La prima immagine diffusa del
film The Fantastic Four
Le riprese di The
Fantastic Four: First Steps continuano a ritmo serrato
e i fan presenti alla presentazione dei Marvel Studios al D23 hanno potuto
dare un’emozionante prima occhiata alla prima famiglia Marvel sul
set. Ancora meglio: Joseph Quinn era in costume,
indossando quella che sembra essere la supertuta di Johnny
Storm durante la clip.
Questo è il primo sguardo che il
pubblico ha avuto sull’uniforme che i personaggi probabilmente
indosseranno mentre combattono il male e usano le loro abilità date
dai raggi cosmici per rendere il mondo un posto migliore. Si noti
che Quinn è l’unico a indossarla, quindi non si sa se i suoi
compagni di squadra sullo schermo indosseranno lo stesso
abbigliamento, se ha un significato speciale nel film o perché era
l’unica persona a indossarla. Anche se questo non è stato
confermato ufficialmente come il design finale della squadra che i
fan vedranno sullo schermo, e l’abbigliamento di Quinn potrebbe
essere stato solo un uovo di Pasqua destinato a stimolare la
conversazione e l’eccitazione, possiamo dedurre alcune cose
dall’abbigliamento e da ciò che potrebbe rivelare – o nascondere.
Ecco cosa si può dedurre o prevedere dai suoi nuovi abiti.
1Si impegna a fondo nell’atmosfera
retro-futura della produzione
La prima immagine diffusa del film The Fantastic Four
Un’altra cosa importante del costume di Johnny
è che indica la volontà del film di impegnarsi completamente nella
sua estetica. Questo tocco sembra essere un cenno alla possibile
combinazione di fascino retrò e azione moderna che il film potrebbe
offrire. Sappiamo che il film sarà ambientato negli anni ’60 grazie
a una teoria dei fan confermata durante il panel del Comic-Con di
San Diego. Se da un lato il film potrebbe portare un tocco retrò al
Marvel Cinematic Universe, dall’altro offre la
possibilità di una completa rinascita della linea temporale. Dopo
tutto, i fumetti possono aggiornare costantemente le loro storie,
perché non gli universi cinematografici?
Il
costume di Johnny non è l’unico elemento dell’immagine che indica
il possibile stile visivo del film. I dettagli arancione pallido e
marrone di quello che sembra essere l’appartamento di Reed e il suo
stile architettonico curvilineo degli anni ’60 sono quasi azzeccati
per il periodo. Ma i piccoli dettagli sono sufficienti per
chiedersi quanto si allontanino le cose.
In
ogni caso, potrebbe essere giunto il momento per il MCU di
ricostruirsi in qualcosa di fresco e interessante ora che si
avvicina al suo secondo decennio. E un dettaglio così piccolo come
il costume di Johnny lascia intendere che il futuro sarà qualcosa
di speciale. Scopriremo quanto sia unico The
Fantastic Four: First Steps darà il via alla
Fase Sei del Marvel Cinematic Universe quando uscirà il 25
luglio 2025.
Anche quando si è pronti a cambiare
aria, può essere difficile lasciare un lavoro che si svolge da
tempo. Nel caso di Robert Downey Jr. che ha interpretato
Tony Stark nel Marvel Cinematic Universe
per oltre un decennio, è stato sicuramente così. Dopo una lunga e
complicata carriera a Hollywood, durante la quale ha vissuto molti
alti e bassi, Robert Downey Jr. è passato a un livello
superiore di celebrità quando ha assunto il ruolo del carismatico
produttore di armi Tony Stark in “Iron Man” nel 2008.
All’epoca, non c’era alcuna
garanzia che il film sarebbe stato un successo o che l’intero gioco
dei Vendicatori su cui gli allora nuovi Marvel Studios stavano
puntando avrebbe dato i suoi frutti. Dopotutto, Iron Man non era
certo un personaggio dei fumetti molto amato dai fan, e il genere
dei supereroi aveva fatto cilecca al botteghino per anni. Ma quando
funzionava, funzionava davvero. Dopo l’enorme fenomeno di quel
primo film, Robert Downey Jr. è tornato a indossare
l’armatura e ha interpretato il personaggio con grande impegno nel
corso di altri otto film (più un cameo non accreditato in
“L’incredibile
Hulk” del 2008). Così facendo, ha contribuito a creare uno
dei franchise più redditizi dell’industria cinematografica di tutti
i tempi ed è diventato uno dei giocatori più preziosi della
Marvel.
Ma alla fine, anche il ruolo più
divertente (e redditizio) può diventare creativamente soffocante.
Qualsiasi attore inizierebbe a chiedersi quali altre opportunità si
stia perdendo e Downey, che era diventato il volto de facto del
Marvel Cinematic Universe, ha iniziato a desiderare qualcosa di
diverso. Come ha rivelato Downey in un’intervista al
New York Times Magazine, la domanda è diventata subito:
“Quanto tempo è troppo per un singolo ruolo?“.
“Cominci a chiederti“, ha
confessato Robert Downey Jr. al New York Times
Magazine, “se un muscolo che hai non si sia atrofizzato”.
Dopo tanti anni nei panni di Tony Stark, l’attore si è tuffato a
capofitto nel suo primo grande ruolo non Marvel, che si è rivelato
essere il disastroso “Dolittle”. Sebbene lui e il suo team fossero
entusiasti della possibilità di vederlo protagonista di un progetto
che la star sperava potesse diventare un “potenziale franchise
grande, divertente e ben realizzato“, non è andata così. E non
è nemmeno il tipo di progetto che si vorrebbe affrontare per
dimostrare a se stessi che si è ancora in grado di fare
l’attore.
È stato quindi un sollievo quando
Christopher Nolan lo ha contattato per interpretare il meschino
e vendicativo Lewis Strauss in “Oppenheimer“.
Il ruolo ha visto il suo personaggio trascorrere decenni a nutrire
un rancore unilaterale nei confronti del J. Robert
Oppenheimer di Cillian Murphy e ha fatto guadagnare a Downey
un Oscar. L’attore ha ammesso di aver avuto dei timori
nell’affrontare una parte del genere dopo aver trascorso così tanto
tempo a incarnare il Tony Stark della Marvel, un
personaggio che si era basato su quelle che lui definisce le sue
“caratteristiche principali… la parlantina veloce, il fascino,
l’imprevedibilità, bla, bla, o come diceva il mio caro amico Josh
Richman, un attore caratterista, mi sono fatto le ossa
interpretando ‘Milo, l’amico anticonformista‘”. Ma alla fine,
“Oppenheimer” lo ha reso desideroso di abbracciare
la sfida, che lo avrebbe spogliato di qualsiasi affettazione a cui
poteva appoggiarsi come stampella.
Una scommessa che, a quanto pare,
ha dato i suoi frutti, visto il successo astronomico del film. Ora,
Downey ha la possibilità di avere la botte piena e la moglie
ubriaca, avendo la convalida di un’interpretazione da Oscar e
ricevendo un’altra,
enorme busta paga dalla Marvel per la sua
prossima interpretazione del Dottor Destino. Non male!
Nel 2014,
Kingsman: The Secret Service ha fatto breccia nei
cuori degli spettatori di tutto il mondo. Secondo Box Office Mojo,
il
film è stato visto da un numero di persone sufficiente a fargli
guadagnare più di cinque volte il suo budget iniziale di 81 milioni
di dollari. L’enorme ode a tutto ciò che riguarda i film di
spionaggio ha unito gli elementi di commedia, intrigo e azione del
genere per uno dei film più emozionanti e divertenti dell’anno.
Il film segue Gary “Eggsy” Unwin
(Taron
Egerton), un giovane inglese di strada con un talento
per le fughe improvvisate e un cuore d’oro. Viene reclutato dal
compagno di guerra del padre defunto, Harry Hart (Colin
Firth), per far parte di un’agenzia di spionaggio
britannica nota come Kingsman. Durante il viaggio, i Kingsman
entrano in conflitto con il miliardario magnate della telefonia
Richmond Valentine (Samuel
L. Jackson), che ha in mente un piano per sfoltire la
sovrappopolazione mondiale utilizzando onde che inducono
all’aggressività emesse dalle schede SIM della sua azienda; una
volta attivate, tutti coloro che si trovano nel raggio d’azione
diventano pazzi assassini. Quando Harry viene ucciso e gli altri
membri di Kingsman si uniscono a Valentine, tocca a Eggsy fermare
il piano del folle nel modo tradizionale delle spie.
Come fa Eggsy a passare da ragazzo
di strada a eroe?
Alla fine, Eggsy ferma i piani di
Valentine prima che vengano causati danni significativi alla
popolazione mondiale. Tuttavia, Eggsy non sarebbe stato in grado di
farlo se non si fosse impegnato a fondo e non si fosse trasformato
da chav in un agente segreto elegante come James Bond. All’inizio
del film, Eggsy è tutt’altro che una spia dalla parlantina
elegante. È un teppista dall’accento pesante che ruba auto solo per
divertirsi. In realtà, ha l’opportunità di diventare un Kingsman
solo quando usa il numero sul vecchio medaglione di guerra del
padre per chiamare Harry e ottenere una carta “esci gratis di
prigione”. La maggior parte del resto del film si concentra
sull’addestramento di Eggsy invece che sulle sue fughe per salvare
il mondo. Impara a combattere, a sparare, ad addestrare i cani, a
mescolare i drink e praticamente qualsiasi altra abilità che ci si
aspetta che una spia conosca a menadito.
In fin dei conti, è proprio questo
l’obiettivo del film: diventare un eroe. Eggsy non affronta
direttamente l’antagonista fino all’inizio del terzo atto. Anche in
questo caso, è solo perché Harry Hart viene tolto di mezzo grazie a
una pallottola in testa. Quando Eggsy scopre che tutti gli altri
Kingsman sono dalla parte di Valentine, non ha altra scelta che
salvare il mondo. Si tratta di un’evoluzione del personaggio che è
frutto sia delle circostanze che della morale di Eggsy.
Il finale del fumetto è molto
diverso
Per chi non fa parte del mondo dei
fumetti, Kingsman è sembrato un film originale che ha avuto un
grande successo. In realtà, il film è tratto da una graphic novel
delle leggende del fumetto Mark Millar e Dave Gibbons. Secondo
CineFix, il fumetto originale – intitolato semplicemente The Secret
Service – ha una trama di base simile che presenta alcune
differenze sostanziali nel corso della storia, compreso il finale.
Nella versione cinematografica, Eggsy assalta da solo il complesso
montuoso di Valentine. Uccide i membri dell’1% che sostengono i
piani di Valentine, lo pugnala al petto e conclude la serata con
una relazione improvvisata con una principessa svedese. È un finale
trionfale, umoristico e appropriato per un film d’azione campagnolo
sulle spie britanniche.
Nel frattempo, il fumetto vede
Eggsy riunire le sue reclute Kingsman per organizzare un assalto al
nascondiglio del cattivo Dr. James Arnold. Lì, salvano molti degli
attori più famosi del mondo – che Arnold ha rapito – e si
sbarazzano del cattivo con un colpo di pistola a bruciapelo in
faccia. Non c’è nessuna principessa svedese, anche se le onde radio
del cattivo vengono trasformate da aggravanti in afrodisiache.
Eggsy non avrà il suo “lieto fine”, ma il resto del mondo sì.
Potreste amare il film con Carey Mulligan
Una Donna Promettente(la nostra recensione). Potreste odiarlo. Potreste
esserne indifferenti. Ma una cosa sembra quasi certa: proverete
forti emozioni per il suo finale.
La maggior parte di Una
Donna Promettente (Promising Young Woman) sembra
un’abile rivisitazione dei film di exploitation, in cui qualcuno
che ha subito un torto si vendica. Mulligan interpreta Cassie, la
cui migliore amica, Nina, è stata violentata quando le due
frequentavano la facoltà di medicina. Nonostante Nina abbia
denunciato lo stupro e nonostante ci fossero delle prove video,
nessuno a scuola ha preso sul serio le sue affermazioni e ha punito
i colpevoli. Sia Nina che Cassie hanno lasciato la scuola e si
lascia intendere che Nina sia morta suicida.
Ora Cassie vendica abitualmente
Nina andando nei bar e fingendo di essere ubriaca. Inevitabilmente,
un uomo la porta a casa e inevitabilmente cerca di andare a letto
con lei senza il suo chiaro consenso. Prima che lui possa farlo,
lei rivela il suo stratagemma, parlandogli in modo convincente e
terrorizzandolo al pensiero di quello che ha appena fatto.
(Inevitabilmente, gli uomini tentano di ritorcere la loro
situazione contro Cassie, ma il film non prende sul serio la loro
reazione, a suo merito).
Il piano di Cassie prevede anche
una vendetta più diretta nei confronti delle persone che incolpa
per la morte di Nina, tra cui un ex amico che li ha lasciati a
bocca asciutta, l’avvocato che ha difeso lo stupratore di Nina in
tribunale e il preside del college. Ma la persona in cima alla
lista di Cassie, com’era prevedibile, è lo stupratore di Nina, Al.
E Al sta per avere un addio al celibato.
Seguono importanti spoiler su
Una Donna Promettente (Promising Young
Woman)
Cassie ottiene il luogo della festa
di Al da Ryan, il ragazzo con cui esce per gran parte del film,
finché non si rende conto che anche lui non ha fatto nulla per
aiutare Nina mentre veniva violentata di fronte a numerose persone
durante una festa. (Una Donna Promettente non
racconta mai quello che è successo a Nina, né lo dice veramente, ma
si capisce comunque cosa è successo perché la storia di Nina è così
tristemente comune nel nostro mondo).
Così Cassie si traveste da
spogliarellista e si presenta all’addio al celibato di Al, dove
compirà il suo ultimo atto di vendetta: incidere il nome di Nina
sulla pelle di Al dopo averlo ammanettato al letto.
Ma le cose non vanno secondo i
piani. Ed è qui che nel film accade un punto di svolta
sorprendente.
È come se l’intera trama di
Una Donna Promettente fosse stata invertita da ciò
che accade alla fine del film.
Ecco cosa succede: Al si libera da
una delle manette e riesce a soffocare Cassie con un cuscino. Lei
muore. Il film cambia prospettiva per seguire Al e il suo amico Joe
mentre cercano di coprire il loro crimine. Più tardi, al matrimonio
di Al, l’atto finale del piano di Cassie si compie quando la
polizia si presenta per arrestare Al per l’omicidio di Cassie. La
donna aveva inviato il luogo dell’addio al celibato all’avvocato
pentito che aveva difeso Al nel caso di stupro, avvisandolo che
aveva intenzione di essere presente, nel caso in cui fosse
scomparsa. Lui ha contattato la polizia. Alla fine Al è finito in
prigione.
Questi sviluppi racchiudono gli
ultimi 15 minuti di un film, anche se si accetta il fatto che
Una Donna Promettente ha già fatto accadere molti
altri punti di svolga ancor prima di arrivare al finale. Ma la
morte di Cassie ci ha fatto capire quale fosse l’obiettivo della
sceneggiatrice/regista Emerald Fennell: Ci stava costringendo a
vedere quanto profondamente il punto di vista di ragazzi come Al
abbia soffocato la nostra cultura pop.
“L’addio al celibato va a rotoli
quando muore la spogliarellista e/o la lavoratrice del sesso” è
ormai un cliché, ma la maggior parte delle storie di questo tipo
sono raccontate dal punto di vista dei partecipanti all’addio al
celibato, non da quello della spogliarellista o della lavoratrice
del sesso. Poiché Una Donna Promettente è
così profondamente incentrato su Cassie, l’improvviso passaggio a
una trama che sembra appartenere a un altro film è incredibilmente
stridente. Tuttavia, questa stridente qualità ha uno scopo: aiuta
gli spettatori a capire che la versione più tipica di questo film
trasformerebbe la spogliarellista in un cadavere usa e getta –
non le permetterebbe mai di essere la
protagonista.
“Come appare questa storia dal
punto di vista di uno dei personaggi minori?” è una domanda utile
che ogni scrittore deve porsi riguardo a ciò che sta scrivendo. Ma
ciò che Fennell ha fatto in Una Donna
Promettente è stato concentrarsi su un intero tropo
attraverso il punto di vista della persona più spesso trattata come
un sacrificio necessario per portare avanti la trama.
In effetti, saremmo molto sorpresi
se Una Donna Promettente non fosse un’opera
inversa, solo un po’, da “Che aspetto ha la storia della
spogliarellista che muore all’addio al celibato se è raccontata dal
punto di vista della spogliarellista?”. Ricordandoci forzatamente
di chi sarebbe la storia – ovvero di Al e Joe – Una Donna
Promettente spinge il pubblico a riconsiderare tutti
i cadaveri di donne senza nome che abbiamo visto in altri film e
show televisivi, quelli che danno il via a una storia sugli uomini
nelle loro vaghe vicinanze, a volte gli uomini che hanno
effettivamente ucciso quelle donne.
Con questa scelta ci sfida anche a
spostare la nostra empatia da Cassie ad Al o Joe. Il pubblico ha la
tendenza a dare un po’ di tregua a un protagonista, e una volta che
Cassie è morta, a Una Donna
Promettente manca del tutto un protagonista. Al
potrebbe intervenire per riempire questo vuoto. Dopo tutto, nessuno
di noi vorrebbe che una donna vendicativa incidesse il nome della
sua migliore amica sulla propria pelle.
Ecco perché il finale del film, in
cui Cassie manda Al in prigione dall’oltretomba, è così importante.
Senza di esso, il film non si concluderebbe solo con una nota
negativa, ma comprometterebbe attivamente tutto ciò che è accaduto
prima e rischierebbe di lasciare agli spettatori il ricordo
primario di un altro uomo terribile che la fa franca per una cosa
terribile.
Ma, sì, le fasi finali del piano di
Cassie sono un po’ poco plausibili. O forse no?
La domanda su quale sia il genere
a cui appartiene Una Donna
Promettenteè molto importante per il suo
finale.
