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Morena Baccarin svela le sorprendenti difficoltà incontrare nel girare il sequel Greenland: Migration

Greenland: Migration

Collider ha avuto modo di intervistare la star di Gotham, Morena Baccarin e Ben McKenzie, per una coinvolgente tavola rotonda. Tra gli argomenti discussi, l’attesissimo sequel del thriller catastrofico Greenland del 2020, intitolato Greenland: Migration. La Baccarin ha dato ai fan uno sguardo dall’interno sull’estenuante processo di ripresa del sequel, che si è concluso di recente. Il film originale è un thriller catastrofico che racconta di una famiglia che lotta per sopravvivere quando i frammenti di una cometa si schiantano sulla Terra, causando un’ampia distruzione. Il film segue John Garrity (Gerard Butler) e la sua famiglia mentre corrono per raggiungere un bunker sicuro in Groenlandia in mezzo al caos. Il film, incentrato sulla sopravvivenza e sul dramma emotivo, ha avuto un successo di pubblico sorprendente, che ha portato allo sviluppo di un sequel.

Collider ha chiesto alla Baccarin se si sarebbe mai aspettata che Greenland sarebbe stato il progetto che avrebbe portato a un sequel, vista la sua variegata filmografia. Ha anche chiesto quali sono state le sfide della produzione del sequel. “Sono state le riprese più difficili della mia vita”, ha rivelato Baccarin. “Non le più facili, non le più divertenti. Un’esperienza davvero difficile. Siamo stati spesso all’aperto. Abbiamo girato a Londra e in Islanda. È stato fisicamente faticoso, emotivamente faticoso”.

‘Groenlandia: Migration’ ha molto da offrire

L’onesta riflessione della Baccarin sulle condizioni di ripresa ha lasciato intendere l’intensa atmosfera sul set. “Non so se avete avuto un incontro con [il regista Ric Roman Waugh] di recente, ma sono sicura che anche per lui è stata la stessa cosa”, ha spiegato l’attrice.

“Penso che il film abbia delle cose davvero meravigliose, la storia di questa famiglia che cerca davvero di sopravvivere, e penso che funzioni davvero e penso che sia per questo che ha avuto un sequel. Sono molto curiosa di vederlo io stessa, perché ho l’impressione che sia stato un miscuglio di stanchezza, corse e pianti, proprio come il primo”.

McKenzie ha aggiunto che, da quello che ha sentito, Greenland: Migration porta le cose a un livello completamente nuovo. “Ma il secondo film ha un’atmosfera più globale”, ha osservato. “È stato girato in Europa e in varie altre località. Sembra che, senza giri di parole, fornisca un’esperienza simile allo spettatore, ma ancora più grande, ancora più grande. È piuttosto forte, con un sacco di acrobazie”.

 
 

Alien: Romulus porta il totale degli incassi IMAX a nuove terrificanti vette

Alien: Romulus

Gli spettatori IMAX di tutto il mondo hanno sentito il terrificante abbraccio di Alien: Romulus (recensione) della Disney/20th Century, che ha raggiunto la cifra sbalorditiva di 16,8 milioni di dollari al botteghino IMAX, pari a uno sbalorditivo 15,5% del totale del weekend di apertura globale. Questa impressionante performance segna la seconda apertura globale più alta di sempre per IMAX nel mese di agosto, a dimostrazione del fascino duraturo del franchise di Alien. Rich Gelfond, CEO di IMAX, ha espresso entusiasmo per il successo del film, dichiarando:

“La strategia della Disney di puntare sull’IMAX per il suo marketing ha dato grandi risultati, con la nostra rete che ha raggiunto una quota a due cifre del box office in tutto il mondo, compresa la Cina. Fede Álvarez ha realizzato uno dei migliori film di questa serie e la Disney ha sfruttato con successo l’IMAX per contribuire a dare un tocco di freschezza a questo amato e longevo franchise”.

Alien: Romulus, l’ultimo nato della serie di 45 anni, è stato presentato interamente nell’esclusivo formato IMAX espanso negli USA, offrendo un’esperienza visivamente coinvolgente che ha risuonato con una nuova generazione di spettatori. Forse sarebbe anche ora di implementare anche nel nostro paese, l’Italia questo formato che regala un’esperienza decisamente più coinvolgente rispetto al classico formato.  Nel nostro paese il film si è attestato ad un weekend d’apertura di 1.196.117 €.

Il film ha guadagnato 7,3 milioni di dollari da 400 schermi nel solo Nord America, rappresentando un sostanzioso 17,6% del totale nazionale. Anche i mercati internazionali hanno mostrato un forte sostegno, con Romulus che ha aperto con 9,5 milioni di dollari, compresi i 5 milioni di dollari della rete IMAX Cina, che rappresentano il 23% del totale degli incassi nella regione. Si prevede che il successo di Alien: Romulus continuerà ad arrivare sugli schermi IMAX di tutto il mondo, con il debutto del film in India previsto per la fine di questa settimana.

Attualmente il film ha ottenuto un punteggio “fresco” dell’81% sul sito web aggregatore Rotten Tomatoes, con un punteggio del pubblico leggermente migliore dell’86%. Alien: Romulus ha anche ottenuto un CinemaScore B+ dal pubblico del giorno di apertura, il migliore in quasi 40 anni per il franchise. Nella sua recensione, Gianmaria Cataldo di Cinefilos.it ha scritto che il film “Poco spaventoso ma indubbiamente avvincente, ben concepito e raccapricciante il giusto, il nuovo capitolo del celebre franchise rappresenta un ritorno alle origini capace però di aggiungere anche qualcosa in più alla mitologia della saga.”.

Cos’altro è stato proiettato in IMAX questa settimana?

Per quanto riguarda le altre notizie sull’IMAX, Deadpool & Wolverine della Disney/Marvel continua a scalare le classifiche, superando gli 81 milioni di dollari di incassi globali IMAX, consolidando il suo posto tra i primi 25 titoli IMAX di tutti i tempi.

Nel frattempo, il mercato cinese ha visto un debutto più modesto con Detective Conan: Million Dollar Pentagram, che ha aperto con 500 milioni di dollari mentre condivideva gli schermi IMAX con Alien: Romulus, portando il totale cumulativo IMAX a 5,1 milioni di dollari in Cina. Questa settimana, IMAX ospiterà anche l’apertura di The Crow di Filmnation/Lionsgate su 625 schermi in 44 mercati, tra cui Nord America, Regno Unito, Medio Oriente, Messico e Brasile.

 
 

Inside Out 2 diventa il film d’animazione con il maggior incasso al box office internazionale

Inside Out 2 panel

Sebbene le congratulazioni siano certamente d’obbligo per il fatto che Inside Out 2 sia diventato il film Pixar di maggior incasso e il più grande film d’animazione di tutti i tempi, ora è tra i film di maggior successo nella storia del medium, e questo merita un livello di ammirazione del tutto diverso. Nel suo 10° weekend di uscita, il blockbuster d’animazione ha superato una nuova pietra miliare che solo nove film erano riusciti a raggiungere in precedenza. In questo modo, ha mantenuto un posto nella classifica dei primi 10 film di tutti i tempi al box office globale e ha esteso il suo vantaggio sul secondo più grande successo dell’anno, Deadpool & Wolverine, nella classifica 2024.

Con 642 milioni di dollari a livello nazionale, Inside Out 2 è l’11° successo più grande della storia, davanti a Barbie (636 milioni di dollari) e The Avengers (623 milioni di dollari). Il film ha bisogno di soli 10 milioni di dollari in più per superare l’incasso di Jurassic World ed entrare nella top 10 degli incassi nazionali di tutti i tempi. Dovrebbe riuscirci entro la fine della sua corsa. Nei mercati esteri, il film ha raggiunto la ragguardevole cifra di 983 milioni di dollari, il che significa che Inside Out 2 è quasi certo di superare il miliardo di dollari di incassi solo all’estero entro la fine della sua corsa. L’incasso globale cumulativo del film è ora di ben 1,62 miliardi di dollari.

Inside Out 2 è in una compagnia leggendaria, preceduto solo da  remake del Il Re Leone (1,64 miliardi di dollari), Jurassic World (1,66 miliardi di dollari), Spider-Man: No Way Home (1,9 miliardi di dollari), Avengers: Infinity War (2,04 miliardi di dollari), Star Wars: Episodio VII – The Force Awakens (2,05 miliardi di dollari), Avatar: The Way of Water (2,3 miliardi di dollari), Avengers: Endgame (2,7 miliardi di dollari) e Avatar (2,9 miliardi di dollari). Il film ha incassato oltre 400 milioni di dollari in più a livello globale rispetto al precedente film Pixar di maggior incasso, Incredibili 2.

I film Pixar hanno incassato complessivamente oltre 17 miliardi di dollari in tutto il mondo

Inside Out 2 è stato prodotto con un budget di 200 milioni di dollari, che rimane standard per la Pixar, nonostante il notevole calo della spesa per i film d’animazione da parte degli studi rivali. La leggendaria casa d’animazione ha ora completato il suo ritorno, dopo alcuni anni difficili segnati dalle uscite in direct-to-streaming e da una manciata di film commerciali di scarso successo. La Pixar non aveva avuto un successo dall’era pre-pandemia, anche se aveva recuperato con premi meritati.

Inside Out 2 dovrebbe essere uno dei principali candidati ai prossimi Oscar, proprio come il suo predecessore, che vinse l’Oscar per il miglior film d’animazione quasi dieci anni fa. Il film sembra aver raggiunto un “fresco” 91% di gradimento sul sito aggregatore Rotten Tomatoes e arriverà sulle piattaforme digitali tra un paio di giorni. Come è stato osservato, tuttavia, un’uscita digitale raramente influisce sull’andamento del botteghino di un film di successo, a parte la prevista perdita di spettatori nelle sale, ovviamente.

 
 

Bridgerton: Jonathan Bailey tornerà per la quarta stagione

Bridgerton Jonathan Bailey

È ufficiale. Bridgerton vedrà il ritorno del maggiore della famiglia nella prossima quarta stagione. Dopo l’atteso annuncio del casting di Yerin Ha per il ruolo di Sophie Beckett, Jonathan Bailey ha confermato a Good Morning America che riprenderà il suo ruolo di Visconte Anthony Bridgerton.

“Ho un paio di settimane fissate nella mia agenda per il ritorno”, spiega Bailey nell ‘intervista a GMA. “Non vedo l’ora di leggere i copioni”. L’ultima volta che ha girato Bridgerton, Bailey ha fatto il triplo lavoro, passando tra i set di Bridgerton, Wicked e Fellow Travelers. Entrare e uscire da un costume d’epoca dopo l’altro non sembra aver scoraggiato l’amore della Bailey per lo spettacolo.

“L’aspetto di Bridgerton, che è così brillante, è che ci sono così tanti modi diversi in cui ci si può innamorare come esseri umani ed è quello che questo spettacolo esplorerà. Ovviamente, essendo il fratello maggiore, sarò lì a sostenere i ragazzi nel corso della serie”.

I suoceri Bridgerton stanno prendendo forma

Con le tre stagioni in corso su Netflix e l’annuncio dell’interesse amoroso per la quarta stagione, la famiglia Bridgerton si sta allargando. La serie, basata sulla serie di 8 libri di Julia Quinn, segue ogni libro un fratello Bridgerton che trova l’amore, spesso in luoghi inaspettati nell’Inghilterra dell’epoca Regency. La prima stagione ha visto Regé-Jean Page nei panni del Duca di Hastings, Simon Bassett corteggiare la figlia maggiore dei Bridgerton, Daphne (Phoebe Dynevor). La rapida uscita di scena di Page dopo la prima stagione ha lasciato un vuoto nella narrazione, ma Page ha anche dato la sua approvazione per il rifacimento del Duca di Hastings.

Nella seconda stagione, molto amata dai fan, è stato il turno di Anthony Bridgerton (Jonathan Bailey) di trovare l’amore. Dopo un matrimonio interrotto con un’altra sposa, il suo personaggio sposa Kate Sharma (Simone Ashley). La coppia torna, in attesa di un figlio, nella terza stagione di Bridgerton. La terza stagione, che riprende in pieno il tropo del fratello del migliore amico, vede Penelope Featherington (Nicola Coughlan) e Colin Bridgerton (Luke Newton) innamorarsi finalmente in modo corretto.

Recentemente è stato annunciato che Benedict Bridgerton (Luke Thompson) sarà il protagonista della quarta stagione. I fan hanno reagito in modo contrastante al fatto che la serie non fosse in ordine di libri (il libro di Benedict viene prima di quello di Penelope e Colin), ma ora è stato confermato che i fan vedranno l’adattamento di An Offer From a Gentleman nella quarta stagione. Ieri è stato confermato che Yerin Ha interpreterà il suo interesse amoroso, Sophie Beckett. Il libro segue un filone simile a quello di Cenerentola, con tanto di matrigna e sorellastra scortesi.

Abbiamo anche conosciuto altri due suoceri dei Bridgerton: John e Michaela Sterling. Francesca ha sposato John alla fine della quarta stagione e (spoiler) dopo la morte di lui, starà con Michaela (Michael nei libri). Se lo show continuerà a seguire in qualche modo i libri, ampliandoli in modo inaspettato, speriamo di incontrare anche il futuro sposo di Hyacinth Bridgerton (Florence Hunt), Gareth St. Clair, che nei libri è il nipote di Lady Agatha Danbury.

Poiché le riprese della quarta stagione inizieranno a settembre, la Bailey è convinta che Thompson sia più che pronto per la stagione di Benedict. “Benedict è pieno di meraviglia e di gioia. È il cuore pulsante della famiglia”, ha detto la Bailey. “Luke Thompson sarà straordinario”. È possibile recuperare le prime tre stagioni di Jonathan Bailey su Netflix.

 
 

I fan odiano così tanto Abby che Kaitlyn Dever ha avuto bisogno di una sicurezza extra per la seconda stagione di The Last of Us

Kaitlyn Dever in Nessuno ti salverà
Kaitlyn Dever in Nessuno ti salverà - Foto di 20th Century Studios/20th Century Studios - © 2023 20th Century Studios.

Kaitlyn Dever, che interpreta Abby nella prossima seconda stagione di The Last of Us. I fan odiano così tanto Abby che Kaitlyn Dever ha avuto bisogno di una sicurezza extra per la seconda stagione di “The Last of Us della HBO, ha dovuto affrontare misure di sicurezza aggiuntive durante le riprese a causa dell’intensa reazione al suo personaggio. In un recente episodio del podcast Happy Sad Confused, Isabela Merced, che interpreta Dina, ha rivelato che la HBO ha aumentato le misure di sicurezza per la Dever a causa delle preoccupazioni per la tossicità rivolta ad Abby. La precauzione arriva sulla scia delle molestie e delle minacce di morte che l’attrice Laura Bailey ha ricevuto dopo aver interpretato Abby nel videogioco. Merced ha elogiato il coraggio della Dever nell’affrontare un ruolo così controverso, sottolineando la sua performance stellare. “Datele quel dannato Emmy, onestamente”, ha esclamato Merced, esprimendo l’entusiasmo dei fan per l’interpretazione della Dever accanto alla Ellie di Bella Ramsey.

Merced ha spiegato che, a causa della tossicità che circonda il personaggio di Abby Anderson, è stato necessario un aiuto extra per tenere la Dever al sicuro da coloro che forse hanno trovato difficile separare la finzione dalla realtà. Ha spiegato:

“Ci sono così tante persone strane in questo mondo perché ci sono persone che odiano davvero Abby, che non è una persona reale”. Solo per ricordare: Non è una persona reale”. Kaitlyn ha dovuto essere protetta dalla sicurezza durante le riprese”.

Perché Abby Anderson è così controversa in ‘The Last of Us’?

Abby è diventata uno dei personaggi più controversi di The Last of Us Part II soprattutto perché uccide Joel, un personaggio molto amato del primo gioco, all’inizio della storia. La morte di Joel ha scioccato e fatto arrabbiare molti fan, poiché era il protagonista del gioco originale e aveva un profondo legame emotivo con i giocatori. Il gioco costringe i giocatori a controllare Abby per una parte significativa della storia, chiedendo loro di immedesimarsi in lei e di capire le sue motivazioni. Questa scelta narrativa, che sovverte le aspettative e mette in discussione la lealtà dei giocatori, ha provocato un’intensa reazione. Alcuni fan non hanno potuto o voluto riconciliarsi con le azioni di Abby, provocando una divisione all’interno della fanbase e, sfortunatamente, comportamenti tossici, tra cui molestie e minacce rivolte a coloro che hanno partecipato alla creazione del personaggio, come la doppiatrice Laura Bailey.

