Ci sono film che ti entrano nel cuore e ci restano, film che anche dopo decenni continuano a fare emozionare gli spettatori, occupando il loro meritato posto d’onore nella storia del cinema. Uno tra questi è il film Le Ali della Libertà che, oltre a fregiarsi del titolo di capolavoro, è legato alla storia di un’amicizia lunga una vita intera. Il film è infatti dedicato alla memoria di Allen Greene, un personaggio di cui quasi nessuno conosce la storia.

Ma prima di arrivare a parlare di Allen Greene, facciamo un piccolo passo indietro e cominciamo il nostro viaggio dal 1994, anno d’uscita del celebre film Le Ali della Libertà.

Tratto dal racconto del genio letterario di Stephen King, dal titolo Rita Hayworth e la redenzione di Shawshank – pubblicato nella raccolta Stagioni Diverse -, Le Ali della Libertà (titolo originale The Shawshank Redemption) è un film drammatico diretto da Frank Darabont. Definito dalla rivista Empire come uno dei “cinquecento migliori film della storia”, Shawshank Redemption racconta la storia di un uomo innocente finito in carcere per sbaglio.

Cosa succede in Le Ali della Libertà: il dramma di Shawshank

La storia è ambientata nella Portland del 1947 e ha come protagonista Andy Dufresne (Tim Robbins), il vice-direttore di una banca. Accusato dell’omicidio di sua moglie e del suo amante – un famoso giocatore di golf -, Andy viene condannato a ben due ergastoli da scontare nel terribile carcere di Shawshank. Nonostante l’uomo gridi a gran voce la sua innocenza, la sentenza viene emessa e Andy viene condotto in galera.

Si sentono tante storie sul carcere di Shawshank ma nessuna sembra rispecchiare perfettamente la realtà. La struttura sembra essere sotto il controllo dello spietato direttore Norton (Bob Gunton) e delle sue terribili guardie che impongono leggi e severe punizioni. Andy è il nuovo arrivato e come tale deve piegarsi allo status quo per cercare di sopravvivere.

Per i primi tempi l’uomo cerca di tenersi in disparte per non creare problemi con gli altri detenuti ma purtroppo la sua presenza non passa inosservata. Per i primi due anni, quindi, Andy è costretto a subire i violenti atti di bullismo da alcuni dei detenuti più pericolosi di Shawshank. Punizioni corporali, violenze fisiche, sessuali e psicologiche porteranno Andy alla disperazione e poi alla silenziosa rassegnazione.

Durante i suoi giorni di prigionia, Andy cerca di aggrapparsi a ogni spiraglio di luce in quel luogo di tenebra. Grazie al suo buon carattere e a un pizzico di furbizia, il prigioniero Dufresne riesce a sopravvivere e, incredibilmente, a farsi dei nuovi amici. Primo fra tutti c’è Ellis Boyd Redding (Morgan Freeman), detto Red, che controlla il contrabbando di oggetti di ogni tipo all’interno del carcere.

Tra i due nasce una bella e sincera amicizia, rapporto che permetterà a entrambi di sopravvivere ai lunghi anni di reclusione e alla vita da uomini liberi.

Allen Greene in Shawshank Redemption

Il meraviglioso e toccante dramma di Stephen King, diretto da Frank Darabont, ha commosso intere generazioni. Negli anni i cinefili più accaniti si sono divertiti a scoprire tutti i segreti e i retroscena più curiosi de Le Ali della Libertà. Ma c’è un dettaglio del film che ancora oggi sembra essere per molti un mistero. Alla fine del film, poco prima dei titoli di coda, appare un messaggio, un dedica che per parecchio tempo ha sollevato molte domande.

“In memory of Allen Greene” [In memoria di Allen Greene]

Chi è costui? E come mai The Shawshank Redemption è stato dedicato proprio a lui? La domanda è legittima e la risposta è molto meno complessa di quello che ci si aspetti. Greene è stato per anni l’agente del regista Frank Darabont, nonché uno dei suoi più cari amici. A loro collaborazione, cominciata all’inizio degli anni ottanta, si è trasformata in una bellissima amicizia, interrotta bruscamente dalla morte di Greene.

Allen Greene è purtroppo deceduto nel 1989 quando aveva appena 36 anni, a causa di complicazioni dovute all’AIDS. Greene, malato da tempo, non ha mai smesso di lavorare e pare sia stato proprio lui a spingere affinché Le Ali della Libertà vedesse la luce. Nel 1987, Allen fu il primo a capire le potenzialità del racconto di Stephen King e a sottoporre il progetto alla Castle Rock Entertainment. Inoltre, fu lo stesso Greene a proporre l’amico Frank Darabont come regista e sceneggiatore del film.

Gli sforzi di Greene sono stati abbondantemente ripagati. Le Ali della Libertà è stato un successo nel 1994 – anno della sua uscita al cinema – e il film nel tempo è diventato un vero e proprio capolavoro del cinema. A causa della sua prematura scomparsa, Greene non si è potuto godere i frutti del suo duro lavoro. Per questo motivo Darabont ha deciso di rendere omaggio alla memoria del suo caro amico, dedicandogli il film per cui insieme hanno tanto lottato. Una dedica inaspettata, sobria ma molto toccante, associata a un finale catartico che celebra la libertà e l’importanza dell’amicizia.

Le Ali della Libertà in streaming: ecco dove vederlo

Il film diretto da Frank Darabont e dedicato ad Allen Greene, è disponibile in acquisto o noleggio a pagamento su Amazon Prime Video, Youtube, Google Play Film. Le Ali della Libertà in streaming è disponibile sulle seguenti piattaforme:

Fonte: Wiki,

Uscito nel 1989, Indiana Jones e l’ultima crociata rappresenta il terzo capitolo della leggendaria saga ideata da George Lucas e diretta da Steven Spielberg, dopo I predatori dell’arca perduta (1981) e Indiana Jones e il tempio maledetto (1984). In un momento in cui la coppia Lucas–Spielberg era ormai sinonimo di intrattenimento di altissimo livello, il film arrivò come un ritorno alle atmosfere più avventurose e “classiche” del primo episodio, abbandonando in parte i toni cupi e talvolta inquietanti del secondo. Spielberg stesso ha più volte dichiarato di considerare Il tempio maledetto il capitolo più distante dalle sue corde, e con L’ultima crociata ritrovò un equilibrio perfetto tra azione, humour e un tocco di introspezione.

