Riri Williams è
un’eroina o una supercriminale in erba? Nei nuovi promo della
prossima serie Ironheart dei
Marvel Studios in arrivo su
Disney+, gli spettatori hanno una
rapida occhiata a ciò che è stato necessario per dare vita
all’armatura di Riri e vengono anche presentati all’equipaggio di
The Hood, in stile Ocean’s 11. In base ai
filmati pubblicati, sembra che Riri sia disposta a infrangere la
legge pur di ottenere i pezzi necessari per costruire la sua nuova
armatura.
Considerando il ruolo chiave di Riri
in Black Panther: Wakanda Forever, il suo ritorno
negli Stati Uniti solleva alcune domande intriganti. Il Wakanda le
ha semplicemente permesso di andarsene senza che nessuno la
sorvegliasse, nonostante le conoscenze acquisite e la tecnologia a
cui è stata esposta?
Con le impareggiabili risorse
tecnologiche di Wakanda, vale la pena chiedersi perché Riri abbia
scelto di andarsene. Rimanere in Wakanda non avrebbe offerto
l’ambiente ideale per sviluppare la sua armatura e le sue idee?
Ambientata dopo gli eventi di
Black
Panther: Wakanda Forever, la serie Ironheart
di Marvel Television mette a confronto la tecnologia con la magia
quando Riri Williams (Dominique
Thorne), una giovane e geniale inventrice determinata
a lasciare il segno nel mondo, torna nella sua città natale,
Chicago.
La sua innovativa interpretazione
della costruzione di armature di ferro è brillante, ma nel
perseguire le sue ambizioni, si ritrova coinvolta con il misterioso
ma affascinante Parker Robbins, alias “The Hood” (Anthony
Ramos).
La serie vede la partecipazione
anche di Lyric Ross, Alden Ehrenreich, Regan Aliyah, Manny
Montana, Matthew Elam e Anji White.
Chinaka Hodge è la sceneggiatrice e produttrice
esecutiva; gli episodi sono diretti da Sam Bailey
e Angela Barnes.
I primi tre episodi di Ironheart debutteranno
su Disney+ il 24 giugno 2025.
Netflix ha pubblicato una clip della seconda
stagione di Mercoledì che
finalmente affronta la morte di un personaggio importante della
prima stagione e introduce un potenziale nuovo cattivo. La seconda
stagione di Mercoledì
arriverà sul servizio di streaming a partire dal 6 agosto 2025, con
i primi quattro episodi in anteprima in questa data e i restanti
quattro in uscita il 3 settembre 2025. La seconda stagione vedrà
l’arrivo di numerosi nuovi personaggi, uno dei quali può essere
visto in azione alla Nevermore nel nuovo teaser di Mercoledì.
Il teaser della seconda stagione
di Mercoledì introduce il nuovo preside della Nevermore
Academy, Barry Dort (Steve Buscemi), che entra nella scuola
degli emarginati per sostituire la defunta Larissa Weems
(Gwendoline Christie). Il preside Dort si presenta agli spettatori
nel teaser, sottolineando che l’attacco alla Nevermore nella prima
stagione di Wednesday è stata colpa della Weems, che era troppo
solidale con i Normies. Questo personaggio è determinato a
compensare concentrandosi nuovamente sugli Outcast. Guarda il
teaser completo della seconda stagione di Wednesday qui sotto:
Cosa significa il teaser clip
del preside Dort di Netflix per la seconda stagione di
Mercoledì
Era già stato rivelato che il
personaggio di Buscemi nella seconda stagione di Mercoledì sarebbe
stato il successore del preside Weems, ma la natura generale del
suo personaggio era incerta. Ora, il nuovo teaser clip
approfondisce un po’ di più chi è il preside Dort e cosa
significherà la sua posizione alla Nevermore Academy per gli
studenti. È evidente che Dort non condivide il desiderio di Weems
di vivere in armonia con i Normies. Il personaggio interpretato da
Buscemi ritiene addirittura che la speranza del suo predecessore
che gli Outcasts fossero accettati dai Normies fosse una pericolosa
debolezza.
Il preside della prima stagione di Mercoledì aveva fatto di
tutto per dimostrare alla gente di Jericho che gli Outcasts erano
membri rispettabili della comunità. Dort, invece, sembra ritenere
che gli studenti talentuosi e potenti della Nevermore siano
superiori ai Normies. Questo estremo opposto pone il personaggio
di Buscemi nella seconda stagione come antagonista che potrebbe
intenzionalmente esacerbare il conflitto distruttivo tra Outcasts e
Normies nei prossimi episodi. Inoltre, l’influenza di Dort potrebbe
causare divisioni tra gli studenti della Nevermore, poiché alcuni
sono più solidali con i Normies, mentre altri vogliono affermare il
proprio dominio.
La fine della prima stagione di
Mercoledì rivela
finalmente il vero assassino e risolve il mistero dell’omicidio di
Nevermore, risalente a 30 anni fa, ma pone comunque le basi per
futuri conflitti per Mercoledì Addams. Basato sui personaggi de La famiglia Addams di Charles Addams, Mercoledì
segue la figlia maggiore della famiglia, interpretata da Jenna
Ortega, mentre viene mandata alla Nevermore Academy, una scuola per
emarginati soprannaturali. La natura gotica, il tono impassibile e
le ossessioni omicide di Mercoledì le tornano utili mentre indaga
su un misterioso omicidio che coinvolge la sua famiglia e minaccia
la vita di tutti gli emarginati.
La
serie TV La famiglia Addams diretta da
Tim Burton termina senza risolvere tutti i nodi della stagione,
il che fa presagire un ritorno della serie con la seconda stagione
di Mercoledì. Mercoledì Addams avrà anche risolto il
misterioso omicidio smascherando Tyler come il mostro Hyde,
scoprendo che la signorina Thornhill, alias Laurel Gates, era
responsabile della resurrezione di Joseph Crackstone e salvando
infine la Nevermore Academy fermando questi personaggi malvagi, ma
la serie lascia intendere che i nemici che si è fatta durante le
sue indagini le causeranno ancora problemi in futuro. Il finale
ricco di colpi di scena della prima stagione di Mercoledì
lascia ancora molte domande senza risposta, introducendo sviluppi
dei personaggi che devono essere risolti.
Cosa succede nel finale della
prima stagione di Mercoledì
Mercoledì, nel finale della
prima stagione, la protagonista combatte contro Tyler e il suo
padrone mentre questi riportano in vita Joseph Crackstone per
sradicare gli emarginati della Nevermore Academy. Dopo che Tyler
ammette di essere Hyde, Mercoledì Addams, interpretata da
Jenna Ortega, deve radunare i suoi amici e prepararsi agli
attacchi che inevitabilmente si verificheranno a scuola. Tuttavia,
mentre sta per essere rimandata a casa dalla sua famiglia,
Mercoledì capisce che il vero assassino che controlla l’alter ego
di Tyler è la signorina Thornhill, la cui vera identità è Laurel
Gates. Laurel rivela il suo piano per riportare in vita Joseph
Crackstone e portare a termine la sua opera di eliminazione degli
emarginati dal mondo, con il personaggio interpretato da Christina
Ricci che uccide il preside Weems dopo la sua confessione.
Il finale ricco di suspense della
prima stagione di Mercoledì rivela poi che Laurel e Tyler
stanno usando le parti dei corpi delle vittime assassinate per
resuscitare Joseph Crackstone, che presto pugnala Mercoledì.
Tuttavia, l’antenata di Mercoledì, Goody, arriva per guarire il
personaggio della scream queen Jenna Ortega, permettendo a
Mercoledì di ricongiungersi con i suoi compagni di classe, uccidere
Joseph Crackstone (di nuovo) e salvare Nevermore. Mentre Mercoledì
ed Eugene sembrano uccidere Laurel, Tyler rimane in vita dopo
essere stato attaccato da Enid, con il suo Hyde che si risveglia
mentre è immobilizzato. I personaggi tornano a casa per le vacanze
negli ultimi momenti della prima stagione di Mercoledì, con
Mercoledì che riceve un cellulare da Xavier prima di ricevere
messaggi minacciosi da un misterioso “stalker”.
La rivelazione del colpo di
scena di Laurel Gates della signorina Thornhill
Oltre alla rivelazione di Tyler
come mostro Hyde, il colpo di scena più grande nel finale della
prima stagione di Wednesday è la conferma che Marilyn
Thornhill è in realtà Laurel Gates. La signorina Thornhill era già
una figura sospetta durante tutta la stagione, la cui gentilezza
apparente nascondeva le sue intenzioni malvagie come prima e unica
insegnante “normale” della Nevermore Academy. La bigotta famiglia
Gates odiava gli emarginati, e Laurel era l’ultima della famiglia a
morire dopo che suo fratello Garrett era stato presumibilmente
ucciso da Morticia (Catherine Zeta-Jones) e Gomez Addams (Luis
Guzmán). Mercoledì ha capito che Laurel era in realtà viva e che
era lei la responsabile degli omicidi di Tyler, anche se non è
riuscita a mettere insieme i pezzi fino a quando Eugene non ha
menzionato le scarpe rosse caratteristiche della signorina
Thornhill durante l’esplosione nella caverna.
Dopo aver finto la propria morte,
Laurel Gates è tornata a Jericho per portare a termine la crociata
contro gli emarginati guidata dall’antenato della sua famiglia,
Joseph Crackstone, anche se aveva bisogno del sangue di Goody
Addams per resuscitare il pellegrino. Laurel non avrebbe quindi
potuto portare a termine il suo piano senza l’arrivo di Mercoledì
Addams alla Nevermore Academy, manipolandola affinché si fidasse di
lei prima di mettere in atto il suo piano.
Il finale della prima stagione di
Mercoledì non conferma la morte di Laurel, ma dato che è stata
punta da un alveare di api e calpestata da Mercoledì, le sue
possibilità di sopravvivenza non sono molte. Non è chiaro perché ci
sia voluto così tanto tempo perché il nuovo personaggio di
Christina Ricci nella Famiglia Addams tornasse a Jericho, ma
Mercoledì suggerisce che dietro i suoi piani ci sia un’altra
figura.
Il piano di Joseph Crackstone
per eliminare gli emarginati è davvero finito?
Christina Ricci in Mercoledì
Nonostante la morte di tutta la
famiglia Gates e il fatto che Mercoledì sembri aver sconfitto per
sempre lo spirito di Joseph Crackstone, il finale della prima
stagione della serie TV La famiglia Addams di Netflix indica che la missione per sradicare gli
emarginati non è finita.
I Gates sembrano essere solo una
delle numerose famiglie benestanti di Jericho discendenti da Joseph
Crackstone, mentre altri che odiano gli emarginati potrebbero
sfruttare le tragedie dei Gates per incitare all’odio contro gli
esseri soprannaturali. Mercoledì Addams si chiede se Laurel e Tyler
fossero semplicemente pedine in un gioco più grande, suggerendo che
il piano per sbarazzarsi degli emarginati vada oltre la vendetta di
Joseph Crackstone a Jericho.
Se Mercoledì tornerà per la
seconda stagione su Netflix, è probabile che la sedicenne Mercoledì
Addams scoprirà un altro cattivo che sta lavorando per sradicare
gli emarginati su larga scala. Il piano della famiglia Gates di
uccidere tutti gli emarginati con il veleno della belladonna era
probabilmente solo una delle tante soluzioni per eliminare persone
come Mercoledì, quindi gli emarginati non sono ancora al sicuro
dopo il finale della prima stagione di Mercoledì. Anche se
Joseph Crackstone probabilmente non sarà un cattivo importante
nella seconda stagione di Mercoledì, la sua missione
potrebbe essere portata avanti da personaggi ancora più influenti
in futuro.
Perché Mercoledì abbraccia Enid
nel finale della prima stagione (e cosa significa davvero)
Tra la violenza e il terrore della
Nevermore Academy, il finale della prima stagione di
Mercoledì presenta un momento insolitamente dolce tra la
complessa Mercoledì Addams di Jenna Ortega e la sua compagna di
stanza Enid Sinclair. Sebbene le due siano agli antipodi, la loro
improbabile amicizia culmina con un cambiamento positivo per
entrambe. Lo sviluppo dei personaggi nel corso della stagione è
enfatizzato in un momento chiave, in cui Mercoledì ed Enid si
abbracciano quando finalmente si ritrovano alla Nevermore. La scena
rappresenta la crescita di Mercoledì, che diventa una persona in
grado di mostrare affetto per coloro che ama (anche se lei stessa è
contraria a tali gesti), e segue immediatamente il momento in cui
Enid finalmente “si trasforma in lupo” per proteggere
Mercoledì.
La crescita dei personaggi di
Mercoledì ed Enid nel corso della prima stagione di
Mercoledì le ha viste cambiare l’una l’altra in meglio e,
alla fine, ha stabilito un livello di umanità in Mercoledì
che non si vedeva spesso nelle precedenti iterazioni dei
personaggi de La famiglia Addams. Anche se Mercoledì ha
trascorso gran parte della stagione cercando di negare la sua
umanità e il suo affetto per gli altri, il momento in cui abbraccia
Enid dimostra che sotto il suo aspetto freddo il suo cuore batte
forte per i suoi cari. All’inizio forse non si piacevano, ma Enid e
Mercoledì erano esattamente ciò di cui l’altra aveva bisogno per
crescere come emarginate a Nevermore.
Cosa significa per Mercoledì il
ritorno di Tyler a Hyde
Dato che il padrone di Tyler sembra
ormai morto, lui ha un Hyde incontrollabile senza qualcuno che
diriga le sue azioni violente. Questo potrebbe significare che il
suo Hyde è stato nuovamente liberato semplicemente dal desiderio di
vendetta contro Mercoledì Addams e che la sua vena omicida non è
finita. Tyler è stato visto l’ultima volta nel finale della prima
stagione di Mercoledì di Netflix, incatenato e portato via
in un furgone della prigione, il che suggerisce che sarà rinchiuso
in una struttura vicina durante la seconda stagione di
Mercoledì. Il fatto che Tyler sia ancora in grado di
trasformarsi in Hyde significa che probabilmente tornerà per
Wednesday, soprattutto se un altro personaggio sinistro controllerà
il suo mostro per uccidere nuovamente gli emarginati.
D’altra parte, il ritorno di Tyler
in Hyde nel finale della prima stagione di Mercoledì
potrebbe significare che è riuscito a liberarsi dalle catene e che
è tornato nel bosco per dare la caccia agli emarginati. Il padre di
Tyler, lo sceriffo Galpin, sembra colpevole delle azioni del
figlio, ma potrebbe comunque aiutarlo a sopravvivere e cercare di
controllare il suo mostro. La trasformazione dell’ultimo minuto di
Tyler in Hyde potrebbe anche suggerire che Laurel Gates non è mai
stata la sua padrona e che il mostro è stato liberato dalla stessa
figura misteriosa che sta minacciando Mercoledì tramite SMS.
Chi è il nuovo stalker di
Mercoledì? Come il finale prepara la seconda stagione
Mercoledì La prima stagione
di Mercoledì si conclude con un nuovo mistero, quando Mercoledì
Addams riceve dei messaggi da un contatto sconosciuto sul suo
telefono nuovo di zecca. Il misterioso “stalker” le invia due foto:
una di Tyler che le offre un caffè per il suo compleanno e una di
Xavier che le consegna il telefono pochi istanti prima. Il
messaggio successivo dice “Ti sto osservando”, accompagnato
da una GIF di coltelli che pugnalano una Mercoledì animata.
Considerando che il personaggio principale di Mercoledì
aveva appena ricevuto il cellulare, non è chiaro chi possa avere il
suo numero oltre a Xavier. Tuttavia, Xavier era già sospettato di
essere il minaccioso Hyde, quindi non è probabile che sia lui lo
stalker nella seconda stagione di Mercoledì.
È improbabile che Xavier, Enid,
Ajax, Eugene o Bianca siano lo stalker di Mercoledì, dato che anche
Tyler era sotto controllo nel momento in cui la protagonista di
Mercoledì ha ricevuto i messaggi. Potrebbe essere lo sceriffo
Galpin, arrabbiato per la cattura di Tyler, Lucas Walker, che forse
pensa che Mercoledì sia coinvolta nella morte di suo padre, o un
altro residente di Jericho che vuole eliminare Mercoledì dopo il
misterioso omicidio della prima stagione. Tuttavia, sembra che lo
stalker sia un emarginato, dato che si trovava all’interno della
Nevermore Academy quando Xavier ha dato il telefono a Mercoledì. Lo
stalker nella seconda stagione di Mercoledì è
probabilmente un altro studente, un genitore di uno studente o un
insegnante, ed è possibile che la serie La famiglia Addams
non lo abbia ancora presentato.
La vita è una continua sorpresa. Nel
partecipare al suo gioco, ci troviamo spesso di fronte a
incredibili colpi di scena o a dolorose cadute. Ma qualunque siano
le esperienze vissute e i sentieri percorsi, ogni elemento
contribuisce a definirci come esseri umani, con tutti i nostri
pregi e difetti. Questo è il pilastro narrativo di Tre
Amiche (Trois Amies), il nuovo film di
Emmanuel Mouret in Concorso all’81esima
edizione della Mostra
del Cinema di Venezia. Un’opera che, nei personaggi e
nelle dinamiche, richiama l’influenza di Woody Allen, da cui
attinge a piene mani. Qui, tre amiche si confrontano in un gioco
senza vincitori né vinti, in una pellicola che vuole essere quasi
cinema antropologico, dove le relazioni e la condizione umana
vengono messe sotto la lente d’ingrandimento. Prodotto da Moby Dick
Films, ha come interpreti Camille Cottin, Sara Forestier e India
Hair.
La trama di Tre
Amiche
Joan, Alice e Rebecca sono tre
amiche che vivono a Lione, ciascuna con una vita sentimentale
complessa e problematica. Joan non ama più suo marito Victor e,
come emerge in seguito, non ha mai avuto una reale propensione per
le relazioni durature. Alice, pur non amando il suo compagno Eric,
considera la loro relazione sana, poiché le permette di non
soffrire né di dipendere emotivamente da qualcuno. Rebecca, invece,
ha una relazione segreta proprio con Eric, il fidanzato di Alice, e
finge con le amiche di frequentare un uomo sposato di cui non svela
l’identità. Quando Joan decide di lasciare Victor, il quale muore
poco dopo, il dramma scatena una serie di eventi che sconvolgono la
vita delle tre donne, costringendole a confrontarsi con
un’esistenza che, dietro ogni angolo, riserva sempre qualche
inattesa svolta.
Essere o non essere?
Il regista transalpino tesse le fila
di un racconto che, come anticipato, tenta di indagare le relazioni
umane e le sue crepe. Partendo da un’amicizia intricata, ricca di
segreti e menzogne, Mouret cerca di decostruire ogni singolo
personaggio, per svelarne verità, incongruenze e ipocrisie. Gioca
con i suoi protagonisti, e si percepisce il suo piacere nel
seguirli e quasi tormentarli, per mettere in luce le loro debolezze
e fragilità ma anche punti di forza.
Come su un palco teatrale, Joan,
Alice e Rebecca si muovono alla ricerca della propria strada e del
vero amore. Provano a rimanere fedeli a se stesse e alla loro
amicizia, ma finiscono per commettere errori, inciampare e
rialzarsi. Cercano di non nascondersi dietro il proprio imbarazzo
e, anche quando credono di aver raggiunto una piena consapevolezza
di sé, si scoprono ancora in evoluzione, fino ad accettarsi per ciò
che sono realmente.
L’idea di base è buona: i temi sono
interessanti e la comicità presente strappa più di una
risata. Tuttavia, di Trois Amies non funziona
l’esecuzione e lo sviluppo delle linee narrative. La pellicola
manca di incisività e lascia la sensazione di non aver osato
abbastanza, quando forse si sarebbe potuto spingere di più sul
pedale dell’audacia. Una storia dunque troppo debole, che nel
Concorso, rispetto ad altri film presenti in gara, scompare del
tutto.
