti del centro comunitario. In particolare, gli interni del centro comunitario sono stati realizzati in modo da assomigliare ai campi di concentramento a cui László è stato sottoposto, il che significa che il suo trauma è stato sviluppato nel suo lavoro.

C’è un’affermazione di Zsófia che riflette perfettamente la narrazione. Chiude il discorso dicendo: “Non importa cosa gli altri cerchino di venderti, è la destinazione, non il viaggio”. Il suo punto è suggerire che László ha attraversato l’inferno per raggiungere la sua arte, ma il risultato finale è ciò che contava. La sua vita personale era costantemente piena di conflitti e tragedie, eppure ha realizzato opere che alla fine sono state rispettate e ammirate.

Cosa è successo a Harrison dopo che Erzsébet lo ha accusato

Il destino di Harrison Lee Van Buren è uno dei misteri più strani della fine di The Brutalist. Nonostante l’importanza del suo personaggio nella narrazione, dopo che Erzsébet lo accusa di aver violentato László, fugge dalla scena. Suo figlio e i domestici non riescono a trovarlo sul posto e il film passa all’epilogo senza risolvere la sua scomparsa. Inoltre, l’epilogo non fornisce ulteriori informazioni su Harrison. Brady Corbet lascia la decisione allo spettatore.

Ci sono diverse questioni riguardanti questa scena su cui si può teorizzare. Per quanto riguarda il destino di Harrison, è possibile che si sia ucciso o semplicemente sia fuggito, nascondendosi dalla vergogna e partendo per ricominciare la vita altrove. Un altro dettaglio interessante della scena è la reazione di suo figlio Harry. Harry è un tipo pomposo per tutto il film, e questa è l’unica scena in cui mostra una vera disperazione. Sembra che, a parte il fatto che suo padre è accusato di aver fatto qualcosa di terribile, sia inorridito perché crede o sa che sia vero.

Un’altra scena del film mostra Harry che si avvicina a Zsófia mentre è seduta vicino all’acqua in costume da bagno. Le chiede se le andrebbe di fare una passeggiata, ma la scena si interrompe prima di mostrare cosa succede. La volta successiva, Zsófia si allontana da Harry, coprendosi intenzionalmente dove prima mostrava la pelle. Il film potrebbe insinuare che Harry abbia tentato di palparla… o peggio. È pura speculazione, ma questo potrebbe suggerire che Harry abbia sviluppato queste tendenze imitando il padre o sperimentandole attraverso il padre.

Erzsébet è morta prima dell’epilogo del film?

Erzsébet non è presente nell’epilogo, il che implica che sia morta negli ultimi vent’anni. Fortunatamente, è sopravvissuta all’overdose nel 1960, vivendo abbastanza a lungo da tornare in Europa con László. Le era stata diagnosticata l’osteoporosi intorno al 1953, il che probabilmente ha influito sulla sua aspettativa di vita. Anche se nel finale del film la si vede camminare su una barella, la sua condizione non sembra essere migliorata nei sette anni trascorsi in The Brutalist.

The Brutalist recensione

La verità su László Tóth

Il personaggio di Adrien Brody, László Tóth, è completamente fittizio, anche se il film è così ben costruito che sembra vivo. In un’intervista con la CNN, Brody ha spiegato come la sua vita abbia influenzato la creazione del personaggio, dicendo: “Ho la fortuna di comprendere l’esperienza dell’immigrazione e i molti parallelismi con il percorso di un artista”. La performance di Brody, la sceneggiatura di Brady Corbet e Mona Fastvold e altri artisti di talento coinvolti nella proiezione hanno contribuito a sviluppare un personaggio affascinante da studiare.

Il vero significato di The Brutalist

The Brutalist è un’epopea del dopoguerra che esamina le somiglianze tra immigrati e artisti. László è entrambe le cose e non solo viene rifiutato perché diverso dalla gente del posto per religione e cultura, ma viene anche frainteso come creativo. È circondato da americani che non possono capire alcun aspetto della sua vita e non ci provano nemmeno. In questo senso, Harrison Lee Van Buren è emblematico dell’America nella sua forma più tossica, un capitalista che non si preoccupa di capire la situazione di László o addirittura l’arte, eppure desidera possederla.

In misura estrema, Harrison impone il suo bisogno di potere su László, aggredendolo anche sessualmente mentre gli ricorda che non sta vivendo al massimo delle sue potenzialità. Harrison è invidioso del genio creativo di László, e suggerisce che la sua vasta ricchezza abbia portato solo a un’esistenza profondamente superficiale. The Brutalist è in definitiva il ritratto di László, e il film suggerisce che, nonostante il tragico viaggio, egli raggiunga la sua destinazione e il mondo si diletti nella sua creazione.

Il colore delle magnolie – Stagione 5: conferma, cast e tutto quello che sappiamo

Redazione
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Il colore delle magnolie – Stagione 5: conferma, cast e tutto quello che sappiamo

L’affascinante serie romantica di Netflix Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias) è diventata silenziosamente uno dei maggiori successi dello streamer, e ora è stata rinnovata per la quinta stagione. Basata sui romanzi di Sherryl Woods (che debuttò nel 2020), la serie riguarda un trio di amiche di una vita che vivono in una pittoresca cittadina della Carolina del Sud. Mentre cercano di occuparsi delle loro famiglie e delle loro carriere, il gruppo si sostiene a vicenda attraverso i molti alti e bassi che la vita gli riserva. Amata per il suo dramma a basso impatto, Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias) ha già accumulato una serie impressionante su Netflix.

La quarta stagione di Sweet Magnolias torna a Serenity e riprende l’ensemble dopo un breve salto temporale. Sebbene le solite storie d’amore, i colpi di scena e le svolte siano tutti presenti, le Magnolie iniziano anche a fare i conti con le loro vite in rapido cambiamento. Il finale della quarta stagione di Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias) vede i personaggi principali tutti in posti nuovi (sia in senso letterale che figurato) e questo getta le basi per una quinta stagione altrettanto emozionante e unica. Sebbene l’intimità di Sweet Magnolias sia la sua principale attrattiva, la possibilità di cambiare ritmo potrebbe garantire il successo della quinta stagione.

Ultime notizie su Il colore delle magnolie – stagione 5

Netflix rinnova finalmente l’affascinante serie

Dopo mesi di incertezza sul futuro dello show, le ultime notizie confermano che Sweet Magnolias è stata rinnovata per la quinta stagione. Sebbene sembrasse altamente improbabile che Netflix cancellasse il dramma del Sud, i mesi passavano senza alcun aggiornamento positivo. Un post sul sito web della WGA suggeriva che la serie sarebbe tornata, ma la notizia non è mai stata confermata ufficialmente. Ora Netflix ha ordinato un’altra stagione di Il colore delle magnolie , anche se al momento non si sa molto sul suo ritorno.

La quinta stagione di Sweet Magnolias è confermata

Netflix ha rinnovato l’affascinante serie del Sud

Sebbene la quarta stagione di Il colore delle magnolie  abbia registrato una certa flessione nel numero totale di spettatori (almeno in base alla sua posizione nella classifica dei primi 10), lo show aveva ancora una forte presa sul pubblico. Pertanto, è stato sorprendente che Netflix abbia aspettato fino ad aprile per rinnovare Il colore delle magnolie  per la sua quinta stagione. La prossima stagione sarà composta da 10 episodi e la showrunner/produttrice esecutiva Sheryl J. Anderson tornerà al suo doppio ruolo.

La quarta stagione di Sweet Magnolias ha debuttato il 6 febbraio 2025.

Non è chiaro quando inizierà la produzione della quinta stagione, e Sweet Magnolias non è noto per mantenere un programma costante. È possibile che si prospetti un’attesa pluriennale: la serie ha trasmesso stagioni consecutive solo una volta dal suo debutto nel 2020. Questi ritardi potrebbero essere imputati alla pandemia COVID-19 e agli scioperi di Hollywood del 2023, che non saranno un fattore per la quinta stagione.

Dettagli sul cast della quinta stagione di Il colore delle magnolie

Chi torna a Serenity e chi se ne va nella quinta stagione?

Mentre il grande cast di Il colore delle magnolie  è forse il suo aspetto più forte, c’è un personaggio che non tornerà nella quinta stagione. Anche se ha avuto i suoi alti e bassi nel corso della prima manciata di stagioni, Bill Townsend (interpretato da Chris Klein) era senza dubbio parte del tessuto di Serenity, e la sua morte nella quarta stagione è stata davvero scioccante. Su una nota più leggera, è stato confermato il ritorno del trio di Magnolie: JoAnna Garcia Swisher nel ruolo di Maddie Townsend, Brooke Elliott in quello di Dana Sue Sullivan e Heather Headley in quello di Helen Decatur.

Sono attesi anche altri personaggi secondari, tra cui Anneliese Judge nel ruolo di Annie, che cerca ancora di portare avanti la sua relazione con Ty (Carson Rowland), nonostante le loro vite divergano su due strade diverse. Anche i coniugi dovrebbero tornare, con Erik (Dion Johnstone), lo spasimante di Helen, che finalmente le chiederà di sposarlo nella quarta stagione, e Ronnie (Brandon Quinn) che continuerà a frequentare Dana Sue dopo aver rinnovato i loro voti nella terza stagione. Il Cal Maddox di Justin Bruening ha sposato Maddie nella quarta stagione e si è impegnato con lei nonostante i suoi grandi cambiamenti di vita.

Dettagli sulla trama della stagione 5 di Il colore delle magnolie

Grandi cambiamenti in arrivo per le Magnolie

La quarta stagione di Il colore delle magnolie  aveva molto da recuperare e, dopo un salto temporale tra la terza e la quarta stagione, c’erano già alcuni grandi cambiamenti a Serenity. Tuttavia, man mano che le cose procedevano, nel finale di stagione si è delineato un quadro più chiaro delle potenziali trame della quinta stagione. Forse la questione più urgente che dovrà essere esplorata nella quinta stagione è il trasferimento di Maddie a New York. Le è stato offerto il lavoro della sua vita in uno studio di Manhattan e l’ha accettato. Questo contribuisce a realizzare le sue ambizioni di carriera, ma la porterà anche lontano da Serenity e dagli amici di sempre.

Questo aiuta a realizzare le sue ambizioni di carriera, ma la porterebbe anche lontano da Serenity e dai suoi amici di sempre.

Altrove, Dana si sta preparando per la sua nuova scuola di cucina e Helen sta finalmente iniziando a fare sul serio con Erik dopo la proposta di matrimonio. Un’altra grande domanda riguarda lo stato della relazione tra Annie e Ty, e sembra che i giovani piccioncini stiano prendendo strade diverse. Annie è stata accettata nella scuola dei suoi sogni in California, mentre la band di Ty sta per intraprendere un grande tour. Poiché Annie ha rifiutato l’offerta di Ty di andare in tournée, i due potrebbero cercare di far funzionare la cosa a distanza, oppure lasciarsi.

Con tutti i cambiamenti che stanno avvenendo intorno a Serenity, è chiaro che la quinta stagione di Il colore delle magnolie  potrebbe essere un nuovo capitolo della serie ed esplorare il mondo al di là della Carolina del Sud. La quinta stagione potrebbe seguire Annie in California e Maddie a New York, aprendo le porte a nuove amicizie (e forse anche ad amori) ai lati opposti del Paese. Questo non significa che non ci saranno sviluppi emozionanti anche in Serenity, ma la portata potrebbe espandersi nei prossimi episodi.

La ragazza di neve – stagione 3 si farà? ecco tutto quello che sappiamo

Redazione
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La ragazza di neve – stagione 3 si farà? ecco tutto quello che sappiamo

La ragazza di neve è un’altra emozionante serie originale Netflix che ha conquistato i nostri schermi nel 2023 e, dopo un’accoglienza esplosiva, è tornata con la seconda stagione nel gennaio 2025. Con temi avvincenti quali indagini, omicidi, giochi mentali e segreti, è dedicata agli amanti dei thriller polizieschi.

La serie di 6 episodi riporta in scena nomi familiari e volti nuovi come Milena Smit, Jose Coronado, Aixa Villagran, Miki Esparbe e Luis Callejo ed è diretta da Laura Alvea. Con rivelazioni scioccanti e colpi di scena, il finale di stagione ha tenuto gli spettatori con il fiato sospeso.

Se avete visto la seconda stagione e volete sapere se ci sarà una terza, questo articolo ha tutte le informazioni che state cercando. Ecco tutto quello che sappiamo:

Di cosa parla la seconda stagione di La ragazza di neve?

La ragazza di neve – stagione 2 riprende con il tour promozionale di Miren dopo il successo del suo libro, The Snow Girl. Uno sconosciuto chiamato God’s Raven si avvicina a Miren e le chiede di giocare al Soul Game se vuole scoprire la verità su Laura, una minorenne scomparsa anni fa.

Allo stesso tempo, l’ultimo caso di Belen e Chaparro è l’omicidio di Allison, che sembra essere stata coinvolta anche lei nel Soul Game. Miren è costretta a comportarsi bene poiché è stata affiancata da Jaime, un affascinante giornalista di Madrid, per scrivere un articolo sul caso di Allison.

Miren, essendo Miren, decide di trovare un collegamento tra Laura e Allison mentre sconosciuti e volti familiari cercano di fermarla. Anche Jaime si ritrova nei guai con la sua alma mater, poiché si tratta della stessa scuola frequentata da Laura e Allison.

La ragazza di neve è stato rinnovato per la terza stagione?

Al momento della stesura di questo articolo, Netflix non ha rinnovato La ragazza di neve per una terza stagione.

Netflix tende a considerare le visualizzazioni e il tasso di abbandono prima di rinnovare o cancellare una serie, oltre al successo di critica. Alcune serie vengono rinnovate immediatamente, come One Piece e Bridgerton, mentre altre richiedono anni, come The Watcher e The Victim’s Game.

La ragazza di neve 2 ha anche un finale aperto, il che significa che è stato realizzato pensando a una terza stagione. Inoltre, Netflix Spagna tende a creare serie con più stagioni come Cable Girls, Elite e Money Heist, quindi siamo abbastanza ottimisti. Se il successo di critica e commerciale della stagione sarà simile a quello della prima, The Snow Girl potrebbe essere rinnovata.

Cosa sappiamo della terza stagione di The Snow Girl?

Al momento non si sa molto sulla terza stagione di La ragazza di neve, dato che non è stata ancora approvata. Ma ci sono molte domande senza risposta, come ad esempio cosa succederà a Miren. Inoltre, la polizia fa irruzione in una lavanderia a gettoni e trova i film snuff di Slide. Vediamo due nomi: Miren Rojo e Cristina Ruiz.

Questo finale aperto lascia spazio a ulteriori sviluppi nel caso in cui la serie venisse rinnovata. Se la serie dovesse tornare, ci si può aspettare una stagione di circa 6 episodi, ciascuno della durata di circa 50 minuti. Tuttavia, non c’è ancora nulla di confermato, ma aggiorneremo questa pagina non appena avremo nuove informazioni.

Scissione – stagione 2: la spiegazione dell’incubo di Irving nell’episodio 4

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Scissione – stagione 2: la spiegazione dell’incubo di Irving nell’episodio 4

Mentre gli altri membri del team MDR sembrano non risentirne quando vanno a dormire, Irving soffre di un incubo inquietante di Scissione – stagione 2, episodio 4, che aiuta a rivelare uno dei più grandi colpi di scena della serie. Anche se Scissione – stagione 2, episodio 3, si è conclusa con il reinserimento di Mark, la seguente uscita cambia ritmo quando gli MDR Innies vengono portati a Woe’s Hollow, un luogo di grande importanza per il retroscena e la filosofia di Kier Eagan. Mentre scoprono la storia del fratello gemello di Kier, Dieter, e di come ha domato “Woe”, la “gita” fornisce a MDR diverse altre rivelazioni personali.

Da quando la storia di Helly sul suo Outie ha menzionato un “giardiniere notturno”, Irving è stato sospettoso nei confronti della sua collega. In Scissione – stagione 2, nell’episodio 4, affronta Helly sulle sue incoerenze e la accusa di essere un Outie, con questa discussione che porta Irving a fuggire nel bosco con una torcia. Mentre Helly e Mark diventano intimi nella sua tenda, Irving si addormenta al freddo gelido, scivolando in un incubo che coinvolge i numeri di MDR, Burt e la Sposa Scarnificata della storia di Kier. Per quanto orribile diventi l’incubo di Irving, alla fine gli dà le risposte che cercava su Helly e Lumon.

Perché Irving vede “Woe” e Burt nei cubicoli di MDR nel suo incubo

Woe e Burt sono stati aspetti correlati della sua storia di fine rapporto, stagione 2, finora

Nell’incubo di Irving, si ritrova a indossare un completo mentre cammina attraverso una radura nel bosco dove si trova il cubicolo MDR. Alla scrivania di Irving, le falene sciamano sullo schermo del suo computer, mentre Burt G. siede alla scrivania accanto a lui, aprendo e chiudendo lentamente la parete divisoria. Direttamente di fronte alla scrivania di Irving c’è la Sposa Macilenta, che rappresenta il Disgusto nella filosofia dei Quattro Temperamenti di Kier Eagan. Mentre Disgusto scrive alla sua scrivania, Irving nota numeri e lettere che formano strani disegni sullo schermo del suo computer. Improvvisamente, la sposa appare proprio accanto a lui, svegliando Irving.

Le apparizioni di Burt e Woe sembrano strane nell’incubo di Irving, ma hanno significati molto diversi. Il fatto che Irving abbia recentemente sentito la storia della Sposa spettrale a Woe’s Hollow ha senza dubbio contribuito alla sua inclusione, mentre la presenza di Burt alla scrivania può essere spiegata da quanto domini i pensieri di Irving quando è sveglio: perché non dovrebbe apparire anche nei suoi sogni? Questa è la prima volta che a Irving è stato permesso di dormire completamente in Scissione, al di fuori dei brevi sonnellini che gli erano stati sconsigliati nella prima stagione, quindi i pensieri interiori del suo Innie si stanno riversando in modi terrificanti.

Burt che apre e chiude i divisori potrebbe essere un simbolo della loro storia d’amore.

Durante Scissione – stagione 2, anche Irving è stato fortemente influenzato dalle emozioni legate a Woe, a causa del pensionamento di Burt G. e della scoperta che la sua Outie ha già una relazione. Il fatto che Burt apra e chiuda i divisori potrebbe essere simbolico della loro storia d’amore, che sembrava realizzabile durante i loro primi incontri, per poi essere interrotta nel finale della prima stagione di Scissione, solo per essere nuovamente presente nella seconda stagione. Il Outie di Burt ha seguito il Outie di Irving da quando si è presentato alla sua porta, quindi l’incubo potrebbe essere quello di dire a Irving che la loro storia non è finita.

