Quella di Nightmare è una delle saghe più fortunate e durature del cinema horror, che dagli anni Ottanta in poi ha infestato gli incubi degli spettatori di tutto il mondo. Il primo film, Nightmare – Dal profondo della notte, è ancora oggi il capitolo più apprezzato, contenente una serie di elementi che lo rendono un vero cult del suo genere che ha dato vita ad una lunga serie di imitatori e canoni poi ripresi dal cinema dell’orrore successivo. Nel 2010 è poi stato realizzato un suo sequel, in Italia intitolato semplicemente Nightmare, che rappresenta allo stesso tempo anche un reboot della saga.

A dirigere questa nuova pellicola vi è il regista Samuel Bayer, noto principalmente per aver realizzato numerosi videoclip di star della musica e anche diversi spot commerciali per importanti brand. Nightmare è dunque il suo debutto nel mondo del cinema, un progetto che ha però avuto una lunga gestazione prima di potersi concretizzare sul grande schermo. Originariamente si pensò infatti di dar vita ad un prequel che raccontasse dei primi omicidi di Kruger, salvo poi scartare l’idea in favore di un remake del primo film, il quale viene però rivisitato attraverso alcune novità, tra cui quella di eliminare l’umorismo tipico del villain.

Con un incasso globale di 117 milioni di dollari, questo nuovo Nightmare si è affermato come il maggior successo economico della saga, non senza però soffrire il confronto con l’originale. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Nightmare. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla spiegazione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di Nightmare

Protagonisti del film sono un gruppo di adolescenti di Elm Street, i quali iniziano tutti ad avere spaventosi incubi con protagonista un uomo dal volto completamente sfigurato e armato di un guanto con lame al posto delle dita. Questi sogni si dimostrano però più reali del previsto nel momento in cui alcuni di questi ragazzi iniziano a morire davvero. Indagando su ciò, i rimanenti scopriranno di essersi imbattuti in Freddy Krueger, un bidello pedofilo bruciato vivo dai genitori dei bambini molestati. Egli è però ora tornato sfruttando il mondo dei sogni come luogo ideale dove commettere nuove bestialità. Per fermarlo, i giovani protagonisti dovranno trovare un modo per abbattere il confine tra sogno e realtà.

 

Il cast del film e il design di Freddy Krueger

Ad interpretare Nancy Thompson, già iconica protagonista dell’originale del 1984, è qui l’attrice Rooney Mara, celebre per film come Millennium – Uomini che odiano le donne e Carol. All’epoca ancora in attesa di consacrarsi come una delle migliori interpreti della sua generazione, Mara fu quasi sul punto di abbandonare la recitazione proprio a causa di questo film. Le riprese furono infatti per lei un’esperienza terribile, che l’attrice ha più volte ricordato con dispiacere. Accanto a lei vi sono poi gli attori Kyle Gallner nei panni di Quentin Smith, Katie Cassidy in quelli di Kris Fowles e Thomas Dekker per Jesse Braun. Kellan Lutz è Dean Russell, mentre Clancy Brown è Alan Smith.

Per interpretare il personaggio di Freddie Krueger si decise invece di non ricorrere a Robert Englund, il quale aveva ricoperto tale ruolo in tutti i precedenti film della saga. Al suo posto venne scelto l’attore Jackie Earle Haley, celebre per essere stato Rorschach in Watchmen. L’attore fu elogiato da Englund come la giusta scelta per la parte. Haley, però, affermò di voler costruire il suo Freddie in modo differente rispetto a quanto visto nei precedenti film. Per dar vita all’aspetto tipico di Krueger si pensò inizialmente di ricorrere alla CGI, decidendo però poi di utilizzare del trucco prostetico, migliorato poi con gli effetti speciali.

Per applicare tale trucco occorrevano circa quattro ore e mezzo, tempo durante il quale l’attore poteva sperimentare la giusta intonazione di voce per il personaggio. Haley decise infatti di non far doppiare il personaggio, ma di sperimentare da sé per cercare di ipotizzare che tipo di suono potessero emettere delle corde vocali ustionate. La sua voce è comunque poi stata lievemente ritoccata digitalmente al fine di fargli assumere quella qualità sonora più soprannaturale. In ultimo, Haley dovette indossare lenti a contatto per le riprese, una insanguinata e una piuttosto opaca, quest’ultima irritante dal momento che oscurava la vista all’attore.

La spiegazione del finale del film

Verso il finale del film, dopo aver scoperto di essere loro i bambini molestati da Kruger – cosa che avevano però rimosso – Nancy e Quentin si accorgono di essere i soli rimasti del loro gruppo di amici. A causa dell’insonnia, i due hanno sporadici microsonni e diventano ipnagogici, causando allucinazioni. Per cercare di fermare Krueger, si recano all’asilo. Durante il tragitto, Nancy subisce però un attacco da parte di Krueger, durante il quale tira fuori dal sogno un pezzo del suo maglione per portarlo nella realtà. Quentin porta Nancy in ospedale, dove ruba l’adrenalina per aiutarla a rimanere sveglia.

All’asilo, i due trovano le prove dei crimini di Krueger, tra cui delle foto molto crude. Krueger, ora un fantasma, vuole dunque vendicarsi dei bambini per aver rivelato i suoi abusi. Nancy decide quindi di far uscire Krueger dal mondo dei sogni come ha fatto con il suo maglione e di ucciderlo. Lei e Quentin organizzano dunque un piano che prevede innanzitutto di addormentarsi. Nel sogno, vengono subito attaccati. Mentre Krueger insegue Nancy, le sue grida svegliano però Quentin, che usa l’adrenalina per svegliarla. Nancy riesce così a trascinare Krueger con sé nella realtà.

Qui Kruger sembra essere privo dei suoi poteri e Nancy riesce infatti a tagliargli il collo prima di dare fuoco alla stanza con il suo corpo all’interno. Una volta spento l’incendio, però, la polizia non riesce a trovare i resti di Krueger. Dopo che Nancy e sua madre tornano a casa, Krueger appare nel riflesso dello specchio e uccide sua madre, tirando poi il suo corpo attraverso lo specchio mentre a Nancy non resta che urlare. Si rende così evidente che Freddy è ancora vivo e che dunque lo scontro avvenuto poco prima potrebbe essere stato frutto di un sogno. Il film non offre però una spiegazione certa a riguardo.

Ci sarà un sequel di Nightmare?

Mentre questo nuovo film prendeva forma, i produttori annunciarono l’intenzione di dar vita anche a dei sequel, di fatto facendo ripartire la saga. Nulla venne però confermato fino al momento dell’uscita in sala del film, poiché si aspettava di vedere quale sarebbe stato il responso di questo nuovo Nightmare. Nonostante questo si affermò come un buon successo economico, i pareri di critica e pubblico particolarmente negativi spinsero i produttori a cancellare i piani per ulteriori film, affermando che non c’era più l’interesse necessario a giustificarli.

Il trailer di Nightmare e dove vedere il film in streaming e in TV

È comunque possibile fruire del film grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Nightmare è infatti disponibile nei cataloghi di Apple TV e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 26 luglio alle ore 21:15 sul canale Italia 2.

Dopo lo struggente Mio figlio, arriva in televisione un altro film turco, Annem, diretto nel 2019 da Mustafa Kotan. Anche noto come Mia madre (Annem, in turco, significa appunto “mamma”) questo esplora il complesso rapporto tra una madre e sua figlia, attraverso una storia di crescita, amore e sacrificio, che invita gli spettatori a riflettere sull’importanza della famiglia e dei legami che ci definiscono e dei quali non si dovrebbe avere vergogna.

Il film è poi impreziosito dalla presenza della nota attrice Özge Gürel, già conosciuta in Italia grazie ad alcune soap opera divenute particolarmente popolari grazie a Mediaset. Un seguito che ha permesso che anche altre opere, come Annem, arrivassero sui nostri schermi. Opere che tra dramma, leggerezza e tematiche universali sanno parlare direttamente ai loro spettatori di riferimento. Se Mio figlio affrontava il tema del rapporto padre-figlio con la problematica dell’autismo, in Annem si ha invece un rapporto ostacolato dalle differenze generazionali.