La Bailey è stata bersagliata con messaggi di odio, comprese minacce di morte. Questo comportamento tossico è andato oltre le critiche al personaggio ed è diventato profondamente personale, colpendo la Bailey e persino la sua famiglia. Nonostante ciò, la Bailey ha ricevuto un ampio sostegno dalla comunità dei videogiocatori e dai colleghi del settore, che hanno condannato le molestie. In seguito ha espresso gratitudine per i messaggi positivi che hanno contribuito a controbilanciare la negatività.

La Bailey ha anche vinto il premio per la migliore performance ai 2020 Game Awards. La sua interpretazione, nonostante le polemiche, è stata ampiamente elogiata per la sua profondità emotiva e la sua complessità, e questo riconoscimento ha messo in evidenza la bravura e la dedizione che ha apportato al ruolo. La sua vittoria è stata considerata un risultato significativo, soprattutto alla luce dell’intenso scrutinio e delle critiche che hanno circondato il personaggio di Abby.

The Last of Us tornerà sulla HBO nel 2025.

Di cosa parla The Last of Us?

The Last of Us Cordyceps-Ellie

La serie The Last of Us racconta una storia di sopravvivenza che si svolge vent’anni dopo che la civiltà moderna è stata distrutta. Joel, un sopravvissuto, viene ingaggiato per far uscire di nascosto Ellie, una ragazza di 14 anni, da un’opprimente zona di quarantena. Quello che sembrava un incarico di poco conto diventa presto un viaggio brutale e straziante, poiché entrambi dovranno attraversare gli Stati Uniti e dipendere l’uno dall’altro per riuscire a sopravvivere.

The Last of Us è scritto e prodotto esecutivamente da Craig Mazin e Neil Druckmann. La serie è una co-produzione con Sony Pictures Television ed è prodotta esecutivamente da Carolyn Strauss, Jacqueline Lesko, Cecil O’Connor, Asad Qizilbash, Carter Swan e Evan Wells. Società di produzione: PlayStation Productions, Word Games, The Mighty Mint e Naughty Dog.

La serie ha per protagonisti Pedro PascalBella RamseyGabriel Luna e Rutina Wesley. I nuovi membri del cast di questa stagione includono Kaitlyn Dever nel ruolo di Abby, Jeffrey Wright nel ruolo di Dixon, Isabela Merced nel ruolo di Dina, Young Mazino nel ruolo di Jesse, Ariela Barer nel ruolo di Mel, Tati Gabrielle nel ruolo di Nora, Spencer Lord nel ruolo di Owen e Danny Ramirez nel ruolo di Manny. Catherine O’Hara è anche una guest star in un ruolo non rivelato.

Una cosa che Mazin e Druckmann non faranno è andare oltre il materiale di partenza esistente, come il dramma di genere della HBO Il Trono di Spade ha fatto dopo aver coperto i cinque romanzi pubblicati della serie di George R.R. Martin; Martin deve ancora finire il sesto e il settimo libro previsti. “Non esiste un mondo in cui vorrei che il nostro show andasse oltre il materiale di partenza che la gente conosce già“, ha detto Mazin.

 
 

Michelle Monaghan definisce la co-star della terza stagione di The White Lotus “la regina della nostra vita”

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Michelle Monaghan non è nuova a far parte di un ensemble di star. L’attrice è apparsa di recente al fianco di nomi come Mia Goth, Kevin Bacon e Bobby Cannavale in MaXXXine di Ti West, mentre il suo prossimo ruolo sul piccolo schermo la vedrà al fianco di personaggi come Vince Vaughn, Rob Delaney, e Jodie Turner-Smith in Bad Monkey di Apple TV+. Ma quando abbiamo saputo che l’attrice nominata ai Golden Globe avrebbe aggiunto il suo nome all’elenco delle presenze per l’imminente terza stagione della serie della HBO, The White Lotus, abbiamo capito che era l’aggiunta perfetta a un cast già notevole.

Finora sappiamo che nomi come Jason Isaacs del franchise di Harry Potter, Carrie Coon di The Gilded Age e Walton Goggins di The Righteous Gemstones fanno tutti parte del dinamico ensemble. Con queste premesse, non dovrebbe sorprendere che quando Collider ha avuto l’occasione di chiacchierare con la Monaghan nell’ultimo episodio di Ladies Night, abbia chiesto all’attrice chi, tra i membri del cast, avesse superato le sue aspettative, lasciandola entusiasta di vedere il loro lavoro. Senza esitare, la Monaghan ha risposto: “Parker Posey”.

“La regina delle nostre vite2

La nostra regina indie degli anni ’90. Conosciuta per i suoi ruoli in classici come Dazed and Confused, The Daytrippers, Clockwatchers e Scream 3, e per aver collaborato spesso con il regista Christopher Guest, la Posey è, come ha detto elegantemente Michelle Monaghan, “la regina delle nostre vite, come tutti i nostri sogni indie”. Parlando di come è stato lavorare con la famosa interprete, Monaghan ha raccontato,

Lei non delude. Ho vissuto con Parker Posey, quindi ho un debole per quella donna. È così eterea, ma allo stesso tempo radicata, eccentrica e di grande talento. È incredibile il suo talento, ma è anche la più straordinaria sostenitrice del potere femminile. “Non è un gas, Michelle? Mi sedevo e la ascoltavo. Prendi la parola. Faremo colazione qui, ma non dirò una parola. Voglio solo ascoltarti mentre parli del mondo”.

Sebbene siano stati compagni di stanza durante le riprese di The White Lotus, non è ancora chiaro come i loro personaggi si relazioneranno l’uno con l’altro nel prossimo episodio della serie antologica. Come sappiamo dalle ultime due stagioni, non importa quanti soldi gli ospiti del resort abbiano nel loro conto in banca, gli incidenti mortali sembrano essere attratti dalla proprietà come calamite. Ma siamo certi che, a prescindere dal loro destino, Monaghan, Posey e il resto del cast deliziosamente brillante ci regaleranno un’altra straordinaria stagione della pluripremiata serie.

 
 

Il Daredevil di Charlie Cox farà altre apparizioni nel MCU oltre a “Born Again”?

Daredevil: Born Again

Il ritorno di Charlie Cox nei panni di Matt Murdock in Daredevil: Born Again sembra una benedizione dall’alto, ma l’attore ha aspirazioni più alte della sua serie televisiva. In seguito a un panel al FanExpo di Chicago, ScreenRant ha riferito che Cox è interessato ad allargare le sue ali Marvel. Oltre a recitare in una serie tutta sua, l’attore di Daredevil spera di tornare a recitare in altre proprietà Marvel. Nell’era Disney+, Matt ha avuto dei piccoli camei in She-Hulk e Echo nei panni dell’avvocato acrobatico. L’attore ha dichiarato che gli piacerebbe realizzare altri spin-off, soprattutto dopo la sua collaborazione con Tom Holland in Spider-Man: No Way Home. Cox ha dichiarato:

“Essere nel film di Spider-Man mi è sembrato un grande passo solo in termini di molte persone che fanno riferimento a questo film quando le incontro. Credo che non si possa sottovalutare quanto sia importante quando questi personaggi hanno una storia nei fumetti. Quando poi ci scontriamo sullo schermo, significa davvero molto per i fan, e lo capisco. Lo penso anch’io adesso. L’idea di Matt Murdock e Peter Parker insieme è così iconica. Spero che in futuro potremo fare altre cose insieme, perché è davvero divertente. Questa è la cosa più importante: che si presentino queste opportunità”.

Charlie Cox fa riferimento al più grande punto di forza della Marvel: Il divertimento. Sebbene in passato sia gli attori che i fan si siano mostrati stanchi riguardo al futuro della Marvel, Cox ha la giusta idea di ciò che rende il marchio così popolare.

Daredevil e Spider-Man potrebbero essere la prossima fase della Marvel

La Marvel può andare in molte direzioni diverse in futuro. I fan non vedono l’ora di avere una nuova iterazione degli X-Men, soprattutto dopo il successo di X-Men ’97 e Deadpool & Wolverine. Ma non c’è motivo per cui, nel frattempo, non si debba perseguire qualcosa che ha dimostrato di funzionare. In Spider-Man: No Way Home, Matt e Peter si incontrano per la prima volta e il pubblico è impazzito. Vedere questi due personaggi storici insieme sullo schermo non è stata una cosa da poco. Questa apparizione non è stata solo un’emozione per i nostalgici dei fumetti. Cox e Holland hanno un’innegabile chimica che dovrebbero perseguire in futuro.

La loro dinamica è molto lontana dal rapporto tra Peter e Tony Stark (Robert Downey Jr.), ma nel modo migliore possibile. Il loro scambio comico porterebbe una nuova prospettiva al MCU, che molti desiderano da tempo. I rapporti promettenti su Spider-Man 4 indicano che Holland non è ancora fuori dai giochi della Marvel, quindi potrebbe esserci ancora l’opportunità di vedere questi due insieme. Mentre i fan aspettano che questo prenda forma, possono assistere al ritorno di Cox in Daredevil: Born Again su Disney+ nel marzo 2025.

 
 

Fallout: ecco cosa Walton Goggins è più entusiasta di esplorare nella seconda stagione

Fallout Vault Boy

Prime Video ha fatto centro all’inizio dell’anno con l’uscita dell’adattamento del videogioco post-apocalittico Fallout, e parte di questo successo può essere attribuito all’interpretazione di Walton Goggins. La star di Justified, che recita accanto a Ella Purnell e Aaron Moten, ha ottenuto una nomination agli Emmy per il suo ruolo del Ghoul, beniamino dei fan, l’ex star del western Cooper Howard, diventato un cinico pistolero irradiato. Nel corso della prima stagione, gli spettatori vedono entrambi i lati del personaggio, mentre scopre la natura sinistra della Vault-Tec nel passato e dà la caccia alle taglie nella terra desolata. Tuttavia, il finale lo mette sulla strada giusta per ottenere finalmente delle risposte su sua moglie e sulla Vault-Tec nella seconda stagione e oltre. Durante un’intervista FYC per lo show, Goggins ha raccontato a Christina Raddish di Collider quali sono gli aspetti della storia e del suo personaggio che non vede l’ora di continuare a esplorare al ritorno della serie.

Fallout ha chiuso la sua prima stagione da record con The Ghoul e Lucy (Purnell) che affrontano il padre di Lucy, Hank MacLean (Kyle MacLachlan), dopo che è stato rivelato che era responsabile della bomba nucleare sganciata su Shady Sands. Scopriamo che lui e Cooper hanno avuto una storia che risale a prima del crollo del mondo. Con Hank vivo, Cooper spera ora di ritrovare sua moglie, che lavorava per la Vault-Tec insieme a lui, e di affrontare la società per i suoi sforzi nel porre fine al mondo. Hank fugge verso New Vegas mentre Lucy e il Ghoul lo inseguono, preparando una stagione che esplorerà ulteriormente i piani e le motivazioni della Vault-Tec, il passato di Cooper e la situazione di New Vegas sotto la RobCo dopo gli eventi di Fallout: New Vegas di Obsidian.

Per Goggins, la cosa più interessante da esplorare della storia di Fallout nel suo complesso è l’aspetto socio-economico che circonda una corporazione come la Vault-Tec che controlla, e rovina, le vite di molti dietro le quinte. Soprattutto la seconda stagione sarà incentrata sul modo in cui Lucy e il Ghoul interagiscono e lavorano insieme, nonostante le loro differenze, per raggiungere un obiettivo comune. Ciò che hanno imparato li spingerà ad andare avanti nella ricerca di Hank e di ciò che rimane della Vault-Tec. Goggins ha dichiarato a Collider:

“Non so bene come andrà a finire, ma non posso immaginare che non sia influenzato dalle informazioni che ha ora. Mi interessa molto l’aspetto socio-economico/politico di questa storia e l’esplorazione di questa comunicazione tra due persone che vedono il mondo in modo molto diverso, in base all’economia, ai privilegi e alle circostanze, e che hanno molte informazioni rispetto a quelle che non ne hanno affatto, tra me e Ella [Purnell], e il modo in cui si informano a vicenda andando avanti in questo mondo. Sono davvero curioso di esplorare le ragioni che stanno dietro a questo consorzio di persone che si sono riunite per realizzare la fine del mondo, il profeta, cosa significhi veramente e cosa significhi questo modo di pensare per il resto di noi. Non sono un teorico della cospirazione, a nessun livello, ma se questo sta accadendo a qualche livello e se c’è un Illuminato, non lo so nemmeno io. Penso solo all’ottimo cibo in qualsiasi città mi trovi e a un ottimo cocktail alla fine della giornata. Ma è affascinante per me almeno ipotizzare o vivere in una versione di fantasia di tutto ciò”.

La seconda stagione di Fallout sarà girata in nuovi luoghi

Fallout easter eggs
Ella Purnell in Fallout. Foto: JoJo Whilden/Prime Video.

Goggins dipinge un quadro della seconda stagione che sarà incentrato su come il Ghoul elabora i suoi sentimenti nei confronti della famiglia mentre lui e Lucy seguono le tracce e raccolgono altri indizi. “Sono entusiasta di quello che è successo alla famiglia di Cooper Howard e di cosa significherà per il Ghoul e di come reagirà alle informazioni che raccoglierà nel corso della stagione”, ha dichiarato a Radish. È probabile che questo sia il punto più importante della trama, mentre Maximus (Moten) si trova ad affrontare la vita da cavaliere nella Confraternita d’Acciaio e Norm (Moisés Arias) si arrangia tra i dirigenti della Vault-Tec congelati criogenicamente.

Tuttavia, Goggins non vede l’ora di tornare alle parti più semplici e divertenti di Fallout, come far saltare gli arti, vagare per la terra desolata e lavorare con Jonathan Nolan. “Sono anche eccitato all’idea di sparare con qualche cazzo di pistola, amico, e di essere in un’inquadratura diretta da Jonathan Nolan, e di essere con questi attori in alcune location davvero fantastiche nel mondo. Mi piace viaggiare. Adoro essere in viaggio”. La seconda stagione vedrà la squadra trasferirsi in California per la maggior parte delle riprese, offrendo nuove possibilità che Goggins è ansioso di esplorare dopo essersi divertito con i luoghi della prima stagione. “L’anno scorso siamo andati in posti fantastici e non vedo l’ora di avere questa opportunità anche quest’anno”.

La Stagione 1 di Fallout può essere vista in streaming per intero su Prime Video.

 
 

Il Gattopardo: il film capolavoro di Luchino Visconti

Il Gattopardo film

Il Gattopardo è il film capolavoro di Luchino Visconti del 1963 con protagonisti Burt Lancaster, Claudia Cardinale, Alain Delon, Paolo Stoppa, Rina Morelli, Romolo Valli, Mario Girotti, Pierre Clémence, Lucilla Morlacchi, Giuliano Gemma, Ida Gallo, Ottavia Piccolo.

  • Anno: 1963
  • Regia: Luchino Visconti
  • Cast: Burt Lancaster, Claudia Cardinale, Alain Delon, Paolo Stoppa, Rina Morelli, Romolo Valli, Mario Girotti, Pierre Clémence, Lucilla Morlacchi, Giuliano Gemma, Ida Gallo, Ottavia Piccolo.

Il Gattopardo, trama

Palermo, 1860. La preghiera del pomeriggio che insinua nelle calde e silenziose stanze del palazzo un leggero e sommesso brusio, è bruscamente interrotta dalle grida della servitù.

Il corpo esanime di un giovane soldato borbonico è stato rinvenuto nel giardino, tra i roseti. Sono i giorni dello sbarco a Marsala dei mille prodi agli ordini del gen. Garibaldi e per un distaccato ma fedele suddito di re Franceschiello come il principe Fabrizio Salina (Burt Lancaster) la situazione non è facile da comprendere.

Per evitare che la famiglia venga coinvolta nei tumulti di Palermo, il principe Fabrizio decide di trasferirsi anzitempo e con tutto il parentado nella dimora estiva di Donnafugata, nell’agrigentino. Da lì osserverà impassibile e disilluso il passaggio da un regno ad un altro e da uomo saggio e sagace comprenderà prima degli altri l’inizio di un lento quanto inevitabile tramonto di quel mondo aristocratico di cui si ritiene uno degli ultimi leoni, uno degli ultimi “gattopardi”.

L’analisi del film Il Gattopardo

Luchino Visconti dirige questo film che esce nelle sale cinematografiche italiane nel 1963 conquistando critica e consensi ma sopratutto la palma d’oro al Festival di Cannes oltre ad una nomination per l’Oscar ai costumi l’anno successivo.