L’apparizione di Guai, che è associata alla tristezza e alla malinconia, potrebbe essere quella di dire a Irving di incanalare la sua tristezza e la sua rabbia e di usarla per scoprire la verità su ciò che sta accadendo a Lumon.

Dopo che Woe inizia a digitare sul suo computer, Irving guarda il suo e vede strani schemi nei numeri e nelle lettere, che gli rivelano esattamente ciò che ha bisogno di sapere sulla vera identità di Outie di Helly. Lei poi lo sveglia di soprassalto, forse cercando di far uscire Irving dalla sua malinconia e ispirarlo ad agire.

Cosa significano veramente i numeri e le lettere sullo schermo del computer di Irving

Quando Irving fissa lo schermo del computer dal reparto Macrodata Refinement del suo incubo, la prima serie di numeri include “1”, “4”, “7” e “5”. Non è ancora chiaro a cosa si riferiscano esattamente questi numeri, ma potrebbero essere collegati a un file che verrà assegnato a uno dei raffinatori in Scissione. In alternativa, questi numeri potrebbero rappresentare coordinate o numeri in codice che Irving avrebbe bisogno per accedere a certe parti di Lumon, forse collegati ai dipinti di Irving del corridoio nero che conduce all’ascensore del piano prove.

Il nome del file che appare sullo schermo del computer di Irving è “Montauk”, dal nome di una città dello stato di New York.

Le serie di lettere che appaiono nell’incubo di Irving sono un po’ più chiare in termini di ciò che gli rivelano. Lo schermo del computer mostra diverse varianti delle lettere “E”, “A”, “G” e “N”, che dovrebbero suggerire a Irving che le risposte di cui ha bisogno sono collegate alla famiglia Eagan. Quando si sveglia, Irving mette insieme i pezzi e si rende conto che “Helly” non è solo la sua Outie, ma anche una Eagan. Come spiega Irving, solo un Eagan avrebbe il potere di inviare il proprio Outie al piano reciso invece del proprio Innie.

Sullo stesso schermo delle lettere che compongono la parola “Eagan”, Irving vede ripetizioni dei numeri “1”, “0”, “3” e “5”, in vari ordini. Come la precedente serie di numeri, il significato simbolico di questi numeri come gruppo non è molto ovvio. Il significato dei numeri di Macrodata Refinement, in generale, è ancora in gran parte un mistero, ma potrebbero essere collegati a un certo insieme di dati che rivela di più sulle intenzioni di Lumon con il file Cold Harbor di Scissione – stagione 2.

Il vero significato delle falene che volano sullo schermo del computer di Irving

Mentre Irving si avvicina al cubicolo nel suo incubo, scopre che le tarme sciamano intorno allo schermo del suo computer. Certo, fuori è buio e le tarme sono attratte dalle fonti di luce, ma c’è un significato più profondo nella loro presenza. Le tarme sono spesso associate a simboli di amore, morte e trasformazioni, temi che ben si adattano ai viaggi dei personaggi principali di Scissione. Una possibile interpretazione è che le falene rappresentino l’amore di Irving per Burt, il dolore per la “morte” dell’innie di Burt e le trasformazioni successive a quella perdita.

In alternativa, le falene potrebbero simboleggiare la rivelazione che Helena si è segretamente trasformata in Helly, e che questo colpo di scena porterà alla “morte” dell’Innie di Irving quando verrà licenziato. Un altro possibile significato della falena sullo schermo del computer di Irving potrebbe essere collegato al file Cold Harbor di Scissione – stagione 2. Potrebbero simboleggiare che Gemma non è effettivamente morta, ma si sta trasformando in una persona completamente nuova attraverso il perfezionamento dei dati e gli esperimenti sul piano di prova.

Come l’incubo di Irving a Woe’s Hollow riporta alla mente una storia della prima stagione di Scissione

Anche se questo è il primo vero incubo che l’Innie di Irving ha vissuto, non è l’unica volta che ha ricevuto strani segnali mentre dormiva. Nella prima stagione di Scissione, Irving aveva l’abitudine di arrivare esausto e di fare un breve sonnellino in ufficio. Ogni volta che si assopiva, Irving aveva delle allucinazioni di una sostanza viscida nera che si formava sul suo computer e in tutto l’ufficio. Solo più tardi si capì che si trattava di un messaggio dell’Outie di Irving relativo ai dipinti a olio nero dell’ascensore del piano prove, quindi l’Outie di Irving probabilmente gli stava inviando un altro messaggio di Scissione – stagione 2, episodio 4.

Entrevías – Stagione 3, la spiegazione del finale

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Entrevías – Stagione 3, la spiegazione del finale

Dopo il successo delle prime due stagioni, Entrevías è tornata con una terza stagione su Netflix ancora più intensa e ricca di colpi di scena. La serie spagnola, con protagonista l’inesauribile José Coronado nei panni dell’ex militare Tirso Abantos, continua a conquistare il pubblico mescolando dramma familiare, azione urbana e denuncia sociale, sempre con un ritmo serrato e uno sguardo crudo sulla periferia di Madrid.

Nel corso di questa terza stagione, vecchi conflitti si intrecciano con nuove minacce, portando i personaggi – e in particolare la famiglia di Tirso – a confrontarsi con decisioni sempre più difficili. La tensione cresce episodio dopo episodio, fino a un finale che lascia lo spettatore con domande, emozioni sospese e uno sguardo al futuro della serie. In questo articolo analizziamo proprio il significato degli ultimi momenti di Entrevías 3, svelando cosa ci ha raccontato davvero e cosa potrebbe riservare il prossimo capitolo.

Cosa succede in Entrevías – stagione 3

L’ex moglie di Tirso, Maricarmen, ora chiamata Maica, è tornata a Entrevías. Infelice nel matrimonio con Tirso, lo ha lasciato insieme ai figli per viaggiare per il mondo. Maica è rimasta in contatto con Santi negli ultimi anni e, dopo il suo ritorno, riesce a convincere Jimena a perdonarla per aver abbandonato la famiglia.Maica avvia una fondazione a Entrevías con l’obiettivo di aiutare i giovani a migliorare la propria vita imparando vari mestieri, consentendo loro di abbandonare la vita criminale.

Offre un lavoro a Nelson e assiste Irene, che dopo alcune complicazioni dà alla luce un bambino di nome Victor.Maica diventa lentamente parte della famiglia che ha abbandonato in passato, cosa che fa infuriare Tirso.Alla fine, quando Santi divorzia, Tirso accetta il fatto che la sua famiglia ha bisogno di Maica e che lei è lì per restare.Ezequiel, che era in coma, finalmente si sveglia. Finge di aver perso la memoria per non diventare un bersaglio di Nata.

Incontra Dulce, una ragazza che una volta ha salvato aiutandola a lasciare il quartiere. Le chiede di tornare a Entrevías, sbarazzarsi di Nata e prendere il controllo del quartiere. Nel frattempo, l’ispettore Romero e il vice ispettore Linares sono le ultime aggiunte alla stazione di polizia. Romero, sostenuto dal Ministero dell’Interno, sostituisce Amanda. Desidera fare colpo sul ministro ed entrare in politica. Per farlo, ha bisogno di stare sotto i riflettori, quindi decide di scatenare una guerra a Entrevías per poi porvi fine e guadagnare popolarità. Romero scatena una rissa tra la fondazione di Maica e la banda di Nata. La banda dà fuoco alla fondazione ed è Ezequiel a ottenere pubblicità per aver salvato molte persone.

Nata cerca di uccidere Ezequiel, ma Tirso lo salva, uccidendo Nata. Tirso, tormentato dal senso di colpa, viene preso di mira dal cugino di Nata, Tente. Ora che Nata è fuori dai giochi, Dulce sta per prendere il controllo della sua banda. Inoltre, Juan Saavedra del Ministero dell’Interno reintegra Ezequiel nelle forze dell’ordine per il suo atto eroico. Frustrato, Romero decide di mandare Ezequiel in prigione incastrandolo per possesso di droga e incarica Linares di portare a termine il compito. Quando Linares cerca di arrestare Ezequiel, questi rifiuta di andare in prigione per un crimine che non ha commesso e finisce per uccidere Linares con la sua pistola. Ezequiel vuole costituirsi, ma Dulce non glielo permette. Gli porta via l’arma del delitto e gli chiede di comportarsi da innocente.

Dato che Linares era andato ad arrestare Ezequiel, Romero sospetta che sia stato lui ad ucciderlo, ma non ha prove per dimostrarlo. Tenta di fabbricare prove e di trovare testimoni, ma Ezequiel lo supera in astuzia ogni volta e convince Juan Saavedra che Romero nutre rancore nei suoi confronti. Non avendo altra scelta, Romero fa visita al capo del villaggio gitano, lo zio Rafael. Essendo cresciuto lì, chiede aiuto alla comunità. Lo zio Rafael accetta di aiutarlo a una condizione: deve trovare l’assassino di Sandro. Di conseguenza, Romero fa visita ad Amanda in prigione per interrogarla sul caso. Amanda chiede quindi a Jimena di informare Ezequiel che Romero sta cercando Nelson, che si è appena fidanzato con Irene. Romero rapisce Nelson e lo porta al villaggio gitano. Irene assiste al rapimento, spingendo Tirso a salvare Nelson. Tirso è seguito da Tente, che sta cercando di ucciderlo. Dulce ha preso il controllo della banda di Nata e vuole arrestare Tente per evitare ulteriori problemi. Chiede a Ezequiel di seguire Tente, che lo arresta per tentato omicidio.

Gli uomini dello zio Rafael picchiano Nelson, ma lo lasciano andare con l’avvertimento di lasciare Entrevías. Tirso salva Nelson, ma non sa che è stato Romero a rapirlo. Come promesso, per aiutare Romero ad abbassare il tasso di criminalità, lo zio Rafael fa occupare dai suoi uomini i nascondigli della banda di Dulce per impedire la vendita di droga. Mentre la banda continua a minacciarli, Romero procura delle armi agli uomini dello zio Rafael. Il suo piano è quello di recuperare le armi dismesse dal magazzino della polizia, farle riparare e consegnarle allo zio Rafael. Gli uomini di Romero occupano il negozio di uno degli amici di Tirso per riparare le armi. Tirso li scopre con le armi e va alla polizia. Questo porta Romero ad avvisare i suoi uomini, che riescono a lasciare il negozio prima dell’arrivo della polizia. Tuttavia, Ezequiel capisce che Romero è coinvolto nel caso e chiede a Tirso di aiutarlo a trovare le armi.

Credendo che Ezequiel voglia impedire che le armi finiscano nelle mani sbagliate, Tirso lo aiuta a rubarle. Ezequiel consegna quindi le armi a Dulce. Con queste armi, la sua banda è in grado di riprendere il controllo dei propri nascondigli. Dopo che la banda di Nata ha attaccato la fondazione, Maica sta per andarsene, ma la sua famiglia ha ristrutturato il posto, permettendole di continuare il suo lavoro a Entrevías. Maica vuole aiutare Tente a migliorare la sua vita, quindi convince il giudice a mandarlo alla fondazione e chiede a Nelson di assicurarsi che Tente non scappi. All’inizio, Tente è riluttante ad accettare l’aiuto di Maica e Nelson. Attacca di nuovo Tirso, ma quando vede che Nelson ha fiducia in lui nonostante tutto, cambia atteggiamento. Comincia a interessarsi alle attività della fondazione, ma la banda gli impedisce di andare avanti e lo costringe a nascondere le armi per loro. Le armi vengono poi trovate da Tirso, che le ruba con l’intenzione di distruggerle. Tirso scopre anche che Ezequiel ha collaborato con Dulce.

Tirso informa Romero della cosa, ignaro che Romero è peggiore di Ezequiel. Romero vede questa come l’occasione perfetta per sbarazzarsi di Ezequiel. Stringe un accordo con Dulce: chiuderà un occhio sulle attività della sua banda in cambio dell’arresto di Ezequiel. Nel frattempo, Maica convince Irene a seguire i suoi sogni. Irene ora vuole fare un provino per una compagnia di danza con sede a Parigi. Per evitare che Amanda passi i prossimi decenni in prigione, Ezequiel riesce a sbarazzarsi di tutte le prove contro di lei.

Durante il processo, Tirso è l’unico a testimoniare contro di lei, ma la giuria dichiara comunque Amanda non colpevole dell’omicidio di Salgado. Irene si rende conto di non essere pronta per il matrimonio in questo momento. Propone quindi a Jimena e Amanda di sposarsi al posto suo e di Nelson. Jimena e Amanda accettano il suo suggerimento. Inoltre, dopo aver litigato con Gladys, Pepe decide di ritirarsi e di cedere il suo ristorante a Gladys come modo per rimediare agli errori del passato.

Spiegazione del finale di Entrevías – stagione 3

Entrevías - stagione 3

Una fuga fallita e una trappola inefficace

Tente rinuncia finalmente a vendicarsi di Tirso. Anzi, testimonia che Tirso ha ucciso Nata per legittima difesa. Questo porta Tirso a proteggerlo dalla banda di Dulce, che lo sta cercando per le armi che non possiede più. Quando Tirso scopre che Tente ha avuto una vita difficile e non ha nessuno che lo sostenga, lo porta a casa sua e organizza la sua partenza da Entrevías. Tirso offre a Tente la possibilità di ricominciare da capo in un ambiente più sicuro, lontano dalle bande e dal crimine, e Tente accetta. Allo stesso tempo, per far arrestare Ezequiel, Dulce gli chiede di trovare le armi, con l’intenzione di farlo catturare da Romero quando le consegnerà le armi.

Tuttavia, quando Ezequiel va a rubare le armi dal negozio di Tirso, viene a sapere che Romero è a conoscenza della sua relazione con Dulce. Ezequiel capisce che Romero e Dulce stanno cercando di incastrarlo e riesce ancora una volta a superare in astuzia Romero. Questo porta Juan Saavedra a sostituire Romero, che continua a combinare pasticci, con Amanda, che è stata reintegrata nelle forze dell’ordine. In cambio dell’aiuto di Dulce per incastrare Ezequiel, Romero le aveva detto che Tente era con Tirso. Quella notte, la banda trova e uccide Tente proprio mentre sta per andarsene.

Romero viene arrestato

Entrevías - stagione 3

Romero incolpa Ezequiel di aver rovinato tutti i suoi piani. Ora vuole Ezequiel morto e chiede a Dulce di farlo. Dato che Ezequiel è l’unica famiglia che Dulce ha, lei non può permettere che venga ucciso, quindi si rivolge ad Amanda e le dice che ha lavorato con Ezequiel, sapendo che Romero non potrà ucciderlo se verrà arrestato. Dopo l’arresto di Ezequiel, Dulce ritira la sua dichiarazione ed Ezequiel convince Amanda che Romero sta cercando di incastrarlo. Tirso, che crede ancora che Romero sia un poliziotto onesto, gli dice che ha le armi. Solo dopo aver consegnato le armi a Romero, Irene gli dice che è stato Romero a rapire Nelson, spingendo Tirso a seguire Romero.

Romero ha intenzione di dare le armi a Dulce e chiederle di uccidere Ezequiel in cambio. Quando Dulce va a incontrare Romero, Ezequiel la segue. Dulce si rende conto che non può uccidere Ezequiel e gli dà la pistola di Linares, che ha usato come leva per manipolarlo e costringerlo a fare ciò che voleva. In seguito, Ezequiel e Tirso assistono entrambi a Romero che consegna le armi a Dulce. Ezequiel scatta loro una foto insieme e la invia ad Amanda. Proprio in quel momento, Romero vede Ezequiel e cerca di ucciderlo, ma Tirso interviene ancora una volta per salvarlo. Poco dopo, Amanda arriva sulla scena e arresta Romero. Per assicurarsi che Romero non esca di prigione troppo presto, Ezequiel mette la pistola di Linares nella sua auto per incastrarlo per l’omicidio di Linares.

Il sacrificio di Irene

Inizialmente, Nelson non era contento dell’idea che Irene lasciasse lui e Victor per un lavoro a Parigi. Tuttavia, dopo aver parlato con Maica, decide di sostenere Irene e di trasferirsi a Parigi con lei. Il giorno del matrimonio di Amanda e Jimena, Nelson viene nuovamente rapito dagli uomini dello zio Rafael, che scoprono che non ha ancora lasciato Entrevías. Gladys, Irene e Maica vanno al villaggio gitano per salvarlo e lo zio Rafael, impressionato dal lavoro e dal coraggio di Maica, lascia andare Nelson. La famiglia e il fidanzato di Jimena riescono in qualche modo ad arrivare in tempo al matrimonio, ma i guai non finiscono lì. Romero uccide Juan Saavedra e fugge dalla custodia della polizia per uccidere Ezequiel.Romero interrompe il matrimonio e spara a Ezequiel, ma è Amanda che viene colpita mentre cerca di proteggerlo.

Irene è uscita per rispondere a una telefonata della compagnia di danza. È entusiasta quando le viene detto che può perseguire il suo sogno a Madrid invece di trasferirsi a Parigi. La felicità di Irene dura poco, perché Romero la trova e la tiene sotto tiro. Nel disperato tentativo di salvare Irene, Tirso accetta di gettare la pistola, ben consapevole che Romero intende ucciderlo. Tuttavia, quando Romero spara a Tirso, Irene si mette in mezzo per salvare il nonno. Mentre Tirso tiene tra le braccia Irene morente, Romero ne approfitta per fuggire ancora una volta.

Apple Cider Vinegar, la spiegazione del finale: cosa succede a Belle Gibson

Redazione
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Apple Cider Vinegar, la spiegazione del finale: cosa succede a Belle Gibson

Sebbene la fine della storia di Belle Gibson sia chiara fin dall’inizio, Apple Cider Vinegar tesse un quadro avvincente della truffatrice e delle persone che ha vittimizzato, conducendo a un finale pieno di speranza che trasmette un messaggio importante. Come il liquido da cui deriva il titolo, la storia di Belle è amara e acida, mettendo in evidenza la natura predatoria dei truffatori e dei bugiardi che promuovono la pseudoscienza. Apple Cider Vinegar di Netflix alterna il momento in cui Belle inizia a mentire sul cancro, la creazione della sua attività e la sua scoperta.

Intrecciate a questa storia ci sono le vicende dei giornalisti investigativi che finiscono per smascherarla, della sua concorrente Milla Blake, che invece ha davvero il cancro, di Chanelle, sua amica e manager, e di Lucy, una malata di cancro vittima delle sue bugie. Alla fine, ciascuno di questi personaggi ha un ruolo nella caduta di Belle, portando a un finale soddisfacente per questa storia quasi vera.

