È stato pubblicato un nuovo trailer
di A Knight of the Seven Kingdoms. Lo spin-off di
Game of Thrones, che debutterà su HBO nel
gennaio 2026, è basato sulle novelle Tales of Dunk & Egg di
George R.R. Martin. Peter Claffey interpreta Ser Duncan the Tall
(Dunk), mentre Dexter Sol Ansell interpreta il principe
Aegon Targaryen (Egg).
Ora, un nuovo trailer è stato
presentato al panel A Knight of the Seven
Kingdoms del New York Comic Con. Il trailer rivela come
Dunk ed Egg si incontrano a Westeros 100 anni prima di Game of
Thrones. Il trailer conferma anche la data di uscita della
serie, domenica 18 gennaio su HBO e HBO
Max. Guarda il trailer qui sotto:
Il trailer spiega che Dunk era un
tempo lo scudiero di Ser Arlan di Pennytree, assumendo il ruolo di
cavaliere dopo la sua morte. All’arrivo in una città, incontra
Aegon, che promette di diventare il suo scudiero se lui porterà il
ragazzo ad Ashford. Dunk accetta, anche se all’inizio tra loro c’è
un po’ di diffidenza e di battibecchi.
Tuttavia, il trailer mostra che il
loro viaggio sarà pieno di pericoli, tra cui la rivalità tra Duncan
e Baelor Targaryen. La serie promette non solo un legame commovente
tra cavaliere e scudiero, ma anche tanta azione, con Dunk che
affronta altri cavalieri. Il suo tono comico la distingue come uno
spin-off unico di Game of Thrones.
È interessante notare che il
trailer non chiarisce l’identità di Egg come Targaryen, rendendo
probabile che il suo vero nome sarà cruciale per lo svolgimento
della trama. Non è chiaro perché debba arrivare ad Ashford, e il
fatto che Baelor non abbia scene con lui nel trailer sembra anche
significativo per la storia.
La serie sarà anche la prima a non
presentare draghi nella sua trama. Mentre House of the Dragon – stagione 3
colmerà questo vuoto nell’estate del 2026, A Knight of the Seven
Kingdoms mostra deliberatamente uno spettacolo teatrale con un
pupazzo sputafuoco, segnalando come questi siano diventati solo
storie per molti in Westeros dopo la guerra.
Con una storia in sei episodi che
sarà più unica di qualsiasi altro spin-off di Game of
Thrones finora, A Knight of the Seven Kingdoms
offre un trailer promettente che colma una lacuna comica e
avventurosa nel franchise. Con la premiere della serie a pochi mesi
di distanza, non passerà molto tempo prima che venga esplorata la
grande avventura intrapresa da Dunk ed Egg.
Sebbene il
thriller del 2010 sia passato in gran parte inosservato, il
finale di The Next Three Days (qui la recensione) rimane
comunque memorabile. Diretto da Paul Haggis, è
questo un remake americano del film francese del 2008 Pour
Elle diretto da Fred Cavayé. Russell Crowe
ed Elizabeth Banks
interpretano i coniugi John e Lara Brennan, lui un professore
universitario dai modi gentili e lei una donna d’affari dal
carattere irascibile, la cui vita viene sconvolta quando Lara viene
condannata per l’omicidio del suo capo dopo una violenta lite e
condannata all’ergastolo.
Sebbene The Next Three
Days si concentri principalmente sui disperati tentativi
di John di liberarla dalla prigione, che alla fine lo portano a un
audace piano di evasione, rimane comunque il dubbio se Lara sia
effettivamente colpevole. Il finale di The Next Three
Days affronta dunque la questione dell’innocenza di Lara
che aleggia su tutto il film. Tuttavia, è discutibile se la
risposta data sia quella giusta per la storia o se abbia
contribuito alla tiepida accoglienza riservata al film al momento
della sua uscita.
Cosa succede nel finale di
The Next Three Days
La maggior parte del film si svolge
alcuni anni dopo la condanna di Lara. John è ancora convinto
dell’innocenza di sua moglie, mentre quasi tutti gli altri – la
polizia, il suo avvocato e persino la madre di John – pensano che
sia colpevole. Esauriti tutti i ricorsi, John consulta l’ex
detenuto ed esperto di fughe Damon Pennington
(Liam
Neeson) per elaborare un piano per farla evadere di
prigione. Man mano che il thriller procede, John si ritrova
coinvolto in ogni sorta di situazioni losche nel tentativo di
preparare l’evasione.
Russell Crowe e Ty Simpkins in The Next Three
Days. Foto di Phil Caruso
Questo include l’acquisto di una
pistola, il procurarsi passaporti falsi per fuggire dal paese e
persino l’uccisione di un paio di spacciatori per denaro. Alla
fine, riesce a far evadere Lara e la famiglia fugge insieme in
Venezuela per iniziare una nuova vita. Durante il finale di
The Next Three Days, un altro flashback rivela
esattamente cosa è successo la sera in cui il capo di Lara è stato
ucciso nel parcheggio del loro posto di lavoro. Un
tossicodipendente ha colpito il capo con un estintore e le ha
rubato la borsa, urtando Lara poco dopo e lasciando una macchia di
sangue sul suo cappotto.
Nel frattempo, un bottone è saltato
via dal cappotto del tossicodipendente ed è caduto in un tombino,
una prova che è sfuggita agli investigatori e che avrebbe potuto
dimostrare la presenza di un’altra persona quella notte. Mentre
Lara sta per salire in macchina, vede l’estintore e lo appoggia
vicino a un muro, senza notare il corpo del suo capo lì vicino. Il
flashback mostra che tutte le prove contro Lara, il sangue sul suo
cappotto, le sue impronte digitali sull’arma del delitto, erano
circostanziali e che lei è innocente.
Cosa significa l’innocenza di
Lara?
John, interpretato da Crowe,
è spinto dalla sua incrollabile convinzione che Lara non sia
colpevole dell’omicidio del suo capo, ma Haggis costella
The Next Three Days di momenti che mettono in
dubbio la sua innocenza. All’inizio del thriller, un flashback
mostra come Lara avrebbe potuto uccidere il suo capo e a un certo
punto lei stessa “confessa” a John di aver commesso l’omicidio. Di
conseguenza, quando John riesce a far evadere Lara dalla prigione e
a portare la sua famiglia fuori dal paese prima che vengano
catturati, il pubblico rimane con il dubbio se lui abbia
semplicemente aiutato un’assassina a fuggire. Le scene finali,
tuttavia, risolvono questo dubbio persistente.
È interessante notare che il dubbio
sull’innocenza di Lara, almeno fino al finale, è qualcosa che si
discosta dal film francese su cui è basato The Next Three
Days. Nel film originale, l’innocenza della moglie è
chiara fin dall’inizio, ma Haggis ha optato per l’ambiguità nel suo
remake, motivo per cui quelle scene finali che dimostrano
l’innocenza di Lara sono così importanti. Tuttavia, entrambe le
storie potrebbero aver perso un’occasione più interessante per il
film, poiché lasciare l’innocenza di Lara non confermata avrebbe
rafforzato l’idea che per John non avesse davvero importanza e che
avrebbe salvato sua moglie a tutti i costi.
Il vero significato del finale di
The Next Three Days
Il finale di The Next Three
Days avrebbe forse dovuto rimanere ambiguo agli occhi di
alcuni spettatori, anche se la prova dell’innocenza di Lara in
realtà sostiene il messaggio centrale del film. Ci sono molti
thriller polizieschi che giocano sull’incertezza riguardo alla
colpevolezza o meno di un personaggio. Questo rompe tale formula
proprio alla fine, perché il film non cerca di sollevare questioni
morali. I crimini di Lara sono uno strumento narrativo importante,
ma non sono l’aspetto più importante quando si tratta dei temi del
finale. Al contrario, i momenti finali rivelano che il film parla
di amore, devozione e fiducia.
Sebbene non sia il più tipico o
convenzionale, The Next Three Days è, nella sua
essenza, una storia d’amore piuttosto che un film poliziesco. La
maggior parte delle storie d’amore inizia con l’incontro di una
coppia e l’inizio di una relazione romantica, ma il film affronta
l’argomento da una prospettiva diversa. È un’analisi di due anime
gemelle dopo diversi anni di relazione. La fiducia di John in Lara
è incrollabile, anche quando lei non crede nella propria innocenza.
Lui sa, nel profondo, che Lara non potrebbe mai essere colpevole.
Il finale di The Next Three Days dimostra poi che
la sua fiducia incondizionata in lei non era mal riposta.
Il finale cerca dunque di
dimostrare che il vero amore può davvero conquistare tutto. Certo,
ci sono alcune lacune che possono essere sottolineate nella sua
esecuzione: il mondo esterno continua a credere che Lara sia
colpevole, la coppia ha comunque perso la vita idilliaca che
conduceva prima che lei fosse accusata e John stesso è ora un
criminale per averla fatta evadere di prigione e aver lasciato il
Paese. A parte questi dettagli tecnici, John e Lara concludono il
film avendo ciò che conta di più per loro, ovvero l’un l’altro, che
in definitiva è il messaggio fondamentale che il regista Paul
Haggis ha cercato di trasmettere con la storia.
Arma Letale del 1987 rappresenta uno dei punti più
alti della carriera di Richard Donner,
già noto per la regia di Superman e di I
Goonies. Con questo film, Donner esplora con sorprendente
efficacia il genere buddy cop, fondendo azione, suspense e momenti
di comicità, instaurando un equilibrio tra tensione narrativa e
dinamiche personali tra i protagonisti. La sua regia riesce a
rendere credibile il rapporto tra i due poliziotti protagonisti,
creando una miscela che diventerà un modello per numerosi film
d’azione successivi e contribuendo a ridefinire gli stereotipi del
cinema poliziesco
anni ’80.
Per Mel Gibson,
Arma Letale segna un momento cruciale nella sua
filmografia, consolidando la sua immagine di attore versatile
capace di passare con naturalezza dall’eroe d’azione al personaggio
più complesso ed emotivamente tormentato. Il ruolo di Martin Riggs,
poliziotto instabile e autodistruttivo, gli permette di esplorare
temi profondi come la perdita, la solitudine e la ricerca di
redenzione, creando un personaggio che sarebbe diventato iconico e
che influenzerà gran parte dei suoi successivi ruoli d’azione. La
chimica con Danny Glover, nei panni di Roger Murtaugh, è centrale
per il successo del film.
Arma
Letale non è soltanto un
film d’azione: affronta temi come il trauma, l’amicizia, la
famiglia e la giustizia, mettendo in scena la lotta contro
criminalità e corruzione nella Los Angeles degli anni ’80. Il film
ha dato vita a una
saga di enorme successo, con tre sequel ufficiali e un reboot
televisivo, creando un franchise capace di mantenere il giusto
equilibrio tra adrenalina e umanità dei personaggi. Nel resto
dell’articolo verrà proposta una spiegazione del finale del film e
del suo significato all’interno della storia di Riggs e
Murtaugh.
La trama di Arma
Letale
Protagonista del primo film è
Martin Riggs, membro della squadra narcotici della
polizia di Los Angeles, la cui vita viene irrimediabilmente segnata
dalla morte della moglie. Riggs si ritrova così in una spirale di
autolesionismo che lo porta a compiere una serie di azioni
pericolose per se e per gli altri suoi colleghi. Viene allora
trasferito dalla squadra narcotici alla squadra omicidi, dove si
ritrova assegnato come partner il Sergente Roger
Murtaugh. Questi, più anziano rispetto a Riggs, ha come
obiettivo quello di tenersi lontano dai guai, ma con il nuovo
collega sarà molto difficile.
In breve, i due si trovano
coinvolti in un caso. Roger, infatti, riceve una chiamata da un suo
vecchio amico ed ex compagno di armi, Michael
Hunsaker. Questi incarica i due poliziotti di indagare
sulla morte della figlia, dietro alla quale sembrano nascondersi
loschi segreti. Ricercando informazioni, i due si ritrovano ad
entrare nel torbido mondo della droga e della prostituzione, dove
sembra che anche la giovane morta fosse finita. Il caso diventa
sempre più complesso, e i due poliziotti capiranno che per poterlo
risolvere sarà necessario che uniscano le loro forze come anche le
loro competenze.
La spiegazione del finale del
film
Nel
terzo atto di Arma Letale,
la tensione raggiunge il culmine con la minaccia diretta di Shadow
Company, l’organizzazione criminale formata da ex agenti della CIA.
Dopo che Murtaugh e Riggs sono stati catturati e portati nel
seminterrato di un nightclub a Hollywood, vengono sottoposti a
torture fisiche e psicologiche mentre la vita della figlia di
Murtaugh, Rianne, è in pericolo. Riggs riesce a liberarsi,
eliminando numerosi membri della compagnia, e salva Murtaugh e la
figlia. La sequenza è caratterizzata da scontri intensi,
inseguimenti e tattiche da veterano, mostrando pienamente le
abilità militari e investigative dei due protagonisti.
La
risoluzione del racconto vede Riggs e Murtaugh affrontare Joshua,
il braccio destro del generale McAllister, in un confronto finale.
Dopo una violenta colluttazione, Riggs ha la possibilità di
ucciderlo ma decide di risparmiarlo, rispettando un codice morale
che contrasta con la sua tendenza autodistruttiva iniziale.
Tuttavia, Joshua tenta ancora un’ultima aggressione e viene ucciso
dalla coppia. La vittoria non è solo fisica, ma simbolica: Riggs
supera il proprio dolore e la propria ossessione per la morte,
mentre Murtaugh protegge la sua famiglia, chiudendo così il
conflitto centrale e garantendo la sicurezza di tutti i personaggi
principali.
Dal punto di vista tematico, il finale porta a compimento i motivi
centrali del film, come l’amicizia e la lealtà tra i protagonisti.
La dinamica tra Riggs e Murtaugh si evolve da diffidenza e
conflitto iniziale a fiducia reciproca e complementarità operativa.
Riggs, inizialmente suicida e instabile, trova un equilibrio grazie
al sostegno del collega e alla necessità di proteggere gli altri,
mentre Murtaugh comprende il valore della dedizione e del coraggio
del partner. Il film sottolinea come la collaborazione e il
rispetto reciproco siano fondamentali per affrontare il male, sia
nelle forme personali sia in quelle organizzative.
Il finale consente anche di chiudere il percorso emotivo di Riggs,
mostrando la sua riconciliazione con la vita. La scena in cui
condivide il pranzo di Natale con Murtaugh e la sua famiglia e
consegna al collega il proiettile che aveva destinato al suicidio
simboleggia la sua rinascita psicologica. Riggs sceglie di vivere,
abbracciando relazioni umane e responsabilità invece
dell’autodistruzione. La chiusura emotiva rafforza il tema della
redenzione personale e della possibilità di trovare un senso e un
legame nella vita anche dopo traumi profondi, suggerendo un
equilibrio tra azione, morale e crescita interiore.
Il messaggio che
Arma Letale lascia allo spettatore è quindi
duplice: da un lato celebra la forza dell’amicizia e della lealtà
come strumenti per superare il male e le difficoltà, dall’altro
esplora il percorso di redenzione individuale di chi ha vissuto
dolore e perdita. Riggs incarna la possibilità di trasformare il
trauma in protezione e responsabilità verso gli altri, mentre
Murtaugh rappresenta la stabilità e la famiglia come valori
centrali. Insieme, mostrano che la giustizia non si misura solo
attraverso la violenza, ma anche attraverso la compassione, il
sacrificio e la scelta di vivere pienamente nonostante il
dolore.
Diretto da Jaume
Collet-Serra da una sceneggiatura di Adam
Sztykiel, Rory Haines e Sohrab
Noshirvani, il film Black
Adam (qui
la recensione) segue il personaggio titolare – risvegliatosi
dopo 5.000 anni – nel suo viaggio per sconfiggere il cattivo
Sabbac. Dopo un lungo periodo di sviluppo,
Dwayne Johnson indossa finalmente il costume
dell’antieroe per fare il suo debutto nel DCEU. In questo articolo,
approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative ad
esso. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile
ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama,
al cast di attori e alla spiegazione del
finale e delle sue scene post-credits. Infine, si
elencheranno anche le principali piattaforme
streaming contenenti il film nel proprio catalogo.
La trama e il cast di
Black Adam
Black
Adam, il cui vero nome è Teth-Adam o Theo Adam, è un
uomo dell’Antico Egitto ridotto in schiavitù e in seguito ucciso,
che grazie al potere del mago Shazam ritorna in vita. Adesso a
Black Adam, questo il nome del supereroe, sono stati conferiti
grandi poteri, come forza, agilità e la capacità di volare, ma
nonostante queste doti, il suo cuore non è puro. Dopo essere stato
a lungo imprigionato, Black Adam viene liberato e dovrà
confrontarsi con i supereroi in vita per capire che, non solo un
grande potere, ma anche nobili azioni e sacrificio fanno di un uomo
un eroe.
Ad interpretare Black Adam, come
anticipato, vi è l’attore
Dwayne Johnson, il quale era interessato a
interpretare tale personaggio fin dal 2007, quando gli fu proposto
per la prima volta dai fan. Aldis Hodge
interpreta, Carter Hall alias Hawkman, mentre Noah
Centineo è Albert “Al” Rothstein alias Atom Smasher.
Completano il cast Sarah Shahi nel ruolo di
Adrianna Tomaz, Marwan Kenzari in quello del
villain Ishmael Gregor alias Sabbac e Quintessa
Swindell in quello di Maxine Hunkell alias Cyclone.
Infine,
Pierce Brosnaninterpreta Kent Nelson alias
Dottor Fate.
La spiegazione del finale e delle
scene post-credits
Per tutta la durata di Black
Adam, il Dottor Fate continua ad avere visioni della
morte di Hawkman. Il pensiero che il suo vecchio amico possa morire
lo addolora e Kent è ancora più scosso sapendo che Carter Hall non
ha paura della morte. Il Dottor Fate si rende conto che un modo per
salvare il suo amico dall’affrontare il suo destino è quello di
combattere Sabbac da solo per un po’ prima di chiedere l’assistenza
di Black Adam. Tuttavia, impedire la morte di Hawkman non è l’unica
ragione per cui il Dottor Fate si sacrifica. A questo punto della
sua vita, Kent ha vissuto a lungo con l’Elmo del Fato e ha visto
numerosi futuri, versioni di eventi che si fondevano nel loro
caos.
