Negli ultimi anni l’attore Bruce Willis si è dedicato senza sosta a partecipare ad una serie di film di genere d’azione e thriller. Tra questi si ritrovano titoli come Survive the Night, Trauma Center, Hard Kill, Fire with Fire e Resa dei conti – Precious Cargo. Un altro film simile a quelli qui citati è Acts of Violence, diretto da Brett Donowho (regista anche di The Old Way, film western con protagonista Nicolas Cage). È però bene notare che, nonostante sia indicato come protagonista del film, Willis abbia in realtà un ruolo molto ridotto.

L’attore, infatti, ha negli ultimi anni ridotto drasticamente i suoi impegni cinematografici, limitandosi a brevi apparizioni che comportano dunque il minimo impegno possibile. Questa formula, da molti criticata, si è dimostrata particolarmente vantaggiosa per l’attore, che ha così avuto modo di districarsi tra diversi lungometraggi girati tutti in brevi periodi. Per gli amanti del genere, tuttavia, questi si rivelano essere film a loro modo godibili, che offrono intrattenimento senza troppe pretese unito all’occasione di vedere Willis fare ciò che sa fare meglio.

Acts of Violence è anche uno degli ultimi progetti a cui ha preso parte, avendo ora annunciato il suo ritiro, e dunque recuperare questi suoi lavori conclusivi può essere un dovuto omaggio alla sua carriera. In questo articolo approfondiamo alcune delle principali curiosità relative a questo preciso film. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla descrizione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di Acts of Violence

Il film è incentrato sulla missione di una squadra composta da un poliziotto integerrimo e tre fratelli del Midwest, che inconcreceranno le loro strade a seguito della scomparsa della fidanzata del fratello più giovane. Quando apprenderà che Mia, mentre si trovava a una party per un addio al nubilito, è infatti stata rapita da loschi trafficanti di esseri umani, Roman MacGregor, certo dell’inefficacia delle autorità, farà appello al valido addestramento militare dei suoi fratelli Brandon e Deklan, per tentare di rintracciare in ogni modo la sua fidanzata prima che sia troppo tardi.

Lungo il tragitto, i fratelli MacGregor si uniranno all’incorruttibile detective Avery, che da tempo indaga sulle tratte di esseri umani e il cui insigne senso del dovere lo porta a spingersi sempre oltre il limite del pericolo. Tra sparatorie, esplosioni e uccisioni senza pietà, i quattro scavalcheranno la legge diventando un’unica unità di vigilanza pronta a farsi strada con coraggio e determinazione tra la malavita, facendo della loro causa una vera e propria questione di vita o di morte.

Il cast di attori

Ad interpretare il detective James Avery vi è dunque Bruce Willis, al quale per recitare le scene per lui previste è bastato un solo giorno dei quindici di riprese totali. Nel ruolo dei tre fratelli MacGregor Roman, Deklan e Brandon vi sono rispettivamente Ashton Holmes, Cole Hauser (che torna qui a recitare acccanto a Willis dopo Die Hard – Un buon giorno per morire) e Shawn Ashmore. Mia è interpretata da Melissa Bolona mentre Tiffany Brouwer interpreta Jessa MacGregor. Sophia Bush interpreta il detective Brooke Baker e Mike Epps è il criminale Max Livington.

Il finale di Acts of Violence

Nel corso del film, prima di essere rapita, apprendiamo che Mia lascia a Roman una nota vocale in cui spiega la situazione. Poiché il telefono di Mia è però dotato di tecnologia di rintracciamento, i fratelli riescono a localizzarla e fanno irruzione in una casa in cui Deklan sospetta che la ragazza sia tenuta prigioniera. Tuttavia, lei non è lì. Si recano allora da Avery, che promette di aiutarli a salvarla, ma li avverte di rimanere fuori dal caso. Deklan si rifiuta però di assecondare questa richiesta e i tre fratelli si equipaggiano con giubbotti e armi di tipo militare e partono per salvare Mia.

Fanno a quel punto irruzione in un magazzino in cui il boss della malavita del luogo, Max Livingston, nasconde le donne trafficate prima di spedirle a Las Vegas. Qui trovano effettivamente Mia, insieme alle altre donne. Dopo averla liberata, tornano in una casa messa a soqquadro e con Jessa, la moglie di Brandon, morta. Livingston si presenta allora con i suoi uomini e sferra il suo attacco. Brandon viene colpito e muore sul colpo, ma Deklan riesce a uccidere tutti gli uomini di Livingston. Quest’ultimo fugge però dalla scena prima che Deklan possa eliminarlo.

I due fratelli rimasti in vita vengono a quel punto arrestati dalla polizia, mentre Livingston è libero di fuggire. Di conseguenza, Avery sceglie di dimettersi dal suo incarico di detective. Egli sa bene dove Livingston si sta nascondendo e, raggiuntolo, lo uccide prima che possa lasciare la città, compiendo così la giustizia dei tre fratelli McGregor. Si tratta però di un finale non del tutto positivo, in quanto Brandon è morto, Deklan e Roman sono stati arrestati e il destino di Mia è incerto, per quanto sia lecito pensare che rimanga libera dalle grinfie della banda che l’aveva rapita.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Acts of Violence grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di sabato 25 gennaio alle ore 21:20 sul canale Rai 4.

Schindler’s List è uno dei più grandi film di Steven Spielberg, tratto da un romanzo a sua volta basato sulla vera storia di Oskar Schindler. Le immagini in bianco e nero e l’esplorazione dell’Olocausto ne fanno un film particolarmente cupo, ma il cambiamento di cuore mostrato dal protagonista (interpretato da Liam Neeson), e il suo salvataggio di più di mille ebrei trasformano questo dramma storico in una commovente storia di speranza e umanità. È anche questo che rende Schindler’s List uno dei migliori film ambientati durante la Seconda Guerra Mondiale.

L’ambientazione e il soggetto reali, compreso l’effettivo genocidio di massa da parte dei nazisti, lo rendono inoltre un ricordo inquietante e culturalmente significativo delle tragedie dell’Olocausto. In termini di storia e impatto, il dramma del 1993 è paragonabile a Salvate il soldato Ryan – sono tra i migliori film di guerra di Steven Spielberg – anche se il primo sembra essere più accurato dal punto di vista storico. Naturalmente, dato l’immenso successo di critica e i numerosi premi ricevuti, Schindler’s List continua a essere discusso e studiato ampiamente non solo dagli appassionati di cinema, ma anche dagli storici della Seconda Guerra Mondiale e dell’Olocausto.

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Schindler’s List è basato su un romanzo

Come anticipato, Schindler’s List è basato sul romanzo del 1982 Schindler’s Ark di Thomas Keneally. Il libro è un’opera di finzione storica con Keneally che aggiunge un tocco drammatico ad alcune episodi con vaghi dettagli storici. Tuttavia, Oskar Schindler è stato una persona reale che ha salvato oltre mille ebrei dalla persecuzione. Il romanzo inizia proprio con Schindler come un capitalista assetato di denaro che si concede al bere e alle donne mentre è anche membro del partito nazista. Tuttavia, mentre la Seconda Guerra Mondiale si intensifica e Schindler è testimone degli orrori dell’Olocausto, insieme al suo contabile, Itzhak Stern (Ben Kingsley) si adoper per salvare quanti più ebrei polacchi possibile dai nazisti impiegandoli nelle fabbriche. Questi ebrei furono in seguito chiamati “Schindlerjuden”, che si traduce in “ebrei di Schindler”.

Uno di questi sopravvissuti all’Olocausto e Schindlerjuden, Poldek Pfefferberg (Jonathan Sagall nel film), riuscì a convincere Keneally a scrivere il romanzo e fu anche uno dei principali consiglieri dell’autore. Keneally ha poi visitato Cracovia per conoscere meglio l’impatto dell’Olocausto nella città polacca e il periodo di Schindler come industriale. Aggiungendo dialoghi di fantasia nelle scene in cui i dettagli storici non potevano essere ricreati con precisione, Schindler’s Ark fu commercializzato come romanzo e finì per vincere il Booker Prize nel 1982. È interessante notare che Pfefferberg era anche amico della madre di Steven Spielberg e sfruttò questa conoscenza per convincere il regista ad adattare la vita di Schindler per il grande schermo.

Chi era il vero Oskar Schindler?

Nato in Ungheria nel 1908, Oskar Schindler crebbe in una famiglia cattolica in Moravia. Provò diversi lavori saltuari prima di trovare impiego nell’Abwehr, il servizio di intelligence militare della Germania nazista, a cui si unì nel 1936. Tre anni dopo, con l’inizio della Seconda Guerra Mondiale, Schindler si iscrisse al Partito Nazista. A ciò seguì il suo eroico salvataggio di ebrei, che lo portò a essere molto venerato dalla comunità anche dopo la fine della guerra. Con l’istituzione di Israele, molti degli “Ebrei di Schindler”, raffigurati nel film Schindler’s List di Steven Spielberg, hanno potuto reinsediarsi e Schindler ha partecipato a molte delle loro riunioni.

Schindler morì poi nel 1974 all’età di 76 anni e fu sepolto con onore nel cimitero israeliano di Mount Zion a Gerusalemme, unico ex nazista a essere sepolto lì. Lui e sua moglie sono stati onorati dal governo israeliano con il titolo di Giusti tra le Nazioni nel 1993, lo stesso anno dell’uscita del film di Steven Spielberg. Sfortunatamente, nel dopoguerra Schindler non riuscì a gestire alcuna attività di successo e nel 1958 andò in bancarotta, affidandosi agli Schindlerjuden per l’aiuto finanziario. Anche sul piano personale le cose si fecero tristi: la moglie Emilie Schindler (interpretata da Caroline Goodall nel film) lo lasciò proprio in quel periodo.

Oskar Schindler salvò più di mille ebrei durante l’Olocausto

La lista del film Schindler’s List contiene i nomi degli ebrei registrati a Cracovia, la maggior parte dei quali venne poi salvata da Schindler. Come anticipato, la grande maggioranza delle fonti storiche attribuisce infatti a Schindler il merito di aver salvato 1.200 ebrei impiegandoli come lavoratori nella sua fabbrica di smalti, che acquistò nel 1939. La strategia di Schindler consisteva nell’utilizzare i suoi ex contatti con i servizi segreti tedeschi per inviare gli ebrei dai campi di concentramento alla sua fabbrica, proteggendoli dalla morte e dalla deportazione. A volte, in situazioni estreme, l’allora ricco Schindler ricorreva anche a corrompere i funzionari nazisti con regali di lusso che potevano essere acquistati solo al mercato nero.