Prima di diventare un film su un
addio al celibato finito male, Promising Young Woman passa
agilmente tra tre generi molto diversi: la commedia romantica, il
thriller d’exploitation e lo studio del personaggio. Il genere a
cui appartiene più propriamente è l’ultimo, poiché l’azione del
film è per lo più dedicata a cercare di capire cosa fa scattare
Cassie. Ma per capire cosa fa scattare Cassie è necessario seguirla
mentre terrorizza i ragazzi che la riaccompagnano a casa dal bar o
affronta le persone che ritiene responsabili della morte di Nina
(la trama del thriller d’exploitation del film). E poi bisogna
anche vedere chi è Cassie nel contesto della sua relazione con Ryan
(il suo lato da commedia sentimentale).
Ma nei momenti conclusivi di
Una Donna Promettente, quando il piano di
Cassie fa cadere Al al suo stesso matrimonio, il film punta tutto
sul thriller d’exploitation. La commedia sentimentale è finita, con
Ryan che si è rivelato un uomo di merda come tutti gli altri. E
poiché Cassie è morta, anche lo studio del personaggio è finito,
perché non possiamo più approfondire la sua conoscenza. In effetti,
se il film fosse stato un puro studio dei personaggi, Al e Joe
l’avrebbero probabilmente fatta franca. Ma poiché Promising
Young Woman ha ancora una carta da thriller d’exploitation
nella manica, mette in atto un ultimo trucco.
I thriller di sfruttamento spesso
coinvolgono persone tradizionalmente svantaggiate che affrontano
chi detiene il potere. Cassie, per esempio, è una donna che lotta
contro la cultura dello stupro e il patriarcato, quindi le persone
che affronta sono degli ubriachi di merda che si credono bravi
ragazzi. I thriller di sfruttamento finiscono quasi sempre con una
sorta di vittoria dell’eroe, per quanto donchisciottesca. Anche se
l’eroe muore, sarà fatta giustizia. (Un altro esempio famoso,
tratto da un altro film che utilizza le caratteristiche del
thriller d’exploitation per i propri scopi: Kill Bill, che termina con il suo eroe che si
allontana verso il tramonto dopo aver ucciso tutti coloro che
l’hanno usata, abusata e oppressa).
Il finale di un thriller
d’exploitation è proprio il finale di Una Donna
Promettente. Molti spettatori potrebbero essere
contrariati dal fatto che molte cose devono andare per il verso
giusto perché il piano di Cassie funzioni: Deve sperare che
l’avvocato faccia la cosa giusta, deve sperare che la polizia
prenda sul serio un messaggio dall’oltretomba, deve persino
programmare una serie di messaggi da inviare a Ryan (che sta
partecipando al matrimonio di Al) proprio nel momento giusto per
ottenere il massimo impatto drammatico.
Nel contesto di un
thriller d’exploitation, tutto questo è assolutamente
ragionevole. La sequenza finale a cascata di Una Donna
Promettente non è più incredibile di quella di Cassie
che va a casa con dozzine di uomini, li umilia e li spaventa, e poi
non incontra alcun problema oltre a quello di arrabbiarsi con lei.
All’interno di questo genere, le regole della realtà sono
legittimamente un po’ più rigide.
Ho un test che a volte applico alle
opere di fiction, soprattutto ai film. Lo chiamo il test “Sarebbe
un film altrimenti?”. Con questo intendo dire che se trovo che
qualcosa che accade in un film sia implausibile ma non impossibile,
considero se il film avrebbe avuto lo stesso successo senza di
esso. Il piano di Cassie che si sta mettendo in atto è sicuramente
credibile, ma si può anche spiegare, più o meno, come ci riesca. È
poco plausibile ma non impossibile. A mio parere, la storia di
Cassie non sarebbe stata un gran film senza la sua vendetta
postuma. La sua morte avrebbe mostrato quanto le donne siano usa e
getta in un mondo gestito da uomini, un punto che la Giovane
promessa ha già sottolineato e sovvertito molte volte prima
della sua morte.
Se immaginiamo che gli eventi di
questo film si verifichino nella vita reale, l’unico modo in cui
potrebbero assurgere al livello di una storia che, ad esempio,
farebbe notizia a livello nazionale (o almeno in uno dei più
popolari subreddit di notizie insolite) sarebbe se Cassie riuscisse
davvero a portare a termine l’improbabile epilogo del film.
Pertanto, Una Donna Promettente non
sarebbe un film senza i suoi momenti finali. Hanno messo un fiocco
su qualcosa che per la maggior parte del tempo si è rifiutato di
essere messo un fiocco.
Se tutto questo sembra un po’ come
scrivere un intero problema di matematica a ritroso rispetto alla
sua risposta, beh, è così. Più o meno. La Fennell ha distorto
diversi eventi del suo film per arrivare alla scena finale, un
approccio che sembra un imbroglio in uno studio sui personaggi, ma
che risulta trionfante in un thriller d’exploitation.
Ma credo che questo sia anche la
chiave del suo punto di vista più ampio. Il mondo in cui viviamo e
le storie che raccontiamo sono così sbilanciate verso il punto di
vista di ragazzi etero, bianchi e cis, che dobbiamo immaginare una
donna iperintelligente con un’inestinguibile sete di vendetta che
li colpisce dall’oltretomba per poter contemplare qualcosa di
simile alla giustizia. Cosa ci dice questo del mondo in cui viviamo
e delle storie che raccontiamo?
L’idea che deve essere balenata
nella mente di qualcuno quando ha pensato di realizzare
Double Life: Due personaggi femminili in
giro per le strade a risolvere un caso. In effetti,
Double Life presenta due personaggi
femminili, che si aggirano qua e là per risolvere un caso. Non
vengono fornite giustificazioni (se non superficialmente,
ovviamente) per il loro atteggiamento tenace e coraggioso, e il
film
Netflix cerca di parlare della “doppia vita” di qualcuno che
muore nei primi cinque minuti. Non c’è da stupirsi che la trama
sembri forzata.
La storia di Double Life
inizia mostrandoci la doppia vita di Mark. Lavorando per l’ufficio
del procuratore distrettuale, ha qualcosa di grosso contro la
compagnia carbonifera Dellicano che potrebbe far crollare
l’azienda. Tradisce la moglie con l’amante. Entrambe le donne lo
amano e sono sconvolte quando lui muore. La morte non è un
incidente ed entrambe temono che si tratti di un omicidio.
L’incidente diventa il motivo per cui entrambe si conoscono e si
uniscono per scoprire chi ha ucciso Mark.
Sinossi della trama: cosa
succede in “Double Life”?
Mark, un avvocato che lavora per il
procuratore distrettuale Sheldon Roberts, è alle prese con una
potente compagnia carbonifera, la Dellicano. Mostra la sua
conferenza stampa, trasmessa in TV, alla sua amante, Josephine,
detta Jo. Mark è sposato con Sharon, ma lei non ha la minima idea
di cosa faccia Mark quando è fuori per i suoi incontri “di lavoro”.
Un classico caso di infedeltà! Jo ama Mark e non sa che è sposato.
Lavora in un bar e vede un uomo che le porge qualcosa. Mark aveva
trascorso il fine settimana con Jo e stava andando a incontrare
Sharon quando ha avuto un incidente ed è morto. Sharon, però, sa
che c’è qualcosa che non va, perché lui era al telefono con lei
quando un’auto lo ha tamponato e, pochi istanti dopo, è avvenuto
l’incidente. Anche la polizia è disposta a considerare l’ipotesi
dell’omicidio. Jo viene a sapere dell’improvvisa scomparsa di Mark
e si reca da Sharon per farle le condoglianze. Jo non rivelò la
verità a Sharon, ma le due donne in lutto entrarono subito in
sintonia e iniziarono a indagare sulla morte di Mark. Il loro primo
compito fu quello di trovare un uomo di nome Ernie Dux.
L’uomo che Jo aveva visto al bar
con Mark era Ernie Dux. Jo non riuscì a vedere cosa si scambiassero
esattamente, ma l’intera faccenda era inquietante. Sharon e Jo
discussero sul fatto che Mark stava lavorando a un caso contro
Dellicano e forse aveva ottenuto da Ernie qualcosa di estremamente
importante per far crollare l’azienda. Per scoprire cosa aveva Mark
che forse lo ha messo nei guai, Sharon e Jo cercano di rintracciare
Ernie. Ma non sono detective! Per fortuna Jo conosceva la fidanzata
di Ernie, Wendy, e tramite lei è riuscita a sapere dove si trovava
Ernie. Entrambe hanno provato a contattare la detective Carmen
Traxler, ma non ha risposto, così hanno deciso di andare a trovare
Ernie di persona e indovinate un po’? Lo hanno trovato morto in
casa sua, con due uomini armati ancora presenti. Grazie alla
spavalderia di Jo, riescono a sopravvivere e Sharon si convince
ancora di più che Mark è stato ucciso.
Perché Sharon ha continuato le
indagini con Jo?
Jo sapeva combattere e il detective
Traxler ha raccontato a Sharon del passato da delinquente di Jo.
Traxler disse a Sharon che Jo poteva essere una donna pericolosa,
che poteva portarla in pericolo. Ma qualcosa in Sharon sapeva che
Jo era una brava persona e che il suo passato criminale non aveva
nulla a che fare con l’incidente su cui entrambe stavano indagando.
Si scoprì che i due uomini che si trovavano a casa di Ernie erano
Louis Strand e suo figlio. Era un noto criminale e, secondo
Traxler, erano fortunati ad essere vivi.
Lo straziante incidente non
scoraggiò nessuna delle due donne in lutto. Anzi, ora che erano
sicure dell’omicidio, decisero di scavare più a fondo. Prima che
potessero muoversi in qualsiasi direzione, Sharon trovò delle foto
di Mark e Jo in intimità e capì che lui la stava tradendo con Jo.
Sharon non riusciva a farsene una ragione. Qualcuno aveva attaccato
e distrutto la sua casa e l’unica spalla solidale che riuscì a
trovare fu Larry, il collega di Mark. Anche di lui non ci si poteva
fidare, perché anche lui era una figura astuta.
L’amicizia tra Jo e Sharon sembrava
giunta al capolinea, ma Jo tornò a dirle che se avesse saputo che
Mark era sposato, non si sarebbe messa con lui. Sharon non l’aveva
perdonata, ma quando Jo vide una foto di Larry, si ricordò che
anche lui era lì con Mark la sera dell'”incidente”. Ma Sharon era
appena stata con lui e lui le aveva detto di non aver conosciuto
Mark. Larry mentiva e Sharon non aveva nessuno intorno a sé di cui
potersi fidare. Jo amava Mark, e questo era evidente perché era
disposta a mettere in pericolo la sua vita per la verità. Sharon
aveva almeno questo in comune con lei.
Spiegazione del finale di
‘Double Life’:Chi ha ucciso Mark?
Anche se Sharon e Jo stavano
tecnicamente risolvendo il caso insieme, Sharon non riusciva a
perdonarla. Voleva scoprire cosa fosse successo a Mark, ma era
anche arrabbiata con lui per quello che aveva fatto. Sharon,
tuttavia, mantiene la calma e va nell’ufficio di Mark per esaminare
il suo computer nella speranza di trovare un indizio. Sul computer
di Mark ha trovato un video in cui si vede la moglie di Sheldon,
Lisa, a una funzione con la moglie di Dellicano. Sharon ha anche
visto Traxler nel video. Quindi la moglie del capo di Mark era
coinvolta con la moglie di Dellicano, un uomo la cui azienda Mark
stava lottando duramente per distruggere. Sembrava molto probabile
che anche Sheldon e Dellicano fossero in combutta. Sheldon aveva
promesso di proteggere Mark, ma forse non è mai stato un suo
alleato. Fuori dall’ufficio incontrano Larry, che si confida con
loro. Racconta a Sharon di essere stato davvero con Mark la sera in
cui è stato ucciso e di aver visto Ernie Dux vendere una chiavetta
a Mark. La chiavetta conteneva prove che avrebbero dimostrato la
negligenza criminale della Dellicano Industry. Chiunque avesse la
pen drive e la chiavetta aveva ucciso Mark. La teoria di Larry era
che l’assassino stesse forse usando la chiavetta per estorcere
denaro a Dellicano.
Jo e Sharon andarono da Lisa, la
moglie di Sheldon, per chiedere cosa ci facesse esattamente
all’evento di beneficenza di Dellicano, dove lei e la moglie di
Dellicano erano state sentite chiamarsi “migliori amiche”. Il caso
si è complicato quando Traxler ha chiamato entrambi per spiegare
che erano sulla pista sbagliata. Sospettano che la Traxler abbia
fatto un pasticcio con le indagini di Mark, ma la verità è che si
trovava lì all’evento di beneficenza a causa di un lavoro
secondario di sicurezza che aveva accettato. Traxler avvertì Jo e
Sharon che stavano gettando al vento ogni cautela indagando sulla
questione. Certo, Sharon non era sola e aveva con sé Jo, che sapeva
come combattere, ma comunque Louis e Sonny erano ancora vivi e
forse la stavano cercando. Sharon ricevette una telefonata da
Louis, che le disse di andare a trovarli da sola perché tenevano
Larry in ostaggio.
Sharon, per proteggere Jo, la
lascia sola dopo averle detto che non poteva perdonarle di essersi
messa con Mark. Non voleva che venisse con lei, perché Louis era un
tipo pericoloso e Jo avrebbe potuto farsi del male. Raggiunse un
magazzino e il mistero si risolse da solo. Larry aveva la chiavetta
da sempre, ma aveva sparato a Louis e a suo figlio Sonny per far
credere che l’avessero loro. Larry aveva ucciso Mark e la stava
usando per estorcere Sheldon, il procuratore distrettuale. Sheldon
era in combutta con i Dellicanos e sulla chiavetta erano presenti
anche i suoi messaggi di testo che, se fossero usciti, avrebbero
infangato la sua immagine.
Sheldon arrivò con i soldi ma vide
che Louis e Sonny erano stati uccisi. Era stato Sheldon a
ingaggiarli per trovare la chiavetta. Per prima cosa si recano a
casa di Sharon, perché pensano che Mark possa aver dato la
chiavetta alla moglie. Furono loro a devastare la casa, ma non
trovarono la chiavetta. Avevano trovato il loro uomo fin
dall’inizio, ma Larry li ha sviati verso Ernie Dux. Fu Larry a
uccidere Ernie prima che lo raggiungessero. Solo Ernie sapeva che
Larry aveva assistito allo scambio, quindi Larry doveva ucciderlo.
Il suo desiderio più profondo non era il denaro. Ha sempre voluto
che Mark si togliesse di mezzo per poter stare con Sharon. Era
ossessionato da lei e, quando si presentò l’occasione, pensò di
poter ottenere da Sheldon sia Sharon che i soldi. Alla fine, però,
ha ottenuto solo un po’ di tempo in prigione.
Louis non era morto e ha sparato a
Larry. Vedendo che Sonny era morto, ha dovuto uccidere tutti perché
non poteva permettere che la polizia scoprisse che era coinvolto.
Era furioso con Larry per averlo incastrato e per aver manipolato
Sharon affinché si prendesse cura di lui. Prima che Louis uccidesse
Larry, Jo arrivò ed evitò il disastro. Aveva chiamato Traxler e la
polizia è arrivata prima che qualcun altro venisse ucciso.
Durante il finale di
Double Life, Sheldon, Larry e Louis
vengono catturati. Jo e Sharon, che amavano entrambi Mark, avevano
finalmente risolto insieme il suo caso di omicidio. Anche se prima
Sharon aveva fatto credere di odiare Jo, Jo capì che era nei guai.
La rintracciò usando il suo GPS e usò la sua presenza di spirito
per chiamare Traxler. I loro sforzi aiutarono anche il caso di Mark
in modo postumo. Le prove contenute nella chiavetta dimostrano che
i dirigenti della Dellicano sapevano che i rifiuti che producevano
stavano contaminando le falde acquifere, ma non hanno fatto nulla
per impedirlo. Jo e Sharon sono diventate migliori amiche dopo aver
trovato un compagno. Le loro vite erano state separate dalle bugie
di Mark, ma ora vivevano serenamente, sapendo che alla fine avevano
fatto la cosa giusta, e avevano vissuto una bella avventura.
La Danza dei Draghi è nota come una
tragedia orribile, che House of
the Dragonha trasportato bene sul piccolo
schermo, ma nessuna scena ha ancora rappresentato bene la guerra
meglio della Battaglia del Golfo. Culmine di due lunghe
campagne da parte di entrambe le parti, la battaglia è un enorme
scontro navale, ma presenta anche più draghi di qualsiasi altro campo di battaglia del
conflitto.
Nel mondo di Westeros, le
rappresentazioni romantiche e orribili della guerra sono due facce
della stessa medaglia, e il Calanco non fa eccezione. Per quanto
epici possano essere i combattimenti con i draghi, i costi
per entrambe le parti si rivelano devastanti e una morte
in particolare assesta un colpo politico alla causa dei Neri.
Inoltre, il fatto che i Verdi abbiano già evacuato il loro
leader dalla città con un aiuto segreto fa sì che ci si chieda
per quale motivo valesse la pena combattere la battaglia. Dopo
perdite così elevate, tuttavia, questa sembra essere una domanda a
cui pochi, da entrambe le parti, vogliono veramente rispondere.
Il Gullet è il culmine della
guerra
Sebbene la tempistica della guerra
non sia chiara nella serie, Fuoco e Sangue afferma che la
Battaglia del Gullet si svolge nove mesi dopo la morte del defunto
re. Abbiamo già visto quanto sia stata devastante con Riposo del
Corvo, dove i draghi si sono scontrati per la prima volta. La
battaglia navale per Approdo del Re, tuttavia, è l’atto
finale di quella che inizialmente sembrava un’improbabile
campagna dei Neri. Entrambe le marine hanno trascorso mesi
ad assemblare le loro forze e chi ne uscirà vittorioso sarà in
prima posizione per reclamare il Trono di Spade.
