A un anno dall’uscita nelle sale di
Avengers: Doomsday, il film della
Marvel Cinematic Universe ha
sorprendentemente ottenuto un nuovo titolo a livello
internazionale.
La saga Multiverse è a soli due anni dal completamento,
poiché i prossimi film degli Avengers avranno un ruolo fondamentale
per il futuro della MCU.
A seguito delle notizie secondo cui
Avengers: Doomsday è stato rinominato in diversi paesi, in Brasile
ha confermato che il film della
Fase 6 è stato ribattezzato Vingadores: Doutor Destino in
portoghese, che si traduce in Avengers: Doctor Doom.
In Giappone, Avengers:
Doomsday sarebbe stato cambiato in Avengers: Judgement
Day, ma questo deve ancora essere verificato. Il titolo
brasiliano, tuttavia, ha scatenato alcune discussioni online su
come questo cambiamento sia inutile e pigro.
L’uso di Avengers: Doctor
Doom è probabilmente un modo per attirare maggiore attenzione
sul film da parte degli spettatori brasiliani, sfruttando il famoso
titolo di Victor von Doom. Tuttavia, è anche molto azzeccato, dato
che non hanno mai fatto riferimento a Infinity War o
Endgame come Avengers: Thanos.
Doomsday fa anche sembrare
il film un evento, pur sottolineando che il Dottor Destino di
Robert Downey Jr. è l’antagonista centrale,
simile a Avengers: Age of Ultron. Resta da
vedere se questo verrà rettificato dalla Marvel Studios per il
mercato brasiliano.
Questo avviene anche nel bel mezzo
della campagna promozionale dei trailer di Avengers:
Doomsday con Avatar: Fuoco e Cenere nelle sale,
poiché la Marvel Studios proietterà un nuovo teaser nelle sale solo
per le prossime quattro settimane.
Uno degli eroi più potenti della
Terra sta per tornare nel film Avengers: Doomsday della Marvel
Studios, come ex membro del Marvel Cinematic Universe che farà
il suo ritorno nel 2026. Nonostante abbia negato il suo ritorno
nella
linea temporale dell’MCU, la fine della
saga Multiverse vedrà effettivamente uno degli Avengers
originali tornare per il quinto film della serie.
I teaser di Avengers: Doomsday
saranno proiettati prima di Avatar: Fuoco e Cenere per le
prossime quattro settimane. Il primo ha confermato che Steve Rogers, interpretato da Chris Evans, tornerà ufficialmente nel
franchise MCU, dato che era il protagonista del trailer di
debutto.
Il filmato mostra l’eroe MCU di
Evans su una moto prima di arrivare a casa sua con Peggy Carter,
come si vede in Avengers: Endgame del 2019. Mentre appoggia
il casco sulla moto e si avvia verso casa, il filmato passa a Steve
che tiene in mano il costume di Capitan America di Avengers:
Endgame, dando l’impressione che stia pensando di indossarlo ancora
una volta prima di riporlo in una scatola.
Tuttavia, la grande sorpresa è che
Steve e Peggy, interpretata da
Hayley Atwell, hanno avuto un bambino, con l’ex Capitan America
che tiene in braccio suo figlio e gli sorride. Quando il filmato di
Avengers: Doomday finisce, lo schermo diventa nero con le
seguenti parole: “Steve Rogers tornerà in Avengers:
Doomsday”, seguito da un conto alla rovescia per la data di
uscita della Fase 6 nel 2026.
Quando Evans ha parlato con
ScreenRant all’inizio di quest’anno, ha negato
categoricamente il suo coinvolgimento, dicendo: “È triste non
tornare con la banda, ma sono sicuro che stanno facendo qualcosa di
incredibile”. All’epoca, ha sottolineato: “E sono
sicuro che sarà ancora più difficile quando uscirà e ti sentirai
come se non fossi stato invitato alla festa”.
Il ritorno di Evans in Avengers:
Doomsday è stato rivelato per la prima volta il 10 dicembre
2024, più di un anno fa, quando è stato riferito che sarebbe
tornato per l’attesissimo capitolo. Si diceva che il veterano
dell’MCU fosse “coinvolto in qualche modo”, mentre “la portata e
la natura esatta del suo ruolo sono sconosciute”.
Dato che nelle prossime settimane
saranno proiettati altri tre trailer di Avengers: Doomsday
prima di Avatar: Fuoco e Cenere, ci saranno ulteriori
rivelazioni sul
prossimo film dell’MCU. Avengers: Doomsday uscirà
nelle sale il 18 dicembre 2026.
Prime Video ha diffuso le prime immagini di
Fratelli Demolitori, la nuova action comedy con
protagonista l’irresistibile coppia formata da Dave Bautista e Jason Momoa. Diretto da Ángel Manuel
Soto, il film è stato scritto da Jonathan
Tropper e vede protagonisti anche: Claes Bang,
Temuera Morrison, Jacob Batalon, Frankie Adams, Miyavi, con Stephen
Root e Morena Baccarin. Il film sarà
disponibile su Prime Video dal 28 gennaio.