La novità più evidente fu l’introduzione del personaggio di Henry Jones Sr., interpretato da Sean Connery, padre del celebre archeologo. Questa scelta aggiunse una dimensione familiare e ironica alla saga, esplorando il rapporto conflittuale e affettuoso tra i due protagonisti. Il film si distingue anche per un maggiore respiro narrativo, che alterna sequenze spettacolari – come l’inseguimento in motoscafo a Venezia o la fuga dal dirigibile – a momenti più intimi, in cui emerge il lato umano e vulnerabile di Indiana. Tematicamente, l’avventura si lega alla ricerca del Santo Graal, un oggetto mitico che introduce riflessioni sulla fede, l’immortalità e il senso della vita, andando oltre la semplice caccia al tesoro.

Il successo fu immediato: Indiana Jones e l’ultima crociata incassò oltre 470 milioni di dollari in tutto il mondo, consolidando il mito dell’archeologo con il cappello e la frusta. La critica accolse con entusiasmo la combinazione di azione, umorismo e cuore, lodando in particolare la chimica irresistibile tra Harrison Ford e Sean Connery. Nel resto di questo articolo analizzeremo più nel dettaglio il significato e la costruzione del finale del film, svelando come Spielberg abbia saputo concludere (almeno all’epoca) la saga con una nota di grande intensità emotiva.

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La trama di Indiana Jones e l’ultima crociata

Ambientato nel 1938, in un mondo ormai prossimo allo scoppio della Seconda Guerra Mondiale, il terzo film della saga vede Indiana Jones incaricato di recuperare, insieme al suo amico Marcus Brody, il Santo Graal. Questo, qualora finisse nelle mani dei nazisti, potrebbe rivelarsi una pericolosissima arma a loro vantaggio nella conquista del mondo. Tuttavia, Jones rifiuta la missione, non credendo nell’esistenza dell’oggetto. Cambia però idea nel momento in cui scopre che l’incarico era stato inizialmente offerto a suo padre, Henry Jones Sr., ora scomparso nel nulla.

Indiana si reca così a Venezia, per riprendere le ricerche lì dove quelle di suo padre si sono interrotte. Ad aiutarlo, vi è la dottoressa Elsa Schneider, la quale si rivelerà però essere alleata dei nazisti. L’archeologo comprende così che suo padre è stato catturato da loro, con lo scopo di richiamarlo all’azione e aiutarli nel ritrovamento del Graal. Pur di salvare il padre, Jones accetterà malvolentieri l’incarico, cercando però di escogitare un piano per uscire da quella situazione e impedire ai nazisti di impossessarsi dell’oggetto.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Indiana Jones e l’ultima crociata, l’avventura raggiunge il suo apice quando Indiana, suo padre Henry, Marcus e Sallah giungono al tempio che custodisce il Santo Graal. Qui assistono al fallimentare tentativo dei nazisti di superare le micidiali trappole che proteggono la reliquia. Per costringere Indiana a collaborare, Donovan spara a Henry, sapendo che solo l’acqua del Graal potrà salvarlo. Con l’aiuto del diario paterno, Indy riesce a decifrare gli enigmi e a superare ogni ostacolo, fino a raggiungere la sala finale, dove un antico cavaliere vigila sui numerosi calici disposti davanti a lui.

A quel punto, Donovan e Elsa li raggiungono. Fingendo di aiutarlo, Elsa offre a Donovan un calice sbagliato, portandolo a bere e condannandolo a una morte istantanea. Indiana, invece, riconosce il vero Graal – semplice e privo di ornamenti – e lo utilizza per guarire il padre, salvandogli la vita. Ma l’avidità di Elsa provoca il disastro: nel tentativo di portare via il calice, fa crollare il tempio. Trascinata nel vuoto, muore davanti agli occhi di Indiana, che a sua volta rischia di cadere nell’abisso. Solo l’intervento del padre, che lo invita a “lasciar andare” il Graal, lo salva. La reliquia scompare per sempre tra le macerie, mentre i protagonisti fuggono verso la libertà, cavalcando nel tramonto.

Perché Elsa prende il calice sbagliato?

Il perché la dottoressa Elsa Schneider abbia scelto intenzionalmente il calice sbagliato in Indiana Jones e l’ultima crociata è un argomento molto dibattuto all’interno della celebre saga d’avventura. L’indizio più importante del suo tradimento arriva poco dopo aver consegnato il calice a Donovan. Sebbene resti sullo sfondo, Elsa getta un’occhiata a Indy mentre Donovan solleva il calice in aria. In quell’istante, accenna un brevissimo e leggero movimento della testa, come a confermare a Indy che il suo piano è uccidere Donovan con il calice sbagliato. Da quel momento fino a quando Donovan beve, l’espressione di Elsa tradisce a fatica l’impazienza di vedere il sabotaggio compiere il suo effetto.

Appare comunque strano che Elsa desideri eliminare Donovan. Dopotutto, si era unita di sua volontà ai nazisti e aveva tradito i Jones. Il suo legame con Donovan e con i nazisti sembrava evidente, essendo rimasta al loro fianco dall’Italia all’Austria, dalla Germania fino a Hatay. Il comportamento di Elsa in Indiana Jones e l’ultima crociata la descrive dunque come una donna scaltra e manipolatrice, ma il tempo trascorso con Indy e suo padre sembra averla toccata in un modo in cui l’ideologia nazista non era riuscita. Come dice a Indy durante il raduno nazista a Berlino: «Io credo nel Graal, non nella svastica».

