Diabolik chi sei? è il terzo film dei fratelli Manetti sul ladro mascherato dei fumetti. L’indiscusso amore per la striscia a fumetti dei registi si rispecchia a tratti nella trama del film che seppur nella sostanza non va ad intaccare la storia del Diabolik dei fumetti, pecca nella forma e nella rappresentazione, troppo macchinosa e artificiosa. È ritenuta una delle storie più importanti della serie in quanto in essa viene svelato il passato del criminale e viene rivelata l’origine del nome ma al film dei Manetti manca quel qualcosa in più per andare oltre il semplice personaggio. Il film sarà distribuito al cinema dal 30 novembre da 01 Distribution.

Diabolik chi sei?, la trama

Ci troviamo a Clareville e ancora una volta Diabolik (interpretato da Giacomo Gianniotti) ed Eva (Miriam Leone) stanno cercando di mettere a punto il loro piano. Questo consiste nel rapire un’impiegata di una banca, che vive da sola, Gabriella Bauer (Carolina Crescentini). E questo avviene proprio nella premessa del film che nei primi minuti assume quasi delle tinte horror con dei jump scare, non proprio inaspettati. A conti fatti, immaginandosi il piano, potrebbe andare tutto bene: Diabolik irrompe nell’edificio, ruba le famose monete della Contessa Wiendemar, mentre Eva fa da complice mascherandosi da assistente della banca che vogliono rapinare. Qualcosa però nel piano di Diabolik ed Eva non va come previsto perché c’è in atto un’altra rapina. Il risultato è molto più caotico rispetto a quello pianificato da Diabolik, che a parte qualche scena non si vede per la prima ora di film. La sua storia per il momento passa in secondo piano.

Il film si concentra su questa banda che sta terrorizzando la città di Clereville a cui Ginko sta dando la caccia. La domanda contenuta anche nel titolo del film riguardo a chi è Diabolik dovrà aspettare. Questi criminali, che assumono un po’ le fattezze di una Banda della Magliana del nord Italia, sono astuti e anche sanguinari, non guardano in faccia a nessuno. Ginko facendo largo uso del suo sesto senso si butta su una pista che riguarda uno dei criminali sopravvissuti alla rapina e che lo rimanderà all’avvocato Manden (interpretato da Massimiliano Rossi). L’avvocato è in realtà il mandante della rapina, ma non il braccio. Quando pensiamo che questo film sia in realtà un sequel di Romanzo Criminale, ricompare Diabolik che vuole letteralmente rubare a casa dei ladri, convito di poter riconquistare le monete e molti altri tesori.

Ma quindi Diabolik chi è?

Purtroppo per Diabolik e per Ginko, volati troppo vicini al sole, la rapina e l’indagini che parallelamente stavano portando avanti vanno male. Catturati dalla spietata banda di criminali, Diabolik e Ginko si trovano faccia a faccia. Così l’eroe e la sua nemesi si confrontano sapendo che lì a poco sarebbero morti entrambi. Rinchiusi in una cella, senza via di uscita, Diabolik rivela all’ispettore il suo misterioso passato. A questo punto ci troviamo oltre metà film e anche se la storia di Diabolik è presa fedelmente dai fumetti (107° volume della serie pubblicato nel 1968) questo non basta per far decollare il film che rimane abissato a causa dei suoi evidenti problemi di trama e artificiosità della recitazione. La storia di Diabolik viene spiegata alla fine: trovato da bambino su una barchetta naufragata, il piccolo senza nome viene allevato su un’isola da uomini criminali provenienti da tutto il mondo che hanno a capo King (Paolo Calabresi).

Il risvolto del film è che le due donne rimaste in attesa dei loro rispettivi compagni si faranno in quattro per salvarli. Eva e Altea uniscono le forze per mettere a punto il piano per salvare Ginko e Diabolik. Estranee ma allo stesso tempo complici mettono ko in poco tempo i criminali, liberando così i due. Estranee, complici, ma mai alleate. In realtà Eva aveva anche pianificato la fuga con il suo Diabolik lasciando Ginko e Altea dentro il covo. Diabolik chi sei? si perde dentro una trama che tenta di occupare i 124 minuti della proiezione con storie e personaggi alle volte superflui, questo rende il terzo lungometraggio sul ladro mascherato mediocre, che non riesce a portare allo spettatore quell’empatia che la rivelazione del passato burrascoso di Diabolik poteva quanto meno auspicare.

