Collider ha avuto modo di
intervistare la star di Gotham, Morena Baccarin e Ben McKenzie, per una coinvolgente tavola
rotonda. Tra gli argomenti discussi, l’attesissimo sequel del
thriller catastrofico Greenland del 2020, intitolato
Greenland:Migration. La Baccarin ha dato ai
fan uno sguardo dall’interno sull’estenuante processo di ripresa
del sequel, che si è concluso di recente. Il film originale è un
thriller catastrofico che racconta di una famiglia che lotta per
sopravvivere quando i frammenti di una cometa si schiantano sulla
Terra, causando un’ampia distruzione. Il film segue John Garrity
(Gerard
Butler) e la sua famiglia mentre corrono per
raggiungere un bunker sicuro in Groenlandia in mezzo al caos. Il
film, incentrato sulla sopravvivenza e sul dramma emotivo, ha avuto
un successo di pubblico sorprendente, che ha portato allo sviluppo
di un sequel.
Collider ha chiesto alla Baccarin
se si sarebbe mai aspettata che Greenland sarebbe stato il
progetto che avrebbe portato a un sequel, vista la sua variegata
filmografia. Ha anche chiesto quali sono state le sfide della
produzione del sequel. “Sono state le riprese più difficili
della mia vita”, ha rivelato Baccarin. “Non le più
facili, non le più divertenti. Un’esperienza davvero difficile.
Siamo stati spesso all’aperto. Abbiamo girato a Londra e in
Islanda. È stato fisicamente faticoso, emotivamente
faticoso”.
‘Groenlandia:Migration’
ha molto da offrire
L’onesta riflessione della Baccarin
sulle condizioni di ripresa ha lasciato intendere l’intensa
atmosfera sul set. “Non so se avete avuto un incontro con [il
regista Ric Roman Waugh] di recente, ma
sono sicura che anche per lui è stata la stessa cosa”, ha
spiegato l’attrice.
“Penso che il film abbia delle
cose davvero meravigliose, la storia di questa famiglia che cerca
davvero di sopravvivere, e penso che funzioni davvero e penso che
sia per questo che ha avuto un sequel.Sono molto curiosa di
vederlo io stessa, perché ho l’impressione che sia stato un
miscuglio di stanchezza, corse e pianti, proprio come il
primo”.
McKenzie ha aggiunto che, da quello
che ha sentito, Greenland:Migration porta le cose a un livello
completamente nuovo. “Ma il secondo film ha un’atmosfera più
globale”, ha osservato. “È stato girato in Europa e in
varie altre località. Sembra che, senza giri di parole, fornisca
un’esperienza simile allo spettatore, ma ancora più grande, ancora
più grande. È piuttosto forte, con un sacco di acrobazie”.
Gli spettatori IMAX di tutto il
mondo hanno sentito il terrificante abbraccio di Alien:
Romulus (recensione)
della Disney/20th Century, che ha raggiunto la cifra sbalorditiva
di 16,8 milioni di dollari al botteghino IMAX, pari a uno
sbalorditivo 15,5% del totale del weekend di apertura globale.
Questa impressionante performance segna la seconda apertura globale
più alta di sempre per IMAX nel mese di agosto, a dimostrazione del
fascino duraturo del franchise di
Alien. Rich Gelfond,
CEO di IMAX, ha espresso entusiasmo per il successo del film,
dichiarando:
“La strategia della Disney di
puntare sull’IMAX per il suo marketing ha dato grandi risultati,
con la nostra rete che ha raggiunto una quota a due cifre del box
office in tutto il mondo, compresa la Cina.Fede Álvarez ha
realizzato uno dei migliori film di questa serie e la Disney ha
sfruttato con successo l’IMAX per contribuire a dare un tocco di
freschezza a questo amato e longevo franchise”.
Alien:
Romulus, l’ultimo nato della serie di 45
anni, è stato presentato interamente nell’esclusivo formato IMAX
espanso negli USA, offrendo un’esperienza visivamente coinvolgente
che ha risuonato con una nuova generazione di spettatori. Forse
sarebbe anche ora di implementare anche nel nostro paese, l’Italia
questo formato che regala un’esperienza decisamente più
coinvolgente rispetto al classico formato. Nel nostro paese
il film si è attestato ad un weekend d’apertura di 1.196.117 €.
Il film ha guadagnato 7,3 milioni
di dollari da 400 schermi nel solo Nord America, rappresentando un
sostanzioso 17,6% del totale nazionale. Anche i mercati
internazionali hanno mostrato un forte sostegno, con
Romulus che ha aperto con 9,5 milioni di dollari, compresi
i 5 milioni di dollari della rete IMAX Cina, che rappresentano il
23% del totale degli incassi nella regione. Si prevede che il
successo di Alien:
Romulus continuerà ad arrivare sugli
schermi IMAX di tutto il mondo, con il debutto del film in India
previsto per la fine di questa settimana.
Attualmente il film ha ottenuto un
punteggio “fresco” dell’81% sul sito web aggregatore Rotten
Tomatoes, con un punteggio del pubblico leggermente
migliore dell’86%. Alien: Romulus ha anche ottenuto un
CinemaScore B+ dal pubblico del giorno di apertura, il migliore in
quasi 40 anni per il franchise. Nella
sua recensione, Gianmaria
Cataldo di Cinefilos.it ha scritto che il film “Poco spaventoso
ma indubbiamente avvincente, ben concepito e raccapricciante il
giusto, il nuovo capitolo del celebre franchise rappresenta un
ritorno alle origini capace però di aggiungere anche qualcosa in
più alla mitologia della saga.”.
Cos’altro è stato proiettato in
IMAX questa settimana?
Per quanto riguarda le altre
notizie sull’IMAX, Deadpool &
Wolverine della Disney/Marvel continua a scalare le
classifiche, superando gli 81 milioni di dollari di incassi globali
IMAX, consolidando il suo posto tra i primi 25 titoli IMAX di tutti
i tempi.
Nel frattempo, il mercato cinese ha
visto un debutto più modesto con Detective Conan:
Million Dollar Pentagram, che ha aperto con 500
milioni di dollari mentre condivideva gli schermi IMAX con
Alien: Romulus, portando il totale cumulativo IMAX a 5,1
milioni di dollari in Cina. Questa settimana, IMAX ospiterà anche
l’apertura di The Crow di Filmnation/Lionsgate su
625 schermi in 44 mercati, tra cui Nord America, Regno Unito, Medio
Oriente, Messico e Brasile.
Sebbene le congratulazioni siano
certamente d’obbligo per il fatto che Inside
Out 2 sia diventato il film Pixar di
maggior incasso e il più grande film d’animazione di tutti i
tempi, ora è tra i film di maggior successo nella storia
del medium, e questo merita un livello di ammirazione del tutto
diverso. Nel suo 10° weekend di uscita, il blockbuster d’animazione
ha superato una nuova pietra miliare che solo nove
film erano riusciti a raggiungere in precedenza. In questo modo, ha
mantenuto un posto nella classifica dei primi 10 film di tutti i
tempi al box office globale e ha esteso il suo vantaggio sul
secondo più grande successo dell’anno, Deadpool
& Wolverine, nella classifica 2024.
Con 642 milioni di dollari a
livello nazionale, Inside Out 2 è l’11° successo più
grande della storia, davanti a Barbie
(636 milioni di dollari) e The
Avengers (623 milioni di dollari). Il film ha
bisogno di soli 10 milioni di dollari in più per superare l’incasso
di Jurassic
World ed entrare nella top 10 degli incassi
nazionali di tutti i tempi. Dovrebbe riuscirci entro la fine della
sua corsa. Nei mercati esteri, il film ha raggiunto la
ragguardevole cifra di 983 milioni di dollari, il che significa che
Inside Out 2 è quasi certo di superare il miliardo
di dollari di incassi solo all’estero
entro la fine della sua corsa. L’incasso globale
cumulativo del film è ora di ben 1,62 miliardi di
dollari.
Inside Out 2 è in una
compagnia leggendaria, preceduto solo da remake del IlRe Leone (1,64 miliardi di
dollari), Jurassic World (1,66 miliardi di dollari),
Spider-Man: No Way Home (1,9
miliardi di dollari), Avengers:Infinity War (2,04 miliardi di dollari),
Star
Wars: Episodio VII – The Force Awakens (2,05
miliardi di dollari), Avatar: The Way of
Water (2,3 miliardi di dollari),
Avengers:Endgame (2,7 miliardi di dollari)
e Avatar (2,9 miliardi di
dollari). Il film ha incassato oltre 400 milioni di dollari in più
a livello globale rispetto al precedente film Pixar di maggior
incasso, Incredibili 2.
I film Pixar hanno incassato complessivamente oltre 17
miliardi di dollari in tutto il mondo
Inside Out 2 è stato prodotto
con un budget di 200 milioni di dollari, che rimane
standard per la Pixar, nonostante il notevole calo della
spesa per i film d’animazione da parte degli studi rivali. La
leggendaria casa d’animazione ha ora completato il suo ritorno,
dopo alcuni anni difficili segnati dalle uscite in
direct-to-streaming e da una manciata di film commerciali di
scarso successo. La Pixar non aveva avuto un successo dall’era
pre-pandemia, anche se aveva recuperato con premi meritati.
Inside Out 2 dovrebbe
essere uno dei principali candidati ai prossimi
Oscar, proprio come il suo predecessore, che vinse l’Oscar
per il miglior film d’animazione quasi dieci anni fa. Il film
sembra aver raggiunto un “fresco” 91% di gradimento sul sito
aggregatore Rotten Tomatoes e arriveràsulle piattaforme digitalitra un
paio di giorni. Come è stato osservato, tuttavia,
un’uscita digitale raramente influisce sull’andamento del
botteghino di un film di successo, a parte la prevista perdita di
spettatori nelle sale, ovviamente.
È ufficiale. Bridgerton
vedrà il ritorno del maggiore della famiglia nella prossima quarta
stagione. Dopo l’atteso
annuncio del casting di Yerin Ha per il
ruolo di Sophie Beckett, Jonathan Bailey ha confermato a
Good Morning America che riprenderà il suo ruolo di
Visconte Anthony Bridgerton.
“Ho un paio di settimane fissate
nella mia agenda per il ritorno”, spiega Bailey nell ‘intervista a GMA. “Non vedo l’ora di leggere i
copioni”. L’ultima volta che ha girato Bridgerton, Bailey
ha fatto il triplo lavoro, passando tra i set di Bridgerton,
Wicked
e Fellow Travelers. Entrare e uscire da un costume
d’epoca dopo l’altro non sembra aver scoraggiato l’amore della
Bailey per lo spettacolo.
“L’aspetto di Bridgerton, che è
così brillante, è che ci sono così tanti modi diversi in cui ci si
può innamorare come esseri umani ed è quello che questo spettacolo
esplorerà.Ovviamente, essendo il fratello maggiore, sarò lì
a sostenere i ragazzi nel corso della serie”.
I suoceri Bridgerton stanno
prendendo forma
Con le tre stagioni in corso su
Netflix e l’annuncio dell’interesse amoroso per la quarta stagione,
la famiglia Bridgerton si sta allargando. La serie, basata sulla
serie di 8 libri di Julia Quinn, segue ogni libro
un fratello Bridgerton che trova l’amore, spesso in luoghi
inaspettati nell’Inghilterra dell’epoca Regency. La prima stagione
ha visto Regé-Jean Page nei panni del Duca di
Hastings, Simon Bassett corteggiare la figlia maggiore dei
Bridgerton, Daphne (Phoebe
Dynevor). La rapida uscita di scena di Page dopo
la prima stagione ha lasciato un vuoto nella narrazione, ma Page ha
anche dato la sua approvazione per il rifacimento del Duca di
Hastings.
Nella seconda stagione, molto amata
dai fan, è stato il turno di Anthony Bridgerton (Jonathan Bailey)
di trovare l’amore. Dopo un matrimonio interrotto con un’altra
sposa, il suo personaggio sposa Kate Sharma (Simone
Ashley). La coppia torna, in attesa di un figlio,
nella terza stagione di Bridgerton. La terza stagione, che riprende
in pieno il tropo del fratello del migliore amico, vede Penelope
Featherington (Nicola Coughlan) e Colin
Bridgerton (Luke Newton) innamorarsi finalmente in
modo corretto.
Recentemente è stato annunciato che
Benedict Bridgerton (Luke Thompson) sarà il
protagonista della quarta stagione. I fan hanno reagito in modo
contrastante al fatto che la serie non fosse in ordine di libri (il
libro di Benedict viene prima di quello di Penelope e Colin), ma
ora è stato confermato che i fan vedranno l’adattamento di An
Offer From a Gentleman nella quarta stagione. Ieri è stato
confermato che Yerin Ha interpreterà il suo interesse amoroso,
Sophie Beckett. Il libro segue un filone simile a quello di
Cenerentola, con tanto di matrigna e sorellastra scortesi.
Abbiamo anche conosciuto altri due
suoceri dei Bridgerton: John e Michaela Sterling.
Francesca ha sposato John alla fine della quarta stagione e
(spoiler) dopo la morte di lui, starà con Michaela (Michael nei
libri). Se lo show continuerà a seguire in qualche modo i libri,
ampliandoli in modo inaspettato, speriamo di incontrare anche il
futuro sposo di Hyacinth Bridgerton (Florence
Hunt), Gareth St. Clair, che nei libri è il nipote di Lady
Agatha Danbury.
Poiché le riprese della quarta
stagione inizieranno a settembre, la Bailey è convinta che Thompson
sia più che pronto per la stagione di Benedict. “Benedict è
pieno di meraviglia e di gioia. È il cuore pulsante della
famiglia”, ha detto la Bailey. “Luke Thompson sarà
straordinario”. È possibile recuperare le prime tre stagioni
di Jonathan Bailey su Netflix.
Kaitlyn Dever, che interpreta
Abby nella prossima seconda stagione di The
Last of Us. I fan odiano così tanto Abby che
Kaitlyn Dever ha avuto bisogno di una sicurezza extra per la
seconda stagione di “The Last of
Us“ della HBO, ha dovuto affrontare misure di
sicurezza aggiuntive durante le riprese a causa dell’intensa
reazione al suo personaggio. In un recente episodio del podcast
Happy Sad Confused,
Isabela Merced, che interpreta Dina, ha
rivelato che la HBO ha aumentato le misure di sicurezza per la
Dever a causa delle preoccupazioni per la tossicità rivolta ad
Abby. La precauzione arriva sulla scia delle molestie e delle
minacce di morte che l’attrice Laura Bailey ha
ricevuto dopo aver interpretato Abby nel videogioco. Merced ha
elogiato il coraggio della Dever nell’affrontare un ruolo così
controverso, sottolineando la sua performance stellare. “Datele
quel dannato Emmy, onestamente”, ha esclamato Merced,
esprimendo l’entusiasmo dei fan per l’interpretazione della Dever
accanto alla Ellie di
Bella Ramsey.
Merced ha spiegato che, a causa
della tossicità che circonda il personaggio di Abby Anderson, è
stato necessario un aiuto extra per tenere la Dever al sicuro da
coloro che forse hanno trovato difficile separare la finzione dalla
realtà. Ha spiegato:
“Ci sono così tante persone
strane in questo mondo perché ci sono persone che odiano davvero
Abby, che non è una persona reale”.Solo per ricordare:Non è una persona reale”.Kaitlyn ha dovuto essere
protetta dalla sicurezza durante le riprese”.
Perché Abby Anderson è così
controversa in ‘The Last of Us’?
Abby è diventata uno dei
personaggi più controversi di The Last of Us Part II soprattutto perché uccide
Joel, un personaggio molto amato del primo gioco, all’inizio della
storia. La morte di Joel ha scioccato e fatto arrabbiare molti fan,
poiché era il protagonista del gioco originale e aveva un profondo
legame emotivo con i giocatori. Il gioco costringe i giocatori a
controllare Abby per una parte significativa della storia,
chiedendo loro di immedesimarsi in lei e di capire le sue
motivazioni. Questa scelta narrativa, che sovverte le aspettative e
mette in discussione la lealtà dei giocatori, ha provocato
un’intensa reazione. Alcuni fan non hanno potuto o voluto
riconciliarsi con le azioni di Abby, provocando una
divisione all’interno della fanbase e, sfortunatamente,
comportamenti tossici, tra cui molestie e minacce rivolte a coloro
che hanno partecipato alla creazione del personaggio, come la
doppiatrice Laura Bailey.