Indy respinge giustamente questa affermazione, data la sua disponibilità a schierarsi con il nemico. Quello è l’ultimo scambio tra i due fino all’incontro con il Graal e alla morte di Donovan. Questo significa che Elsa ha avuto tempo per riflettere sulle proprie azioni. Aver visto la spietatezza di Donovan in più occasioni probabilmente ha contribuito a farle cambiare allineamento e, quando si presenta l’opportunità di liberarsene, Elsa la coglie. Il cenno che rivolge a Indy lo conferma, anche se, alla fine, il suo irrefrenabile desiderio di possedere il Graal — indipendentemente dal fatto di volerlo condividere o meno con i Jones — ha contribuito alla sua stessa fine.

Cosa ci lascia il finale di Indiana Jones e l’ultima crociata

Il finale assume dunque un significato profondo se letto alla luce dei temi centrali del film. Il vero cuore della storia non è la conquista del Graal, ma la riconciliazione tra padre e figlio. L’intero viaggio diventa un percorso di riavvicinamento, in cui Indiana impara a guardare oltre la sua ossessione per le reliquie, mentre Henry comprende l’importanza di essere presente nella vita del figlio. Il momento in cui Henry gli dice “lascia andare” non riguarda solo il calice, ma anche il peso delle incomprensioni e delle distanze accumulate negli anni.

Il Graal, oggetto mitico e simbolo di immortalità, si rivela un’illusione pericolosa quando diventa fine a sé stessa. Spielberg ne fa il fulcro di una parabola sulla scelta tra l’avidità e il valore della vita. Elsa e Donovan, accecati dal desiderio di possederlo, trovano la morte; Indiana e Henry, invece, lo abbandonano per salvare ciò che conta davvero: le persone. L’immagine conclusiva dei protagonisti che cavalcano verso il tramonto suggella questa lezione, dando al film una chiusura epica ma anche profondamente umana.

Un figlio ad ogni costo, diretto da Ryan Dewar, è un thriller drammatico che esplora i limiti della disperazione umana e le conseguenze di scelte estreme. Il film si colloca perfettamente nel filone dei drammi familiari con venature investigative, dove il mistero si intreccia con tematiche di natura morale e psicologica. La tensione cresce grazie a una sceneggiatura che mette in scena dinamiche familiari complesse e verità nascoste, restituendo un’esperienza cinematografica intensa e coinvolgente, adatta a un pubblico che apprezza storie di forte impatto emotivo e riflessioni sul senso di responsabilità personale.

I temi principali di Un figlio ad ogni costo ruotano dunque attorno alla genitorialità, alla menzogna e al prezzo che si è disposti a pagare per proteggere i propri cari. Il film affronta anche la fragile linea tra giustizia e vendetta, sollevando domande profonde sulle motivazioni che spingono un individuo a compiere azioni estreme sotto pressione. L’opera di Dewar ricorda per atmosfera e tematiche altri titoli come Prisoners di Denis Villeneuve o Gone Baby Gone di Ben Affleck, dove la ricerca della verità si mescola a dilemmi morali che scuotono la coscienza dello spettatore. Questa affinità con film del genere thriller-drammatico psicologico rende Un figlio ad ogni costo un’opera da tenere d’occhio per chi ama storie dense di tensione emotiva e ambiguità etica.

Nel corso dell’articolo approfondiremo il finale del film, offrendo una spiegazione dettagliata che chiarirà i passaggi più criptici della trama, svelando il significato più profondo del racconto. Il finale, infatti, rappresenta il cuore del racconto e merita un’analisi attenta per comprenderne pienamente le implicazioni. Continuate a leggere per scoprire come le scelte dei personaggi e le rivelazioni finali influenzino la lettura complessiva del film e ne accentuino la potenza narrativa.

La trama di Un figlio ad ogni costo

Il film racconta la storia di Hailey (Brooke Burfitt), una giovane donna al nono mese di gravidanza che, poco prima della nascita del primo figlio, sceglie di partorire a casa, in un ambiente che considera più protetto e familiare. Per affrontare il delicato momento con il giusto supporto emotivo e pratico, decide insieme al marito Joe (Jason Burkey) di assumere Bea (Poppy George), un’assistente al parto dal comportamento affabile ma sfuggente, scelta con cura dopo aver valutato diverse opzioni. All’inizio, tutto sembra procedere per il meglio. Bea si dimostra disponibile, professionale e premurosa, capace di instaurare un rapporto rassicurante. Ma piccoli segnali iniziano a incrinare la fiducia di Hailey.

Durante un corso di yoga prenatale, Hailey stringe poi amicizia con Jade (Lauren Buglioli), un’altra futura mamma che, sin da subito, manifesta forti perplessità nei confronti di Bea. Le rivela infatti che la donna è sterile da anni, e potrebbe avere motivazioni più oscure e personali per essere così vicina a una gravidanza altrui, forse spinta da un trauma irrisolto. I sospetti prendono corpo quando Lisa (Gina Hiraizumi), la migliore amica di Hailey, viene trovata morta in circostanze misteriose. Da quel momento, il mondo di Hailey comincia a crollare tra bugie che emergono dal passato, inspiegabili incendi domestici, e una crescente sensazione di essere spiata da qualcuno di molto vicino.

La spiegazione del finale del film

Prima di procedere con la spiegazione del finale di Un figlio ad ogni costo, è importante ricordare che il film inizia con l’omicidio di una donna in una vasca da bagno. In seguito, nel corso del film, si scopre che la donna uccisa era l’ostetrica che ha formato Bea. Un altro colpo di scena è rappresentato dal fatto che Caleb, il padre biologico del figlio di Jade, è in realtà il marito di Lisa, amica di Hailey. L’uomo non vuole però saperne nulla del bambino, ritenendo quella con Jade solo un’avventura da una notte.

Quando però Lisa lo scopre, invia un messaggio falso a Jade fingendosi Caleb e organizza un incontro. Lisa incontra così Jade al parco e si arrabbia così tanto da spingere la donna incinta a terra, scoprendo che il pancione è finto. Prima che Lisa possa raccontare tutto a qualcuno, Jade le spacca la testa con una pietra. A questo punto, Hailey comincia a mettere insieme i pezzi, rendendosi conto che Jade sa sempre le cose prima che lei gliele dica, e che le capita sempre di “incontrare” Jade. Non ha però molto tempo per approfondire perché va in travaglio e chiama Bea e Joe perché vengano ad aiutarla.