A parte i loro draghi, il più grande
vantaggio dei Neri è stata la marina della Casa Velaryon, che hanno
usato per bloccare la capitale via mare. Nella speranza di
spezzarlo, i Verdi cercano invece una marina al di fuori di
Westeros sotto forma di
Sharako Lohar (Abigail Thorn) e dei suoi
pirati, che rimangono l’unica forza in grado di combattere i
Velaryon. Poiché i loro draghi incombono sulla battaglia,
Sharako ordina un attacco preventivo contro la flotta
rivale mentre questa è ancorata nel porto di Spicetown,
ritenendola l’unica possibilità di distruggere i Velaryon prima
dell’arrivo dei draghi. Naturalmente, l’attacco è motivato anche da
evidenti ragioni economiche, dato che il porto rimane uno dei
luoghi più ricchi del Continente Occidentale grazie agli anni di
avventure del Serpente di Mare.
Dall’altra parte, i Neri hanno ora
riunito il maggior numero di draghi, e sembrano
impossibili da contrastare. Con Sunfyre paralizzato e Vhagar
occupata, l’unico drago che i Verdi potrebbero schierare in
risposta sarebbe Dreamfyre, ma Helaena (Phia
Saban) è tutt’altro che un cavaliere esperto. Nei
libri, i Neri hanno quattro Semi di Drago, ma sembra che la serie
abbia sostituito il ruolo di Nettles con Rhaena
(Phoebe Campbell), che nei libri non cavalca mai
un drago. Con
Daemon (Matt
Smith) ancora in marcia nelle Terre dei Fiumi e
Rhaenyra (Emma
D’Arcy) che non può permettersi di rischiare la
vita in battaglia, tocca al figlio maggiore guidare la carica.
Nel Gullet, la fortuna favorisce
entrambe le parti
Nella fase iniziale della battaglia,
le cose sembrano andare molto bene per i Verdi. Poiché sfruttano la
luce del sole per non farsi scoprire dalla costa, Lohar riesce a
cogliere i Velaryon completamente alla sprovvista, affondando quasi
un terzo della flotta in porto. Una volta sbarcati,
festeggiano saccheggiando e bruciando Spicetown e High
Tide, la sede da cui regna Corlys (Steve
Toussaint). Si dice che la distruzione sia stata così
devastante che i Velaryon non hanno mai riacquistato il loro
status precedente, rimanendo solo dei signori minori all’epoca
della serie originale, mentre Spicetown non è mai stata
ricostruita.
Tutto questo cambia quando
finalmente arrivano i draghi. In qualità di erede, Jaecerys
(Harry Collett) guida la carica e la flotta
tenta di colpire il suo drago, dato che Vermax è giovane e
tutt’altro che il più potente, solo che gli altri quattro
cavalieri lo seguono. Per ore, tutti bruciano la flotta
Braavosi senza pietà, distruggendo più di sessanta delle
cento navi. Inutile dire che il morale dei marinai crolla,
costringendo Lohar a ritirarsi.
Prima di fuggire, tuttavia, i Verdi
riescono a infliggere un colpo devastante ai Neri, superando forse
persino Rhaenys (Eve Best) come peggior
morte tra le loro fila. Durante un attacco in picchiata contro
una delle navi, il drago di Jace, Vermax, viene trafitto da un
rampino e il suo stesso slancio gli crea un ampio squarcio
sull’addome. Sebbene non sia fatale, Vermax viene fatto
precipitare in mare e presto si scontra con un’altra nave
nel caos, rimanendo impigliato nei rottami e affondando sul fondo
del mare. Sebbene Jace riesca a liberarsi e ad aggrapparsi ai
detriti di legno, viene rapidamente colpito e ucciso da un
proiettile di balestra alla gola.
Il calanco riflette
perfettamente la Danza dei Draghi
In House of
the Dragon, la paura della distruzione
reciproca è stata un tema costante per entrambe le parti in
guerra. Questo è già stato mostrato su piccola scala
con i gemelli Cargyll, ma la terza stagione lo porterà a un
altro livello. Dato che il conflitto è ormai una guerra totale, ha
perfettamente senso che la prima grande battaglia di questa fase
serva da monito. Ironia della sorte, proprio questi costi,
in particolare il timore che possano essere stati
inutili, sono l’esatto motivo per cui è probabile che
rimangano inascoltati.
In termini di numeri, il vincitore
rimane abbastanza chiaro. Non solo la Triarchia è andata in
frantumi in questa battaglia, non avendo più un ruolo nella Danza
dei Draghi e soccombendo in seguito a una propria guerra civile, ma
la strada per Approdo del Re è diventata aperta. Tuttavia, anche
mettendo da parte l’incendio di Spicetown e la flotta di Velaryon,
la morte di Jace è comunque un colpo devastante per
Rhaenyra, sia dal punto di vista politico che personale.
Senza dubbio, questo sarà ancora più brutale nella serie, che si è
preoccupata di mostrarlo come un promettente erede attraverso le
scene con sua madre, rendendo la sua inevitabile morte ancora
più tragica.
Ciò che rende la battaglia più priva
di senso è che non si tratta nemmeno di una fine definitiva della
guerra, poiché la fuga di Aegon II (Tom
Glynn-Carney) nega già a Rhaenyra una vittoria
politica decisiva. Anche se fosse stato giustiziato, c’è ancora
Aemond (Ewan Mitchell) da affrontare e
Vhagar rimane di gran lunga la più grande minaccia per i
Semi di Drago. Come la guerra nel suo complesso, tutto ciò solleva
la domanda per cosa stiano combattendo entrambe le
parti se nel frattempo perdono tutto ciò a cui tengono.
Nessuno se ne rende conto meglio di Corlys stesso, che ha già perso
molto e riassume perfettamente la battaglia: “Se questa è una
vittoria, prego di non vincerne mai un’altra”.
Paramount Global ha
fatto una mossa significativa e sorprendente
chiudendo il suo omonimo studio televisivo, Paramount
Television Studios (PTVS), come parte di una più ampia
ristrutturazione aziendale. Questo sviluppo, che include la
partenza del presidente dei PTVS Nicole Clemens,
ha lasciato molti fan a chiedersi cosa succederà ai progetti di
alto profilo dello studio, tra cui la serie di successo Reacher, una coproduzione tra Paramount, Amazon
e Skydance.
La chiusura di PTVS fa parte di una
più ampia strategia di Paramount Global volta a snellire le
operazioni in un mercato televisivo e di streaming in continua
evoluzione. Questa decisione non riflette le prestazioni dello
studio, in quanto PTVS è stato responsabile di numerose serie
acclamate dalla critica e di successo commerciale. Tuttavia, tutti
i progetti in corso e futuri della PTVS, tra cui
Reacher, Time Bandits di
Apple e Cross di Prime Video, passeranno sotto l’egida dei CBS
Studios.
Per i fan di Reacher,
questa transizione solleva interrogativi sul futuro della serie.
Data la popolarità della serie – Reacher ha battuto il
record di ascolti su Amazon Prime Video – è molto probabile
che i CBS Studios continuino a darle priorità, soprattutto perché
Skydance è lo studio principale della serie. Tuttavia, i
cambiamenti nella gestione dello studio potrebbero potenzialmente
portare a cambiamenti nella direzione creativa o nelle tempistiche
di produzione, che potrebbero avere un impatto sullo sviluppo delle
stagioni future.
Quali sono le implicazioni per
“Reacher”?
Anche se è troppo presto per
prevedere esattamente come avverranno questi cambiamenti, è chiaro
che l’eredità di PTVS continuerà a vivere attraverso i progetti che
ha sviluppato. Si prevede che serie come Reacher
continueranno a intrattenere il pubblico mondiale, anche quando
Skydance troverà un nuovo partner nei CBS Studios.
Mentre Paramount Global procede con
la sua più ampia ristrutturazione, il settore osserverà da vicino
come questi cambiamenti influiranno su alcune delle serie più amate
e di successo attualmente in onda. Per il momento, i fan di
Reacher e degli altri progetti della PTVS possono stare
tranquilli: questi show rimangono in fase di sviluppo, anche se
sotto una nuova gestione. Come questa transizione influenzerà le
future stagioni di Reacher e di altre serie è ancora da
vedere, ma una cosa è certa: CBS Studios ha
ora un ruolo fondamentale nel dare forma al prossimo capitolo di
questi acclamati show. La terza stagione di Reacher è prevista
su Prime Video nel 2025.
I Paramount TV
Studios hanno annunciato che cesseranno le loro attività
alla fine di questa settimana. La chiusura dello studio, che ha 11
anni di vita, si aggiunge a una serie di licenziamenti annunciati
la scorsa settimana dalla Paramount, tra
cui il 15% dei dipendenti statunitensi, oltre ai circa 800
licenziamenti di sei mesi fa, secondo quanto riportato da The Hollywood Reporter.
Queste mosse fanno parte di un tentativo di risparmiare 500 milioni
di dollari di costi in vista della fusione con Skydance.
Il presidente della società
Nicole Clemens e il co-CEO di Paramount
George Cheeks hanno comunicato al personale che i
Paramount TV Studios sarebbero stati chiusi questa mattina. È stato
inoltre annunciato che la Clemens lascerà la società e che tutte le
serie e i progetti attualmente in fase di sviluppo presso i
Paramount TV Studios passeranno sotto l’ombrello dei CBS Studios.
Tra queste serie ci sono Reacher, Time Bandits di Apple
e Cross per Prime Video.
In una nota inviata al personale
Clemons si legge in parte: “Paramount Global ha preso la
difficile decisione di chiudere i Paramount Television Studios come
parte dei più ampi piani di ristrutturazione della società. Questo
è stato un periodo difficile e di trasformazione per l’intero
settore e purtroppo il nostro studio non ne è immune“. Clemens
è entrata a far parte dei Paramount TV Studios nel 2018 dopo aver
lavorato nei ranghi esecutivi di FX. Dal 2021 fa parte anche
della supervisione dei contenuti sceneggiati di Paramount+. Ha aggiunto:
“Negli ultimi 11 anni, PTVS ha
superato ostacoli apparentemente insormontabili grazie a una
combinazione di forza, determinazione e impegno incrollabile.Abbiamo affrontato queste sfide con un’incredibile resilienza,
creatività e passione per ciò che facciamo, e non potrei essere più
orgogliosa del nostro team”.
La chiusura degli studi televisivi
Paramount rispecchia i cambiamenti della televisione, non le
prestazioni dello studio
Un’ulteriore nota del co-CEO George
Cheeks precisa che la chiusura dello studio “non è una
decisione basata sull’andamento di PTVS“. Afferma che
“questa mossa è il risultato di cambiamenti significativi nel
mercato televisivo e dello streaming e della necessità di snellire
la nostra azienda“. A luglio è stato annunciato che Paramount
e Skydance si sarebbero fuse in un accordo da 8 miliardi di
dollari. L’attuale roster di Paramount TV Studios comprende
anche Interview With the Vampire, Before e
Murderbot di AMC.
Poiché questi show passeranno sotto
l’ombrello dei CBS Studios, non sembrano esserci motivi di
preoccupazione per il loro destino attuale. I
licenziamenti, hanno spiegato i dirigenti, avverranno in tre fasi
nel corso dell’anno.
Attrice Lily Collins al 'Les
Miserables' Photo Call tenutosi presso il Linwood Dunn Theater di
Hollywood, USA l '8 giugno 2019 . — Foto di
PopularImages
Lily Collins è una
di quelle attrici che in pochi anni è riuscita a conquistare una
grande fetta di pubblico grazie alle sue interpretazioni e al suo
magnetismo. L’attrice, figlia del musicista inglese Phil
Collins, ha sempre dato prova di cavarsela da sola e camminare
con le proprie gamba, distaccandosi dal cognome che porta, senza
essere la classica figlia di papà.
Con qualche esperienza teatrale
alle spalle e molto lavoro, l’attrice ha espresso il suo talento,
diventando una delle più apprezzate dalle giovani e vecchie
generazioni, diventanto anche una star Netflix con la
serie Emily in
Paris. Ecco, allora, dieci cose che forse non sapevate
di Lily Collins.
Lily Collins: i suoi film
1. I film e la
carriera. La carriera cinematografica dell’attrice inizia
nel 2009, quando debutta sul grande schermo con The Blind
Side, per poi apparire in Priest (2011), Abduction – Riprenditi la tua vita (2011), Biancaneve (2012), Stuck in Love (2012) e
The English Teacher (2013). In seguito, prende parte a
film come Shadowhunters – Città di ossa (2013), Scrivimi ancora (2014), L’eccezione alla
regola (2016), Fino all’osso (2017) e Okja (2017). Nel 2019 ha interpretato Lauren Monroe in
Inheritance, Liz Kendall in Ted
Bundy – Fascino criminale (2019) e Edith Bratt in Tolkien
(2019). Nel 2020 è stata Emily Cooper nella serie di
successo originale NetflixEmily in Paris. Nello stesso ha interpretato
Rita Alexander nel film Originale Netflix candidato all’oscar
Mank. Nel 2021 ha interpretato Camilla nella serie
AppleTV+Calls. Quest’anno ha recitato nei film Halo of
Stars e Titan attualmente in post-produzione.
Lily Collins ha recitato anche in
film originali Netflix
Oltre al film
Mank, ha interpretato diversi film prodotti da Netflix
come Windfall (2022), To The Bone (2017) e Okja (2017.
2. Ha lavorato in alcune
serie tv. Oltre ad aver prestato la propria attività
attoriale per il mondo del cinema, l’attrice ha lavorato anche in
diversi progetti dedicati al piccolo schermo. Infatti, è apparsa
per la prima volta in 90210 (2009), per poi prendere parte
a serie come L’ultimo tycoon (2016-2017) e Les
Miserables (2018-2019).
Emily in Paris, la quarta
stagione in arrivo
Nel 2024 debutterà la quarta
stagione di Emily in Paris, divisa in due parti.
La stagione 4, parte 1, di Emily in Paris sarà disponibile
su Netflix il 15
agosto, mentre la parte 2 sarà presentata in anteprima il 12
settembre.
3. È anche
doppiatrice. Nel corso della sua carriera, l’attrice ha
provato a vestire panni diversi da quelli consueti. Infatti, ha
indossato qualche volta quelli da doppiatrice, prestando la voce ai
film d’animazione Tarzan (1999) e È arrivato il
Broncio (2018).
Lily Collins è sposata con Charlie
McDowell
4. Ha avuto una storia di
tira e molla con un collega. Dal luglio del 2012 l’attrice
ha iniziato a frequentare Jamie Campbell Bower, conosciuto sul set di
Shadowhunters – Città di ossa. Tuttavia, la loro relazione
è stata molto tormentata: infatti, si sono lasciati nel settembre
del 2013, per poi riprendersi due anni dopo rilasciarsi nel 2016.
In seguito, alla fine del 2016 si sono rimessi insieme, per poi
lasciarsi definitivamente a metà 2018.
Vita privata. Nel 2019 la Collins
inizia a frequentare il regista e sceneggiatore Charlie McDowell,
figlio degli attori Mary Steenburgen e Malcolm McDowell; il
fidanzamento viene ufficializzato nel settembre 2020. I due
convolano a nozze il 4 settembre 2021 a Dunton Hot Springs, nel
Colorado.
La vita sentimentale di
Lily Collins in Emily in Paris sullo schermo può
essere disordinata e caotica, ma nella vita reale è felicemente
sposata con Charlie McDowell. L’adorabile coppia ha iniziato a
frequentarsi nel 2019 e si è sposata due anni dopo, nel 2021. Sia
la Collins che McDowell appaiono spesso sui rispettivi feed di
Instagram e non sono timidi nel professare il loro amore reciproco
attraverso scatti romantici e didascalie da urlo. Infatti, in un
post del
2022 che commemorava il loro primo anniversario di matrimonio,
la Collins ha ringraziato McDowell per essere stato “la mia roccia,
la mia costante fonte di amore e di risate, e il mio sostegno
emotivo per tutto il tempo che abbiamo trascorso qui, ancora una
volta”.
Un anno dopo, ha condiviso
sentimenti simili in un post più lungo, ma altrettanto speciale:
“Due anni oggi e una vita a venire. Ricordo questo momento,
questo giorno, questa emozione come se fosse ieri. E sento l’amore,
il sostegno e la magia 100 volte di più. Ti adoro @charliemcdowell
e non potrei essere più grata di essere la tua metà nella vita e
nell’amore. Mi rendi un essere umano più forte, più coraggioso e
più luminoso. Grazie per essere il più grande partner che potessi
mai immaginare e per farmi sorridere come nessun altro. Ecco altri
365 giorni di ricordi che ci aspettano, in qualsiasi parte del
mondo ci troviamo. Camminerei verso l’ignoto con te ogni giorno e
ogni giorno. Con te al mio fianco, è sempre un’avventura
epica…“.
5. Ha avuto dei fidanzati
famosi. Sembra che l’attrice abbia avuto modo di
frequentare alcuni colleghi: infatti, nel 2011 ha avuto una breve
storia con Taylor Lautner, mentre tra il 2011 e il 2012
ha frequentato per qualche mese Zac Efron. Tra i vari flirt a lei attribuiti,
ci sarebbero quelli con
Chris Evans, Chord Overstreet, Nick Jonas e
Thomas
Cocquerel.
Lily Collins ha interpretato
Biancaneve
6. Ha perso qualche
capello. Mentre si stavano facendo delle riprese per una
scena di combattimento tra la regina cattiva e Biancaneve, Julia Roberts ha accidentalmente strappato
qualche capello all’attrice.
7. Avrebbe dovuto
interpretare un’altra Biancaneve. L’attrice ha dichiarato
di aver fatto originariamente un provino per il ruolo di Biancaneve
per il film Biancaneve e il cacciatore (2012), perdendo il ruolo
contro Kristen Stewart, diventando poi la
protagonista di questo film, dal titolo originale Mirror,
mirror.
Lily Collins è stata protagonista
di Scrivimi ancora
8. Ha usato delle sue
foto. Molte delle foto che vengono mostrate nella camera
da letto del suo personaggio nella casa dei suoi genitori, sono
delle foto di qualche anno prima appartenenti all’attrice stessa,
ritratta da sola e con i suoi amici.