Gli appassionati di questo genere potranno dunque ritrovare in questo film un’opera meritevole di essere conosciuta, capace di emozionare e far riflettere sui propri rapporti famigliari. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Annem. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama e al cast di attori. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di Annem

Il film narra la storia struggente di una madre e di una figlia. Nazli vive in un piccolo villaggio della Turchia e il suo sogno è quello di andare via, lontano soprattutto dai suoi genitori. Sua madre Ayse vive per lei, farebbe di tutto per renderla felice e incoraggia il suo desiderio di fuga. Suo padre invece è silenzioso e burbero e non è d’accordo che la figlia vada via di casa. Nazli si vergogna di sua madre, del suo lato grezzo e contadino e quando ha l’occasione di andare all’università di Istanbul, è finalmente felice di allontanarsi da lei.

Nella grande città può essere chi vuole e finisce per incontrare un ragazzo di cui s’innamora. Ma quando arriva il momento di tornare al villaggio per presentare il fidanzato ai suoi, Nazli è preda di sentimenti molto intensi e contrastanti. Il suo ritorno farà però emergere molte verità che Nazli aveva fino a quel momento ignorato. Per lei, quella sarà l’occasione per riscoprire sua madre e le proprie origini, trovandosi davanti alla scelta del tipo persona che sarà da quel momento in avanti.

Il cast di attori e le location del film

Ad interpretare la giovane Nazli vi è l’attrice Özge Gürel, celebre per le serie Cherry Season – La stagione del cuore e Bitter Sweet – Ingredienti d’amore. Sua madre Ayse, invece, è interpretata dall’attrice Sumru Yavrucuk, nota invece per le seire No: 309, Evlilik Hakkinda Her Sey e Sahane Hayatim. Le due attrici, in preparazione al loro ruolo, hanno trascorso diverso tempo a contatto così da sviluppare un certo rapporto madre-figlia, anche se nel film molto di questo è raccontato da un punto di vista conflittuale.

Accanto a loro, recitano poi gli attori Sercan Badur nel ruolo di Mert, Tuna Orhan in quello di Osman, Itir Esen in quello di Nihal, Fatma Toptas in quello di Nesrin e Fulya Özcan in quello di Hacer. Per quanto riguarda le riprese, invece, queste si sono svolte tra Istanbul e Kirklareli, in Turchia. Due location che riflettono il contrasto tra la vita rurale e quella urbana, elemento centrale nella storia di Nazlı. La scelta delle location sottolinea il passaggio dalla semplicità del villaggio alla complessità della vita cittadina, simbolizzando il viaggio interiore della protagonista.

Il trailer di Annem e dove vedere il film in streaming e in TV

Sfortunatamente il film non è presente su nessuna delle piattaforme streaming attualmente attive in Italia. È però presente nel palinsesto televisivo di venerdì 26 luglio alle ore 21:20 su Canale 5. Di conseguenza, per un limitato periodo di tempo sarà presente anche sulla piattaforma Mediaset Infinity, dove quindi lo si potrà vedere anche oltre il momento della sua messa in onda. Basterà accedere alla piattaforma, completamente gratuita, per trovare il film e far partire la visione.

Dopo aver esordito con grande successo alla regia nel 2008 con il film Pranzo di Ferragosto, Gianni Di Gregorio ha diretto negli anni una serie di altri film molto apprezzati da critica e pubblico. Tra questi si annoverano Gianni e le donne, Buoni a nulla e Lontano lontano. L’ultimo film da lui ad oggi diretto è Astolfo, del 2022. Presentato alla Festa del Cinema di Roma e poi distribuito nelle sale cinematografiche, anche questo suo quinto lungometraggio è stato molto apprezzato da critica e pubblico.

Riguardo agli obiettivi di questo suo progetto il regista e attore ha dichiarato: “Credo che Astolfo sia il film più allegro e spensierato che ho fatto. Sicuramente il lungo isolamento dovuto alla pandemia e un acciacco di salute hanno scatenato una reazione straordinaria e incontrollata, considerando il fatto che mi sono messo a parlare d’amore alla mia età. Ma in effetti l’amore non ha età, e lasciare aperto uno spiraglio all’amore, all’empatia e all’amicizia è importante per la qualità della nostra vita”.

In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Astolfo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alle location dove è stato girato. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di Astolfo

Protagonista del film è Astolfo, placido pensionato romano, che viene sfrattato dal suo appartamento e decide di tornare a vivere nella casa di famiglia, un palazzotto un tempo nobiliare e oggi in sfacelo, in un paesino dell’Italia centrale. Trova un paio di stravaganti abusivi che vivono lì, un sindaco sgradevole e impiccione, un vecchio amico che si è arricchito. E, senza volerlo, senza cercarlo, trova anche l’amore: Stefania, una signora vedova che il figlio vorrebbe confinare al ruolo di nonna e che invece è piena di voglia di vivere. Sarà l’inizio di una nuova vita, più travagliata ma anche più bella, più vera, l’unica che valga la pena di essere vissuta.

Il cast e le location del film

Ad interpretare Astolfo vi è lo stesso Gianni Di Gregorio, che sin da suo esordio alla regia ha sempre recitato nei propri film. Ha però preso parte anche a progetti altru come La stanza del figlio e Siccità. Accanto a lui, nel ruolo di Stefania, vi è invece l’attrice Stefania Sandrelli, tra le più celebri attrici del cinema italiano, recentemente vista anche in Marcello mio e Lei mi parla ancora. Nel cast si ritrovano anche Agnese Nano nel ruolo di Franca e Simone Colombari in quello del sindaco. Alfonso Santagata interpreta invece Carlo.

Per quanto riguarda le location, Astolfo è stato girato in parte a Roma – per le scene iniziali – in modo più esteso ad Artena, in provincia di Roma. Nella capitale, ad esempio, ritroviamo in Via Lorenzo Valla 27 la casa romana da cui Astolfo viene sfrattato, ma anche la casa di Stefania, in Via Leone Dehon. Spostandoci ad Artena, ritroviamo il Palazzo del Governatore in Piazza della Vittoria, utilizzato come municipio dove Astolfo chiede invano di incontrare il sindaco. Il bar di Clementina, amica di gioventù di Astolfo che lui fa finta di cercare per far contento Carlo, è invece il Bar Michela in Via Valle dell’Oste 73, sempre ad Artena.

Il negozio di alimentari dove Astolfo conosce il “cuoco” si trova invece alla fine di Via del Pavone, mentre il palazzo di famiglia di Astolfo è Palazzo Borghese in Piazza della Vittoria. Uscendo da Artena, la chiesa che Stefania chiede a Astolfo di visitare alla loro prima uscita è il Santuario Vescovio in Strada Santuario Vescovio a Torri in Sabina, in provincia di Rieti. In ultimo, il casale di Carlo, l’amico donnaiolo di Astolfo, è il Castello di Corcolle in Via Zagarolese a Roma,

Il trailer di Astolfo e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire di Astolfo grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple TV e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 26 luglio alle ore 21:20 sul canale Rai 3.

A volte abbiamo tutti bisogno di un film triste che ci riporti alla realtà, che ci tocchi il cuore e che ci faccia scendere una lacrima sul viso. I film con i cani sono davvero strappalacrime e vi faranno apprezzare le piccole cose della vita, come abbracciare e portare a spasso il vostro cane, vi ricorderanno di rallentare e annusare le rose.

Ci sono molti film sui cani, la maggior parte dei quali vi farà scoppiare a piangere più volte, come Marley & Me, A Dog’s Purpose e Hachiko – Il tuo migliore amico. Questi film tristi sui cani non vi deluderanno se siete alla ricerca di un bel pianto, o semplicemente per sentirvi più vicini al vostro animale domestico o agli animali in generale.

Il mio cane Skip

My Dog Skip è un film nostalgico che ricorda agli spettatori il loro primo animale domestico e il dolore per la sua perdita con il tempo e l’età. Il film include un cast stellare che comprende Kevin Bacon, Diane Lane, Luke Wilson e Frankie Muniz nei panni di Willie, un ragazzino che convince i genitori a lasciargli tenere un cucciolo di terrier che chiama Skip. I due vivono avventure vorticose mentre Willie impara l’amore incondizionato di un cane.

Sottovalutato capitolo del genere canino, Il mio cane Skip ha il potere di sollevare il pubblico e allo stesso tempo di commuoverlo fino alle lacrime, grazie alla semplice premessa di un ragazzo che trova nel suo cane il migliore amico. Anche se la premessa non è apertamente triste, il potere del film di suscitare questa emozione gli fa guadagnare un posto di diritto tra i film sui cani più tristi.