La Bailey è stata bersagliata con
messaggi di odio, comprese minacce di morte. Questo comportamento
tossico è andato oltre le critiche al personaggio ed è diventato
profondamente personale, colpendo la Bailey e persino la sua
famiglia. Nonostante ciò, la Bailey ha ricevuto un ampio sostegno
dalla comunità dei videogiocatori e dai colleghi del settore, che
hanno condannato le molestie. In seguito ha espresso gratitudine
per i messaggi positivi che hanno contribuito a controbilanciare la
negatività.
La Bailey ha anche vinto il
premio per la migliore performance ai 2020 Game Awards. La
sua interpretazione, nonostante le polemiche, è stata ampiamente
elogiata per la sua profondità emotiva e la sua complessità, e
questo riconoscimento ha messo in evidenza la bravura e la
dedizione che ha apportato al ruolo. La sua vittoria è stata
considerata un risultato significativo, soprattutto alla luce
dell’intenso scrutinio e delle critiche che hanno circondato il
personaggio di Abby.
La serie The
Last of Us racconta una storia di sopravvivenza
che si svolge vent’anni dopo che la civiltà moderna è stata
distrutta. Joel, un sopravvissuto, viene ingaggiato per far uscire
di nascosto Ellie, una ragazza di 14 anni, da un’opprimente zona di
quarantena. Quello che sembrava un incarico di poco conto diventa
presto un viaggio brutale e straziante, poiché entrambi dovranno
attraversare gli Stati Uniti e dipendere l’uno dall’altro per
riuscire a sopravvivere.
The
Last of Us è scritto e prodotto esecutivamente
da Craig Mazin e Neil Druckmann. La serie è
una co-produzione con Sony Pictures Television ed è prodotta
esecutivamente da Carolyn Strauss, Jacqueline Lesko,
Cecil O’Connor, Asad Qizilbash, Carter Swan e Evan Wells.
Società di produzione: PlayStation Productions, Word Games, The
Mighty Mint e Naughty Dog.
La serie ha per
protagonisti Pedro
Pascal, Bella
Ramsey, Gabriel
Luna e Rutina Wesley. I nuovi
membri del cast di questa stagione includono Kaitlyn
Dever nel ruolo di Abby, Jeffrey
Wright nel ruolo di Dixon, Isabela
Merced nel ruolo di Dina, Young
Mazino nel ruolo di Jesse, Ariela
Barer nel ruolo di Mel, Tati
Gabrielle nel ruolo di Nora, Spencer
Lord nel ruolo di Owen e Danny
Ramirez nel ruolo di Manny. Catherine
O’Hara è anche una guest star in un ruolo non
rivelato.
Una cosa che Mazin e Druckmann non
faranno è andare oltre il materiale di partenza esistente, come il
dramma di genere della HBO Il
Trono di Spade ha fatto dopo aver coperto i cinque
romanzi pubblicati della serie di George R.R. Martin; Martin deve
ancora finire il sesto e il settimo libro previsti. “Non esiste
un mondo in cui vorrei che il nostro show andasse oltre il
materiale di partenza che la gente conosce già“, ha detto
Mazin.
Michelle Monaghan non è nuova a far
parte di un ensemble di star. L’attrice è apparsa di recente al
fianco di nomi come Mia Goth,
Kevin Bacon e Bobby
Cannavale in MaXXXinedi Ti West, mentre
il suo prossimo ruolo sul piccolo schermo la vedrà al fianco di
personaggi come Vince Vaughn,
Rob Delaney, e Jodie
Turner-Smith in Bad
Monkey di Apple
TV+. Ma quando abbiamo saputo che l’attrice nominata ai Golden
Globe avrebbe aggiunto il suo nome all’elenco delle presenze per
l’imminente terza stagione della serie della HBO,
The White Lotus, abbiamo capito che era
l’aggiunta perfetta a un cast già notevole.
Finora sappiamo che nomi come
Jason Isaacs del franchise di Harry
Potter, Carrie Coon di The Gilded
Age e Walton Goggins di
The Righteous Gemstones fanno tutti parte
del dinamico ensemble. Con queste premesse, non dovrebbe
sorprendere che quando Collider ha avuto l’occasione di
chiacchierare con la Monaghan nell’ultimo episodio di
Ladies Night, abbia chiesto
all’attrice chi, tra i membri del cast, avesse superato le sue
aspettative, lasciandola entusiasta di vedere il loro lavoro. Senza
esitare, la Monaghan ha risposto: “Parker
Posey”.
La nostra regina indie degli anni
’90. Conosciuta per i suoi ruoli in classici come
Dazed and Confused,
The Daytrippers,
Clockwatchers e Scream
3, e per aver collaborato spesso con il regista
Christopher Guest, la Posey è, come ha
detto elegantemente Michelle Monaghan, “la regina delle
nostre vite, come tutti i nostri sogni indie”. Parlando di
come è stato lavorare con la famosa
interprete, Monaghan ha raccontato,
“Lei non
delude.Ho vissuto con Parker Posey, quindi ho un
debole per quella donna.È così eterea, ma allo
stesso tempo radicata, eccentrica e di grande talento.È incredibile il suo talento, ma è anche la più straordinaria
sostenitrice del potere femminile.“Non è un gas,
Michelle?Mi sedevo e la ascoltavo.Prendi la
parola.Faremo colazione qui, ma non dirò una parola.Voglio solo ascoltarti mentre parli del mondo”.
Sebbene siano stati compagni di
stanza durante le riprese di
The White Lotus, non è ancora chiaro come i
loro personaggi si relazioneranno l’uno con l’altro nel
prossimo episodio della serie antologica.
Come sappiamo dalle ultime due stagioni, non importa quanti soldi
gli ospiti del resort abbiano nel loro conto in banca, gli
incidenti mortali sembrano essere attratti
dalla proprietà come calamite. Ma siamo certi che, a prescindere
dal loro destino, Monaghan, Posey e il resto del cast
deliziosamente brillante ci regaleranno un’altra straordinaria
stagione della pluripremiata serie.
Il ritorno di Charlie Cox nei panni di Matt Murdock
in
Daredevil:Born
Again sembra una benedizione dall’alto, ma
l’attore ha aspirazioni più alte della sua serie televisiva. In
seguito a un panel al FanExpo di Chicago, ScreenRant ha riferito che Cox è
interessato ad allargare le sue ali Marvel. Oltre a recitare in una
serie tutta sua, l’attore di Daredevil
spera di tornare a recitare in altre proprietà Marvel. Nell’era
Disney+, Matt ha avuto dei
piccoli camei in
She-Hulk e Echo
nei panni dell’avvocato acrobatico. L’attore ha dichiarato che gli
piacerebbe realizzare altri spin-off, soprattutto dopo la sua
collaborazione con Tom Holland in
Spider-Man: No Way Home. Cox ha
dichiarato:
“Essere nel film di Spider-Man
mi è sembrato un grande passo solo in termini di molte persone che
fanno riferimento a questo film quando le incontro.Credo
che non si possa sottovalutare quanto sia importante quando questi
personaggi hanno una storia nei fumetti.Quando poi ci
scontriamo sullo schermo, significa davvero molto per i fan, e lo
capisco.Lo penso anch’io adesso.L’idea di Matt
Murdock e Peter Parker insieme è così iconica.Spero che in
futuro potremo fare altre cose insieme, perché è davvero
divertente.Questa è la cosa più importante: che si
presentino queste opportunità”.
Charlie Cox fa riferimento al più
grande punto di forza della Marvel: Il divertimento. Sebbene in
passato sia gli attori che i fan si siano mostrati stanchi riguardo
al futuro della Marvel, Cox ha la giusta idea di ciò che rende il
marchio così popolare.
Daredevil e Spider-Man
potrebbero essere la prossima fase della Marvel
La Marvel può andare in molte
direzioni diverse in futuro. I fan non vedono l’ora di avere una
nuova iterazione degli X-Men, soprattutto dopo il
successo di X-Men
’97 e Deadpool
& Wolverine. Ma non c’è motivo per cui, nel
frattempo, non si debba perseguire qualcosa che ha dimostrato di
funzionare. In Spider-Man: No Way Home, Matt e Peter si
incontrano per la prima volta e il pubblico è impazzito. Vedere
questi due personaggi storici insieme sullo schermo non è stata una
cosa da poco. Questa apparizione non è stata solo un’emozione per i
nostalgici dei fumetti. Cox e Holland hanno un’innegabile chimica
che dovrebbero perseguire in futuro.
La loro dinamica è molto lontana
dal rapporto tra Peter e Tony Stark (Robert
Downey Jr.), ma nel modo migliore possibile. Il
loro scambio comico porterebbe una nuova prospettiva al MCU, che
molti desiderano da tempo. I rapporti promettenti su Spider-Man 4 indicano che Holland
non è ancora fuori dai giochi della Marvel, quindi potrebbe esserci
ancora l’opportunità di vedere questi due insieme. Mentre i fan
aspettano che questo prenda forma, possono assistere al ritorno di
Cox in
Daredevil:Born
Again su Disney+ nel marzo 2025.
Prime Video ha fatto centro all’inizio
dell’anno con l’uscita dell’adattamento del videogioco
post-apocalittico Fallout,
e parte di questo successo può essere attribuito
all’interpretazione di Walton Goggins. La
star di Justified, che recita accanto a
Ella Purnell e Aaron Moten, ha
ottenuto una nomination agli Emmy per il suo ruolo del
Ghoul, beniamino dei fan, l’ex star del western Cooper Howard,
diventato un cinico pistolero irradiato. Nel corso della prima
stagione, gli spettatori vedono entrambi i lati del personaggio,
mentre scopre la natura sinistra della Vault-Tec nel passato e dà
la caccia alle taglie nella terra desolata. Tuttavia, il finale lo mette sulla strada giusta per ottenere
finalmente delle risposte su sua moglie e sulla Vault-Tec nella
seconda stagione e oltre. Durante un’intervista FYC per lo show,
Goggins ha raccontato a Christina Raddish di
Collider quali sono gli aspetti della storia e del suo personaggio
che non vede l’ora di continuare a esplorare al ritorno della
serie.
Fallout
ha chiuso la sua prima stagione da record con The Ghoul e Lucy
(Purnell) che affrontano il padre di Lucy, Hank MacLean
(Kyle MacLachlan), dopo che è stato rivelato che
era responsabile della bomba nucleare sganciata su Shady Sands.
Scopriamo che lui e Cooper hanno avuto una storia che risale a
prima del crollo del mondo. Con Hank vivo, Cooper spera ora di
ritrovare sua moglie, che lavorava per la Vault-Tec insieme a lui,
e di affrontare la società per i suoi sforzi nel porre fine al
mondo. Hank fugge verso
New Vegas mentre Lucy e il Ghoul lo inseguono, preparando
una stagione che esplorerà ulteriormente i piani e le motivazioni
della Vault-Tec, il passato di Cooper e la situazione di New
Vegas sotto la RobCo dopo gli eventi di Fallout:
New Vegas di Obsidian.
Per Goggins, la cosa più
interessante da esplorare della storia di Fallout nel suo
complesso è l’aspetto socio-economico che circonda una corporazione
come la Vault-Tec che controlla, e rovina, le vite di molti
dietro le quinte. Soprattutto la seconda stagione sarà
incentrata sul modo in cui Lucy e il Ghoul interagiscono e lavorano
insieme, nonostante le loro differenze, per raggiungere un
obiettivo comune. Ciò che hanno imparato li spingerà ad andare
avanti nella ricerca di Hank e di ciò che rimane della Vault-Tec.
Goggins ha dichiarato a Collider:
“Non so bene come andrà a
finire, ma non posso immaginare che non sia influenzato dalle
informazioni che ha ora.Mi interessa molto l’aspetto
socio-economico/politico di questa storia e l’esplorazione di
questa comunicazione tra due persone che vedono il mondo in modo
molto diverso, in base all’economia, ai privilegi e alle
circostanze, e che hanno molte informazioni rispetto a quelle che
non ne hanno affatto, tra me e Ella [Purnell], e il modo in cui si
informano a vicenda andando avanti in questo mondo.Sono
davvero curioso di esplorare le ragioni che stanno dietro a questo
consorzio di persone che si sono riunite per realizzare la fine del
mondo, il profeta, cosa significhi veramente e cosa significhi
questo modo di pensare per il resto di noi.Non sono un
teorico della cospirazione, a nessun livello, ma se questo sta
accadendo a qualche livello e se c’è un Illuminato, non lo so
nemmeno io.Penso solo all’ottimo cibo in qualsiasi città mi
trovi e a un ottimo cocktail alla fine della giornata.Ma è
affascinante per me almeno ipotizzare o vivere in una versione di
fantasia di tutto ciò”.
La seconda stagione di Fallout
sarà girata in nuovi luoghi
Ella Purnell in Fallout. Foto: JoJo Whilden/Prime
Video.
Goggins dipinge un quadro della
seconda stagione che sarà incentrato su come il Ghoul elabora i
suoi sentimenti nei confronti della famiglia mentre lui e Lucy
seguono le tracce e raccolgono altri indizi. “Sono entusiasta
di quello che è successo alla famiglia di Cooper Howard e di cosa
significherà per il Ghoul e di come reagirà alle informazioni che
raccoglierà nel corso della stagione”, ha dichiarato a Radish. È
probabile che questo sia il punto più importante della trama,
mentre Maximus (Moten) si trova ad affrontare la vita da
cavaliere nella Confraternita d’Acciaio e Norm (Moisés
Arias) si arrangia tra i dirigenti della Vault-Tec
congelati criogenicamente.
Tuttavia, Goggins non vede l’ora di
tornare alle parti più semplici e divertenti di Fallout,
come far saltare gli arti, vagare per la terra desolata e
lavorare con Jonathan Nolan. “Sono anche
eccitato all’idea di sparare con qualche cazzo di pistola, amico, e
di essere in un’inquadratura diretta da Jonathan Nolan, e di essere
con questi attori in alcune location davvero fantastiche nel mondo.
Mi piace viaggiare. Adoro essere in viaggio”. La seconda stagione
vedrà la squadra trasferirsi in California per la maggior
parte delle riprese, offrendo nuove possibilità che
Goggins è ansioso di esplorare dopo essersi divertito con i luoghi
della prima stagione. “L’anno scorso siamo andati in posti
fantastici e non vedo l’ora di avere questa opportunità anche
quest’anno”.
La Stagione 1 di Fallout può
essere vista in streaming per intero su Prime Video.
Il Gattopardo è il
film capolavoro di Luchino
Visconti del 1963 con protagonisti Burt
Lancaster, Claudia Cardinale, Alain Delon, Paolo Stoppa, Rina
Morelli, Romolo Valli, Mario Girotti, Pierre Clémence, Lucilla
Morlacchi, Giuliano Gemma, Ida Gallo, Ottavia Piccolo.
Anno: 1963
Regia: Luchino
Visconti
Cast: Burt
Lancaster, Claudia Cardinale, Alain Delon, Paolo Stoppa, Rina
Morelli, Romolo Valli, Mario Girotti, Pierre Clémence, Lucilla
Morlacchi, Giuliano Gemma, Ida Gallo, Ottavia Piccolo.
Il Gattopardo, trama
Palermo, 1860. La preghiera del
pomeriggio che insinua nelle calde e silenziose stanze del palazzo
un leggero e sommesso brusio, è bruscamente interrotta dalle grida
della servitù.
Il corpo esanime di un giovane
soldato borbonico è stato rinvenuto nel giardino, tra i roseti.
Sono i giorni dello sbarco a Marsala dei mille prodi agli ordini
del gen. Garibaldi e per un distaccato ma fedele suddito di re
Franceschiello come il principe Fabrizio Salina (Burt Lancaster) la
situazione non è facile da comprendere.
Per evitare che la famiglia venga
coinvolta nei tumulti di Palermo, il principe Fabrizio decide di
trasferirsi anzitempo e con tutto il parentado nella dimora estiva
di Donnafugata, nell’agrigentino. Da lì osserverà impassibile e
disilluso il passaggio da un regno ad un altro e da uomo saggio e
sagace comprenderà prima degli altri l’inizio di un lento quanto
inevitabile tramonto di quel mondo aristocratico di cui si ritiene
uno degli ultimi leoni, uno degli ultimi “gattopardi”.
L’analisi del film Il
Gattopardo
Luchino Visconti
dirige questo film che esce nelle sale cinematografiche italiane
nel 1963 conquistando critica e consensi ma sopratutto la palma
d’oro al Festival
di Cannes oltre ad una nomination per l’Oscar ai
costumi l’anno successivo.