Il Dottor Fate è legato a questi
poteri, ma ha fatto abbastanza esperienza per rendersi conto di
aver visto abbastanza. In un certo senso, i poteri di Kent erano
una maledizione e lui ne era stanco dopo tanti anni di visione del
futuro, la costante raffica di immagini che gli offuscava la mente
in modo da non conoscere mai il silenzio o la pace. Il Dottor Fate
voleva finalmente non vedere nulla. È possibile che abbia preso la
sua decisione solo dopo aver assistito alla morte di Hawkman, che
probabilmente non poteva sopportare di vedere, e che quindi abbia
deciso il suo stesso destino.
Dopo la morte del Dottor Fate,
Black Adam è allora l’unico in grado di sconfiggere Sabbac, che
voleva portare l’inferno sulla Terra. Dopo averlo fatto a pezzi, Black
Adam si siede sul trono del cattivo e Adrianna suggerisce
all’antieroe di governare Kahndaq se lo desidera. Egli ha però
altre idee, distruggendo completamente il trono. Black Adam aveva
infatti visto cosa può fare a una persona il potere totalizzante. È
possibile che non si fidasse abbastanza di sé stesso per occupare
una posizione del genere. Non ci si può fidare di chi detiene
troppo potere sugli altri e, per molti versi, distruggere il trono
è stato il culmine di tutto ciò che Black Adam ha imparato nel
corso del film.
Chi ha iniettato i nanobot a Cyclone?
In Black Adam,
Cyclone rivela ad Atom Smasher come è stata rapita e costretta a
farsi iniettare i nanobot, la fonte dei suoi poteri. Tuttavia, il
membro della Justice Society non rivela il nome della persona che
le ha fatto questo. La storia di Cyclone è simile a quella della
sua controparte nei fumetti, che è stata rapita all’età di sei anni
dallo scienziato T.O. Morrow, un supercattivo che ha creato il
secondo Red Tornado, un androide con un potere immenso. Un altro
collegamento tra T.O. Morrow e Black Adam è che alla fine viene
reclutato dall’Intergang per costruire loro delle armi. È possibile
che T.O. Morrow non sia stato menzionato in Black
Adam perché la storia completa di Cyclone avrebbe dovuto
essere riservata per un film successivo.
Le scene post-credits di Black Adam
La presenza di Amanda Waller
in Black
Adam crea una certa confusione se si considera come si
è concluso il suo arco narrativo in Peacemaker, con la figlia e il resto della squadra
della Task Force X che hanno scoperto il suo coinvolgimento nel
Progetto Butterfly e l’etica discutibile dietro le operazioni della
Waller. Inoltre, il lavoro della Waller con la Task Force X ha
tipicamente attirato le ire dei supereroi del DCEU, che non hanno
lavorato con lei in passato e probabilmente non sono d’accordo con
i suoi metodi. In Black
Adam, Hawkman è convinto che esistano solo eroi e
cattivi, non ci sono vie di mezzo.
Considerando che la Waller vive in
un’area moralmente grigia che tende al cattivo, ci si chiede perché
Hawkman e il resto della Justice Society collaborino con il leader
della Task Force X. È possibile che la Waller si sia resa conto che
nessuno della Suicide Squad era abbastanza potente da
affrontare Black Adam. Potrebbe anche essere che Hawkman consideri
la collaborazione con la Waller come un male minore. Dal momento
che Black Adam non è un eroe per Hawkman, deve essere un cattivo,
il che significa che deve essere eliminato prima che faccia del
male a qualcun altro, almeno agli occhi della Justice Society.
Nella scena post-credits di
Black
Adam, dunque, Superman appare dopo che Amanda
Waller ha minacciato l’antieroe, affermando che chiamerà qualcuno
che non sia della Terra per gestire i suoi immensi poteri. Quel
qualcuno si rivela essere nientemeno che l’amato kryptoniano, che
dice a Black Adam che è passato un po’ di tempo da quando qualcuno
“ha reso il mondo così nervoso”. La comparsa di Henry Cavill nel ruolo di Superman serviva ad
anticipare un sequel dove si sarebbe svolto uno scontro tra i
due.
Black Adam 2, il
film si farà?
Date queste scene post-credits, il
piano era dunque quello di realizzare un sequel di Black
Adam, ma
lo scarso riscontro di pubblico e critica contro cui il film ha
sbattuto hanno da subito reso incerto tale nuovo progetto.
Inizialmente in bilico per un po’, l’idea per un sequel è stata
definitivamente abbandonata quando si è deciso di staccare la spina
al DCEU per dar vita ad un reboot totale con il DC
Universe di James
Gunn e Peter Safran. I due, come
noto, stanno ora procedendo con nuovi progetti, come il film
Superman
uscito a luglio 2025, e al momento un ritorno del Black Adam di
Dwayne Johnson
non è nei piani.
Il trailer di Black
Adam e dove vedere il film in streaming
È possibile fruire di Black
Adam grazie alla sua presenza su alcune delle più
popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è
infatti disponibile nei cataloghi di Apple
TV, Prime Video e Netflix. Per vederlo, una volta scelta la
piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o
sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di
guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video.
Immagina che il male assoluto esista
come un’entità fisica e che possa essere trasferito da un corpo
all’altro come un virus mortale, diffondendo distruzione ovunque.
Questo è il punto di partenza di When Evil
Lurks, horror argentino diretto da Demián Rugna
(qui
la nostra recensione), in cui due fratelli devono
affrontare una maledizione che colpisce il loro villaggio
rurale. Dopo che un vicino sembra essere stato contaminato
da un male “puro”, la loro vita precipita in un incubo di morte e
possessione. Sebbene la trama non sia particolarmente innovativa o
complessa, il film compensa con scene visivamente
disturbanti e cariche di orrore fisico fino al finale.
Di cosa parla When Evil
Lurks
Ambientato in un villaggio rurale
dell’Argentina, il film si apre con cinque colpi di
pistola uditi in lontananza. I fratelli Pedro e
Jaime si preoccupano che provengano dalle loro terre, ma
scoprono presto che i colpi sono venuti dal bosco vicino. Il giorno
dopo, investigando, trovano il cadavere di un uomo tagliato
a metà e degli strani strumenti metallici. Seguendo degli
indizi, raggiungono la casa di Maria Elena, che
rivela che suo figlio Uriel è diventato “marcio”,
cioè posseduto dal male, e che aveva chiamato un “pulitore” (una
sorta di esorcista) per ucciderlo. Tuttavia, il pulitore è stato
brutalmente assassinato prima di poter agire.
Pedro e Jaime, insieme al vicino
Ruiz, decidono di portare via Uriel per
allontanarlo dal villaggio. Caricano il corpo sul camion, ma
durante il viaggio l’uomo posseduto cade dal mezzo. I tre decidono
di non parlarne a nessuno, ma poco dopo il male inizia a
diffondersi: una capra di Ruiz viene posseduta, e
uccidendola con un’arma da fuoco, l’uomo e sua moglie vengono
anch’essi contaminati, dando inizio a una catena di morti
orribili.
When Evil Lurks recensione
Il film è un horror
psicologico?
All’inizio, When Evil Lurks
sembra suggerire un horror psicologico, con la
possibilità che la possessione sia solo un sintomo di malattia
mentale. Uriel appare gonfio, immobile, coperto di liquidi
corporei, ma le autorità ignorano il problema, considerandolo un
caso medico. Le sue parole deliranti contro Ruiz potrebbero
sembrare frutto di follia.
Tuttavia, man mano che la storia
procede, diventa chiaro che il male è reale e
tangibile. Il momento di svolta arriva quando Ruiz uccide
la capra: l’uso della pistola permette al male di entrare in lui,
poiché la polvere da sparo funge da conduttore del
demone. Da qui in poi, il film abbandona ogni ambiguità
psicologica. Anche se Jaime in seguito dubita di ciò che vede e
pensa che Pedro stia impazzendo, la realtà della possessione
diventa innegabile, culminando in un’epidemia di violenza e follia
che travolge l’intera comunità.
Come Pedro diffonde
involontariamente il male
Una delle regole per sfuggire al
male è non portare con sé alcun oggetto
contaminato. Pedro e Jaime rispettano la regola, ma
ignorano che il male ha già infettato i loro vestiti. Pedro va a
casa della sua ex moglie Sabrina per salvarla
insieme ai figli, ma il suo arrivo causa una tragedia.
Quando si spoglia per bruciare i
propri vestiti, il cane di famiglia li annusa e viene
posseduto, aggredendo la figlia di Sabrina. Il marito
della donna spara all’animale, ma questo gesto gli trasferisce il
male: l’uomo impazzisce, uccide Sabrina e la figlia con
l’auto, e poi si suicida. Pedro, sconvolto, fugge con i
suoi due figli, Santi e Jair, per unirsi a Jaime e
alla loro madre.
Durante il viaggio, il passato di
Pedro viene rivelato: Jair è autistico, e Pedro
aveva cercato di ucciderlo da bambino, convinto che la sua
condizione fosse una maledizione. Il matrimonio con Sabrina era
finito dopo quell’episodio, e si insinua che lei avesse avuto una
relazione con Jaime. Quando Pedro riceve una chiamata dalla voce
posseduta di Sabrina, che promette di “riprendersi i figli”,
l’incubo peggiora ulteriormente.
Chi è Mirta e cosa rivela
sulla situazione
Jaime ricorda
Mirta, una donna anziana che in passato aveva
affrontato una situazione simile. I fratelli si recano da lei,
sperando in aiuto. Mirta, un tempo compagna di Jaime, racconta che
molti anni prima lei e il marito gestivano una chiesa, ma la
trattavano come un’attività commerciale. Quando il primo “marcio”
comparve a Buenos Aires, non presero sul serio la possessione —
finché il male si diffuse in tutta la città come
punizione divina.
I monaci avevano insegnato loro un
rituale per contenere l’entità: uccidere il corpo posseduto
prima che generi un figlio demoniaco, utilizzando
strumenti specifici — gli stessi trovati da Pedro e Jaime
all’inizio del film. Mirta afferma che devono ritrovare il corpo di
Uriel e completare il rituale.
Ma il male li raggiunge:
Sabrina, ormai posseduta, appare e rapisce Santi,
uccidendolo e divorandolo. Mirta intuisce che anche Jair è
contaminato, ma il suo cervello autistico blocca temporaneamente
l’influenza demoniaca. Poco dopo, Jair inizia però a parlare e
camminare, segno che la possessione sta vincendo.
Il destino di Pedro, Jaime
e della loro famiglia
Pedro e Mirta tornano al villaggio
per cercare il corpo di Uriel, che Mirta crede si
trovi in una scuola, luogo dove il male è attratto dai bambini. Lo
trovano lì, ancora vivo e in decomposizione. Mirta tenta il rituale
per distruggerlo, ma Uriel parla a Pedro, manipolandolo
psicologicamente. Pedro, ingannato, lascia Mirta sola, permettendo
al male di attaccarla.
Poiché il rituale non viene
completato, Uriel dà alla luce un bambino,
incarnazione del male puro. Pedro ritorna a casa distrutto e scopre
che Jair ha ucciso e divorato la nonna: trova infatti
ciocche di capelli e un crocifisso nella bocca del
bambino.
Intanto Jaime scopre un’altra
verità: il fratello minore di Uriel, rifugiato in
casa loro, confessa di aver ucciso il primo esorcista, spinto da
una voce interiore. È stato lui a smembrare il corpo e darlo da
mangiare ai maiali, e poi ha divorato lui stesso la
carne, diventando un tramite del male.
Sebbene si dica che non temere il
male possa salvarsi dalla possessione, Pedro e Jaime non
riescono a evitare la distruzione. Tutti intorno a loro
sono morti o posseduti, e il film si conclude con i due
fratelli in lacrime, impotenti davanti alla vittoria del
male assoluto.
Aquaman
e il Regno Perduto vanta alcuni dei luoghi
più belli mai apparsi nella storia del cinema, girato in location
reali in tutto il mondo. Il film rappresenta l’ultimo
capitolo del DCEU (DC
Extended Universe), concludendo la saga
cinematografica della DC in modo esplosivo e visivamente
straordinario.
Uscito nel 2023, Aquaman
e il Regno Perduto è il sequel di
Aquaman (2018), entrambi diretti dal visionario
James Wan, che ha scelto una gamma di
ambientazioni spettacolari per le riprese.
Il film vede Jason Momoa nel ruolo di Aquaman (Arthur
Curry), Patrick Wilson come suo fratellastro
Orm, Amber Heard come la moglie Mera e
Yahya Abdul-Mateen II nei panni del malvagio Black
Manta. Se il primo film era incentrato sulla storia d’amore tra
Aquaman e Mera, il sequel esplora la vita successiva del
protagonista e il suo regno su Atlantide, costringendolo a riunirsi
con Orm.
Anche se non è previsto un
nuovo film di Aquaman nel futuro immediato del DCU,
Il Regno
Perduto offre un capitolo finale
visivamente mozzafiato per la saga del DCEU.
Warner Bros. Studios, Leavesden, Regno
Unito
La maggior parte delle scene
subacquee e dei set principali
La gran parte di Aquaman
e il Regno Perduto è stata girata ai
Warner Bros. Studios di Leavesden, a Watford, nel
Regno Unito. Grazie ai suoi vasti studi, palcoscenici e vasche
d’acqua, il complesso è stato il luogo ideale per le
riprese subacquee e le scenografie spettacolari.
Le sequenze ambientate ad
Atlantide e la maggioranza delle scene subacquee
sono state girate qui, con una combinazione di green
screen e complessi set fisici. In particolare, il
sottomarino e la base di Black Manta sono set di
grande impatto costruiti all’interno degli studi.
Secondo quanto dichiarato da James
Wan su Instagram, il 95% del film è stato girato nel Regno
Unito, la maggior parte proprio a Leavesden — lo stesso
studio dove anni prima era stato girato Justice League.
Sebbene il primo Aquaman
fosse stato realizzato negli Village Roadshow
Studios sulla Gold Coast australiana, il sequel ha
mantenuto gran parte del team originale, riunendo molti membri
della produzione. Lo studio di Leavesden è celebre anche per aver
ospitato la saga cinematografica di Harry
Potter.
Saunton Sands, Devon,
Regno Unito
La battaglia sulla spiaggia tra
Aquaman, Orm e i Deserters
La spettacolare scena
d’azione sulla spiaggia, che segue la fuga di Aquaman e
Orm dalla prigione nel deserto, è stata girata a Saunton
Sands, sulla costa rurale del Devon.
La spiaggia sabbiosa e suggestiva ha
fornito l’ambiente perfetto per lo scontro tra i fratelli e
i Deserters, sfruttando la bellezza naturale del Regno
Unito. Qui, le onde del mare restituiscono a Orm la sua forza
vitale, riportandolo al suo antico splendore.
Le dune
dorate di Saunton Sands hanno offerto uno sfondo ideale
per la sequenza, fungendo da doppione del deserto del
Sahara, mentre i due fuggitivi tentano di scappare dai
loro inseguitori.
Malibu,
California
La scena sulla spiaggia di
Devil’s Deep
Quando Aquaman e Orm approdano per
la prima volta a Devil’s Deep, crollano esausti
sulla sabbia. Questa breve ma importante scena è stata girata a
Malibu, in California. Il regista James
Wan ha condiviso su Instagram una foto dal set, nella
quale posa insieme a Momoa e Wilson nei costumi di scena,
scherzando accanto a una doccia improvvisata.
Wan ha spiegato che questa è
stata l’ultima scena girata per Aquaman
e il Regno Perduto, ringraziando le squadre di
produzione del Regno Unito, delle Hawaii e di Los Angeles. Si
tratta dunque dell’ultimo giorno di riprese prima dei
reshoot, che si sono poi svolti in Nuova Zelanda.
Hawaii, Stati
Uniti
La giungla di Devil’s
Deep
La terra natale di Jason
Momoa, le Hawaii, ha fornito il perfetto
scenario tropicale per le scene ambientate nella giungla di Devil’s
Deep. Le isole lussureggianti sono state
utilizzate per mostrare Aquaman e Orm mentre attraversano
un paradiso verdeggiante e misterioso, ricco di
fiori esotici e di insetti giganti corrotti dall’Oricalco.
È possibile che alcune scene
sulla spiaggia del film siano state girate anch’esse alle
Hawaii, come quella in cui Aquaman, Mera, Orm, Atlanna e Nereus
(interpretato da Dolph Lundgren) discutono del Regno Perduto su una
roccia vulcanica — anche se ciò non è stato confermato
ufficialmente.
Jersey City, New
Jersey
Atlantide si rivela al
mondo
Nel finale epico
del film, Aquaman e gli Atlantidei decidono di rivelare la
loro esistenza al mondo di superficie, prendendo il loro
posto tra gli affari umani. Le scene sono state girate nella
baia di Jersey City, che fa da sfondo al primo
contatto tra Atlantide e il mondo esterno: le acque si aprono
mentre Aquaman e i suoi alleati emergono a bordo delle loro
navi.
È qui che Aquaman pronuncia il suo
discorso al mondo, annunciando ufficialmente
l’esistenza del popolo di Atlantide.
Centro di Londra, Regno
Unito
Aquaman si rivolge al
mondo
L’iconica Piccadilly
Circus di Londra appare nell’ultima scena del film.
Durante il discorso di Aquaman, il suo messaggio di pace e unità
viene trasmesso in tutto il mondo, mostrato sui
maxi-schermi della celebre piazza londinese.
La scena, girata in location
reale nel centro di Londra, include anche un’inquadratura
della metropolitana (London Underground), conferendo al momento
un’atmosfera tipicamente britannica. Altre città
mostrate nel montaggio finale derivano da filmati di repertorio del
primo Aquaman, poiché Italia e Asia non figurano
tra le location effettive del sequel.
LA Castle Studios, Burbank,
California
Riprese aggiuntive in
studio
Alcune riprese
aggiuntive di Aquaman
e il Regno Perduto sono state effettuate ai
LA Castle Studios di Burbank, California.
Poiché la maggior parte del film è
stata girata nel Regno Unito, queste scene consistono probabilmente
in brevi reshoot o riprese di raccordo, girate in
un secondo momento senza il cast principale. Si tratta comunque di
una parte molto marginale della pellicola.
Nuova Zelanda
Riprese supplementari
Infine, Aquaman
e il Regno Perduto ha realizzato
ulteriori riprese in Nuova Zelanda. Non è chiaro
quali scene siano state girate qui, ma James Wan ha dichiarato in
un’intervista a Empire Magazine che si è trattato di
sette-otto giorni di lavoro, un tempo ridotto per
un film di questa portata.