Lily Collins ha scritto un
libro
9. Ha scritto un
libro. Nel suo libro Senza filtri. Nessuna vergogna,
nessun rimpianto, soltanto me, uscito nel 2017, l’attrice ha
rivelato di aver sofferto di alcuni disordini alimentari quando era
adolescente. Scrivere questo libro e parlare dei suoi problemi ha
fatto sì che fosse un modo per parlare di un disturbo che affligge
uomini e donne di tutto il mondo, disturbo di cui non si parla mai
abbastanza.
Lily Collins: età e altezza
10. Lily Collins è nata il
18 marzo del 1989 a Guildford, nel Surrey, in Inghilterra,
e la sua altezza complessiva corrisponde a 165 centimetri.
Il finale della
terza stagione di Emily in
Paris ci ha lasciati a bocca aperta sulla scia di
diversi cliffhanger rivoluzionari, dal passato segreto all’annuncio
di una gravidanza. La nostra americana alla moda preferita
tornerà ad agosto per affrontare questi drammatici sviluppi,
ma prima di tuffarci a capofitto nella stagione di quest’anno,
fatta di stelle Michelin, relazioni illecite e preparativi per
l’Eurovision, aggiorniamoci sulle stravaganti vite di queste
parigine chic. La terza stagione della serie
tv ha visto cambiamenti drastici nella vita lavorativa, amorosa
e sentimentale di Lily Collins, a partire dal
sogno di precipitare dalla Torre Eiffel dopo aver fallito
una scelta. Dopotutto, come diceva Jean-Paul Sartre e come
impara Emily Cooper, non fare una scelta è comunque una scelta.
Emily sceglie la società di
marketing con cui lavorare nella terza stagione
L’inizio della terza stagione ha
visto Emily Cooper combattuta tra la scelta di rimanere con
Madeline (Kate
Walsh) al Savoir e quella di andare con Sylvie
(Philippine Leroy-Beaulieu) alla sua nuova agenzia
indipendente, l’Agence Grateau. In pieno stile Cooper,
Emily fa la spola tra le due, fino a quando, a
causa di un imbarazzante lancio con McDonald’s che ha comportato la
rottura delle acque di Madeline (dopo il suo milionesimo
trimestre), Sylvie taglia fuori Emily dalla squadra. Quando
Madeline decide di impacchettare il Savoir e di tornare in America
– dopo che Sylvie ha sabotato il loro edificio per metterci le mani
sopra – Emily segue il suo cuore e torna a Parigi, dove si
ritrova a lavorare come impiegata. L’irrequieta e
stacanovista Emily non riesce naturalmente a sopportare la
disoccupazione, che la porta a lavorare per un breve periodo come
cameriera al Chez Lavaux di Gabriel (Lucas
Bravo). Dopo aver provocato una grave reazione
allergica in uno degli avventori del ristorante ed essere stata
prontamente licenziata, alla fine torna al suo vero amore
per il marketing – non prima di aver cancellato dalla sua
lista di cose da fare il sesso diurno su una ruota panoramica – e
ricomincia a dimostrare a Sylvie il suo valore.
Si fa strada nelle grazie di Sylvie
giocando sul suo legame con Janine Dubois (Kate
Colebrook), una giornalista di Le Monde che
scrive la prestigiosa “La Liste”. Sebbene Emily si sia
accidentalmente ritrovata in cima alla lista al posto di Sylvie, e
anche Gabriel abbia ottenuto un posto all’ottavo posto,
Sylvie riconosce a malincuore il valore del ritorno di
Emily nella squadra. È anche abbastanza soddisfatta di
essersi guadagnata un articolo nella sezione Stile della rivista.
Mentre Luc (Bruno Gouery) e Julien (Samuel
Arnold) sono entusiasti di riavere la loro amata pedina
americana, dimenticano quanto Emily possa essere troppo zelante sul
lavoro. Dopo che la campagna con il cliente di Julien, Ami Paris,
va male, Emily interviene per salvare la situazione. Si verifica un
incidente simile, in cui Emily è sopraffatta dal suo
entusiasmo e continua a fare da spalla all’idea di Julien,
tanto che Sylvie promette di chiedere a Emily di darsi una calmata.
Tuttavia, Julien ne ha abbastanza dell’intromissione di
Emily e lo vediamo scrivere furiosamente un’e-mail a un misterioso
datore di lavoro, suggerendo che potrebbe lasciare
l’Agence Grateau.
Il quadrato amoroso
Emily-Alfie-Gabriel-Camille si conclude nella terza
stagione
Se la vita lavorativa di Emily è
già abbastanza drammatica, la sua vita sentimentale lo è dieci
volte tanto. La stagione inizia con le coppie consolidate
di Emily/Alfie (Lucien Laviscount) e Gabriel/Camille (Camille
Razat). Nel corso della stagione, Emily vive una dolce
storia d’amore con Alfie, che è ancora emotivamente trattenuto dopo
che il suo cuore è stato spezzato in passato. Tuttavia, la coppia
riceve una buona notizia: Alfie diventa il direttore finanziario di
Antoine (William Abadie) e non ha più bisogno di
trasferirsi a Londra. Si scopre che Alfie è un direttore
finanziario prezioso per Antoine, noto per essere uno spendaccione,
e insieme danno a Gabriel la proprietà del suo ristorante.
Nel frattempo, Gabriel è più che
mai impegnato con Camille e con il suo ristorante, che ora si
chiama L’Esprit de Gigi come sua nonna, e punta a ottenere una
stella Michelin. Quando la fidanzata di Luc, che è un critico
gastronomico della Michelin, viene al ristorante, Emily avverte
freneticamente Gabriel dell’ospite VIP. Sebbene Luc debba mantenere
il riserbo sull’identità della sua ragazza, quando scopre
che Gabriel sta per ottenere una stella Michelin, lo
comunica a Emily. Dopo aver appreso la notizia, Gabriel bacia la
mano di Emily in preda all’eccitazione, una scena gioiosa che viene
vista da Camille – che, tra l’altro, è ora il fidanzato di
Gabriel dopo che lei gli ha chiesto di sposarlo.
Il finale della terza
stagione vede Gabriel e Camille all’altare, in procinto di
unirsi per la vita, finché Camille non annulla il matrimonio.
Si scopre cheera
incinta, il che spiega la loro corsa
all’altare. Tuttavia, Camille ricorda anche un voto della
prima stagione, in cui lei ed Emily avevano promesso di non uscire
con Gabriel, una promessa che Camille ha subito infranto. Ma la
ragazza afferma anche che Gabriel ed Emily sono perfetti
l’uno per l’altra e che sono ancora innamorati l’uno
dell’altra, giustificando così il fatto
di aver lasciato Gabriel all’altare. Naturalmente, questo provoca
anche una frattura nel rapporto tra Emily e Alfie, che se ne va
completamente traumatizzato e con il cuore spezzato.
Ciò che Camille dimentica
opportunamente di menzionare è che anche lei ha avuto una relazione
amorosa illecita nel corso della stagione. Durante una delle
gallerie organizzate da Camille, incontra la splendida artista
greca Sofia (Melia Kreiling), che fa
immediatamente perdere la testa a Camille. Emily li sorprende a
baciarsi una volta, ma Camille la ricatta emotivamente
costringendola al silenzio, usando come arma la passata relazione
di Emily con Gabriel. Anche se la relazione finisce,
Camille si chiede se sia destinata ad amare una sola persona,
suggerendo forse un arco poliamoroso in seguito.
Sylvie nasconde un passato
segreto nella terza stagione di “Emily in Paris”.
Sylvie ha il suo drammatico
viaggio nella terza stagione di Emily in Paris, dalla
ricerca di clienti per la sua nuova agenzia senza infrangere il suo
divieto di concorrenza alla sua torrida storia d’amore illecita
con… suo marito Laurent (Arnaud Binard)? Dal cibo
per animali alla McLaren, l’Agence Grateau continua a guadagnare
terreno anche dopo aver perso il suo primo cliente, Pierre
Cadault (Jean-Christophe Bouvet), che ha venduto il suo marchio al
conglomerato del lusso JVMA. Tuttavia, Pierre continua a
chiedere consigli ai suoi vecchi amici, soprattutto quando il nuovo
negozio di JVMA minaccia la sua reputazione prendendo troppo sul
serio la sua nuova “ringarde”. Con il suo volto su tutti i pezzi
del negozio, la sua linea non è più ironicamente ringarde, ma
sembra un prodotto di un parco a tema.
JVMA chiama Emily e Sylvie per dare
una mano con la vetrina del negozio, solo per scoprire che
l’azienda sostituirà Pierre con la sua nemesi della moda,
Gregory Dupree (Jeremy O. Harris). Dopo aver
cercato di vendere una linea di uniformi per assistenti di volo di
ispirazione BDSM a una prestigiosa compagnia aerea, Gregory è alla
ricerca disperata di una commissione e coglie al volo l’occasione.
Nel frattempo, Pierre viene investito da un’auto in corsa prima di
scoprire di essere stato sostituito. Emily e Sylvie
organizzano brillantemente un piano per annunciare la morte di
Pierre, per poi farlo risorgere la sera dell’annuncio della
JVMA e reclamare il suo marchio, assicurandosi l’Agence
Grateau, il loro cliente originario.
La vita sentimentale di
Sylvie è drammatica come sempre: il suo fidanzato, Erik
(Søren Bregendal), si chiede perché sia ancora
sposata con suo marito quando si incontrano a un evento McLaren.
Dopo averlo rassicurato, la donna finisce per assumere segretamente
il marito per aiutarla con le pratiche burocratiche della sua nuova
agenzia, senza rendersi conto di quanto lavoro di fondo Savoir
abbia svolto per lei. Passare del tempo insieme riaccende
il loro rapporto, soprattutto quando lui si presenta in
smoking per festeggiare il loro anniversario insieme all’opera.
Oltre alla sua relazione segreta
con Laurent, Sylvie nasconde anche un misterioso passato con Louis
de Leon (Pierre Deny), il capo dell’impero JVMA.
Quando ha scoperto che la JVMA intendeva sostituire Pierre,
ha affrontato Louis e la loro interazione indica una lunga
e complicata storia tra loro. Si dà il caso che Louis sia
anche uno degli investitori di Laurent, rendendo l’intricata rete
di relazioni ancora più contorta: chi è quest’uomo sfuggente?
La band di Mindy si sta
preparando per l’Eurovision in “Emily in Paris”.
Il dramma si insinua anche nella
vita di Mindy (Ashley Park), la fedele e
migliore amica di Emily, nonché cantante di una band. Mindy rompe
ufficialmente con il compagno di band Benoit (Kevin
Dias) dopo che lui si sente minacciato dalla sua amicizia
con un vecchio compagno di collegio e capo dell’impero JVMA insieme
al padre, Nicolas de Leon (Paul Forman). Si scopre
che i suoi sospetti non erano poi così lontani: Nicolas si
innamora di Mindy e lei alla fine si butta in una relazione con
lui. Uscire con il capo di un conglomerato di lusso
significa eventi e, beh, lusso.
Mindy vive una storia d’amore
sontuosa ed eccitante, che le apre anche la possibilità di
cantare. Tuttavia, con il dramma di Pierre e l’atteggiamento
abrasivo di Nicolas nei confronti di Emily, Mindy si trova tra il
fidanzato e la rivalità con la sua migliore amica. Tuttavia, quando
viene a conoscenza del comportamento di Nicolas, sceglie
immediatamente di stare dalla parte di Emily, soprattutto perché
lui si rifiuta di andare ai suoi eventi, anche se lei lo accompagna
doverosamente ai suoi. Ma quando Nicolas si scusa portandola con sé
in un’avventura europea, non sappiamo se lei lo abbia
davvero perdonato o meno. Come se non bastasse,
Benoit viene a sapere che la band è stata ammessa
all’Eurovision come rappresentante della Francia,
garantendo un’energia imbarazzante quando il gruppo torna a
riunirsi per esercitarsi in vista di questa incredibile
opportunità.
La stagione 4, parte 1, di
Emily in Paris sarà disponibile su Netflix il 15
agosto, mentre la parte 2 sarà presentata in anteprima il 12
settembre.
George Clooney si apre in merito alla sua
famigerata faida con il regista di Hollywood David O.
Russell. Russell e Clooney hanno lavorato insieme al film
Three Kings nel 1999, una commedia dark sulla
Guerra del Golfo Persico che raccontava di quattro soldati che
cercavano di rubare l’oro che era stato loro rubato in Kuwait.
Oltre a Clooney, il film aveva come protagonisti Mark
Wahlberg, Ice Cube, Spike Jonze, Cliff
Curtis e Nora Dunn. Three
Kings è stato molto apprezzato al momento della sua uscita
e ha ricevuto una nomination ai Critics Choice Awards come miglior
film.
Parlando con GQ, Clooney ha fatto riferimento
alla sua faida con Russell. L’attore e regista ha iniziato parlando
più in generale di “assegnazione del tempo” e di come sia
più esigente sul tipo di tempo che dedicherà ai progetti da ora in
avanti. Poi intensifica la sua affermazione dicendo che sono finiti
i giorni in cui si sarebbe accontentato di “un miserabile
stronzo come David O. Russell che gli rendeva la vita un
inferno“. Dai un’occhiata alla citazione completa di Clooney
qui sotto:
Persone a cui piace quello che fanno. Tipo, stavi parlando
di assegnazione del tempo. Più invecchi, più l’assegnazione del
tempo cambia. Cinque mesi della tua vita sono tanti. E quindi non è
solo tipo, “Oh, farò un film davvero bello, come Three Kings, e lo
farò con uno stronzo miserabile come David O. Russell che mi
renderà la vita un inferno. Renderà la vita di ogni persona della
troupe un inferno”. Non ne vale la pena. Non a questo punto della
mia vita. Solo per avere un buon prodotto.
George Clooney vs David O. Russell:
cosa è successo?
Il recente commento di George Clooney su Russell arriva anni dopo che
la sua lite con il regista di Three Kings è stata
rivelata pubblicamente. Dopo che Russell avrebbe detto cose
degradanti alle comparse sul set, Clooney avrebbe avuto una
colluttazione fisica con il regista. La suddetta colluttazione è
stata pubblicizzata in un articolo di Playboy del 2000, in cui
Clooney si riferiva al suo lavoro in Three Kings
come “la peggiore esperienza della [sua] vita“. Da allora
l’attore ha cercato di fare ammenda con Russell, ma chiaramente non
abbastanza da voler lavorare di nuovo con lui.
Nonostante i molteplici episodi di
cattiva condotta, i film di Russell rimangono celebrati. È stato
candidato all’Oscar come miglior regista tre volte, per The
Fighter, Il lato positivo e
American Hustle. Russell ha ancora alcuni
collaboratori abituali, tra cui Christian Bale, Bradley
Cooper e Jennifer Lawrence. Tuttavia, i
commenti di Clooney dimostrano che il comportamento di Russell non
sarà tollerato da alcuni e forse ciò porterà a dei cambiamenti in
futuro.
Il nuovo trailer di Kraven
– Il Cacciatore, prodotto da Sony Pictures in
associazione con Marvel, che racconta la storia di
Sergei Kravinoff, personaggio creato da Stan Lee e Steve Ditko nel
1964 e uno dei villain più amati dell’universo di Spider-Man. Il
film diretto da J. C. Chandor (Margin Call) è interpretato
da Aaron Taylor-Johnson (Avengers: Age of
Ultron, Tenet, Bullet Train), Ariana De Bose (West Side Story),
Fred Hechinger (Butcher’s Crossing, Il Gladiatore II),
Alessandro Nivola (Amsterdam), Christopher Abbott
(Povere creature!) e Russell Crowe (Il gladiatore).
Kraven – Il Cacciatore,
scritto da Art Marcum, Matt Holloway e Richard Wenk, sarà solo al
cinema dall’11 dicembre prodotto da Sony Pictures e distribuito da
Eagle Pictures.
Kraven – Il Cacciatore, la
trama
Kraven – Il Cacciatore
racconta la violenta storia della nascita e del destino di uno dei
villain più iconici della Marvel. Aaron Taylor-Johnson interpreta
Kraven, un uomo la cui complessa relazione con il suo spietato
padre, Nikolai Kravinoff (Russell Crowe), lo conduce su un cammino
di vendetta con conseguenze brutali, motivandolo a diventare non
solo il più grande cacciatore del mondo, ma anche uno dei più
temuti
Il film di Jason
Reitman sulla trasmissione inaugurale di “Saturday
Night Live“, dal titolo Saturday Night,
appunto, uscirà l’11 ottobre 2024 (data USA) e ora è arrivato il
trailer.
Alle 23:30 di quella sera, spiega la
sinossi ufficiale del film, “una feroce compagnia di giovani
comici e autori ha cambiato per sempre la televisione”. Il
film della Sony, intitolato ufficialmente “Saturday
Night“, è basato sulla vera storia di ciò che è accaduto
dietro le quinte nei 90 minuti precedenti la trasmissione.
“Pieni di umorismo, caos e la magia di una rivoluzione che
quasi non c’è stata, contiamo alla rovescia i minuti in tempo reale
fino alle famose parole: “In diretta da New York, è sabato
sera!”
“Saturday Night” è
diretto da Reitman da una sceneggiatura che ha scritto con il suo
co-sceneggiatore di “Ghostbusters
– Minaccia Glaciale” Gil Kenan,
attingendo alla serie di interviste della coppia con il cast, gli
autori e i membri della troupe viventi della produzione
storica.
Il film sull’avvento del Saturday Night Live
La trasmissione originale del 1975
di “SNL” sulla NBC è stata presentata da George
Carlin con ospiti musicali Billy Preston
e Janis Ian. Dan Aykroyd, John Belushi,
Chevy Chase, Jane Curtin, Garrett Morris, Laraine Newman, Michael
O’Donoghue e Gilda Radner sono tutti
apparsi nell’episodio, così come George Coe, che
non sarebbe più apparso come membro del cast. Anche il comico
Andy Kaufman si è esibito nell’episodio.
Dick Ebersol ha sviluppato il varietà e ha assunto
Lorne Michaels come showrunner, che rimane il capo
della serie di lunga data.
