Gli occhi del diavolo (Prey for the Devil) è arrivato nelle sale promettendo di portare una ventata di novità nel sottogenere dei film sugli esorcismi, e ora sta di nuovo destando interesse con il suo arrivo su Prime Video. Pur non rivoluzionando il tema, la pellicola tenta di distinguersi grazie a una protagonista inedita — una suora che pratica esorcismi, ruolo tradizionalmente riservato agli uomini — e a una trama ricca di colpi di scena e rivelazioni finali.

Se dopo la visione il pubblico resta confuso dal finale, questa guida chiarisce tutto ciò che accade nell’ultima parte del film.

Chi è Suor Ann

La protagonista di Gli occhi del diavolo è Suor Ann (Jacqueline Byers), una giovane donna che ha dedicato la propria vita a comprendere le opere del demonio e ad aiutare la Chiesa a salvare le anime perdute. La sua vocazione nasce durante l’adolescenza, segnata da eventi traumatici.

Annie — il suo nome di battesimo — cresce con una madre (Koyna Ruseva) posseduta da un demone, che la maltratta e alla fine si toglie la vita. Rimasta orfana, Annie passa da una famiglia affidataria all’altra fino a un’adolescenza segnata da abusi e solitudine: a quindici anni resta incinta dopo una notte di sesso non protetto e, abbandonata dalla famiglia che la ospita, vive per strada. Viene poi accolta da un convento e decide di farsi suora. Il bambino, però, viene dato in adozione subito dopo la nascita.

Dieci anni dopo, Suor Ann lavora nella Scuola di Esorcismo di Boston, un’istituzione del Vaticano che forma giovani sacerdoti alla lotta contro le forze infernali e ospita persone sospettate di possessione. I “pazienti” vengono rinchiusi in stanze sorvegliate da medici e psichiatri, mentre i preti attendono l’approvazione ufficiale della Chiesa per iniziare gli esorcismi.

Sebbene le suore possano solo assistere i pazienti, Ann si introduce di nascosto nelle lezioni per imparare i riti sacri. Convinta che Dio la chiami a un ruolo più attivo, decide di infrangere le regole per combattere un male che si sta diffondendo sempre più rapidamente.

Il ritorno del demone di Annie

Durante il suo lavoro, Suor Ann comincia a percepire la presenza di demoni nei pazienti. Queste entità evocano i suoi traumi d’infanzia e la costringono a confrontarsi con la morte della madre. La più difficile da gestire è Natalie (Posy Taylor), una bambina di dieci anni posseduta da un demone particolarmente potente.

Col tempo, Ann scopre che lo spirito maligno che tormenta Natalie è lo stesso demone che un tempo aveva posseduto sua madre, e che ora desidera impossessarsi di lei. L’Inferno riconosce in Suor Ann una minaccia e vuole corrompere la sua anima.

Determinata a comprendere il male, Ann formula una teoria secondo cui alcune possessioni avverrebbero perché le vittime, travolte dal senso di colpa, “invitano” i demoni dentro di sé. Per metterla alla prova, partecipa con Padre Dante (Christian Navarro) all’esorcismo della sorella di lui, Emilia (Cora Kirk), posseduta dopo aver abortito in seguito a uno stupro.

Durante l’esorcismo, Ann cerca di convincere Emilia che Dio la ama nonostante la sua scelta, ma la donna, sopraffatta dal rimorso, si suicida il giorno dopo.

Sconvolta, Ann lascia la scuola e torna al convento. Tuttavia, Padre Dante la raggiunge con notizie inquietanti: Natalie è peggiorata, ha ucciso tre persone e il demone gli ha consegnato un crocifisso — lo stesso che Annie aveva lasciato al suo bambino appena nato. Natalie, quindi, è sua figlia.

Rinata spiritualmente e determinata a salvare la bambina, Suor Ann decide di affrontare il demone una volta per tutte.

Duello nel seminterrato

A causa della sua pericolosità, Natalie è rinchiusa nei sotterranei della scuola, un’area antica usata nei secoli passati per imprigionare streghe e indemoniati. Nelle profondità dell’edificio si trova anche una vasca d’acqua santa, un tempo usata per “purificare” i posseduti annegandoli.

Padre Dante aiuta Ann a introdursi di nascosto nell’edificio. Raggiunta la cella, il demone uccide i sacerdoti presenti e si scaglia contro di loro. Per proteggere la bambina, Ann offre il proprio corpo come ricettacolo del male: la creatura lascia Natalie e prende possesso di lei.

Ma la vittoria è solo apparente. Posseduta, Ann tenta di uccidere Dante e la figlia. In un lampo di lucidità, però, rivede nella mente la madre e capisce che il suicidio della donna era stato un atto di sacrificio, non di debolezza: la madre si era tolta la vita per impedire al demone di farle del male.

Ispirata da questo ricordo, Ann trova la forza di ribellarsi all’entità e si getta nella vasca d’acqua santa. L’acqua purifica il suo corpo, brucia il demone e lo distrugge. Mentre lei sta per annegare, Padre Dante la salva e la rianima.

Il male è vinto, e Natalie è finalmente libera, redenta dal sacrificio della madre che non sapeva di avere.

L’Inferno non perdona

Anche se Suor Ann ha sconfitto il demone e salvato sua figlia, sceglie di non rivelarle la verità: per Natalie, lei resterà soltanto una suora gentile che l’ha aiutata.

Per il coraggio dimostrato, Ann ottiene una borsa di studio dal Vaticano per studiare demonologia e diventare la prima donna esorcista dopo sette secoli. Tuttavia, mentre si reca all’aeroporto, rimane bloccata nel traffico e viene attaccata dalle forze dell’Inferno: i demoni possiedono il tassista e una passante, costringendoli a tentare di ucciderla.

Ann afferra il suo crocifisso e si prepara a combattere, lasciando il pubblico con un finale aperto. Non si sa se sopravviverà, ma il messaggio è chiaro: l’Inferno non dimentica e non perdona mai. Se ci sarà un sequel, Suor Ann dovrà continuare la sua battaglia contro le legioni del male, in una guerra che è solo all’inizio.

La commedia è uno dei generi che più identificano il grande cinema italiano, presente sin dagli albori, prima ancora dell’avvento del sonoro. Con l’arrivo del cinema parlato nacque la commedia dei telefoni bianchi, legata alla borghesia e alle ideologie del Ventennio. Da lì si arrivò all’età d’oro della commedia all’italiana, il periodo più iconico e riconosciuto nel mondo, capace di raccontare con ironia i vizi e le virtù di un Paese in trasformazione.

Nel tempo, tra declinazioni demenziali, politiche, sexy o brillanti, la commedia italiana ha saputo reinventarsi, restando uno dei generi più amati dal pubblico. Di seguito una panoramica dei migliori film comici italiani, dai grandi classici fino ai titoli più recenti che raccontano l’Italia di oggi con ironia e umanità.

• INDICE
  • Commedie italiane 2025
  • Commedie italiane 2024
  • Commedie italiane 2023
  • Commedie italiane 2020–2022
  • Commedie italiane recenti e di successo (2010–2019)
  • Altre commedie italiane recenti
  • Commedie italiane diventate veri classici
  • Le migliori commedie all’italiana
  • Commedie italiane su Netflix

Commedie italiane 2025: i nuovi film da vedere quest’anno

Il 2025 conferma il buon momento del cinema italiano con commedie che mescolano ironia e impegno civile. Tra i titoli più attesi e già usciti:

• Romeo è Giulietta di Giovanni Veronesi, con Sergio Castellitto e Pilar Fogliati, un racconto ironico sulle dinamiche teatrali e i ruoli di genere.

• Un mondo a parte di Riccardo Milani, con Antonio Albanese e Virginia Raffaele, commedia agrodolce sull’Italia dei piccoli borghi.

• Volare di Margherita Buy, debutto alla regia per l’attrice, che racconta con leggerezza la paura di volare e la paura di vivere.

• C’è ancora domani di Paola Cortellesi, un successo di critica e pubblico che fonde dramma e ironia nel racconto della Roma del dopoguerra.

Commedie italiane 2024: satira, sentimenti e nuove tendenze

Il 2024 ha visto una commedia più ibrida e riflessiva, capace di unire la risata alla critica sociale.

• Tre di troppo di Fabio De Luigi: una coppia alle prese con la vita genitoriale dopo un desiderio espresso per scherzo.

• Romeo è Giulietta, distribuito tra la fine del 2024 e inizio 2025, rimane tra i film più rappresentativi.

• 50 km all’ora di Fabio De Luigi, remake di un film tedesco, è un road movie ironico e malinconico.

• Il più bel secolo della mia vita con Sergio Castellitto e Valerio Lundini, riflette con humor sui paradossi burocratici italiani.

Commedie italiane 2023: il ritorno del pubblico in sala

Dopo gli anni difficili della pandemia, la commedia torna ad attirare spettatori con storie umane e sincere.

• Grazie ragazzi di Riccardo Milani: Antonio Albanese guida una compagnia teatrale composta da detenuti.

• Mixed by Erry di Sydney Sibilia: l’ascesa di tre fratelli napoletani che inventano un impero musicale pirata negli anni ’90.

• Vicini di casa di Paolo Costella: due coppie e una notte di rivelazioni in un condominio romano.