La star di The Better SisterJessica Biel ha parlato della possibilità che
la serie torni con una seconda stagione. Basata sul romanzo di
Alafair Burke, la prima stagione di The Better Sister segue
le vicende di due sorelle separate che si ritrovano dopo l’omicidio
di uno dei loro mariti, che era anche l’ex marito dell’altra. Il
cast di The Better Sister è guidato da Biel ed
Elizabeth Banks, che hanno anche ricoperto il ruolo di produttrici
esecutive, e nonostante lo show sia una miniserie, potrebbe esserci
spazio per una seconda stagione.
Secondo Deadline, Biel ha rivelato che sarebbe disposta a
tornare per una possibile seconda stagione, ma che dovrebbe
avere senso per la storia. Ha dichiarato di aver amato l’esperienza
di lavorare allo show e con il cast e la troupe, e ha elogiato il
set. Tuttavia, ha subito precisato che la possibilità di una
seconda stagione dipenderà da come si svilupperà la trama,
soprattutto considerando che la prima stagione di The Better
Sister era una miniserie e la storia è giunta al termine. Ecco
i commenti di Biel:
Beh, direi che l’esperienza mi è
piaciuta molto. Mi è piaciuto molto lavorare con tutto il cast e
con le showrunner Olivia Milch e Regina Corrado, sono state
fantastiche. Hanno creato un set così sicuro e accogliente, come
abbiamo già detto in precedenza. Ma per me è sempre la stessa cosa:
“Ok, qual è il livello di credibilità? Da dove ricominciamo?
Abbiamo abbastanza da dire?”.
Perché, come per The Sinner, per
me era ovviamente una serie limitata, poi ha avuto una vita diversa
e ha intrapreso un altro viaggio che non ci aspettavamo, ma abbiamo
parlato molto di: “Beh, Cora Tannetti potrebbe tornare per la
seconda stagione? Come funzionerebbe?” Questo è solo un esempio di
come non ha funzionato in quel caso, ma non siamo riusciti a
trovare un modo che non ci facesse pensare: “Beh, non vogliamo
vederla fare questo. Qual è la novità? Cosa c’è di nuovo?”
Ed era ovvio che lei non potesse
esserci, il che era un peccato sotto certi aspetti. Inoltre,
sapevamo che era la decisione giusta dal punto di vista della
produzione.
Quindi, a questo punto, mi
mettevo nei panni del produttore e dicevo: “Ok, quali sono le
opzioni? Come possiamo renderlo credibile? Ovviamente ci piace
vedere queste donne insieme. Ovviamente è divertente. Come può
funzionare? E sarà abbastanza buono o migliore della prima
stagione?” Quindi mi ponevo queste domande tecniche, ma era un
lavoro da sogno.
Sebbene la trama principale di The
Better Sister si concluda nelle otto puntate della serie e
l’assassino di Adam sia Nicky, i commenti di Biel suggeriscono che
lei (e presumibilmente anche Banks) sono disposte a tornare nei
panni dei loro personaggi. Naturalmente, come lei stessa afferma,
dovrebbe avere senso che la serie continui con un’altra stagione e
dovrebbe esserci una trama abbastanza forte da The Better Sister
stagione 2. Il
finale di The Better Sister ha concluso la storia in modo
piuttosto soddisfacente, ma c’era ancora abbastanza materiale per
poter tornare con la serie.
La serie si è discostata dal
romanzo The Better Sister in un paio di punti, tra cui uno
sguardo più approfondito al Gentry Group e la morte di Jake. Questi
sono due punti della trama che potrebbero essere esplorati in una
seconda stagione, ma la storia dovrebbe funzionare e il ritorno dei
personaggi dovrebbe essere appropriato per la serie. Il carisma di
Biel e Banks dovrebbe essere sufficiente per ottenere il via libera
alla seconda stagione, a condizione che la sceneggiatura e la trama
siano abbastanza forti da invogliarli a tornare.
Nel corso della sua carriera
Arnold Schwarzenegger ha recitato in diversi
film fantascientifici particolarmente celebri, da Atto di forza al
capolavoro Terminator 2 – Il giorno del
giudizio. Un altro celebre titolo di questo genere,
divenuto un cult negli anni, è Il sesto giorno.
Questo film del 2000, diretto da Roger
Spottiswoode, si inserisce nel filone della fantascienza
distopica di fine millennio, affrontando temi complessi come il
bioetico confine tra l’uomo e la tecnologia. Ambientato in un
futuro prossimo dove la clonazione è diventata una pratica diffusa
– almeno per animali domestici – il film sfrutta i codici
dell’action fantascientifico per interrogarsi su identità,
controllo e potere.
Al centro del racconto troviamo
dunque Schwarzenegger nel doppio ruolo di Adam Gibson e della sua
copia clonata. L’attore, già icona indiscussa del cinema action e
fantascientifico, presta qui il suo corpo e la sua voce a una
narrazione che alterna momenti di tensione, inseguimenti e
sparatorie a riflessioni più profonde sull’individualità e sul
libero arbitrio. Schwarzenegger si confronta con il proprio doppio
in un conflitto che non è solo fisico, ma anche filosofico,
rendendo il film un esperimento interessante, a metà tra
blockbuster e thriller concettuale.
Nel corso dell’articolo
approfondiremo il significato del finale del film e il senso
profondo del titolo Il sesto giorno, con
particolare attenzione al modo in cui la storia gioca con la
possibilità che l’identità umana possa essere replicata, sostituita
o manipolata. Il film propone infatti una distopia che, pur essendo
ancorata alle paure tecnologiche del suo tempo, mantiene una
sorprendente attualità. Il viaggio di Adam Gibson è quello di un
uomo comune gettato in una realtà in cui è diventato
improvvisamente “superfluo”, e nella quale la ricerca della verità
coincide con il bisogno di affermare la propria esistenza.
La trama di Il sesto
giorno
In un futuro prossimo non precisato,
la clonazione di animali e organi umani è diventata routine. La
clonazione di interi umani, tuttavia, è vietata dalle cosiddette
leggi del “Sesto giorno”. In questo contesto, i piloti di voli
charter Adam Gibson e Hank Morgan
vengono assunti da Michael Drucker,
multimiliardario proprietario della società di clonazione
Replacement Technologies, per accompagnarlo in una vacanza
sciistica. L’importanza del passeggero che accompagneranno impone
che i due prima si sottopongano a esami del sangue e degli occhi,
per verificare che siano all’altezza del compito. Il giorno della
partenza, però, Adam è impossibilitato a partire a causa della
morte improvvisa del suo cane.
L’uomo decide allora di portare
l’animale in uno dei negozi della catena RePet per farlo clonare.
Strada facendo, però, Adam comprende di non poter clonare anche
l’affetto che li legava e preferisce così rinunciare. Quando torna
a casa, Adam fa però alcune scoperte inquietanti. Non solo il cane
è già stato clonato, ma un doppione di se stesso si trova con la
sua famiglia. Proprio mentre cerca di capire cosa stia succedendo,
Adam viene raggiunto da tre agenti addetti alla sicurezza della
Replacement Technologies che cercano di ucciderlo. Per Adam ha
inizio una corsa contro il tempo per cercare di scoprire cosa stia
accadendo e cosa significhi la presenza di quei cloni umani non
autorizzati.
La spiegazione del finale e del
titolo del film
Nel finale de Il sesto
giorno, Adam Gibson riesce finalmente a penetrare nella
sede della società di clonazione illegale, la Replacement
Technologies, con l’aiuto del proprio clone. L’obiettivo è fermare
Drucker, l’imprenditore senza scrupoli che ha usato la tecnologia
della clonazione per mantenere il controllo sui suoi collaboratori
e su se stesso, replicandosi ogni volta che moriva. Adam e il suo
clone si trovano di fronte a una delle rivelazioni più inquietanti:
Drucker è già morto più volte e l’uomo che li sta affrontando è a
sua volta una copia, con i ricordi del precedente Drucker
impiantati. Il confronto finale sfocia in uno scontro armato in cui
il clone di Adam riesce a salvare l’originale, mentre Drucker viene
definitivamente eliminato e la sua nuova copia viene distrutta
prima di poter essere attivata.
Successivamente, Adam e il suo clone
si trovano davanti a una decisione esistenziale. Il clone,
consapevole di essere una replica, non vuole interferire nella vita
dell’originale e della sua famiglia. I due si separano in modo
pacifico: il clone parte per costruirsi una nuova identità e una
nuova vita altrove, mentre Adam torna dalla moglie e dalla figlia,
riprendendo il proprio posto nel mondo. In una delle ultime scene,
il protagonista osserva la sua famiglia da lontano, riflettendo su
quanto accaduto e sulla possibilità che, nonostante tutto, un clone
possa sviluppare una propria coscienza e individualità. La
pellicola si chiude con un tono sorprendentemente sereno e
filosofico, lasciando lo spettatore con una domanda implicita: cosa
ci rende davvero unici?
La conclusione del film, pur
offrendo un’esplosione d’azione coerente con il genere, si chiude
con un sottotesto più profondo e meditativo. Il confronto tra Adam
e la sua copia mette in discussione l’idea che l’identità sia
legata esclusivamente al patrimonio genetico o alla memoria. Il
clone di Adam è, di fatto, indistinguibile dall’originale, ma la
sua volontà di allontanarsi dimostra che le esperienze vissute e le
scelte individuali definiscono la persona. La tecnologia può
replicare un corpo, ma non può clonare il percorso umano che ognuno
sceglie di intraprendere. Questo porta alla riflessione su cosa
voglia dire essere umani in un mondo in cui la scienza sfida i
limiti della natura.
Il titolo Il sesto
giorno richiama dunque esplicitamente il giorno della
creazione dell’uomo secondo la Bibbia, ma anche la presunzione
dell’uomo moderno di sostituirsi a Dio nella creazione della vita.
Drucker rappresenta proprio questa hybris contemporanea: la pretesa
di controllare la morte e la vita, senza considerare le
implicazioni morali. Il film invita allora a riflettere sul rischio
di un futuro in cui la tecnologia, invece di servire l’uomo, lo
sostituisce, e sulla necessità di mantenere intatti valori come la
responsabilità, l’etica e la coscienza individuale. Nel permettere
al clone di esistere come individuo autonomo, Adam riconosce
implicitamente che la vera unicità non è nei dati genetici, ma
nella libertà di scegliere chi essere.
Il thriller del 2002
Insomnia di Christopher Nolan è ricco di colpi di scena
che molti fan del regista trovano divertenti, se non addirittura
sconcertanti. Il film segue le vicende del detective
Dormer (Al
Pacino), che si reca nell’Alaska sempre illuminata dal
sole insieme al suo partner Hap Eckhart
(Martin Donovan) e alla detective dell’Alaska
Burr (Hilary
Swank) per indagare sull’omicidio di una donna. Lì,
Dormer uccide accidentalmente il suo partner e viene tormentato
dall’assassino della donna, Walter Finch (Robin
Williams), che conosce il suo segreto. Insomnia non ha
il tipico finale a sorpresa di Nolan, ma ha un momento finale
piuttosto ambiguo.
Insomnia è
relativamente lineare, con attori e regista che vantano tutti una
notevole esperienza cinematografica. Questa professionalità e
l’ambientazione del film hanno reso questo un film molto
apprezzato, con un punteggio del 92% su Rotten Tomatoes. Lo stesso
Christopher Nolan considera il
film sottovalutato, oscurato dai suoi altri grandi successi.
Tuttavia, Insomnia è particolarmente memorabile e
toccante nei suoi momenti finali, anche se alcuni si chiedono cosa
significhi il suo finale. In questo approfondimento cerchiamo di
rispondere proprio a questi dubbi.
Cosa succede nel finale di
Insomnia
Alla fine di
Insomnia, Dormer ha perso ogni contatto con la
realtà ed è quasi troppo stanco per ragionare. Confessa anche i
dettagli della sua indagine interna, illustrando al pubblico la sua
concezione di moralità e il suo lavoro. Tuttavia, si rende conto
che Burr è in pericolo quando lei va da Finch per raccogliere prove
e la segue per aiutarla. Dopo una caotica allucinazione mentre si
reca alla rimessa delle barche di Finch, Dormer arriva appena in
tempo. Lui e Finch combattono, finendo entrambi colpiti da un
proiettile. Finch muore sul colpo, mentre Dormer barcolla fuori
dalla casa e trova Burr.
Al suo fianco, Burr si offre di
aiutarlo a sbarazzarsi del bossolo che lo collega all’omicidio del
suo partner all’inizio del film. Ma come ultimo desiderio, Dormer
le dice di non immischiarsi e di lasciarlo dormire, il che
significherebbe finalmente chiudere l’indagine degli affari
interni. Il film termina con Dormer che muore tra le braccia di
Burr sul molo, mentre lei guarda il suo corpo e la distesa
dell’Alaska, pensando a cosa fare.
Il significato della location
dell’Alaska in Insomnia
Insomnia è
ambientato nella piccola città di Nightmute, in Alaska.
L’ambientazione piuttosto brulla ma bellissima è resa evidente
dalle riprese aeree dell’aereo dei detective che vola verso la
città. In questa scena viene anche rivelato che Nightmute è lontana
dalle altre città, sottolineando la lontananza e l’isolamento del
luogo. Tuttavia, il dramma di Dormer lo segue anche al nord. Come
gli dice il gestore dell’hotel: “Ci sono due tipi di persone
che vivono in Alaska: quelle che sono nate qui e quelle che vengono
qui per sfuggire a qualcos’altro”. Dormer è chiaramente il
secondo tipo.
In particolare, l’ambientazione nel
nord dell’Alaska significa che in estate il sole non tramonta mai.
Questo diventa un punto fondamentale della trama del film, poiché
Dormer fatica a dormire a sufficienza. Senza dormire, Dormer perde
la concentrazione e il contatto con la realtà, diventando
pericoloso. L’ambientazione permette anche scene di inseguimento
emozionanti ed esplorazioni di luoghi specifici. Questo emerge in
scene come l’inseguimento sui tronchi galleggianti o l’inseguimento
nella nebbia, che sfruttano le caratteristiche particolari
dell’ambientazione dell’Alaska.
Perché Dormer ha un’allucinazione
di un camion
All’inizio del film, quando Dormer
accompagna in auto Tanya, l’amica di Kay, lontano dal funerale, la
spaventa giocando a chi ha più coraggio con un camion sulla strada.
Rimane nella corsia del camion mentre si avvicinano l’uno all’altro
a tutta velocità. Dormer lo fa per spaventare Tanya, costringendola
a dirgli la verità. Questo dimostra anche quanto possa essere folle
come persona. Funziona, poiché lei rivela presto la verità sul suo
rapporto difficile con Kay.
Ma più avanti nel film, mentre
Dormer guida per proteggere Burr, vede di nuovo il camion. Privato
del sonno e ipnotizzato dai tergicristalli, Dormer alza lo sguardo
sulla strada e vede un camion che gli viene incontro a tutta
velocità. Sterza, facendo girare la sua auto per evitare la
collisione, solo per rendersi conto che non c’è nessun camion.
Anche questo incontro con il camion dimostra che Dormer può essere
irrazionale, ma serve a spaventarlo al punto da non fidarsi più del
proprio giudizio. Dimostra che non ha più il controllo come una
volta, quando giocava con il suo destino e quello di Tanya.
Alla fine del film, mentre Dormer
muore davanti a Burr, le chiede di “lasciarlo dormire”.
Letteralmente, questo è un riferimento al riposo che finalmente
otterrà dopo tante notti illuminate dal sole in Alaska.
Metaforicamente, sta anche chiedendo riposo dallo stress e dalla
pressione a cui è stato sottoposto dall’inizio dell’indagine degli
Affari Interni. Se Burr ascolta il suo avvertimento, l’indagine
finirà con la sua morte e sarà finalmente conclusa.
Prima di questa richiesta finale,
dice anche a Burr: “Non perdere la strada”. Questo in
riferimento alla promessa che lei gli ha fatto di aiutarlo a
evitare guai eliminando le prove che lo collegano al crimine.
Sebbene sia un gesto carino, Dormer sa che questo porterà Burr allo
stesso stress e dramma che lo hanno tormentato nell’ultimo anno.
Vuole dunque che lei impari da lui, ma senza seguire le sue
orme.
Cosa succede al proiettile dopo il
finale di Insomnia
Dormer ferma Burr proprio prima che
lei si sbarazzi delle prove che lo collegano all’omicidio del suo
partner. Mentre lei sta per gettare il bossolo nell’acqua, lui le
dice dunque di non perdere la strada. Dopo la sua morte, c’è una
chiara inquadratura di lei che rimette il bossolo nella busta delle
prove. Tuttavia, ciò che fa con la busta rimane vago. Si può
dedurre che la consegni come prova, soprattutto perché, nel corso
del film, Burr viene descritto come un agente eccezionale, il che
implica che lei seguirebbe il protocollo.
Sebbene abbia un momentaneo
cedimento nel giudizio, offrendosi di aiutare a distruggere le
prove e proteggere il nome di Dormer, lei trova la sua strada,
proprio come le chiede Dormer. Si rende conto delle conseguenze a
lungo termine di prendere decisioni affrettate sul momento. Questo
si ricollega a ciò che Dormer conclude in precedenza, ovvero che
ciò che si pensava fosse giusto in quel momento è diverso da ciò
con cui si è disposti a convivere.
Come scrittore, Finch è convinto di
sapere cosa rende un romanzo poliziesco di successo: una “carta
jolly”. Per lui, questo significa qualcosa che metterà sotto
pressione tutto ciò che ostacola i loro piani. In altre parole,
significa qualcosa che può fuorviare la polizia. Anche se alla fine
questo significa il fidanzato di Kay, che lui cerca di incolpare
per l’omicidio, Finch sottolinea anche che lui stesso è la carta
jolly, poiché fuorvia l’indagine. Si definisce la carta jolly
diverse volte nel corso del film, anche dopo aver rivelato che
stava registrando l’intera conversazione con Dormer.
Mentre lui e Dormer litigano alla
fine del film, sembra che Dormer abbia il sopravvento, puntando la
pistola contro Finch. Tuttavia, Finch estrae rapidamente una
pistola e avverte Dormer che ha “dimenticato la carta jolly”,
riferendosi ancora una volta a se stesso e alla sua
imprevedibilità. Questa imprevedibilità è evidente in tutto il
film, poiché Finch sembra quasi onnisciente e onnipresente. Chiama
Dormer a ore strane, sapendo che è sveglio, come se potesse
vederlo. Inoltre, dice sempre che farà una cosa e poi spesso ne fa
un’altra, approfittando dello stato delirante di Dormer, privato
del sonno. La presenza ripetuta della carta jolly risalta dunque
nei momenti finali di Insomnia.
Percy Jackson e gli dei dell’Olimpo – Il mare dei
mostri (qui la nostra recensione) è il
secondo capitolo cinematografico tratto dalla celebre saga
letteraria di Rick Riordan, amatissima da lettori
di ogni età per la sua capacità di fondere mitologia greca e
avventura contemporanea. Pubblicato nel 2006, il romanzo Il
mare dei mostri prosegue le vicende del giovane semidio
Percy Jackson, figlio di Poseidone, alle prese con
nuove prove e antiche profezie. Dopo il buon successo del primo
film del 2010 (Il
ladro di fulmini), la 20th Century Fox ha deciso di
portare in sala anche questo secondo episodio, con Logan Lerman nuovamente nei panni del
protagonista, affiancato da Alexandra Daddario, Brandon T.
Jackson e altri volti già noti ai fan.