Come i giornalisti investigativi hanno finalmente smascherato Belle Gibson

Belle Gibson è stata scoperta per aver mentito sulle donazioni in beneficenza

Sebbene i giornalisti investigativi Justin e Sean siano certi che Belle Gibson stia mentendo sul suo cancro al cervello in Apple Cider Vinegar, si rendono conto che non possono scriverlo in un articolo affermando questa convinzione a meno che non abbiano prove inconfutabili, cosa quasi impossibile da ottenere. Dopotutto, non possono costringerla a rivelare le sue cartelle cliniche e gli ospedali non possono fornire queste informazioni ai giornalisti. Rintracciano le incongruenze nella storia di Belle, ma non è sufficiente. Per poter pubblicare la notizia, Belle dovrebbe confessare.

Fortunatamente, hanno la brillante intuizione che Belle probabilmente sta mentendo anche sulle sue donazioni. Convincono le associazioni di beneficenza e Fiona, la madre di Hunter, a parlare con loro del fatto che Belle non ha fornito loro le donazioni promesse, e questa è la loro svolta. Purtroppo, non possono affermare nell’articolo che il cancro di Belle Gibson è falso, ma pubblicano la storia finanziaria, sperando che il pubblico colleghi i puntini. Questo corrisponde alla storia vera di Apple Cider Vinegar, poiché i giornalisti investigativi Beau Donelly e Nick Toscano hanno dovuto rivelare la storia finanziaria per smascherare le bugie di Belle.

Cosa succede a Hunter in Apple Cider Vinegar

Hunter soffre a causa dell’inganno di Belle Gibson

Una delle parti più tragiche di Apple Cider Vinegar è l’inganno di Belle Gibson nei confronti di un ragazzino di nome Hunter, affetto da cancro al cervello, e della sua famiglia. Questi personaggi sono basati su Joshua Schwartz e la sua famiglia, che sono stati manipolati dalla vera truffatrice. Nella miniserie, lei li usa in modo molto evidente per rafforzare la sua storia sul cancro, sostenendo di avere lo stesso tipo di tumore al cervello di Hunter. Manipola anche i consumatori promettendo alla famiglia un mese di vendite della sua app per pagare l’intervento chirurgico al cervello di Hunter.

Come prevedibile, non vedono mai un centesimo di quei soldi, il che porta a un tragico finale per il ragazzino. I giornalisti investigativi non possono fare nulla per recuperare le donazioni, quindi Fiona è costretta a cancellare l’intervento chirurgico di Hunter. Diventano oggetto di critiche da parte dei clienti che chiedono indietro i loro soldi, e la famiglia non può fare nulla per convincere le persone arrabbiate che non hanno mai visto un centesimo dei soldi di Belle Gibson. I detrattori iniziano anche ad accusare Hunter di fingere il cancro, il che riflette accuratamente la reazione alla vera storia di Joshua Schwartz (tramite Herald Sun).

La parte peggiore arriva alla fine di Apple Cider Vinegar, quando Fiona rivela che Hunter deve interrompere le cure, sottintendendo che è in fase terminale. Purtroppo, anche la storia reale finisce in tragedia. Joshua Schwartz è morto nel 2017 all’età di 9 anni (tramite Body Matters).

Il cambiamento di opinione di Lucy in Apple Cider Vinegar spiegato

Milla Blake Apple Cider Vinegar

Lucy finalmente capisce che Belle Gibson ha mentito

Il personaggio di Lucy in Apple Cider Vinegar è un esempio delle vittime di Belle Gibson, che si è lasciata convincere dalle sue affermazioni secondo cui il cancro può essere curato senza medicine. Ha ripetutamente difeso Belle davanti al marito giornalista Justin, che sta indagando su di lei dopo che Chanelle li ha informati delle sue bugie. L’affermazione che Belle non ha il cancro crea una profonda frattura nella coppia, che litiga sulla scelta di Lucy di rifiutare le cure. Tuttavia, il momento più significativo è quando lei commenta sui social media che Belle non ha mai fornito prove di avere il cancro.

Il cambiamento di mentalità di Lucy rappresenta come un seme di dubbio possa crescere inconsciamente nel tempo e diventare una rivelazione con la giusta spinta. Potrebbe averle richiesto del tempo per arrivarci a causa del rapporto parasociale che aveva con Belle, ma Lucy è finalmente riuscita a liberarsi dalla persona che l’ha manipolata per così tanto tempo. Un’altra interpretazione del suo commento sui social media è che ha finalmente capito che la sua lealtà va all’uomo che l’ha sostenuta per tutto il tempo. La decisione di mettere pubblicamente in dubbio Belle potrebbe essere nata dall’amore per suo marito.

In entrambi i casi, la storia di Lucy in Apple Cider Vinegar si conclude con una nota di speranza. Lei e Justin si riconciliano, trovando un compromesso che integra sia la medicina olistica che quella tradizionale. Fanno yoga e immersioni in acqua fredda insieme, e lei si sottopone anche alla chemioterapia e alla chirurgia per curare il cancro al seno. In un’epoca in cui la disinformazione scientifica è dilagante, è fondamentale sottolineare che questi due concetti non devono necessariamente essere in contrasto tra loro. Un paziente come Lucy può fidarsi dell’esperienza del proprio medico e allo stesso tempo ricorrere alla medicina alternativa.

Perché Clive alla fine rimane con Belle

Clive mette suo figlio prima di sé in Apple Cider Vinger

Anche se è il primo a dubitare che Belle Gibson abbia il cancro, Clive fatica a conciliare il suo amore per lei con la rabbia per le sue bugie. Minaccia più volte di lasciare Belle se lei non dimostra di avere il cancro o non dice la verità. Anche i suoi genitori gli dicono che deve rompere con lei. Purtroppo, alla fine rimane con Belle, non per i suoi sentimenti verso di lei, ma perché non è disposto a lasciare suo figlio.

Non essendo il padre biologico del bambino, non può garantire che otterrà i diritti di custodia. Implora il padre biologico di suo figlio di portarlo via da Belle. Clive è disposto a vedere suo figlio meno spesso, purché sia al sicuro, ma l’altro uomo rifiuta di assumersi qualsiasi responsabilità per il bambino. La sua decisione di restare con Belle è il sacrificio definitivo, un segno del suo amore per suo figlio.

Cosa significa davvero la frase “Questa è una storia vera” di Belle in Apple Cider Vinegar

Belle Gibson si perde tra ciò che è vero e ciò che è falso

In Apple Cider Vinegar, diversi personaggi affermano “Questa è una storia vera basata su una bugia” all’inizio di ogni episodio, il che sembra un modo sfacciato di Netflix per coprirsi le spalle dopo la causa per diffamazione intentata da Baby Reindeer. Tuttavia, alla fine dell’ultimo episodio, Belle ripete “Questa è una storia vera” alcune volte, il che rappresenta la lotta del personaggio per distinguere la verità dalle bugie dopo averle raccontate per così tanto tempo.

Ciò corrisponde alle contraddizioni della vera Belle Gibson nelle interviste del 2015 sulla verità. Ha rifiutato di ammettere pienamente, assumersi la responsabilità e scusarsi per le sue bugie quando ha parlato con The Australian Women’s Weekly. Nell’intervista nella vita reale con 60 Minutes, ha affermato di aver creduto alle sue bugie nel momento in cui le ha dette, come descritto in Apple Cider Vinegar. La dichiarazione e l’incertezza di Belle al riguardo in Apple Cider Vinegar sono anche un momento di autoconsapevolezza per la miniserie Netflix, che deve scegliere quali parti della storia vera raccontare e quali aspetti romanzare.

Come il finale di Apple Cider Vinegar si confronta con la storia vera

Il finale di Belle Gibson in Apple Cider Vinegar è quasi del tutto veritiero, con l’influencer che perde la sua attività e i suoi follower. La Penguin Publishing ha ritirato il suo libro di ricette e ha ricevuto una multa per non aver verificato i fatti riportati nel libro. Nel frattempo, Apple ha rimosso la sua app. La discrepanza più grande è che Belle potrebbe aver ricevuto o meno 45.000 dollari australiani per l’intervista a 60 Minutes, poiché si trattava solo di una voce. Tuttavia, il finale di Lucy è interamente fittizio, poiché gli sceneggiatori hanno creato il personaggio di Apple Cider Vinegar per rappresentare i milioni di malati di cancro reali che sono caduti nella trappola di Belle Gibson.

Il vero significato del finale di Apple Cider Vinegar

Apple Cider Vinegar può concentrarsi sulla truffa di Belle Gibson, ma la miniserie fa una scelta audace dedicando gli ultimi minuti dell’ultimo episodio a Justin e Lucy invece che alla truffatrice. Questa scelta potrebbe sembrare controintuitiva per la miniserie, ma in realtà continua l’autocoscienza di Apple Cider Vinegar, presente in tutta la storia.

Concludendo la serie con Justin e Lucy invece che con Belle, la serie invia un messaggio chiaro: il vero protagonista è sempre stato il cancro, non la bugiarda che ha approfittato della disperazione delle persone.

La miniserie Netflix appartiene al genere true crime, che troppo spesso racconta la storia del colpevole invece di seguire le vittime. Apple Cider Vinegar si impegna attivamente a raccontare la storia delle persone che sono state manipolate, derubate e truffate a causa di Belle Gibson. Concludendo la serie con Justin e Lucy invece che con Belle, la serie trasmette il chiaro messaggio che il vero protagonista è sempre stato il cancro, non la bugiarda che ha approfittato della disperazione delle vittime. Belle svanisce nell’oscurità in Apple Cider Vinegar, mentre i sopravvissuti continuano a vivere in prima linea.

Il colore delle magnolie – Stagione 4, la spiegazione del finale: quel personaggio sta davvero lasciando Serenity?

Redazione
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Il colore delle magnolie – Stagione 4, la spiegazione del finale: quel personaggio sta davvero lasciando Serenity?

Il finale della quarta stagione di Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias) ha provocato una montagna russa di emozioni per Maddie, Helen e Dana Sue, tutte per motivi diversi, e ha delineato un futuro molto diverso per le Sweet Magnolias in una potenziale quinta stagione. Iniziata all’indomani delle dimissioni del sindaco di Serenity, la quarta stagione di Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias) ha mostrato una nuova normalità per gli abitanti della cittadina della Carolina del Sud, di cui le vite personali e professionali di Helen, Dana Sue e Maddie facevano parte in modo massiccio. Il loro lavoro alla fondazione ha continuato a tenere unita la città in momenti felici e difficili, come hanno dimostrato gli sforzi di ricostruzione dopo la tempesta.

Il finale della quarta stagione di Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias) è stato il culmine dei vari drammi della stagione, a partire dalla morte scioccante di Bill e dall’impatto che il suo funerale ha avuto su tutti gli abitanti di Serenity nel corso della quarta stagione, soprattutto attraverso sua madre Bonnie, che ha causato la sua parte di problemi.

Con la tempesta che arriva subito dopo e che finalmente riunisce Helen ed Erik, Serenity non ha avuto un momento di calma nella quarta stagione di Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias). Tuttavia, gli sviluppi più importanti si sono concentrati sui percorsi che hanno portato Maddie, Dana Sue e Helen in direzioni opposte, mettendo alla prova la loro amicizia in modi nuovi nonostante il loro legame sia più forte che mai nella quarta stagione di Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias).

Perché Maddie accetta l’offerta di lavoro lontano da Serenity

È il lavoro dei sogni di Maddie e tutti sono felici per la sua carriera

La più grande minaccia alla vita felice di Maddie, Dana Sue e Helen a Serenity è il nuovo lavoro di marketing di Maddie a Manhattan con una casa editrice indipendente. Maddie, che studia marketing ma non è in grado di utilizzare la sua laurea, è stata una storia chiave di Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias) fin dalla prima stagione, in quanto Maddie ha messo in pausa la sua carriera per fare la casalinga. Per questo motivo è stato molto difficile rifiutare la proposta della casa editrice, soprattutto dopo che la stessa Maddie ha ammesso che la parte migliore del diventare autrice è stata la commercializzazione del suo libro.

Maddie era riluttante ad accettare l’offerta di lavoro perché l’avrebbe allontanata da Serenity, ma oltre a farla uscire dalla sua zona di comfort, l’avrebbe resa finalmente felice dal punto di vista professionale. L‘accettazione del cambiamento è stata al centro della quarta stagione di Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias), con Dana Sue che ha dovuto accettare che i sogni di Annie la portassero via dal Serenity e la relazione tra Helen ed Erik che era abbastanza solida da essere disposta a superare qualsiasi tempesta potesse arrivare. Questo fa sì che Maddie accetti l’offerta di lavoro come unica scelta possibile, perché realizzerebbe il suo sogno, cosa a cui le Magnolie non si opporrebbero mai.

La storia d’amore tra Helen ed Erik sembra finalmente destinata a durare dopo la quarta stagione di Il colore delle magnolie

La vita sentimentale di Helen ha subito grandi sconvolgimenti dalla stagione 1 di Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias), ma la sua chimica con Erik è sempre stata innegabile. All’inizio i due avevano cercato di esplorare i sentimenti romantici che provavano l’uno per l’altra, ma tra i problemi di Erik nell’andare avanti dopo la morte della moglie e il ritorno di Ryan, il primo amore di Helen, a Serenity, Helen ed Erik non hanno mai potuto dedicarsi completamente l’uno all’altra. Anche l’ inizio della stagione 4 diIl colore delle magnolie (Sweet Magnolias) sembrava allontanarli, con Helen che usciva con Alexander ed Erik che stava ancora con Genevieve, ma il finale della stagione ha finalmente fatto sbocciare il loro amore.

La relazione che [Helen ed Erik] hanno costruito è stata finalmente aperta e solidale, con i due che hanno riconosciuto i problemi che hanno dovuto affrontare e come questo li abbia resi partner migliori l’uno per l’altro.

La consapevolezza che le loro rispettive relazioni non erano le storie d’amore che volevano dalle loro vite ha convinto Helen ed Erik a rompere, nonostante non sapessero che entrambi avevano intenzione di farlo. Tuttavia, è stata Helen a rischiare la vita guidando nella tempesta che ha effettivamente riunito Helen ed Erik, che l’ha salvata da un albero abbattuto. La relazione che hanno costruito è stata finalmente aperta e solidale, con i due che hanno riconosciuto i problemi che hanno dovuto affrontare e come questo li ha resi partner migliori l’uno per l’altro, con il finale della quarta stagione che ha consolidato il loro legame con Erik che ha chiesto a Helen di sposarlo.

Perché Annie rifiuta l’offerta di Tyler di andare in tournée

Carson Rowland e Anneliese Judge in Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias)

La quarta stagione di Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias) ha visto anche un’altra coppia amata dai fan riunirsi finalmente dopo anni, con Ty che ha trovato il coraggio di ammettere i suoi sentimenti per Annie ad Halloween. Sebbene il loro incontro sia stato atteso per intere stagioni, è avvenuto in un momento particolarmente difficile per entrambi, poiché Annie era alle prese con le domande di ammissione al college e la band di Ty stava per partire per il tour. Questo ha fatto sì che Ty e Annie trascorressero i primi mesi di frequentazione separati e dopo una buona dose di sviluppi drammatici, visto che prima di partire Ty ha dovuto affrontare la morte del padre e la scoperta che Isaac era segretamente suo fratello.

Il ritorno a Serenity per Natale ha permesso a Ty di fare chiarezza su quello che voleva fosse il suo futuro, essendo fiducioso e felice per il suo tour in Europa in apertura di una band conosciuta durante il tour negli Stati Uniti. Tuttavia, chiedere ad Annie di mettere da parte i suoi sogni di fotografa per seguirlo in Europa è stato del tutto ingiusto e qualcosa che Ty avrebbe dovuto aspettarsi che Annie rifiutasse, conoscendo il suo entusiasmo per la scuola dei suoi sogni che aveva accettato la sua domanda. Il fatto che Ty sia stato lontano da Annie per la maggior parte del tempo in cui sono stati insieme rende comprensibile la sua richiesta, ma avrebbe potuto distruggere il loro rapporto se Annie avesse detto di sì.

Come Dana Sue e Ronnie hanno finalmente risolto i loro problemi e cosa significa per la quinta stagione

Dana Sue e Ronnie Il colore delle magnolie - stagione 4

La relazione tra Ronnie e Dana Sue era praticamente finita all’inizio di Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias), quando i due si erano separati, ma pian piano avevano riconquistato la fiducia l’uno dell’altra ed erano tornati insieme, con la terza stagione di Sweet Magnolias che aveva permesso loro di celebrare i progressi fatti con il rinnovo delle promesse nuziali. La sorprendente morte di Bill ha comunque lasciato Ronnie alle prese con il problema di quale sarebbe stata la sua eredità dopo la sua morte, portando all’acquisto estemporaneo di una moto che ha ricordato a Dana Sue le volte in cui non poteva contare su Ronnie, cosa che l’ha portata a cacciarlo da Serenity.

Ronnie viene presentato solo nel finale della prima stagione, in Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias), e la sua apparizione a sorpresa sottolinea quanto fosse grave la situazione tra lui e Dana Sue, che prima di allora lo aveva appena nominato.

Il superamento dei loro problemi nella stagione 3 di Sweet Magnolias ha dato una chance alla relazione tra Dana Sue e Ronnie, ma l’acquisto spontaneo di Ronnie ha fatto temere a Dana Sue il ritorno dei suoi peggiori impulsi nella stagione 4 di Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias). La loro prima reazione di andare volontariamente in terapia con il pastore June ha dimostrato quanto sia migliorato il rapporto tra Dana Sue e Ronnie, che non hanno dovuto affrontare troppe prove e tribolazioni prima di decidere di capire la causa principale delle azioni di Ronnie, dimostrando che i problemi principali che incombevano su di loro erano finalmente risolti.

Come il finale della stagione 4 di Sweet Magnolias prepara la stagione 5

Il colore delle magnolie - stagione 4 finale

Anche se la quinta stagione di Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias) non è ancora stata confermata, il finale della quarta stagione la rende estremamente diversa da tutte le stagioni precedenti. Infatti, con la scelta di Maddie di accettare un’offerta di lavoro che la porterà fuori da Serenity, la quinta stagione di Il colore delle magnolie potrebbe includere la prima volta che le Magnolie del titolo vivono separate l’una dall’altra e non tutte a Serenity. Il lavoro di Maddie che la porta a Manhattan significherebbe anche che tutti i Townsend del bar Ty si trasferirebbero con lei, insieme a Cal, lasciando intendere un futuro inaspettato per molti dei personaggi centrali di Il colore delle magnolie (Sweet Magnolias).