Impronte nella sabbia. Alba Rohrwacher, nei panni di Monica, cerca di seguirle facendo attenzione a mettere i piedi lì dove qualcun altro già li ha messi. Non sapremo mai a chi appartengono. Può essere bello pensare che appartengano a Monica Vitti, a cui il nuovo film di Roberta Torre – Mi fanno male i capelli – deve il suo titolo, con la protagonista che non starebbe allora facendo altro che cercare di ripercorrere la carriera della celebre diva, tra le più amate della storia del cinema italiano e scomparsa solo di recente. Molto più probabilmente, però, quelle impronte sono della stessa protagonista, la quale si è perduta e cerca di tornare sui propri passi.

Passi che forse neanche sa appartenerle, avendo intrapreso volente o nolente un percorso non per ricordare bensì dimenticare. Perché dimenticare è importante, ci permette di fare spazio per nuove cose, come viene affermato nel film. Ma dimenticare è anche doloroso, specialmente per chi è costretto a guardare il proprio caro sapendo di non essere da questi riconosciuto. Si soffre allora da soli, ed è quanto succede in Mi fanno male i capelli, il quale pur partendo dunque come omaggio a Monica Vitti si svela piano piano essere un racconto sulla memoria, sull’identità e sulla facilità con cui queste due cose possono sgretolarsi. Purtroppo, nel proporre ciò, non tutto funziona.

La trama di Mi fanno male i capelli

Ad essere vittima di una memoria che ogni giorno le fa credere di aver perso qualcosa per strada è la già citata Monica (Alba Rohrwacher), la quale con sempre maggiore curiosità inizia a guardarsi intorno cercando di ricordarsi il nome delle cose, i viaggi compiuti, il volto e le lebbra di suo marito Edoardo (Filippo Timi). Quest’ultimo cerca in tutti i modi di trattenere l’amata moglie nel nostro mondo e di non perderla in quello dei sogni, acconsentendo dunque a fare con lei un gioco particolare, l’unico che sembra poter regalare a entrambi qualche nuovo ricordo felice: rimettere in scena i film con protagonista Monica Vitti, in cui la protagonista è convinta di rivedere sé stessa.

Ricordi quel gioco?

Parte dunque come omaggio all’amata attrice italiana – tra le più importanti del nostro cinema e tristemente scomparsa il 2 febbraio del 2022 – il film diretto da Roberta Torre, ma di lei non esalta solo la carriera e la personalità ma anche il suo rapporto ambivalente con la memoria, che diceva di voler perdere. Perché il cuore del film è da ritrovarsi in questo rapporto con quell’organo-forziere dentro cui si nascondono i ricordi di una vita intera e che molto spesso sceglie per noi cosa preservare e cosa no. Ecco allora che nel film la protagonista si confronta con queste dinamiche, cercando di riappropriarsi di situazioni che forse ha vissuto davvero o forse no.

Scorrono dunque sullo schermo immagini tratte da alcuni dei film più famosi della Vitti, da La notte a L’eclissi, da Il Deserto Rosso a Polvere di stelle, con la protagonista che instaura dei veri e propri dialoghi con l’attrice ed estendendo poi questo gioco anche al marito – un dolente e convincente Filippo Timi – e all’iconico Alberto Sordi. Un gioco attraverso cui la protagonista si ricerca e prova a ritrovare la propria identità che giorno dopo giorno si sbiadisce. Da qui dovrebbe emergere tutta la tenerezza di lei come anche tutta la drammaticità della malattia che la caratterizza. Ma, come accennato in apertura, tutto ciò raramente si concretizza.