Il film si inserisce quindi in una
saga cinematografica che, nelle intenzioni iniziali, avrebbe dovuto
adattare tutti i volumi della serie letteraria. Tuttavia, Il
mare dei mostri, uscito nel 2013 con la regia di Thor Freudenthal, ha
incontrato un’accoglienza contrastante, specialmente da parte dei
lettori più affezionati, che ne hanno criticato lo scarto rispetto
al materiale originale. Nonostante ciò, il film si distingue per un
tono più leggero e per un ritmo narrativo serrato, che punta a
coniugare l’azione per ragazzi con elementi fantastici e creature
mitologiche.
Nel corso dell’articolo, ci
soffermeremo a esaminare più da vicino le principali differenze tra
libro e film, analizzando quali personaggi siano stati introdotti o
modificati, quali eventi siano stati riorganizzati o eliminati, e
quali cambiamenti abbiano influenzato la coerenza narrativa
rispetto all’opera di Riordan. L’intento è quello di comprendere
come l’adattamento cinematografico abbia cercato di reinterpretare
la storia per il grande schermo, sacrificando talvolta alcuni
elementi chiave della saga letteraria, ma puntando a mantenere vivo
lo spirito dell’avventura.
L’adattamento cinematografico di
Percy Jackson e il mare dei mostri presenta numerose
differenze rispetto all’omonimo romanzo di Riordan, sebbene
mantenga alcuni elementi centrali della trama. Una delle
somiglianze principali riguarda la missione: sia
nel libro che nel film Percy e i suoi amici partono per recuperare
il Vello d’Oro, necessario a salvare l’albero di Thalia e quindi a
proteggere il Campo Mezzosangue. Anche la figura di
Polifemo, il ciclope che custodisce il Vello,
viene mantenuta, così come il personaggio di
Clarisse, figlia di Ares, a cui viene inizialmente
affidata la missione. Questi punti cardine della narrazione
rimangono dunque intatti, offrendo una base riconoscibile ai fan
della saga.
Tuttavia, il film introduce diverse
modifiche significative. Una delle più evidenti è la
presenza precoce dell’antagonista principale della
saga, Crono. Mentre nel libro il ritorno
del titano viene solo accennato come un pericolo futuro, nel film
Crono viene effettivamente risvegliato alla fine e affrontato da
Percy. Questo cambiamento altera profondamente la progressione
narrativa della saga e anticipa eventi che nei libri accadono molto
più avanti, rompendo il ritmo costruito da Riordan nei romanzi.
Un’altra differenza rilevante riguarda la modalità con cui
i protagonisti ottengono le informazioni: nel film, la
profezia su Percy viene menzionata molto prima rispetto al libro,
dove questo elemento resta volutamente vago fino ai capitoli
conclusivi.
La rappresentazione dei
personaggi subisce anch’essa modifiche.
Tyson, il fratellastro ciclope di Percy, è molto
più timido e infantile nel libro, mentre nel film ha un
atteggiamento più buffonesco e meno emotivamente approfondito.
Anche Annabeth cambia leggermente, non solo
nell’aspetto (è bionda nei libri, mora nel primo film e poi torna
bionda nel secondo), ma anche nel carattere: nel libro dimostra
maggiore sagacia e forza strategica, mentre sullo schermo le sue
qualità vengono ridimensionate per dare più spazio all’azione.
Inoltre, Hermes ha un ruolo marginale nel libro,
mentre nel film appare in una scena chiave e fornisce ai
protagonisti importanti strumenti magici.
Dal punto di vista della struttura,
il film ovviamente semplifica e accelera molte tappe del
viaggio. Ad esempio, il passaggio attraverso il Mare dei
Mostri (che rappresenta il Triangolo delle Bermuda) è molto più
breve nel film, così come il confronto con Circe e i Lestrigoni
viene completamente rimosso. Questo snellimento dell’intreccio ha
lo scopo di mantenere alto il ritmo cinematografico, ma finisce per
sacrificare la ricchezza dell’universo narrativo originale,
riducendo anche l’approfondimento tematico sui legami familiari,
sull’identità e sull’eroismo giovanile.
In conclusione, Percy
Jackson e gli dei dell’Olimpo – Il mare dei mostri cerca
di restare fedele al cuore dell’opera di Riordan, ma si prende –
come è normale – molte libertà creative nel tentativo di rendere la
storia più adatta al linguaggio cinematografico. Queste modifiche,
sebbene comprensibili dal punto di vista della produzione, hanno
causato insoddisfazione in una parte del pubblico affezionato ai
libri, che avrebbe preferito un adattamento più aderente e
rispettoso della complessità narrativa della saga.
È stato annunciato oggi il
titolo ufficiale del nuovo film diretto dalla regista premio Oscar®
Kathryn Bigelow, A House of
Dynamite, in arrivo su Netflix a partire dal 24 ottobre 2025.
La trama di A
House of Dynamite
Quando un singolo missile,
non attribuito ad alcuna nazione, viene lanciato contro gli Stati
Uniti, ha inizio una corsa contro il tempo per scoprire i
responsabili e decidere come reagire.
Cast: Idris Elba, Rebecca Ferguson, Gabriel Basso,
Jared Harris, Tracy Letts, Anthony
Ramos, Moses Ingram, Jonah Hauer-King, with Greta Lee, and Jason
Clarke. Nel cast anche Malachi Beasley, Brian Tee, Brittany
O’Grady, Gbenga Akinnagbe, Willa Fitzgerald, Renée Elise
Goldsberry, Kyle Allen e Kaitlyn Dever.
Elio è
il nuovo attesissimo film d’animazione firmato da Madeline
Sharafian e Domee Shi, che segna
un’ulteriore evoluzione nella narrativa visiva e tematica della
Pixar. Uscito nelle sale italiane oggi, mercoledì 18 giugno 2025, e distribuito da
The Walt Disney Company Italia, il film si
presenta come una straordinaria avventura intergalattica che,
ambientata tra la Terra e le profondità dello spazio, vede come
protagonisti del cast vocale nostrano nomi del calibro di
Adriano Giannini, Alessadra
Mastronardi e Lucio Corsi.
Il film segna anche il
ritorno in regia di Domee Shi
(Red), nonché una nuova collaborazione
creativa che tocca tematiche universali come l’identità,
l’accettazione e il desiderio di appartenere a qualcosa di più
grande. Pixar torna così a raccontare il mondo dei
più giovani con una prospettiva fresca e poetica, esplorando
l’universo attraverso gli occhi di un ragazzino sognatore e
insicuro che, suo malgrado, diventa l’inaspettato portavoce del
nostro pianeta in una galassia affollata di stranezze e
possibilità.
La trama di Elio
Elio
segue le vicende di un ragazzino di undici anni sensibile,
fantasioso e con una spiccata vena artistica, che fatica a trovare
il proprio posto nel mondo e spesso si rifugia nella sua
immaginazione. Affascinato dallo spazio e dalle civiltà
extraterrestri, Elio sogna da sempre di entrare in contatto con
forme di vita aliene — e magari persino di essere rapito da
loro.
Un giorno però sua zia
Olga (voce originale di Zoe
Saldaña, italiana di Alessandra
Mastronardi), a capo di un programma militare
ultra-segreto, riceve un misterioso segnale proveniente dallo
spazio profondo, senza sapere cosa si celi dietro di esso. Mentre
Elio, nel frattempo, viene catapultato nello spazio e si ritrova
nel Comuniverso, una gigantesca coalizione intergalattica popolata
da delegati provenienti da ogni angolo dell’universo. Qui, a causa
di un equivoco, viene scambiato per il rappresentante ufficiale
della Terra; e senza alcuna preparazione, il giovane protagonista
si trova al centro di un’avventura straordinaria, nel corso della
quale dovrà affrontare prove inaspettate, entrare in contatto con
bizzarre creature aliene e persino fronteggiare una crisi che
minaccia l’equilibrio cosmico.
Guidato dal suo nuovo e
stravagante amico Glordon in un viaggio pieno di scoperte, emozioni
e colpi di scena, Elio imparerà a comprendere meglio se stesso e il
suo posto nell’universo.
Elio: omaggio al genere
È accaduto più di una
volta a partire dai primi anni 2000. Eppure, il mondo
dell’animazione continua ancora oggi a volgere lo sguardo alle
stelle. Che sia per fuggire dall’eco-disastro terrestre come nel
meraviglioso WALL-E di Andrew
Stanton o per intraprendere un viaggio intergalattico e
identitario a bordo della R.L.S. Legacy timonata da Ron
Clements e John Musker (Il
pianeta del tesoro), in casa Disney Pixar
puntare verso l’infinito (e oltre) è ormai qualcosa di molto vicino
a un vero e proprio marchio di fabbrica.
Elio,
nuovo film della casa madre di Toy Story in uscita
il 18 giugno, si pone così in soluzione di continuità tanto con la
tensioni narrative che hanno a più riprese innervato la produzione
animata degli ultimi venticinque anni, quanto con le coordinate
stilistiche della cineasta Domee Shi; la quale,
dopo il successo di Bao e Red
(nonché dopo il lavoro in qualità di storyboard artist in
lungometraggi quali Inside Out), torna in cabina
di regia al fianco dell’esordiente Madeline
Sharafian per confezionare una storia che fa nuovamente
perno su emozioni adolescenziali e dialettica generazionale –
contrassegnata dalle evidenti influenze che, per ammissione stessa
delle sue creatrici, legano Elio ai principali
antesignani del genere sparsi per la storia del cinema
(dall’E.T.
di Steven Spielberg all’Alien di
Ridley Scott, passando per simpatiche
incursioni nel cinema di Don Siegel e nelle
coloratissime derive del James
Gunn targato Marvel).
Elio: organicità e sguardo
In bilico tra
solitudine, amicizia, guerra, pace e ribaltamenti prospettici,
Elio è un prodotto che, pur senza le ambizioni
rivoluzionarie dei più grandi titoli Pixar,
prosegue ad arricchire il discorso dei vari Red e
Luca, dimostrando di possedere anche
l’organicità che era invece mancata all’Elemental
di Peter Sohn. E, sebbene manchi di un adeguato
approfondimento “etnografico” del mondo extraterrestre e delle sue
leggi e creature – che avrebbe probabilmente giovato alla
caratterizzazione di uno “spazio” che, pur visivamente portentoso,
rimane più che altro di sfondo – il film di Shi e
Sharafian riesce a commuovere nella sua
semplicità. Oltre ad offrire un piccolo grande spunto di
riflessione sull’atto stesso di riconoscersi che, a partire dal
prompt “benda” (il cerotto sull’occhio di Elio, la fasciatura
aliena), dimostra ancora una volta quanto per
Pixar amare significhi vedere. Fidarsi
dell’immagine e delle sue sterminate potenzialità espressive.
La trama e il cast di
Springsteen: Liberami dal Nulla
Prodotto dai 20th Century Studios,
il film racconta la realizzazione dell’album ”Nebraska” di Bruce
Springsteen del 1982, quando era un giovane musicista sulla soglia
della superstar mondiale, che lottava per conciliare le pressioni
del successo con i fantasmi del suo passato. Registrato su un
registratore a 4 tracce nella camera da letto di Springsteen nel
New Jersey, l’album segnò un momento cruciale della sua vita ed è
considerato uno dei suoi lavori più duraturi: un disco acustico
crudo e tormentato, popolato da anime perse alla ricerca di una
ragione per credere.
Interpretato da Jeremy Allen White nel ruolo del
Boss, il film è scritto per lo schermo e diretto da Scott
Cooper sulla base del libro “Deliver Me from
Nowhere” di Warren Zanes. Nel cast ci sono
anche Jeremy Strong nel ruolo del manager e
confidente di lunga data di Springsteen, Jon Landau; Paul
Walter Hauser nel ruolo del tecnico della chitarra Mike
Batlan; Stephen Graham nel ruolo del padre di
Springsteen, Doug; Odessa Young nel ruolo dell’amante Faye;
Gaby Hoffman nel ruolo della madre di Springsteen,
Adele; Marc Maron nel ruolo di Chuck Plotkin e
David Krumholtz nel ruolo del dirigente della
Columbia, Al Teller.
In arrivo solo nelle sale il
24 ottobre 2025, il film è prodotto da Cooper,
Ellen Goldsmith-Vein, Eric Robinson e Scott Stuber. Tracey Landon
Jon Vein e Zanes sono i produttori esecutivi.
Con la produzione ufficialmente
completata, la star di
Masters of the Universe Nicholas
Galitzine offre ai fan un emozionante sguardo dietro le
quinte.
Nella sua ultima rivelazione,
Galitzine mostra l’iconica tunica rosa del principe
Adam, un chiaro omaggio alla classica serie animata, e
sottolinea il rigoroso allenamento fisico a cui ha dovuto
sottoporsi per incarnare il muscoloso e leggendario eroe di
Eternia.
La versione live-action della
classica serie animata vedrà protagonista Nicholas
Galitzine, ma anche la partecipazione di Morena Baccarin nel ruolo della
Strega, e di James Purefoy e Charlotte
Riley nei ruoli dei genitori di Adam, Re Randor e la
Regina Marlena, insieme ad Alison Brie (GLOW, Community)
nel ruolo del braccio destro di Skeletor, Evil-Lyn, Idris Elba (Thor, Luther) in quello di
Man-At-Arms e Jared Leto (Morbius, Blade Runner 2049) in
quello di Skeletor stesso. Nel frattempo, Sam C.
Wilson (House of the Dragon) interpreterà Trap
Jaw, con Kojo Attah (The Beekeeper) nei panni di
Tri-Klops e Jon Xue Zhang (Eternals) nei panni di Ram-Man.
Dopo numerose false partenze,
Netflix era pronta a sviluppare un lungometraggio
tratto dall’amata serie animata già nel 2022, ma all’inizio di
quest’anno abbiamo saputo che anche l’ultimo tentativo di far
decollare il progetto era fallito.
Tuttavia, in seguito avremmo appreso
che Amazon/MGM Studios aveva acquisito il film, con il regista di
Bumblebee, Travis Knight, in trattative
per la regia. L’uscita del film è ora prevista per il 5 giugno
2026. Chris Butler ha riscritto la sceneggiatura
da una bozza iniziale di David Callaham
(Shang-Chi e la leggenda dei dieci anelli). In
precedenza, la regia era stata affidata ai fratelli Nee (La
città perduta).
Todd Black, Jason Blumenthal e Steve
Tisch saranno i produttori, insieme a DeVon Franklin.
Masters of the Universe
arriverà nelle sale il 5 giugno 2026.
L’estate
dei segreti perduti di Prime
Video è la storia di una diciassettenne di nome
Cadence Sinclair alla ricerca dei ricordi perduti dell’anno appena
trascorso. Il mistero ruota attorno ai ricchi Sinclair, durante la
loro vacanza estiva annuale sulla loro isola privata al largo della
costa del Massachusetts. Mentre la famiglia appare unita e perfetta
davanti alle telecamere, sotto si celano oscuri segreti e avidità,
e ogni adulto gioca i propri giochi. Le Liars – Cadence, Mirren,
Johnny Sinclair e Gat Patil – hanno trascorso ogni estate su
quest’isola, promettendosi di non lasciare mai che le cose cambino.
Ma il mistero dietro “Estate 16” di Cadence ha cambiato tutto.
Riunitasi con le altre Liars quest’estate, Cadence, ancora alle
prese con il trauma dell’incidente, ripercorre i suoi passi. I
ricordi che scopre la cambiano per sempre.
Creata da Julie Plec e Carina Adly
MacKenzie, la serie thriller psicologica vede
protagonisti Emily Alyn Lind, Shubham Maheshwari, Esther McGregor,
Joseph Zada, Candice King, Mamie Gummer, Caitlin FitzGerald e David
Morse, dando vita alla straziante realtà di Beechwood Island.
Usando la menzogna come strumento, la storia si intreccia
sapientemente con complesse dinamiche familiari, evidenziando il
prezzo che queste possono comportare per i membri di ogni età. Le
loro ansie sono catturate in modo estremamente realistico,
utilizzando l’ambiente come strumento narrativo per comprendere i
meccanismi interni della mente del protagonista.
L’estate dei segreti
perduti è un adattamento di un romanzo di fantasia
L’estate dei segreti
perduti è una storia interamente di fantasia,
adattata dall’omonimo romanzo del 2014, scritto da E. Lockhart e
sviluppata per il grande schermo dalle creatrici Julie Plec e
Carina Adly MacKenzie. Sebbene gli showrunner apportino diverse
modifiche alla narrazione, il nucleo rimane invariato. Numerose
ispirazioni tratte dalla vita reale hanno portato alla creazione
del libro, a partire dalle esperienze personali dell’autrice. Ha
affermato che il concetto di Cadence è nato come una trasposizione
delle sue ambizioni e dei suoi sentimenti di rabbia e disperazione,
nonostante l’autrice e il personaggio conducano vite molto diverse.
Altri episodi della vita di Lockhart, come il periodo in cui ha
ottenuto una borsa di studio in una scuola privata, hanno ispirato
il personaggio di Gat Patil. Il collegamento qui sembra essere un
senso di distacco e disillusione nei confronti dei privilegi e
dell’élite.
Inoltre, Lockhart ha affermato che,
pur non avendo mai sofferto di emicrania, diverse persone a lei
vicine ne hanno sofferto, e ha usato questa affermazione come base
per esplorare come il dolore e l’instabilità mentale possano
influenzare il modo in cui si percepisce il mondo e si reagisce ai
suoi stimoli. L’autrice ha spiegato che la rivalità tra fratelli
per la proprietà e la ricchezza di Harris Sinclair deriva
principalmente dal racconto di Re Lear. Tuttavia, l’inserimento di
Cime Tempestose nel racconto sorprende persino l’autrice stessa.
Questa consapevolezza le è giunta molto più tardi, il che implica
che specifiche esperienze di vita reale si siano inconsciamente
infiltrate in questo mistero. Profondamente radicate
nell’esperienza di vita reale, le emozioni di amore e disperazione
e i temi della razza e della coscienza di classe pervadono la
narrazione.
L’estate dei segreti
perduti affronta le molteplici forme di razzismo e
classismo
Gat Patil diventa il principale
portavoce della storia, sottolineando la differenza tra la vita
delle persone comuni e quella dei ricchi. Il privilegio diventa uno
dei punti chiave della discussione: i bugiardi arrivano a
disprezzare la superficialità e la vanità dei genitori, arrivando
infine a prendere misure drastiche per contrastarla. La narrazione
riflette sulle numerose ingiustizie che le persone vittime di
razzismo subiscono e su come la ricchezza venga spesso generata
sullo sfruttamento ambientale, con vite innocenti spinte ancora più
in basso nella povertà. Questi momenti di acuta consapevolezza
portano un profondo cambiamento nella mente della protagonista, che
inizia a vedere la sua vita in modo diverso. I personaggi
principali rifiutano la crudeltà che deriva dal privilegio e
mostrano una grande sensibilità alla disparità.
Uno dei motivi centrali della
narrazione è quello delle fiabe. Secondo gli autori di
L’estate dei segreti perduti, le fiabe hanno un
peso grazie alla verità umana che racchiudono. Queste storie
mitologiche e meravigliose vengono riprodotte nel corso dei secoli,
esprimendo i desideri fondamentali dell’umanità attraverso la
fantasia, raggiungendo una qualità senza tempo. Questo aspetto
della narrazione si riflette nelle invenzioni di verità di Cadence,
che ritrovano la strada per il futuro a prescindere da quante volte
tenti di seppellirle. Allo stesso modo, la protagonista,
ispirandosi alla nonna, usa le fiabe per fare un’analogia con il
mondo immaginario in cui vive e, per estensione, può fungere da
analogia per la società in generale. Certe verità possono essere
trasmesse attraverso le storie solo per attenuarne l’impatto, e
L’estate dei segreti perduti funziona come una di
queste.