Where The Red Fern Grows (2003)

Uno dei molteplici adattamenti cinematografici in live action del classico romanzo di Wilson Rawls, Where The Red Fern Grows (Dove cresce la felce rossa) è un’accorata storia di determinazione e del legame tra uomo e cane. Basato sull’infanzia di Rawls negli Ozarks, è la storia di un ragazzo di nome Billy (Joseph Ashton) che racimola e risparmia i suoi soldi per comprare una coppia di Coonhound Redbone che chiama Old Dan e Little Ann. Il trio trascorre le giornate a caccia, guadagnandosi la reputazione di essere la migliore squadra di cacciatori in circolazione. Quando il loro legame viene messo alla prova in un incontro quasi mortale, Billy impara il vero significato dell’amore e del sacrificio.

Dove cresce la felce rossa fa subito venire l’acquolina, dalla tenerezza dei cuccioli al devastante terzo atto. Questo adattamento è un film fondamentale nel genere dei film di cani tristi. Il pubblico, insieme a Billy, viene trasportato su una montagna russa di amore, perdita e compagnia. Il film rispecchia l’esperienza tematica di chi lavora duramente per possedere il proprio primo cane e allo stesso tempo ne affronta la perdita. Dove cresce la felce rossa (Where the Red Fern Grows ) farà sì che ogni amante dei cani si avvicini al proprio animale domestico e lo stringa un po’ di più.

Shiloh, un cucciolo per amico (1996)

Non c’è lezione di responsabilità più grande per un ragazzo che l’amore e la cura per un cane. Tratto dal romanzo di Phyllis Reynolds Naylor, vincitore del Newberry Award, Shiloh è la storia straziante di Marty Preston (Blake Heron) e dei suoi sforzi per salvare un beagle di nome Shiloh (Frannie the Dog) dal suo padrone violento, Judd (Scott Wilson), stringendo un accordo che prevede lo sconto sul prezzo del cane in cambio della sua custodia. Quando Judd si rimangia la parola data, Marty non si fermerà davanti a nulla per salvare Shiloh.

Shiloh può essere un classico dimenticato tra gli altri film sui cani, ma si è guadagnato una recensione di tutto rispetto da parte dell’acclamato critico Roger Ebert, che ha elogiato il film per le sue dure lezioni sulla proprietà, la responsabilità, l’onestà e la gentilezza. Se da un lato si tratta della storia di Marty che diventa adulto e cresce, dall’altro Shiloh è il film canino più triste in assoluto per la rappresentazione dei padroni che davvero non danno valore al proprio cane e di quanto si sentano impotenti quelli che lo fanno. Questo adattamento è sicuramente in grado di avvicinare il pubblico e i loro cani.

Turner e il casinaro (1989)

Sottovalutato film comico di Tom Hanks, Turner e il casinaro è un film poliziesco in cui l’amico è un cane di nome Hooch. Il detective Scott Turner (Hanks) è inizialmente titubante e deluso all’idea di lavorare con questo cane dispettoso e bavoso, ma presto scopre che le abilità e la sorprendente intelligenza di Hooch possono aiutarlo a catturare un assassino in libertà.

Sarà anche un film comico, ma il pubblico si troverà sempre più coinvolto nel toccante legame che si sviluppa tra i due protagonisti. Mentre continuano a lavorare insieme al caso, diventano inseparabili. Naturalmente, tutto questo porta a un finale emozionante che sottolinea quanto Hooch sia disposto a spingersi oltre per proteggere il suo padrone dal male.

Max (2015)

Max è un film drammatico d’avventura uscito nel 2015 che parla di un cane militare di nome Max. Max aiuta i Marines americani in Afghanistan insieme al suo padrone. Dopo la morte del suo conduttore sul campo, Max viene adottato dalla sua famiglia. Max è un cane fedele che ha bisogno di pazienza per fidarsi, e la trova nel fratellino del suo defunto conduttore.

Questo film accorato mostra gli alti e bassi della conquista della fiducia di un cane leale ma spaventato. Il film è stato diretto da Boaz Yakin. Fa piangere per il dolore che questo cane prova per la morte del suo conduttore, ma fa sorridere quando si vede Max andare avanti e imparare ad amare di nuovo. Mostra in modo unico il lato di un cane che lavora nell’esercito.

Lassie (2005)

Lassie è un film d’avventura per famiglie uscito nel 2005. Parla di un cane, Lassie, che viene venduto a malincuore dalla sua famiglia. Questa cucciola dal cuore spezzato viene trasferita a centinaia di chilometri di distanza dalla sua famiglia, ma la sua missione è quella di ritrovarla contro ogni previsione. È straziante guardare questo cucciolo confuso che cerca di trovare la strada di casa, ma fortunatamente ha un lieto fine, perché i nostri cuori non avrebbero potuto sopportarne uno triste.

Lassie è stato diretto da Charles Sturridge e presenta molti amici che Lassie incontra lungo il cammino, tra cui l’attore Peter Dinklage di Game of Thrones. Questo film include anche molte bellissime riprese panoramiche che vi lasceranno senza fiato. Si tratta diun film straordinario nel suo complesso, a patto che riusciate a trattenere le lacrime per vederlo.

Charlie – Anche i cani vanno in paradiso (All Dogs Go to Heaven,1989)

Un classico d’animazione agrodolce che alcuni fan ricorderanno di aver visto in VHS, Tutti i cani vanno in paradiso è un film che merita maggiore attenzione. La commedia-dramma di Don Bluth e Gary Goldman segue la storia del pastore tedesco Charlie B. Barkin (Burt Reynolds), che finisce in Paradiso dopo essere stato ucciso dal suo migliore amico. Trova presto il modo di fuggire dall’aldilà per cercare vendetta, ma stringe un legame inaspettato con una ragazzina.

Commovente, umoristico ed emozionante allo stesso tempo, Tutti i cani vanno in paradiso è una toccante storia di amicizia e una dura lezione sui legami che possono ferire e guarire gli individui. Inoltre, ha delle canzoni orecchiabili che completano perfettamente il viaggio di Charlie.

Un viaggio a quattro zampe (2019)

A Dog’s Way Home è un film drammatico d’avventura uscito nel 2019. È molto simile alla storia di Lassie, con la differenza che il cane (Shelby) può parlare agli spettatori. Viene mandata a chilometri di distanza dal suo padrone, che dovrebbe incontrarla subito dopo. Tuttavia, Shelby non lo sa e scappa per ritrovare la sua città natale e il suo padrone.

A Dog’s Way Home è estremamente emozionante fin dall’inizio, in quanto mostra i viaggi disperati di Shelby per ritrovare il suo padrone, ma ha un lieto fine che vi farà apprezzare l’amore e la fedeltà di un cane. A Dog’s Way Home è stato diretto da Charles Martin Smith ed è un film che abbraccia l’anima da guardare con la famiglia e gli amici.

Marley & Me (2008)

Marley & Me è una commedia romantica uscita nel 2008. Classificare questo film come una commedia per famiglie è molto ingannevole, perché vi lascerà con gli occhi gonfi. Vi farete molte risate nel corso del film, ma dovrete essere preparati per il finale, notoriamente straziante, del film. Questo film ha come protagonista Owen Wilson che porta a casa un cane alla moglie Jennifer Aniston, nella speranza di prendere tempo per avere dei figli. Non sapevano che questo adorabile, ma dispettoso e nevrotico cucciolo avrebbe causato più scompiglio di qualsiasi bambino.

I fan vedono Marley crescere fino a diventare un cane anziano, sviluppando un legame emotivo con il cucciolo, che crolla quando si ammala. Questo film mostra agli spettatori cos’è l’amore incondizionato nella sua forma più bella. Mostra lo stress e i problemi di una famiglia, ma sostituisce i bambini con un soffice quattro zampe. Preparatevi a piangere, ma vi garantirà un nuovo apprezzamento per i vostri animali domestici.

A Dog’s Purpose (2017)

Questa serie di film vi farà versare un ciclo di lacrime ogni 10 minuti. Tutto sommato ha un lieto fine, ma è un viaggio per arrivarci. A Dog’s Purpose segue un cane di nome Bailey che attraversa molte vite e proprietari. Questo film, interpretato da K.J. Apa, permette di sentire ciò che Bailey pensa nel corso del film, il che non fa che spezzare ancora di più il cuore.

Il secondo film si intitola A Dog’s Journey (Il viaggio di un cane). Entrambi i finali sono felici e sentiti, ma bisogna essere forti per arrivare alla fine. La parte migliore di questa serie di film è vedere le diverse vite dei cani e dei proprietari. Entrambi i film seguono lo stesso cane fedele in tutte le sue vite contrastanti ed esotiche. Questi film vi faranno desiderare la vita migliore per il vostro cucciolo, piena di avventure, amore e snack.