Il finale della quarta stagione di Il colore delle magnolie – Stagione 4 prevedeva anche la straziante separazione tra Ty e Annie, dopo che lui l’aveva spinta a unirsi a lui nel suo tour invece di andare al college dei suoi sogni, incrinando il loro rapporto e lasciando intendere che il loro futuro immediato nella quinta stagione sarebbe stato trascorso separati. Allo stesso tempo, il fidanzamento di Helen ed Erik nel finale della quarta stagione di Il colore delle magnolie indica anche che Serenity vedrà presto un altro matrimonio, rendendo le vite di Helen e Dana Sue particolarmente impegnate nella loro città natale, dato che probabilmente saranno entrambe coinvolte nell’organizzazione della cerimonia di Helen ed Erik.

Cassandra, la spiegazione del finale: chi sfugge all’ira di un sistema familiare tirannico?

Redazione
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Cassandra, la spiegazione del finale: chi sfugge all’ira di un sistema familiare tirannico?

Lo spazio sicuro di una casa si trasforma in un campo di battaglia per una guerra psicologica in questo thriller fantascientifico tedesco ricco di tensione, che raggiunge un inferno di fuoco nel finale, dove il passato viene completamente svelato. Netflix Cassandra è divisa tra passato e presente nel corso delle sue otto puntate, seguendo la vita umana della protagonista (Lavinia Wilson) e il suo regno tirannico su una nuova famiglia come robot e sistema domestico. Tuttavia, il passato è rappresentato in modo non lineare, saltando tra anni e momenti salienti della vita di Cassandra, rendendo un po’ disorientante ricostruire la cronologia degli eventi. Nel frattempo, nel presente, la famiglia Prill è intrappolata dai metodi manipolatori della sua versione robotica, dove Samira (Mina Tander) è rinchiusa in un istituto psichiatrico mentre la sua famiglia è imprigionata nella loro casa.

Nel corso della serie, ci rendiamo presto conto del tipo di madre che è Cassandra: ha un’immagine perseverante nella sua mente e lavora per realizzarla in modo amorevole, anche nascondendo cadaveri per conto di suo figlio. Questa mentalità leggermente contorta di essere ferocemente protettiva nei confronti dei suoi figli entra in gioco con sua figlia. A quanto pare, ha avuto un secondo figlio segreto dopo suo figlio. Suo marito, Horst (Franz Hartwig), voleva un altro figlio dopo aver capito che Peter (Elias Grünthal) non corrispondeva al modello maschile tradizionale. Per assicurarsi che il bambino fosse maschio, durante la gravidanza, l’ha sottoposta a un’ecografia sperimentale che prevedeva l’uso di radiazioni elevate per ottenere una risposta definitiva sul sesso del bambino. Con sua grande delusione, il bambino era una femmina.

A causa delle radiazioni, la bambina è nata con delle anomalie e, imbarazzato, Horst decide di dire a tutti che è nata morta e intende sbarazzarsi di lei. Tuttavia, Cassandra cresce segretamente sua figlia, Margrethe, in una stanza nascosta dietro un armadio. Margrethe comunicava con Cassandra accendendo e spegnendo la luce del forno, lontano da occhi indiscreti, mentre Cassandra credeva di proteggerla. Scopriamo che la preoccupazione principale di Cassandra era ed è sempre stata quella per i suoi figli: non le importava che Horst avesse una relazione con la sua migliore amica, Birgit, ma odiava il fatto che lui avesse fallito come padre.

Come diventa Cassandra un robot e un sistema domestico?

I primi sospetti di Samira e David (Michael Klammer) sul fatto che il sistema domestico fosse modellato su un essere umano erano leggermente fuori strada. Invece, la coscienza di Cassandra, compresi i ricordi e le emozioni, era stata trasferita nel sistema attraverso un processo tecnologico sperimentale che Horst aveva ideato alla ricerca dell’immortalità, ma che non era mai riuscito a testare.

Cassandra finì per diventare la candidata volontaria perfetta, poiché era malata terminale a causa delle radiazioni subite durante la sua seconda gravidanza. L’immortalità in sé non le interessava, ma non voleva abbandonare i suoi figli e, quindi, insistette per sottoporsi al processo. Inoltre, ricattò emotivamente l’assistente di Horst affinché creasse un falso interruttore di spegnimento: quello vero era controllato solo da lei, garantendole il potere assoluto in casa.

Per un po’, la Cassandra digitale, Horst e Peter vivono insieme in modo difficile, ma la sua presenza costante li rende sempre più furiosi. Alla fine Horst porta Birgit e il loro figlio neonato Thomas a casa, e come previsto Cassandra è così infuriata che li spinge giù dalle scale. Peter è l’unico a rendersi conto di quanto lei sia diversa dalla sua vera madre, dato che Cassandra in passato non avrebbe mai osato fare del male a un bambino. Dopo aver sentito la sua delusione, lei permette loro di lasciare la casa, a condizione che Horst porti con sé Margrethe, poiché lei non è in grado di prendersi cura di lei da sola. Lui promette falsamente che lo farà, ma fugge senza di lei, spingendo Peter a saltare dalla loro auto in fuga per disobbedirgli e causando un incidente. Solo Peter e Horst muoiono nell’incidente, mentre Cassandra si spegne, apparentemente incapace di sopportare il pensiero di vedere Margrethe morire per negligenza.

Samira e la sua famiglia sopravvivono nel finale di “Cassandra”?

Nella linea temporale attuale, Cassandra è determinata a sostituire la sua famiglia con i Prill, in particolare i bambini, Fynn (Joshua Kantara) e Juno (Mary Tölle). È riuscita a metterli contro Samira, che si trova in una struttura psichiatrica dove ha accesso al suo telefono e vede dei messaggi sospetti da parte della figlia. Tuttavia, dopo che David insiste nel non crederle e le dice essenzialmente che è “pazza”, lei non si fida più di se stessa fino a quando non ha un’allucinazione di sua sorella che la incoraggia a riconquistare la sua autonomia psicologica. Samira fugge dall’ospedale e arriva a casa, solo per essere brutalmente aggredita da David, che è minacciato da Cassandra. Schivando i tentativi, Samira si nasconde nell’armadio e trova la stanza segreta di Margrethe. Trova anche, in modo più inquietante, il corpo in decomposizione di Margrethe.

Cassandra affronta Samira, ma le due riescono a entrare in sintonia grazie alla loro maternità, ed è così che Samira convince Cassandra a lasciarle andare: i suoi figli non accetterebbero mai Cassandra come madre, quindi è inutile provarci. Cassandra capisce che non può più aggrapparsi al passato; la sua vera identità è morta insieme al suo corpo e, per quanto controllo fisico abbia ora sulla casa, non può ricreare il sentimento di maternità. Gli ultimi atti di Cassandra come buona madre sono lasciare andare la famiglia e infine dare fuoco alla casa. Sembra quasi una reazione al suo precedente tentativo di incendio doloso delle foto di famiglia proiettate. La prima volta, le fiamme hanno distrutto il suo legame con il passato, ma questa seconda volta l’hanno avvicinata alla sua natura materna iniziale, soprattutto perché hanno simbolicamente dato a Margrethe la cremazione che le era dovuta.

Le donne sono vittime dell’arroganza maschile in “Cassandra”

Dopo tutto quello che è successo, Samira decide di lasciare David, e i suoi figli sono assolutamente d’accordo. Il tentativo di ucciderla è stata l’ultima goccia, perché sapeva che Cassandra non avrebbe mai fatto del male ai bambini, quindi lui l’ha aggredita solo per proteggersi. Cassandra poteva “fare a meno di lui”, dopotutto, proprio come poteva fare a meno del marito egoista e traditore. Sia Samira che Cassandra sono vittime dell’arroganza maschile in questa storia. Samira è stata profondamente manipolata dal marito, che a sua volta era facilmente manipolabile da Cassandra, poiché tutto ciò che lei doveva fare era lusingare o aggredire il suo ego. In questo modo, diventa l’emblema delle donne che non vengono prese sul serio e vengono etichettate come “isteriche”. Il suo unico sostegno proveniva dalla sorella e dal figlio, la cui omosessualità lo rendeva immune dall’archetipo maschile tradizionale che viene analizzato dalla serie.

D’altra parte, Cassandra era stata essenzialmente respinta dal marito, che la vedeva solo come un mezzo per perpetuare la sua stirpe e prendersi cura delle sue esigenze domestiche. Sebbene la priorità di Cassandra fossero i suoi figli, era chiaramente ferita e alienata dalle azioni di Horst, il che la spingeva ad aggrapparsi ancora di più alla maternità. Anche se la serie non giustifica le sue azioni, è evidente che il carattere egoista di Horst ha distorto la sua maternità, spingendola alla fine ad agire per il dolore provato nei confronti dei Prill. Il suo nome e il titolo della serie richiamano Cassandra nella mitologia greca, che aveva il dono di fare profezie ma era condannata a non essere creduta da nessuno. In Cassandra, le voci femminili non vengono ascoltate o vengono minimizzate, ma il finale catartico pone fine agli squilibri di potere che derivano dai ruoli di genere nella vita di queste due donne.

Apple Cider Vinegar: cosa è successo alla vera Belle Gibson e dove si trova oggi

Redazione
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Apple Cider Vinegar: cosa è successo alla vera Belle Gibson e dove si trova oggi

La miniserie Apple Cider Vinegar racconta la storia vera, o quasi, della truffatrice australiana Belle Gibson tra il 2009 e il 2015, sollevando interrogativi su cosa sia successo dopo che i giornalisti hanno smascherato le sue bugie. Netflix si è guadagnata una reputazione per i suoi contenuti basati su crimini reali, e Apple Cider Vinegar è un’ottima aggiunta al suo catalogo. La serie con Kaitlyn Dever è simile a Inventing Anna di Netflix, poiché entrambe seguono una giovane donna che ha mentito e truffato le persone per fare carriera.

Tuttavia, la miniserie del 2025 ha un umorismo più nero e un tono tagliente che ha portato a recensioni positive per Apple Cider Vinegar. La serie si discosta dalla norma anche in un altro modo. Sebbene sia basata su una storia vera, la serie non include delle diapositive alla fine che rivelano il destino dei personaggi dopo che Gibson è stata smascherata. Tuttavia, dal 2015, Gibson è finita in tribunale, ha eluso le conseguenze e ha iniziato a usare un nome diverso.

Apple Cider Vinegar è ispirato al libro true crime The Woman Who Fooled The World di Beau Donelly e Nick Toscano.

Belle Gibson ha ammesso di aver mentito sul suo cancro nel 2015

Penguin Random House ha smesso di stampare The Whole Pantry

Dopo essere stata smascherata dai giornalisti investigativi Beau Donelly e Nick Toscano sul The Sydney Morning Herald, Belle Gibson ha concesso un’intervista esclusiva a The Australian Women’s Weekly, in cui ha ammesso per la prima volta di aver mentito sul suo cancro. Alla domanda diretta se avesse avuto il cancro in passato o se lo avesse ancora, ha risposto: “No, niente di tutto questo è vero.” Tuttavia, le dichiarazioni effettive riportate nell’articolo sono frustranti e contraddittorie e scaricano la colpa sugli altri.

La conclusione principale dell’intervista di The Australian Women’s Weekly è che Belle Gibson è una narratrice inaffidabile, alle cui parole non si può dare credito.

Nella stessa intervista, Belle Gibson afferma di aver ricevuto una diagnosi di cancro nel 2009 e nel 2014, spiegando che era qualcosa che riteneva vero su se stessa, insieme al fatto di essere alta, bionda e di avere gli occhi nocciola. Clair Weaver afferma che gli amici di Gibson l’hanno contattata per metterla in guardia sulle sue bugie. La truffatrice fa anche molte affermazioni nell’intervista che gridano all’esagerazione. La conclusione principale dell’intervista di Women’s Weekly è che Belle Gibson è una narratrice inaffidabile, alle cui parole non si può credere.

Belle Gibson è stata multata di quasi 410.000 dollari per le false dichiarazioni sulle sue donazioni in beneficenza

Belle Gibson deve ancora dei soldi al governo australiano

Alla fine della miniserie Netflix, la protagonista di Apple Cider Vinegar dice sfacciatamente al pubblico che può cercare su Google cosa è successo dopo, invece di dedicare l’intero segmento “cosa è successo dopo” che è tradizionale nei programmi televisivi sui crimini reali. A quanto pare, il governo australiano ha finalmente portato Belle Gibson in tribunale nel 2017.

Gibson è stata citata in giudizio dalla Corte Federale Australiana per aver violato le leggi sui consumatori. Aveva promesso di donare i proventi del suo libro e della sua app The Whole Pantry. Tuttavia, le associazioni di beneficenza e i presunti destinatari non avevano alcuna traccia delle sue donazioni. Secondo il Herald Sun, i tribunali australiani le hanno inflitto le seguenti multe (in AUD):

  • 90.000 dollari per due affermazioni secondo cui avrebbe donato denaro in beneficenza proveniente dalla sua azienda e dalle vendite dell’app
  • 150.000 dollari per aver truffato la famiglia di Joshua Schwarz, un bambino morto di un tumore cerebrale terminale. Aveva promesso che i proventi di The Whole Pantry avrebbero generato un reddito per la sua famiglia.
  • 30.000 dollari per una promozione per la Festa della Mamma in cui aveva promesso che i fondi sarebbero stati donati al progetto 2H e alla Fondazione Bumi Sehat
  • 50.000 dollari per false dichiarazioni su donazioni di beneficenza al momento del lancio di The Whole Pantry

In totale, le multe ammontano a 410.000 dollari australiani, pari a circa 256.500 dollari americani. Si tratta di una cifra molto inferiore al milione e 100.000 dollari australiani che avrebbe potuto dover pagare. Il giudice le ha vietato di dire che le era stato diagnosticato un tumore al cervello prima del 24 maggio 2016 e che aveva guarito il cancro rifiutando la medicina convenzionale. Tuttavia, le è stata concessa una grande clemenza: Belle Gibson non è stata obbligata a scusarsi pubblicamente.

Nonostante le multe, Gibson non ha voluto pagare, secondo l’Australian Broadcasting Corporation, sostenendo di non potersi permettere di pagare i 410.000 dollari. Tuttavia, l’autorità garante dei consumatori ha scoperto che tra il 2017 e il 2019 aveva speso 91.000 dollari in vestiti e viaggi a Bali e in Africa. Nel 2021, l’ufficio dello sceriffo del Victoria ha fatto irruzione nella sua casa con un mandato di sequestro e vendita per recuperare alcune delle multe non pagate, che hanno raggiunto oltre 500.000 dollari australiani a causa delle sanzioni e degli interessi (via Australian Broadcasting Corporation). Purtroppo, al momento dell’uscita di Apple Cider Vinegar, secondo il Herald Sun, non aveva pagato nulla.

Belle Gibson è rimasta lontana dai riflettori dopo lo scandalo

Da quando è scoppiato lo scandalo di Belle Gibson nel 2015, la truffatrice ha mantenuto una vita privata. Nel 2020, l’Australian Broadcasting Corporation ha riferito che Gibson si era integrata nella comunità Oromo dell’Etiopia a Melbourne, in Australia, con il nome di Sabontu. Sebbene fosse coinvolta dal 2016, la comunità non era a conoscenza della sua identità fino al gennaio 2020. Tuttavia, secondo The Australian Women’s Weekly, il leader della comunità le ha chiesto di andarsene nel 2021 dopo aver scoperto la sua identità, sostenendo alla pubblicazione che stava “sfruttando il buon cuore delle persone della nostra comunità”.

Non è chiaro cosa abbia fatto esattamente da quando ha lasciato la comunità Oromo. Nel febbraio 2024, A Current Affair l’ha incontrata mentre si trovava in una stazione di servizio e viveva nella periferia nord dell’Australia. Quando le è stato chiesto del pagamento della multa dal giornalista, ha dichiarato a A Current Affair che non l’aveva pagata perché non poteva permetterselo e si è rifiutata di rispondere alle domande sul fatto che le sue vittime meritassero delle scuse. Considerando il suo desiderio di rimanere lontana dai riflettori, è altamente improbabile che commenterà mai la serie Netflix Apple Cider Vinegar.

Milla Blake è basata su una persona reale? la spiegazione del personaggio di Alycia Debnam-Carey in Apple Cider Vinegar

Redazione
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Milla Blake è basata su una persona reale? la spiegazione del personaggio di Alycia Debnam-Carey in Apple Cider Vinegar

Apple Cider Vinegar si concentra principalmente su Belle Gibson, ma gli spettatori potrebbero chiedersi se una persona di nome Milla Blake abbia davvero gareggiato con lei. La serie Netflix è basata sul romanzo poliziesco di Beau Donelly e Nick Toscano, The Woman Who Fooled the World, e cerca di raccontare e reimmaginare gli eventi e le azioni della donna che ha costruito un impero del benessere mentendo sul fatto di avere il cancro. Mentre l’attrice Kaitlyn Dever interpreta la famigerata influencer, Alycia Debnam-Carey interpreta un ruolo altrettanto importante, che sta già ricevendo elogi nelle recensioni di Apple Cider Vinegar.

Ambientato nei primi anni 2010 e durante l’ascesa di Instagram, Apple Cider Vinegarindaga su una specifica influencer olistica e sul ruolo che potrebbe aver svolto nell’informare Belle Gibson delle sue terribili azioni. All’inizio di ogni episodio, tuttavia, i personaggi di Apple Cider Vinegar rompono la quarta parete per chiarire che, anche se la narrazione è basata su una storia vera, “alcuni nomi sono stati cambiati e alcuni personaggi sono stati inventati”. È il caso di Milla Blake, interpretata da Alycia Debnam-Carey, che, nonostante sia fondamentale per il solido punteggio di Apple Cider Vinegar su Rotten Tomatoes, non è tecnicamente basata su una persona reale.

Milla Blake non è basata su una persona reale in Apple Cider Vinegar

Milla Blake rappresenta gli influencer da cui Belle Gibson ha tratto ispirazione

In Apple Cider Vinegar, Alycia Debnam-Carey interpreta Milla Blake, un’influencer nel campo del benessere che gestisce il blog greenstonehealing.com. La piattaforma online di Milla è presentata come la principale fonte di ispirazione di Belle, che arriva persino a copiare parola per parola i discorsi di Blake. Dopo essersi convinta di aver sconfitto il cancro con trattamenti olistici, Blake si impegna a condividere le sue scoperte con gli altri, incoraggiando i malati di cancro a prendere il controllo del proprio corpo e a cercare la guarigione nella natura.