I Sinclair traggono ispirazione
dalle esperienze infantili dell’autore
I Sinclair sono una famiglia
immaginaria creata appositamente per L’estate dei segreti
perduti. Tuttavia, sembrano ispirarsi a una serie di
famiglie benestanti realmente esistite che l’autrice incontrò da
bambina. Durante i suoi viaggi in traghetto di ritorno a casa, la
giovane Lockhart notò numerose isole private con lussuose case
isolate. Questo diede il via a un esercizio di fantasia che avrebbe
dato vita all’ambientazione della storia. Pertanto, le famiglie
miliardarie che possiedono intere isole in America possono fungere
da ispirazione per i Sinclair. Tra queste, grandi nomi come la
famiglia Malone, proprietaria di Samsan Clay Island alle Bahamas, e
la famiglia Ziegler, che usava le proprie proprietà a Hay Island,
nel Connecticut, come cottage estivo.
Poiché si dice che Beechwood Island
si trovi nella regione del Massachusetts, in particolare tra le
isole elisabettiane, l’ispirazione più probabile per i Sinclair è
la famiglia Forbes, che possiede la maggior parte delle isole di
quella regione. Sebbene si sappia poco altro sulle attività
commerciali della famiglia, la loro considerevole ricchezza e le
loro conoscenze sembrano implicare che abbiano messo le mani in
molte importanti industrie. Il patriarca, Harris, è descritto come
un capitalista dal profondo razzismo e arcaismo. Il suo controllo
si riflette nei disperati tentativi delle figlie di ereditare la
proprietà dei Sinclair. Ciò riflette come il potere possa
rapidamente accecare le persone, seminando caos e sfiducia, che
possono essere superati solo rafforzando i legami con i propri
cari.
Alla fine di L’estate
dei segreti perduti di Prime
Video, una rivelazione sensazionale ribalta l’intera
trama, quando Cadence finalmente capisce la verità dietro
l’incidente che le ha fatto perdere la memoria. Sebbene abbia
implicazioni scioccanti per tutti i personaggi principali della
storia, solleva anche ulteriori domande sull’ambiguità delle altre
parti della serie, in particolare perché gli elementi di mistero e
dramma familiare si intrecciano in modo complicato nelle fasi
finali. Pertanto, il destino dei Liars (Cadence,
Johnny, Mirren e Gat) dipende da come la protagonista
percepisce il suo passato e cerca di dargli un senso senza perdere
la speranza e la fiducia in se stessa. Tuttavia, l’incertezza
cresce man mano che la natura della rivelazione finale viene alla
luce alla fine, lasciando Cadence in uno stato di caduta libera.
SPOILER IN ARRIVO.
Cosa succede in L’estate
dei segreti perduti?
La serie inizia con una serie di
flashback, la maggior parte dei quali derivanti dai ricordi
frammentari di Cadence a seguito di un misterioso incidente.
Sebbene non ricordi nulla di ciò che le è successo, Cadence ricorda
che l’incidente è avvenuto verso la fine dell’estate del 2016,
l’ultima vacanza estiva che ha trascorso a Beechwood Island. Ogni
anno, la ricca famiglia di Cadence, i Sinclair, trascorre le
vacanze sull’isola privata al largo della costa del New England di
proprietà del patriarca della famiglia, Harris. I suoi ricordi
dell’isola sono puri e idilliaci perché è il luogo dove può
trascorrere le estati con i cugini Johnny e Mirren e la sua
migliore amica Gat. Nell’estate del 2016, si è riunita con tutti
loro e si è divertita per la maggior parte del tempo. Tuttavia, le
cose sono andate storte quando un incidente ha sconvolto le loro
vite e Cadence è rimasta affetta da amnesia.
Mentre si riprendeva dalle ferite e
dalle frequenti emicranie, Cadence è tornata sull’isola per
l’estate del 2017 per cercare risposte su ciò che le era successo
durante le vacanze precedenti. Tuttavia, al suo ritorno, si rende
conto che le cose non sono più le stesse sull’isola perché la villa
di suo nonno, Clairmont, è stata ricostruita dal suo originale
stile architettonico classico in una struttura moderna chiamata New
Clairmont, che sembra fredda e sprezzante. Ma soprattutto, i Liars
(Johnny, Mirren e Gat) si rifiutano di dirle cosa le è successo
durante l’estate del 2016 o perché non l’hanno mai contattata
durante il suo processo di recupero dopo l’incidente. Dopo averli
pressati incessantemente, finalmente le dicono che hanno ricevuto
l’ordine esplicito di non divulgare informazioni perché potrebbero
risvegliare ricordi traumatici.
Determinata a scoprire tutta la
verità, Cadence si allea con i Liars per ricostruire ciò che non
ricorda, anche se loro sono riluttanti ad aiutarla per paura di
causarle ulteriore dolore. Tuttavia, più tempo trascorre
sull’isola, più i ricordi iniziano a riaffiorare, la maggior parte
dei quali riguardano la sua relazione con Gat, che ha un ruolo
fondamentale nel suo passato e nel suo presente. La loro storia
d’amore in fiore rimane al centro della narrazione, soprattutto dal
punto di vista emotivo. Tuttavia, man mano che i ricordi
riaffiorano, Cadence si rende anche conto che l’estate del 2016 è
stata tormentata da drammi, segreti, bugie e inganni, molti dei
quali derivanti dalla natura disfunzionale della sua stessa
famiglia. Tutto questo porta a ciò che è realmente accaduto la
notte in cui ha perso la memoria, una notte che ha cambiato la sua
vita in meglio o in peggio.
Il finale di L’estate dei
segreti perduti: i bugiardi sono fantasmi? Cadence sta
sognando?
Dopo aver affrontato diverse prove,
tribolazioni e falsità nel corso della storia, la verità dietro
l’incidente viene finalmente rivelata alla fine della stagione,
quando le lacune nella memoria frammentaria di Cadence vengono
colmate. La notte dell’incidente, la protagonista convinse i Liars
che le ragioni principali dei dissidi e delle lotte intestine
all’interno della famiglia Sinclair derivavano in gran parte
dall’influenza di Harris su tutta la famiglia, in particolare dal
modo in cui utilizzava la prospettiva dell’eredità per tenere tutti
sotto controllo. Così, appiccarono il fuoco alla villa dei
Clairmont, sperando che distruggendola avrebbero potuto porre fine
al dramma familiare. Tuttavia, il piano fallì perché tutte le Liars
tranne Cadence finirono per morire, una tragedia che lasciò una
profonda cicatrice psicologica nel suo cervello, facendola
dimenticare come le sue azioni avessero portato alla morte dei suoi
cari.
Sebbene la rivelazione sul destino
delle Liars sia sconvolgente, solleva una domanda ancora più
grande: come fa Cadence a incontrare le Liars nell’estate del 2017
se sono morte un anno prima? La risposta arriva nelle parti finali,
quando scopriamo che Cadence li ha immaginati, sia come meccanismo
di difesa naturale della sua mente per impedirle di scoprire cosa è
successo, sia perché sono semplicemente dei fantasmi. Sebbene la
seconda spiegazione porti la storia nel territorio del
soprannaturale, il finale sembra suggerire che ci sia una
sovrapposizione tra il regno psicologico e quello spirituale.
Poiché il cervello di Cadence ha cercato di proteggerla dalle
conseguenze delle sue azioni, il che probabilmente si estende alla
creazione di una realtà in cui immagina che Johnny, Mirren e Gat
siano ancora vivi, potrebbe anche essere un modo per aiutarla ad
andare avanti, attraverso un prodotto della sua immaginazione o una
manifestazione dello spirito.
Durante tutta l’estate del 2017,
Cadence è stata completamente sola, anche se credeva di interagire
continuamente con le Liars. Nel finale, ci viene mostrato un
flashback di tutte le scene dell’estate del 2017 in cui Cadence
conversa con Johnny, Mirren o Gat. In realtà, in quel momento non
c’era nessuno intorno a lei. I segni sottili erano sempre stati
presenti, in modo implicito o esplicito, che le cose non erano come
sembravano, anche nei piccoli indizi lasciati dalle Liars quando
parlavano con lei. Nessuna di loro voleva che scoprisse la verità
perché sapevano cosa era successo la notte in cui aveva perso la
memoria, che era una piccola cosa rispetto a ciò che aveva
realmente perso quella notte. Tuttavia, allo stesso tempo, aveva
anche bisogno di sapere la verità per avere una possibilità di
andare avanti.
Cadence si riconcilia con le
Liars?
Una volta che Cadence ha accettato
il fatto che il piano che aveva ideato con le Liars alla fine è
costato loro la vita, piange la loro perdita mentre la verità
finalmente affiora. Durante tutti i suoi precedenti tentativi, ogni
volta che veniva a sapere della morte delle Liars attraverso i
social media, online o tramite i suoi parenti, il suo cervello
cancellava completamente la sua memoria, lasciandola senza alcun
ricordo di ciò che era successo. Tuttavia, dopo aver attraversato
il processo di ricordare organicamente tutto ciò che è successo
nell’estate del 2016, è in grado di assimilare le informazioni in
modo più permanente. Tuttavia, questo lascia ancora un vuoto
incolmabile nel suo cuore perché le conseguenze delle sue scelte
non potranno mai essere cancellate dalla sua psiche. A tal fine,
trova un po’ di conforto nell’ultimo incontro con i fantasmi delle
Liars (o nella sua allucinazione di loro).
Verso la fine, Cadence ha
l’opportunità di parlare individualmente con Johnny, Mirren e Gat,
che le confessano per l’ultima volta i loro rimpianti, i loro
errori, i loro difetti e le loro paure. Nonostante si sentano in
colpa per averli effettivamente condotti alla morte, i tre le
dicono di non sentirsi troppo in colpa perché tutti loro hanno
scelto di dare fuoco a Clairmont. Tuttavia, è solo che sono stati
commessi degli errori e nessuno di loro era un piromane esperto.
Tuttavia, la tragedia dell’incidente pesa ancora su tutti, anche se
le altre Liars potrebbero essere semplicemente un prodotto del
subconscio di Cadence che cerca di affrontare il proprio conflitto
interiore. Tra le cose di cui parlano, Johnny le confessa la sua
paura di bruciare, Mirren ammette che sua madre non l’ha mai vista
e Gat è triste perché la sua relazione con Cadence deve finire.
Sebbene le conversazioni con i Liars
possano essere semplicemente frutto della sua immaginazione,
offrono a Cadence un senso di chiusura e riconciliazione di cui ha
disperatamente bisogno per chiudere questo capitolo della sua vita.
Considerando la tragedia che le ha stravolto la vita, sarebbe in
una situazione ancora peggiore se non avesse i Liars a tenerle
compagnia, sia sotto forma di allucinazioni che in altro modo. Alla
fine della storia, vediamo Cadence tuffarsi in acqua con tutte
loro, ricordando come si tuffavano tutte insieme durante l’estate.
Tuttavia, questa volta non riemergono con lei, ma scompaiono
nell’oceano. Questo probabilmente simboleggia il fatto che Cadence
ha superato il trauma di averle perse ed è ora che loro se ne
vadano e tornino al nulla.
Come reagisce la famiglia Sinclair
dopo la tragedia?
Dopo il terribile incidente, in
apparenza sembra che nulla sia cambiato per i Sinclair. Tuttavia,
in realtà, il loro mondo è completamente diverso ora che Johnny,
Mirren e Gat sono morti. I cambiamenti più evidenti si notano nelle
sorelle Sinclair, Carrie, Penny e Bess, che trascorrono gran parte
della narrazione litigando continuamente tra loro. Tuttavia, dopo
la tragedia, sono meno inclini alle lotte intestine e a mettersi i
bastoni tra le ruote a vicenda per ottenere vantaggi personali e
ingraziarsi il padre, Harris. Ciò è probabilmente dovuto al fatto
che tutte e tre hanno subito perdite catastrofiche sotto forma
della morte definitiva dei propri figli. Penny è l’unica la cui
figlia è sopravvissuta, ma l’amnesia e le cicatrici psicologiche di
Cadence sono così profonde che anche lei non ne esce indenne.
La tragedia di vedere le sorelle
Sinclair cambiare in parte il loro comportamento è che ormai è
troppo tardi per salvare i loro figli. Il loro egoismo e
l’incapacità di vedere oltre i propri interessi portano i loro
figli a pagare il prezzo della loro follia. In un certo senso,
questo incarna il modo in cui gli errori di una generazione vengono
tramandati a quella successiva. Ad esempio, Bess tratta Mirren con
disprezzo e sdegno per tutta la storia perché crede che diventare
madre abbia in qualche modo limitato la sua capacità di essere
perfetta e di realizzare grandi cose nella vita. Questo punto di
vista egocentrico mostra come lei metta se stessa prima di tutti
gli altri, compresa Bess. Di conseguenza, Bess cresce sentendosi
emarginata nella sua famiglia dalla propria madre, una situazione
triste per qualsiasi bambino.
Alla fine della stagione, Bess dice
a Carrie che ha esposto tutte le opere d’arte di Mirren alla
galleria Sound’s Edge, nel disperato tentativo di garantire che la
vita e il lavoro di sua figlia siano preservati, ammirati e
apprezzati dalla gente. Prova rimorso per non aver trascorso più
tempo con Mirren, incoraggiandola e sostenendola come avrebbe
dovuto fare una madre. Se ne rende conto troppo tardi, quando non
c’è più nulla da salvare se non un piccolo ricordo di una ragazza
la cui vita è finita troppo presto. Lo stesso vale per il rapporto
di Carrie con Johnny e il legame di Penny con Cadence. I genitori
usano costantemente i propri figli per i propri scopi. Solo dopo la
tragedia si rendono conto di quanto abbiano sbagliato, soprattutto
quando si tratta di giustificare il loro comportamento.
Cadence accetterà la proposta di
Harris? Cosa le riserva il futuro?
Nonostante abbia riacquistato la
memoria, la battaglia di Cadence contro il dominio dei Sinclair
continua a causa della proposta di Harris di prendere il controllo
del suo impero come nuova figura di riferimento. Anche se la
protagonista sembra esitante ad accettare, si rende conto che
potrebbe non avere scelta, perché Harris dirà al mondo intero come
le sue azioni hanno finito per costare la vita a Johnny, Mirren e
Gat. A tal fine, sembra più che probabile che la sua decisione
finale sarà positiva. Harris la informa che presto un giornalista
passerà sull’isola per intervistarla sull’intero piano di
successione, rendendolo ufficiale. La costringe ad accettare di
mentire per lui durante l’intervista, obbligandola a dire le cose
giuste per sostenere il valore, la tradizione e l’onore del nome
Sinclair. Data la natura delle tattiche intimidatorie di Harris, le
opzioni di Cadence sembrano limitate.
Nonostante la pressione esercitata
dal nonno prepotente, alla fine della stagione la protagonista
prende la coraggiosa decisione di ignorare tutte le minacce e di
andarsene dall’isola. Questo sorprende tutti, specialmente Harris,
che si rende conto che la sua nipote maggiore ha più grinta di
quanto pensasse possibile. Nel frattempo, Penny e le sue sorelle
guardano con ammirazione la nuova generazione che mostra loro la
strada da seguire per liberarsi dal ciclo di oppressione e dominio
imposto loro dal patriarca della famiglia. Dai loro sguardi è
evidente che le tre sorelle sono orgogliose di Cadence per aver
avuto il coraggio di sfidare Harris, cosa che loro non sono mai
state in grado di fare per un motivo o per l’altro. Questo dimostra
la sua forza di carattere e il percorso che ha intrapreso nel corso
della narrazione.
Sebbene sia difficile sapere cosa
riserva il futuro a Cadence, il suo viaggio può prendere molte
direzioni ora che ha rinunciato alla responsabilità di succedere
come erede della famiglia Sinclair. Anche se accetta che sarà
sempre una Sinclair, il suo valore come essere umano sarà
determinato dalle sue azioni e non dall’eredità della sua famiglia.
A tal fine, è probabile che prenda esempio da Gat e decida di
andare alla scoperta del mondo. È innegabile che lui le abbia
aperto gli occhi in più di un modo, anche sulle ingiustizie che
avvengono nel suo stesso vicinato. Potrebbe quindi trovare
allettante l’idea di vagare per il mondo e vedere come vivono le
persone altrove e le situazioni che devono affrontare
quotidianamente. Probabilmente sarà molto diverso dalla sua
esistenza idilliaca a Beechwood Island, ma potrebbe anche fungere
da catalizzatore per un’ulteriore crescita.
Johnny è ancora vivo?
L’estate dei segreti
perduti conclude la maggior parte delle trame entro la
fine della stagione. Tuttavia, la scena finale lascia una porta
aperta che potrebbe essere esplorata in una stagione futura. Mentre
l’estate volge al termine, vediamo Carrie e Will lasciare Beechwood
Island con l’aiuto di Ed. Dopo aver detto a Ed di andare avanti,
lei torna in casa per prendere un flacone di pillole, che sembrano
farmaci. A quanto pare, è ancora in una spirale di dipendenza, che
probabilmente è peggiorata dopo la morte di Johnny. Si mette una
pillola in bocca e cerca di trovare sollievo nei suoi effetti.
Tuttavia, si spaventa quando si accorge che c’è qualcuno seduto
dietro di lei. Si gira e si rivolge a lui dicendo: “Pensavo te ne
fossi andato”. Successivamente, scopriamo che la persona con cui
sta parlando è Johnny, che le dice: “Non credo di poterlo
fare”.
L’apparizione di Johnny alla fine
suggerisce che c’è ancora una possibilità che sia vivo. Sebbene ciò
cambierebbe completamente le carte in tavola, sembra un po’
inverosimile considerando tutto ciò che abbiamo visto in
precedenza. A tal fine, la sua presenza può essere spiegata con la
tossicodipendenza di Carrie. Analogamente a Cadence, Carrie sta
probabilmente assumendo molte droghe per alleviare il suo dolore,
il che potrebbe averle provocato delle allucinazioni, proprio come
è successo alla protagonista. Questo spiegherebbe perché vediamo
Johnny alla fine. Tuttavia, esiste ancora la possibilità che Johnny
sia vivo e che la sua morte sia stata una messinscena inventata da
altre persone per alimentare Cadence con una storia falsa. Ciò
porterebbe la narrazione in un territorio molto più sinistro di
quanto sembri in superficie. Per quanto riguarda come potrebbe
essere successo, potremmo scoprire la verità in caso di un
potenziale seguito nella seconda stagione.
Motorheads
è una serie originale Prime Video che mescola
dramma
adolescenziale, mistero familiare e una forte componente
motoristica,
ambientata nella provincia americana tra officine, autodromi e
tensioni intergenerazionali. Lanciata nel maggio 2025, la serie
segue le vicende di Zac, un ragazzo appassionato di corse, che si
ritrova coinvolto in segreti più grandi di lui quando scopre
dettagli oscuri sul passato della sua famiglia e sull’assenza del
padre.
Accanto a lui ruotano personaggi altrettanto tormentati e
carismatici, come Caitlyn, Alicia e Harris, che si confrontano con
la perdita, la rabbia, l’amicizia e l’amore in un contesto in cui
i motori sono metafora di
identità e velocità di fuga. Tra competizioni clandestine
e vecchie ruggini familiari, Motorheads ha conquistato una fanbase giovane grazie al
suo stile narrativo teso e dinamico, sostenuto da una colonna
sonora energica e un’estetica a metà tra Outer Banks e Fast & Furious.
Motorheads è stata rinnovata per una Stagione 2?
Il
futuro di Motorheads, la
serie teen-drama con motori e segreti di famiglia, rimane in
sospeso. Ad oggi, Prime
Video non ha ancora ufficializzato il rinnovo o la
cancellazione della serie dopo i suoi 10 episodi, usciti
il 20 maggio 2025. Tuttavia, le parole del creatore
John A. Norris
(alias Johnny Norris) hanno ravvivato le speranze dei fan.
Rispondendo a un commento su X, ha confermato che “Season two is written“: la Stagione 2
esiste già – almeno su carta.
