Basato sul libro “The Two Hemispheres of Lucca” di Barbara Anderson, Due Emisferi è un potente dramma messicano che fa un ottimo lavoro nell’adattare il materiale originale, offrendo uno sguardo risoluto sulla crescita di un bambino con paralisi cerebrale, insieme alla lotta dei genitori del protagonista, Lucca, alla ricerca di una potenziale cura per aiutare ad alleviare la sua condizione.

Questa ricerca è il fulcro della narrazione di Due Emisferi, con Barbara che parte con la sua famiglia in India, dove una nuova procedura sperimentale pionieristica potrebbe vedere Lucca iniziare a formare più connessioni cerebrali rispetto a prima. Questo, a sua volta, gli consentirebbe di evolversi oltre il suo stato attuale, rendendolo in grado di formare parole, mangiare, bere e persino ridere. Tutti questi passaggi della vita che i bambini compiono organicamente hanno molto più peso e significato nel film.

Lucca inizia a regredire?

Dopo che Barbara viene licenziata dal suo lavoro, quella notte Lucca finisce per avere una crisi. Questa volta dura solo 25 secondi, ma è un avvertimento per ciò che potrebbe accadere se i suoi trattamenti venissero interrotti. Le sue crisi sono diminuite del 70% da quando si è sottoposto ai trattamenti in India, ma significa anche che se continuano, potrebbero vanificare tutto il lavoro svolto finora con la sperimentazione Cytotron.

Andres convince Barbara a lasciare che Lucca sbocci e sia se stesso. Vuole che si arrenda e permetta a Lucca di avere ciò che è meglio per lui. È ovviamente difficile per Barbara farlo, dato che ha trascorso così tanto tempo a cercare di dargli la migliore vita possibile. Barbara si è sempre incolpata per non aver spinto di più durante il travaglio, e quindi sta quasi cercando di riempire quel senso di colpa nella sua vita con queste cure.

Perché Barbara si sente così in colpa?

Barbara aveva un lavoro molto difficile, che l’ha portata ad avere un arresto respiratorio. È stata salvata per miracolo e i dottori dell’epoca hanno tirato fuori suo figlio e hanno fatto del loro meglio per lui. Avrebbero potuto morire entrambi in quel momento, ma grazie a una sorta di miracolo o intervento divino, sono sopravvissuti entrambi. Dato che questo è uno dei motivi principali per cui Barbara è rimasta indietro, sentirlo è sufficiente a farle apprezzare di nuovo la vita.

In seguito Barbara telefona a John, uno degli uomini che ha preso parte ai processi di Kumar, e scopre che i piani per la clinica di Baltimora erano tutti una bugia. Jaramillo è un completo imbroglione e non aveva alcuna intenzione di aprire una clinica. In realtà ha pagato per un’e-mail con il dominio di John Hopkins per aiutare a vendere la bugia, ma nessuno oltre a lui lo conosce.

Barbara fa ulteriori ricerche e scopre che Jaramillo ha truffato numerose persone in passato, tra cui John e persino il dottor Kumar, cercando di prendersi il merito di essere l’inventore del Cytotron quando in realtà, questo è ovviamente completamente falso.

Cosa fa Barbara al riguardo?

Barbara è una donna posseduta, determinata a far cadere l’uomo. Jaramillo sa chiaramente come muoversi nel sistema legale e Barbara gli invia un’e-mail con le sue scoperte. Questo fa gesto fa da traino e con l’aiuto del Segretario della Salute, organizza un incontro per discutere delle sperimentazioni del Cytotron.

Barbara si presenta con Lucca ma ci sono brutte notizie. Si scopre che vogliono solo approvare l’uso della macchina per scopi oncologici. Non ne consentono l’uso a scopi neurologici e decidono invece di concentrarsi sui trattamenti contro il cancro. “Per il bene della maggioranza piuttosto che dei singoli casi”.

Quindi, sebbene questa sia una piccola vittoria, ovviamente non lo è per Barbara… finché non riceve una chiamata dal dottor Kumar, che le dice che è sempre la benvenuta e che il costo del Cytotron per lei in India è pari a zero. Ha fatto molto per aiutare e di conseguenza, dopotutto, c’è una cura per lei e Lucca. Barbara aveva deciso prima di questo di godersi il processo di crescita di Lucca e ottiene la sua ricompensa proprio alla fine, quando Lucca pronuncia il suo nome “Mamma”.

In che modo si conclude Due Emisferi?

Mentre scorrono i titoli di coda, apprendiamo che Lucca e la sua famiglia hanno fatto altri 3 viaggi in India e attualmente Lucca sta finendo la scuola elementare ed è nella stessa classe di suo fratello Bruno. Lucca non soffre di epilessia da 5 anni e ha anche iniziato a camminare e parlare.

Ad agosto 2021, Barbara, Andres e gli investitori hanno acquistato 2 macchine Cycotron e hanno aperto la prima clinica fuori dall’India. Quindi alla fine, Lucca riesce a ottenere il suo trattamento e i sacrifici fatti dalla famiglia si concretizzano nel miglior modo possibile, infondendo speranza anche a molti altri.

Due Emisferi è disponibile su Netflix.

Il film horror britannico del 2017 The Lodgers – Non infrangere le regole (qui la nostra recensione), diretto da Brian O’Malley (regista anche delle serie Alex Rider e The Cuckoo), propone una vicenda apparentemente già vista in altri film, ma che prende tuttavia risvolti inaspettati mano mano che la narrazione procede. L’idea per questa storia è nata quando lo sceneggiatore David Turpin immaginò che i fantasmi si impadronissero della sua casa di notte, una volta che lui era andato a letto. Partendo da qui, ha dunque costruito un racconto che si muove a partire dal concetto di casa infestata per aprirsi però poi a scenari insoliti.