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Jonny (Jason Momoa) e James (Dave Bautista) in FRATELLI
DEMOLITORI - Photo Credit: Courtesy of Prime Video
Jonny (Jason Momoa) e James
(Dave Bautista) in FRATELLI DEMOLITORI - Photo Credit: Courtesy of
Prime Video
James (Dave Bautista) in
FRATELLI DEMOLITORI - Photo Credit: Courtesy of Prime Video
Jonny (Jason Momoa) e James
(Dave Bautista) in FRATELLI DEMOLITORI - Photo Credit: Courtesy of
Prime Video
Jonny (Jason Momoa) e James
(Dave Bautista) in FRATELLI DEMOLITORI - Photo Credit: Courtesy of
Prime Video
La trama di Fratelli Demolitori
In questa action
comedy, due fratellastri che non si parlano da
anni, Jonny (Jason Momoa) e James (Dave Bautista), sono
costretti a riunirsi dopo la misteriosa morte del padre. Mentre
cercano di scoprire la verità, riaffiorano segreti
sepolti e la lealtà viene messa a dura prova, svelando una
cospirazione che potrebbe distruggere la loro famiglia. Insieme,
sono pronti a demolire qualsiasi cosa si metta sulla loro strada.
Ambientato per le strade delle Hawaii, il film è diretto da Angel
Manuel Soto (Blue Beetle) e vede la
partecipazione anche di Claes Bang,
Jacob Batalon, Stephen Root e Morena Baccarin.
Sono disponibili il trailer
ufficiale e la key art della
terza stagione di Tell Me Lies, la
serie originale drama composta da 8 episodi che debutterà il 13
gennaio in esclusiva su Disney+ in Italia e su Hulu negli Stati
Uniti, con due episodi disponibili al lancio, seguiti da nuovi
episodi ogni settimana.
La terza stagione di Tell
Me Lies
segue Lucy Albright (Grace Van Patten) e Stephen DeMarco (Jackson
White) che hanno recuperato la loro burrascosa relazione
in tempo per il semestre primaverile al Baird College.
Nonostante la promessa che le cose andranno diversamente questa
volta, alcuni errori del passato ostacolano i loro migliori
propositi, e Lucy si ritrova coinvolta in una controversia con cui
non vuole avere nulla a che fare. Nel frattempo, le
disastrose ripercussioni dell’anno precedente costringono
anche gli amici di Lucy e Stephen a fare i conti con le proprie
azioni distruttive. Mentre alcuni segreti scandalosi serpeggiano
nel campus, delle conseguenze devastanti minacciano Lucy
e tutte le persone che le stanno vicino.
La serie è interpretata da Grace Van Patten, Jackson White, Cat
Missal, Spencer House, Sonia Mena, Branden Cook, Alicia Crowder e
Costa D’Angelo.
Meaghan Oppenheimer è executive producer e
showrunner. Gli altri executive producer, per la casa di
produzione Belletrist, sono Emma Roberts, la co-founder Karah Preiss e Matt
Matruski, mentre Laura Lewis è l’executive producer per Rebelle
Media. Anche Shannon Gibson, Stephanie Noonan e Sam
Schlaifer sono le executive producer, mentre Tyne Rafaeli ha il
ruolo di executive producer e regista. Carola Lovering,
autrice dell’omonimo romanzo da cui è tratta la serie, è
la consulting producer. La serie è prodotta da 20th
Television.
Un efficace sistema
di parental control assicura che Disney+ rimanga un’esperienza di
visione adatta a tutti i membri della famiglia. Oltre al “Profilo
Bambini” già presente sulla piattaforma, gli abbonati possono
impostare dei limiti di accesso ai contenuti per un pubblico più
adulto e creare profili con accesso tramite PIN, per garantire
massima tranquillità ai genitori.
Arriva dal 22 gennaio al
cinema Sentimental
Value, il nuovo film di Joachim Trier,
entrato ufficialmente nella shortlist degli Oscar come Miglior Film
Internazionale. Sentimental Value,
selezionato dalla Norvegia come candidato ufficiale agli Oscar,
entra nelle shortlist dell’Academy Award per il Miglior Casting,
la Miglior Fotografia e per il Miglior Film Internazionale,
avvicinandosi alla fase finale delle nomination. Un risultato
importante che conferma il percorso straordinario del film e
l’attenzione che sta ricevendo a livello mondiale.
La selezione tra i 15 titoli
internazionali candidati a concorrere per la statuetta più ambita
del cinema arriva dopo un cammino ricco di riconoscimenti, iniziato
con il Gran Prix a Cannes e continuato con
le numerose candidature ai Golden Globe e agli European
Film Awards.
Joachim Trier torna a dirigere
Renate Reinsve, vincitrice a Cannes per la sua interpretazione ne
La Persona Peggiore del Mondo, proseguendo così un rapporto
creativo già premiato dalla critica internazionale. Accanto a lei
Stellan Skarsgård, Elle Fanning e Inga Ibsdotter Lilleaas,
compongono un cast di grande talento che contribuisce a rendere
Sentimental Value uno dei film più attesi della
stagione.
La trama di Sentimental Value
Candidato a 8 Golden Globes e
vincitore del Gran Prix a Cannes – accolto da una delle standing
ovation più lunghe nella storia del festival – Sentimental
Value segna il ritorno del talentuoso regista de La
Persona Peggiore del Mondo, Joachim Trier. Un’opera
attesissima, già tra le principali favorite nella corsa agli
Oscar.
Nora (Renate
Reinsve) e Agnes (Inga Ibsdotter
Lilleaas) sono due sorelle profondamente unite.
L’improvviso rientro nella loro vita del padre Gustav
(Stellan
Skarsgård) – regista carismatico e affascinante ma
genitore cronicamente inaffidabile – riapre ferite mai del tutto
rimarginate. Conoscendo il talento di attrice di Nora, Gustav
vorrebbe che sua figlia interpretasse il ruolo principale nel film
che dovrebbe rilanciare la sua carriera; lei rifiuta e quella parte
finisce a una giovane star di Hollywood, Rachel Kemp
(Elle
Fanning). Il suo arrivo getta scompiglio nelle
delicate dinamiche della famiglia: per le due sorelle sarà il
momento di confrontarsi con il padre e con il loro passato.