Wan ha spiegato che la durata
complessiva è stata prolungata solo per problemi di agenda
del cast, smentendo le voci secondo cui il film avrebbe
richiesto ampi reshoot. Le splendide ambientazioni naturali
della Nuova Zelanda potrebbero aver fatto da sfondo ad
alcune sequenze di spiaggia o della giungla di Devil’s Deep,
contribuendo alla straordinaria bellezza visiva
del film.
Breve storia
d’amore è una produzione Indigo Film, HT
Film con Rai Cinema,
è prodotto da Nicola Giuliano, Viola Prestieri,
Francesca Cima, Carlotta
Calori. Il film è stato realizzato
con il contributo del Fondo per lo Sviluppo degli Investimenti per
il Cinema e l’Audiovisivo del Ministero della Cultura.
Breve storia d’amore uscirà nelle sale il
27 novembre distribuito da 01
Distribution.
Il poster di Breve storia d’amore
Il film è scritto e diretto da
Ludovica Rampoldi, la fotografia è di Gogò
Bianchi, il montaggio di Francesca
Calvelli, la musica di Fabio Massimo
Capogrosso, la scenografia di Massimiliano
Nocente, i costumi sono di Stefano
Ciammitti, il suono di Gianluca Scarlata,
il casting di Gabriella Giannattasio.
La trama di Breve storia
d’amore
Questa è la storia di due coppie. I
trentenni Lea e Andrea, e i cinquantenni Rocco e Cecilia. Quattro
personaggi i cui destini collidono la sera in cui Lea conosce Rocco
in un bar e inizia con lui una relazione clandestina, consumata in
una stanza d’albergo. Un tradimento come tanti, in apparenza, che
prende una piega imprevista quando Lea comincia a infilarsi nella
vita di Rocco, fino a coinvolgere i rispettivi compagni in una resa
dei conti finale.
Monster, La storia di Ed Gein offre uno sguardo avvincente
su uno dei serial killer più famosi di tutti i tempi, ma la storia
di Gein ha anche ispirato diversi personaggi di fantasia
indimenticabili. Monster, la fortunata serie antologica
horror biografica creata da Ryan
Murphy, autore di American Horror Story, e Ian
Brennan, creatore di Scream Queens, torna con la terza
stagione.
La
storia di Ed Gein sconvolse la nazione dopo la sua cattura nel
1957. Tuttavia, in modo macabro, ha anche ispirato e influenzato
molte altre storie. Sebbene la maggior parte delle rivisitazioni
dei crimini di Gein siano state in gran parte reimmaginate, tutte
recano il segno degli orrori originali da lui inflitti.
Molti dei
crimini di Ed Gein rimangono ancora in gran parte avvolti nel
mistero, con l’assassino che alla fine è stato condannato solo per
due omicidi e per aver manomesso almeno nove cadaveri di vittime
recentemente decedute. Gein era affascinato dai cadaveri e li
utilizzava in modi inimmaginabili, ad esempio trasformandoli in
mobili e vestiti.
I crimini di Gein sono
assolutamente scioccanti e strazianti, il che li rende una fonte di
ispirazione irresistibile per l’horror, poiché queste storie
cercano di rompere i confini e presentare qualcosa di assolutamente
disumano. Le azioni di Gein hanno fatto proprio questo e alla fine
lo hanno reso uno dei mostri più famigerati e malvagi che siano mai
esistiti.
Norman Bates
Non molto tempo dopo che Gein fu
catturato e la sua storia affascinò e sconvolse il mondo, Alfred
Hitchcock sviluppò un fascino per l’idea che gli esseri umani
fossero i veri mostri. Allontanandosi dai classici racconti horror
con creature soprannaturali, Hitchcock pubblicò Psycho nel 1960 per sviluppare l’idea di un mostro
umano.
Hitchcock modificò drasticamente la
narrazione di Ed Gein per creare Norman Bates, una versione molto
più affabile e intelligente di Gein. Tuttavia, mantenne
l’ossessione per la madre dell’assassino, che funge anche da alter
ego omicida.
Questa storia e l’interazione tra i
crimini di Gein e il modo in cui hanno sconvolto il mondo sono
presentati anche in Monster: The Ed Gein Story, con Tom
Hollander che interpreta il ruolo dell’iconico regista Alfred
Hitchcock e presenta un lato diverso della reazione agli orrori
ispirati da Gein.
Psycho era basato su un
libro che prendeva ispirazione da Gein e forniva un contesto più
completo per i suoi crimini confusi. Norman Bates era un uomo
profondamente disturbato e questa storia, adattata per il grande
schermo, ha cambiato il panorama dell’horror nel cinema. È in
gran parte responsabile di aver consolidato la reputazione di
Hitchcock come “Maestro della suspense” fino ad oggi.
Leatherface
Successivamente, la storia di Gein
è stata adattata in modo molto libero con The Texas Chainsaw
Massacre. Il primo film con questo titolo è uscito nel 1974.
Sebbene il film, diretto e scritto da Tobe Hooper, fosse in parte
ispirato ai crimini di Gein e includesse una maschera di pelle
umana e attacchi con motosega, era in gran parte fittizio.
Tuttavia, Non aprite quella porta ha a sua volta ispirato diversi
sequel, spin-off e nuove storie. Con un franchise più ampio che ha
mitizzato la storia al punto da renderla distintamente indipendente
da Gein, ha sviluppato una propria iconografia.
Oggi, l’immagine di una figura
mostruosa e massiccia che corre attraverso campi vuoti con una
motosega è distintiva ed è riuscita a ispirare una scena in
Monster: The Ed Gein Story, che sembra essere in gran parte
radicata nella speculazione piuttosto che nei fatti.
E, analogamente a Psycho,
Non aprite quella porta ha ridefinito l’horror nel cinema.
Il genere slasher si è evoluto con questo film, e questa evoluzione
è avvenuta in gran parte indipendentemente dai crimini di Ed Gein.
Tuttavia, è importante riconoscere l’influenza di Gein sulla natura
brutale e malvagia di Leatherface.
Buffalo Bill
Un altro esempio di una versione
molto più romanzata di Ed Gein si trova in Il silenzio degli
innocenti, nella figura dell’antagonista principale, Buffalo
Bill. Bill è un mostruoso assassino che prende di mira le donne e
scuoia le sue vittime.
Tuttavia, Bill è anche una fusione
di tre serial killer piuttosto che una copia diretta di Ed Gein. Da
Gein sviluppa un’ossessione per la pelle e la usa per creare nuovi
oggetti. Da Ted Bundy ha sviluppato un metodo per uccidere fingendo
di essere ferito, e da Gary M. Heidnik ha acquisito altri tratti
terrificanti.
Sebbene Buffalo Bill sia
complessivamente più carismatico di quanto sembri essere stato
Gein, alcuni dei suoi comportamenti più crudeli e insoliti sono
direttamente ispirati a Gein. Lo scuoiamento e la creazione di
mobili utilizzando i corpi delle sue vittime è direttamente
ispirato alle azioni inquietanti di Gein.
Oliver Thredson
Un altro progetto di Ryan Murphy,
American Horror Story, includeva anche un personaggio
parzialmente ispirato agli orribili crimini di Ed Gein.
Interpretato da Zachary Quinto durante la seconda stagione
della serie, il dottor Oliver Thredson è un killer molto
intelligente.
Copre bene le sue tracce e
approfitta dei pazienti di cui si prende cura. Tuttavia, il legame
più forte che ha con Gein è la sua tendenza a indossare una
maschera facciale realizzata con la pelle delle sue vittime, che
gli è valsa il soprannome di “Bloody Face” (Faccia
insanguinata).
Thredson è in gran parte scollegato
da Gein, ma l’atto atroce di indossare il volto della vittima è
direttamente ispirato da lui. Per quanto terribile, Gein ha
avuto un’influenza irreversibile sul genere nel suo complesso e
le sue azioni hanno aperto la strada a un nuovo livello di
creatività nell’horror che persiste nelle produzioni moderne.
Garland Greene
Con Air ha visto Nicolas Cage interpretare il ruolo di un
pilota di un aereo che trasportava diversi criminali importanti.
Tra i passeggeri letali, ce n’era uno interpretato da Steve Buscemi
che era modellato su tutta una serie di serial killer.
Garland Greene, meglio conosciuto
con il suo alias, The Marietta Mangler, è un individuo spregevole.
Trae ispirazione da tutte le peggiori fonti di ispirazione
malvagia, tra cui Gein, Bundy, Charles Manson, Jeffrey
Dahmer, John Wayne Gacy ed Edmund Kemper.
Come amalgama dei peggiori mostri
della storia, Garland è una figura davvero inquietante. E Buscemi
fa un ottimo lavoro nell’interpretare il ruolo di un mostro così
contorto. Con la maggior parte dei suoi crimini peggiori alle
spalle, è interessante dare uno sguardo alla mente di un assassino
che sta scontando la sua pena.
Ezra Cobb
Infine, quest’ultimo adattamento è
forse uno dei personaggi più fedeli ispirati ai crimini di Ed Gein.
Ezra Cobb è un contadino che improvvisamente perde la madre
fanatica religiosa e inizia a dedicarsi a una serie di
comportamenti abominevoli, dagli omicidi al saccheggio di
tombe.
Tutto questo avviene nel film del
1973, Deranged, che chiaramente si ispira in gran parte alla
storia di Ed Gein. Come Gein, il rapporto di Cobb con sua madre
sembra essere stato incredibilmente malsano e ha portato a una
serie di problemi.
Una volta liberatosi dalle catene
della madre prepotente, Cobb segue un percorso simile a quello di
Gein, anche se questa versione della storia sembra prendersi alcune
libertà per renderla più avvincente. Nonostante ciò, rimane uno
degli adattamenti più fedeli del personaggio, pur cambiando il nome
e gli eventi in modo più ampio.
Nel complesso, i terrificanti
crimini di Ed Gein sembrano essere stati fonte di ispirazione per
molte storie horror che esplorano gli angoli più oscuri della mente
umana. Le azioni di Gein erano così inimmaginabilmente orribili da
gettare le basi per la creazione di un nuovo genere horror.
Ora, Monster, La storia di Ed
Gein cerca di indagare più da vicino l’uomo i cui crimini
sono stati effettivamente all’origine di queste terrificanti
rappresentazioni. Tuttavia, anche questa serie si prende delle
libertà con la storia, poiché ci sono molti aspetti che non
potranno mai essere confermati completamente sui crimini del mostro
che era Ed Gein.
Dopo la messa in onda del finale
della serie Succession nel 2023, Jeremy Strong è tornato sul grande
schermo interpretando prima Roy Cohn, l’avvocato di Donald Trump,
in The
Apprentice (che gli è valso una nomination all’Oscar),
mentre prossimamente lo vedremo prossimamente nel film biografico
su Springsteen:
Liberami dal Nulla, per poi assumere i panni di Mark
Zuckenberg in The
Social Reckoning. L’attore si prepara però anche a tornare
in TV con una nuova miniserie ambientata all’indomani dell’11
settembre 2001.
Paramount+ ha infatti dato il via libera a una
serie limitata di sei episodi intitolata 9/12, che
vedrà Strong nei panni di un avvocato di nome Jason
Smith che decide di smascherare la corruzione e l’avidità
mentre cerca di ottenere giustizia per gli eroi che hanno rischiato
la vita l’11 settembre. Strong non solo avrà un ruolo da
protagonista in 9/12, ma sarà anche produttore
esecutivo del progetto. La miniserie esplorerà così la vera storia
della battaglia legale che ha portato all’assegnazione di quasi 1
miliardo di dollari ai primi soccorritori dell’11 settembre.
Le riprese inizieranno nell’estate
del 2026, con una data di uscita prevista nel 2027. Oltre a Strong,
anche Tobias Lindholm e Frank
Pugliese sono coinvolti come produttori esecutivi;
Lindholm e Pugliese scriveranno le sceneggiature, mentre il primo
dovrebbe anche dirigere gli episodi. In una dichiarazione, Strong
ha affermato che 9/12 mostrerà il meglio
dell’umanità, poiché la storia si concentra sui primi soccorritori
che hanno risposto agli attacchi al World Trade Center in pochi
secondi. 9/12 parla di “unità” e “solidarietà”,
che secondo l’attore sono necessarie in questo “paese
diviso”.
La serie limitata si concentrerà
anche sui fallimenti delle istituzioni che avrebbero dovuto
occuparsi del benessere dei primi soccorritori dopo che questi
avevano lasciato Ground Zero e avevano dovuto affrontare vari
problemi di salute. Strong ha definito Lindholm “uno dei più
grandi sceneggiatori/registi al mondo”, dotato della
profondità e dell’integrità necessarie per onorare la storia reale
raccontata in 9/12.
Jeremy Strong parla
di 9/12
“Il grande storico americano
David Halberstam una volta scrisse dell’11 settembre 2001: “In un
giorno in cui il peggio dell’umanità ha mostrato il suo volto, il
meglio dell’umanità ha risposto”. 9/12 parla del meglio di noi: i
nostri primi soccorritori, il cui tempo di risposta ufficiale l’11
settembre è stato di cinque secondi. Racconta di un momento di
unità e solidarietà in questo Paese diviso, quando, tra le macerie,
abbiamo ricostruito e siamo risorti dalle rovine”, sono
le parole di Strong.
“Ma racconta anche di come le
nostre istituzioni non siano riuscite a rispondere a quegli eroi,
che abbiamo promesso di non dimenticare mai, nel momento del loro
più grande bisogno. 9/12 è una storia di giustizia, di restituzione
della dignità umana e degli eroi reali di questo Paese che non
dobbiamo mai dimenticare. Tobias Lindholm è uno dei più grandi
sceneggiatori/registi al mondo e possiede la profondità, la
moderazione, l’integrità, la chiarezza e la forza necessarie per
rendere onore a questa storia”, ha concluso l’attore.
Halloween
Ends (qui
la recensione) ha segnato la fine della trilogia di film reboot
di Halloween della Blumhouse. Dopo quel capitolo,
non sembra esserci alcuna possibilità di una resurrezione alla
Michael Myers con un quarto film dello studio. Il CEO della
Blumhouse, Jason
Blum, ha infatti confermato che lo studio ha perso i
diritti di Halloween, spiegando in una nuova intervista con
Variety che Halloween Ends ha
segnato la scadenza della loro proprietà
“Non possediamo più i diritti.
Avevo un contratto per tre film. Ma se potessi farei un altro film
di Halloween”, sono le sue parole. Secondo precedenti notizie,
i diritti di Halloween sono ora tornati al
produttore Malek Akkad dopo l’uscita del terzo
film della Blumhouse nel 2022, ma lo studio ha avuto la possibilità
di riacquistare i diritti televisivi quando sono stati messi sul
mercato. La
Miramax è però intervenuta e ha acquisito tali diritti,
superando sia la Blumhouse che la A24.
Vedremo altri progetti di Halloween?
Da allora Miramax ha annunciato una
serie TV di Halloween che servirà come un completo
reset, confermando che gli eventi della trilogia di Blumhouse non
influiranno sulla nuova serie. Il futuro di questo progetto è però
piuttosto incerto ora, dopo l’uscita da Miramax a giugno di
Marc Helwig, il dirigente responsabile della TV.
In ogni caso, chiunque cerchi di dissipare la nebbia sul futuro del
franchise dovrebbe evitare di chiedere al creatore di Halloween,
John Carpenter.
Quando è stato informato della serie
prevista da Miramax durante un panel al NYCC 2023 a cui ha
partecipato ScreenRant, ha dichiarato di non esserne a conoscenza,
ma con il tipico sarcasmo di Carpenter ha aggiunto: “Vedete se
riuscite a farmi avere un lavoro nella serie”. Carpenter ha
diretto l’originale Halloween nel lontano 1978, ma
è stato meno coinvolto nei film successivi, lavorando come
sceneggiatore in Halloween II e compositore in
Halloween III prima di allontanarsi completamente dal
franchise che aveva creato.
Carpenter ha poi ripreso il suo
coinvolgimento con Halloween solo con la trilogia
della Blumhouse, quando ha accettato di occuparsi della colonna
sonora ed è stato accreditato come produttore esecutivo. Ad oggi,
ci sono stati 13 film in totale per la saga, ma la trilogia della
Blumhouse ha riconosciuto solo l’originale di Carpenter come
progenitore, ignorando gli eventi di tutti gli altri film della
serie, compresi quelli con Jamie Lee Curtis. Non resta a questo punto che
attendere di scoprire se rivedremo mai da qualche parte il
minaccioso Michael Myers.
Uno dei film più attesi del 2025,
Frankenstein di Guillermo del
Toro (qui la nostra recensione) promette di essere un
grandioso adattamento del romanzo horror gotico di Mary
Shelley, come non se ne sono mai visti prima. Con Oscar Isaac nel ruolo del dottor Victor
Frankenstein e Jacob Elordi in quello del Mostro,
Frankenstein è stato presentato in anteprima al
Festival Internazionale del Cinema di Venezia nell’agosto 2025,
riscuotendo recensioni generalmente positive.
Dopo la prima nordamericana al
Toronto International Film Festival e la presentazione al Busan
International Film Festival, il film uscirà in sala in edizione
limitata a partire dal 17 ottobre (ideale per la
stagione di Halloween) prima di diventare disponibile su Netflix dal 7 novembre. Frankenstein vede anche la
partecipazione di Mia Goth, Ralph Ineson,
Charles Dance e Christoph Waltz.
I trailer del mostruoso capolavoro
di del Toro sottolineano la scenografia e l’atmosfera agghiacciante
del racconto classico, nonché i due lati opposti della storia.
Inoltre, alcuni critici sembrano prendere atto del cambiamento
tematico che si allinea con la recente affermazione di del Toro
secondo cui Frankenstein non è un vero e proprio
film di genere horror.
Sul tappeto rosso dell’Academy
Museum of Motion Pictures per la premiere del film a Los Angeles,
del Toro ha spiegato a Deadline che “nominalmente e
genericamente, [Frankenstein] è un film horror”, ma che
“dopo 30 anni passati a realizzare film fantasy, sai che
possono essere qualcosa di più”. “E penso che questo sia
un dramma familiare sotto molti aspetti. Riguarda la concezione
molto cattolica di padri e figli e il dolore che trasmettiamo da
una generazione all’altra. Quindi c’è quel tipo di livello
emotivo”, ha spiegato del Toro.