La trama di base presenta ad esempio molte somiglianze con “La caduta della casa degli Usher” di Edgar Allen Poe (opera recentemente portata su Netflix con un’omonima miniserie), ad esempio: tre personaggi principali, una sorella e un fratello, e un giovane uomo; la casa remota e fatiscente simile a un maniero, le relazioni incestuose (che si estendono per generazioni), l’aspetto malato dei fratelli, i suggerimenti di una “maledizione” senza nome e la vita dei fratelli legata alla casa. Tutti elementi che compongono il film rendendolo piuttosto intrigante, insieme anche al fatto che le riprese si sono svolte in una delle case più infestate d’Irlanda: Loftus Hall.

La trama di The Lodgers – Non infrangere le regole

Negli anni finali della Grande Guerra, in una decadente magione immersa nella campagna irlandese, vivono isolati Edward e Rachel, due gemelli appena maggiorenni. La loro esistenza è regolata da severe norme imposte dai genitori: non accogliere estranei, non rimanere svegli oltre la mezzanotte, e restare sempre uniti. Queste regole sono sorvegliate da presenze sovrannaturali che, durante il giorno, si celano sotto le assi del pavimento, emergendo di notte per prendere possesso della casa. Edward, intimorito, rispetta le restrizioni, mentre Rachel, desiderosa di libertà, sente il peso di quella vita oppressiva.

La spiegazione del finale del film

Durante una visita in paese, Rachel incontra Sean, un veterano di guerra con una gamba amputata. Tra loro nasce un’intesa e, poco dopo, il ragazzo la raggiunge presso il lago che circonda la villa. Rachel gli confida allora il macabro destino della sua famiglia: i genitori si sono suicidati nelle acque del lago, come già accaduto alle generazioni precedenti. Convinta di essere condannata allo stesso fato, bacia Sean e pensa di concedersi a lui, ma poi si ritrae incerta. Nel frattempo, Edward deve affrontare l’avvocato Birmingham, incaricato della gestione della proprietà: la villa è sommersa dai debiti e l’unica soluzione è venderla. Spaventato dall’idea di infrangere le regole, Edward uccide l’avvocato e offre il suo corpo agli spiriti.

Nel frattempo, Sean viene aggredito da alcuni nazionalisti irlandesi, che lo accusano di tradimento. Ricoverato, riceve la visita di Rachel, ma la madre di lui, ex domestica della villa, la respinge con ostilità. La ragazza allora rivela alla sorella di Sean il terribile segreto della sua famiglia: generazioni di gemelli incestuosi hanno maledetto per sempre la casa. Tornata alla villa, Rachel scopre dell’omicidio di Birmingham e, furiosa, confessa a Edward di essersi concessa a Sean. Lui, furibondo, la trascina sul letto per possederla con la forza, ma si ferma quando capisce che è ancora vergine. Proprio in quel momento, Sean arriva alla porta e tra i due inizia una violenta colluttazione.

Rachel, bloccata nella sua stanza dagli spiriti, vede a quel punto l’acqua iniziare a filtrare dal pavimento. Durante la lotta, Edward si trafigge accidentalmente con il coltello di Sean, ma riesce comunque a ferire quest’ultimo alla mano. In fin di vita, Edward raggiunge la stanza di Rachel e crolla sul letto. Lei fugge da Sean, ma entrambi si trovano intrappolati dall’acqua che inonda la villa sfidando la gravità. Rachel capisce che l’unica via di fuga è sottomettersi al destino e si immerge. Sean si tuffa per salvarla e i due si ritrovano nel lago, ma prima che possano baciarsi, lui viene trascinato negli abissi dagli spiriti.

Rachel, mentre urla silenziosamente, viene quindi accerchiata dalle entità, che cercano di afferrarla. Con un ultimo sforzo, riesce a risalire e a emergere dall’acqua. Tornata alla villa, trova Edward agonizzante, che le chiede se ora potranno restare insieme. Rachel risponde semplicemente che i genitori torneranno presto da lui, poi si allontana lungo la strada principale, avvolta in una lunga tunica blu, seguita da un corvo nero, identico all’uccello immaginario che Edward accudiva. Di fatto, lascia suo fratello a morire e si lascia tutto alle spalle, pronta a ricominciare altrove.

Questo atto rappresenta il suo definitivo rifiuto delle regole imposte dalla famiglia e dagli spiriti che governano la casa. La sua fuga simboleggia la rottura con il ciclo maledetto di incesto e autodistruzione che ha tormentato le generazioni precedenti. Fondamentale è poi il ruolo dell’acqua, simbolo di purificazione: dall’acqua Rachel riemerge e rinasce, segnando così la sua liberazione. L’elemento del corvo che la segue, infine, sottolinea un continuo legame con il passato. Si lascia dunque intendere che il proprio vissuto non può essere completamente cancellato, ma si può scegliere di non esserne schiavi.

Rachel è dunque un personaggio che con le sue azioni dimostra che il libero arbitrio esiste e che solo lei può spezzare la catena che la rende prigioniera. Edward, invece, rimane nella casa, ormai condannato. Il suo desiderio di restare con Rachel dimostra quanto sia ancora intrappolato nel retaggio familiare, incapace di immaginare un’esistenza al di fuori di esso. La promessa di Rachel che “i genitori torneranno” può infine essere letta in due modi: come una bugia per confortarlo o come un’amara constatazione del fatto che lui continuerà a essere vittima della maledizione.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di The Lodgers – Non infrangere le regole grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Tim Vision, Infinity+ e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 31 gennaio alle ore 21:15 sul canale Italia 2.