Con un cast straordinario –
Renate Reinsve,
Stellan Skarsgård,
Elle Fanning e Inga Ibsdotter
Lilleaas – il nuovo film di Joachim Trier
lo conferma uno dei più grandi narratori contemporanei del cinema
europeo.
Harrison Ford, l’uomo dietro Han
Solo e Indiana Jones, riceverà il premio
alla carriera del SAG-AFTRA. Considerato il
massimo riconoscimento di categoria, riconosce la leggendaria
carriera di Ford come uno degli attori di maggior successo di
Hollywood. Riceverà il tributo del sindacato in occasione della 32a
edizione degli Actor Awards, che saranno trasmessi in diretta
streaming su Netflix domenica 1° marzo.
“Sono profondamente onorato di
essere stato scelto come vincitore del premio alla carriera del
SAG-AFTRA di quest’anno”, ha dichiarato Ford. “Essere
riconosciuto dai miei colleghi attori significa molto per me. Ho
trascorso gran parte della mia vita sui set cinematografici,
lavorando a fianco di attori e troupe incredibili, e mi sono sempre
sentito grato di far parte di questa comunità”.
Conferito annualmente a un attore
che promuove i “migliori ideali della professione attoriale”, tra i
vincitori delle passate edizioni figurano Mary Tyler Moore,
Sidney Poitier, Betty White, Jane Fonda, Robert De Niro, Elizabeth Taylor e
James Earl Jones.
Il lavoro di Ford include
blockbuster come i franchise di “Star
Wars” e “Indiana Jones“, oltre a
successi come “Air Force One“, “Il
fuggitivo” e “Le verità nascoste“. Quando
non interpretava un eroe d’azione, Ford ha recitato in commedie
romantiche come “Una donna in carriera” e in film
drammatici come “Mosquito Coast“. Altri crediti
includono “Blade Runner” e
“Witness”, che gli è valso una nomination
all’Oscar.
Ford ha precedentemente vinto il
Critic’s Choice Career Achievement Award (2024), il Golden Globe
Cecil B. DeMille Award (2002) e l’AFI Life Achievement Award
(2000). L’anno scorso è stato candidato agli Emmy per
“Shrinking” di Apple
TV.
“Harrison Ford è una presenza unica nella vita
americana; un attore i cui personaggi iconici hanno plasmato la
cultura mondiale”, ha affermato il presidente di SAG-AFTRA,
Sean Astin. “La sua carriera è stata infinitamente
entusiasmante, sempre legata alla sua passione per la recitazione.
Siamo onorati di celebrare una leggenda il cui impatto sulla nostra
arte è indelebile.”
Secondo The Hollywood Reporter, il
progetto è ancora in fase di sviluppo iniziale e non è stato ancora
assegnato uno sceneggiatore. Sony sta però collaborando con il
rivenditore cinese e proprietario del marchio Pop Mart per
l’adattamento. Non è ancora chiaro se il film
Labubu sarà un live-action animato, ma con Paul
King a bordo, potrebbe combinare l’uso di attori dal vivo con
l’animazione per il personaggio principale, come nei film di
Paddington.
La storia dei Labubu
Creato dall’artista Kasing
Lung, nato a Hong Kong e residente in Europa,
Labubu è diventato popolare dopo che il
rivenditore cinese Pop Mart ha iniziato a produrre e distribuire le
figurine nel 2019. Sebbene il marchio abbia acquisito slancio
gradualmente, la popolarità di Labubu è esplosa
negli ultimi anni per due motivi principali. Il primo è il modello
di vendita “blind box” di Pop Mart, in cui gli acquirenti non sanno
quale figurina hanno acquistato fino a quando non la aprono.
Questo approccio alimenta
l’entusiasmo e gli acquisti ripetuti, stimolando al contempo un
intenso mercato secondario in cui i collezionisti spendono ingenti
somme online, in occasione di eventi pop-up e nei negozi fisici. Le
edizioni rare sono state vendute all’asta a prezzi a sei cifre. Il
secondo fattore trainante è stato il sostegno delle celebrità, in
particolare della membro delle Blackpink Lisa, che ha iniziato a
utilizzare le figurine come accessori di moda nel 2024. Labubu è il
personaggio centrale della linea, che comprende anche il leader
Zimomo, il compagno Mokoko e il
fidanzato Tycoco.
Chi è Paul King
Basandosi sull’amato personaggio
creato da Michael Bond, Paul King ha scritto e
diretto Paddington
(2014) e il suo sequel del
2017, entrambi grandi successi al botteghino che hanno ottenuto
un enorme successo per il loro cuore e il loro fascino. King ha
co-sceneggiato e prodotto il terzo film, Paddington
in Peru (2024), diretto invece da Dougal
Wilson.
King ha anche co-sceneggiato e
diretto Wonka(2023),
con Timothée Chalamet, che racconta la storia
delle origini del cioccolatiere protagonista e ha incassato ben
634,5 milioni di dollari al botteghino. Considerando la serie
positiva di film che sta mettendo a segno Paul
King, non dovrebbe avere problemi a trasformare
Labubu in un altro successo al botteghino.
Il
nuovo anno su Paramount+ si apre con un catalogo
particolarmente ricco, costruito su generi diversificati e prodotti
capaci di intercettare pubblici differenti: thriller psicologici,
fantascienza di culto, teen-drama soprannaturali e reality globali.
