Nel 2014, Kingsman: The Secret Service ha fatto breccia nei cuori degli spettatori di tutto il mondo. Secondo Box Office Mojo, il film è stato visto da un numero di persone sufficiente a fargli guadagnare più di cinque volte il suo budget iniziale di 81 milioni di dollari. L’enorme ode a tutto ciò che riguarda i film di spionaggio ha unito gli elementi di commedia, intrigo e azione del genere per uno dei film più emozionanti e divertenti dell’anno.

Il film segue Gary “Eggsy” Unwin (Taron Egerton), un giovane inglese di strada con un talento per le fughe improvvisate e un cuore d’oro. Viene reclutato dal compagno di guerra del padre defunto, Harry Hart (Colin Firth), per far parte di un’agenzia di spionaggio britannica nota come Kingsman. Durante il viaggio, i Kingsman entrano in conflitto con il miliardario magnate della telefonia Richmond Valentine (Samuel L. Jackson), che ha in mente un piano per sfoltire la sovrappopolazione mondiale utilizzando onde che inducono all’aggressività emesse dalle schede SIM della sua azienda; una volta attivate, tutti coloro che si trovano nel raggio d’azione diventano pazzi assassini. Quando Harry viene ucciso e gli altri membri di Kingsman si uniscono a Valentine, tocca a Eggsy fermare il piano del folle nel modo tradizionale delle spie.

Come fa Eggsy a passare da ragazzo di strada a eroe?

Alla fine, Eggsy ferma i piani di Valentine prima che vengano causati danni significativi alla popolazione mondiale. Tuttavia, Eggsy non sarebbe stato in grado di farlo se non si fosse impegnato a fondo e non si fosse trasformato da chav in un agente segreto elegante come James Bond. All’inizio del film, Eggsy è tutt’altro che una spia dalla parlantina elegante. È un teppista dall’accento pesante che ruba auto solo per divertirsi. In realtà, ha l’opportunità di diventare un Kingsman solo quando usa il numero sul vecchio medaglione di guerra del padre per chiamare Harry e ottenere una carta “esci gratis di prigione”. La maggior parte del resto del film si concentra sull’addestramento di Eggsy invece che sulle sue fughe per salvare il mondo. Impara a combattere, a sparare, ad addestrare i cani, a mescolare i drink e praticamente qualsiasi altra abilità che ci si aspetta che una spia conosca a menadito.

In fin dei conti, è proprio questo l’obiettivo del film: diventare un eroe. Eggsy non affronta direttamente l’antagonista fino all’inizio del terzo atto. Anche in questo caso, è solo perché Harry Hart viene tolto di mezzo grazie a una pallottola in testa. Quando Eggsy scopre che tutti gli altri Kingsman sono dalla parte di Valentine, non ha altra scelta che salvare il mondo. Si tratta di un’evoluzione del personaggio che è frutto sia delle circostanze che della morale di Eggsy.

Il finale del fumetto è molto diverso

Per chi non fa parte del mondo dei fumetti, Kingsman è sembrato un film originale che ha avuto un grande successo. In realtà, il film è tratto da una graphic novel delle leggende del fumetto Mark Millar e Dave Gibbons. Secondo CineFix, il fumetto originale – intitolato semplicemente The Secret Service – ha una trama di base simile che presenta alcune differenze sostanziali nel corso della storia, compreso il finale. Nella versione cinematografica, Eggsy assalta da solo il complesso montuoso di Valentine. Uccide i membri dell’1% che sostengono i piani di Valentine, lo pugnala al petto e conclude la serata con una relazione improvvisata con una principessa svedese. È un finale trionfale, umoristico e appropriato per un film d’azione campagnolo sulle spie britanniche.

Nel frattempo, il fumetto vede Eggsy riunire le sue reclute Kingsman per organizzare un assalto al nascondiglio del cattivo Dr. James Arnold. Lì, salvano molti degli attori più famosi del mondo – che Arnold ha rapito – e si sbarazzano del cattivo con un colpo di pistola a bruciapelo in faccia. Non c’è nessuna principessa svedese, anche se le onde radio del cattivo vengono trasformate da aggravanti in afrodisiache. Eggsy non avrà il suo “lieto fine”, ma il resto del mondo sì.

 

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Potreste amare il film con Carey Mulligan Una Donna Promettente (la nostra recensione). Potreste odiarlo. Potreste esserne indifferenti. Ma una cosa sembra quasi certa: proverete forti emozioni per il suo finale.

La maggior parte di Una Donna Promettente (Promising Young Woman) sembra un’abile rivisitazione dei film di exploitation, in cui qualcuno che ha subito un torto si vendica. Mulligan interpreta Cassie, la cui migliore amica, Nina, è stata violentata quando le due frequentavano la facoltà di medicina. Nonostante Nina abbia denunciato lo stupro e nonostante ci fossero delle prove video, nessuno a scuola ha preso sul serio le sue affermazioni e ha punito i colpevoli. Sia Nina che Cassie hanno lasciato la scuola e si lascia intendere che Nina sia morta suicida.

Ora Cassie vendica abitualmente Nina andando nei bar e fingendo di essere ubriaca. Inevitabilmente, un uomo la porta a casa e inevitabilmente cerca di andare a letto con lei senza il suo chiaro consenso. Prima che lui possa farlo, lei rivela il suo stratagemma, parlandogli in modo convincente e terrorizzandolo al pensiero di quello che ha appena fatto. (Inevitabilmente, gli uomini tentano di ritorcere la loro situazione contro Cassie, ma il film non prende sul serio la loro reazione, a suo merito).

Il piano di Cassie prevede anche una vendetta più diretta nei confronti delle persone che incolpa per la morte di Nina, tra cui un ex amico che li ha lasciati a bocca asciutta, l’avvocato che ha difeso lo stupratore di Nina in tribunale e il preside del college. Ma la persona in cima alla lista di Cassie, com’era prevedibile, è lo stupratore di Nina, Al. E Al sta per avere un addio al celibato.

Seguono importanti spoiler su Una Donna Promettente (Promising Young Woman)

Cassie ottiene il luogo della festa di Al da Ryan, il ragazzo con cui esce per gran parte del film, finché non si rende conto che anche lui non ha fatto nulla per aiutare Nina mentre veniva violentata di fronte a numerose persone durante una festa. (Una Donna Promettente non racconta mai quello che è successo a Nina, né lo dice veramente, ma si capisce comunque cosa è successo perché la storia di Nina è così tristemente comune nel nostro mondo).