Il Gattopardo è un maestoso ed elegantissimo affresco storico di un mondo che con l’Unità d’Italia inizia il suo lento declino: il mondo dell’antica nobiltà terriera. Il protagonista del film, il principe Fabrizio Salina, interpretato magistralmente da un grande Burt Lancaster, è il simbolo di questo passaggio tra due mondi e due generazioni che si passano il testimone della storia.

Egli è un disilluso esponente di una nobiltà destinata a lasciare campo ad una borghesia cinica e avida di danaro e potere. Nel film essa prende il volto di uno straordinario Paolo Stoppa che, nei panni di don Calogero Sedara, raffigura egregiamente lo stereotipo del borghese in ascesa politica e sociale, capace di sfruttare a suo vantaggio la confusa contigenza storica. Il principe di Salina lo disprezza ma capisce che è su uomini come lui che si dovrà contare per rimanere attaccati al denaro e al potere. Sarà così che spingerà il nipote prediletto Tancredi (Alain Delon) tra le braccia della bella Angelica (Claudia Cardinale) figlia di Sedara, e il tutto a scapito della timida Concetta (Lucilla Morlacchi) perdutamente innamorata del cugino.

Il Gattopardo è tratto dall’omonimo e celeberrimo romanzo del 1956 di Giuseppe Tomasi di Lampedusa il quale, come il regista, proviene da una famiglia nobile. Questa estrazione aristocratica che accomuna scrittore e regista si somma nella versione cinematografica in quanto assume una certa evidenza lo sforzo immane di Visconti nel riprodurre fedelmente ed in ogni più minuzioso dettaglio le atmosfere e le ambientazioni descritte nel romanzo. Il film è estremamente didascalico e descrittivo, una sorta di galleria d’arte che giustappone quadri meravigliosi per stile ed eleganza.

Un omaggio ad un mondo, quello nobiliare, per il quale il regista così come l’autore del romanzo, prova un’evidente nostalgia. E’ ovvio che questa ostinata ricerca estetica voluta e cercata da Visconti, vada a scapito del ritmo narrativo rendendo il film, in alcuni tratti, eccessivamente lento.

Una delle poche scene di battaglia e di azione, la presa di Porta Termini a Palermo, non appare riuscitissima e sicuramente non raggiunge la perfezione registica delle sequenze dialogiche o descrittive. I dialoghi, sopratutto i vari monologhi del principe Fabrizio, sono probabilmente il fiore all’occhiello del film in quanto si stagliano nella sceneggiatura come vere e proprie pietre miliari del cinema italiano.

Oltre ad un cast di attori di prim’ordine, di cui abbiamo detto, è doveroso segnalare le importanti collaborazioni tecniche che hanno contribuito alla stesura del film: per la sceneggiatura Visconti si è avvalso del talento e della bravura di Suso Cecchi d’Amico e Pasquale Festa Campanile, due colonne portanti del cinema di quegli anni, autori delle sceneggiature più significative del neorealismo e della commedia italiana. Splendida la fotografia diretta da Giuseppe Rotunno.

Il produttore Goffredo Lombardo insieme alla Titanus hanno reso possibile un film costato, per quei tempi, una cifra spropositata mettendo in piedi un set mastodontico affollato da un esercito di comparse. Uno sforzo da cui la Titanus non saprà risollevarsi.

Il Gattopardo è un film a tratti troppo barocco forse ed eccessivamente autocelebrativo anche ma che ci ha regalato un’inarrivabile quadro della Sicilia e dell’Italia di quegli anni oltre a sequenze incredibili e dialoghi indimenticabili che si stagliano alte nel firmamento del cinema mondiale.

”Hanno voluto cambiare tutto perché tutto rimanesse uguale…” dice il Gattopardo in una delle sue frasi più celebri; di immutato, di sicuro, è rimasto il mito di questo film.

 
 

Troy: le differenze tra il film e il poema epico

Troy differenze poema epico

I film di carattere epico, e in particolare i cosiddetti peplum, hanno sempre avuto grande successo al cinema. Titoli come Ben-Hur e Cleopatra, tra i più celebri di questo genere, sono oggi ricordati come pietre miliari dell’intera settima arte. Uno degli ultimi è più affascinanti esemplari di questo filone è il film del 2004 Troy, diretto da Wolfgang Petersen. Si trarra di un lungometraggio liberamete ispirato al poema epico Iliade, canonicamente associato al poeta greco Omero e risalente al VI secolo a.C. Con questo prende dunque vita sul grande schermo la brutale battaglia per la conquista della città di Troia.

Il film è naturalmente ricordato per l’imponenza delle sue ricostruzioni. Grandi scenografie e costumi curati fino all’ultimo dettaglio rendono il film un vero piacere da guardare. Al di là di ciò, con Troy sullo schermo prendono vita sentimenti ed emozioni universali, esistenti da sempre e ancora in grado di parlare ad un pubblico di oggi. Alla sceneggiatura del film, inoltre, si può ritrovare David Benioff, che già qui dimostrava la sua passione per l’epica, la stessa che riproporrà anni dopo con la serie Il Trono di Spade, da lui ideata.

Pur con enormi differenze rispetto alla sua fonte di ispirazione, si tratta di un film affascinante e ricco di intrattenimento. In questo articolo su Troy, dunque, approfondiamo alcune delle principali curiosità relative alle differenze con il poema epico. Proseguendo qui nella lettura sarà inoltre possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama e al cast di attori. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Troy cast attori
Eric Bana, Orlando Bloom e Diane Kruger in Troy. © 2004 Warner Bros. Ent. All Rights Reserved

La trama di Troy

La storia si svolge intorno al 1200 a.C., quando tutte le città-stato della Grecia sono sotto il controllo dell’avido re acheo Agamennone. Solo una di queste rifugge da lui, ed è la potente città di Troia. Conosciuta per le sue mura difensive, questa è da sempre rimasta inviolata. Desideroso di estendere il proprio dominio all’intero territorio, Agamennone sfrutta il tradimento subito da Menelao per dichiarare guerra alla città. Il fratello del re, infatti, è stato privato della bella moglie Elena, fuggita a Troia con il principe Paride. Per riparare a questo torto, un enorme flotta di achei intraprende la sua marcia verso la potente città nemica.

Forte dietro le sue mura, il re Priamo si dice tranquillo per l’imminente battaglia, potendo vantare dalla sua parte il potente figlio e soldato Ettore. Ciò che i troiani non sanno, però, è che in guerra con gli achei è partito anche il temibile Achille. Semidio in cerca di gloria eterna, questi è pressocché immortale, non fosse per un unico punto debole. Sarà lui l’arma segreta che i greci invieranno alla conquista di Troia. Nel corso della lunga guerra, entrambe le fazioni dovranno inevitabilmente fare i conti con le paure, le passioni e i desideri di ognuno di loro, elementi che rischieranno di compromettere in modo irreparabile le rispettive sorti.

Il cast del film

Il film Troy si compone di alcuni tra i più noti interpreti di tutta Hollywood, attori chiamati qui a dar vita ad eroi senza tempo. Ad interpretare il divino Achille è l’attore Brad Pitt. Per assumere i panni del celebre personaggio, questi si allenò per mesi al fine di ottenere un corpo simile a quello delle muscolose statue greche. Nonostante la sua grande preparazione fisica, l’attore finì per infortunarsi al tallone, che è anche il punto debole di Achille. Nei panni del valoroso Ettore, invece, si ritrova Eric Bana. Questi e Pitt decisero di non ricorrere a controfigure per le loro scene di battaglia. Stipularono invece un accordo che prevedeva un risarcimento per ogni colpo involontario. Alla fine, Pitt dovette pagare a Bana 750 dollari.

Orlando Bloom è il giovane principe Paride, un personaggio da lui non particolarmente amato. Per l’attore, infatti, questi era solo un codardo e un idiota. Brian Cox interpreta il re Agamennone, mentre Brendan Gleeson è suo fratello Menelao. L’attore Sean Bean veste i panni dell’astuto Ulisse, mentre il celebre Peter O’Toole è Priamo, re di Troia. Nei panni di Patroclo, cugino di Achille, vi è Garrett Hedlund. Questi ottenne la parte appena un mese dopo essere arrivato a Los Angeles per perseguire la carriera da attore. Per il ruolo di Briseide, schiava di Achille, venne scelta Rose Byrne. Per il ruolo di Elena, che il regista inizialmente non voleva includere in quanto convinto che non si potesse rappresentare la sua bellezza, venne scelta l’attrice Diane Kruger.

Troy trama film
Il cavallo di Troia in Troy. © 2004 Warner Bros. Ent. All Rights Reserved

Le differenze tra il film Troy e il poema epico

Le maggiori critiche ricevute dal film sono legate alle sue enormi differenze con il poema di Omero. Considerando la statura dell’Iliade, appare però piuttosto comprensibile il perché si sia cercato di dare alla storia una forma più aderente ai canoni cinematografici, intraprendendo dunque una serie di modifiche. Ad ogni modo, la prima e più grande differenza è la totale assenza dell’elemento divino o soprannaturale e l’intervento di questo nelle vicende. Ciò ha permesso al film di acquisire una natura più umana e terrena, concentrandosi sui personaggi coinvolti attivamente nella battaglia.

Ulteriori modifiche sono per lo più relative proprio ai protagonisti. I personaggi di Agamennone e Menelao, ad esempio, sono rappresentati unicamente in modo negativo e la loro stessa morte differisce con quella tramandata dal mito, con il primo che sopravvisse alla guerra ma trovò la morte una volta tornato a casa. Notevoli differenze si ritrovano nello svolgimento della battaglia tra Achille e Ettore. Nel poema i due si incontrano quasi casualmente, mentre nel film si dichiarano apertamente battaglia uno contro uno. Ulteriori differenze si ritrovano circa la fine di alcuni personaggi. Paride, ad esempio, nel film non muore e riesce a fuggire con Elena. Nel poema, invece, quest’ultima decide di tornare a Sparta con Menelao.

Ancora, differenti rispetto all‘Iliade sono le sorti del re Priamo, del guerriero Aiace e del celebre Patroclo. Una delle più evidenti differenze, tuttavia, è quella relativa alla durata della guerra. Nel film, questa dura all’incirca un mese. Il poema, invece, pur iniziando il racconto in medias res, evidenzia come l’assedio degli achei alla città di Troia sia durato per ben dieci anni. Il racconto viene dunque ad essere fortemente sintetizzato per il film, eliminando numerosi passaggi ritenuti troppo statici per un’opera cinematografica. Nonostante queste modifiche, il film restituisce adeguamente il contesto e la violenza di tale guerra.

Il trailer di Troy e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire di Troy grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten Tv, Google Play, Apple TV, Now e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di lunedì 6 maggio alle ore 21:00 sul canale 20 Mediaset.

Fonte: IMDb

 
 

Chocolat: recensione del film con Juliette Binoche e Johnny Depp

Chocolat recensione

Chocolat è il film del 2000 diretto da Lasse Hallström che vede protagonisti nel cast Juliette Binoche, Judi DenchJohnny Depp e Alfred Molina.

  • Anno: 2000
  • Regia: Lasse Hallström
  • Durata: 121’
  • Con: Juliette Binoche (Vianne), Judi Dench (Armande), Johnny Depp (Roux), Alfred Molina (Conte de Reynaud), Carrie-Anne Moss (Caroline), Lena Olin (Josephine), Victoire Thivisol (Anouk), Hugh O’Conor (Padre Henri), Peter Stormare (Serge Muscat)

Trama del film Chocolat: Tranquillité è la parola d’ordine di Lansquenet, immaginario e fiabesco paesino della campagna francese. Qui il perbenismo dei bigotti non permette cambiamenti: a monitorare la moralità dei compaesani è lo stimato sindaco Conte de Reynaut, occupato anche a salvare le apparenze del suo fallito matrimonio.

Ma il Vento irrequieto del Nord ha altri piani, e nel 1959 porta con sé Vianne insieme alla figlia illegittima Anouk, spiriti liberi che offriranno ai morigerati abitanti di Lansquenet la più grande tentazione per il palato dei mortali: il cioccolato. I secolari equilibri del paese verranno sconvolti, e non aiuterà la situazione l’arrivo di una comunità di nomadi capitanati dal fascinoso Roux, che pare voglia mettere radici proprio nella cioccolateria di Vianne… 

Chocolat, tra sapori e sensualità, fede e sacrificio

E’ bello, ogni tanto, tornare alla fiaba, abbandonarsi a un rassicurante mondo archetipico nel quale il Bene e il Male hanno nomi e cognomi, e dove a scatenare la guerra è della cioccolata. Quasi volesse cullarci prima di andare a dormire, lo svedese Lasse Hallström mette in scena una favola di libertà e di lotta alle convenzioni. Lo schema è semplice e antico come la terra: novità contro tradizione, desiderio contro astinenza, istinto personale contro buon senso comune.

Tratto dall’omonimo romanzo della scrittrice britannica Joanne Harris, Chocolat mette in luce l’inutilità di una religione basata unicamente sulla rinuncia e sul sacrificio, svuotando di senso una fede che identifica il Demonio con i dolci, la musica rock e le altre tentazioni che rendono piccante la vita.

Paladino di queste credenze retrograde è l’antagonista Sindaco, che per primo fonda la sua condotta su tre parole d’ordine: duro lavoro, moderazione e autodisciplina. Egli governa il paese come un despota, non esitando a mettere mano ai troppo docili sermoni del giovane parroco Henri e a ficcare il naso nella vita privata dei suoi concittadini. 

Chocolat Juliette Binoche Johnny Depp

E’ noto che la presenza dell’antagonista dipenda dall’esistenza di un eroe positivo. Eroina, in questo caso: la nuova arrivata Vianne rappresenta la Vita nei suoi istinti primordiali e incarna tutto ciò che il Sindaco respinge: ha una figlia ma non è mai stata sposata; non frequenta la Chiesa; offre ai penitenti cioccolata durante la Quaresima e ospitalità agli zingari di passaggio. Lo scontro inizialmente ideologico tra i sostenitori del buon costume e questa “strega radicale” fa scoppiare le antiche tensioni da sempre ignorate e represse, trasformandosi in una battaglia senza esclusione di colpi che spaccherà in due Lansquenet.

Juliette Binoche ci offre una straordinaria interpretazione che le è valsa la Nomination agli Oscar: affascinante e combattiva, non è mai stata così piena di vitalità e di passione. Vianne non va a Messa, ma è piena di bontà e di sincero amore verso il prossimo: accoglie nella sua casa Josephine, umiliata e picchiata dal marito, fa riavvicinare la vecchia Armande (una grandiosa Judi Dench) al suo nipotino vittima delle restrizioni della madre e si mostra amichevole nei confronti della comunità nomade, la cui permanenza è boicottata dai ciechi pregiudizi di tutti gli altri.

Si sa, l’amore è l’ingrediente fondamentale delle fiabe, e in questa è raccontato in ogni forma: di una madre per la figlia, di una nonna per il nipote, di due anziani che riscoprono l’emozione. Da parte sua, l’anticonformista Vianne non potrà che legarsi a un’anima libera e senza radici come la sua, quella di Rioux, zingaro dallo sguardo magnetico e col fascino da gentiluomo.

Bello e dannato, tormentato chitarrista dalla sensualità palpabile, il Depp degli anni d’oro fa scintille a contatto con l’esplosiva Binoche, tanto che l’elettricità tra i due sfonda lo schermo. Il loro è un amore al di là delle convenzioni, pronto a sciogliersi e ricongiungersi a seconda del soffiare dei venti.

Le due ore di pellicola scorrono dolcemente, sostenute dall’ottima sceneggiatura di Robert Nelson Jacobs che offre esilaranti dialoghi colorati da uno humor brillante e raffinato, non dimenticando di commuovere con semplici ma toccanti momenti di riflessione. La vivace atmosfera della pellicola è amplificata dall’incalzante musica quasi da flamenco che segue costantemente le vicende dei personaggi.

Al centro di tutto, naturalmente, è il cioccolato: onnipresente in ogni forma e colore, è il silente spettatore delle dispute che lui stesso provoca. L’intero film è un omaggio spassionato a questo alimento che tanto risolleva l’animo dei mortali, e le innumerevoli inquadrature dedicate alla sua preparazione e alla sua disarmante perfezione finale sono una vera e propria dichiarazione d’amore.

Chocolat

La tesi di Chocolat è clamorosamente semplicistica e a tratti demagogica ma non contraddice mai la sua allettante natura fiabesca, che non ha di certo ambizioni di carattere filosofico e metafisico: il film ci guida attraverso una riscoperta dei piccoli piaceri della vita, di quei peccati che ci rendono umani.