Jade, però, si presenta al lavoro di Joe e lo stordisce con una bevanda drogata. Il suo piano è quello di rubare il figlio di Hailey per sé e per Caleb. Nel frattempo, Hailey partorisce una bambina e quando si è ripresa Bea le comunica che suo marito è inospedale, dove decidono di recarsi. Ignorano però che Jade le sta osservando dalla finestra. È a quel punto che Jade attacca Bea mentre prepara il seggiolino e si intrufola in casa per rubare la neonata. Dopo averla presa, la porta da Caleb, che si dice disposto ad accettare la figlia. Intanto, però, Hailey ha scoperto il rapimento e riesce a localizzare la figlia grazie alla posizione del cellulare.

Intanto, Caleb scopre che Lisa è morta e a quel punto urla contro Jade e la accusa di aver ucciso sua moglie. La donna riesco però a stordirlo con una lampada mentre Hailey si intrufola in casa con un martello. Jade e Hailey litigano per la bambina. Alla fine, quest’ultima ha la meglio e mette ko la rivale. Jade viene arrestata e Hailey può finalmente andare in ospedale dal marito Joe per fargli conoscere loro figlia. Il film si conclude però con Jade che, un anno dopo, invia un biglietto di compleanno alla bambina dal carcere, come sentendosi ancora sua madre.

Il finale si collega dunque profondamente ai temi di menzogna, inganno e protezione materna che attraversano tutto il film. Jade incarna l’ossessione e il risentimento, che la portano a commettere atti terribili pur di ottenere ciò che vuole, mentre Hailey rappresenta la forza resiliente della madre disposta a tutto per difendere la propria figlia. La presenza di Bea, inizialmente sospetta ma alla fine protettiva, mette in luce il tema della fiducia e dell’inganno in un ambiente apparentemente sicuro come la nascita a domicilio. Il finale, quindi, non solo chiude la trama ma rafforza la riflessione sulla complessità dei rapporti umani e sulle ombre che possono celarsi dietro le apparenze familiari.

Cosa ci lascia il finale di Un figlio ad ogni costo

Un figlio ad ogni costo offre una riflessione intensa sul significato di maternità e protezione in un mondo spesso segnato da inganni e pericoli nascosti. Il film ci ricorda quanto la forza e la determinazione possano emergere nei momenti più bui, ma anche quanto la fiducia sia fragile e preziosa. Attraverso una trama avvincente e personaggi complessi, ci invita a guardare oltre le apparenze, mettendo in luce le ombre che si nascondono dietro relazioni apparentemente normali. Alla fine, resta il messaggio che l’amore vero richiede coraggio e sacrificio, ma anche consapevolezza e vigilanza.

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Ida Red è un crime thriller del 2021 diretto da John Swab che si inserisce nel filone delle storie criminali dal tono cupo e realistico, incentrate su famiglie segnate dal crimine. Ambientato in un’America di provincia segnata dal degrado e dalla violenza, il film mescola azione, tensione drammatica e riflessioni sulla lealtà familiare, dando vita a un racconto che alterna momenti di forte intensità emotiva a sequenze di puro intrattenimento noir. La regia di Swab, asciutta e priva di fronzoli, ricorda per certi versi l’approccio diretto e crudo di film come Hell or High Water o A History of Violence, dove il contesto rurale diventa un personaggio esso stesso, influenzando le scelte e i destini dei protagonisti.

Il cast contribuisce in modo determinante alla riuscita del film. Melissa Leo interpreta Ida “Red” Walker, matriarca criminale dal carisma ambiguo e dalla determinazione implacabile, mentre Josh Hartnett veste i panni di suo figlio Wyatt, diviso tra il desiderio di proteggere la famiglia e la necessità di sopravvivere in un mondo spietato. Ad affiancarli, troviamo Frank Grillo come il violento zio Dallas e William Forsythe in un ruolo che aggiunge ulteriore peso drammatico alla vicenda. Le performance sono intense e radicate, capaci di rendere credibili personaggi che oscillano tra il fascino del legame familiare e la crudeltà delle loro azioni, inserendosi perfettamente nella tradizione dei racconti crime americani contemporanei.

I temi principali di Ida Red ruotano attorno alla famiglia, al peso delle eredità morali e all’impossibilità di sfuggire a un destino segnato dalle proprie radici. Come in altri film criminali a sfondo familiare, da Il padrino a Animal Kingdom, il legame di sangue diventa sia un’ancora di salvezza che una condanna, generando conflitti interiori e scelte al limite. Nel resto dell’articolo, ci concentreremo sulla spiegazione del finale del film, analizzando come John Swab abbia deciso di chiudere la storia, quale sia il destino dei personaggi principali e come il messaggio finale si colleghi ai temi di lealtà, sacrificio e autodistruzione che permeano l’intera opera.

La trama di Ida Red 

Il film racconta la storia di Wyatt Walker (Josh Hartnett), figlio della boss Ida “Red” Walker (Melissa Leo), incarcerata per rapina a mano armata. Quando il ragazzo va a far visita alla madre in prigione, questa gli affida un ultimo colpo. La donna è gravemente malata e Wyatt è la sua unica possibilità per compiere l’ultima rapina e uscire di prigione. Durante la sua assenza, suo fratello Dallas (Frank Grillo) ha assunto la guida della famiglia criminale. Il ragazzo, però, è continuamente controllato dall’FBI, pronta a fermarlo al primo passo falso, e dovrà quindi decidere se rimanere libero e incensurato o scegliere la famiglia.

La spiegazione del finale del film

Ida Red è dunque un film che parla di famiglia. Ci introduce alla famiglia Walker e ai suoi membri, tutti accomunati da un tratto distintivo: sono ribelli e finiscono sempre nei guai. Conosciamo per primi Dallas e Wyatt, fratelli e allo stesso tempo criminali e ladri. Li vediamo rubare pillole da un camion, uccidendo l’autista e una guardia nel processo. Il tutto avviene in modo caotico: nonostante l’esperienza, non sono affatto professionali. Questi eventi segneranno l’inizio della fine per la famiglia così come la conosciamo.