Il Gattopardo è un
maestoso ed elegantissimo affresco storico di un mondo che con
l’Unità d’Italia inizia il suo lento declino: il mondo dell’antica
nobiltà terriera. Il protagonista del film, il principe Fabrizio
Salina, interpretato magistralmente da un grande Burt Lancaster, è
il simbolo di questo passaggio tra due mondi e due generazioni che
si passano il testimone della storia.
Egli è un disilluso esponente di
una nobiltà destinata a lasciare campo ad una borghesia cinica e
avida di danaro e potere. Nel film essa prende il volto di uno
straordinario Paolo Stoppa che, nei panni di don
Calogero Sedara, raffigura egregiamente lo stereotipo del borghese
in ascesa politica e sociale, capace di sfruttare a suo vantaggio
la confusa contigenza storica. Il principe di Salina lo disprezza
ma capisce che è su uomini come lui che si dovrà contare per
rimanere attaccati al denaro e al potere. Sarà così che spingerà il
nipote prediletto Tancredi (Alain
Delon) tra le braccia della bella Angelica (Claudia
Cardinale) figlia di Sedara, e il tutto a scapito
della timida Concetta (Lucilla Morlacchi)
perdutamente innamorata del cugino.
Il Gattopardo è
tratto dall’omonimo e celeberrimo romanzo del 1956 di
Giuseppe
Tomasi di Lampedusa il quale, come il regista,
proviene da una famiglia nobile. Questa estrazione aristocratica
che accomuna scrittore e regista si somma nella versione
cinematografica in quanto assume una certa evidenza lo sforzo
immane di Visconti nel riprodurre fedelmente ed in ogni più
minuzioso dettaglio le atmosfere e le ambientazioni descritte nel
romanzo. Il film è estremamente didascalico e descrittivo, una
sorta di galleria d’arte che giustappone quadri meravigliosi per
stile ed eleganza.
Un omaggio ad un mondo, quello
nobiliare, per il quale il regista così come l’autore del romanzo,
prova un’evidente nostalgia. E’ ovvio che questa ostinata ricerca
estetica voluta e cercata da Visconti, vada a scapito del ritmo
narrativo rendendo il film, in alcuni tratti, eccessivamente
lento.
Una delle poche scene di battaglia
e di azione, la presa di Porta Termini a Palermo, non appare
riuscitissima e sicuramente non raggiunge la perfezione registica
delle sequenze dialogiche o descrittive. I dialoghi, sopratutto i
vari monologhi del principe Fabrizio, sono probabilmente il fiore
all’occhiello del film in quanto si stagliano nella sceneggiatura
come vere e proprie pietre miliari del cinema italiano.
Oltre ad un cast di attori di
prim’ordine, di cui abbiamo detto, è doveroso segnalare le
importanti collaborazioni tecniche che hanno contribuito alla
stesura del film: per la sceneggiatura Visconti si è avvalso del
talento e della bravura di Suso Cecchi d’Amico e Pasquale Festa
Campanile, due colonne portanti del cinema di quegli anni, autori
delle sceneggiature più significative del neorealismo e della
commedia italiana. Splendida la fotografia diretta da
Giuseppe Rotunno.
Il produttore Goffredo
Lombardo insieme alla Titanus hanno reso
possibile un film costato, per quei tempi, una cifra spropositata
mettendo in piedi un set mastodontico affollato da un esercito di
comparse. Uno sforzo da cui la Titanus non saprà risollevarsi.
Il Gattopardo è un
film a tratti troppo barocco forse ed eccessivamente
autocelebrativo anche ma che ci ha regalato un’inarrivabile quadro
della Sicilia e dell’Italia di quegli anni oltre a sequenze
incredibili e dialoghi indimenticabili che si stagliano alte nel
firmamento del cinema mondiale.
”Hanno voluto cambiare tutto perché
tutto rimanesse uguale…” dice il Gattopardo in una delle sue frasi
più celebri; di immutato, di sicuro, è rimasto il mito di questo
film.
I
film di carattere epico, e in particolare i cosiddetti
peplum, hanno sempre avuto grande successo al cinema.
Titoli come Ben-Hur e Cleopatra, tra i più
celebri di questo genere, sono oggi ricordati come pietre miliari
dell’intera settima arte. Uno degli ultimi è più affascinanti
esemplari di questo filone è il film del 2004
Troy, diretto da Wolfgang
Petersen. Si trarra di un lungometraggio liberamete
ispirato al poema epico Iliade,
canonicamente associato al poeta greco Omero e
risalente al VI secolo a.C. Con questo prende dunque vita sul
grande schermo la brutale battaglia per la conquista della città di
Troia.
Il film è naturalmente ricordato per
l’imponenza delle sue ricostruzioni. Grandi scenografie e costumi
curati fino all’ultimo dettaglio rendono il film un vero piacere da
guardare. Al di là di ciò, con Troy sullo schermo
prendono vita sentimenti ed emozioni universali, esistenti da
sempre e ancora in grado di parlare ad un pubblico di oggi. Alla
sceneggiatura del film, inoltre, si può ritrovare David
Benioff, che già qui dimostrava la sua passione per
l’epica, la stessa che riproporrà anni dopo con la serie Il
Trono di Spade, da lui ideata.
Pur con enormi differenze rispetto
alla sua fonte di ispirazione, si tratta di un film affascinante e
ricco di intrattenimento. In questo articolo
su Troy, dunque, approfondiamo alcune delle
principali curiosità relative alle differenze con il poema
epico. Proseguendo qui nella lettura sarà inoltre
possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla
trama e al cast di attori.
Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme
streaming contenenti il film nel proprio catalogo.
La storia si svolge intorno al 1200
a.C., quando tutte le città-stato della Grecia sono sotto il
controllo dell’avido re acheo Agamennone. Solo una
di queste rifugge da lui, ed è la potente città di Troia.
Conosciuta per le sue mura difensive, questa è da sempre rimasta
inviolata. Desideroso di estendere il proprio dominio all’intero
territorio, Agamennone sfrutta il tradimento subito da
Menelao per dichiarare guerra alla città. Il
fratello del re, infatti, è stato privato della bella moglie
Elena, fuggita a Troia con il principe
Paride. Per riparare a questo torto, un enorme
flotta di achei intraprende la sua marcia verso la potente città
nemica.
Forte dietro le sue mura, il re
Priamo si dice tranquillo per l’imminente
battaglia, potendo vantare dalla sua parte il potente figlio e
soldato Ettore. Ciò che i troiani non sanno, però,
è che in guerra con gli achei è partito anche il temibile
Achille. Semidio in cerca di gloria eterna, questi
è pressocché immortale, non fosse per un unico punto debole. Sarà
lui l’arma segreta che i greci invieranno alla conquista di Troia.
Nel corso della lunga guerra, entrambe le fazioni dovranno
inevitabilmente fare i conti con le paure, le passioni e i desideri
di ognuno di loro, elementi che rischieranno di compromettere in
modo irreparabile le rispettive sorti.
Il cast del film
Il film Troy si
compone di alcuni tra i più noti interpreti di tutta Hollywood,
attori chiamati qui a dar vita ad eroi senza tempo. Ad interpretare
il divino Achille è l’attore Brad Pitt. Per
assumere i panni del celebre personaggio, questi si allenò per mesi
al fine di ottenere un corpo simile a quello delle muscolose statue
greche. Nonostante la sua grande preparazione fisica, l’attore finì
per infortunarsi al tallone, che è anche il punto debole di
Achille. Nei panni del valoroso Ettore, invece, si ritrova Eric Bana.
Questi e Pitt decisero di non ricorrere a controfigure per le loro
scene di battaglia. Stipularono invece un accordo che prevedeva un
risarcimento per ogni colpo involontario. Alla fine, Pitt dovette
pagare a Bana 750 dollari.
Orlando Bloom è
il giovane principe Paride, un personaggio da lui non
particolarmente amato. Per l’attore, infatti, questi era solo un
codardo e un idiota. Brian Cox
interpreta il re Agamennone, mentre Brendan Gleeson è suo fratello Menelao.
L’attore Sean Bean veste
i panni dell’astuto Ulisse, mentre il celebre Peter
O’Toole è Priamo, re di Troia. Nei panni di Patroclo,
cugino di Achille, vi è Garrett
Hedlund. Questi ottenne la parte appena un mese dopo
essere arrivato a Los Angeles per perseguire la carriera da attore.
Per il ruolo di Briseide, schiava di Achille, venne scelta
Rose Byrne. Per il ruolo di Elena, che il regista
inizialmente non voleva includere in quanto convinto che non si
potesse rappresentare la sua bellezza, venne scelta l’attrice
Diane
Kruger.
Le maggiori critiche ricevute dal
film sono legate alle sue enormi differenze con il poema di Omero.
Considerando la statura dell’Iliade, appare però piuttosto
comprensibile il perché si sia cercato di dare alla storia una
forma più aderente ai canoni cinematografici, intraprendendo dunque
una serie di modifiche. Ad ogni modo, la prima e più grande
differenza è la totale assenza dell’elemento divino o
soprannaturale e l’intervento di questo nelle vicende. Ciò
ha permesso al film di acquisire una natura più umana e terrena,
concentrandosi sui personaggi coinvolti attivamente nella
battaglia.
Ulteriori modifiche sono per lo più
relative proprio ai protagonisti. I personaggi di
Agamennone e Menelao, ad esempio,
sono rappresentati unicamente in modo negativo e la loro stessa
morte differisce con quella tramandata dal mito, con il primo che
sopravvisse alla guerra ma trovò la morte una volta tornato a casa.
Notevoli differenze si ritrovano nello svolgimento della
battaglia tra Achille e Ettore. Nel poema i due si
incontrano quasi casualmente, mentre nel film si dichiarano
apertamente battaglia uno contro uno. Ulteriori differenze si
ritrovano circa la fine di alcuni personaggi. Paride, ad esempio,
nel film non muore e riesce a fuggire con Elena. Nel poema, invece,
quest’ultima decide di tornare a Sparta con Menelao.
Ancora, differenti rispetto
all‘Iliade sono le sorti del re Priamo,
del guerriero Aiace e del celebre
Patroclo. Una delle più evidenti differenze,
tuttavia, è quella relativa alla durata della guerra. Nel film,
questa dura all’incirca un mese. Il poema, invece, pur iniziando il
racconto in medias res, evidenzia come l’assedio degli
achei alla città di Troia sia durato per ben dieci
anni. Il racconto viene dunque ad essere fortemente
sintetizzato per il film, eliminando numerosi passaggi ritenuti
troppo statici per un’opera cinematografica. Nonostante queste
modifiche, il film restituisce adeguamente il contesto e la
violenza di tale guerra.
Il trailer di Troy
e dove vedere il film in streaming e in TV
È possibile fruire di
Troy grazie alla sua presenza su alcune delle più
popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è
infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten Tv, Google
Play, Apple TV, Now e Prime Video. Per vederlo, una volta
scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo
film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di
guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il
film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di lunedì
6maggio alle ore 21:00
sul canale 20 Mediaset.
Con: Juliette Binoche
(Vianne), Judi Dench (Armande), Johnny Depp (Roux), Alfred Molina
(Conte de Reynaud), Carrie-Anne Moss (Caroline), Lena Olin
(Josephine), Victoire Thivisol (Anouk), Hugh O’Conor (Padre Henri),
Peter Stormare (Serge Muscat)
Trama del film Chocolat:Tranquillité è la parola d’ordine di Lansquenet, immaginario
e fiabesco paesino della campagna francese. Qui il perbenismo dei
bigotti non permette cambiamenti: a monitorare la moralità dei
compaesani è lo stimato sindaco Conte de Reynaut, occupato anche a
salvare le apparenze del suo fallito matrimonio.
Ma il Vento irrequieto del Nord ha
altri piani, e nel 1959 porta con sé Vianne insieme alla figlia
illegittima Anouk, spiriti liberi che offriranno ai morigerati
abitanti di Lansquenet la più grande tentazione per il palato dei
mortali: il cioccolato. I secolari equilibri del paese verranno
sconvolti, e non aiuterà la situazione l’arrivo di una comunità di
nomadi capitanati dal fascinoso Roux, che pare voglia mettere
radici proprio nella cioccolateria di Vianne…
Chocolat, tra sapori e sensualità,
fede e sacrificio
E’ bello, ogni tanto, tornare alla
fiaba, abbandonarsi a un rassicurante mondo archetipico nel quale
il Bene e il Male hanno nomi e cognomi, e dove a scatenare la
guerra è della cioccolata. Quasi volesse cullarci prima di andare a
dormire, lo svedese Lasse Hallström mette in scena
una favola di libertà e di lotta alle convenzioni. Lo schema è
semplice e antico come la terra: novità contro tradizione,
desiderio contro astinenza, istinto personale contro buon senso
comune.
Tratto dall’omonimo romanzo della
scrittrice britannica Joanne Harris,
Chocolat mette in luce l’inutilità di una
religione basata unicamente sulla rinuncia e sul sacrificio,
svuotando di senso una fede che identifica il Demonio con i dolci,
la musica rock e le altre tentazioni che rendono piccante la
vita.
Paladino di queste credenze
retrograde è l’antagonista Sindaco, che per primo fonda la sua
condotta su tre parole d’ordine: duro lavoro, moderazione e
autodisciplina. Egli governa il paese come un despota, non esitando
a mettere mano ai troppo docili sermoni del giovane parroco Henri e
a ficcare il naso nella vita privata dei suoi
concittadini.
E’ noto che la presenza
dell’antagonista dipenda dall’esistenza di un eroe positivo.
Eroina, in questo caso: la nuova arrivata Vianne rappresenta la
Vita nei suoi istinti primordiali e incarna tutto ciò che il
Sindaco respinge: ha una figlia ma non è mai stata sposata; non
frequenta la Chiesa; offre ai penitenti cioccolata durante la
Quaresima e ospitalità agli zingari di passaggio. Lo scontro
inizialmente ideologico tra i sostenitori del buon costume e questa
“strega radicale” fa scoppiare le antiche tensioni da sempre
ignorate e represse, trasformandosi in una battaglia senza
esclusione di colpi che spaccherà in due Lansquenet.
Juliette Binoche ci offre una straordinaria
interpretazione che le è valsa la Nomination agli Oscar:
affascinante e combattiva, non è mai stata così piena di vitalità e
di passione. Vianne non va a Messa, ma è piena di bontà e di
sincero amore verso il prossimo: accoglie nella sua casa Josephine,
umiliata e picchiata dal marito, fa riavvicinare la vecchia Armande
(una grandiosa
Judi Dench) al suo nipotino vittima delle restrizioni
della madre e si mostra amichevole nei confronti della comunità
nomade, la cui permanenza è boicottata dai ciechi pregiudizi di
tutti gli altri.
Si sa, l’amore è l’ingrediente
fondamentale delle fiabe, e in questa è raccontato in ogni forma:
di una madre per la figlia, di una nonna per il nipote, di due
anziani che riscoprono l’emozione. Da parte sua, l’anticonformista
Vianne non potrà che legarsi a un’anima libera e senza radici come
la sua, quella di Rioux, zingaro dallo sguardo magnetico e col
fascino da gentiluomo.
Bello e dannato, tormentato
chitarrista dalla sensualità palpabile, il Depp degli anni d’oro fa
scintille a contatto con l’esplosiva Binoche, tanto che
l’elettricità tra i due sfonda lo schermo. Il loro è un amore al di
là delle convenzioni, pronto a sciogliersi e ricongiungersi a
seconda del soffiare dei venti.
Le due ore di pellicola scorrono
dolcemente, sostenute dall’ottima sceneggiatura di Robert Nelson
Jacobs che offre esilaranti dialoghi colorati da uno humor
brillante e raffinato, non dimenticando di commuovere con semplici
ma toccanti momenti di riflessione. La vivace atmosfera della
pellicola è amplificata dall’incalzante musica quasi da flamenco
che segue costantemente le vicende dei personaggi.
Al centro di tutto, naturalmente, è
il cioccolato: onnipresente in ogni forma e colore, è il silente
spettatore delle dispute che lui stesso provoca. L’intero film è un
omaggio spassionato a questo alimento che tanto risolleva l’animo
dei mortali, e le innumerevoli inquadrature dedicate alla sua
preparazione e alla sua disarmante perfezione finale sono una vera
e propria dichiarazione d’amore.
