In diretta sulla piattaforma Zoom, è stato presentato in Italia il nuovo film di Lech Majewski: autore eclettico, non solo regista, ma anche scrittore e pittore, dalla carriera più che trentennale e la collaborazione con i più disparati artisti internazionali.

Valley of the gods è stato il suo ultimo lavoro, finito di girare appena prima dell’inizio della pandemia, e che CG Entertainment ha atteso a lungo a distribuire proprio per realizzarne l’uscita esclusiva nelle sale cinematografiche.

Durante l’incontro stampa mediato da CG Entertainment, il regista ha narrato la genesi dell’idea del film e della sua realizzazione. Insieme a lui c’era parte del cast rappresentata da Bérénice Marlohe (Song to song e Skyfall) e Keir Dullea (2001 Odissea nello spazio), che ha regalato un piacevolissimo siparietto iniziale nel quale, per diversi minuti, ognuno dei tre si è festosamente salutato di fronte alla divertita partecipazione di stampa ed esercenti.

Il film è un racconto che si addentra nella mente di uno scrittore (Josh Hartnett), senza curarsi troppo di dettagliati riferimenti cronologici e lineari, la cui vita entra in collisione con l’uomo più ricco del mondo (John Malkovich) che sta per appropriarsi di un vasto territorio appartenente al popolo dei Navajo, per sfruttarne i giacimenti di uranio.

Lech Majewski spiega che l’ispirazione gli è venuta qualche decennio fa. Con Viggo Mortensen stava pianificando i dettagli del film Gospel according to Harry e, nel cercare un paesaggio desertico, si era trovato per la prima volta nella Monument Valley. Il contatto con quella realtà lo aveva lasciato senza fiato, in particolar modo quando era riuscito a entrare in relazione con gli abitanti di quelle terre: «I Navajo sono continuamente proiettati verso gli spiriti dei loro antenati», racconta Majewski, «E in tutto ciò che osservano ne colgono i significati, quello che si nasconde. Nonostante le condizioni di disagio in cui vivono, hanno una vita interiore ricchissima, che li rende persone sempre in pace e in armonia. Con questo film ho infatti desiderato creare uno scontro tra il cinema commerciale, con la sua cultura pop che spesso abusa degli effetti speciali facendone quasi una pornografia, e la mitologia antica. E l’ambientazione scelta per il lussuoso castello con il maggiordomo, ad esempio, è un chiaro riferimento a Batman e al suo rapporto con Alfred».

Ambientazione che fa da eco ai ceti più potenti degli Stati Uniti, prosegue il regista: «Quando stavo scrivendo e producendo Basquiat ho intervistato alcuni dei miliardari più famosi degli USA, e ciò che più mi aveva colpito è che, nonostante abbiano una marea infinita di possibilità, vivono blindati in gabbie dorate, impauriti e protetti da un mondo esterno pieno di pericoli. E gli unici con cui hanno rapporti costanti, sono i loro collaboratori».

Persone fragili e interiormente inconsistenti, proprio come il magnate interpretato da John Malkovich, Wes Tauros. E alla domanda su come sia stato lavorare con l’attore, il regista risponde che gli era stato detto che non sarebbe stato facile: «Secondo alcuni è un tipo intransigente, invece l’ho trovato di una gentilezza rara. Disponibile e umile a qualunque indicazione gli dessi».

Così come per Josh Hartnett, che gli ha addirittura confessato di essere stato ispirato da Basquiat nella scelta di voler fare l’attore.

Viene poi chiesto a Bérénice Marlohe come si sia trovata a lavorare a questo progetto, dopo aver interpretato nella sua carriera – tra gli altri – ruoli in film di Terrence Malick e David Lynch: «Devo stare attenta a quel che dico perché mi sente», dice ridendo, «Mi sono sinceramente appassionata al modo in cui Lech ha affrontato temi così complessi e sfaccettati, proprio com’è lui stesso. Dopo aver letto la sceneggiatura la prima volta, ho pensato che condividessi pienamente il suo punto di vista. Vedere film come Valley of the gods oggi è molto difficile. Penso che sia una sorta di magia dare voce a civiltà dalle radici così preziose e di cui non si parla quasi mai».