Insomma, bisogna lasciarsi andare una buona volta: i sensi di colpa non aiutano nessuno. Sarà questa la lezione appresa da tutti, in un liberatorio lieto fine che spazza via dal paese l’opprimente Tranquillité, tanto che l’improvvisato ma sincero sermone pasquale di Padre Henri inviterà a misurare la bontà non in base a ciò che ci neghiamo, ma “a ciò che abbracciamo, a ciò che creiamo e a chi accogliamo”. In fondo, cosa c’è più innocente di un cioccolatino?

 
 

Emily in Paris 4: recensione della prima parte della nuova stagione su Netflix

Emily in Paris

Dopo il successo delle prime tre stagioni, Emily in Paris ritorna nuovamente su Netflix con nuove vicende e nuovi intrighi amorosi. La serie, lanciata il 2 ottobre del 2020, è stata ideata, scritta e prodotta dall’americano Darren Star (autore della serie Sex and the city). La quarta stagione è stata distribuita in due parti: la prima parte il 15 agosto e la seconda parte sarà disponibile dal 12 settembre. Nel cast si ritrovano molti dei personaggio portanti, presenti dalla prima stagione, quali la protagonista Emily Cooper, interpretata da Lily Collins (Mank, #ScrivimiAncora), e Lucas Bravo nel ruolo di Gabriel. A questi si affiancano nuovi personaggi come Luis de Leon, interpretato dal francese Pierre Deny.

Emily in Paris: triangoli amorosi

Il finale della terza stagione aveva lasciato molto in sospeso: Camille che fugge dal suo stesso matrimonio con Gabriel, rivelando a tutti del patto fatto con Emily e poi infranto e di come i due siano innamorati da sempre. Alfie si allontana da Emily, vedendosi solo come un ripiego rispetto al grande Chef. Emily cercherà di recuperare il rapporto con Alfie, per poi ritrovarsi nuovamente in un triangolo amoroso, Camille dopo il matrimonio si dileguerà per pensare alla sua relazione con Sofia e al bambino che avrà da Gabriel.

Dopo la scoperta fatta da Mindy sui comportamenti inappropriati di Luis de Leon, capo dell’agenzia JVMA, nei confronti delle sue impiegate,  Sylvie prenderà una posizione forte, dando il via a un potente scandalo. La relazione tra Camille e Sofia, così appassionata, non sembra resistere ai primi problemi e alle prime differenze di visioni.

Emily in Paris 4 Lily Collins

Team Alfie o team Gabriel?

Il tema principale di Emily in Paris è proprio il triangolo amoroso che si crea tra Emily, Gabriel e Camille prima e Alfie dopo. La relazione tra lo chef e l’americana a Parigi sembra essere ostacolata da qualcosa o qualcuno, rendendo il loro amore impossibile. Ma a partire dalla seconda stagione Alfie, un affascinante inglese in giacca e cravatta, entra a far parte della vita di Emily; i due iniziano una relazione apparentemente perfetta, se non per il fantasma sempre presente di Gabriel.

In questa quarta stagione, Emily si troverà a dover fare una scelta: Gabriel o Alfie? Nonostante con il primo fossero riusciti a mantenere un’amicizia, i loro sentimenti continuavano ad essere parzialmente latenti. Gabriel è il primo amore parigino di Emily, un simpatico chef francese, mentre Alfie è un amore più certo e stabile: in precedenza lui stesso ha scelto di rimanere a Parigi anche per Emily.

Che si preferisca Alfie o Gabriel, Emily dovrà fare una scelta che risulterà essere abbastanza scontata.

Emily in Paris: un lieto fine continuo

Un elemento chiaro fin dalle prime stagioni della serie è il mantenimento di un clima perennemente disteso nella narrazione: nel fantastico mondo di Emily Cooper tutto sembra andare sempre per il verso giusto! Per quanto questo sia proprio ciò che rende Emily in Paris così leggera, arrivati alla quarta stagione si è sfociati nella totale monotonia. Fin dalla terza stagione si è cercato di movimentare le vicende con alcuni colpi di scena come il “lesbo dramma” tra Camille e Sofia e il bambino che Camille avrebbe dovuto avere da Gabriel. Ciononostante questi plot twist non sembrano rientrare al meglio nel filone narrativo originario.

Un punto di forza e di originalità di Emily in Paris che emerge maggiormente in questi ultimi episodi è l’alternarsi di scene con dialoghi interamente in francese. Questo rende il tutto molto più autentico.

Il caso Luis de Léon

Nella prima parte della quarta stagione di Emily in Paris viene introdotta una tematica tristemente fin troppo nota nella società attuale: gli abusi sessuali sul posto di lavoro. Sylvie, ormai avanti nella propria carriera, a capo di una sua propria agenzia, si ritrova a dover fare i conti con dei ricordi dolorosi del suo periodo da assistente alla JVMA. Una giornalista del noto giornale Le Monde è determinata a portare allo scoperto la verità su Luis de Léon, a capo della JVMA e padre di Nicholas, e sui vari casi di abusi sessuali perpetrati nei confronti delle proprie impiegate.

La verità diverrà chiara allo spettatore attraverso Mindy, la quale, mentre si ritrova nel guardaroba dell’agenzia, viene avvisata da alcune ragazze di non entrare mai da sola nella stanza nel caso in cui Luis entrasse e la molestasse. Ciononostante, un rapporto burrascoso con la stessa Sylvie era chiaro già dai pochi incontri molto tesi tra i due.

Nel sapere che Luis continua ad abusare le ragazze della sua agenzia, Sylvie trova il coraggio di reagire a distanza di molti anni.

Emily in Paris continua in questa quarta stagione su un format uguale alle stagioni precedenti: trama leggera e prevedibile, momenti comici e romantici intrighi amorosi. In attesa della seconda parte della quarta stagione e di qualche notizia su una possibile quinta stagione, ci si chiede fin quando si vorrà continuare a sfruttare un filone narrativo che sta pian piano cadendo nell’abisso della monotonia.

 
 

Blake Lively su Lady Deadpool: “L’idea è nata ai tempi di Lanterna Verde”

In occasione della promozione di It Ends With Us – Siamo noi a dire Basta, il prossimo film che la vede protagonista e che arriverà in sala il 21 agosto, Blake Lively ha svelato un dettaglio inedito rispetto al suo coinvolgimento in Deadpool & Wolverine con il personaggio di Lady Deadpool.

Nata nel 2010 proprio su modello di Blake (Rob Liefeld guardava Gossip Girl!), Lady Deadpool compare in un breve cameo nel film di Shawn Levy ed è doppiata proprio dall’attrice. Il ruolo era quindi nel suo destino, ma non poteva immaginare quanto, dal momento che solo nel 2011, dopo averlo incontrato sul set di Lanterna Verde, Blake ha cominciato a uscire con Ryan Reynolds, che è poi diventato suo marito, padre dei suoi quattro figli, e principale fautore e interprete di Deadpool.

Lady Deadpool

Blake Lively su Lady Deadpool: “L’idea è nata ai tempi di Lanterna Verde”

Nel corso dell’intervista, Blake Lively ha rivelato che l’eventualità di essere Lady Deadpool risale proprio a quel primo periodo di conoscenza con Reynolds! Ecco cosa ha raccontato:

“In realtà l’idea mi è stata proposta anni fa, quando ho girato Lanterna Verde con Ryan e abbiamo iniziato a frequentarci. Molto prima che nessuno pensasse a un film su Deadpool. È stato molto divertente girare quella scena, Ryan e Hugh sono gli uomini più divertenti che conosca, dico sul serio. La gente dovrebbe andare a vedere quel blockbuster e poi un film più profondo come It Ends With Us. E magari in futuro potrò fare un sequel di entrambi, intitolato It Ends with Deadpool & Wolverine!”

 
 

Alain Delon: morto a 88 anni l’attore francese

Alain Delon, l’attore francese famoso per aver prestato il suo volto alla Nouvelle Vague e al grande cinema di Visconti e Antonioni. Aveva 88 anni. “È mancato serenamente nella sua casa di Douchy, circondato dai suoi tre figli e dalla sua famiglia”, secondo una dichiarazione rilasciata all’agenzia di stampa AFP dalla sua famiglia.

Alain Delon è apparso in molti film, tra cui ricordiamo Frank Costello faccia d’angelo, I senza nome e Notte sulla città di Jean-Pierre Melville.

Altri suoi film significativi sono stati “Delitto in pieno sole” di René Clement; “Rocco e i suoi fratelli” e “Il gattopardo” di Visconti; “L’Eclisse” di Antonioni; “Due uomini in città” di José Giovanni; e “Mr. Klein” di Joseph Losey. E’ stata lunga e proficua la sua collaborazione con i registi italiani degli anni ’60 e ’70.

Alain Delon in Frank Costello faccia d’angelo

Dopo che Jean-Paul Belmondo definì l’estetica francese all’inizio della Nouvelle Vague in “Fino all’ultimo respiro” di Godard, Delon e il regista Melville la ridefinirono molto più consapevolmente in Frank Costello faccia d’angelo, in cui interpretava un killer mercenario che aggiustava sempre il suo cappello di feltro in modo che fosse perfetto, e l’attore fu di conseguenza paragonato a James Dean.

Ma il paragone con Dean era limitato; mentre l’attore americano era incline a sfoghi emotivi nelle sue interpretazioni, Alain Delon era tutt’altro che effusivo. Lo straordinario fascino di Delon si è cristallizzato in Frank Costello faccia d’angelo. Lo studioso di cinema David Thomson lo ha descritto come “l’angelo enigmatico del cinema francese, solo 32enne nel 1967, e quasi femminile. Eppure così serio e immacolato da essere ritenuto letale o potente. Era anche vicino al vero mondo criminale francese”. Thomson ha aggiunto: “Delon non è tanto un bravo attore quanto una presenza sorprendente: non c’è da stupirsi che fosse così emozionato di realizzare che la cosa di cui Melville aveva più bisogno era la sua disponibilità a farsi fotografare”.

Roger Ebert ha definito Delon il “duro bel ragazzo dei film francesi, un attore così incredibilmente bello che la sua migliore strategia per gestire il suo aspetto era quella di usare una faccia da poker”.

Il gattopardo di Luchino ViscontiCome accennato, fondamentali per la carriera dell’attore sono state le collaborazioni con i registi René Clément, Luchino Visconti e Jean-Pierre Melville; fra i personaggi più celebri da lui interpretati ci sono il cupo e timoroso Rocco in Rocco e i suoi fratelli (1960), il principe Tancredi ne Il Gattopardo (1963), il killer Jeff in Frank Costello faccia d’angelo (1967), il gangster Rogert Startet ne Il clan dei siciliani (1969), lo scrittore fallito Jean-Paul Leroy ne La Piscina (1969); è stato inoltre Zorro nell’omonimo film di Duccio Tessari del 1975, il misterioso Robert Klein di Mr. Klein (1976) e il barone di Charlus in Un amore di Swann (1984).

Alain Delon, il palmares

Nel 1985 ha vinto il premio César per il migliore attore per il film Notre histoire; ha inoltre vinto il David di Donatello, l’Orso d’oro alla carriera al Festival di Berlino, mentre nel 1963 ha ottenuto una candidatura ai Golden Globe per il film Il Gattopardo.

Dagli anni settanta ha avuto esperienze anche come produttore cinematografico, tramite la sua Adel Productions, e in qualità di regista come nel thriller Per la pelle di un poliziotto (1981) e nel drammatico Braccato (1983). La sua ultima interpretazione sul grande schermo risale al 2008 nel film Asterix alle Olimpiadi, mentre nel 2017 ha annunciato il ritiro dalle scene.

La vita privata di Alain Delon era di grande interesse per i media francesi. Ebbe una relazione con l’attrice tedesca Romy Schneider dal 1959 al 1964, ma mantenne un legame emotivo con lei per molto tempo. Lei morì per un mix di antidolorifici e alcol nel 1982. Ai Césars del 2008, Delon salì sul palco per ricevere in sua vece un premio che avrebbe segnato quello che sarebbe stato il suo 70° compleanno e chiese al pubblico di onorarla con una standing ovation.

Tuttavia, durante la sua relazione con Schneider, ebbe una relazione con Nico (dei Velvet Underground), con cui ebbe un figlio, Ari Boulogne. Sposò Nathalie Barthélemy nel 1964 e ebbe un figlio, Anthony. La coppia divorziò nel 1969.

Delon ebbe in seguito una relazione di 15 anni con l’attrice francese Mireille Darc e poi una con la modella olandese Rosalie van Breemen, con la quale ebbe due figli, ma si separò nel 2002. Nel 2019 gli fu conferita una Palma d’oro onoraria.

 
 

Transformers One: il cast vocale spiega la storia delle origini degli Autobot in un nuovo video

Transformers One cast

Transformers One arriverà nelle sale tra poco più di un mese e i fan del franchise non vedono l’ora di vedere il primo film completamente animato dopo quasi 40 anni. A questo entusiasmo si aggiunge una nuova featurette del cast che la Paramount Pictures ha appena rilasciato per promuovere il film. Lo sneak peek mostra filmati dei bot del film in azione insieme ai loro doppiatori che parlano del progetto. Il cast comprende star come Chris Hemsworth, Brian Tyree Henry, Scarlett Johansson e Keegan-Michael Key, che compaiono tutti nella featurette.

Chris Hemsworth presterà la voce all’iconico personaggio di Optimus Prime, che a questo punto è conosciuto come Orion Pax, e Hemsworth ha dichiarato che la storia delle origini è ciò che lo ha attirato nel film. “Ciò che mi ha incuriosito è stata la storia delle origini”, ha detto l’attore. “Inizia come Orion Pax, come lavoratore nelle miniere. Questo è il suo viaggio per diventare l’onnipotente e onnisciente Optimus Prime”. Di fronte a Orion Pax c’è D-16, un personaggio che sarà conosciuto come Megatron, leader dei Decepticon. Il futuro nemico di Optimus Prime è doppiato da Brian Tyree Henry, che ha dichiarato: “Vogliamo vedere dove tutto è iniziato. Vogliamo vedere com’era Cybertron e come D-16 è diventato uno dei più grandi arcinemici di tutti i tempi”.

I migliori amici diventano nemici in “Transformers One”

Henry ha poi aggiunto: “Vediamo l’inizio assoluto di Optimus e Megatron, il fatto che fossero in realtà migliori amici”, mentre Hemsworth ha aggiunto: “Si tratta davvero di un’amicizia in cui i due diventano nemici”. Tra i quattro eroi del film ci sono anche la Johansson nel ruolo di Elita-1 e Keegan-Michael Key nel ruolo di B-127, che nonostante il suo desiderio di essere conosciuto come “Badassatron” diventerà Bumblebee. Key si è detto entusiasta di dare voce al personaggio che è stato in gran parte senza voce nei precedenti film di Transformers. “Negli ultimi film è stato quasi una star del cinema muto, ma ora possiamo dargli voce”, ha detto Key.

Il film si avvale anche della voce di Jon Hamm nel ruolo di Sentinel Prime, un imponente bot che è il predecessore di Optimus come leader degli Autobot. Anche Steve Buscemi sarà presente, doppiando Starscream, un eventuale luogotenente di Megatron. Laurence Fishburne darà la voce all’antico Transformer Alpha Trion, una figura misteriosa per gli eroi del film che fornisce loro la capacità di trasformarsi, dando inizio alla loro avventura. Transformers One uscirà nelle sale il 19 settembre 2024.

 
 

Kevin Feige reagisce all’ultimo record al botteghino di Deadpool & Wolverine

Kevin Feige
Il presidente dei Marvel Studios Kevin Feige arriva al Los Angeles Premiere Of Columbia Pictures '' 'Spider-Man: No Way Home' tenutosi al Regency Village Theatre il 13 dicembre 2021 a Westwood, Los Angeles, California, Stati Uniti. — Foto di imagepressagency via Depositphotos

Deadpool & Wolverine è finalmente diventato il film con il più alto indice di gradimento di tutti i tempi, e il presidente dei Marvel Studios ha avuto un modo particolare di celebrare questo risultato. Kevin Feige non potrebbe essere più felice del fatto che il sequel diretto da Shawn Levy abbia continuato a battere i record di incassi. Ma mentre il dirigente rilascia una nota formale per ringraziare il pubblico per aver trasformato Deadpool & Wolverine in un enorme successo, sullo sfondo si nota qualcosa di inaspettato.

Durante il primo atto di Deadpool & Wolverine, Wade Wilson (Ryan Reynolds) ha scherzato sul fatto che la Disney aveva una sola richiesta per quanto riguarda le battute del film. Deadpool è noto per il suo costante uso di droghe. Ma Feige è fermo nella sua regola che vieta a qualsiasi produzione dei Marvel Studios di raffigurare o fare riferimento all’uso esplicito di sostanze illegali. Sullo sfondo del post sui social media si può vedere una lettera di Feige, in cui il presidente dello studio ricorda al team di Deadpool & Wolverine le linee guida.