Un film che non trova la propria strada

Mi fanno male i capelli dimostra infatti sin da subito una certa difficoltà nel trovare la propria strada. Come omaggio a Monica Vitti risulta piuttosto sconclusionato, con poco da offrire se non una sequenza finale interamente composta da immagini dell’attrice che riesce sì ad emozionare, ma per merito della Vitti, che con i suoi occhi grandi e malinconici o il suo sorriso spiazzante ci ricorda di quanto sia stata preziosa per il nostro cinema, la nostra cultura, la nostra storia. Come film sulla malattia, invece, manca di quella profondità necessaria a rendere giustizia all’argomento, ponendo sì in evidenza la drammaticità di tale condizione ma senza aggiungere nulla che non sia già stato detto.

Non aiuta poi una sottotrama, a cui è legato il personaggio di Timi, che poco o nulla aggiunge al racconto di Monica e alle sue vicende, ma che anzi vi sottrae attenzioni e tempo. Si finisce così con l’imbattersi in diversi spunti interessanti (tra cui si ritrovano gli scambi – di parole o indumenti – tra Vitti e Rohrwacher resi possibili dal montaggio), ma affrontati con troppa superficialità. L’emozione dunque si smorza, il coinvolgimento dello spettatore va pian piano diminuendo e quello stesso gioco che la protagonista ci aveva invitato a fare smette di possedere il fascino che poteva avere all’inizio. Il film finisce dunque, ironia della sorte, con l’essere facilmente dimenticabile.

Bianco e nero. Vita e lutto. Due colori che simboleggiano lo stato d’animo di Barbe-Nicole Ponsardin Clicquot, la vedova Clicquot, vissuta tra il 1777 e il 1866. Widow Clicquot di Thomas Napper racconta la storia vera della “Grande Dame della Champagne”, che sposando François Clicquot divenne poi ereditiera dei vuoi vitigni e della sua attività, dopo la sua morte, in un momento storico in cui alle donne era severamente vietato dalla legge gestire attività di così alto profitto. Haley Bennett e Tom Sturridge guidano il cast del film di Thomas Napper che sarà proiettato alla Festa del Cinema di Roma dopo aver ricevuto l’anteprima al Tiff 2023 dove ha riscosso un discreto successo.

Widow Clicquot, la trama

Determinata a portare avanti le teorie del marito sulla chimica del suolo, sulla configurazione delle viti e sulle tecniche rivoluzionarie di imbottigliamento, Barbe-Nicole scommette sulla prossima vendemmia e sul proprio blend di spumanti. Sfidando la capricciosità delle stagioni, l’aggressivo concorrente Monsieur Moët e il codice napoleonico del 1804 che vieta alle donne di gestire le aziende, l’elegante e luminosa vedova si gioca il tutto per tutto. Una donna imprenditrice che diventa il punto di riferimento di un marito visionario, incompreso e volubile. Thomas Napper – con il contributo di Joe Wright – realizza un film dove gli altopiani francesi si mescolano alla brughiera inglese, mani e dita che si toccano e intrecciano, in questa storia d’amore tormentata ma romantica. La prima sequenza iniziale di Widow Clicquot, infatti, ricorda molto Orgoglio e Pregiudizio del 2005 – film per altro diretto da Wright.

Dopo la morte prematura del coniuge Barbe-Nicole è ancora innamorata e affascinata dagli esperimenti d’avanguardia di François. Chiamata Veuve (la parola francese per indicare la vedova) all’età di 27 anni, è determinata a proteggere l’eredità della sua famiglia e a sfidare con coraggio gli uomini – e lo Stato – intenzionati a privarla dei suoi vigneti. Più volte nel corso di Widow Clicquot viene sottovalutata, messa in discussione e additata come la rovina dell’azienda e del buon nome della famiglia del marito. Ancora una volta, come molte volte è successo nelle filmografie di questo ultimo anno (da Women Talking – Il diritto di scegliere a Tàr), il cinema viene utilizzato come specchio della contemporaneità portando storie di donne intraprendenti e audaci che devono combattere in un ambiente prettamente maschile.