Red Dog (2011)

Triste film sui cani basato su un’incredibile storia vera, Red Dog è un commovente dramma australiano sul personaggio principale, un cane amichevole e fedele che viene adottato dagli abitanti di una cittadina mineraria. Col tempo, Red Dog stringe un legame speciale con la comunità e diventa una figura fondamentale, fino a quando non si ammala.

L’incredibile storia di Red Dog farà sentire il pubblico profondamente legato all’affettuoso cane, che ricorda a tutti coloro che lo circondano perché i cani sono creature così amate. L’indimenticabile conclusione sottolinea ulteriormente la notevole fedeltà che i cani possono avere nei confronti dei loro padroni, e gli spettatori possono aspettarsi di piangere lacrime vere quando Red Dog dimostra questo livello di amore e devozione in uno dei film sui cani più tristi di sempre.

8 amici da salvare (Eight Below, 2006)

Ambientato nel freddo e spietato paesaggio dell’Antartide, 8 amici da salvare è un film drammatico e d’avventura incentrato su un gruppo di cani che vengono abbandonati dai loro padroni a causa di un’improvvisa tempesta. I cani vengono lasciati a combattere da soli contro il rigido inverno per il tempo necessario affinché il loro padrone Jerry Shepard (interpretato da Paul Walker) torni e li salvi.

Se l’intera prova sembra stressante, è perché è così. Gli spettatori tratterranno il fiato mentre questa montagna russa di emozioni mostra la lotta dei cani per la sopravvivenza. La rappresentazione del legame unico tra un cane e il suo padrone lo rende un classico del genere, ed è un film imperdibile per il pubblico che vuole commuoversi, ispirarsi e ricordarsi di tenere i propri cani in un luogo caldo e confortevole.

Red e Toby nemiciamici (1981)

Red e Toby nemiciamici è un classico d’animazione Disney che ruota attorno all’amicizia non convenzionale tra un futuro foxhound di nome Copper (Kurt Russell / Corey Feldman) e un’amabile volpe di nome Tod (Mickey Rooney / Keith Mitchell). Nonostante il loro forte desiderio di essere amici, le loro situazioni rendono impossibile sostenere il loro legame, il che porta a scenari strazianti.

Ricco di alcuni dei momenti più sorprendentemente cupi dei film Disney, La volpe e il mastino ha indubbiamente fatto piangere innumerevoli spettatori. È una rappresentazione dolorosa della dura realtà del mondo e di quanto sia difficile separarsi dai propri cari.

Attraverso i miei occhi (2019)

Attraverso i miei occhi è un dramma sentimentale uscito nel 2019 con protagonisti Milo Ventimiglia e Amanda Seyfried. Il film segue la vita di un cane di nome Enzo che è stato accolto da cucciolo da un aspirante pilota di Formula Uno. Questo golden retriever crede di essere nato per essere un pilota di auto da corsa e capisce che le tecniche usate in pista dovrebbero essere usate anche nel viaggio della vita.

The Art of Racing in the Rain, diretto da Simon Curtis, utilizza il cane per raccontare la storia con la voce fuori campo di Kevin Costner. Si tratta di un film unico che coinvolge sia adorabili cuccioli che auto da corsa piene di azione. Vi farà ridere e piangere tutti insieme e vi lascerà con un messaggio importante: dovete realizzare i vostri sogni, indipendentemente da ciò che vi ostacola.

In fuga a quattro zampe (Homeward Bound: The Incredible Journey, 1993)

La Disney sa bene come far piangere il pubblico, soprattutto quando ci sono di mezzo dei cani. In fuga a quattro zampe è il viaggio inimmaginabile di tre animali domestici, Shadow, l’anziano golden retriever (doppiato da Don Ameche), Sassy, la gatta himalayana ad alto mantenimento (doppiata da Sally Field), e Chance, il giovane bulldog americano salvato (doppiato da Michael J. Fox), che sfidano la natura selvaggia per ricongiungersi con i loro padroni, che credono di averli lasciati indietro per errore durante una vacanza. Questo iconico film in live-action capovolge il copione del triste genere dei film sui cani raccontandolo dal punto di vista degli animali domestici.

È straziante dall’inizio alla fine quando non capiscono perché sono stati abbandonati, soprattutto Chance, la cui paura del canile è la motivazione delle sue azioni. Il terzo atto con Shadow ha fatto piangere tutti gli spettatori, compreso il finale. Rivedere Homeward Bound da adulti ricorda agli spettatori che si tratta davvero di uno dei più tristi tra i film per cani della Disney, perché anche quando scorrono i titoli di coda, gli spettatori ricorderanno questo film la prossima volta che lasceranno i loro animali in vacanza.

Zanna Gialla (1957)

Uno dei migliori classici Disney in live-action è il film più triste sui cani, tratto dal romanzo di Fred Gipson vincitore del Newberry Award. Il cane da laboratorio protagonista, Old Yeller, è un randagio che conquista immediatamente il cuore di una famiglia di contadini nel Texas del 1860; tuttavia, il figlio maggiore, Travis (Tommy Kirk), all’inizio esita ad accettare il bastardino, finché Yeller non gli salva la vita. I due formano un legame inimmaginabile che alla fine porta al più duro dei cuori.

Old Yeller non inizia in modo triste, ma finisce in quel modo. Man mano che Yeller cresce con Travis, cresce anche con il pubblico, guadagnandosi il posto di “miglior cane del West”, come recita la sua sigla. Sebbene la premessa generale sia molto sentita sulle gioie della compagnia canina, la conclusione costringe il pubblico a immaginare il peggio se e quando arriverà il momento di perdere il proprio cane. Old Yeller è un classico nostalgico della Disney che sottolinea l’improbabile amore, la lealtà e l’amicizia che derivano dal possedere un cane.

Hachiko – Il tuo migliore amico (2009)

Hachiko – Il tuo migliore amico è un film drammatico del 2008 che inizia come una bella storia di un padrone esitante e di un cane abbandonato che creano un bellissimo legame, una storia che finisce presto in una straziante tragedia. Si basa sulla storia vera di un cane Akita estremamente fedele al suo padrone. Il cane finisce per aspettare ogni giorno in una stazione ferroviaria di Tokyo che il suo padrone torni dal lavoro. Anche dopo la morte del padrone, il devoto cane continua ad aspettare ogni giorno alla stazione ferroviaria per nove anni, finché alla fine muore.

Questa storia strappalacrime ricorda un’altra storia di un cane chiamato Greyfriars Bobby, che ora ha una statua in Scozia. Questo film ricorda al pubblico la fedeltà unica e bellissima che i cani hanno per le persone senza alcuna altra intenzione, ma vi spezzerà il cuore in un milione di pezzi.

Come ogni film sui cani che si rispetti,  Il richiamo della foresta (la recensione) ha un finale che fa piangere. Ma, con una svolta rispetto alla norma, le lacrime non sono per il cane principale Buck (il cagnolino interpretato tramite effetti visivi dall’attore Terry Notary).

Come nel romanzo di Jack London del 1903 da cui è tratto, il dolore è per il protagonista umano, John Thornton (interpretato da Harrison Ford). Nel film, Thornton, a lungo tormentato, muore con Buck che lo sorregge per un ultimo sguardo a un bellissimo prato.

“Il film non avrebbe avuto la stessa forza emotiva senza la morte di Thornton, assistito da Buck, come parte della conclusione”, dice Ford, riconoscendo che un buon pianto da film di cani non è mai una cosa negativa. “Sono d’accordo con lui”.

Il regista Chris Sanders dice che i fan potrebbero aspettarsi che Buck, che è stato rubato dalla sua comoda casa per diventare un cane da slitta della corsa all’oro dello Yukon prima di trovare compagnia con Thornton, alla fine possa tornare a casa. O trovare una vita emotivamente soddisfacente con Thornton.

Ma la morte di Thornton per un colpo di pistola dopo un attacco a sorpresa del cattivo Hal (Dan Stevens) sconvolge tutto. Dopo aver trascorso gli ultimi momenti con Thornton, il cane devastato si trasferisce in natura per vivere a tempo pieno tra i suoi lupi adottivi. Non per niente lo chiamano “Call of the Wild”.