Tornare a vincere (qui la nostra recensione) di Gavin O’Connor potraà non essere direttamente basato su una storia vera, ma presenta abbastanza parallelismi con la realtà e con altri film sportivi da far pensare che lo sia. Il film vede Ben Affleck nei panni di Jack Cunningham, un’ex stella del basket liceale che da allora ha passato momenti difficili con il crollo del suo matrimonio in seguito alla morte del figlio. Mentre la depressione dovuta ai tragici eventi della sua vita lo spinge all’alcolismo, Jack inizia a riprendersi dopo essere stato reclutato per allenare la squadra di basket del suo vecchio liceo, che si trova in difficoltà.

Il film ha ricevuto un’accoglienza molto positiva, con molti elogi per l’interpretazione di Affleck. Il film stesso segna un importante ritorno per Affleck dopo la sua battaglia pubblica contro l’alcolismo. Anche l’ex moglie di Affleck, Jennifer Garner, avrebbe avuto un ruolo fondamentale nel mantenere in vita il film durante il suo recupero. Tornare a vincere ha dunque tutto l’aspetto di un film che avrebbe potuto avere una didascalia “Basato su una storia vera” durante i titoli di testa. Tuttavia, il film ha un chiaro fondamento nella realtà grazie ai suoi parallelismi con le vicende persoanli di Affleck contro l’alcolismo e la sua risalita verso il successo.

GUARDA ANCHE: Tornare a vincere: intervista a Ben Affleck

Tornare a vincere non è basato su una storia vera

A prima vista, Tornare a vincere ha una sorprendente somiglianza con ciò che molti spettatori si aspetterebbero di vedere da un film basato su eventi reali. Il film viene presentato come un edificante dramma sportivo di un allenatore sfortunato che diventa un modello per un gruppo di atleti adolescenti, dando loro la giusta spinta per rimettere in forma la loro squadra in crisi. Si tratta di una premessa comune a molti drammi e commedie sportive, come Il sapore della vittoria, Glory Road e Cool Runnings.

Nonostante queste somiglianze superficiali, che potrebbero indurre alcuni spettatori a credere che Tornare a vincere sia una trasposizione sul grande schermo di eventi reali, non è così, almeno non in senso letterale. Tuttavia, come anticipato, il film presenta comunque delle somiglianze con le battaglie personali del suo protagonista, ed è qui che il nucleo della storia prende davvero forma. Sebbene il film condivida somiglianze riconoscibili con altri film sportivi ispirati a eventi reali, Tornare a vincere racconta una storia completamente propria, che risuona fortemente con la realtà.

Tornare a vincere si ispira alla vita privata di Ben Affleck

Il punto in cui Tornare a vincere si avvicina maggiormente alla vita reale è l’alcolismo di Jack, che rispecchia la medesima battaglia combattuta da Ben Affleck negli ultimi anni. Il tour promozionale del film ha visto lo stesso Affleck essere molto aperto a questo proposito, descrivendo l’impatto che l’alcolismo ha avuto sia sulla sua carriera che sulla sua vita personale. Affleck si è anche notevolmente ripreso in vista di Tornare a vincere, condividendo persino la commovente storia del compleanno di suo figlio in un’intervista. Tuttavia, il film stesso si discosta notevolmente dalla formula tipica della maggior parte dei drammi sportivi che molti spettatori probabilmente si aspettano di vedere, e si tuffa a capofitto in Jack che tocca il fondo.

Se da un lato si mostra Jack visibilmente migliorato mentre allena la squadra, dall’altro non indora gli effetti che l’alcolismo ha avuto sulla sua vita: Jack rimane in lutto per la perdita del figlio e continua a bere anche quando la squadra comincia ad avere successo in campo. Laddove in altri drammi sportivi Jack avrebbe smesso di bere a freddo, Tornare a vincere è molto più aperto sulla realtà dei danni che le abbuffate di alcol di Jack continuano ad avere sulla sua vita e, infine, sulla sua capacità di allenare la squadra. In questo senso, il film presenta un’analogia molto schietta delle recenti battaglie di Affleck, esplorando al contempo gli effetti dell’alcolismo in senso lato in modo sorprendentemente realistico.

Come l’ispirazione emotiva di The Way Back ha contribuito al film

Sebbene Tornare a vincere non abbia una base reale, è una storia vera in un senso più esoterico del termine. Per prima cosa, il film è una storia notevolmente più cupa rispetto alla maggior parte dei drammi sportivi, e anche rispetto al lavoro passato di Gavin O’Connor in film come Miracle e Warrior. Per molti versi, Tornare a vincere non si preoccupa tanto di essere un film sulla pallacanestro quanto di essere parte di un esame più ampio della battaglia di Jack contro l’alcolismo, ed è qui che si trova il vero impatto emotivo del film. Oltre alla sua onestà senza compromessi nei confronti dei danni inflitti dall’alcolismo, riesce a essere una “storia vera” in un altro senso, più concettuale.

Tornare a vincere è estremamente diretto nel descrivere i danni che Jack sta infliggendo alla sua vita con l’alcolismo e l’impatto che questo ha sulla sua capacità di allenare la squadra. Mentre altri film sportivi vedono l’allenatore al fianco della sua squadra fino all’ultima partita, questo riconosce senza mezzi termini il punto in cui Jack non può più svolgere efficacemente il suo ruolo di allenatore. A questo proposito, è quindi onesto fino al midollo nel non far tornare Jack a bordo campo giusto in tempo per far vincere il campionato alla squadra, ma nell’estrometterlo del tutto dalla partita quando è chiaro che il suo stesso benessere è a rischio. In definitiva, Tornare a vincere non è un film sulla vittoria in campo, ma sul superamento del tributo emotivo che la perdita e la dipendenza possono comportare.