La tesi
di Chocolat è clamorosamente
semplicistica e a tratti demagogica ma non contraddice mai la sua
allettante natura fiabesca, che non ha di certo ambizioni di
carattere filosofico e metafisico: il film ci guida attraverso una
riscoperta dei piccoli piaceri della vita, di quei peccati che ci
rendono umani.
Insomma, bisogna lasciarsi andare
una buona volta: i sensi di colpa non aiutano nessuno. Sarà questa
la lezione appresa da tutti, in un liberatorio lieto fine che
spazza via dal paese l’opprimente Tranquillité, tanto che
l’improvvisato ma sincero sermone pasquale di Padre Henri inviterà
a misurare la bontà non in base a ciò che ci neghiamo, ma “a ciò
che abbracciamo, a ciò che creiamo e a chi accogliamo”. In fondo,
cosa c’è più innocente di un cioccolatino?
Dopo il successo delle prime tre
stagioni, Emily in Paris ritorna nuovamente su
Netflix con nuove vicende e nuovi intrighi amorosi. La serie,
lanciata il 2 ottobre del 2020, è stata ideata, scritta e prodotta
dall’americano Darren
Star (autore della serie
Sex and the city). La quarta stagione è stata distribuita in
due parti: la prima parte il 15 agosto e la seconda parte sarà
disponibile dal 12 settembre. Nel cast si ritrovano molti dei
personaggio portanti, presenti dalla prima stagione, quali la
protagonista Emily Cooper, interpretata da
Lily Collins (Mank,
#ScrivimiAncora),
e Lucas Bravo nel ruolo di Gabriel. A questi si affiancano nuovi
personaggi come Luis de Leon, interpretato dal francese
Pierre Deny.
Emily in Paris: triangoli
amorosi
Il finale della terza stagione
aveva lasciato molto in sospeso: Camille che fugge dal suo stesso
matrimonio con Gabriel, rivelando a tutti del patto fatto con Emily
e poi infranto e di come i due siano innamorati da sempre. Alfie si
allontana da Emily, vedendosi solo come un ripiego rispetto al
grande Chef. Emily cercherà di recuperare il rapporto con Alfie,
per poi ritrovarsi nuovamente in un triangolo amoroso, Camille dopo
il matrimonio si dileguerà per pensare alla sua relazione con Sofia
e al bambino che avrà da Gabriel.
Dopo la scoperta fatta da Mindy sui
comportamenti inappropriati di Luis de Leon, capo dell’agenzia
JVMA, nei confronti delle sue impiegate, Sylvie prenderà una
posizione forte, dando il via a un potente scandalo. La relazione
tra Camille e Sofia, così appassionata, non sembra resistere ai
primi problemi e alle prime differenze di visioni.
Team Alfie o team Gabriel?
Il tema principale di Emily
in Paris è proprio il triangolo amoroso che si crea tra
Emily, Gabriel e Camille prima e Alfie dopo. La relazione tra lo
chef e l’americana a Parigi sembra essere ostacolata da qualcosa o
qualcuno, rendendo il loro amore impossibile. Ma a partire dalla
seconda stagione Alfie, un affascinante inglese in giacca e
cravatta, entra a far parte della vita di Emily; i due iniziano una
relazione apparentemente perfetta, se non per il fantasma sempre
presente di Gabriel.
In questa quarta stagione, Emily si
troverà a dover fare una scelta: Gabriel o Alfie? Nonostante con il
primo fossero riusciti a mantenere un’amicizia, i loro sentimenti
continuavano ad essere parzialmente latenti. Gabriel è il primo
amore parigino di Emily, un simpatico chef francese, mentre Alfie è
un amore più certo e stabile: in precedenza lui stesso ha scelto di
rimanere a Parigi anche per Emily.
Che si preferisca Alfie o Gabriel,
Emily dovrà fare una scelta che risulterà essere abbastanza
scontata.
Emily in Paris: un lieto fine
continuo
Un elemento chiaro fin dalle prime
stagioni della serie è il mantenimento di un clima perennemente
disteso nella narrazione: nel fantastico mondo di Emily Cooper
tutto sembra andare sempre per il verso giusto! Per quanto questo
sia proprio ciò che rende Emily in Paris così leggera, arrivati
alla quarta stagione si è sfociati nella totale monotonia. Fin
dalla terza stagione si è cercato di movimentare le vicende con
alcuni colpi di scena come il “lesbo dramma” tra Camille e Sofia e
il bambino che Camille avrebbe dovuto avere da Gabriel.
Ciononostante questi plot twist non sembrano
rientrare al meglio nel filone narrativo originario.
Un punto di forza e di originalità
di Emily in Paris che emerge maggiormente in
questi ultimi episodi è l’alternarsi di scene con dialoghi
interamente in francese. Questo rende il tutto molto più
autentico.
Il caso Luis de Léon
Nella prima parte della quarta
stagione di Emily in Paris viene introdotta una
tematica tristemente fin troppo nota nella società attuale: gli
abusi sessuali sul posto di lavoro. Sylvie, ormai avanti nella
propria carriera, a capo di una sua propria agenzia, si ritrova a
dover fare i conti con dei ricordi dolorosi del suo periodo da
assistente alla JVMA. Una giornalista del noto giornale Le Monde è
determinata a portare allo scoperto la verità su Luis de Léon, a
capo della JVMA e padre di Nicholas, e sui vari casi di abusi
sessuali perpetrati nei confronti delle proprie impiegate.
La verità diverrà chiara allo
spettatore attraverso Mindy, la quale, mentre si ritrova nel
guardaroba dell’agenzia, viene avvisata da alcune ragazze di non
entrare mai da sola nella stanza nel caso in cui Luis entrasse e la
molestasse. Ciononostante, un rapporto burrascoso con la stessa
Sylvie era chiaro già dai pochi incontri molto tesi tra i due.
Nel sapere che Luis continua ad
abusare le ragazze della sua agenzia, Sylvie trova il coraggio di
reagire a distanza di molti anni.
Emily in Paris
continua in questa quarta stagione su un format uguale alle
stagioni precedenti: trama leggera e prevedibile, momenti comici e
romantici intrighi amorosi. In attesa della seconda parte della
quarta stagione e di qualche notizia su una possibile quinta
stagione, ci si chiede fin quando si vorrà continuare a sfruttare
un filone narrativo che sta pian piano cadendo nell’abisso della
monotonia.
In occasione della promozione di
It Ends With Us – Siamo noi a dire Basta, il
prossimo film che la vede protagonista e che arriverà in sala il 21
agosto, Blake Lively ha svelato un dettaglio inedito
rispetto al suo coinvolgimento in Deadpool &
Wolverine con il personaggio di Lady
Deadpool.
Nata nel 2010 proprio su modello di
Blake (Rob Liefeld guardava Gossip
Girl!), Lady Deadpool compare in un breve
cameo nel film di Shawn Levy ed è doppiata proprio
dall’attrice. Il ruolo era quindi nel suo destino, ma non poteva
immaginare quanto, dal momento che solo nel 2011, dopo averlo
incontrato sul set di Lanterna Verde, Blake ha cominciato a uscire
con Ryan Reynolds, che è poi diventato suo marito,
padre dei suoi quattro figli, e principale fautore e interprete di
Deadpool.
Blake Lively su Lady Deadpool:
“L’idea è nata ai tempi di Lanterna Verde”
Nel corso dell’intervista, Blake Livelyha rivelato
che l’eventualità di essere Lady Deadpool risale proprio a quel
primo periodo di conoscenza con Reynolds! Ecco cosa ha
raccontato:
“In realtà l’idea mi è stata proposta anni fa, quando ho girato
Lanterna Verde con Ryan e abbiamo iniziato a frequentarci. Molto
prima che nessuno pensasse a un film su Deadpool. È stato molto
divertente girare quella scena, Ryan e Hugh sono gli uomini più
divertenti che conosca, dico sul serio. La gente dovrebbe andare a
vedere quel blockbuster e poi un film più profondo come It Ends
With Us. E magari in futuro potrò fare un sequel di entrambi,
intitolato It Ends with Deadpool & Wolverine!”
Alain Delon,
l’attore francese famoso per aver prestato il suo volto alla
Nouvelle Vague e al grande cinema di Visconti e Antonioni. Aveva 88
anni. “È mancato serenamente nella sua casa di Douchy,
circondato dai suoi tre figli e dalla sua famiglia”, secondo
una dichiarazione rilasciata all’agenzia di stampa AFP dalla sua
famiglia.
Alain Delon è
apparso in molti film, tra cui ricordiamo Frank Costello
faccia d’angelo, I senza nome e Notte sulla
città di Jean-Pierre Melville.
Altri suoi film significativi sono
stati “Delitto in pieno sole” di René Clement;
“Rocco e i suoi fratelli” e “Il
gattopardo” di Visconti; “L’Eclisse”
di Antonioni; “Due uomini in città” di José
Giovanni; e “Mr. Klein” di Joseph Losey. E’ stata
lunga e proficua la sua collaborazione con i registi italiani degli
anni ’60 e ’70.
Alain Delon in Frank Costello faccia
d’angelo
Dopo che Jean-Paul
Belmondo definì l’estetica francese all’inizio della
Nouvelle Vague in “Fino all’ultimo respiro” di
Godard, Delon e il regista Melville la
ridefinirono molto più consapevolmente in Frank Costello
faccia d’angelo, in cui interpretava un killer mercenario
che aggiustava sempre il suo cappello di feltro in modo che fosse
perfetto, e l’attore fu di conseguenza paragonato a James
Dean.
Ma il paragone con Dean era
limitato; mentre l’attore americano era incline a sfoghi emotivi
nelle sue interpretazioni, Alain Delon era
tutt’altro che effusivo. Lo straordinario fascino di Delon si è
cristallizzato in Frank Costello faccia d’angelo.
Lo studioso di cinema David Thomson lo ha descritto come
“l’angelo enigmatico del cinema francese, solo 32enne nel 1967,
e quasi femminile. Eppure così serio e immacolato da essere
ritenuto letale o potente. Era anche vicino al vero mondo criminale
francese”. Thomson ha aggiunto: “Delon non è tanto un
bravo attore quanto una presenza sorprendente: non c’è da stupirsi
che fosse così emozionato di realizzare che la cosa di cui Melville
aveva più bisogno era la sua disponibilità a farsi
fotografare”.
Roger Ebert ha
definito Delon il “duro bel ragazzo dei film francesi, un
attore così incredibilmente bello che la sua migliore strategia per
gestire il suo aspetto era quella di usare una faccia da
poker”.
Come accennato,
fondamentali per la carriera dell’attore sono state le
collaborazioni con i registi René Clément, Luchino
Visconti e Jean-Pierre Melville; fra i personaggi più celebri da lui
interpretati ci sono il cupo e timoroso Rocco in Rocco e i
suoi fratelli (1960), il
principe Tancredi ne Il
Gattopardo (1963), il killer Jeff
in Frank Costello faccia d’angelo (1967), il
gangster Rogert Startet ne Il clan dei
siciliani (1969), lo scrittore fallito Jean-Paul Leroy
ne La Piscina (1969); è stato
inoltre Zorro nell’omonimo film di Duccio
Tessari del 1975, il misterioso Robert Klein di Mr.
Klein (1976) e il barone di Charlus in Un amore di
Swann (1984).
Alain Delon, il palmares
Nel 1985 ha vinto il premio
César per il migliore attore per il film Notre
histoire; ha inoltre vinto il David di Donatello, l’Orso
d’oro alla carriera al Festival di Berlino, mentre nel
1963 ha ottenuto una candidatura ai Golden Globe per il
film Il Gattopardo.
Dagli anni settanta ha avuto
esperienze anche come produttore cinematografico, tramite la
sua Adel Productions, e in qualità di regista come
nel thriller Per la pelle di un
poliziotto (1981) e nel
drammatico Braccato (1983). La sua ultima
interpretazione sul grande schermo risale al 2008 nel
film Asterix alle Olimpiadi, mentre nel 2017 ha
annunciato il ritiro dalle scene.
La vita privata di Alain
Delon era di grande interesse per i media francesi. Ebbe
una relazione con l’attrice tedesca Romy Schneider
dal 1959 al 1964, ma mantenne un legame emotivo con lei per molto
tempo. Lei morì per un mix di antidolorifici e alcol nel 1982. Ai
Césars del 2008, Delon salì sul palco per ricevere in sua vece un
premio che avrebbe segnato quello che sarebbe stato il suo 70°
compleanno e chiese al pubblico di onorarla con una standing
ovation.
Tuttavia, durante la sua relazione
con Schneider, ebbe una relazione con Nico (dei
Velvet Underground), con cui ebbe un figlio,
Ari Boulogne. Sposò Nathalie
Barthélemy nel 1964 e ebbe un figlio, Anthony. La coppia
divorziò nel 1969.
Delon ebbe in seguito una relazione
di 15 anni con l’attrice francese Mireille Darc e
poi una con la modella olandese Rosalie van
Breemen, con la quale ebbe due figli, ma si separò nel
2002. Nel
2019 gli fu conferita una Palma d’oro onoraria.
Transformers
One arriverà nelle sale tra poco più di
un mese e i fan del franchise non vedono l’ora di vedere il
primo film completamente animato dopo quasi 40 anni. A
questo entusiasmo si aggiunge una nuova featurette del cast che la
Paramount Pictures ha appena rilasciato per promuovere il film. Lo
sneak peek mostra filmati dei bot del film in azione insieme
ai loro doppiatori che parlano del progetto. Il cast comprende star
come Chris Hemsworth, Brian Tyree
Henry, Scarlett Johansson e
Keegan-Michael Key, che compaiono tutti
nella featurette.
Chris Hemsworth presterà la voce all’iconico personaggio di
Optimus Prime, che a questo punto è conosciuto come Orion Pax,
e Hemsworth ha dichiarato che la storia delle origini è ciò che lo
ha attirato nel film. “Ciò che mi ha incuriosito è stata la storia
delle origini”, ha detto l’attore. “Inizia come Orion Pax, come
lavoratore nelle miniere. Questo è il suo viaggio per diventare
l’onnipotente e onnisciente Optimus Prime”. Di fronte a Orion Pax
c’è D-16, un personaggio che sarà conosciuto come Megatron,
leader dei Decepticon. Il futuro nemico di Optimus Prime è doppiato
da Brian Tyree Henry, che ha dichiarato: “Vogliamo vedere dove
tutto è iniziato. Vogliamo vedere com’era Cybertron e come D-16 è
diventato uno dei più grandi arcinemici di tutti i
tempi”.
I migliori amici diventano
nemici in “Transformers One”
Henry ha poi aggiunto: “Vediamo
l’inizio assoluto di Optimus e Megatron, il fatto che fossero in
realtà migliori amici”, mentre Hemsworth ha aggiunto: “Si tratta
davvero di un’amicizia in cui i due diventano nemici”. Tra i
quattro eroi del film ci sono anche la Johansson nel
ruolo di Elita-1 e Keegan-Michael Key nel ruolo di B-127, che
nonostante il suo desiderio di essere conosciuto come “Badassatron”
diventerà Bumblebee. Key si è detto entusiasta di dare voce al
personaggio che è stato in gran parte senza voce nei precedenti
film di Transformers.
“Negli ultimi film è stato quasi una star del cinema muto, ma ora
possiamo dargli voce”, ha detto Key.
Il film si avvale anche della voce
di Jon Hamm nel ruolo di Sentinel Prime,
un imponente bot che è il predecessore di Optimus come leader degli
Autobot. Anche Steve Buscemi sarà presente,
doppiando Starscream, un eventuale luogotenente di Megatron.
Laurence Fishburne darà la voce
all’antico Transformer Alpha Trion, una figura misteriosa per
gli eroi del film che fornisce loro la capacità di
trasformarsi, dando inizio alla loro avventura.
Transformers One uscirà nelle sale il 19 settembre
2024.
Il presidente dei Marvel
Studios Kevin Feige arriva al Los Angeles Premiere Of Columbia
Pictures '' 'Spider-Man: No Way Home' tenutosi al Regency Village
Theatre il 13 dicembre 2021 a Westwood, Los Angeles, California,
Stati Uniti. — Foto di imagepressagency via
Depositphotos
Deadpool
& Wolverine è finalmente diventato il film
con il più alto indice di gradimento di tutti i tempi, e il
presidente dei Marvel Studios ha avuto un
modo particolare di celebrare questo risultato. Kevin Feige non potrebbe essere più
felice del fatto che il sequel diretto da Shawn
Levy abbia continuato a battere i record di incassi.