Wyatt è affascinante, gestisce un’officina che in realtà è solo una copertura. Dallas invece è molto più brutale, pronto a uccidere in qualsiasi momento. Swab sembra ammiccare a Tombstone e alla leggenda di Wyatt Earp con questi due personaggi, ribaltando il concetto da uomini di legge a criminali. I due hanno una sorella, Jeanie, madre di un’adolescente di nome Darla. L’ultimo membro della famiglia è Ida Red stessa, che si trova però in prigione. Wyatt racconta a Darla che il padre, tornato dalla guerra, era stato accolto solo con povertà e disprezzo, spingendolo a cercare altre fonti di reddito.

Per Wyatt, rubare e delinquere è nel loro sangue, e i fatti sembrano dargli ragione. Jeanie è l’unica a desiderare una vita normale, ma persino Darla inizia a comportarsi in modo sempre più sconsiderato. Scopriamo che il camion rubato all’inizio era un veicolo governativo, rendendo il caso federale: l’FBI arriva in città. I fratelli Walker non hanno mai affrontato un nemico tanto pericoloso, e presto si renderanno conto di non essere all’altezza. L’indagine sarà la loro rovina. Continuano a commettere crimini, avvicinandosi sempre di più alla cattura, nonostante tutti sappiano già che sono responsabili.

La trama si divide a questo punto su due fronti: da un lato i fratelli Walker e il loro rapporto con Ida in carcere, dall’altro Darla che cerca il proprio posto nella famiglia. Ida è stata la leader, sia in senso familiare che criminale, e ha cresciuto i figli per diventare come lei, allontanando Jeanie, che infatti si è sposata con un poliziotto, l’opposto di ciò che rappresentava la sua famiglia. Ora Ida è malata e i figli vogliono liberarla prima che muoia, convinti che non debba trascorrere gli ultimi giorni in una cella. Nel concitato finale di Ida Red, Wyatt e Dallas riescono a portare a termine la rapina, ma la loro fuga è subito compromessa dall’intervento della polizia guidata dall’agente Lawrence Twilley e dal detective Bodie Collier.

Consapevole di non poter sfuggire insieme al fratello, Dallas sceglie di sacrificarsi, ingaggiando un feroce scontro a fuoco in cui abbatte diversi agenti prima di cadere sotto i colpi di Twilley. Questo gesto disperato permette a Wyatt di guadagnare tempo e di allontanarsi con il bottino, anche se la sua libertà è destinata a durare poco: Bodie riesce infatti a rintracciarlo, ma Wyatt, ancora una volta, riesce a sfuggire. Deciso a esaudire l’ultimo desiderio della madre, Wyatt si mette in contatto con l’avvocato di Ida per ottenere la sua scarcerazione. La polizia accetta, ma a una condizione: lo scambio della libertà della matriarca con la cattura del figlio.

L’accordo va in porto e madre e figlio si riuniscono, ma la gioia dura poco. Durante il viaggio in auto, Ida muore serenamente, sapendo di essere libera e accanto a Wyatt. Subito dopo, gli agenti Twilley e Collier arrestano il giovane Walker. Prima della scarcerazione di Ida, però, Darla scopre da quest’ultima che è lei la sua vera madre e coloro che credeva essere madre e zii sono in realtà fratelli. Due anni più tardi la morte di Ida e l’arresto di Walker, Darla rende quindi omaggio alle tombe dei suoi cari e visita il fratello in prigione, suggellando un finale amaro, in cui il sangue e il legame familiare restano l’unico filo che tiene unita la dinastia Walker, anche dietro le sbarre.

Cosa ci lascia il film Ida Red

Ida Red ci lascia dunque con l’immagine di una famiglia che, pur segnata dal crimine, resta unita fino all’ultimo respiro. Il film mostra come il legame di sangue possa essere al tempo stesso rifugio e condanna, un vincolo che spinge a compiere sacrifici estremi e che, anche di fronte alla morte o alla prigione, non si spezza. La storia dei Walker è una parabola di lealtà assoluta, ma anche di autodistruzione inevitabile, in cui ogni scelta è condizionata da un’eredità criminale impossibile da rinnegare. Alla fine, ciò che resta non è la vittoria, ma la consapevolezza che la famiglia è tutto, anche nell’oscurità, anche quando si trova dall’altra parte della legge.

Il film The Help (qui la recensione) è basato su una storia vera? Uscito nelle sale nell’autunno del 2011, il lungometraggiio è stato adattato per il grande schermo dal romanzo best seller omonimo scritto da Kathryn Stockett. Dopo il successo del libro pubblicato nel 2009, The Help è infatti stato rapidamente trasformato in un film diretto da Tate Taylor con un cast corale che include Viola Davis, Octavia Spencer, Emma Stone, Bryce Dallas Howard e Jessica Chastain. La trama principale di The Help si concentra su un trio di personaggi principali nella Jackson degli anni ’60, nel Mississippi.

Davis e Spencer interpretano Aibileen Clark e Minny Jackson, due domestiche di colore che lavorano per famiglie bianche, mentre Stone interpreta Eugenia “Skeeter” Phelan, una giovane aspirante scrittrice. Dopo che Skeeter torna nella sua città natale, Jackson, si interessa a raccontare le storie delle “domestiche” per mostrare agli altri bianchi com’è la loro esperienza. Il film è stato un grande successo, incassando oltre 200 milioni di dollari in tutto il mondo e ottenendo quattro nomination agli Oscar, con Spencer che ha vinto quello come migliore attrice non protagonista.

Il film ha poi goduto di rinnovata popolarità nel contesto delle proteste del movimento Black Lives Matter, e molti potrebbero chiedersi se la storia raccontata sia basata sulla vita reale. Tuttavia, non è facile rispondere a questa domanda. Di base, come nel romanzo di Stockett, la storia nel suo complesso è di fantasia. The Help non è ispirato alla storia vera di una scrittrice degli anni ’60 che pubblica un libro contenente diverse storie di vita di domestiche di colore. Sebbene la narrazione sia fittizia, un personaggio del libro – e, di conseguenza, del film – è però ispirato a una persona reale.