Quella di The Transporter è una delle trilogie d’azione più note e apprezzate degli ultimi anni, interamente basata sulle capacità e la presenza dell’attore protagonista Jason Statham. Dopo la sua conclusione, nel 2008, questa si è trasformata in vera e propria saga, dapprima con una sfortunata serie televisiva, e in seguito con un nuovo film. Questo è The Transporter Legacy (qui la recensione), arrivato in sala nel 2015 per la regia di Camille Delamarre, fino a quel momento noto come montatore di Colombiana e Taken 2. A garantire la fedeltà alla trilogia originale vi è naturalmente il regista Luc Besson, nuovamente impegnato in qualità di produttore e sceneggiatore.

Contrariamente a quanto ci si aspettava quando il progetto venne annunciato, questo non ha raccontato le origini del personaggio e di come abbia iniziato a svolgere il suo delicato mestiere. Il film, invece, si configura a tutti gli effetti come un reboot, il quale ignora gli eventi della trilogia come se non fossero mai accaduti. Girato anch’esso in Francia, nella città di Parigi, The Transporter Legacy è stato prodotto con un budget di circa 22 milioni di euro. Pur ricevendo un accoglienza critica non propriamente positiva, il film si è invece affermato come i suoi predecessori come un buon successo economico.

Al box office è infatti arrivato a guadagnare 72 milioni di euro a livello globale, lasciando aperta la possibilità di futuri sequel legati a questa nuova ripartenza della saga. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama e al cast di attori. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di The Transporter Legacy

Il protagonista è ancora una volta Frank Martin, ex mercenario delle forze speciali e ora abile autista esperto in consegne particolarmente rischiose. Conosciuto come “Il Trasportatore”, egli si occupa di consegnare qualunque pacco gli venga assegnato, senza porsi alcuna domanda sul contenuto, chiedendo in cambio solo generose ricompense. Questo suo lavoro non è ovviamente esente dai pericoli, ma anzi lo porta spesso a dover affrontare missioni particolarmente rischiose. Una di queste gli si presenta nel momento in cui viene contattato da Anna, che gli affida l’incarico di condurla verso una segreta missione.

Guidando tra le strade del Principato di Monaco, Frank cerca inizialmente di seguire la propria politica del non fare domande. La sua disponibilità lo porterà però a trovarsi coinvolto in un’operazione ben più complessa di quello che avrebbe mai immaginato. La donna a bordo della sua auto, infatti, intende uccidere il boss della mafia russa Arkady Karasov, noto per i suoi traffici di esseri umani. Questi ha segnato in modo indelebile l’infanzia di Anna, e dovrà ora pagare per quanto fatto. Frank non avrà altra scelta che aiutarla a compiere ciò che deve, trovandosi minacciato in modi più subdoli del previsto.

Il cast del film

Il personaggio dell’autista Frank Martin è strettamente legato al volto di Statham, che lo ha interpretato nei tre precedenti film. Originariamente, l’attore avrebbe dovuto riprendere la parte anche in questo nuovo capitolo, ma a causa di disaccordi con la produzione egli preferì tirarsi fuori dal progetto. A sostituirlo è allora stato chiamato l’attore Ed Skrein, il quale ha raggiunto una prima notorietà interpretando il personaggio di Daario Naharis nella terza stagione di Il Trono di Spade. Per recitare in The Transporter Legacy, l’attore ha poi rinunciato proprio a tale ruolo, venendo sostituito a partire dalla stagione successiva. Per assumere i panni di Frank Martin, si è però dovuto esercitare nel Krav Maga e nelle arti marziali filippine.

Ad interpretare la femme fatale Anna vi è l’attrice e modella francese Loan Chabanol. Anche lei, come il protagonista, si è dovuta esercitare nel combattimento corpo a corpo, raggiungendo il livello di preparazione richiesto dalle scene che la vedono protagonista. L’attore Ray Stevenson è invece presente nei panni di Frank Martin Sr., il padre del protagonista. Si tratta di un personaggio totalmente inedito, che nella precedente trilogia non veniva mai menzionato. L’attore serbo Radivoje Bukvic, noto per Io vi troverò e Die Hard – Un buongiorno per morire, interpreta infine il criminale russo Arkady Karasov.

Ci sarà un sequel di The Transporter: Legacy?

The Transporter: Legacy è stato progettato per essere il primo capitolo di una nuova trilogia. Luc Besson avrebbe dovuto co-finanziare, distribuire, produrre e scrivere tutti e tre i film. Quando però le trattative con Statham sono fallite ed Ed Skrein è stato chiamato a sostituirlo in un reboot, i piani per questa trilogia hanno dovuto essere rielaborati e si è deciso di attendere l’esito del film al botteghino prima di dare per confermati ulteriori film. Una volta uscito in sala, The Transporter: Legacy si è affermato come un modesto successo al botteghino, incassando in tutto il mondo 72,6 milioni di dollari a fronte di un budget di 22 milioni, con un discreto profitto.

Il film non ha fatto bene come Transporter 3, ma abbastanza da rendere possibile un sequel. Ma nonostante questo successo e nonostante i piani precedenti, Transporter 5 non è mai stato realizzato. Probabilmente perché, nonostante il film abbia fatto soldi, la critica e il pubblico non hanno apprezzato il Frank di Skrein come hanno fatto con la versione di Statham del personaggio e si è dunque ritenuto questo protagonista non adatto a caricarsi sulle proprie spalle l’intero franchise. Per vedere un nuovo film di esso potrebbe essere necessario il ritorno di Statham, il quale si era però allontanato per via di disaccordi sul compenso e ad oggi sembra più interessato a dedicarsi ad altri progetti.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di The Transporter Legacy grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Tim Vision e Infinity+. Per vederlo, basterà sottoscrivere un abbonamento generale alla piattaforma. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 31 gennaio alle ore 21:20 sul canale Italia 1.