• Il primo giorno della mia vita di Paolo Genovese: una commedia esistenziale sull’importanza di ricominciare.

Commedie italiane 2020–2022: tra pandemia e rinascita

Tra il 2020 e il 2022, la commedia ha raccontato un Paese sospeso tra crisi e speranza, con film che mescolano ironia e malinconia.

• Odio l’estate (2020) di Massimo Venier, il ritorno di Aldo, Giovanni e Giacomo.

• Tolo Tolo (2020) di Gennaro Nunziante con Checco Zalone, satira sull’immigrazione.

• Figli (2020) di Giuseppe Bonito con Paola Cortellesi e Valerio Mastandrea.

• È per il tuo bene (2020) di Rolando Ravello.

• Come un gatto in tangenziale – Ritorno a Coccia di Morto (2021) di Riccardo Milani.

Commedie italiane recenti e di successo (2010–2019)

Un decennio in cui la commedia ha trovato nuova linfa tra generazioni di autori e interpreti.

• Perfetti sconosciuti (2016). Il film che ha consacrato Paolo Genovese, Perfetti Sconosciuti. Un gruppo di amici di lunga data si ritrova a cena e decide di condividere messaggi e telefonate in arrivo sui cellulari di ognuno. Nel corso della serata vengono a galla segreti e bugie che mettono a rischio gli equilibri di anni. Commedia dai toni amari che punta a riflettere sugli odierni rapporti in un mondo iper tecnologico.
• Comedians (2021) Sei aspiranti comici stanchi della mediocrità delle loro vite, al termine di un corso serale di stand-up comedy, si preparano ad affrontare la loro prima esibizione in un locale. Tra il pubblico c’è anche un esaminatore. Comedians è un film comico italiano diretto da Gabriele Salvatores, tratto dall’omonimo dramma di Trevor Griffiths. Il film è inoltre un parziale remake di Kamikazen – Ultima notte a Milano, primo lungometraggio del regista avente la pièce di Griffiths come soggetto.
• Metti la nonna in Freezer (2018). Il più incorruttibile e maldestro dei finanzieri, Simone Recchia (Fabio De Luigi), si innamora perdutamente di Claudia (Miriam Leone), una giovane restauratrice che vive grazie alla pensione della nonna (Barbara Bouchet). Quando la nonna improvvisamente muore, per evitare la bancarotta, Claudia, con la complicità delle sue amiche, pianifica una truffa per continuare ad incassare la pensione. Tra travestimenti, equivoci ed ingegnose bugie sono gli ingredienti per questa nuova ed irriverente commedia sulla difficoltà di sbarcare il lunario ai tempi della crisi.
• Quo vado? (2016). Il re della commedia recente, Checco Zalone in una delle sue puntate più esilaranti, Quo Vado?. Un uomo che vive ancora con la famiglia, per timore dell’indipendenza, viene costretto a cambiare la propria vita e doversi adattare ad ogni lavoro, anche i più improbabili e pericolosi. Zalone riflette sul concetto di posto fisso e del lavoro in Italia, proponendo una satira specchio dell’attualità del paese.
• Nove lune e mezza (2017). Commedia al femminile diretta da Michela Andreozzi, parla di due sorelle diversissime, in tutto: relazioni, carriera, figli, sesso. Tina cerca da anni di avere un figlio, ma non funziona. E Livia decide di aiutarla. Con Claudia Gerini protagonista, è questa una divertente commedia incentrata sul tema della fertilità e della maternità.
• Odio l’estate (2020). Le famiglie di Aldo, Giovanni e Giacomo, che non si conoscono e sono molto diverse tra loro, partono per una vacanza in Puglia e si ritrovano, a causa di un disguido, a dover condividere l’abitazione. Il celebre trio comico torna al suo meglio sul grande schermo per proporre una storia dolceamara sull’amicizia, la famiglia e i legami della vita.
• Tolo Tolo (2020). Dopo che il suo ristorante di sushi è fallito miseramente, Checco deve scappare dai suoi creditori e decide di rifugiarsi in Africa, dove si improvvisa cameriere in una struttura alberghiera. Checco Zalone torna al cinema per offrire la propria versione dell’emigrazione dall’Africa fino all’Italia, in un’opera che punta con ironia a far riflettere su tale tema.
• Figli (2020). Sara e Nicola sono sposati da tempo, hanno una bambina di sei anni e sono molto innamorati. Inoltre, entrambi hanno una vita professionale appagante. L’arrivo del secondo figlio, però, rompe l’equilibrio della loro vita perfetta. Valerio Mastandrea e Paola Cortellesi recitano da protagonisti in questa originalissima commedia incentrata sulla genitorialità, la cui sceneggiatura di Mattia Torre è stata premiata ai David di Donatello.
• 7 ore per farti innamorare (2020). Dopo aver scoperto che la fidanzata lo tradisce con il suo capo, il diligente giornalista Paolo De Martino si licenzia e trova lavoro presso una rivista per uomini. L’incontro con la seducente Valeria cambia la sua vita. Giampaolo Morelli e Serena Rossi sono i protagonisti di questa brillante commedia romantica, particolarmente apprezzata dal grande pubblico.
• Cosa sarà (2020). La vita di Bruno Salvati è in una fase di stallo. I suoi film non hanno mai avuto successo, sua moglie Anna sembra già avere un altro. Un giorno, Bruno scopre di avere una forma di leucemia. Parte da qui per lui un nuovo percorso di vita, con nuove consapevolezze.
• È per il tuo bene (2020). Tre amici sono insoddisfatti delle relazioni sentimentali delle loro figlie. Così decidono di aiutarsi a vicenda per portare a termine le loro storie d’amore. Protagonisti di questa cinica commedia sono Marco Giallini, Giuseppe Battiston e Vincenzo Salemme.

Altre commedie italiane recenti

• Smetto quando voglio (2014). Sette accademici in rovina trovano il modo di salvarsi, al limite della legalità: uno di loro, un chimico, ha sintetizzato una nuova sostanza stupefacente, non ancora messa al bando dal ministero.
• Benvenuti al sud (2010). Alberto Colombo, un direttore delle Poste che vive in un paesino della Brianza, viene trasferito a guidare l’ufficio postale del piccolo paese di Castellabate in seguito ad una richiesta andata non propriamente a buon fine. L’uomo, inizialmente perplesso dalla situazione, viene accolto a braccia aperte dal postino Mattia e dai colleghi, iniziando ad apprezzare le bellezze e le abitudini del piccolo centro campano.
• Tutta colpa di Freud (2014). Uno psicologo cinquantenne, Francesco, è divorziato e si prende cura delle tre figlie, nonostante queste siano cresciute, e delle intricate vicende romantiche della famiglia. Tutte e tre hanno relazioni problematiche e, a complicare ulteriormente le cose, l’amore segreto di Francesco si rivela essere la moglie di uno degli amanti delle ragazze.
• Una famiglia perfetta (2012). Leone è un uomo ricco e potente ma soprattutto solo. La solitudine lo spinge ad ingaggiare una compagnia di attori per far interpretare loro la famiglia che non ha mai avuto. La recita va in scena la notte di Natale nella sua villa a Todi, con i due piani della vita dell-uomo che si fanno sempre meno distinti.
• Grande, grosso e… Verdone (2008). Film nel quale Verdone riporta in vita tre suoi famosi personaggi: il candido, il logorroico ed il volgare. Leo ha la madre defunta da seppellire, ma deve affrontare, oltra ad una buona dose di sventure, una impresa di pompe funebri assai poco professionale. Callisto è un professore antipatico e pedante che viene per un momento creduto disperso nelle catacombe, con somma gioia del figlio. Moreno ed Enza sono una coppia di cafoni arricchiti che affrontano una serie di disavventure in vacanza.
• Nessuno mi può giudicare (2011). La bella Alice vive una vita agiata nella propria villetta di Roma, con il marito, un figlio e tre domestici. Con l’improvvisa morte dell’uomo in un incidente, la donna scopre di aver ereditato solo debiti, e che l’impresa familiare è sull’orlo del fallimento. L’unico modo per salvare la famiglia richiede di fare tanti soldi in poco tempo. Decide così di diventare accompagnatrice, aiutata nell’intento da una collega bellissima, dall’aria superficiale e cinica.
• La matassa (2012). Ficarra e Picone mattatori nel film La Matassa. Gaetano e Paolo sono due cugini, figli di fratelli che però si odiano e per questo motivo non si vedono da vent’anni. Il caso vuole che i due si incontrino improvvisamente, diventando protagonisti involontari di diverse avventure ed equivoci che li portano a rischiare la loro stessa vita. A tentare di farli riappacificare, per essere di nuovo una famiglia, interviene un uomo di chiesa, don Gino.
• Sole a catinelle (2013). Se sarai promosso con tutti dieci papà ti regala una vacanza da sogno: è questa la promessa che Checco fa al figlio Nicolò. Fin qui tutto bene, il problema è che Checco, venditore di aspirapolvere in piena crisi sia con il fatturato che con la moglie, non può permettersi di regalare al figlio nemmeno un giorno al mare. Ma quando Nicolò riceve la pagella perfetta, la promessa va mantenuta.
• Se Dio vuole (2015) di Edoardo Falcone. Tommaso è un chirurgo famoso e un uomo deciso. Quando il figlio annuncia che vuole lasciare la facoltà di medicina per diventare prete, il mondo gli cade addosso. Sembra che sia stato ispirato da un certo Don Pietro, e Tommaso è deciso a scoprirne gli altarini e rivelare tutto al figlio, per fargli cambiare idea.
• La felicità è un sistema complesso (2015) di Gianni Zanasi è una commedia dolcemara e piena di sentimenti, parla di Enrico Giusti, un uomo il cui lavoro è convincere dirigenti incompetenti a dimettersi. Ma si trova due orfani tra le mani, i traumi riemergono e le cose cambiano.