La storia vera dietro il film The Help

La Stockett ha in più occasioni affermato che The Help è una storia di fantasia, ma nel 2011, alcuni mesi prima dell’uscita del film, è stata citata in giudizio da una domestica di colore di nome Ablene Cooper, la quale sosteneva che la sua vita fosse stata fonte d’ispirazione per la storia di Aibileen Clark. Ablene era stata domestica del fratello della Stockett e aveva fatto da babysitter a sua figlia una volta. Ha citato in giudizio la Stockett per appropriazione indebita del suo nome e della sua immagine. Oltre ad avere un nome simile, la storia di Aibileen rispecchia quella di Ablene, poiché suo figlio morì poco prima della nascita del primo figlio di Stockett.

Parlando al Daily Mail al momento della causa, Cooper ha dichiarato: “Kathryn ha scritto male il mio nome, ma nel libro e nel film lo pronunciano esattamente allo stesso modo. Quando ho incontrato Kathryn per la prima volta a casa di suo fratello, mi sono presentata così: ‘Aib-e-leen’. Kathryn fa insegnare ad Aibileen alla bambina dei bianchi a chiamarla ‘Aib-ee’. È così che ho insegnato ai nipoti di Kathryn a chiamarmi, perché non riuscivano a pronunciare Abilene“. Una questione più importante per Cooper, tuttavia, era il fatto che Aibileen in The Help soffre di una tragica perdita che sembrava presa dalla vita stessa di Cooper.

“Ho pianto e pianto dopo aver letto le prime pagine. Nel libro, Aibileen ha accettato il lavoro cinque mesi dopo che suo figlio è morto in un incidente. Mio figlio Willie aveva la leucemia ed è morto a 18 anni, nel luglio 1998, tre mesi prima che iniziassi a lavorare per gli Stockett. Ho rivissuto tutte le emozioni che avevo provato allora. Kathryn ha copiato parti della mia vita e le ha usate senza nemmeno chiedermelo“. Nonostante le affermazioni sulle somiglianze tra la vita di Ablene Cooper e la storia di Aibileen Clark, il tentativo di Ablene di citare in giudizio la Stockett non ha avuto successo.

Ha citato in giudizio la Stockett per 75.000 dollari, ma il caso è stato archiviato alla fine del 2011 in base a un termine di prescrizione di un anno. Ciò è avvenuto perché Ablene era in possesso del libro The Help da più di un anno prima che fosse intentata la causa contro la Stockett. Finora non ci sono prove legali che la storia di Aibileen nel romanzo e nel film sia basata sulla vita reale di questa donna, ma le somiglianze sono effettivamente difficili da ignorare, anche se la trama generale del libro e del film sono opere di finzione.

L’accuratezza del contesto storico di The Help

Il contesto storico descritto in The Help – ambientato nella Jackson, Mississippi, degli anni ’60 – ripropone dunque quel periodo di segregazione razziale e tensioni per i diritti civili. Il film racconta con una certa accuratezza l’atmosfera sociale dell’epoca, mostrando le rigide divisioni tra bianchi e neri, sia nei luoghi pubblici che nelle case private. Le domestiche afroamericane, pur lavorando intimamente all’interno delle famiglie bianche, sono trattate con freddezza, diffidenza e inferiorità, una realtà che riflette fedelmente il razzismo sistemico del Sud degli Stati Uniti in quegli anni. Il film fa anche riferimento a eventi storici reali, come l’assassinio di Medgar Evers, attivista dei diritti civili, avvenuto proprio a Jackson nel 1963.

Tuttavia, sebbene il contesto storico sia rappresentato con cura nei suoi tratti generali, alcune critiche hanno sottolineato come il film tenda a semplificare la complessità delle dinamiche razziali. Alcuni studiosi e attivisti hanno notato che The Help racconta la storia principalmente attraverso la lente bianca di Skeeter, minimizzando la profondità dell’esperienza nera. Inoltre, alcuni aspetti della vita delle domestiche sono romanzati o addolciti, rendendo più digeribile per il pubblico una realtà che, nella vita vera, fu molto più brutale. Nonostante ciò, il film resta un’introduzione efficace e accessibile a un momento cruciale della storia americana.

Nel 2010 Johnny Depp e Angelina Jolie erano all’apice della loro carriera. Stavano girando alcuni dei film più importanti di Hollywood e la loro fama andava ben oltre il loro lavoro sullo schermo. Erano delle vere celebrità, con persone che seguivano ogni loro mossa. Con chi uscivano o chi sposavano, dove andavano in vacanza, con chi parlavano per i loro prossimi progetti e così via. Quindi, non è stata una sorpresa quando la Sony Pictures li ha presi entrambi e li ha messi insieme in un film. Il veicolo per tale unione di star del cinema era una sceneggiatura del regista tedesco Florian Henckel von Donnersmarck, intitolata The Tourist (qui la recensione)

Il film, girato a Venezia e avvalsosi della partecipazione di diversi attori italiani, ha avuto un buon successo al botteghino, ma per quanto riguarda la critica e il pubblico, il film non ha avuto il successo che lo studio aveva previsto. Tuttavia, il film non era pensato per essere un’opera d’arte. Il film era solo l’occasione per vedere recitare insieme i due noti attori e ha fatto il suo lavoro essendo semplicemente un intrattenimento divertente e spensierato, grazie a una storia con molti colpi di scena e attori carismatici sullo schermo. In particolare, il finale ha piuttosto spiazzato gli spettatori e in questo approfondimento andiamo a fornire una sua spiegazione.

Il riepilogo della trama di The Tourist

Una cosa davvero interessante di The Tourist è che il film non si prende mai troppo sul serio. Quindi la maggior parte dei colpi di scena hanno un tono umoristico. All’inizio del film, ci viene presentata Elise, interpretata da Angelina Jolie. Elise è la classica femme fatale, estremamente bella ma inaffidabile. Elise si trova a Parigi e, a sua insaputa, è seguita dalla polizia, per la precisione da Scotland Yard. Elise è infatti la fidanzata di un criminale scomparso, e la polizia la sta seguendo, aspettandosi che il criminale la contatti. L’uomo in questione si chiama Alexander Pearce, una specie di truffatore.