Presentato in Concorso a Venezia 81, dove ha vinto il premio per la migliore sceneggiatura, Io sono ancora qui (qui la nostra recensione, titolo internazionale I’m still here) è arrivato nelle sale italiane, distribuito da BIM Distribution.

Candidato a tre premi Oscar 2025, Miglior Film Internazionale, Migliore Attrice (Fernanda Torres) e a sorpresa Miglior Film, Io sono ancora qui racconta la vera storia della lotta di una donna contro il fascismo, un film ambientato negli anni ’70 che però sembra raccontare un contesto sociale e politico che sembra attuale in molte parti del mondo.

Quella donna è Eunice Paiva (Fernanda Torres) e nel gennaio 1971 la sua vita fu stravolta quando la polizia militare fece irruzione nella casa della sua famiglia a Rio de Janeiro e arrestò suo marito Rubens Paiva, un ingegnere e ex politico che si era opposto all’istituzione di una dittatura militare in Brasile nel 1964.

Non fu mai più visto. Basandosi sul libro di memorie pubblicato nel 2015 dal figlio della coppia, il film segue la successiva trasformazione di Eunice in avvocato, attivista per i diritti umani e simbolo della resistenza contro la dittatura brasiliana. Dopo 21 anni al potere, quella dittatura sarebbe caduta nel 1985.

A novembre scorso, la Corte Suprema del Brasile ha desecretato un report di 884 pagine della Polizia Federale che indicava che l’ex Presidente di estrema destra Jair Bolsonaro aveva pianificato e partecipato attivamente a un complotto per rimanere al potere dopo la sconfitta di Bolsonaro alle elezioni brasiliane del 2022.

La notizia ha regalato una nuova attualità a Io sono ancora qui, uscito in Brasile settimane prima, con un buon successo di pubblico al box office, nonostante un tentativo di boicottaggio dell’estrema destra.

Di cosa parla Io sono ancora qui? La vera storia

Ambientato negli anni ’70, Io sono ancora qui è basato sull’omonimo libro di memorie di Marcelo Rubens Paiva e diretto da Walter Salles (City of God, On the Road), che conosceva la famiglia Paiva da bambino. Insieme, raccontano la storia di cosa è successo ai Paiva sotto la dittatura militare brasiliana e di come la madre Eunice Paiva (interpretata da Fernanda Torres) ha lottato per ottenere giustizia per la sua famiglia e per le altre vittime del regime come avvocato e attivista per i diritti umani.

Casalinga e madre di cinque figli, le cose sono cambiate per Eunice quando il marito Rubens Paiva, ex membro del Congresso e dissidente della dittatura brasiliana, è stato rapito dalla polizia militare dalla casa di famiglia il 20 gennaio 1971. Il giorno dopo, Eunice e la figlia quindicenne, Eliana, sono state arrestate. Sono state incappucciate, tenute a portata d’orecchio l’una dell’altra a scopo di torturarle e non hanno ricevuto cibo né acqua per 24 ore, secondo il racconto dell’arresto del figlio Marcelo. Mentre Eliana è stata rilasciata il giorno dopo, Eunice non sarebbe stata rilasciata fino a 12 giorni dopo. L’esperienza della prigione l’ha completamente cambiata.

Ha chiesto informazioni su suo marito, ma il governo si è rifiutato di riconoscere che Rubens Paiva fosse stato arrestato. Mentre faceva pressione sul governo brasiliano in un’epoca in cui era spesso letale farlo, Eunice doveva anche prendersi cura dei suoi figli. Senza il riconoscimento ufficiale della morte di Rubens, per non parlare della sua scomparsa, per lei è significato sostenere la sua famiglia senza accesso ai conti bancari del marito o la possibilità di vendere i loro beni.

In linea con la resilienza che è arrivata a definire la sua eredità, Eunice ha trasformato il suo dolore personale e la sua precarietà in un mezzo per combattere per gli altri. A 48 anni, ha conseguito una laurea in giurisprudenza e si è dedicata a combattere le politiche del regime che prendevano di mira in particolare gli indigeni brasiliani. Nel 1987, due anni dopo la caduta della dittatura, ha continuato quel lavoro co-fondando un istituto dedicato alla difesa dell’autonomia indigena, una missione che ha anche rappresentato come consulente dell’assemblea costituente responsabile della Costituzione brasiliana del 1988.

Nel frattempo, Eunice non ha mai smesso di fare pressione per ottenere risposte sulla scomparsa del marito e delle centinaia di altri brasiliani rapiti durante la dittatura militare. Ha fatto pressioni con successo per l’approvazione della legge 9.140/95, che ha riconosciuto legalmente la morte di coloro che sono scomparsi per mano del regime e ha indirizzato le risorse per risarcire le famiglie delle vittime e localizzare i loro resti.

Anche con l’approvazione di quella legge, però, Eunice non avrebbe ricevuto un certificato di morte per suo marito, rilasciato dal governo solo nel 2014. Fu allora che una Commissione nazionale per la verità compilò un file in cui era riportato che Rubens Paiva era tra le 434 persone uccise o fatte sparire dal regime militare brasiliano. La commissione ha ascoltato le prove secondo cui Rubens era stato torturato, ucciso e gettato in un fiume e ha identificato i presunti responsabili dell’omicidio. Cinque ufficiali militari sono stati accusati, ma i casi oggi sono ancora risolti e entrambi gli ufficiali accusati sopravvissuti continuano a ricevere pensioni militari che costano al Brasile circa $ 22.500 al mese.