Altre figure reali presenti nel film Schindler’s List

Anche gli archi narrativi degli altri personaggi di Schindler’s List sono basati su storie vere. Amon Göth (Ralph Fiennes) è stato il comandante del campo di concentramento di Cracovia e in seguito è stato condannato come criminale di guerra per crimini contro l’umanità. Itzhak Stern era invece il fedele contabile di Oskar Schindler che lo assisteva nelle sue attività di salvataggio. Stern emigrò infine in Israele e scrisse opuscoli volti a far conoscere l’umanitarismo di Schindler. Morì prima di Schindler ed è riportato che il suo ex datore di lavoro abbia pianto inconsolabilmente al funerale. Altri personaggi reali presenti nel film sono la moglie di Schindler, Emilie, il sopravvissuto all’Olocausto Poldek Pfefferberg e diversi ufficiali delle SS naziste.

Molti dei personaggi secondari di Schindler’s List erano poi ebrei realmente sopravvissuti agli eventi dell’Olocausto. Sebbene appaiano come detenuti nei campi di concentramento, molti di loro finirono per stabilirsi in altri contesti di vita soddisfacenti. Leo Rosner, che ritrae il suonatore di organetto nei campi, è diventato un musicista. Mietek Pemper, l’uomo che ha compilato la lista, ha lavorato come attivista interculturale. Artista grafico prima della guerra, Joseph Bau ha prosperato come animatore. Nel film compaiono anche molti altri ebrei che non sono riusciti a sopravvivere nella Germania nazista, come l’architetto Diana Reiter. La famosa “bambina in rosso” è invece una creazione cinematografica, intesa come allegoria della devastazione dell’Olocausto.

I dettagli tralasciati dal film

Schindler’s List dura ben 215 minuti e incorpora buona parte del libro di Thomas Keneally. Tuttavia, poiché Schindler’s Ark è un’opera voluminosa e le condizioni dei campi di concentramento sono documentate da più fonti, l’adattamento di Steven Spielberg non poteva incorporare tutte le condizioni relative alle operazioni di salvataggio. Per esempio, il film omette i legami che Oskar Schindler aveva con i gruppi di resistenza che comprendevano polacchi ed ebrei. Le ricerche di Keneally suggeriscono che l’industriale sostenne anche finanziariamente tali organizzazioni. Inoltre, Schindler fu arrestato tre volte per le sue attività nel mercato nero e per i suoi legami con Amon Göth, mentre Schindler’s List copre solo uno di questi incidenti.

Anche le descrizioni di Keneally delle esecuzioni di ebrei in una collina soprannominata “Prick Hill” sono state eliminate nell’epopea storica di Spielberg a favore di scene come la liquidazione del ghetto di Cracovia. Schindler dovette anche affrontare il crescente antisemitismo durante l’apertura delle sue fabbriche, con altri nelle vicinanze che affiggevano manifesti con la scritta “Tenete fuori i criminali ebrei”, un altro aspetto che Schindler’s List tralascia. L’epilogo del film, invece, accenna brevemente al fatto che Göth fu giustiziato con un’impiccagione e che Schindler si trovò in difficoltà nel dopoguerra, ma la maggior parte dei dettagli specifici del dopoguerra non hanno potuto essere inseriti nel montaggio finale.

Se c’è un fenomeno atmosferico che il cinema ha più volte raccontato con successo, questo è senza dubbio quello del tornado. Per la loro forza evocativa e le forme assunte, le trombe d’aria vantano un carisma che suscita tanto meraviglia quanto terrore. Titoli come La tempesta perfetta, Hurricane – Allerta uragano e Into the Storm sono solo alcuni dei più celebri film con protagonista tale fenomeno naturale. Uno dei lungometraggi che ha reso ancor più celebri i tornando al cinema è però Twister, diretto nel 1996 da Jan De Bont, direttore della fotografia noto per aver diretto anche Tomb Raider – La culla della vita.

Twister non fu solamente uno dei primi film a portare tali dinamiche catastrofiche al cinema, ma anche uno dei primi a raccontare ciò con un uso particolarmente avanzato degli effetti speciali. La CGI, che si stava in quegli anni diffondendo con sempre maggior risultati, permise infatti di dar vita a dei tornando particolarmente sbalorditivi e convincenti. Candidato poi all’Oscar per gli effetti speciali e il sonoro, Twister divenne il secondo maggior incasso del suo anno, secondo solo a Independence Day, con quasi 495 milioni di guadagno.

Per chi è alla ricerca di un film catastrofico di buon livello, che presenti però anche interpretazioni di spessore, una storia drammatica e numerosi colpi di scena, Twister è certamente un film da riscoprire, con un fascino ancora oggi di buon livello. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e al suo finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di Twister

Protagonista del film è la dottoressa JoAnne Thornton, un’appassionata meteorologa, cacciatrice di tornado. La donna, nel lontano 1969, all’età di 5 anni, si trovò a viver un’esperienza terrificante: un devastante tornado di categoria F5 travolse improvvisamente la fattoria in cui viveva con la sua famiglia, distruggendo la porta del rifugio in cui erano riusciti a mettersi tutti al riparo e trascinando via con sé il padre. Questo terribile episodio indusse Jo, una volta diventata adulta, a studiare assiduamente i temibili fenomeni atmosferici, nella speranza di riuscirgli ad individuare tempestivamente per salvare la vita di quante più persone possibile.

Insieme al suo team, la coraggiosa meteorologa, si appresta a sperimentare un innovativo dispositivo, la piccola Dorothy, in grado di studiare la struttura interna dei tornado. Lo strumento è frutto di un geniale progetto dell’ex marito di Jo, Bill Harding, ora impiegato come meteorologo presso un’emittente televisiva. Jo, insieme a tutta la squadra, è in viaggio con il suo fuoristrada, alla ricerca del tornado perfetto per testare il nuovo macchinario. Con lei vi è anche Bill, il quale intende formalizzare le pratiche del divorzio. Ben presto il gruppo si troverà a fare i conti con la forza della natura, che non ha pietà per nessuno.

Il cast del film

Per questo film il regista Jan de Bont non voleva lavorare con attori famosi, a causa della loro natura notoriamente esigente, preferendo attori meno conosciuti per non distogliere l’attenzione dai tornado. Per il ruolo di JoAnne Thornton egli aveva in mente l’attrice Helen Hunt, in quanto amava la sua personalità forte e la capacità di comandare le persone, il che gli ricordava un tornado. Tuttavia, lo studio era perplesso su tale scelta, dal momento che la Hunt era noto solo per fare sitcom televisive. Dopo aver incontrato altre attrici, il regista continuò però a ritenere la Hunt l’unica candidata possibile, alla quale poté infine offrire il ruolo.

Tom Hanks era la scelta iniziale per il ruolo di Bill Harding. Hanks ha anche letto le battute con il cast e ha persino scelto il guardaroba del personaggio, salvo poi abbandonare il progetto perché sentiva che non era ciò che desiderava fare in quel momento della sua carriera. Mentre era sul set di Apollo 13 (1995), Hanks ritenne che il suo co-protagonista Bill Paxton fosse perfetto per la parte di Bill Harding in questo film e lo ha aiutato ad ottenere il ruolo. Nel film sono poi presenti anche gli attori Cary Elwes nei panni del dottor Jonas Miller, Jamy Gertz in quelli di Melissa Reeves e Philip Seymour Hoffman come Dustin Davies.

Il finale di Twister

Nel finale del film, la squadra scopre che un tornado di eccezionale potenza, un F5, si è formato a circa venticinque miglia da Wakita. Bill e Jo riescono a piazzare Dorothy III dinnanzi al percorso del tornado, ma lo strumento viene spazzato via ancor prima di entrare nel vortice e i due riescono a malapena a sfuggire ai detriti scagliati dal tornado; assistono, inoltre, alla morte di Jonas Miller e del suo autista, risucchiati dalla tromba d’aria. Jo e Bill, resisi conto che Dorothy è troppo leggera per poter raggiungere l’interno del vortice, decidono di fare un ultimo tentativo lanciando nel tornado l’ultima Dorothy rimasta usando il fuoristrada come zavorra.

L’idea ha successo: la squadra festeggia mentre i computer ricevono i dati che i sensori di Dorothy IV inviano sulla struttura del tornado. I festeggiamenti hanno però vita breve: infatti, il tornado cambia bruscamente rotta, puntando dritto proprio su Bill e Jo. I due scappano dunque a piedi in una fattoria vicina e riescono avventurosamente a scampare al passaggio della tromba d’aria. Il tornado si dissolve subito dopo essere passato su Bill e Jo e i due, galvanizzati dal successo di Dorothy e dall’intera esperienza, decidono di rimettere in piedi il loro matrimonio, dando così vita ad un finale che si potrebbe definire lieto.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Twister grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di sabato 25 gennaio alle ore 21:00 sul canale 20 Mediaset.

Nel giorno della memoria, il 27 gennaio di ogni anno, si commemorano le vittime dell’Olocausto, il genocidio di cui furono responsabili le autorità naziste nei confronti di tutte quelle categorie di persone ritenute “inferiori”. Anche il cinema, nel corso della sua storia, ha dato vita a numerosi film attraverso cui poter ricordare e riflettere su quanto avvenuto. Uno dei più memorabili ed esemplari è Schindler’s List, diretto nel 1993 da Steven Spielberg. All’interno di questo si racconta la vera storia di Oskar Schindler e del suo impegno nel salvare oltre mille ebrei dallo sterminio della Seconda guerra mondiale.

Ispirato al romanzo Schindler’s Ark, di Thomas Keneally, questo film ha permesso a Spielberg di raggiungere la definitiva consacrazione nel mondo del cinema. Schindler’s List è infatti un attenta ricostruzione degli eventi, ma anche un film estremamente delicato e sofferto, dove si racchiude l’idea di umanità secondo il regista. Chi salva una vita salva il mondo, è il tema principale del film e di tutta la filmografia di Spielberg, qui portato al massimo della sua potenza. Ancora oggi considerato uno dei migliori film della storia del cinema, fu questo un caso eclatante tanto nella sua concezione stilistica quanto nell’impatto culturale scaturito dalla sua visione.