Così Cassie si traveste da spogliarellista e si presenta all’addio al celibato di Al, dove compirà il suo ultimo atto di vendetta: incidere il nome di Nina sulla pelle di Al dopo averlo ammanettato al letto.

Ma le cose non vanno secondo i piani. Ed è qui che nel film accade un punto di svolta sorprendente.

È come se l’intera trama di Una Donna Promettente fosse stata invertita da ciò che accade alla fine del film.

Ecco cosa succede: Al si libera da una delle manette e riesce a soffocare Cassie con un cuscino. Lei muore. Il film cambia prospettiva per seguire Al e il suo amico Joe mentre cercano di coprire il loro crimine. Più tardi, al matrimonio di Al, l’atto finale del piano di Cassie si compie quando la polizia si presenta per arrestare Al per l’omicidio di Cassie. La donna aveva inviato il luogo dell’addio al celibato all’avvocato pentito che aveva difeso Al nel caso di stupro, avvisandolo che aveva intenzione di essere presente, nel caso in cui fosse scomparsa. Lui ha contattato la polizia. Alla fine Al è finito in prigione.

Questi sviluppi racchiudono gli ultimi 15 minuti di un film, anche se si accetta il fatto che Una Donna Promettente ha già fatto accadere molti altri punti di svolga ancor prima di arrivare al finale. Ma la morte di Cassie ci ha fatto capire quale fosse l’obiettivo della sceneggiatrice/regista Emerald Fennell: Ci stava costringendo a vedere quanto profondamente il punto di vista di ragazzi come Al abbia soffocato la nostra cultura pop.

“L’addio al celibato va a rotoli quando muore la spogliarellista e/o la lavoratrice del sesso” è ormai un cliché, ma la maggior parte delle storie di questo tipo sono raccontate dal punto di vista dei partecipanti all’addio al celibato, non da quello della spogliarellista o della lavoratrice del sesso. Poiché Una Donna Promettente è così profondamente incentrato su Cassie, l’improvviso passaggio a una trama che sembra appartenere a un altro film è incredibilmente stridente. Tuttavia, questa stridente qualità ha uno scopo: aiuta gli spettatori a capire che la versione più tipica di questo film trasformerebbe la spogliarellista in un cadavere usa e getta – non le permetterebbe mai di essere la protagonista.

“Come appare questa storia dal punto di vista di uno dei personaggi minori?” è una domanda utile che ogni scrittore deve porsi riguardo a ciò che sta scrivendo. Ma ciò che Fennell ha fatto in Una Donna Promettente è stato concentrarsi su un intero tropo attraverso il punto di vista della persona più spesso trattata come un sacrificio necessario per portare avanti la trama.

In effetti, saremmo molto sorpresi se Una Donna Promettente non fosse un’opera inversa, solo un po’, da “Che aspetto ha la storia della spogliarellista che muore all’addio al celibato se è raccontata dal punto di vista della spogliarellista?”. Ricordandoci forzatamente di chi sarebbe la storia – ovvero di Al e Joe – Una Donna Promettente spinge il pubblico a riconsiderare tutti i cadaveri di donne senza nome che abbiamo visto in altri film e show televisivi, quelli che danno il via a una storia sugli uomini nelle loro vaghe vicinanze, a volte gli uomini che hanno effettivamente ucciso quelle donne.

Con questa scelta ci sfida anche a spostare la nostra empatia da Cassie ad Al o Joe. Il pubblico ha la tendenza a dare un po’ di tregua a un protagonista, e una volta che Cassie è morta, a Una Donna Promettente manca del tutto un protagonista. Al potrebbe intervenire per riempire questo vuoto. Dopo tutto, nessuno di noi vorrebbe che una donna vendicativa incidesse il nome della sua migliore amica sulla propria pelle.

Ecco perché il finale del film, in cui Cassie manda Al in prigione dall’oltretomba, è così importante. Senza di esso, il film non si concluderebbe solo con una nota negativa, ma comprometterebbe attivamente tutto ciò che è accaduto prima e rischierebbe di lasciare agli spettatori il ricordo primario di un altro uomo terribile che la fa franca per una cosa terribile.

Ma, sì, le fasi finali del piano di Cassie sono un po’ poco plausibili. O forse no?

La domanda su quale sia il genere a cui appartiene Una Donna Promettente è molto importante per il suo finale.

Prima di diventare un film su un addio al celibato finito male, Promising Young Woman passa agilmente tra tre generi molto diversi: la commedia romantica, il thriller d’exploitation e lo studio del personaggio. Il genere a cui appartiene più propriamente è l’ultimo, poiché l’azione del film è per lo più dedicata a cercare di capire cosa fa scattare Cassie. Ma per capire cosa fa scattare Cassie è necessario seguirla mentre terrorizza i ragazzi che la riaccompagnano a casa dal bar o affronta le persone che ritiene responsabili della morte di Nina (la trama del thriller d’exploitation del film). E poi bisogna anche vedere chi è Cassie nel contesto della sua relazione con Ryan (il suo lato da commedia sentimentale).

Ma nei momenti conclusivi di Una Donna Promettente, quando il piano di Cassie fa cadere Al al suo stesso matrimonio, il film punta tutto sul thriller d’exploitation. La commedia sentimentale è finita, con Ryan che si è rivelato un uomo di merda come tutti gli altri. E poiché Cassie è morta, anche lo studio del personaggio è finito, perché non possiamo più approfondire la sua conoscenza. In effetti, se il film fosse stato un puro studio dei personaggi, Al e Joe l’avrebbero probabilmente fatta franca. Ma poiché Promising Young Woman ha ancora una carta da thriller d’exploitation nella manica, mette in atto un ultimo trucco.

I thriller di sfruttamento spesso coinvolgono persone tradizionalmente svantaggiate che affrontano chi detiene il potere. Cassie, per esempio, è una donna che lotta contro la cultura dello stupro e il patriarcato, quindi le persone che affronta sono degli ubriachi di merda che si credono bravi ragazzi. I thriller di sfruttamento finiscono quasi sempre con una sorta di vittoria dell’eroe, per quanto donchisciottesca. Anche se l’eroe muore, sarà fatta giustizia. (Un altro esempio famoso, tratto da un altro film che utilizza le caratteristiche del thriller d’exploitation per i propri scopi: Kill Bill, che termina con il suo eroe che si allontana verso il tramonto dopo aver ucciso tutti coloro che l’hanno usata, abusata e oppressa).