Il cast del film include
Gabriel LaBelle (nel ruolo di Michaels), Dylan O’Brien (Aykroyd), Cory Michael
Smith (Chase), Rachel Sennott (Rosie
Shuster), Lamorne Morris (Morris),
Nicholas Braun (Jim Henson), Finn
Wolfhard, Jon Batiste (Preston),
Ella Hunt (Radnor), Cooper
Hoffman (Ebersol), Andrew Barth Feldman
(Neil Levy), Naomi McPherson (Ian), Willem
Dafoe (David Tebet), J.K. Simmons (Milton
Berle) e Kaia Gerber (Jacqueline Carlin), tra gli
altri.
L’ultimo round di concept art di
Deadpool &
Wolverine sposta i riflettori sulla variante più
sorprendente del film: The Cavillerine, ovvero la
variante di Wolverine con le sembianze di Henry Cavill.
Grazie a Wes Burt, possiamo vedere alcune
delle idee alternative considerate per Wolverine di Henry Cavill, anche se non c’è niente di
drasticamente diverso. Diremmo che il look solo canottiera era
abbastanza convincente e che il tocco di camicia di flanella
aggiungeva la giusta quantità di ruvidezza necessaria al
personaggio ma è chiaro che avrebbe portato a dei paragoni con il
suo Clark Kent. La canottiera d’altronde è
riuscita a mettere in evidenza i bicipiti in maniera
impeccabile.
Ecco uno sguardo più da vicino a
The Cavillerine di seguito:
this was a quite a fun one when it landed in my hands to do some
concept-ing, more in the upcoming artbook for Deadpool & Wolverine
pic.twitter.com/G0zHXJjiTi
“Non riesco a pensare a un ruolo più impossibile o frustrante
da riassegnare di qualcosa come Wolverine”, ha affermato di
recente il protagonista, sceneggiatore e produttore di
Deadpool &
WolverineRyan
Reynolds. “Come attore, sarebbe un passo orribile
e intimidatorio in quella direzione. Dovresti davvero reinventarlo
e affrontarlo in modo diverso.” “È uno dei
pochi cameo che è un vero cameo. Gli altri sono sorprese o persone
che hanno un motivo per essere lì. È stato un grande sportivo.
Amiamo Henry e farò di tutto perché lui ricambi il favore.” Ha
detto Reynolds in merito al coinvolgimento di Cavill nel film.
J.K. Rowling ad una conferenza
stampa per promuovere il suo "Open Book Tour". Kodak Theatre,
Hollywood, CA. 10-15-07 — Foto di s_bukley
J.K. Rowling ed Elon Musk
sono stati entrambi citati in una denuncia penale presentata alle
autorità francesi per presunti “atti di molestie informatiche
aggravate” contro la pugile algerina e neo-campionessa
olimpica Imane Khelif.
Nabil Boudi,
l’avvocato di Khelif con sede a Parigi, ha confermato a Variety che entrambe le figure
sono state menzionate nel corpo della denuncia, pubblicata venerdì
sul centro anti-odio online dell’ufficio del pubblico ministero di
Parigi.
La causa è stata intentata contro X,
il che, secondo la legge francese, significa che è stata intentata
contro ignoti. Ciò “garantisce che l’accusa abbia tutta la
libertà di poter indagare contro tutte le persone“, comprese
quelle che potrebbero aver scritto messaggi d’odio sotto
pseudonimo, ha affermato Boudi. La denuncia menziona tuttavia
personaggi notoriamente controversi.
“J. K. Rowling ed Elon Musk sono
citati nella causa, tra gli altri”, ha affermato, aggiungendo
che Donald Trump sarebbe stato coinvolto
nell’indagine. “Trump ha twittato, quindi, che venga o meno
nominato nella nostra causa, sarà inevitabilmente esaminato come
parte dell’accusa”.
J.K. Rowling, Elon Musk e Donald Trump citati nella causa
Khelif, che sabato ha vinto
la medaglia d’oro olimpica nella gara di pugilato
femminile da 66 chilogrammi, ha trascorso gran parte delle
Olimpiadi del 2024 a Parigi al centro di una rumorosa e spiacevole
disputa sulla sua idoneità di genere che ha avuto eco in tutto il
mondo.
Nonostante sia nata donna e non si
identifichi come transgender o intersessuale, e nonostante sia
sostenuta dal Comitato Olimpico Internazionale, che ha affermato
“scientificamente, non si tratta di un uomo che combatte una
donna“, Khelif ha dovuto affrontare un diluvio di accuse e
abusi sul suo genere.
La maggior parte degli attacchi è
avvenuta tramite i social media, in particolare su X/Twitter, e la
controversia è aumentata quando personaggi di alto profilo hanno
incrementato la polemica. In un messaggio ai suoi 14,2 milioni di
follower, J.K. Rowling ha pubblicato una foto del
combattimento di Khelif con la pugile italiana Angela Carini,
accusando la prima di essere un uomo che “si stava godendo la
sofferenza di una donna che aveva appena preso a pugni in
testa”.
Musk, nel frattempo, ha condiviso un
post della nuotatrice Riley Gaines che affermava che “gli
uomini non appartengono agli sport femminili“. Il proprietario
di X ha co-firmato il messaggio scrivendo:
“Assolutamente“. Trump ha pubblicato un messaggio con una
foto del combattimento con Carini accompagnata dal messaggio:
“Terrò gli uomini fuori dagli sport femminili!”
Boudi ha affermato che, sebbene la
denuncia menzioni dei nomi, “Quello che chiediamo è che
l’accusa indaghi non solo su queste persone, ma su chiunque ritenga
necessario. Se il caso andrà in tribunale, saranno
processati”.
Boudi ha anche affermato che,
sebbene la causa sia stata intentata in Francia, “potrebbe
colpire personalità all’estero”, sottolineando che
“l’ufficio del procuratore per la lotta all’incitamento
all’odio online ha la possibilità di presentare richieste di mutua
assistenza legale con altri paesi”. Ha aggiunto che c’erano
accordi con l’equivalente statunitense dell’ufficio francese per la
lotta all’incitamento all’odio online.
Anche Logan Paul è
stato tra coloro che hanno attaccato Khelif sui social media,
postando su X dopo la sua vittoria contro Carini: “Questa è la
forma più pura di male che si sta svolgendo proprio davanti ai
nostri occhi. A un uomo è stato permesso di picchiare una donna su
un palcoscenico globale, distruggendo il sogno della sua vita
mentre lei combatteva per il suo defunto padre. Questa illusione
deve finire”. Paul ha poi cancellato il post e ha ammesso che
“potrebbe essere colpevole di aver diffuso
disinformazione”.
Ma per Bouli, tali scuse, comprese
quelle che Khelif ha ricevuto personalmente da personaggi di spicco
che hanno twittato commenti denigratori, non cambierebbero nulla
riguardo all’indagine. “La causa è stata intentata e i fatti
rimangono“, ha affermato.
Per quanto riguarda X, Boudi ha
affermato che la denuncia è rivolta agli autori dei post sui social
media e non alle piattaforme stesse. “È responsabilità dei
legislatori emettere sanzioni alle piattaforme, non nostra”,
ha affermato. Ma ha notato che i casi di molestie informatiche ora
vengono prese molto più seriamente dalle autorità giudiziarie e
che, in alcuni casi, “ci sono pene detentive”.
L’allenatore di Khelif,
Pedro Diaz, ha detto a Variety che il bullismo che
Khelif ha subito durante la sua corsa alle Olimpiadi “ha avuto
un impatto incredibile su di lei” e “su tutti quelli che
la circondavano”.
“La prima volta che ha
combattuto alle Olimpiadi, c’è stata questa tempesta folle fuori
dal ring”, ha detto Diaz, che gestisce la Mundo Boxing Gym di
Miami e ha iniziato ad allenarsi con Khelif nel febbraio 2023.
“Non avevo mai visto niente di così disgustoso in vita
mia”, ha aggiunto l’allenatore, che ha partecipato
all’allenamento di 21 campioni olimpici prima della pugile
algerina. Diaz ha detto di aver chiesto a Khelif di astenersi dal
guardare i social media in modo che “non perdesse la
concentrazione sulla vittoria della medaglia d’oro”. “È
così intelligente e ha una motivazione incredibile”, ha detto,
aggiungendo che la sua vittoria della medaglia d’oro “è stata
la vittoria più gratificante della mia carriera di
allenatore”.
Nella serata inaugurale
del The Bear, Carmy rimane chiuso nella cella
frigorifero del suo ristorante, e a seguito di una crisi di panico,
comincia a sputare veleno su chiunque, dall’altro lato della spessa
porta metallica, provi a tranquillizzarlo: Neil, Ritchie e
soprattutto Claire, che lo chef lascia lì, su due piedi. Così si
era concluso il secondo ciclo della serie prodotta da Hulu e
disponibile in Italia dal 14 agosto su Disney+ anche con la
terza stagione ideata anch’essa da
Christopher Storer. La
recensione di The Bear 3 proverà a raccontare
quello che ci aspetta nei prossimi dieci episodi della serie
(attenzione, potrebbero seguire spoiler).
La terza
stagione di The Bear riparte più o meno da quel momento
drammatico. Sembrano passati pochi giorni e Carmy (Jeremy
Allen White) fa quello che sa fare meglio: nascondersi
nel lavoro e spingere sull’acceleratore, scappando dai confronti e
dai problemi, non riuscendo a trovare la forza di confrontarsi con
Claire e riuscendo solo a sputare odio addosso a Ritchie (Ebon
Moss-Bachrach), che lo ricambia con la stessa moneta.
Sydney (Ayo
Edebiri), dal canto suo, cerca di portare avanti con
fatica la sua ambizione e la sua volontà all’interno del
ristorante, ma troverà complicato avere a che fare con un socio che
vuole l’obbedienza e non il confronto.
E mentre le relazioni
trai personaggi sembrano cadere a pezzi, con Natalie (Abby
Elliott) che è prossima al parto e DD (Jamie
Lee Curtis) che desidera far parte della vita dei
figli, sembra che nessuno abbia ancora davvero elaborato la morte
di Mickey (John Bertram). Intanto, i finanziamenti
per l’ambizioso progetto del ristorante cominciano a scarseggiare.
Quando però arriva la notizia che Chef Terry (Olivia Colman)
vuole appendere il mestolo al chiodo e chiudere il suo ristorante,
qualcosa sembra smuoversi dentro i protagonisti.
Una delle serie più raffinate degli ultimi anni
Christopher
Storer è certamente uno che ha ottenuto la sua stella
Michelin, in forma di premi, trofei e riconoscimenti, grazie a uno
dei prodotti televisivi più raffinati e interessanti degli ultimi
anni, che si avvale di una scrittura che sguazza nel dramma umano
condendolo di ironia (la serie compete nella categoria Commedia per
i premi dedicati alla Tv, pur lasciandoci sempre tutti i lacrime di
dolore), di un cast costantemente sfidato dal testo e sfidante nei
confronti del pubblico, che resta incantato dalla performance
collettiva, di un linguaggio raffinato, e da scelte musicali
imprevedibili e ricercate.
The Bear 3 rimugina su se stessa
Assodato tutto questo,
The Bear 3 è decisamente il ciclo più debole
dell’intera serie fino a questo momento. Con eccezione di momenti
in cui gli archi narrativi vengono sviluppati e approfonditi, la
stagione si rivela un lungo rimuginare su ciò che era già stato
detto e raccontato, in maniera eccellente, nella prima stagione.
Nel suo nucleo, The Bear 3 è una lunghissima
attesa di una elaborazione del lutto che sembra
non cominciare mai. Ognuno dei personaggi soffre una perdita, che
non per forza è quella della morte di un caro, ma è uno strappo
nella propria vita, un’ambizione disattesa, un legame lasciato
andare, un chiarimento non affrontato, tutti sono alle prese con la
loro inadeguatezza personale che si riflette nella lotta contro
corrente che Carmy e Syd affrontano per ottenere la Stella Michelin
che tanto desiderano per The Bear (il ristorante,
non la serie).
Sull’orlo della
crisi di nervi
In questo terzo ciclo,
Storer si guarda intorno e rielabora quanto
realizzato fino a questo momento, sfrutta l’ormai classico ritmo
frenetico di scambi, botta e risposta violenti, tagli rapidi, tutto
ovviamente “sull’orlo della crisi di nervi”, dà spazio ai
personaggi secondari che diventano protagonisti di vere e proprie
parentesi nonsense che sembrano avere soltanto lo scopo di
“riempire” il minutaglia della puntata, inventandosi di episodio in
episodio un tema e uno stile accattivante che si riduce purtroppo a
un esercizio piuttosto che diventare un veicolo di senso e
approfondimento. Ci si dimentica dei drive narrativi importanti e a
questi si preferisce un meditabondo movimento avanti e indietro nel
tempo, alla ricerca di storie e traumi che non raccontano niente di
nuovo rispetto a quanto ci era già stato illustrato, con molta più
efficacia, nelle due stagioni precedenti.
Intendiamoci, si parla
comunque di televisione di altissimo livello,
tuttavia sembra che una volta impostato il racconto nella prima
stagione, e dopo averlo in qualche modo tradito nella seconda (la
paninoteca di famiglia trasformata in un ristorante stellato?), per
tutto il blocco di puntate centrali, The Bear 3 è
in una fase di stallo che solo nell’ultimo splendido episodio
sembra decidersi a far procedere non solo gli stati emotivi dei
personaggi, ma anche la trama vera e propria. Forse questo momento
di stallo e di autocompiacimento era il prezzo da pagare per il
successo che la serie ha riscosso e per arrivare quindi a una
quarta (forse ultima) stagione.
Il caos senza
controllo
Quello che non è mai cambiato, dal
primo al terzo ciclo, è quel piacere misto a insofferenza e
fastidio che si prova ogni volta che si entra nella cucina del
Chicago Beef prima e di The Bear
adesso: quella sensazione di caos per nulla controllato nonostante
gli sforzi di tutti, quell’atmosfera di famiglia irrisolta in cui
la forza dei vaffanculo è pari solo all’amore che lega
ognuno dei personaggi a tutti gli altri, dove non esistono le
parole per capirsi ma solo le urla, la frenesia, l’ansia di fare
sempre meglio, al ritmo scandito di quel “sì, chef!” che mille
significati può racchiudere.
Con l’arrivo su Prime Video di
Jackpot!, il regista Paul Feig
cambia la formula delle commedie d’azione, realizzando
un film ad alta intensità di acrobazie in cui non sono le
battute demenziali nel corso dell’azione che fanno ridere (o ci
provano, almeno), ma è l’azione stessa che genera divertimento. A
guidare questa rocambolesca avventura ci sono l’irresistibile
Awkwafina accompagnata da un insolito partner,
ovvero l’ex wrestler John Cena che è capace di affrontare una
stanza piena di sicari con la sua co-star legata alla schiena.
Jackpot!, la trama
Perché le persone stanno cercando di
uccidere Awkwafina? Jackpot! chiede al pubblico di
accettare una premessa intelligente ma illogica su un radicale
cambiamento delle regole della lotteria della California. Nell’anno
2030, il biglietto vincente ha un prezzo: i soldi sono tuoi solo se
riesci a rimanere in vita fino al tramonto. Nel frattempo, i
vincitori devono destreggiarsi in un Hunger Games improvvisato per
le strade di Los Angeles, in cui chi riesce a uccidere il legittimo
vincitore, vince in premio il suo jackpot, appunto. Nel
disperato tentativo di sopravvivere alle orde dei cacciatori di
jackpot, si allea a malincuore con un agente dilettante, preposto
alla protezione della lotteria, Noel Cassidy (John
Cena), che farà di tutto per farla rimanere in vita fino
al tramonto in cambio di una parte del premio. Tuttavia, Noel dovrà
vedersela con il suo astuto rivale Louis Lewis (Simu
Liu), anche lui determinato a riscuotere a tutti i costi
la ricompensa di Katie.
L’idea di partenza è più o meno
l’unica che il film riesce a offrire e si fonda soprattutto su una
inedita alchimia trai due protagonisti, accompagnati anche da un
Simu Liu in grande spolvero. Lungo tutta la storia e la
sceneggiatura firmata da Rob Yescombe e portata
sullo schermo da Feig scorre
una satira più pungente, al mondo di Hollywood e in particolare
all’ossessione americana per il desiderio di diventare ricchi e
famosi a tutti i costi. Stranamente, Katie non vuole né l’uno né
l’altro. Non ha comprato il biglietto, ma lo ha trovato in un paio
di pantaloni improbabili presi in prestito.
Due comicità diverse che
si completano
La regia di Feig e la comicità di
Jackpot! richiedono un tipo di comicità principalmente fisica,
molto distante da ciò che Awkwafina ha sempre
dimostrato di saper fare bene. Nonostante questa difficoltà
concettuale, l’attrice si rivela sorprendentemente all’altezza del
compito e offre un piacevole contrasto con il personaggio di Cena
che, avvezzo a un determinato tipo di acrobazie e di
intrattenimento, entra con grande facilità nei panni di Noel
Cassidy. La sua prestanza fisica, come ormai abbiamo visto in
diverse occasioni, non oscura la sua vena comica.
Il segreto del casting
Dopo il successo di Le
Amiche della Sposa, tredici anni fa, Paul
Feig ha collezionato una serie altalenante di progetti,
tra top e flop, e questo lo ha spinto a giocare con i genere e a
provarne diversi fino a codificare un suo linguaggio umoristico
distintivo che prende moltissimo in prestito dal suo primo grande
successo e che si riversa in gran parte in questo film, che però fa
a meno della brillante sceneggiature del film con Kristen
Wiig.
Parte di questo linguaggio
umoristico è reso plausibile proprio dal cast, che è stato scelto
per lui da quella Allison Jones che ha “visto
nascere” anche attori del calibro di Seth Rogen e Melissa McCarthy.
Una garanzia che ha messo insieme un cast vario e irresistibile,
dall’insensibile/omicida host di Airbnb di Katie (Ayden
Mayeri) al losco leader della Lottery Protection Agency
(Simu Liu), che sta cercando di rubare il compenso
di Noel per sé. Arruola persino Machine Gun Kelly,
che si dimostra sportivo e autoironico nell’interpretare una
versione di se stesso pronta per la panic-room.