“Le persone che non conoscono la storia originale possono fare il tifo perché Buck trovi la strada di casa, legato e pulito”, dice Sanders. “Ma la vita non funziona così. Il cane trova una nuova casa. Proprio come tutti noi dobbiamo lasciare la nostra casa e trovarne una nuova da qualche altra parte. Ecco perché questa storia resiste: È più reale di tante altre. Eppure Thornton trova conforto con questo cane nei suoi ultimi momenti”.

Come il finale straziante del cane di Il richiamo della foresta si discosta dal romanzo brutale (spoiler!)

Il finale del film Il richiamo della foresta si discosta dal libro, dove Buck trova Thornton brutalmente ucciso dopo un attacco da parte di una tribù di indiani Yeehat. Nel romanzo, il cane dà la caccia alla tribù e si trasforma in un “uragano di furia viva”. Si lancia verso la vena giugulare del capo, “squarciando la gola”, e una “fontana di sangue” sgorga.

Questo è solo l’inizio dell’omicidio per vendetta. Non avrebbe funzionato per questa produzione Fox-Disney.

“Buck diventa un vero e proprio John Wick nel libro”, dice Sanders. “Il libro prende una piega molto cupa a quel punto. Volevamo mantenere il tutto adatto alle famiglie”.

Sia il film che il libro si concludono con Buck che continua a creare un’eredità con il branco di lupi e la loro progenie. I lupi della zona sono visti con “spruzzi di marrone sulla testa e sul muso, con una striscia di bianco… lungo il petto”, come scrive London.

Sullo schermo, Buck viene mostrato per l’ultima volta con la sua straordinaria compagna lupa bianca. Lo si vede saltellare con dei giovani lupi che assomigliano molto al suo San Bernardo e al suo pastore scozzese.

La scena finale tra Buck e Thornton “può essere triste”, dice Ford. “Ma il film si risolleva e finisce con una nota positiva”.

Jack London, scrittore vagabondo la cui vita, seppur breve, è stata caratterizzata da innumerevoli attività e passioni diverse, è oggi ricordato come uno dei massimi romanzieri di inizio Novecento. Titoli come Martin Eden, Zanna Bianca, Il vagabondo delle stelle e La peste scarlatta sono tutti entrati nell’immaginario culturale. Un altro dei suoi più famosi è Il richiamo della foresta , pubblicato nel 1904, il quale è negli stato più volte adattato per il cinema e la televisione. La trasposizione più recente è quella uscita nel 2020 per la regia di Chris Sanders, qui al suo primo film in live action dopo titoli d’animazione come Lilo & Stich e Dragon Trainer.

Si tratta del quinto adattamento per il grande schermo del romanzo di London, e anche in questo caso gli autori optarono per rimanere quanto più fedeli possibile alla sua storia. Ricco di grandi effetti speciali, a partire dal cane protagonista realizzato in CGI, Il richiamo della foresta (qui la recensione) è un puro film d’avventura ricco di emozioni e calore umano e animale, che ricorda la forza della natura e dell’animo. Si tratta inoltre del primo film prodotto dalla 20th Century Studios (precedentemente nota come Fox) in seguito all’acquisizione della Disney, e tra i primi ad essere distribuiti sulla piattaforma Disney+.

A causa della sua uscita in concomitanza con l’iniziale diffondersi del Covid-19, il film è andato incontro ad uno scarso successo economico. Nel tempo ha però guadagnato un proprio seguito, venendo così riscoperto e svelando tutto il suo fascino. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Il richiamo della foresta. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alle differenze con il libro. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di Il richiamo della foresta, il cast e il cane Buck

La storia narrata nel film ha per protagonista Buck, un cane dal cuore d’oro, la cui tranquilla vita domestica viene sconvolta quando si ritrova improvvisamente portato via dalla sua casa in California e trapiantato nella natura selvaggia dell’Alaska durante la Corsa all’Oro degli anni 1890. Come nuova recluta di una squadra di cani da slitta, di cui in seguito diventerà il leader, Buck vive l’avventura di una vita, trovando il suo vero posto nel mondo e diventando padrone di se stesso. Lungo il suo percorso, inoltre, incontrerà ogni tipo di essere umano, dai più crudeli fino al buono John Thornton, con il quale stringerà un legame destinato a durare per sempre.

Come anticipato, per il cane Buck (ma anche per tutti gli altri animali presenti nel film) si è deciso di ricorrere alla CGI. Questa ha permesso di non mettere a rischio veri animali e di ottenere una più ampia varietà di loro espressioni. Per Buck, tuttavia, si utilizzò il vero cane del regista come modello, al fine di riprodurlo nel modo più realistico possibile. Per quanto riguarda il cast di umani, invece, Harrison Ford è l’anziano e buono John Thornton. A differenza del romanzo di partenza, il personaggio ha qui una storia alle spalle. Si è infatti voluto che l’esperienza di Thornton fosse simile a quella di Buck, per mostrare sia l’uomo che il cane che superano insieme i loro traumi passati.

mentre Omar Sy è Perrault, il secondo padrone di Buck e Cara Gee è Françoise, la sua assistente. Quest’ultima ha origini Ojibwe, tribù indiana, e in questo adattamento interpreta una donna Tlingit, un’altra tribù di nativi. Per prepararsi al ruolo, dunque,Gee ha parlato con un cul Tlingit (pronunciato “klinkit”), così da sapere di più sulla loro cultura. L’attore Dan Stevens interpreta il crudele Hal, terzo padrone di Buck insieme a Karen Gillan nei panni di Mercedes. Recitano poi nel film Bradley Whitford nel ruolo del giudice Miller e Jean Louisa Kelly in quello di Katie Miller.

 

Le differenze tra il libro e il film

Nonostante gli autori del film decisero di attenersi il più possibile a quanto narrato da London, fu inevitabile apportare alcune significative modifiche o approfondimenti di quanto presente nel libro. La prima di queste è la maggior storia pregressa fornita al cane Buck. Per quanto romanzo e film abbiano lo stesso inizio, quest’ultimo contestualizza maggiormente il protagonista nella sua situazione iniziale, presentandolo come un cane particolarmente abituato alla vita domestica. Ciò permette di fargli vivere un arco di trasformazione più completo nel momento in cui si trova a dover sopravvivere nella natura selvaggia. Diversi cambiamenti si ritrovano poi anche nei personaggi umani, a partire da John Thornton.

Questo, interpretato da Ford, compare ben prima che lui e Buck diventino compagni di avventure, mentre nel libro egli fa la sua comparsa soltanto verso la fine del racconto. A differenza di quanto descritto per lui da London, il John del film è un uomo molto più solitario, con un vissuto vagabondo simile a quello di Buck. Per quanto riguarda Perrault e François, la quale nel libro è invece è un uomo, questi sono rappresentati come più gentili e meno inclini alla severità. Di azione, invece, ve ne è qui molta di più rispetto al libro, ma vengono invece ridotte fortemente le scene di maggior violenza presenti nel romanzo.

Tutti gli altri cani presenti, ad esempio, sopravvivo ai vari eventi, a differenza di quanto raccontato da London. Differente, infine, è anche la conclusione del racconto. Mentre nel romanzo Buck uccide gli indiani che hanno assassinato John, per poi abbracciare il richiamo della foresta, nel film egli uccide il suo precedente padrone Hal, il quale però ha ferito a morte John. Quest’ultimo ringrazia Buck e gli fa comprendere di dover vivere secondo i propri istinti. È così che, dopo aver detto addio all’amico e padrone, il cane si dirige nella natura selvaggia, dove intraprende una nuova vita.

Il trailer di Il richiamo della foresta e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Il richiamo della foresta grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten TV, Apple TV, Prime Video e Disney+. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 19 aprile alle ore 21:20 su Italia 1.

Fonte: IMDb, Cinemablend

L’adattamento cinematografico La ragazza della palude prodotto da Reese Whiterspoon del bestseller del New York Times di Delia Owens, Where the Crawdads Sing, è ora su Netflix, con Daisy Edgar-Jones nel ruolo principale di Kya Clark. Il film rimane fedele ai valori fondamentali del romanzo e realizza persino i dettagli più minuti con un occhio genuino al testo originale. Quasi tutti gli aspetti sono inclusi nella traduzione. Tuttavia, ci sono alcuni elementi del libro che non sono stati inclusi o sono stati modificati nella sceneggiatura di Lucy Alibar. Dalle discussioni sulla razza, la cronologia e i temi trasversali, fino a piccoli dettagli che a prima vista potrebbero sembrare superflui, ci sono molti argomenti da approfondire quando si confrontano le due opere.