Il finale di un thriller d’exploitation è proprio il finale di Una Donna Promettente. Molti spettatori potrebbero essere contrariati dal fatto che molte cose devono andare per il verso giusto perché il piano di Cassie funzioni: Deve sperare che l’avvocato faccia la cosa giusta, deve sperare che la polizia prenda sul serio un messaggio dall’oltretomba, deve persino programmare una serie di messaggi da inviare a Ryan (che sta partecipando al matrimonio di Al) proprio nel momento giusto per ottenere il massimo impatto drammatico.

Nel contesto di un thriller d’exploitation, tutto questo è assolutamente ragionevole. La sequenza finale a cascata di Una Donna Promettente non è più incredibile di quella di Cassie che va a casa con dozzine di uomini, li umilia e li spaventa, e poi non incontra alcun problema oltre a quello di arrabbiarsi con lei. All’interno di questo genere, le regole della realtà sono legittimamente un po’ più rigide.

Ho un test che a volte applico alle opere di fiction, soprattutto ai film. Lo chiamo il test “Sarebbe un film altrimenti?”. Con questo intendo dire che se trovo che qualcosa che accade in un film sia implausibile ma non impossibile, considero se il film avrebbe avuto lo stesso successo senza di esso. Il piano di Cassie che si sta mettendo in atto è sicuramente credibile, ma si può anche spiegare, più o meno, come ci riesca. È poco plausibile ma non impossibile. A mio parere, la storia di Cassie non sarebbe stata un gran film senza la sua vendetta postuma. La sua morte avrebbe mostrato quanto le donne siano usa e getta in un mondo gestito da uomini, un punto che la Giovane promessa ha già sottolineato e sovvertito molte volte prima della sua morte.

Se immaginiamo che gli eventi di questo film si verifichino nella vita reale, l’unico modo in cui potrebbero assurgere al livello di una storia che, ad esempio, farebbe notizia a livello nazionale (o almeno in uno dei più popolari subreddit di notizie insolite) sarebbe se Cassie riuscisse davvero a portare a termine l’improbabile epilogo del film. Pertanto, Una Donna Promettente non sarebbe un film senza i suoi momenti finali. Hanno messo un fiocco su qualcosa che per la maggior parte del tempo si è rifiutato di essere messo un fiocco.

Se tutto questo sembra un po’ come scrivere un intero problema di matematica a ritroso rispetto alla sua risposta, beh, è così. Più o meno. La Fennell ha distorto diversi eventi del suo film per arrivare alla scena finale, un approccio che sembra un imbroglio in uno studio sui personaggi, ma che risulta trionfante in un thriller d’exploitation.

Ma credo che questo sia anche la chiave del suo punto di vista più ampio. Il mondo in cui viviamo e le storie che raccontiamo sono così sbilanciate verso il punto di vista di ragazzi etero, bianchi e cis, che dobbiamo immaginare una donna iperintelligente con un’inestinguibile sete di vendetta che li colpisce dall’oltretomba per poter contemplare qualcosa di simile alla giustizia. Cosa ci dice questo del mondo in cui viviamo e delle storie che raccontiamo?

 

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L’idea che deve essere balenata nella mente di qualcuno quando ha pensato di realizzare Double Life: Due personaggi femminili in giro per le strade a risolvere un caso. In effetti, Double Life presenta due personaggi femminili, che si aggirano qua e là per risolvere un caso. Non vengono fornite giustificazioni (se non superficialmente, ovviamente) per il loro atteggiamento tenace e coraggioso, e il film Netflix cerca di parlare della “doppia vita” di qualcuno che muore nei primi cinque minuti. Non c’è da stupirsi che la trama sembri forzata.

La storia di Double Life inizia mostrandoci la doppia vita di Mark. Lavorando per l’ufficio del procuratore distrettuale, ha qualcosa di grosso contro la compagnia carbonifera Dellicano che potrebbe far crollare l’azienda. Tradisce la moglie con l’amante. Entrambe le donne lo amano e sono sconvolte quando lui muore. La morte non è un incidente ed entrambe temono che si tratti di un omicidio. L’incidente diventa il motivo per cui entrambe si conoscono e si uniscono per scoprire chi ha ucciso Mark.

Sinossi della trama: cosa succede in “Double Life”?

Mark, un avvocato che lavora per il procuratore distrettuale Sheldon Roberts, è alle prese con una potente compagnia carbonifera, la Dellicano. Mostra la sua conferenza stampa, trasmessa in TV, alla sua amante, Josephine, detta Jo. Mark è sposato con Sharon, ma lei non ha la minima idea di cosa faccia Mark quando è fuori per i suoi incontri “di lavoro”. Un classico caso di infedeltà! Jo ama Mark e non sa che è sposato. Lavora in un bar e vede un uomo che le porge qualcosa. Mark aveva trascorso il fine settimana con Jo e stava andando a incontrare Sharon quando ha avuto un incidente ed è morto. Sharon, però, sa che c’è qualcosa che non va, perché lui era al telefono con lei quando un’auto lo ha tamponato e, pochi istanti dopo, è avvenuto l’incidente. Anche la polizia è disposta a considerare l’ipotesi dell’omicidio. Jo viene a sapere dell’improvvisa scomparsa di Mark e si reca da Sharon per farle le condoglianze. Jo non rivelò la verità a Sharon, ma le due donne in lutto entrarono subito in sintonia e iniziarono a indagare sulla morte di Mark. Il loro primo compito fu quello di trovare un uomo di nome Ernie Dux.

Come hanno trovato Ernie Dux?

L’uomo che Jo aveva visto al bar con Mark era Ernie Dux. Jo non riuscì a vedere cosa si scambiassero esattamente, ma l’intera faccenda era inquietante. Sharon e Jo discussero sul fatto che Mark stava lavorando a un caso contro Dellicano e forse aveva ottenuto da Ernie qualcosa di estremamente importante per far crollare l’azienda. Per scoprire cosa aveva Mark che forse lo ha messo nei guai, Sharon e Jo cercano di rintracciare Ernie. Ma non sono detective! Per fortuna Jo conosceva la fidanzata di Ernie, Wendy, e tramite lei è riuscita a sapere dove si trovava Ernie. Entrambe hanno provato a contattare la detective Carmen Traxler, ma non ha risposto, così hanno deciso di andare a trovare Ernie di persona e indovinate un po’? Lo hanno trovato morto in casa sua, con due uomini armati ancora presenti. Grazie alla spavalderia di Jo, riescono a sopravvivere e Sharon si convince ancora di più che Mark è stato ucciso.

