Con l’arrivo su IWONDERFULL Prime Video Channel, Quattro figlie di Kaouther Ben Hania torna a interrogare il pubblico sulla potenza del cinema documentario e sulla sua capacità di trasformarsi in esperienza collettiva. Presentato in concorso a Cannes 2023, premiato con l’Œil d’or e candidato all’Oscar 2024, il film ha imposto la regista tunisina come una delle voci più radicali e riconoscibili del panorama contemporaneo. La sua uscita in streaming coincide con il debutto in sala de La voce di Hind Rajab, ulteriore tassello di un percorso che non separa mai la sperimentazione formale dal confronto con la realtà sociale e politica.

Una storia che non poteva restare ai margini

Al centro del film c’è la storia di Olfa Hamrouni, madre tunisina di quattro figlie, segnata dalla scomparsa delle due maggiori, partite adolescenti verso la Libia e inghiottite dalla spirale del jihadismo. Per colmare quel vuoto, Ben Hania immagina un dispositivo inedito: accanto a Olfa e alle due figlie minori, due attrici professioniste interpretano le figlie assenti, mentre una terza – la celebre Hend Sabri – entra in scena come alter ego della madre. Non si tratta quindi di una semplice ricostruzione, ma di un vero e proprio gioco di specchi che rende visibili le contraddizioni di una famiglia e di una società intera.

Ben Hania incontra Olfa per la prima volta nel 2016, dopo aver ascoltato un’intervista radiofonica. La sua vicenda la colpisce immediatamente, come ha raccontato a CNC, ma non trova subito la chiave per raccontarla. Per anni il progetto resta sospeso, finché non matura l’idea di un dispositivo capace di restituire quella storia senza ridurla a cronaca. Il film nasce così: da un bisogno di tradurre l’assenza in presenza, di dare corpo al non detto, di rendere visibile il dolore senza spettacolarizzarlo.

Un dispositivo che fonde realtà e finzione

Come anticipavamo, la struttura di Quattro Figlie è assolutamente inedita. Olfa e le due figlie minori compaiono in scena insieme a tre attrici: due interpretano le sorelle assenti, mentre la star Hend Sabri veste i panni della madre nelle sequenze più dolorose. Non si tratta di ricostruzioni fedeli, ma di un laboratorio della memoria. Le protagoniste reali osservano le attrici, le dirigono, le contestano, e a volte prendono persino il loro posto.

Il risultato è un continuo gioco di scambio tra chi ha vissuto i fatti e chi li rappresenta. La linea di confine tra documentario e finzione si fa labile, e proprio in questo spazio di ambiguità si sprigiona la forza del film. Ogni scena diventa un’occasione di confronto, un modo per interrogare i ricordi e scoprire come il passato abiti ancora il presente.

D’altra parte, la regista non ha mai nascosto la sua diffidenza verso l’idea di un documentario neutrale: «Non credo un secondo all’oggettività. Quando qualcuno dice di essere obiettivo, io mi insospettisco. Per me, ogni film è un punto di vista» (SCAM, 15 dicembre 2023). Una dichiarazione che diventa principio estetico e politico: Quattro figlie non promette di raccontare “come sono andate le cose”, ma costruisce davanti ai nostri occhi un processo di elaborazione.

Per rendere tangibile questo patto con lo spettatore, la regista decide di rompere la barriera con la macchina da presa. Durante le interviste, Olfa guarda direttamente in camera grazie a un teleprompter che riflette il volto della regista: «Volevo che fosse chiaro che parlava a me e, allo stesso tempo, al pubblico», ha ricordato Ben Hania. In questo modo, il film espone i suoi strumenti e chiede a chi guarda di partecipare a una riflessione attiva.

Un set come laboratorio della memoria

Quasi tutto il film è girato in un unico luogo, l’ex hotel “Tour Eiffel” di Tunisi, trasformato in un vero e proprio teatro della memoria. Un reticolato diventa cella, una stanza evoca la cucina di famiglia, un corridoio si apre come spazio di passaggio. Non c’è ricerca di realismo, ma di suggestione: un ambiente chiuso che permette libertà, improvvisazione, imprevisto.

«Non volevo la pesantezza dei set mobili, con spostamenti e camion. Avevo bisogno di uno spazio che ci permettesse di sperimentare e di essere sorpresi», ha spiegato Ben Hania a SCAM. In questo modo, le scene non vengono ripetute più volte; spesso la prima ripresa resta definitiva, proprio perché cattura l’emergere inatteso di una parola o di un ricordo.

Olfa tra amore e violenza

Il cuore del film è la figura di Olfa, ritratta in tutta la sua ambivalenza: madre affettuosa e al tempo stesso autoritaria, capace di violenza, segnata da un patriarcato interiorizzato che finisce per trasmettere alle figlie. Ben Hania decide di affiancarle un doppio attoriale per gestirne la forza travolgente: «Olfa aveva una personalità così potente che rischiava di fagocitare il film. La presenza di Hend Sabri mi ha permesso di restituirla nella sua complessità».

Il film non cerca di assolvere né di condannare, ma di comprendere. Laddove i media tunisini avevano spesso dipinto Olfa come “mostro” o “madre snaturata”, il dispositivo cinematografico ne svela la fragilità e le contraddizioni, permettendo allo spettatore di coglierne la dimensione umana.

Le figlie come specchio di una società

Se Olfa è il centro magnetico del racconto, le figlie minori – Eya e Tayssir – ne sono il contrappunto vitale. Cresciute nella Tunisia post-rivoluzionaria, vivono il bisogno di libertà attraverso gesti quotidiani: truccarsi, vestirsi di nero, indossare o togliere il velo. Sono segni di ribellione ma anche strategie di sopravvivenza, che il film registra con attenzione.

Partecipando alla messa in scena, le ragazze si confrontano con il ricordo delle sorelle assenti: un esercizio doloroso, a tratti ludico, che diventa occasione di consapevolezza. «La loro resistenza al patriarcato non nasce da un discorso politico, ma da un istinto quasi organico» afferma la regista. Ed è forse questa spontaneità a rendere il film così universale.