Ma mentre il dirigente rilascia una nota formale per ringraziare il
pubblico per aver trasformato Deadpool & Wolverine in un
enorme successo, sullo sfondo si nota qualcosa di inaspettato.
Durante il primo atto di
Deadpool & Wolverine, Wade Wilson (Ryan
Reynolds) ha scherzato sul fatto che la
Disney aveva una sola richiesta per quanto
riguarda le battute del film. Deadpool è noto per il suo costante
uso di droghe. Ma Feige è fermo nella sua regola che vieta a
qualsiasi produzione dei Marvel Studios di
raffigurare o fare riferimento all’uso esplicito di sostanze
illegali. Sullo sfondo del post sui social media si può vedere una
lettera di Feige, in cui il presidente dello studio ricorda al team
di Deadpool
& Wolverinele linee guida.
Deadpool & Wolverine segue
Wade Wilson in un momento complicato della sua vita. Mentre la sua
relazione con Vanessa (Morena Baccarin)
stava diventando più forte che mai, tutto è andato in pezzi quando
Wilson ha perso la sua motivazione. Ma questo non avrebbe impedito
a Deadpool di ottenere ciò che voleva. Determinato a riprendersi la
sua vita, l’antieroe si è imbarcato in una missione che prevedeva
la lotta contro la Time Variance Authority insieme a una variante
di Wolverine (Hugh Jackman).
Sebbene ci si aspettasse che
Deadpool & Wolverine fosse un blockbuster di successo, è
riuscito a diventare uno dei film di maggior successo dell’anno. Il
sequel ha guadagnato finora 1,086 miliardi di dollari al box office
mondiale. Solo Inside Out 2 ha guadagnato di
più quest’anno, con il sequel della Pixar
che ha guadagnato 1,586 miliardi di dollari all’inizio dell’estate.
La Disney è tornata in carreggiata per quanto riguarda la vendita
dei biglietti. Ma il successo di Deadpool & Wolverine è
comunque un sospiro di sollievo per il resto del Marvel
Cinematic Universe.
L’ultima volta che il MCU è
arrivato al cinema è stato con il debutto di The
Marvels l’anno scorso. Con soli 206 milioni di
dollari guadagnati al botteghino globale per tutta la durata del
film, il sequel ha dato motivo di preoccupazione allo studio di
successo. Attualmente la società sta lavorando a Avengers:Doomsday e
Avengers:Secret
Wars, i Marvel Studios avevano bisogno della
rassicurazione di un altro grande successo per continuare a
investire milioni di dollari nell’amato franchise.
Il prossimo film di uno dei registi
più acclamati della storia ha appena ricevuto un grosso
aggiornamento. Un nuovo report di Deadline ha rivelato che Colin Firth, noto soprattutto per i
suoi ruoli in Kinsgman:The
Secret Service, A Single
Man e Il discorso del re,
si è unito ufficialmente al cast del
film evento senza titolo di Steven Spielberg, che sta producendo
con la Universal. Firth si unisce a
Emily Blunt, la cui prima aggiunta al cast era stata
annunciata all’inizio di giugno. L’uscita del film sugli UFO,
ancora senza titolo, è prevista per il 15 maggio 2026. Spielberg si
riunirà allo sceneggiatore di Jurassic
ParkDavid Koepp, incaricato di
scrivere la sceneggiatura del progetto, che segnerà la prima
collaborazione tra i due dopo Indiana Jones e il Regno del Teschio di
Cristallo del 2008.
Nonostante non abbiano lavorato
insieme per più di 16 anni, sia Spielberg che Koepp si sono tenuti
occupati nel frattempo. Recentemente Koepp è tornato nel mondo di
Indiana Jones e ha collaborato come sceneggiatore
all’ultimo capitolo con Harrison Ford, Indiana
Jones e il quadrante del destino, diretto da
James Mangold. Spielberg è stato
accreditato come produttore del progetto. Il regista premio Oscar
ha lavorato di recente a diversi grandi progetti, tra cui
Ready Player One, The
Fabelmans e West Side
Story. Anche se sarà sempre conosciuto come la prima
persona che ha dato vita a Indiana Jones e Jurassic
Park, due franchise che sono rimasti i più iconici e
riconoscibili di tutti i tempi.
Cosa hanno fatto ultimamente le
star del nuovo film di Spielberg?
Firth sarà sempre conosciuto per
aver vinto l’Oscar per la sua interpretazione ne Il discorso
del re nel 2010 e per la sua interpretazione nominata
all’Oscar in A Single Man l’anno precedente, ma
ultimamente è stato anche impegnato. Di recente ha recitato accanto
a Olivia Colman in Empire of
Light e a Matthew Macfadyen
in Operation Mincemeat. Per quanto
riguarda la Blunt, solo pochi mesi fa è stata vista nelle sale al
fianco di Ryan Gosling in The
Fall Guy, mentre nell’ultimo anno ha recitato in
Pain Hustlers e
Oppenheimer. Il film di Steven
Spielberg sull’evento UFO, ancora senza titolo, uscirà il 15 maggio
2026.
Buone notizie, fan di Benoit Blanc,
siamo ufficialmente a un passo da Wake Up Dead Man:A
Knives Out
Mystery. Il
regista Rian Johnson ha condiviso su Instagram la
notizia che le riprese del prossimo film, ricco di star, sono
terminate e che vedrà ancora una volta protagonista Daniel Craig nei panni dell’enigmatico
detective Benoit Blanc.
Wake Up Dead Man:A Knives Out
Mystery continua l’eredità del franchise Knives Out. In questo sequel, Blanc si
trova alle prese con un altro mistero di omicidio, che questa volta
coinvolge un gruppo eterogeneo di individui eccentrici.
Sulla base del divertimento elettrizzante e cerebrale dei film
precedenti, l’ultima uscita del nostro eroe è pronta a offrire la
narrazione intelligente e l’arguzia tagliente che i fan hanno
imparato ad amare.
Il sequel segna la conclusione del
contratto che Netflix ha stipulato con Craig, il regista Johnson e
il produttore Bergman in seguito al grande successo del primo film
di Knives Out. Il franchise è diventato
rapidamente un punto di riferimento per il gigante dello streaming,
con le avventure di Benoit Blanc che hanno riscosso un enorme
successo di pubblico in tutto il mondo. A Brolin si aggiungono le
già annunciate star Daryl
McCormack,Mila
Kunis,Jeremy
Renner,Glenn
Close, Cailee Spaeny,
Josh O’Connor, Andrew
Scott e Kerry Washington.
Diretto da Rian Johnson, che ha
scritto e diretto i film precedenti, Wake Up Dead Man
riporterà Benoit Blanc a essere un osservatore rispettoso,
tranquillo e passivo… della verità.
Mentre il film si prepara per la produzione, l’attesa cresce a ogni
nuovo annuncio di casting. Con un’intrigante miscela di star
affermate e talenti emergenti come TK, il film è pronto a diventare
un altro successo della saga di Knives Out. I fan del
franchise e i nuovi arrivati attenderanno con ansia ulteriori
dettagli e, infine, l’uscita del film.
L’acclamato scrittore di fumetti
Garth Ennis (The
Boys) ha trascorso anni a vedere alcune delle sue
opere più famose trasformate in acclamate serie televisive, ma il
prossimo adattamento sarà opera sua. L’Hollywood
Reporter, tramite la sua newsletter Heat Vision, scrive che
Ennis ha recentemente scritto la sceneggiatura di
un lungometraggio basato sul suo fumetto post-apocalittico
Crossed, che descrive un mondo tetro rovinato da
una pandemia che infligge alle vittime eruzioni cutanee giganti e
le costringe a mettere in atto i loro pensieri più ignobili. Il
gruppo indie Six Studios ha acquisito la
sceneggiatura e intende finanziare e produrre il film. Attualmente
è alla ricerca di un regista che diriga il progetto.
L’adattamento di Crossed
di Ennis prenderà spunto dai dieci numeri originali del
fumetto, pubblicato dal 2008 al 2010 da Avatar Press. Come
la maggior parte dei suoi lavori, si tratta di un’altra
interpretazione brutale e sovversiva di un genere popolare, che
trasforma la tipica storia di apocalisse zombie in qualcosa
di orribile che riflette il peggio dell’umanità. Invece di andare
in giro a banchettare senza motivo con gli esseri umani rimasti,
questi infetti mantengono la loro intelligenza e diventano maniaci
omicidi che commettono i peggiori crimini immaginabili. La malattia
mette rapidamente in ginocchio la società, mentre i governi si
affannano a spegnere tutto ciò che potrebbe essere usato per la
distruzione di massa, ma ritarda solo l’inevitabile, poiché le
vestigia dell’umanità diventano sempre meno. Jacen
Burrows ha illustrato i primi dieci numeri del
fumetto.
L’inizio della produzione di Six
Studios è previsto per l’autunno, con Carl Choi
che produrrà per la casa editrice insieme a Ben
Hung di Retro Entertainment e Ken Levin
di Nightsky Productions, che ha anche contribuito allo sviluppo del
progetto con Ennis. Choi nutre grandi speranze per la
sceneggiatura, definendola una storia intima e profondamente umana
che evoca The Walking Dead e
Contagion, e anche titoli più
recenti come Civil
War di Alex Garland
per il suo cupo tour attraverso l’America. “È stato
l’adattamento più fedele possibile”, ha dichiarato, dando vita
a un progetto che si avvicina alla visione originale di Ennis.
Garth Ennis ha conquistato molti
fan in televisione
Crossed sarà un test
intrigante per capire se il lavoro di Ennis può avere successo sul
grande schermo. In televisione, i suoi fumetti sono diventati
beniamini della critica e del pubblico, a partire da
Preacher su AMC. L’acclamata
serie, interpretata da Dominic Cooper, è andata in onda per quattro
stagioni sulla rete dal 2016 al 2019 con grande successo, offrendo
alcuni cattivi demenziali nel corso della sua corsa.
Tuttavia, è stata successivamente oscurata dal successo
inarrestabile di The Boys su Prime Video, che ha appena battuto altri
record di spettatori sulla piattaforma con la sua quarta
stagione. Diretta da Eric Kripke, la satira sui
supereroi ha ancora in serbo un’altra stagione per concludere la
sua storia, oltre a diversi spinoff, tra cui il secondo episodio
di Gen V, The Boys
Presents:Diabolical, e due
nuovi show in The Boys: Mexico e
un
prequel di Soldier Boy (Jensen
Ackles).
Come abbiamo imparato dal
personaggio di Jamie Kennedy, Randy Meeks,
in Scream,
i film horror hanno alcune regole che
vengono affrontate e rispettate. Insieme a quella di non dire mai e
poi mai “Torno subito” quando si esce da una stanza e di non fare
uso di droghe o alcolici, c’è anche quella di non contare sul fatto
che quella persona sia completamente morta finché non si vede un
corpo. Anche se vedete un cadavere, come è successo tante
volte con personaggi come Michael Myers, Ghostface e Jason, potrebbero comunque
tornare. Così, quando Collider ha chiacchierato con la star di
MaXXXine,
Michelle Monaghan, in occasione di una
recente puntata di Ladies Night,
la rivista non ha potuto fare a meno di chiederle qualche
chiarimento sul destino del personaggio.
I momenti che hanno preceduto
l’ultima apparizione della Monaghan sullo schermo hanno visto il
suo personaggio morire in un tripudio di gloria, mentre lei e il
detective Torres di Bobby Cannavale
arrestavano un gruppo di pazzi fondamentalisti che stavano girando
un vero e proprio film dell’orrore per dimostrare i pericoli di
Hollywood. Entrambi gli agenti hanno attraversato i boschi quando
il loro principale colpevole, il padre di Maxine (Mia
Goth), Ernest Miller (Simon
Prast), si è dato alla fuga, ma le ferite riportate dal
detective Williams si sono rivelate troppo gravi. Certo, abbiamo
visto il detective Williams di Monaghan beccarsi qualche
proiettile prima di crollare a terra, ma in questo genere di film
si è sopravvissuti a ben di peggio.
Rispondendo alla domanda di Collider su cosa fosse successo
all’infuocata detective una volta che la telecamera si è spostata
sull’inquadratura successiva, Monaghan ha confermato che, almeno
nella sua mente, “credo sia morta”. Tuttavia, si è
detta entusiasta di guardare il momento attraverso gli occhi dei
fan dell’horror e ha detto che non le dispiacerebbe affatto se il
detective Williams uscisse da quella notte, magari un po’ malconcio
ma con una benda sull’occhio “piuttosto sexy”, aggiungendo: “Potrei
dover mandare un messaggio a Ti
[West] dopo questo”.
Un modo micidiale di uscire di
scena
Anche se il suo personaggio non è
arrivato ai titoli di coda, la Monaghan è stata più che grata per
il modo in cui West ha progettato la sua grande scena di morte. Per
un film sull’industria cinematografica che
si svolge a Hollywood, non c’è luogo
migliore in cui un personaggio principale possa morire se non sotto
le lettere dell’insegna di Hollywood. Monaghan ha raccontato gli
ultimi momenti del detective Williams dopo una sparatoria con una
setta di cristiani fondamentalisti,
“È sicuramente un po’ sbilenca
perché il suo equilibrio è saltato.Adoro quella
scena di morte perché [West] è famoso per le sue
incredibili scene di morte, e io ho pensato: “Oh mio Dio, mi sono
spento davanti all’insegna di Hollywood”.Quanto è
significativo?[Voglio dire, è stato molto bello.Mi
è piaciuto molto.Con il crocifisso, per giunta.È
stato super radicale.E sì, penso che sia morta, ma caspita,
se vuole tornare in qualche modo, forma o modo con un
occhio solo, penso che sia fantastico anche
quello”.
Guardate l’intera conversazione di
Monaghan con Collider nella nuovissima Ladies Night qui
sotto.
Il prossimo film della Marvel, Captain America:Brave New World, promette di
offrire al pubblico un’esperienza molto diversa da qualsiasi altro
film su Captain America che l’ha preceduto. Per cominciare, ora che
lo Steve Rogers di Chris Evans si è ritirato dal suo
moniker patriottico, il nome, lo scudo, il potere e la
responsabilità appartengono tutti al Sam Wilson di Anthony Mackie.
Ma durante il fine settimana al Fan
Expo di Chicago, il nuovo arrivato nell’MCU, Giancarlo Esposito, ha anticipato che
ci sarà anche qualcosa di inaspettato nella sua
interpretazione di Seth Voelker, alias Sidewinder,
dicendo: “Mi vedrete fare cose che non mi avete mai visto fare
prima”. L’attore ha anche aggiunto che la sua versione di Seth sarà
“uno scienziato” con “una grande mente”.
Come ormai sappiamo bene, in
passato Esposito si è orientato verso personalità più sinistre,
quindi in che modo questo ruolo lo distinguerà dagli altri?
In precedenza, l’attore ha fatto
intendere che il suo personaggio è un po’
“cazzuto” e che, mentre lo abbiamo visto andare avanti
“intellettualmente” come Gus Fring di
Breaking Bad e Better Call
Saul, Sidewinder sarà un’entità completamente
diversa. L’attore ha poi spiegato che,
“Recitare è usare ogni parte del
tuo corpo, le tue emozioni, i tuoi sensi, i tuoi sentimenti, per
rappresentare qualcosa.Ma non mi avete mai visto usare il
mio corpo nel modo in cui lo userò io.Il MCU è
eccitante”.
I precedenti ruoli di Giancarlo
Esposito lo hanno preparato a diventare il cattivo della
Marvel
Anche se si riferisce a Gus
Fring come a un cattivo più “intellettuale”, il
grande cattivo di Breaking Bad era innegabilmente
spietato. Ma da quello che abbiamo visto nelle prime immagini e nei
teaser di Captain America:Brave New World, sembra che
Seth Voelker si tufferà in trincea molto più di quanto abbia fatto
Gus. A parte il periodo trascorso nell’universo AMC di Breaking
Bad e Better Call Saul, Esposito è apparso anche come
un degno avversario in show come The
Boys di Prime Video, dove è apparso più volte nei panni
del diabolico Stan Edgar.
Anche se il suo debutto nel MCU
avverrà con Captain America:Brave New World, non sarà
certo la prima volta di Esposito come cattivo in un franchise: i
fan di
The Mandalorian lo conosceranno come Moff
Gideon. E con le recenti uscite cinematografiche, come
Abigail e
MaXXXine, che dimostrano che è più
che disposto a sporcarsi le mani con secchi di sangue (finto), non
vediamo l’ora di vedere fino a che punto Esposito si spingerà
quando salirà al trono come leader della Serpent
Society in Captain America:Brave New World.