Gennaio 2026 diventa così un mese strategico, in cui tornano
franchise consolidati e debuttano produzioni originali molto
attese. La piattaforma continua a puntare su storie dal forte
impatto emotivo, sulla valorizzazione di IP iconiche e sul
rafforzamento del proprio universo seriale, proponendo novità che
spaziano dal thriller alla fantascienza, fino all’intrattenimento
non-scripted. Ecco una panoramica approfondita dei titoli più
rilevanti.
GIRL TAKEN – un thriller
psicologico sulla resilienza e le ferite del trauma
Tra le uscite più attese dell’8 gennaio c’è Girl Taken, adattamento in sei episodi del
romanzo di Hollie Overton “La casa in fondo al viale”. La serie
racconta con intensità il dramma delle gemelle Lily e Abby,
travolte dalla violenza del rapimento di Lily da parte del loro
insegnante, Rick Hansen. Il ritorno alla libertà dopo anni di
prigionia non segna la fine dell’incubo, ma l’inizio di un percorso
estremamente complesso: il mondo è cambiato, la famiglia non è più
la stessa e il trauma continua a filtrare ogni gesto quotidiano. Il
racconto scava nelle dinamiche familiari segnate dall’assenza,
nella fatica del reinserimento e nella volontà del rapitore di
manipolare la narrazione dei fatti, trasformando il thriller in un
intenso studio psicologico. Il cast – che include Alfie Allen e
Jill Halfpenny insieme alle sorelle Tallulah e Delphi Evans – dà
vita a personaggi sfaccettati, sostenuti da una produzione solida
firmata Clapperboard Studios.
STAR TREK: STARFLEET
ACADEMY S1 – un ritorno al cuore della Flotta
Stellare
Dal 15 gennaio arriva una delle novità più simboliche dell’anno per
i fan della saga: Star Trek:
Starfleet Academy. Ambientata nel 32° secolo, nello stesso
periodo di Discovery, la
serie celebra i 60 anni del franchise riportando lo spettatore tra
le aule, i corridoi e la nave scuola della storica accademia di San
Francisco. La storia segue la nuova classe di cadetti, la prima
dopo oltre un secolo, impegnata a trovare il proprio posto tra
missioni, rivalità, scelte morali e una minaccia misteriosa che
potrebbe cambiare il destino della Flotta. Holly Hunter, nel ruolo
della cancelliera Nahla Ake, e Paul Giamatti nei panni dell’enigmatico Nus
Braka guidano un cast ricco, capace di coniugare volti iconici come
Robert Picardo con nuovi giovani talenti. La serie promette di
essere un ponte ideale tra la tradizione più pura di Star Trek e
una nuova generazione di spettatori, rinnovando lo spirito di
scoperta e curiosità che ha definito il franchise.
SCHOOL SPIRITS S3 – il
mistero della Split River High si oscura ancora di
più
Il 28 gennaio debutta la terza stagione di School Spirits, che riprende dal cliffhanger
della seconda stagione e porta Maddie a confrontarsi con il lato
più pericoloso e insondabile della Split River High. La serie, che
unisce teen-drama e soprannaturale, continua a esplorare il lutto,
l’identità e il bisogno di appartenenza attraverso un linguaggio
accessibile ma sorprendentemente emotivo. I nuovi episodi
promettono indagini più cupe, rivelazioni inattese e una posta in
gioco più alta, costruendo una mitologia che si è rafforzata
stagione dopo stagione. Il cast – con Peyton List, Kristian
Ventura, Spencer Macpherson e Kiara Pichardo – conferma il carisma
che ha contribuito al successo della serie, prodotta da Awesomeness
TV e distribuita a livello globale da Paramount.
WYLDE PAK S1 – una serie
animata che parla di famiglia, crescita e identità
Dal 16 gennaio, Wylde
Pak introduce un nuovo racconto d’animazione dedicato a un
pubblico giovane ma non infantile. La storia segue i fratellastri
Lily e Jack costretti a trascorrere l’estate insieme lavorando
nell’azienda di famiglia. La serie affronta con leggerezza e
profondità temi concreti come le famiglie ricomposte, la ricerca di
equilibrio tra generazioni e l’evoluzione dei legami affettivi. Con
uno stile contemporaneo e un approccio emotivo sincero,
Wylde Pak si presenta
come un prodotto capace di parlare a un segmento di pubblico spesso
trascurato: gli adolescenti e i pre-teen, in cerca di storie che
raccontino la complessità delle dinamiche familiari con uno sguardo
attuale.
AUSSIE SHORE S2 e CANADA
SHORE S1 – il ritorno del fenomeno Shore in due varianti
internazionali
Il brand Shore, tra i
più riconoscibili dell’universo MTV, torna a gennaio con due
declinazioni diverse. Il 9 gennaio arriva Aussie Shore S2, che riprende la formula del
reality esaltando scontri, flirt, feste senza limiti e relazioni in
continua evoluzione. Il 22 gennaio debutta invece Canada Shore S1, nuova versione del
format che mira a riproporre la stessa intensità emotiva, ma in un
contesto culturale differente: nuovi protagonisti, nuove dinamiche
e un approccio più incentrato sul contrasto fra caratteri
incompatibili costretti alla convivenza. Entrambi i titoli
confermano la strategia Paramount di mantenere vivo un franchise
globale capace di generare engagement costante.