Un solo volto per gli uomini

Un’altra scelta radicale di Quattro Figlie riguarda le figure maschili: a interpretarle tutte è lo stesso attore. Non per mancanza di risorse, ma per una precisa intenzione. I padri, i compagni, gli uomini che circondano la famiglia di Olfa hanno un ruolo intercambiabile e marginale; ciò che conta, per Ben Hania, è la coralità delle voci femminili. In questo modo il film sottolinea come la vicenda di Olfa e delle sue figlie sia soprattutto un racconto di sguardi e di corpi femminili, di legami che resistono e di ferite che si trasmettono.

Il montaggio come scrittura

Il percorso di Quattro figlie per arrivare sul grande schermo è stato lungo e accidentato. Il primo montaggio durava cinque ore e, solo attraverso un intenso lavoro di sottrazione, Ben Hania e i suoi collaboratori sono riusciti ad attestarsi su un minutaggio di 110 minuti. «Ho capito che il film era pronto quando ho provato ad aggiungere scene che amavo e il film, come se fosse vivo, le ha rifiutate» (CNC). È un processo che conferma come il documentario non equivalga meramente a una registrazione passiva, ma atto di scrittura.

Pur senza agitare fragorosamente bandiere, Quattro Figlie resta un documento profondamente politico, che interroga le radici del patriarcato, il ruolo dei media, la responsabilità delle istituzioni. Non è un caso che sia stato il primo film tunisino in concorso a Cannes dopo più di cinquant’anni: un segnale della vitalità di un cinema capace di guardare alla propria realtà senza timori. «Il patriarcato non è solo una questione di uomini. Molte donne lo interiorizzano, lo riproducono come unica forma di protezione» ha dichiarato Ben Hania a TROISCOULEURS.

Quattro figlie non è solo un documentario, ma un’esperienza che ridefinisce il rapporto tra chi racconta e chi guarda. Preferisce mostrare la complessità delle relazioni, i silenzi, le contraddizioni, la fragilità della memoria: è in questo spazio che il cinema di Kaouther Ben Hania trova la sua forza, restituendo dignità al dolore, dando voce a chi è rimasto nell’ombra e mostrando come il racconto, per quanto terribilmente doloroso, possa diventare la forma più radicale di resistenza.

È il 1971, Clint Eastwood presenta al mondo uno dei personaggi più iconici suoi e di Hollywood, l’ispettore “Dirty” Harry Callahan nel thriller d’azione Ispettore Callaghan: il caso Scorpio è tuo di Don Siegel. Callahan è la definizione stessa di una mina vagante, un poliziotto duro e cinico che non esita a spingersi oltre i limiti della legge per catturare i criminali di San Francisco. Armato di un atteggiamento risoluto e di una Magnum .44, Callahan è alla ricerca di un serial killer. Nel mondo reale, in quegli anni, anche la polizia di San Francisco era alla ricerca di un serial killer: il famigerato Killer dello Zodiaco. Una coincidenza? Niente affatto. Il film è infatti basato sulla storia vera della caccia della polizia di San Francisco all’inafferrabile assassino.

Chi era il Killer dello Zodiaco su cui è basato il film

Dal 1969 al 1974, un uomo conosciuto solo come Killer dello Zodiaco ha fatto vivere nella paura la popolazione di San Francisco. Il suo regno di terrore è iniziato il 20 dicembre 1968, quando il diciassettenne David Faraday e la sua ragazza, la sedicenne Betty Lou Jensen, sono stati trovati fuori Vallejo, in California. Entrambi erano stati uccisi a colpi di pistola, apparentemente in modo casuale. Il killer dello Zodiaco colpì nuovamente il 5 luglio 1969, quando una coppia, la ventiduenne Darlene Ferrin e il diciannovenne Mike Mageau, fu avvicinata da un uomo mentre era in macchina. Il killer dello Zodiaco sparò una raffica di colpi contro i due, ferendo gravemente Mageau e uccidendo Ferrin.

Nel settembre 1969, Cecelia Shepard e Bryan Hartnell furono aggrediti da un uomo che indossava un cappuccio e una maglietta con un simbolo a forma di cerchio e croce sulla riva del lago Berryessa. Furono legati e poi pugnalati senza pietà. Entrambi sopravvissero a stento all’aggressione, ma purtroppo Shepard morì poco dopo a causa delle gravi ferite riportate. L’ultimo omicidio attribuito direttamente al Killer dello Zodiaco avvenne poco dopo, quando un tassista di 29 anni, Paul Stine, fu ucciso a colpi di pistola nel quartiere Presidio Heights di San Francisco. Cinque omicidi in tutto, ma il numero potrebbe arrivare fino a 37, come sostenuto dallo stesso killer dello Zodiaco. Ciò che era più inquietante non era necessariamente la casualità degli omicidi, ma la spavalderia dell’assassino.

Egli provocava il pubblico e la polizia attraverso una serie di lettere e telefonate, rivelando senza timore i luoghi e rivendicando la responsabilità dei suoi omicidi. Le lettere iniziavano con “qui parla Zodiac” ed erano firmate con un disegno che assomigliava a un mirino. Quattro delle lettere erano crittogrammi, uno dei quali fu decifrato in pochi giorni e recitava: “Mi piace uccidere le persone perché è molto divertente”. Un altro codice, che iniziava con “Spero che vi stiate divertendo molto a cercare di catturarmi”, non è stato decifrato fino al 2020 da un trio di decodificatori dilettanti. Altrettanto inquietante era il fatto che, nonostante le impronte digitali, le descrizioni, le segnalazioni e le piste, il killer Zodiac non è mai stato trovato e potrebbe benissimo essere ancora in libertà.

Ispettore Callaghan: il caso Scorpio è tuo affronta il Killer dello Zodiaco, più o meno

Una donna viene uccisa mentre nuota in una piscina sul tetto a San Francisco. L’assassino, chiamato “Scorpio” (Andy Robinson), lascia una lettera in cui chiede 100.000 dollari, altrimenti ucciderà altre persone. La nota viene trovata dall’ispettore Harry Callahan della polizia di San Francisco, alias “Dirty” Harry, che è frustrato quando il sindaco cede alle richieste di Scorpio. Durante la pausa pranzo, Callahan si imbatte in una rapina in banca. Uccide uno dei rapinatori e tiene sotto tiro l’altro, intimandogli di arrendersi (il leggendario monologo “Mi sento fortunato?”). Ora, insieme al suo partner Chico Gonzalez (Reni Santoni), cercano di catturare Scorpio dopo che un elicottero della polizia lo ha avvistato, ma senza successo.