“Dopo 200 anni, il fatto che il
libro e la storia suscitino ancora compassione e paura di
oltrepassare un confine, sono cose che penso abbiamo innovato in
modo splendido”, ha concluso. In precedenza si era parlato di
Frankenstein come di un film sul rapporto
padre-figlio tra Frankenstein e il suo mostro. L’ultimo
trailer sottolinea questo aspetto con la narrazione del Mostro,
rivelando la sua reazione al rifiuto da parte del suo creatore.
Tuttavia, il marketing nel complesso conserva ancora le
caratteristiche di un horror classico.
Ascolta anche la nostra video recensione di Frankenstein
Rispetto ad altri personaggi,
Silente è stato interpretato dal maggior numero di attori nel corso
degli anni. Richard Harris ha iniziato a
interpretare il preside di Hogwarts nei primi due film di Harry
Potter, e Michael Gambon ha preso il suo posto
da allora in poi. Jude
Law ha interpretato una versione più giovane del personaggio
nei film Animali fantastici, e ora Lithgow ha assunto il
ruolo per il remake di Harry Potter.
Con una tale varietà di
interpretazioni per lo stesso personaggio, c’è stato naturalmente
un dibattito piuttosto acceso su chi lo abbia interpretato meglio.
Alcuni sostengono che Harris fosse un Silente più fedele al libro,
mentre altri dicono che Gambon si adatta meglio alla descrizione di
Harry Potter. Naturalmente, questo ha reso tutti noi ancora
più curiosi di sapere a quale versione di Silente assomiglierà
Lithgow.
Anche se non abbiamo ancora visto
Lithgow in azione nei panni di Albus Silente, le foto dal set del
remake di Harry Potter ci hanno permesso di dare un’occhiata
al suo costume. Basta un rapido sguardo per capire se HBO abbia
preso più ispirazione da Harris o da Gambon.
Guarda qui
le foto dal set di Harry Potter con
John Lithgow nei panni di Albus Silente.
Il look di Silente interpretato
da John Lithgow è molto più simile a quello di Richard Harris che a
quello di Michael Gambon
Lithgow è stato completamente
trasformato per le riprese della serie TV Harry Potter. Le
immagini dal set mostrano l’attore con una lunga tunica fluente e
ricamata, con una barba argentata che gli arriva quasi alle
ginocchia. A Lithgow è stata data una parrucca argentata piuttosto
folta, che nelle immagini dal set è legata in una coda bassa. Poi
ci sono, naturalmente, gli occhiali a mezzaluna posizionati bassi
sul naso del nostro nuovo Silente.
Questo look di Silente è molto più
simile ai costumi indossati da Harris in Harry Potter e la pietra filosofale e Harry Potter e la camera dei segreti che a quelli
indossati da Gambon nei film successivi. Le vesti di Harris erano
in genere più appariscenti e la sua versione del personaggio aveva
una lunga chioma di capelli abbinata a una barba più lunga e
riccia.
Il costume di Gambon da Harry
Potter e il prigioniero di Azkaban in poi presentava una veste
grigio-blu più pratica, accompagnata da capelli più corti e ricci e
da una barba legata. Inoltre, non indossava sempre i famosi
occhiali a mezzaluna. Le differenze sono minime, ma sono evidenti
quando si confrontano i tre Silente, poiché il design di Gambon ha
un sapore unico, distinto da quello di Harris o Lithgow, ma non
così tipico di Silente.
Il Silente della serie TV di
Harry Potter sostiene la tesi secondo cui Richard Harris è più
accurato
Da quando Gambon ha raccolto
l’eredità di Silente dopo la morte di Harris, i fan di Harry
Potter hanno discusso su quale interpretazione fosse più
accurata. Harris aveva i capelli lunghi e lo sguardo penetrante del
personaggio del libro, ma Gambon era un po’ più attivo e vivace. Il
costume di Gambon era più adatto al movimento e all’azione, mentre
quello di Harris era più misterioso e da mago.
Detto questo, nessuna delle due
versioni di Silente nei film di Harry Potter soddisfaceva
tutti i requisiti. Tuttavia, se si considera l’accuratezza dei
costumi rispetto al libro, il fatto che la serie TV di Harry
Potter si sia orientata maggiormente verso Harris suggerisce
che questo look fosse più azzeccato.
HBO ha costantemente ricordato al
pubblico potenziale che il prossimo remake di Harry Potter
vuole essere un adattamento fedele dei libri. Finora, le immagini
dal set hanno confermato questo fatto. Abbiamo visto scene in cui
Vernon Dursley viene abbracciato da un piccolo mago per strada (una
scena tagliata dai film) e una versione della gita allo zoo di
Dudley che include un amico in più (anche in questo caso, a
differenza dei film).
Il design del Silente di Lithgow è
ancora una volta in linea con la promessa della HBO. Silente è noto
nei libri di Harry Potter per le sue vesti riccamente
decorate e i lunghissimi capelli e barba argentati, tutti elementi
che si vedono nelle immagini dal set di Lithgow. Se questo attore
riuscirà a rendere correttamente i manierismi di Silente descritti
nei libri è un’altra questione, che richiederà ancora una volta
l’ispirazione dei due predecessori di Lithgow.
La scelta di John Lithgow
suggerisce ancora che il Silente della HBO sarà un equilibrio tra
Harris e Gambon
Lithgow è stata una scelta
piuttosto sorprendente per la serie TV di Harry Potter. È
senza dubbio un attore spettacolare. Tuttavia, l’aspetto molto
particolare di Silente non corrisponde a come Lithgow appare spesso
sullo schermo. Queste nuove immagini dal set risolvono la
questione. Ha una notevole somiglianza con il Silente di Harris.
Ora possiamo aspettarci una performance che dovrebbe combinare
l’aspetto di Harris con la vivacità di Gambon.
Harris ha conferito a Silente un
tipo di eccentricità tranquilla, mentre la versione di Gambon era
molto più energica. Lithgow è noto per essere estremamente vivace
nelle sue interpretazioni, quindi possiamo aspettarci che il suo
Silente sia un po’ più simile a quello di Gambon sotto questo
aspetto. Questo non è dissimile dal Silente dei libri. Sulla
pagina, questo personaggio è silenziosamente consapevole, ma anche
così pieno di vita che Harry faticava a considerarlo un uomo
anziano.
Con tutti questi attori che hanno
portato qualcosa di diverso sullo schermo nella loro
interpretazione del preside di Hogwarts, siamo sicuri che
discuteremo per anni su quale sia la versione più accurata. Come
Harris e Gambon, Lithgow soddisferà sicuramente alcuni requisiti,
ma non altri. Indipendentemente da ciò, possiamo sperare in un
magico equilibrio nel remake di Harry Potter. Le
immagini di Lithgow sul set, insieme alla sua reputazione, sono un
primo forte indizio.
La prossima grande saga fantasy
potrebbe arrivare presto, dato che la Disney ha annunciato
l’intenzione di adattare i libri della serie Impossible
Creatures in una serie di film. In passato, il pubblico ha
trasformato grandi saghe fantasy in franchise cinematografici da
miliardi di dollari, come Harry Potter e Il Signore degli
Anelli, ma la Disney non ne produceva uno da parecchio
tempo.
Le cronache di Narnia hanno
avuto un buon inizio, ma sono svanite prima che lo studio adattasse
ogni film, e ora stanno per essere rilanciate da Netflix. La Disney sta attualmente
adattando i libri di Percy Jackson, ma come serie su Disney+ dopo che la serie
cinematografica della 20th Century Fox si è conclusa dopo due
film.
Impossible Creatures è una
serie abbastanza recente, ma finora ha riscosso un enorme successo.
L’autrice Katherine Rundell è la prima scrittrice britannica di
libri per bambini a raggiungere il primo posto nelle classifiche
sia nel Regno Unito che negli Stati Uniti dopo J.K. Rowling. La
serie ha venduto più di quattro milioni di copie in tutto il mondo
e Hollywood si è interessata molto a un adattamento
cinematografico. Ora questo progetto è ufficialmente in corso.
Annuncio del film Impossible
Creatures
Il 7 ottobre,
la Disney ha annunciato di aver acquisito i diritti per adattare
Impossible Creatures con un accordo a sette cifre.
Rundell era alla ricerca di un accordo cinematografico ed era in
trattativa con la Warner Bros. e Netflix. Sarà lei stessa a
scrivere i film, come confermato dal CEO della Disney Bob Iger in
una dichiarazione congiunta:
Quando ho letto Impossible
Creatures, ho capito che era perfetto per la Disney. Sono stato
immediatamente attratto dal mondo vivace immaginato da Katherine e
dalle possibilità che questa storia ci avrebbe offerto. Scritti
dalla stessa Katherine, questi film sono in ottime mani con il
nostro team della Walt Disney Studios, e non vedo l’ora di vedere
questa storia portata sul grande schermo.
La Disney collaborerà anche con
Rundell e il suo partner creativo Charles Collier alla produzione
dei film sotto la sua etichetta Impossible Films, con un accordo di
sviluppo in esclusiva che include tutti i romanzi attuali e futuri
della scrittrice. Anche Rundell ha rilasciato una dichiarazione,
condividendo il suo entusiasmo per la collaborazione con la
Disney.
Sono assolutamente entusiasta di
collaborare con la Disney. È un privilegio scrivere queste
sceneggiature e sviluppare questi primi film della serie insieme a
Charles, al mio team della Impossible Films e all’eccezionale team
della Disney. Sono particolarmente grata a Bob Iger, il cui
entusiasmo dopo aver letto il libro ha contribuito a dare il via a
questa collaborazione, e ad Alan Bergman e David Greenbaum per
essere stati partner incredibili durante tutto questo processo. La
nostra ambizione è quella di trasformare Glimouria e Impossible
Creatures in una spettacolare serie di film, in modo da poter
intrattenere e ispirare il pubblico familiare di tutto il
mondo.
Data la fase iniziale di questo
annuncio, ci sono ancora molti aspetti dell’adattamento che Disney
e Rundell devono definire. Non è stato ancora scelto un regista e
non esiste una tempistica definita su quanto velocemente procederà
lo sviluppo. Lo studio ha acquisito i diritti del film Impossible
Creatures con un accordo a sette cifre, dimostrando però grande
urgenza e interesse.
La storia di Impossible
Creatures
Il primo romanzo della serie
Impossible Creatures è stato pubblicato nel 2023 e ha
introdotto i lettori in un nuovo regno fantastico. La storia è
incentrata su Christopher, un ragazzino che scopre un mondo magico
mentre è in visita dal nonno nelle Highlands scozzesi. Questo mondo
si chiama Arcipelago di Gilmouria, un insieme di isole abitate
da creature fantastiche.
Mentre esplora l’arcipelago,
Christopher incontra Mal, una ragazza unica che vive in questo
mondo. I due uniscono le forze per sconfiggere un’entità oscura che
minaccia di distruggere Gilmouria, privandola di ciò che la rende
così bella e vivace. Ci sono creature familiari agli appassionati
lettori di fantasy, e la tradizione e la storia distintive di
questo mondo lo rendono unico rispetto ad altri romanzi
fantasy.
Dato che Rundell scriverà la
sceneggiatura del film Impossible Creatures, i lettori del
libro possono aspettarsi un adattamento piuttosto fedele dalla
pagina allo schermo.
Cast di Impossible
Creatures
Al momento non ci sono membri del
cast associati al film Impossible Creatures. Probabilmente
questo non accadrà fino a quando Rundell non avrà finito la
sceneggiatura e lo studio non avrà trovato un regista per guidare
l’adattamento. A quel punto, l’autore, il regista e lo studio
potranno decidere chi interpreterà i personaggi principali di
Impossible Creatures.
Mal e Chris saranno
probabilmente interpretati da attori più giovani e meno
conosciuti, in grado di interpretare i personaggi per diversi
anni. Come per Harry Potter, la Disney
dovrà scegliere attori che possano crescere insieme al ruolo.
Attori più affermati potrebbero interpretare ruoli secondari, come
il nonno di Christopher, la zia di Mal, un assassino di nome Adam
Kavil e il malvagio Sforza.
Data di uscita di Impossible
Creatures
Finora la Disney non ha fissato una
data di uscita preliminare per Impossible Creatures. Lo
studio sembra pronto a lasciare che Rundell finisca la
sceneggiatura, trovi un regista e metta insieme il cast e la troupe
prima di definire qualsiasi piano di uscita.
Ciò significa che probabilmente ci
vorranno ancora anni prima che il film esca nelle sale.
Fortunatamente, è già stato confermato che la Disney distribuirà
Impossible Creatures nelle sale piuttosto che tentare di
trasformarlo in un film in streaming. I fan potranno vedere le
avventure di Christopher e la maestosa natura di Gilmouria sul
grande schermo quando sarà il momento.
Il futuro del franchise di
Impossible Creatures
Il primo film di Impossible
Creatures potrebbe non essere ancora uscito, ma Disney e
Rundell hanno già in mente un franchise di grande successo per il
grande schermo con questa proprietà. Il secondo libro di
Impossible Creatures, The Poisoned King, è stato
pubblicato nel settembre 2025, fornendo allo studio una chiara
tabella di marcia per il franchise prima ancora che inizi.
Inoltre, sono previsti in totale
cinque libri, con Rundell che sta pianificando anche degli spin-off
e forse altri all’interno dello stesso universo. Dipenderà in
gran parte dal successo dei libri e dall’andamento dei film tratti
dai libri al cinema.
Questo potrebbe dare alla Disney un
nuovo franchise di successo da esplorare per gli anni a venire, una
volta avviato. Data la natura giovanile di Christopher e di questa
storia, c’è la possibilità che lo studio possa persino copiare
Harry Potter o Il Signore degli Anelli e realizzare i
film in rapida successione. Se così fosse, Impossible
Creatures potrebbe diventare il prossimo grande franchise
di film fantasy.
Dopo mesi di incertezza,
Ocean’s 14 è ora confermato, con George Clooney che ha fornito una tempistica
per le riprese del sequel. Se il film sarebbe andato avanti dopo
Ocean’s Thirteen nel 2007 e il reboot Ocean’s
8 con protagoniste femminili nel 2018 è stato a lungo un
punto interrogativo. Parlando ora con E! News, Clooney ha però rivelato che la Warner
Bros. ha approvato il budget proposto per Ocean’s
14. Sebbene non ci sia ancora una data precisa per
l’inizio delle riprese, l’interprete di Danny Ocean afferma che
probabilmente inizieranno nell’estate del 2026.
“Abbiamo appena ottenuto
l’approvazione del budget dalla Warner Brothers. Si tratta solo di
programmare, quindi dobbiamo solo fissare una data di inizio.
Probabilmente inizieremo le riprese tra circa nove o dieci
mesi”. Per quanto riguarda i sentimenti di Clooney riguardo
alla reunion con i membri chiave del cast della serie
Ocean’s, la star chiarisce che tutti sono rimasti
piuttosto in contatto negli anni trascorsi dall’ultimo
episodio.
“Brad [Pitt], Matt [Damon], Don
[Cheadle] e Julia [Roberts]. Ieri sera ho cenato con Julia. Sono
tutti ancora amici molto cari, quindi sarà divertente lavorare di
nuovo insieme“. Ciò che George Clooney non conferma nel suo commento è
se tornerà il regista della serie, Steven Soderbergh. Soderbergh ha diretto i
primi tre capitoli prima di passare il testimone a Gary Ross per il
reboot del 2018.
Un articolo di Variety dello scorso
gennaio affermava che David Leitch, regista di
Bullet
Train (2022) e The Fall
Guy (2024), era in trattative per dirigere il film, ma non
è chiaro se sia ancora così. Va anche notato che Ocean’s
14 non è l’unico progetto della serie in cantiere. Durante
l’estate è stato rivelato che è in fase di sviluppo anche un
prequel di Ocean’s Eleven, con il regista di Twisters
(2024) Lee Isaac Chung che dovrebbe dirigere il
film.
Con una tempistica provvisoria per
le riprese ormai definita, nei prossimi mesi arriveranno
probabilmente ulteriori notizie su Ocean’s 14 man
mano che verranno definiti i dettagli. Non è ancora chiaro, ad
esempio, quale sarà la trama del film, e una logline ufficiale
svelerà sicuramente ulteriori dettagli su cosa ne è stato di Danny,
Rusty e della banda dall’ultima volta che il pubblico li ha visti
18 anni fa.
La dedizione di Charlie Hunnam al ruolo del serial
killer protagonista di Monster: La storia di Ed Gein è stata
applaudita dai suoi colleghi. E persino il creatore della serie,
Ryan
Murphy, è rimasto sorpreso dalla volontà dell’attore di calarsi
completamente nel personaggio.
Come molti dei progetti horror di
Murphy, Monster – stagione 3 non ha lesinato scene crude e
sanguinose. La terza stagione della serie acclamata dalla critica
non ha lesinato contenuti inquietanti. Una scena in particolare
mostrava Gein che suonava la fisarmonica pochi istanti prima di
abusare sessualmente del cadavere che aveva appena dissotterrato da
una tomba.
Murphy ha spiegato come Hunnam non
fosse nemmeno turbato dalla scena durante un’intervista con
GQ.
In realtà, l’attore era più incuriosito dal suonare la fisarmonica
prima dell’atto che da qualsiasi altra cosa. “Deve suonare ‘La
Vie en Rose’ con un ritmo di polka. Ed è stato allora che Charlie
ha detto: ‘Oh mio Dio, questa fisarmonica’”.
Il creatore gli ha poi chiesto se
avesse qualche idea o modifica che voleva apportare alla scena di
sesso o alla sceneggiatura. Sorprendentemente, Hunnam ha
sostanzialmente scrollato le spalle e ha detto: “No, è un gioco
da ragazzi”.
Murphy non era l’unico ad ammirare
la volontà di Hunnam di diventare un tutt’uno con il personaggio.
Anche il co-creatore di Monster, Ian Brennan, ha espresso la sua
gratitudine. Lo showrunner ha detto: “Con la coda dell’occhio,
ho visto questa cosa girare l’angolo della fattoria che abbiamo
costruito sul palco, ho guardato e era lui. Era Ed Gein”.
Brennan ha aggiunto che l’interpretazione di Gein da parte di
Hunnam lo ha sbalordito. “Mi ha lasciato senza fiato”.
La dedizione di Hunnam al ruolo del famigerato serial killer
del Midwest è stata ampiamente elogiata. Dal ritrovamento di nastri
inediti ai cambiamenti fisici, l’attore ha dato il massimo per
questo ruolo. Dopo aver finito le riprese, è persino andato alla
tomba di Gein a Plainfield, nel Wisconsin, per dire addio al vero
assassino.