In primo luogo, sarebbe utile esaminare tutte le piccole cose che sono cambiate tra il libro e il film e che sono evidenti ai grandi fan. All’inizio potrebbero sembrare insignificanti, ma scavando più a fondo si scoprono messaggi importanti che si perdono a causa di queste modifiche. Che si tratti della mancanza del cappello rosso di Tate (Taylor John Smith) durante la sua infanzia, del nuovo confronto di Tate con Chase Andrews (Harris Dickinson) o del taglio della morte del padre di Tate (sono cambiate molte cose su Tate), ogni piccolo cambiamento solleva domande e ha un effetto a catena nella narrazione. Anche il colore dei capelli di Kya passa dal nero al marrone.

Il cane scomparso

L’esempio più lampante di questo effetto a catena è rappresentato dai cambiamenti apportati al bar della città. Il Dog Gone, un locale che nel film viene a malapena messo in evidenza, è stato unito al bar della città (un’attività separata nel libro) ed è gestito da un’allegra donna in blu. L’aspetto più significativo è che Owens sottolinea più volte che le donne non sono ammesse al Dog Gone e si sofferma in particolare sulle prime due donne che frequentano il bar quando Barkley Cove entra nell’era moderna. Senza questo dettaglio, lo spettatore si perde un aspetto di uno dei temi principali della storia: il trattamento delle donne nel Sud di metà secolo. Anche se non influisce sull’intero arco narrativo, la sua omissione è sicuramente deludente.

Discussione sulla razza

Un altro aspetto del romanzo che viene deludentemente tralasciato dal film è il commento sul trattamento dei neri nell’epoca. Attraverso la voce interna, viene rivelato che Kya ha molti pensieri sul suo rapporto con la figura paterna e il negoziante Jumpin’ (Sterling Macer, Jr.), che è nero. Sebbene questa ruminazione non sia facilmente trasferibile sullo schermo, poiché non possiamo leggere i pensieri di Kya, è sicuramente dannoso per il film tralasciare le discussioni sul perché Kya non possa abbracciare Jumpin’ o sul perché lui e sua moglie, Mabel, creino disturbo sedendosi in prima fila al processo di Kya. Forse la decisione più controversa è stata quella di eliminare la scena in cui Kya difende Jumpin’ da due ragazzi bianchi che lo molestano per strada. La scena è certamente un’espressione del carattere di Kya, ma ha anche un leggero accenno al tropo del salvatore bianco, quindi la sua rimozione merita un serio dialogo.

Cronologia riordinata

Forse il cambiamento più evidente apportato nel passaggio dalla pagina allo schermo è la cronologia della storia. Diversi punti della trama vengono spostati, come ad esempio il numero di libri pubblicati da Kya quando viene accusata di omicidio o quando riesce a pagare le tasse arretrate sulla sua proprietà. Tuttavia, non sono solo semplici punti a essere ricomposti. L’intera storia viene apparentemente stravolta, cambiando completamente la visione del film. Mentre il libro affrontava la narrazione dal punto di vista della vita di Kya, intervallando sporadicamente flash-forward dell’indagine sull’omicidio tra lunghi tratti di descrizione dell’esperienza di Kya che cresce nella palude, si innamora, perde persone e alla fine viene arrestata, il film inizia con l’arresto di Kya.

La trama di La ragazza della palude si basa sul processo per omicidio, e tutto il contesto si presenta sotto forma di flashback ben calibrati sul passato di Kya, ribaltando completamente la narrazione. Per questo motivo, gli spettatori tendono a vederlo come un giallo, piuttosto che come un coming-of-age su una donna che ha subito un torto e che viene accusata di quell’omicidio. Si ignorano in gran parte i lunghi spazi del viaggio di Kya, che raccontano la sua infanzia abbandonata dalla famiglia, la sua crescita da sola nella palude e la sua trasformazione in una rinomata scienziata.

Questo comprende la maggior parte del romanzo, mentre il processo viene semplicemente inserito a più di metà della storia. Quando la trama è strutturata in questo modo, i lettori sono in grado di vedere Kya come una persona intera e non solo come qualcuno da dimostrare colpevole o meno. Senza di ciò, diventa facile trascurarla, smorzando soprattutto la rivelazione finale e rendendo più difficile estendere l’empatia a Kya.

Dov’è andata Amanda Hamilton?

La modifica più sostanziale al tema del film è il taglio di Amanda Hamilton. La Hamilton, una poetessa prolifica pubblicata in molti giornali e riviste locali di Barkley Cove, è un soggetto di grande ammirazione per Kya. Insieme ad altri, come Emily Dickinson, Kya recita o ricorda spesso le sue poesie nel corso del romanzo, ognuna relativa alla sua situazione attuale. Alla fine del libro, Tate trova pagine e pagine di poesie di Amanda Hamilton scritte a mano da Kya dopo la sua morte, rivelando al pubblico che per tutto il tempo ha inviato segretamente i suoi lavori con questo nome. Sebbene sia stato intelligente per i tempi eliminare le poesie della Hamilton dal film, in quanto non hanno alcun ruolo nella storia, è certamente scoraggiante e rimuove un intero aspetto della personalità di Kya. La sorpresa finale non è altrettanto intrigante senza questa ulteriore rivelazione, diminuendo ancora una volta l’empatia del pubblico per Kya.

Sebbene ognuna di queste differenze significative tra La ragazza della palude e il libro di Where the Crawdads Sing danneggi il successo del film, esso rimane comunque in gran parte fedele al testo originale, rendendo grande giustizia a Owens. Se gli spettatori sono alla ricerca di un adattamento che includa tutti i dettagli fondamentali per il successo del suo predecessore, non devono cercare oltre. Alibar, pur prendendosi le sue libertà creative, fa un ottimo lavoro per attenersi allo spirito principale di Where the Crawdad’s Sing.

Gifted Hands – Il dono è un film drammatico biografico per la televisione del 2009 diretto e co-prodotto da Thomas Carter, scritto da John Pielmeier e interpretato da Cuba Gooding Jr, Kimberly Elise e Aunjanue Ellis. Il film è basato sull’autobiografia del neurochirurgo (e poi politico) Ben Carson, co-scritta da Cecil Murphey e pubblicata con lo stesso titolo nel 1990. Attualmente è disponibile su Netflix.

Il film, presentato da Johnson & Johnson Spotlight, è stato trasmesso in anteprima su TNT sabato 7 febbraio 2009. Gooding Jr. è stato nominato per lo Screen Actors Guild Award per l’eccezionale performance di un attore maschile in una miniserie o film televisivo. Carter è stato nominato per il Directors Guild of America Award per la regia di un film televisivo. Il film ha inoltre ricevuto una nomination ai Critics’ Choice Television Award come miglior film/miniserie e quattro nomination ai Creative Arts Emmy Award.

Di cosa parla Gifted Hands – Il dono

Nel 1987, il dottor Ben Carson si reca a Ulm, in Germania, per incontrare una coppia di coniugi Peter e Augusta Rausch, che hanno due gemelli uniti dietro la testa. Il dottor Carson ritiene di poterli separare con successo, ma si rende conto che rischia di perdere uno o entrambi. Dopo aver spiegato il rischio, e nonostante questo, Ben accetta di operare.
Durante i quattro mesi che trascorre facendo ricerche e formulando un piano per aumentare le possibilità di successo dell’intervento, il film si sposta nel 1961 a Detroit, Michigan, quando l’undicenne Ben Carson va male a scuola. La madre single Sonya, che ha solo la terza elementare, è preoccupata per i fallimenti scolastici di entrambi i figli e decide di fare qualcosa.

Per prima cosa, impone a Ben e al fratello maggiore Curtis di imparare le tabelline della moltiplicazione e, a loro insaputa, si fa ricoverare in un istituto psichiatrico per combattere la depressione. Quando torna, stabilisce che i suoi figli guardano troppa televisione, quindi li limita a non più di due programmi a settimana, imponendo loro di leggere libri e di scrivere relazioni su di essi. Nasconde a Ben e Curtis il fatto di essere analfabeta e di non poter quindi leggere le loro relazioni sui libri.

Ben e Curtis iniziano a imparare molto dal mondo dei libri

Ben e Curtis iniziano a imparare molto dal mondo dei libri. Nel giro di un anno, Ben passa dall’ultimo della classe al primo posto. Dopo la cerimonia di consegna dei diplomi della scuola media, in cui l’insegnante dice con rabbia ai compagni bianchi di Ben che dovrebbero vergognarsi per aver ottenuto risultati peggiori di Ben, nero e meno privilegiato, Sonya fa iscrivere Ben a una scuola superiore prevalentemente nera.