Il giorno dopo arriva un’altra lettera di Scorpio, in cui afferma di aver rapito un’adolescente e che la ucciderà se non gli verranno dati 200.000 dollari. Callahan deve consegnare il denaro e Scorpio lo fa rincorrere le telefonate da una cabina all’altra in tutta la città prima di mandarlo finalmente al Mount Davidson Cross. Scorpio ha la meglio su Callahan, intenzionato a ucciderlo e a lasciar morire l’adolescente. Callahan riesce a fuggire pugnalando Scorpio alla gamba, ma Scorpio riesce a scappare di nuovo. Callahan finisce per rintracciarlo al Kezar Stadium, gli spara alla gamba e gli calpesta la ferita, torturando Scorpio affinché riveli dove si trova l’adolescente.

La cattiva notizia è che la ragazza è già morta. Peggio ancora, le prove raccolte da Callahan sono inammissibili a causa del trattamento che gli ha riservato. Scorpio è un uomo libero, ma Callahan lo segue ovunque. Quando Callahan è costretto a smettere di seguire Scorpio, quest’ultimo ruba una pistola da un negozio, dirotta uno scuolabus e chiede un riscatto che include un volo fuori città. Callahan rintraccia l’autobus e salta sul tetto. L’autobus si schianta contro un cumulo di terra vicino a una cava, spingendo Scorpio a prendere un ostaggio. Callahan lo fissa dopo aver liberato l’ostaggio ferendo Scorpio. Ripete l’ultimatum che aveva dato in precedenza al rapinatore di banca.

Scorpio, sentendosi fortunato, cerca di prendere la pistola ma non ci riesce e viene ucciso dall’ultimo proiettile di Callahan. Callahan poi prende il suo distintivo della polizia e lo getta in una pozza d’acqua. Il parallelismo più evidente tra Dirty Harry e il caso reale del Killer dello Zodiaco è il nome dell’assassino, Scorpio. Come lo Zodiac, Scorpio provoca la polizia attraverso lettere e telefonate, anche se in modo molto più diretto rispetto a quanto faceva il vero killer (niente uccide un thriller d’azione più rapidamente che vedere dei tizi che cercano di decifrare una lettera sullo schermo). A un certo punto del film, Scorpio indossa una maschera, cosa per cui era noto il Killer dello Zodiaco.

In una lettera da lui inviata, questi minacciava di dirottare uno scuolabus. Anche se ciò non si è mai verificato, il climax del film riproduce questo scenario. Un altro aspetto del film ispirato alla vita reale è lo stesso Callahan, basato sul detective della polizia Dave Toschi, che all’epoca lavorava al caso. Il detective era, come Callahan, un tipo anticonformista, schietto e imprevedibile (anche se non così imprevedibile), e non solo ha ispirato “Dirty” Harry Callahan, ma anche Steve McQueen in Bullitt (Toschi ha ammesso che gli piacevano McQueen e la sua interpretazione, ma ha abbandonato la proiezione di Dirty Harry perché troppo simile alle indagini sul Killer dello Zodiaco).

Dirty Harry ha avuto successo dove la polizia di San Francisco ha fallito

Il successo di Harry Callahan sta nel fatto che è riuscito a ottenere ciò che la polizia di San Francisco non è riuscita a fare: porre fine alle azioni del serial killer. In questo senso, il film diventa una sorta di fantasia, presentando un agente vendicativo e tenace che rintraccia e uccide il serial killer che ha paralizzato la città nella paura. Callahan non ha rispettato le regole e non ha esitato a ricorrere a qualsiasi mezzo necessario per salvare la città e i suoi abitanti. La polizia di San Francisco ha rispettato le regole, anche Toschi, e, ingiustamente o meno, il pubblico voleva risultati, non correttezza. Il finale del film lo dimostra. Quando Callahan uccide Scorpio, la .44 Magnum lo fa cadere all’indietro con forza, diventando una catarsi per la gente, un senso di giustizia servita. Se non nel mondo reale, almeno da qualche parte.

E quando Callahan getta via il suo distintivo della polizia, riconosce visivamente che nemmeno lui vede la polizia di San Francisco fare ciò che dovrebbe. Non tutti hanno provato piacere nel vedere “Dirty” Harry fare giustizia. Il film è stato controverso al momento dell’uscita, con molti che hanno citato il fatto che la percezione positiva del vigilantismo denigrasse i diritti dell’imputato. Ciononostante, Dirty Harry è stato un successo che ha dato vita a quattro sequel: Una 44 Magnum per l’ispettore Callaghan, Cielo di piombo, ispettore Callaghan, Coraggio… fatti ammazzare e Scommessa con la morte. Dei cinque, solo Dirty Harry aveva un legame con eventi della vita reale e per giunta molto attuali. E, cosa inquietante, è molto probabile che lo Zodiac Killer fosse seduto in un cinema della città che aveva terrorizzato, godendosi il racconto fittizio di ciò che aveva fatto.

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Scott Beck e Bryan Woods, già co-autori del primo A Quiet Place, firmano con 65 – Fuga dalla Terra (qui la recensione) un’opera che mescola fantascienza, azione e suggestioni survival. Il film, interpretato da Adam Driver e Ariana Greenblatt, costruisce un racconto che unisce il futuro tecnologico con il passato primordiale della Terra, riportando in scena i dinosauri in una veste spettacolare e al tempo stesso spaventosa. Ma dietro la sua patina di avventura e spettacolo, la pellicola propone anche un nucleo emotivo forte, fatto di perdita, lutto e ricerca di un nuovo legame umano. Il finale, in particolare, si rivela il momento più intenso e ricco di significati, con una combinazione di azione frenetica e rivelazioni emotive che meritano di essere analizzate nel dettaglio.

La trama di 65 – Fuga dalla terra

La vicenda ha inizio con Mills (Driver), un pilota spaziale proveniente da un pianeta lontano, incaricato di trasportare passeggeri verso una destinazione ignota. La sua missione viene improvvisamente stravolta quando la nave che comanda entra in collisione con un ammasso di asteroidi. I danni sono gravissimi e il veicolo precipita su un pianeta sconosciuto. Ben presto, però, lo spettatore scopre che non si tratta di un mondo alieno: Mills è atterrato sulla Terra, ma 65 milioni di anni fa, in piena era dei dinosauri. L’impatto uccide quasi tutti i passeggeri, e l’unica superstite oltre a lui è una bambina di nome Koa (Greenblatt).