Ha dichiarato di essere consapevole
che altri potrebbero condannarlo per aver reso omaggio a qualcuno
che ha commesso crimini così atroci. Tuttavia, era qualcosa che
sentiva di dover fare. “Il mio lavoro è quello di non giudicare
affatto il mio personaggio”, ha spiegato. “È molto probabile
che sarò molto criticato per avergli dato troppa empatia, ma in
realtà ho solo dovuto seguire il mio istinto”.
Tutti gli otto episodi di
Monster: The Ed Gein Story sono disponibili in
streaming su Netflix.
Sebbene siano passati anni dalla
sua realizzazione, Wind River 2 sembra stia
riprendendo slancio grazie agli aggiornamenti forniti da uno dei
suoi protagonisti. Scritto e diretto da Taylor Sheridan, autore di Yellowstone, il primo film Wind River è uscito originariamente nel 2017. Il
film vedeva come protagonisti Elizabeth Olsen, Jeremy Renner, Kelsey Asbille e il
compianto Graham Greene.
Sebbene il film funzioni come opera
a sé stante, un sequel intitolato Wind River: The Next
Chapter è stato annunciato nel novembre 2022. Il film sarà
anch’esso un poliziesco incentrato su Chip Hanson, un personaggio
minore del primo film. Il cast include Martin Sensmeier,
Scott Eastwood, Jason Clarke, Alan Ruck, Gil Birmingham e Joshua
Odjick.
In un’intervista con
ScreenRant per The Last Frontier, Clarke rivela
alcuni aggiornamenti sul sequel di Wind River. Secondo
l’attore, il film è “in uscita a breve”. Clarke non
ha avuto altro che elogi per la qualità di Wind River: The Next
Chapter, definendolo “straordinario” e “un film
bellissimo”.
Jason Clarke: È straordinario. È ambientato nella comunità
nativa. Martin Sensmeier è il protagonista. Ha un cast pazzesco. È
un film bellissimo. È stato bloccato da questioni legali, ma ora
sta per uscire. Vi sorprenderà, ed è molto più bello. È molto più
cinematografico. Questo è quello che ho visto quando l’ho visto
circa un anno e mezzo fa.
Cosa vogliono dire le parole di Jason Clarke
La dichiarazione di Clarke conferma
in modo definitivo che Wind River 2 è stato completato ed è in fase
di post-produzione. In precedenza era stato annunciato che le
riprese del film sarebbero terminate nel 2023, ma gli
aggiornamenti sono stati lenti. Anche se ci sono state delle
modifiche da quando Clarke lo ha visto nel 2024, il processo di
post-produzione deve essere abbastanza avanzato.
Le ragioni del ritardo di Wind
River 2 non sono mai state dichiarate in modo concreto, ma la
mancanza di una data di uscita ha sempre fatto intuire che ci
fossero dei problemi dietro le quinte. Clarke sembra confermarlo
sottolineando che Wind River 2 era “bloccato da questioni
legali”.
Sheridan stesso, incredibilmente
impegnato con le sue numerose serie TV di successo, non era
l’ostacolo che impediva la realizzazione del film. Sebbene fosse
dietro al primo film, il sequel di Wind River ha un regista diverso
e non coinvolge Sheridan in alcun ruolo di rilievo.
Qualunque siano state le ragioni
legali esatte di questo ritardo, l’aggiornamento diClarke è un segnale positivo.Un film in uscita
“presto” non deve essere confuso con una data di uscita definitiva,
ma indica almeno che una data di uscita potrebbe essere annunciata
a breve.
Quando il film arriverà finalmente
nelle sale, sarà interessante vedere come andrà. Il primo film ha
ottenuto un discreto successo al botteghino, incassando oltre 44
milioni di dollari con un budget stimato di 11 milioni. Questo pone
l’asticella molto alta per Wind River: The Next Chapter,
soprattutto perché la regista Kari Skogland sembra voler essere
all’altezza del film di Sheridan.
Mentre il cast di
Avengers. Doomsday ha terminato le riprese
principali il 19 settembre 2025, il sequel non è ancora stato
girato, con Anthony e Joe Russo che ne cureranno la
regia. Non è stata ancora fissata una data di produzione per il
finale della Fase 6.
MTV ha
recentemente incontrato Andrew Garfield, uno dei pochi attori ad aver
interpretato Spider-Man in un film live-action, e gli ha chiesto se
potrebbe apparire in Avengers: Secret Wars. “[Ride]
Vedi, il punto è: è una rivelazione? O cos’è?”, ha dichiarato,
aggiungendo: “Lo scoprirai! Qualunque sia la mia
risposta, è esasperazione? Lo è? Non lo so. Lo
scoprirete“.
Il giornale ha poi chiesto alla
star britannica con quali personaggi vorrebbe fare un crossover ora
che fa parte della
timeline dell’MCU. L’attore candidato all’Oscar ha rivelato:
”Sì, adoro Hugh Jackman”, dato che il veterano di
X-Men è tornato nei panni di Wolverine nel film
Deadpool & Wolverine del
2024.
Garfield ha anche elogiato i film
d’animazione Spider-Verse: “Adoro i film
Spider-Verse. Adoro Lord e Miller. Lo dico apertamente”.
Il suo Peter Parker è tecnicamente apparso in quel franchise,
poiché alcune immagini d’archivio di lui tratte da The Amazing
Spider-Man sono state utilizzate in Spider-Man: Across the
Spider-Verse.
Pur ribadendo il suo amore per
Wolverine, un altro personaggio Marvel con cui vorrebbe incrociarsi
è Venom, interpretato da Tom
Hardy. Garfield ha dichiarato: “Tom Hardy è ovviamente un
attore davvero formidabile, e quello che ha fatto con Venom è super
divertente. Sono pronto a divertirmi”.
La trilogia della Sony con Eddie
Brock si è conclusa nel 2024 con Venom: The Last Dance, che ha
chiuso il mandato di Hardy dopo che il suo personaggio titolare ha
fatto un cameo nel Spider-Man: No Way Home del 2021.
Garfield è tornato insieme all’interpretazione del web-crawler di
Tobey Maguire, con il film che ha incassato
più di 1,9 miliardi di dollari, diventando il capitolo più
redditizio della The
Multiverse Saga.
Il Dottor Destino di Robert Downey Jr. e i protagonisti di
The Fantastic Four: First Steps sono stati confermati nel
cast del 2027, mentre altri attori saranno annunciati in un secondo
momento. Avengers: Secret Wars uscirà nelle sale il
17 dicembre 2027.
Dopo aver svelato i segreti del
laboratorio The Woods nella prima stagione di
Gen
V, i protagonisti dello spin off di The
Boys concentrano ora le loro indagini su
Progetto Odessa, un esperimento ancora più oscuro.
Gen V – Stagione 2 rivela finalmente lo scopo
reale del progetto e il legame di Marie Moreau con
esso.
Durante la stagione, il gruppo lotta
per la libertà e contro la potenza di Vought, ma
cerca anche di scoprire i misteri legati al fondatore della scuola,
Thomas Godolkin. Nel primo episodio,
Starlight chiede a Marie di indagare sul Progetto
Odessa. Nonostante scopra di essere collegata all’esperimento,
Marie non conosce tutti i dettagli. Presto emerge che le
sperimentazioni causarono numerose morti, molte
delle quali infantili, e che il misterioso Cipher
era coinvolto.
La verità completa emerge solo con
il ritorno di Stan Edgar (ex CEO di Vought)
nell’universo di The
Boys: egli rivela che Progetto Odessa
aveva scopi molto più sinistri di quanto si pensasse.
Cos’è il Progetto Odessa e
perché Thomas Godolkin lo creò negli anni ’60
Project Odessa era un esperimento
guidato da Thomas Godolkin negli anni Sessanta con
l’obiettivo di creare supereroi ancora più
potenti. All’epoca il composto V era già stato sviluppato,
ma Godolkin voleva spingersi oltre: controllare individui di
livello “divino”, quelli che Stan Edgar definisce “god-tier
superheroes”.
L’esperimento, tuttavia, ebbe esiti
tragici. Decine di bambini morirono durante le prove; solo
due sopravvissero: Marie e Homelander. Godolkin
rimase gravemente ustionato in un incidente di laboratorio che lo
si credette mortale, e Cipher prese il controllo
del progetto. Edgar lo chiuse poco dopo la nascita di Marie,
considerata inizialmente un fallimento poiché non mostrava
poteri.
I suoi poteri emersero solo dopo la
tragica morte dei genitori, che Marie causò accidentalmente. Questo
attirò l’interesse di Cipher, che crede nella supremazia
dei super piuttosto che nel loro controllo, motivo per cui
rilanciò il progetto in Gen V.
Mentre non è chiaro cosa Godolkin
avrebbe fatto se l’esperimento fosse riuscito, il fatto che abbia
usato bambini come cavie spiega perché il progetto
sia rimasto segreto per decenni. La sua crudeltà e la volontà di
“giocare a fare Dio” sono il fulcro morale della serie.
Hamish Linklater è Cipher in Gen V Stagione 2. Cortesia di Prime Video
Il legame di Marie con il
Progetto Odessa
Marie scopre in Gen V – Stagione 2 che i suoi genitori
non le iniettarono mai il Composto V. Dopo anni di
tentativi falliti di concepire, si rivolsero al dottor
Gold, che li aiutò tramite un presunto trattamento di
fertilità IDF. In realtà, Gold era Cipher sotto falso
nome, lo stesso che oggi dirige la Godolkin
University.
Cipher non era un medico, ma un
manipolatore che usava la copertura clinica per
sperimentare su neonati come parte del Progetto
Odessa. Marie era uno dei suoi soggetti, ma Cipher non si rese
conto del suo successo fino a molto tempo dopo.
Questo spiega il motivo
dell’interesse ossessivo di Cipher verso di lei: Marie è una
sopravvissuta di Odessa e il più grande risultato
dell’esperimento. Anche le lezioni private che riceve dal preside
dell’università non sono altro che un modo per testare i suoi
limiti.
Nell’episodio 5 della seconda
stagione, Marie manifesta un’abilità nuova: guarire le
ferite, salvando sua sorella dalla morte. Questa capacità,
pianificata dallo stesso antagonista, mostra che il potere di Marie
cresce rapidamente e assume tratti divini, segno
che Project Odessa è all’origine dei suoi poteri unici.
Marie e Homelander: un
duello inevitabile
Con Marie e Homelander unici
sopravvissuti di Project Odessa, uno scontro tra i due è
inevitabile. Si erano già affrontati brevemente nel finale
della prima stagione, ma Homelander aveva facilmente sconfitto
Marie con la sua vista termica. Tuttavia, la ragazza era
sopravvissuta a un attacco che avrebbe ucciso chiunque altro, segno
della sua forza latente.
Nella seconda stagione, dopo il
nuovo addestramento e i potenziamenti ottenuti, Marie è
molto più potente. Potrebbe essere una delle poche
persone in grado di contrastare Homelander, se non di distruggerlo.
Il conflitto tra i due rappresenta anche uno scontro di ideali:
Homelander vuole instaurare la supremazia dei
super, dominando gli umani;
Marie sogna invece
la pace e la convivenza.
Se Homelander dovesse scoprire
l’intera verità sul progetto di Godolkin, Marie diventerebbe per
lui un bersaglio prioritario, poiché è la prova vivente dei
fallimenti del sistema che lo ha creato. Tutto porta a pensare che
il finale di
Gen V – Stagione 2 culminerà in un nuovo
confronto tra i due.
Inoltre, il loro scontro potrebbe
proseguire in The Boys stagione 5. Anche se Marie
probabilmente non sarà la persona a sconfiggere definitivamente
Homelander, il suo ruolo sarà cruciale per indebolirlo e
rivelarne la vera natura.
Gen V Stagione 2 – Cortesia Prime Video
Il ruolo di Thomas Godolkin
e gli obiettivi di Cipher
Thomas Godolkin aveva un piano
chiaro: creare e controllare esseri superiori.
Cipher, dopo la sua presunta morte, ne ereditò il lavoro, ma con un
obiettivo diverso: non solo creare super esseri, ma usarli
per dominare il mondo.
Secondo Stan Edgar, Cipher ricostruì
le ricerche di Godolkin, che si pensavano distrutte nell’incendio
del laboratorio. Tuttavia, una teoria diffusa suggerisce che
Godolkin sia ancora vivo, nascosto da Cipher nella
sua casa. Questo spiegherebbe la profondità delle conoscenze
scientifiche del preside e la continuità del progetto.
I protagonisti stessi discutono
questa ipotesi, sospettando che Cipher stia sfruttando il vecchio
scienziato e i dati di Project Odessa per creare una nuova
generazione di “supes divini”.
Cipher ha dichiarato di voler
“eliminare gli studenti più deboli” dell’università, permettendo
solo ai più forti di sopravvivere. Ciò dimostra la sua visione
darwiniana della razza superumana e il suo desiderio di
costruire un’élite sovrumana per la conquista
globale.
Anche dopo la chiusura ufficiale del
programma Odessa, Cipher ha continuato a portare avanti
esperimenti segreti, cercando di spingere i supes ai loro
limiti massimi. Tutto indica che il climax della seconda stagione
sarà un confronto diretto tra Marie e Cipher, con il destino
dell’intero mondo dei super in gioco.
Il cuore oscuro di Gen
V
Gen V – Stagione 2 approfondisce le origini
più oscure del mondo di The Boys, mostrando come la
scienza e l’ambizione di Vought abbiano creato un ciclo di
abusi e manipolazioni genetiche. Project Odessa è
il simbolo perfetto di questo sistema: un progetto nato per
“migliorare” i super, ma costruito sul sacrificio di bambini
innocenti.
Il legame tra Marie e Homelander
unisce passato e futuro, creando una nuova dinamica che potrebbe
influenzare l’intero universo narrativo. Mentre Homelander
rappresenta il prodotto finale della follia di Godolkin, Marie è la
possibile evoluzione positiva di quella stessa
scienza: un essere che cerca redenzione e giustizia invece di
dominio.
Con Cipher deciso a creare un nuovo
pantheon di dei terrestri, la battaglia finale tra i “sopravvissuti
di Odessa” promette di ridefinire il potere nel mondo dei super.
Gen V si prepara così a concludere la stagione su un tono
epico e tragico, in piena continuità con l’universo spietato di
The Boys.
Rian Johnson ha
fornito un aggiornamento sincero e piuttosto deludente sulla
possibilità di un Knives Out 4, in vista
dell’uscita di Wake Up Dead Man – Knives Out. Dal suo debutto
nel 2019, quello di Knives Out è diventato uno dei
franchise originali di maggior successo del cinema moderno, con
Daniel Craig protagonista della serie
poliziesca nei panni del detective Benoit Blanc.
Parlando ora con The Hollywood
Reporter al BFI London Film Festival, Johnson ha rivelato che
Knives Out 4 non è ancora in fase di sviluppo. Il
regista ha ammesso di non avere idea di quale potrebbe essere il
prossimo capitolo della serie gialla. Tuttavia, ha affermato di
preferire partire da zero con le idee. “Non ho nessuna idea. Se
ne avete qualcuna, la accetto volentieri. Penso che sia meglio
svuotare completamente il pozzo e poi ricominciare da zero per il
prossimo”, sono le esatte parole del regista.
Il regista ha poi elogiato Craig,
suo collaboratore di lunga data e protagonista della serie,
affermando che finché entrambi si divertiranno a realizzare i film
e il pubblico si divertirà a guardarli, la serie continuerà.
“Finché Daniel e io ci divertiamo a farlo, e lui vuole farlo,
finché al pubblico piacciono, e anche finché possiamo continuare a
sfidare noi stessi e a inventare qualcosa di veramente nuovo. Al
momento siamo sulla stessa lunghezza d’onda, sembra che stiamo solo
dando il via a un altro progetto“, ha concluso.
La sinossi completa riporta infatti:
“Benoit Blanc (Daniel Craig) torna per il suo caso più
pericoloso nel terzo e più oscuro capitolo dell’opera gialla di
Rian Johnson. Quando il giovane prete Jud Duplenticy (Josh
O’Connor) viene mandato ad assistere il carismatico e
provocatorio monsignor Jefferson Wicks (Josh
Brolin), è chiaro che non tutto va bene nella chiesa.
Il modesto ma devoto gregge di
Wicks comprende la devota Martha Delacroix (Glenn
Close), il circospetto giardiniere Samson Holt (Thomas Haden
Church), l’avvocatessa Vera Draven (Kerry
Washington), l’aspirante politico Cy Draven (Daryl McCormack),
il medico di paese Nat Sharp (Jeremy
Renner), l’autore di best seller Lee Ross (Andrew
Scott) e la violoncellista Simone Vivane (Cailee
Spaeny).
Dopo che un omicidio improvviso
e apparentemente impossibile sconvolge la città, la mancanza di un
sospettato evidente spinge il capo della polizia locale Geraldine
Scott (Mila
Kunis) a unire le forze con il famoso detective Benoit Blanc
per svelare un mistero che sfida ogni logica”.
Netflix ha anche condiviso un poster teaser
del giallo, con Blanc e il resto del cast che circondano una tomba
(lo si può vedere qui). Il
primo trailer di Wake Up Dead Man – Knives Out ha dato al
pubblico un assaggio del nuovo caso emozionante e oscuro di Blanc,
suggerendo un’atmosfera gotica. La chiesa e il cimitero saranno i
luoghi chiave del film, che presenta personaggi affascinanti.
Dal medico di paese interpretato da
Renner al giovane prete interpretato da O’Connor e all’autrice di
best seller interpretata da Scott, il terzo capitolo sembra essere
il perfetto incontro tra il giallo e il dramma di una piccola
città.
L’uscita limitata nelle sale e la
prima al festival cinematografico significano anche che Wake Up Dead Man – Knives Out potrà essere
candidato alla 98ª edizione degli Academy
Awards, dove i precedenti due sono entrambi stati nominati per
la Miglior sceneggiatura originale. D’altra parte, i fan che hanno
atteso con impazienza il film potranno vederlo a novembre, quasi un
mese prima della sua prima ufficiale su Netflix.
Tron:
Ares è pronto a battere il record della serie durante
il suo weekend di apertura. Il prossimo Tron:
Ares è il terzo capitolo della longeva serie di
fantascienza, iniziata con il cult originale del 1982 e che include
anche il sequel del 2010 Tron:
Legacy.