Il
finale della prima stagione ha lasciato diverse porte aperte:
l’oscuro destino di Christian Maddox, il padre scomparso, e il
futuro dei rapporti tra Zac, Caitlyn, Alicia e Harris sono rimasti
irrisolti.
Inoltre, Norris ha spifferato uno spoiler: nel secondo episodio
della seconda stagione, Caitlyn affronterà il test della patente,
proprio come la sua interprete Melissa Collazo dovrà fare nella
realtà.
Anche il cast sembra pronto a tornare: Mia Healey (Alicia) ha
dichiarato di aver già un’idea chiara per la stagione 2, e Michael
Cimino (Zac) ha anticipato che il suo personaggio sarà molto
cambiato sin dall’inizio.
Tra i fan, la conversazione è vivace. Su Reddit si
legge:
“It’s like… one of those shows you can just turn your brain off and
relax”reddit.com
E il Guardian, pur criticando dialoghi deboli e una regia
altalenante, ha riconosciuto la chimica tra i giovani protagonisti
come elemento trainante della serie .
Per ora non ci sono conferme ufficiali da Prime
Video, ma il fatto che la sceneggiatura sia già pronta,
unita al buon riscontro iniziale (la serie ha dominato le
classifiche U.S. tra il 22 e il 25 maggio) , lascia sperare
in un rinnovo a breve.
In attesa della
conferma, i fan possono consolarsi con la consapevolezza
che la trama è già stata scritta e pronta per decollare. Incrociamo
le dita!
Motorheads, serie
Prime
Video, segue un gruppo di adolescenti di Ironwood, in
Pennsylvania, che si dedicano alla costruzione di auto e sfogano la
loro rabbia gareggiando per le strade. La storia segue i gemelli
Zac e Caitlin che si trasferiscono con la madre Samantha dalla loro
casa di Brooklyn alla città natale di quest’ultima, per stare con
lo zio Logan Maddox. Il padre, Christian Maddox, era una leggenda
locale delle corse automobilistiche scomparso 17 anni prima durante
un inseguimento in auto dopo una rapina. Ex meccanico della NASCAR,
Logan gestisce attualmente un’officina meccanica nel suo fienile
trasformato in garage. Caitlin ama le auto ed è entusiasta di
lavorare e imparare al fianco dello zio.
Tuttavia, all’inizio Zac vuole solo
stare tranquillo e staccarsi dall’eredità del padre. Ben presto
incontrano altri adolescenti del posto, tra cui il loro vicino
Marcel Crawford, Alicia Whitaker, Kiara Gibbons, Harris Bowers e
Curtis Young, che frequentano tutti la stessa scuola. Harris e Zac
litigano subito, e Caitlin, Marcus e Curtis si schierano con
quest’ultimo. Decidono di riparare una Dodge Charger gialla di
proprietà di Christian e di sfidare Harris in una gara di
accelerazione. Questo dramma adrenalinico sul passaggio all’età
adulta affronta temi universali come l’amicizia e la rivalità,
insieme all’eccitazione sfrenata delle corse su strada.
Motorheads esplora la cultura
delle gare di accelerazione in Pennsylvania
Motorheads è ambientato nella città
immaginaria di Ironwood, vicino a Filadelfia, in Pennsylvania.
Descritto dal regista dell’episodio pilota, Neil Burger, come un
incrocio tra “The
Fast and the Furious” e “Friday Night Lights”, lo show
dipinge un quadro realistico della cultura delle corse clandestine
su strada, che risale a oltre mezzo secolo fa. Lo stato è sede
della pista abbandonata Nu-Be, inaugurata nel 1969. La pista, lunga
1/8 di miglio, è stata chiusa all’inizio degli anni ’80 dopo che i
proprietari hanno smesso di pagare le tasse. Sebbene di breve
durata, ha contribuito a promuovere lo spirito di cameratismo tra i
piloti e gli appassionati di auto di Filadelfia.
Lo stato della Pennsylvania ha
prodotto molte leggende dello sport delle gare di accelerazione,
come Kenneth Dale “Kenny” Bernstein, Russell James “Jim” Liberman,
Joe Amato e Bruce Larson, tra gli altri. Questo sport è stato
rappresentato numerose volte sul grande schermo, ad esempio in
“Snake & Mongoose” (2013), “Heart Like A Wheel” (1983), ‘Burnout’
(1979) e “Wheels of Fire” (1973).
Attualmente, Filadelfia sta
assistendo a un aumento delle corse su strada a scapito della
sicurezza pubblica. Nel settembre 2024, secondo quanto riferito,
centinaia di auto hanno partecipato a gare di accelerazione in
varie parti della città, con acrobazie che prevedevano l’uso di
lanciafiamme. Mentre molti si sono radunati per assistere agli
eventi, altri cittadini erano terrorizzati, il che ha portato a una
forte repressione da parte della polizia. Così, il mondo
immaginario di “Motorheads” sembra radicato nella realtà del suo
contesto e incarna tutti gli aspetti della sottocultura per
raccontare agli spettatori una storia ben fondata.
La storia immaginaria di
Motorheads cattura il vero amore per le auto del suo
protagonista
Sebbene
Motorheads sia un’opera di fantasia creata
dalla mente dello showrunner John A. Norris, l’attore
Michael Cimino, che interpreta Zac, incarna il
termine nel suo senso più vero. La star venticinquenne è sempre
stata un appassionato di auto e da bambino collezionava Hot Wheels.
In un’intervista al LA
Times, ha ricordato di aver costruito piste da corsa per le
macchinine con suo padre e di aver giocato insieme a lui al
videogioco di corse automobilistiche “Forza” quando era più grande.
Michael ha rivelato che i suoi zii erano piloti di dragster e che
suo nonno gli ha insegnato a lavorare sulle auto e a ricostruire i
motori, gettando così solide basi per la sua passione. “Ho
costruito una Miata del 2002 con motore sovralimentato”, ha
raccontato la star di “Love,
Victor”. “Ho una piccola serie su TikTok che sto montando, in
cui mi vedete mentre la costruisco con il mio amico Justin e mio
cugino, e che inizierò a pubblicare molto presto”.
Da quando Michael ha firmato con la
Creative Artists Agency, ha aspettato un progetto che unisse la sua
passione per le auto e la recitazione. Quindi, quando ha ricevuto
la sceneggiatura di “Motorheads”, era sicuro che avrebbe ottenuto
il ruolo. L’affinità di Michael per le auto lo ha aiutato a
ottenere la parte nella serie, ha confermato il showrunner Norris,
che ha seguito l’audizione insieme al produttore esecutivo Jason
Seagraves. Hanno ricevuto molte audizioni da persone che fingevano
di essere esperte di auto per ottenere la parte e inizialmente
hanno pensato che Michael fosse uno di loro. Tuttavia, quando
quest’ultimo ha parlato di costruire un’auto e ha mostrato loro il
suo lavoro in corso che stava portando con sé a Los Angeles su
Zoom, hanno capito che era un vero appassionato. “Quell’energia è
reale. Ogni parte di lui lo è”, ha aggiunto Norris.
Partecipare al salone
automobilistico annuale Tokyo Auto Salon ha aiutato Michael a
familiarizzare con la sottocultura della costruzione di auto e
delle corse. Ha stretto contatti e ha assistito alla scena
underground, giungendo alla conclusione che il mondo degli
appassionati di motori non è semplicemente un modo per divertirsi,
ma anche un “simbolo di espressione di sé” e di ribellione. Questo
spirito è canalizzato nel suo personaggio, Zac, che decide di
affrontare il bullo della scuola, Harris, in “Motorheads”. Mentre
nella serie originale Amazon le scene di guida sono state
interpretate da stuntman, Michael spera di dare maggiore
autenticità a questi ruoli in futuro interpretandoli lui stesso.
L’attore ha ottenuto il certificato di stuntman e spera di emulare
il suo modello, Tom
Cruise, nei prossimi giorni.
Dopo quasi tre decenni
dagli eventi di 28 Giorni Dopo, il regista
premio Oscar Danny Boyle
torna nell’universo narrativo che ha ridefinito il genere horror
post-apocalittico con 28 Anni Dopo(28 Years Later), un’opera che mescola
intrattenimento ad altissimo profilo, lucida analisi politica e un
cuore vibrante, sorprendentemente emozionante. Al suo fianco,
ancora una volta, c’è lo sceneggiatore Alex
Garland, con cui Boyle aveva già collaborato per dare vita
al virus della rabbia che ha devastato il Regno Unito sullo
schermo.
Questa nuova iterazione
non è solo un sequel: è il primo capitolo di una nuova trilogia
(il
secondo film è già stato girato!), e al tempo stesso una
riflessione profonda sui traumi collettivi del nostro presente. Il
film, prodotto da Sony Pictures e distribuito da Eagle Pictures, è
al cinema dal 18 giugno con un cast stellare che include Jodie
Comer, Aaron Taylor-Johnson, Jack O’Connell, l’esordiente Alfie
Williams e un sempre straordinario Ralph Fiennes.
La trama di 28
anni dopo: una nuova isola, una nuova missione
La storia ci porta su una
piccola isola, una specie di fortezza, collegata alla terraferma da
una singola e fortemente sorvegliata strada rialzata che è
percorribile solo con la bassa marea. In questo microcosmo
sopravvive una comunità isolata, braccata dal ricordo del passato e
dal timore costante di ciò che vive oltre il confine. Il virus
della rabbia, infatti, continua a infestare il continente e ha
trasformato gli esseri umani in creature rabbiose, predatori
instancabili. L’uomo si è adattato a vivere in comunità che
ripropongono lo stile di vita degli anni ’50, promuovendo un
machismo che diventa simbolo di forza e quindi maggiore possibilità
di sopravvivenza, mentre i ruoli di genere vengono rigorosamente
rispettati e incoraggiati seguendo un’aspirazione anacronistica. Ma
se le persone sane hanno trovato questo modo di sopravvivere, anche
gli infetti si sono adattati, non muoiono più di fame, ma si
organizzano in gruppi, cacciano, sono veloci e aggressivi e ogni
branco/tribù è capeggiato da un alpha, un esemplare maschio
particolarmente aggressivo e pericoloso. In questo mondo allo
sbaraglio, il piccolo Spike imparerà il valore della morte e quello
dell’amore.
Cortesia di Sony Pictures
La speranza è
giovane
È la coraggiosa decisione
di Spike a cambiare la sorte del film, a modellarne il genere e a
dare inizio al più classico dei viaggi di formazione. La sua
esplorazione si trasforma in una parabola generazionale, dove il
protagonista diventa un punto di rottura rispetto all’immobilismo
della sua comunità. Incontrerà segreti sepolti, testimonianze del
passato e nuovi modi di vivere, umanità e bestialità, speranza e
disperazione, e di volta in volta imparerà a forgiare il proprio
destino attraverso gli avvenimenti.
Un film profondamente
politico
Boyle dirige con mano
ferma, consapevole della tradizione visiva e concettuale da cui
proviene, ma anche intenzionato a spingersi oltre. Se 28 Giorni
Dopo era un film sulla sopravvivenza, 28 Anni Dopo è un
film sull’eredità. L’eredità dei traumi pandemici, delle divisioni
politiche, della Brexit, del lockdown, della paura, ma anche
dell’adattabilità che l’uomo ha dimostrato a questi grandi
stravolgimenti. Il film parla direttamente a chi ha vissuto gli
ultimi cinque anni in un mondo che sembrava collassare e ora fatica
a ritrovarsi. Una fotografia precisa di quello che stiamo vivendo,
un occhio lucido e all’erta su quali sono i pericoli che
l’isolamento contemporaneo genera. 28 anni dopo è un’esperienza
profondamente politica, ma mai predicatrice: la sua forza sta nel
mostrare, non nel dire. E ovviamente come mostra Boyle,
nessuno.
Estetica digitale e tensione di
altissimo livello
Il regista premio Oscar
sfrutta a suo beneficio la tecnologia leggera, per portare lo
spettatore dentro la storia. Sporca le panoramiche, fa tremare le
riprese dall’alto, mostra la meraviglia e il terrore nei confronti
di una natura splendida e insidiosa con uno stile serrato e
vibrante che usa al meglio il digitale e si fa erede di quel 28
giorni dopo che era stata la prima distribuzione worldwide in
digitale.
L’occhio di Boyle è
dinamico ma calibrato, capace di alternare momenti di pura
adrenalina a scene di profondo silenzio e tensione emotiva. Il
montaggio è teso, serrato, mai gratuito. Ogni inquadratura serve a
costruire una narrazione che è tanto viscerale quanto simbolica. La
colonna sonora, come da tradizione boyliana, è di altissimo
livello: atmosfere elettroniche e orchestrali si fondono per
accompagnare lo spettatore in un viaggio disturbante ma
affascinante, capace di evocare le emozioni più disparate nell’arco
di pochi minuti.
Un cast in stato di
grazia
Ben noto per aver
lanciato le carriere di alcuni degli interpreti più interessanti
del panorama contemporaneo, Danny Boyle affida la sua storia a dei
volti molto noti e amati del cinema:
Jodie Comer offre una performance intensa e
stratificata,
Aaron Taylor-Johnson esplode sullo schermo nel suo
ruolo patriarcale e violento ma inadeguato di fronte al nuovo,
Jack O’Connell, in un ruolo che sarà sviluppato
nei prossimi film, si conferma un attore trasformista, capace di
meraviglie. Ma è il giovane Alfie Williams a
sorprendere: il suo personaggio è il cuore del film, un simbolo
fragile ma determinato che incarna la possibilità di un futuro
diverso. Infine, completa il cast in un ruolo enigmatico e potente,
Ralph Fiennes, che aggiunge profondità e un
macabro lirismo alla narrazione.
Cortesia di Sony Pictures
La scrittura
chirurgica di Alex Garland
La sceneggiatura di
Alex Garland è chirurgica: mai dispersiva, sempre
centrata, capace di equilibrare azione e introspezione. I dialoghi
sono misurati, carichi di significato anche nei silenzi. Il mondo
di 28 Anni Dopo è costruito con coerenza, ma anche con una
vena poetica che emerge nei contrasti tra la brutalità del contesto
e l’umanità dei protagonisti.
Nonostante un finale che
prelude chiaramente a un secondo capitolo più oscuro, Boyle non
rinuncia alla speranza. E lo fa senza retorica: la fiammella della
possibilità resiste, incastonata in un mondo che ha perso tutto ma
forse può ancora trovare qualcosa di nuovo. Non è la solita storia
apocalittica: è una riflessione sul nostro tempo, travestita da
film di genere che riesce a essere anche di grande
intrattenimento.
28 Anni
Dopo è un grande ritorno. Non solo per la qualità
tecnica e la forza narrativa, ma per la capacità di parlare al
presente, anche attraverso il filtro di un futuro distopico. Boyle
ha confezionato un’opera potente, e per un attimo
consolatoria, ci ricorda che la speranza può sopravvivere. Anche se
non a lungo.
Ralph Fiennes si è
distinto come uno dei migliori interpreti della sua generazione,
mai abbastanza celebrato. L’attore, infatti, gode di un talento
raro, che gli permette di infondere grande umanità e verità in ogni
personaggio da lui interpretato. Passa con naturalezza dal cinema
autoriale a quello blockbuster, lasciando ogni volta il segno con
la sua presenza.
2. È anche doppiatore,
regista e produttore. Nel corso della sua carriera
l’attore non ha praticato solo questa professione. Infatti, ha
prestato la propria voce per il doppiaggio di film d’animazione
come Il principe d’Egitto (1998), C’era una volta
Gesù (2000), Wallace & Gromit – La
maledizione del coniglio mannaro (2005), Kubo e la spada magica
(2016), LEGO Batman – Il film
(2017) e The LEGO Movie 2 – Una nuova
avventura (2019). Inoltre, ha lavorato come regista e
produttore dei film Coriolanus (2011), The Invisible
Woman (2013) e Nureyev – The White Crow (2018).
Ralph Fiennes è Voldemort in
Harry Potter
3. Ha dato
suggerimenti sul look del personaggio. Sul set dei film,
Ralph Fiennes non era truccato per coprirsi il naso. Per rendere il
personaggio più spaventoso, questo gli è stato rimosso
digitalmente, con risultati che il trucco non poteva raggiungere.
Inoltre, gli “occhi rossi simili a serpenti” descritti nel
romanzo non sono stati aggiunti su suggerimento dell’attore che
sosteneva che l’espressione dei suoi veri occhi avrebbe fornito
un’idea migliore della follia e della malignità di Lord
Voldemort.
Ralph Fiennes in Schindler’s
List
4. È stato scelto perché
tenebroso. L’attore, per interpretare il ruolo di Amon
Goeth nel capolavoro di StevenSpielberg
Schindlers’ List, è ingrassato ben 13 chili, gran parte
dei quali assunti, stando alle dichiarazioni dell’attore, bevendo
molta Guinness. Inoltre, Spielberg ha dichiarato di averlo scelto
sia perché non era un nome molto famoso all’epoca, sia perché aveva
un aspetto intrigante, una “sessualità cattiva”, che lo rendeva
tanto attraente quanto minaccioso.
5. Ha studiato a lungo il
personaggio. Per prepararsi al personaggio, l’attore ebbe
inoltre modo di parlare con quanti conobbero realmente il nazista
Amon Goeth, arrivando a comprendere aspetti di lui che lo svelavano
come un uomo fragile e da compatire. Una sopravvissuta dei campi di
concentramento, incontrandolo sul set, ammise di essersi sentita a
disagio per l’inquietante somiglianza tra i due. La paura che
incuteva negli altri permise a Fiennes di calarsi ulteriormente nei
panni del personaggio.
Ralph Fiennes in Conclave
6. Il ruolo è stato
riscritto perlui.
Robert De Niro era stato inizialmente scritturato per
interpretare il ruolo principale, ma alla fine ha rinunciato. È
stato quindi contattato Javier Bardem, che però ha rinunciato a sua
volta. Quando alla fine è stato scelto Ralph Fiennes, il suo
personaggio è stato riscritto in modo da essere inglese (nel
romanzo è italiano), poiché Fiennes si era rifiutato di
interpretare il personaggio con un accento italiano, ritenendo che
sarebbe risultato ridicolo.
Il fisico di Ralph Fiennes per l’Ulisse di The
Return
7. Si è sottoposto ad un
rigido allenamento. Per prepararsi al ruolo di
Ulisse/Odisseo in Itaca
– Il ritorno, Fiennes ha seguito un intenso programma
fisico volto a trasformare il suo corpo in quello di un
sopravvissuto segnato da fatica e privazioni. L’attore ha lavorato
con un personal trainer per mesi, focalizzandosi su esercizi di
resistenza, mobilità e tono muscolare, evitando l’eccessivo
ingrossamento. La dieta è stata drasticamente ridotta in calorie
per ottenere un aspetto scarno e scavato, coerente con il tormento
interiore del personaggio. Il risultato è un fisico asciutto,
nervoso, che riflette perfettamente il dolore e l’umanità
trattenuta del suo ruolo nel dramma epico diretto da Uberto
Pasolini.
La moglie di Ralph Fiennes
8. Ha un matrimonio alle
spalle. Nel corso della sua vita, l’attore si è sposato
una sola volta, nel 1993: in quell’anno, infatti, è convolato a
nozze con la collega Alex Kingston, dopo dieci
anni di fidanzamento. I due si erano conosciuti nel 1983 alla Royal
Academy of Dramatic Art, quando erano ancora degli studenti.
Tuttavia, il loro matrimonio è durato poco, tanto che nel 1997
hanno divorziato. La coppia non ha avuto figli.