Perché Sharon ha continuato le indagini con Jo?

Jo sapeva combattere e il detective Traxler ha raccontato a Sharon del passato da delinquente di Jo. Traxler disse a Sharon che Jo poteva essere una donna pericolosa, che poteva portarla in pericolo. Ma qualcosa in Sharon sapeva che Jo era una brava persona e che il suo passato criminale non aveva nulla a che fare con l’incidente su cui entrambe stavano indagando. Si scoprì che i due uomini che si trovavano a casa di Ernie erano Louis Strand e suo figlio. Era un noto criminale e, secondo Traxler, erano fortunati ad essere vivi.

Lo straziante incidente non scoraggiò nessuna delle due donne in lutto. Anzi, ora che erano sicure dell’omicidio, decisero di scavare più a fondo. Prima che potessero muoversi in qualsiasi direzione, Sharon trovò delle foto di Mark e Jo in intimità e capì che lui la stava tradendo con Jo. Sharon non riusciva a farsene una ragione. Qualcuno aveva attaccato e distrutto la sua casa e l’unica spalla solidale che riuscì a trovare fu Larry, il collega di Mark. Anche di lui non ci si poteva fidare, perché anche lui era una figura astuta.

L’amicizia tra Jo e Sharon sembrava giunta al capolinea, ma Jo tornò a dirle che se avesse saputo che Mark era sposato, non si sarebbe messa con lui. Sharon non l’aveva perdonata, ma quando Jo vide una foto di Larry, si ricordò che anche lui era lì con Mark la sera dell'”incidente”. Ma Sharon era appena stata con lui e lui le aveva detto di non aver conosciuto Mark. Larry mentiva e Sharon non aveva nessuno intorno a sé di cui potersi fidare. Jo amava Mark, e questo era evidente perché era disposta a mettere in pericolo la sua vita per la verità. Sharon aveva almeno questo in comune con lei.

Spiegazione del finale di ‘Double Life’: Chi ha ucciso Mark?

Anche se Sharon e Jo stavano tecnicamente risolvendo il caso insieme, Sharon non riusciva a perdonarla. Voleva scoprire cosa fosse successo a Mark, ma era anche arrabbiata con lui per quello che aveva fatto. Sharon, tuttavia, mantiene la calma e va nell’ufficio di Mark per esaminare il suo computer nella speranza di trovare un indizio. Sul computer di Mark ha trovato un video in cui si vede la moglie di Sheldon, Lisa, a una funzione con la moglie di Dellicano. Sharon ha anche visto Traxler nel video. Quindi la moglie del capo di Mark era coinvolta con la moglie di Dellicano, un uomo la cui azienda Mark stava lottando duramente per distruggere. Sembrava molto probabile che anche Sheldon e Dellicano fossero in combutta. Sheldon aveva promesso di proteggere Mark, ma forse non è mai stato un suo alleato. Fuori dall’ufficio incontrano Larry, che si confida con loro. Racconta a Sharon di essere stato davvero con Mark la sera in cui è stato ucciso e di aver visto Ernie Dux vendere una chiavetta a Mark. La chiavetta conteneva prove che avrebbero dimostrato la negligenza criminale della Dellicano Industry. Chiunque avesse la pen drive e la chiavetta aveva ucciso Mark. La teoria di Larry era che l’assassino stesse forse usando la chiavetta per estorcere denaro a Dellicano.

Jo e Sharon andarono da Lisa, la moglie di Sheldon, per chiedere cosa ci facesse esattamente all’evento di beneficenza di Dellicano, dove lei e la moglie di Dellicano erano state sentite chiamarsi “migliori amiche”. Il caso si è complicato quando Traxler ha chiamato entrambi per spiegare che erano sulla pista sbagliata. Sospettano che la Traxler abbia fatto un pasticcio con le indagini di Mark, ma la verità è che si trovava lì all’evento di beneficenza a causa di un lavoro secondario di sicurezza che aveva accettato. Traxler avvertì Jo e Sharon che stavano gettando al vento ogni cautela indagando sulla questione. Certo, Sharon non era sola e aveva con sé Jo, che sapeva come combattere, ma comunque Louis e Sonny erano ancora vivi e forse la stavano cercando. Sharon ricevette una telefonata da Louis, che le disse di andare a trovarli da sola perché tenevano Larry in ostaggio.

Sharon, per proteggere Jo, la lascia sola dopo averle detto che non poteva perdonarle di essersi messa con Mark. Non voleva che venisse con lei, perché Louis era un tipo pericoloso e Jo avrebbe potuto farsi del male. Raggiunse un magazzino e il mistero si risolse da solo. Larry aveva la chiavetta da sempre, ma aveva sparato a Louis e a suo figlio Sonny per far credere che l’avessero loro. Larry aveva ucciso Mark e la stava usando per estorcere Sheldon, il procuratore distrettuale. Sheldon era in combutta con i Dellicanos e sulla chiavetta erano presenti anche i suoi messaggi di testo che, se fossero usciti, avrebbero infangato la sua immagine.

Sheldon arrivò con i soldi ma vide che Louis e Sonny erano stati uccisi. Era stato Sheldon a ingaggiarli per trovare la chiavetta. Per prima cosa si recano a casa di Sharon, perché pensano che Mark possa aver dato la chiavetta alla moglie. Furono loro a devastare la casa, ma non trovarono la chiavetta. Avevano trovato il loro uomo fin dall’inizio, ma Larry li ha sviati verso Ernie Dux. Fu Larry a uccidere Ernie prima che lo raggiungessero. Solo Ernie sapeva che Larry aveva assistito allo scambio, quindi Larry doveva ucciderlo. Il suo desiderio più profondo non era il denaro. Ha sempre voluto che Mark si togliesse di mezzo per poter stare con Sharon. Era ossessionato da lei e, quando si presentò l’occasione, pensò di poter ottenere da Sheldon sia Sharon che i soldi. Alla fine, però, ha ottenuto solo un po’ di tempo in prigione.

Louis non era morto e ha sparato a Larry. Vedendo che Sonny era morto, ha dovuto uccidere tutti perché non poteva permettere che la polizia scoprisse che era coinvolto. Era furioso con Larry per averlo incastrato e per aver manipolato Sharon affinché si prendesse cura di lui. Prima che Louis uccidesse Larry, Jo arrivò ed evitò il disastro. Aveva chiamato Traxler e la polizia è arrivata prima che qualcun altro venisse ucciso.

