A Real Pain (qui la nostra recensione) ha un finale ambiguo dopo una storia tanto esilarante quanto seria. Jesse Eisenberg dirige, scrive e recita nel film commedia-drammatico. Interpreta il riservato e ansioso David Kaplan, che viaggia in Polonia con il suo carismatico e tormentato cugino Benji Kaplan (Kieran Culkin). Si uniscono a un gruppo di turisti che hanno intenzione di visitare i luoghi dell’Olocausto e intendono anche visitare la casa in cui la loro nonna ha vissuto in Polonia. Le recensioni di A Real Pain sono state estremamente positive da quando il film ha debuttato al Sundance Film Festival del 2024. Eisenberg ha ricevuto consensi per la sua regia, la sua sceneggiatura e per la sua interpretazione di David, e il film si è rivelato uno dei migliori film di Kieran Culkin, il che lo ha portato a vincere tutti i premi della categoria da non protagonista di questa stagione dei premi e si avvia a vincere molto probabilmente anche il premio Oscar. La relazione tra David e Benji, già tesa, viene messa alla prova durante i loro viaggi e si sviluppa verso una conclusione in gran parte aperta.

Perché Benji è ancora all’aeroporto nel finale di A Real Pain

Ci sono diverse interpretazioni

Dopo essere tornato dalla Polonia, David suggerisce a Benji di tornare a casa con lui o almeno di condividere un taxi insieme. Benji rifiuta queste offerte e dice a David che per ora rimarrà all’aeroporto. L’ultima inquadratura di A Real Pain vede Benji ancora seduto all’aeroporto che guarda vari sconosciuti. Mentre il finale è intenzionalmente ambiguo, il fatto che Benji sia ancora all’aeroporto indica che si sente ancora fuori posto, insicuro su come andare avanti con la sua vita e ha bisogno di più tempo per elaborare le sue emozioni prima di fare il passo successivo.

È possibile che Benji sia ancora all’aeroporto perché è senza casa. All’inizio del film, è già all’aeroporto molto prima che arrivi David e ogni volta che David prova a chiamare il telefono di Benji, è sempre irraggiungibile. Culkin ha un’altra interpretazione del finale che ha condiviso allo SCAD Film Festival del 2024 (tramite Blavity), ovvero che l’inquadratura finale è ciò che David immagina accada a Benji dopo averlo lasciato, poiché ha paura di immaginare cosa potrebbe fare Benji dopo aver lasciato l’aeroporto.

Cosa trovano David e Benji a casa della nonna in Polonia

Non va come previsto

Dopo aver trascorso la maggior parte del film con il loro gruppo di turisti, David e Benji si separano da loro per visitare la casa in cui è cresciuta la nonna. Nessuno dei due cugini è sicuro di cosa si aspettassero di trovare, ma la casa si rivela insignificante. Tuttavia, suscita in Benji un ricordo di quando la nonna gli ha dato uno schiaffo, che lui sostiene essere la cosa migliore che gli sia mai capitata. David suggerisce di mettere una pietra sul portico di casa per commemorare il fatto che erano lì. Prende questa idea dalla tradizione ebraica di mettere pietre sulle tombe. La nonna di David e Benji viveva nella città polacca di Krasnystaw.

Mettere delle pietre davanti alla casa cattura l’attenzione di un vicino che non parla inglese, costringendo il figlio a tradurre. I cugini chiariscono che hanno messo le pietre lì come gesto sentimentale, mentre il figlio spiega che, indipendentemente da ciò, devono spostarle perché sono un pericolo e l’anziana donna che vive nella casa ora potrebbe inciamparci. Come gran parte del film, il viaggio a casa della nonna non va come previsto e non fornisce la conclusione che ci si aspetta.