Commedie italiane diventate veri classici

• Tre uomini e una gamba (1997). Il film che ha dato il successo al trio Aldo, Giovanni e Giacomo. Un viaggio in auto, in occasione di un matrimonio, si trasforma in un’odissea epica per tre impiegati e una preziosa gamba di legno.
• Il Ciclone (1996). Uno dei film più famosi di Leonardo Pieraccione.  In un paesino della Toscana vive la famiglia Quarini, il padre Osvaldo e i tre figli Levante, Libero e Selvaggia. Un giorno una compagnia spagnola di flamenco arriva e porta nuovo e contagioso entusiasmo nella vita dei quattro.
• Ricomincio da tre (1981). Gaetano è un ragazzo napoletano in cerca di nuovi stimoli e decide così di lasciare casa, lavoro e amici per trasferirsi a Firenze dalla zia. Tra situazioni divertenti, il giovane conosce Marta e inizia con lei un nuovo capitolo della propria vita. Questo è senza dubbio uno dei film più iconici di Massimo Troisi, ricco di sentimenti e comicità senza tempo.
• Eccezzziunale… veramente (1982). Seguiamo tre esilaranti episodi legati ad un capo ultrà milanista, ad un venditore d’autoveicoli interista che fa 13 alla schedina e ad un camionista juventino di origine meridionale. Diego Abatantuono interpreta tre personaggi diversi in questo classico della commedia che ha anche il merito di aver confermato l’indiscusso talento di Abatantuono come attore.

Le migliori commedie all’italiana

Quella della commedia all’italiana è ricordata come uno dei periodi migliori per la comicità nostrana. Film capaci di divertire ma anche di offrire malinconici ritratti di un paese problematico, segnato dagli orrori della guerra o dai cambiamenti sociali talvolta mal compresi. All’interno di questo filone si ritrovano dunque alcuni dei migliori film mai prodotti in Italia e qui di seguito se ne riportano alcuni, i più rappresentativi e iconici.

• I soliti ignoti, (1958), Mario Monicelli. Se si parla di commedie italiane non si può non menzionare questo capolavoro. Ci sono tutti: Gassman, Mastroianni, Totò, Salvatori, e la Cardinale. Sei uomini hanno l’occasione di fare un colpo facile: rapinare un monte dei pegni, sfondando un muro sottile che ne separa la cassaforte da un’abitazione privata. Si preparano come si fa nei film, ma le cose non andranno come previsto. Monicelli, sei sbandati, e pasta e ceci.
• Il sorpasso (1962), Dino Risi. Il giorno di Ferragosto due amici, uno studente universitario timido e un quarantenne immaturo, trascorrono la giornata in auto. Le ore passano veloci in un susseguirsi di episodi tragicomici, fino all’epilogo inatteso e drammatico. Vittorio Gassman e Jean-Louis Trintignant recitano in questa iconica commedia dai risvolti amari, che offre un’Italia nel pieno del suo boom economico.
• Divorzio all’italiana, (1962), Pietro Germi. Un barone Siciliano, erede di una famiglia ridotta al lastrico, è sposato con l’odiosissima Rosaria. È però innamorato della giovane angela. Dato che in Italia il matrimonio non è ancora legale, decide di far fuori la moglie. Esilarante e cinico.
• L’armata Brancaleone (1966), Mario Monicelli. Brancaleone da Norcia sta per partecipare a un torneo quando incontra il bizantino Teofilatto con il quale occupa un paese dove imperversa la peste. Qui salva una stravagante promessa sposa e insieme vivono altre rocambolesce avventure. Grande classico della commedia, il film ha riscritto i canoni della commedia storica.
• Dramma della gelosia (tutti i particolari in cronaca) (1970), di Ettore Scola. Un muratore già sposato e una fioraia si incontrano e innamorano durante una manifestazione. La donna, però, non riesce a resistere al fascino di un pizzaiolo. Ben presto, il rapporto tra i tre si incrinerà in modi irreparabili.  Marcello Mastroianni, Monica Vitti e Giancarlo Giannini recitano in questa commedia amara, ricca di amore, passioni e morte.
• C’eravamo tanto amati (1974), di Ettore Scola. Tre partigiani legati da una forte amicizia, finita la guerra, tornano alla propria vita. Lo scontro con la realtà quotidiana, però, mette a dura prova il loro legame. Straordinaria commedia dai toni malinconici per riflettere sulle trasformazioni dell’Italia dalla guerra fino agli anni del boom economico.
• Fantozzi (1975) di Luciano Salce. Il ragionier Ugo Fantozzi, perennemente inseguito dalla mala sorte, cerca di sopravvivere alla vita di impiegato per una grande azienda. Primo film di un’iconica saga cinematografica che trova in Paolo Villaggio e nel suo personaggio Ugo Fantozzi elemento di estrema comicità, che riflette però sempre con acume sull’Italia.
• Febbre da cavalo (1976). Film che usa una serie di flashback per raccontare le vicende di tre amici, Mandrake, Pomata e Felice, la cui vita ruota attorno al mondo delle corse dei cavalli e alle scommesse. Gigi Proietti, Enrico Montesano e Francesco De Rosa sono i tre brillanti mattatori di questa commedia iconica, tra le più divertenti e citate di sempre.

Commedie italiane su Netflix

Netflix è oggi la casa ideale per riscoprire la commedia italiana, tra novità recenti e grandi classici restaurati. Dal sarcasmo moderno di Mixed by Erry ai cult con Troisi e Verdone, la piattaforma offre un catalogo capace di attraversare generazioni e stili diversi, tra satira, romanticismo e umanità.

Le migliori commedie italiane da vedere su Netflix

• Ramore in teoria – Un gioco di parole per una commedia sentimentale leggera e ironica sulle relazioni ai tempi dei social, tra incontri mancati e nuovi inizi.

• Romeo è Giulietta – Giovanni Veronesi dirige una divertente riflessione metateatrale sulle differenze di genere e sui ruoli del mondo dello spettacolo.

• Ogni maledetto fantacalcio – Satira irresistibile sul mondo dei tifosi e delle amicizie rovinate da un campionato virtuale.

• La vita da grandi – Una commedia fresca e familiare sulle piccole e grandi responsabilità dell’età adulta.

• Il secondo tragico Fantozzi – Paolo Villaggio al massimo del suo genio grottesco: un cult intramontabile che racconta l’Italia degli impiegati e delle umiliazioni quotidiane.

• Il campione – Tra commedia e dramma sportivo, un giovane calciatore viziato scopre il valore della disciplina e dell’amicizia.

• 2 superpiedi quasi piatti – Bud Spencer e Terence Hill in una delle loro avventure più spassose, tra scazzottate e gag indimenticabili.

• Noi e la Giulia – Edoardo Leo firma una commedia corale sull’amicizia e sulla fuga dal caos della città, tra ironia e malinconia.

• Non c’è due senza quattro – Ancora Bud Spencer e Terence Hill in un intreccio di identità scambiate e guai senza fine.

• Mixed by Erry – Sydney Sibilia racconta la vera storia dei fratelli Frattasio, pionieri della pirateria musicale negli anni ’90.

• Nati con la camicia – Avventura scatenata e piena d’azione con il duo Spencer-Hill in missione (improbabile) per la CIA.

• 10 giorni senza mamma – Fabio De Luigi e Valentina Lodovini in una commedia familiare sulle sfide della paternità improvvisata.

• Si accettano miracoli – Alessandro Siani dirige e interpreta una fiaba moderna sul potere della fede e delle seconde possibilità.

• Una famiglia mostruosa – Una famiglia di “mostri” accoglie un ragazzo normale in una commedia fantasy per tutta la famiglia.

• Immaturi – Paolo Genovese racconta un gruppo di amici costretti a tornare sui banchi di scuola: tra nostalgia e leggerezza.

• Che bella giornata – Il film che consacrò Checco Zalone, un successo da record capace di far ridere e riflettere sull’Italia contemporanea.

• La mafia uccide solo d’estate – L’ironia amara di Pif nel raccontare la Palermo degli anni di piombo con uno sguardo tenero e disincantato.

• Il 7 e l’8 – Ficarra e Picone in una storia di identità scambiate e destino, una delle loro commedie più amate.

• Il grande giorno – Aldo, Giovanni e Giacomo tornano con una commedia elegante sull’amicizia, l’amore e le occasioni mancate.

• Compagni di scuola – Carlo Verdone riunisce vecchi compagni di liceo in una cena che diventa resa dei conti generazionale.

• Fantozzi – Il primo film del ragioniere più celebre del cinema italiano, simbolo di una comicità amara e popolare.

• Come tu mi vuoi – Una commedia romantica universitaria con Nicolas Vaporidis e Cristiana Capotondi, tra cliché e metamorfosi.