Durante il finale di Double Life, Sheldon, Larry e Louis vengono catturati. Jo e Sharon, che amavano entrambi Mark, avevano finalmente risolto insieme il suo caso di omicidio. Anche se prima Sharon aveva fatto credere di odiare Jo, Jo capì che era nei guai. La rintracciò usando il suo GPS e usò la sua presenza di spirito per chiamare Traxler. I loro sforzi aiutarono anche il caso di Mark in modo postumo. Le prove contenute nella chiavetta dimostrano che i dirigenti della Dellicano sapevano che i rifiuti che producevano stavano contaminando le falde acquifere, ma non hanno fatto nulla per impedirlo. Jo e Sharon sono diventate migliori amiche dopo aver trovato un compagno. Le loro vite erano state separate dalle bugie di Mark, ma ora vivevano serenamente, sapendo che alla fine avevano fatto la cosa giusta, e avevano vissuto una bella avventura.

 

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Il finale di 47 metri – Uncaged prevedeva una miracolosa fuga da squali mortali, solo che la salvezza dei suoi personaggi centrali è stata vanificata da un oscuro colpo di scena dell’ultimo minuto. Il survival horror del 2017 segue due sorelle, Lisa (Mandy Moore) e Kate (Claire Holt), bloccate in una gabbia sul fondo dell’oceano circondate da squali affamati. Fino al finale, 47 metri – Uncaged (47 Meters Down) è un thriller teso e pieno di suspense, che presenta anche una serie di grandi spaventi.

Il film sugli squali è stato diretto da Johannes Roberts e si distingue per un colpo di scena a sorpresa che modifica il finale dopo che Lisa si ritrova da sola nella gabbia dopo che Kate è stata apparentemente uccisa da uno squalo. Lisa ha una gamba bloccata e respira aria da una nuova bombola di ossigeno che Kate ha recuperato per lei. Quando sente la voce di Kate via radio, trova la forza di liberarsi e di trovare la sorella ferita. Le due sorelle fanno quindi una nuotata disperata per tornare alla barca. Tuttavia, la scena finale di 47 metri – Uncaged rivela che questo non è ciò che è realmente accaduto.

47 metri – Uncaged: spiegazione del finale

Una scena iniziale ha preparato il finale di 47 metri – Uncaged: il Capitano Taylor (Matthew Modine) aveva precedentemente informato le sorelle che se avessero nuotato fino alla superficie, avrebbero dovuto fermarsi per cinque minuti a metà strada per evitare le curve. Durante questa emozionante sequenza di fuga alla fine di 47 metri – Uncaged, Lisa accende dei razzi per allontanare gli squali in agguato. Alla fine le sorelle raggiungono la superficie e corrono verso la barca, solo che Lisa viene morsa e trascinata da uno squalo, ma riesce a cavargli un occhio e viene trascinata sulla barca.

Le sorelle ferite vengono curate quando Lisa si accorge che la ferita alla mano – che si era tagliata nella gabbia – sanguina nell’aria. Si scopre che Lisa ha avuto le allucinazioni per tutta la fuga ed è ancora bloccata sul fondo della gabbia. In precedenza, Taylor aveva avvertito che il cambio di vasca aumentava il pericolo di “narcosi da azoto“, che ha portato Lisa ad avere una vivida allucinazione di salvare Kate. Alla fine Lisa viene salvata dai sommozzatori e riportata sulla barca, arrivando ad accettare che sua sorella è stata uccisa dallo squalo.

Johannes Roberts aveva preso in considerazione un finale ancora più cupo per 47 Metri Down, in cui Lisa veniva lasciata morire, ma si è reso conto che il film aveva bisogno di un po’ di speranza. Il regista è tornato anche per il sequel del 2019, dove i nuovi personaggi di 47 metri – Uncaged sono messi in pericolo dagli squali.

47 Meters Down è basato su una storia vera?

L’impatto del finale di 47 metri – Uncaged ha spinto alcuni a chiedersi se si tratti di una storia vera. La premessa di base di un’escursione subacquea andata male a causa di un’attrezzatura difettosa e di turisti troppo fiduciosi che vogliono divertirsi non sembra poi così inverosimile. Tuttavia, anche se la trama può essere vagamente basata su storie simili quando si tratta della storia specifica di Lisa e Kate che lottano per la loro vita nelle acque del Messico, il progetto non è in realtà basato su nessuna storia di sopravvivenza vera.

Gran parte di 47 Meters Down è del tutto irrealistica. Naturalmente, queste imprecisioni non fanno che allontanare ulteriormente la trama dal concetto di storia vera. Tuttavia, Johannes Roberts ha affrontato questi elementi in un’intervista del 2019 (via Bloody Disgusting) in cui ha definito i due film di 47 Meters Down “assurdi”. Ha poi sottolineato l’importanza di sospendere l’incredulità durante la visione dei film e ha evidenziato che:

“Se scendessi a 47 metri in una gabbia sul fondo dell’oceano, con una bombola, e fossi un subacqueo inesperto, probabilmente resisteresti circa tre minuti prima di morire o finire l’aria. Quindi sì, certo, è ridicolo. […] Ma è un film, capisci? “

Il finale di 47 metri – Uncaged rispecchia un classico dell’horror moderno

Il finale di 47 metri – Uncaged fa un parallelo tra il finale del film e quello di The Descent, un altro cupo film horror sulla sopravvivenza. The Descent, del regista Neil Marshall, segue un gruppo di donne intrappolate in una grotta e braccate da creature carnivore. Alla fine, Sarah (Shauna Macdonald) sembra essere l’unica sopravvissuta che riesce a uscire dalla grotta. Tuttavia, mentre fugge con la sua auto, si sveglia improvvisamente dalle sue allucinazioni e scopre di essere ancora nella caverna con le creature che si avvicinano a lei.

Il finale si è rivelato troppo cupo per il pubblico americano, quindi è stato cambiato in uno in cui Sarah sopravvive alla prova, anche se ne è chiaramente traumatizzata. Come il finale di 47 metri – Uncaged, il finale originale di The Descent lascia il pubblico con un brutale pugno allo stomaco. Non è un finale pensato per piacere a tutti, perché è un po’ crudele suggerire un finale in cui Sarah è viva solo per portarsela via. Tuttavia, a volte questi finali brutali dei film horror possono essere più memorabili dei finali sicuri e vittoriosi che si vedono di solito nei film di Hollywood.