Pochi film come questo sono in grado di rendere importante il ricordo di quanto avvenuto, permettendo però di riflettere anche sul presente. La forza di Schindler’s List, come nelle intenzioni di Spielberg e dei suoi collaboratori, è quella di essere un’opera senza tempo. In questo articolo approfondiamo alcune delle principali curiosità relative ad esso. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e ai premi vinti. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di Schindler’s List e lo stile del film

Protagonista del film è l’imprenditore tedesco Oskar Schindler, il quale tenta di sfruttare il nascere del conflitto tra la Germania nazista e la vicina Polonia per far fruttare i suoi affari. L’uomo, infatti, avvia una fabbrica impiegata nella produzione di tegami e pentole con cui rifornire l’esercito tedesco. All’interno di questa, grazie ai suoi rapporti con il contabile ebreo Itzhak Stern, dà impiego a oltre mille ebrei, salvati così dai campi di concentramento. Schindler porta dunque avanti la sua attività, forte anche della protezione da parte delle SS. L’arrivo dello spietato ufficiale Amon Goeth, però, rischia di spezzare questo equilibrio, portando Schindler a comprendere meglio l’orrore perpetrato dai nazisti e a nutrire il desiderio di poterne salvare quanti più possibile.

Fatta eccezione per alcune simboliche scene, il film è interamente in bianco e nero. Per Spielberg l’Olocausto fu vita senza luce, ed è per questo che un qualsiasi film che voglia raccontare di quegli orrori non può che essere in bianco e nero. Gli unici elementi di colore sono dati dalle candele all’inizio e alla fine del film, dove se le prime si spengono, le seconde si riaccendono, fornendo un segnale di speranza. Iconica poi è la bambina con il cappotto rosso. Per Spielberg quella presenza di colore era da intendersi come il simbolo di quanti pur consapevoli del massacro degli ebrei non fecero nulla per impedirlo. Il regista, inoltre, realizzò il film con uno stile documentaristico, girato per buona parte con camera a mano o comunque privo di artifici tecnici che avrebbero potuto spettacolarizzare la vicenda.

Il cast del film, da Liam Neeson a Ralph Fiennes

Ad interpretare Oskar Schindler vi è l’attore Liam Neeson, all’epoca ancora non estremamente celebre. Spielberg voleva infatti evitare la presenza di interpreti troppo conosciuti, che avrebbero potuto distrarre dalla storia del film. Inizialmente, però, lo stesso Neeson pensò di non essere adatto alla parte. Al momento del provino egli si convinse di essere andato male e pertanto accettò un nuovo lavoro per uno spettacolo a Broadway. Al suo debutto, lo stesso Spielberg insieme alla moglie e alla suocera andarono a vederlo, per poi incontrarlo a fine spettacolo nel camerino. Neeson, colto di sorpresa, abbracciò la suocera di Spielberg in un modo così spontaneo e sentito da far convincere il regista di aver trovato il suo protagonista. Ad oggi, quella di Schindler è l’unica interpretazione ad aver fatto guadagnare a Neeson una nomination all’Oscar.

Accanto a lui, nel ruolo dello spietato nazista Amon Goth vi è l’attore Ralph Fiennes, anche lui all’epoca poco conosciuto. Per il ruolo, l’attore ingrassò di circa 13 chili, raggiungendo una somiglianza particolarmente inquietante con il vero Goth. L’attore inoltre ebbe modo di parlare con quanti conobbero realmente il nazista, arrivando a comprendere aspetti di lui che lo svelavano come un uomo fragile e da compatire. Una sopravvissuta dei campi di concentramento, incontrandolo sul set, ammise di essersi sentita a disagio per la somiglianza tra i due. Il premio Oscar Ben Kingsley interpreta invece il collaboratore di Schindler Itzhak Stern. L’attore fu fortemente voluto da Spielberg dopo che il regista lo vide recitare in Gandhi. Fa poi parte del cast principale l’attrice Caroline Goodall nei panni di Emilie Schindler, la moglie di Oskar.

I premi vinti da Schindler’s List

Schindler’s List ricevette al momento della sua uscita il plauso universale della critica e del pubblico. Il film ha ad oggi ricevuto circa 91 premi in tutto il mondo, tra cui si annoverano in particolare quelli conferiti dal Chicago Film Critics Association, dai Bafta Awards, dove il film ottenne 7 premi, e i Golden Globe, dove vinse come Miglior film drammatico, Miglior regia e Miglior sceneggiatura. Ai premi Oscar fu poi il titolo che la fece da padrone, ottenendo 7 statuette tra cui quella per il Miglior film, regia, sceneggiatura, fotografia e colonna sonora. Furono invece candidati ma non vinsero sia Liam Neeson che Ralph Fiennes.

Il trailer del film dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Schindler’s List grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Sky e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di sabato 25 gennaio alle ore 21:25 sul canale Rete 4.

Nei film di Riley Stearns, l’emozione è un bene usato con parsimonia. L’umorismo spietato è il tono emotivo costante utilizzato in tutto il film, mentre esplora le interazioni umane e le loro sfumature in tutta la loro goffa alacrità. In Dual – Il clone, Stearns prende una premessa essenzialmente fantascientifica e ne esplora l’interno, sia il nucleo emotivo della protagonista che la presenza emotiva del mondo intorno a lei, che interagisce grazie alla sua presenza e a quella del suo clone, e come il mondo decide di accettare l’esistenza di una sola di loro. Il finale lascia poi in sospeso alcuni dubbi, che cerchiamo di chiarire in questo approfondimento.

La trama di Dual – Il clone

Il film è ambientato in un futuro prossimo e racconta la storia di Sarah (Karen Gillan), una donna che scopre di essere una malata terminale. Dopo la diagnosi, Sarah decide di procedere con una clonazione di se stessa, così da non causare un grande dolore alla sua famiglia in seguito alla sua morte. Una volta che il clone è stato creato, la donna insegna all’altra sé a comportarsi come lei o, meglio, a essere lei. Quando, però, Sarah si riprende, guarendo miracolosamente, si rende conto che ora che la sua vita non è più a rischio, non ha bisogno del suo clone. È così che cerca di liberarsi dell’altra, ma inutilmente.

Infatti, nella società del futuro non possono co-esistere a lungo un umano e il suo clone. Uno dei due deve essere eliminato e viene decretato che a continuare a vivere sarà quello che vincerà un duello all’ultimo sangue. Determinata a sconfiggere il suo doppio, Sarah inizia a prendere lezioni da Trent (Aaron Paul), noto per essere uno specialista delle lotte tra replicanti. Ha dunque per lei inizio un duro addestramento necessario alla sua sopravvivenza. Con lo scontro sempre più vicino, Sarah dovrà dunque lottare per affermarsi come l’unica versione possibile di sé.

La spiegazione del finale del film

Verso il finale del film, Sarah insegue il suo clone fino a un parco giochi. Qui, però, le due si siedono l’una accanto a l’altra e finalmente parlano della loro vita. Il clone afferma che capisce finalmente perché Sarah era depressa e successivamente la porta ad un gruppo di sostegno, dove i sopravvissuti ai duelli tra cloni confessano i loro sentimenti di sindrome dell’impostore e senso di colpa. Secondo le regole del gruppo, i sopravvissuti scrivono una lettera alla loro controparte uccisa, descrivendo i loro sentimenti in quel momento. Il clone di Sarah scrive una lettera eloquente in cui si assume tutte le colpe e accusa quel sistema crudele che non permette a entrambe le versioni di una persona di esistere.

Di conseguenza, entrambe progettano di fuggire dal confine e di vivere una vita libera dalle costrizioni imposte. Il mattino seguente, dopo aver guidato fino alla periferia della città, Sarah e il suo clone initraprendono un’escursione in una foresta. Nel bel mezzo dell’escursione, però, Sarah si rende conto che il suo clone l’ha ingannata e, nella sua natura fiduciosa, ha bevuto l’acqua dalla bottiglia del suo doppio, che era stata avvelenata. La scena si sposta poi nel parco giochi dove avrebbe dovuto svolgersi il duello. Vediamo “Sarah” zoppicare nel parco giochi e dirigersi verso l’arbitro, che la informa che il suo “clone” è fuggito, dando automaticamente forfait al duello.

Viene quindi condotta un’indagine che consiste nel chiedere alla sua famiglia se credono che quella “Sarah” sia davvero l’originale, e la famiglia risponde affermativamente, perché ha già dimostrato in passato di preferire il clone più dell’originale. Così, questa nuova versione di Sarah è libera di prendere completamente in mano la sua vita. Tuttavia, ben presto si ritrova presto a sua volta depressa perché la vita che condivide con Peter e la madre la abbatte come era successo all’originale. Il film si conclude dunque con lei che, emotivamente distrutta, capisce di essersi ritrovata costretta a vivere una vita che non ha mai scelto.

Ci sono tuttavia anche teorie che credono che sia stata la vera Sarah a sopravvivere e non il clone. Queste teorie non spiegano come possa essere sopravvissuta dopo essere stata avvelenata, ma si ritiene che Sarah abbia ingannato le persone che la circondavano, tornando in società spacciandosi però per il suo clone. Secondo questa teoria, avrebbe fatto quindi credere alla madre che lei è il clone, da cui lo stratagemma delle lenti a contatto. Alla fine del film, dunque, la si vedrebbe piangere perché non solo si rende conto di essere tornata alla sua vita, ma anche che sua madre ama il sosia e non lei. Tuttavia, è molto più probabile la versione in cui sia il clone a sopravvivere.

Si comprende come Dual – Il clone presenti diverse somiglianze con gli episodi di Black Mirror, mostrando un mondo in cui il progresso della tecnologia e della fantascienza viene utilizzato per usi che vanno oltre le norme tradizionali della progressione umana. Qui, la prospettiva della clonazione, pur sembrando un’idea promettente sulla carta, viene percepita e mostrata come un metodo molto più contorto per evitare il confronto con sentimenti fondamentali come il dolore. Invece di accettare e cercare di superare la perdita di un individuo, questo futuro preferisce accettare una versione clonata dello stesso individuo.

E il regista mostra sottilmente che la situazione non è così rosea come la pubblicità intende rappresentare, poiché anche il fondatore dell’azienda che ha sperimentato la tecnologia è stato un clone per 12 anni. Tuttavia, nel finale della pubblicità, lo vediamo avvicinarsi per un bacio con la moglie, che lo allontana sottilmente. Come contrappunto, vediamo che la Sarah originale viene messa da parte per un modello più nuovo e forse molto più “pulito”, il che è un risultato accettabile per la sua famiglia, ma progressivamente il clone sviluppa quella stessa fase di depressione e insoddisfazione che aveva afflitto la Sarah originale.