• Benvenuti al Nord – Sequel di Benvenuti al Sud, ancora Miniero firma una commedia sugli stereotipi italiani con ritmo e affetto.

• Qualunquemente – Antonio Albanese torna nei panni del politico Cetto La Qualunque: satira feroce e irresistibile sull’Italia del potere.

• Bianco, rosso e Verdone – Tre personaggi, tre viaggi, un’Italia raccontata da Verdone con umorismo e malinconia.

• Maledetto il giorno che t’ho incontrato – Una commedia sentimentale con Verdone e Margherita Buy che alterna romanticismo e nevrosi.

• L’abbaglio – Una storia di provincia che alterna tono grottesco e umanità genuina, per una piccola perla del cinema recente.

• Ricomincio da tre – Massimo Troisi in un capolavoro poetico e delicato che ha ridefinito la commedia sentimentale italiana.

• Notte prima degli esami – La maturità vista come rito di passaggio generazionale in una commedia che ha segnato gli anni 2000.

• Nessuno mi può giudicare – Paola Cortellesi in una brillante commedia di rinascita personale e sociale.

• Ovosodo – Paolo Virzì firma un racconto di formazione ironico e tenero sulla gioventù livornese.

• 4 metà – Quattro versioni dell’amore si intrecciano in una commedia romantica moderna e intelligente.

• Tu la conosci Claudia? – Aldo, Giovanni e Giacomo in una delle loro migliori commedie, tra equivoci, gelosie e un pizzico di malinconia.

La commedia del 2013 Io sono tu, con Melissa McCarthy, è tornata in auge ed è ora tra i dieci film più visti su Netflix. Il film segue la storia di Sandy Patterson (Jason Bateman), che si mette sulle tracce di una donna di nome Diana (McCarthy) dopo che questa gli ha rubato l’identità, nel tentativo di consegnarla alla giustizia e ripulire il proprio nome e il proprio credito.

Il film fu un successo commerciale negli USA, incassando 175,4 milioni di dollari a fronte di un budget di 35 milioni, ma fu stroncato dalla critica al momento della sua uscita. Attualmente detiene un punteggio di 35 su 100 su Metacritic e un ancora più basso 19% su Rotten Tomatoes.

Nella classifica settimanale di Netflix dei 10 film più visti, Io sono tu, nonostante i più di dieci anni trascorsi dalla sua uscita, si è guadagnato un posto accanto a successi contemporanei della piattaforma.

La carriera di Melissa McCarthy è molto cambiata da Io sono tu

Ci sono diverse ragioni per cui Io sono tu è diventato un successo su Netflix nonostante la sua pessima reputazione critica. Il principale motivo è probabilmente il fascino del duo di protagonisti.

Jason Bateman è ormai una presenza familiare per gli spettatori di Netflix grazie alla serie di successo Ozark, recentemente conclusa, mentre Melissa McCarthy ha vissuto una vera e propria trasformazione professionale dai tempi di Io sono tu.

Nel 2013, infatti, McCarthy era reduce dal grande successo di Le amiche della sposa, che le era valso una nomination all’Oscar. Tuttavia, negli anni successivi, le sale cinematografiche si erano riempite di commedie con lei protagonista, e la critica iniziò a snobbare i suoi film che non fossero diretti da Paul Feig, il regista di Le amiche della sposa.

Le collaborazioni con Feig ebbero infatti un discreto riscontro — Corpi da reato (66%), Spy (95%) e Ghostbusters (74%) — mentre le altre sue pellicole non andarono altrettanto bene: Io sono tu ottenne valutazioni basse, simili a Tammy (24%) e The Boss (22%).

Melissa McCarthy oggi: dal comico al drammatico

Negli anni successivi, McCarthy ha saputo reinventarsi, esplorando ruoli lontani dalla pura commedia. Tra questi spicca la sua interpretazione drammatica nel biopic del 2018 Copia originale (Can You Ever Forgive Me?), che le valse una seconda nomination agli Oscar. Più di recente, ha vestito i panni della villain Ursula nel remake live-action Disney de La sirenetta (2023), dimostrando ancora una volta la sua versatilità, ed è stata guest in Only Murders in the Building – Stagione 4.

Ora che il pubblico si è un po’ allontanato dal periodo delle commedie anni 2010 che l’hanno resa celebre, sembra esserci un rinnovato interesse anche per i suoi film di quel periodo — compreso Io sono tu — nonostante le recensioni negative dell’epoca.

Io sono tu sta vivendo una seconda vita su Netflix, trainato dalla popolarità attuale dei suoi interpreti e da una nuova generazione di spettatori curiosi di riscoprire le commedie che hanno lanciato la carriera di Melissa McCarthy.

“Stanco, molto stanco”. Queste sono le tre parole con cui Steve (interpretato da Cillian Murphy) si descrive alla troupe di un documentario in visita a Stanton Wood, la scuola di recupero dove è preside. L’istituto accoglie giovani uomini problematici che cercano di capire chi diventeranno. Basato sul romanzo Shy di Max Porter, Steve si svolge nell’arco di una sola giornata, offrendo uno sguardo intimo sulle vite dei ragazzi e dei loro insegnanti, e mostrando quanto sia difficile comprendere davvero cosa si nasconda nella mente degli altri.

Al centro della storia, insieme a Murphy, c’è Jay Lycurgo nel ruolo di Shy, uno studente che non si separa mai dalle cuffie attraverso cui ascolta musica drum-and-bass, colonna sonora della sua vita. Le sue tre parole per descriversi sono “arrabbiato e annoiato”. Ma come suggerisce il film, nessuna vita può essere racchiusa in poche parole. Per capire davvero chi siamo, bisogna essere presenti nelle vite degli altri, ascoltare ciò che non viene detto e non distogliere lo sguardo anche quando la realtà fa male.

Il regista Tim Mielants e il cast spiegano che Steve non è solo una storia, ma un punto di partenza per la riflessione e la discussione.

Cosa succede in Steve

Ambientato a metà degli anni ’90, il film si svolge a Stanton Wood, una scuola immaginaria nel Regno Unito finanziata dallo Stato e ospitata in un vecchio maniero decadente. L’istituto offre una seconda possibilità a giovani difficili, con l’obiettivo di prepararli alla vita adulta. C’è un senso di speranza in questo progetto, ma anche un grande peso: gli insegnanti sanno che il fallimento potrebbe compromettere per sempre il futuro dei ragazzi.

Steve incarna perfettamente questa tensione. È un educatore empatico e brillante, ma allo stesso tempo lotta con i propri demoni interiori: dipendenze, senso di colpa e dolore.

Il periodo storico contribuisce a questa dualità. Porter spiega che il film è ambientato durante l’era della “Cool Britannia”, ma si chiede: cosa significava quella cultura pop ottimista per ragazzi infelici, emarginati e falliti dal sistema? Per loro il 1996 non era un tempo “cool”, ma semplicemente la realtà in cui sopravvivevano. Per Shy, la sfida più grande è la solitudine e il bisogno di trovare un senso di appartenenza. Il film esplora cosa significherebbe per lui perdere l’unico luogo che può chiamare casa.

Cosa sta accadendo a Stanton Wood

La scuola diventa oggetto di un documentario che filma studenti e docenti nei momenti più vulnerabili. Si scopre presto che l’istituto rischia la chiusura: deve trasferirsi, ma non ci sono fondi né strutture alternative. Stanton Wood è destinata a sparire, lasciando i ragazzi senza un rifugio e gli insegnanti impotenti.

Questo senso di urgenza permea l’intero film. I docenti cercano disperatamente di salvare i ragazzi, ma comprendono che il problema è più grande di loro e che servono tempo e riforme profonde per cambiare davvero le cose.

Amanda (Tracey Ullman), una delle insegnanti, racconta alla troupe: “Doveva essere un centro di eccellenza. Ora, dopo tutti i tagli, siamo allo stremo, viviamo in crisi permanente. Steve si sente in colpa, ma non dovrebbe. Forse è per questo che lavoriamo bene insieme: entrambi siamo intrappolati in questo posto, nel bene e nel male. Quasi sempre nel male.”

Il film, tuttavia, invita anche a guardare al presente: a ciò che accade davanti ai nostri occhi, più che a un futuro incerto.

Cosa succede a Shola in Steve

Shola (interpretata da Simbi Ajikawo, nota anche come la rapper Little Simz) è una giovane insegnante descritta da se stessa come “concentrata, dedicata, flessibile”. È una figura calma e controllata, vicina ai ragazzi per età ma capace di mantenere autorità e sensibilità. Tuttavia, anche lei affronta difficoltà personali, tra cui molestie sessuali da parte di un alunno. Deve quindi imparare a proteggersi senza perdere la propria umanità e professionalità.

Ajikawo racconta che interpretare Shola le ha fatto comprendere meglio la complessità del ruolo degli insegnanti: “Pensi che la loro vita ruoti intorno a te, ma in realtà hanno anche loro dolori e difficoltà. Alcuni si prendono davvero cura dei ragazzi e vogliono capirli, anche se è difficilissimo.” Colpita dalla performance di Lycurgo, Ajikawo ha scritto per il film la canzone Don’t Leave Too Soon, dedicata a Shy: “Volevo scrivere qualcosa per lui, per fargli capire ‘ti vedo’. Forse non sa di volere essere visto, ma è chiaro che ne ha bisogno.”