LANDMAN S2 – finale di
stagione per il western contemporaneo di Taylor
Sheridan
Emerson Miller/Paramount+
Il 18 gennaio arriva il finale della seconda stagione di
Landman, una delle produzioni Paramount+ più
legate alla poetica autoriale di Taylor Sheridan. Ambientata nel Texas
occidentale durante un boom petrolifero che riscrive regole
economiche e geopolitiche, la serie racconta la brutalità del
potere e il prezzo umano dell’ascesa verso la ricchezza. Nel nuovo
capitolo, la pressione sulla M-Tex Oil e su Tommy Norris –
interpretato da Billy Bob Thornton in una performance
intensa e complessa – raggiunge livelli insostenibili. Segreti,
rivalità e tensioni esplodono progressivamente fino a portare il
protagonista al limite. Sheridan continua a costruire un western
contemporaneo che mescola thriller industriale, dramma personale e
critica sociale, sostenuto da un cast di altissimo livello che
include Demi
Moore, Andy Garcia e Sam Elliott.
Gennaio 2026 si afferma
come uno dei mesi più forti per Paramount+
L’offerta di gennaio 2026 dimostra la volontà di Paramount+ di
presidiare più pubblici simultaneamente: gli appassionati di
thriller (Girl Taken), i fan storici della fantascienza (Starfleet
Academy), gli spettatori young adult (School Spirits), le famiglie
e i pre-teen (Wylde Pak), chi ama il non-scripted più esplosivo
(Aussie Shore e Canada Shore) e gli appassionati del racconto
americano contemporaneo (Landman). Una lineup composita ma
coerente, che conferma l’ambizione della piattaforma di costruire
un palinsesto sempre più competitivo, capace di alternare
produzioni originali ambiziose e franchise globali
riconoscibili.
Jessica Jones
tornerà finalmente nel Marvel Cinematic Universe nel 2026
con la seconda stagione di Daredevil:
Rinascita. Poiché le serie Marvel-Netflix sono diventate parte integrante della
timeline dell’MCU, Disney+ sta infatti diventando la nuova
casa dei protagonisti di The Defenders, con la
Fase 6 che riunirà due membri fondamentali. Entertainment Weekly ha
ora pubblicato la prima immagine ufficiale del ritorno di
Krysten Ritter nell’MCU (la si può vedere qui), che la
ritrae nei panni di Jessica Jones nella seconda stagione della
serie accanto all’eroe titolare Matt Murdock.
Charlie Cox, protagonista di Daredevil: Rinascita, ha
parlato di come verrà esplorata la dinamica tra i due eroi di New
York nella nuova stagione, dicendo che “proprio per la natura
di Jessica e Matt, entrambi danno tanto quanto ricevono”. Ha
anche approfondito ciò che è accaduto durante le riprese della
prossima stagione. “Non sono sicuro che ne fossimo consapevoli
mentre giravamo. Quindi abbiamo aspettato davvero a lungo questa
opportunità per mettere questi due personaggi insieme sullo schermo
e divertirci ancora di più con loro”.
Brad Winderbaum,
che dirige la Marvel Television, ha paragonato la reunion di
Jessica con Matt nella seconda stagione di Daredevil:
Rinascita al ritorno di Jon Bernthal nei panni di Punisher nella
prima stagione, affermando: “Entrambi abbiamo parlato
dell’importanza di riproporre alcuni dei momenti salienti, per così
dire, assicurandoci di mantenere la stessa dinamica. Con ironia,
prendendoci in giro a vicenda, ma anche mettendoci al lavoro e
assicurandoci di rendere giustizia alla storia”.
EW ha anche rivelato in anteprima
il personaggio interpretato da Matthew Lillard
nella seconda stagione di Daredevil: Rinascita,
che sarà Mr. Charles, rivale politico del sindaco Wilson Fisk
interpretato da
Vincent D’Onofrio. Mentre la seconda stagione è già in
fase di post-produzione, la serie Disney+ non finirà presto, poiché la
terza stagione è già stata approvata e sarà girata nel 2026. Con il
ritorno di Jessica Jones interpretata da Ritter, la porta è aperta
anche per altri eroi MCU Netflix, come Luke Cage
interpretato da Mike Colter e Iron
Fist interpretato da Finn Jones, che
devono ancora fare la loro comparsa.
In Daredevil:
Rinascita della Marvel Television, Matt Murdock
(Charlie
Cox), un avvocato cieco con capacità straordinarie,
lotta per ottenere giustizia nel suo vivace studio legale, mentre
l’ex boss mafioso Wilson Fisk (Vincent
D’Onofrio) persegue le sue iniziative politiche a New
York. Quando le loro identità passate iniziano a emergere, entrambi
gli uomini si ritrovano inevitabilmente su una rotta di collisione.
Entrambi torneranno nella Stagione 2.
La serie vede la partecipazione
anche di Margarita Levieva, Deborah Ann Woll, Elden Henson,
Zabryna Guevara, Nikki James, Genneya Walton, Arty Froushan, Clark
Johnson, Michael Gandolfini, con Ayelet
Zurer e Jon
Bernthal. Dario Scardapane è lo
showrunner.
Con una durata di oltre tre ore,
Avatar: Fuoco e
Cenere potrebbe richiedere una pausa bagno durante
l’ultimo capitolo dell’epopea fantascientifica di James Cameron. Fortunatamente, abbiamo
individuato i momenti migliori per recarsi in bagno prima ancora di
arrivare al cinema.
Utilizzando i momenti chiave dei
trailer come indicatori (non preoccuparti, non ti sveleremo
nulla!), abbiamo individuato i due momenti migliori per andare
in bagno durante Avatar: Fuoco e Cenere senza
perdersi nulla di importante. Il primo si verifica dopo poco
più di un’ora dall’inizio del film, mentre il secondo è proprio
prima dell’atto finale.
Opzione uno: aspettate il
grande litigio tra Jake e Neytiri
A poco più di un’ora dall’inizio
di Avatar: Fuoco e Cenere, c’è un momento ideale per
correre in bagno quando Jake inizia a litigare con Neytiri al
Metkayina Reef Village.