È passato un po’ di tempo da quando
i fan di Shane Black hanno dovuto aspettare
così tanto per un nuovo film diretto dal regista.
Black ha lavorato l’ultima volta a Predator
del 2018, ma ha in programma alcuni progetti piuttosto
interessanti. Uno di questi è Play
Dirty, una commedia d’azione con Mark Wahlberg come protagonista. Anche
se i dettagli del progetto sono ancora segreti, Collider ha avuto
la possibilità di incontrare lo stesso
Wahlberg e di ottenere qualche informazione sul titolo in
arrivo.
Durante l’intervista, Mark Wahlberg ha condiviso l’emozione
di poter finalmente lavorare con Black e ha elencato alcuni
elementi che possiamo aspettarci di vedere in Play Dirty.
L’attore ha anche parlato del tipo di film che questo nuovo titolo
gli ricorda e, a quanto pare, si tratta di un altro film da non
perdere nella filmografia del regista:
“Per me è come se ‘The
Italian Job’ incontrasse ‘Heat ’.C’è
l’azione, l’alta posta in gioco, l’umorismo, i grandi personaggi, i
migliori dialoghi di Shane Black.Ho aspettato a lungo per
avere una sceneggiatura del genere.Ogni volta che abbiamo
parlato di “Ok, qual è il tipo di film che vuoi fare come attore se
parliamo di un grande film commerciale?” e “ Arma letale”
è sempre lì, e alcuni degli altri film che Shane ha scritto, quindi
non avrei potuto essere più felice.Spero che lui sia stato
felice quanto me di questa esperienza”.
Il prossimo film di Shane Black
si preannuncia assolutamente da vedere
Il fatto che Walhberg menzioni che
Play Dirty contiene “i migliori dialoghi di Shane Black” è
un’ottima notizia per i fan. Il regista e sceneggiatore si è
guadagnato una reputazione a Hollywood grazie alle sue
sceneggiature argute – recentemente con la commedia di
Robert Downey Jr.Kiss Kiss Bang
Bang, ma soprattutto con il franchise di
Arma Letale. Il buon dialogo è quindi una delle
principali attrattive per il pubblico dei suoi film, ed è bello
sapere che il regista rimane fedele alle sue radici.
Allo stesso tempo, la citazione di
The Italian Job e Heat da parte di Walhberg rende
Play Dirty immediatamente più interessante. The Italian Job è uno dei film di rapina più
popolari degli ultimi due decenni – con lo stesso Walhberg nel cast
– e i suoi fan hanno implorato un sequel negli ultimi vent’anni.
Heat è considerato uno dei classici del cinema
moderno, con un’intricata storia thriller che vede contrapposti
Robert De Niro (Killers of the Flower
Moon) e Al Pacino (Hunters). Il
film è destinato ad avere un sequel che sarà presto nelle
sale.
La prossima stagione di
“Fire
Country” si preannuncia bollente e, al suo ritorno,
aggiungerà due nuovi volti. Uno di loro sarà apparentemente
collegato all’ingresso di Bode Donovan (Max
Thieriot) nel mondo dei vigili del fuoco della California
meridionale, mentre un altro sembra essere collegato al mondo di
Three Rock.
Gli attori sono Jared Padalecki e Leven
Rambin. Padalecki, noto soprattutto per il suo ruolo in
“Supernatural” e reduce dal reboot di “Walker” della
The CW, interpreterà il ruolo di Camden
Casey, come riporta
Deadline. Camden è un surfista presuntuoso e un vigile del
fuoco che si affeziona subito a Bode. I fan possono aspettarsi che
Padalecki sia un attore ricorrente, ma Camden potrebbe diventare
un’altra prospettiva per uno spin-off di “Fire
Country” se il personaggio dovesse avere un buon
successo di pubblico. Uno spin-off incentrato su Casey si
aggiungerebbe a “Sheriff Country”, che segue la Mickey Fox di
Morena Baccarin, come secondo spin-off di “Fire
Country” in fase di sviluppo alla CBS.
Nel frattempo, la star di “True
Detective” Rambin interpreterà Audrey, secondo
TVLine. Come Bode, Audrey faceva parte di un campo di fuoco
della prigione, e ha la tempra di una donna di strada che lo
dimostra. Tuttavia, ha anche un lato tenero: è una musicista e ha
una gentilezza solare che potrebbe aiutare Bode a uscire dalla sua
depressione post-Gabriela (Stephanie Arcila). Come
Padalecki, anche Rambin farà parte della serie a partire da questo
momento. Mentre gli autori di “Fire
Country” non hanno parlato dell’aggiunta di Rambin
allo show, hanno detto qualcosa su Padalecki.
Gli EP di Fire Country sono entusiasti di avere Jared Padalecki
a bordo
Jared Padalecki in supernatural
La showrunner di “Fire
Country” Tia Napolitano ha dichiarato a TVLine di
essere entusiasta di avere a bordo Jared Padalecki
per la terza stagione. “Lanciamo Camden Casey in un modo
davvero dinamico. Eravamo così entusiasti di aver scelto Jared. E
cambierà davvero il copione a Edgewater. Tutti trattano Bode come
una tigre che stanno cercando di addomesticare, e Camden dice:
‘Perché state cercando di addomesticare una tigre? Lasciatelo
uscire!”.
Dal momento che Camden è pronto a
liberare il ribelle che è in Bode, viene da chiedersi che tipo di
impatto potrebbe avere sulla narrazione. Bode rimarrà bloccato in
una situazione che lo porterà a Three Rock? Si metterà nei guai
coprendo Casey? Svilupperà un’attrazione per Audrey che metterà in
gioco tutto per lui? Il pubblico dovrà aspettare e vedere.
“Fire
Country” tornerà con nuovi episodi il 18 ottobre.
Alien:
Romulus è ora nelle sale e, sebbene la risposta
dei fan e della critica sia stata ampiamente positiva, ci sono
alcune scelte narrative che non hanno soddisfatto tutti. Se non
avete ancora avuto modo di vedere il film, fate attenzione agli
spoiler più importanti da questo punto in poi.
Quando Rain
Carradine e il suo equipaggio arrivano alla stazione
spaziale abbandonata Romulus, scoprono che l’androide della nave è
ancora funzionante. Lo collegano e vediamo che il sintetico è lo
stesso modello di Ash del film originale di Ridley Scott.
Sì, il compianto Ian Holm è
resuscitato grazie a una combinazione di CGI e animatronics e, come
ci si potrebbe aspettare, la decisione è stata accolta con un certo
disappunto.
Nel corso di un’intervista con
EW, il regista Fede
Álvarez spiega perché hanno utilizzato le sembianze di
Holm per questo nuovo androide e rivela di aver contattato la
famiglia dell’attore per assicurarsi che fossero d’accordo con la
decisione.
“Storicamente, c’è solo una
quantità limitata di sintetici, ed è per questo che alcuni tornano
più volte.Così abbiamo parlato e Ridley e io
abbiamo pensato che quello che non è mai tornato fosse il migliore
di tutti, il modello originale interpretato da Ian
Holm”.
“L’intera faccenda è
iniziata quando ho chiamato la proprietà e ho parlato con la sua
vedova”, ha continuato il regista. “Lei sentiva
che Ian era stato trattato con freddezza da Hollywood negli ultimi
anni della sua vita, che gli sarebbe piaciuto far parte di altri
progetti dopo Lo Hobbit, ma non è stato così.Quindi era entusiasta all’idea di riaverlo con
sé”.
Sebbene questo androide non sia in
realtà Ash – che è stato distrutto insieme alla Nostromo in Alien –
Rook è altrettanto inaffidabile e ha una direttiva principale molto
simile.
“Ha la stessa somiglianza,
ma ha un comportamento diverso.Rook e Ash hanno
le stesse conoscenze perché sono tutti Madre”, dice
Álvarez, riferendosi al sistema operativo che gestisce le navicelle
spaziali nel franchise di
Alien. “È un androide diverso, ma è la stessa coscienza
della Madre che si è trasferita da un androide
all’altro”.
Michael Green ha
ottenuto una nomination all’Oscar per aver co-sceneggiato
Logan del 2017 insieme a James Mangold e
Scott Frank. Come sicuramente ricorderete, il film doveva
essere il canto del cigno di Hugh Jackman nei panni del personaggio dopo
quasi 20 anni di carriera nei panni del mutante artigliato.
Il threequel di R-Rated ha
mantenuto la promessa di lasciare Logan in pace e quella
specifica variante di Wolverine non è stata resuscitata. Il suo
scheletro di adamantio, però , è stato dissotterrato e
utilizzato da Wade Wilson per uccidere brutalmente uno squadrone di
agenti della TVA… sulle note di “Bye Bye Bye” degli NSYNC.
In una nuova intervista con
IGN, Green – che ha anche contribuito alla stesura di
Lanterna Verde del 2011 con
Ryan Reynolds – ha rotto il suo silenzio
sull’“omaggio” di Deadpool
& Wolverine a Logan.
“La gente mi aveva
avvertito in anticipo: ‘Uh, non so come la penserai sull’apertura
[di Deadpool & Wolverine]’”, spiega. “Io ho detto:
‘Penso di sapere cosa succederà’.E non lo
sapevo!Non sapevo che si sarebbero spinti così in
là”.
“Non si doveva prendere sul
serio il fatto che lo stessero, tipo, riesumando e che fosse
davvero lui”, continua Green. “Non sembrava tanto
che stessero cercando di cambiare il finale di ‘Logan’, quanto che
non sentissero di voler fare un film bello come ritenevano fosse
‘Logan’, il che è un enorme complimento!Mi è
sembrato che non fosse altro che un complimento”.
Lo sceneggiatore ha proseguito
dicendo che Deadpool
& Wolverine è stato un “bel
momento” e ha aggiunto: “Quando l’abbiamo visto in
un cinema pieno, la gente è andata fuori di testa per
tutto.È fantastico.È un grande
franchise, tipo, di più, per favore!”.
“Sapete, quello che ho
apprezzato ancora di più è che non ci sono state battute su
Lanterna Verde perché ero in parte responsabile.Devi portarlo come un distintivo d’onore!”.
Cosa aspettarci nel futuro dell’MCU dopo Deadpool &
Wolverine
Alla fine del film, la variante di
Wolverine che ha fallito nel suo mondo ha trovato la redenzione e
si è stabilito sulla Terra-100005 insieme al Merc with the Mouth e
a Laura/X-23. Ora ci aspettiamo che il trio ritorni in Avengers:Doomsday e/o
Avengers:Secret
Wars.
Il regista italiano Sergio
Leone si è imposto come uno dei più importanti uomini di
cinema di sempre. Con i suoi film western egli ha saputo prendere
un genere prettamente americano e ritrasformarlo secondo nuovi
canoni e arricchendolo di nuove tematiche. Nel 1964 ha così dato
vita a Per un pugno di dollari, seguito l’anno successivo
da Per qualche dollaro in più. Nel 1966 ha infine concluso
la Trilogia del Dollaro con il capolavoro Il buono, il
brutto, il cattivo. Ancora oggi questo è considerato
uno dei più celebri film di questo genere, contenendo la
quintessenza dello spaghetti western.
Il titolo, nato per caso, rispecchia
il pensiero di Leone. Nei tre protagonisti, ognuno per la propria
parte autobiografico, coesistono bellezza e bruttezza, umanità e
ferocia: il regista demistifica tutti questi concetti e al
contempo, in una dichiarata denuncia della follia della guerra,
demistifica la stessa storia degli Stati Uniti d’America,
mostrandone il lato violento e brutale, appannato dalla tradizione
mitizzante dell’epopea western. Con una durata di 178 minuti, il
film porta all’estrema potenza tutte le caratteristiche tipiche del
cinema di Leone, dalla dilatazione temporale fino all’epica più
pura incarnata dai personaggi.
Come i precedenti, anche questo
terzo capitolo non mancò di dividere la critica, affermandosi però
come uno straordinario successo di pubblico. Il buono, il
brutto, il cattivo è oggi un classico senza tempo, citato e
omaggiato in ogni modo possibile. Prima di intraprendere una
visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune
delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella
lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli
relativi alla trama, al cast di
attori e alla colonna sonora. Infine, si
elencheranno anche le principali piattaforme
streaming contenenti il film nel proprio catalogo.
Il buono, il brutto, il
cattivo: la trama del film
Ambientato durante la guerra di
secessione americana, nella metà dell’Ottocento, il film ha per
protagonista tre uomini senza scrupoli, ognuno con le proprie
regole morali che li collocano ai margini della società e della
legge. Si tratta di Joe, detto il buono,
Tuco, detto il brutto, e
Sentenza, detto il cattivo. I primi due sono
soliti collaborare inscenando alcune truffe, salvo poi tradirsi a
vicenda. Le loro strade finiranno però per rincrociarsi lungo un
percorso che porta ad un ricco tesoro nascosto. Alla ricerca di
questo vi è però anche il temibile Sentenza. Ben presto i tre
finiranno per scontrarsi all’ultimo sangue, mentre sullo sfondo
l’America cambia per sempre.
Il buono, il brutto, il
cattivo: il cast del film
Per dar vita nuovamente al
personaggio del misterioso Uomo senza nome, anche chiamato Biondo o
Joe, Leone contattò nuovamente Clint Eastwood.
All’epoca l’attore era ancora poco conosciuto e fu proprio questo
film a consacrarlo definitivamente. Eastwood, però, era
inizialmente restìo a recitare nel film, poiché giudicava il suo
ruolo meno affascinante di quello di Tuco. Fu necessaria una lunga
contrattazione tra lui e Leone, che infine riuscì a convincere
l’interprete ad accettare la parte in cambio di un compenso
maggiore. Per il personaggio di Tuco, invece, il regista era alla
ricerca di un puro talento comico. Finì con lo scegliere Eli Wallach, il
quale pur avendo recitato prevalentemente in ruoli drammatici,
sfoggiava le caratteristiche ricercate per il personaggio.
Una volta accettata la parte,
Wallach contribuì moltissimo alla caratterizzazione di Tuco,
riscrivendo alcune parti e fornendo suggerimenti sulla gestualità e
l’abbigliamento. Infine, per la parte del sicario Sentenza, Leone
scelse l’attore Lee Van Cleef, al quale aveva già
affidato un ruolo completamente diverso in Per qualche dollaro
in più. La parte lo consacrò come un’icona del genere,
nonostante l’attore avesse molta difficoltà a montare in sella ai
cavalli. Nel film sono poi presenti attori come Aldo
Giuffré nei panni di un capitano nordista alcolizzato e
Mario Brega in quelli del caporale Wallace.
Rada Rassimov è invece la prostituta Maria.
Il buono, il brutto, il
cattivo: la colonna sonora di Ennio Morricone
Come per i precedenti film di Leone,
anche in questo caso la colonna sonora del film fu composta da
Ennio
Morricone. Le sue caratteristiche composizioni,
contenenti spari, fischi e jodel, contribuiscono a ricreare
perfettamente l’atmosfera che caratterizza il film. Il motivo
principale, assomigliante all’ululato del coyote, è ad esempio una
melodia composta da due note, divenuta molto famosa. Essa viene
utilizzata per i tre personaggi principali del film, con un
differente strumento usato per ognuno: flauto soprano per il
Biondo, l’arghilofono per Sentenza e la voce umana per Tuco. Questo
motivo si ripropone durante tutto il film, senza però mai annoiare
né risultare scontato.
Leone fece inoltre in modo di avere
la colonna sonora pronta prima delle riprese del film, così da
poterla riprodurre sul set e contribuire al formarsi della giusta
atmosfera. Di particolare importanza, infine, sono i brani
Estasi dell’oro e Il Triello, presenti nella
sequenza finale del film. Grazie a queste composizioni Leone e
Morricone hanno dato vita ad un climax narrativo di rara bellezza,
ancora oggi insuperato. La dilatazione temporale, visiva e sonora
si fondono qui in modo straordinario. Quella di Il buono, il
brutto, il cattivo è dunque considerata una delle colonne
sonore per il cinema migliori di sempre.
Il buono, il brutto, il
cattivo: il trailer e dove vedere il film in streaming e in
TV
È possibile fruire di
Il buono, il brutto, il cattivo grazie
alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme
streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei
cataloghi di Rakuten TV, Chili Cinema, Google Play, Apple
iTunes e Now. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma
di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere
un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale
comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre
presente nel palinsesto televisivo di lunedì 10
ottobre alle ore 21:10 sul canale
Rai Movie.