La parola passa di nuovo al regista quando gli viene chiesto quale sia il suo rapporto con il cinema italiano. E Lech Majewski svela quanto la sua formazione nasca interamente dall’arte italiana, partendo proprio dalla pittura: «Quando da ragazzo studiavo per diventare pittore, ero rimasto impietrito davanti alla “Tempesta”, il dipinto del Giorgione esposto alla Galleria dell’Accademia di Venezia. Avevo provato la stessa sensazione al cinema per una scena di Blow Up. Ho pensato che se Giorgione fosse stato ancora vivo sarebbe stato Michelangelo Antonioni. Così mi è scattata la scintilla che mi ha fatto scegliere d’iscrivermi alla scuola di cinema».

Il regista rivela che fin da adolescente guardava film in italiano, pur non capendo quasi nulla dei dialoghi. E alla curiosità sull’eventualità di un nuovo film da girare proprio in Italia, risponde: «Mi piacerebbe tantissimo. Ho un debole per Dino Buzzati».

Il film uscirà in sala il 3 giugno.

Si intitola Il cattivo poeta il film scritto e diretto da Gianluca Jodice, con Sergio Castellitto nei panni di Gabriele D’Annunzio, prodotto da Matteo Rovere e Andrea Paris, una coproduzione italo francese Ascent Film e Bathysphere con Rai Cinema, e in arrivo in sala il 20 maggio in 200 copie. Un’uscita importante considerato che molte sale sono ancora chiuse e che la normalità post pandemia è ancora lontana.

Gianluca Jodice ha scelto di fare un film al di fuori delle convenzioni del cinema italiano. È un progetto ambizioso e soprattutto la sua scelta è ricaduta su un soggetto, Gabriele D’Annunzio, che si studia a scuola ma che la storia ha messo da parte, nonostante sia una figura molto moderna.

Il cattivo poeta – il regista Gianluca Jodice

“Tentavo di inserirmi in un filone della tradizione italiana di prima – spiega Jodice – inoltre le opere prime tendono a giocare di rimessa e io non volevo farlo. Forse anche il fatto che ho esordito tardi mi ha dato modo di essere più sfacciato. Matteo (Rovere, ndr) mi chiese se volevo pensare a un biopic, e io scelsi D’Annunzio perché mi affascinava, mi ricordavo questo poeta recluso in questo castello di Dracula, per 15 anni, ovvero tutta l’ultima parte della sua vita, tra ossessioni e perversioni, donne e cocaina, quando aveva perso la sua vena artistica. Questo Nosferatu chiuso nel suo castello che ha subito una damnatio memoriae nella cultura del Novecento. Un personaggio scomodo, che ha vissuto mille vite, e che non era mai stato raccontato dal cinema. E Rovere è stato abbastanza pazzo da ascoltarmi, lui come tanti altri pazzi che hanno reso possibile questo film.”

Il cattivo poeta – il produttore Matteo Rovere

Il “pazzo” chiamato in causa, Matteo Rovere, che oltre a essere lui stesso regista e sceneggiatore, sempre più spesso ricopre il ruolo di produttore in progetti particolari e molto interessanti, ha replicato: “È un film ambizioso per il suo impianto, ma credo che si tratti di un tipo di cinema che è stato realizzato in Italia in passato, con grande orgoglio verso quelle che sono state le grandi figure della nostra cultura, raccontandoli anche all’estero. D’Annunzio ha attraversato la prima metà del Novecento, modificandolo, è stato una rockstar ante litteram. Poi però è stato asfaltato dal Ventennio Fascista. La sua personalità politica viene spesso collegata agli ideali fascisti, per il ruolo che aveva avuto prima dell’avvento del fascismo, e quindi è sempre stata vista con sospetto, ma in realtà, come abbiamo ricostruito nel film, non era affatto così. Anche in sceneggiatura, il lavoro fatto è stato filologico, di ricostruzione, attraverso lettere e testimonianze scritte. Abbiamo usato molte delle parole che lo stesso D’Annunzio ha pronunciato. Accanto allo scopo di intrattenere il pubblico, il risultato del film è anche quello di offrire un personaggio realistico, anche se relativo solo ad una fase specifica della sua vita, la vecchiaia.”