Cosa succede a Shy in Steve

Shy è introdotto come un ragazzo energico e fragile al tempo stesso: ascolta musica dal suo Walkman, si droga prima delle lezioni, ride e scherza, ma vive anche momenti di profonda rabbia. Steve lo guarda con affetto e speranza, ma non può salvarlo da tutto.

In una scena cruciale, Shy telefona alla madre, che gli comunica di voler interrompere i contatti con lui. È un colpo devastante. Lo spettatore scopre che Shy ha un passato violento: ha accoltellato il patrigno e fatica a controllare la rabbia. In un momento di disperazione, carica uno zaino di pietre e si immerge nello stagno della scuola, pronto a lasciarsi affondare.

Cillian Murphy ricorda che il provino di Lycurgo commosse tutti: “Abbiamo visto il video e ci siamo messi a piangere. Sapevamo che era lui. Ha una maturità incredibile per la sua età.”

Il film però offre un barlume di speranza: Shy non affonda. Riesce a uscire dall’acqua e a vivere un altro giorno. È un messaggio di resilienza — la possibilità che anche chi è perso possa salvarsi, se qualcuno decide di ascoltarlo davvero.

Cosa succede a Steve

Steve, pur dedicandosi completamente ai suoi studenti, è distrutto dentro. Abusa di alcol e antidolorifici per anestetizzare un dolore profondo: il senso di colpa per un incidente d’auto che ha causato la morte di un bambino. Il suo tentativo di aiutare gli altri diventa un modo per non affrontare se stesso.

Amanda lo affronta in una scena toccante, mentre lui cerca disperatamente una pillola di ossicodone: “Non è colpa tua,” gli dice. “Qualcuno è morto e tu ti stai anestetizzando. Devi accettarlo. Non puoi smettere il dolore, non puoi cancellarlo.”

Questo dialogo racchiude il cuore del film: il dolore non può essere ignorato. Va riconosciuto, condiviso, affrontato. Solo attraverso la vulnerabilità si può costruire fiducia e guarigione. Come afferma il regista Mielants: “La vulnerabilità è l’arma più potente che abbiamo come esseri umani.” Nel finale, Steve riflette sul valore dell’empatia e della connessione: “Voglio che tutti questi ragazzi sappiano che c’è qualcos’altro… che ci sono infinite possibilità. Il disastro cambia forma, e può diventare la gioia di domani.”

Il film si chiude con una nota di speranza malinconica: il dolore non scompare, ma può trasformarsi in qualcosa di diverso — in vita, musica, amore, comprensione.

Il classico horror del 1982 di John Carpenter, La cosa, è uno dei film horror di fantascienza più influenti mai realizzati, e il suo finale è stato oggetto di discussione per decenni. La cosa è senza dubbio un capolavoro cinematografico che rimane culturalmente rilevante anche quattro decenni dopo la sua uscita. Gli effetti speciali realizzati in modo eccellente hanno fatto sì che il suo horror grottesco rimanga potente, con l’impatto del film che si fa sentire ancora molti anni dopo.

La tensione claustrofobica e l’atmosfera inquietante di sfiducia generale si sono rivelate fondamentali per il genere horror, ma hanno anche ispirato una serie di altri film di vari generi. Costruito attorno alla premessa fantascientifica di una terrificante creatura aliena in grado di uccidere, assimilare e imitare perfettamente altre forme di vita, la trama segue il pilota di elicotteri R.J. MacReady (interpretato da Kurt Russell, collaboratore abituale di John Carpenter), che combatte la creatura mentre questa tenta di diffondersi tra i membri di una squadra di ricerca antartica.

La premessa rende la vera natura dei suoi personaggi piuttosto difficile da discernere, in particolare man mano che gli eventi del film seguono il loro corso. Tuttavia, il finale di La cosa, in particolare, è stato oggetto di molti dibattiti nel corso degli anni, poiché continua ad essere sottoposto a regolari analisi e nuove teorie dei fan. Sebbene il finale sia volutamente ambiguo, c’è ancora molto da dire sul film e sulla sua storia. In questo approfondimento, andiamo dunque ad esplorare la conclusione del film e i suoi significati.

Cosa succede nel finale di La cosa

Dopo aver compreso le capacità dell’alieno, gli uomini della base di ricerca iniziano lentamente a rivoltarsi l’uno contro l’altro. Uno dei primi a cedere è Blair, interpretato da Wilford Brimley, che sabota il loro mezzo di trasporto nel tentativo apparente di isolare la Cosa. Mentre la creatura continua a uccidere e ad assimilare gli uomini della base, la loro sfiducia reciproca cresce. Una volta che MacReady escogita un test ingegnoso utilizzando aghi caldi e campioni di sangue per capire chi è infetto, i sopravvissuti rimasti si riducono fino a quando rimangono solo MacReady, Childs (Keith David), Garry (Donald Moffat), Nauls (T.K. Carter) e Blair.

Rendendosi conto troppo tardi che Blair è infetto, gli uomini rimasti tentano di distruggere il campo, ma Garry e Nauls vengono uccisi. MacReady riesce però a uccidere Blair-Cosa e barcolla fuori al freddo, dove incontra Childs. I due uomini si siedono e guardano il campo bruciare, aspettando che il freddo li uccida, sapendo che non c’è modo di fidarsi l’uno dell’altro. Non è chiaro se Childs sia umano o la Cosa, e sebbene il pubblico sappia che MacReady quasi certamente non è infetto, Childs non ha motivo di fidarsi di lui, lasciando il finale di La cosa decisamente aperto.

La natura della Cosa rende impossibile contenerla

Sebbene il finale sia tutt’altro che chiaro, il film offre una visione molto specifica di come opera la creatura del titolo. MacReady elabora la teoria secondo cui una singola cellula è sufficiente per infettare un intero organismo, e il fatto che ogni singola cellula sia una singola Cosa sembra dimostrarsi vero durante il suo test. Questo sembra consentire a MacReady di identificare gli uomini infetti e quelli non infetti, ma contribuisce anche a descrivere quanto sia davvero disperata la situazione.

Se l’ipotesi di MacReady è corretta, allora le molteplici morti causate dalla Cosa non fanno che aumentare le possibilità che essa riesca in qualche modo a fuggire. Se davvero ogni goccia di sangue ha il potenziale di fuggire e infettare gli altri, allora il sangue versato in tutta la base potrebbe potenzialmente continuare a diffondersi nel mondo esterno. La Cosa è anche abbastanza senziente da evitare danni, e quindi è improbabile che venga consumata dalle fiamme. I fatti apparentemente concreti dell’esistenza della Cosa dimostrano che, indipendentemente dal finale ambiguo del film, la Cosa sopravviverà senza dubbio.

Childs o MacReady sono infettati dall’alieno?

L’aspetto più dibattuto di La cosa riguarda i suoi due sopravvissuti, MacReady e Childs. Gli eventi del film vedono tutte le altre persone dell’avamposto antartico 31 uccise, e gli ultimi sopravvissuti del film horror si ritrovano in una situazione impossibile, ma praticamente inevitabile, in cui nessuno dei due sa se l’altro è infetto. Ci sono molte teorie su quale dei due uomini possa essere infetto, e ci sono quattro possibili esiti: o solo MacReady o solo Childs sono infetti, entrambi lo sono, o nessuno dei due lo è. Tuttavia, la natura degli eventi precedenti fa sì che nessuno dei due possa essere sicuro che l’altro sia al sicuro. Poiché si segue il punto di vista di MacReady, è improbabile che egli sia stato segretamente assimilato.

Dei due, Childs è molto più probabile che sia stato infettato, ma la natura della Cosa rende impossibile per entrambi fidarsi l’uno dell’altro. Tuttavia, l’ipotesi più probabile è che nessuno dei due sia infetto. L’elemento fantascientifico del film horror descrive in dettaglio le capacità della Cosa: può assimilare rapidamente, ma preferisce farlo senza testimoni per rimanere nascosta. Se Childs o MacReady avessero voluto infettare l’altro, sarebbe stato relativamente semplice e non ci sarebbero stati testimoni che li denunciassero come impostori, rendendo probabile, ma non certo, che nessuno dei due fosse stato infettato. Indipendentemente da ciò, quell’incertezza che porta alla sfiducia è esattamente il punto centrale della scena finale.

La cosa parla di fiducia e paranoia

In definitiva, i temi principali del film riguardano la paranoia e la sfiducia. La Cosa che si infiltra tra gli uomini è sufficiente a seminare il conflitto tra loro e, una volta che si rivoltano l’uno contro l’altro, la creatura si nutre della sfiducia che ne deriva. Non appena la Cosa-Cane si rivela, essa consolida il suo dominio sui ricercatori antartici, perché quando questi ultimi cominciano a comprendere la loro situazione, diventano ostili. La paranoia che questo provoca si diffonde molto più rapidamente di quanto la Cosa riesca a infettare gli uomini, ma alla fine è proprio quella paranoia che li isola e permette alla Cosa di eliminarli uno ad uno.