Perché David ha smesso di andare a trovare Benji in A Real Pain

Responsabilità e tragedia li hanno allontanati

Quando David e Benji erano più piccoli, erano molto uniti e facevano tutto insieme, un fatto che Benji menziona agli altri membri del gruppo turistico all’inizio. Crescendo, il loro rapporto cambiò, mentre David si concentrava sulla moglie, sul figlio e sulla carriera, e Benji faceva fatica a trovare la sua strada. David smise di andare a trovare Benji e iniziarono ad allontanarsi sempre di più sei mesi prima del loro viaggio in Polonia, quando Benji cercò di togliersi la vita con dei sonniferi.

David non riusciva a smettere di immaginare la vista di Benji svenuto sul divano dopo la sua overdose. È ossessionato da questa immagine, è consumato dalla paura di ciò che Benji farà e non riesce a stare con suo cugino per mesi. Dall’esprimere questi sentimenti all’offrire a Benji di tornare a casa con lui, David cerca di fare ammenda. I cugini si abbracciano emozionalmente nella loro ultima scena insieme e il viaggio li ha riavvicinati, ma c’è ancora molto su cui entrambi devono lavorare.

Come Benji cambia i futuri tour dell’Olocausto

James applica il feedback di Benji

Durante il loro tour in Polonia, la guida turistica, James (Will Sharpe) e il compagno di tour Eloge (Kurt Egyiawan), trascorrono molto tempo a condividere i numerosi fatti che conoscono sull’Olocausto, la Polonia e la storia del popolo ebraico. La frustrazione di Benji per questo raggiunge il punto di rottura quando il gruppo si trova in un cimitero ebraico. Critica James per aver fatto in modo che il tour trattasse la devastazione dell’Olocausto come se fosse poco più di un elenco di fatti e statistiche, e che ci dovrebbe essere più enfasi sulla connessione autentica e l’emozione con la storia.

Quando il gruppo in seguito si reca al campo di concentramento nazista di Majdanek, James prende a cuore le parole di Benji scegliendo di offrire solo informazioni minime e di consentire al gruppo di camminare in modo più silenzioso e autentico attraverso il campo dove un tempo si verificarono innumerevoli orrori. Prima che David e Benji lascino il gruppo per visitare la casa della nonna, James esprime a Benji che è grato per il feedback onesto che ha cambiato la sua prospettiva e per come guiderà i tour dell’Olocausto in futuro.

Il vero significato del finale di A Real Pain

La condizione umana è complessa

I personaggi di A Real Pain affrontano una storia che pone domande difficili senza fornire risposte facili. Alcune di queste domande sono specifiche dell’Olocausto, con le critiche di Benji che evidenziano i pericoli del turismo dell’Olocausto che ha il pericoloso potenziale di disumanizzare la vera sofferenza e la storia di ciò che è realmente accaduto. Studiare e rivisitare questa storia è intrecciato con un dolore personale e collettivo, che è ulteriormente amplificato dal dolore che David e Benji stanno vivendo per la scomparsa della nonna e che stanno cercando di elaborare a modo loro.

Oltre a porre domande difficili sull’Olocausto, il film pone domande sull’identità e sul dolore. David cerca di seppellire il suo dolore e concentrarsi sulle sue responsabilità perché crede che il suo dolore sia insignificante, mentre Benji affronta il suo dolore in modi spesso autodistruttivi. Cercano di connettersi con le loro radici mentre si riconciliano con le loro identità, ma come si vede dalla scena a casa della nonna, non è così semplice come pensavano che sarebbe stato. A Real Pain pone domande difficili sulla condizione umana a cui non si può mai rispondere completamente.

Scritto e diretto da Sean Baker (che in precedenza ha ricevuto consensi per Un sogno chiamato Florida e Red Rocket) Anora (qui la nostra recensione) ha debuttato al Festival di Cannes – dove ha vinto la Palma d’Oro – ed è oggi candidato a sei premi Oscar. Protagonista di questo è Ani (come le piace farsi chiamare), la cui vita procede in maniera abbastanza regolare tra vita notturna nello strip-club e giornate passate a dormire e a recuperare energie. Una sera al locale dove lavora, data la sua capacità di parlare russo per via delle sue origini, le viene affidato un cliente molto ricco: il suo coetaneo Ivan, detto “Vanja”.

