Inevitabilmente, il motivo di maggior interesse del Ticket to Paradise che Universal porta sugli schermi dei cinema di tutta Italia dal 6 ottobre è sicuramente la presenza di due star della Hollywood contemporanea come George Clooney e Julia Roberts. Due icone, sorridenti e legate – pare – da sincera amicizia (e riconoscenza, stando a quanto dichiarato dall’attrice sul tempo passato insieme durante le riprese), che ritroviamo insieme dopo un paio di Ocean’s, le Confessioni di una mente pericolosa del 2002 e il Money Monster – L’altra faccia del denaro del 2016.

Purtroppo, come nel caso del suo precedente Mamma Mia! Ci Risiamo, lo sceneggiatore dei Marigold Hotel e regista Ol Parker sembra puntare ad accontentare il pubblico, assemblando un prodotto scolastico e prevedibile, premurandosi di non far mancare nulla di quanto richiesto dal manuale della commedia romantica, tanto più se mescolata con un matrimonio contrastato, un briciolo di conflitto generazionale e delle location da sogno.

Ticket to Paradise – Benvenuti in Paradiso

Quelle del Queensland australiano, in questo caso scelte per rappresentare Bali, dove la giovane e innamoratissima Lily (la Kaitlyn Dever di Dopesick) ha organizzato le sue nozze con il locale Gede (l’esordiente Maxime Bouttier), conosciuto da troppo poco perché i due genitori – divorziati da decenni e ancora in guerra – non sentano il bisogno di allearsi per mandare a monte il matrimonio.

Ma dai tempi di Montecchi e Capuleti, non è una impresa facile far cambiare idea a due giovani amanti, pur se animati dall’encomiabile intenzione di evitare che commettano gli stessi nostri errori. Ma una seconda possibilità non si nega a nessuno, tanto più nel mondo dorato delle Rom-Com hollywoodiane.

Due stelle e poco più

Purtroppo quella concessa a Parker non sembra aver sortito l’effetto sperato, o meglio, averci offerto una prova di un suo talento nascosto ancora da esprimere. Ogni possibile spunto – dal clash culturale al rovesciamento dei ruoli – viene lasciato nella penna degli sceneggiatori (l’esordiente Daniel Pipski, insieme al regista), evidentemente più attenti a puntare i riflettori sui due pezzi da novanta a disposizione.

Che fanno il loro, e anche di più, nonostante proprio George Clooney avesse dichiarato di non voler fare più commedie romantiche dopo il Un giorno… per caso del 1996. Ma sia lui, sia la Roberts risultano tra i produttori del film (con le loro Smokehouse Pictures e Red Om Films, rispettivamente), e questo spiega molte cose. Soprattutto grazie a loro, tutto scorre come deve, senza intoppi e in maniera perfettamente coerente con i canoni del genere, se questo può valere come merito da ascrivere al film. Insieme a quello di riproporci la Billie Lourd, figlia di Carrie Fisher, nei panni di Wren, la migliore amica d’infanzia di Lily, che sarebbe stato interessante sviluppare maggiormente.

Chi vuol esser lieto, sia, ci ripete Ol ‘Il magnifico’, e tra catastrofi annunciate e la messa alla berlina di un maschilismo che Clooney riesce a rendere divertente, la vicenda avanza rispettando ogni regola. Incluse quelle dei due famosi ex, ancora legati al vissuto passato e a una serie di trucchetti che faranno la gioia del pubblico (e dei fan dell’italiano di George). Regalini simpatici, che costituiscono la spina dorsale del film, nel bene e nel male, e fanno venire voglia di rivedere George e Julia in qualcuna delle loro prove precedenti, e magari di recuperare un classico come il padre della sposa (se non di prenotare un viaggio agli antipodi).