La pronuncia del nome di Ralph Fiennes
9. Il suo nome viene spesso
pronunciato male. Sono tanti gli attori di Hollywood con
nomi oggettivamente complessi e che vengono il più delle volte
pronunciati male. Da Saoirse Ronan a
Benedict
Cumberbatch, Jake Gyllenhaal
a Matthew
McConaughey. Tra questi si annovera anche lo stesso
Fiennes. Per sapere come pronunciare correttamente il suo nome, è
bene sapere che la L in Ralph, non si pronuncia, con un risultato
che suona dunque come “Reiph”. Mentre il cognome è da pronunciarsi
come “Fains”.
Ralph Fiennes: età e altezza
10. Ralph Fiennes è nato il
22 dicembre del 1962 a Ipswich, nel Suffolk, in
Inghilterra. La sua altezza complessiva corrisponde a 180
centimetri.
Il fatto che il suo primo film
candidato all’Oscar non abbia optato per un finale banale o
accattivante la dice lunga sulla disciplina assoluta di David Lynch. I momenti finali di The
Elephant Man sono tragici, potenti e ambigui allo stesso
tempo, ma più di ogni altra cosa, la scena finale di Lynch può
essere vista come il culmine definitivo degli eventi e della psiche
repressa del suo protagonista John Merrick (John
Hurt), alias The Elephant Man. Lynch è sempre fedele ai suoi
personaggi, e questo è particolarmente evidente nelle scene
finali.
In Blue Velvet, un uccello
animatronico che divora un verme indifeso completa il ritratto
avvincente di Lynch della realtà agrodolce del sogno americano, che
ha avvolto il protagonista Jeffrey (Kyle
MacLachlin) per tutta la durata del film. Normalmente
Lynch opta per una metafora gigantesca per culminare i suoi
racconti metaforici, ma The Elephant Man è uno dei drammi più
lineari di Lynch. Non sorprende quindi che The Elephant
Man sia più paragonabile a Twin Peaks: Fire Walk With Me,
entrambi caratterizzati dalla caduta di un personaggio immerso in
un ambiente molto reale, che sceglie il proprio addio come
manifestazione delle proprie convinzioni confuse piuttosto che
delle metafore onnipresenti di Lynch. Ma anche se paragonata alla
sequenza finale assolutamente devastante di Twin Peaks: Fire Walk
With Me, la progressione della scena finale di The Elephant Man non
è solo l’addio appropriato per un uomo afflitto dalla malattia, ma
uno dei momenti più onesti e significativi del cinema che Lynch o
chiunque altro abbia mai prodotto.
Le fredde e spietate strade vittoriane del finale di The
Elephant Man
Inoltre, il finale di The Elephant
Man può sembrare un po’ fuori luogo a prima vista. Le fredde e
spietate strade vittoriane, piene di fumo e di abitanti della
classe operaia, sembrano perfette per Lynch, reduce dal suo
incredibilmente cupo film d’esordio Eraserhead. Ma come semplice
biopic scritto da altri due aspiranti hollywoodiani (Christopher De
Vore ed Eric Bergren), il livello a cui Elephant Man era orientato
verso l’Academy non è esattamente quello di David Lynch.
Ma a parte il soggetto, gli aspetti
più raffinati di The Elephant Man sono tipicamente lynchiani, e
tutto converge nei momenti finali, quando John appoggia la testa
sul letto per andare a dormire, sapendo che potrebbe ucciderlo.
Perché, sebbene le immagini di un film di Lynch possano definire il
modo in cui viene visto il suo cinema, la pura dedizione ai suoi
personaggi avvolge l’enorme ego cinematografico di Lynch e alla
fine definisce il termine “lynchiano”: la scena inizia con John che
guarda fuori dalla finestra e poi rivolge la sua attenzione al
modello di cattedrale di cartoncino che ha costruito durante tutto
il film. Mentre John fissa la finestra, ci viene in mente quanto
fosse grave la sua situazione, non solo in termini di salute
fisica, ma anche per il suo posto nella società. Frederick
(Anthony Hopkins) nota a un certo punto che
John desiderava visitare la cattedrale di persona, ma anche che il
suo aspetto grottesco avrebbe rovinato il viaggio. È lecito
supporre che lo sguardo di John sul paesaggio vittoriano
magistralmente costruito sia un parallelo alla sua costruzione
della cattedrale, che egli immediatamente guarda dall’alto quando
si rende conto che è la vista migliore che può ottenere. John si
avvicina alla cattedrale e Lynch si concentra sulla piccola firma
“John Merrick”, e ciò che segue diventa il tour personale di John
del maestoso edificio. Lynch passa attraverso i dettagli più fini
dell’edificio, esplorandone la struttura insieme a John,
realizzando il suo sogno di visitare la cattedrale.
È un momento bellissimo che segna la realizzazione di un sogno per
John, ma serve anche come indicatore della sua mente offuscata, che
a sua volta porta alla sua morte. È una mentalità che è stata
costruita nel corso del film, in parte da John, ma anche
dall’intero ambiente che lo circonda. Frederick alla fine si rende
conto che le sue azioni filantropiche non erano del tutto
altruistiche e che il prezzo da pagare per la sua carriera medica
era la perdita della realtà da parte di John. Frederick, infatti,
si era reso perfettamente conto che John non avrebbe mai potuto
diventare un cittadino rispettabile.
John non avrebbe mai potuto
diventare un cittadino rispettabile, Frederick ha cercato di
integrarlo nella cerchia sociale, dove le persone incontravano John
per soddisfare il proprio ego pomposo e, in cambio, mentivano a
John sulla gioia di averlo con loro. Le azioni ripetute di
Frederick hanno creato una bugia che è culminata con la
partecipazione di John al Theatre Royal, dove la famosa attrice
Marge Kendal (Anne Bancroft) ha omaggiato John con una standing
ovation da parte del pubblico.
Così, dopo che John ha realizzato
il suo sogno di assistere a uno spettacolo, il viaggio attraverso
la sua cattedrale di carte sembra essere un riflesso del suo stato
d’animo. Certamente John non crede di aver davvero visitato la
cattedrale, ma la sequenza riflette il fatto che John crede di
essere pronto a visitarla. Con l’accettazione della società,
ottenuta durante l’ovazione iniziata da una delle figure più
importanti della società, si possono ipotizzare due teorie sulla
serie di eventi successivi. Mentre John si allontana dalla sua
cattedrale, osserva un quadro appeso alla parete, che raffigura una
donna che dorme profondamente nel suo letto. Il quadro era già
stato menzionato in precedenza nel film, quando John parlava del
suo desiderio di dormire come un essere umano normale, pur sapendo
che farlo avrebbe provocato l’asfissia. Così, mentre John toglie i
cuscini dal letto e appoggia la testa su di essi, le due teorie
vengono alla luce. La prima: rendendosi conto del punto più alto
che può raggiungere, John si suicida. È una teoria che sarebbe
altrettanto tragica per la storia di John, ma l’altra teoria sembra
molto più plausibile e appropriata.
Il vero Frederick Treves eseguì
l’autopsia sul signor Merrick e giunse alla conclusione definitiva
che, dopo essersi dislocato il collo a causa del peso della propria
testa, “così avvenne che la sua morte fu causata dal desiderio che
aveva dominato la sua vita: il desiderio patetico ma disperato di
essere ‘come le altre persone’”.
Per quanto patetico e disperato
potesse essere, questo desiderio era l’obiettivo più ambito e
irraggiungibile di John, alimentato solo da Frederick stesso e
dalle figure presuntuose che credevano di aiutarlo. L’accumularsi
di tale pressione, unita al desiderio di John di compiacere i suoi
elettori, ha portato a una decisione così devastante, che viene
messa in mostra nella scena in cui John finalmente appoggia la
testa sul cuscino, con il lato sinistro dell’inquadratura che
lascia intravedere la foto di Marge Kendal, la donna che ha spinto
John oltre il limite nella sua visione della propria presenza
sociale. Tutto questo dimostra la pura disciplina di Lynch nel
sezionare la morte di un uomo e nel rendersi conto che ogni momento
del film deve portare a un finale completo.
Il vero significato del finale di The Elephant Man
Ma Lynch fa un passo in più,
richiamando una visione del Paradiso che si può vedere sia in
Eraserhead che in Twin Peaks: Fire
Walk With Me, riflettendo il desiderio di Paradiso e di tutto ciò
che esso conterrà. Per Henry (Jack Nance) in Eraserhead, il
Paradiso era una rappresentazione agrodolce che catturava la
tradizionale visione angelica mescolata alla paura della sua
ambiguità. In Twin Peaks: Fire Walk With Me, era la fuga di Laura
(Sheryl Lee) da suo padre e dallo spirito fantasma Bob. E per John
in The Elephant Man, il Paradiso diventa l’accettazione da
parte di sua madre. All’inizio del film, John parlava della
vergogna che avrebbe provato se sua madre lo avesse guardato.
A causa del suo aspetto, che era
stato ripetutamente guardato con disgusto e disprezzo, era arrivato
a considerarsi un’anomalia del genere umano. Ma dopo essere
stato accettato da Frederick, Marge Kendal e dal resto dell’élite
vittoriana, la fuga di John tra le braccia di sua madre non solo
riflette la luce compassionevole che ha sempre nutrito per lei, ma
anche la sua accettazione di sé, sia per il suo posto nella società
che per il suo aspetto. Mentre Lynch vola tra le stelle e entra in
un alone luminoso, il fumo grigio che ha avvolto John fisicamente e
mentalmente per tutto il film si dissolve invece di espandersi,
rappresentando la sua fuga dal marchio di approvazione della
società e svanendo in una vaga immagine di sua madre, che pronuncia
le parole di accettazione che John ha sempre cercato di
sentire.
Attenzione: SPOILER su
Nuestros tiempos – Il futuro è ora di Netflix.
La commedia romantica di NetflixNuestros
tiempos – Il futuro è ora è un approccio ambizioso al
genere dei viaggi nel tempo e giunge a un finale sorprendente per i
suoi protagonisti. Nuestros tiempos – Il futuro è
ora segue Nora (Lucero) e Héctor (Benny Ibarra), una
coppia sposata, entrambi fisici e professori all’UNAM di Città del
Messico nel 1966. A Nora non vengono mai concesse le stesse
opportunità o privilegi dei suoi colleghi maschi, ma si accontenta
di collaborare con Héctor a ricerche innovative. Questo finché lei
e Héctor non saltano accidentalmente in avanti nel tempo fino
all’anno 2025.
Il cammino incerto di Nora e Héctor
nel XXI secolo diventa più facile quando fanno squadra rapidamente
con un ex studente che ora è il preside, così come con alcuni
membri della famiglia. Tuttavia, Nuestros
tiempos diventa un dramma profondo quando inizia a
formarsi una frattura tra Nora e Héctor, a causa dei progressi nei
diritti delle donne che i due incontrano nel futuro e della
rivelazione del sessismo implicito di Héctor.
Nora intraprende una carriera nel
2025 mentre Héctor torna al 1966
La coppia decide di avere priorità
diverse
Nora decolla immediatamente nel
2025, guadagnandosi l’ammirazione della comunità scientifica e una
prestigiosa offerta di lavoro presso la stessa università che
l’aveva ostacolata negli anni ’60. Diventa improvvisamente chiaro
quanto Héctor dipendesse dalla mentalità del suo tempo per sentirsi
convalidato, e si sente minacciato dal fatto che sua moglie venga
trattata come la scienziata responsabile del loro progetto. A
quanto pare, Héctor sembrava progressista e solidale solo sullo
sfondo del 1966, quando tutti gli altri non avrebbero mai voluto
Nora nel mondo accademico STEM.
Nora alla fine decide di rimanere,
il che ha il vantaggio di non rischiare di rovinare la linea
temporale tornando. Dopo aver litigato con Héctor, fa un esame di
coscienza e sa di voler ancora far funzionare le cose tra loro.
Tuttavia, Héctor ha già ripreso la macchina del tempo; anche la
finestra del portale nello spazio e nel tempo si è chiusa,
impedendo a chiunque di provarci di nuovo per altri 30 anni. Se è
chiaro che Héctor si sarebbe sempre sentito inadeguato nel 2025,
nel suo biglietto d’addio a Nora afferma anche di non volerla
ostacolare.
Cosa fa Héctor nel suo tempo?
Le cose potrebbero non essere
andate così bene per Héctor
Nuestros tiempos – Il
futuro è ora non racconta cosa fa Héctor una volta
tornato nel 1966. Supponendo che sia riuscito a trovare un modo per
spiegare la scomparsa della moglie, avrebbe potuto tornare al suo
lavoro all’università. Tuttavia, se Nora fosse stata davvero il
genio dell’operazione, la sua ricerca avrebbe potuto risentirne
senza di lei. Inoltre, avrebbe saputo che la sorella di Nora,
Rebeca (Claudia Lobo), sarebbe morta e avrebbe dovuto prendere la
straziante decisione di non tentare di impedirlo. Infine, Héctor
stesso afferma che Nora è la sua unica famiglia, quindi si sarebbe
trovato molto solo.
Perché Nora non cerca di salvare
sua sorella e rimane con le sue nipoti
Nora accetta la morte di sua
sorella, che potrebbe essere stata inevitabile
Nora stessa decide di non cercare di
salvare Rebeca, che è l’unica vera ragione per cui crede ancora di
che sarebbe dovuta tornare nel passato, a un certo punto. Tuttavia,
sua nipote Rebequita (Ana Ortizharo) la assolve
sostanzialmente da questa responsabilità, sottolineando che ogni
giorno potrebbe essere l’ultimo. Rebequita e sua figlia Alondra
(Renata Vaca) hanno fatto pace e stanno vivendo
una vita migliore, e ora vogliono che Nora ne faccia parte. Così,
Nora decide di dedicare il suo tempo ai suoi nuovi familiari,
onorando l’eredità di sua sorella.
Nora può viaggiare di nuovo nel
tempo decenni dopo e ritrova Héctor
Nora può scegliere l’amore una
volta intrapresa la carriera che desiderava
Per tre decenni, Nora si
è dedicata al lavoro scientifico, aiutata dalle condizioni
relativamente migliori per le donne nel settore STEM. Julia (Ofelia
Medina/Carolina Villamil) era un tempo un’allieva ammirata di Nora
e ora usa la sua posizione di preside per promuoverla. Il pubblico
medio non conoscerà molto di fisica avanzata, ma a quanto pare Nora
è un talento unico nel suo campo. Probabilmente ha compiuto
scoperte scientifiche che non sarebbero mai state possibili in
un’epoca in cui il sistema le remava apertamente contro.
Probabilmente Nora ha anche fatto da mentore ad Alondra nei suoi
studi e nelle sue ricerche.
Tuttavia, una volta che la finestra
si riapre, Nora torna indietro nel tempo e si riunisce a Héctor.
L’aspetto positivo che questo film vuole trasmettere è che ora che
Nora ha realizzato tutto ciò che desiderava e Héctor ha avuto il
tempo di riflettere, possono stare insieme senza conflitti. Sono
entrambi più grandi e si incontrano di nuovo nel 1996 (30 anni dopo
la loro separazione). È difficile dire se Tutti i loro problemi
siano davvero scomparsi, ma se sono stati separati per così tanto
tempo e vogliono ancora stare insieme, sono disposti a
impegnarsi.
Eddie Redmayne ha stuzzicato i fan con un
nuovo entusiasmante aggiornamento sul suo imminente ritorno nella
seconda stagione di The Day of the Jackal. Basato
sull’omonimo romanzo di Frederick Forsyth del 1971, Redmayne è il
terzo attore a interpretare il misterioso assassino noto come lo
Sciacallo, dopo che i precedenti adattamenti cinematografici hanno
visto il personaggio interpretato da Edward Fox nel 1973 e Bruce
Willis nel The Jackal del 1997. Accolto con recensioni
largamente positive e valse a Redmayne numerose nomination, The Day
of the Jackal è stato rinnovato per una seconda stagione poco dopo
il suo debutto in streaming nel novembre 2024.
In un’intervista a The Hollywood Reporter, Redmayne ha espresso il suo
entusiasmo per il ruolo in Il giorno dello sciacallo.
Descrivendo la serie come un “parco giochi per attori”, la
star ha spiegato che sono stati la natura clandestina del
personaggio e la sua propensione ad adottare travestimenti e
accenti diversi a rendere il ruolo così attraente per lui. Ecco
i suoi commenti:
È il sogno di ogni attore. Descrivo questa serie come una
sorta di parco giochi per attori, tutte quelle cose che quando sei
piccolo e ti fanno appassionare alla recitazione, come cambiare
voce, usare accenti diversi, parlare altre lingue, cambiare
aspetto, truccarsi, fare acrobazie, tutto questo, ma anche
un’intensità emotiva molto profonda. C’era tutto. Per me è stato
molto facile dire di sì.
Redmayne è stato anche
interrogato sui piani per la seconda stagione di The Day of the
Jackal, e sebbene non abbia potuto rivelare dove porterà il suo
personaggio, ha rivelato diaver già letto alcune
sceneggiature della nuova stagione. Ha anche suggerito
di essere entusiasta di vedere se la prossima stagione della serie
riuscirà a superare i limiti raggiunti finora. Ecco i suoi commenti
finali:
Non posso dire letteralmente nulla [sulla seconda stagione].
Sono molto orgoglioso del lavoro che abbiamo fatto e sono
entusiasta di vedere se riusciremo a portarlo a un livello
superiore.
Cosa significano i commenti
di Eddie Redmayne per la seconda stagione di The Day of the
Jackal
Con ilfinale della prima stagione di The Day of the Jackalche ha lasciato molte trame irrisolte, i recenti commenti di
Redmayne sono una buona notizia per i fan ansiosi di vedere se il
suo assassino protagonista riuscirà a vendicarsi del suo ex datore
di lavoro. Abbandonato dalla sua famiglia e tradito da Timothy
Winthrop, interpretato da Charles Dance, il potente finanziere
responsabile dell’assassinio del magnate della tecnologia Ulle Dag
Charles,il Jackal avrà probabilmente un compito arduo
davanti a séquando la serie tornerà finalmente in
onda.
Con la rivelazione di Redmayne
di aver già letto alcunesceneggiature della seconda stagione di The Day of the
Jackal, è possibile che la data ufficiale di inizio
delle riprese non sia troppo lontana. Cosa questo significhi
esattamente in termini di data di uscita è ancora incerto.
Tuttavia, dato che le riprese della prima stagione sono iniziate
nel giugno 2023,il pubblico potrebbe ancora avere la
possibilità di vedere la serie sui propri schermi entro la fine del
2026, anche se una data di uscita nel 2027 sembrerebbe
più probabile.
Arnold
Schwarzenegger riflette sui difetti del suo adattamento di
The Running Man, da noi uscito con il titolo di
L’implacabile, e sul perché il nuovo remake di
Edgar Wright con Glen Powell potrebbe
surclassarlo.
L’attesissimo remake di The
Running Man di Edgar Wright e
Glen Powell uscirà ufficialmente
nelle sale il 7 novembre 2025. Naturalmente, il nuovo film sarà
paragonato al cult del 1987 con
Arnold Schwarzenegger.
Sebbene l’adattamento originale del
romanzo distopico di Stephen King abbia una fedele
fan-base che resiste nel corso degli anni, Schwarzenegger ha
recentemente riconosciuto che il prossimo remake ha una reale
possibilità di superare la sua versione, superandone i limiti
passati.
In un’intervista con CBR,
Arnold Schwarzenegger parla del prossimo
remake, sottolineando alcuni punti deboli dell’originale che, a suo
avviso, il film di Wright e Powell potrebbe migliorare.
Schwarzenegger ha affermato: “Running Man è stato uno dei film
che… penso che sarebbe stato fantastico se fossimo stati meglio
preparati per farlo, se avessimo avuto più soldi per questo film, e
se avessimo avuto allora… gli effetti visivi, la tecnologia degli
effetti visivi che hanno oggi, tutte quelle cose che desideravo
dopo l’uscita del film, sentivo che avrebbe potuto essere
migliore”.