Inizia così un viaggio disperato per raggiungere la metà ancora integra della nave, dove si trova la capsula di salvataggio che potrebbe permettere loro di fuggire. Fin dalle prime battute, 65 – Fuga dalla Terra gioca sulla tensione derivata dall’incontro tra un uomo armato di tecnologia avanzata e un mondo dominato da creature preistoriche. I blaster e i sensori sofisticati non bastano a garantire la sopravvivenza, perché Mills e Koa devono affrontare una natura ostile fatta di predatori giganteschi, ambienti letali e continue insidie. Questa lotta per la sopravvivenza diventa presto una metafora più ampia: non si tratta solo di resistere ai dinosauri, ma di fare i conti con i propri traumi personali.

Mills porta con sé una ferita profonda, la morte della figlia Nevine, che condiziona ogni sua scelta. Koa, dal canto suo, è ignara del destino dei propri genitori e viaggia con la speranza di ritrovarli. Il film chiarisce sin dall’inizio che Mills non proviene dal futuro terrestre, ma da un altro pianeta in cui la civiltà è tanto avanzata da sembrare umana sotto ogni aspetto. Non c’è quindi un viaggio nel tempo, bensì un curioso intreccio tra specie distanti nello spazio ma simili nella forma e nelle emozioni. Questa scelta narrativa consente agli autori di evitare spiegazioni complesse e concentrarsi sul cuore del racconto: lo scontro tra l’avanzata tecnologia e la brutalità primitiva del mondo in cui Mills si ritrova intrappolato.

Una delle intuizioni più forti della sceneggiatura è l’introduzione del meteorite che causò l’estinzione di massa dei dinosauri. Nel cielo compare infatti una scia rossa che cresce progressivamente, inizialmente scambiata per una nave di soccorso. Lo scanner di Mills rivela invece la verità: si tratta della gigantesca meteora destinata a schiantarsi sulla Terra, l’evento che cambierà per sempre la storia del pianeta. Il legame con la vicenda è ancora più stretto: gli stessi frammenti che hanno colpito la nave di Mills provengono proprio da quella meteora, anticipando il disastro imminente. La scoperta trasforma la sopravvivenza dei protagonisti in una vera corsa contro il tempo.

Il trauma personale di Mills viene mostrato con forza. Dopo l’incidente, l’uomo appare quasi rassegnato alla morte: cancella il messaggio di soccorso, considera inutile continuare e arriva a pensare di togliersi la vita. La disperazione deriva dal peso della perdita della figlia Nevine, morta mentre lui era lontano per lavoro. Il trasporto dei passeggeri, infatti, era stato accettato da Mills per pagare le cure necessarie alla figlia, ma il tempo lo ha tradito. Nonostante i suoi sforzi, non è riuscito a salvarla e il senso di colpa lo divora. L’incontro con Koa cambia radicalmente le cose. La bambina, con la sua vitalità e il suo bisogno di protezione, diventa per lui un nuovo motivo per andare avanti, quasi una figlia surrogata.

La relazione tra i due protagonisti è al centro del film. All’inizio il rapporto è complicato: non parlano la stessa lingua, e questo genera incomprensioni, frustrazione e conflitti. Mills cerca di mantenere l’autorità, mentre Koa agisce spesso di testa propria, rischiando di compromettere la loro sicurezza. Col passare del tempo, però, le barriere si sciolgono. Un momento chiave è la scena in cui guardano insieme l’ologramma di Nevine: per Mills è un ricordo doloroso, per Koa un modo per conoscere meglio l’uomo che la protegge. Da quel momento, il loro legame si consolida, trasformandosi in una relazione autenticamente padre-figlia.

Parallelamente, il viaggio mette in mostra la brutalità del pianeta. I dinosauri, resi con grande efficacia visiva, sono solo una parte delle minacce. Ci sono insetti giganti, sabbie mobili, geyser bollenti, grotte instabili e campi di catrame pronti a inghiottire chi vi si avventura. L’ambiente stesso diventa nemico, rendendo ogni passo un rischio. Questa attenzione ai dettagli ambientali contribuisce a costruire un mondo ostile e immersivo, in cui lo spettatore percepisce costantemente la fragilità dei protagonisti.

Uno degli snodi emotivi più forti riguarda la menzogna che Mills racconta a Koa. Per motivarla durante il viaggio, le dice che i suoi genitori la aspettano vicino alla capsula di salvataggio. In realtà, sa bene che sono morti nello schianto. Quando la verità viene a galla, Koa si sente tradita e si ribella, arrivando a considerare inutile continuare senza di loro. Solo la confessione di Mills sul destino di Nevine riesce a ristabilire il loro legame. L’uomo le racconta il dolore della perdita e ammette che proteggerla è diventato per lui un modo per fare ciò che non ha potuto fare per sua figlia. Questa condivisione sincera permette a Koa di perdonarlo e di proseguire insieme a lui verso la salvezza.

La spiegazione del finale del film

Il climax del film concentra tutta la tensione accumulata. I frammenti della meteora cominciano a devastare la zona, minacciando di spazzare via ogni cosa. Mills e Koa raggiungono la capsula di salvataggio e avviano la sequenza di lancio, ma una frana causata dall’impatto li fa precipitare di nuovo. Sopravvissuti per miracolo, si ritrovano assediati da due enormi dinosauri. Mills tenta di distrarli, ma la sua arma smette di funzionare. Quando tutto sembra perduto, un ologramma di Nevine, mostrato da Koa, gli ridà la forza per combattere. Riesce a ferire i dinosauri, e uno di loro, urtando la capsula, la rimette in posizione di decollo.

Il pericolo, però, non è finito: uno dei dinosauri sopravvive e si scaglia nuovamente contro di loro. Mills decide di sacrificarsi attirandolo verso i geyser bollenti incontrati all’inizio del viaggio. Ferito e stremato, sembra destinato a soccombere, ma Koa interviene e con coraggio colpisce la bestia, spingendola definitivamente verso la morte. Questa sequenza suggella la crescita della bambina, che non è più soltanto una vittima da proteggere, ma una compagna capace di salvare la vita del suo “nuovo padre”.