Anche la fiducia gioca un ruolo importante nella storia di La cosa. È tutta una questione di fiducia, o meglio di mancanza di fiducia, che porta MacReady e Childs a morire congelati. La fiducia è ciò che la Cosa cerca maggiormente di ottenere dai non infetti, poiché permette alla creatura di assimilare le sue vittime senza che queste se ne accorgano. La sfiducia reciproca di MacReady e Childs è in definitiva ciò che li mantiene in vita per tutto il film, anche se è anche ciò che causerà la loro morte.

Il vero significato del finale di La cosa

Il finale di La cosa di John Carpenter è famoso per la sua ambiguità, ma è proprio questo il punto. Il fatto che sia impossibile distinguere l’uomo dalla Cosa è centrale nella trama del film, e il finale sfida il pubblico a mettersi nei panni di MacReady e Childs. Sebbene sia possibile valutare e misurare la probabilità che uno dei due sia infetto, la risposta definitiva è che è impossibile saperlo, ed è proprio questo che passa per la mente di MacReady e Childs. Poiché nessuno dei due può fidarsi completamente dell’altro, accettano che l’unico modo per risolvere la situazione sia “aspettare e vedere”, sapendo che ciò significherà morire congelati entrambi.

Qui sta l’altro significato del finale di La cosa. Indipendentemente dal fatto che i personaggi di Keith David o Kurt Russell siano effettivamente infetti, il punto è che la Cosa vince. Quando si arriva alla prova finale, nessuno dei due è in grado di prendere una posizione precisa, e l’unica linea d’azione logica è lasciare che il freddo li uccida entrambi. Ciò significa che se uno dei due è infetto, o se la Cosa di sangue o altre cellule sono sopravvissute, l’organismo alieno rimarrà congelato e sopravviverà per diffondersi in un secondo momento. In definitiva, la lotta di MacReady è stata del tutto inutile, poiché il finale di La cosa dimostra che la creatura ha vinto.

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Il fornaio, un film drammatico d’azione, racconta la storia di un uomo anziano apparentemente normale, il cui momentaneo lavoro di babysitter con la nipote si trasforma in una ricerca letale dopo la misteriosa scomparsa del figlio. Il proprietario della pasticceria Pappi’s Bake Shop, solitamente conosciuto come Pappi stesso, si trova in difficoltà dopo che il figlio lontano, Peter, gli lascia la figlia, Delphi, per occuparsi di alcuni suoi loschi affari. Quando Peter non torna dalla figlia, la strana coppia nonno-nipote si imbarca nell’avventura della vita.

Con una flotta di gangster alle spalle e un pericoloso signore della droga che vuole il sangue di Pappi, il panettiere deve rinfrescare alcune delle sue vecchie abilità per garantire la sicurezza della sua famiglia. Il film, ricco di azione e di dinamiche familiari avvincenti, anche se complicate, è un’avvincente storia sull’improbabile legame tra un vecchio perennemente scontroso e una giovane bambina mite ma spontanea. Per questo motivo, gli spettatori possono ben essere curiosi di vedere dove porterà questa bizzarra avventura.

La trama di Il fornaio

Per Peter, proprietario di una piccola compagnia di limousine, il viaggio verso l’aeroporto doveva essere un semplice pick-up. Tuttavia, dopo che un ritardo rimanda l’uomo al parcheggio sotterraneo, assiste a una scena incredibile. Mentre l’autista si nasconde nell’ombra, nel parcheggio avviene una consegna di droga, interrotta da una banda rivale. Di conseguenza, le due bande si uccidono a vicenda, lasciando incustodito un borsone pieno di droga, di cui Peter può approfittare. In una frazione di secondo, l’uomo prende una decisione. Di conseguenza, dopo aver rubato il borsone, scappa dalla città con la figlia piccola.

Il padre e la figlia arrivano alla pasticceria Pappi (Ron Perlman), di proprietà del padre di Peter. Anche se i due non sono in contatto da anni e Pappi ignora completamente l’esistenza di sua nipote Delphi, Peter lo convince a prendersi cura della ragazza. Con la promessa di un ritorno sicuro dopo una telefonata sospetta sullo spostamento della sua “scorta”, Peter torna a casa sua per un lucroso scambio con il suo spacciatore, Milky. Tuttavia, un destino diverso lo attende a casa sotto forma di uomini armati che lavorano per il Mercante, un temuto signore della droga locale.

Sebbene Peter tenti di restituirgli la droga in cambio della sua vita, ben presto si rende conto che Delphi ha scambiato il contenuto del borsone con il suo zaino scolastico in preda alla rabbia. Quando i gangster se ne accorgono, picchiano Peter. L’uomo riesce a telefonare a Pappi come ultima risorsa per chiedergli di prendersi cura di sua figlia, prima che il panettiere senta degli spari dall’altra linea del telefono. Di conseguenza, dopo un giorno di inizio difficile con la ragazza che ricorda tanto a Pappi il suo bambino, il fornaio arriva alla stazione di polizia con Dephi per sporgere denuncia.

Tuttavia, la stessa non porta a nessuna soluzione, poiché Pappi conosce a malapena la vita di Peter per presentare una denuncia coesa. Di conseguenza, prende in mano la situazione e inizia un’indagine privata. Non avendo nessun altro che si occupi della piccola Delphi, il cui trauma passato l’ha resa selettivamente muta, il fornaio la lascia venire con sé. Il duo compie alcuni viaggi e scopre che le bustine rosa contenute nella borsa di Delfi sono una droga molto ricercata nota come Nova o Rosa. A sua volta, la notizia di un vecchio ma abile combattente alla ricerca del figlio giunge al Mercante, che lo costringe a fare pressione sul suo braccio destro, Victor, affinché risolva il problema di Peter.

Nel frattempo, Pappi e Delphi, che avevano iniziato la loro conoscenza in guardia, cominciano a scaldarsi l’uno con l’altro. Dopo alcuni incontri più violenti con spacciatori e simili, Pappi arriva in un club che ha legami con il famigerato Mercante, responsabile della scomparsa del figlio. Tuttavia, all’interno del locale, la sfortuna lo attende dopo che un alterco con lo scagnozzo del boss lascia a Pappi la consapevolezza della fatale scomparsa del figlio. La notizia è ancora più pesante per Delphi, che è distrutta per aver perso ogni speranza di ricongiungersi al padre. Ciononostante, Pappi conforta la bambina. Il giorno dopo, i due lasciano l’albergo per tornare alle loro vite.

Tuttavia, gli uomini del Mercante, attirati da una redditizia taglia sulla testa di Pappi, tendono loro un’imboscata, dando vita a una lotta che lascia il fornaio gravemente ferito. Sebbene la prontezza di riflessi di Delphi permetta a Pappi di ricevere i soccorsi di cui ha bisogno, i loro inseguitori rintracciano il duo anche in ospedale. Dopo essere scampato a un’altra esperienza di quasi morte, Pappi decide di porre fine ai giochi del Mercante e organizza un incontro con Victor.

Il finale di Il fornaio

Anche se Pappi ha sentito il rumore degli spari durante l’ultima telefonata con Peter, l’anziano si è aggrappato alla speranza che suo figlio potesse essere ancora vivo. Allo stesso modo, disse alla bambina di gestire le sue aspettative senza schiacciare il suo spirito. Tuttavia, la speranza di Pappi si azzera quando riceve la conferma della morte di Peter da qualcuno che sostiene di averlo seppellito. Pappi sperava che il Mercante avesse tenuto in vita il figlio per usarlo come riscatto. Tuttavia, sapeva quanto fosse improbabile un simile scenario. Pertanto, quando gli scagnozzi del gangster confermano la morte di Pietro, il fornaio non ha motivo di mettere in dubbio la sua onestà.

Tuttavia, la stessa cosa non segna l’uscita del nonno-nipote dal mondo criminale. Il Mercante è ancora alla ricerca della droga Nova, deciso a procurarsi i beni perduti. Per lo stesso motivo, Victor si rifiuta di mollare la presa e continua a mandare aggressori contro Pappi. Dopo l’attentato all’ospedale, Pappi compie una scelta difficile e decide di portare a termine la missione. Di conseguenza, usa il telefono di uno degli scagnozzi di Victor per organizzare un incontro con l’uomo e lo prende prontamente in ostaggio. La narrazione mantiene una certa distanza dal passato di Pappi, evitando di rivelare la maggior parte dei dettagli.

Tuttavia, i flashback e i commenti di circostanza rendono evidente che il panettiere nasconde un passato raccapricciante che gli procura ancora incubi di routine. Di conseguenza, Pappi ha anche le capacità per sostenere il suo passato faticoso e misterioso, come testimoniano i suoi precedenti alterchi. Per questo motivo, riesce a rapire facilmente Victor e lo costringe a guidare fino al luogo in cui ha seppellito il figlio del fornaio. Una volta che Victor, Pappi e Delphi arrivano all’ingresso del fitto bosco minaccioso dove il gangster conferma che si trova il corpo di Peter, Pappi lascia il nipote in macchina per risolvere la questione di Victor.

Nella foresta, Pappi scopre e riconosce il corpo semisepolto di Peter. Di conseguenza, decide di uccidere Victor per vendicare il figlio. Sorprendentemente, Victor, la cui coscienza lo tormenta da giorni per aver reso orfano un bambino, accoglie il giudizio finale di Pappi e implora la sua morte. In preda alla rabbia, Pappi lascia che il proiettile lo manchi. Tuttavia, il rumore dello sparo attira Delphi nella foresta, dove assiste all’orribile scena. Al contrario, Pappi vede Peter nella sagoma della figlia, ricordando un tempo prima che Peter crescesse e iniziasse a detestarlo, probabilmente per il suo passato violento. Sceglie quindi di liberarsi del suo passato e di abbracciare un futuro migliore.