Deadpool & Wolverine segue Wade Wilson in un momento complicato della sua vita. Mentre la sua relazione con Vanessa (Morena Baccarin) stava diventando più forte che mai, tutto è andato in pezzi quando Wilson ha perso la sua motivazione. Ma questo non avrebbe impedito a Deadpool di ottenere ciò che voleva. Determinato a riprendersi la sua vita, l’antieroe si è imbarcato in una missione che prevedeva la lotta contro la Time Variance Authority insieme a una variante di Wolverine (Hugh Jackman).

Deadpool sbanca il botteghino mondiale

 

Sebbene ci si aspettasse che Deadpool & Wolverine fosse un blockbuster di successo, è riuscito a diventare uno dei film di maggior successo dell’anno. Il sequel ha guadagnato finora 1,086 miliardi di dollari al box office mondiale. Solo Inside Out 2 ha guadagnato di più quest’anno, con il sequel della Pixar che ha guadagnato 1,586 miliardi di dollari all’inizio dell’estate. La Disney è tornata in carreggiata per quanto riguarda la vendita dei biglietti. Ma il successo di Deadpool & Wolverine è comunque un sospiro di sollievo per il resto del Marvel Cinematic Universe.

L’ultima volta che il MCU è arrivato al cinema è stato con il debutto di The Marvels l’anno scorso. Con soli 206 milioni di dollari guadagnati al botteghino globale per tutta la durata del film, il sequel ha dato motivo di preoccupazione allo studio di successo. Attualmente la società sta lavorando a Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars, i Marvel Studios avevano bisogno della rassicurazione di un altro grande successo per continuare a investire milioni di dollari nell’amato franchise.

 
 

Colin Firth si è appena unito a Emily Blunt nel prossimo film di Steven Spielberg

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Il prossimo film di uno dei registi più acclamati della storia ha appena ricevuto un grosso aggiornamento. Un nuovo report di Deadline ha rivelato che Colin Firth, noto soprattutto per i suoi ruoli in Kinsgman: The Secret Service, A Single Man e Il discorso del re, si è unito ufficialmente al cast del film evento senza titolo di Steven Spielberg, che sta producendo con la Universal. Firth si unisce a Emily Blunt, la cui prima aggiunta al cast era stata annunciata all’inizio di giugno. L’uscita del film sugli UFO, ancora senza titolo, è prevista per il 15 maggio 2026. Spielberg si riunirà allo sceneggiatore di Jurassic Park David Koepp, incaricato di scrivere la sceneggiatura del progetto, che segnerà la prima collaborazione tra i due dopo Indiana Jones e il Regno del Teschio di Cristallo del 2008.

Nonostante non abbiano lavorato insieme per più di 16 anni, sia Spielberg che Koepp si sono tenuti occupati nel frattempo. Recentemente Koepp è tornato nel mondo di Indiana Jones e ha collaborato come sceneggiatore all’ultimo capitolo con Harrison Ford, Indiana Jones e il quadrante del destino, diretto da James Mangold. Spielberg è stato accreditato come produttore del progetto. Il regista premio Oscar ha lavorato di recente a diversi grandi progetti, tra cui Ready Player One, The Fabelmans e West Side Story. Anche se sarà sempre conosciuto come la prima persona che ha dato vita a Indiana Jones e Jurassic Park, due franchise che sono rimasti i più iconici e riconoscibili di tutti i tempi.

Cosa hanno fatto ultimamente le star del nuovo film di Spielberg?

Firth sarà sempre conosciuto per aver vinto l’Oscar per la sua interpretazione ne Il discorso del re nel 2010 e per la sua interpretazione nominata all’Oscar in A Single Man l’anno precedente, ma ultimamente è stato anche impegnato. Di recente ha recitato accanto a Olivia Colman in Empire of Light e a Matthew Macfadyen in Operation Mincemeat. Per quanto riguarda la Blunt, solo pochi mesi fa è stata vista nelle sale al fianco di Ryan Gosling in The Fall Guy, mentre nell’ultimo anno ha recitato in Pain Hustlers e Oppenheimer. Il film di Steven Spielberg sull’evento UFO, ancora senza titolo, uscirà il 15 maggio 2026.

 
 

Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery, arrivano nuovi aggiornamenti sul sequel con Daniel Craig

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Buone notizie, fan di Benoit Blanc, siamo ufficialmente a un passo da Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery. Il regista Rian Johnson ha condiviso su Instagram la notizia che le riprese del prossimo film, ricco di star, sono terminate e che vedrà ancora una volta protagonista Daniel Craig nei panni dell’enigmatico detective Benoit Blanc.

Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery continua l’eredità del franchise Knives Out. In questo sequel, Blanc si trova alle prese con un altro mistero di omicidio, che questa volta coinvolge un gruppo eterogeneo di individui eccentrici. Sulla base del divertimento elettrizzante e cerebrale dei film precedenti, l’ultima uscita del nostro eroe è pronta a offrire la narrazione intelligente e l’arguzia tagliente che i fan hanno imparato ad amare.

Il sequel segna la conclusione del contratto che Netflix ha stipulato con Craig, il regista Johnson e il produttore Bergman in seguito al grande successo del primo film di Knives Out. Il franchise è diventato rapidamente un punto di riferimento per il gigante dello streaming, con le avventure di Benoit Blanc che hanno riscosso un enorme successo di pubblico in tutto il mondo. A Brolin si aggiungono le già annunciate star Daryl McCormack, Mila Kunis, Jeremy Renner, Glenn Close, Cailee Spaeny, Josh O’Connor, Andrew Scott e Kerry Washington.

Di cosa parla il nuovo film “Knives Out”?

 

 

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Un post condiviso da Rian Johnson (@riancjohnson)

Diretto da Rian Johnson, che ha scritto e diretto i film precedenti, Wake Up Dead Man riporterà Benoit Blanc a essere un osservatore rispettoso, tranquillo e passivodella verità. Mentre il film si prepara per la produzione, l’attesa cresce a ogni nuovo annuncio di casting. Con un’intrigante miscela di star affermate e talenti emergenti come TK, il film è pronto a diventare un altro successo della saga di Knives Out. I fan del franchise e i nuovi arrivati attenderanno con ansia ulteriori dettagli e, infine, l’uscita del film.

 
 

Crossed: lo scrittore di The Boys scriverà il film basato sul suo fumetto post-apocalittico

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L’acclamato scrittore di fumetti Garth Ennis (The Boys) ha trascorso anni a vedere alcune delle sue opere più famose trasformate in acclamate serie televisive, ma il prossimo adattamento sarà opera sua. L’Hollywood Reporter, tramite la sua newsletter Heat Vision, scrive che Ennis ha recentemente scritto la sceneggiatura di un lungometraggio basato sul suo fumetto post-apocalittico Crossed, che descrive un mondo tetro rovinato da una pandemia che infligge alle vittime eruzioni cutanee giganti e le costringe a mettere in atto i loro pensieri più ignobili. Il gruppo indie Six Studios ha acquisito la sceneggiatura e intende finanziare e produrre il film. Attualmente è alla ricerca di un regista che diriga il progetto.

L’adattamento di Crossed di Ennis prenderà spunto dai dieci numeri originali del fumetto, pubblicato dal 2008 al 2010 da Avatar Press. Come la maggior parte dei suoi lavori, si tratta di un’altra interpretazione brutale e sovversiva di un genere popolare, che trasforma la tipica storia di apocalisse zombie in qualcosa di orribile che riflette il peggio dell’umanità. Invece di andare in giro a banchettare senza motivo con gli esseri umani rimasti, questi infetti mantengono la loro intelligenza e diventano maniaci omicidi che commettono i peggiori crimini immaginabili. La malattia mette rapidamente in ginocchio la società, mentre i governi si affannano a spegnere tutto ciò che potrebbe essere usato per la distruzione di massa, ma ritarda solo l’inevitabile, poiché le vestigia dell’umanità diventano sempre meno. Jacen Burrows ha illustrato i primi dieci numeri del fumetto.

L’inizio della produzione di Six Studios è previsto per l’autunno, con Carl Choi che produrrà per la casa editrice insieme a Ben Hung di Retro Entertainment e Ken Levin di Nightsky Productions, che ha anche contribuito allo sviluppo del progetto con Ennis. Choi nutre grandi speranze per la sceneggiatura, definendola una storia intima e profondamente umana che evoca The Walking Dead e Contagion, e anche titoli più recenti come Civil War di Alex Garland per il suo cupo tour attraverso l’America. “È stato l’adattamento più fedele possibile”, ha dichiarato, dando vita a un progetto che si avvicina alla visione originale di Ennis.

Garth Ennis ha conquistato molti fan in televisione

Crossed sarà un test intrigante per capire se il lavoro di Ennis può avere successo sul grande schermo. In televisione, i suoi fumetti sono diventati beniamini della critica e del pubblico, a partire da Preacher su AMC. L’acclamata serie, interpretata da Dominic Cooper, è andata in onda per quattro stagioni sulla rete dal 2016 al 2019 con grande successo, offrendo alcuni cattivi demenziali nel corso della sua corsa. Tuttavia, è stata successivamente oscurata dal successo inarrestabile di The Boys su Prime Video, che ha appena battuto altri record di spettatori sulla piattaforma con la sua quarta stagione. Diretta da Eric Kripke, la satira sui supereroi ha ancora in serbo un’altra stagione per concludere la sua storia, oltre a diversi spinoff, tra cui il secondo episodio di Gen V, The Boys Presents: Diabolical, e due nuovi show in The Boys: Mexico e un prequel di Soldier Boy (Jensen Ackles).

 
 

Michelle Monaghan rivela il destino del suo personaggio MaXXXine

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Come abbiamo imparato dal personaggio di Jamie Kennedy, Randy Meeks, in Scream, i film horror hanno alcune regole che vengono affrontate e rispettate. Insieme a quella di non dire mai e poi mai “Torno subito” quando si esce da una stanza e di non fare uso di droghe o alcolici, c’è anche quella di non contare sul fatto che quella persona sia completamente morta finché non si vede un corpo. Anche se vedete un cadavere, come è successo tante volte con personaggi come Michael Myers, Ghostface e Jason, potrebbero comunque tornare. Così, quando Collider ha chiacchierato con la star di MaXXXine, Michelle Monaghan, in occasione di una recente puntata di Ladies Night, la rivista non ha potuto fare a meno di chiederle qualche chiarimento sul destino del personaggio.

I momenti che hanno preceduto l’ultima apparizione della Monaghan sullo schermo hanno visto il suo personaggio morire in un tripudio di gloria, mentre lei e il detective Torres di Bobby Cannavale arrestavano un gruppo di pazzi fondamentalisti che stavano girando un vero e proprio film dell’orrore per dimostrare i pericoli di Hollywood. Entrambi gli agenti hanno attraversato i boschi quando il loro principale colpevole, il padre di Maxine (Mia Goth), Ernest Miller (Simon Prast), si è dato alla fuga, ma le ferite riportate dal detective Williams si sono rivelate troppo gravi. Certo, abbiamo visto il detective Williams di Monaghan beccarsi qualche proiettile prima di crollare a terra, ma in questo genere di film si è sopravvissuti a ben di peggio. Rispondendo alla domanda di Collider su cosa fosse successo all’infuocata detective una volta che la telecamera si è spostata sull’inquadratura successiva, Monaghan ha confermato che, almeno nella sua mente, “credo sia morta”. Tuttavia, si è detta entusiasta di guardare il momento attraverso gli occhi dei fan dell’horror e ha detto che non le dispiacerebbe affatto se il detective Williams uscisse da quella notte, magari un po’ malconcio ma con una benda sull’occhio “piuttosto sexy”, aggiungendo: “Potrei dover mandare un messaggio a Ti [West] dopo questo”.

Un modo micidiale di uscire di scena

Anche se il suo personaggio non è arrivato ai titoli di coda, la Monaghan è stata più che grata per il modo in cui West ha progettato la sua grande scena di morte. Per un film sull’industria cinematografica che si svolge a Hollywood, non c’è luogo migliore in cui un personaggio principale possa morire se non sotto le lettere dell’insegna di Hollywood. Monaghan ha raccontato gli ultimi momenti del detective Williams dopo una sparatoria con una setta di cristiani fondamentalisti,

“È sicuramente un po’ sbilenca perché il suo equilibrio è saltato. Adoro quella scena di morte perché [West] è famoso per le sue incredibili scene di morte, e io ho pensato: “Oh mio Dio, mi sono spento davanti all’insegna di Hollywood”. Quanto è significativo? [Voglio dire, è stato molto bello. Mi è piaciuto molto. Con il crocifisso, per giunta. È stato super radicale. E sì, penso che sia morta, ma caspita, se vuole tornare in qualche modo, forma o modo con un occhio solo, penso che sia fantastico anche quello”.

Guardate l’intera conversazione di Monaghan con Collider nella nuovissima Ladies Night qui sotto.

 
 

Giancarlo Esposito svela altri dettagli sul suo personaggio di Captain America: Brave New World

Giancarlo Esposito
Giancarlo Esposito assiste al red carpet della cerimonia di apertura del 77° Festival di Cannes - Foto di Luigi De Pompeis © Cinefilos.it

Il prossimo film della Marvel, Captain America: Brave New World, promette di offrire al pubblico un’esperienza molto diversa da qualsiasi altro film su Captain America che l’ha preceduto. Per cominciare, ora che lo Steve Rogers di Chris Evans si è ritirato dal suo moniker patriottico, il nome, lo scudo, il potere e la responsabilità appartengono tutti al Sam Wilson di Anthony Mackie.

Ma durante il fine settimana al Fan Expo di Chicago, il nuovo arrivato nell’MCU, Giancarlo Esposito, ha anticipato che ci sarà anche qualcosa di inaspettato nella sua interpretazione di Seth Voelker, alias Sidewinder, dicendo: “Mi vedrete fare cose che non mi avete mai visto fare prima”. L’attore ha anche aggiunto che la sua versione di Seth sarà “uno scienziato” con “una grande mente”.

Come ormai sappiamo bene, in passato Esposito si è orientato verso personalità più sinistre, quindi in che modo questo ruolo lo distinguerà dagli altri? In precedenza, l’attore ha fatto intendere che il suo personaggio è un po’ “cazzuto” e che, mentre lo abbiamo visto andare avanti “intellettualmente” come Gus Fring di Breaking Bad e Better Call Saul, Sidewinder sarà un’entità completamente diversa. L’attore ha poi spiegato che,

“Recitare è usare ogni parte del tuo corpo, le tue emozioni, i tuoi sensi, i tuoi sentimenti, per rappresentare qualcosa. Ma non mi avete mai visto usare il mio corpo nel modo in cui lo userò io. Il MCU è eccitante”.

I precedenti ruoli di Giancarlo Esposito lo hanno preparato a diventare il cattivo della Marvel

Captain America: Brave New World

Anche se si riferisce a Gus Fring come a un cattivo più “intellettuale”, il grande cattivo di Breaking Bad era innegabilmente spietato. Ma da quello che abbiamo visto nelle prime immagini e nei teaser di Captain America: Brave New World, sembra che Seth Voelker si tufferà in trincea molto più di quanto abbia fatto Gus. A parte il periodo trascorso nell’universo AMC di Breaking Bad e Better Call Saul, Esposito è apparso anche come un degno avversario in show come The Boys di Prime Video, dove è apparso più volte nei panni del diabolico Stan Edgar.

Anche se il suo debutto nel MCU avverrà con Captain America: Brave New World, non sarà certo la prima volta di Esposito come cattivo in un franchise: i fan di The Mandalorian lo conosceranno come Moff Gideon. E con le recenti uscite cinematografiche, come Abigail e MaXXXine, che dimostrano che è più che disposto a sporcarsi le mani con secchi di sangue (finto), non vediamo l’ora di vedere fino a che punto Esposito si spingerà quando salirà al trono come leader della Serpent Society in Captain America: Brave New World.

 
 

Mark Wahlberg rivela che il prossimo film di Shane Black sarà “The Italian Job” che incontra “Heat”

Mark Wahlberg

È passato un po’ di tempo da quando i fan di Shane Black hanno dovuto aspettare così tanto per un nuovo film diretto dal regista. Black ha lavorato l’ultima volta a Predator del 2018, ma ha in programma alcuni progetti piuttosto interessanti. Uno di questi è Play Dirty, una commedia d’azione con Mark Wahlberg come protagonista. Anche se i dettagli del progetto sono ancora segreti, Collider ha avuto la possibilità di incontrare lo stesso Wahlberg e di ottenere qualche informazione sul titolo in arrivo.