Sebbene il suo percorso possa essere simile a quello di molte persone reali, non esiste una persona reale di nome Milla Blake nella storia vera. Piuttosto, lei rappresenta un amalgama di influencer olistici che diffondono speranza quando la medicina convenzionale spesso non è in grado di farlo.

Apple Cider Vinegar sostiene che, avendo riconosciuto il messaggio potente e lodato dalle influencer malate, Gibson è stata motivata a replicarlo. Tuttavia, il viaggio di Milla va ben oltre la sua competizione con il personaggio di The Last Of Us Kaitlyn Dever, poiché Milla ha davvero il cancro.

Tuttavia, secondo Today, Debnam-Carey ha detto che Milla è stata in parte ispirata dalla storia vera di Jessica Ainscough. Diagnosticata con un sarcoma epitelioide nel 2008 all’età di 22 anni, Ainscough era redattrice della rivista per adolescenti Dolly, si era soprannominata “The Wellness Warrior” e aveva aperto un blog con lo stesso nome. Ainscough scriveva spesso delle sue esperienze con metodi alternativi per curare il cancro, come la “Gerson Therapy”, e organizzava eventi “Wellness Warrior” per consentire ad altri di discutere delle loro esperienze. Nel 2019, Ainscough è morta a causa della malattia all’età di 29 anni.

Cosa succede a Milla Blake in Apple Cider Vinegar

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Il cancro al braccio di Milla Blake si diffonde, uccidendola nel finale di Apple Cider Vinegar

Sebbene Milla Blake sia presentata come una donna forte e un po’ narcisista, è solo vittima della disinformazione e della paura. Nel 2009, a Blake viene diagnosticato un cancro chiamato sarcoma pleomorfo indifferenziato, che ha formato dei tumori nel braccio. Quando i medici le consigliano di amputare il braccio per evitare che il cancro si diffonda, Milla non riesce ad accettarlo. Si mette a cercare online una miriade di alternative, convincendosi che non è necessario seguire la medicina convenzionale.

Il successo esteriore di Milla sembra rispecchiare la sua guarigione interiore, ma non potrebbe essere più lontano dalla verità.

Di conseguenza, Milla si rivolge all’Hirsch Institute in Messico, una cosiddetta clinica oncologica che utilizza un protocollo di salute olistico. Convinta che una dieta rigorosa a base di succhi misti e clisteri di caffè la stia guarendo, Milla inizia a condividere il suo percorso e le sue scoperte online, incoraggiando gli altri a prendere il controllo del proprio corpo e a cercare la guarigione nella natura. Diventa una influencer e mentore molto popolare, lancia la sua linea di succhi e pubblica persino un libro. Il successo esteriore di Milla sembra rispecchiare la sua guarigione interiore, ma nulla potrebbe essere più lontano dalla verità.

Sicura di sé, Blake arriva persino a convincere sua madre a sottoporsi allo stesso trattamento quando le viene diagnosticato un cancro. Tuttavia, la madre di Milla muore poco prima che partano per l’Hirsch Institute, costringendola finalmente ad ammettere il proprio stato di salute in declino. La storia di Milla Blake è la più straziante di Apple Cider Vinegar, soprattutto perché il suo tragico finale è opera sua. Il personaggio interpretato da Debnam-Carey muore, il cancro al braccio ha metastatizzato e si è diffuso ai polmoni, alle costole e all’osso sacro.

Il vero significato del personaggio di Milla Blake in Apple Cider Vinegar

Milla Blake mostra il vero risultato della manipolazione delle cure contro il cancro

Per comprendere il ruolo di Alycia Debnam-Carey di It’s What’s Inside in Apple Cider Vinegar e il motivo per cui gli sceneggiatori hanno creato il suo personaggio, è importante analizzare i suoi messaggi online e la sua esperienza di vita. A differenza di Belle, Milla ha davvero il cancro. Anche se sostiene di essere una sopravvissuta, Blake soffre dei sintomi della sua malattia per tutto il tempo e, come altre persone affette da una malattia terminale, odia sentirsi impotente. Per questo motivo, come molti altri, è pronta a credere nella medicina alternativa, che le dà la speranza di una cura magica e miracolosa.

Mentre Gibson ama l’attenzione e il successo, Blake pensa che la medicina olistica le abbia davvero salvato la vita. Belle non solo sta portando via a Milla la sua voce e la sua esperienza reale, ma la sta usando per avanzare nella sua carriera. La presenza di Milla in Apple Cider Vinegar peggiora notevolmente le azioni di Belle, poiché finge qualcosa che sta ferendo e uccidendo attivamente altre persone. Anche se la serie fa sembrare che la distruzione di Belle da parte di Milla sia un atto di giustizia poetica, alla fine Apple Cider Vinegar sottolinea che il cancro non è qualcosa da manipolare a proprio piacimento, ma una malattia molto grave e reale.

La ragazza di neve – stagione 2, la spiegazione del finale

Redazione
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La ragazza di neve – stagione 2, la spiegazione del finale

Con l’uscita di La ragazza di neve – stagione 2, la collezione di thriller di Netflix si arricchisce di un’altra emozionante aggiunta. La serie misteriosa spagnola, scritta da Jesus Mesas e adattata dal romanzo di Javier Castillo, ha tutto ciò che serve per diventare una serie da guardare tutta d’un fiato nei suoi sei episodi. La storia segue Miren Rojo (Milena Smit) e il suo improvviso interesse per un caso di rapimento di una bambina, Amaya Martín, scomparsa sotto la sorveglianza del padre mentre la madre era lontana. Miren, una giornalista stagista, ha una trama che si svolge sotto forma di flashback, mostrando frammenti del suo stupro e di come il trauma di quell’esperienza influenzi i suoi sforzi con ogni colpo di scena della vicenda della bambina scomparsa, mentre i due casi iniziano a intrecciarsi.

La serie riesce magnificamente a far empatizzare il pubblico con ciascuno dei personaggi, tutti alle prese con le proprie lotte interiori, il che porta a un finale emozionante e a un epilogo che lascia la porta aperta a ulteriori colpi di scena in una seconda stagione, se Netflix darà il via libera a un altro adattamento.

Un incontro teso tra Miren e Iris

Tutto ciò che è successo tra il primo e il quinto episodio ha portato a questo momento. Il pubblico ha capito subito, non appena Miren ha scoperto il nome di Iris, che era solo questione di tempo prima che la trovasse. Questo incontro è stato amplificato dal fatto che Miren si è ritrovata sospettata nei telegiornali dopo il ritrovamento dei corpi di David Luque (Tristán Ulloa) e James Foster. Rendendosi conto di essere con le spalle al muro, capì che era ora o mai più di fare pressione su Iris e sperare di rintracciare Amaya. Quello che seguì fu la scena più tesa di una serie ricca di momenti palpitanti. L’ambientazione stessa alimentava l’intensità di ciò che stava per accadere, dato che Iris e Amaya, che nei nove anni trascorsi dal rapimento aveva assunto il nome di Julia, vivevano in una zona isolata, con una sola strada di accesso e nessun vicino nel raggio di chilometri. Era come mettere le mani in un nido di vespe: dopotutto, gli spettatori avevano già visto Iris sparare con un fucile a un impiegato di banca che era venuto a notificare loro il mancato pagamento del mutuo.

La conversazione tra Miren e Iris riassume tutto ciò che gli spettatori sapevano di Miren, ovvero che è una persona molto astuta. Gli sceneggiatori di La ragazza di neve hanno fatto un lavoro straordinario nel fornire chiari indizi al pubblico sui vari momenti in cui Miren ha iniziato a collegare i puntini e capire che Amaya era tenuta prigioniera in quella casa.

C’era il videoregistratore che lei ha notato non appena si è seduta in salotto, che conteneva le due cassette che Iris e il suo defunto marito Santiago le avevano inviato in precedenza. La fascia che Iris indossava era dello stesso tessuto di quella che Amaya indossava nei video che le erano stati inviati. Miren ha anche notato una piccola bicicletta rosa nascosta sul retro quando è arrivata.

Qui gli sceneggiatori hanno aggiunto un tocco di classe, fornendo indizi ma lasciando anche che lo spettatore giocasse a fare il detective, perché era evidente che Miren aveva notato quelle cose, ma ciò che restava da dedurre al pubblico erano altri due indizi. Il primo riguardava proprio quella bicicletta, quando Iris disse in seguito a Miren che, dopo la morte del marito, la casa era ora occupata solo da lei e dal suo cane. Si trattava di una chiara svista, poiché non spiegava perché questa donna avesse una bicicletta da bambina nel cortile sul retro. Il secondo indizio sottile era il rumore che Miren aveva sentito provenire dal piano di sopra, che era una combinazione di rumori del cane e di Amaya. Iris ha rapidamente coperto il rumore dicendo che aveva portato il cane al piano di sopra perché “impazziva” quando c’era gente in giro. Pochi istanti dopo, poiché il rumore non si dissipa, Iris si offre di portare giù il cane. Una volta al piano di sotto, Miren riceve un caloroso benvenuto dal cane e gli spettatori lo vedono poi sedersi tranquillamente in cucina. Anche se Miren non rivela di aver capito o meno, è lecito supporre che abbia notato la bugia di Iris.

Una fine violenta che lascia molti pezzi da raccogliere

A questo punto, tutti i personaggi coinvolti erano consapevoli che gli altri sapevano cosa stava succedendo. Iris aveva capito chiaramente di essere stata scoperta, mentre Miren era sicura che quella fosse la donna che aveva rapito Amaya. Nel corso dei sei episodi, il team creativo ha fatto un lavoro straordinario nel delineare i personaggi, e vedere il risultato a questo punto ha reso il finale degno di tutti i colpi di scena. Alla fine, quella conversazione ha portato Iris a raccogliere tutto e fuggire, dando vita a un breve inseguimento in auto con Miren alle calcagna. Sentendo che nessuno può separarla dalla sua “figlia”, Iris esce di strada e precipita giù da una collina, andando incontro alla morte. Amaya, che aveva tenuto allacciata la cintura di sicurezza, esce dall’auto con ferite al viso più che altro, e alla fine spara un colpo che sfiora la spalla di Miren prima che lei riesca a strapparle la pistola e a calmare la ragazza. Questa scena è stata difficile da guardare perché, con il passare dei secondi, era sempre più chiaro che non sarebbe finita bene. Gli spettatori hanno assistito all’ascesa e alla caduta di Iris, una donna che era una paziente della madre di Amaya e a cui era stato detto che le sue possibilità di avere un figlio erano sempre più remote. Per quanto la svolta di Iris nel decidere di rapire la bambina fosse cupa e inquietante, gli sceneggiatori sapevano che era importante mostrare le difficoltà che aveva attraversato affinché questa scena finale avesse l’effetto desiderato.

La parte restante dell’episodio vede Amaya ricongiungersi con i suoi genitori, ma chiaramente con una lunga convalescenza davanti a sé dopo essere stata tenuta in isolamento per nove anni. Non risponde al nome Amaya in un’interazione straziante tra la famiglia riunita, ma sua madre alla fine la chiama Julia e il muro tra i genitori e la figlia si abbassa leggermente, dando agli spettatori la speranza che il tempo possa guarire questo rapporto. Nonostante abbia interpretato il ruolo dell’eroina, Miren non si sente affatto tale dopo aver salvato la ragazza. La polizia sospetta ancora che lei abbia qualcosa a che fare con l’incendio doloso, perché sapeva che Miren aveva scoperto che le due persone morte facevano parte della pagina web oscura che aveva pubblicato il video del suo stupro. Anche il pubblico ha visto la sua macchina fotografica con le due foto che gli investigatori avevano scoperto, dipingendo Miren come la principale sospettata. La scheda con le foto è stata però distrutta da Eduardo (José Coronado), che lo ha fatto per proteggerla. Miren ha avuto molte interazioni durante lo show, ma il suo legame indissolubile con Eduardo si è rivelato una trama interessante, con il culmine proprio in questo momento, quando il pubblico ha potuto vedere fino a che punto lui sarebbe arrivato per proteggerla.

Il significato de La ragazza di neve viene svelato

Prima della fine della serie, c’è un salto temporale di due anni e Miren, che sembra aver voltato pagina senza alcuna prova a suo carico, ha appena pubblicato un libro intitolato “Snow Girl”. Naturalmente, il libro documenta il viaggio che ha intrapreso per scoprire la verità sul rapimento di Amaya Martín. È qui che il pubblico finalmente capisce il significato del titolo della serie.

Durante una lettura del libro, Miren spiega che si tratta del rumore bianco che si sentiva alla fine di ciascuno dei due nastri inviati a lei e ai genitori di Amaya per far loro sapere che stava bene: “Ogni volta che finivano, sullo schermo emergeva un rumore bianco interno ed era allora che vedevo sempre Amaya, ricoperta di neve, tanto che era impossibile sfuggirle”. Questo è stato il motivo che ha spinto Miren a perseguire con determinazione la giustizia; semplicemente non poteva lasciare che quella ragazza cadesse nell’oscurità, anche dopo nove anni di ricerche.

Sebbene Netflix abbia etichettato questo programma come miniserie, ciò non significa che la serie sia giunta al termine. Prima di chiudersi, Miren riceve una busta con scritto sulla parte anteriore: “Vuoi giocare?”. Per quanto inquietante possa sembrare, il contenuto della busta porta questa storia oscura a un altro livello quando viene mostrata una foto di una ragazza legata. Chi è quella ragazza? Che cosa ha a che fare con Miren? Alla fine, non si sa nulla, il che lascia la porta aperta per una seconda stagione se Netflix decidesse di dare seguito al successo ottenuto con i primi sei episodi.

Chicago P.D. – Stagione 12: data di uscita, cast, trama, trailer e tutto ciò che sappiamo

Redazione
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Chicago P.D. – Stagione 12: data di uscita, cast, trama, trailer e tutto ciò che sappiamo

Il popolarissimo police procedural Chicago P.D. è l’ennesima continuazione di successo del franchise One Chicago, ed è stato confermato il suo ritorno per la dodicesima stagione. Sviluppata per la TV dal leggendario produttore Dick Wolf e da Matt Olmstead, Chicago P.D. segue gli agenti dell’Unità di Intelligence del dipartimento mentre usano i loro talenti unici per risolvere alcuni dei casi più importanti della città. Come la maggior parte dei numerosi procedurali televisivi di Wolf, Chicago P.D. brilla perché trova il perfetto equilibrio tra storie settimanali emozionanti e narrazioni continue sulla vita personale dei personaggi.

Chicago P.D. è stata lanciata nel 2014 come primo spinoff della serie di successo Chicago Fire, e il suo successo immediato è stato la prova che l’universo di One Chicago era altrettanto valido quanto gli altri show dell’universo di Dick Wolf. L’undicesima stagione di Chicago P.D. è stata ritardata, insieme al resto dei suoi contemporanei, dagli scioperi di Hollywood del 2023, ma il fatto che non sia stata trasmessa non ha diminuito la sua popolarità complessiva. Questo continuo successo rende la stagione 12 non una sorpresa.

 Ultime notizie su Chicago P.D. Stagione 12

La NBC svela un promo di One Chicago

Con il ritorno di One Chicago Wednesday previsto per settembre, è stato rivelato un nuovo promo che anticipa tutti e tre gli show di One Chicago . Rivelato sulla pagina ufficiale di One Chicago su Instagram, il breve teaser presenta spezzoni della prossima stagione 12 di Chicago P.D. e si concentra su Voight che cerca ancora di affrontare il trauma vissuto nella scorsa stagione.

Chicago P.D. Stagione 12 – Data di uscita

Dopo l’undicesima stagione di scioperi, Chicago P.D. e il resto della famiglia di show One Chicago dovrebbero tornare alla loro normale programmazione. Per questo motivo, la NBC ha programmato l’inizio della messa in onda di tutti e tre i programmi di One Chicago per mercoledì 25 settembre. Chicago P.D. ha mantenuto il suo orario abituale e andrà in onda per ultimo, a partire dalle 22.00.

Il cast di Chicago P.D. – Stagione 12

Il cast di serie come Chicago P.D. non varia troppo da una stagione all’altra, e questo significa che la dodicesima stagione conterrà probabilmente molti volti familiari dell’undicesima stagione. L’undicesima stagione ha visto molte turbolenze e cambiamenti all’interno del cast dello show, e c’è motivo di credere che la dodicesima stagione sarà molto più tranquilla e sarà composta principalmente da star che ritornano. Ciò significa che i fan possono aspettarsi di vedere Jason Beghe riprendere il suo ruolo di lunga data del sergente Hank Voight, un ruolo che ha interpretato fin dall’inizio.

La partenza di Hailey Upton (interprete di Tracy Spiridakos) è un duro colpo per la prossima stagione, ma i produttori promettono una sostituzione adeguata. Anche se non sostituirà la Upton, la dodicesima stagione aggiungerà un nuovo poliziotto di quartiere, l’agente Kiana Cool di Toya Turner. Inoltre, Shawn Hatosy si unirà al cast nel ruolo del vice capo Charlie Reid nella dodicesima stagione. Beghe non sarà l’unica star a tornare, e il cast principale probabilmente includerà:

La Storia Chicago P.D. – Stagione 12

Non è stato annunciato nulla riguardo alla trama della dodicesima stagione di Chicago P.D. , ed è difficile capire cosa potrebbe accadere in seguito basandosi sul finale dell’undicesima stagione. Sebbene sia impossibile indovinare quale tipo di trama verrà raccontata nella prossima stagione, alcuni aspetti sono rimasti costanti di stagione in stagione. Chicago P.D. è prima di tutto un procedurale, quindi gli spettatori possono aspettarsi di vedere una serie di casi emozionanti che vedono l’Unità di Intelligence e gli altri agenti impegnati a scovare pericolosi criminali e a mantenere la città al sicuro.

Chicago P.D. Stagione 12 – Trailer

Anche se un trailer completo non è ancora disponibile, la pagina ufficiale di One Chicago su Instagram ha condiviso un video promozionale della prossima stagione. La dodicesima stagione di Chicago P.D. è stata ampiamente descritta e le clip si sono concentrate su Voight, che sta lottando per superare il trauma subito nella scorsa stagione. Chiaramente oberato di lavoro, il leader della squadra potrebbe mettere in pericolo se stesso e gli altri evitando le sue esperienze oscure.