Egli è inseguito perché deve più di 700 milioni di sterline al governo in tasse. Per sfuggire a questo debito, si dice che Pearce abbia fatto ricorso alla chirurgia plastica così da nascondere la sua identità. Da quando ha iniziato a circolare questa voce nessuno l’ha visto e, se davvero si è sottoposto a un intervento di chirurgia plastica, nessuno sa che aspetto abbia. Pearce è però anche seguito da un gangster di nome Shaw, al quale ha rubato più di 2 miliardi di sterline. Tutti vogliono dunque mettere le mani su di lui e per farlo seguono Elise nella speranza che si faccia vivo.

Mentre è a Parigi, Elise riceve effettivamente un messaggio da Pearce. Il messaggio è una serie di istruzioni che le dicono di prendere un treno e andare a Venezia, in Italia. Durante il viaggio, deve anche prendere un uomo e farlo sembrare Pearce, al fine di distrarre la polizia e Shaw. Elise sale sul treno e prende con sé un uomo di nome Frank (interpretato da Johnny Depp). Questi è solo un insegnante di matematica in vacanza in Europa, ma quando la bella Elise gli chiede di accompagnarla, lui non può rifiutare l’invito.

Arrivanocosì  a Venezia ed Elise fa il check-in all’hotel indicato nelle istruzioni. Lì riceve nuove istruzioni da Shaw: deve partecipare a una festa. Elise è chiaramente attratta da Frank, e lui è ovviamente attratto da lei, ma non possono stare insieme, perché Elise ha occhi solo per Pearce e vuole riunirsi a lui. Decide così di abbandonare Frank, che viene a quel punto inseguito dagli uomini di Shaw, i quali lo credono Pearce, ma fortunatamente riesce a sfuggire alla loro caccia.

La spiegazione del finale di The Tourist

Elise e Frank si incontrano poi di nuovo e questa volta iniziano a passare del tempo insieme, facendo nascere una relazione romantica. Vengono quindi inseguiti dalla polizia e dagli uomini di Shaw attraverso i canali, ma riescono sempre a fuggire. Elise non vuole che accada nulla di male a Frank, quindi lo lascia all’aeroporto e gli dice di tornare a casa. Più tardi, al ballo, Elise riceve però un altro messaggio da Pearce che la indirizza verso una vecchia casa. Lei ci va, anche se sa di essere seguita dalla polizia.

Quando Elise entra, viene presa in ostaggio da Shaw. Lui minaccia di ucciderla se lei non gli dà i soldi che Pearce gli ha rubato. All’interno della casa c’è infatti una cassaforte e lui ha bisogno della password. Nel frattempo, Frank ha deciso di non ripartire e di seguire Elise, perché si è davvero innamorato di lei. Quando arriva a sua volta alla casa, viene anche lui catturato da Shaw. A quel punto, Frank fa una rivelazione scioccante: afferma che in realtà è lui Pearce e giura di dare a Shaw i soldi se lui lascerà andare Elise.

Mentre Frank si avvicina quindi alla cassaforte, sembra che tutto fosse solo un bluff e che in realtà non conosca la password, che si sia finto Pearce solo per cercare di calmare il criminale. Tuttavia, poiché la polizia li stava seguendo, fuori dalla casa ci sono dei cecchini pronti a sparare. Il capo della polizia dà a quel punto l’ordine e i cecchini sparano, uccidendo Shaw e tutti i suoi uomini. Elise e Frank vengono così salvati. Nelle vicinanze, intanto, gli agenti individuano e catturano il presunto Pearce, che si rivela invece essere un turista inglese pagato da Alexander solo per spostarsi seguendo determinate indicazioni e consegnando, di volta in volta, dei messaggi a Elise.

Nel frattempo Frank apre a questo punto davanti a Elise la cassaforte, rivelandosi proprio lui il vero Pearce, che per tutto quel tempo le è quindi stato accanto. I due fuggono con il contenuto, lasciando all’ispettore capo Jones un assegno per la somma dovuta da Pearce al governo inglese: 744 milioni di sterline. Ciò comporta la fine della caccia all’uomo poiché l’unico reato rimasto da espiare sarebbe quello di aver rubato dei soldi a un gangster ormai morto. L’ispettore Acheson, amareggiato dal suo fallimento, vede quindi Elise e Frank allontanarsi romanticamente in laguna e salpare insieme verso il tramonto.

Cosa ci lascia il film The Tourist?

The Tourist è dunque un film che, pur non avendo ambizioni di profondità tematica, finisce comunque per suggerire qualcosa sul concetto di identità e sulla possibilità di reinventarsi. Dietro l’apparenza leggera di una commedia romantica travestita da thriller internazionale, si cela infatti una riflessione sul desiderio di evasione dalle etichette sociali. Frank non è solo un insegnante impacciato e gentile: è anche un uomo che ha scelto di scomparire per sfuggire a un passato scomodo e costruirsi una nuova vita, fino a quando non è pronto a rivelare chi è davvero. Il film ci dice che, a volte, serve perdersi – anche fisicamente, in una città come Venezia – per ritrovarsi, e che cambiare volto può diventare un modo per trovare il coraggio di vivere secondo ciò che si è davvero.

Ma The Tourist lascia anche un messaggio più sottile e romantico: quello dell’amore come forza trasformatrice e come spinta a rimettere in gioco sé stessi. Elise è inizialmente una donna sospesa tra fedeltà e nostalgia, ma grazie alla relazione con Frank (che è anche Alexander, cioè l’uomo che ama), riesce a liberarsi da una storia tenuta in vita solo dal mistero. Il film ci mostra che l’amore, quando è sincero, può sopravvivere anche a travestimenti, bugie e fughe, e che a volte vale la pena rischiare tutto per ricominciare, magari su una barca in laguna, finalmente liberi.