47 metri – Uncaged ha ripetuto il colpo di scena finale?

Il sequel, 47 metri – Uncaged, aveva una struttura simile, ma Jonannes Roberts doveva stare attento a non ripetere semplicemente il finale di 47 metri – Uncaged. Lo stesso colpo di scena finale non avrebbe mai funzionato una seconda volta, quindi sarebbe interessante vedere come il regista è riuscito a riportare l’azione nelle acque profonde senza ripetere ciò che ha fatto il primo film. Nel sequel di 47 metri – Uncaged, quattro amici si immergono in una grotta in Messico e si imbattono in squali assassini.

Tra questi ci sono le sorellastre Mia e Sasha e le loro amiche Nicole e Alexa. Ci sono anche una coppia di assistenti che lavorano nelle grotte e il padre delle sorellastre, Grant (John Corbett). In 48 Meters Down: Uncaged, tutti muoiono tranne le sorellastre. Il più grande cambiamento rispetto al finale di 47 Meters Down è che il regista Johannes Roberts sceglie di non andare fino in fondo con la finzione.

Invece del colpo di scena, che fa sembrare quasi insignificante il finale del film originale, questa è una semplice storia di sopravvivenza. Nel primo film, una sorella salva l’altra, solo che si tratta di un’allucinazione in cui una delle due muore davvero. Qui, le due sorelle lottano per salvarsi a vicenda e ci riescono. Pur non essendo in uno stato mentale ottimale, entrambe sono sopravvissute grazie al loro nuovo legame, il che rende il finale più soddisfacente di 47 Metri Down.

Il vero significato di 47 Meters Down

Come la maggior parte dei film survival horror, 47 Meters Down non punta molto sui significati nascosti o sulla profondità tematica. Questo non è un problema, perché il regista Johannes Roberts conosce bene il genere e sa come spremere ogni grammo di tensione possibile dalla situazione di Lisa e Kates. Tuttavia, grazie al colpo di scena e ai dettagli sulla narcosi da azoto, il finale di 47 Meters Down ha qualcosa in più rispetto a molti altri film del sottogenere.

La maggior parte dei film sugli squali, come The Meg o Deep Blue Sea, si basano esclusivamente sui terrificanti predatori acquatici come unica fonte di pericolo e minaccia. Tuttavia, 47 Meters Down prende spunto da Lo squalo del 1975 in un modo fondamentale che gli permette di distinguersi dagli altri survival horror sugli attacchi degli squali. In Jaws, è chiaro che il vero pericolo è rappresentato dall’apatia del sindaco di Amity Island e dalla sua insistenza sulla necessità di aprire la spiaggia. Se il sindaco avesse semplicemente chiuso la spiaggia, lo squalo non avrebbe avuto altre vittime e sarebbe andato avanti.

Naturalmente, 47 Metri Down non è profondo come Lo Squalo (anche se, ancora una volta, questo non va a suo discapito, perché pochi film sugli squali sono riusciti a esserlo). Tuttavia, attraverso la narcosi da azoto di Lisa, mostra che gli squali non sono l’unico pericolo quando si tratta di immergersi in acque libere. Il colpo di scena non ha praticamente nulla a che fare con gli squali ed è probabilmente la parte più memorabile del finale. Inoltre, rispecchia il finale di 2022’s 47 metri – Uncaged, anch’esso caratterizzato da una finta morte del personaggio.

Per questo motivo, il significato di 47 Meters Down riesce a essere qualcosa di più del semplice “i grandi squali fanno paura”. Tuttavia, se da un lato non ha molto da offrire al di là di questo per quanto riguarda i temi e il messaggio centrale, dall’altro non ne ha nemmeno bisogno, come dimostra il duraturo successo di culto del survival horror del 2017.

 

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Psycho, il classico thriller del 1960 del regista Alfred Hitchcock, contiene uno dei migliori e più famosi colpi di scena di tutti i tempi, che esaminiamo in dettaglio. Il curriculum di Hitchcock è costellato di film incredibili, ma Psycho potrebbe essere il suo più famoso e probabilmente quello che anche le persone che generalmente non guardano i vecchi film horror hanno visto con maggiore probabilità. Ciò è dovuto in parte al fatto che Psycho ha generato un franchise, con Anthony Perkins che è tornato a interpretare Norman Bates in tre sequel. Psycho ha anche avuto una presenza più recente nella cultura pop grazie all’acclamata serie Bates Motel di A&E.

Psycho è per molti versi una sorta di precursore del sottogenere dei film slasher, in quanto si concentra su una serie di omicidi commessi al Bates Motel da un aggressore sconosciuto al pubblico fino alla fine del film. Molti dei primi slasher hanno scelto di mantenere i loro assassini un mistero fino all’atto finale del film, come l’originale Venerdì 13, Sleepaway Camp e Buon compleanno a me.

Se è vero che le basi del finale di Psycho sono note ai più per osmosi culturale, non si può non sottolineare quanto alcuni concetti fossero rivoluzionari all’epoca. Hitchcock ordinò addirittura ai cinema di non far entrare gli spettatori dopo l’inizio del film, per preservare i suoi colpi di scena.

Norman Bates è davvero l’assassino

Un cambiamento apportato da Hitchcock nell’adattare il romanzo Psycho di Robert Bloch in un film fu quello di rendere Norman Bates più simpatico e attraente. Hitchcock affidò il ruolo al giovane emergente Anthony Perkins, allora noto per aver interpretato personaggi sani e simpatici. Perkins ha infuso in Norman un calore e una timidezza che hanno fatto sì che il pubblico dell’epoca non sospettasse mai che fosse lui l’assassino. Naturalmente, mentre l’instabile “madre” di Norman viene presentata come l’assassino, verso la fine si scopre che Norman è lui stesso l’assassino, colui che ha fatto a pezzi Marion Crane (Janet Leigh) nella doccia durante la scena più famosa di Psycho e che ha mandato giù dalle scale il detective Arbogast ferito. Norman li ha comunque uccisi fisicamente, mentalmente è tutta un’altra storia.