Si tratta di un viziatissimo rampollo di un oligarca russo, che, attratto dalla ragazza, le offre 15.000 dollari per essere la sua fidanzata per una settimana. I due trascorrono dei giorni folli, divertendosi come non mai, fino a che a Las Vegas i due decidono di sposarsi. L’idillio, però, dura poco. Per Ani e Vanja arriva infatti il momento di pagare il conto di quella settimana di baldoria e di quel matrimonio avventato. Anora si conclude infatti con la protagonista (interpretata da Mikey Madison) costretta a salire su un aereo privato con Vanya, i suoi genitori, Igor, Toros e Garnick, per andare a ottenere l’annullamento del suo matrimonio.

Anora, che ha ancora voglia di combattere, ma è stanca di essere messa alle strette e trattata come una nullità, va dunque con il gruppo a Las Vegas. Sa che a questo punto le sue opzioni sono limitate e che la famiglia di Vanya è troppo ricca e potente per combattere. A Las Vegas, davanti all’indifferenza di quello che credeva un marito amorevole, firma dunque i documenti per l’annullamento prima di gettare a Galina il suo cappotto di visone e andarsene. Torna a New York con Igor, che porta Anora in banca e le restituisce l’anello di fidanzamento. È davanti a quel gesto di tenerezza che la giovane getta la maschera da dura.

Anora piange solo alla fine del film

Anora passa la maggior parte del film a maledire tutti coloro che lavorano per i genitori di Vanya e continua a ripetersi che non ha bisogno di nessuno mentre si difende con denti e unghia. Supplica Vanya di combattere per lei per tutto il film, ma alla fine è esausta di combattere da sola senza un vero sostegno. La realtà è che tutti gli eventi del film l’hanno colpita duramente: è stata umiliata, costretta a ottenere un annullamento e ha messo in discussione il suo carattere. Solo nel momento di tranquillità con Igor è stata in grado di svelare tutti i suoi sentimenti e di essere vulnerabile.

L’unica persona su cui Anora può contare era sé stessa, ma Igor è stato gentile con lei quando gli altri non lo erano, ed è per questo che si sente sicura a piangere con lui. Probabilmente pensava che piangere davanti a Vanya, ai suoi genitori e a Toros l’avrebbe fatta sembrare debole. È come se il momento in cui crolla sia un momento in cui i suoi sentimenti e il trauma di tutto quello che è successo l’hanno finalmente raggiunta. Allo stesso modo, quello con Igor si rivela essere l’unico momento di tenerezza e affetto per lei ed è proprio con lui che ha per la prima volta un rapporto sessuale basato su questi valori.

Il futuro di Anora e Igor

Anora ha dunque un rapporto di ostilità con Igor, ma lui è anche l’unico che la tratta come un essere umano, simpatizzando con lei quando nessun altro lo farebbe. Sebbene alla fine Anora sia ancora infastidita da Igor, tra i due inizia a nascere qualcosa. Probabilmente lei sente di potersi fidare di Igor più di tutti quelli con cui ha avuto a che fare, e lui capisce la sua situazione senza giudicarla. La ragazza si mostra poi vulnerabile con Igor e lui non la respinge. Considerando che lei tenta momentaneamente di fare sesso con lui, Baker allude a un loro potenziale coinvolgimento sentimentale.

Anche se la base di una relazione romantica non avrebbe solide fondamenta, perché si tratta di un’esperienza traumatica, lei e Igor potrebbero provare a stare insieme per un po’. Probabilmente, però, non durerebbe a lungo. Alla fine, Igor ha comunque aiutato la famiglia di Vanya a spingere Anora verso un annullamento che lei non voleva, e questo è destinato a farla sentire in qualche modo a lungo termine – che si mettano insieme o meno. Il finale di Anora può far pensare a un accoppiamento, ma ci sono anche abbastanza prove che non avverrà e che potrebbe essere, in effetti, una cattiva idea.