Eunice Paiva è morta nel 2018 dopo aver vissuto con l’Alzheimer per 15 anni. Eroina popolare, la sua tomba è diventata un luogo di pellegrinaggio e l’8 gennaio il presidente da Silva ha istituito un premio per la difesa della democrazia in suo nome.

Come è stato accolto Io sono ancora qui?

Dopo la première alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della Biennale di Venezia nel 60° anniversario del colpo di stato militare del 1964 in Brasile, Io sono ancora qui è diventato un punto di svolta culturale in Brasile. Lo storico brasiliano Luiz Felipe de Alencastro, che fu anche lui imprigionato durante la dittatura e conosceva i Pavia, ha detto a TIME che il film sta accendendo il dibattito su YouTube e TikTok: “Le figlie di ex prigionieri politici [stanno] realizzando video che mostrano foto e raccontano le storie della loro famiglia”, afferma.

Salles, il regista, ha definito la reazione del pubblico al film una “specie di fenomeno politico sociologico e culturale”. Parlando con Deadline, ha affermato: “Le persone rimangono nel film fino alla fine dei titoli di coda e scrivono [sui] social media com’è stata l’esperienza nella sala di proiezione in cui si trovavano… non potevamo prevederlo. E ora mi ha fatto pensare che letteratura, cinema, musica possono essere strumenti incredibili contro l’oblio”.

Il significato politico di Io sono ancora qui

Anche politicamente, il film ha avuto un significato speciale. In un evento commemorativo dell’assalto al Campidoglio brasiliano del gennaio 2023, il presidente Luiz Inácio Lula da Silva ha fatto riferimento al film, dicendo: “Siamo ancora qui”. E a dicembre, il giudice della Corte suprema brasiliana Flávio Dino ha citato il film mentre sosteneva che una legge del 1979 che concedeva l’amnistia a individui, compresi ufficiali militari, accusati di crimini politici durante la dittatura, non si sarebbe dovuta applicare al reato di occultamento di cadaveri. “La scomparsa di Rubens Paiva, il cui corpo non è mai stato trovato o sepolto, mette in luce il dolore duraturo di migliaia di famiglie”, ha detto Dino.

Il film è stato accolto molto bene negli Stati Uniti, cosa che è confermata dalle tra nomination agli Oscar. Il figlio di Eunice, Marcelo, ha detto al Guardian: “Penso che le persone abbiano paura, ora ancora di più con Trump. Il mondo è diventato qualcosa che [pensavamo di] aver già lasciato alle spalle”.

Chi c’è nel cast di Io sono ancora qui?

L’attrice brasiliana Fernanda Torres interpreta Eunice Paiva, offrendo una performance memorabile. All’inizio di Gennaio 2025, ha portato a casa il Golden Globe come migliore attrice in un film drammatico per il ruolo, diventando la prima vittoria del Brasile nella categoria. E la madre di Torres, l’acclamata attrice brasiliana Fernanda Montenegro, appare nel film nei panni di una Eunice Paiva più anziana. Nel film ci sono anche Selton Mello nel ruolo di Rubens Paiva; Marjorie Estiano nel ruolo di Eliana; e Antonio Saboia nel ruolo di Marcelo.

Il trailer di Io sono ancora qui

La trama tortuosa di Companion (qui la nostra recensione) non si allontana mai troppo dai temi centrali del film. Scritto e diretto da Drew Hancock, esso è incentrato sulla Iris di Sophie Thatcher. Una donna dal carattere dolce e profondamente innamorata del suo fidanzato Josh, un weekend di fuga con alcuni vecchi amici di lui finisce rapidamente fuori controllo per il cast di personaggi di Companion. Nonostante alcuni sorprendenti elementi fantascientifici e svolte inaspettate nella storia, Companion rimane in gran parte incentrato sulla narrazione centrale di una donna che si rende conto che la relazione dei suoi sogni non è quella che sembra.

Lungo il percorso, Companion rivela qualcosa di più sul cast di supporto, soprattutto in contrasto con il modo in cui Iris e il Josh di Jack Quaid si comportano l’uno con l’altro. Questo a sua volta pone le basi per il vero significato di Companion, che riflette sulle relazioni abusive e mette in evidenza i molti modi in cui le persone possono essere manipolate in legami malsani. Il finale pone anche casualmente le basi per potenziali sequel che esplorino Iris e il suo mondo, che potrebbero portare la metafora in una prospettiva di più ampio respiro.

Perché Iris uccide Josh nel finale di Companion

Nel monologo iniziale di Companion, Irish rivela che alla fine ucciderà il suo fidanzato Josh, il che finisce per essere il momento culminante del film e completa l’arco caratteriale di Iris. Dopo essere stata presentata come la fidanzata di Josh, Iris si rivela subito come una compagna robotica priva di un proprio libero arbitrio. Anche dopo aver scoperto la sua vera natura, Iris cerca inizialmente di risolvere la situazione con Josh. Tuttavia, lui si rivela sempre più un uomo dispotico e vendicativo, perfettamente disposto a ucciderla per coprire le sue tracce criminali.

Man mano che il film procede, Josh rivela le sue peggiori qualità mentre Iris guadagna costantemente autonomia da lui. Alla fine del film, Josh e Iris sono gli ultimi membri superstiti del cast, in lotta tra la vita e la morte. Sebbene a Iris siano stati dati molti motivi per odiare Josh, alla fine lo uccide solo mentre lui sta cercando di ucciderla, salvandosi la vita. Iris lo fa con un tappo di vino meccanizzato, di cui si era parlato in precedenza nel film. Si tratta di un momento brutale, ma che il film aveva costantemente preparato per tutto il tempo.