Non solo la parte più importante
della conversazione è presente nei trailer del film (dove Jake dice
a sua moglie che deve smettere di vivere con così tanto odio), ma
gran parte della conversazione ha a che fare con gli eventi
precedenti visti in Avatar: La via
dell’acqua del 2023.
Di conseguenza, è un ottimo momento
per correre al bagno più vicino, soprattutto perché le scene
successive non sono particolarmente importanti rispetto alle
altre.
Opzione due: Il ritorno di
Toruk Makto
Un altro grande momento si verifica
verso la fine del secondo atto di Avatar: Fuoco e
Cenere, quando la potenziale necessità di una pausa
bagno è forse maggiore. Non appena Jake Sully
si ricongiunge con Toruk (come si vede nei trailer), molte delle
scene successive dei minuti seguenti sono state utilizzate nella
campagna di marketing di Fuoco e Cenere, pur essendo
abbastanza familiari a quanto visto in Avatar del 2009.
Da un lato, le scene fungono da
omaggio piuttosto interessante al primo film, anche se il loro uso
massiccio nei trailer significa che gli spettatori possono correre
in bagno senza doversi preoccupare di perdersi nulla di importante,
ma devono fare in fretta!
Avatar: Fuoco e
Cenere è una grande e spettacolare vetrina sul mondo di
Pandora, con un finale che conclude l’arco emotivo centrale del
film, lasciando però molti fili conduttori da riprendere in
eventuali sequel. Avatar: Fuoco e Cenere (la
nostra recensione) riprende direttamente da La via
dell’acqua del 2022, a sua volta il sequel del grande
successo del 2009, Avatar.
Il nuovo film vede la famiglia
Sully
sull’orlo della rottura, mentre nuove scoperte su Pandora e nemici
che si coalizzano contro di loro minacciano di sconvolgere il
futuro del pianeta. Il finale del film è emotivamente appagante, ma
lascia abbastanza domande senza risposta da dare ad un potenziale
sequel molte possibili direzioni da prendere.
Come Avatar: Fuoco e
Cenere cambia le regole di Pandora
Avatar: Fuoco e Cenere
introduce molti nuovi cambiamenti radicali nel mondo di
Pandora che potrebbero determinare un futuro completamente
diverso per il franchise. Riprendendo quasi direttamente dopo gli
eventi di La via dell’acqua, le più grandi aggiunte del film
alla tradizione hanno a che fare con Spider, il membro umano del
clan Sully.
Quando sembra che Spider stia per
soffocare a causa dell’atmosfera unica del pianeta, Kiri riesce a
usare la sua connessione con Pandora per indurre una fusione del
suo corpo con la fauna. Questo dà a Spider la capacità di respirare
liberamente su Pandora e pone le basi per uno dei principali
conflitti del film.
Jake teme che gli scienziati umani
possano catturare Spider e decodificare il processo, consentendo
all’umanità di invadere completamente Pandora. Questo lo spinge
quasi a uccidere Spider per paura di questa possibilità, ma alla
fine non riesce a farlo e invece riafferma il posto di Spider nella
famiglia Sully.
L’altra grande svolta su come
Pandora è stata presentata finora nella serie è l’inclusione
esplicita di Eywa. Il dio Na’vi è stato introdotto nel primo film,
ma è stato in gran parte una forza soprannaturale e invisibile.
Finora ha operato principalmente dietro le quinte.
L’arco narrativo di Kiri nel film
la vede cercare di connettersi più strettamente con Eywa,
soprattutto dopo aver scoperto le sue origini come figlia
dell’Avatar di Grace e dello spirito del mondo. È solo nel momento
culminante del film, quando Kiri viene aiutata da Spider e
Tuk, che riesce a farlo completamente.
Eywa appare brevemente sullo
schermo prima di prestare il suo aiuto per ribaltare le sorti della
battaglia finale. Entrambi questi elementi potrebbero cambiare le
carte in tavola per Avatar e rendono Spider e Kira (tra i quali c’è
anche un po’ di romanticismo) le figure più importanti per il
futuro del franchise.
Cosa succede a
Quartch?
Quartch ritorna in Fuoco e
Cenere nel suo corpo di Avatar, con una rinnovata passione per
sconfiggere Jake. Tuttavia, il personaggio è complicato dal suo
rapporto con Spider e Varang, il leader del villaggio di Ash.
Quartch e Varang sono inizialmente antagonisti, ma trovano
rapidamente un terreno comune (e una reciproca attrazione).
Questo li porta ad allearsi con la
tribù Ash e l’esercito terrestre. Lungo il percorso, Quartch
diventa sempre più legato alla cultura Na’Vi, in un modo che
riflette l’arco narrativo di Jake nel primo film. Nella parte
finale del film, Quartch indossa persino una pittura di guerra che
lo identifica come membro della tribù Ash.
Il destino di Quartch è ambiguo
alla fine di Fuoco e Cenere. Messo alle strette dagli eroi,
Quartch si lascia cadere nel fuoco sottostante e viene visto per
l’ultima volta svanire nel fumo. Questo potrebbe facilmente essere
la fine del personaggio, ma la sua mancanza di morte sullo schermo
lascia la porta aperta per un potenziale Avatar 4
ritorno.
Come Avatar: Fuoco e
Cenere prepara il terreno per un sequel
Avatar: Fuoco e Ceneresi conclude con una nota emotiva piuttosto conclusiva per la
famiglia Sully. Il dramma tra i membri della famiglia viene risolto
e Spider si avventura nel regno degli spiriti con Kiri per
affermare il suo posto nella tribù. Lungo il percorso, molte delle
principali minacce (come Quartch, il generale Ardmore e il
cacciatore di Tulkun Scoresby) sembrano essere state eliminate.