Cosa succederà alla protagonista dopo il film

Anora riceve il denaro che le era stato promesso per aver lasciato Vanya, ma la somma non le basterà per molto tempo. Avendo lasciato il suo lavoro di spogliarellista ed essendo stata umiliata dopo aver dovuto far uscire Vanya dallo strip club davanti a tutti i suoi ex colleghi, non tornerà probabilmente a lavorare lì, considerando tutto quello che è successo. Se lo farà, dovrà prepararsi ad affrontare molte critiche, pettegolezzi e imbarazzo. Certo, potrebbe continuare a lavorare come spogliarellista, ma potrebbe anche rimanere in disparte per un po’ prima di tornare a lavorare.

Dopo tutto, ne ha passate tante e le conseguenze emotive, compreso il tradimento e i maltrattamenti da parte di Vanya e della sua famiglia, le sono costate molto. Ha bisogno di tempo per riprendersi, quindi potrebbe vivere con i soldi che le sono stati versati per un po’ di tempo prima di decidere cosa fare nella sua vita. Anora ha affrontato qualcosa che la accompagnerà per molto tempo e ha bisogno di tempo per elaborare tutto ciò che è successo, le sue azioni e quelle di Vanya, e come queste cose la plasmeranno e la influenzeranno in futuro.

Perché Vanya non lotta per il suo matrimonio

Per quanto Vanya abbia dichiarato di amare Anora e di volerla sposare, è scappato dalla sua villa al primo segno di conflitto esterno. Invece di discutere con lei, Vanya si è comportato come un bambino. E per molti versi, è ancora un bambino che non è pronto per un impegno così grande come il matrimonio. Vanja è molto giovane, ricco e profondamente privilegiato. Quando sposa Anora, lo fa, in parte, per una sfida nei confronti del controllo dei suoi genitori. Vanya era infatti convinto di poter fare ciò che vuole senza il loro parere.

Ma la realtà è che Vanya vive ancora all’ombra dei suoi genitori. Non è indipendente, non ha soldi propri né un lavoro. Vanya non ha lottato per il suo matrimonio con Anora perché in fondo sa che non sarebbe durato. Era solo questione di tempo prima che i suoi genitori lo scoprissero e lui lo sapeva. Non sarebbe mai stato così serio come lei voleva che fosse, nella loro relazione. Aveva ancora troppa paura dei suoi genitori per staccarsi da loro e difendere ciò che voleva.

Per Vanya, il matrimonio con Anora era simile a un gioco: aveva investito molto nella loro relazione e nella felicità che gli procurava per un po’, prima di perdere interesse e passare ad altro. Vanya, opponendosi alla volontà dei genitori, avrebbe perso privilegi, status e denaro, che per lui erano più importanti della relazione con Anora. Per lui, Anora era insignificante rispetto alla vita che conduceva. Vanya era semplicemente un visitatore di passaggio e Anora era un elemento collaterale nel suo tentativo di divertirsi.

Il vero significato di Anora

Anora, dunque, racconta il maltrattamento di una donna, in particolare di una spogliarellista, da parte dei ricchi e dei potenti. Vanya fa promesse che non può mantenere per tutto il film e lei subisce le conseguenze della sua indifferenza. Viene scartata e trascurata dai genitori di Vanya a causa del suo status e del suo lavoro, e il film si sofferma sulle ripercussioni di decisioni avventate e su quanto la ricchezza e l’influenza possano influire su una persona come Anora, che non possiede affatto queste cose. La famiglia di Vanya, dunque, ha giocato con lei e con le sue emozioni prima di buttarla fuori come se fosse inferiore a loro.