La spiegazione del piano di Josh

Uno dei grandi colpi di scena di Companion è la vera natura del piano di Josh. Prima degli eventi del film, Josh e la sua amica Kat hanno deciso di uccidere il fidanzato Sergey e di rubargli i soldi. Ritenendo che Sergey sia un criminale, in base alle descrizioni che Kat fa di lui come un “cattivo ragazzo”, il loro piano prevede che Josh si introduca in Iris, sblocchi le restrizioni che le impediscono di fare del male alle persone e crei le circostanze che porteranno Iris a ucciderlo. La parte iniziale del piano funziona: Iris “malfunzionante” uccide Sergey quando tenta di aggredirla.

Tuttavia, le cose vanno rapidamente fuori controllo quando Josh cerca di spiegare la situazione a Iris invece di spegnerla semplicemente. Inoltre, scopre da Kat che Sergey non era in realtà un criminale. Questo dà a Iris, ora consapevole della sua natura robotica, la possibilità di fuggire. La situazione si aggrava e sfugge al controllo, causando la maggior parte delle morti del film. Tuttavia, mentre Iris uccide Eli per autodifesa e alla fine Josh, la maggior parte delle altre morti viene compiuta dal robot Patrick su ordine (sia involontario che deliberato) di Josh.

Come Iris mette Patrick contro Josh

Patrick è l’altro compagno robotico del film, che viene rivelato solo a metà film. Patrick era il partner romantico e il compagno robotico di Eli, ma Josh lo riprogramma rapidamente in un complice consenziente per la seconda metà del film. Tuttavia, Iris riesce a sfruttare i sentimenti genuini di Patrick per Eli per liberarlo dal controllo di Josh. Questo ripaga una scena precedente in cui Eli e Patrick esprimevano apertamente i loro sentimenti più profondi l’uno per l’altro, riconoscendo che il loro amore era reale anche se i “ricordi” del loro primo incontro non lo erano.

Questo dà una linea tematica alla tragica relazione tra Patrick ed Eli, in diretto contrasto con il modo casualmente crudele e controllante con cui Josh aveva manipolato Iris. Iris riesce a far ricordare a Patrick i suoi sentimenti, dandogli la possibilità di distruggersi piuttosto che farsi usare ulteriormente da Josh. Patrick lo fa usando un manganello stordente per provocare un cortocircuito, distruggendosi ma con i ricordi felici del periodo trascorso con Eli che lo accompagnano nei suoi ultimi momenti.

Come Companion anticipa un possibile sequel

Companion funziona molto bene come film autonomo, concentrandosi sulla costante fuga di Iris dalla sua relazione violenta e sulla sua trasformazione in persona, filtrata da una lente robotica fantascientifica. Tuttavia, il film non si limita a creare un mondo più ampio di possibilità. Quando Iris viene liberata nel momento culminante e salva uno degli ingegneri compagni da Patrick, questi suggerisce che alcune persone (tra cui lui) hanno cercato di concedere maggiore libertà alle macchine. Questo potrebbe essere ampliato in futuro, dando vita a una rivoluzione robotica.

Al momento in cui scriviamo, non è stato confermato lo sviluppo di un sequel per Companion.

Il film si conclude anche con Iris che fugge con i soldi di Sergey, indisturbata dal fatto che un suo braccio sia completamente esposto come appendice robotica. Saluta persino felicemente un’altra donna in un’altra auto, che potenzialmente è un altro robot o anche solo una donna umana coinvolta in una relazione malsana. Un potenziale sequel di Companion potrebbe rivisitare Iris e rivelare dove è andata dopo gli eventi del film, o soprattutto cosa ha deciso di fare della sua vita. Iris conclude il film in un punto interessante e potrebbe facilmente portare avanti un altro racconto.

Il vero significato di Companion

Nonostante la natura tortuosa della commedia dark fantascientifica, Companion ha in definitiva una serie di temi molto comprensibili. Il film parla di una giovane donna che deve affrontare la scoperta che il suo fidanzato, apparentemente perfetto, è tutt’altro che tale. Infatti, Josh si rivela violento in diversi modi. La controlla, ignorando le sue emozioni e allontanando i suoi desideri e le sue idee. Con l’avanzare del film, diventa sempre più minaccioso dal punto di vista fisico, e lei si arrabbia sempre di più. Iris è la controfigura di molte persone che sono state coinvolte in una relazione violenta.

Questo dà al pubblico un motivo in più per tifare per Iris, anche se è stata costretta a uccidere delle persone, soprattutto quando viene confermato da Patrick che una vera storia d’amore tra umani e robot può esistere. Se Josh non fosse stato terribile, una storia d’amore sarebbe potuta esistere davvero. Invece, Iris riesce a diventare la donna che è in sé solo dopo aver superato Josh e le sue tattiche manipolatorie. Companion rafforza questo concetto facendo sì che Iris uccida finalmente Josh, definendolo uno dei giorni più importanti della sua vita, perché può finalmente essere una persona a sé stante, indipendentemente dalle sue origini robotiche.

Il film giallo-horror del 2016 The Boy, diretto da William Brent Bell segue la vita di una tata di nome Greta Evans (Lauren Cohan), che lascia la sua vita nel Montana per andare a lavorare in Inghilterra. Non si tratta però di un lavoro ordinario, poiché le viene chiesto di badare a una bambola di nome Brahms. Greta segue le regole: nutrire e accudire Brahms, assicurarsi che non sia solo, evitare la soffitta e non invitare fidanzati a casa. Tuttavia, dopo poco tempo, Greta si accorge che qualcosa non va e inizia ad indagare.