È un pensiero che fa riflettere: l’incapacità di Sarah di affrontare la sua depressione e il venir meno del rapporto con la sua famiglia hanno contribuito alla creazione del clone. La presenza del clone aggrava la sua depressione. Si potrebbe sostenere che Sarah sia stata più felice quando si è allenata per più di un anno o quando ha ripreso le lezioni di danza hip-hop, perché le ricordavano una versione di sé che credeva di aver perso. Ma prima che potesse prendere atto di questa consapevolezza e continuare questo ragionamento, è stata avvelenata dal suo clone, che voleva conquistare la sua singolare identità.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Dual – Il clone grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 24 gennaio alle ore 21:20 sul canale 20 Mediaset.

Diretto da Phil Claydon, il film del 2016 Within – Presenze porta gli spettatori all’interno di una casa che si rivela essere stata teatro di indicibili orrori. Un soggetto apparentemente visto e rivisto, ma che il regista sviluppa in modo nuovo a partire da una serie di suggestioni ispirate da eventi reali. Si costruisce così un film che suscita numerosi brividi ed offre un finale tutt’altro che conciliante ma che anzi nutre quella paura silenziosa del non essere del tutto al sicuro neanche all’interno della propria abitazione. In questo articolo, approfondiamo dunque le dinamiche di questo finale.

La trama di Within – Presenze

Hannah (Erin Moriarty) si trasferisce in una nuova casa con il padre John (Michael Vartan) e la matrigna Melanie (Nadine Velazquez). John sostiene di averla comprata a poco prezzo perché la famiglia precedente non ha pagato il mutuo ed è stata sfrattata. Nella nuova abitazione, però, Hannah sperimenta un’attività apparentemente paranormale: sente dei suoni di notte, i mobili vengono continuamente spostati e i suoi oggetti personali scompaiono. Facendo un po’ di ricerche, scopre che una famiglia che ha vissuto lì in precedenza è stata uccisa nella casa.

Un uomo, in un raptus di follia, ha infatti ucciso la moglie e la figlia, dopo di che, è scomparso misteriosamente. È quindi questo il reale motivo per cui la casa era così economica. Piano piano, dunque, le presenze sembrano manifestarsi in modo sempre più aggressivo e la famiglia si ritrova così intrappolata in un terribile incubo, in cui il passato sanguinoso della casa sembra tornare a galla e vendicarsi nel peggiore dei modi nei confronti di quei nuovi inquilini.

La spiegazione del finale del film

Hannah riesce dunque a convincere il padre che c’è qualcosa di sinistro in quella casa. John chiama la polizia, che stabilisce che il fabbro del quartiere si è introdotto in casa loro, ma non riescono a localizzarlo. Il fabbro entra poi in casa per derubare la famiglia di Hannah e inizia a spiare la ragazza, che si sta vestendo per un appuntamento. Mentre il fabbro la osserva, però, una presenza scheletrica scende dalla soffitta e lo uccide. Più tardi, la stessa presenza spettrale rapisce il fidanzato di Hannah mentre cerca di uscire di nascosto dalla casa. La presenza si intrufola anche nella camera da letto di Hannah di notte per guardarla dormire.

Nel frattempo, Hannah continua le sue ricerche sui precedenti abitanti di quella casa e rovistando tra i loro oggetti che ha trovato abbandonati nel garage scopre che la famiglia aveva un figlio di nome David (Dorian Kingi), agorafobico. Leggendo le relazioni psichiatriche di David, scopre che era in cura per tendenze omicide che si manifestavano ogni volta che stavano per verificarsi grandi cambiamenti nella vita. Hannah racconta la sua scoperta ai genitori, che le promettono di chiamare l’ospedale psichiatrico contenuto nelle cartelle per avere la conferma che David è ancora ricoverato.

In realtà, David non è mai andato in ospedale. Ha ucciso la sua famiglia prima di essere internato e da allora vive nella casa. Ha infatti costruito un muro finto in soffitta e si muove nei condotti dell’aria e all’interno delle pareti. È dunque David la presenza spettrale che ha ucciso il fabbro e rapito il fidanzato di Hannah. Capendo che la famiglia lo sta cercando, egli passa ora all’attacco. La famiglia lo respinge e chiama la polizia mentre David si ritira in soffitta. La polizia lo raggiunge lì e gli spara, ponendo fine alla minaccia.

La polizia dice alla famiglia che sono al sicuro e porta il cadavere David all’ospedale. Hannah e i suoi genitori, invece, iniziano a fare i bagagli per lasciare la casa, turbati da quegli eventi. Viene però rivelato che la polizia ha in realtà sparato al fidanzato di Hannah, che David aveva tenuto legato in soffitta. David è quindi ancora in casa e uscendo di nuovo allo scoperto rapisce Hannah. Melanie e John si rendono subito conto che Hannah è intrappolata tra le mura e si adoperano per salvarla. Nonostante riescano a liberarla, però, David li uccide entrambi.

Hannah, ferita nella fuga, cerca di strisciare verso la porta d’ingresso. Quando la raggiunge, però, David appare alla sue spalle, le afferra una gambe e la trascina nuovamente dentro l’abitazione. Il film termina così con Hannah che urla, invano, mentre va incontro ad un destino incerto ma senz’altro orribile. Conclusosi il film, infine, viene poi riportato un testo che ci dice che, dopo la crisi immobiliare del 2008, gli abusivi che vivono nascosti nelle case sono aumentati in modo esponenziale. Il film si basa dunque su questa problematica per dar vita ad un horror con un finale tutt’altro che lieto.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Within – Presenze grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes e Tim Vision. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 24 gennaio alle ore 21:15 sul canale Italia 2.

L’attore Jason Statham è unanimemente considerato una delle grandi icone del cinema d’azione. Negli anni si è infatti affermato grazie a titoli come Crank, Parker, Safe, Blitz, Death Race e il recente Hobbs & Shaw. A dare origine alla sua fama è però stato in particolare il film del 2002 The Transporter, dove dà vita ad esperto nel trasporto di pacchi supersegreti, dai contenuti talvolta compromettenti. Dato il buon successo dei primi due film, nel 2008 è arrivato al cinema il terzo capitolo, Transporter 3, diretto stavolta dal regista francese Olivier Megaton, con alla sceneggiatura Robert Mark Kamen e il celebre Luc Besson, autore di film come Lucy o Anna.

Come nei primi due, anche all’interno di questo terzo capitolo si ritrovano tutte le caratteristiche per cui Statham e la saga sono poi diventati celebri. Dagli spericolati inseguimenti ai combattimenti coreograficamente spettacolari, da un’inaspettata comicità alla presenza non scontata di certi sentimenti. Con un budget di circa 30 milioni di dollari, Transporter 3 è arrivato a guadagnarne più del doppio in sala, arrivando ad un risultato complessivo di circa 77 milioni. Pur ufficialmente conclusasi qui la trilogia, tale successo ha spinto i produttori a far tornare il personaggio protagonista anche in altre opere più o meno ispirate a tali film.

Per tutti gli appassionati di tale genere, Transporter 3 è ancora oggi una pellicola imprescindibile, ricca di suspence e colpi di scena. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e ai suoi sequel. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di Transporter 3

Reduce dagli esplosivi avvenimenti dei precedenti film, Frank Martin è ora tornato in Francia per continuare la sua attività di consegna di merce illegale. Ancora una volta però si trova a dover fare i conti con i pericoli di questo mestiere. L’uomo viene infatti costretto da un criminale chiamato semplicemente Johnson a fare una consegna molto particolare. A rendere più complicata la cosa vi è il fatto che al polso di Frank viene applicato uno bracciale molto particolare. Se egli si allontanerà di oltre 24 metri dall’auto contenente i pacchi, infatti, questo esploderà uccidendolo sul colpo.

Durante il viaggio, Frank scopre però che oggetto del pacco è ancora una volta una persona rapita. Questa è Valentina, figlia di un ministro ucraino e sequestrata al fine di convincere il politico a firmare un accordo per un traffico di navi cariche di rifiuti tossici. Impossibilitato ad intervenire, Frank si trova a dover andare fino in fondo alla sua consegna. Nel momento in cui però gli uomini di Johnson tenteranno di ucciderlo senza successo, egli decide di dare la caccia alla banda di criminali, nel tentativo di salvare la ragazza e impedire che il traffico illegale avvenga. Ora più che mai però, Frank si troverà a rischiare seriamente la propria vita.

Il cast del film

Come giù anticipato, ad interpretare il protagonista vi è nuovamente l’attore Jason Statham. Noto per la grande preparazione fisica che dedica ad ogni ruolo, questi decise di allenarsi a lungo prima delle riprese al fine di poter eseguire la maggior parte delle scene più complesse, senza dover ricorrere a controfigure. Allo stesso modo, è lui in persona ad eseguire le spericolate acrobazie al volante presenti nel film. Per recitare nel film, però, egli si trovò a dover anche imparare attività a lui nuove. Soddisfatto dal risultato anche di questo terzo capitolo, l’attore affermò di non voler rischiare di rovinare tutto con un ulteriore film, e che pertanto non avrebbe ripreso il ruolo. L’unico attore dei precedenti film, oltre a Statham, a riprendere il proprio ruolo è François Berléand, che ricopre ancora una volta i panni del detective Tarconi.

Ad interpretare Valentina, la ragazza rapita, è l’attrice Natalya Rudakova, statunitense di origini russe. Questa ottenne la parte in modo del tutto imprevisto, in un modo che sembra poter accadere soltanto nella fantasia. Lavorando in un salone di bellezza, questa si imbatté per caso nel regista Luc Besson. Colpito dalla sua presenza, questi decise di offrirle la possibilità di un provino per il film, nonostante la Rudakova non avesse alcuna esperienza recitativa. Dopo aver preso qualche lezione a riguardo, si presentò ai provini ottenendo la parte. L’attore Robert Knepper, noto per aver interpretato Theodore Bagwell in Prison Break, è invece il criminale Johnson. Un ruolo per il quale l’attore ha tratto ispirazione per il look dallo scrittore Ernest Hemingway.

I sequel del film

La trilogia di film con protagonista Statham si è così conclusa con questo Transporter 3. Ma la saga è poi continuata con altri titoli pronti a rielaborare l’universo narrativo qui forgiato. In particolare, nel 2015, è stato realizzato un reboot del primo film, intitolato The Trasporter Legacy, e con protagonista nei panni di Frank Martin l’attore Ed Skrein. Ancora una volta il film si è affermato con un buon successo, con un incasso di 72 milioni di dollari a fronte di un budget di 22. Prima di questo reboot era però stata realizzata Transporter: The Series. Ideata sempre da Besson, e composta da due stagioni per un totale di 24 episodi. Ad interpretare il protagonista è qui l’attore Chris Vance, noto per le serie All Saints e Prison Break.