Il segreto della perfetta felicità

Mentre la storia di Barbe-Nicole come imprenditrice di vino e champagne cresce, parallelamente tramite dei flashback assistiamo all’inizio del declino della storia d’amore tra lei e il marito. Il giovane François Clicquot è un visionario tormentato e come tale è sopraffatto dalle sue stesse idee. Dalla continua ricerca della perfezione, la telecamera che si sofferma su ogni singolo chicco di uva e una storia d’amore che viene raccontata come un diario a cuore aperto tra due anime affini che incontrano in un balletto di parole. La continua ricerca della perfezione nel lavoro come anche nella vita cercando di manipolare tutto dalla racconta all’imbottigliamento. Alla fine di Widow Clicquot per quanto il personaggio di Tom Sturridge cerchi di appoggiarsi alla moglie si ritrova solo a combattere contro i suoi stessi demoni dai quali alla fine viene vinto.

Barbe-Nicole, invece, si dimostra non solo meno volubile del marito ma anche in grado di gestire il peso di tutta una azienda e di intere famiglie che lavorano per lei. Rimasta vedova a ventisette anni, la sua unica colpa è non essere un uomo, non far parte di quella cerchia di ricchi viticoltori che si avvicinano a lei per esortarla a vendere un pezzo delle sue proprietà. Il pugno duro con chiunque osi avvicinarsi alle sue terre e alle sue creazioni faranno di Barbe una delle prime imprenditrici del settore dell’enologia le cui creazioni saranno copiate e prese come riferimento dai posteri.

Sei sempre stata tu

La narrazione di Widow Clicquot oscilla tra presente e passato e mette anche al centro la figura di Barbe come giovane donna. Prima in bianco mentre vive l’amore giovanile con cui condivide sogni e speranze. Poi in nero, la morte dell’amore della sua vita, partner sul lavoro. Un lavoro che impara ad amare grazie allo sguardo visionario del marito che la rende partecipe di ogni nuova miscela innovativa. Lui stesso è consapevole dell’importanza della moglie nella sua vita, tanto da affidarle dopo la sua morte tutta l’azienda. Una donna resiliente che anche alla fine, durante il processo alla quale è sottoposta davanti agli occhi di una giuria composta da uomini giudicanti, non si lascia sopraffare rimarcando il punto sulla sua indipendenza e sulla mutevolezza degli esseri umani, fortunatamente, mai uguali a sé stessi.

“Sono felice di essere una donna anche se questo significa perdere i diritti degli uomini”

È stato proiettato in anteprima mondiale al Toronto International Film Festival e adesso viene presentato alla Festa del Cinema di Roma 2023 nella sezione Special Screening l’esordio alla regia di Kasia Smutniak, Mur, il documentario che con occhio discreto eppure appassionato fa luce sulla complessa crisi umanitaria che si è sviluppata nel confine tra la Polonia e la Bielorussia.

Mur, la trama del documentario

Il marzo del 2022, segnato dall’invasione russa dell’Ucraina, ha scosso l’Europa e ha spinto molti paesi a mobilitarsi per offrire asilo ai rifugiati. Tra questi, la Polonia si è distinta per la sua tempestività e generosità nel tendere una mano agli sfollati. Tuttavia, è anche la stessa Polonia che ha iniziato la costruzione di ciò che è diventato il muro più costoso d’Europa, un’enorme barriera per impedire l’ingresso di ulteriori rifugiati. Questo angolo d’Europa sconosciuto è il cuore della trama di Mur.

La “zona rossa”, una striscia di terra lungo il confine bielorusso, è il territorio in cui si svolge la storia, ed è proprio la zona in cui arrivano i rifugiati in territorio polacco. La regista Kasia Smutniak, nel suo esordio dietro la macchina da presa, affronta questa crisi con una passione palpabile. Il risultato è un film che è sia un diario intimo che una denuncia delle politiche discriminatorie e della disumanizzazione dei rifugiati.