Ha continuato: “È stato
fantastico, ma avrebbe potuto essere migliore, e penso che ora
abbiano una buona possibilità con il nuovo ‘Running Man’ di
migliorarlo. E spero, per il loro bene e per il mio, che avranno
successo”.
Anche il film originale del 1987 con
Schwarzenegger si è preso notevoli libertà rispetto al romanzo di
Stephen King. Tuttavia, il progetto di Powell e
Wright promette un adattamento più fedele, inclusa una
rappresentazione di Ben Richards come l’uomo medio che è nel
libro.
Oltre a Powell, il remake vede la
partecipazione di Colman Domingo (Se la strada
potesse parlare), Michael Cera (Scot Pilgrim vs.
the World), Josh Brolin (Dune:
Parte 2, Avengers: Infinity War),
Emilia Jones (Locke & Key), Lee
Pace (Halt and Catch Fire, Foundation), William H. Macy
(Shameless) e Katy O’Brian (Love Lies
Bleeding).
Brolin interpreterà un produttore
dello show, Domingo il presentatore e Pace uno dei cacciatori di
demoni incaricati di dare la caccia ai concorrenti del gioco. Cera,
a quanto pare, interpreterà un ribelle che vuole rovesciare il
governo e si ritrova ad aiutare il personaggio principale di
Powell. Daniel Ezra e Karl
Glusman appariranno in ruoli secondari.
Secondo l’Instagram di Powell, le
riprese del remake sono terminate a marzo. Con il distinto talento
cinematografico di Edgar Wright e un acuto senso
dell’umorismo politicamente carico intrecciato nella classica
narrazione di Stephen King, il remake di
The Running Man ha il potenziale per essere molto
più di un semplice riavvio.
Il co-CEO di DC Studios,
James Gunn, ha rivelato se in futuro vedremo gli
stessi cattivi della “Epic Crime Saga” di Matt
Reeves comparire nel DCU. Sebbene il co-CEO di DC Studios,
James
Gunn, non abbia ancora confermato al 100% che il
BatVerse di Matt Reeves, ovvero la “Epic Crime
Saga”, non verrà inglobato nel DCU, il regista ha recentemente
affermato che è altamente improbabile che Robert Pattinson rimanga il
Cavaliere Oscuro del DCU.
“Sarebbe una possibilità.
Dovremmo rifletterci”, ha dichiarato Gunn durante una recente
intervista a Rolling Stone. “Dovremmo pensarci. Non è che non
ne abbiamo mai discusso. Non direi mai zero [probabilità], perché
non si sa mai. Ma non è probabile. Per niente probabile.”
“Direi anche che Batman Parte II
non è stato cancellato”, ha confermato il regista. “Questa
è l’altra cosa che sento dire di continuo: che Batman Parte II è
stato cancellato. Non è stato cancellato. Non abbiamo una
sceneggiatura. Matt è lento. Lasciamo che si prenda il suo tempo.
Lasciamo che faccia quello che sta facendo. Dio, la gente è
cattiva. Lasciamo che faccia quello che vuole, amico.”
Quindi, supponendo che la DC Studios
vada avanti con
Batman: The Brave and the Bold (se manterrà quel
titolo), c’è la possibilità che due franchise di Batman separati
siano in corso contemporaneamente.
Questo Batman ha già introdotto
diversi importanti nemici: L’Enigmista, Il Pinguino, Il Joker e
Catwoman, e alcuni fan si sono chiesti se questo potrebbe impedire
l’utilizzo di nuove interpretazioni di questi personaggi nel DCU. A
Gunn è stato chiesto se ci fosse un accordo tra lui e Reeves
riguardo a quali cattivi di Batman possano o meno usare in Threads,
e lui ha risposto come segue.
Per quanto riguarda il sequel di Reeves, le voci sulla trama
continuano a circolare. Abbiamo sentito che Hush e/o Mr. Freeze
potrebbero essere i cattivi. Non sembra esserci molto di vero in
queste voci, ma ci sono buone probabilità che il film sia
ambientato in inverno.
Per quanto l’entusiasmo intorno alSuperman di
James
Gunn e all’inizio del nuovo DCU sia palpabile, resta il rammarico per non
aver potuto vedereMan of Steel 2
e i suoi collegamenti conGreen Lantern,
recentemente rivelati. Invece di ricevere un sequel
tradizionale,Man of Steel
del 2013 è stato seguito daBatman v Superman: Dawn of Justice
nel 2016, un importante crossover che ha visto l’Uomo d’Acciaio e
il Cavaliere Oscuro scontrarsi, fungendo anche da preludio aJustice League
del 2017. Tuttavia, un veroMan of Steel 2
era effettivamente in fase di sviluppo, e le recenti rivelazioni
lasciano immaginare cosa avrebbe potuto essere.
Non
è un segreto che il successo complessivo del precedente DC Extended
Universe abbia iniziato a declinare dopo la ricezione tiepida di
Justice League nel
2017.
Gran parte delle
difficoltà sono state dovute alle interferenze degli studios e alle
controverse riprese successive all’allontanamento del regista Zack
Snyder, avvenuto per motivi personali durante la produzione. Questo
ha portato a un profondo cambiamento nel calendario delle uscite,
con molti film messi in stand-by o cancellati a tempo
indeterminato, fino all’annuncio del nuovo DCU nel 2023. Tra questi
progetti abbandonati c’era proprio Man of Steel 2 e, alla luce delle informazioni emerse,
è difficile non rimpiangere un sequel che avrebbe potuto rilanciare
il personaggio in un’altra direzione.
Man of Steel non ha mai avuto
un vero sequel
Dopo
aver raccontato le origini di Superman nel film L’Uomo
D’acciaio di Zack Snyder (2013), il personaggio
interpretato da Henry Cavill sarebbe tornato sul grande
schermo condividendo la scena con il Batman di Ben
Affleck e la Wonder Woman di Gal
Gadot in Batman v Superman: Dawn of
Justice (2016). A causa del desiderio di Warner Bros. di
costruire un universo cinematografico paragonabile a quello del
MCU, il grande crossover
Justice League venne
anticipato, posticipando invece i film standalone dei singoli eroi,
incluso un sequel tradizionale dedicato a Superman.
Rimasto in fase di sviluppo per anni, Man of Steel 2 avrebbe dovuto vedere Superman
affrontare Brainiac, uno dei suoi più celebri nemici nei fumetti.
Inoltre, dopo essere stata accennata nel primo film, anche
Supergirl avrebbe fatto il suo debutto nel DCEU proprio in questo
sequel. Nel 2018, Henry Cavill e il regista Christopher McQuarrie
presentarono alla Warner Bros. la loro visione per Man of Steel 2. Sebbene il progetto fu
poi accantonato, McQuarrie ha recentemente condiviso alcuni
dettagli interessanti della storia rifiutata, inclusa la presenza
di Green Lantern.
La trama di Man of Steel
2 avrebbe potuto espandere davvero il DCEU
Secondo quanto dichiarato da McQuarrie in una recente intervista
con Josh Horowitz nel podcast Happy
Sad Confused, l’idea alla base del film prevedeva
l’introduzione di Green Lantern all’interno del DCEU. Sebbene non
fosse stato indicato se si trattasse di Hal Jordan o John Stewart,
McQuarrie affermò di aver individuato un modo efficace per inserire
il personaggio nel contesto narrativo e creare un conflitto
stimolante tra i due eroi, con una posta in gioco capace di
espandere significativamente l’universo cinematografico DC.
“Green Lantern è stato ciò che
mi è venuto in mente, ed è un personaggio difficile. Il suo potere
è molto impegnativo, ma sono riuscito a capirlo ed è stato
divertente, osservare come imparava a usare quel potere e dargli un
difetto, in modo che non fosse pura invincibilità.
L’intero concetto di Green
Lantern è che l’anello deve essere ricaricato. E questo non è un
difetto. È una caratteristica. È questo che lo rende speciale. Sì,
hai un potere infinito, ma la batteria ha una durata limitata e può
esaurirsi nei momenti meno opportuni. Questo, per me, ha risolto
l’intero problema di Lanterna Verde… il costume è un’altra
cosa“.
”Henry aveva un’idea al riguardo e
improvvisamente ho capito quanto questi due personaggi avessero
delle incredibili somiglianze, che permettevano anche un conflitto
incredibile e una risoluzione incredibile che espandeva
l’universo”.
Dopo
la poco brillante performance del film Lanterna Verde del 2011 con Ryan Reynolds, è
quasi struggente leggere la sicurezza con cui Christopher McQuarrie
parlava della sua idea per rendere il personaggio davvero
avvincente. La prospettiva narrativa che aveva immaginato sembrava
offrire una profondità notevole, specialmente nell’incontro tra
Lanterna Verde e Superman. Sarebbe stato anche un riconoscimento
ideale per tutti i teaser sul personaggio lasciati nel DCEU, come
la presenza di Yalan Gur nel flashback di Justice League — durante la prima resistenza
della Terra contro Steppenwolf e Darkseid — e gli accenni presenti
nella Zack Snyder’s Justice
League, inclusa la visione originaria che prevedeva Wayne T.
Carr nel ruolo di John Stewart.
Un confronto tra Superman e
Lanterna Verde avrebbe reso Man of Steel 2 ancora più
coinvolgente
Immaginare un Man of Steel
2 in cui Superman si confronta con Lanterna Verde prima di
affrontare una minaccia cosmica come Brainiac, o un altro potente
avversario, è un esercizio affascinante. L’idea che il film si
sarebbe concentrato sulle somiglianze tra i due eroi, piuttosto che
sul semplice conflitto, prometteva un approccio originale e ricco
di sfumature, anche se purtroppo non ha mai visto la luce.
Detto ciò, il nuovo Superman diretto da James Gunn si
preannuncia comunque molto promettente. C’è grande attesa anche per
la nuova incarnazione di Green Lantern, con Guy Gardner pronto a
debuttare nel prossimo film del DCU, prima dell’arrivo della serie
Lanterns, prevista per l’anno prossimo e
descritta come una versione più realistica e intensa del celebre
corpo intergalattico.
L’estate dei
segreti perduti di Prime Video vanta un cast di grande
talento, composto da attori sia emergenti che affermati, che
contribuiscono a dare forma a questo misterioso dramma
adolescenziale. Basato sull’omonimo best seller di E. Lockhart, lo
show racconta la storia di una ragazza adolescente che cerca di
recuperare i ricordi dell’estate precedente dopo aver subito un
trauma cranico. L’estate dei segreti perduti di Prime Video
doveva rispettare molti aspetti del libro, e la serie riesce a
soddisfare le alte aspettative.
La serie è perfetta per una maratona
estiva, e gran parte del merito va alle straordinarie
interpretazioni del cast. La famiglia Sinclair è un gruppo
disfunzionale e caotico, i cui membri riescono a malapena a
sopportarsi nonostante si amino. Nonostante ciò, “i bugiardi” sono
migliori amici che si sostengono a vicenda. Ogni attore rende il
proprio personaggio memorabile e contribuisce a plasmare le
dinamiche più ampie di Beechwood Island.
Emily Alyn Lind nel ruolo di
Cadence Sinclair Eastman
Data di nascita: 6
maggio
Attiva dal: 2008
Attrice: Emily Alyn Lind è
nata a Brooklyn, New York, e ha ottenuto il suo primo ruolo
importante interpretando la giovane Amanda Clarke in
Revenge, uno dei migliori ruoli della Lind. Da allora, si è
costruita una reputazione come attrice drammatica di grande
talento, apparendo spesso in film horror e serie televisive per
adolescenti.
Personaggio: In L’estate
dei segreti perduti, Emily Alyn Lind interpreta Cadence,
un’adolescente della prestigiosa e ricca famiglia Sinclair.
Trascorre ogni estate nell’isola di Beechwood della sua famiglia.
Nell’estate del 2015 subisce un trauma cranico che le causa
un’amnesia parziale e nell’estate del 2016 torna determinata a
recuperare i suoi ricordi.
Esther McGregor nel ruolo di
Mirren Sinclair
Attiva dal: 2018
Attrice: Esther McGregor è
nata a Londra, in Inghilterra, e ha ottenuto il suo primo ruolo
importante interpretando Isabel nel controverso film del 2024
Babygirl.
È la figlia dell’attore Ewan McGregor e della scenografa Eve
Mavrakis.
Personaggio: In L’estate
dei segreti perduti, Esther McGregor interpreta Mirren
Sinclair, la figlia di Bess e cugina di Johnny e Cadence. È una dei
quattro “bugiardi”.
Joseph Zada nel ruolo di Johnny
Sinclair
Attivo dal: 2019
Attore: Joseph Zada è un
attore emergente il cui ruolo più importante prima di We Were
Liars è stato quello di Charlie Roth in Invisible Boys.
Al momento dell’uscita di We Were Liars, Zada era già stato
scritturato per interpretare Cal Trask in East of Eden e
Haymitch Abernathy in The Hunger Games: Sunrise on the
Reaping.
Personaggio: In
L’estate dei segreti perduti, Joseph Zada interpreta
Johnny Sinclair, figlio di Carrie e cugino di Mirren e Cadence.
Johnny ha un atteggiamento spensierato ed è un altro dei quattro
“bugiardi”.
Shubham Maheshwari nel ruolo di
Gat Patil
Attivo dal: 2021
Attore: Shubham Maheshwari è
un attore emergente il cui unico progetto precedente è il
cortometraggio Haven Dust.
Film e serie TV di rilievo:
N/A
Personaggio: In
L’estate dei segreti perduti, Shubham Maheshwari
interpreta Gat Patil, il nipote di Ed Patil che ogni estate, fin da
bambino, viene a Beechwood Island. È il quarto “bugiardo”.
Cast secondario e personaggi di
L’estate dei segreti perduti
Caitlin FitzGerald nel ruolo di
Penny Sinclair: In L’estate dei segreti perduti,
Caitlin Fitzgerald interpreta Penny Sinclair, madre di Cadence
Sinclair e figlia di mezzo dei Sinclair. Fitzgerald ha ottenuto il
suo grande successo nel 2009, interpretando Lauren Adler nel film
It’s Complicated. Tra i suoi ruoli più importanti figurano
Libby Masters in Masters of Sex, l’agente Daphne O’Connor in
The Trial of the Chicago 7 e Serena Wolcott in
UnREAL.
Mamie Gummer nel ruolo di Carrie
Sinclair: In L’estate dei segreti perduti, Mamie
Gummer interpreta Carrie Sinclair, la figlia maggiore dei Sinclair
e madre di Johnny. Anche se la serie è durata solo una stagione,
Mamie Gummer ha ottenuto il suo grande successo interpretando il
ruolo principale in Emily Owens M.D. Tra i suoi ruoli più
importanti figurano Mel in The Lifeguard, Nancy Crozier in
The Good Wife e Julie in Ricki and the
Flash.
Wendy Crewson nel ruolo di Tipper
Sinclair: Nella serie, Wendy Crewson interpreta Tipper
Sinclair, la matriarca della famiglia Sinclair. Crewson ha ottenuto
il suo grande successo interpretando Leslie Abbott nel film del
1991 The Doctor. Tra i suoi ruoli più importanti figurano
Laura nei film Santa Clause, la dottoressa Dana Kinney in
Saving Hope e Grace Marshall in Air Force One.
Candice King nel ruolo di Bess
Sinclair: Candice King (nata Accola) interpreta Bess Sinclair,
la figlia più giovane dei Sinclair e madre di Mirren, in
L’estate dei segreti perduti. King ha ottenuto il suo
grande successo interpretando Caroline Forbes in The Vampire
Diaries. Oltre al ruolo che l’ha resa famosa, è nota
soprattutto per aver interpretato Kimberly in After We
Collided, Sharon in Love Hurts e Melanie McGuire in
Suitcase Killer: The Melanie McGuire Story.
Rahul Kohli nel ruolo di Ed
Patil: Nella serie, Rahul Kohli interpreta Ed Patil, fidanzato
di lunga data di Carrie Sinclair e zio di Gat. Kohli ha ottenuto il
suo grande successo nel 2015 quando ha interpretato Ravi
Chakrabarti in iZombie. Tra i suoi ruoli più importanti
figurano Leo Usher nel cast di The Fall of the House of
Usher, Teddy in Next Exit e Miles Watlow in The
Electric State.
David Morse nel ruolo di
Harris Sinclair: Nella serie, David Morse interpreta
Harris Sinclair, il patriarca della famiglia Sinclair e padre di
Carrie, Bess e Penny. Morse ha ottenuto il suo grande successo
quando ha interpretato il dottor Jack Morrison in St.
Elsewhere. Tra i suoi ruoli più importanti figurano Brutus
“Brutal” Howell in The Green Mile, il colonnello Reed in
The Hurt Locker e il maggiore Tom Baxter in The
Rock.
Brady Droulis nel ruolo di Will
Dennis Sinclair: Brady Droulis interpreta Will Dennis Sinclair,
il fratello minore di Johnny, in L’estate dei segreti
perduti. Il giovane attore non ha ancora avuto la sua grande
occasione, ma i suoi ruoli più importanti includono Young Dean in
Supernatural e Tommy Fife in Home Before Dark.
Emerson MacNeil nel ruolo di
Bonnie Sheffield Sinclair: Emerson MacNeil interpreta Bonnie
Sheffield Sinclair, la sorella minore di Mirren, in
L’estate dei segreti perduti. La promettente attrice
bambina non ha ancora avuto la sua grande occasione, ma i suoi
ruoli più importanti sono quelli di Alicia in The Queen of My
Dreams e Ash Lanier in The Sinner.
Manaia Wall nel ruolo di Liberty
Sheffield Sinclair: Nella serie, Manaia Wall interpreta Liberty
Sheffield Sinclair, la sorella minore di Mirren. Il primo ruolo di
Wall è quello di Liberty in We Were Liars.
Dylan Bruce nel ruolo di Brody
Sheffield: In L’estate dei segreti perduti, Dylan Bruce
interpreta Brody Sheffield, il marito di Bess. Bruce ha ottenuto il
suo grande successo interpretando Chris Hughes nella soap opera
diurna As the World Turns. Tra i suoi ruoli più importanti
figurano Paul Dierden in Orphan Black, Bobo Winthrop in
Midnight Texas e Tanner Kent in The Spiderwick
Chronicles.
Leandro Vigueras nel ruolo del
giovane Gat: Nella serie, Leandro Vigueras interpreta il
giovane Gat nelle scene flashback della prima estate di Gat a
Beechwood. Questo è il primo ruolo di Vigueras.
Quinn LeBlanc nel ruolo del
giovane Johnny: Nella serie, Quinn LeBlanc interpreta il
giovane Johnny nei flashback. We Were Liars è il suo primo
ruolo da attore con un nome.
Raewynn Martel nel ruolo della
giovane Cadence: Nella serie, Raewynn Martel interpreta la
giovane Cadence nei flashback. Questo è il suo primo ruolo.
Nikita Goold nel ruolo della
giovane Mirren: Nikita Goold interpreta la giovane Mirren nei
flashback di L’estate dei segreti perduti, il suo primo
ruolo da attrice.
Dopo sei anni, si riaccende la
speranza per la terza stagione di Mindhunter, con uno
dei protagonisti della serie che ha rivelato alcune indiscrezioni
su un possibile ritorno. La serie thriller di Netflix è prodotta e diretta dal leggendario regista
David Fincher, e la prospettiva di una terza stagione di Mindhunter è nell’aria dal 2019.
Fincher è passato ad altri progetti, con due lungometraggi usciti
nel frattempo su Netflix.
Attualmente sta anche lavorando al seguito di C’era una volta a Hollywood di Quentin Tarantino con Brad
Pitt.