Sia che si tratti di Chucky, Annabelle o M3GAN, le bambole sono figure piuttosto significative nei film horror. Anche Separation le utilizza, con l’obiettivo però di rappresentare la separazione tra una bambina e sua madre. Quando la prima non riesce ad affrontare l’assenza del genitore e il padre non riesce ad essere sempre presente, lei si rivolge alle sue bambole in cerca di conforto. Ma sembra che la sua nuova amicizia con le bambole sia troppo stretta per essere rassicurante, poiché non sembrano interessate all’amicizia, ma a qualcos’altro del tutto. Di cosa si tratta? Scopriamolo in questo approfondimento sul finale del film.

La trama di Separation

Sono passati 3 anni dall’ultima pubblicazione dei fumetti Grisly Kin di Jeff. Attualmente è disoccupato e sta affrontando un divorzio con sua moglie Maggie. La donna, che ha un lavoro ben retribuito, ha deciso di trasferirsi in un’altra città con la loro figlia Jenny. Purtroppo, prima che possa spostarsi muore in un incidente d’auto. In seguito, il padre di Maggie cerca di fare comunque ciò che lei voleva per Jenny, ovvero portarla via da Jeff. Lui però prova a lavorare presso la casa editrice di fumetti di un vecchio amico e non è disposto a lasciare che sua figlia venga portata via. Assume anche una tata, Samantha, per Jenny.

In mezzo a tutto questo caos, Jenny si rifugia dunque nelle sue bambole, che sono i personaggi dei fumetti Grisly Kin del padre. Parla con loro e condivide con loro i suoi sentimenti. Pian piano, inizia a vederne versioni più grandi, così come accade anche a Jeff. Quando lui le chiede di loro, lei gli dice che è la sua mamma. Anche se Jeff fatica a crederle, le entità si avvicinano sempre di più a Jenny. Cosa sono veramente queste entità? È Maggie o qualcos’altro che cerca di portare via Jenny da Jeff? Cosa l’ha attirata lì in primo luogo? È il risultato della separazione di Jenny da sua madre?

Le Bambole

Il concetto di “condotto” ha attirato molta attenzione dal rilascio di L’evocazione – The Conjuring. Gli spiriti demoniaci usano le bambole come mezzo per avvicinarsi ai loro ospiti così da poterli possedere. Ma per farlo, hanno bisogno di un ospite psicologicamente vulnerabile, che in questo caso è Jenny. Secondo lei, è sua madre che è tornata a prenderla, ma secondo un collega di Jeff, si tratta di uno spirito bloccato nella bambola. Ad esempio, se l’ultima cosa che Maggie voleva da viva era portare via Jenny, la sua anima cercherebbe di fare la stessa cosa.

Ha senso pensare che lo spirito di Maggie sia “bloccato” e voglia portare via Jenny, anche se non sappiamo se intenda portarla via fisicamente o ucciderla e poi portarne l’anima nell’altro piano dell’esistenza. Maggie potrebbe usare le bambole perché è l’unico modo per raggiungere sua figlia senza spaventarla (anche se non funziona molto bene). D’altra parte, è anche possibile che uno spirito disumano abbia trovato una crepa nell’anima di Jenny causata dalla separazione dalla madre e stia cercando di possederla.

Questo giustificherebbe la bambola che cerca di tirare Jenny giù dalla balaustra verso la fine del film. La cosa l’avrebbe uccisa e il demone avrebbe avuto la sua anima. Ma Jenny riesce a risalire e a rientrare. Tuttavia, Jenny continua a credere che sia sua madre e la chiama “mamma”. Non è chiaro perché lo spirito reagisca a essere chiamato “mamma” (considerando che non c’è certezza che sia davvero la madre di Jenny). Forse ha bisogno che l’ospite si arrenda e non può costringerlo a fare ciò che vuole. Per questo, l’anima usa le bambole come condotto.

La spiegazione del finale di Separation

Anche se può sembrare logico pensare che lo spirito volesse portare via Jenny, il finale dimostra che non si tratta di uno spirito demoniaco ma è effettivamente quello di Maggie. Verso la fine del film, si scopre che è stata la tata Samantha a investire Maggie, solo per poter stare con Jeff. Anche se questo elemento non ha molta rilevanza per la trama, spiega perché, dopo la reazione allergica di Jenny, Samantha venga colpita alla testa da un lampadario. Lo spirito di Maggie sapeva che Samantha stava cercando di uccidere Jenny per avere Jeff tutto per sé (Samantha ammette persino a Jeff di voler mandare Jenny da sua madre, cioè ucciderla).

Lo spirito cercò anche di ucciderla, o almeno spaventarla, mentre dormiva, così da farla andare via. Ma lei non se ne andò. Samantha venne però infine uccisa dallo spirito. Poi, mentre Jeff e l’incarnazione della bambola, ovvero lo spirito di Maggie, si fissano negli occhi, Jeff le dice che non può portare via Jenny. Jenny interviene, dicendo che non vuole più che si litighi, che vuole solo la sua mamma e il suo papà. Negli ultimi istanti del film, lo spirito salva allora Jenny e Jeff da una caduta mortale. Forse lo spirito di Maggie ha capito che non può portare via Jenny con la forza e che l’unica persona che può prendersi cura di lei era Jeff.

Con questa nuova consapevolezza, lo spirito trova pace e – apparentemente – se ne va. C’è però una scena nei titoli di coda che mostra una delle bambole avvicinarsi a Jenny mentre dorme. Potrebbe essere Maggie, tornata solo per controllare sua figlia, nonostante ciò appaia inquietante. Oppure, potrebbe essere che, sebbene lo spirito di Maggie se ne sia andato, un altro spirito demoniaco abbia trovato il modo di entrare nel piano terrestre e cercherà di possedere la bambina attraverso le sue bambole.

Separation è dunque una rappresentazione di come una madre cerchi di raggiungere sua figlia, anche dopo la morte. Il film non parla tanto della bambina e di suo padre, quanto piuttosto del legame tra lei e sua madre. Possiamo interpretarlo come vogliamo, ma dobbiamo ammettere che è stato l’amore a riportare Maggie da Jenny, perché voleva essere certa che fosse al sicuro. Per quanto surreale possa sembrare, possiamo dire che l’amore è qualcosa che possiamo solo sentire ma mai comprendere davvero, un po’ come gli spiriti. E forse è una cosa positiva.

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