Con la meteora ormai vicinissima, i due protagonisti riescono a decollare all’ultimo istante. Il film li mostra in fuga nello spazio, mentre la Terra viene colpita dalla gigantesca esplosione che segna la fine dei dinosauri e l’inizio di una nuova era. Il destino di Mills e Koa non viene mostrato esplicitamente, ma il fatto che siano diretti verso un punto di intercettazione lascia intendere che abbiano una reale possibilità di essere salvati. I titoli di coda completano il quadro, mostrando l’evoluzione del pianeta dopo l’impatto e la nascita della civiltà umana.

Il finale di 65 – Fuga dalla Terra è quindi duplice: da un lato, lo spettacolo visivo dell’estinzione dei dinosauri e della fuga disperata nello spazio; dall’altro, la conclusione emotiva del rapporto tra Mills e Koa. La loro unione, costruita passo dopo passo tra diffidenza, bugie e rivelazioni, diventa il cuore pulsante della storia. Mills trova una sorta di redenzione nel proteggere Koa, colmando simbolicamente il vuoto lasciato dalla perdita di sua figlia. Koa, dal canto suo, impara a fidarsi e a lottare, trasformandosi da bambina fragile a giovane sopravvissuta consapevole.

Oltre all’azione e all’avventura, il film invita a riflettere su temi universali: il dolore del lutto, la possibilità di trovare speranza anche nelle situazioni più disperate, la forza dei legami umani capaci di nascere anche tra individui inizialmente lontani e diffidenti. Il contrasto tra la tecnologia futuristica di Mills e la brutalità primitiva della Terra preistorica diventa il simbolo di una lotta più intima e personale: quella tra la rassegnazione e la volontà di andare avanti nonostante tutto.

In definitiva, 65 – Fuga dalla Terra è un film che unisce spettacolarità e intimità emotiva. Il suo finale, teso e adrenalinico, è al tempo stesso una chiusura catartica che regala ai protagonisti un barlume di speranza. Sopravvivere all’estinzione significa anche, per Mills e Koa, aver trovato un senso nuovo alla propria esistenza. Ed è proprio questo messaggio, più che le battaglie con i dinosauri, a restare impresso nello spettatore.

Oscura, adrenalinica e gotica, Underworld è una delle saghe più iconiche degli ultimi vent’anni. Nata nel 2003 con il primo film diretto da Len Wiseman, ha reinventato il fantasy-horror portando sul grande schermo un universo popolato da vampiri e licantropi impegnati in una guerra millenaria fatta di vendette, intrighi e passioni proibite. Il successo immediato al botteghino – e l’impatto estetico del look dark, delle scenografie e della fotografia blu-grigio – hanno trasformato Underworld in un cult capace di fondere azione e mitologia gotica in un racconto che mescola combattimenti spettacolari, politica dei clan e storie d’amore tormentate.

Protagonista assoluta è Selene, la guerriera vampira interpretata da Kate Beckinsale, che nel corso dei film diventa filo conduttore di un arco narrativo in continua evoluzione. Oggi i cinque capitoli della saga (più il cortometraggio animato Endless War) sono disponibili sulle principali piattaforme streaming, da Prime Video a Netflix, e continuano ad attrarre nuove generazioni di fan.

Tutti i film della saga Underworld

La serie cinematografica Underworld è composta da cinque lungometraggi live-action distribuiti tra il 2003 e il 2016, a cui si aggiunge il progetto animato Underworld: Endless War.

Underworld (2003)

Il film Underworld che dà il via alla saga introduce l’universo e i suoi codici: una guerra segreta e plurisecolare tra vampiri aristocratici e licantropi reietti. Selene, letale “death dealer” vampira, scopre che la battaglia non è così netta come le hanno sempre raccontato. Mentre dà la caccia ai licantropi incontra Michael, un medico umano che diventerà la chiave di un nuovo equilibrio di potere. Atmosfere gotiche, sparatorie coreografate e un’estetica che ha fatto scuola.

Underworld: Evolution (2006)

Underworld: Evolution, secondo capitolo diretto ancora da Len Wiseman, amplia il mito introducendo i primi vampiri Marcus e William. Selene e Michael sono in fuga mentre scoprono i segreti delle origini dei due clan. Più spettacolare e sanguigno del precedente, Evolution sposta il conflitto verso un piano quasi biblico, mettendo alla prova la relazione tra i protagonisti.

Underworld: La ribellione dei Lycans (2009)

Prequel che racconta la nascita dei licantropi liberi e la storia d’amore tra il loro leader Lucian (Michael Sheen) e Sonja (Rhona Mitra), figlia del potente vampiro Viktor (Bill Nighy). Ambientato secoli prima, svela le radici della guerra e introduce temi di oppressione e libertà, con atmosfere più medievali e un tono epico.

Underworld: Awakening – Il risveglio (2012)

Ritorno al presente Underworld: Awakening – Il risveglio: gli umani hanno scoperto l’esistenza di vampiri e licantropi e li sterminano. Selene si risveglia da un sonno criogenico in un mondo ostile, scoprendo di avere una figlia ibrida dotata di poteri unici. Inizia una corsa contro il tempo per salvarla e sfuggire alle forze militari che le danno la caccia.

Underworld: Blood Wars (2016)

Underworld: Blood Wars, quinto capitolo diretto da Anna Foerster. Selene, sempre più isolata, deve affrontare nuove fazioni e proteggere la figlia in un conflitto che deciderà il destino dei clan. Intrighi politici, nuove alleanze e un finale che apre a possibili sviluppi futuri chiudono provvisoriamente la saga live-action.

(Da segnalare anche i tre corti animati di Underworld: Endless War del 2011, che raccontano missioni di Selene in epoche diverse e colmano alcuni vuoti narrativi.)

I protagonisti della saga

Cuore pulsante di Underworld è Kate Beckinsale, che con Selene ha creato un’icona pop: la sua interpretazione fisica e intensa ha dato credibilità a un personaggio divenuto simbolo dell’action gotico. Al suo fianco Scott Speedman nel ruolo di Michael, umano trasformato in ibrido, e Michael Sheen, straordinario nel dare spessore al leader licantropo Lucian. Bill Nighy interpreta Viktor, il patriarca vampiro gelido e spietato; Rhona Mitra è Sonja nel prequel, mentre nei capitoli successivi entrano Theo James (David), Charles Dance (Thomas) e Lara Pulver (Semira), arricchendo la mitologia con nuovi personaggi e conflitti. L’alchimia tra questi interpreti – molti provenienti dal teatro inglese – ha contribuito a rendere credibile l’universo di Underworld, alternando carisma, pathos e azione.