Durante l’intervista, Mark Wahlberg ha condiviso l’emozione di poter finalmente lavorare con Black e ha elencato alcuni elementi che possiamo aspettarci di vedere in Play Dirty. L’attore ha anche parlato del tipo di film che questo nuovo titolo gli ricorda e, a quanto pare, si tratta di un altro film da non perdere nella filmografia del regista:

“Per me è come se ‘The Italian Job’ incontrasse ‘Heat ’. C’è l’azione, l’alta posta in gioco, l’umorismo, i grandi personaggi, i migliori dialoghi di Shane Black. Ho aspettato a lungo per avere una sceneggiatura del genere. Ogni volta che abbiamo parlato di “Ok, qual è il tipo di film che vuoi fare come attore se parliamo di un grande film commerciale?” e “ Arma letale” è sempre lì, e alcuni degli altri film che Shane ha scritto, quindi non avrei potuto essere più felice. Spero che lui sia stato felice quanto me di questa esperienza”.

Il prossimo film di Shane Black si preannuncia assolutamente da vedere

Il fatto che Walhberg menzioni che Play Dirty contiene “i migliori dialoghi di Shane Black” è un’ottima notizia per i fan. Il regista e sceneggiatore si è guadagnato una reputazione a Hollywood grazie alle sue sceneggiature argute – recentemente con la commedia di Robert Downey Jr. Kiss Kiss Bang Bang, ma soprattutto con il franchise di Arma Letale. Il buon dialogo è quindi una delle principali attrattive per il pubblico dei suoi film, ed è bello sapere che il regista rimane fedele alle sue radici.

Allo stesso tempo, la citazione di The Italian Job e Heat da parte di Walhberg rende Play Dirty immediatamente più interessante. The Italian Job è uno dei film di rapina più popolari degli ultimi due decenni – con lo stesso Walhberg nel cast – e i suoi fan hanno implorato un sequel negli ultimi vent’anni. Heat è considerato uno dei classici del cinema moderno, con un’intricata storia thriller che vede contrapposti Robert De Niro (Killers of the Flower Moon) e Al Pacino (Hunters). Il film è destinato ad avere un sequel che sarà presto nelle sale.

 
 

Fire Country – stagione 3: due nuovi membro nel cast e i nuovi personaggi in arrivo

Fire Country serie tv 2022 trama cast streaming

La prossima stagione di Fire Country” si preannuncia bollente e, al suo ritorno, aggiungerà due nuovi volti. Uno di loro sarà apparentemente collegato all’ingresso di Bode Donovan (Max Thieriot) nel mondo dei vigili del fuoco della California meridionale, mentre un altro sembra essere collegato al mondo di Three Rock.

Gli attori sono Jared Padalecki e Leven Rambin. Padalecki, noto soprattutto per il suo ruolo in “Supernatural” e reduce dal reboot di “Walker” della The CW, interpreterà il ruolo di Camden Casey, come riporta Deadline. Camden è un surfista presuntuoso e un vigile del fuoco che si affeziona subito a Bode. I fan possono aspettarsi che Padalecki sia un attore ricorrente, ma Camden potrebbe diventare un’altra prospettiva per uno spin-off di “Fire Country” se il personaggio dovesse avere un buon successo di pubblico. Uno spin-off incentrato su Casey si aggiungerebbe a “Sheriff Country”, che segue la Mickey Fox di Morena Baccarin, come secondo spin-off di “Fire Country” in fase di sviluppo alla CBS.

Nel frattempo, la star di “True Detective” Rambin interpreterà Audrey, secondo TVLine. Come Bode, Audrey faceva parte di un campo di fuoco della prigione, e ha la tempra di una donna di strada che lo dimostra. Tuttavia, ha anche un lato tenero: è una musicista e ha una gentilezza solare che potrebbe aiutare Bode a uscire dalla sua depressione post-Gabriela (Stephanie Arcila). Come Padalecki, anche Rambin farà parte della serie a partire da questo momento. Mentre gli autori di “Fire Country” non hanno parlato dell’aggiunta di Rambin allo show, hanno detto qualcosa su Padalecki.

Gli EP di Fire Country sono entusiasti di avere Jared Padalecki a bordo

Jared Padalecki supernatural
Jared Padalecki in supernatural

La showrunner di “Fire Country” Tia Napolitano ha dichiarato a TVLine di essere entusiasta di avere a bordo Jared Padalecki per la terza stagione. “Lanciamo Camden Casey in un modo davvero dinamico. Eravamo così entusiasti di aver scelto Jared. E cambierà davvero il copione a Edgewater. Tutti trattano Bode come una tigre che stanno cercando di addomesticare, e Camden dice: ‘Perché state cercando di addomesticare una tigre? Lasciatelo uscire!”.

Dal momento che Camden è pronto a liberare il ribelle che è in Bode, viene da chiedersi che tipo di impatto potrebbe avere sulla narrazione. Bode rimarrà bloccato in una situazione che lo porterà a Three Rock? Si metterà nei guai coprendo Casey? Svilupperà un’attrazione per Audrey che metterà in gioco tutto per lui? Il pubblico dovrà aspettare e vedere. “Fire Country” tornerà con nuovi episodi il 18 ottobre.

 
 

Alien: Romulus, Fede Álvarez spiega come e perché è apparso [SPOILER]

Cailee Spaeny in Alien: Romulus (2024)
Cailee Spaeny in Alien: Romulus. Foto di 20th Century Studios - © 2024 20th Century Studios. All Rights Reserved.

Alien: Romulus è ora nelle sale e, sebbene la risposta dei fan e della critica sia stata ampiamente positiva, ci sono alcune scelte narrative che non hanno soddisfatto tutti. Se non avete ancora avuto modo di vedere il film, fate attenzione agli spoiler più importanti da questo punto in poi.

Quando Rain Carradine e il suo equipaggio arrivano alla stazione spaziale abbandonata Romulus, scoprono che l’androide della nave è ancora funzionante. Lo collegano e vediamo che il sintetico è lo stesso modello di Ash del film originale di Ridley Scott.

Sì, il compianto Ian Holm è resuscitato grazie a una combinazione di CGI e animatronics e, come ci si potrebbe aspettare, la decisione è stata accolta con un certo disappunto.

Nel corso di un’intervista con EW, il regista Fede Álvarez spiega perché hanno utilizzato le sembianze di Holm per questo nuovo androide e rivela di aver contattato la famiglia dell’attore per assicurarsi che fossero d’accordo con la decisione.

“Storicamente, c’è solo una quantità limitata di sintetici, ed è per questo che alcuni tornano più volte. Così abbiamo parlato e Ridley e io abbiamo pensato che quello che non è mai tornato fosse il migliore di tutti, il modello originale interpretato da Ian Holm”.

“L’intera faccenda è iniziata quando ho chiamato la proprietà e ho parlato con la sua vedova”, ha continuato il regista. “Lei sentiva che Ian era stato trattato con freddezza da Hollywood negli ultimi anni della sua vita, che gli sarebbe piaciuto far parte di altri progetti dopo Lo Hobbit, ma non è stato così. Quindi era entusiasta all’idea di riaverlo con sé”.

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Sebbene questo androide non sia in realtà Ash – che è stato distrutto insieme alla Nostromo in Alien – Rook è altrettanto inaffidabile e ha una direttiva principale molto simile.

“Ha la stessa somiglianza, ma ha un comportamento diverso. Rook e Ash hanno le stesse conoscenze perché sono tutti Madre”, dice Álvarez, riferendosi al sistema operativo che gestisce le navicelle spaziali nel franchise di Alien. “È un androide diverso, ma è la stessa coscienza della Madre che si è trasferita da un androide all’altro”.

 
 

Lo scrittore di LOGAN rivela cosa pensa davvero di Deadpool & Wolverine

Hugh Jackman Deadpool & Wolverine
Foto di 20th Century Studios/Marvel Stud/Courtesy of 20th Century Studio - © 2024 20th Century Studios / © and ™ 2024 MARVEL.

Michael Green ha ottenuto una nomination all’Oscar per aver co-sceneggiato Logan del 2017 insieme a James Mangold e Scott Frank. Come sicuramente ricorderete, il film doveva essere il canto del cigno di Hugh Jackman nei panni del personaggio dopo quasi 20 anni di carriera nei panni del mutante artigliato.

Tuttavia, quando i Marvel Studios e Ryan Reynolds hanno deciso di procedere con Deadpool 3, l’attore ha deciso di vestire i panni (letteralmente) di Deadpool & Wolverine.

Il threequel di R-Rated ha mantenuto la promessa di lasciare Logan in pace e quella specifica variante di Wolverine non è stata resuscitata. Il suo scheletro di adamantio, però , è stato dissotterrato e utilizzato da Wade Wilson per uccidere brutalmente uno squadrone di agenti della TVA… sulle note di “Bye Bye Bye” degli NSYNC.

In una nuova intervista con IGN, Green – che ha anche contribuito alla stesura di Lanterna Verde del 2011 con Ryan Reynolds – ha rotto il suo silenzio sull’“omaggio” di Deadpool & Wolverine a Logan.

“La gente mi aveva avvertito in anticipo: ‘Uh, non so come la penserai sull’apertura [di Deadpool & Wolverine]’”, spiega. “Io ho detto: ‘Penso di sapere cosa succederà’. E non lo sapevo! Non sapevo che si sarebbero spinti così in là”.

“Non si doveva prendere sul serio il fatto che lo stessero, tipo, riesumando e che fosse davvero lui”, continua Green. “Non sembrava tanto che stessero cercando di cambiare il finale di ‘Logan’, quanto che non sentissero di voler fare un film bello come ritenevano fosse ‘Logan’, il che è un enorme complimento! Mi è sembrato che non fosse altro che un complimento”.

Lo sceneggiatore ha proseguito dicendo che Deadpool & Wolverine è stato un “bel momento” e ha aggiunto: “Quando l’abbiamo visto in un cinema pieno, la gente è andata fuori di testa per tutto. È fantastico. È un grande franchise, tipo, di più, per favore!”.

“Sapete, quello che ho apprezzato ancora di più è che non ci sono state battute su Lanterna Verde perché ero in parte responsabile. Devi portarlo come un distintivo d’onore!”.

Cosa aspettarci nel futuro dell’MCU dopo Deadpool & Wolverine

Alla fine del film, la variante di Wolverine che ha fallito nel suo mondo ha trovato la redenzione e si è stabilito sulla Terra-100005 insieme al Merc with the Mouth e a Laura/X-23. Ora ci aspettiamo che il trio ritorni in Avengers: Doomsday e/o Avengers: Secret Wars.

 
 

Il buono, il brutto, il cattivo: tutte le curiosità sul film

Il buono, il brutto, il cattivo film

Il regista italiano Sergio Leone si è imposto come uno dei più importanti uomini di cinema di sempre. Con i suoi film western egli ha saputo prendere un genere prettamente americano e ritrasformarlo secondo nuovi canoni e arricchendolo di nuove tematiche. Nel 1964 ha così dato vita a Per un pugno di dollari, seguito l’anno successivo da Per qualche dollaro in più. Nel 1966 ha infine concluso la Trilogia del Dollaro con il capolavoro Il buono, il brutto, il cattivo. Ancora oggi questo è considerato uno dei più celebri film di questo genere, contenendo la quintessenza dello spaghetti western.

Il titolo, nato per caso, rispecchia il pensiero di Leone. Nei tre protagonisti, ognuno per la propria parte autobiografico, coesistono bellezza e bruttezza, umanità e ferocia: il regista demistifica tutti questi concetti e al contempo, in una dichiarata denuncia della follia della guerra, demistifica la stessa storia degli Stati Uniti d’America, mostrandone il lato violento e brutale, appannato dalla tradizione mitizzante dell’epopea western. Con una durata di 178 minuti, il film porta all’estrema potenza tutte le caratteristiche tipiche del cinema di Leone, dalla dilatazione temporale fino all’epica più pura incarnata dai personaggi.

Come i precedenti, anche questo terzo capitolo non mancò di dividere la critica, affermandosi però come uno straordinario successo di pubblico. Il buono, il brutto, il cattivo è oggi un classico senza tempo, citato e omaggiato in ogni modo possibile. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla colonna sonora. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Il buono, il brutto, il cattivo: la trama del film

Ambientato durante la guerra di secessione americana, nella metà dell’Ottocento, il film ha per protagonista tre uomini senza scrupoli, ognuno con le proprie regole morali che li collocano ai margini della società e della legge. Si tratta di Joe, detto il buono, Tuco, detto il brutto, e Sentenza, detto il cattivo. I primi due sono soliti collaborare inscenando alcune truffe, salvo poi tradirsi a vicenda. Le loro strade finiranno però per rincrociarsi lungo un percorso che porta ad un ricco tesoro nascosto. Alla ricerca di questo vi è però anche il temibile Sentenza. Ben presto i tre finiranno per scontrarsi all’ultimo sangue, mentre sullo sfondo l’America cambia per sempre.

Il buono, il brutto, il cattivo: il cast del film

Per dar vita nuovamente al personaggio del misterioso Uomo senza nome, anche chiamato Biondo o Joe, Leone contattò nuovamente Clint Eastwood. All’epoca l’attore era ancora poco conosciuto e fu proprio questo film a consacrarlo definitivamente. Eastwood, però, era inizialmente restìo a recitare nel film, poiché giudicava il suo ruolo meno affascinante di quello di Tuco. Fu necessaria una lunga contrattazione tra lui e Leone, che infine riuscì a convincere l’interprete ad accettare la parte in cambio di un compenso maggiore. Per il personaggio di Tuco, invece, il regista era alla ricerca di un puro talento comico. Finì con lo scegliere Eli Wallach, il quale pur avendo recitato prevalentemente in ruoli drammatici, sfoggiava le caratteristiche ricercate per il personaggio.

Una volta accettata la parte, Wallach contribuì moltissimo alla caratterizzazione di Tuco, riscrivendo alcune parti e fornendo suggerimenti sulla gestualità e l’abbigliamento. Infine, per la parte del sicario Sentenza, Leone scelse l’attore Lee Van Cleef, al quale aveva già affidato un ruolo completamente diverso in Per qualche dollaro in più. La parte lo consacrò come un’icona del genere, nonostante l’attore avesse molta difficoltà a montare in sella ai cavalli. Nel film sono poi presenti attori come Aldo Giuffré nei panni di un capitano nordista alcolizzato e Mario Brega in quelli del caporale Wallace. Rada Rassimov è invece la prostituta Maria.

Il buono, il brutto, il cattivo colonna sonora

Il buono, il brutto, il cattivo: la colonna sonora di Ennio Morricone

Come per i precedenti film di Leone, anche in questo caso la colonna sonora del film fu composta da Ennio Morricone. Le sue caratteristiche composizioni, contenenti spari, fischi e jodel, contribuiscono a ricreare perfettamente l’atmosfera che caratterizza il film. Il motivo principale, assomigliante all’ululato del coyote, è ad esempio una melodia composta da due note, divenuta molto famosa. Essa viene utilizzata per i tre personaggi principali del film, con un differente strumento usato per ognuno: flauto soprano per il Biondo, l’arghilofono per Sentenza e la voce umana per Tuco. Questo motivo si ripropone durante tutto il film, senza però mai annoiare né risultare scontato.

Leone fece inoltre in modo di avere la colonna sonora pronta prima delle riprese del film, così da poterla riprodurre sul set e contribuire al formarsi della giusta atmosfera. Di particolare importanza, infine, sono i brani Estasi dell’oro e Il Triello, presenti nella sequenza finale del film. Grazie a queste composizioni Leone e Morricone hanno dato vita ad un climax narrativo di rara bellezza, ancora oggi insuperato. La dilatazione temporale, visiva e sonora si fondono qui in modo straordinario. Quella di Il buono, il brutto, il cattivo è dunque considerata una delle colonne sonore per il cinema migliori di sempre.

Il buono, il brutto, il cattivo: il trailer e dove vedere il film in streaming e in TV

 È possibile fruire di Il buono, il brutto, il cattivo grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten TV, Chili Cinema, Google Play, Apple iTunes e Now. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di lunedì 10 ottobre alle ore 21:10 sul canale Rai Movie.

https://www.youtube.com/watch?v=Tc9r2oKslKM

Fonte: IMDb

 
 

Sister Act – Una svitata in abito da suora: le curiosità sul film

Tra le commedie musicali di maggiore successo di pubblico, Sister Act – Una svitata in abito da suora occupa sicuramente un posto d’onore nel cuore di molti spettatori. Uscito nel 1992, il film vede protagonista una straordinaria Woopy Goldberg nei panni di Deloris, una soubrette che assiste a un omicidio e per questo viene inserita in un programma di protezione testimoni. Ironia della sorte, la donna, esuberante e disinibita, finisce in un convento, dove dovrà mimetizzarsi tra le suore. La convivenza non sarà semplicissima, ma tra Deloris e le consorelle nascerà una sincera amicizia, fondata soprattutto sulla passione per la musica.