Pur essendo una commedia
prevedibile, Jackpot! scommette tutto sui suoi
protagonisti e finisce per essere uno di quei film in cui si
capisce che gli attori hanno provato decine di battute e il
montatore ha scelto le migliori, anche se i titoli di coda ricchi
di scene tagliate suggeriscono che spesso esistevano opzioni più
divertenti. Il film si basa sull’improvvisazione e in questo trova
il suo punto di maggiore forza, soprattutto grazie ai suoi
protagonisti.
James Cameron non
ha intenzione di lasciare la sedia di regia del franchise di
Avatar. In un’intervista con The Hollywood
Reporter, il regista ha spiegato che ha intenzione di dirigere
anche i prossimi tre capitoli della serie, dopo aver portato in
sala i primi due e aver già realizzato il terzo.
“Certo. Assolutamente. Voglio
dire, dovranno fermarmi. Ho un sacco di energia, amo fare quello
che faccio. Perché non dovrei? E sono scritti, a proposito. Li ho
appena riletti entrambi circa un mese fa. Sono storie fantastiche.
Devono essere realizzati. Guarda, se vengo investito da un autobus
e sono in un polmone d’acciaio, qualcun altro lo farà.”
Nel corso del D23 appena svoltosi ad
Anaheim, Disney ha diffuso il titolo ufficiale del terzo film di
Avatar, che si intitolerà Avatar: Fire
and Ash.
Fire and
Ash riprenderà subito dopo quegli eventi, quando Jake
e Neytiri incontreranno il Popolo della Cenere, che Cameron ha
lasciato intendere essere più attratto dalla violenza e dal potere
rispetto agli altri clan. “Ci sono nuovi personaggi, uno in
particolare penso che sarà amato, o amerete odiarlo”, ha detto
Cameron.
Oona Chaplin (“Game
of Thrones”) interpreta il leader del popolo della Cenere, Varang.
Anche David Thewlis e Michelle
Yeoh si uniscono al cast. Insieme a Worthington e Saldaña,
il cast di ritorno include
Sigourney Weaver, Stephen Lang,
Kate Winslet, Cliff Curtis, Britain Dalton, Jack Champion,
Trinity Jo-Li Bliss, Bailey Bass, Joel David Moore, Edie
Falco e Dileep Rao.
Avatar: La
via dell’acqua e Avatar: Fire
and Ash sono entrambi scritti da Cameron,
Rick Jaffa e Amanda Silver. In
origine, dovevano essere un unico film, ma durante il processo di
scrittura, Cameron ha deciso che c’era troppo materiale e ha diviso
la storia in due parti. L’uscita del film in sala è attualmente
prevista per il 19 dicembre 2025.
Cameron ha prodotto tutti i film di
“Avatar” con il suo partner creativo di lunga data Jon Landau, morto di cancro a luglio a 63
anni. “La sua eredità non sono solo i film che ha prodotto, ma
l’esempio personale che ha dato: indomito, premuroso, inclusivo,
instancabile, perspicace e assolutamente unico”, ha affermato
Cameron in una dichiarazione all’epoca. “Ha prodotto grandi
film, non esercitando potere ma diffondendo calore e la gioia di
fare cinema. Ci ha ispirato tutti a essere e a dare il meglio di
noi, ogni giorno. Ho perso un caro amico e il mio più stretto
collaboratore per 31 anni. Una parte di me è stata strappata
via”.
Il regista di
Terminator e Terminator 2: Il Giorno del
Giudizio, James Cameron, sta lavorando a
un nuovo progetto… ma è letteralmente tutto ciò che sappiamo.
Nonostante le recensioni positive,
Dark Fate, è stato l’ultimo capitolo della saga a
non avere successo al botteghino, e si dava per scontato che ci
sarebbe voluto molto tempo prima di vedere la guerra contro le
macchine continuare sul grande schermo. La saga potrebbe prendersi
una pausa (forse permanente) dal live-action, ma Cameron ha ora
rivelato che sta sviluppando qualcosa di relativo a Terminator!
Il leggendario regista ha condiviso
la sorprendente notizia mentre parlava con THR della prossima serie animata
di Netflix, Terminator Zero.
James Cameron sta tornando al franchise di
Terminator
“Sembra interessante. Il mio
rapporto con questo è molto simile a quello che ho con The
Sarah Connor Chronicles: altre persone che inventano
storie in un mondo che ho messo in moto mi interessano. Cosa ne
pensano? Cosa li ha incuriositi? Dove stanno andando? Sembra che
stiano tornando alla causa principale del Giorno del Giudizio, la
guerra nucleare, e se questa è una cronologia definitiva. Sarei
curioso di vedere cosa hanno inventato. Sto lavorando al
mio materiale su Terminator in questo momento. Non ha
niente a che fare con quello. Come con The Sarah Connor Chronicles,
hanno occasionalmente toccato cose con cui avevo giocato in modo
completamente indipendente. Quindi c’è un po’ di curiosità. Non è
una curiosità ardente, ma, ovviamente, sarebbe bello vedere che ha
successo”. “È totalmente classificato”, ha aggiunto quando gli
è stato chiesto maggiori dettagli. “Non voglio dover inviare un
agente robotico potenzialmente pericoloso se dovessi parlarne,
anche retroattivamente”.
Prima che i fan si esaltino troppo,
questa “roba da Terminator” potrebbe essere davvero
qualsiasi cosa. Ovviamente c’è la possibilità che si tratti di un
nuovo film o di una serie live-action, ma potrebbe essere anche un
fumetto, un romanzo o qualche altro media.
All’inizio di quest’anno, due dei
film più amati di James Cameron, Aliens e
True Lies, sono stati ripubblicati come remaster
4K. Era un’operazione da tempo attesa dai fan e, in particolare,
dai collezionisti di supporti fisici.
Sfortunatamente, i trasferimenti in
4K si sono rivelati una delusione per molti. La qualità delle
immagini è stata ritenuta scadente e i social media sono stati
inondati di video di confronto e lamentele sul fatto che un
remaster del 2010 di Aliens, ad esempio, fosse di
gran lunga superiore. Sembravano in gran parte un upscale scadente
di vecchie scansioni di stampe originali e, nel caso di
True Lies, c’erano prove dell’uso
dell’intelligenza artificiale per migliorare la qualità video.
James Cameron arrabbiato con i fan
In una recente intervista con
The Hollywood Reporter (tramite
SFFGazette.com), James Cameron, il regista
visionario responsabile anche di Titanic e del franchise di
Avatar, non ha usato mezzi termini quando gli è
stato chiesto delle continue critiche. “Quando le persone
iniziano a rivedere la tua struttura granulosa, devono uscire dalla
cantina di mamma e incontrare qualcuno”, ha affermato.
“Giusto? Dico sul serio. Voglio dire, mi stai prendendo in
giro? Ho un team fantastico che si occupa dei trasferimenti. Io mi
occupo di tutto il lavoro sul colore e sulla densità. Guardo ogni
ripresa, ogni fotogramma e poi il trasferimento finale è fatto da
un tizio che è con me [da anni].”
“Tutti i film di Avatar sono
fatti in quel modo. Tutto è fatto in quel modo. Fatevi una vita,
gente, seriamente.” Queste osservazioni possono sembrare dure
ma probabilmente derivano dalle frustrazioni per quelle che Cameron
ritiene lamentele ingiuste sulla qualità di ogni film.
Quando si parla di grande
televisione, forse non è la prima rete che viene in mente, ma FX ha
fatto faville negli ultimi cinque anni, con serie di successo come
Dave, Atlanta, Fargo e Shōgun.
FX ha lanciato The Bear nel 2022 ed è diventata
rapidamente una delle sue serie più popolari. The
Bear segue lo chef Carmen Berzatto (Jeremy
Allen White) e la sua famiglia dopo la morte del
fratello.
La prima stagione racconta la storia straziante
dei tentativi di Carmen di salvare il ristorante Chicago Beef
mentre elabora la morte di Mikey (Jon
Bernthal). La stagione 1 di The
Bear è stata una montagna russa di emozioni e la
stagione 2 ne ha seguito l’esempio. Quando il pubblico ha visto per
l’ultima volta Carmy e il suo staff di cucina, il “Chicago
Beef” stava chiudendo, con la promessa che un nuovo
ristorante, The Bear, avrebbe preso il suo posto.
Mentre la prima stagione segue un gruppo di chef che cerca di
salvare un’attività in via di estinzione, la seconda segue i loro
tentativi di reinventare quell’attività in qualcosa di
migliore.
La seconda stagione di The Bear
divide il cast
Il fascino principale della
prima stagione derivava da un gruppo di personalità diverse che
si scontravano tra loro, nel bene e nel male. La
seconda stagione abbandona completamente questa premessa fin
dall’inizio, scegliendo invece di separare i personaggi e di
concentrarsi sul racconto di storie più intime e mirate su ognuno
di loro. Mentre Carmy e Syd (Ayo
Edebiri) sviluppano un nuovo menu, inviano il resto
dello staff in vari ristoranti in America e in Europa per
migliorare le loro abilità culinarie.
Questa decisione ha portato ad
alcuni degli episodi più iconici della serie. Marcus
(Lionel Boyce) lascia a malincuore la madre malata
a Chicago per andare a studiare in un ristorante di Copenaghen, che
è fortemente sottinteso essere il famosissimo Noma. Marcus si
allena con Luca (Will
Poulter), che condivide la sua storia di formazione
per diventare il “migliore” del settore. Luca spiega come abbia
lottato per accettare di non poter competere con un vecchio rivale
in cucina, ma l’accettazione di questa dura verità gli ha permesso
di diventare migliore di quanto avesse mai pensato.
Anche Richie (Ebon
Moss-Bachrach) vive un viaggio emotivo particolarmente
memorabile nel settimo episodio. Carmy manda Richie in scena in un
ristorante stellato di Chicago. Richie è bloccato a lucidare
forchette e scopre che la sua ex moglie si sta risposando. Nel
momento più basso, il ristorante costringe Richie a superare il suo
ego e ad abbandonare la sua mentalità malsana di essere troppo
vecchio per ricominciare. Richie subisce la più grande
trasformazione di tutti i personaggi della serie, diventando un
ottimo padrone di casa e un ottimo cameriere, e impara dalla chef
Terry (Olivia
Colman) che non si è mai troppo vecchi per
ricominciare, adottando il suo mantra che “ogni secondo conta”.
Questo episodio rivela anche che lo
chef rivale di Luca era in realtà Carmy, e che i due hanno lavorato
sotto lo chef Terry, fornendo ulteriori informazioni sulle origini
di Carmy come chef. Ebra (Edwin Lee Gibson) e Tina
(Liza Colón-Zayas) vanno a scuola di cucina, ma
Ebra fatica ad adattarsi al drastico cambiamento. Mentre tutti gli
altri sembrano aver migliorato le loro abilità in cucina, Ebra avrà
bisogno di un episodio unico nella terza stagione per affrontare il
suo conflitto.
Il conflitto di Carmy si risolve nel
finale di stagione. Dopo aver trascurato di riparare la serratura
della cella frigorifera, finisce per rimanere bloccato nel freezer
durante la serata di apertura. The Bear perde il
suo capo cuoco nel momento più importante, costringendo Carmy a
rivedere le sue priorità. Tuttavia, avendo inizialmente mandato il
personale in formazione, il ristorante gestisce piuttosto bene il
servizio senza Carmy. Richie si fa avanti, mettendo in campo tutte
le sue nuove capacità insieme a Syd e al resto della cucina, e la
serata di apertura è un successo.
Carmy si ritira nel suo vecchio io,
decidendo che la sua relazione è stata un errore e che deve
concentrarsi sul ristorante. Lo spiega a Tina mentre è intrappolato
nella cabina, senza rendersi conto che Tina è stata distratta.
Claire entra in cucina e sente tutto quello che lui dice, mettendo
bruscamente fine alla loro relazione. Ancora una volta, Carmy
rifiuta di essere felice, un conflitto che probabilmente si
protrarrà anche nella
terza stagione.
Carmy non è l’unico personaggio con
problemi relazionali nella
seconda stagione. Mentre sembrava che tra Marcus e Syd stesse
nascendo una storia d’amore, quando Marcus le chiede finalmente di
uscire, Syd rifiuta bruscamente. Questo provoca una strana tensione
tra i due che si ripercuote sulla loro performance al ristorante.
Syd e Marcus si trovano in una situazione molto imbarazzante alla
fine della stagione, quindi sarà interessante vedere come si
riprenderanno da questa situazione andando avanti.
La storia della famiglia
Berzatto
La seconda stagione è stata ricca di
camei sorprendenti, da Will Poulter e
Olivia Colman a Gillian Jacobs a Joel McHale.
Il travolgente episodio natalizio “Pesci” introduce la famiglia
Berzatto allargata e ricca di star. Jamie Lee Curtis interpreta Donna, una madre
alcolizzata ed emotivamente violenta e la matriarca dei Berzatto,
insieme a Sarah Paulson, Gillian Jacobs, John Mulaney e
Bob Odenkirk. Anche Jon Bernthal è
tornato a vestire i panni di Mikey in questo episodio, che torna
indietro di 5 anni per esplorare i retroscena tossici della
famiglia di Sugar (Abby Elliott) e Carmy. Donna
torna più avanti nella stagione, afflitta dai sensi di colpa per
come ha trattato i suoi figli, e Stewie (Chris
Witaske) condivide con lei un momento emozionante mentre
cerca di riconciliare la loro famiglia.
La comprensione del rapporto tra
Sugar e sua madre potrebbe essere importante per la terza stagione.
Sugar è l’ancora emotiva che tiene unita la famiglia e, con il
bambino che nascerà a breve, è probabile che sia preoccupata di
ripetere gli errori della madre nella sua vita. Le foto dietro le
quinte della terza stagione mostrano il cast che fuma fuori da una
chiesa, vestito in giacca e cravatta, il che potrebbe far pensare a
un episodio ambientato durante il battesimo del neonato di Sugar e
Stewie. D’altra parte, potrebbe anche alludere a un funerale, ma
probabilmente non di qualcuno del cast immediato, dato che tutti i
personaggi sembrano presenti. Il tempo ci dirà quali altre sorprese
saranno in serbo per lo staff di The Bear quando
verrà presentata la terza stagione.
Tutti i 10 episodi della terza
stagione di The Bear sono disponibili in streaming
su Disney+ dal 14 agosto.
Il finale di 47 metri –
Uncaged prevedeva una miracolosa fuga da squali
mortali, solo che la salvezza dei suoi personaggi centrali è stata
vanificata da un oscuro colpo di scena dell’ultimo minuto. Il
survival horror del 2017 segue due sorelle, Lisa (Mandy
Moore) e Kate (Claire
Holt), bloccate in una gabbia sul fondo dell’oceano
circondate da squali affamati. Fino al finale, 47 metri –
Uncaged (47 Meters Down) è un thriller teso e
pieno di suspense, che presenta anche una serie di grandi
spaventi.
Il film sugli squali è stato diretto da Johannes Roberts e si
distingue per un colpo di scena a sorpresa che modifica il finale
dopo che Lisa si ritrova da sola nella gabbia dopo che Kate è stata
apparentemente uccisa da uno squalo. Lisa ha una gamba bloccata e
respira aria da una nuova bombola di ossigeno che Kate ha
recuperato per lei. Quando sente la voce di Kate via radio, trova
la forza di liberarsi e di trovare la sorella ferita. Le due
sorelle fanno quindi una nuotata disperata per tornare alla barca.
Tuttavia, la scena finale di 47 metri –
Uncagedrivela che questo non è ciò che è
realmente accaduto.
47 metri –
Uncaged: spiegazione del finale
Una scena iniziale ha preparato il
finale di 47 metri – Uncaged: il Capitano Taylor
(Matthew Modine) aveva precedentemente informato le sorelle che se
avessero nuotato fino alla superficie, avrebbero dovuto fermarsi
per cinque minuti a metà strada per evitare le curve. Durante
questa emozionante sequenza di fuga alla fine di 47 metri –
Uncaged, Lisa accende dei razzi per allontanare gli squali
in agguato. Alla fine le sorelle raggiungono la superficie e
corrono verso la barca, solo che Lisa viene morsa e trascinata da
uno squalo, ma riesce a cavargli un occhio e viene trascinata sulla
barca.
Le sorelle ferite vengono curate
quando Lisa si accorge che la ferita alla mano – che si era
tagliata nella gabbia – sanguina nell’aria. Si scopre che Lisa ha
avuto le allucinazioni per tutta la fuga ed è ancora bloccata sul
fondo della gabbia. In precedenza, Taylor aveva avvertito che
il cambio di vasca aumentava il pericolo di
“narcosi da azoto“, che
ha portato Lisa ad avere una vivida allucinazione di salvare
Kate. Alla fine Lisa viene salvata dai sommozzatori e
riportata sulla barca, arrivando ad accettare che sua sorella è
stata uccisa dallo squalo.
Johannes Roberts aveva preso in
considerazione un finale ancora più cupo per 47Metri
Down, in cui Lisa veniva lasciata morire, ma si è reso conto
che il film aveva bisogno di un po’ di speranza. Il regista è
tornato anche per il sequel del 2019, dove i nuovi personaggi di
47 metri – Uncaged sono messi in pericolo
dagli squali.
47 Meters Down è basato su una
storia vera?
L’impatto del finale di 47
metri – Uncagedha spinto alcuni a chiedersi
se si tratti di una storia vera. La premessa di base di
un’escursione subacquea andata male a causa di un’attrezzatura
difettosa e di turisti troppo fiduciosi che vogliono divertirsi non
sembra poi così inverosimile. Tuttavia, anche se la trama può
essere vagamente basata su storie simili quando si tratta della
storia specifica di Lisa e Kate che lottano per la loro vita nelle
acque del Messico, il progetto non è in realtà basato su nessuna
storia di sopravvivenza vera.