È un film sincero nel trattare la situazione della protagonista e i temi del film sottolineano lo squilibrio di potere nel matrimonio di Anora e Vanya. Anora è quindi un’astuta esplorazione delle varie forme di controllo – che siano parentali, legate al denaro e al potere o patriarcali – e di come vengano utilizzate per mantenere lo status e la reputazione. Ad Anora tocca in ogni caso la parte più bassa del bastone, e il messaggio che il film trasmette è quanto questo sia ingiusto e terribile. Allo stesso tempo, però, è anche il racconto di una donna in cerca di tenerezza ma che sa comunque reagire alle botte della vita stabilendo le proprie condizioni.

La maggior parte dei registi ama concludere i propri film con una dichiarazione succinta, diretta e conclusiva. William Friedkin, invece, preferisce che il suo pubblico se ne vada con domande persistenti, spesso inquietanti, senza risposta. Dal finale inquieto de L’esorcista alla conclusione del suo ultimo film The Cain Mutiny Court-Martial, Friedkin è chiaramente attratto dall’ambiguità, rendendo i suoi film dei misteri non in senso narrativo ma tematico. Il suo impegno a trovare la realtà all’interno della finzione fa sì che i suoi finali siano raramente comodi e ben costruiti. È quello che accade anche in Il braccio violento della legge, il capolavoro del 1971 che gli è valso l’Oscar per la Miglior regia.

Quando il film uscì in sala il pubblico si aspettava probabilmente un grintoso thriller poliziesco, un sottogenere che fino a quel momento era tipicamente caratterizzato da risoluzioni chiare: un dato personaggio ha commesso un crimine, viene catturato o ucciso, e così via. Il film di Friedkin – impreziosito da un’interpretazione da Oscar di Gene Hackman – tuttavia, si rifiutava di permettere al suo pubblico o ai suoi personaggi una conclusione così facile, presentando un finale che ancora oggi disturba e fa discutere. In questo articolo, approfondiamo e spieghiamo proprio la conclusione del film.

La trama di Il braccio violento della legge

Il film ha per protagonista Jimmy “Papa” Doyle (Gene Hackman), affiancato da e Buddy “Tristezza” Russo (Roy Scheider), e mostra come il suo ossessivo e incessante bisogno di arrestare i criminali spinga lui e il suo partner a un casuale appostamento di un piccolo spacciatore, Sal Boca (Tony Lo Bianco). Studiando le sue attività, i detective scoprono che Boca è coinvolto in un accordo con Charnier, un francese che è la principale fonte di eroina importata a New York. Russo e soprattutto Doyle mettono così a soqquadro la città. Tuttavia, il loro modo spregiudicato di comportarsi porterà ben presto ad esiti del tutto imprevisti.

Il film mostra infatti come le azioni di Doyle siano sempre più folli e al limite del criminale. Russo è l’unica persona del dipartimento disposta a lavorare con Doyle; l’agente dell’FBI Mulderig (Bill Hickman) arriva quasi alle mani con Doyle per un incidente passato in cui il detective ha fatto uccidere uno dei suoi colleghi. Il personaggio di Doyle, un misantropo casualmente razzista con seri problemi di gestione della rabbia, era una novità assoluta per il thriller poliziesco, un personaggio fortemente imperfetto che richiamava i protagonisti dei film noir più che i poliziotti eroi. Era un segno che il sottogenere si stava evolvendo per emulare più da vicino la vita reale.

La descrizione del finale del film

La grande svolta nella ricerca di Charnier da parte di Popeye e Cloudy arriva quando sorvegliano un’auto apparentemente di proprietà di uno dei soci del francese, un conduttore televisivo di nome Devereaux (Frédéric de Pasquale). Dopo aver letteralmente smontato l’auto nel garage della polizia di New York, i detective trovano 120 libbre di eroina nascoste nei pannelli laterali. Quindi rimontano e restituiscono l’auto a Devereaux, che la consegna a Charnier, rifiutandosi di portare avanti il loro precedente piano di scaricare l’auto e la sua merce. Charnier stesso si reca con l’auto all’incontro, che si tiene sulla deserta Ward’s Island.