Ad interpretare il Vate è stato chiamato Sergio Castellitto, che Rovere ha ringraziato non solo per la sua partecipazione al film, ma anche perché con la stessa ha reso appetibile il progetto per i produttori esteri. Ma cosa ha fatto Castellitto per entrare nel ruolo di D’Annunzio? “Mi sono tagliato i capelli – risponde con grande semplicità e ironia l’attore – mi sono tagliato i capelli a zero, anche temendo che non mi ricrescessero, conferendo a questo gesto non solo l’artigianato dell’immedesimazione, ma anche un significato altro, un atto di generosità. Se si chiudono gli occhi e si visualizza D’Annunzio, si immagina un cranio, un cranio privo di capelli ma contenente un’immensità di fantasia, immaginazione, crudeltà. Tutto questo fotografato nell’ultimo anno della sua vita e nell’incontro con il controcampo della giovinezza. Incontra qualcuno che ha di fronte a sé più futuro che passato.”

I protagonisti Sergio Castellitto e Francesco Patané

Il film fotografa infatti D’Annunzio che entra in contatto con Giovanni Comini, federale di Brescia e iscritto al partito fascista. Un uomo molto giovane e innamorato della causa di Mussolini, convinto che potesse rappresentare il bene per quel Paese che tanto amava. Ad interpretarlo, Francesco Patané, interprete con una grande carriera teatrale e da poco approdato al cinema: “Per interpretare Comini mi sono documentato al contrario. Ho cercato di dimenticare tutto quello che sapevo su D’Annunzio, prima di arrivare sul set. Giovanni Comini arriva al Vittoriale senza conoscere D’Annunzio poeta o persona, sa solo delle sue imprese politiche. Ho cercato di eliminare tutte le mie nozioni sul poeta e poi ho fatto quello che succede a Comini: un giovane che va ad incontrare un personaggio famoso. È quello che mi è successo con Castellitto, ero timoroso e curioso e ho cercato di rubare da lui. Ho riproposto la mia esperienza.”

“Ho cercato di mettermi nei panni di un giovane che crede nella guerra che dovrebbe arrivare – continua Patané – Questo giovane crede a quelle promesse, crede a quel futuro e abbraccia questi ideali con passione. La fortuna che gli capita è quella di incontrare un personaggio come D’Annunzio che gli mostra come le cose che aveva abbracciato non era quello che immaginava davvero. La sfida come attore è stata proprio mostrare questa presa di coscienza e il cambio di rotta. La cosa più difficile da raccontare è stata la capacità di rimanere aperti ad ascoltare.”

Il Vittoriale, la casa-museo set del film

Il film è ambientato per buona parte nel Vittoriale, sul lago di Garda, dove la produzione ha potuto girare grazie al permesso della fondazione che gestisce la casa-museo di D’Annunzio.

Ha detto Castellitto, in merito: “Le case sono la geografia dell’anima di chi le abita, il Vittoriale è la geografia dell’anima di D’Annunzio, apparentemente deposito di antiquariato, ma in realtà un sito archeologico. Perché l’archeologia ci insegna qualcosa del futuro, l’antiquariato no. Ogni spazio di quel luogo è la raffigurazione della natura di D’Annunzio. Questo luogo è stato una placenta per lui e il film non sarebbe stato così bello se non fosse stato per questo luogo.”

Ma perché definire Gabriele D’Annunzio “cattivo”, nel titolo del film? “Il cattivo poeta è una definizione che si diede lui in una lettera – spiega Jodice – io sono un cattivo poeta, mi occupo di tendaggi, tappeti, quadri e cornici. È una sua definizione, ironica e intelligente, e mi sembrava un ottimo titolo, affettuoso, per raccontare di questo personaggio.”

Il cattivo poeta arriva in sala il 20 maggio, distribuito da 01 Distribution.

Si torna alle conferenze stampa “in presenza” al cinema Adriano di Roma, dove Federico Zampaglione presenta il suo quarto film da regista, Morrison, incentrato sul rapporto tra due musicisti: il giovane Lodo, Lorenzo Zurzolo, e Libero Ferri, Giovanni Calcagno, artista in declino dopo il grande successo. Oltre ai protagonisti e al regista, presenti le due attrici che arricchiscono il cast: Carlotta Antonelli e Giglia Marra. Con loro, Massimiliano Orfei di Vision Distribution e Ilaria Dello Iacono di Pegasus Produzioni. 