Il percorso narrativo è un viaggio incerto e rischioso nella “zona rossa”, in cui l’accesso ai media è vietato. Kasia Smutniak, con l’aiuto di attivisti locali e attrezzature tecniche leggere, riesce a superare queste barriere e documentare ciò che le autorità vogliono nascondere. Il film è un’osservazione cruda e sincera del movimento e delle questioni critiche che interessano i due muri principali di questa storia: il primo respinge i migranti che attraversano il bosco millenario di Puszcza Białowieża, un ostacolo impenetrabile nel loro viaggio; il secondo è di fronte alla finestra di casa dei nonni di Kasia a Łódź, il muro del cimitero ebraico del ghetto di Litzmannstadt.

Un ritorno a casa per Kasia Smutniak

Il ritorno alle radici di Kasia Smutniak, alla sua città natale e ai luoghi dell’infanzia, aggiunge un elemento personale e intimo alla storia. Questo viaggio personale la porta, e con lei gli spettatori, a una consapevolezza profonda: l’accoglienza non dovrebbe fare distinzioni, chiunque sia in pericolo deve essere soccorso, e un continente che si definisce democratico non dovrebbe erigere muri. Questa è una potente dichiarazione in un’era in cui il dibattito sull’immigrazione e i confini è più acceso che mai.

Il film è caratterizzato da inquadrature fatte di nascosto, che catturano momenti intensi in luoghi pericolosi ai margini della Polonia. Questo approccio conferisce al film un senso di realismo e coinvolgimento, trasmettendo lo spirito di un reportage clandestino che rivela la verità nascosta.

Una delle caratteristiche migliori del film è la narrazione documentaristica di Smutniak. La difficoltà di ottenere informazioni e la creazione di una “zona rossa” attorno al confine per impedire l’accesso di volontari, organizzazioni umanitarie e giornalisti hanno fatto sì che le testimonianze e l’importante lavoro di soccorso e sostegno ai migranti siano passati in mano a singoli o gruppi di volontari.

Una rete di volontari per una crisi umanitaria silenziosa

Mur è una testimonianza toccante di una realtà poco conosciuta, ma di importanza cruciale. Senza enfasi o retorica, il film sottolinea il coraggio di coloro che lottano per portare alla luce una crisi umanitaria nascosta, mentre ricorda all’Europa il suo impegno verso la democrazia e l’accoglienza. Kasia Smutniak, con il suo esordio alla regia, dimostra di essere non solo una talentuosa attrice, ma anche una voce lucida e autorevole nel mondo del cinema.

Come ha raccontato anche Green Border di Agnieszka Holland, Premio Speciale della Giuria a Venezia 80, Mur offre uno sguardo crudo ma emozionante su una realtà poco conosciuta, un film che è anche una fotografia di uno status quo che non dovrebbe lasciare indifferenti.

La guerra combattutasi in Afghanistan fino al 2021 è una pagina di storia difficile da dimenticare. Leggendo fra le righe di un racconto tanto atroce quanto doloroso, c’è una fetta di umanità che è stata costretta ad abbandonare la propria terra con un grosso peso nel petto e non poche ferite mai davvero suturate, per cercare felicità e salvezza altrove. Ma è proprio in chi ha avuto la fortuna di poter tornare a vivere e sognare un futuro, che si nasconde il più profondo senso di colpa verso coloro che, invece, non hanno avuto la stessa possibilità e sono rimasti indietro. Ed è su questi sentimenti che si erge Fremont, film firmato Babak Jalali (qui alla sua quarta fatica), facente parte della sezione Progressive Cinema, in concorso alla 18esima edizione della Festa del Cinema di Roma. Il regista cerca di affrontare uno stato d’animo comune a molti afghani trapiantati in territorio straniero a causa della situazione bellica del loro Paese, e lo fa affidandosi a una vera immigrata, Anaita Wali Zada, che due anni fa fu costretta a fuggire negli Stati Uniti da Kabul con sua sorella. Fremont è sceneggiato dallo stesso Babak Jalali, insieme a Carolina Cavalli, scrittrice e regista italiana.