Lo scambio avviene senza intoppi, ma mentre Charnier se ne va con i suoi soldi e la banda di Boca si prepara a partire con l’eroina, l’auto di Charnier viene bloccata da una falange di veicoli della polizia di New York con davanti Doyle in persona, che fa un cenno consapevole alla sua preda che riecheggia quello fattogli da Charnier quando il francese gli era sfuggito in precedenza. Intrappolati, Charnier, Boca e gli altri criminali tentano di fuggire o di combattere, mentre Russo, Doyle e il resto della polizia si avvicinano per la cattura.

Doyle, completamente immerso nella sua ossessione e nella sua giusta vittoria, insegue lo scivoloso Charnier in alcuni edifici decrepiti nelle vicinanze, perdendolo rapidamente di vista. Doyle rifiuta il consiglio del suo partner di interrompere l’inseguimento e apre il fuoco su una figura che crede essere il francese. Mentre corre a reclamare la sua vittoria, scopre l’agente Mulderig, che sta rapidamente morendo a causa del proiettile di Doyle. Egli è però impassibile e pensa solo al suo nemico. Doyle corre in modo disordinato attraverso l’edificio inquietante e in decadenza, non vedendo alcun segno del francese ma continuando comunque. Girato un angolo, esce dall’inquadratura e si sente un solo colpo di pistola prima che il film diventi nero.

Ambiguità senza compromessi, fatti concreti e crudi

Fin dall’inizio della sua carriera cinematografica, William Friedkin era più interessato alla verità che alla pura finzione. Ha iniziato realizzando cortometraggi documentari e quando è passato ai lungometraggi narrativi ha portato il suo approccio documentaristico al dramma, creando uno stile che ha soprannominato “documentario indotto”. Questo stile è presente in tutti i suoi primi lavori e Il braccio violento della legge ne è probabilmente il miglior esempio. Friedkin, in collaborazione con il direttore della fotografia Owen Roizman, non commenta tanto con la sua macchina da presa, quanto piuttosto lascia che questa catturi i personaggi nei loro ambienti, permettendo a entrambi gli elementi di restituire la realtà.

Anche se ovviamente ogni scelta di posizionamento della macchina da presa e di taglio è un commento, lo stile presenta la sensazione indotta della realtà che si svolge davanti ai nostri occhi. Questa veridicità è accresciuta dalla netta mancanza di elementi tipicamente hollywoodiani in Il braccio violento della legge: i personaggi non parlano di sé stessi ma si svolgono semplicemente davanti alla macchina da presa. La colonna sonora di Don Ellis non dice al pubblico cosa sentire quando è presente (e lo è con parsimonia) ma evoca invece uno stato d’animo, e il finale non è avvolto in un fiocco ordinato e chiaro. L’unica conclusione che Friedkin concede al suo pubblico è una serie di postille sullo schermo.

Frasi molto brevi e fredde, che forniscono qualche scarno dettaglio su dove sono finiti alcuni dei personaggi dopo gli eventi del film. Anche in questo caso, Friedkin si rifiuta di fornire molta chiarezza: ci viene detto che “Alain Charnier non è mai stato catturato” e che Doyle e Russo sono stati “trasferiti dall’Ufficio Narcotici e riassegnati”. La combinazione tra la drammaticità grintosa e inequivocabile degli eventi del film e questa conclusione distante e fredda è l’equivalente emotivo di un’immersione nell’acqua ghiacciata, un campanello d’allarme che sembra troppo vicino all’inconcludenza e all’ingiustizia della realtà.