Morrison, dice Zampaglione, “è nato perchè voleva nascere, come succede con alcune canzoni, che arrivano nel momento in cui meno te lo aspetti”, raccontando una genesi partita dal suo romanzo – Dove tutto è a metà, scritto con Giacomo Gensini, edito da Mondadori – e dall’entusiasmo che ha suscitato nella Pegasus Produzioni, al punto da convincere il regista a farne un film. Ilaria Dello Iacono di Pegasus in proposito afferma: “Ci è piaciuto il rapporto tra Lodo e Libero. Da lì ci siamo innamorate del romanzo e abbiamo sviluppato il tutto […] Abbiamo creduto in quel rapporto”. Così si è arrivati a realizzare il film, prima e durante il lockdown, in un clima che Zampaglione descrive come “assurdo”. “Quest’atmosfera avrebbe dovuto rovinare tutto il film. L’ansia, l’agitazione, il senso di disorientamento, di non potere fare nessun tipo di programma. Però si è creato un clima, come se si fosse in guerra.[…] C’era voglia di reagire a quella situazione. Credo che partendo da una posizione di svantaggio […] il film si sia acceso di questa voglia di reagire, di non smettere di creare ed essere vivi.”

Morrison è ambientato nel mondo della musica, ma, il regista ci tiene a sottolineare, non è un film sul desiderio di successo: “Non mi piace affatto quando vedo dei film sulla musica e come coronamento di tutto c’è il successo. Per me questa è una grandissima cazzata. Io non ho mai fatto musica spinto dall’idea di fare successo, perché è qualcosa di molto effimero e non lo puoi prevedere in nessun modo. Ho cominciato perché mi piaceva suonare la chitarra, mi piaceva il blues. In questo film nessuno finisce coi titoloni di giornale. […] In realtà tutto resta com’è, ma quello che viene fuori è che non si vuole rinunciare a una passione. […] Non è un film incentrato su quello che devi avere dalla musica, ma su quello che puoi dare a te stesso e a chi hai vicino. […] Saper suonare uno strumento, saper scrivere, amare il momento in cui suoni è una cosa che appartiene a te. Il successo no. È una roba che gira nell’aria, una volta cade qui, una volta cade là. Se sei fortunato ce l’hai, ma non dev’essere quello [ che ti guida]. A me piace sperimentare. Non so che succederà, magari ho sbagliato, ma la vita mi ha portato a fare qualcosa di diverso”. 

Essendo il film ambientato nel mondo della musica, viene spontaneo chiedersi quanto ci sia di autobiografico in Morrison. Così risponde il regista: “L’obiettivo principale del film è raccontare aspetti legati alle persone. C’è questa atmosfera che gira intorno alla musica, con tutti i suoi colori, i suoi fumi, i suoi rischi e le sue grandi magie. Però le vicende sono di carattere più universale. Cose  che succedono a tutti: innamorarsi, cadere, rialzarsi, cercare confronti” Però ammette: “Io stesso sono stato Lodo nel furgone, col gruppo di amici e le cannette, con grandi aspettative e grandi sogni, che magari si infrangevano nella realtà. […] Però c’era la voglia di andare avanti, quella sana incoscienza di sognare cose strampalate. Poi gli anni sono passati, di musica ne ho fatta tanta […] Ho avuto momenti di grande successo, momenti di buio. Questo accade nella vita. […] Ovviamente, se sei  sotto i riflettori, il tuo momento no viene amplificato e reso pubblico, ma in realtà sono sentimenti che appartengono un po’ a tutti”. Fare questo film, prosegue, “Mi ha riportato indietro nel tempo. Ho avuto anche io i miei maestri: Lucio Dalla, Franco Califano, Pino Daniele, per la chitarra il grandissimo Roberto Ciotti. C’è un po’ di me anche dal punto di vista sentimentale. Anche io mi sono trovato a fare i conti con una ragazza che ti gestisce, poi magari te ne innamori, o anche cose che riguardano più la coppia adulta. Con Morrison, a differenza dell’horror, ho potuto raccontare cose della mia vita.” Misurarsi con un film non di genere, dice, significa: “Andare a 360 gradi. Devi cambiare registro molto più spesso. In questo senso è più difficile. Ciò che mi ha aiutato è che faceva riferimento a un immaginario che ho trattato molto spesso nelle canzoni. Passare da cose più leggerre a pensieri più profondi, al romanticismo. Tutto materiale emotivo che ho frequentato molto nella musica e a cui ho attinto. La considero più un’altra canzone dei Tiromancino che un’esperienza cinematografica come le altre”.