Con uno dei migliori colpi di scena di un film horror, la conclusione di The Boy è un completo shock ed è difficile prevedere cosa accadrà nell’atto finale. Sebbene il colpo di scena del terzo atto sia l’aspetto più notevole del film, esso presenta temi più profondi che lo rendono più malinconico rispetto ai tipici di film horror di intrattenimento. Il fatto che il film eviti la tipica trama della bambola demoniaca, infatti, lo rende più spaventoso di quanto sarebbe stato altrimenti. Qui di seguito, andiamo dunque ad esplorare il finale del film.

Brahms non è solo il nome della bambola

Il mistero principale del film The Boy è se la bambola di porcellana sia malvagia e alimentata da un demone o da uno spirito soprannaturale. È facile accettare la spiegazione che viene data: Brahms era il figlio di Heelshire, morto in un incendio quando aveva otto anni. Sembra così che The Boy sia un altro film horror su una bambola malvagia (ricordiamo ad esempio Annabelle o la più recente M3GAN). Tuttavia, con un colpo di scena, si scopre che Brahms è ancora vivo e si nasconde tra le pareti della casa, fingendo che la bambola sia posseduta per rimanere nascosto e al sicuro.

Brahms è infatti diventato violento, pericoloso e non mostra alcuna pietà. Quando l’ex fidanzato di Greta, Cole, distrugge la bambola, l’ormai adulto Brahms, che indossa una maschera uguale a quella della bambola, irrompe dal muro e lo uccide. Poi attacca Greta e Malcolm. The Boy potrebbe quindi essere paragonato a un tipico film dell’orrore su una casa infestata in cui accadono strani eventi nell’oscurità. Il colpo di scena rende però la storia più spaventosa e fa di Brahms un cattivo agghiacciante, avendo ucciso molte persone in passato.

Se Brahms fa parte di una lunga storia di bambole inquietanti, il Brahms umano è altrettanto inquietante perché appare potente, forte e pronto a distruggere. Dopo aver ucciso il fidanzato violento di Greta, Cole, Brahms rende quindi inabile il suo amico Malcolm. Minaccia a quel punto di uccidere Malcolm se Greta tenta di andarsene. Gli era infatti stato promesso che sarebbe rimasta come sua nuova compagna. Tuttavia, Greta ricorda le regole e dice a Brahms che è ora di andare a letto. Per assurdo, la cosa funziona e Brahms va a letto come richiesto dalla donna. Quando lei si china per baciarlo, Greta lo accoltella, permettendo così a lei e a Malcolm di fuggire dalla villa.

Cosa succede ai genitori di Brahms?

The Boy è un grande thriller grazie al sinistro retroscena di Brahms. I suoi genitori sanno benissimo che è ancora vivo e che è diventato un assassino, il che è una delle parti più inquietanti del film. Nel finale, lasciano un biglietto per Greta prima di togliersi la vita. Quando poi Greta scopre che l’hanno assunta come vero e proprio regalo per Brahms, si rende conto del pericolo che corre, facendo di tutto per cercare di sopravvivere. All’inizio di The Boy, inoltre, Greta scopre che una giovane ragazza è stata uccisa violentemente e sembra che Brahms abbia commesso questo crimine da bambino.

L’incendio che avrebbe ucciso Brahms è avvenuto dopo la morte della ragazza, quindi nessuno ha saputo la verità. È una rivelazione agghiacciante, perché si lascia intendere che l’incendio sia stato fatto per proteggere il ragazzo, facendo credere che fosse morto e dunque non più perseguibile per il suo crimine. Mentre altri potrebbero essere arrabbiati con gli Heelshire per averli assunti per vivere nella stessa casa di un assassino, Greta sembra invece capire che i due anziani volevano aiutare il figlio in ogni modo possibile, nonostante le sue tendenze.

The Boy lascia aperta la porta ad un sequel

Alla fine del film The Boy, Greta uccide apparentemente Brahms. Tuttavia, la scena finale accenna a un sequel quando qualcuno ripara la bambola nella vecchia casa. Un sequel è poi effettivamente stato realizzato, nel 2020: Brahms: The Boy II. Questo seguito rovina però il colpo di scena del primo film rivelando che la bambola è realmente posseduta demonicamente e terrorizza altre persone. Questo cambiamento ha portato il sequel ad essere stato accolto male, considerando che l’avvincente finale dell’originale permetteva al film di distinguersi dalla massa di storie di bambole malvagie e inquietanti.

Questa trama è infatti simile al trasferimento dello spirito del serial killer Charles Lee Ray nella bambola Chucky dell’omonimo franchise o anche allo spirito che possiede la già citata Annabelle. Il finale di The Boy avrebbe dovuto dunque prevedere un sequel diverso e, sebbene possa sembrare improbabile che Brahms sia sopravvissuto all’attacco, avrebbe avuto più senso che spostare altrove la storia per renderla più paranormale. A prescindere dal seguito, la storia di Greta si conclude in modo agrodolce con lei che riesce a fuggire, il che è importante.

Il vero significato del finale di The Boy

La conclusione di The Boy ha diversi temi significativi e pesanti, tra cui quello della fuga. Greta scappa dal suo fidanzato violento e spera di trovare una vita migliore e più felice. Il film parla anche di famiglia e solitudine. Anche i coniugi Heelshire sono alla ricerca dell’amore e, sebbene il loro figlio non sia morto, soffrono per all’idea di chi avrebbe potuto essere, poiché non hanno mai immaginato per lui questa violenza. Si aggrappano quindi all’immagine di lui come un bambino dolce attraverso la bambola.