A distanza di anni, la saga continua a essere citata e maratonata: un universo coerente e riconoscibile che, tra vampiri e licantropi, ha saputo raccontare potere, oppressione e amore impossibile, lasciando il segno nell’immaginario del cinema di genere.

Come guardare i film di Underworld: ordine di uscita o ordine cronologico?

Ordine di uscita nelle sale

È l’ordine originale pensato dai produttori e permette di scoprire la storia così come l’hanno conosciuta gli spettatori al cinema, con rivelazioni e colpi di scena distribuiti film dopo film:

1. Underworld (2003)

2. Underworld: Evolution (2006)

3. Underworld: La ribellione dei Lycans (2009 – prequel)

4. Underworld: Awakening – Il risveglio (2012)

5. Underworld: Blood Wars (2016)
   (+ il corto animato Underworld: Endless War del 2011, da vedere dopo i primi due film)

Ordine cronologico degli eventi

Se invece si vuole seguire la storia nell’ordine interno degli avvenimenti, iniziando dal prequel e poi proseguendo con i capitoli moderni, l’ordine diventa:

1. Underworld: La ribellione dei Lycans

2. Underworld

3. Underworld: Evolution

4. Underworld: Endless War (corto animato)

5. Underworld: Awakening – Il risveglio

6. Underworld: Blood Wars

Questo doppio percorso permette sia di rispettare la progressione narrativa originale (ordine di uscita) sia di ricostruire la cronologia interna dell’universo (ordine degli eventi), offrendo due esperienze diverse per maratonare l’intera saga.

Dove e come vedere la saga Underworld

Oggi i cinque film live-action di Underworld – Underworld, Underworld: Evolution, Underworld: La ribellione dei Lycans, Underworld: Awakening e Underworld: Blood Wars – insieme al corto animato Endless War sono disponibili in Italia su diverse piattaforme streaming. L’intera saga è attualmente inclusa nel catalogo Prime Video (dove ad ottobre 2025 è stata inserita in blocco) e si può trovare anche a noleggio o acquisto su Apple TV, Google TV, YouTube e Rakuten TV.

Per chi preferisce i supporti fisici, la serie è uscita in DVD e Blu-ray anche in box set completi con contenuti extra e scene tagliate. Ordinando i film secondo l’ordine cronologico interno – La ribellione dei Lycans, Underworld, Evolution, Awakening, Blood Wars – è possibile seguire l’arco narrativo completo. Per una prima maratona, invece, l’ordine di uscita al cinema restituisce meglio l’esperienza con cui è stata pensata la saga.

Underworld in streaming è disponibile sulle seguenti piattaforme:

I temi di Una battaglia dopo l’altra (qui la nostra recensione)  raggiungono il culmine nel finale del film, quando l’epopea di Paul Thomas Anderson che affronta molto più del semplice conflitto tra il Bob di Leonardo DiCaprio e il Lockjaw di Sean Penn. Una storia vasta, incentrata in gran parte sui tentativi di Bob e di sua figlia Willa di sfuggire a Lockjaw, l’ultima opera di PTA è anche una delle sue più potenti.

Pur senza nominare una persona specifica, l’attenzione su Lockjaw dipinge un ritratto impietoso dell’autoritarismo e del nazionalismo bianco in America. Anche se i combattenti per la libertà non sono perfetti, vengono comunque rappresentati come figure eroiche in una battaglia che forse non finirà mai. È per questo che il film si conclude in quel modo, trasformando quel sentimento in un messaggio duraturo e pieno di speranza.

Lockjaw, Beverly, Bob e Willa: perché Una battaglia dopo l’altra parla di famiglia e di sistemi

Una battaglia dopo l’altra è un’epopea emotiva per Bob e Willa che non perde mai di vista l’importanza dell’amore e della comunità nel caos causato dall’oppressione governativa, dall’azione rivoluzionaria e dalle cospirazioni segrete. Ciò che tiene in piedi i fili politici e i personaggi di Una battaglia dopo l’altra è la centralità di Willa e della sua famiglia.

Presentata inizialmente come la figlia di “Ghetto” Pat Calhoun e Perfidia Beverly Hills, Willa è costretta a nascondersi insieme a Pat dopo che Perfidia consegna i French 75 per evitare il carcere. Cresciuta come Willa da Pat (che si fa chiamare Bob), la ragazza sviluppa la ferocia di sua madre e la determinazione che lei stessa aveva perso come combattente per la libertà.

Tuttavia, si scopre che non è la figlia biologica di Bob. In realtà, Willa è il frutto di una relazione tra Beverly e Lockjaw, iniziata da quest’ultimo in cambio della possibilità per Beverly di evitare l’arresto. Questo prepara il terreno per la trama di Una battaglia dopo l’altra, in cui Lockjaw tenta di dare la caccia a Willa per confermare la sua paternità.

Willa è frustrata dalla vecchia generazione. È esausta dal padre ormai logoro, ma continua ad amare Bob. Resta scossa dalla scoperta che Bob abbia mentito sulla presunta morte nobile di Beverly per diventare una “spia”. È anche poco impressionata da Lockjaw, che smonta velocemente come uomo forte facendogli notare la camicia troppo stretta e i rialzi nelle scarpe.

Willa è come ogni giovane, arrabbiata per le bugie e le ipocrisie della generazione precedente, mentre cerca di farsi strada nel mondo. Sopravvive solo grazie alla gentilezza di un altro personaggio appartenente a una minoranza (il cacciatore di taglie nativo americano Avanti) e alla propria capacità di reagire.

Per questo le sue grida a Bob di dichiarare chi è, quando arriva a salvarla, hanno ancora più forza. Ha appena scoperto che non solo non è suo padre biologico, ma che Bob era un combattente della resistenza. Eppure lui abbassa le armi e l’abbraccia. Bob rimane il padre di Willa, indipendentemente dal caos che li ha circondati.

La rivoluzione di Una battaglia dopo l’altra non sarà trasmessa in TV

Una battaglia dopo l’altra è un raro film politico che non sembra concentrarsi su una persona o un movimento specifico. Al contrario, l’opera di Paul Thomas Anderson appare più focalizzata sul concetto astratto di abusi di potere governativi e violenza contro i cittadini, contrapposti agli sforzi caotici di gruppi come i French 75.