Nella nuova scuola, Ben è ripetutamente vittima di bullismo da parte di due studenti, ma si riappacifica dopo averli superati in una battaglia di battute su “yo mama”. Ben presto si rivelano tossici e danno a Ben un coltello. Nel frattempo, Ben cova un temperamento irascibile che culmina quando minaccia fisicamente Sonya e quasi accoltella uno dei suoi ex bulli. Anche se la lama colpisce la fibbia della cintura dell’amico e non si conficca, Ben corre a casa in preda all’orrore e chiede a Dio di perdonare il suo brutto carattere, secondo la sua fede avventista del settimo giorno, permettendogli di riprendersi.

Dopo un duro lavoro e una forte determinazione, Ben riceve una borsa di studio per l’Università di Yale, dove incontra la sua futura moglie, Candy Rustin, che lo sostiene nella sua lotta per superare Yale. Dopo aver studiato neurochirurgia, Ben viene accettato come specializzando al Johns Hopkins Hospital, dove si trova di fronte a un dilemma che potrebbe porre fine alla sua carriera: operare un uomo morente senza autorizzazione o supervisione o lasciarlo morire. Accetta il rischio e salva la vita dell’uomo, venendo poi promosso dal suo superiore.

Nel 1985, dopo che la madre di Ben ha raggiunto la famiglia nel Maryland, Candy viene portata d’urgenza in ospedale dove abortisce i suoi due gemelli. Il dottor Carson resta con lei tutta la notte fino al mattino successivo, quando esegue un intervento raro, un’emisferectomia, in cui rimuove metà del cervello di un bambino di quattro anni che ha convulsioni cento volte al giorno. Nonostante i drastici rischi, l’intervento è un successo e la bambina si riprende molto più velocemente di quanto Ben avesse previsto, il che gli procura il primo assaggio di esposizione mediatica.

Il film torna poi a quando Ben si sta preparando a un’operazione rischiosa per separare i due gemelli congiunti alla testa. Quando i quattro mesi stanno per finire, Ben non riesce ancora a trovare un modo per separare i gemelli. Poi riceve un’illuminazione mentre gioca a biliardo da solo e, di conseguenza, elabora un piano. A 22 ore dall’intervento, il dottor Carson e la sua équipe riescono a separare i gemelli, salvando le loro vite e liberando i genitori Peter e Augusta. Il film si conclude con il dottor Carson circondato dalla stampa.

Due reporter agguerrite, una alta e di origine WASP, l’altra più bassa ed ebrea, in uno dei giornali più potenti del Paese, lottano per chiedere conto a un uomo estremamente potente e senza scrupoli, disposto a spendere enormi quantità di denaro e di influenza per mantenere il muro di silenzio che lo ha protetto per molti anni. Non sto parlando di Tutti gli uomini del presidente, ma di Anche io (She Said), la drammatizzazione di come le reporter del New York Times Jodi Kantor (Zoe Kazan) e Megan Twohey (Carey Mulligan) hanno messo insieme la loro denuncia delle molestie subite dal magnate del cinema Harvey Weinstein, che vanno dal bullismo fino alle aggressioni sessuali.

Come nel caso di Woodward e Bernstein, Kantor e Twohey si sono trovati di fronte alla riluttanza delle persone ad andare in onda, e il film descrive la loro combinazione di persistenza, persuasione e suppliche che alla fine ha rotto la diga. Dato che le affermazioni sul comportamento di Weinstein raccontate in Anche io (She Said) She Said sono già state vagliate dagli avvocati del New York Times e presentate come prove giurate in un tribunale, è improbabile che si tratti di fantasia. Ciò che forse è più interessante è ciò che il film sceglie di tralasciare o di accennare solo di sfuggita. Abbiamo letto l’omonimo libro di Kantor e Twohey, e consultato i resoconti di Ronan Farrow e altri, per determinare quali parti del film sono tratte direttamente dalla vita reale e quali sono licenze artistiche.

Weinstein ha messo sotto sorveglianza i giornalisti?

Nel film, Kantor ha la sensazione che un furgone nero con i finestrini oscurati la stia seguendo lungo una strada buia. Mentre guarda indietro, il furgone accelera per superarla. Non viene mai più menzionato.

In realtà, Weinstein ha utilizzato due società di sorveglianza segrete per tenere sotto controllo non solo Kantor e Twohey, ma anche altri reporter che lavoravano a storie su di lui, nonché le fonti che parlavano con i reporter, il tutto allo scopo di fare pressione su di loro per farli tacere. Una era la Kroll, un servizio di intelligence aziendale affermato. L’altro era il Black Cube, un servizio di intelligence israeliano con ex agenti del Mossad e di altri servizi segreti.

Sebbene il film non spieghi mai chi fosse nel furgone nero o se stesse effettivamente seguendo Kantor, in realtà Weinstein si era servito di Kroll per anni, per compilare profili psicologici su molti individui che percepiva come problematici. Secondo quanto riportato da Ronan Farrow sul New Yorker, già a metà degli anni Duemila Weinstein aveva ingaggiato la società per raccogliere informazioni sul defunto David Carr, che stava scrivendo un articolo su di lui per il New York Magazine.

Farrow ha anche riferito che un’agente di Black Cube, che si faceva chiamare “Diana Filip”, si è spacciata per un’attivista per i diritti delle donne e ha incontrato Rose McGowan – una delle prime fonti dei giornalisti del Times, che alla fine ha accusato Weinstein di stupro – registrando di nascosto le loro quattro conversazioni. Sostenendo di essere una direttrice di una società di gestione patrimoniale con sede a Londra, ha chiesto alla McGowan di parlare a un gala di beneficenza per un’iniziativa che combatte la discriminazione delle donne sul posto di lavoro per un compenso di 60.000 dollari. Ha anche inviato e-mail sia a Kantor che a Farrow, cercando di ingraziarsele. Tuttavia, l’unico riferimento a lei nel film è una menzione di sfuggita di un’e-mail di “Diana Filip”.

Weinstein ha anche usato i suoi legami con i giornalisti dei tabloid per ottenere informazioni sulle sue accusatrici. Dylan Howard, che era il responsabile dei contenuti della società che pubblica il National Enquirer, ha condiviso il materiale che la rivista aveva per aiutare Weinstein a smentire le accuse di stupro della McGowan. Ha anche fatto chiamare da uno dei suoi reporter Elizabeth Avellán, la produttrice ed ex moglie del regista Robert Rodriguez, che Rodriguez aveva lasciato mentre aveva una relazione con la McGowan, nella speranza di convincerla a rivelare il suo segreto su McGowan, ma Avellán ha rifiutato.

L’aspetto più perverso è che Weinstein ha fatto chiamare da due ex dipendenti, Denise Chambers e Pamela Lubell, i loro ex colleghi nel tentativo di individuare chi potesse essere tentato di parlare con i giornalisti delle accuse. Tuttavia, Lubell ha dichiarato di essersi recata nell’ufficio di Weinstein nel 2017 per proporgli un’applicazione che stava sviluppando, e lui si è limitato a suggerire a lei e alla Chambers di scrivere un “libro divertente sui vecchi tempi, il periodo d’oro, della Miramax”, e di fornirle un elenco di tutti i dipendenti che conosceva e di mettersi in contatto con loro. L’elenco, ovviamente, fu consegnato a Kroll.

Weinstein ha davvero detto di trovare le donne asiatiche ed ebree poco attraenti?

Kantor e Twohey scoprono che la chiave della storia non sono le attrici di alto profilo molestate da Weinstein, ma tre ex assistenti del produttore nell’ufficio di Londra: Zelda Perkins (Samantha Morton), Rowena Chiu (Angela Yeoh) e Laura Madden (Jennifer Ehle). La Chiu vive attualmente in California e quando nel 2015 Kantor si reca a casa sua e trova il marito che sta innaffiando il prato, scopre che non sa che la moglie ha mai lavorato nel mondo del cinema. È Zelda a dare la prima svolta ai giornalisti quando consegna loro una copia dell’accordo di non divulgazione che ha firmato con Miramax. Racconta anche che quando, in qualità di assistente capo di Weinstein, assunse per la prima volta Rowena, allora ventunenne e neolaureata all’Università di Cambridge, Weinstein le assicurò che si sarebbe comportato bene con la nuova ragazza perché “non gli piacevano le donne ebree o asiatiche”.