Secondo Variety, le prime
proiezioni per l’imminente weekend di apertura di Tron: Ares
indicano un debutto con un incasso di 3 giorni compreso tra 45 e 50
milioni di dollari al botteghino nazionale. Questo sarà più che
sufficiente per conquistare il primo posto nel weekend, durante il
quale sarà in competizione con l’altra nuova uscita Roofman,
un dramma su scala minore con protagonista Channing Tatum.
Le proiezioni internazionali sono
simili, con un incasso compreso tra 40 e 45 milioni di dollari che
colloca il debutto globale di Ares tra gli 85 e i 95 milioni
di dollari. Se Tron: Ares raggiungerà il range previsto,
otterrà il debutto nazionale con il maggior incasso della
serie, superando i 44 milioni di dollari incassati nei primi
tre giorni da Tron: Legacy e superando di gran lunga i 4,7
milioni di dollari dell’originale Tron.
Tuttavia, questi numeri appaiono
significativamente diversi se adeguati all’inflazione. Mentre
il debutto adeguato del film originale, pari a 15,6 milioni di
dollari, è ancora molto al di sotto di queste proiezioni per il
nuovo capitolo, l’uscita di Tron: Ares appare meno competitiva se confrontata con
l’incasso adeguato di 65 milioni di dollari di Legacy.
The Tron Franchise
At The Box Office
Title
Debut
Adj. Debut
Total B.O.
Adj. Total B.O.
Tron (1982)
$4.7 million
$15.6 million
$50 million
$166.14 million
Tron: Legacy (2010)
$44 million
$65 million
$400.1 million
$591.4 million
Questo non è necessariamente
inaspettato. Finora, i film Tron hanno sempre riscosso un
successo di culto con risultati solidi, ma non particolarmente
spettacolari al botteghino. Era logico che Ares avrebbe
ottenuto risultati simili.
Tuttavia, un problema sollevato dal
fatto che stia ottenendo risultati inferiori rispetto a
Legacy è che il nuovo capitolo ha un budget elevato. Il
costo di Tron: Ares è stimato in 180 milioni di
dollari, leggermente superiore al budget di Legacy, pari
a 170 milioni di dollari (anche se, tenendo conto dell’inflazione,
arriva a ben 251,3 milioni di dollari).
Sebbene Ares abbia un costo
finale inferiore a quello di Legacy, entrambi i film
rappresentano comunque un aumento significativo rispetto al budget
di 17 milioni di dollari dell’originale Tron (56,5 milioni
di dollari tenendo conto dell’inflazione). Inoltre, poiché le
uscite nelle sale cinematografiche spesso devono recuperare due
volte e mezzo il loro budget, il punto di pareggio stimato di
Ares potrebbe arrivare fino a 450 milioni di
dollari.
Se Ares raggiungesse la
fascia alta della sua proiezione di debutto e seguisse la stessa
traiettoria complessiva di Legacy, potrebbe arrivare a
incassare 455 milioni di dollari entro la fine della sua
programmazione, il che lo collocherebbe più o meno allo stesso
livello dei film precedenti in termini di ritorno
sull’investimento.
Tuttavia, resta da vedere se sarà
in grado di farlo. Le recensioni
di Tron: Ares hanno fatto guadagnare al nuovo
capitolo un punteggio mediocre del 53% su Rotten Tomatoes. Anche se
un punteggio del 51% non ha necessariamente danneggiato
Legacy nel 2010, il film in uscita dovrà fare affidamento
sul passaparola, che non è ancora garantito.
realme ha presentato ufficialmente la
Game of Thrones Limited Edition, la
prima edizione limitata di uno smartphone creata in collaborazione
con Warner Bros. Discovery
Global Consumer Products, ispirata all’universo epico
della serie HBO. L’annuncio segna un incontro inedito tra
tecnologia e cultura pop, con un dispositivo che unisce performance
e design in una cornice ispirata al mondo di Westeros.
Il
lancio si è tenuto presso l’official Game of Thrones Studio Tour nei Linen Mill
Studios in Irlanda del Nord, luogo simbolico dove la serie è stata
girata. Immersi tra set originali, costumi e oggetti di scena, gli
ospiti hanno potuto vivere un’esperienza interattiva e scoprire la
nuova tecnologia Color-changing Design of Dragonfire, la prima al
mondo capace di cambiare colore al calore.
Un’esperienza epica tra design e innovazione
Il
tema dell’evento, Own Your
Real Power, ha celebrato l’unione tra l’immaginario fantasy di
Game of Thrones e lo
spirito giovane e innovativo di realme. “Non si tratta di una
semplice partnership”, ha spiegato Chase Xu, Vicepresidente e CMO del brand.
“È un progetto che riflette la nostra voglia di sperimentare e di
fondere estetica e tecnologia, incoraggiando le persone a esprimere
sé stesse e a riscoprire il proprio potere interiore”.
La
realme Game of Thrones
Limited Edition si distingue per un design epico e
dettagli di alto artigianato. Il pannello posteriore in
pelle nera
premium è decorato con motivi ispirati agli stemmi delle
grandi casate, dominato da un Sigillo del Potere dei Targaryen inciso in 3D. Il
modulo fotocamera integra elementi medievali e le
grinfie dorate
tridimensionali del drago, creando un profilo elegante e
slanciato di soli 7,84 mm.
La tecnologia Dragonfire e la confezione da collezione
Ispirandosi alla rinascita di Daenerys Targaryen, realme ha sviluppato la
tecnologia Dragonfire
Color-Changing, che permette alla scocca dello smartphone
di cambiare tonalità da nero a rosso quando esposta ad acqua calda
a 44°C. Un effetto visivo unico, simbolo della trasformazione e del
potere interiore, perfettamente in linea con il messaggio
dell’edizione limitata.
A
completare l’esperienza, una confezione esclusiva da collezione: la scatola,
decorata con la Mappa di Westeros, include accessori ispirati alla
saga — dal supporto per telefono “Iron Throne” alla
spilla della Mano del
Re, fino a lettere in pergamena e cartoline
personalizzate.
All’interno, l’interfaccia utente offre temi esclusivi
“Ice” e
“Fire”, per
un’esperienza visiva cinematografica e immersiva. Lo smartphone è
alimentato dal processore Snapdragon® 7 Gen 4, con batteria da
7000 mAh e
ricarica rapida Ultra
Charge da 80W, garantendo alte prestazioni e un’autonomia
estesa.
Con questa edizione limitata, realme porta l’epica di Westeros nella vita
quotidiana, fondendo immaginazione, tecnologia e
storytelling in un oggetto di design pensato per chi vuole
letteralmente “possedere il proprio potere reale”.
Russell Crowe ha interpretato un
gladiatore romano, un genio della matematica e persino un
esorcista, ma non ha mai interpretato un personaggio così
famigerato come quello che interpreta nel suo ultimo film Nuremberg.
Crowe ha suscitato grande interesse per gli Oscar quando
Nuremberg è stato presentato in anteprima al TIFF,
e la Sony Pictures Classics ha ora pubblicato un secondo trailer
del film drammatico sulla Seconda Guerra Mondiale, che uscirà il 7
novembre.
Nuremberg inizia all’indomani della seconda guerra mondiale,
quando gli alleati setacciavano l’Europa alla ricerca dei membri
sopravvissuti del regime nazista sconfitto. Il trailer mostra
Göring, interpretato da Crowe, che viene arrestato dalle forze
americane e incarcerato in attesa di processo.
Il filmato presenta poi il secondo personaggio principale del
film, Douglas Kelley (Rami
Malek), lo psichiatra incaricato di esaminare Göring e i suoi
compagni nazisti prima del processo. L’esposizione è inserita nella
clip, mentre Kelley scopre cosa dovrà affrontare nell’ex capo della
Luftwaffe, dotato di grande intelligenza.
Il trailer prepara il dramma che circonda l’esame di Göring da
parte di Kelley, che si trasforma in una battaglia di ingegno tra
l’emotivo americano e il freddo tedesco. L’azione in Nuremberg non
è di tipo bellico, come in tanti altri film sulla Seconda Guerra
Mondiale, ma si svolge sul campo di battaglia della moralità, dove
Göring mette a confronto il suo intelletto con quello di
Kelley.
Nel trailer compaiono anche le star di Nuremberg Michael
Shannon, John Slattery, Colin Hanks e Richard E. Grant.
Saoirse Ronan interpreterà Linda
McCartney, la moglie di Sir Paul, nel prossimo film
biografico in quattro parti sui Beatles diretto da
Sam Mendes. L’attrice, quattro volte candidata
all’Oscar, reciterà al fianco di
Paul Mescal nel ruolo di Paul
McCartney. Linda e Paul si sposarono nel 1969. Lei lavorò
con lui come tastierista e corista nella sua band post-Beatles, i
Wings. Linda morì di cancro nel 1998 all’età di 56 anni.
Mendes sta realizzando quattro film
separati, uno dal punto di vista di ciascun membro dei
Beatles. A tal fine, non è noto in che misura
Ronan apparirà negli altri tre film. Il quartetto cinematografico
si incrocerà per catturare l’improbabile viaggio della band da
Liverpool al centro della cultura globale, che li portò allo
scioglimento nel 1970. Lo slogan, in altre parole, è “Ogni uomo
ha la sua storia, ma insieme sono leggendari“. Tutti e quattro
i capitoli debutteranno sul grande schermo nell’aprile 2028, in
quella che Sony Pictures definisce la “prima esperienza
cinematografica da guardare tutta d’un fiato“. Tuttavia,
l’esatto piano di distribuzione non è chiaro.
McCartney, Starr e le famiglie dei
defunti Lennon e Harrison hanno concesso i diritti completi sulla
storia della loro vita e sulle musiche per i film sceneggiati,
rendendoli i primi lungometraggi approvati dalla band.
Saoirse Ronan ha debuttato con
Espiazione del 2007 e ha poi ottenuto nomination
agli Oscar per le sue interpretazioni in Brooklyn e in
Lady Bird e
Piccole
donne di Greta Gerwig. L’attore irlandese ha
recentemente recitato e prodotto il film drammatico indipendente
del 2024 The Outrun e ha diretto
Blitz
di Steve McQueen.
Sappiamo che gli attori
Harris Dickinson,
Paul Mescal,
Barry Keoghan e Joseph
Quinn sono ufficialmente stati scelti per
interpretare rispettivamente John
Lennon, Paul
McCartney, Ringo Starr
e George Harrison nei quattro biopic che
racconteranno la storia dei Beatles ognuno dal punto di vista di
uno dei membri della band. Keoghan, che è stato scelto per
interpretare Starr, ha raccontato in precedenza il suo incontro
“assolutamente incantevole” con il vero percussionista,
che “ha suonato la batteria per me”, ricordandolo come
“uno di quei momenti in cui rimani semplicemente a bocca aperta
e ti blocchi”.
Dopo circa un’ora dall’inizio di Fuori dall’oscurità
(Out of Darkness), film
diretto dall’esordiente Andrew Cumming, arriva una rivelazione che cambia
completamente la prospettiva dello spettatore: non si tratta
affatto di un film sui mostri. Dietro l’apparenza di un horror
preistorico si nasconde infatti una riflessione profonda sulla
paura, sull’umanità e sui meccanismi di sopravvivenza che
attraversano il tempo.
Uscito nelle sale il 9
febbraio, Fuori dall’oscurità (Out of Darkness) segue una tribù di Homo
sapiens che vive su un’isola desolata al largo della Scozia, circa
45.000 anni fa.
Quando un bambino di nome Heron scompare nel cuore della notte, il
gruppo si addentra nella foresta per cercarlo, ritrovandosi preda
di un misterioso nemico invisibile che li elimina uno a uno.
Cumming costruisce la tensione con grande abilità, prendendo
ispirazione da classici come Lo squalo e Alien: l’orrore resta fuori campo fino a quando
diventa inevitabile affrontarlo. E quando finalmente viene
mostrato, la sorpresa è totale — la minaccia non è una creatura
mitologica, ma un essere umano.
Umani contro umani: l’orrore dentro di noi
Il film rivela infatti che gli assassini non sono mostri, ma una
coppia di Neanderthal, una specie che ha convissuto con
l’Homo sapiens per migliaia di anni prima di scomparire. Questa
scelta sposta il centro del racconto: Out of Darkness diventa un dramma
antropologico in cui la linea tra predatore e preda si assottiglia
fino a scomparire. “Il film parla della paura”, spiega Cumming. “La
paura di un demone o di una bestia che ti perseguita, ma anche
quella, più reale, di ciò che non capiamo negli altri e in noi
stessi”.
Il messaggio è universale: il nemico non è sempre esterno, e la
violenza non appartiene solo al passato. Non a caso, il film è
stato concepito durante le prime fasi della pandemia, quando la diffidenza e
l’isolamento sembravano dominare ogni relazione umana. “Se le
parole ‘45.000 anni fa’ non fossero apparse all’inizio del film,
potrebbe sembrare un futuro post-apocalittico”, afferma il
regista.
Una lingua inventata per un mondo perduto
A
rendere Out of Darkness
ancora più singolare è la scelta di girarlo interamente in
“Tola”, una
lingua inventata appositamente per il film. Creata dal linguista
Daniel Andersson come fusione di arabo e basco, Tola —
abbreviazione di The Origin
Language — aggiunge autenticità e mistero all’ambientazione.
“Temevo che i sottotitoli potessero allontanare il pubblico”,
ammette Cumming, “ma girare in inglese sarebbe stato pigro. Volevo
che fosse tutto vero, primordiale”.
Il cast, guidato da Safia
Oakley-Green, Kit Young e Luna Mwezi, offre interpretazioni fisiche e
intense, quasi istintive. Mwezi, giovanissima, ha stupito il
regista al punto da spingerlo ad affidarle il ruolo maschile di
Heron. “Volevamo qualcuno che avesse nei movimenti e nello sguardo
quella fragilità ancestrale che non si può fingere”, racconta
Cumming.
Breve, essenziale, devastante
Con una durata di soli 87
minuti, Fuori dall’oscurità (Out of Darkness) è un film compatto ma
denso, costruito per lasciare un impatto duraturo. “Amo
Killers of the Flower Moon,
ma tre ore e mezza per qualsiasi film sono un impegno enorme”,
scherza Cumming. “Mi piacciono le storie che dicono quello che
devono dire e poi si chiudono”.
Con il suo linguaggio primitivo, la tensione viscerale e una
rivelazione che ribalta ogni aspettativa, Out of Darkness non è solo un survival horror
preistorico: è un’allegoria potente sulla paura dell’altro e
sull’eterna, violenta necessità di riconoscersi umani.
Dexter: Resurrection, la
serie sequel, in cui Michael C. Hall riprende
il ruolo del serial killer più amato della TV, è stata rinnovata
per una seconda stagione da Paramount+. Hall ha ringraziato i fan in
un video pubblicato su YouTube e ha dichiarato: “C’è ancora
molto da scoprire. La sala sceneggiatori si sta riunendo ora e i
dettagli saranno presto disponibili… la storia continua”.
Il rinnovo arriva dopo che Variety
ha riportato ad agosto che Paramount+
aveva pianificato di aprire una sala sceneggiatori per una
potenziale seconda stagione della serie. L’altro spin-off di
“Dexter”, la serie prequel “Original Sin” con Patrick
Gibson nei panni di un giovane Dexter, ha avuto un destino
meno fortunato. Dopo che la serie è stata rinnovata per una seconda
stagione ad aprile, la piattaforma di streaming ha cambiato idea e
ha cancellato la serie pochi mesi dopo, in seguito alla fusione di
Paramount con Skydance.
Dexter:
Resurrection ha debuttato a luglio, raggiungendo 4,4
milioni di spettatori multipiattaforma nei primi sette giorni.
Oltre a Hall, la serie vede la partecipazione di Uma
Thurman, Jack Alcott, David Zayas, Ntare Guma Mbaho Mwine,
Kadia Saraf, Dominic Fumusa, Emilia Suárez, James Remar e
Peter Dinklage. La prima stagione ha
visto la partecipazione di attori fissi, tra cui Eric
Stonestreet e David Magidoff, oltre a
guest star come Neil Patrick Harris, Krysten Ritter, David
Dastmalchian e John Lithgow, che ha
ripreso il ruolo di Arthur Mitchell, alias il killer Trinity.
Dopo otto stagioni su Showtime,
“Dexter” si è concluso nel 2013, per poi riprendere con la
miniserie del 2021 “Dexter: New Blood”. Qualche anno dopo, è uscito
“Dexter: Original Sin”, con Hall che ha ripreso il ruolo di Dexter
in qualità di doppiatore. In seguito, Hall è tornato a vestire i
panni del serial killer sullo schermo nella serie sequel
“Resurrection”. L’anno scorso è stato annunciato che una serie
prequel spin-off basata sul Trinity Killer sarebbe stata in fase di
sviluppo.
“Resurrection” è stata creata da
Clyde Phillips, lo showrunner originale di “Dexter”, e prodotta
dalla sua Clyde Phillips Productions, Counterpart Studios e
Showtime Studios. Tra i produttori esecutivi figurano Phillips,
Scott Reynolds, Marcos Siega, Hilly Hicks, Jr., John Goldwyn, Sara
Colleton, Tony Hernandez, Lilly Burns e Hall.
Diretto da Sidney
Lumet, Serpico (1973) è uno dei grandi
classici del cinema
anni 70 (e non solo). Un film drammatico poliziesco ambientato
prevalentemente a New York, che ruota attorno a Frank
Serpico (Al
Pacino), un agente di polizia che si imbatte nella
corruzione dilagante all’interno del Dipartimento di Polizia di New
York. Il film descrive la sua lotta contro il dipartimento, poiché
il suo deciso rifiuto di accettare tangenti lo trasforma in un
paria tra i poliziotti. I colleghi di Frank lo minacciano, nessuna
delle sue relazioni dura a lungo e più volte rischia di morire.
Nonostante tutto ciò, rimane fermo nelle sue convinzioni.
Inizialmente, John G.
Avildsen (Rocky)
era stato ingaggiato per dirigere il progetto, ma in seguito è
stato sostituito da Sidney Lumet, che si era costruito una
reputazione per la sua capacità di portare a termine i progetti in
tempi ristretti. Serpico è così considerato uno
dei pochi film mai realizzati che offre un ritratto profondamente
poco glamour della vita della polizia, poiché approfondisce la
cultura poliziesca di New York City, descrivendo la corruzione
istituzionale. Ora, se tutto questo spinge a chiedersi se film sia
ispirato a fatti reali, in questo approfondimento esploriamo
proprio questo aspetto.
Serpico è una storia vera?