Il trailer di Transporter 3 dove vederlo in streaming e in TV

Prima di vedere tali opere, è possibile fruire di Transporter 3 grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Infinity+, Apple iTunes e Tim Vision. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 24 gennaio alle ore 21:20 sul canale Italia 1.

La musica gioca un ruolo cruciale e creativo nel musical poliziesco Emilia Pérez. Poiché gran parte della storia è raccontata attraverso vari stili e generi musicali eseguiti dal cast di Emilia Pérez, le canzoni originali diventano una parte essenziale e una forza trainante della narrazione complessiva. Diretto dal regista francese Jacques Audiard (Ruggine e ossa, The Sisters Brothers), il film mescola generi musicali innovativi e coreografie infuse in una storia straziante di desiderio e rimpianto inappagato. Molte delle canzoni originali della colonna sonora di Emilia Pérez sono state scritte e interpretate dalla cantante francese Camille.

Emilia Pérez è un adattamento libero del romanzo Écoute di Boris Razon del 2018. La storia segue la Rita Moro Castro di Saldaña, un avvocato difensore di Città del Messico che cerca di fare la differenza e che si imbatte in un’opportunità insolita ma redditizia da parte del boss del cartello Manitas Del Monte, mentre mira a realizzare il sogno della sua vita di trasformarsi in una donna. Le recensioni per lo più favorevolidi Emilia Pérez ne hanno fatto un primo candidato al premio per il miglior film e hanno anche generato un interesse per l’Oscar alla migliore attrice per Gascón e alla migliore attrice non protagonista per Saldaña. Anche la colonna sonora ufficiale è in lizza per la migliore colonna sonora originale e la migliore canzone originale.

Tutte le canzoni di Emilia Pérez: ordine e significato

“Subiendo (Part 1)” di Camille, Clément Ducol & Mexican Choir: Questa canzone eterea e d’atmosfera suona all’inizio di Emilia Pérez ed è presente in varie parti del film, spesso durante le scene di transizione sopra le inquadrature di ambientazione del paesaggio.

“El Alegato” di Zoe Saldaña: È il primo numero musicale eseguito nel film e si svolge intorno ai 5 minuti. La Rita di Zoe Saldaña canta del caso a cui sta lavorando come avvocato difensore che le impone di dimostrare l’innocenza di un uomo che lei ritiene colpevole dell’omicidio della moglie, Gabriel Mendoza. Il brano dimostra come Rita tenga a un processo giudiziario più nobile e come molti atti di violenza possano rimanere senza conseguenze, in parte perché lei è così brava nel suo lavoro.

“Todo y Nada” di Zoe Saldaña: Rita canta questa canzone mentre riceve una misteriosa chiamata da Manitas in un bagno, intorno al minuto 11:30 di Emila Pérez. È accompagnata da un gruppo di custodi donne in sottofondo. L’attrice riflette se seguire o meno le minacciose istruzioni del chiamante per incontrarsi e guarda anche alla cupa traiettoria della sua vita se scegliesse di non rispondere a questa opportunità.

“El Encuentro” di Karla Sofía Gascón: Manitas sussurra questa breve canzone mentre fa la sua offerta a Rita in un unico respiro intorno ai 17 minuti. Chiarisce che una volta che Rita avrà accettato la sua offerta non si potrà più tornare indietro.

“La Vaginoplastia” di Zoe Saldaña: Intorno al minuto 20:30, Rita canta questa memorabile canzone a Bangkok, in Thailandia, mentre si informa sulle varie procedure a cui Manitas deve sottoporsi per trasformarsi in una donna. Si informa sui vari interventi necessari e sui prezzi, in modo da poter riferire a Manitas.

“Lady” di Zoe Saldaña & Mark Ivanir: Intorno al minuto 25, Rita canta questo duetto con il dottor Wasserman di Mark Ivanir, mentre lo convince a farsi carico delle varie operazioni che Manitas deve fare per diventare Emilia Pérez. Il dottore vuole assicurarsi che Manitas lo stia facendo per le giuste ragioni, mentre Rita sostiene l’importanza di cambiare l’“anima” per cambiare la “società”.

“Deseo” di Camille & Karla Sofía Gascón: Manitas canta questa canzone esprimendo il suo desiderio di essere “lei” intorno ai 34 minuti. È essenzialmente il canto del cigno di Manitas che dice addio alla sua vecchia vita e alla sua famiglia.

“Swing Supreme” di Robbie Williams: questa canzone del 2013 del cantante inglese Robbie Williams suona intorno al minuto 42, quando il film avanza di quattro anni nel futuro, quando Rita incontra nuovamente Emilia a Londra.

“Por Casualidad” di Camille, Karla Sofía Gascón e Zoe Saldaña: Questa canzone suona intorno al minuto 45, quando Emilia spiega a Rita perché l’ha cercata di nuovo. Spiega che non si sono incontrate per caso e che vuole che Rita la aiuti a ricongiungersi con i suoi figli in Messico.

“Bienvenida” di Selena Gomez: la prima delle due canzoni originali di Selena Gomez in Emilia Pérez arriva intorno al minuto 52. Il suo personaggio, Jessi, canta e si esibisce in una canzone che è un’altra. Il suo personaggio, Jessi, canta e balla nella sua nuova camera da letto a casa di Emilia dopo essere tornata in Messico con i suoi figli. Jessi esprime la sua infelicità nel tornare in Messico con Emilia, la cugina di Manitas, e si sente intrappolata dai suoi beni. Descrive i vari lussi che le vengono offerti come metodi per mantenerla felice e ferma.

“Mis Siete Hermanas y Yo” di Xiomara Ahumada Quito: Questa canzone appare intorno al minuto 56, quando una donna distribuisce volantini per il figlio scomparso. Questo ispira Emilia a dedicare la sua vita alla ricerca di persone scomparse con l’aiuto di Rita.

“Papá” di Juan Pablo Monterrubio & Karla Sofía Gascón: Questa canzone suona circa un’ora dopo Emilia Pérez, quando il figlio di Emilia canta di come gli manchi suo padre Manitas. Inoltre, fa notare come la zia Emilia gli ricordi il padre, in particolare per il suo odore.

“Para” di Aitza Terán, Iván Ruiz de Velasco e Coro messicano: Questa canzone suona intorno al minuto 1 e 7, mentre decine di persone si offrono volontarie per aiutare a trovare le persone scomparse attraverso la fondazione di Emilia, La Lucecita. Un paio di volontari spiegano perché dedicano il loro tempo alla ricerca delle oltre 10.000 persone scomparse nella zona, dicendo che vogliono permettere ad altri di piangere i morti e di fare del bene alla società di fronte al male.

“Amor a Primera Vista” di Belinda, Lalo e Los Ángeles Azules: Questa canzone è presente in 1 ora e 10 minuti di canzone quando viene presentato Gustavo, l’amante di Jessi. Jessi viene mostrata mentre viene accompagnata nella sua auto e sembra essere profondamente innamorata di Gustavo mentre sorride e guida.

“El Mal” di Camille, Zoe Saldaña e Karla Sofía Gascón: Questa canzone suona intorno al minuto 1 e 17 mentre Emilia tiene un discorso a un evento di raccolta fondi per La Lucecita di fronte a una folla di politici corrotti, giudici e personaggi pubblici. Il testo e la coreografia di Rita mettono a nudo i vari crimini di queste persone ricche e potenti e l’ipocrisia di chiedere loro denaro per la loro buona causa.

“El Amor” di Camille, Karla Sofía Gascón e Adriana Paz: Questa canzone, che dura circa 1 ora e 27 minuti, descrive cosa significhi amare una vita divisa e piena di segreti. Dentro di sé si sente più vera che mai, ma per il mondo è scoperta solo a metà da tutti, tranne che da Rita.

“Mi Camino” di Selena Gomez: questa canzone originale di Selena Gomez e scritta da Camille e Clément Ducol viene eseguita intorno all’ora e 33 minuti. È molto probabile che la canzone concorra per l’Oscar alla migliore canzone originale nel 2025, poiché rappresenta i temi principali dell’amore e dell’identità di tutti e tre i personaggi principali del film.

“El Trio” di Karla Sofía Gascón & Zoe Saldaña: Questa canzone appare intorno all’ora e 33 minuti in Emilia Pérez. Rita riceve le telefonate di Jessi ed Emilia che le chiedono soldi e figli. Rita cerca di mitigare la situazione, ma Jessi ed Emilia sono in forte contrasto tra loro.

“Perdóname” di Camille & Karla Sofía Gascón: Emilia canta questa ballata confessionale a Jessi durante il momento culminante del film, intorno all’ora e 55 minuti. Durante una sparatoria per scambiare Emilia con milioni di dollari, Emilia dice a Jessi di essere stata suo marito Manitas, sconvolgendo completamente il mondo di Jessi.

“Las Dama que Pasan” di Adriana Paz & Mexican Choir: Questa canzone suona alla fine di Emilia Pérez, intorno alle due ore, quando frotte di persone camminano per le strade per ricordare la vita e l’eredità di Emilia dopo la sua morte. Emilia è venerata e ricordata come una figura di santa.

Dove ascoltare la colonna sonora di Emilia Pérez

La colonna sonora ufficiale completa di Emilia Pérez è disponibile in streaming su Apple Music e Spotify. Ogni canzone è disponibile gratuitamente anche su YouTube. La colonna sonora completa ha una durata di 1 ora e 32 minuti e contiene tutte le canzoni originali del film, compresi i due nuovi brani di Selena Gomez. La colonna sonora di Emilia Pérez contiene anche versioni alternative di alcune canzoni non presenti nel film e l’intera colonna sonora originale di Clément Ducol e Camille.

Il finale di Emilia Pérez, commedia musicale poliziesca nominata a 11 Oscar, vede la protagonista e la madre dei suoi figli, Jessi, alla fine della loro strada. Diretto dal regista francese Jacques Audiard (Rust and Bone, The Sisters Brothers), il film, che mescola i generi, offre numeri musicali e coreografie innovative infuse in una storia straziante di desiderio e rimpianto inappagato. Il film è un adattamento libero del romanzo Écoute di Boris Razon del 2018 ed è la candidatura ufficiale della Francia come miglior film internazionale ai prossimi 97° Academy Awards, che si terranno il 2 marzo 2025.