Chi uccide il Mercante?

Dopo che Pappi permette a Victor di vivere, lasciandosi alle spalle la sua vita violenta con Delphi al suo fianco, decide di affrontare il loro avversario, il Mercante, in un confronto diretto. Nel corso del film, la narrazione accenna solo alla vecchia vita di Pappi come Donald Gilroy. Così, anche se sappiamo che alcuni incidenti si sono conclusi con l’inscenamento della sua morte decenni fa, la natura della sua professione passata rimane sconosciuta. Per lo stesso motivo, è un po’ uno shock quando il confronto tra Pappi e il Mercante rivela che i due uomini si conoscevano già.

Anche se tra i due si respira un’aria tesa, è chiaro che il signore della droga rispetta, o almeno teme, la presenza di Pappi nonostante la sua scomparsa da anni. Di conseguenza, il Mercante accetta di liberare lui e sua nipote dopo che Pappi gli avrà restituito la droga Nova. Così, alla fine, Pappi si trova in un aeroporto con Delphi, una famiglia di due persone che si prepara a imbarcarsi su un volo. Anche se uccidere il Mercante avrebbe portato una momentanea soddisfazione a Pappi, egli si rende conto del circolo di violenza che un’azione del genere avrebbe scatenato. Pertanto, non vuole commettere gli stessi errori che ha commesso con Peter e perdere Delphi non riuscendo a tenerla al sicuro.

Tuttavia, la scena finale del film, in cui una figura senza volto trova il Mercante e gli spara a bruciapelo, lascia un quadro sconcertante al pubblico. Pappi emerge come l’ovvio sospettato dell’omicidio, data la presenza contrapposta del fornaio e del Mercante nella storia. Tuttavia, Pappi ha permesso a Victor, l’uomo che ha premuto il grilletto contro suo figlio, di sfuggire alla morte. Per lo stesso motivo, non avrebbe senso che l’uomo scegliesse la violenza contro il Mercante mentre Victor vive. Inoltre, a prescindere dalla debolezza personale del Mercante, il suo cartello della droga rappresenterà sicuramente un problema pericoloso per Pappi, che non vorrebbe mettere Delphi in una situazione simile.

Pertanto, sembra probabile che Pappi non uccida il Mercante. Il Mercante, invece, probabilmente incontrerà la sua fine per mano di Victor, il suo fidato dipendente. Per tutto il film, il signore della droga tratta Victor con disgusto e mancanza di rispetto, ricordandogli spesso la sua inferiorità perché non è della famiglia. Così, Victor, che poco prima aveva abbracciato la morte per poi esserne derubato, avrebbe potuto facilmente incanalare le sue frustrazioni verso l’uomo responsabile delle sue azioni immorali. In definitiva, è possibile che sia Victor a sparare al Mercante.

Come il suo predecessore, Omicidi a Mystery Island, anche il suo sequel Omidici a Mystery Island – Il vincitore prende tutto – diretto da Steven R. Monroe – segue lo stesso schema e ripropone i personaggi della psichiatra Emilia e del detective della polizia Trent. Ma non c’è problema se non si è visto il film precedente. Questo sequel ha infatti diversi elementi d’autonomia, ispirato all’autonomo Glass Onion: A Knives Out Mystery di Rian Johnson, a sua volta sequel autonomo di Cena con delitto – Knives Out.

Omidici a Mystery Island – Il vincitore prende tutto è dunque esattamente come tutti i film di questo genere: leggermente divertente, qualcosa che si può guardare durante la cena e per cui non si deve prestare poi molta attenzione. La trama, tuttavia, è ancora una volta inutilmente complicata, e in questo articolo andremo dunque ad esplorare i principali snodi narrativi e a fornire una spiegazione della conclusione del racconto.

Cosa succede nel film?

Janey Fredricks, COO di Mystery Island, propone l’idea di sviluppare un gioco di mistero e omicidio, in cui il vincitore ottiene un enorme premio in denaro. Per sviluppare il gioco, recluta i protagonisti, Emilia e Trent, che sono chiaramente attratti l’uno dall’altra, ma la storia d’amore non decolla mai, almeno in questo film. Il gioco dovrebbe salvare un’isola misteriosa dall’essere conquistata dal gruppo Daveron. Una volta che Emilia e Trent hanno preparato il gioco, arrivano i partecipanti: il detective di New York Bobby e suo fratello Davis, che lavora nella finanza; la podcaster Alice e sua zia Louise, che è una banchiera d’investimento.

Vi è poi la famosa scrittrice di romanzi gialli Casey Cornwall, alias CC, e suo marito Ted; e, ultimo ma non meno importante, la stessa COO Janey con il suo nuovo fidanzato James, un uomo d’affari del Texas. Tuttavia, James è in realtà un attore ed è stato inserito nel gioco da Emilia e Trent; anche Janey è coinvolta. Nessuno avrebbe mai immaginato che i due avessero una vera relazione sentimentale, anche se Emilia (e più tardi anche Alice) è abbastanza intelligente da capirlo.

Il CEO Fredricks gestisce il gioco, ma Emilia nota che l’uomo, che indossa una benda da pirata sull’occhio ed è insolitamente ansioso. Lo vede anche litigare con CC e poi parlare segretamente con Louis. Il gioco inizia come previsto: qualcuno verrà ucciso, e dovrà essere James. Secondo la trama prestabilita, l’uomo vuole conquistare Mystery Island, ed è per questo che ha preso in giro Janey, ma alla fine è stato superato in astuzia da lei. Proprio quando James inizia a fingere di soffocare con il suo drink, fuori dalla villa avviene un’esplosione che uccide Fredricks. Questo non faceva parte del gioco, quindi ora Trent ed Emilia devono scoprire sia il “chi” che il “perché” dietro al crimine.

Chi sono i sospettati?

Praticamente tutti, tranne Emilia e Trent, che provengono dal film originale e quindi sono intoccabili. L’indagine prosegue, come in ogni film poliziesco. Bobby vuole prendere il controllo della situazione ostentando la sua autorità di poliziotto, ma Trent non glielo permette, dato che è lui il poliziotto interno. È anche una buona decisione, dato che Bobby non è proprio pulito: ha preso soldi dalla famiglia Torino, che è in combutta con il gruppo Daveron (ma Bobby non lo sa). Nel frattempo, si scopre che CC aveva un accordo con Fredericks, che apparentemente vendeva molte delle trame di John Murtaugh (l’uomo che ha creato Mystery Island) per la trama del suo romanzo.

Naturalmente, se Fredricks l’avesse mai smascherata, la carriera della scrittrice sarebbe andata in pezzi, il che significa che anche lei aveva un movente. Louis, d’altra parte, aveva avuto una relazione sentimentale con Fredricks anni fa, quando lavoravano insieme su una nave da crociera. Si erano recentemente ritrovati e Fredricks aveva deciso di lasciare Mystery Island dopo la fine del gioco. Ha anche rivelato il risultato del gioco – Janey è l’assassina – a Louis, grazie al quale Alice conosce già il risultato. Tornando a Bobby, si scopre che aveva piazzato dispositivi di ascolto ovunque per capire il gioco. Ma il suo improvviso suicidio, insieme a una confessione che lo coinvolge, conferma che il vero assassino lo ha raggiunto.

Chi ha davvero ucciso Fredricks?

Prima di morire, Fredricks ha detto a Trent la parola “arresto”. Chiaramente, si riferiva a qualcosa di diverso da quello che sembrava. L’‘arresto’ è in realtà “Oreste”, una famosa tragedia greca in cui il protagonista uccide sua madre per vendicare suo padre. Il motivo per cui Fredricks ha deciso di pronunciare questo nome prima di morire era che voleva dare a Trent un indizio su chi potesse esserci dietro la sua morte. Quello che non riesco a capire è perché non abbia scelto un nome semplice come “James”. Certo, stiamo parlando dell’amministratore delegato di Mystery Island, che aveva un debole per creare (e risolvere) enigmi, ma comunque questo non ha molto senso.

Fortunatamente per Fredricks, Trent è abbastanza intelligente da capirlo. James è davvero l’assassino sia di Fredricks che di Bobby. Ha anche ucciso l’ex mentore di Trent e Bobby, un detective di nome Ruiz: Trent era venuto sull’isola proprio per risolvere il caso dell’omicidio di Ruiz. James aveva ucciso Ruiz perché il detective aveva arrestato suo padre. Il padre di James non era esattamente una persona perbene, ma questo non ha impedito al figlio di vendicare la sua morte.

Perché James ha ucciso Fredericks?

Sulla stessa nave da crociera dove Fredricks aveva incontrato Louise tanti anni prima, James ha commesso un omicidio. Fredricks ne è stato testimone e ha riconosciuto James quando è andato ad assumerlo come attore. Ma Fredricks ha deciso di ricattare James affinché recitasse la sua parte per far andare il gioco a suo favore, o meglio, a favore di Louise. Devo dire che il mistero qui è piuttosto esagerato e alla fine ci si sente gonfi, il che chiaramente non è una bella sensazione.