Sì, Serpico è
basato su una storia vera. Il film è l’adattamento cinematografico
del libro biografico del 1973 “Serpico: The Cop Who Defied the
System” dell’autore e giornalista americano Peter
Maas. Il protagonista del libro, Frank Serpico, ha aiutato
Mass a svilupparlo dopo essersi ripreso da una sparatoria.
Successivamente, gli sceneggiatori Waldo Salt e
Norman Wexler hanno adattato il libro per il
grande schermo. Frank Serpico era un vero agente della polizia di
New York, nato e cresciuto a Brooklyn, New York City.
Cortesia di Paramount Pictures
I suoi genitori erano immigrati
italiani provenienti da Marigliano, in Campania. All’età di 17
anni, si arruolò nell’esercito degli Stati Uniti e trascorse due
anni in Corea del Sud come fante. Dopo aver lasciato l’esercito, ha
lavorato per un breve periodo come investigatore part-time e
consulente giovanile, conseguendo una laurea in scienze presso il
City College di New York prima di diventare agente di polizia della
NYPD nel settembre 1959. Quando alla fine si ritirò nel giugno
1972, Serpico era diventato una figura controversa all’interno del
dipartimento; mentre alcuni agenti di polizia ammiravano la sua
tenacia e onestà, molti criticavano le sue azioni.
All’inizio del 1966, Serpico aveva
incontrato il collega poliziotto David Durk, che
divenne suo alleato nella lotta contro la corruzione. Nel 1967, si
rivolse poi ai suoi superiori per segnalare la corruzione diffusa
all’interno del dipartimento, ma non fu intrapresa alcuna azione
per fermarla. Quando parlare con i superiori non produsse il
risultato desiderato, Serpico partecipò a un’inchiesta del New York
Times dell’aprile 1970 che accusava la polizia di New York di
ricevere milioni di dollari da criminali e piccole imprese.
Il presunto tentativo di omicidio
Il 3 febbraio 1971 e Serpico stava
conducendo un’operazione antidroga nella zona di Williamsburg a
Brooklyn. Una cosa che è sempre stata molto sospetta riguardo alla
sparatoria durante un’irruzione frenetica è che non è mai stato
chiamato il 10-13 (il codice radio per un agente che ha bisogno di
assistenza) dopo che Serpico è stato colpito al volto. I suoi
colleghi sono semplicemente fuggiti dalla scena, proprio come nel
film. La scena iniziale del film descrive in dettaglio la gravità
delle condizioni di Serpico quando viene finalmente portato
d’urgenza in ospedale. Ancora oggi ha frammenti di proiettile
conficcati nel cervello e soffre di perdita dell’udito a causa
della recisione del nervo uditivo.
È stato quasi il colpo di grazia per
Serpico, ma riuscì a sopravvivere. Nell’ottobre e nel dicembre
1971, testimoniò poi davanti alla Commissione Knapp, istituita
dall’allora sindaco John V. Lindsay per indagare sulle accuse di
corruzione contro il NYPD, diventando il primo agente del NYPD a
farlo nella storia. “Frank Serpico! Il primo agente di polizia
non solo nella storia del Dipartimento di Polizia di New York, ma
nella storia di qualsiasi dipartimento di polizia degli Stati
Uniti, a farsi avanti per denunciare e successivamente testimoniare
apertamente sulla corruzione diffusa e sistematica dei poliziotti,
con tangenti che ammontavano a milioni di dollari“, scrisse
Mass nel numero del 25° anniversario della rivista New York
Magazine.
Cortesia di Paramount Pictures
Cosa il film cambia della storia vera
In un’intervista a Vanity Fair,
Frank Serpico ha commentato gli eventi della sua vita raccontati
nel film in un documentario intitolato Frank Serpico, diretto da
Antonio D’Ambrosio. Grazie al celebre regista Sidney Lumet, la
sceneggiatura scritta in collaborazione con Waldo Salt è molto
accurata nel descrivere come il nativo di Brooklyn, New York, sia
diventato un poliziotto, la corruzione, le tangenti e il razzismo
che ha incontrato e l’incidente in cui è stato quasi ucciso come
informatore nel film. La sua bussola morale si è formata quando
Frank era solo un ragazzo e un uomo lasciò il negozio di suo padre
senza pagare per una lucidatura di scarpe.
Da allora capì di avere un senso
intrinseco di ciò che era giusto e ciò che era sbagliato, e il
rispetto per la legge. Ma, fedele al film, si rifiutò di indossare
un microfono nascosto e non si considera una spia. Sostiene di non
aver avuto alcun interesse a denunciare i poliziotti, ma a
smascherare i superiori che chiudevano un occhio su tutto.
Tuttavia, il film presenta anche alcune importanti differenze dalla
storia vera. Ad esempio, nel film non c’è nessun personaggio di
nome David Durk, ma Bob Blair (Tony
Roberts), confidente e alleato di Serpico, sembra essere
stato modellato su Durk.
Serpico, che ha visto il film
completo per la prima volta nel 2010, ha affermato che Lumet lo ha
bandito dal set dopo che lui aveva espresso la sua disapprovazione
per una scena fittizia. Anche Durk ha criticato il film, così come
molte altre persone legate alle forze dell’ordine. Per prepararsi al ruolo, l’attore
protagonistaAl Pacinoha
però invitato Serpico a Montauk, New York, come ospite nella casa
che aveva affittato. Una volta, Pacino ha chiesto al suo
omologo fuori dallo schermo perché si fosse opposto ai suoi
colleghi e, in risposta, l’ex poliziotto avrebbe detto: “Beh,
Al, non lo so. Immagino di dover dire che sarebbe perché… se non lo
facessi, chi sarei quando ascolto un brano musicale?“.
Cortesia di Paramount Pictures
Dov’è oggi Frank Serpico
Dopo aver lanciato l’allarme e aver
dato il via alla denuncia dell’enorme corruzione all’interno del
Dipartimento di Polizia di New York nel 1971, continuò a lavorare
come poliziotto fino al 1972. Dopo l’uscita del film e la
straordinaria interpretazione di Pacino, il vero Frank Serpico
scomparve dalla circolazione. Inizialmente si trasferì dall’altra
parte del mondo, in Svizzera, per riprendersi, e poi nei Paesi
Bassi. Oggi vive nello Stato di New York, in una piccola capanna di
legno che ha costruito lui stesso. All’esterno ci sono statue
buddiste (un altro aspetto della sua religione menzionato nel
film).
Come per tutti gli informatori,
molti di coloro che hanno preso parte ai crimini all’interno del
dipartimento lo considerano ancora un traditore e un emarginato, e
lui ha dovuto allontanarsi dall’attenzione che ha ricevuto dopo
l’uscita del film. Gran parte della corruzione che il film ha
denunciato accuratamente è stata portata nella tomba dai corrotti.
Nel febbraio 2022, Frank Serpico è stato finalmente insignito della
Medaglia d’Onore dal sindaco di New York Eric Adams, che afferma
che Serpico è stato una delle sue ispirazioni per entrare in
politica. Aveva 85 anni, cinquant’anni dopo aver dato il via alla
guerra contro i poliziotti corrotti.
Girato in IMAX e diretto da
Joachim Rønning,
Tron:
Ares segna il ritorno di una delle saghe più
iconiche della fantascienza contemporanea. Jared Leto veste i panni di Ares, un programma
digitale creato dal sistema Dillinger, destinato a incarnare l’idea
di un’intelligenza artificiale capace di provare emozioni. Accanto
a lui Greta Lee (Eve Kim), Evan Peters (Julian Dillinger), Gillian Anderson (Elisabeth Dillinger) e
Jodie Turner-Smith (Athena) danno
vita a un cast in equilibrio tra nuove generazioni e richiami al
classico del 1982. La domanda che muove il film è tanto semplice
quanto universale: qual è il futuro dell’intelligenza artificiale?
È una promessa di progresso o una minaccia per l’umanità?
Tron: Ares arriverà nelle sale italiane a
partire dal 9 ottobre 2025.
La trama di Tron: Ares
Nel mondo di Tron:
Ares, Dillinger Systems e Encom rappresentano due lati
della stessa rivoluzione tecnologica. Da una parte c’è Dillinger,
azienda disposta a spingersi oltre ogni limite pur di trasformare i
propri programmi in un esercito di unità laserizzate,
indistruttibili e sacrificabili, pronte a essere ri-immerse nella
realtà. Dall’altra parte c’è Encom, guidata da Eve Kim, che
persegue un obiettivo più altruistico: usare la tecnologia per
combattere fame e povertà, portando acqua ed energia nei luoghi che
ne sono privi. Al centro del conflitto si trova il “Codice
Permanence”, un algoritmo in grado di far durare i programmi nel
mondo reale più dei canonici 29 minuti prima di dissolversi. Una
scoperta rivoluzionaria, ma anche pericolosa, destinata a
ridefinire i confini tra digitale e umano.
Tron: Ares – Cortesia Disney
L’errore umano e la coscienza
di Ares
Quando Julian Dillinger scopre che
Eve è riuscita a trovare la formula grazie alle ricerche di Kevin
Flynn, tenta di appropriarsene. Ma succede qualcosa di inaspettato:
il programma Ares presenta un malfunzionamento, è fin troppo umano,
paradossalmente più del suo “creatore” Julian Dillinger. Il film
esplora con sensibilità questo paradosso: un errore nel codice
genera la prima forma di coscienza. Ares diventa così un simbolo
dell’imprevedibilità dell’intelligenza
artificiale, capace di comprendere il valore della vita
proprio perché “difettosa”. In contrapposizione troviamo Athena, il
programma di Dillinger che incarna invece la perfezione senz’anima
del coding. Se Ares rappresenta l’AI umanizzata, Athena è la sua
antitesi: feroce, amorale e obbediente fino all’autodistruzione –
una vera e propria macchina da guerra.
Un’esperienza visiva e sonora
immersiva
Sul piano estetico,
Tron: Ares è un’esperienza visiva di
altissimo livello. Le sequenze girate in IMAX valorizzano la
fotografia di Jeff Cronenweth, che fonde
l’estetica neon del film originale con un linguaggio visivo più
contemporaneo. Il design dei mondi digitali, i veicoli luminosi e
le arene di combattimento mantengono viva l’eredità della saga,
aggiornandola ai linguaggi del cinema odierno. La colonna sonora è
dei Nine Inch Nails, con Trent
Reznor e Atticus Ross che curano musica,
arrangiamento e produzione, amplificando la sensazione di trovarsi
immersi in un mondo digitale realistico e coinvolgente.
Tron: Ares – Cortesia Disney
Il background della saga di
Tron
Per comprendere Tron:
Ares, è utile ripercorrere la storia della saga. Il
primo Tron (1982) introdusse il Grid, un
mondo digitale popolato da programmi antropomorfi, segnando una
pietra miliare nella CGI e diventando un cult della fantascienza.
Nel 2010 uscì Tron: Legacy, diretto da Joseph
Kosinski, che aggiornò l’estetica digitale e approfondì il
concetto di AI, con una colonna sonora dei Daft Punk e un uso
avanzato della CGI. Tron: Ares continua
questa tradizione, affrontando temi contemporanei come l’etica
della tecnologia e la fragilità della coscienza artificiale.
Trama spettacolare ma
prevedibile
Se da un punto di vista tecnico
Tron: Ares è impeccabile, la narrazione non
sempre riesce a tenere il passo. La trama segue schemi già noti: la
scoperta del potere, la corruzione, la ribellione e la presa di
coscienza. Tutto è costruito con precisione, ma senza veri colpi di
scena: accade quello che si prevede fin dall’inizio del film. Forse
è il prezzo da pagare per mantenere la storia accessibile a un
pubblico ampio. Tuttavia, la semplicità narrativa permette al film
di veicolare con chiarezza un messaggio universale sui rischi e le
potenzialità dell’AI.
Con la sua passione per gli anni
’80, i riferimenti ai Depeche Mode e l’estetica digitale sempre più
raffinata, Tron: Ares riesce a fondere
nostalgia e modernità. Non è una rivoluzione, ma una conferma: il
mondo di Tron è ancora in grado di parlare al presente, affrontando
con leggerezza temi profondi come la cybersecurity, l’etica del
coding e la fragilità della coscienza artificiale.
Le storie di crimini reali sono
oggigiorno molto popolari, con omicidi feroci o altre situazioni
scabrose che diventano grandi successi mediatici, in particolare su
piattaforme di streaming come Netflix, Amazon e Hulu. Sempre più spesso, infatti,
il mondo del cinema prende una storia tratta dai titoli dei
giornali e la usa come base per un
thriller
drammatico. L’esempio perfetto è
La ragazza di Stillwater del 2021, con
Matt Damon, liberamente ispirato all’omicidio di
Meredith Kercher per mano di un ladro, un crimine
inizialmente attribuito alla studentessa americana Amanda
Knox.
Il film vede Damon nei panni del
rude Bill Baker, la cui figlia
Allison (Abigail
Breslin) è stata condannata per l’omicidio della sua
ex fidanzata Lina mentre studiava all’estero. A
cinque anni dalla fine della pena della figlia, Bill le fa visita.
Quando viene a conoscenza di nuove prove che potrebbero far luce
sul caso, si ritrova con la missione di scagionare sua figlia e
riportarla a casa. Viaggiando però dalla campagna dell’Oklahoma a
Marsiglia, in Francia, Bill si ritrova spaesato in una terra che
non capisce.
È così costretto ad affidarsi alla
generosità di una gentile sconosciuta (Camille
Cottin) per portare a termine la sua missione. La
ragazza di Stillwater è dunque uno studio dei personaggi
dal ritmo deliberatamente lento, con un terzo atto drammatico che
ribalta completamente la storia. E dato il modo rapido in cui si
susseguono gli eventi nel climax, chi ha visto il film potrebbe
ancora grattarsi la testa per i momenti finali scioccanti del film.
Ecco allora in questo approfondimento una spiegazione accurata del
finale di La ragazza di Stillwater
Cosa bisogna ricordare della trama
di La ragazza di Stillwater
Sebbene fortemente ispirato
all’omicidio di Meredith Kercher e all’ingiusta condanna di Amanda
Knox, il film inizia a Stillwater, in Oklahoma, piuttosto che a
Seattle, città natale di Knox. Lì incontriamo Bill, un operaio
petrolifero disoccupato la cui figlia ha già scontato cinque anni
di una condanna a nove anni per l’omicidio della sua ex coinquilina
e amante Lina mentre viveva in Francia. Allison ha sempre sostenuto
la sua innocenza, ma ha imparato a non contare su Bill.
L’uomo, infatti, non è stato un buon
padre durante la sua infanzia e raramente ci si poteva fidare di
lui quando si trattava di assumersi delle responsabilità. Ma dopo
una visita alla figlia in prigione, Bill è determinato a provare
l’innocenza di Allison quando lei afferma di aver scoperto
l’identità di un giovane che potrebbe essere il vero assassino: un
immigrato arabo di nome Akim (Idir
Azougli). Dopo che il suo avvocato e la polizia hanno
rifiutato di indagare su questa nuova pista, Bill decide di
occuparsene personalmente.
Trova un’alleata in Virginie, una
donna francese che vive con la sua giovane figlia
Maya (Lilou Siauvaud) a
Marsiglia. Alla fine, Bill e Virginie vanno a vivere insieme e in
seguito instaurano un legame sentimentale, mentre Bill diventa
lentamente una figura paterna per Maya. Quando uno degli amici di
Virginie rintraccia Akim, la missione di Bill di scagionare Allison
diventa più pericolosa. E quando Bill non riesce a ottenere le
prove di cui ha bisogno dopo un violento alterco con il giovane,
Allison interrompe ogni contatto con lui.
Matt
Damon e Camille Cottin in La ragazza di Stillwater, a Focus
Features release. Credit Jessica Forde / Focus
Features
Cosa succede alla fine del
film
In contrasto con sua figlia dopo che
lei ha scoperto che lui ha cercato senza successo di riabilitare il
suo nome da solo, Bill decide di rimanere a Marsiglia per starle
vicino nonostante la loro separazione. Comincia persino a
costruirsi una vita con Virginie e Maya, aiutando come custode e
trovando un lavoro presso un’impresa edile locale. Ma quando Bill
incontra casualmente Akim mentre assiste a una partita di calcio,
non può permettere che la persona che crede essere il vero
assassino la faccia franca una seconda volta, e rapisce Akim
tenendolo in ostaggio.
Bill tiene Akim nascosto nel
seminterrato del suo condominio e fa giurare alla piccola Maya di
mantenere il segreto quando lo vede. Invia quindi un campione di
DNA a un laboratorio, sperando che corrisponda alle prove forensi
non identificate trovate sulla scena del crimine originale. Una
soffiata alla polizia, tuttavia, conduce gli agenti nel
seminterrato di Bill. Sul punto di vedere svelato il suo piano,
Bill è scioccato quanto la polizia nello scoprire che Akim non è lì
e che anche Maya ha mentito per coprirlo.
Ciononostante, il campione di DNA
che ha consegnato all’avvocato di Allison
(Anne Le Ny) è sufficiente a mettere in dubbio la
colpevolezza della giovane e a farla uscire di prigione. È un
finale agrodolce per la ricerca di Bill, perché Virginie, infuriata
per ciò che Bill ha fatto ad Akim e furiosa per aver coinvolto
Maya, pone fine alla loro relazione, strappandolo dalla sua nuova
famiglia surrogata.
La sconvolgente confessione di
Allison
In tutto il film La ragazza
di Stillwater, Bill è incrollabile nel suo sostegno alla
figlia e fermo nella sua convinzione della sua innocenza.
Certificato che sua figlia sia stata incastrata per un crimine
efferato che non ha commesso, spera di fare giustizia per lei non
solo per vederla libera, ma anche come modo per redimersi ai suoi
occhi come padre. Bill crede di conoscere sua figlia meglio di
chiunque altro ed è sicuro che lei non abbia nulla a che fare con
l’omicidio di Lina. Ma questa convinzione crolla nel momento
culminante del film.
Quando Akim è stato tenuto
prigioniero, il giovane ha insistito sul fatto che Allison fosse
effettivamente coinvolta nell’omicidio di Lina. Ha detto a Bill che
Allison lo aveva assunto per uccidere Lina, pagandolo in parte con
una collana d’oro che suo padre le aveva comprato come regalo. Non
sapendo cosa credere, Bill riesce comunque a riportare Allison a
casa, ma una volta tornati in Oklahoma, dopo essere stati accolti
come eroi dalla comunità e dalle autorità locali, Bill affronta sua
figlia per scoprire quale ruolo abbia realmente avuto nella morte
di Lina.