Il talento combinato di Zoe Saldaña, Karla Sofía Gascón e Selena Gomez ha guidato il cast di Emilia Pérez. Emilia Pérez (la nostra recensione) ha vinto il Premio della Giuria e il premio per il miglior ensemble di attrici al Festival di Cannes 2024, dove è stato presentato in anteprima mondiale a maggio. La colonna sonora di Emilia Pérez è uno dei punti salienti del film, nonché il cuore e l’anima della narrazione, in definitiva tragica. Sebbene Emilia Pérez si svolga in diverse località, il film è stato girato principalmente negli studi di Parigi, in Francia. Anche se Emilia ha mostrato un’immensa crescita nella sua nuova vita, il suo bisogno di controllo e l’incapacità di separare la sua felicità dalla famiglia l’hanno portata alla rovina.

Perché Emilia, Jessi e Gustavo muoiono nel finale di Emilia Pérez

Emilia ha scoperto nel modo più duro di non mettersi contro Jessi e il suo stile di vita, che si basava sull’accesso alla grande quantità di denaro che Mantias aveva lasciato per lei e i loro figli. Nel momento in cui Emilia ha invitato Jessi e i loro figli a vivere nella sua villa in Messico, Jessi ha capito che c’erano dei vincoli, sotto forma di manette firmate, come esprime con amarezza nella canzone “Bienvenida”. Jessi riesce a nascondere la sua rabbia per il controllo finanziario di Emilia fino a quando non rivela di voler sposare Gustavo e vivere con lui altrove con i bambini, cosa che fa infuriare Emilia a tal punto da farle quasi saltare la copertura.

Gustavo non è un personaggio importante in Emila Pérez, ma rappresenta la persona che taglierà l’accesso diretto di Emilia ai suoi figli. Emilia manda la sua guardia del corpo a picchiare Gustavo dopo che questi ha minacciato fisicamente Jessi sul letto. Questo porta Jessi a fuggire con i bambini alla prima occasione possibile e le due diventano feroci rivali. Jessi arriva al punto di permettere ai soci di Gustavo di tagliare tre dita a Emilia. Quando Emilia rivela a Jessi la sua vera identità, cade immediatamente nello shock e nel rimpianto. Jessi fa un ultimo tentativo per proteggere Emilia mentre è rinchiusa nel baule. Sfortunatamente, la sconsiderata aggressività di Jessi costringe Gustavo a lanciarsi da un dirupo, causando la morte di tutti e tre nell’auto in fiamme.

Perché Emilia non potrebbe vivere senza i suoi figli

Emilia ha avuto il meglio dei due mondi quando Jessi e i loro figli hanno vissuto con lei in Messico. Come canta nella canzone “El Amor”, è profondamente combattuta dal fatto di poter essere solo la metà di se stessa, con Mantias essenzialmente nascosto in bella vista. Anche se Emilia ha sopportato di nascondere l’amore paterno per i suoi figli, poterli vedere ogni giorno era la scelta migliore. Non è chiaro quanto Emilia credesse che questa dinamica sarebbe durata, ma è stata completamente spiazzata dall’annuncio di Jessi di voler portare i bambini a vivere con Gustavo. Emilia apparentemente pensava che i bambini avrebbero vissuto con lei per tutta la loro infanzia.

Cosa succede ai figli di Emilia e a Rita

Nella canzone “Todo y Nada”, all’inizio del film, Rita esprime il desiderio di avere dei figli e di trovare un padre, ma sente di non avere tempo per farlo. La morte di Emilia e Jessi offre a Rita l’opportunità di essere madre come desiderava da tempo. Sebbene Rita non facesse ovviamente il tifo per questo risultato, è evidente che i figli di Emilia e Jessi saranno in mani sicure con lei. È probabile che si fermino nella villa di Emilia in Messico o che tornino in Svizzera, dove i ragazzi amano sciare. Rita potrebbe anche portarli a Londra, dove ha iniziato una nuova vita dopo aver aiutato Manitas. A causa delle loro origini messicane, tuttavia, è probabile che rimangano qui.

Perché Emilia non ha detto prima la verità a Jessi

Emilia era cresciuta molto come persona dopo la sua transizione, in particolare come membro positivo della comunità che cercava di riparare ai torti del suo passato. È deludente che non le sia mai passato per la testa di avvicinarsi a Jessi con il cuore aperto e chiederle compassione per la sua transizione. Sarebbe stata probabilmente una strategia migliore per mantenere l’accesso ai suoi figli, invece di fare di Jessi un’arcinemesi e cercare di controllare la situazione con la forza bruta. Il film mostra tragicamente una regressione totale dello sviluppo morale di Emilia, cancellando quasi tutti i passi compiuti verso la guarigione e il perdono per la sua vita di crimini e violenze. Alla fine, l’orgoglio di Emilia ha soffocato tutti i suoi cambiamenti positivi.

L’eredità di Emilia e la spiegazione dell’impatto sulla sua comunità

Per la comunità in generale, tuttavia, Emilia esiste come figura esemplare. Molte persone cantano per lei nelle strade dopo la sua morte, onorandola come una santa per il lavoro svolto con la sua fondazione per le persone scomparse, La Lucecita. C’è una grande ironia nel fatto che la comunità pianga e celebri la vita di Emilia quando in realtà conosce solo metà del quadro. Manitas era un pericoloso e temuto boss responsabile di molte delle persone scomparse.

L’unica persona che lo sapeva era Rita, il che rende in qualche modo sorprendente il fatto che Emilia non abbia mai cercato di mettere a tacere Rita in modo definitivo dopo averla incontrata di nuovo a Londra. Emilia meritava probabilmente un riconoscimento per i cambiamenti apportati negli ultimi anni, sia per se stessa che per la sua comunità. Tuttavia, queste persone probabilmente non avrebbero venerato la sua eredità con la stessa passione se avessero saputo la verità.

Il vero significato del finale di Emilia Pérez

Il finale di Emilia Pérez sfida lo spettatore a considerare il valore morale di Emilia in contrasto con i mali della Manitas. Richiama domande come “Emilia è stata redenta?” e “Meritava un addio così emozionante e appassionato?”. Una cosa è avere un impatto positivo sulla comunità, ma una cosa completamente diversa è considerare la vita di crimini e violenze che cerca di coprire. Anche quando Emilia ha iniziato La Lucecita, c’era la sensazione che fosse un’iniziativa più autoreferenziale che altruistica, poiché mirava ad assolvere se stessa dalla sua vita passata. Paragonare Emilia a una santa sarebbe un insulto ai veri leader della comunità, che non hanno avuto bisogno di lasciarsi alle spalle una vita di crimini prima di fare la differenza nella società.

L’impatto di Emilia sulla sua comunità in Emilia Pérez è simbolico dell’impatto che sta silenziosamente avendo come donna trans. Come Rita spiega al dottor Wasserman nella canzone “Lady”, “cambiare l’anima cambia la società”, che è effettivamente ciò che Emilia ha fatto per il problema delle persone scomparse. Tuttavia, Emilia non si batte per la sua causa più immediata, l’uguaglianza dei trans, e rimane invece in silenzio sulla sua transizione e sulla sua vera identità, dato che ha dovuto nascondersi come la criminale Manitas e “disonorare” il nome della sua famiglia. Sostenere apertamente i diritti e l’uguaglianza dei trans rischierebbe di far saltare la sua copertura, quindi trovare un’altra causa di cui diventare il volto è stato il suo modo di onorare silenziosamente la sua comunità più vera in Emilia Pérez.

Bob Dylan ha continuato a creare musica dopo una pausa quasi decennale dalle tournée in seguito agli eventi di A Complete Unknown. Interpretato da Timothée Chalamet nei panni del leggendario cantautore folk Bob Dylan, A Complete Unknown è uscito nelle sale italiane questo weekend. Il cast di A Complete Unknown comprende anche Elle Fanning, Edward Norton, Monica Barbaro, Dan Fogler e Boyd Holbrook nel ruolo di Johnny Cash. Sebbene il film sia un biopic sull’ascesa al successo dell’icona, A Complete Unknown cambia diversi dettagli della storia reale di Bob Dylan.

Diretto da James Mangold, il regista di Ford contro Ferrari e Logan, A Complete Unknown è considerato uno dei migliori film dell’anno. Con un punteggio su Rotten Tomatoes del 79% e un punteggio del pubblico del 95%, A Complete Unknown è già in corsa per diversi premi, tra cui tre Golden Globe per il miglior film drammatico, il miglior attore per Chalamet e il miglior attore non protagonista per Norton. Il biopic segue i primi anni di Bob Dylan, quando arriva a New York e diventa rapidamente una leggenda locale grazie all’aiuto di Pete Seeger. Il film mette in luce anche la relazione di Dylan con Sylvie Russo e con la cantautrice Joan Baez.

Bob Dylan ebbe un incidente in moto e smise di andare in tour per 8 anni

Il 29 luglio 1966 Bob Dylan ebbe un incidente in moto che lo portò a non andare in tour per buona parte del decennio successivo. Questo dà un nuovo significato alla fine di A Complete Unknown, in cui Dylan si allontana a tutta velocità dal Newport Folk Festival del 1965. Un anno dopo, Dylan ebbe un incidente in moto nei pressi di Woodstock, New York, avvenuto appena due mesi dopo la conclusione del suo tour mondiale del 1966. Sebbene gli eventi dell’incidente in moto rimangano misteriosi e incerti, dal momento che Dylan non si è recato in ospedale, Dylan ha rivelato di essersi rotto alcune vertebre del collo.

Secondo Motorcyclist, “non è mai stata ottenuta alcuna documentazione ospedaliera relativa all’incidente, e nessuno ricorda che un’ambulanza abbia portato via il Tambourine Man”. Almeno un presunto testimone ha affermato che Dylan, apparentemente non molto abile al manubrio, ha avuto una semplice caduta a bassa velocità che ha richiesto un viaggio nell’ufficio del medico, niente di più”. Dylan ha commentato il misterioso incidente in moto nella sua autobiografia Chronicles del 2004 . “Avevo avuto un incidente in moto e mi ero fatto male, ma mi ero ripreso. La verità è che volevo uscire dalla corsa del topo”.