La conferenza stampa di Morrison di Federico Zampaglione

Da musicista, poi, Zampaglione ha voluto che i suoi protagonisti imparassero a suonare e scrivere canzoni. Lorenzo Zurzolo, ad esempio, non aveva esperienza in campo musicale, racconta il regista: Aveva proprio la faccia giusta, ma non sapeva suonare, finchè non gli ho regalato una chitarra e gli ho detto: suonala, perchè gli strumenti sono come le persone, soffrono. Magari chi non suona non lo sa, ma io li sento, e si lamentano quando non li suoni”. Per il cantato, poi, “l’idea più ovvia sarebbe stata fargli fare il playback sulla voce di un cantante, ma per me che sono un musicista, una cosa del genere è quanto di più posticcio si possa fare. Dovevo trovare il modo di farlo esprimere. Alla fine ha scritto questo pezzo – Sotto sotto, che canta lui stesso nel film ndr –  dove non serve una grande voce, l’importante è raccontare ciò che hai dentro”.

Esperienza che per Lorenzo Zurzolo è stata particolarmente stimolante: “E’ stata un’esperienza unica. Suonavo il pianoforte da bambino, quindi sapevo leggere la musica. Quando Federico mi regalò una chitarra ancora non c’era il covid. Poi, durante la quarantena ho cominciato da autodidatta a provare a strimpellare qualche accordo. Una sera ho scritto questa canzone in maniera molto spontanea. Nella mia testa era una cosa mia, non per il film. Quando glie l’ho fatta sentire, gli è piaciuta molto e abbiamo modificato alcuni concetti troppo personali per  renderla più adatta a Lodo. Mi sono appassionato moltissimo alla chitarra. […] Continuerò  a suonare, perchè mi piace molto”.

Giovanni Calcagno, dal canto suo, non solo ha cantato il cavallo di battaglia di Libero Ferri Di sale e di fuoco, ma si è cimentato perfino con un assolo di chitarra. Racconta Zampaglione: “In realtà l’ho fatto io, ma lui doveva suonarlo in maniera credibile. Non aveva mai suonato. Gli ho mandato dei video di Mark Knopfler, di Eric Clapton, e anche un video mio per mostrargli come eseguire il pezzo. Ma ero preoccupato”. Alla fine, tutto è andato per il meglio. 

Calcagno descrive così il lavoro sul suo personaggio e rivela a chi si è ispirato: “Il film parla del sapore bruciante del fallimento. Cosa significa toccare il fondo. […] Ci sono degli stracci di fallimento che mi interessano in certe figure, di decadimento soprattutto. Lì si misura veramente che tipo di rapporto c’è tra l’uomo e il successo. Sicuramente Franco Califano è stato uno di questi personaggi. È un personaggio secondo me gigantesco da questo punto di vista, che insegna moltissimo. Anche Johnny Hallyday, è un personaggio al quale esteticamente ho cercato di ispirarmi”. E sull’esperienza come musicista aggiunge: “Ho iniziato a suonare il pianoforte quattro mesi fa. Credo che la colpa sia di Federico.” 

I personaggi femminili di Morrison sono molto diversi tra loro.

Giglia Marra: “Luna è il personaggio più dolce della storia, molto innamorata di Ferri, in qualche modo cerca di spronarlo a suonare ma anche a uscire dal suo guscio. È un personaggio molto materno, pronto sempre ad aiutare gli altri”.

Carlotta Antonelli descrive invece così la sua Giulia: “E’ un po’ più partoicolare. Penso sia molto bello vedere anche personaggi che non per forza devono avere un ruolo positivo […]. Questa ragazza giovane che ha il sogno di fare l’attrice non si approfitta dei personaggi che ha intorno, però ha questo sano egoismo che le permette di smuovere tante cose intorno a lei. Mi è piaciuto che rimanesse un personaggio abbastanza incoerente fino alla fine”.

Infine, Massimiliano Orfei di Vision Distribution è ottimista sul futuro delle sale e si augura che questo sia davvero l’inizio della tanto invocata ripartenza: “Questa settimana ci aspettiamo di vedere il primo slancio vero della ripartenza perchè riapriranno i circuiti commerciali. Non sappiamo ancora in che dimensioni”. Per questo non c’è ancora un numero definito di copie. Quel che è certo però, prosegue Orfei, è che “con Morrison diamo al mercato una carta che giudichiamo commerciale. Vogliamo rendere il film quanto più largo possibile come distribuzione, non a caso abbiamo aspettato questo momento. […] Sarà sicuramente l’offerta per il pubblico dei multiplex e cerchiamo di trovare la connessione con il pubblico dei ragazzi.” 

Morrison di Federico Zampaglione è in sala dal 20 maggio, prodotto da Pegasus e distribuito da Vision Distribution.