We Live in Time – Tutto il tempo che abbiamo: recensione del film con Florence Pugh e Andrew Garfield

Chiara Guida
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We Live in Time – Tutto il tempo che abbiamo: recensione del film con Florence Pugh e Andrew Garfield

We Live in Time – Tutto il tempo che abbiamo, diretto da John Crowley e sceneggiato dal drammaturgo Nick Payne, esplora le sfumature più profonde dell’amore, della perdita e soprattutto del tempo. Presentato al Toronto Film Festival e in seguito alla Festa del Cinema di Roma, il film si affida a una narrazione emotiva complessa, fondata su un montaggio non lineare che, con questo espediente amplifica il senso di ogni momento sottoposto all’attenzione dello spettatore.

La trama di We Live in Time – Tutto il tempo che abbiamo

Protagonisti di questo racconto sono Almut, una chef stellata interpretata da Florence Pugh, e Tobias, interpretato da Andrew Garfield. La loro relazione viene raccontata attraverso una serie di salti temporali che spaziano tra passato e presente, creando un mosaico di ricordi, momenti di tenerezza, circostanze tristi e altre gioiose, scene ricche di emozione. I due personaggi si incontrano in maniera del tutto accidentale (o dovremmo dire “incidentale”?) e si innamorano. Condividono una storia di dieci anni, scandita da quotidianità e complicità, ma anche da un importante evento tragico: una malattia terminale che colpisce Almut. La narrazione si sviluppa attraverso l’uso del montaggio, affidato a Justin Wright, che riesce a dare continuità ai vari momenti della storia, mettendoli tutti in relazione reciproca, scelta che di volta in volta “aggiusta” il significato di ogni scena.

Il percorso narrativo che costruisce John Crowley non è dettato dalla cronologia ma da corrispondenze emotive che di volta in volta permettono al racconto di saltare avanti e indietro nel tempo e costruire un racconto organico e coeso che compone la storia di Almut e Tobias in un’alternanza di momenti felici e dolorosi. La scelta drammaturgica richiama l’esperienza teatrale di Payne, noto per Constellations, in cui esplora le relazioni umane attraverso una struttura ispirata alla teoria delle stringhe, dove ogni scena rappresenta una possibilità alternativa. In questo spettacolo, come in We Live in Time, Payne mette in scena una riflessione sul tempo e sulla transitorietà, rendendo il montaggio un vero e proprio protagonista della storia.

we live in timeLa grande alchimia tra Andrew Garfield e Florence Pugh

L’alchimia tra Andrew Garfield e Florence Pugh è senz’altro uno dei punti di maggiore forza del film. Tobias è un uomo abbastanza ordinario che si trova a confrontarsi con lo straordinario in termini di emozioni e sentimenti e per tutto il film lui cerca di portare ordine e razionalità nella sua vita. Florence Pugh porta invece in scena una Almut intensa e magnetica, capace di attraversare in pochi sguardi un’intero range emotivo, dalla forza alla vulnerabilità, dalla gioia alla disperazione, con naturalezza. La sua Almut sceglie di vivere ogni momento della sua vita con intensità, al 100%, tanto che il suo lavoro diventerà emblematico per la storia stessa. Come ci ha insegnato The Bear di Disney+, in cucina “ogni secondo conta” e la protagonista di We Live in Time lo sa meglio di tutti. Una metafora che si replica anche nel gesto del preparare le uova al mattino, un’immagine di cura e dedizione con cui il film si apre e si chiude, e che ricorre nel corso della storia: il rituale ma anche un gesto quotidiano, speciale e scontato allo stesso tempo, come la storia d’amore che il film racconta.

Una regia intima

La firma di Crowley restituisce un’atmosfera intima e a tratti sospesa, che riesce a evocare spazi infiniti e metaforici, come nella bella scena in cui padre e figlia tagliano i capelli a Almut, ma anche momenti estremamente concreti, presenti, ironici, come la scena del parto in una stazione di servizio. In questa alternanza sapiente di reale e impalpabile, il film nasconde poi la sua vera forza che è quella di raccontare il dolore e la gioia più puri, la paura e l’avventatezza, la passione selvaggia e la tristezza più profonda senza mai ricorrere a facili sentimentalismi e senza mai perdere di autenticità.

Il lavoro di Nick Payne e John Crowley è riflessione sulla natura dell’amore, che non cerca la permanenza, ma l’accettazione della sua finitezza. Lo spettatore è invitato a riflettere sul valore del tempo e sull’importanza di scegliere come vivere il tempo a disposizione, con la consapevolezza che tutto è passeggero su questa Terra.

9-1-1: Lone Star, la spiegazione del finale di serie

Redazione
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9-1-1: Lone Star, la spiegazione del finale di serie

9-1-1: Lone Star è ufficialmente giunto al termine dopo cinque anni di salvataggi ad alto rischio e di evoluzione emotiva dei personaggi. Lo spin-off ambientato in Texas di 9-1-1 è iniziato nel 2020 come primo spin-off del franchise, ma ha rapidamente consolidato la propria identità grazie ai suoi personaggi eterogenei e alle trame uniche. La cancellazione di 9-1-1: Lone Star cancelation ha purtroppo confermato che la quinta stagione sarà l’ultima per i vigili del fuoco di Austin, ma il finale della serie ha trattato la maggior parte dei suoi personaggi con gentilezza.

Rob Lowe ha guidato il cast di 9-1-1: Lone Star nei panni di Owen Strand, il capitano trasferito della 126 dopo una catastrofe che ha lasciato Judson “Judd” Ryder (Jim Parrack) come unico sopravvissuto. Owen ha reclutato Marjan Marwani (Natacha Karam), Paul Strickland (Brian Michael Smith) e Mateo Chavez (Julian Works) per unirsi a lui e a suo figlio TK (Ronen Rubinstein) nella ricostruzione della 126. La seconda stagione di 9-1-1: Lone Star ha introdotto Tommy Vega (Gina Torres), la nuova capitano dei paramedici che ha portato se stessa e Nancy Gillian (Brianna Baker) sotto i riflettori. Il talentuoso cast ha aggiunto trame avvincenti a 9-1-1: Lone Star, fino al finale.

Owen muore nel finale di 9-1-1: Lone Star?

La morte di Owen nel finale di 9-1-1: Lone Star era una teoria prevalente, e il finale della serie lo ha riconosciuto con ironia. A seguito della minaccia nucleare alla Travis State University, i 126 vigili del fuoco sono rimasti gravemente feriti mentre cercavano di raggiungere il pulsante di arresto di emergenza. Mentre Marjan, Mateo, Paul e Judd si medicavano a vicenda, Owen è andato da solo alla ricerca dell’interruttore di emergenza. Dopo essere crollato più volte, Owen riesce a spegnere il reattore. Quando i rinforzi accorrono in aiuto, 9-1-1: Lone Star si conclude con un paramedico che guarda scioccato il corpo privo di sensi di Owen, suggerendo che il capitano dei vigili del fuoco è morto mentre salvava il mondo.

Owen ha iniziato la serie con una diagnosi di cancro, il che significa che la sua esistenza in 9-1-1: Lone Star è iniziata e finita con esperienze di pre-morte.

Dopo aver stabilito le vite dell’ensemble dopo un salto temporale di cinque mesi, 9-1-1: Lone Star stravolge gli spettatori nei suoi momenti finali. Owen sopravvive al finale della serie 9-1-1: Lone Star e finisce persino per diventare il capo dei vigili del fuoco di New York City. Il finale della serie fa credere al pubblico che Owen sia morto fino alla scena finale, creando una conclusione sorprendentemente piena di speranza.

Come Carlos e TK hanno ottenuto la custodia di Jonah nel finale di 9-1-1: Lone Star

TK e Carlos Reyes (Rafael L. Silva) si sono messi insieme per la prima volta nella prima stagione di 9-1-1: Lone Star, ma la loro relazione è durata per tutta la serie (tranne una temporanea rottura nella terza stagione). Dopo essersi sposati alla fine della quarta stagione di 9-1-1: Lone Star, TK e Carlos hanno trascorso l’ultima stagione affrontando conflitti come mariti fino a quando il fratellastro di TK, Jonah, è stato allontanato a seguito dell’incarcerazione del padre. TK ha voluto immediatamente adottare Jonah, ma Carlos ha avuto bisogno di essere convinto. Anche dopo che i due si sono trovati d’accordo, l’adozione non è stata un’impresa semplice.

Guarda tutte e cinque le stagioni di 9-1-1: Lone Star su Hulu.

TK e Carlos sono considerati da molti una delle migliori coppie della serie 9-1-1, ma come ha sottolineato l’assistente sociale durante la sua visita a domicilio, entrambi svolgono lavori pericolosi, rispettivamente come paramedico e Texas Ranger. Sebbene entrambi amassero il proprio lavoro, la coppia ha trovato una soluzione difficile ma adeguata. TK lascia il lavoro nel finale della serie 9-1-1: Lone Star per diventare un assistente domestico a tempo pieno per Jonah. Il salto temporale li mostra come una famiglia felice, con Jonah che chiama TK “Papa Bro”.

Tommy ha sconfitto il cancro nel finale di 9-1-1: Lone Star?

​​​​​Il destino di Tommy in 9-1-1: Lone Star ha preso una piega inaspettata nel penultimo episodio (“Impact”), suggerendo che l’infallibile Gina Torres sarebbe morta nel finale della serie 9-1-1: Lone Star. Dopo che una diagnosi improvvisa di cancro al seno ha sconvolto la vita di Tommy nella quinta stagione di 9-1-1: Lone Star, episodio 6, la trama di Tommy si è concentrata sulla sua emergenza sanitaria, con il 126 che lotta per ottenere finanziamenti speciali per la sua cura sperimentale. Anche dopo l’inizio della cura, il medico di Tommy l’ha avvertita che le restavano meno di due settimane di vita, incoraggiandola a mettere ordine nei suoi affari.

La trama del cancro al seno di Tommy è stata ideata da Sierra McClain, l’attrice che ha interpretato Grace Ryder nelle stagioni 1-4 di 9-1-1: Lone Star.

Durante il finale di 9-1-1: Lone Star, Tommy si è unita al 126 in una chiamata al Travis State, insistendo che preferiva morire tra le sofferenze mentre aiutava gli altri piuttosto che andarsene serenamente a casa sua. Tommy esegue persino una rischiosa craniotomia sul campo per salvare la vita di un professore e scoprire la posizione del pulsante di spegnimento. Dopo aver contribuito a evitare un disastro nucleare, il suo medico le dà una notizia miracolosa dopo il salto temporale: i tumori cancerosi di Tommy scompaiono nel finale di 9-1-1: Lone Star, e lei torna al lavoro come capitano dei paramedici del 126.

Charles era davvero lì? La spiegazione delle visioni di Tommy nel finale di 9-1-1: Lone Star

Tommy è entrata nella serie con suo marito Charles (Derek Webster) nella premiere della seconda stagione di 9-1-1: Lone Star. Erano una coppia felice e affiatata, amici di vecchia data di Judd e Grace. Alla fine della stagione, Tommy trova improvvisamente Charles privo di sensi nella scena finale dell’episodio 12 della seconda stagione di 9-1-1: Lone Star. Charles è morto per un aneurisma, lasciando Tommy e le sue figlie gemelle in lutto. Anni dopo, Charles è apparso dopo la prognosi fatale di Tommy nell’episodio 11 della quinta stagione di 9-1-1: Lone Star, presumibilmente per aiutare Tommy a guidarla nell’aldilà.

Tommy ha avuto solo due interessi amorosi nel corso della serie: Charles e Trevor Parks (D. B. Woodside), il suo pastore a cui ha chiesto di sposarla e con cui ha rotto nella quinta stagione di 9-1-1: Lone Star.

9-1-1: Lone Star ha giocato con il soprannaturale durante tutta la serie, mettendo in particolare evidenza il potere delle curanderas (guaritrici spirituali) applicato a Tommy e alla capitana dei paramedici originale, Michelle Blake (Liv Tyler). 9-1-1: Lone Star aveva persino suggerito in precedenza che i fantasmi esistono quando delle candele si sono accese da sole nell’anniversario di Charles e Tommy, portando Tommy a credere che fosse un segno da parte sua. Pertanto, è altrettanto possibile che 9-1-1: Lone Star stesse fornendo una prova dell’aldilà o che Charles fosse semplicemente frutto dell’immaginazione di Tommy, ma la sua presenza è stata comunque una nota agrodolce con cui concludere la serie.

Come 9-1-1: Lone Star ha preparato il terreno per un possibile spin-off ambientato a New York

Sebbene nel frattempo siano cambiate molte cose, Owen conclude la serie nello stesso posto in cui ha iniziato: New York. Il trauma dell’attacco dell’11 settembre lo ha perseguitato per tutta la durata di 9-1-1: Lone Star, ma Owen ha sempre usato il suo dolore per motivare se stesso e i suoi subordinati durante i salvataggi ad alto rischio. Ora che è cresciuto e ha imparato una miriade di lezioni di vita durante il suo periodo in Texas, la posizione di Owen come capo dei vigili del fuoco apre le porte a uno spin-off newyorkese di 9-1-1.

Il secondo spin-off di 9-1-1 ha ispirato una lunga discussione su quali città sarebbero adatte a una serie procedurale sui primi soccorritori, ma il finale di 9-1-1: Lone Star offre un’opzione sempreverde. Con Owen che supervisiona un carico di lavoro molto più ampio, il suo lavoro e il dipartimento che gestisce potrebbero facilmente costituire una nuova serie. Sarebbe difficile avere una serie 9-1-1 con Owen e senza il resto dei 126, ma c’è sempre la possibilità di guest star o cameo.

Chi è il nuovo capitano dei 126 in 9-1-1: Lone Star?

Fin dal pilot di 9-1-1: Lone Star, Judd aveva un conto in sospeso con i 126. Era l’unico sopravvissuto a un incidente che aveva causato numerose vittime, lasciandolo in lutto per i vigili del fuoco caduti, e naturalmente aveva reagito negativamente all’arrivo di Owen, chiamato per rinnovare completamente la caserma. Dopo essersi unito alla nuova squadra 126, ha servito Owen come fedele luogotenente fino a quando suo figlio, Wyatt (Jackson Pace), ha avuto un incidente. Judd è andato in pensione anticipatamente per prendersi cura di Wyatt, ma gli mancava essere un pompiere. Dopo che Wyatt è diventato il nuovo dispatcher di 9-1-1: Lone Star, Judd è stato libero di tornare come “probie” (pompiere in prova).

Wyatt si è unito a 9-1-1: Lone Star poco dopo la nascita di Charlie, rivelando di essere il frutto di una notte di sesso che Judd aveva avuto quasi vent’anni prima.

Quando a Owen è stata offerta per la prima volta la posizione di capo dei vigili del fuoco, aveva intenzione di raccomandare Judd come suo sostituto. Tuttavia, la crisi di sobrietà di Judd nella stagione 5, episodio 9 di 9-1-1: Lone Star ha mandato all’aria i suoi piani. Dopo un conveniente salto temporale, Judd sostituisce Owen come capitano della 126 nel finale di 9-1-1: Lone Star. Come ha affermato lo stesso Owen in “Fall From Grace”, Judd meritava il ruolo di capitano fin dall’inizio. Judd ha accettato il suo ruolo al fianco di Wyatt e di sua figlia Charlie. Grace è rimasta all’estero, ma è stata menzionata di sfuggita.

9-1-1: Lone Star regala a Marjan e Mateo il loro lieto fine

Come ha detto lo showrunner Rashad Raisani a proposito del finale di 9-1-1: Lone Star, l’obiettivo era quello di mostrare che i personaggi “finivano in un posto migliore rispetto a dove avevano iniziato”. Anche chi non era al centro dell’azione ha ottenuto una risoluzione e uno sguardo sul proprio futuro. Mateo si è trovato improvvisamente di fronte all’espulsione dopo una breve lite in 9-1-1: Lone Star, stagione 5, episodio 11, lasciando uno dei personaggi preferiti dai fan sull’orlo di dover lasciare il Paese. Incoraggiato dal tempo trascorso con il 126, Mateo si è difeso da solo all’udienza per l’espulsione e ha convinto il giudice ad accelerare la sua cittadinanza.

Nel frattempo, Marjan ha messo radici in Texas. La virale “Firefox”, che in origine aveva intenzione di tornare a Miami per mettere su famiglia, ha finito per trovare l’amore ad Austin. Dopo essersi sposata in “All Who Wander”, Marjan è passata in secondo piano. Il finale di 9-1-1: Lone Star l’ha riportata alla ribalta un’ultima volta per rivelare che Marjan è incinta. Anche se la serie non potrà mai esplorare tutti i personaggi e mostrarne appieno il potenziale, il finale di 9-1-1: Lone Star ha dato un senso di chiusura alla maggior parte del suo vasto cast.

Il vero significato del finale di 9-1-1: Lone Star

​​​​​​​Prima di tutto, 9-1-1: Lone Star parla della famiglia. I primi soccorritori chiamano i loro colleghi fratelli e sorelle, ma 9-1-1: Lone Star ha dimostrato che va ben oltre le parole. Il 126 era un gruppo di personaggi diversi e unici che, nel caos del loro lavoro, hanno trovato una famiglia l’uno nell’altro. 9-1-1: Lone Star ha mostrato la complessità del lavoro dei primi soccorritori e i sacrifici che devono compiere, i pericoli che devono affrontare e le conseguenze con cui devono fare i conti ogni giorno.

9-1-1: Lone Star aveva una missione chiara: insieme sono più forti.

Nonostante le prove e le tribolazioni, i pompieri e i paramedici immaginari del 126 hanno trovato forza nel cameratismo e nel sostegno infinito dei loro colleghi primi soccorritori. 9-1-1: Lone Star aveva una missione chiara: insieme sono più forti. La serie ha offerto un piccolo assaggio del coraggio che i primi soccorritori dimostrano di fronte alle avversità, e l’eredità che hanno lasciato dimostra che 9-1-1: Lone Star continuerà a vivere per molti anni a venire.

1923 – stagione 2, trailer: scoppia una guerra esplosiva per il ranch dei Dutton

Redazione
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1923 – stagione 2, trailer: scoppia una guerra esplosiva per il ranch dei Dutton

Il trailer ufficiale della seconda stagione di 1923 prepara una battaglia esplosiva per il ranch dei Dutton. In arrivo a febbraio su Paramount+, il prequel di Yellowstone continuerà la storia della famiglia di Jacob (Harrison Ford) e Cara Dutton (Helen Mirren) in lotta per la loro terra. La serie ha debuttato proprio alla fine del 2022, il che ha comportato una lunga attesa per i nuovi episodi. È già stato confermato che la seconda stagione di 1923 chiuderà la serie, che funge anche da sequel di 1883.