Nonostante il sequel, il film non perde il suo valore

Il finale di Il braccio violento della legge è così sconvolgente e scomodo che non sorprende che il successo del film abbia implorato Hollywood di seguirlo con un sequel che tentasse di rimediare allo schiacciante fallimento di Doyle. Così, nel 1975 fu prodotto Il braccio violento della legge 2, un sequel che cerca di soddisfare quel pubblico lasciato frustrato e disturbato dal finale del film originale. A sua discolpa, il sequel non ammorbidisce il personaggio di Doyle e non gli permette di avere vita facile, in quanto continua la sua ossessiva ricerca di Charnier in un paese straniero dove non ha assistenza, mentre i suoi nemici sfruttano ogni occasione per fermarlo con ogni mezzo necessario.

Tuttavia, il finale sembra un po’ scontato, un mea culpa per coloro che si aspettavano una narrazione poliziesca più tradizionale. È anche un cenno al fatto che il film, insieme alla serie di Harry Callaghan, il personaggio di Clint Eastwood, aveva dato vita al nuovo tropo del poliziotto disonesto che infrange le regole e ottiene risultati. Nonostante l’esistenza del sequel, la conclusione persistente e molto meno ruffiana di Il braccio violento della legge non poteva essere rivista o scossa così facilmente. Il suo legame con la realtà, sia nei fatti che nei sentimenti, aiuta il finale a mantenere il suo potere ossessionante.

Sebbene si possa ragionevolmente concludere che Doyle non sia morto (per mano propria o altrui), dato il post scriptum del film sul suo trasferimento, non ha molta importanza, poiché è chiaro che l’anima di quell’uomo si è veramente persa. Papa Doyle ha oltrepassato il limite una volta di troppo, si è spinto troppo in là nell’abisso e non riuscirà mai a trovare la sua preda o la via del ritorno. Un personaggio dunque specchio di un contesto, quello degli anni Settanta statunitensi, sempre più cinico e violento, dove il confine tra legalità e illegalità viene oltrepassato con grande facilità e totale incuranza delle conseguenze.

Il film Chiamata senza risposta del 2008 ha fatto molto parlare di sé sia prima che dopo la sua uscita. Remake del J-Horror di Takashi Miike intitolato The Call – Non rispondere (2004), questo film diretto da Eric Valette ha infatti vissuto numerosi problemi produttivi e accesi dibattiti pubblici. Lo sceneggiatore originale, Andrew Klaven, ha infatti detto più volte di aver scritto la sceneggiatura pensando che sarebbe stata una commedia horror e di essere rimasto molto sorpreso quando il film è stato trasformato in un horror “serio”. Riguardo ad alcuni dialoghi molto goffi, ha anche dichiarato che: “Dovevano essere battute“.

Nel corso della lavorazione, infatti, la produzione decise di trasformare radicalmente il progetto, fino a fargli assumere un tono completamente diverso rispetto a quanto inizialmente stabilito. Durante la preparazione del film, il regista ha anche evitato di guardare la versione originale giapponese e ha chiesto agli attori di fare altrettanto, così da non correre il rischio di replicare alcuni degli elementi presenti in quel film. C’è dunque stato un evidente scontro tra chi voleva realizzare un vero e proprio remake e chi invece dar vita ad un’opera solo liberamente ispirata al titolo giapponese del 2004.

Chiamata senza risposta, in ogni caso, è stato l’ultimo remake horror giapponese a essere distribuito nelle sale cinematografiche dopo l’inizio della tendenza iniziata con The Ring (2002). A questo film viene dunque spesso attribuita la colpa di aver spento l’interesse del pubblico per i remake horror giapponesi. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Chiamata senza risposta. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla spiegazione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama e il cast di Chiamata senza risposta

Protagonista del film è ElizaBeth Raymond, una giovane ragazza che ha visto quattro dei suoi amici morire in situazioni poco chiare dopo aver ricevuto a turno una telefonata dal futuro in cui erano registrate le loro ultime parole, con il giorno e l’ora esatta della loro morte. Le telefonate provengono sempre da una persona recentemente morta, trasmettendosi dunque quasi come un virus. Gli agenti di polizia credono si tratti di una follia di gruppo, mentre Jack Andrews, investigatore, non è convinto sia così e vuole approfondire anche l’aspetto paranormale della vicenda, soprattutto perché sua sorella è scomparsa in modo molto simile, come se ci fosse una terribile maledizione.