Fremont, la trama

Donya, un’ex traduttrice di guerra che lavorava per il governo degli Stati Uniti, vive a Fremont, città della Bay Area che viene anche chiamata Little Kabul. Il giorno lavora in una fabbrica di biscotti della fortuna a San Francisco, mentre la sera cena in un ristorante locale guardando soap opera. La giovane però ha un problema: soffre di insonnia. Inoltre si sente in colpa per aver trovato la libertà negli Stati Uniti mentre tanta della sua gente invece è rimasta in Afghanistan, in chissà quali condizioni e miseria. Nonostante la sua quotidianità sia tranquilla e senza preoccupazioni, Donya vive comunque una radicata solitudine, e non è ancora riuscita a trovare una comunità a cui appartenere davvero. Cerca anche l’amore, l’unica strada che potrebbe sollevarla da questa sua fastidiosa condizione. La sua vita cambierà quando a lavoro verrà promossa per scrivere i biglietti della fortuna, e uno di questi la porterà verso un incontro inaspettato.

Cercare l’amore, abbattere la solitudine

Girato in un elegante e limpido bianco e nero grazie alla fotografia di Laura Valladao, Fremont è un film puramente di regia. Babak Jalali confeziona un racconto in cui le parole, in questo specifico caso, sono superflue, decidendo di lavorare sulla potenza delle immagini, con un formato in 4:3, in particolare sfruttando primi piani e dettagli che spesso si focalizzano sugli occhi e le espressioni della protagonista, Donya. Il film si sciorina attraverso sequenze piene di inquadrature simmetriche, in cui Zada è sempre ben centrata, e la macchina da presa non si distacca mai da lei proprio per non perdersi nessuna sua sfumatura. Nella sua placida – e lucida – impassibilità (Jalali ci dimostra che per parlare di certe tematiche non c’è bisogno di spingere su performance teatrali o piene di enfasi), l’attrice riesce a raccontarci la storia di una donna che, pur sentendosi in diffetto per i suoi connazionali sfortunati, ha una gran voglia di innamorarsi e di ritrovare quel senso di comunità e serenità che sente di aver smarrito. Misurata nelle parole, nei gesti e nei comportamenti, Donya vuole solo essere una persona comune, sentirsi uguale agli altri, vivere come gli altri e proprio per questo non affondare nella sua solitudine, non lasciarsi inghiottire dall’alienazione.

E per farlo non ha bisogno di essere né eccessiva né tantomeno melodrammatica, perché in fondo la sua necessità, il suo bisogno di amore e di appartenenza, è qualcosa che tocca tutti. E che vivono tutti, indipendentemente dal proprio passato, razza o condizione. Fremont, pur non raggiungendo mai un vero e proprio climax narrativo o momenti di tensione palpabili, riesce dunque ad esprimersi grazie all’equilibrio recitativo di Anaita Wali Zada e all’uso di un umorismo intenso, che lo rendono godibile, sincero e soprattutto universale nelle tematiche e nelle situazioni. Nonostante viaggi con una lentezza quasi estenuante e nessun turning point incisivo – nota che potrebbe non piacere a tutti – il film conserva la sua parte migliore nel finale, con le ultime scene dolci e commoventi, che ci fanno sentire completamente vicini a Donya e ci regalano una carezza. Calato il sipario, sorridere per lei è inevitabile. Perché in fondo, pensiamo, dall’altra parte potremmo esserci noi. O forse ci siamo già stati.

Nella sezione Grand Public della 18esima edizione della Festa del Cinema di Roma arriva The End We Start From, survival movie prevalentemente al femminile, diretto da Mahalia Belo. Il film è traspozione cinematografica dell’omonimo romanzo di Megan Hunter, e fra i produttori – nonché interpreti – troviamo Benedict Cumberbatch insieme a Liza Marshall, Adam Ackland e Sophie Hunter. È una storia dai tratti aspri, quella di The End We Start From, che segue il tipico schema del genere di sopravvivenza in cui si inscrive, ma al tempo stesso cerca anche di affrontare tematiche importanti, una fra queste l’empowerment femminile, sfruttando un’attrice di spicco sulla quale la pellicola si costruisce per intero: Jodie Comer. È lei, infatti, a reggere il peso della narrazione, pur a volte non riuscendo del tutto ad essere convincente in una performance che, con molta probabilità, rischia di essere una di quelle più facilmente dimenticabili della sua carriera.