Da noi c’è chi si lamenta di genitori come Peppa Pig, ma le problematiche di una paternità o maternità sono decisamente altre. Come ha chiaro la finlandese Hanna Bergholm, al suo primo lungometraggio dopo tanti corti e una dozzina di episodi di serie tv locali. È lei la regista e sceneggiatrice di Hatching – La forma del male, horror presentato al Sundance Film Festival 2022 che accogliamo volentieri nelle nostre sale (dal 6 ottobre, distribuito da Adler Entertainment) e che conferma la bontà della cinematografia nordica, soprattutto quando si tratta di brividi quotidiani.

La scelta di conservare il titolo originale al fianco della generica e discutibile spiegazione italiana è sicuramente un merito, e rimanda alla “schiusa” al centro della storia (questa la traduzione letterale, insieme agli altrettanto significativi “covata” o “covare“). Meglio non considerare troppo quella “forma del male“, a meno di non volerlo intendere in senso molto più ampio di quello che l’appartenenza al genere suggerirebbe.

Hatching: il prezzo di un’esistenza perfetta

Un’operazione non facile – quella di cercare di aprire la mente e allargare lo sguardo – anche per le stesse protagoniste della vicenda, principalmente la giovane ginnasta Tinja (Siiri Solalinna) e sua madre (Sophia Heikkilä), ossessionata dall’immagine propria e della propria famiglia, protagonista impotente del popolare blog “Lovely Everyday Life” e obbligata a vivere una esistenza idilliaca esempio di perfezione suburbana.

In questo contesto, la vita della dodicenne è occupata dai duri allenamenti di ginnastica e il disperato tentativo di compiacere la madre… fino a che, un giorno, Tinja trova un uccello ferito nel bosco e decide di portare a casa il suo strano uovo. Sistematolo nel proprio letto, inizia a curarlo e nutrirlo finché non si schiude. Ma la misteriosa creatura che ne emerge inizia a stabilire un rapporto ambiguo e sempre più stretto con la ragazza, migliore amica e vittima di un incubo vivente, che finisce per distorcere la realtà in un modo che ‘mamma perfezione’ si rifiuta di vedere.

La forza della Natura

Crescere da soli, o senza sentire l’amore di uno o due genitori, sono le condizioni che la regista affronta in maniera simmetrica, ponendo le condizioni per la strana simbiosi che si crea tra due creature in pieno sviluppo. Un rapporto fatto di bisogni complementari e di sostentamento, reciproco. Ma senza una guida a porre dei limiti, il rischio è quello del cannibalismo, simbolicamente parlando.

Un modo originale di raccontare l’adolescenza, le sue debolezze e necessità, e la superficialità della società moderna utilizzando un horror all’apparenza Old School, fatto di effetti artigianali davvero speciali. E di affrontare il desiderio – spesso non consapevole – di fuga, o cambiamento… a ogni costo.

Mentre conosciamo le paure e le frustrazioni delle parti in causa, ne scopriamo i limiti, e i labili principi, e quanto le trasformazioni che vediamo non siano tanto quelle esteriori. A differenza di un Dorian Gray ‘qualsiasi’, in Hatching – La forma del male siamo costretti a confrontarci con l’immagine che abbiamo costruito, e a difenderci da quel che lo specchio di restituisce, come vediamo nel disturbante finale. Che arriva dopo premesse strumentalmente disattese, in modo da creare un effetto di straniamento e di sorpresa, e una costruzione tra iperrealismo e horror psicologico che racconta di madri spietate (come anche sa essere la Natura), ma che offre uno spunto di seria riflessione su cosa comporti il crescere.

Mamie Till impedì all’America di voltarsi dall’altra parte. Costrinse il Paese a guardare il volto sfigurato di suo figlio Emmett, linciato a soli quattordici anni nel Mississippi del 1955, dove da Chicago si era recato in vacanza per qualche giorno. E perché? Per essere un preadolescente di colore che aveva osato alzare gli occhi verso la padrona di un emporio…