Così l’uomo comincia a indagare insieme a Beth, cercando di capire da dove provengano le telefonate. Le tracce portano a Marie Layton, una donna affetta dalla sindrome di Polle che in passato aveva molestato le sue figlie Ellie e Laurel: la prima era morta per un attacco di asma, mentre la seconda era stata affidata a una casa-famiglia. Il sospetto ricade dunque sulla, ma quando la trovano è già deceduta. Beth e Jack si mettono allora in viaggio per comunicare a Laurel che la madre è morta. Una volta arrivati da lei, però, scoprono qualcosa che stravolgerà completamente quanto credevano di sapere sugli abusi subiti in passato dalle due sorelle.

Ad interpretare la protagonista, Elizabeth Raymond, vi è l’attrice Shannyn Sossamon, nota per i film Il destino di un cavaliere e Le regole dell’attrazione. Nel ruolo del detective Jack Andrews vi è invece l’attore Edward Burns, mentre Ana Claudia Talancón è Taylor Anthony, amica di Beth. Completano poi il cast Ray Wise – celebre per il ruolo di Leland Palmer in Twin Peaks – nel ruolo del produttore televisivo Ted Summer, Rhoda Griffis in quello di Mary Layton e Raegan Lamb in quello di Laurel Layton. Ariel Winter, invece, interpreta Ellie Layton da bambina, mentre nella sua versione fantasma è interpretata da Sarah Jean Kubik.

La spiegazione del finale del film

Nel finale del film, nel tentativo di trovare Laurel, Jack e Beth si recano nella sua casa adottiva e qui scoprono un filmato registrato da una telecamera nascosta nell’occhio dell’orsacchiotto di Laurel. Questo rivela che a perpetrare le molestie nei confronti di Laurel non è stata Marie, bensì la sorella Ellie. Dopo che la madre ha scoperto la cosa, ha portato Laurel d’urgenza in ospedale, rinchiudendo invece Ellie nella stanza. Qui, la bambina ha però avuto un attacco d’asma improvviso, andando incontro alla morte ma non prima di essersi imbattuta nei futuri elementi della sua maledizione: un millepiedi, un’inquietante bambola e la musica simile a una ninna nanna emanata dall’orsacchiotto, udibile durante ogni chiamata.

Laurel rivela poi che Ellie, pur avendola ferita, le ha sempre fornito le caramelle. Capendo che è stata Ellie a causare la maledizione, Jack si reca a casa di Beth, la quale aveva ricevuto a sua volta una chiamata ed era dunque stata designata come nuova vittima. Giunto a casa della ragazza, però, Jack viene trafitto da un coltello, rimanendo ucciso. Appare a quel punto Ellie, che attacca Beth. Lo spirito di Marie, tuttavia, interviene, legando Ellie al telefono di Jack e riconciliandosi con Beth prima di scomparire. Il film finisce con la bocca di Jack che rovescia una caramella rossa e il suo cellulare che si compone automaticamente, lasciando intendere che la maledizione potrebbe ancora essere in vigore.

Il trailer di Chiamata senza risposta e dove vederlo in streaming e in TV

Sfortunatamente il film non è presente su nessuna delle piattaforme streaming attualmente attive in Italia. È però presente nel palinsesto televisivo di giovedì 27 febbraio alle ore 21:15 sul canale Italia 2. Di conseguenza, per un limitato periodo di tempo sarà presente anche sulla piattaforma Mediaset Play, dove quindi lo si potrà vedere anche oltre il momento della sua messa in onda. Basterà accedere alla piattaforma, completamente gratuita, per trovare il film e far partire la visione.