Spiegazione del finale di Psycho: Norman Bates ha due personalità distinte

Sebbene sia stata la mano di Norman Bates a stringere l’arma del delitto durante l’uccisione della madre, per quanto ne sappia, non è colpa sua. Come spiegato a lungo da uno psichiatra nella conclusione di Psycho, Norman non si limita a indossare i vestiti della madre defunta e a uccidere le persone, ma ha un’intera seconda personalità in cui crede di essere davvero sua madre.

Questo fenomeno veniva definito “personalità multipla”, ma oggi è clinicamente noto come Disturbo Dissociativo dell’Identità. Sfortunatamente, l’identità della madre diventa sempre più dominante nel corso del tempo, al punto che Norman stesso sembra completamente scomparso alla fine. Come riveleranno i film successivi, ciò è dovuto al comportamento emotivamente e fisicamente violento di Norma Bates, che coltivava una relazione quasi incestuosa con il figlio e lo faceva sentire in colpa per aver provato sentimenti sessuali. Così, quando Norman si eccita, non riesce a gestire la situazione e la madre emerge per uccidere l’oggetto del suo desiderio, come Marion.

Il tema dell’identità

Il monologo dello psichiatra prepara l’inquadratura finale, cruciale, per spiegare come ci si possa identificare – e credere temporaneamente, e a volte permanentemente, di essere un’altra persona. La questione dell’identificazione è così cruciale in Psycho e agisce come una sorta di metafora della stessa spettatorialità.

Parte dell’orrore dell’omicidio di Marion deriva dal fatto che fino a quel momento ci siamo identificati così strettamente con lei; il suo desiderio di pagare i debiti del fidanzato e di stare con lui, di ricominciare, di essere felice. È per questo che, in parte, il suo omicidio è uno shock così orribile. “Mai”, scrive il critico Robin Wood nel libro Hitchcock Films Revisited, “l’identificazione è stata interrotta così brutalmente”. Eppure, non molto tempo dopo l’omicidio di Marion, ci identifichiamo con Norman, in modo orribile, e a volte, contro il nostro giudizio, facciamo il tifo per il suo successo.

Dopo aver ucciso Marion, Norman mette il suo corpo nel bagagliaio della sua auto e affonda il veicolo in una palude vicina. C’è un momento di suspense in cui l’auto indugia sulla superficie dell’acqua e noi spettatori, con grande sorpresa, ci ritroviamo a fare il tifo per Norman. Hitchcock ha definito questa inclinazione un “istinto naturale” e ha notato che il pubblico ha provato un fugace senso di sollievo quando l’auto è finalmente affondata.

Il tema dell’identità, ovviamente, ricorre in tutti i film di Hitchcock. Molti dei suoi film, come North By Northwest (1959) e L’uomo sbagliato (1956), seguono una struttura simile: le autorità accusano l’uomo sbagliato di un crimine, l’uomo fugge o si costituisce alle autorità e poi deve dimostrare la sua innocenza. In Psycho, però, la crisi di identità si estende anche a noi spettatori. Per Wood, l’inquadratura finale di Norman Bates ci permette di “vedere le potenzialità oscure che ci sono in tutti noi”.

Alfred Hitchcock ha dichiarato che, nel creare Psycho, mirava a far suonare il pubblico “come un organo”. Guardando Psycho, Hitchcock prende il controllo del pubblico proprio come la Madre prende il controllo di Norman, ci invita nel mondo che ha creato e ci mostra esattamente le immagini che vuole che vediamo. Guardando l’inquadratura finale, siamo invitati a riflettere sulle implicazioni della nostra stessa spettatorialità, sul nostro desiderio condiviso di essere contemporaneamente noi stessi e qualcun altro, proprio come Norman e la Madre.

 

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Uno dei più divertenti film del cinema, Cocktail ha come protagonista Tom Cruise nei panni di Brian Flanagan, un giovane che inaspettatamente raggiunge una certa fama come “flair bartender” a New York City insieme al suo mentore, Doug Coughlin (Bryan Brown). Alla fine Brian porta la sua abilità nel lanciare bottiglie in Giamaica, dove si innamora di Jordan (Elisabeth Shue), un’artista in vacanza. Ecco alcuni fatti sul film di Tom Cruise, secondo la Legge di Coughlin.

1. BRIAN FLANAGAN AVEVA QUASI IL DOPPIO DEGLI ANNI NEL LIBRO.

Sì, Cocktail era in origine un romanzo, scritto da Heywood Gould e basato sulla dozzina di anni trascorsi a fare il barista per arrotondare le sue entrate come scrittore. Mentre il Brian Flanagan di Tom Cruise ha vent’anni, il protagonista di Gould è stato descritto come uno “strambo trentottenne in giacca da campo, con i capelli unti e brizzolati che gli ricadono sul colletto, gli occhi blu striati come il cielo rosso del mattino”. Come ha raccontato Gould al Chicago Tribune, “avevo quasi trent’anni, bevevo abbastanza bene e cominciavo a sentire che stavo perdendo la nave“. Il personaggio del libro è un uomo più anziano che è stato in giro e che comincia a sentirsi piuttosto esaurito”. Disney e Gould – che ha adattato il suo libro per lo schermo – hanno litigato per rendere Brian Flanagan più giovane, ma alla fine Gould ha ceduto.

2. CI SONO STATE ALMENO 40 VERSIONI DIVERSE DELLA SCENEGGIATURA.

La sceneggiatura è passata attraverso un paio di studi diversi e decine di iterazioni. Secondo Gould, “ci saranno state 40 bozze della sceneggiatura prima di entrare in produzione. Inizialmente era con la Universal. L’hanno messa in lavorazione perché non rendevo il personaggio abbastanza simpatico. Poi l’ha preso la Disney, con la quale ho affrontato lo stesso processo. Ho lottato contro di loro in ogni occasione, e c’è stata un’enorme battaglia per rendere il protagonista più giovane, cosa che alla fine ho fatto“.

Bryan Brown ha spiegato che quando Cruise è salito a bordo, il film “ha dovuto cambiare. Lo studio ha apportato le modifiche per proteggere la star e per questo è diventato un film molto più leggero”.

Kelly Lynch, che interpretava Kerry Coughlin, è stata molto più schietta su come la visione di Gould per la storia sia cambiata sotto la Disney, dicendo a The A.V. Club:

“Cocktail” era in realtà una storia molto complicata sugli anni ’80, sul potere e sul denaro, ed è stato completamente rielaborato perdendo la storia del mio personaggio – la sua bassa autostima, chi era suo padre, perché era quella persona – ma ovviamente è stato un film di grande successo, anche se non così buono come avrebbe potuto essere. È stato scritto da colui che ha scritto Fort Apache The Bronx, ed era un film molto più cupo, ma la Disney l’ha preso, ne ha girato circa un terzo e l’ha trasformato in un film che gira le bottiglie e questo e quello”.