Gran parte di 47 Meters
Down è del tutto irrealistica. Naturalmente, queste
imprecisioni non fanno che allontanare ulteriormente la trama dal
concetto di storia vera. Tuttavia, Johannes Roberts ha affrontato
questi elementi in un’intervista del 2019 (viaBloody Disgusting) in cui ha definito i due
film di 47 Meters Down “assurdi”. Ha poi sottolineato
l’importanza di sospendere l’incredulità durante la visione dei
film e ha evidenziato che:
“Se scendessi a 47 metri in
una gabbia sul fondo dell’oceano, con una bombola, e fossi un
subacqueo inesperto, probabilmente resisteresti circa tre minuti
prima di morire o finire l’aria.Quindi sì, certo,
è ridicolo.[…] Ma è un film, capisci?“
Il finale di 47 metri –
Uncaged rispecchia un classico dell’horror
moderno
Il finale di 47 metri –
Uncaged fa un parallelo tra il finale del
film e quello diThe Descent, un
altro cupo film horror sulla sopravvivenza. The Descent,
del regista Neil Marshall, segue un gruppo di donne intrappolate in
una grotta e braccate da creature carnivore. Alla fine, Sarah
(Shauna Macdonald) sembra essere l’unica sopravvissuta che riesce a
uscire dalla grotta. Tuttavia, mentre fugge con la sua auto, si
sveglia improvvisamente dalle sue allucinazioni e scopre di essere
ancora nella caverna con le creature che si avvicinano a lei.
Il finale si è rivelato troppo cupo
per il pubblico americano, quindi è stato cambiato in uno in cui
Sarah sopravvive alla prova, anche se ne è chiaramente
traumatizzata. Come il finale di 47 metri –
Uncaged, il finale originale di The Descent
lascia il pubblico con un brutale pugno allo stomaco. Non è un
finale pensato per piacere a tutti, perché è un po’ crudele
suggerire un finale in cui Sarah è viva solo per portarsela via.
Tuttavia, a volte questi finali brutali dei
film horror possono essere più memorabili dei finali sicuri e
vittoriosi che si vedono di solito nei film di Hollywood.
47 metri –
Uncaged ha ripetuto il colpo di scena finale?
Il sequel, 47 metri –
Uncaged, aveva una struttura simile, ma Jonannes
Roberts doveva stare attento a non ripetere semplicemente il finale
di 47 metri – Uncaged. Lo stesso colpo di scena
finale non avrebbe mai funzionato una seconda volta, quindi sarebbe
interessante vedere come il regista è riuscito a riportare l’azione
nelle acque profonde senza ripetere ciò che ha fatto il primo film.
Nel sequel di 47 metri – Uncaged, quattro amici si
immergono in una grotta in Messico e si imbattono in squali
assassini.
Tra questi ci sono le sorellastre
Mia e Sasha e le loro amiche Nicole e Alexa. Ci sono anche una
coppia di assistenti che lavorano nelle grotte e il padre delle
sorellastre, Grant (John Corbett). In 48 Meters Down:
Uncaged, tutti muoiono tranne le sorellastre. Il più grande
cambiamento rispetto al finale di 47 Meters Down è che il
regista Johannes Roberts sceglie di non andare fino in
fondo con la finzione.
Invece del colpo di scena, che fa
sembrare quasi insignificante il finale del film originale, questa
è una semplice storia di sopravvivenza. Nel primo film, una sorella
salva l’altra, solo che si tratta di un’allucinazione in cui una
delle due muore davvero. Qui, le due sorelle lottano per salvarsi a
vicenda e ci riescono. Pur non essendo in uno stato mentale
ottimale, entrambe sono sopravvissute grazie al loro nuovo legame,
il che rende il finale più soddisfacente di 47 Metri
Down.
Il vero significato di 47
Meters Down
Come la maggior parte dei film
survival horror, 47 Meters Down non punta molto sui
significati nascosti o sulla profondità tematica. Questo non è un
problema, perché il regista Johannes Roberts conosce bene il genere
e sa come spremere ogni grammo di tensione possibile dalla
situazione di Lisa e Kates. Tuttavia, grazie al colpo di scena e ai
dettagli sulla narcosi da azoto, il finale di 47 Meters
Down ha qualcosa in più rispetto a molti altri film del
sottogenere.
La maggior parte dei film sugli
squali, come The Meg o
Deep Blue Sea, si basano esclusivamente sui terrificanti
predatori acquatici come unica fonte di pericolo e minaccia.
Tuttavia,47 Meters Downprende spunto daLo
squalodel 1975 in un modo fondamentale che
gli permette di distinguersi dagli altri survival horror sugli
attacchi degli squali. In Jaws, è chiaro che il
vero pericolo è rappresentato dall’apatia del sindaco di Amity
Island e dalla sua insistenza sulla necessità di aprire la
spiaggia. Se il sindaco avesse semplicemente chiuso la spiaggia, lo
squalo non avrebbe avuto altre vittime e sarebbe andato avanti.
Naturalmente, 47 Metri
Down non è profondo come Lo Squalo (anche se, ancora una volta, questo non va a
suo discapito, perché pochi film sugli squali sono riusciti a
esserlo). Tuttavia, attraverso la narcosi da azoto di Lisa,
mostra che gli squali non sono l’unico pericolo quando si tratta di
immergersi in acque libere. Il colpo di scena non ha
praticamente nulla a che fare con gli squali ed è probabilmente la
parte più memorabile del finale. Inoltre, rispecchia il finale di
2022’s 47 metri – Uncaged, anch’esso
caratterizzato da una finta morte del personaggio.
Per questo motivo, il significato
di 47 Meters Down riesce a essere
qualcosa di più del semplice “i grandi squali fanno
paura”. Tuttavia, se da un lato non ha molto da offrire al di
là di questo per quanto riguarda i temi e il messaggio centrale,
dall’altro non ne ha nemmeno bisogno, come dimostra il duraturo
successo di culto del survival horror del 2017.
Psycho,
il
classico thriller del 1960 del regista Alfred Hitchcock,
contiene uno
dei migliori e più famosi colpi di scena di tutti i tempi, che
esaminiamo in dettaglio. Il curriculum di Hitchcock è costellato di
film incredibili, ma Psycho potrebbe essere il suo più
famoso e probabilmente quello che anche le persone che generalmente
non guardano i
vecchi film horror hanno visto con maggiore probabilità. Ciò è
dovuto in parte al fatto che Psycho ha generato un
franchise, con Anthony Perkins che è tornato a
interpretare Norman Bates in tre sequel. Psycho
ha anche avuto una presenza più recente nella cultura pop grazie
all’acclamata serie Bates
Motel di A&E.
Psycho è per molti versi
una sorta di precursore del sottogenere dei film slasher, in quanto
si concentra su una serie di omicidi commessi al Bates Motel da un
aggressore sconosciuto al pubblico fino alla fine del film. Molti
dei primi slasher hanno scelto di mantenere i loro assassini un
mistero fino all’atto finale del film, come l’originale
Venerdì 13,Sleepaway Camp e Buon compleanno
a me.
Se è vero che le basi del finale di
Psycho sono note ai più per osmosi culturale, non si può
non sottolineare quanto alcuni concetti fossero rivoluzionari
all’epoca. Hitchcock ordinò addirittura ai cinema di non far
entrare gli spettatori dopo l’inizio del film, per preservare i
suoi colpi di scena.
Norman Bates è davvero
l’assassino
Un cambiamento apportato da
Hitchcock nell’adattare il romanzo Psycho di Robert Bloch
in un film fu quello di rendere
Norman Bates più simpatico e attraente. Hitchcock affidò
il ruolo al giovane emergente Anthony Perkins, allora noto per aver
interpretato personaggi sani e simpatici. Perkins ha infuso in
Norman un calore e una timidezza che hanno fatto sì che il pubblico
dell’epoca non sospettasse mai che fosse lui l’assassino.
Naturalmente, mentre l’instabile “madre” di Norman viene presentata
come l’assassino, verso la fine si scopre che Norman è lui stesso
l’assassino, colui che ha fatto a pezzi Marion Crane (Janet
Leigh) nella doccia durante la scena più famosa di
Psycho e che ha mandato giù dalle scale il detective
Arbogast ferito. Norman li ha comunque uccisi fisicamente,
mentalmente è tutta un’altra storia.
Spiegazione del finale di
Psycho:Norman Bates ha due personalità distinte
Sebbene sia stata la mano di Norman
Bates a stringere l’arma del delitto durante l’uccisione della
madre, per quanto ne sappia, non è colpa sua. Come spiegato a lungo
da uno psichiatra nella conclusione di
Psycho, Norman non si limita a indossare
i vestiti della madre defunta e a uccidere le persone, ma ha
un’intera seconda personalità in cui crede di essere davvero sua
madre.
Questo fenomeno veniva definito
“personalità multipla”, ma oggi è clinicamente noto come Disturbo
Dissociativo dell’Identità. Sfortunatamente, l’identità della madre
diventa sempre più dominante nel corso del tempo, al punto che
Norman stesso sembra completamente scomparso alla fine. Come
riveleranno i film successivi, ciò è dovuto al comportamento
emotivamente e fisicamente violento di Norma Bates, che coltivava
una relazione quasi incestuosa con il figlio e lo faceva sentire in
colpa per aver provato sentimenti sessuali. Così, quando Norman si
eccita, non riesce a gestire la situazione e la madre emerge per
uccidere l’oggetto del suo desiderio, come Marion.
Il tema dell’identità
Il monologo dello psichiatra
prepara l’inquadratura finale, cruciale, per spiegare come ci si
possa identificare – e credere temporaneamente, e a volte
permanentemente, di essere un’altra persona. La questione
dell’identificazione è così cruciale in Psycho e agisce
come una sorta di metafora della stessa spettatorialità.
Parte dell’orrore dell’omicidio di
Marion deriva dal fatto che fino a quel momento ci siamo
identificati così strettamente con lei; il suo desiderio di pagare
i debiti del fidanzato e di stare con lui, di ricominciare, di
essere felice. È per questo che, in parte, il suo omicidio è uno
shock così orribile. “Mai”, scrive il critico Robin
Wood nel libro Hitchcock Films Revisited,
“l’identificazione è stata interrotta così brutalmente”. Eppure,
non molto tempo dopo l’omicidio di Marion, ci identifichiamo con
Norman, in modo orribile, e a volte, contro il nostro giudizio,
facciamo il tifo per il suo successo.
Psycho di Alfred Hitchcock
Dopo aver ucciso Marion, Norman
mette il suo corpo nel bagagliaio della sua auto e affonda il
veicolo in una palude vicina. C’è un momento di suspense in cui
l’auto indugia sulla superficie dell’acqua e noi spettatori, con
grande sorpresa, ci ritroviamo a fare il tifo per Norman. Hitchcock
ha definito questa inclinazione un “istinto naturale” e ha notato
che il pubblico ha provato un fugace senso di sollievo quando
l’auto è finalmente affondata.
Il tema dell’identità, ovviamente,
ricorre in tutti i film di Hitchcock. Molti dei suoi film, come
North By Northwest (1959) e L’uomo sbagliato
(1956), seguono una struttura simile: le autorità accusano l’uomo
sbagliato di un crimine, l’uomo fugge o si costituisce alle
autorità e poi deve dimostrare la sua innocenza. In
Psycho, però, la crisi di identità si estende anche a noi
spettatori. Per Wood, l’inquadratura finale di Norman Bates ci
permette di “vedere le potenzialità oscure che ci sono in tutti
noi”.
Alfred Hitchcock
ha dichiarato che, nel creare Psycho, mirava a far suonare
il pubblico “come un organo”. Guardando Psycho, Hitchcock
prende il controllo del pubblico proprio come la Madre prende il
controllo di Norman, ci invita nel mondo che ha creato e ci mostra
esattamente le immagini che vuole che vediamo. Guardando
l’inquadratura finale, siamo invitati a riflettere sulle
implicazioni della nostra stessa spettatorialità, sul nostro
desiderio condiviso di essere contemporaneamente noi stessi e
qualcun altro, proprio come Norman e la Madre.
Uno dei più divertenti film del
cinema, Cocktail ha come protagonista Tom Cruise nei panni di Brian Flanagan, un
giovane che inaspettatamente raggiunge una certa fama come
“flair bartender” a New York City insieme al suo mentore,
Doug Coughlin (Bryan Brown). Alla fine Brian porta
la sua abilità nel lanciare bottiglie in Giamaica, dove si innamora
di Jordan (Elisabeth Shue), un’artista in vacanza.
Ecco alcuni fatti sul film di Tom Cruise, secondo la Legge di
Coughlin.
1. BRIAN FLANAGAN AVEVA QUASI IL
DOPPIO DEGLI ANNI NEL LIBRO.
Sì, Cocktail era in
origine un romanzo, scritto da Heywood Gould e basato sulla dozzina
di anni trascorsi a fare il barista per arrotondare le sue entrate
come scrittore. Mentre il Brian Flanagan di Tom Cruise ha
vent’anni, il protagonista di Gould è stato descritto come uno
“strambo trentottenne in giacca da campo, con i capelli unti e
brizzolati che gli ricadono sul colletto, gli occhi blu striati
come il cielo rosso del mattino”. Come ha raccontato Gould
al Chicago Tribune, “avevo quasi trent’anni,
bevevo abbastanza bene e cominciavo a sentire che stavo perdendo la
nave“. Il personaggio del libro è un uomo più anziano che è
stato in giro e che comincia a sentirsi piuttosto esaurito”. Disney
e Gould – che ha adattato il suo libro per lo schermo – hanno
litigato per rendere Brian Flanagan più giovane, ma
alla fine Gould ha
ceduto.
2. CI SONO STATE ALMENO 40
VERSIONI DIVERSE DELLA SCENEGGIATURA.
La sceneggiatura è passata
attraverso un paio di studi diversi e decine di iterazioni.
Secondo Gould, “ci saranno state 40 bozze della
sceneggiatura prima di entrare in produzione. Inizialmente era con
la Universal. L’hanno messa in lavorazione perché non rendevo il
personaggio abbastanza simpatico. Poi l’ha preso la Disney, con la
quale ho affrontato lo stesso processo. Ho lottato contro di loro
in ogni occasione, e c’è stata un’enorme battaglia per rendere il
protagonista più giovane, cosa che alla fine ho fatto“.
Bryan Brown ha spiegato che quando Cruise è salito a bordo, il
film “ha dovuto cambiare. Lo studio ha apportato le modifiche per
proteggere la star e per questo è diventato un film molto più
leggero”.
Kelly Lynch, che interpretava Kerry
Coughlin, è stata molto più schietta su come la visione di Gould
per la storia sia cambiata sotto la Disney,
dicendo a The A.V. Club:
“Cocktail” era in realtà una
storia molto complicata sugli anni ’80, sul potere e sul denaro, ed
è stato completamente rielaborato perdendo la storia del mio
personaggio – la sua bassa autostima, chi era suo padre, perché era
quella persona – ma ovviamente è stato un film di grande successo,
anche se non così buono come avrebbe potuto essere.È
stato scritto da colui che ha scritto Fort Apache The Bronx, ed era
un film molto più cupo, ma la Disney l’ha preso, ne ha girato circa
un terzo e l’ha trasformato in un film che gira le bottiglie e
questo e quello”.
3. PER UN BREVE SECONDO, LA DISNEY
NON ERA DEL TUTTO CONVINTA DI AVERE TOM CRUISE COME
PROTAGONISTA.
Raccontando il tipo di storia che
accade solo a Hollywood, Gould ha raccontato al Chicago
Tribune di uno dei suoi primi incontri con i capi della
Disney Michael Eisner e Jeffrey Katzenberg.
“Qualcuno ha detto che questo potrebbe essere un buon veicolo
per Tom Cruise”, ha ricordato Gould. “Eisner dice: ‘Non lo farà
mai, non perdete tempo, non può fare questa parte’. E poi
Katzenberg dice: ‘Beh, è davvero interessato a farlo’, e senza
perdere tempo Eisner dice: ‘È perfetto per questo ruolo, è
perfetto! Questo è il mondo del cinema: Lo odio, lo amo; lo amo, lo
odio!“.
4. IL PROVINO DI BRYAN BROWN È
STATO “TERRIBILE”.
Il regista Roger
Donaldson voleva espressamente che Bryan
Brown facesse il provino per il ruolo di Doug. Brown è
volato da Sydney a New York e, quasi subito dopo le oltre 20 ore di
volo, si è seduto di fronte a Donaldson. “Ha fatto il provino
ed era stanco morto ed è stato terribile“, ha detto Donaldson.
“Dopo che l’ha fatto gli ho detto: ‘Bryan, fatti un favore,
dobbiamo rifarlo domani’. E lui mi ha risposto: ‘No, no, devo
prendere un aereo per tornare stasera’. Non sono riuscito a
convincerlo a rimanere e a rifarlo, quindi non ho mostrato a
nessuno il provino“. Donaldson disse invece ai produttori e
allo studio di guardare la performance di Brown in F/X
(1986); evidentemente, quello che avevano visto era piaciuto.
5. TOM CRUISE E BROWN SI SONO
ESERCITATI A FARE I BARISTI E HANNO USATO BOTTIGLIE VERE SUL
SET.
Il
barista del TGI Friday’s di Los Angeles John Bandy fu assunto
per addestrare Tom Cruise e Brown dopo aver servito una donna che
lavorava per la Disney e che era alla ricerca di un barista per
Cocktail. Bandy addestrò le due star a lanciare le
bottiglie e Gould portò Cruise e Brown nel bar di un suo amico per
mostrare loro i trucchi che usavano. Donaldson affermò che usavano
bottiglie vere – e sì, ne ruppero alcune.
6.LA GIAMAICA NON È
STATA GENTILE CON TOM CRUISE
Gli esterni della Giamaica sono
stati girati sul posto, dove faceva freddo e Cruise si è ammalato.
Quando lui e Shue hanno dovuto girare una scena d’amore in una
cascata nella giungla, non è stato piacevole. “Non è così romantico
come sembra”, ha detto Cruise
a Rolling Stone. “Era più un ‘Gesù, facciamo
questa ripresa e andiamocene da qui’. In realtà, in alcuni scatti
vedrete che le mie labbra sono viola e, letteralmente, tutto il mio
corpo sta tremando“.
7.LA COLONNA SONORA DEL
FILM È STATA INTERAMENTE RISCRITTA IN UN WEEKEND.