Bob Dylan tornò in tournée nel 1974 dopo anni in cui continuava a fare musica

Dopo l’incidente in moto, Dylan rimase in gran parte lontano dai riflettori per quanto riguarda i tour, ma continuò a fare musica e a pubblicare album. Dylan pubblicò quello che è probabilmente il suo album più celebre, Highway 61 Revisited, nell’agosto del 1965, prima di pubblicare un altro classico istantaneo, Blonde on Blonde del 1966. Durante la sua lunga pausa dalle tournée, Dylan pubblicò anche album come John Wesley Harding del 1967, Nashville Skyline del 1969, Self-Portrait e New Morning del 1970. Nel 1974 Dylan si rimise in viaggio con il Bob Dylan and The Band Tour, che prevedeva 40 spettacoli dal 3 gennaio al 14 febbraio 1974.

Bob Dylan si convertì al cristianesimo e fece musica gospel alla fine degli anni ’70

Dopo che Dylan era tornato in sella con il Rolling Thunder Revue Tour del 1975-76 e il World Tour del 1978, la sua carriera e i suoi interessi musicali subirono una svolta quando si interessò al cristianesimo e alla musica gospel. Dylan pubblicò gli album Street-Legal nel 1978, Slow Train Coming nel 1979 e Saved nel 1980, che contenevano canzoni di orientamento cristiano come “When He Returns” e “I Believe In You”. Portò questi album nel suo Gospel Tour del ’79 e del 1980, che non ricevette un’accoglienza positiva dalla critica e dalla maggior parte dei suoi fan. L’era del cristianesimo/gospel di Dylan fu di breve durata, poiché tornò a fare rock per tutti gli anni Ottanta con album come Infidels (1983) e Empire Burlesque (1985).

Bob Dylan è stato inserito nella Rock And Roll Hall Of Fame nel 1988

Dopo aver iniziato la sua carriera negli anni Sessanta ed essere passato in modo controverso da eroe folk a icona rock, Bob Dylan è stato finalmente inserito nella Rock And Roll Hall Of Fame nel 1988. Bruce Springsteen ha presentato Dylan durante la cerimonia, ricordando la sua prima esperienza di ascolto di Bob Dylan e la corsa al negozio di dischi locale per prendere un 45 giri di “Like A Rolling Stone”. Durante il suo discorso, Bruce ha ricordato che “sapevo che stavo ascoltando la voce più dura che avessi mai sentito”. La Rock and Roll Hall of Fame ha detto questo di Dylan: “Bob Dylan è uno dei più grandi cantautori di tutti i tempi, un abile paroliere con una coscienza politica, un’incisiva capacità narrativa e un acume da poeta per il metro e il linguaggio”.

Bob Dylan ha dato il via al Never Ending Tour

Dylan ha iniziato gli anni ’80 incidendo dischi di gospel cristiano e nel 1987 era in tournée con i Grateful Dead. Subito dopo ha dato il via al suo Never Ending Tour, la cui prima tappa è iniziata nel 1988, lo stesso anno in cui è stato inserito nella Rock and Roll Hall of Fame. Dal 1988, Dylan ha proseguito il Never Ending Tour fino al 2019 a causa della pandemia COVID-19. Il Never Ending Tour avrebbe dovuto continuare nel 2020, iniziando a Tokyo, in Giappone, il 1° aprile 2020 e terminando il 14 luglio 2020 a Rochester, New York, ma è stato annullato per ovvi motivi. Dylan tornò in tour nel 2024 con il suo Bob Dylan’s Rough and Rowdy Ways Worldwide Tour, che si svolse per alcune settimane a marzo in Florida, Georgia e North Carolina.

Chi ha sposato Bob Dylan

Dylan, che attualmente ha 83 anni, è stato sposato e divorziato due volte nella sua vita e attualmente non è sposato. Nonostante la sua relazione appassionata con Sylvie Russo, interpretata dalla Fanning in A Complete Unknown, e la sua storia d’amore e odio con Joan Baez, interpretata da Barbaro, non ha finito per sposare nessuna delle due. A Complete Unknown introduce anche un interesse romantico britannico, una donna di nome Becka, che sembra essere un personaggio fittizio creato per il film.

La prima moglie di Dylan fu Sara Dylan, nata Shirley Noznisky del Delaware. Sara e Bob si sposarono in sordina nel 1965, mentre Sara era già incinta del suo primo figlio con Bob, Jesse. Secondo People, “Sara e Bob hanno avuto altri tre figli insieme – Anna, Sam e Jakob – in quattro anni, vivendo una vita tranquilla a Woodstock, N.Y.”. Divorziarono nel 1977. Dylan si è sposato con Carolyn Dennis nel 1986 e con lei ha avuto un figlio, Desiree Dennis-Dylan, prima di divorziare nel 1992. Dylan e Sally Kirkland si sono frequentati per un breve periodo all’inizio degli anni Settanta, cosa che non viene riportata in A Complete Unknown.

A Complete Unknown lascia sul vago il processo a Pete Seeger, tralasciando tutto tranne il discorso di condanna, ma la storia vera e propria è più affascinante di quella che viene rappresentata. Sebbene Bob Dylan sia il protagonista del film biografico del 2024, molti altri personaggi di A Complete Unknown hanno avuto un impatto significativo sul suo percorso da esordiente a uno dei migliori cantautori del mondo. Uno dei più influenti è Pete Seeger, un cantante folk che divenne famoso insieme all’amico Woody Guthrie.

Poiché la narrazione è incentrata sulla vita di Bob Dylan nei primi anni Sessanta, la storia di Seeger viene raccontata solo quando ha un impatto diretto sul protagonista. L’unica eccezione arriva all’inizio di Un completo sconosciuto, quando Pete Seeger appare in un’aula di tribunale per la sentenza del suo processo. Accenna a una delle sue canzoni ritenuta “antiamericana”, offrendosi di cantarla, e il giudice rifiuta l’offerta e lo condanna. Tuttavia, la storia del processo di Pete Seeger è molto più complessa e affascinante nella vita reale, e mostra un esempio dell’impatto del maccartismo sugli artisti.

Pete Seeger scrisse una lettera di protesta contro la deportazione di massa dei giapponesi

La storia del processo a Pete Seeger inizia molto prima della sentenza che viene mostrata in A Complete Unknown. Secondo i documenti recuperati da Mother Jones con una richiesta di Freedom of Information Act, l’FBI iniziò a indagare su Seeger quando questi scrisse una lettera all’American Legion per protestare contro le sue attività politiche. Con una mossa terrificante, l’FBI cercò di deportare in massa chiunque avesse origini giapponesi e di negare ai nippo-americani la cittadinanza per diritto di nascita. Seeger sosteneva: “L‘America è grande e forte così com’è perché finora siamo stati un rifugio per tutti gli oppressi”.

Successivamente, l’American Legion consegnò la lettera all’FBI, che avviò un’indagine lunga almeno due decenni sul cantante. Seeger divenne il bersaglio della caccia al comunista degli Stati Uniti, che lo etichettò come “persona potenzialmente sovversiva” per le sue convinzioni politiche. L’FBI cercò nella sua storia formativa e lavorativa. Lesse anche la sua posta e intervistò chiunque fosse collegato al cantante, compreso Woody Guthrie, un’altra persona reale ritratta in A Complete Unknown.

Il fatto che Pete Seeger fosse fidanzato con una donna nippo-americana di nome Toshi Ohta aumentò i sospetti sul cantante. Nonostante le numerose persone che garantirono l’affidabilità e la lealtà di Seeger, l’FBI continuò a trattarlo come una minaccia. Si rifiutarono persino di impiegarlo nonostante avesse completato l’addestramento di meccanico dell’aviazione.

Pete Seeger si rifiutò di rispondere alle domande della Commissione per le attività antiamericane della Camera dei Deputati

Il culmine dell’indagine dell’FBI su Pete Seeger avvenne il 18 agosto 1955, quando fu portato davanti a una sottocommissione della Commissione per le attività antiamericane della Camera, come descritto da History Matters. Questo comitato, abolito nel 1975, era stato costituito per indagare sulla slealtà e sulle attività di disturbo da parte di cittadini, politici e gruppi. Durante l’apice del maccartismo, la commissione portò Seeger davanti a loro per interrogarlo sulle sue possibili affiliazioni comuniste e sulle sue convinzioni liberali.

Gli chiesero conto della sua esibizione a tre eventi legati al partito comunista. Gli fu anche chiesto se si fosse esibito al servizio del partito comunista. Con le loro frasi, hanno lasciato intendere che Seeger fosse un comunista nemico degli Stati Uniti. Durante l’interrogatorio ha dato queste risposte:

“Non risponderò a nessuna domanda sulle mie associazioni, sulle mie convinzioni filosofiche o religiose o sulle mie convinzioni politiche, o su come ho votato alle elezioni, o su qualsiasi altra questione privata. Penso che queste siano domande molto sconvenienti per qualsiasi americano, specialmente se costretto a farlo. Sarei molto felice di raccontarvi la mia vita, se volete sentirla…

Sento che in tutta la mia vita non ho mai fatto nulla di cospirativo e mi infastidisce molto e profondamente l’implicazione di essere chiamato davanti a questa commissione che in qualche modo, poiché le mie opinioni possono essere diverse dalle vostre, o dalle sue, signor Willis, o dalle sue, signor Scherer, io sia meno americano di chiunque altro. Amo profondamente il mio Paese, signore…

Ho cantato per americani di ogni orientamento politico e sono orgoglioso di non aver mai rifiutato di cantare per un pubblico, indipendentemente dalla religione o dal colore della pelle o dalla situazione di vita. Ho cantato nelle giungle dei barboni, ho cantato per i Rockefeller e sono orgoglioso di non aver mai rifiutato di cantare per nessuno. Questa è l’unica risposta che posso dare in tal senso”.

Tuttavia, Seeger si è rifiutato di rispondere dove si è esibito, quando e quali canzoni ha cantato in determinate esibizioni. Riteneva che ciò violasse i suoi diritti di cittadino americano. Tuttavia, si offrì di cantare una canzone per il Congresso e di nuovo al processo, ma entrambe le offerte furono rifiutate. Questi momenti sono brevemente citati nel biopic 2024, anche se A Complete Unknown cambia la canzone da “Wasn’t That A Time”. Inoltre, tralascia la maggior parte del contesto del processo.