3. PER UN BREVE SECONDO, LA DISNEY NON ERA DEL TUTTO CONVINTA DI AVERE TOM CRUISE COME PROTAGONISTA.

Raccontando il tipo di storia che accade solo a Hollywood, Gould ha raccontato al Chicago Tribune di uno dei suoi primi incontri con i capi della Disney Michael Eisner e Jeffrey Katzenberg. “Qualcuno ha detto che questo potrebbe essere un buon veicolo per Tom Cruise”, ha ricordato Gould. “Eisner dice: ‘Non lo farà mai, non perdete tempo, non può fare questa parte’. E poi Katzenberg dice: ‘Beh, è davvero interessato a farlo’, e senza perdere tempo Eisner dice: ‘È perfetto per questo ruolo, è perfetto! Questo è il mondo del cinema: Lo odio, lo amo; lo amo, lo odio!“.

4. IL PROVINO DI BRYAN BROWN È STATO “TERRIBILE”.

Il regista Roger Donaldson voleva espressamente che Bryan Brown facesse il provino per il ruolo di Doug. Brown è volato da Sydney a New York e, quasi subito dopo le oltre 20 ore di volo, si è seduto di fronte a Donaldson. “Ha fatto il provino ed era stanco morto ed è stato terribile“, ha detto Donaldson. “Dopo che l’ha fatto gli ho detto: ‘Bryan, fatti un favore, dobbiamo rifarlo domani’. E lui mi ha risposto: ‘No, no, devo prendere un aereo per tornare stasera’. Non sono riuscito a convincerlo a rimanere e a rifarlo, quindi non ho mostrato a nessuno il provino“. Donaldson disse invece ai produttori e allo studio di guardare la performance di Brown in F/X (1986); evidentemente, quello che avevano visto era piaciuto.

5. TOM CRUISE E BROWN SI SONO ESERCITATI A FARE I BARISTI E HANNO USATO BOTTIGLIE VERE SUL SET.

Il barista del TGI Friday’s di Los Angeles John Bandy fu assunto per addestrare Tom Cruise e Brown dopo aver servito una donna che lavorava per la Disney e che era alla ricerca di un barista per Cocktail. Bandy addestrò le due star a lanciare le bottiglie e Gould portò Cruise e Brown nel bar di un suo amico per mostrare loro i trucchi che usavano. Donaldson affermò che usavano bottiglie vere – e sì, ne ruppero alcune.

6. LA GIAMAICA NON È STATA GENTILE CON TOM CRUISE

Gli esterni della Giamaica sono stati girati sul posto, dove faceva freddo e Cruise si è ammalato. Quando lui e Shue hanno dovuto girare una scena d’amore in una cascata nella giungla, non è stato piacevole. “Non è così romantico come sembra”, ha detto Cruise a Rolling Stone. “Era più un ‘Gesù, facciamo questa ripresa e andiamocene da qui’. In realtà, in alcuni scatti vedrete che le mie labbra sono viola e, letteralmente, tutto il mio corpo sta tremando“.

7. LA COLONNA SONORA DEL FILM È STATA INTERAMENTE RISCRITTA IN UN WEEKEND.

Il tre volte premio Oscar Maurice Jarre (Lawrence d’Arabia) era il compositore originale di Cocktail, ma i produttori non pensavano che la sua colonna sonora fosse “adatta” alla storia. In particolare, non gradivano uno spunto, così hanno chiamato J. Peter Robinson per sistemarlo. A Donaldson piacque così tanto il lavoro di Robinson che chiese al compositore di occuparsi del resto del lavoro. “Tutto questo accadeva di venerdì”, racconta Robinson. “Stavo iniziando un altro film il lunedì successivo e ho detto a Roger che non sarei stato disponibile. ‘Lunedì dobbiamo fare il print-mastering, amico!!!’ Disse Roger. Così da quel momento sono rimasto sveglio a scrivere la colonna sonora e l’ho consegnata il lunedì mattina verso le cinque”.

8. “KOKOMO” È STATA SCRITTA PER IL FILM.

Mentre furono i Beach Boys, ormai privi di Brian Wilson, a registrare la canzone che riportò il gruppo sotto i riflettori, “Kokomo” fu scritta da John Phillips dei Mamas and the Papas, Scott McKenzie, che scrisse “San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair)”, il produttore Terry Melcher, figlio di Doris Day, e Mike Love. Phillips scrisse le strofe, Love il ritornello e Melcher il bridge. Le istruzioni specifiche erano di scrivere una canzone per la parte in cui Brian passa da barista a New York alla Giamaica. A partire da questo, Love ha scritto la parte “Aruba, Jamaica…”.

9. ROGER DONALDSON È DISPIACIUTO PER “DON’T WORRY BE HAPPY”.

“Don’t Worry, Be Happy” di Bobby McFerrin ha raggiunto il primo posto grazie alla sua inclusione nella colonna sonora di Cocktail. Il regista ha sentito la canzone alla radio un giorno mentre guidava verso il set. “L’ho sentita e ho pensato che sarebbe stata perfetta per il film”, ha raccontato. “E all’improvviso era ovunque. Mi dispiace per questo”.

10. LE RECENSIONI, COMPRESA QUELLA DI TOM CRUISE, SONO STATE DURE.

Per concludere la sua recensione a due stelle, Roger Ebert ha scritto: “Più si pensa a ciò che accade realmente in Cocktail, più ci si rende conto di quanto sia vuoto e inventato”. Richard Corliss del TIME disse che era “una bottiglia di rotgut in una scatola di Dom Perignon”.

Nel 1992, persino Tom Cruise ammise che il film “non era il fiore all’occhiello” della sua carriera. E nemmeno Heywood Gould ne fu contento all’inizio. “Mi accusarono di aver tradito il mio stesso lavoro, il che è stupido“, ha detto Gould. “Quindi ero piuttosto devastato. Non riuscii letteralmente ad alzarmi dal letto per un giorno. La cosa positiva di quell’esperienza è che mi ha temprato. È stato come un addestramento di base. In questo film sono stato ucciso, e dopo di allora mi è andata bene l’idea di essere ucciso: da allora sono stato ucciso altre volte, ma non mi ha dato fastidio“.

 

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