In entrambi i casi, l’organizzazione porta con sé una burocrazia problematica che complica ogni tentativo di cambiare davvero le cose. Da un lato, i French 75 sono un movimento clandestino efficace, ma Bob viene spesso ostacolato dalla sua incapacità di seguire alla lettera i codici e le regole meticolose del gruppo.

È un tema affascinante, soprattutto perché la rete sotterranea rimasta dei French 75 viene rappresentata come eroica nel racconto complessivo. I loro atti di terrorismo domestico sono mostrati come privi di vittime, mentre l’uccisione di una guardia di banca da parte di Beverly Hills segna il punto di non ritorno per il movimento.

La rete è in definitiva una forza positiva e la sua capacità di operare su larga scala, invisibile alle autorità, salva più volte Bob. Tuttavia, resta ostacolata dai difetti delle interazioni umane e dagli errori, complicando ulteriormente il percorso di Bob nella ricerca di Willa.

Al contrario, l’apparato militare e il settore privato ricco che controllano il Christmas Adventurers Club sfruttano la burocrazia a proprio vantaggio, trasformando in strumenti del loro razzismo istituzionale e della loro aggressiva repressione numerosi uomini e donne in uniforme. La burocrazia viene rappresentata come nemica del popolo, sia quando complica la resistenza, sia quando rafforza i cattivi attori.

Come in gran parte dei temi del film riguardanti la società, emerge l’importanza dell’umanità (o della sua assenza) nelle persone che governano e in quelle che resistono. Può essere uno strumento o un’arma, ma alla fine è sempre mossa dalle stesse persone giudicanti e talvolta ottuse che esistono nel mondo reale.

Perché i Christmas Adventurers sono i veri villain di Una battaglia dopo l’altra

Sebbene il Colonnello Lockjaw sia l’antagonista principale di Una battaglia dopo l’altra, il Christmas Adventurers Club è il vero villain della storia nel suo complesso. L’organizzazione segreta è descritta come un gruppo di ricchi influenti del settore privato, con forti legami con forze dell’ordine e autorità militari. Sono anche rappresentati come razzisti senza rimorso.

Lockjaw è la minaccia personale del film, ma la sua motivazione nel rintracciare Willa nasce dal desiderio di entrare nel Club. È disposto a causare morte e distruzione in una città americana pur di impedire che la sua potenziale figlia meticcia rovini le sue possibilità di unirsi a un gruppo di nazionalisti bianchi.

L’influenza del Christmas Adventurers Club si riflette anche sull’esercito, con l’uso normalizzato di insulti razziali durante le operazioni militari a dimostrazione di quanto quell’odio sia diventato diffuso in questo mondo. In definitiva, Lockjaw e l’apparato dell’immigrazione non sono altro che estensioni dei Christmas Adventurers.

Se Una battaglia dopo l’altra si concentra sul conflitto micro tra Bob e Willa contro Lockjaw, la battaglia più ampia è quella delle forze come la rete clandestina di Carlos e i resti dei French 75 contro il controllo e l’influenza del Christmas Adventurers Club. È una battaglia infinita, una dopo l’altra.

È significativo che i Christmas Adventurers abbiano il potere che Lockjaw desidera, lo stesso fascino di autorità e sicurezza che lo aveva attratto inizialmente a Perdia. Tuttavia, i Christmas Adventurers lo considerano solo uno strumento, motivo per cui lo eliminano senza esitazione dopo gli eventi della trama.

In definitiva, i Christmas Adventurers sono i veri villain del film. Sono simbolo della struttura di potere contro cui la gente si ribella, intatta nonostante il caos e le morti del film. Persino la loro delusione verso Lockjaw evidenzia come desiderino soltanto mantenere il potere per sé stessi, senza timore di usare i credenti come armi per raggiungere i propri fini.

La storia di Lockjaw in Una battaglia dopo l’altra parla di potere ed ego

Lockjaw è un villain affascinante in Una battaglia dopo l’altra, soprattutto man mano che il suo fragile ego diventa più evidente. Introdotto come un leader militare che viene però umiliato ed emascolato da Beverly, è disposto a commettere tradimento pur di tornare con lei e coglie al volo l’occasione di ribaltare i ruoli e dominarla.

La sua ossessione per i Christmas Adventurers nasce da una motivazione simile: il desiderio di potere. Lockjaw si presenta come un uomo al comando, capace di muoversi all’interno dei sistemi e di dominarli. È proprio questa ossessione per il potere che lo porta a oltrepassare linee morali, ordinando esecuzioni extragiudiziali dei French 75 e lasciando un’intera città nel caos.

Tutto è legato all’ego di Lockjaw. Diventa ossessionato da Beverly perché lei lo ha umiliato. I commenti di Willa sulla sua camicia e sui rialzi nelle scarpe lo mandano su tutte le furie. Lockjaw vuole i simboli e l’immagine del potere, motivo per cui si ossessiona nel controllare Beverly e nell’entrare nei Christmas Adventurers.

Ma questo lo rende anche vulnerabile contro un’organizzazione che non lo vuole. I Christmas Adventurers cercano di eliminarlo non appena scoprono la possibile verità sul suo legame con Willa, e ci riescono al secondo tentativo. Il destino di Lockjaw è lo stesso di chiunque venga preso di mira dalla struttura di potere, a prescindere dalla sua autorità o dai suoi privilegi.

Perché Una battaglia dopo l’altra si conclude con tante battaglie ancora da combattere

Una battaglia dopo l’altra si chiude con una nota relativamente ottimista, con Willa che porta avanti il lavoro dei French 75 mentre suo padre resta a casa ma la sostiene. Questo si lega a uno dei temi centrali del film: la natura infinita della resistenza. Nel film, diversi combattenti per la libertà vengono arrestati o uccisi, per non riapparire mai più.

Eppure, la lotta continua. Carlos osserva che il suo lavoro come “Harriet Tubman” sudamericano comporta procedure e tattiche, suggerendo che la rete è attiva da tempo e può continuare anche senza di lui, qualora venga arrestato. Bob può essere stanco, i suoi compagni possono essere caduti, e Beverly può essere nascosta. Eppure, la lotta continua.

La lotta continua finché chi detiene il potere continua ad abusarne, come dimostra il destino di Lockjaw. Il villain può essere morto, ma la radice della sua malvagità e l’esercito che ha usato rimangono. I Christmas Adventurers non vengono neppure scoperti, figuriamoci sconfitti. Ciò che rende la lotta degna è la gente che protegge e aiuta.