A poco più di un mese dalla première, Paramount+ ha pubblicato il trailer completo della seconda stagione di1923, dopo che diversi teaser più brevi avevano anticipato i conflitti. Con una durata di quasi due minuti, il trailer annuncia la continuazione delle principali trame dello show, tra cui i piani di Donald Whitfield (Timothy Dalton) per conquistare la terra dei Dutton e il difficile viaggio di Spencer (Brandon Sklenar) verso casa. Guardate il video qui sotto:

Cosa significa questo trailer per la seconda stagione di 1923

1923 - stagione 2

Nel trailer di 1923 sono presenti due storie principali: Il viaggio di Spencer verso casa e la minaccia incombente di Whitfield. Nella prima stagione, Cara ha raggiunto Spencer e lo ha implorato di tornare nel Montana, mettendolo su un sentiero insidioso che non è ancora stato risolto. Poiché Spencer arriva dall’Africa, il viaggio era destinato a essere difficile, ma il suo ritorno è ulteriormente complicato dalla sua relazione con Alexandra (Julia Schlaepfer). Spencer e Alex si sono sposati nella prima stagione, ma sono stati separati dall’ex fidanzato di lei nel finale.

Il trailer della seconda stagione non mostra il loro ricongiungimento, ma conferma che hanno molti altri ostacoli davanti a loro. Ad esempio, Alex viene avvistata mentre viene afferrata alle spalle da un uomo misterioso, mentre Spencer è consapevole di non avere più tempo per tornare a casa. Nel Montana, i Dutton devono affrontare la crescente presenza di Whitfield. Whitfield intende trasformare la zona in“un parco giochi per l’élite”. In base al filmato, è chiaro che la battaglia per il ranch costringerà i personaggi principali del 1923 in posizioni difficili; a un certo punto, Cara viene mostrata mentre si lamenta delle cose che ha fatto per lei.

Paradise: recensione della serie con Sterling K. Brown

Adriano Ercolani
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Paradise: recensione della serie con Sterling K. Brown

Provare a definire questo nuovo prodotto seriale targato Hulu (disponibile su Disney+) potrebbe risultare piuttosto complesso. Non perché Paradise non possa essere fin troppo facilmente incasellato nel genere del thriller distopico, tutt’altro: il fatto è che fin dall’episodio pilota la serie creata da Dan Fogelman (This Is Us) sembra essere stata concepita appositamente per fuorviare lo spettatore, per farlo adattare psicologicamente a un determinato genere per poi catapultarlo dentro un altro, diverso ma non antitetico al precedente. 

Altro motivo per cui non è affatto semplice inquadrare la serie consiste nel fatto che, dietro il gioco di specchi architettato dalla messa in scena e dalla trama, si tratta fondamentalmente di un dramma umano, di un cosiddetto “character study” in alcuni episodi davvero potente.

La trama di Paradise

Passiamo alla trama principale di Paradise: l’agente segreto Xavier Collins (Sterling K. Brown) è da anni addetto alla sicurezza del Presidente degli Stati Uniti Cal Bradford (James Marsden), anche dopo che è tornato alla vita privata. Il rapporto tra i due, all’inizio consolidato attraverso una sincera amicizia, si è incrinato a causa di una tragedia passata. Quando però Collins trova il suo datore di lavoro nella sua camera da letto con la testa fracassata, il senso del dovere spinge l’uomo a iniziare un’indagine privata e molto pericolosa per scoprire l’assassino di Bradford. La tranquilla cittadina in cui l’ex Presidente si è ritirato nasconde numerosi e sconvolgenti misteri…

Mette davvero molta carne in pentola Paradise, probabilmente troppa, dal momento che non riesce a gestire allo stesso livello di intensità emotiva tutti i personaggi in scena. Il meccanismo narrativo che Fogelman ha già adoperato con sapienza in This Is Us è quello di raccontare la backstory dei diversi protagonisti adoperando numerosi flashback che raccontano come sono arrivati al momento in cui la trama principale comincia. Se tale sviluppo ad incastri funziona indubbiamente per dare ritmo ai vari episodi, bisogna commentare che non tutte le vicende personali dei personaggi sono emotivamente sullo stesso livello.

Un buon cast guidato da Sterling K. Brown

Quella sviluppata in maniera maggiormente convenzionale è senza dubbio la storia dell’antagonista principale, Samantha, figura in chiaroscuro a cui neppure un’attrice solitamente efficace come Julianne Nicholson riesce a conferire il necessario spessore. Miglior sorte tocca al protagonista assoluto Xavier Collins, anche se in fin dei conti non si discosta troppo dal classico uomo e padre di famiglia diviso tra attaccamento alla famiglia e fervente senso del dovere.

In maniera piuttosto paradossale il personaggio che conquista maggiormente nei primi episodi è il braccio destro di Xavier, Billy, interpretato con evidente competenza da quel Jon Beavers che si era già messo in luce in Horizon: An American Saga di Kevin Costner. Se lo show contribuisse ad affermare definitivamente l’attore all’interno dell’establishment hollywoodiano non potremmo che esserne contenti, dal momento che soprattutto la presenza scenica di Beavers appare indiscutibile. Altra nota di merito va a James Marsden nel ruolo di un Presidente bradford travagliato, sbruffone, “uomo del popolo” ma mai populista. Per contrappasso, il suo ruolo sopra le righe rende ancora più efficace l’interpretazione robusta e trattenuta di Sterling K. Brown, attore di ormai sicuro affidamento.

Una serie che ha bisogno di tempo

Va concesso tempo a Paradise per affermarsi con pienezza nella mente dello spettatore. Vanno superati alcuni momenti in cui la verosimiglianza scricchiola di fronte all’enormità della storia raccontata. Quando lo show si assesta e procede dritto verso quello che vuole veramente raccontare, ecco che il livello di tensione e l’adesione emotiva nei confronti di personaggi e situazioni prende quota. E possiamo garantirvi che il settimo episodio sarà capace di spaventarvi, di farvi preoccupare seriamente di fronte a quello che potrebbe essere il futuro – anche prossimo, ahinoi – del nostro pianeta. Non abbiamo ancora visto l’ottavo e ultimo capitolo dello show, e francamente non abbiamo poi così tanta fretta di tornare ad esperire quel livello di angoscia…

Due emisferi: la storia vera dietro il film Netflix

Gianmaria Cataldo
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Due emisferi: la storia vera dietro il film Netflix

Due emisferi (il cui titolo originale è Los Dos Hemisferios de Lucca) di  Netflix e diretto da Mariana Chenillo, è una storia commovente che racconta i tentativi di una madre di garantire la vita migliore possibile al figlio, nato con una malattia che gli ha cambiato la vita. Il figlio maggiore di Bárbara Anderson, Lucca, è infatti nato con una paralisi cerebrale infantile, un disturbo dello sviluppo cerebrale che ben presto ha iniziato a minacciare la qualità della vita del bambino. Di conseguenza, quando la madre viene a conoscenza di un trattamento sperimentale in India che promette grandi miglioramenti, decide di far accedere suo figlio a questa terapia.

Così, nonostante le complicazioni di un viaggio internazionale così impegnativo, Bárbara si assume il compito di rendere il Cytotron, apparentemente miracoloso, parte del futuro di suo figlio. Questo film spagnolo approfondisce la vita di un ragazzino con disabilità la cui famiglia lo sostiene in ogni circostanza. Particolare attenzione è riservata alla madre, Bárbara, disposta a tutto pur di garantire al figlio ogni opportunità che merita. Pertanto, i temi commoventi della storia, quali l’amore familiare, le complicazioni croniche della disabilità e la tenacia materna, devono aver colpito il pubblico al punto da suscitare il suo interesse per Lucca e le origini della sua storia nella vita reale.

Due emisferi è basato sul libro autobiografico di Bárbara Anderson

Due emisferi è un adattamento drammatizzato del libro di Bárbara Anderson I due emisferi di Lucca. Il romanzo spagnolo, pubblicato nel 2019, è il primo tentativo della giornalista nel campo della scrittura e funge da resoconto autobiografico della sua esperienza come madre di un bambino con disabilità. Da quando Lucca è nato e gli è stata diagnosticata la paralisi cerebrale, sua madre si è tenuta diligentemente aggiornata sulle novità in campo sanitario per cercare alternative che potessero rendere la vita più facile a suo figlio. Pertanto, poco dopo che è entrato nel suo radar, la madre ha scoperto Cytotron, un dispositivo a risonanza magnetica che avrebbe potuto aiutare Lucca.

Bárbara Mori e Julian Aguilar Tello in Due emisferi
Bárbara Mori e Julian Aguilar Tello in Due emisferi. Cr. Maria Medina / Netflix ©2025

Attraverso un contatto ad Harvard, Anderson è riuscita a mettersi in contatto con il dottor Rajah Kumar, l’inventore di Cytotron. Da lì, lei, suo marito Andres e i loro figli, Lucca e Bruno, hanno deciso di intraprendere un viaggio in India nel 2017 per provare il trattamento sperimentale. Il viaggio era finanziariamente impegnativo e comportava una serie di complicazioni. Tuttavia, gli Anderson non hanno permesso a nulla di distoglierli dal percorso che avevano scelto. Durante questo periodo, la giornalista ha tenuto un diario dettagliato del viaggio, annotando ogni progresso medico nella vita di suo figlio. Queste annotazioni l’hanno aiutata a scrivere il suo romanzo d’esordio e a condividere la storia della sua famiglia con il mondo.

Il trattamento iniziale di 28 giorni con Cytotron ha finito per fare miracoli per Lucca, che è stato uno dei primi al mondo a testare il dispositivo per la rigenerazione dei neuroni e la riparazione dei danni neurologici. Infatti, il trattamento lo ha aiutato a sviluppare la capacità di parlare, e le sue prime parole sono state il nome dell’inventore, Kumar. Il film di Mariana Chenillo, con la sceneggiatura di Javier Peñalosa, racchiude la meraviglia di questo primo viaggio in India intrapreso dalla famiglia Anderson. Mette in evidenza le sfumature mediche della storia di Lucca, ma anche le dinamiche familiari emotivamente crude che hanno reso possibile questo incredibile trattamento per il ragazzo.

Pertanto, nonostante qualche occasionale allontanamento dalla realtà, Due emisferi rimane una versione autentica e accurata della vera storia della famiglia Anderson portata sullo schermo. In una conversazione con Netflix, Anderson ha parlato della sua esperienza con il film. Ha detto: “Guardarsi in un film è molto difficile da spiegare; ho pianto quando ci ho rivisti. Ascoltando le voci di Bárbara Mori e Juan Pablo Medina, con il mio timbro o con Andrés, le frasi tipiche di mio marito, ho visto noi stessi come altre persone e il mio corpo si è bloccato. Come si dice spesso, la realtà supera la finzione, ma questa volta la finzione ha catapultato la nostra vita a un altro livello”.

Il Cytotron è un dispositivo reale che può essere utilizzato nel trattamento del cancro

Sebbene il focus centrale di Due emisferi rimanga senza dubbio sulla famiglia Anderson e sulla loro storia, il film porta alla ribalta anche la macchina rivoluzionaria, l’influenza reale del Cytotron. Il Cytotron è una macchina reale creata dal dottor Rajah Vijay Kumar, uno scienziato di Banglore. Kumar ha iniziato la sua ricerca per creare la macchina già nel 1987 e ha prodotto il primo prototipo nel 1999. Durante tutto questo tempo, il dottore ha sempre inteso utilizzare la macchina per il trattamento del cancro. La sua commercializzazione è iniziata nel 2006 come strumento per l’ingegneria tissutale. Nel 2012, il Cytotron è stato approvato per l’uso clinico con il marchio CE (Conformité Européenne).

Due emisferi spiegazione finale
Juan Pablo Medina, Bárbara Mori, Julian Aguilar Tello e Danish Hussain in Due emisferi. Cr. Maria Medina / Netflix ©2025

Inoltre, il trattamento di Lucca Anderson ha svolto un ruolo cruciale nell’introduzione di questa tecnologia rivoluzionaria in Messico. Dopo il suo caso, l’Hospital Infantil de México Federico Gómez, un centro di assistenza sanitaria pediatrica a Città del Messico, è riuscito ad acquistare una di queste macchine. Secondo quanto riferito, Bárbara Anderson ha dato un contributo notevole alla realizzazione di questo progetto. Oggi il Cytotron continua ad essere uno strumento efficace per la diagnosi dei tumori e nel trattamento dei tumori e dei tessuti. Nel 2017, l’innovativa invenzione di Kumar gli è valsa il riconoscimento come uno dei dieci migliori scienziati dell’India.

Lucca Anderson continua a vivere la vita al massimo

Dal suo primo trattamento con Cytotron nel 2017, Lucca Anderson si è sottoposto al trattamento altre tre volte recandosi in India. Di conseguenza, oggi è libero dall’epilessia da cinque anni e ha mosso i primi passi e pronunciato le prime parole. Attualmente frequenta la scuola elementare insieme al fratello minore Bruno. Continua a intraprendere nuove avventure con la sua famiglia, che si tratti di festeggiare piccoli traguardi, come compleanni e vacanze, o di vivere nuove emozionanti esperienze, come l’incontro con una giraffa!

La vita di Lucca continua quindi ad essere piena delle normali gioie dell’adolescenza, dalla scoperta di un nuovo cibo preferito, il Guerrero Chilate, al godersi i momenti grandi e piccoli con i suoi genitori e suo fratello. Recentemente ha anche vissuto l’esperienza surreale di sfilare sul tappeto rosso con la sua famiglia per la prima cinematografica di Due emisferi. È quindi evidente che il ragazzino è pronto ad affrontare le molte eccentricità della vita con l’amore e la cura della sua devota famiglia al suo fianco.

Due emisferi: la spiegazione del finale del film Netflix

Gianmaria Cataldo
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Due emisferi: la spiegazione del finale del film Netflix

Due emisferi è un film di Netflix – diretto da Mariana Chenillo – commovente e sentimentale basato sulla storia vera della miracolosa guarigione di Lucca, un ragazzino nato con una paralisi cerebrale. La storia riguarda tanto lui quanto sua madre Barbara, una donna dalla forte volontà, determinata a dare a suo figlio una vita migliore. La sua condizione è causata dalla mancanza di ossigeno durante il parto. Barbara iscrive quindi Lucca a tutte le nuove terapie che possono aiutarlo. Conciliare il lavoro e le responsabilità di madre di un bambino con disabilità non è però facile, ma Barbara non si lamenta mai. Suo marito, Andres, le è sempre di grande sostegno e insieme fanno in modo che Lucca abbia la vita migliore possibile.

Barbara decide di andare in India con Lucca

Durante un colloquio, quando il suo cliente viene a sapere di Lucca, questi suggerisce a Barbara di consultare un medico messicano in India, famoso per curare casi neurologici apparentemente impossibili. Secondo il suo cliente, in India viene sviluppata una macchina in grado di curare tali condizioni neurologiche, e offre a Barbara il numero di telefono del medico. Quel giorno Barbara trova un barlume di speranza e decide immediatamente di contattare il dottor Ricardo Jaramillo e di organizzare un viaggio in India con la sua famiglia. Jaramillo è però inizialmente riluttante a usare la macchina su Lucca.

Gli effetti collaterali del trattamento su un giovane paziente affetto da paralisi cerebrale non sono ancora determinati e non pensa che sia una buona idea sottoporre Lucca a un trattamento così estremo. Ma Barbara non si arrende. Per mesi scrive e-mail e fa telefonate a Jaramillo, supplicandolo di prendere in considerazione il caso di Lucas. Parla anche con Bruno Bernardi, l’ex ministro dell’economia, che segue il trattamento e sta bene. Lui le dice che, durante il periodo in cui è in cura, vede diversi bambini dell’età di Lucca ricoverati lì. Barbara contatta anche l’ambasciata messicana in India, che accetta di aiutare la famiglia in ogni modo possibile.

Jaramillo finalmente contatta Barbara con buone notizie. Il consiglio, insieme al dottor Kumar (l’inventore del Cytotron), accetta finalmente di prendere in considerazione il caso di Lucca, e Barbara si prepara a partire per l’India con la sua famiglia. Non se la passano bene dal punto di vista finanziario, ma Barbara è fiduciosa che alla fine tutto si risolva per il meglio. Andres è senza lavoro da parecchio tempo e il solo stipendio di Barbara non è sufficiente per finanziare il viaggio. Alla fine ipotecano la loro casa, ma Barbara è sicura che la guarigione di Lucca renda tutto “ne valga la pena”.

Bárbara Mori e Julian Aguilar Tello in Due emisferi
Bárbara Mori e Julian Aguilar Tello in Due emisferi. Cr. Maria Medina / Netflix ©2025

La terapia con il Cytotron dà risultati

Quando arrivano in India, Barbara e Andres non sono sicuri che il loro figlio riceva le cure di cui ha bisogno. Il centro di cura è circondato da animali e uccelli e la macchina Cytotron non è così impressionante come pensano. Si chiedono se sia tutta una trovata pubblicitaria e se vedranno mai dei cambiamenti in Lucca. Al contrario, la salute di Lucca inizia a peggiorare. Ha pochissimo appetito e vomita la maggior parte del cibo che gli viene dato. Barbara non può fare a meno di chiedersi se la sua decisione di portare Lucca in India sia giustificata. Di recente ha un attacco epilettico e, di conseguenza, Barbara inizia a perdere la speranza.

Ma presto, quando il loro figlio minore, Bruno, interagisce con Lucca in ospedale, lui reagisce per la prima volta. Barbara e Andres rimangono scioccati nel vedere Lucca muovere i muscoli da solo. Ciò dimostra che il trattamento è efficace e gradualmente Lucca mostra enormi miglioramenti sia fisici che mentali. Kumar ritiene che il trattamento aiuti il cervello di Lucca a creare connessioni e che con il tempo diventi sempre più reattivo. L’ultimo giorno al centro di cura, Lucca sorprende tutti dicendo “Kumar”, la sua prima parola. Prima che se ne vadano, il dottor Kumar suggerisce a Barbara e Andres di sottoporre Lucca al trattamento almeno una volta all’anno per ottenere risultati migliori.

Il dottor Ricardo Jaramillo è contrario al piano di Barbara

Durante il loro ultimo giorno in India, John Miller, uno dei pazienti di Kumar che investe anche in alcune macchine Cytotron, dice che stanno progettando di aprire un centro a Baltimora, ma che le macchine devono ancora essere trasportate da Veracruz, in Messico. Barbara si sente un po’ più ottimista dopo aver scoperto che Kumar e Jaramillo stanno progettando di espandere il trattamento a livello globale. Prima di lasciare l’India, Barbara chiede a Jaramillo informazioni sulla clinica di Baltimora, e lui le dice che stanno ancora aspettando l’approvazione della FDA per iniziare le sperimentazioni cliniche negli Stati Uniti. Secondo lui ci vogliono ancora alcuni anni prima di poter avviare la clinica.