Incapace di tenere nascosto il suo
segreto più grande, Allison racconta a suo padre cosa è successo la
notte dell’omicidio. Dopo aver scoperto che la sua amante la
tradiva, Allison dice di aver rotto con Lina e di aver voluto che
se ne andasse di casa, quindi ha assunto Akim per “sbarazzarsi di
lei”. E anche se dice di non aver mai voluto fare del male a Lina,
le istruzioni di Allison sono state fraintese, portando alla morte
della sua ex ragazza.
Abigail Breslin e Matt Damon in La ragazza di
Stillwater
Il significato del finale di
La ragazza di Stillwater
Fondamentalmente, La ragazza
di Stillwater è un’analisi del trauma, del dolore e del
lasciar andare. Racconta di come Allison, una giovane donna dal
cuore buono, abbia commesso un errore fatale e sia stata costretta
a pagare un prezzo molto alto. E di come debba fare i conti con il
suo ruolo nella morte della sua ex fidanzata, senza aver mai avuto
la possibilità di dirle addio o di piangerne la perdita. Alla fine
del film, vediamo Allison farsi persino tatuare il nome di Lina in
prigione prima di uscire, un simbolo del suo amore, a dimostrazione
che non ha mai voluto farle del male. Ma vediamo anche che alla
fine del film Bill è un uomo cambiato, e non solo per la dura prova
che ha dovuto affrontare per liberare sua figlia.
All’inizio del film, abbiamo appreso
che Bill ha avuto problemi con la droga e l’alcol, presumibilmente
come tragico modo per affrontare la morte di sua moglie. Ma questa
volta, affrontando la detenzione di sua figlia e la lotta per la
giustizia, Bill ha imparato ad affrontare meglio i suoi problemi
incanalando la sua energia in qualcosa di buono: sia la sua ricerca
della giustizia che una nuova famiglia. E così facendo, sia Bill
che sua figlia imparano il valore del perdono verso se stessi. Allo
stesso modo, Allison ha finalmente trovato un modo per superare il
risentimento verso suo padre, mentre Bill riesce a vedere oltre gli
errori di Allison e a comprendere le ragioni che l’hanno spinta ad
andarsene.
Perché è cambiata l’opinione di
Bill sull’Oklahoma?
Dopo che Bill e Allison hanno
condiviso un momento commovente, con Allison che confessa il suo
coinvolgimento nell’omicidio di Lina, i due condividono un momento
solenne sulla veranda di casa loro. È la prima mattina che Allison
trascorre a casa dopo anni e lei osserva che nulla è cambiato. La
sua vecchia città natale è esattamente come la ricorda. Ma Bill non
è d’accordo… nella sua battuta finale, il lavoratore stanco del
mondo dice che nulla sembra più lo stesso. Ma cosa intende dire con
questo?
L’intera visione del mondo di Bill è
stata messa in discussione e cambiata dalla sua lotta per liberare
sua figlia. Ha conosciuto Allison in un modo che non aveva mai
conosciuto prima, rendendosi conto che sono persone molto diverse.
E attraverso Virginie e Maya, Bill ha imparato a essere un uomo, un
marito e un padre migliore. Un altro tema che viene toccato, in
qualche modo sotto la superficie, è un messaggio sul bigottismo e
l’intolleranza.
La maggior parte dei francesi guarda
con disprezzo Bill, che, provenendo dalle città rurali del sud
degli Stati Uniti, viene considerato un razzista arretrato e
possessore di armi da fuoco. Bill ammette di avere molti amici
nella sua città natale che nutrono atteggiamenti razzisti e,
sebbene non esprima mai i propri sentimenti al riguardo, l’incontro
con un francese che manifesta apertamente il proprio disprezzo per
gli immigrati rende chiaro il messaggio. Dopo essere stato esposto
a un’altra cultura e essersi innamorato della più socialmente
consapevole Virginie, Bill torna con una prospettiva diversa sul
mondo.
Matt Damon in La ragazza di Stillwater
Bill ha ottenuto la redenzione che
cercava?
La forza trainante di La
ragazza di Stillwater potrebbe essere la ricerca di Bill
per dimostrare l’innocenza di Allison, ma Bill rimane comunque il
cuore della storia: un padre alla ricerca di un’altra possibilità
per fare la cosa giusta per sua figlia. Nel corso del film
scopriamo che Bill non è stato un buon genitore. Ha abusato di
droghe e alcol, ha trascorso del tempo in prigione e raramente è
stato presente per sua figlia durante la sua crescita. Lei non ha
un rapporto solido con lui, soprattutto dopo la morte della madre,
e anche quando emergono nuove prove nel suo caso, non si fida di
lui.
Bill commette però un errore
iniziale, mentendo ad Allison dicendole che il loro avvocato ha
accettato di riaprire il caso, quando in realtà se ne sta occupando
lui stesso, e questo allontana sua figlia. Ma quando lui dimostra
ad Allison di esserci per lei, rimanendo in Francia per starle
vicino, lei comincia a rendersi conto che forse lui sta davvero
voltando pagina. E mentre lei rimane scettica sul fatto che lui non
la deluderà di nuovo, Bill supera incredibili difficoltà per
liberare Allison, e i due formano un legame padre-figlia che non
avevano mai avuto prima, mentre Bill finalmente si riscatta agli
occhi di sua figlia.
Come si rapporta il finale di
La ragazza di Stillwater con la storia che lo ha
ispirato?
La ragazza di
Stillwater è stato fortemente ispirato dalla storia di
Amanda Knox, un fatto che non è sfuggito alla critica e al
pubblico. Ma mentre il film e la storia vera condividono molte
somiglianze, ci sono diverse differenze sorprendenti, soprattutto
nella conclusione del film. Allison Baker, come Amanda Knox, è una
studentessa universitaria americana che studiava all’estero quando
la sua compagna di stanza è stata assassinata. Come Knox, Baker è
la principale sospettata dell’omicidio e viene processata,
dichiarata colpevole e condannata a una lunga pena detentiva.
Come Knox, Allison viene infine
rilasciata e scagionata da tutte le accuse quando emergono nuove
prove. In La ragazza di Stillwater, tuttavia, alla
fine si scopre che Allison era almeno in parte responsabile
dell’omicidio della sua coinquilina. Ciò è in netto contrasto con
quanto accaduto ad Amanda Knox. Condannata inizialmente per
omicidio (tra le altre accuse) nel 2011, Knox è stata condannata a
più di 20 anni di carcere insieme al suo fidanzato, Raffaele
Sollecito, poiché i giurati ritenevano che Sollecito avesse tenuto
ferma la vittima mentre Knox commetteva l’omicidio (come riportato
dalla BBC News all’epoca).
Anni dopo, però, sono emerse nuove
prove che hanno scagionato Knox dall’accusa di omicidio. Dopo una
complicata serie di processi e appelli, Knox è stata finalmente
dichiarata innocente nel 2015, mentre il ladro Rudy
Guede è stato riconosciuto colpevole del crimine. A
differenza di Allison, dopo la sua assoluzione definitiva non è mai
stato insinuato che Knox avesse avuto alcun ruolo
nell’omicidio.
La premessa del
film thrillerFuori dall’oscurità, del regista
scozzese Andrew Cumming, è
piuttosto semplice: un gruppo di persone che cerca di sopravvivere
a un mostro nella natura selvaggia. Ma ecco l’aspetto emozionante:
il film è
ambientato nell’età della pietra, 45.000 anni nel passato, per
l’esattezza. Questo aggiunge valore alla narrazione, che è
ulteriormente rafforzata da una fotografia mozzafiato che si basa
molto sui vasti terreni aperti della Scozia e su una tavolozza di
colori morbosi. La pulsante colonna sonora di Adam Janota
Bzowski è poi una vera e propria rivoluzione.
Si tratta sicuramente di un
esperimento particolarmente intrigante, un film uscito nel 2022
passato fin troppo in sordina e che può ora essere riscoperto
grazie al suo passaggio televisivo. Ciò che lo rende ancora più
interessante, però, è che a circa un’ora dall’inizio, Fuori
dall’oscurità si svela essere non un film di mostri!
In questo articolo, approfondiamo dunque il finale della pellicola,
con anche le parole del regista su questa controversa e
sorprendente conclusione.
La trama di Fuori
dall’oscurità
Fuori dall’oscurità
inizia con una storia raccontata da un gruppo di vecchi Hoso
Sapiens a dei giovani. Si dà il caso che sia la loro stessa storia.
Sono un gruppo di sei persone: Adem (Chuku
Modu), che è il leader e automaticamente l’equivalente
alfa; suo fratello Geirr (Kit
Young); Ave (Iola
Evans), che porta in grembo il figlio di Adem;
Heron (Luna Mwezi), il figlio di
Adem; un uomo anziano (e saggio) di nome Odal
(Arno Lüning); e una giovane vagabonda,
Beyah (Safia Oakley-Green). Il
gruppo ha raggiunto una nuova terra e spera di trovarvi cibo e
riparo. Ma la terra è piena di sterminati altopiani e (molto
probabilmente) di molti pericoli sconosciuti. Ma Adem è
irremovibile e fiducioso sul posto.
Odal, invece, non è molto entusiasta
di avventurarsi in questa terra sconosciuta, ma il leader non è
disposto ad ascoltare né lui né altri. Con uno come lui a capo, le
cose sono destinate ad andare male, ed è proprio così che va.
Quando Adem e Geirr scoprono i resti insanguinati di un animale
selvatico, capiscono che c’è qualcosa di pericoloso nei paraggi. Ma
Adem è abbastanza sciocco da tenerlo nascosto al suo gruppo. Nel
buio della notte, quando il gruppo sta morendo di fame, sentono un
suono minaccioso provenire da una creatura che non riescono a
vedere. La creatura si allontana poco dopo, ma nel giro di pochi
secondi il gruppo si rende conto che Heron è sparito.
Kit Young e Chuku Modu in Fuori dall’oscurità. Foto di LAURA
RADFORD
Adem decide allora di partire alla
ricerca del figlio, soprattutto perché per lui è una questione di
orgoglio. Così si addentra coraggiosamente nel bosco e il gruppo
non ha altra scelta che seguirlo. Naturalmente, non ci vuole molto
perché si rendano conto del terribile errore commesso dal loro
leader quando Adem tenta di sferrare un attacco alla creatura,
finendo pesantemente ferito e con gran parte del volto mutilato.
Con Ave che soffre molto e tutti gli altri che muoiono di fame
oltre ogni limite, Beyah suggerisce di uccidere Adem e consumarlo.
Geirr è contrario a questa idea, ma Odal e Ave sono abbastanza
pragmatici da approvarla ed eseguirla.
La verità sulla creatura nel
bosco
Con la scomparsa di Adem, c’è un
cambiamento di potere nelle dinamiche del gruppo e, nonostante
Geirr voglia assumere il ruolo di leader, gli altri non sono troppo
entusiasti dell’idea. Il “vecchio e saggio” Odal non vuole pensare
a Geirr come a qualcosa di diverso dai muscoli. Ave, ovviamente, ha
la sua importanza in quanto portatrice di una nuova vita. Ma Beyah
è una randagia che potrebbe essere responsabile di aver portato il
demone al gruppo. O almeno questo è ciò che pensa Odal. Egli
sottolinea che la creatura li ha attaccati per la prima volta la
notte in cui Beyah ha avuto le prime mestruazioni. Secondo Odal, il
sangue delle mestruazioni è abbastanza forte da attirare la
creatura come una calamita.
Alla luce di ciò, Ave si pone dalla
parte di Odal e i due decidono di offrire Beyah al demone, sperando
che li risparmi. Ancora una volta Geirr non è d’accordo, ma Odal lo
mette subito al tappeto. Lui e Ave trattengono poi con forza Beyah
e iniziano a chiamare la creatura. Ma Beyah riesce a sopraffarli e
a scappare. La creatura, tuttavia, arriva e finalmente la si vede
bene per la prima volta, svelando che assomiglia molto a un essere
umano. Il segreto meglio custodito del film viene così svelato,
chiarendo che si tratta di una donna di Neanderthal che indossa una
maschera ed emette un suono simile a quello della creatura. Nello
scontro, Odal e Ave vengono uccisi, con la donna che porta via il
corpo di Ave.
La spiegazione del finale di
Fuori dall’oscurità
Rendendosi conto che non c’è nessun
mostro soprannaturale o altro, Beyah insegue la donna di
Neanderthal. Viene però fermata nel suo inseguimento da Geirr, che
ritiene che non si debbano attaccare i Neanderthal perché sono loro
uguali. Ma Beyah crede che siano superiori, il che, storicamente
parlando, non è sbagliato. Una volta scoperta la caverna del
Neanderthal, Beyah scorge un maschio al di fuori di essa. Anche se
l’uomo di Neanderthal è chiaramente più grande e più forte di lei,
Beyah è abbastanza intelligente da vincere la battaglia e alla fine
lo uccide. All’interno della caverna, trova la donna e, come è
ovvio, anche Heron. Ma lui sembra in forma, in forma e,
soprattutto, ben nutrito.
Safia Oakley-Green in Fuori dall’oscurità. Foto di LAURA
RADFORD
Beyah nota anche che il corpo di Ave
è tenuto in modo rispettoso, il che fa pensare che i Neanderthal
vogliano onorarla. Mentre sembra che Heron abbia trovato un
rapporto con queste persone, Beyah non vuole correre il rischio e
uccide la donna. Heron condanna l’atto, ma Beyah gli dice che
questo è l’unico modo per sopravvivere. Tuttavia, la donna giunge
presto alla conclusione che anche i Neanderthal, come loro, erano
alla ricerca di una vita migliore e non volevano fare del male. E
rendendo il nemico molto simile all’eroe, il regista confonde la
dinamica tra predatore e preda, favorendo un terzo atto
scioccante.
“Il film parla della
paura”, ha affermato Cumming in un’intervista a Variety. “Una paura reale.
La paura di un demone, di un mostro o di una tigre dai denti a
sciabola che ti perseguita. Ma volevo che l’ultimo terzo del film
fosse: “Ora sappiamo cos’è questa cosa. Sappiamo che possiamo
ucciderla. E se non riusciamo a ucciderla, moriremo”. “Se
siete un certo tipo di appassionati di horror e i primi due terzi
di questo film sono un monster movie, posso capire che vi sentiate
ingannati. Ma spero che la gente possa fare un passo indietro e
pensare a ciò che accade dopo la rivelazione del secondo atto e
prendere il film al suo valore nominale… Penso che sia un messaggio
davvero potente”.
Si tratta di un messaggio senza
tempo, aggiunge Cumming, simbolico del fatto che Fuori
dall’oscurità è stato concepito durante le prime fasi
della pandemia, quando la paura sembrava inghiottire la fiducia che
le persone avevano l’una nell’altra. “Se le parole ‘45.000 anni
fa’ non apparissero all’inizio del film, questo potrebbe essere il
futuro”, insiste. “Potrebbe essere un mondo
post-apocalittico in cui le persone stanno lottando per la
sopravvivenza e continuano a fare gli stessi errori”.
Scopri anche il finale di questi film simili a Fuori
dall’oscurità:
Apple
TV+ ha annunciato il rinnovo per la terza stagione di “The
Buccaneers”, l’amata serie dramedy prodotta da The
Forge e ispirata all’omonimo romanzo incompiuto dell’autrice
vincitrice del Premio Pulitzer Edith Wharton. Sin dal suo debutto,
“The Buccaneers” è stata salutata come “un sontuoso dramma storico
che appare fresco e moderno, con una narrazione veloce e ricca di
colpi di scena” e una “spumeggiante avventura femminista” che è
“una delizia inaspettata”, con un “potente cast corale”.
«Non potremmo essere più felici di
allacciare i nostri corsetti, indossare i nostri abiti da ballo e
correre senza fiato sulle scogliere di Tintagel per la terza volta
per vedere quali appassionanti avventure vivranno le nostre amate
Buccaneers», ha dichiarato la creatrice della serie Katherine
Jakeaways. «Un enorme grazie ad Apple TV+ e anche agli spettatori
affezionati che amano la serie tanto quanto noi».
Nella prima stagione di “The Buccaneers”, un gruppo di giovani
ragazze americane amanti del divertimento ha fatto irruzione nella
rigida Londra degli anni ’70 dell’Ottocento, facendo battere forte
i cuori e dando il via a uno scontro culturale anglo-americano. La
seconda stagione ha visto queste turbolente americane alle prese
con l’amore, il cuore spezzato, la maternità, la gelosia e tutta la
forza del sistema legale inglese. Nella terza stagione le nostre
Buccaneers stanno reagendo. E lo fanno insieme. Quando sono
arrivate in Inghilterra, stavano tutte vivendo il loro primo amore.
Ora sono alla ricerca dell’amore della loro vita. E con un nuovo ed
enigmatico duca al timone, anche Tintagel sta affrontando un futuro
incerto. Se la cortese società inglese pensava che le nostre
ragazze americane avessero scosso la barca, questo nuovo duca
ribelle sta per affondarla.
La seconda stagione di “The Buccaneers” ha visto protagonisti
Kristine Frøseth, Alisha Boe, Aubri Ibrag, Josie Totah, Imogen
Waterhouse, Mia Threapleton, la candidata all’Emmy Christina
Hendricks, Leighton Meester, Grace Ambrose, Maria Almeida, Amelia
Bullmore, Fenella Woolgar, Guy Remmers, Matthew Broome, Josh Dylan,
Barney Fishwick, Greg Wise e Jacob Ifan.
Scritta dalla creatrice della serie
Katherine Jakeways, la seconda stagione è stata diretta dal
vincitore del BAFTA Award William McGregor, dalla vincitrice del
DGA Award Rachel Leiterman, da John Hardwick e Charlie Manton.
Jakeways e la vincitrice dell’Emmy Beth Willis sono produttrici
esecutive, mentre Joe Innes si unisce al team come produttore
esecutivo della terza stagione. “The Buccaneers” è prodotta per
Apple TV+ da The Forge Entertainment, una società di Banijay UK. Le
prime due stagioni complete di “The Buccaneers” sono disponibili in
streaming su Apple TV+.
Ma il male li raggiunge:
Sabrina, ormai posseduta, appare e rapisce Santi,
uccidendolo e divorandolo. Mirta intuisce che anche Jair è
contaminato, ma il suo cervello autistico blocca temporaneamente
l’influenza demoniaca. Poco dopo, Jair inizia però a parlare e
camminare, segno che la possessione sta vincendo.
Saunton Sands, Devon,
Regno Unito
Jersey City, New
Jersey