Pete Seeger fu giudicato colpevole di oltraggio al Congresso

Sei anni dopo la sua testimonianza, Pete Seeger fu finalmente processato per molteplici accuse di oltraggio al Congresso. Il processo durò dal 27 marzo 1961 al 29 marzo 1961 e portò a un verdetto di colpevolezza per tutti e dieci i capi d’accusa di oltraggio al Congresso. Secondo The Harvard Crimson, durante il processo, il giudice istruì i giurati a non considerare se le domande del Congresso fossero legali o morali, e a non contemplare le ragioni di Seeger per non rispondere. Dovevano solo decidere se Seeger avesse fornito una risposta in buona fede, piuttosto che cercare di essere sfidante. La giuria ha deliberato per un’ora e mezza.

Il 4 aprile 1961, il giudice Thomas F. Murphy condannò Pete Seeger a un anno di prigione e gli impose di pagare le spese processuali (via The Harvard Crimson). Il giudice Murphy rifiutò di concedere a Seeger la cauzione in attesa dell’appello; tuttavia, lo stesso giorno, la corte d’appello gli concesse una cauzione di 2000 dollari. Adeguata all’inflazione, questa cifra equivale a una cauzione di 21.181,54 dollari, in attesa dell’appello.

L’intera dichiarazione di Pete Seeger alla fine del processo può essere letta qui: Biblioteche della Northwestern University.

Secondo i fascicoli disponibili su Justia US Law, la Corte d’Appello degli Stati Uniti per il Secondo Circuito ha annullato la condanna di Pete Seeger perché l’atto d’accusa indicava in modo errato e fuorviante l’autorità investigativa della sottocommissione per condurre le udienze alle quali Seeger era presente. Dopo che la corte d’appello ha annullato la condanna, le accuse sono state ritirate. Come mostrato nel film, l’attivismo politico di Seeger non cessò dopo il processo. Continuò a parlare di diritti umani e americani anche molto tempo dopo gli eventi di A Complete Unknown, consolidando la sua eredità di cantante folk e attivista.

A Complete Unknown esplora la vita dell’enigmatico Bob Dylan negli anni Sessanta, e la vera storia del musicista è affascinante quanto il film. Sebbene molti musicisti abbiano avuto un impatto sul loro genere, Bob Dylan è facilmente considerato uno dei cantanti più prolifici di tutti i tempi, con un effetto a lungo termine sia sul genere folk che su quello rock. Nonostante ciò, ha anche sviluppato una reputazione di enigma. Egli custodisce la sua vita privata, si rifiuta in genere di spiegare i suoi testi e ha una storia di falsificazione delle informazioni sulle sue esperienze.

Molti film su Bob Dylan si sono basati su questa immagine misteriosa, ma A Complete Unknown tenta di fornire un quadro più intimo della prima carriera di Dylan, concentrandosi sulla solitudine e sulla disperazione del musicista di fuggire. Tuttavia, pur facendo leva su verità emotive, A Complete Unknown tralascia alcuni degli elementi più interessanti della vita di Bob Dylan. Detto questo, il film apre agli spettatori curiosi la possibilità di conoscere la vera storia.

A Complete Unknown esplora la vita di Bob Dylan dal 1961 al 1965

Anche se la carriera di Bob Dylan ha spaziato dal 1961 a oggi, il biopic su Bob Dylan, interpretato da Timothée Chalamet, si concentra sui primi cinque anni della sua carriera. Il film si apre con il suo arrivo a New York e si conclude subito dopo il controverso Newport Folk Festival del 1965, dove Bob Dylan “divenne elettrico”.

Poiché questo è il periodo in cui si svolge il film, gli spettatori potranno vedere i suoi giorni al Greenwich Village. L’area di New York è stata il fulcro del revival folk americano negli anni ’60, il che spiega perché musicisti come Joan Baez, Pete Seeger e Bob Neuwirth appaiono nel film. Tuttavia, alcuni gruppi influenti come il Kingston Trio, gli Almanac Singers e i Weavers vengono lasciati fuori per mantenere l’attenzione su Bob Dylan. Le persone che appaiono in A Complete Unknown hanno avuto un impatto diretto sulla vita di Dylan durante questi anni.

Bob Dylan ebbe una relazione con Suze Rotolo negli anni ’60

Poco dopo l’arrivo di Bob Dylan a New York, il musicista ventenne incontrò la diciassettenne Suze Rotolo e i due si innamorarono rapidamente. I due si trasferirono insieme in un appartamento del Greenwich Village. Mentre lui proseguiva la sua carriera musicale, lei accettò un lavoro presso il Congress of Racial Equality, un lavoro che si adattava al suo attivismo politico. Durante la loro relazione, la Rotolo avrebbe influenzato la musica di Dylan e sarebbe apparsa sulla copertina del suo album The Freewheelin’ Bob Dylan. I due continuarono la loro relazione fino all’inizio del 1964, ma l’ultimo anno della loro storia fu turbolento a causa della fama di lui e della sua relazione con Joan Baez.

Sfortunatamente, la Rotolo perse la sua identità agli occhi degli altri, essendo vista come la fidanzata di Bob Dylan, cosa che le dispiaceva. Dopo la loro rottura, la Rotolo divenne notoriamente riservata sulla loro relazione, mantenendo la sua privacy mentre costruiva una carriera artistica. Tuttavia, si è finalmente aperta sulla loro storia d’amore nel suo libro di memorie del 2008 , A Freewheelin’ Time: A Memoir of Greenwich Village in the Sixties.

A causa della loro storia d’amore, i fan potrebbero essere confusi quando scoprono che Bob Dylan ha una storia d’amore con un personaggio di nome Sylvie Russo nel cast di A Complete Unknown. Elle Fanning ha rivelato in un’esclusiva domanda e risposta durante la proiezione AMC early access del 18 dicembre, alla quale era presente Screen Rant , che Bob Dylan ha chiesto espressamente che il nome di Rotolo fosse cambiato in A Complete Unknown per rispettare la sua privacy. Per questo motivo, questi dettagli sulla loro relazione sono stati tolti dal libro di memorie di Suze Rotolo.

Bob Dylan iniziò una storia d’amore anche con Joan Baez dopo il loro incontro nel 1961

Oltre a frequentare Suze Rotolo, Bob Dylan iniziò una relazione con la musicista folk Joan Baez, che ricevette il soprannome pubblico di “Madonna scalza”. La Baez aveva già una carriera di successo quando incontrò Bob Dylan nel 1961, e contribuì a dare impulso alla sua carriera coverizzando la sua musica e portandolo sul palco durante le sue esibizioni (via Far Out Magazine).

I due svilupparono presto una relazione sentimentale che durò dal 1962 o 1963 circa fino alla loro disordinata rottura nel 1965. Come si evince dal trailer di A Complete Unknown, il biopic su Bob Dylan mostra la relazione tira e molla che ebbe luogo durante la sua relazione con Sylvie Russo, alias Suze Rotolo. Nel corso della loro storia d’amore, Dylan e Baez collaborarono più volte alla realizzazione di brani musicali, sia sul palco che fuori. La coppia si esibì notoriamente alla Marcia su Washington, dove Martin Luther King Jr. avrebbe tenuto il suo famoso discorso “I Have A Dream”.

Tuttavia, Bob Dylan ruppe improvvisamente con Joan Baez nel 1965 e sposò poco dopo un’altra donna, Sara Lownds (nata Shirley Marlin Noznisky). La Baez impiegò più di mezzo secolo per perdonarlo e probabilmente scrisse le canzoni “To Bobby”, “Diamonds and Ruse” e “O Brother!” su Bob Dylan (via American Songwriter).

Bob Dylan divenne un punto fermo della musica folk e del Newport Folk Festival negli anni ’60

Sebbene all’inizio degli anni Sessanta l’American Folk Revival fosse in pieno svolgimento, Bob Dylan divenne uno dei più grandi nomi della musica folk americana nel 1963, anno in cui pubblicò The Freewheelin’ Bob Dylan. Nel periodo tra il 1961 e il 1963, Bob Dylan si era costruito una piccola schiera di fan e Joan Baez e Peter, Paul e Mary avevano aumentato la sua visibilità all’interno della scena folk. Nel 1965 si era guadagnato una reputazione per le sue bellissime canzoni di protesta. Le sue canzoni “Blowin‘ in the Wind”, “The Times They Are A-Changin’” e “A Hard Rain’s A-Gonna Fall” divennero punti fermi del Movimento per i diritti civili.

Bob Dylan si esibì anche ai festival folk di Newport del 1963, 1964 e 1965, tutti e tre i quali appaiono in A Complete Unknown. Probabilmente sarebbe stato invitato ai festival del 1961 e del 1962 per la sua amicizia con Pete Seeger, ma l’evento non si tenne in quei due anni. Sfortunatamente, Bob Dylan non tornò per il Newport Folk Festival del 1966, presumibilmente a causa delle reazioni del pubblico alla sua esibizione del 1965 con strumenti elettrici, anche se si tratta di semplici speculazioni. L’ironia della sorte vuole che altri cantanti e gruppi folk, come Howlin’ Wolf, abbiano suonato con strumenti elettrici prima di Dylan al festival del 1965, senza suscitare clamore.

L’esibizione di Bob Dylan al Newport Folk Festival del 1965 segnò il suo passaggio alla musica rock

Anche se Bob Dylan si è fatto conoscere come cantante folk che scriveva canzoni politiche, questa è solo una piccola parte della sua carriera complessiva, che si è estesa a diversi generi. Il Newport Folk Festival del 1965 fu un momento cruciale per il cantante, poiché segnò il suo primo cambiamento di genere. Dylan si esibì con strumenti elettrici, un’offesa personale ai puristi del genere folk. Il pubblico ebbe reazioni contrastanti: alcuni lo fischiarono, altri lo acclamarono. Questa performance spinse la sua musica verso il nuovo genere del folk rock, che combinava elementi di entrambi i generi.

Bob Dylan divenne uno dei più grandi nomi del genere, spesso accreditato come creatore del folk-rock insieme ai Byrds. Tuttavia, non è mai rimasto a lungo in una sola scatola. Nei decenni successivi, Dylan si è cimentato in blues, rock, gospel, country, pop e jazz. Le sue canzoni hanno rivoluzionato il songwriting nel suo complesso e hanno ispirato grandi artisti come i Beatles e Bruce Springsteen.

Sfortunatamente, poiché A Complete Unknown termina dopo il Newport Folk Festival del 1965, il pubblico non potrà ascoltare alcuna canzone al di fuori dei suoi brani folk e folk-rock. Inoltre, quelle che sentiranno saranno cantate da Timothée Chalamet, che interpreta Bob Dylan. Fortunatamente, gli spettatori curiosi possono cercare la sua altra musica online, poiché è facilmente disponibile sui siti di streaming.