Ecco alcune curiosità su Sister Act – Una svitata in abito da suora che forse non conosci:

Quando Paul Rudnick stava scrivendo la sceneggiatura, Bette Midler (che all’epoca era destinata a recitare il ruolo della protagonista) gli suggerì di andare in un vero convento per fare delle ricerche. Andò a stare nell’abbazia Regina Laudis a Betlemme, nel Connecticut. La priora, Madre Dolores Hart, O.S.B., era stata un’attrice, cantante e ballerina, apparendo in film tra cui King Creole (1958) e Where the Boys Are (1960). Madre Hart è ancora l’unica suora conosciuta ad essere un membro votante dell’Academy of Motion Picture Arts and Sciences, e lei e le sue consorelle si divertono a guardare i suoi provini dell’Academy ogni anno.

Whoopi Goldberg assunse Carrie Fisher per riscrivere i suoi dialoghi, il che portò a molte discussioni con i dirigenti della Disney. In seguito Fisher disse a Goldberg: “Stai entrando in una gara di piscio con persone che hanno dei veri cazzi”.

Un cameo dei Blues Brothers

Durante il concerto per la scena del Papa, ci sono diverse riprese dal punto di vista del coro all’altare che mostra il retro della chiesa. Ci sono due figure ombrose, una bassa e una più alta, vestite con abiti neri e in piedi rigide di fronte alle due porte posteriori più o meno nello stesso modo in cui i Blues Brothers, Joliet Jake John Belushi ed Elwood Dan Aykroyd stavano sul retro della chiesa della missione in The Blues Brothers (1980).

La scena chiave in cui il coro delle suore inizia “Hail Holy Queen” come un inno e, nel secondo ritornello, lo trasforma in una versione pop, è notevolmente simile a una scena della sitcom del 1967 “The Flying Nun” (“Sister Socko in San Tanco” #2.14) in cui Sally Field, Marge Redmond e Madeleine Sherwood iniziano a cantare “Gonna Build a Mountain” in uno stile lento e reverente e vengono interrotte dalla Reverenda Madre (Sherwood), che chiede alla band di “accelerare il ritmo”. La musica scatta immediatamente in una versione pop anni Sessanta della canzone. Questo programma è andato in onda su ABC in prima serata e la Colgems Records ha pubblicato la sua versione di “Gonna Build a Mountain” come singolo, quindi è molto probabile che non sia una coincidenza.

Il musical a teatro

Questo film è stato poi trasformato in un musical teatrale. Whoopi Goldberg è apparsa in una serie limitata della rappresentazione londinese, questa volta interpretando Madre Superiora (Maggie Smith nel film).

Quando Deloris sta per essere colpita da due degli scagnozzi di Vince, si inginocchia per pregare prima di colpire ciascuno di loro per farli scappare. La sedia in cui era stata legata è la stessa sedia usata in Devil’s Due (1991).

Una scena di apertura mostra Deloris da ragazzina, interpretata da Isis Carmen Jones. Più tardi nello stesso anno, Jones ha interpretato una versione “ringiovanita” del personaggio di Whoopi Goldberg, Guinan, nell’episodio Rascals (1992) di Star Trek: The Next Generation (1987).

Sister Act 3 è in lavorazione

Whoopi Goldberg ha offerto un aggiornamento sull’attesissimo progetto di Sister Act 3, che arriverà su Disney+. Parlando con ET, Goldberg anticipa i dettagli della storia di Deloris in Sister Act 3 e afferma che il personaggio è molto più adulto nel nuovo film. Goldberg rivela che tornare nel ruolo tre decenni dopo “sembra giusto”. La star spiega che girare i primi due film uno dopo l’altro ha funzionato bene all’epoca, ma il terzo film in fase di sviluppo ha aiutato il personaggio ad evolversi.

Fonte: IMDb
 
 

Alien: Romulus, recensione del film di Fede Alvarez

Alien: Romulus Recensione Film
Cailee Spaeny nel ruolo di Rain Carradine in ALIEN: ROMULUS. Photo courtesy of 20th Century Studios. © 2024 20th Century Studios.

Avevamo lasciato la saga di Alien al tentativo di raccontarci le proprie origini, con Prometheus e Alien: Covenant incentrati sugli eventi che avrebbero portato all’Alien di Ridley Scott del 1979. Ad oggi il futuro di quella narrazione prequel è ancora incerto, ma quello della saga nel suo complesso sembra non correre questo rischio. Grazie ad Alien: Romulus, settimo capitolo del franchise (se non si contano i due Alien vs. Predator), si ha infatti un ritorno alle origini capace però non solo di rivisitare determinati scenari, ma anche di aggiungere qualcosa di nuovo alla mitologia fino ad oggi costruita.

Diretto da Fede Alvarez, regista distintosi grazie agli horror La casa e Man in the Dark, questo nuovo capitolo – che si colloca temporalmente tra l’Alien di Scott e l’Aliens – Scontro finale di James Cameron – offre dunque un’esperienza particolarmente soddisfacente. Forse, all’apparenza, potrà sembrare un ricalco troppo marcato del primo film – e non si vuole negare che lo sia – ma è nella messa in scena concepita da Alvarez che emergono momenti di grande impatto, che permettono di non avvertire la sensazione di “già visto” bensì quella fascinazione che altrove nella saga è mancata.

La trama di Alien: Romulus: ritorno alle origini

Alien: Romulus Isabela Merced
Isabela Merced è Kay in ALIEN: ROMULUS. Photo courtesy of 20th Century Studios. © 2024 20th Century Studios.

Nelle colonie umane gestite dalla Wayland-Yutani, la speranza di una vita degna e la libertà sono concetti del tutto privi di significato. Ecco perché la giovane Rain Carradine (Cailee Spaeny), insieme al suo “fratello” droide Andy (David Jonsson), accetta di compiere una pericolosa missione che potrebbe però permettergli di ambire ad un futuro migliore. Insieme ad un gruppo di altri ragazzi loro amici, si intrufolano in una base spaziale apparentemente abbandonata per recuperare delle capsule per l’ipersonno. In quel luogo spettrale, tuttavia, scopriranno a loro spese orrori indicibili.

Un gioco da ragazzi

Se nei precedenti film del franchise i protagonisti erano esperti di vari campi e, aspetto non secondario, degli adulti, in Alien: Romulus al centro della narrazione vi sono invece un gruppo di ragazzi. Giovani nati e cresciuti nel contesto disumanizzante delle colonie umane e per questo attratti da quelle alternative che altri luoghi nell’universo sembrano promettere. Tutto nasce dal loro desiderio di fuga, dalla volontà di smarcarsi da un percorso di vita che appare drammaticamente già scritto e apparentemente privo di ogni possibilità di fuga.

Raccapricciante e Avvincente

D’altronde Alvarez aveva dichiarato che se mai avesse avuto l’occasione di lavorare con il franchise di Alien, gli sarebbe interessato esplorare la vita di quei bambini e adolescenti intravisti nelle colonie dei precedenti film. Ha dunque ora realizzato questo suo desiderio, facendo di Alien: Romulus un film fortemente incentrato su questo tipo di personaggi e le tematiche che gli sono proprie, dal sognare una vita da persone libere al “peso” delle figure genitoriali. La sessualità, più o meno latente, è infine – come già visto accadere nella saga – elemento centrale con cui bene o male tutti si scontrano.

L’avere dei ragazzi come protagonisti, però, non rende in alcun modo questo film un’opera più “adolescenziale” rispetto agli altri lungometraggi. Non c’è alcuna variazione di tono, che rimane invece particolarmente cupo per l’intera durata del film. Anzi, l’avere dei giovani inesperti potenzialmente inclini agli errori dettati dall’impulsività rende il tutto ancor più avvincente. Si seguono con apprensione i loro spostamenti e le loro decisioni, con un’attesa (che si potrebbe definire famelica) di ciò che potrebbe loro capitare.

L’orrore di Scott, l’azione di Cameron, l’uso degli spazi di Alvarez

Alien Romulus Cailee Spaeny
Lo Xenomorfo e Cailee Spaeny nel ruolo di Rain Carradine in ALIEN: ROMULUS. Photo courtesy of 20th Century Studios. © 2024 20th Century Studios.

Alien: Romulus non si risparmia dunque alcune sequenze particolarmente scioccanti – più disgustose che non spaventose (Isabela Mercedes ci aveva messo in guardia a riguardo) -, terrificanti creature già note o inedite e momenti di grande tensione messi in scena con grande gusto per l’immagine. Alvarez segue dunque le orme di Ridley Scott, sempre cercando però di offrire un punto di vista nuovo su quanto da lui già compiuto nel 1979. Se nella costruzione dell’orrore è lui il punto di riferimento, Alien: Romulus presenta però anche una forte componente bellica e, in generale, d’azione, che si rifà all’Aliens – Scontro finale di James Cameron.

Il film di Alvarez si muove dunque su questo equilibrio, omaggiando così i due grandi capolavori di questo franchise e facendo propria la loro lezione per dimostrare di saperne trarre qualcosa di buono. A tutto ciò il regista aggiunge la sua grande padronanza degli spazi, che aveva già mostrato con i suoi primi film. Ogni ambiente di Alien: Romulus viene costruito e gestito con grande attenzione, facendone quasi un susseguirsi di livelli dove la pericolosità e la difficoltà aumentano prepotentemente.

Si possono citare sequenze come l’attraversamento della sala piena di facehuggers, il “tunnel” organico pullulato da Xenomorfi o l’ambiente dello scontro conclusivo per rendere l’idea. Per ognuno di questi, ma anche per i tanti altri che rendono il film particolarmente entusiasmante per la semplice gioia degli occhi, Alvarez riesce a trasmettere quella certa sensazione di claustrofobia, di pericolo potenzialmente proveniente da ogni angolo, costringendo così alla massima attenzione.

Alien: Romulus possiede il giusto mix tra tensione e adrenalina

Alien: Romulus David Jonsson
David Jonsson è Andy in ALIEN: ROMULUS. Photo courtesy of 20th Century Studios. © 2024 20th Century Studios.

Tutte queste sfumature rendono dunque Alien: Romulus un film particolarmente entusiasmante, che non vuole avere la pretesa di affermarsi come migliore dei suoi predecessori bensì di offrire un ritorno alle origini che sappia di nuovo. Ci riesce anche grazie ad un paio di personaggi piuttosto interessanti, su cui spicca l’Andy di David Jonsson, capace di rubare la scena in più occasioni ai suoi co-protagonisti. Con lui la figura dell’androide si conferma particolarmente interessante, capace di farsi carico di tutta quella serie di discorsi da Scott affrontata anche in Blade Runner.

Attorno a lui, gli altri personaggi non spiccano per originalità, ma perlomeno la Rain di Cailee Spaeny non risulta – come si temeva – una copia della Ripley di Sigourney Weaver, riuscendo ad avere una propria identità. Così come riesce ad averla nel suo complesso Alien: Romulus. Se si accetta di chiudere un occhio sulle somiglianze strutturali con il primo film e si guarda oltre queste, ci si troverà davanti ad un film che senza pretese offre un sano intrattenimento, suscitando quel giusto mix di tensione e adrenalina e riaccendendo (ammesso che si fosse mai spento) il fascino nei confronti di questa saga.

 
 

Taron Egerton: nuovi rumor lo vogliono in trattative con Marvel Studios

Taron Egerton film

My Time To Shine Hello sostiene che Taron Egerton sia ora in trattative con i Marvel Studios per un ruolo non divulgato. Si vocifera da tempo che l’attore di Kingsman sia in lizza per sostituire Hugh Jackman nel ruolo di Wolverine dell’MCU, ma lui ha ripetutamente negato che siano avvenuti degli incontri.

“Non sarò io a interpretare Wolverine”, ha detto in un’intervista del 2023. “Non ci sono segnali che indichino che sia questa la cosa giusta. E non so se io… forse sto arrivando al punto in cui non è più quello che voglio. Non lo so. Non direi mai mai, e adoro quei film. Mi sono davvero divertito a guardarli negli ultimi 10, 15 anni. Ma se io… Sai, potrebbe non essere più la cosa giusta per me. Penso che forse ho superato il punto in cui sembrava la cosa giusta [per la mia carriera].”

A meno che non sia cambiato qualcosa da allora, è probabilmente lecito supporre che sia stato adocchiato per un personaggio diverso. Tuttavia c’è anche da dire che la recente storia dei cinecomic è piena di questo tipo di negazioni. Andrew Garfield ha più volte negato di essere in Spider-Man: No Way Home, prima di comparire nel film, e Daphne Keen aveva detto, in occaisone della premiere di The Acolyte, che avrebbe guardato Deadpool & Wolverine da spettatrice senza comparire nel film. Eppure poi Laura/X-23 fa la sua bella figura nel film. Il tempo ci dirà la verità.

Abbiamo visto l’ultima volta Taron Egerton in Tetris, film sulla storia del famosissimo videogioco realizzato da Apple Tv+.

 
 

Tutti gli Easter Eggs che potrebbero esservi sfuggiti in Alien: Romulus

Alien: Romulus
Foto di 20th Century Studios/20th Century Studios - © 2024 20th Century Studios.

Alien: Romulus” riporta il franchise horror/fantascientifico alle sue radici e sembra aver convinto molti scettici. Le recensioni su Rotten Tomatoes di “Alien: Romulus” sono uniformemente positive, e i critici che ne lodano il puro terrore e il ritorno alla forma per la serie dopo un paio di puntate che hanno suscitato divisioni. Tuttavia, uno degli elementi negativi che emerge più volte in diverse recensioni è che il film si basa troppo sul fan service e sui richiami a momenti iconici di “Alien” del 1979 e del suo sequel, “Aliens” del 1986. Con una tale enfasi sull’omaggio al passato, non sorprende che “Alien: Romulus” sia pieno di piccoli dettagli e riferimenti che potrebbero essere difficili da cogliere alla prima visione.

A suo merito, il film inizia in modo molto diverso da quasi tutto il resto del franchise. Rain (Cailee Spaeny) e suo fratello adottivo Andy (David Jonsson), un umano sintetico, lavorano in una colonia mineraria oscura e inquinata dove sembrano destinati a vivere il resto dei loro giorni. Si presenta l’opportunità di cercare una vita migliore altrove: gli amici di Rain hanno bisogno che lei e Andy facciano un breve viaggio con loro verso una stazione spaziale abbandonata.

Ma c’è qualcosa che li aspetta su quella stazione, con morti e battaglie che si susseguono come un “greatest hits” del franchise di “Alien” fino a questo punto. C’è molto da capire, quindi ecco quello che forse vi siete persi e che collega “Alien: Romulus” alla mitologia del mondo reale, ai videogiochi di “Alien” e a molto altro ancora.

Fede Álvarez ha certamente i suoi interessi

Alien: Romulus spiegazione finale
Credit 20th Century Studios

Dopo aver diretto l’originale “Alien”, Ridley Scott è tornato al franchise per “Prometheus” del 2012 e “Alien: Covenant” del 2017. Dato che questi film hanno suscitato un certo interesse, è comprensibile che fosse necessario un approccio diverso. Per questo motivo, mentre Scott è produttore di “Alien: Romulus”, Fede Álvarez ha assunto la regia del film. Álvarez non è nuovo al genere horror, avendo già diretto il reboot di “Evil Dead” del 2013 e “Don’t Breathe”. In effetti, esaminando il curriculum del regista, sembra emergere uno schema che mostra che molte delle sue opere seguono la stessa trama di base.

Se si riducono all’osso “Romulus”, “Evil Dead” e “Don’t Breathe”, tutti seguono un piccolo cast di personaggi che rimangono intrappolati in un luogo isolato. Questi personaggi devono combattere contro una forza maligna (Xenomorfi, deaditi o un uomo cieco con abilità mortali), e molti muoiono nel processo, ma almeno una persona riesce a fuggire. Inoltre, tutti e tre i film contengono riferimenti espliciti o metaforici alla violenza sessuale.

Intenzionalmente o meno, Álvarez ha esplorato idee simili in tutta la sua filmografia. Álvarez ha anche dei crediti di scrittura per questi tre film, quindi sembrerebbe che si tratti di temi che gli interessa esplorare. Dal momento che i suoi interessi coincidono con quelli del franchise di “Alien”, i suoi lavori precedenti sono quasi sicuramente quelli che gli hanno permesso di ottenere l’ingaggio per “Romulus”.

Chi sono Romolo e Remo?