Tuttavia, ci sono molti filoni
narrativi irrisolti che potrebbero essere ripresi in un potenziale
seguito. Selfridge, l’amministratore delegato che è stato
l’antagonista principale e la fonte di finanziamento della RDA, è
assente dalla battaglia nel finale e presumibilmente
sopravvive.
La conoscenza di Selfridge delle
nuove caratteristiche di Spider gli dà molti motivi per continuare
a cercarlo, il che potrebbe guidare la trama di un sequel. Anche
Varang sopravvive al climax, fuggendo dalla battaglia dopo che Kiri
la ha sopraffatta. Varang potrebbe trovare Quartch e
salvarlo, o potrebbe persino scoprire di essere incinta di suo
figlio.
Questo potrebbe rafforzarne
ulteriormente il ruolo di specchio oscuro di Neteryi e
posizionarla come una delle principali antagoniste in futuro. Ora
ha anche una maggiore conoscenza delle armi umane, grazie
all’addestramento di Quartch, il che potrebbe portare i resti della
tribù Ash a utilizzare più tecnologia umana nelle loro future
scaramucce.
C’è anche la conseguenza della
scoperta da parte dell’umanità che Jake, che doveva essere
giustiziato mentre era stato catturato per un breve periodo, è
fuggito ancora una volta. Questo potrebbe portare un esercito umano
più grande a partecipare al conflitto, aumentando ulteriormente
la posta in gioco per un potenziale quarto film.
Il vero significato di
Avatar: Fuoco e Cenere
Terzo capitolo della saga di
Avatar, Fuoco e Cenere affronta le
domande più difficili che possono sorgere all’indomani di un lutto.
Uno dei principali pilastri emotivi del film è la morte di Neteyam
nel film precedente. Il dolore persistente allontana Jake e
Neteryi per un po’, e il suo ricordo continua a tormentare
Lo’Tuk.
La famiglia Sully è costretta a
fare i conti con le sfumature più oscure del proprio dolore: Jake
incolpa Lo’Tuk, Neteryi lotta per non incolpare Spider per
l’accaduto e Lo’Tuk arriva persino a considerare il suicidio a un
certo punto, sopraffatto dal dolore. Il film vede tutti questi
archi narrativi risolversi grazie all’unione della famiglia e
alla sua capacità di affrontare i pericoli del mondo.
Questo ripaga anche la trama di
Kiri, che vede i suoi sforzi solitari per raggiungere Eywa
vanificati. Tuttavia, quando la sua famiglia viene coinvolta, non
solo raggiungono la Dea, ma la convincono ad aiutarli. Questi temi
familiari sono anche al centro delle altre tribù dei Na’vi, delle
tribù Tulkun e degli sforzi di Quarth per raggiungere Spider.
Anche nel mondo alieno di Pandora,
Avatar: Fuoco e Cenere sottolinea l’importanza
della famiglia di fronte al caos, alla tragedia e alla perdita.
Questo conferisce al film un nucleo emotivo attorno al quale ruota
e gioca un ruolo importante nel garantire che Avatar: Fuoco e
Cenere non si perda nella costruzione del mondo.
Poco dopo i commenti di Hugh Jackman sul Marvel Cinematic Universe, è emersa
una novità cruciale su Wolverine. Nel 2024, la
timeline dell’MCU ha visto Jackman tornare al marchio Marvel,
interpretando una variante di Logan in Deadpool &
Wolverine e lasciando il mondo desideroso di vederlo
ancora nei panni del famoso mutante.
Ora, una nuova richiesta di
registrazione del marchio Wolverine è stata recentemente presentata
dalla Disney, come rivelato da un elenco pubblicato sul sito web
dell’USPTO, scatenando teorie su un
potenziale film o serie TV in arrivo per l’iconico eroe degli
X-Men. La data di presentazione della domanda era il 12
dicembre 2025.
Jackman, invece, è recentemente
apparso a The View, dove gli è stato chiesto se avesse finito di
interpretare la leggenda Marvel. L’attore australiano ha
dichiarato: “Questo è quello che mi dice il mio istinto… non è
finita. Ma questo è solo il mio parere, la Marvel potrebbe avere
idee diverse”.
Dato che la Marvel Studios sta
rilanciando il franchise degli X-Men con un nuovo film di squadra
attualmente in fase di sviluppo, l’inserimento del marchio
Wolverine arriva sicuramente in un momento interessante. Tuttavia,
il film degli X-Men per la MCU non ha ancora rivelato se lui sarà
coinvolto nella storia.
Ci sono state voci secondo cui
Wolverine farà parte del cast di Avengers: Doomsday, ma al momento
la Marvel Studios non ha annunciato che Logan apparirà nella fase
6. Tuttavia, i commenti di Jackman continuano a suggerire che il
mondo non ha ancora visto l’ultima apparizione del personaggio
nell’MCU.
Se è in lavorazione un nuovo
progetto su Wolverine, c’è anche la possibilità che questo possa
essere per chiunque interpreterà la versione MCU del personaggio
dopo Avengers:
Secret Wars. Dato che Jackman non interpreterà Logan
per sempre, il ruolo alla fine verrà ricoperto da qualcun
altro.
Logan non è l’unico ad aver vestito
i panni di Wolverine nel canone Marvel, poiché anche Laura
Kinney, alias X-23, ha assunto questo
titolo. Dopo che Dafne Keen ha a sua volta ripreso il ruolo in
Deadpool &
Wolverine, un progetto da solista per lei potrebbe
sempre essere possibile.