La lettera di Beverly per Willa, letta negli ultimi momenti del film, ribadisce il suo rimpianto per aver perso la vita della figlia e la sua convinzione che un giorno si riuniranno dopo che le battaglie saranno state vinte. In molti modi, Una battaglia dopo l’altra è un appello all’azione contro sistemi corrotti che prendono di mira le persone per conto di élite piene d’odio.

È anche un promemoria che la lotta sarà lunga, ardua e, in definitiva, ne varrà la pena. Una battaglia dopo l’altra ha molto da dire sul mondo, ma tutto si riduce all’importanza dell’amore e dell’unità di fronte al nazionalismo, all’odio, alla tirannia e agli abusi.

Quando si parla di film d’avventura, si finisce facilmente a citare anche opere che abbiano come protagonisti i pirati e il contesto in cui si muovono. I film appartenenti a questo filone, infatti, rappresentano in pieno il senso di avventura che ogni amante di questo genere va ricercando. Con ambientazioni esotiche, situazioni rocambolesche e personaggi tanto stravangi quanto iconici, film come Pirati (1986), Corsari (1995) o anche Hook – Capitan Uncino (1991) sono alcuni esempi a riguardo di opere particolarmente note e amate. Tuttavia, l’arrivo in sala nel 2003 di La maledizione della prima luna ha completamente risvegliato l’amore per i pirati e il loro stile di vita.

Diretto da Gore Verbinski, regista fino a quel momento distintosi unicamente grazie a Un topolino sotto sfratto e The Ring, è questo il primo capitolo della serie di film Pirati dei Caraibi, ispirata all’omonima attrazione dei Parchi Disney. In esso la fanno da padrone tutti quegli elementi che hanno reso questa tipologia di opere particolarmente attraente, dalle grandi e caratteristiche navi dei pirati sino al loro codice morale, da un tesoro da scovare fino a pericolosi nemici da affrontare. Il tutto unito però ad elementi fantasy e soprannaturali, che hanno reso ulteriormente avvincente il film presso le nuove generazioni.

Il successo fu immediato: a fronte di un budget di 140 milioni di dollari La maledizione della prima luna ha ad ogni incassato 654 milioni in tutto il mondo. Un risultato che, unito alla positiva accoglienza da parte della critica, ha come noto spinto i produttori a realizzare (ad oggi) ben quattro sequel. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative ad esso. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e ad altro ancora. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di La maledizione

La storia alla base del film si svolge intorno al 1728 ed ha per protagonisti il capitano pirata Jack Sparrow, il fabbro Will Turner e la splendida figlia del governatore, Elizabeth Swan, le cui vite si intrecciano nel villaggio di Port Royal. Will è segretamente innamorato di Elizabeth la quale, otto anni prima, lo aveva salvato da morte certa in mare, nascondendo le prove che potevano farlo riconoscere come un pirata. La ragazza, seppur costretta a convolare a nozze con il commodoro James Norrington, prova a sua volta un sentimento molto forte per il giovane Turner. Il giorno delle nozze, tuttavia, Elizabeth viene rapita dal pirata Hector Barbossa e dalla sua ciurma della nave Perla Nera.

È a quel punto che Will si vedrà costretto a stringere un’improbabile alleanza Jack Sparrow, l’unico in grado di poter salvare la ragazza, essendo un esperto conoscitore dei mari nonché vecchio alleato di Barbossa. Nel corso della loro ricerca, però, i due scoprono di avere a che fare con qualcosa che va al di là dell’umana comprensione. Barbossa e la sua ciurma sono infatti vittima di un’antica maledizione, dalla quale possono liberarsi solo grazie al sangue dell’erede di noto pirata. Ha così inizio un viaggio attraverso i mari che porterà Jack, Will ed Elizabeth a confrontarsi con avventure che non credevano possibili.

Il cast dei personaggi, le navi e le location del film

Protagonista indiscusso del film è l’attore Johnny Depp, che grazie alla sua interpretazione del pirata Jack Sparrow ha ottenuto la sua prima nomination all’Oscar come Miglior attore, oltre che consegnare al mondo uno dei personaggi venuti dal cinema più memorabili degli ultimi decenni. Come noto, nel dargli vita Depp si ispirò molto all’amico Keith Richards, chitarrista dei Rolling Stones. Molte sono inoltre state le interpretazioni da lui eseguite, la maggior parte delle quali finite poi nel film. Accanto a lui, nel ruolo di Will Turner, vi è invece Orlando Bloom, già celebre per aver interpretato Legolas nella trilogia di Il Signore degli Anelli.

Proprio per via della notorietà di cui godeva a seguito di quei film fu scelto per la parte, venendo dunque preferito all’altro candidato, Heath Ledger. Originariamente doveva essere proprio Will il protagonista del film, ma il più noto Deep e la sua performance nei panni di Sparrow finirono con il rubare tutte le attenzioni. Nei panni di Elizabeth Swann vi è invece una diciassettenne Keira Knightley, all’epoca ancora poco conosciuta e divenuta una star mondiale proprio grazie a questo film. Poiché all’epoca delle riprese era ancora minorenne, l’attrice fu accompagnata dalla madre nel corso di tutto il set. Si ritrovano poi nel film il premio Oscar Geoffrey Rush nei panni di Hector Barbossa e Jonathan Pryce in quelli di Weatherby Swann, padre di Elizabeth.

Per quanto riguarda le location, invece, si è scelto l’isola vulcani St. Vincent, nei Caraibi, come luogo principale delle riprese, poiché possedeva una spiaggia particolarmente tranquilla. Lì sono stati costruiti tre moli Port Royal e Tortuga. Di grande importanza per il film erano poi le tre navi: Perla Nera, Dauntless e Interceptor. Per ragioni di budget, le navi furono costruite sui moli, con solo sei giorni trascorsi in mare aperto per la battaglia tra la Perla Nera e Interceptor. Le prime due sono state costruite su delle chiatte, con immagini generate al computer che completano le strutture. L’Interceptor era invece una Lady Washington rivisitata, una replica in scala reale e funzionante del veliero proveniente da Aberdeen, Washington.

Il trailer e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire di La maledizione della prima luna grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten TV, Apple TV, Prime Video e Disney+. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 13 settembre alle ore 21:20 sul canale Italia 1.

Fonte: IMDb