The End We Start From, la trama del film

In una Londra abbattuta da un’alluvione devastante, che ha costretto migliaia di persone a scappare via per trovare riparo altrove, una donna insieme al compagno e al figlio appena nato si ritrova senza casa e senza un posto in cui andare. La carestia, lentamente, inizia a dilagare in Inghilterra, duramente colpita da questi fenomeni metereologici estremi, che hanno preso il sopravvento sulla nazione non dandole alcuna tregua. Molte le famiglie in difficoltà che cercano di sopravvivere non solo alla fame, ma anche alla vulnerabilità delle persone che, sotto pressione, non hanno più il controllo di loro stesse. La protagonista si ritroverà così a intraprendere un viaggio in cui dovrà affrontare una serie di situazioni spiacevoli, dal freddo al digiuno, e cercherà in tutti i modi di rimanere viva e lucida per poter dare una speranza al suo bambino, pur ad un certo punto dovendosela cavare da sola poiché costretta a separarsi dal suo partner.

La riflessione (mancata) sul clima

The End We Start From, sin dal suo incidente scatenante, stimola immediatamente nel suo pubblico una riflessione. L’alluvione, che è pretesto della storia e della partenza della protagonista, vuole subito parlarci del cambiamento climatico a cui stiamo assistendo oggi, di cui purtoppo ci dimentichiamo la reale gravità. È su questo che si fonda almeno tutto il primo atto, sfruttando una tematica quanto più attuale e sentita nel nostro quotidiano. E che cerca di ricordarci quale sia la condizione (critica) del nostro pianeta al momento, suggerendoci quasi cosa potrebbe accadere in un prossimo futuro – come una sorta di presagio – se non iniziamo ad agire davvero.

Ma la prima vera incrinatura della pellicola sta proprio qui: pur con tutte le sue buone intenzioni nel volerci parlare di qualcosa che, a ben pensarci, tocchiamo già con mano (basti pensare agli sbalzi termici anomali che attualmente viviamo o alle forti e devastanti piogge), non riesce mai ad approfondirne la questione, che rimane in superficie e sullo sfondo, fino però a scomparire del tutto. Una mancanza, questa, che dipende da una sceneggiatura troppo debole, non curata, la quale cerca di toccare più tematiche e, nel tentativo d’essere memorabile, deraglia totalmente perdendo di vista i suoi obiettivi.

Un film dalle troppe tematiche

In parallelo alla questione climatica, infatti, The End We Start From mette al centro il potere femminile raccontato attraverso la forza della protagonista nell’affrontare le avversità incontrate lungo il cammino, il concetto di maternità e le sue difficoltà, il senso del viaggio, la lotta per la sopravvivenza, l’amore a cui aggrapparsi per superare le difficoltà della vita. Sono tutti ingredienti che sistema sulla tavola, ma che alla fine non vengono utilizzati mai a pieno a causa di una trama ingolfata, che inevitabilmente non riesce a dare spazio a nessun elemento dal grande potenziale (se solo fosse stato sviluppato con più attenzione). Nel voler seguire troppe strade, dunque, The End We Start From non riesce ad esplorarne nessuna e, di conseguenza, il risultato è avere una narrazione priva sia di pathos che di picchi emozionali o narrativi.

Molte sequenze sono frettolose, molte domande non trovano risposta. Tante sono le scene che fanno sorgere numerose domande, ma che poi non vengono mai spiegate, finché quello di cui si voleva parlare perde di senso e di importanza. Il film, in sostanza, non osa pur avendo un terreno fertile su cui muoversi e una protagonista dalle buone qualità, che si presta fra l’altro bene per una storia di empowerment femminile. Che però, a livello di psicologia, non viene strutturata come si deve, non dandole così né lo spessore che merita né la possibilità allo spettatore di empatizzare con lei per lasciarsi coinvolgere meglio. Forse l’errore di tutto The End We Start From è non aver fatto essere il finale – che si rivela l’unica parte accattivante e funzionale – il vero centro del film. E quindi, purtroppo, finisce per essere dimenticato.