Tra le commedie musicali di maggiore
successo di pubblico, Sister Act – Una svitata in abito da
suora occupa sicuramente un posto d’onore nel cuore di
molti spettatori. Uscito nel 1992, il film vede protagonista una
straordinaria Woopy Goldberg nei panni di Deloris, una soubrette
che assiste a un omicidio e per questo viene inserita in un
programma di protezione testimoni. Ironia della sorte, la donna,
esuberante e disinibita, finisce in un convento, dove dovrà
mimetizzarsi tra le suore. La convivenza non sarà semplicissima, ma
tra Deloris e le consorelle nascerà una sincera amicizia, fondata
soprattutto sulla passione per la musica.
Ecco alcune curiosità su
Sister Act – Una svitata in abito da suora che
forse non conosci:
Quando Paul Rudnick
stava scrivendo la sceneggiatura, Bette Midler
(che all’epoca era destinata a recitare il ruolo della
protagonista) gli suggerì di andare in un vero convento per fare
delle ricerche. Andò a stare nell’abbazia Regina Laudis a Betlemme,
nel Connecticut. La priora, Madre Dolores Hart,
O.S.B., era stata un’attrice, cantante e ballerina, apparendo in
film tra cui King Creole (1958) e Where
the Boys Are (1960). Madre Hart è ancora l’unica suora
conosciuta ad essere un membro votante dell’Academy of
Motion Picture Arts and Sciences, e lei e le sue
consorelle si divertono a guardare i suoi provini dell’Academy ogni
anno.
Whoopi Goldberg assunse Carrie Fisherper
riscrivere i suoi dialoghi, il che portò a molte discussioni con i
dirigenti della Disney. In seguito Fisher disse a Goldberg:
“Stai entrando in una gara di piscio con persone che hanno dei
veri cazzi”.
Un cameo dei Blues
Brothers
Durante il concerto per la scena del
Papa, ci sono diverse riprese dal punto di vista del coro
all’altare che mostra il retro della chiesa. Ci sono due figure
ombrose, una bassa e una più alta, vestite con abiti neri e in
piedi rigide di fronte alle due porte posteriori più o meno nello
stesso modo in cui i Blues Brothers,
Joliet Jake John Belushi ed Elwood Dan
Aykroyd stavano sul retro della chiesa della missione in
The Blues Brothers (1980).
La scena chiave in cui il coro delle
suore inizia “Hail Holy Queen” come un inno e, nel secondo
ritornello, lo trasforma in una versione pop, è notevolmente simile
a una scena della sitcom del 1967 “The Flying Nun”
(“Sister Socko in San Tanco” #2.14) in cui Sally Field,
Marge Redmond e Madeleine Sherwood
iniziano a cantare “Gonna Build a Mountain” in uno stile
lento e reverente e vengono interrotte dalla Reverenda Madre
(Sherwood), che chiede alla band di “accelerare il ritmo”. La
musica scatta immediatamente in una versione pop anni Sessanta
della canzone. Questo programma è andato in onda su ABC in prima
serata e la Colgems Records ha pubblicato la sua versione di “Gonna
Build a Mountain” come singolo, quindi è molto probabile che non
sia una coincidenza.
Il musical a teatro
Questo film è stato poi trasformato
in un musical teatrale. Whoopi Goldberg è apparsa in una serie
limitata della rappresentazione londinese, questa volta
interpretando Madre Superiora (Maggie Smith nel
film).
Quando Deloris sta per essere
colpita da due degli scagnozzi di Vince, si inginocchia per pregare
prima di colpire ciascuno di loro per farli scappare. La sedia in
cui era stata legata è la stessa sedia usata in Devil’s
Due (1991).
Una scena di apertura mostra Deloris
da ragazzina, interpretata da Isis Carmen Jones.
Più tardi nello stesso anno, Jones ha interpretato una versione
“ringiovanita” del personaggio di Whoopi Goldberg, Guinan, nell’episodio Rascals
(1992) di Star Trek: The Next Generation
(1987).
Sister Act 3 è in
lavorazione
Whoopi Goldberg ha offerto un aggiornamento
sull’attesissimo progetto di Sister Act 3, che arriverà su Disney+. Parlando con ET, Goldberg anticipa i dettagli
della storia di Deloris in Sister Act 3 e afferma
che il personaggio è molto più adulto nel nuovo film. Goldberg
rivela che tornare nel ruolo tre decenni dopo “sembra giusto”. La
star spiega che girare i primi due film uno dopo l’altro ha
funzionato bene all’epoca, ma il terzo film in fase di sviluppo ha
aiutato il personaggio ad evolversi.
Avevamo lasciato la saga di
Alien
al tentativo di raccontarci le proprie origini, con Prometheus
e Alien:
Covenant incentrati sugli eventi che avrebbero portato
all’Alien
di Ridley Scott del 1979. Ad oggi il futuro di
quella narrazione prequel è ancora incerto, ma quello della saga
nel suo complesso sembra non correre questo rischio. Grazie ad
Alien: Romulus, settimo capitolo del franchise (se
non si contano i due Alien vs. Predator), si ha infatti un ritorno alle
origini capace però non solo di rivisitare determinati scenari, ma
anche di aggiungere qualcosa di nuovo alla mitologia fino ad oggi
costruita.
Diretto da Fede Alvarez, regista distintosi
grazie agli horror La casa e Man in the
Dark, questo nuovo capitolo – che si colloca temporalmente
tra l’Alien
di Scott e l’Aliens
– Scontro finale di James Cameron – offre dunque un’esperienza
particolarmente soddisfacente. Forse, all’apparenza, potrà sembrare
un ricalco troppo marcato del primo film – e non si vuole negare
che lo sia – ma è nella messa in scena concepita da Alvarez che
emergono momenti di grande impatto, che permettono di non avvertire
la sensazione di “già visto” bensì quella fascinazione che altrove
nella saga è mancata.
Nelle colonie umane gestite dalla
Wayland-Yutani, la speranza di una vita degna e la libertà sono
concetti del tutto privi di significato. Ecco perché la giovane
Rain Carradine (Cailee
Spaeny), insieme al suo “fratello” droide Andy
(David Jonsson), accetta di compiere una
pericolosa missione che potrebbe però permettergli di ambire ad un
futuro migliore. Insieme ad un gruppo di altri ragazzi loro amici,
si intrufolano in una base spaziale apparentemente abbandonata per
recuperare delle capsule per l’ipersonno. In quel luogo spettrale,
tuttavia, scopriranno a loro spese orrori indicibili.
Un gioco da ragazzi
Se nei precedenti film del
franchise i protagonisti erano esperti di vari campi e, aspetto non
secondario, degli adulti, in Alien: Romulus al
centro della narrazione vi sono invece un gruppo di ragazzi.
Giovani nati e cresciuti nel contesto disumanizzante delle colonie
umane e per questo attratti da quelle alternative che altri luoghi
nell’universo sembrano promettere. Tutto nasce dal loro desiderio
di fuga, dalla volontà di smarcarsi da un percorso di vita che
appare drammaticamente già scritto e apparentemente privo di ogni
possibilità di fuga.
Raccapricciante e Avvincente
D’altronde Alvarez aveva dichiarato
che se mai avesse avuto l’occasione di lavorare con il franchise di
Alien, gli sarebbe interessato esplorare la vita di quei
bambini e adolescenti intravisti nelle colonie dei precedenti film.
Ha dunque ora realizzato questo suo desiderio, facendo di
Alien: Romulus un film fortemente incentrato su
questo tipo di personaggi e le tematiche che gli sono proprie, dal
sognare una vita da persone libere al “peso” delle figure
genitoriali. La sessualità, più o meno latente, è infine – come già
visto accadere nella saga – elemento centrale con cui bene o male
tutti si scontrano.
L’avere dei ragazzi come
protagonisti, però, non rende in alcun modo questo film un’opera
più “adolescenziale” rispetto agli altri lungometraggi. Non c’è
alcuna variazione di tono, che rimane invece particolarmente cupo
per l’intera durata del film. Anzi, l’avere dei giovani inesperti
potenzialmente inclini agli errori dettati dall’impulsività rende
il tutto ancor più avvincente. Si seguono con apprensione i loro
spostamenti e le loro decisioni, con un’attesa (che si potrebbe
definire famelica) di ciò che potrebbe loro capitare.
L’orrore di Scott, l’azione di
Cameron, l’uso degli spazi di Alvarez
Alien: Romulus non
si risparmia dunque alcune sequenze particolarmente scioccanti –
più disgustose che non spaventose (Isabela
Mercedes ci aveva messo in guardia a riguardo) -,
terrificanti creature già note o inedite e momenti di grande
tensione messi in scena con grande gusto per l’immagine. Alvarez
segue dunque le orme di Ridley Scott, sempre cercando però di offrire
un punto di vista nuovo su quanto da lui già compiuto nel 1979. Se
nella costruzione dell’orrore è lui il punto di riferimento,
Alien: Romulus presenta però anche una forte
componente bellica e, in generale, d’azione, che si rifà
all’Aliens
– Scontro finale di James Cameron.
Il film di Alvarez si muove dunque
su questo equilibrio, omaggiando così i due grandi capolavori di
questo franchise e facendo propria la loro lezione per dimostrare
di saperne trarre qualcosa di buono. A tutto ciò il regista
aggiunge la sua grande padronanza degli spazi, che aveva già
mostrato con i suoi primi film. Ogni ambiente di Alien:
Romulus viene costruito e gestito con grande attenzione,
facendone quasi un susseguirsi di livelli dove la pericolosità e la
difficoltà aumentano prepotentemente.
Si possono citare sequenze come
l’attraversamento della sala piena di facehuggers, il “tunnel”
organico pullulato da Xenomorfi o l’ambiente dello scontro
conclusivo per rendere l’idea. Per ognuno di questi, ma anche per i
tanti altri che rendono il film particolarmente entusiasmante per
la semplice gioia degli occhi, Alvarez riesce a trasmettere quella
certa sensazione di claustrofobia, di pericolo potenzialmente
proveniente da ogni angolo, costringendo così alla massima
attenzione.
Alien: Romulus possiede il giusto mix tra tensione e
adrenalina
Tutte queste sfumature rendono
dunque Alien: Romulus un film particolarmente
entusiasmante, che non vuole avere la pretesa di affermarsi come
migliore dei suoi predecessori bensì di offrire un ritorno alle
origini che sappia di nuovo. Ci riesce anche grazie ad un paio di
personaggi piuttosto interessanti, su cui spicca l’Andy di
David Jonsson, capace di rubare la scena in più
occasioni ai suoi co-protagonisti. Con lui la figura dell’androide
si conferma particolarmente interessante, capace di farsi carico di
tutta quella serie di discorsi da Scott affrontata anche
in Blade
Runner.
Attorno a lui, gli altri personaggi
non spiccano per originalità, ma perlomeno la Rain di Cailee Spaeny non risulta – come si temeva –
una copia della Ripley di Sigourney Weaver, riuscendo ad avere una
propria identità. Così come riesce ad averla nel suo complesso
Alien: Romulus. Se si accetta di chiudere un
occhio sulle somiglianze strutturali con il primo film e si guarda
oltre queste, ci si troverà davanti ad un film che senza pretese
offre un sano intrattenimento, suscitando quel giusto mix di
tensione e adrenalina e riaccendendo (ammesso che si fosse mai
spento) il fascino nei confronti di questa saga.
My Time To Shine Hello
sostiene che Taron Egerton sia ora in trattative con i
Marvel Studios per un ruolo non
divulgato. Si vocifera da tempo che l’attore di
Kingsman sia in lizza per sostituire Hugh
Jackman nel
ruolo di Wolverine dell’MCU, ma lui ha ripetutamente negato che
siano avvenuti degli incontri.
“Non sarò io a interpretare
Wolverine”, ha detto in un’intervista del 2023. “Non ci
sono segnali che indichino che sia questa la cosa giusta. E non so
se io… forse sto arrivando al punto in cui non è più quello che
voglio. Non lo so. Non direi mai mai, e adoro quei film. Mi sono
davvero divertito a guardarli negli ultimi 10, 15 anni. Ma se io…
Sai, potrebbe non essere più la cosa giusta per me. Penso che forse
ho superato il punto in cui sembrava la cosa giusta [per la mia
carriera].”
A meno che non sia cambiato qualcosa
da allora, è probabilmente lecito supporre che sia stato adocchiato
per un personaggio diverso. Tuttavia c’è anche da dire che la
recente storia dei cinecomic è piena di questo tipo di negazioni.
Andrew Garfield ha più volte negato di essere in
Spider-Man: No Way Home, prima di comparire nel
film, e Daphne Keen aveva detto, in occaisone
della premiere di The Acolyte, che avrebbe
guardato Deadpool & Wolverine da spettatrice senza
comparire nel film. Eppure poi Laura/X-23 fa la sua bella figura
nel film. Il tempo ci dirà la verità.
Abbiamo visto l’ultima volta
Taron Egerton in Tetris, film
sulla storia del famosissimo videogioco realizzato da Apple
Tv+.
“Alien:
Romulus” riporta il franchise horror/fantascientifico
alle sue radici e sembra aver convinto molti scettici. Le
recensioni su Rotten Tomatoes di “Alien:
Romulus” sono uniformemente positive, e i critici che ne lodano
il puro terrore e il ritorno alla forma per la serie dopo un paio
di puntate che hanno suscitato divisioni. Tuttavia, uno degli
elementi negativi che emerge più volte in diverse recensioni è che
il film si basa troppo sul fan service e sui richiami a momenti
iconici di “Alien” del
1979 e del suo sequel, “Aliens”
del 1986. Con una tale enfasi sull’omaggio al passato, non
sorprende che “Alien:
Romulus” sia pieno di piccoli dettagli e riferimenti
che potrebbero essere difficili da cogliere alla prima visione.
A suo merito, il film inizia in modo
molto diverso da quasi tutto il resto del franchise. Rain (Cailee
Spaeny) e suo fratello adottivo Andy (David
Jonsson), un umano sintetico, lavorano in una colonia
mineraria oscura e inquinata dove sembrano destinati a vivere il
resto dei loro giorni. Si presenta l’opportunità di cercare una
vita migliore altrove: gli amici di Rain hanno bisogno che lei e
Andy facciano un breve viaggio con loro verso una stazione spaziale
abbandonata.
Ma c’è qualcosa che li aspetta su
quella stazione, con morti e battaglie che si susseguono come un
“greatest hits” del franchise di “Alien” fino a questo punto. C’è
molto da capire, quindi ecco quello che forse vi siete persi e che
collega “Alien: Romulus” alla mitologia del mondo
reale, ai videogiochi di “Alien” e a
molto altro ancora.
Fede Álvarez ha certamente i suoi
interessi
Credit 20th Century Studios
Dopo aver diretto l’originale
“Alien”,
Ridley Scott è tornato al franchise per “Prometheus”
del 2012 e “Alien:
Covenant” del 2017. Dato che questi film hanno suscitato un
certo interesse, è comprensibile che fosse necessario un approccio
diverso. Per questo motivo, mentre Scott è produttore di
“Alien: Romulus”, Fede Álvarez ha
assunto la regia del film. Álvarez non è nuovo al genere horror,
avendo già diretto il reboot di “Evil Dead” del 2013 e “Don’t
Breathe”. In effetti, esaminando il curriculum del regista, sembra
emergere uno schema che mostra che molte delle sue opere seguono la
stessa trama di base.
Se si riducono all’osso “Romulus”,
“Evil Dead” e “Don’t Breathe”, tutti seguono un piccolo cast di
personaggi che rimangono intrappolati in un luogo isolato. Questi
personaggi devono combattere contro una forza maligna (Xenomorfi,
deaditi o un uomo cieco con abilità mortali), e molti muoiono nel
processo, ma almeno una persona riesce a fuggire. Inoltre, tutti e
tre i film contengono riferimenti espliciti o metaforici alla
violenza sessuale.
Intenzionalmente o meno, Álvarez ha
esplorato idee simili in tutta la sua filmografia. Álvarez ha anche
dei crediti di scrittura per questi tre film, quindi sembrerebbe
che si tratti di temi che gli interessa esplorare. Dal momento che
i suoi interessi coincidono con quelli del franchise di “Alien”, i
suoi lavori precedenti sono quasi sicuramente quelli che gli hanno
permesso di ottenere l’ingaggio per “Romulus”.
Chi sono Romolo e Remo?