Barbara suggerisce a Jaramillo di prendere in considerazione anche il Messico per l’espansione, soprattutto dato che a Veracruz ci sono già due Cytotron. Jaramillo sembra scontento e aggiunge che John Miller non deve mai discutere i piani aziendali con Barbara. Le consiglia di abbandonare il suo sogno di aprire una clinica in Messico perché le possibilità di ottenere l’approvazione sono estremamente scarse. Barbara si offre di aiutarlo a ottenere i permessi in Messico, ma Jaramillo è piuttosto titubante e chiarisce che, in ogni caso, Barbara non deve mai discutere tali piani con Kumar perché, a quanto pare, il medico non vuole avere a che fare con la burocrazia delle licenze e Jaramillo deve occuparsi da solo di quella parte. Sia Barbara che Andres trovano il comportamento di Jaramillo un po’ strano, ma decidono di lasciar perdere.

Bárbara Mori e Juan Pablo Medina in Due emisferi
Bárbara Mori e Juan Pablo Medina in Due emisferi. Cr. Maria Medina / Netflix ©2025

Dopo essere tornata a casa, il neurologo di Lucca, Jose, vede i risultati e non riesce a credere ai suoi occhi. Inizialmente è preoccupato per il trattamento sperimentale, ma chiaramente funziona eccezionalmente bene. Barbara chiede a Jose di convincere il consiglio di amministrazione del Comitato dell’Ospedale Pediatrico a condurre la sperimentazione clinica con Cytotron, e non ci vuole molto perché lui esorti il consiglio a correre il rischio per il bene di tutti i bambini che possono beneficiare del trattamento. Barbara è felicissima e contatta immediatamente Jaramillo per condividere con lui la notizia.

Ma con sua grande sorpresa, Jaramillo non è interessato a portare la macchina in Messico, il suo unico obiettivo è ottenere l’approvazione della FDA. Barbara pensa che entrambe le cose possano avvenire contemporaneamente e insiste affinché lui informi Kumar della possibilità di portare la sua creazione in Messico, ma Jaramillo le ordina severamente di non contattare mai Kumar direttamente senza prima averlo consultato. La conversazione è estremamente deludente per Barbara. Dopo aver capito che i progressi fatti da Lucca in India cominciano a risentirne ogni volta che ha una crisi epilettica, Barbara suggerisce a Jose di contattare direttamente Kumar per raccogliere informazioni sui casi in cui il trattamento si rivela efficace, in modo che l’ospedale non abbia più alcun dubbio sulla procedura.

Barbara è sorpresa di vedere Jaramillo fuori da casa sua. È visibilmente irritato dal fatto che Barbara abbia passato il numero di Kumar al suo neurologo senza consultarlo. La cosa lo infastidisce a tal punto che decide di parlarle faccia a faccia. Dice a Barbara che Kumar è furioso perché lei lo coinvolge nell’aspetto commerciale, anche se lui non vuole mai farlo. Jaramillo aggiunge anche che Kumar arriva a credere che Barbara sia una spia del governo messicano e che non condivideranno i benefici del Cytotron a livello globale. Barbara è devastata.

Il dottor Kumar sostiene gli sforzi di Barbara

Barbara perde il lavoro; non può più recarsi in India, né ha la possibilità di portare la macchina in Messico. Si sente bloccata, ma come sempre si rifiuta di arrendersi. Barbara vede con i propri occhi come la macchina aiuti Lucca e non è disposta ad arrendersi alle circostanze. Barbara apprende recentemente dal medico che la assiste durante il parto di Lucca che le loro possibilità di sopravvivenza quel giorno sono scarse, ma miracolosamente, sia Barbara che Lucca riescono a sopravvivere contro ogni previsione, e sapere questo aiuta Barbara a sentirsi più ottimista riguardo al futuro.

Barbara contatta John per sapere se i due citotroni di cui parla siano ancora a Veracruz, e scopre allora che Jaramillo è solo un altro truffatore. Barbara ha sempre la sensazione che ci sia qualcosa di strano in Jaramillo, e alla fine ha ragione. A quanto pare, non fa nulla per aprire la clinica a Baltimora. Paga semplicemente per un indirizzo e-mail con il dominio Johns Hopkins, e in realtà nessuno lo conosce all’interno dell’istituto. Dopo aver scavato un po’ più a fondo, Barbara scopre anche che non è la prima volta che Jaramillo agisce in questo modo: inganna delle persone e ottiene degli investimenti per aprire la sua clinica alla Johns Hopkins, ma non porta mai a termine il progetto.

Bárbara Mori, Juan Pablo Medina, Julian Aguilar Tello, Samuel Pérez e Paloma Alvamar in Due emisferi
Bárbara Mori, Juan Pablo Medina, Julian Aguilar Tello, Samuel Pérez e Paloma Alvamar in Due emisferi. Cr. Maria Medina / Netflix ©2025

Il brevetto che Jaramillo deposita afferma che lui è l’inventore del Cytotron e, a quanto pare, Kumar è furioso quando glielo dicono. Barbara scrive un’e-mail in cui esprime preoccupazione per le operazioni di Jaramillo e decide di inviarla a tutti gli investitori del Cytotron insieme a Kumar. Durante la fine del mondo di Lucca, Jose contatta Barbara e la informa che il Segretario alla Salute vuole un appuntamento con loro. La sua e-mail ha un grande impatto e Jaramillo non ha altra scelta che accettare le sperimentazioni cliniche. Jaramillo è presente anche durante l’incontro con il Segretario alla Salute.

Barbara dà per scontato che il Cytotron sia utilizzato per i pazienti che necessitano di cure neurologiche, ma alla fine, durante la prima fase della sperimentazione clinica, la macchina è utilizzata solo per scopi oncologici. Jaramillo incontra il segretario prima della riunione per aggiornarlo sul fatto che, per uso commerciale, la macchina deve coprire solo l’artrite e il cancro. Il segretario alla salute non è disposto a correre alcun rischio e Barbara non ha altra scelta che accettare la sua decisione. Alla fine di Due emisferi, il dottor Kumar guarda sul suo schermo la cerimonia che si tiene prima dell’inizio delle sperimentazioni cliniche in Messico.

Nota Barbara e Lucca tra il pubblico e la contatta immediatamente. Barbara è sorpresa di ricevere una chiamata dal dottor Kumar, che la chiama per rassicurarla che lei e la sua famiglia sono sempre i benvenuti nella sua clinica in India. È deluso da Jaramillo, che è la causa di molti malintesi, ed è per questo che decide di contattare direttamente Barbara. In cambio di tutto ciò che Barbara fa per garantire che le sperimentazioni cliniche per Cytotron inizino in Messico, Kumar le offre un trattamento gratuito per Lucca nella sua clinica in India.

In un momento in cui si sente completamente impotente, la telefonata di Kumar è per lei un barlume di speranza di cui ha bisogno. Barbara può finalmente vedere la luce alla fine del tunnel e riesce a dare a Lucca la vita che sogna da sempre per lui. Nei titoli di coda, apprendiamo che Lucca completa ora la scuola elementare con suo fratello Bruno. Lucca non soffre più di epilessia da cinque anni e impara a camminare e a parlare. La storia di Lucca è di ispirazione per molti e, si spera, grazie al film sempre più persone scoprono l’invenzione del dottor Kumar.

The Lodgers – Non infrangere le regole: la spiegazione del finale del film horror

Gianmaria Cataldo
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The Lodgers – Non infrangere le regole: la spiegazione del finale del film horror

Il film horror britannico del 2017 The Lodgers – Non infrangere le regole (qui la nostra recensione), diretto da Brian O’Malley (regista anche delle serie Alex Rider e The Cuckoo), propone una vicenda apparentemente già vista in altri film, ma che prende tuttavia risvolti inaspettati mano mano che la narrazione procede. L’idea per questa storia è nata quando lo sceneggiatore David Turpin immaginò che i fantasmi si impadronissero della sua casa di notte, una volta che lui era andato a letto. Partendo da qui, ha dunque costruito un racconto che si muove a partire dal concetto di casa infestata per aprirsi però poi a scenari insoliti.

La trama di base presenta ad esempio molte somiglianze con “La caduta della casa degli Usher” di Edgar Allen Poe (opera recentemente portata su Netflix con un’omonima miniserie), ad esempio: tre personaggi principali, una sorella e un fratello, e un giovane uomo; la casa remota e fatiscente simile a un maniero, le relazioni incestuose (che si estendono per generazioni), l’aspetto malato dei fratelli, i suggerimenti di una “maledizione” senza nome e la vita dei fratelli legata alla casa. Tutti elementi che compongono il film rendendolo piuttosto intrigante, insieme anche al fatto che le riprese si sono svolte in una delle case più infestate d’Irlanda: Loftus Hall.

La trama di The Lodgers – Non infrangere le regole

Negli anni finali della Grande Guerra, in una decadente magione immersa nella campagna irlandese, vivono isolati Edward e Rachel, due gemelli appena maggiorenni. La loro esistenza è regolata da severe norme imposte dai genitori: non accogliere estranei, non rimanere svegli oltre la mezzanotte, e restare sempre uniti. Queste regole sono sorvegliate da presenze sovrannaturali che, durante il giorno, si celano sotto le assi del pavimento, emergendo di notte per prendere possesso della casa. Edward, intimorito, rispetta le restrizioni, mentre Rachel, desiderosa di libertà, sente il peso di quella vita oppressiva.

Bill Milner e Charlotte Vega in The Lodgers – Non infrangere le regole
Bill Milner e Charlotte Vega in The Lodgers – Non infrangere le regole

La spiegazione del finale del film

Durante una visita in paese, Rachel incontra Sean, un veterano di guerra con una gamba amputata. Tra loro nasce un’intesa e, poco dopo, il ragazzo la raggiunge presso il lago che circonda la villa. Rachel gli confida allora il macabro destino della sua famiglia: i genitori si sono suicidati nelle acque del lago, come già accaduto alle generazioni precedenti. Convinta di essere condannata allo stesso fato, bacia Sean e pensa di concedersi a lui, ma poi si ritrae incerta. Nel frattempo, Edward deve affrontare l’avvocato Birmingham, incaricato della gestione della proprietà: la villa è sommersa dai debiti e l’unica soluzione è venderla. Spaventato dall’idea di infrangere le regole, Edward uccide l’avvocato e offre il suo corpo agli spiriti.

Nel frattempo, Sean viene aggredito da alcuni nazionalisti irlandesi, che lo accusano di tradimento. Ricoverato, riceve la visita di Rachel, ma la madre di lui, ex domestica della villa, la respinge con ostilità. La ragazza allora rivela alla sorella di Sean il terribile segreto della sua famiglia: generazioni di gemelli incestuosi hanno maledetto per sempre la casa. Tornata alla villa, Rachel scopre dell’omicidio di Birmingham e, furiosa, confessa a Edward di essersi concessa a Sean. Lui, furibondo, la trascina sul letto per possederla con la forza, ma si ferma quando capisce che è ancora vergine. Proprio in quel momento, Sean arriva alla porta e tra i due inizia una violenta colluttazione.

Rachel, bloccata nella sua stanza dagli spiriti, vede a quel punto l’acqua iniziare a filtrare dal pavimento. Durante la lotta, Edward si trafigge accidentalmente con il coltello di Sean, ma riesce comunque a ferire quest’ultimo alla mano. In fin di vita, Edward raggiunge la stanza di Rachel e crolla sul letto. Lei fugge da Sean, ma entrambi si trovano intrappolati dall’acqua che inonda la villa sfidando la gravità. Rachel capisce che l’unica via di fuga è sottomettersi al destino e si immerge. Sean si tuffa per salvarla e i due si ritrovano nel lago, ma prima che possano baciarsi, lui viene trascinato negli abissi dagli spiriti.

Charlotte Vega in The Lodgers - Non infrangere le regole
Charlotte Vega in The Lodgers – Non infrangere le regole. Foto di MMAGUIRE E – © MAG

Rachel, mentre urla silenziosamente, viene quindi accerchiata dalle entità, che cercano di afferrarla. Con un ultimo sforzo, riesce a risalire e a emergere dall’acqua. Tornata alla villa, trova Edward agonizzante, che le chiede se ora potranno restare insieme. Rachel risponde semplicemente che i genitori torneranno presto da lui, poi si allontana lungo la strada principale, avvolta in una lunga tunica blu, seguita da un corvo nero, identico all’uccello immaginario che Edward accudiva. Di fatto, lascia suo fratello a morire e si lascia tutto alle spalle, pronta a ricominciare altrove.

Questo atto rappresenta il suo definitivo rifiuto delle regole imposte dalla famiglia e dagli spiriti che governano la casa. La sua fuga simboleggia la rottura con il ciclo maledetto di incesto e autodistruzione che ha tormentato le generazioni precedenti. Fondamentale è poi il ruolo dell’acqua, simbolo di purificazione: dall’acqua Rachel riemerge e rinasce, segnando così la sua liberazione. L’elemento del corvo che la segue, infine, sottolinea un continuo legame con il passato. Si lascia dunque intendere che il proprio vissuto non può essere completamente cancellato, ma si può scegliere di non esserne schiavi.

Rachel è dunque un personaggio che con le sue azioni dimostra che il libero arbitrio esiste e che solo lei può spezzare la catena che la rende prigioniera. Edward, invece, rimane nella casa, ormai condannato. Il suo desiderio di restare con Rachel dimostra quanto sia ancora intrappolato nel retaggio familiare, incapace di immaginare un’esistenza al di fuori di esso. La promessa di Rachel che “i genitori torneranno” può infine essere letta in due modi: come una bugia per confortarlo o come un’amara constatazione del fatto che lui continuerà a essere vittima della maledizione.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di The Lodgers – Non infrangere le regole grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Tim Vision, Infinity+ e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 31 gennaio alle ore 21:15 sul canale Italia 2.

The Trauma Code – Il turno degli eroi – Stagione 2: tutto quello che sappiamo

Redazione
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The Trauma Code – Il turno degli eroi – Stagione 2: tutto quello che sappiamo

Il 24 gennaio 2025, Netflix ha dato il via all’anno dell’intrattenimento coreano con The Trauma Code – Il turno degli eroi. Basato sul popolare webcomic Trauma Center: Golden Hour, il primo drama coreano originale di Netflix è una novità nel genere, incentrato sul mondo frenetico e stressante della medicina d’urgenza. Baek Kang-hyuk (Ju Ji-hoon) è un chirurgo geniale ed ex medico militare che viene richiamato nella sua città natale per riorganizzare il prestigioso centro traumatologico dell’Hankuk University Hospital, che si occupa di casi estremi e pericolosi.

La prima stagione di The Trauma Code è arrivata su Netflix con grande successo, grazie agli elogi dei fan dei drama coreani per l’ottimo ritmo degli otto episodi, l’equilibrio tra elementi comici e thriller e il cast di talentuosi attori emergenti. Quindi, il primo drama coreano di successo di Netflix del 2025 avrà una seconda stagione? Continua a leggere per scoprire tutto quello che sappiamo finora sul futuro di The Trauma Code – Il turno degli eroi.

The Trauma Code – Il turno degli eroi è stato rinnovato per la seconda stagione?

Netflix non ha ancora dato alcuna notizia sul ritorno di The Trauma Code: Heroes on Call per una seconda stagione. Tuttavia, le probabilità sembrano buone, vista la risposta del pubblico. The Trauma Code è stato tra i 10 programmi non in lingua inglese più visti su Netflix in 26 paesi nella settimana del suo debutto, totalizzando 32,6 milioni di ore di visualizzazione. Ha anche raggiunto il primo posto nella sua nativa Corea del Sud, superando successi come Single’s Inferno stagione 4, Love Scout e Squid Game stagione 2.

In un’intervista con Chosun Biz, il regista Lee Do-yoon ha dichiarato di non essere sicuro del suo futuro con la serie. “Non so cosa succederà domani, quindi non so se lo farò o chi si occuperà della seconda stagione, ma ho preparato i miei strumenti per ogni evenienza”, ha detto, secondo The Direct. Nel frattempo, la star Ju Ji-hoon ha aggiunto che “alla fine è una scelta del pubblico” se The Trauma Code tornerà o meno.

Chi del cast di The Trauma Code – Il turno degli eroi tornerà per la seconda stagione?

Probabilmente tornerà l’intero cast se The Trauma Code – Il turno degli eroi – Stagione 2  verrà rinnovato per la seconda stagione. Ciò include Ju Ji-hoon nel ruolo del dottor Baek Kang-hyuk, Choo Young-woo nel ruolo del collega Yang Jae-won, Ha Young nel ruolo dell’infermiera Cheon Jang-mi, Jeong Jae-kwang nel ruolo dell’anestesista Park Gyeong-won, Yoon Kyung-ho (dottor Han Yu-rim), Kim Won-hae (dottor Hong Jae-hun), Kim Eui-sung (direttore dell’ospedale Choi Jo-eun) e Kim Sun-young (ministro della Salute e del Welfare Kang Myeong-hui).

Fortunatamente per i fan, entrambi i protagonisti del drama coreano hanno confermato che torneranno se Trauma Code verrà rinnovato. Secondo My Daily (tradotto da Papago), Ju ha detto del drama medico: “Se ami questo lavoro e vuoi la prossima storia, non è qualcosa che puoi rifiutare”. Choo ha poi aggiunto: “Lo farò sicuramente. Dato che siamo cresciuti insieme, voglio interpretare qualsiasi ruolo se uscirà la seconda stagione”.

Di cosa parlerà la seconda stagione di The Trauma Code – Il turno degli eroi?

La prima stagione di “The Trauma Code: Heroes on Call” segue la trama del webtoon originale “Trauma Center: Golden Hour”, che racconta la storia del dottor Baek mentre costruisce il centro traumatologico e conquista il sostegno dell’amministrazione dell’ospedale. Tuttavia, ci sono ancora alcuni filoni narrativi che la serie potrebbe esplorare nei prossimi episodi.

Il webcomic includeva altri personaggi secondari provenienti dai media e dal governo, che sottolineavano l’importanza del sostegno governativo e dell’opinione pubblica per mantenere in vita il centro traumatologico. In una di queste sottotrame, i residenti che vivevano nelle vicinanze presentavano reclami per il rumore causato dal nuovo elicottero del centro traumatologico, che potrebbe essere il primo arco narrativo della seconda stagione dopo l’apertura dell’eliporto nel finale della prima stagione.

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