Till, la storia vera

A tre anni dal potente Clemency che vedeva protagonisti Alfre Woodard e Aldis Hodge, la regista Chinonye Chukwu porta sul grande schermo una delle storie più agghiaccianti che riguardano il razzismo e la violenza negli nel sud degli Stati Uniti. Per farlo si affida a un’idea di messa in scena molto “classica”, che sfrutta con solidità e sapienza gli stilemi del melodramma in costume. Una scelta estetica che punta esplicitamente ad abbracciare un maggior numero possibile di spettatori, i quali si trovano di fronte un film la cui confezione si presenta scena dopo scena sempre inappuntabile, dalla fotografia al montaggio, dai costumi alla colonna sonora molto toccante di Abel Korzeniowski. Una scelta forse fin troppo leccata e “conservativa” da parte della cineasta e della produzione? Sarebbe piuttosto riduttivo affermarlo, poiché la Chukwu costruisce Till adoperando tre elementi principali che le permettono di elevare lo spessore del suo film.

La violenza raccontata con pudore

Prima di tutto la regista non si tira indietro quando c’è da mostrare l’orrore della violenza e dell’odio, ma riesce a farlo senza mai indulgere nello stesso al fine di creare un effetto scioccante. Anche nei momenti in cui Till si fa maggiormente esplicito, come nelle sequenze del riconoscimento del cadavere da parte di Mamie e in quella del funerale con la bara aperta, la regia adopera un pudore contenuto di ammirevole lucidità, ed anche quando le immagini si fanno forti non si ha mai la sensazione che vi sia alcuna gratuità in esse. E questo è un pregio enorme di Till.

La seconda, grande forza del lungometraggio sta nella sceneggiatura scritta dalla Chukwu insieme a Keith Beauchamp e Michael Reilly: sfruttando uno sviluppo drammaturgico tanto solido quando prevedibile, lo script offre però elementi di analisi e di discussione estremamente contemporanei, che si rivolgono alla situazione odierna dell’America almeno quanto lo fanno con quella del passato. Ed ecco allora che frasi come “It wasn’t just two men with a gun…”, oppure il semplice gesto di un testimone nero che osa puntare il dito contro un imputato bianco, diventano fortemente emblematiche, e fanno di Till una riflessione dall’impatto emozionale ma anche intellettuale difficili da ignorare.

La forza nella sceneggiatura

Altra finissima scelta di scrittura si rivela quella di scegliere come “antagonista” psicologico e morale del personaggio protagonista non tanto gli assassini del ragazzo quanto la donna che lo ha accusato e consegnato ai suoi aguzzini. Ecco che allora Till scivola mirabilmente verso uno studio tutto o quasi al femminile, quello che vede una donna chiedersi senza successo come un’altra donna (e madre) abbia potuto essere capace di tanto odio nei confronti di suo figlio. I momenti in cui Mamie osserva il volto inespressivo della “vittima” Caroly Bryant (una coraggiosa Haley Bennett) sono probabilmente i più dolorosi dell’intero lungometraggio. E questo ci porta alla terza carta vincente, ovvero la prova maiuscola della protagonista Danielle Deadwyler.

La capacità di trattenere dentro una compostezza quasi altera le emozioni del personaggio, lasciandole poi trasparire in poche ma precise scene aumentandone la veridicità, le consente di sfruttare col passare delle sequenze una performance dotata di una potente coerenza interna. La presa di coscienza di Mamie Till viene caratterizzata dalla Deadwyler con una precisione certosina, con un lavoro sul linguaggio del corpo esemplare, qualità che affievoliscono anche alcune ridondanze proposte dal lungometraggio soprattutto nei primi quindici, venti minuti.

Se Till è un’opera migliore e in qualche modo diversa rispetto a questo tipo di cinema storico-civile che cerca anche il consenso del pubblico più vasto, il merito va anche condiviso con la performance molto calibrata di un’attrice che meriterebbe di concorrere nella stagione delle nomination e dei premi che si sta avvicinando. Till sceglie di raccontare una vicenda dolorosa e terribile, dimostra di sapere molto bene come farlo e non si vergogna di voler far arrivare la propria storia – e i messaggi che essa contiene  – a quanti più spettatori possibile. E a nostro avviso è più che giusto così.