Gran parte di “Alien:
Romulus” si svolge sulla stazione spaziale Renaissance,
che contiene due moduli chiamati Romulus e Remus. Una verità non
raccontata di “Alien: Romulus” è che la società al
centro del franchise – la Weyland-Yutani – è fortemente influenzata
dalla storia e dalla mitologia romana, da cui derivano appunto
questi nomi. Secondo la leggenda, Romolo e Remo erano fratelli e
fondatori di Roma. Romolo finì per uccidere Remo e il concetto di
rivalità e diffidenza tra fratelli è al centro di “Alien:
Romulus”.
Andy può essere un sintetico, ma
Rain si riferisce a lui come a un fratello. All’inizio la sua
direttiva principale è quella di fare ciò che è meglio per Rain, a
prescindere da tutto. Ma la sua programmazione viene aggiornata
durante la permanenza sulla stazione spaziale, potenziando
notevolmente la sua intelligenza e dandogli una nuova direttiva:
fare ciò che è meglio per la Weyland-Yutani. Questo lo porta a un
conflitto diretto con Rain, ma fortunatamente riescono a evitare lo
stesso esito del mito romano, con Rain che riavvia Andy alla sua
programmazione più compassionevole.
Tuttavia, i riferimenti alla
mitologia romana non finiscono qui. L’immagine più nota di Romolo e
Remo li vede succhiare la tettarella della lupa che nel mito è la
loro madre adottiva. Alla fine di “Alien:
Romulus”, Kay (Isabela
Merced) dà alla luce un ibrido umano/Xenomorfo, che in
seguito può essere visto ricevere un nutrimento simile da Kay,
uccidendola nel processo.
C’è un telefono da Alien:
Isolation
“Alien: Romulus” rende omaggio
all’intera saga cinematografica di ‘Alien’, da un Ian Holm
resuscitato digitalmente che interpreta l’ufficiale scientifico
Rook alla scoperta che gli scienziati della Rinascente stavano
sperimentando con la melma nera che era un punto importante della
trama in ‘Prometheus’. Tuttavia, Fede Álvarez non si limita a
onorare il lato cinematografico delle cose: c’è un Easter egg per
il videogioco del 2014, “Alien: Isolation”, se si sa dove
guardare.
Álvarez ha dichiarato al podcast
“Inside
Total Film” di essere un grande fan del gioco: “Ci ho giocato
qualche anno dopo la sua uscita”, ha detto. “Pensavo: ‘F***, se
potessi fare qualcosa, mi piacerebbe fare ‘Alien’ e spaventare di
nuovo il pubblico con quella creatura e quelle ambientazioni’”. Il
suo desiderio alla fine si è avverato, e ha onorato il gioco
incorporando i telefoni di emergenza che vengono usati come punti
di salvataggio. Come accade di solito nei videogiochi, un punto di
salvataggio significa generalmente che si sta per entrare in
un’area con un’alta probabilità di morte del personaggio.
Lo stesso concetto si applica a
“Romulus”, come ha continuato Álvarez: “Il film è impostato in modo
tale che ogni volta che sta per accadere qualcosa di brutto, si
vedrà un telefono”. Il fatto che si tratti di un film di “Alien”
significa che qualcosa di brutto è sempre dietro l’angolo, ma è un
chiaro riferimento per i videogiocatori che devono tenere gli occhi
aperti e prepararsi ad affrontare qualcosa di terribile.
Come è stato riportato Ian Holm per
Alien: Romulus?
A bordo della Renaissance, Rain e i
suoi amici scoprono e riattivano la metà superiore del corpo
dell’ufficiale scientifico Rook, che fornisce gran parte
dell’esposizione mentre cerca di portare a termine la sua missione
di riportare la melma nera alla Weyland-Yutani. I fan di “Alien”
riconosceranno il volto di Ian Holm, che ha interpretato l’androide
Ash nel primo film di “Alien”. Holm è morto nel 2020, uno dei tanti
attori di “Alien” scomparsi nel corso degli anni, quindi è naturale
che i fan si chiedano come mai sia tornato a interpretare un
sintetico diverso in “Alien: Romulus”.
I dettagli su come l’immagine di un
giovane Holm appaia in “Romulus” non sono ancora stati divulgati,
anche se, visto il discorso che si è aperto in rete, il team
creativo potrebbe dover affrontare la questione prima o poi. Su X
(precedentemente noto come Twitter), l’utente @Overmayor ha
scritto: “Ho davvero bisogno che la storia dell’Ian Holm non sia
vera, ho bisogno che questo film sia bello”. Tuttavia, pur
trattandosi di una ricreazione digitale, potrebbe non trattarsi
tecnicamente di IA. Daniel Betts è accreditato per la performance
facciale e vocale di Rook, con la voce e il volto di Holm come
riferimento.
È probabile che sia simile al modo
in cui il defunto Peter Cushing è stato resuscitato come Grand Moff
Tarkin in “Rogue One: A Star
Wars Story” attraverso il motion capture e la CGI. Potrebbe
comunque essere considerato di cattivo gusto, ma almeno non sarebbe
completamente IA, il che sarebbe ipocrita considerando che i film
di “Alien” ritraggono tipicamente androidi come malvagi lacchè
aziendali.
Il finale di Alien: Romulus segue
la tradizione di Alien
C’è una cosa che tende ad accadere
alla fine dei film di “Alien” e che anche “Romulus” rispetta. Per
qualche motivo, i mostri giganti di questi film sono
incredibilmente furtivi e possono imbarcarsi su una nave senza che
nessuno se ne accorga. In “Alien”, Ripley (Sigourney
Weaver) sale su una navetta mentre la Nostromo si
autodistrugge, ma a bordo c’è anche uno Xenomorfo che lei deve far
saltare attraverso una camera di compensazione. “Aliens” segue una
traiettoria simile: un piccolo gruppo fugge su un’astronave prima
che la stazione principale esploda, ma viene raggiunto dalla
regina, che si nasconde nel carrello di atterraggio.
Anche “Alien: Romulus” ha
un finale falso: Rain, Kay e Andy fuggono dalla stazione
spaziale proprio mentre sta per colpire l’anello che circonda il
pianeta. Pensano di essere al sicuro, ma un nuovo antagonista
riesce a nascondersi in modo molto più sottile degli alieni più
grandi. Kay si è iniettata la sostanza nera, probabilmente credendo
che avrebbe salvato se stessa e il suo bambino, ma tutto ciò che fa
è mutare l’embrione fino a far nascere una capsula contenente un
ibrido umano/Xenomorfo. Il film di “Alien” si conclude ancora una
volta con il pubblico che crede che i personaggi siano al sicuro,
ma c’è un’altra battaglia che li attende.
Da “Terminator” a “Halloween”, è
piuttosto comune che alcuni franchise ignorino semplicemente i film
precedenti che magari non sono stati accolti bene. Essendo un
capitolo completamente separato da tutto ciò che è venuto prima, si
potrebbe naturalmente supporre che “Alien: Romulus” si concentri
maggiormente sull’onorare “Alien” e “Aliens” rispetto a qualcosa
come “Prometheus”, che ha avuto un’accoglienza più mista da parte
di critica e pubblico. Tuttavia, “Romulus” si tuffa a capofitto
nella mitologia stabilita in “Prometheus”, includendo persino un
cenno a qualcosa chiamato “Prometheus file” nel film.
Rain e i suoi compagni apprendono
che la Weyland-Yutani vuole raccogliere la poltiglia nera,
introdotta per la prima volta in “Prometheus”, per i suoi nefasti
piani aziendali. L’obiettivo è quello di manipolare la melma in
modo che aiuti i dipendenti a guarire più velocemente dalle
malattie e a continuare a lavorare per l’azienda più a lungo.
L’odore nero è stato stabilito nella scena iniziale di
“Prometheus”, dove un ingegnere lo consuma. Il suo
corpo si spezza mentre cade da una cascata, portando apparentemente
la vita sulla Terra.
Finora, il composto sembra uccidere
qualsiasi cosa entri in contatto con esso o creare orribili mostri.
Kay, che se lo inietta, finisce per dare alla luce questi ultimi.
Forse è proprio questo il piano di Rook: far salire di nascosto un
mostro a bordo di una nave in fuga, in modo che la Weyland-Yutani
possa procedere agli esperimenti su di esso.
Si potrebbe ragionevolmente
sostenere che “Aliens” è un sequel di fantascienza ancora migliore
dell’originale, che prende il concetto centrale di “Alien” e gli dà
la patina di un film d’azione con un’allegoria della guerra del
Vietnam. Aumenta la tensione e il terrore e introduce una schiera
di Xenomorfi invece di uno solo. La struttura di base di “Alien:
Romulus” è simile a quella di “Alien”, per quanto riguarda il fatto
di essere principalmente bloccato in un unico luogo, ma il film
riesce comunque a fare riferimento al sequel diretto da James Cameron in più di un modo.
Gli umani non possono fare molto
contro gli Xenomorfi nel combattimento corpo a corpo, quindi Rain
viene equipaggiata con un fucile a impulsi F44A. Tyler le mostra
anche come usare la funzione di aggancio e il supporto per il
braccio per ottenere la massima efficienza. C’è persino un
riferimento al fatto che questo fucile è lo stesso usato dai
“Colonial Marines”, ricordando la squadra a cui si unisce Ripley in
“Aliens”.
Certo, non si tratta dello stesso
fucile. L’arma scelta in “Aliens” è tecnicamente un fucile a
impulsi M41A, quindi è logico che i due tipi di arma siano in
qualche modo diversi. Inoltre, “Alien: Romulus” si svolge nell’anno
2142, mentre “Aliens” è ambientato nel 2179. Pensate a quanta
strada ha fatto la tecnologia nel corso di 30 anni nel mondo reale.
Le armi da fuoco sarebbero state sicuramente migliorate nel corso
del tempo, ma è chiaro che il fucile a impulsi di Rain vuole
richiamare alla mente i Marines.
Oltre che per la sua incredibile
azione, “Aliens” è noto anche per avere un buon numero di battute
da citare, come “Game over, man!”. Ma la battuta più iconica
potrebbe appartenere a Ripley, che sale su un caricatore da lavoro
alimentato a P-5000 per salvare Newt (Carrie Henn) dalla regina,
dicendo: “Allontanati da lei, s****!”. Gli eventi di “Aliens” non
si sono ancora verificati quando ha luogo “Alien: Romulus”, ma a
quanto pare si tratta di una battuta piuttosto comune in questo
universo, dato che Andy salva Rain da uno Xenomorfo in arrivo e
dice la stessa identica cosa.
Le battute di richiamo sono
prevedibili in ogni sequel di un grande franchise. “Deadpool e
Wolverine” ha fatto leva su questo aspetto, con Blade (Wesley
Snipes) che pronuncia la sua famigerata battuta dal primo film di
‘Blade’: “Alcuni figli di puttana cercano sempre di pattinare sul
ghiaccio in salita”. In linea di massima è un’ottima idea per far
esultare il pubblico, ma c’è da chiedersi che senso abbia la
battuta nel contesto del film.
Sembra che per alcuni la battuta sia
stata un passo eccessivo, come ha commentato il lettore di Reddit
u/North_Star8764 in un thread su “Alien: Romulus”: “Le battute sui
fan service erano carine, ma in realtà sminuiscono un po’ perché
fanno sembrare il film derivativo e un fan movie. Era un po’ troppo
scontato quando Andy ha detto “Allontanati da lei, s****!””. Con
una battuta così bella, forse è giusto essere un po’
indulgenti.
Tippett Studio ha realizzato la stop-motion per Alien:
Romulus
Durante il press tour di “Alien:
Romulus”, Fede Álvarez ha dichiarato apertamente di voler
utilizzare il maggior numero possibile di effetti pratici. Il
regista ha dichiarato a The Hollywood
Reporter: “Ciò che è importante per me è ciò che penso sia
importante per il pubblico, e penso che le masse là fuori, tra il
pubblico che ama questi film, in particolare, preferiscano davvero
vedere gli effetti pratici“. Per far sì che ciò avvenga, il
team ha collaborato con il Tippett Studio per un momento
specifico.
Phil Tippett è un maestro degli
effetti pratici e il suo studio ha lavorato ai più grandi franchise
in circolazione, da “Star Wars” a “Jurassic Park”. Per “Alien:
Romulus”, il team è stato chiamato a creare un effetto che
coinvolge un topo di laboratorio che muore ma poi si rigenera.
Questa sequenza è stata realizzata con l’animazione in stop-motion,
che è una specialità dello studio.
Il roditore non è stato l’unico
effetto pratico dello studio, poiché il team ha anche progettato
delle marionette Xenomorph con cui gli attori potevano recitare.
Cailee Spaeny ha parlato con The News Movement di quanto sia stato
emozionante: “Recitare davvero con questi pupazzi è stato
terrificante… È stato un onore incredibile poter recitare con
quello invece che con uno schermo verde o una pallina da
tennis”. Gli artisti della CGI fanno assolutamente un lavoro
incredibile, ma avere uno Xenomorfo fisicamente presente sembra
un’esperienza terribilmente viscerale, che porta a una performance
più genuina da parte di Spaeny.
Il figlio è un ingegnere?
Alien: Romulus
presenta numerosi riferimenti ai precedenti film di “Alien”,
facendo anche un po’ pensare ad “Alien Resurrection” con
l’introduzione della prole umana/Xenomorfa nel finale. Kay dà alla
luce una creatura che matura rapidamente in un’entità bipede che ha
gli aspetti di uno Xenomorfo ma ha un aspetto piuttosto umano. In
effetti, guardando la sua pelle bianca e pastosa e i suoi occhi
scuri, sembra quasi un Ingegnere di “Prometheus”, di cui si sa poco
ma che è parte integrante del mito del franchise.
L’esatta meccanica biologica di ciò
che accade nel finale di “Romulus” è in sospeso, ma quando Kay si
inietta il composto nero, questo probabilmente si fonde con il DNA
del suo embrione. Questo accelera il ciclo riproduttivo, per cui la
donna partorisce proprio in quel momento e si ritrova con una
creatura che probabilmente ha sia il DNA dello Xenomorfo che quello
umano. Ma perché sembra un Ingegnere invece di avere le
caratteristiche di Kay?
“Prometheus” probabilmente contiene
la risposta, poiché l’inizio del film mostra un Ingegnere che si
sacrifica per creare la vita sulla Terra. Grazie all’evoluzione
successiva, si può ipotizzare che tutti gli esseri umani possiedano
almeno una parte della struttura genetica degli Ingegneri.
Pertanto, la sostanza nera potrebbe risvegliare quella parte del
DNA dell’umanità nel grembo di Kay, dando vita a una mostruosità
che sicuramente infesterà gli incubi della gente.
Alien: Romulus ha un brano musicale familiare
Come abbiamo notato, “Alien:
Romulus” contiene immagini e linee di dialogo prese direttamente da
altri film di “Alien”. Ma c’è anche una nota musicale che dovrebbe
suonare familiare. Come viene rivelato nei titoli di coda,
“L’ingresso degli dei nel Valhalla” di Richard Wagner suona in
“Romulus”, un’importante traccia musicale che risale ad “Alien:
Covenant”.
Il brano di musica classica fa da
colonna sonora a “Covenant”, in quanto David (Michael
Fassbender) suona la canzone per Peter Weyland (Guy Pearce) nel
prologo. Alla fine, David chiede alla nave Covenant di suonare la
stessa canzone mentre contrabbanda embrioni Facehugger a bordo. Nel
film David ha il complesso del dio, desiderando creare l’organismo
perfetto, quindi la scelta della canzone simboleggia l’ascensione
percepita da David stesso in un piano superiore. Come sintetico, è
venuto al mondo come mera creazione di qualcun altro, ma attraverso
gli Xenomorfi, David cerca di creare la propria vita e di diventare
un dio.
È appropriato che “L’ingresso
degli dei nel Valhalla” appaia di nuovo in “Alien:
Romulus“, poiché i temi dell’ascesa verso la divinità
rimangono presenti. Anche l’equipaggio condannato della stazione
spaziale tenta di giocare a fare il dio, cercando di manipolare il
composto nero in modo che possa guarire le persone e mantenendo i
Facehugger in stasi. L’arroganza rimane il tema principale di
“Alien: Romulus”, mentre gli umani (e i sintetici) continuano a
cercare di controllare questi organismi perfetti. Con altri film
quasi inevitabilmente in arrivo, il pubblico probabilmente
continuerà a vedere le conseguenze di queste azioni per molto
tempo.