In effetti, mentre Chiu ha ricordato in un articolo del New York Times del 2019 che “aveva assicurato a Zelda che non mi avrebbe molestato perché, se non ricordo male, non si occupava di ragazze cinesi o ebree”, Weinstein le disse in seguito che “gli piacevano le ragazze cinesi. Gli piacevano perché erano discrete”. Poco dopo, scrive la donna, tentò di violentarla.

Come da istruzioni di Perkins, Chiu aveva indossato due paia di collant per proteggersi quando era stata convocata nella stanza d’albergo di Weinstein per un incontro durante la Mostra del Cinema di Venezia. Tuttavia, anche se lei “ha cercato di placarlo togliendone uno e lasciandomi massaggiare… non ha funzionato. Lui si era tolto l’altro paio e io ero terrorizzata che la mia biancheria intima fosse la prossima”. Harvey si avvicinò: Per favore, mi disse, solo una spinta e sarà tutto finito”.

Chiu riuscì a scappare e si rifugiò immediatamente nella stanza di Perkins. Una volta tornate a Londra, le due donne cercarono di denunciare Weinstein ai suoi superiori e alla polizia, ma si sentirono dire che nessuno avrebbe creduto loro. Al contrario, furono costrette a firmare un accordo di non divulgazione che non permetteva loro di parlare con familiari, amici o terapeuti e imponeva loro di identificare chiunque avesse già parlato con loro. Non è stato nemmeno permesso loro di tenere una copia dell’accordo.

Laura Madden si è dichiarata subito prima dell’intervento chirurgico?

Jodi e Megan hanno bisogno di una fonte che confermi la loro storia prima che vada in stampa, ma non riescono a far parlare nessuno. Chiamano Madden poco prima dell’ultima scadenza per l’articolo, che coincide anche con il momento in cui Laura deve sottoporsi a un intervento di ricostruzione dopo una mastectomia. In camice d’ospedale, la donna concede loro il permesso di utilizzare la sua intervista per la storia.

Sembra un accostamento creato a fini drammatici, ma in realtà è vero. Come gli altri assistenti di Weinstein, Madden era una donna giovane e inesperta quando, nel 1992, ottenne quello che pensava fosse il lavoro dei suoi sogni nel mondo del cinema, un lavoro di coordinamento delle comparse per la produzione Miramax Into the West, girata nella sua nativa Irlanda. Questo la portò a essere convocata nella stanza d’albergo di Weinstein a Dublino, dove lui le disse che poteva garantirle un lavoro permanente nell’ufficio londinese della Miramax, ma poi si tolse l’accappatoio e pretese che lei gli facesse un massaggio prima di, secondo lei, aggredirla sessualmente. Come Chiu, anche lei ha immediatamente raccontato a Perkins l’accaduto. Dopo che Perkins ha affrontato il suo capo, questi si è scusato e Madden ha continuato a lavorare per Miramax per sei anni. Tuttavia, come racconta nel libro a Kantor e Twohey, “la sensazione più forte che ricordo è stata la vergogna e la delusione per il fatto che qualcosa di così promettente si fosse ridotto a questo. Ogni speranza che mi venisse offerto un lavoro per merito mio era svanita”.

In realtà, è stato il tentativo di Weinstein di intimidirla che l’ha motivata a parlare in via ufficiale. Una settimana prima che Kantor la chiamasse nel luglio 2017, ricevette una telefonata da Lubell, con cui non parlava da almeno due decenni. “Mi telefonava per chiedermi se stavo parlando con qualche ‘giornalista scarafaggio’ e cercava di convincermi a dire quanto fosse stato bello lavorare alla Miramax. E io ero davvero scioccato. All’improvviso ho pensato: “È stata costretta a chiamarmi”, c’è Weinstein dietro tutto questo. Questo mi ha spinto ad aspettarmi una telefonata da non so chi, ma da un giornalista. Quando Jodi mi chiamò, ero assolutamente pronta e preparata a parlarle, all’inizio in via ufficiosa“, ha ricordato Madden.

Ormai aveva abbandonato da tempo l’industria cinematografica e viveva in Galles, crescendo le sue figlie. Ancora più sorprendente è il fatto che quando Kantor la chiamò e lei accettò di parlare, non solo si stava riprendendo dal cancro al seno, ma aveva anche divorziato da poco e aveva appena scoperto che l’ex marito aveva una nuova fidanzata.

Dopo aver intervistato Madden in estate, la Kantor si è tenuta in contatto nei mesi successivi, mentre Madden valutava se fosse disposta a rendere pubblica la notizia. “Avevamo accumulato informazioni a New York, tra cui un promemoria molto prezioso che non potevamo più tenere nascosto”, ha detto Kantor. “Laura e io… ci siamo rese conto, credo con orrore di entrambe, che l’intervento chirurgico [per il cancro al seno] di cui Laura mi aveva già parlato… sarebbe coinciso con la pubblicazione della nostra storia. Megan e io ci siamo chieste: “Come possiamo chiederle di parlare? È troppo da chiedere a chiunque”. Allo stesso tempo, non potevano permettersi di perdere Madden perché non aveva firmato un NDA ed era l’unica donna disposta a parlare.

Prima di decidere di partecipare alla storia, Madden ha raccontato l’aggressione alle sue figlie, ora adolescenti. “Continuavano a dire: ”Sono così orgogliosa di te, è così bello che tu faccia parte di questa storia. Le cose devono cambiare”. Vedendo la loro reazione, è stato chiaro che avevo un ruolo da svolgere”, ha detto Madden. “La sera seguente ho inviato un’e-mail a Jodi e Megan. Penso che una volta inviata quell’e-mail ho preso la decisione di andare fino in fondo e di non essere esitante sul fatto di aver preso la decisione sbagliata”.

Lena Dunham ha davvero cercato di aiutare?

In una breve scena del film, Kantor e Twohey vengono a sapere che Lena Dunham e la sua produttrice Jenni Konner vogliono aiutarli.

Nella vita reale, alla ricerca di donne dello spettacolo che potessero essere potenziali testimoni, i reporter sono stati messi in contatto con la Dunham. Come descrivono i giornalisti nel loro libro, all’inizio erano diffidenti perché Dunham non sembrava una persona che avrebbe mantenuto la riservatezza. Vennero a sapere che Dunham e Konner, come molti altri nel settore, avevano sentito parlare del comportamento predatorio di Weinstein e volevano denunciarlo nella loro Lenny Letter online, ma non avevano le risorse per gestire un’indagine del genere. Tuttavia, i due creatori di Girls sono riusciti a inviare discretamente a Twohey e Kantor i nomi e i numeri di attrici che avrebbero potuto essere disposte a parlare. Alla fine hanno preso un pesce grosso, Gwyneth Paltrow.

Weinstein ha davvero cercato di parlare con Kantor “da ebreo a ebreo”?

Alla fine del film, Kantor racconta a Twohey che un membro del team di Weinstein l’aveva avvicinata nel tentativo di dissuaderla dal continuare la storia, chiedendole di parlarle “da ebreo a ebreo”. In una scena precedente, Kantor cerca di conquistare uno dei rappresentanti di Weinstein legando con le loro origini comuni.

Parlando con il Forward, la Kantor ha detto che la scena in cui viene rappresentata mentre lega con il contabile di Weinstein, Irwin Reiter, per il fatto che entrambi sono discendenti di sopravvissuti all’Olocausto e che entrambi hanno trascorso le vacanze di famiglia in un bungalow di Borscht Belt è accurata. “Era un modo per dire: ‘Io e te siamo un po’ uguali’. C’è una parte di noi che proviene da un mondo che gli altri non capiscono. E non si tratta solo di essere ebrei. È un sottoinsieme di un sottoinsieme di un sottoinsieme di un sottoinsieme dell’essere ebreo“, ha detto Kantor, paragonando questa ‘autentica connessione ebraica” ai tentativi più manipolatori di Weinstein di stabilire un rapporto simile.

“Weinstein ha ripetutamente cercato di relazionarsi con me da ebreo a ebreo”, ha ricordato. “Non ho mai reagito visibilmente, perché si cerca sempre di rimanere molto professionali, soprattutto con una persona come lui. Ma non è stato efficace. E nel profondo, anche se non l’avrei mai mostrato, l’ho trovato offensivo”. … L’ipotesi di Weinstein che il tribalismo potesse in qualche modo prevalere sulla mia etica di giornalista – che io fossi in qualche modo distratto da questa storia, sai, da un comune legame ebraico – alla fine è stato un tale errore di calcolo”.