Holt McCallany, che interpreta Bill
Tench in Mindhunter, ha recentemente rivelato a CBR di aver incontrato David Fincher per
discutere di un potenziale ritorno sotto forma di tre film da
due ore. Spiega che, sebbene David Fincher sia meticoloso e
debba essere soddisfatto delle sceneggiature, ci sono persone che
stanno lavorando alla scrittura. McCallany rivela che si tratta
principalmente di David Fincher che ha il tempo e la dedizione per
il progetto e che “devono aspettare il miglior attore di Broadway”,
riferendosi al co-protagonista di Mindhunter, Jonathan
Groff, che ha vinto un Tony Award nel 2024. Leggi la citazione
completa qui sotto:
“Sai, qualche mese fa ho incontrato David Fincher nel suo
ufficio e mi ha detto che c’è la possibilità che torni come tre
film da due ore, ma penso che sia solo una possibilità. So che ci
sono degli sceneggiatori al lavoro, ma David deve essere
soddisfatto delle sceneggiature”.
“Mi sono sentito molto fortunato e privilegiato ad aver
potuto partecipare a quella serie. Mi piacerebbe molto che
tornasse. Come ho detto, lui mi ha dato un po’ di speranza quando
ci siamo incontrati, ma dovrebbero allinearsi il sole, la luna e le
stelle. La buona notizia è che siamo su Netflix con The Waterfront,
e anche quei film sarebbero per Netflix. Quindi penso che in
termini di date e logistica, si potrebbe fare, ma dipende dal fatto
che David abbia davvero il tempo e la voglia di farlo e che sia
soddisfatto del materiale. E questo è un grande punto
interrogativo”.
Cosa significa
l’aggiornamento di Holt McCallany sulla terza stagione di
Mindhunter
La terza stagione di
Mindhunter è promettente, ma ancora lontana dall’essere
garantita
Sebbene l’aggiornamento di Holt
McCallany su Mindhunter sia certamente promettente per chi desidera
vedere il seguito, vale la pena ricordare che non è la prima volta
che esprime il suo rammarico per la conclusione anticipata della
serie. Come lui stesso afferma,sarà necessario che tutti
i fattori convergano, in primo luogo che David Fincher trovi il
tempo, ma anche che gli impegni degli attori principali coincidano
con quelli del regista. Dopo sei anni di attesa e
incertezza, può essere difficile riunire il cast in modo che tutti
siano d’accordo.
David Fincher ha solo un
progetto in cantiere al momento, ovvero The Adventures of Cliff
Booth. Il film è in fase di pre-produzione, ma con attori come
Yahya Abdul-Mateen II ed Elizabeth Debicki che hanno recentemente
firmato per il cast, sembra che le riprese potrebbero iniziare
prima del previsto. Tuttavia, ciòsignificherebbe
probabilmente aspettare ancora un po’ prima che Fincher possa
dedicare il temponecessario per realizzare il sequel di
Mindhunter. Questo ipotetico progetto è ancora lontano anni luce,
ammesso che venga mai realizzato.
Con James Gunn che ha annunciato ufficialmente che
la DC sta portando avanti il progetto di un film su Wonder
Woman, la domanda che tutti i fan si stanno ponendo è da dove
trarrà ispirazione. Fortunatamente, i social media di Gunn sono una
miniera di indizi creativi che offrono un’anteprima allettante dei
fumetti che potrebbero ispirare il film in uscita.
Gunn non si è tirato indietro
quando si è trattato di rivelare le sue fonti di ispirazione per i
suoi prossimi film su Superman e
Supergirl, citando fumetti come All-Star Superman di
Grant Morrison e
Supergirl: Woman of Tomorrow di Tom King come due delle
opere che hanno ispirato i rispettivi progetti.
Quindi, non è azzardato supporre
che Gunn attingerà anche ad alcuni fumetti di Wonder Woman per
trovare ispirazione per il prossimo film dedicato alla principessa
amazzone. Quindi, quali fumetti di Wonder Woman potrebbero
essere utilizzati da Gunn come fonte di ispirazione? I suoi social
media potrebbero contenere la risposta.
I fumetti di Wonder Woman che
potrebbero ispirare il film DC di James Gunn
Quando si tratta di capire quali
fumetti di Wonder Woman Gunn potrebbe utilizzare come fonte di
ispirazione, la risposta sta ovviamente in quelli che ha letto. E
quando si tratta di confermare quali titoli ha effettivamente
letto, è possibile compilare un elenco piuttosto consistente basato
su vari post sui social media in cui ha confermato direttamente di
aver letto determinati fumetti o ha fatto commenti che implicano
che abbia letto qualsiasi fumetto di cui sta parlando. Tra i
fumetti di Wonder Woman citati da Gunn nel corso degli anni ci sono
la serie Wonder Womandi Tom King, la serie Absolute
Wonder Woman di Kelly Thompson, Wonder Woman Historia: The
Amazons (2021) di Kelly Sue DeConnick, Wonder Woman (New
52) di Brian Azzarello e Wonder Woman: Dead Earth (2020) di
Daniel Warren Johnson.
Per essere chiari, James
Gunn potrebbe benissimo aver letto più dei titoli sopra citati.
Tuttavia, queste sono le storie di Wonder Woman di cui abbiamo
conferma attraverso i suoi commenti sui social media. Ad esempio,
nel 2024, Gunn ha pubblicato su Threads una foto della copertina di
Wonder Woman: Dead Earth di Daniel Warren Johnson,
accompagnata dalla didascalia: “Ieri sera ho letto questa
meravigliosa, oscura e selvaggia storia di Wonder Woman
Elseworlds”. Post come questo confermano alcune delle
storie di Wonder Woman che Gunn ha letto e, quindi, le storie che
potrebbero eventualmente servire da ispirazione per il suo prossimo
film, che è ancora in fase di sceneggiatura.
Quali fumetti di Wonder Woman
non influenzeranno il film di James Gunn?
Sebbene non ci sia ovviamente
alcuna conferma ufficiale su quali di questi fumetti (se ce ne
sono) serviranno da ispirazione per il nuovo film di Wonder Woman,
è possibile fare alcune ipotesi su quali titoli potrebbero essere
scelti e quali no. Ad esempio, anche se Gunn ha elogiato Wonder
Woman: Dead Earth, è improbabile che tragga ispirazione diretta
dalla trama. Il fumetto è una storia cupa ambientata in un universo
alternativo dopo un’apocalisse nucleare che ha devastato la Terra e
decimato la popolazione umana. Tuttavia, è chiaro che Gunn era
un fan di questa “cupa e selvaggia” versione di Wonder
Woman, quindi potrebbe comunque prendere in prestito alcune
influenze stilistiche.
Allo stesso modo, anche Absolute
Wonder Woman difficilmente potrà essere una fonte di
ispirazione primaria, poiché anche questo è un racconto in stile
Elseworlds che reimmagina completamente Diana in un mondo
più cupo e crudo plasmato da Darkseid. È anche dubbio che
Gunn attingerà dalla serie New 52 diWonder
Woman, dato che in questo periodo sono stati apportati
diversi cambiamenti controversi al personaggio che sono stati
ampiamente criticati dai fan, come l’alterazione delle sue origini
per renderla figlia di Zeus e l’accoppiamento romantico con
Superman. Inoltre, Wonder Woman Historia: The Amazons è una
fonte improbabile se le voci sono vere e influenzano pesantemente
la serie Paradise Lost della HBO incentrata sulle
Amazzoni.
Pertanto, tra i titoli sopra
citati, il candidato più probabile per ispirare il film Wonder
Woman di Gunn è l’attuale serie di Tom King. Detto questo, Gunn
potrebbe comunque attingere elementi da altri fumetti ed è molto
probabile che abbia letto altre storie incentrate su Diana che
potrebbero influenzare la sua visione. In definitiva, qualsiasi
discussione su quale materiale stia utilizzando come fonte di
ispirazione è ancora pura speculazione. Tuttavia, dato che Gunn ha
alla fine rivelato le sue ispirazioni a fumetti per
Superman e Supergirl, è probabile che
farà lo stesso per Wonder Woman in futuro.
Dopo il successo di Luca, Soul
eRed,
la Pixar torna a esplorare i temi della crescita,
dell’identità e della connessione. Diretto da Domee
Shi e Madeline
Sharafian, Elio è una nuova
avventura sci-fi dal cuore profondamente umano. Protagonista del
film è Elio Solis, un dodicenne introverso e
fantasioso che viene scambiato per il rappresentante dell’umanità
da un consiglio intergalattico. Spaventato e del tutto impreparato,
Elio viene trascinato in un universo alieno fatto
di creature strane, regole incomprensibili e – forse – nuove
amicizie.
La nascita del progetto
L’idea del film nasce da una
proposta di Adrian Molina, già co-regista di
Coco, che ha immaginato “il ragazzo più strano
della Terra” scambiato per il leader del pianeta da una civiltà
aliena. Una premessa surreale che ha subito trovato riscontro
all’interno della Pixar. La produttrice
Mary Alice Drumm ha spiegato: “C’era qualcosa
in questa storia che parlava davvero alle nostre esperienze
personali. Adrian, Domee e
Madeline sono tutti ragazzi che si sono sentiti
fuori posto, finché non hanno trovato la scuola d’arte o
d’animazione. C’è un elemento autobiografico in questo film, e
abbiamo pensato che potesse parlare anche ad altri.”
Quando Molina ha
dovuto lasciare il progetto per dedicarsi a Coco
2, la regia è passata a Domee Shi (già
regista diRed)
e Madeline Sharafian (story artist
Pixar), alla loro prima collaborazione ufficiale
come co-registe. Sharafian ha raccontato:
“Adrian ci ha detto: ‘Voi due siete perfette
per portare avanti questo film’. È stato un onore condividere
questo percorso con Domee, che è anche una mia
cara amica. Non potevo immaginare una partner migliore.”
Un tributo al cinema di genere e una risposta alla
solitudine
Elio è anche un
sentito tributo al genere fantascientifico con cui entrambe le
registe sono cresciute, come racconta Domee Shi:
“Io e Madeline siamo grandi fan della
fantascienza, soprattutto di quella degli anni ’80 e ’90. Siamo
cresciute con Spielberg, Ridley Scott, John
Carpenter… Questo film è anche un omaggio a quei mondi
alieni strani e meravigliosi. Ma più di tutto, ci ha colpito come
in molti di quei film lo spazio rappresentasse speranza,
connessione. Ed è proprio questo il cuore di
Elio.”
La dimensione spaziale di
Elio è solo la cornice: al centro c’è un ragazzino
che si sente solo e incompreso, alla ricerca di un luogo (o
qualcuno) che possa accettarlo per quello che è.
Shi riflette sul nucleo emotivo della storia:
“Ci siamo chieste: perché Elio vuole essere
rapito? Perché vuole lasciare la Terra? E alla fine ci siamo rese
conto che la risposta è: perché si sente solo. Sperava che, da
qualche parte nell’universo, esistesse qualcuno capace di capirlo.
E questo sentimento… lo abbiamo provato anche noi.”
Un racconto dal valore generazionale
Il film vuole parlare non solo ai
ragazzi, ma anche agli adulti, mostrando quanto l’empatia possa
colmare le distanze generazionali. Shi sottolinea
un momento chiave del film: “C’è una battuta nel film che mi
emoziona ogni volta: ‘Non ti capisco, ma ti amerò lo stesso’. Per
noi era importante mostrare una figura paterna capace di mettere da
parte le proprie paure per sostenere suo figlio. Anche se non
comprendiamo pienamente i nostri figli, possiamo comunque
amarli.”Elio è stato sviluppato nel pieno
dell’epoca post-pandemica, in un momento storico in cui il senso di
isolamento e disconnessione si è fatto più forte, specialmente tra
i giovani. Shi conclude: “Quando abbiamo
iniziato a lavorarci, pensavamo che finita la pandemia saremmo
tornati a sentirci uniti… invece, molte persone si sentono ancora
sole. Per questo speriamo che questo film possa arrivare al momento
giusto.”
Elio si presenta
così come un racconto di fantascienza che guarda dritto al cuore,
un viaggio nello spazio che diventa un viaggio dentro sé stessi,
nel nome dell’accettazione, della speranza e della connessione.
Le riprese del nuovo film
live-action
Masters of the Universe di Amazon MGM Studios si sono
recentemente concluse, e diversi membri del cast principale e
secondario hanno condiviso foto del dietro le quinte con
anticipazioni dei rispettivi costumi.
Questa ultima versione della
classica serie animata/linea di giocattoli presenta un cast
variegato e molti personaggi (alcuni dei quali devono ancora essere
annunciati), e sembra che potremmo vedere anche un’apparizione
dell’He-Man originale live-action, Dolph
Lundgren.
Le speculazioni sul fatto che
Lundgren, che ha interpretato il muscoloso protettore di Eternia
nel tanto bistrattato film del 1987, potesse fare un cameo nel
reboot sono iniziate quando l’attore ha condiviso alcuni post sui
social media che menzionavano un progetto “segreto” a cui stava
lavorando a Londra all’inizio della produzione, e alla star dei
film d’azione degli anni ’80 è stato chiesto di queste voci durante
un’intervista con Mensjournal.com. “È un po’ un segreto, ma non
posso dire molto”, ha detto Dolph Lundgren.
“Ma sì, forse mi farò coinvolgere in qualche modo.
Vedremo.” Sì, sicuramente apparirà nel film!
Chi interpreterà Lundgren resta
ovviamente da vedere, ma la teoria più convincente è quella di Re
D’Vann Grayskull, un antenato di He-Man. Dolph
Lundgren ha poi condiviso le sue opinioni sul nuovo
MOTU e su come, secondo lui, un personaggio come il Principe Adam
si differenzi dagli eroi che vediamo nei film Marvel e DC.
“Se pensate che un nuovo film di
He-Man vi faccia sentire vecchi, io mi sento vecchio! Ci sono
stato! Hanno cercato di rifare il film per almeno 15 anni e sono
contento che lo stiano facendo. C’è un cast fantastico, una troupe
fantastica. È un film ad alto budget con MGM/Amazon. Penso che
stiano facendo un ottimo lavoro.”
“Il principe Adam ha un
romanticismo un po’ più forte rispetto ad altri supereroi. Marvel e
DC sono un po’ più duri”, ha aggiunto Lundgren. “C’è
qualcosa di magico e infantile in lui. E anche se stanno girando un
film per adulti, c’è qualcosa di tenero e positivo in quel
personaggio.”
Dopo numerose false partenze,
Netflix era pronta a sviluppare un
lungometraggio tratto dall’amata serie animata nel 2022, ma
all’inizio di quest’anno abbiamo saputo che anche l’ultimo
tentativo di far decollare il progetto era fallito.
Il live action di
Masters of the Universe
La versione live-action della
classica serie animata vedrà protagonista Nicholas
Galitzine, ma anche la partecipazione di Morena Baccarin nel ruolo della
Strega, e di James Purefoy e Charlotte
Riley nei ruoli dei genitori di Adam, Re Randor e la
Regina Marlena, insieme ad Alison Brie (GLOW, Community)
nel ruolo del braccio destro di Skeletor, Evil-Lyn, Idris Elba (Thor, Luther) in quello di
Man-At-Arms e Jared Leto (Morbius, Blade Runner 2049) in
quello di Skeletor stesso. Nel frattempo, Sam C.
Wilson (House of the Dragon) interpreterà Trap
Jaw, con Kojo Attah (The Beekeeper) nei panni di
Tri-Klops e Jon Xue Zhang (Eternals) nei panni di Ram-Man.
Dopo numerose false partenze,
Netflix era pronta a sviluppare un lungometraggio tratto dall’amata
serie animata già nel 2022, ma all’inizio di quest’anno abbiamo
saputo che anche l’ultimo tentativo di far decollare il progetto
era fallito.
Tuttavia, in seguito avremmo appreso
che Amazon/MGM Studios aveva acquisito il film, con il regista di
Bumblebee, Travis Knight, in trattative
per la regia. L’uscita del film è ora prevista per il 5 giugno
2026. Chris Butler ha riscritto la sceneggiatura
da una bozza iniziale di David Callaham
(Shang-Chi e la leggenda dei dieci anelli). In
precedenza, la regia era stata affidata ai fratelli Nee (La
città perduta).
Todd Black, Jason Blumenthal e Steve
Tisch saranno i produttori, insieme a DeVon Franklin.
Masters of the Universe
arriverà nelle sale il 5 giugno 2026.
Nel trailer, Sogno (Sturridge) lotta
non solo per la propria sopravvivenza, ma anche per quella del
Sogno stesso, mentre il mondo sembra crollargli addosso. Come dice
Morte (Kirby Howell-Baptiste) a un certo punto,
“Tutti amano una bella storia, ma tutte le storie finiscono”.
Come annunciato in precedenza, i
primi sei episodi usciranno il 6 luglio, mentre altri cinque
episodi usciranno il 24 luglio. Un episodio bonus che seguirà
“Morte” uscirà il 31 luglio.
La Stagione 2 di The
Sandman sarà l’ultima
In seguito alla controversia
riguardo le accuse di violenza sessuale e cattiva condotta contro
Neil Gaiman, che ha co-sviluppato e prodotto la
serie TV basata sui suoi fumetti DC, è stato annunciato a gennaio
che la seconda stagione di The Sandman
sarebbe stata l’ultima, anche se secondo Netflix era previsto già
da prima che emergessero le accuse contro Gaiman che il secondo
ciclo di episodi sarebbe stato conclusivo.
La seconda stagione di The
Sandman adatta infatti le trame di molti fumetti, tra cui
Season of Mists, Brief Lives, The Kindly Ones e The
Sandman: Overture, insieme a storie singole come “Tales in
the Sand”, “A Midsummer Night’s Dream”, “The Song
of Orpheus”, “Thermidor” e “The Tempest”,
tra le altre.
The Sandman è
interpretato da Tom Sturridge nel ruolo di Sogno,
Gwendoline Christie nel ruolo di Lucifero,
Vivienne Acheampong nel ruolo di Lucienne,
Kirby Howell-Baptiste nel ruolo di Morte,
Patton Oswalt nel ruolo di Matthew il Corvo,
Jenna Coleman nel ruolo di Johanna Constantine,
Mason Alexander Park nel ruolo di Desiderio,
Donna Preston nel ruolo di Disperazione e altri
ancora.
Gli altri fratelli di Sogno sono:
Destino (Adrian Lester), Delirio (Esmé
Creed-Miles) e il Prodigo (Barry Sloane),
che partecipano a una “cena di famiglia” con il resto degli
Endless, Morte (Kirby), Desiderio (Mason
Alexander Park) e Disperazione (Donna
Preston).
Nuestros tiempos – Il
futuro è ora non racconta cosa fa Héctor una volta
tornato nel 1966. Supponendo che sia riuscito a trovare un modo per
spiegare la scomparsa della moglie, avrebbe potuto tornare al suo
lavoro all’università. Tuttavia, se Nora fosse stata davvero il
genio dell’operazione, la sua ricerca avrebbe potuto risentirne
senza di lei. Inoltre, avrebbe saputo che la sorella di Nora,
Rebeca (Claudia Lobo), sarebbe morta e avrebbe dovuto prendere la
straziante decisione di non tentare di impedirlo. Infine, Héctor
stesso afferma che Nora è la sua unica famiglia, quindi si sarebbe
trovato molto solo.
Per tre decenni, Nora si
è dedicata al lavoro scientifico, aiutata dalle condizioni
relativamente migliori per le donne nel settore STEM. Julia (Ofelia
Medina/Carolina Villamil) era un tempo un’allieva ammirata di Nora
e ora usa la sua posizione di preside per promuoverla. Il pubblico
medio non conoscerà molto di fisica avanzata, ma a quanto pare Nora
è un talento unico nel suo campo. Probabilmente ha compiuto
scoperte scientifiche che non sarebbero mai state possibili in
un’epoca in cui il sistema le remava apertamente contro.
Probabilmente Nora ha anche fatto da mentore ad Alondra nei suoi
studi e nelle sue ricerche.