Chi sono Romolo e Remo Alien-Romulus

Gran parte di “Alien: Romulus” si svolge sulla stazione spaziale Renaissance, che contiene due moduli chiamati Romulus e Remus. Una verità non raccontata di “Alien: Romulus” è che la società al centro del franchise – la Weyland-Yutani – è fortemente influenzata dalla storia e dalla mitologia romana, da cui derivano appunto questi nomi. Secondo la leggenda, Romolo e Remo erano fratelli e fondatori di Roma. Romolo finì per uccidere Remo e il concetto di rivalità e diffidenza tra fratelli è al centro di “Alien: Romulus”.

Andy può essere un sintetico, ma Rain si riferisce a lui come a un fratello. All’inizio la sua direttiva principale è quella di fare ciò che è meglio per Rain, a prescindere da tutto. Ma la sua programmazione viene aggiornata durante la permanenza sulla stazione spaziale, potenziando notevolmente la sua intelligenza e dandogli una nuova direttiva: fare ciò che è meglio per la Weyland-Yutani. Questo lo porta a un conflitto diretto con Rain, ma fortunatamente riescono a evitare lo stesso esito del mito romano, con Rain che riavvia Andy alla sua programmazione più compassionevole.

Tuttavia, i riferimenti alla mitologia romana non finiscono qui. L’immagine più nota di Romolo e Remo li vede succhiare la tettarella della lupa che nel mito è la loro madre adottiva. Alla fine di “Alien: Romulus”, Kay (Isabela Merced) dà alla luce un ibrido umano/Xenomorfo, che in seguito può essere visto ricevere un nutrimento simile da Kay, uccidendola nel processo.

C’è un telefono da Alien: Isolation

“Alien: Romulus” rende omaggio all’intera saga cinematografica di ‘Alien’, da un Ian Holm resuscitato digitalmente che interpreta l’ufficiale scientifico Rook alla scoperta che gli scienziati della Rinascente stavano sperimentando con la melma nera che era un punto importante della trama in ‘Prometheus’. Tuttavia, Fede Álvarez non si limita a onorare il lato cinematografico delle cose: c’è un Easter egg per il videogioco del 2014, “Alien: Isolation”, se si sa dove guardare.

Álvarez ha dichiarato al podcast “Inside Total Film” di essere un grande fan del gioco: “Ci ho giocato qualche anno dopo la sua uscita”, ha detto. “Pensavo: ‘F***, se potessi fare qualcosa, mi piacerebbe fare ‘Alien’ e spaventare di nuovo il pubblico con quella creatura e quelle ambientazioni’”. Il suo desiderio alla fine si è avverato, e ha onorato il gioco incorporando i telefoni di emergenza che vengono usati come punti di salvataggio. Come accade di solito nei videogiochi, un punto di salvataggio significa generalmente che si sta per entrare in un’area con un’alta probabilità di morte del personaggio.

Lo stesso concetto si applica a “Romulus”, come ha continuato Álvarez: “Il film è impostato in modo tale che ogni volta che sta per accadere qualcosa di brutto, si vedrà un telefono”. Il fatto che si tratti di un film di “Alien” significa che qualcosa di brutto è sempre dietro l’angolo, ma è un chiaro riferimento per i videogiocatori che devono tenere gli occhi aperti e prepararsi ad affrontare qualcosa di terribile.

Come è stato riportato Ian Holm per Alien: Romulus?

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A bordo della Renaissance, Rain e i suoi amici scoprono e riattivano la metà superiore del corpo dell’ufficiale scientifico Rook, che fornisce gran parte dell’esposizione mentre cerca di portare a termine la sua missione di riportare la melma nera alla Weyland-Yutani. I fan di “Alien” riconosceranno il volto di Ian Holm, che ha interpretato l’androide Ash nel primo film di “Alien”. Holm è morto nel 2020, uno dei tanti attori di “Alien” scomparsi nel corso degli anni, quindi è naturale che i fan si chiedano come mai sia tornato a interpretare un sintetico diverso in “Alien: Romulus”.

I dettagli su come l’immagine di un giovane Holm appaia in “Romulus” non sono ancora stati divulgati, anche se, visto il discorso che si è aperto in rete, il team creativo potrebbe dover affrontare la questione prima o poi. Su X (precedentemente noto come Twitter), l’utente @Overmayor ha scritto: “Ho davvero bisogno che la storia dell’Ian Holm non sia vera, ho bisogno che questo film sia bello”. Tuttavia, pur trattandosi di una ricreazione digitale, potrebbe non trattarsi tecnicamente di IA. Daniel Betts è accreditato per la performance facciale e vocale di Rook, con la voce e il volto di Holm come riferimento.

È probabile che sia simile al modo in cui il defunto Peter Cushing è stato resuscitato come Grand Moff Tarkin in “Rogue One: A Star Wars Story” attraverso il motion capture e la CGI. Potrebbe comunque essere considerato di cattivo gusto, ma almeno non sarebbe completamente IA, il che sarebbe ipocrita considerando che i film di “Alien” ritraggono tipicamente androidi come malvagi lacchè aziendali.

Il finale di Alien: Romulus segue la tradizione di Alien

Alien: Romulus film 2024

C’è una cosa che tende ad accadere alla fine dei film di “Alien” e che anche “Romulus” rispetta. Per qualche motivo, i mostri giganti di questi film sono incredibilmente furtivi e possono imbarcarsi su una nave senza che nessuno se ne accorga. In “Alien”, Ripley (Sigourney Weaver) sale su una navetta mentre la Nostromo si autodistrugge, ma a bordo c’è anche uno Xenomorfo che lei deve far saltare attraverso una camera di compensazione. “Aliens” segue una traiettoria simile: un piccolo gruppo fugge su un’astronave prima che la stazione principale esploda, ma viene raggiunto dalla regina, che si nasconde nel carrello di atterraggio.

Anche “Alien: Romulus” ha un finale falso: Rain, Kay e Andy fuggono dalla stazione spaziale proprio mentre sta per colpire l’anello che circonda il pianeta. Pensano di essere al sicuro, ma un nuovo antagonista riesce a nascondersi in modo molto più sottile degli alieni più grandi. Kay si è iniettata la sostanza nera, probabilmente credendo che avrebbe salvato se stessa e il suo bambino, ma tutto ciò che fa è mutare l’embrione fino a far nascere una capsula contenente un ibrido umano/Xenomorfo. Il film di “Alien” si conclude ancora una volta con il pubblico che crede che i personaggi siano al sicuro, ma c’è un’altra battaglia che li attende.

Prometheus riceve un po’ di rispetto

Michael Fassbender in Prometheus (2012)
Michael Fassbender in Prometheus (2012) – Foto di Photo: Courtesy Twentieth Centur – © 2012 – Twentieth Century Fox Film Corporation. All rights reserved.

Da “Terminator” a “Halloween”, è piuttosto comune che alcuni franchise ignorino semplicemente i film precedenti che magari non sono stati accolti bene. Essendo un capitolo completamente separato da tutto ciò che è venuto prima, si potrebbe naturalmente supporre che “Alien: Romulus” si concentri maggiormente sull’onorare “Alien” e “Aliens” rispetto a qualcosa come “Prometheus”, che ha avuto un’accoglienza più mista da parte di critica e pubblico. Tuttavia, “Romulus” si tuffa a capofitto nella mitologia stabilita in “Prometheus”, includendo persino un cenno a qualcosa chiamato “Prometheus file” nel film.

Rain e i suoi compagni apprendono che la Weyland-Yutani vuole raccogliere la poltiglia nera, introdotta per la prima volta in “Prometheus”, per i suoi nefasti piani aziendali. L’obiettivo è quello di manipolare la melma in modo che aiuti i dipendenti a guarire più velocemente dalle malattie e a continuare a lavorare per l’azienda più a lungo. L’odore nero è stato stabilito nella scena iniziale di “Prometheus”, dove un ingegnere lo consuma. Il suo corpo si spezza mentre cade da una cascata, portando apparentemente la vita sulla Terra.

Finora, il composto sembra uccidere qualsiasi cosa entri in contatto con esso o creare orribili mostri. Kay, che se lo inietta, finisce per dare alla luce questi ultimi. Forse è proprio questo il piano di Rook: far salire di nascosto un mostro a bordo di una nave in fuga, in modo che la Weyland-Yutani possa procedere agli esperimenti su di esso.

La schiena del fucile a impulsi

Alien: Romulus Recensione Film
Cailee Spaeny nel ruolo di Rain Carradine in ALIEN: ROMULUS. Photo courtesy of 20th Century Studios. © 2024 20th Century Studios.

Si potrebbe ragionevolmente sostenere che “Aliens” è un sequel di fantascienza ancora migliore dell’originale, che prende il concetto centrale di “Alien” e gli dà la patina di un film d’azione con un’allegoria della guerra del Vietnam. Aumenta la tensione e il terrore e introduce una schiera di Xenomorfi invece di uno solo. La struttura di base di “Alien: Romulus” è simile a quella di “Alien”, per quanto riguarda il fatto di essere principalmente bloccato in un unico luogo, ma il film riesce comunque a fare riferimento al sequel diretto da James Cameron in più di un modo.

Gli umani non possono fare molto contro gli Xenomorfi nel combattimento corpo a corpo, quindi Rain viene equipaggiata con un fucile a impulsi F44A. Tyler le mostra anche come usare la funzione di aggancio e il supporto per il braccio per ottenere la massima efficienza. C’è persino un riferimento al fatto che questo fucile è lo stesso usato dai “Colonial Marines”, ricordando la squadra a cui si unisce Ripley in “Aliens”.

Certo, non si tratta dello stesso fucile. L’arma scelta in “Aliens” è tecnicamente un fucile a impulsi M41A, quindi è logico che i due tipi di arma siano in qualche modo diversi. Inoltre, “Alien: Romulus” si svolge nell’anno 2142, mentre “Aliens” è ambientato nel 2179. Pensate a quanta strada ha fatto la tecnologia nel corso di 30 anni nel mondo reale. Le armi da fuoco sarebbero state sicuramente migliorate nel corso del tempo, ma è chiaro che il fucile a impulsi di Rain vuole richiamare alla mente i Marines.

Andy dice una frase famosa

Alien: Romulus David Jonsson
David Jonsson è Andy in ALIEN: ROMULUS. Photo courtesy of 20th Century Studios. © 2024 20th Century Studios.

Oltre che per la sua incredibile azione, “Aliens” è noto anche per avere un buon numero di battute da citare, come “Game over, man!”. Ma la battuta più iconica potrebbe appartenere a Ripley, che sale su un caricatore da lavoro alimentato a P-5000 per salvare Newt (Carrie Henn) dalla regina, dicendo: “Allontanati da lei, s****!”. Gli eventi di “Aliens” non si sono ancora verificati quando ha luogo “Alien: Romulus”, ma a quanto pare si tratta di una battuta piuttosto comune in questo universo, dato che Andy salva Rain da uno Xenomorfo in arrivo e dice la stessa identica cosa.

Le battute di richiamo sono prevedibili in ogni sequel di un grande franchise. “Deadpool e Wolverine” ha fatto leva su questo aspetto, con Blade (Wesley Snipes) che pronuncia la sua famigerata battuta dal primo film di ‘Blade’: “Alcuni figli di puttana cercano sempre di pattinare sul ghiaccio in salita”. In linea di massima è un’ottima idea per far esultare il pubblico, ma c’è da chiedersi che senso abbia la battuta nel contesto del film.

Sembra che per alcuni la battuta sia stata un passo eccessivo, come ha commentato il lettore di Reddit u/North_Star8764 in un thread su “Alien: Romulus”: “Le battute sui fan service erano carine, ma in realtà sminuiscono un po’ perché fanno sembrare il film derivativo e un fan movie. Era un po’ troppo scontato quando Andy ha detto “Allontanati da lei, s****!””. Con una battuta così bella, forse è giusto essere un po’ indulgenti.

Tippett Studio ha realizzato la stop-motion per Alien: Romulus

Durante il press tour di “Alien: Romulus”, Fede Álvarez ha dichiarato apertamente di voler utilizzare il maggior numero possibile di effetti pratici. Il regista ha dichiarato a The Hollywood Reporter: “Ciò che è importante per me è ciò che penso sia importante per il pubblico, e penso che le masse là fuori, tra il pubblico che ama questi film, in particolare, preferiscano davvero vedere gli effetti pratici“. Per far sì che ciò avvenga, il team ha collaborato con il Tippett Studio per un momento specifico.

Phil Tippett è un maestro degli effetti pratici e il suo studio ha lavorato ai più grandi franchise in circolazione, da “Star Wars” a “Jurassic Park”. Per “Alien: Romulus”, il team è stato chiamato a creare un effetto che coinvolge un topo di laboratorio che muore ma poi si rigenera. Questa sequenza è stata realizzata con l’animazione in stop-motion, che è una specialità dello studio.

Il roditore non è stato l’unico effetto pratico dello studio, poiché il team ha anche progettato delle marionette Xenomorph con cui gli attori potevano recitare. Cailee Spaeny ha parlato con The News Movement di quanto sia stato emozionante: “Recitare davvero con questi pupazzi è stato terrificante… È stato un onore incredibile poter recitare con quello invece che con uno schermo verde o una pallina da tennis”. Gli artisti della CGI fanno assolutamente un lavoro incredibile, ma avere uno Xenomorfo fisicamente presente sembra un’esperienza terribilmente viscerale, che porta a una performance più genuina da parte di Spaeny.

Il figlio è un ingegnere?

Prometheus

Alien: Romulus presenta numerosi riferimenti ai precedenti film di “Alien”, facendo anche un po’ pensare ad “Alien Resurrection” con l’introduzione della prole umana/Xenomorfa nel finale. Kay dà alla luce una creatura che matura rapidamente in un’entità bipede che ha gli aspetti di uno Xenomorfo ma ha un aspetto piuttosto umano. In effetti, guardando la sua pelle bianca e pastosa e i suoi occhi scuri, sembra quasi un Ingegnere di “Prometheus”, di cui si sa poco ma che è parte integrante del mito del franchise.

L’esatta meccanica biologica di ciò che accade nel finale di “Romulus” è in sospeso, ma quando Kay si inietta il composto nero, questo probabilmente si fonde con il DNA del suo embrione. Questo accelera il ciclo riproduttivo, per cui la donna partorisce proprio in quel momento e si ritrova con una creatura che probabilmente ha sia il DNA dello Xenomorfo che quello umano. Ma perché sembra un Ingegnere invece di avere le caratteristiche di Kay?

“Prometheus” probabilmente contiene la risposta, poiché l’inizio del film mostra un Ingegnere che si sacrifica per creare la vita sulla Terra. Grazie all’evoluzione successiva, si può ipotizzare che tutti gli esseri umani possiedano almeno una parte della struttura genetica degli Ingegneri. Pertanto, la sostanza nera potrebbe risvegliare quella parte del DNA dell’umanità nel grembo di Kay, dando vita a una mostruosità che sicuramente infesterà gli incubi della gente.

Alien: Romulus ha un brano musicale familiare

Alien: Romulus film 2024

Come abbiamo notato, “Alien: Romulus” contiene immagini e linee di dialogo prese direttamente da altri film di “Alien”. Ma c’è anche una nota musicale che dovrebbe suonare familiare. Come viene rivelato nei titoli di coda, “L’ingresso degli dei nel Valhalla” di Richard Wagner suona in “Romulus”, un’importante traccia musicale che risale ad “Alien: Covenant”.

Il brano di musica classica fa da colonna sonora a “Covenant”, in quanto David (Michael Fassbender) suona la canzone per Peter Weyland (Guy Pearce) nel prologo. Alla fine, David chiede alla nave Covenant di suonare la stessa canzone mentre contrabbanda embrioni Facehugger a bordo. Nel film David ha il complesso del dio, desiderando creare l’organismo perfetto, quindi la scelta della canzone simboleggia l’ascensione percepita da David stesso in un piano superiore. Come sintetico, è venuto al mondo come mera creazione di qualcun altro, ma attraverso gli Xenomorfi, David cerca di creare la propria vita e di diventare un dio.

È appropriato che “L’ingresso degli dei nel Valhalla” appaia di nuovo in “Alien: Romulus“, poiché i temi dell’ascesa verso la divinità rimangono presenti. Anche l’equipaggio condannato della stazione spaziale tenta di giocare a fare il dio, cercando di manipolare il composto nero in modo che possa guarire le persone e mantenendo i Facehugger in stasi. L’arroganza rimane il tema principale di “Alien: Romulus”, mentre gli umani (e i sintetici) continuano a cercare di controllare questi organismi perfetti. Con altri film quasi inevitabilmente in arrivo, il pubblico probabilmente continuerà a vedere le conseguenze di queste azioni per molto tempo.