Ad ogni modo, James ha ucciso sia Fredricks che Bobby, poiché aveva intenzione di incastrare quest’ultimo per l’omicidio precedente. Tuttavia, sostiene che il suo amore per Janey è sincero. Omidici a Mystery Island – Il vincitore prende tutto si conclude con Janey che chiede a Emilia di scrivere un libro su tutta la vicenda, cosa che lei accetta di fare. Non ci sono indicazioni su un terzo film, ma ciò non significa che non lo faranno in futuro.

Delirium è un film horror psicologico del 2018 con Topher Grace nel ruolo di Tommy Walker, un giovane appena uscito da un istituto psichiatrico dopo 20 anni. La causa della malattia mentale di Tommy risale a un trauma infantile, quando suo fratello maggiore Alex (Callan Mulvey) annegò una compagna di classe e lo costrinse ad assistere. Tormentato da allucinazioni e deliri, la salute mentale di Tommy è ulteriormente compromessa quando suo padre, il senatore Walker (Robin Thomas), con cui non ha rapporti, si suicida pochi giorni prima del suo rilascio. Ora, con la madre che ha abbandonato la famiglia anni fa e il fratello in prigione, è completamente solo.

Come parte della sua libertà vigilata iniziale, Tommy deve vivere nella tenuta di famiglia per 30 giorni, presentarsi al suo agente di custodia Brody (Patricia Clarkson) e verificare di essere a casa tramite un telefono con fotocamera. Mentre cerca di riadattarsi alle nuove circostanze, la sua unica tregua arriva sotto forma di una dipendente del supermercato di nome Lynn (Genesis Rodriguez) che gli consegna la spesa e si interessa alla sua vita.

Dato lo stato mentale instabile di Tommy, sia il pubblico che Tommy stesso si chiedono costantemente se ciò che vediamo in “Delirium” sia reale o un’illusione nella sua testa. Mentre strani eventi e circostanze bizzarre si intensificano nella casa, vengono rivelati oscuri segreti di famiglia e Tommy è costretto a confrontarsi con il suo passato traumatico… ma qual è esattamente la verità?

La casa della famiglia Walker è una rappresentazione fisica del trauma psicologico di Tommy

Che sia reale o immaginaria, la casa della famiglia Walker è innegabilmente piena di ricordi traumatici e irrisolti. Per Tommy Walker, ogni spazio occupa un certo sentimento e un certo ricordo, e attraverso la casa stiamo facendo un tour della sua psiche. All’arrivo, inizialmente si ritira nella sua camera da letto d’infanzia per rivivere i ricordi più felici della sua infanzia, disponendo poster e giocattoli. Questo è indicativo del suo attuale sviluppo infantile, che semplicemente non ha gli strumenti emotivi per affrontare la sua sofferenza.

Tuttavia, quando la casa inizia a rivelare le sue tendenze squilibrate e le sue pratiche malsane, Tommy non può più continuare a negare la verità. Tormentato sia dalle azioni passate di suo fratello, sia dalla sua stessa inazione durante l’omicidio, è costretto ad affrontare la propria negligenza nel crimine. Le circostanze lo trascinano sempre più a fondo, e alla fine scende nelle profondità delle segrete della tenuta. Lì affronta le atrocità del suo passato e, abbracciando questi orrori, riesce a lottare con i propri demoni interiori, permettendo alla sua vita di andare avanti.

Spioncini e telecamere nascoste rivelano la compulsione del padre di Tommy a “guardare”

Le allucinazioni di Tommy Walker sono quasi un modo per proteggersi inconsciamente mentre affronta le sue ferite interiori represse. Ad esempio, le visioni della ragazza che annega nella piscina lo avvisano del tentativo di suo fratello di sigillarlo nella piscina, e la presenza del cane di suo padre che attacca un cadavere allude alla vera natura nascosta del senatore.

Dopo essere stato costretto ad assistere a un omicidio, mentre era impotente e ammanettato, Tommy è tormentato da ciò che non può essere ignorato. Lo confida a Lynn dicendo: “Non ho potuto fare altro che guardare quel giorno”. Questo è in netto contrasto con suo padre, come vediamo quando Tommy si imbatte in numerosi oggetti nella casa che insinuano la preferenza del senatore Walker di spiare gli altri.

Ci sono dispositivi evidenti, tra cui una porta nascosta che conduce a spioncini in ogni stanza della casa, nonché attrezzature di ripresa nascoste dietro specchi bidirezionali. Tuttavia, altri indizi più sottili includono un cucciolo di peluche con un’etichetta che recita: “Per vegliare su di te, con amore, papà”. Queste rivelazioni aiutano Tommy a smettere di desiderare l’approvazione di suo padre e a guardare l’uomo profondamente contorto e imperfetto che si nasconde dietro.

Alex considera suo fratello il suo vero partner, mentre Tommy fa del suo meglio per reagire

Dopo essere evaso dal carcere, il fratello di Tommy, Alex, lo incoraggia a testimoniare ulteriori atti di violenza, riferendosi a lui come “il mio piccolo guardone”. Quando si prepara ad uccidere Lynn, esclama addirittura: “Ho bisogno del mio piccolo guardone e tu hai bisogno di me!”. Proprio come suo padre che amava guardare, sembra che Alex ami essere guardato da suo fratello, come una sorta di affermazione del loro legame. Li considera due parti di un tutto, dichiarando durante quell’omicidio iniziale: “Sto solo facendo quello che tu non hai potuto fare. A volte ci vogliono due uomini per fare un fratello”.

Anche Tommy nutre timori riguardo ai propri demoni interiori. Quando guarda attraverso i fori spia installati dal padre, vede chiaramente il proprio volto che lo fissa. La seconda volta, è Alex a guardarlo. Alla fine, però, vediamo che i due uomini non hanno nulla in comune in termini di desideri, temperamento e obiettivi. Alex è interessato solo al denaro nascosto di suo padre e quando trovano la madre emaciata incatenata nel seminterrato, Tommy la conforta con amore, mentre Alex la rifiuta apertamente e le spara.

Sebbene possano condividere lo stesso sangue, non c’è alcuna giustificazione per equiparare la loro moralità, rettitudine o etica, cosa che Tommy finalmente capisce nel suo rifiuto finale di Alex, quando lo fa annegare.

Una lingua mozzata in un barattolo simboleggia il desiderio di parlare senza la capacità di farlo

La scelta di Tommy di rimanere in silenzio dopo il crimine di Alex è un peso enorme da portare. Se avesse fatto sapere a qualcuno ciò che suo fratello aveva fatto, Alex potrebbe non essere stato in grado di uccidere una seconda donna. Allo stesso modo, Lynn si sente impotente nel non poter parlare degli abusi che ha subito al liceo. La maggior parte di noi si rifiuta, o non è in grado, di parlare quando sa che dovrebbe farlo, e l’immagine più viscerale di questo concetto è una lingua mozzata in un barattolo.

Dopo aver trovato il barattolo, Tommy inizialmente pensa che sia un’allucinazione, ma in seguito rimane inorridito quando si rende conto che è reale. Alla fine scopriamo che il padre di Tommy ha tagliato la lingua a sua madre e l’ha rinchiusa in una gabbia nel seminterrato della casa. Questa rivelazione è anticipata nel video del suicidio del padre, in cui egli si lamenta che sua moglie ha iniziato a “rispondere” a lui. Ma forse la consapevolezza più straziante è che quelle telefonate incomprensibili che Tommy continuava a ricevere in casa erano le disperate richieste di aiuto di sua madre.

Vediamo Tommy rompere questo ciclo di silenzio quando Lynn viene aggredita. Si precipita ad aiutarla quando viene notato da Brody, ma anche l’agente di custodia viene zittito per sempre quando Alex le taglia la gola. Con Lynn in pericolo, Tommy continua a gridare, lottare, allertare la polizia e persino strappare le sue catene dal muro, rifiutandosi di essere un pubblico silenzioso e complice di un altro omicidio.

Dopo aver riconciliato i suoi demoni interiori, Tommy finalmente prende possesso della casa e, per estensione, un maggiore controllo sulla sua malattia mentale.

Che ciò a cui abbiamo assistito in Delirium sia reale o meno, la cosa più importante è che quando Tommy Walker esce dalla sua casa, ha affrontato e combattuto i suoi demoni più profondi ed è sopravvissuto alla prova. In precedenza aveva affermato di sapere che non poteva cambiare il passato, ma andando avanti, aveva deciso di “fare le scelte migliori che potevo, da quel momento in poi”. E quando gli viene data l’opportunità, è esattamente ciò che fa.

Dimostra a se stesso che, se si trovasse nella stessa situazione da adulto, agirebbe in modo diverso e farebbe tutto il possibile per salvare una vittima. Non idolatra più suo padre, né cerca disperatamente la sua approvazione. Inoltre, sapere quanto sua madre lo amasse e che non lo aveva mai abbandonato gli dà la chiusura di cui aveva bisogno.

Alla fine di Deliriumun agente di polizia chiede a Tommy se la casa è sua, e lui risponde: “Adesso sì”. Che la casa rappresentasse il benessere psicologico di Tommy o che fosse solo una casa, una cosa è chiara: ora ha preso possesso della sua vita, della sua mente… e della sua casa.