Il tre volte premio Oscar Maurice
Jarre (Lawrence
d’Arabia) era il compositore originale di
Cocktail, ma i produttori non pensavano che la sua colonna
sonora fosse “adatta” alla storia. In particolare, non gradivano
uno spunto, così hanno chiamato J. Peter Robinson per sistemarlo. A
Donaldson piacque così tanto il lavoro di Robinson che chiese al
compositore di occuparsi del resto del lavoro. “Tutto questo
accadeva di venerdì”, racconta Robinson. “Stavo iniziando un altro
film il lunedì successivo e ho detto a Roger che non sarei stato
disponibile. ‘Lunedì dobbiamo fare il print-mastering, amico!!!’
Disse Roger. Così da quel momento sono rimasto sveglio a scrivere
la colonna sonora e l’ho consegnata il lunedì mattina verso le
cinque”.
8.“KOKOMO” È STATA
SCRITTA PER IL FILM.
Mentre furono i Beach Boys, ormai
privi di Brian Wilson, a registrare la canzone che riportò il
gruppo sotto i riflettori, “Kokomo” fu scritta da John Phillips dei
Mamas and the Papas, Scott McKenzie, che scrisse “San Francisco (Be
Sure to Wear Flowers in Your Hair)”, il produttore Terry Melcher,
figlio di Doris Day, e Mike Love. Phillips scrisse le strofe, Love
il ritornello e Melcher il bridge. Le istruzioni specifiche erano
di scrivere una canzone per la parte in cui Brian passa da barista
a New York alla Giamaica. A partire da questo, Love ha scritto la
parte “Aruba, Jamaica…”.
9.ROGER DONALDSON È
DISPIACIUTO PER “DON’T WORRY BE HAPPY”.
“Don’t Worry, Be Happy” di Bobby
McFerrin ha raggiunto il primo posto grazie alla sua inclusione
nella colonna sonora di Cocktail. Il regista ha sentito la
canzone alla radio un giorno mentre guidava verso il set. “L’ho
sentita e ho pensato che sarebbe stata perfetta per il film”, ha
raccontato. “E all’improvviso era ovunque. Mi dispiace per
questo”.
10.LE RECENSIONI,
COMPRESA QUELLA DI TOM CRUISE, SONO STATE DURE.
Per concludere la sua recensione a
due stelle, Roger Ebert ha
scritto: “Più si pensa a ciò che accade realmente in
Cocktail, più ci si rende conto di quanto sia vuoto e
inventato”.
Richard Corliss del TIME disse che era “una bottiglia
di rotgut in una scatola di Dom Perignon”.
Nel 1992, persino Tom
Cruise ammise che il film “non
era il fiore all’occhiello” della sua carriera. E nemmeno
Heywood Gould ne fu contento all’inizio. “Mi accusarono di aver
tradito il mio stesso lavoro, il che è stupido“, ha detto
Gould. “Quindi ero piuttosto devastato. Non riuscii
letteralmente ad alzarmi dal letto per un giorno. La cosa positiva
di quell’esperienza è che mi ha temprato. È stato come un
addestramento di base. In questo film sono stato ucciso, e dopo di
allora mi è andata bene l’idea di essere ucciso: da allora sono
stato ucciso altre volte, ma non mi ha dato fastidio“.
JACKPOT! è
una stravagante action-comedy che racconta di una “Grande
Lotteria” con una “piccola” fregatura: chiunque ucciderà il
vincitore prima del tramonto potrà reclamare legalmente il jackpot
multimiliardario.
Awkwafina
interpreta Katie, che si ritrova per errore in possesso del
biglietto vincente e, a malincuore, si allea con l’agente
dilettante Noel Cassidy, interpretato da John Cena, che dovrà farla arrivare viva al
tramonto in cambio di una parte del premio.
JACKPOT!
presenterà al pubblico quello che sarà il suo nuovo duo comico
preferito: Awkwafina e John Cena. Il leggendario regista
Paul Feig schiera Awkwafina,
grande attrice comica, in un ruolo da protagonista ricco di azione,
dopo il successo di altre action-comedy come Corpi da
reato e Spy, tra le altre.
La trama di Jackpot!
In un futuro prossimo, in California
è stata appena istituita una “Grande Lotteria” – la posta in gioco:
uccidere il vincitore prima del tramonto per reclamare legalmente
il suo jackpot multimiliardario. Quando Katie Kim (Awkwafina) si
trasferisce a Los Angeles, si ritrova per errore in possesso del
biglietto vincente. Nel disperato tentativo di sopravvivere alle
orde dei cacciatori di jackpot, si allea a malincuore con un agente
dilettante, preposto alla protezione della lotteria, Noel Cassidy
(John Cena), che farà di tutto per farla rimanere in vita fino al
tramonto in cambio di una parte del premio. Tuttavia, Noel dovrà
vedersela con il suo astuto rivale Louis Lewis (Simu Liu), anche
lui determinato a riscuotere a tutti i costi la ricompensa di
Katie. JACKPOT! è diretto da Paul Feig e scritto da Rob
Yescombe.
Regia di Paul Feig
Cast Awkwafina, John Cena, Ayden Mayeri,
Donald Elise Watkins, Sam Asghari, Murray Hill e Simu Liu
Scritto da Rob Yescombe
Prodotto da Joe Roth, Jeff Kirschenbaum, Paul
Feig, Laura Fischer
Executive Producer John Cena, Michelle
Morrissey, Rob Yescombe, Zack Roth
Il bootleg del trailer di Thunderbolts*
è on-line! Per qualche ragione, la Marvel Studios non ha portato i
Thunderbolts* al
D23 lo scorso weekend. Tuttavia, siamo sicuri che ricorderete che
un nuovo trailer è stato mostrato al Comic-Con di San
Diego e una fuga di notizie della Hall H ha appena
raggiunto i social media.
Diretto da Jake Schreier (Paper
Towns), il cast di Thunderbolts*
comprende Sebastian Stan nel ruolo di Bucky Barnes,
Hannah John-Kamen nel ruolo di Ava Starr alias
Ghost, Wyatt Russell nel ruolo di John Walker,
David Harbour nel ruolo di Alexei Shostakov
alias Red Guardian, Olga Kurylenko nel ruolo di Antonia Dreykov
alias Taskmaster, Harrison Ford nel ruolo del Generale Thaddeus
‘Thunderbolt’ Ross e Lewis Pullman nel ruolo di
Bob alias Sentry. Florence Pugh riprende il ruolo di Yelena
Belova, sorella di Vedova Nera (e una delle parti migliori della
serie Marvel Disney Plus
Occhio di Falco).
Inoltre, Julia
Louis-Dreyfus interpreta Valentina Allegra de Fontaine,
con Geraldine Viswanathan nei panni di Mel, la sua assistente (che
sostituisce una Ayo Edebri estremamente impegnata e piena di
impegni). Lo sceneggiatore di Black Widow e
Thor:
Ragnarok Eric Pearson si unisce agli sceneggiatori di
Beef Lee Sung Jin e Joanna Calo. Un trailer è stato mostrato a
porte chiuse al San Diego Comic-Con. Thunderbolts*
arriverà nelle sale il 5 maggio 2025, in ritardo rispetto alla
precedente data di uscita del 20 dicembre 2024 a causa degli
scioperi della WGA e della SAG-AFTRA. Nel frattempo, restate
aggiornati sul MCU con la nostra
guida alla storia della Fase 5 della Marvel e con uno
sguardo a ciò che deve ancora venire nella Fase 6 della Marvel.
Frozen
3 arriverà nei cinema in tempo per il Ringraziamento…
del 2027. La Disney ha aggiunto la terza avventura animata
ambientata ad Arendelle al calendario delle uscite cinematografiche
il 24 novembre 2027. Anche i primi due film di “Frozen” sono usciti
intorno al Giorno del Ringraziamento, cosa che ha contribuito
certamente a farli diventare due blockbuster consecutivi da 1
miliardo di dollari.
Lo studio ha anche inserito un nuovo
film Pixar, “Hoppers“,
in programma per il 6 marzo 2026. Jon Hamm e
Bobby Moynihan guideranno il cast vocale di
“Hoppers“,
una commedia sullo scambio di corpi su una ragazzina che usa la
tecnologia per comprendere i pensieri interiori degli animali.
Il primo film “Frozen” ha debuttato
nei cinema nel 2013 ed è stato ispirato dalla classica fiaba
“La regina delle nevi“, scritta da Hans Christian
Anderson. È diventato un successo immediato e ha incassato
1,28 miliardi di dollari al botteghino a livello globale. È stato
il quinto film con il maggior incasso di tutti i tempi dopo la sua
uscita e ora si trova al n. 22.
Le canzoni originali del film
(Do You Want to Build a Snowman? e Let It Go)
composte da Kristen Anderson-Lopez e Robert Lopez, hanno aiutato la
colonna sonora a vendere più di 4,1 milioni di copie entro giugno
2016 e ad ottenere più di 51 milioni di streaming. Ha anche vinto
l’Oscar per il miglior film d’animazione.
Frozen 2 è uscito
nel 2019 e ha superato l’originale incassando 1,45 miliardi di
dollari al botteghino globale. Attualmente è il 14° film con il
maggior incasso al mondo, dopo aver raggiunto il n. 10. Il sequel
ha ampliato il mondo di Arendelle e ha introdotto più elementi,
luoghi e creature magici.
Oltre ai film, il mondo di “Frozen”
ha generato speciali televisivi, cortometraggi, un musical di
Broadway, uno spettacolo di pattinaggio sul ghiaccio e molto altro
ancora.
Frozen
3è in lavorazione e potrebbe esserci anche un
‘Frozen 4’ in lavorazione”, ha detto l’anno scorso. “Ma non ho
molto da dire su quei film in questo momento. [La regista] Jenn
Lee, che ha creato gli originali “Frozen” e “Frozen 2″, sta
lavorando duramente con il suo team di animazione Disney non su
una, ma su due storie”.
Disney+ ha diffuso il trailer
dell’attesissima quarta stagione di Only Murders in the
Building. La serie comedy originale premiata agli
Emmy® con Steve Martin, Martin Short e
Selena Gomez tornerà il 27 agosto in esclusiva su
Disney+, con nuovi episodi disponibili
ogni martedì.
Only Murders in the Building 4, il trailer
Nella quarta stagione di
Only Murders in the Building, il trio di
podcaster amatoriali è alle prese con gli eventi scioccanti
accaduti alla fine della terza stagione che hanno coinvolto Sazz
Pataki, la controfigura e amica di Charles. Chiedendosi se la
vittima designata fosse veramente lei oppure Charles, la loro
indagine li porta fino a Los Angeles, dove uno studio di Hollywood
sta preparando un film sul podcast Only Murders. Quando Charles,
Oliver e Mabel tornano a New York, intraprendono un viaggio ancora
più epico: attraversano il cortile del loro palazzo per addentrarsi
nelle vite contorte dei residenti della Torre Ovest
dell’Arconia.
Only Murders in the Building 4, la key art
La serie è interpretata da
Steve Martin, Martin Short,
Selena Gomez, Michael Cyril Creighton, con guest star
speciali che includono Meryl Streep, Da’Vine Joy Randolph,
Eugene Levy,
Eva Longoria,
Zach Galifianakis, Molly Shannon, Kumail Nanjiani, Melissa
McCarthy, Richard Kind e molti altri.
I co-creatori e
sceneggiatori sono Steve Martin e John Hoffman (Grace and
Frankie, Looking). Martin e Hoffman sono i produttori
esecutivi insieme a Martin Short,
Selena Gomez, il creatore di This Is
Us Dan Fogelman e Jess Rosenthal. La serie è prodotta da
20th Television, parte dei Disney Television Studios.
L’epica fantascienza di
Francis Ford Coppola “Megalopolis“
avrà la sua anteprima nordamericana al Toronto
International Film Festival dopo il passaggio a Cannes. Il
TIFF ha aggiunto quel film e molti altri, tra cui “Queer“ di
Luca Guadagnino con Daniel Craig
e “The
Room Next Door” di Pedro Almodóvar
guidato da Julianne Moore e Tilda
Swinton, alla sua programmazione del 2024. In totale, 276
film saranno proiettati al festival di quest’anno, che si terrà dal
5 al 15 settembre.
Oltre ai titoli della selezione
ufficiale, il TIFF ha programmato proiezioni speciali del film del
2014 di Damien Chazelle“Whiplash”, così come della commedia del 1994 di
Mina Shum “Double Happiness“.
Come annunciato in precedenza,
“Nutcrackers” del regista David Gordon
Green, con Ben Stiller, aprirà il
festival mentre il debutto alla regia di Rebel
Wilson “The Deb” chiuderà la 49a
edizione. Altri film già in programma includono il thriller di
sopravvivenza di Ron Howard
“Eden“, la commedia horror di Marielle
Heller “Nightbitch” con Amy
Adams, il film d’animazione “The Wild
Robot” e “We
Live in Time“ di John Crowley, con
Andrew Garfield e Florence
Pugh.
Toronto International Film Festival 2024: il programma
Tim Blake Nelson si trasforma
ne Il Leader in L'incredibile Hulk
Tim Blake Nelson ha
interpretato per la prima volta The Leader nel
film del 2008 The Incredible Hulk, il secondo film
MCU dopo l’uscita di Iron
Man all’inizio dello stesso anno, e ora tornerà nei panni
del personaggio in
Captain America: Brave New World.
In realtà, la sua storia nel film
del 2008 si concludeva con un accenno al fatto che stava per
diventare The Leader ma, dopo quasi trent’anni, non sappiamo ancora
cosa ne è stato di lui. Tuttavia, grazie al film con Anthony Mackie,
ne sapremo di più.
“Ero profondamente, profondamente addolorato per la prospettiva
di non poter tornare nell’MCU”, ha detto Nelson a Variety
della sua assenza in una recente intervista. “Tutto quello che
volevo fare, come attore, era capire cosa succede a questo tizio.
18 anni dopo ci sono riuscito e non sono rimasto
deluso”.“È stata una grande sfida e sono stato
guidato magnificamente da Julius Onah, che è un regista
indipendente”, ha detto del prossimo film di Captain America.
“Questi sono veri registi che vogliono lavorare con veri attori
e dare loro l’opportunità di interpretare personaggi stravaganti.
La Marvel lo supporta”.
L’attore ha continuato dicendo che,
nonostante le infinite chiacchiere sulla stanchezza dei supereroi,
nessuno dovrebbe “escludere la Marvel“. Nelson ha
aggiunto: “La Marvel è un fenomeno inaudito nella storia del
cinema. Kevin Feige e il suo studio hanno creato decine di film
collegati che esistono in un unico universo cinematografico, per
usare il loro termine. Non c’è un risultato paragonabile. Quindi
no, non penso che sia finita”. Ha continuato dicendo che
Captain America è uno dei franchise “più
concreti” dei Marvel Studios, paragonandolo a
Logan (un’osservazione interessante visto che
Brave New World presenta un Hulk Rosso). “Questo sarà un film
meraviglioso”, ha aggiunto Nelson.
Naturalmente, uno dei più grandi
detrattori dei Marvel Studios negli ultimi anni è stato
Martin Scorsese. Nelson ha tirato in ballo il
regista mentre elogiava l’MCU, chiarendo che non è per niente
d’accordo con l’idea che i film sui supereroi non siano “cinema”.
“Non potrei rispettare di più Martin Scorsese, è un genere a
sé, ma non sono d’accordo con lui quando deride la Marvel. Io sono
dalla parte dei film Marvel che sono assolutamente cinema. Ci
riportano di nuovo bambini. Quando sono davvero belli, e spesso lo
sono, ti ci perdi dentro.”“Sono profondi? Sono “Quei
bravi ragazzi” e “Crocevia della morte”, sono “Ladri di
biciclette”, “Schindler’s List” o Kieślowski? No, ma non aspirano a
esserlo. Sono intrattenimento e c’è dell’arte in loro. Questo è il
mio discorso sulla Marvel.”
Quello che sappiamo sul
film Captain America: Brave New World
Harrison Ford e Anthony Mackie in una scena di Captain America:
Brave New World
Captain America: Brave New World riprenderà da
dove si è conclusa la serie Disney+The Falcon and the Winter
Soldier, seguendo l’ex Falcon Sam Wilson (Anthony Mackie)
dopo aver formalmente assunto il ruolo di Capitan America. Il
regista Julius Onah (Luce, The
Cloverfield Paradox) ha descritto il film come un
“thriller paranoico” e ha confermato che vedrà il ritorno
del Leader (Tim Blake Nelson), che ha iniziato la
sua trasformazione radioattiva alla fine de L’incredibile
Hulk del 2008.
Secondo quanto riferito, la star di
Alita: Angelo della BattagliaRosa
Salazar interpreterà la cattiva
Diamondback, mentre ancora sconosciuto è il ruolo
del villain interpretato da Giancarlo Esposito. Harrison Ford, invece, assume qui il ruolo di
Thaddeus “Thunderbolt” Ross, che a quanto rivelato dal primo
trailer si trasformerà ad un certo punto nel Hulk Rosso.
Nonostante dunque avrà degli
elementi al di fuori della natura umana, il film riporterà
il Marvel Cinematic
Universe su una dimensione più terrestre e realista, come
già fatto anche dai precedenti film dedicati a Captain America. Ad
ora, il film è indicato come uno dei titoli più importanti
della Fase
5.
Anthony
Mackie ha recentemente dichiarato che questo film
è “10 volte più grande” della sua serie Disney+ e ha parlato della dinamica tra Cap e il
nuovo Falcon, Joaquin Torres. “Sono in coppia alla pari“,
ha scherzato. “Sono entrambi militari. Io ero il suo ufficiale
comandante. Tra noi c’è più amicizia rispetto al modo in cui
ammiravo Steve o al modo in cui non mi piaceva Bucky“.
“Questo film è un chiaro reset.
Ristabilisce davvero l’idea di cosa sia e cosa sarà questo
universo“, ha aggiunto Mackie. “Penso che con questo film,
si stia ottenendo un chiaro, nuovo marchio di ciò che
la Marvel vuoole
essere nello stesso modo in cui hanno fatto con Captain America:
The Winter Soldier“.