Star
Wars: Starfighter, il secondo film della saga
realizzato dopo la fine della saga di Skywalker, ha ora completato
le riprese in vista dell’uscita prevista per maggio 2027, e il
regista Shawn Levy ha appena condiviso una foto
dal dietro le quinte per celebrare questo importante traguardo.
Con la saga di Skywalker
completata, Disney e Lucasfilm stanno cercando di espandere la saga
di Star
Wars sul grande schermo, a partire da The
Mandalorian & Grogu, e Star Wars: Starfighter. Levy
ha dunque annunciato su Instagram che le
riprese del suo film sono terminate. Ha aggiunto una didascalia che
diceva: “È finita! Corro verso la post-produzione di
#Starfighter” accanto a una foto in bianco e nero di se stesso
che corre su un muro.
La sezione dei commenti del post,
che finora ha ottenuto oltre 7.000 like, è stata riempita da fan
entusiasti che attendono con ansia il contributo di Levy al
franchise di Star Wars. Alcuni fan nella sezione
commenti hanno anche sottolineato che Star Wars:
Starfighter non ha richiesto molto tempo per essere
girato. La produzione è iniziata solo nell’agosto 2025 e le riprese
sono terminate quattro mesi dopo. Matt Smith, che interpreta un cattivo nel
film, ha recentemente annunciato di aver terminato le riprese delle
sue scene la scorsa settimana.
Negli ultimi anni i film di Star
Wars sono stati pochi e sporadici. Dopo la conclusione della saga
di Skywalker nel 2019 con l’uscita di L’ascesa di
Skywalker, la Disney ha spostato la sua attenzione sulle serie
TV su Disney+, tra cui The Mandalorian, Andor, Ahsoka e Skeleton Crew.
Certo, manca ancora un anno e mezzo
all’uscita di Star Wars: Starfighter nelle sale,
tempo sufficiente per alimentare l’attesa e per consentire a
The Mandalorian & Grogu di
mantenere vivo l’entusiasmo dei fan. Il film, come anticipato,
introdurrà un capitolo completamente nuovo per la saga di
Star Wars e l’aggiornamento sulle riprese di Levy
segna un’importante pietra miliare che significa che ora può
iniziare la post-produzione.
Cosa sappiamo di Star Wars:
Starfighter
Il prossimo film
di Star Wars è descritto come un capitolo
autonomo dell’iconica saga fantascientifica che si svolgerà cinque
anni dopo gli eventi di L’ascesa di Skywalker del 2019. Oltre a Ryan Goslingnel cast
ritroviamo Amy Adams, Aaron Pierre,
Flynn Gray, Simon Bird,
Jamael Westman e Daniel Ings. Gli
attori Matt Smith e Mia Goth interpreteranno invece due
antagonisti nel film.
Finora, la trama del prossimo film
di Star Wars è rimasta segreta. Tuttavia, l’immagine condivisa nel
post dell’annuncio sembra suggerire che il personaggio di Ryan Gosling sarà in qualche modo una figura
protettrice o mentore del personaggio interpretato da Flynn Gray.
Questo evocherebbe una relazione adulto-bambino che è comune in
tutta la saga di Star Wars ed è stata al centro di episodi
come The
Mandalorian, Obi-Wan
Kenobi, Skeleton
Crew e La minaccia fantasma.
Ora che la partecipazione di
Tom Cruise alla
serie Mission: Impossible sembra essere giunta
al termine, la star dei film d’azione è pronta per nuovi progetti.
Il primo di questi è un film con il due volte premio
Oscar Alejandro G. Iñárritu, fino ad oggi
rimasto nel mistero. Ora, però, su X, Cruise ha condiviso un primo poster
del film, che si intitolerà Digger. Lo slogan
recita che si tratta di una “commedia di proporzioni
catastrofiche” e l’uscita è prevista per ottobre 2026.
Il poster del film mostra il titolo
che forma quello che dovrebbe essere il personaggio di Cruise nel
film, con in mano una pala e indossando stivali da cowboy su uno
sfondo arancione, in stile Saul Bass. Pochi minuti dopo, la Warner
Bros. ha invece condiviso un teaser ufficiale. In questo, mentre
tiene in mano una pala, Cruise balla in modo stravagante, come ha
già fatto in film come Risky Business o Tropic
Thunder.
Poi, la star di Top Gun
viene ripresa in piedi mentre cammina sulla ringhiera di un molo.
Anche in questo caso, Cruise sembra farlo mentre balla. Inoltre,
l’attore sembra avere un aspetto diverso dal suo solito, curato e
affascinante. Sebbene non lo si veda mai chiaramente, il profilo
lascia intendere che qualcosa di diverso ci sia nella sua
acconciatura e, potenzialmente, nel suo volto, anticipando una
possibile trasformazione al trucco per Cruise.
La trama del film è stata tenuta
segreta fino a questo momento, ma è chiaro che Cruise interpreterà
il personaggio principale, Digger Rockwell. La
commedia in uscita vede anche la partecipazione di John
Goodman, Riz Ahmed, Michael
Stuhlbarg, Emma
D’Arcy, Sophie Wilde, Sandra
Hüller e Jesse Plemons. Il film è stato
co-sceneggiato da Iñárritu, dagli ex sceneggiatori di BirdmanAlexander Dinelaris e
Nicolás Giacobone e da Sabina
Berman.
Prima della rivelazione, Cruise ha
condiviso una foto delle prove del 2024 insieme a Iñárritu. Si è
detto profondamente commosso dal lavorare al fianco del regista
premio Oscar, che gli ha consegnato un Oscar onorario ai Governors
Awards a novembre. Cruise ha anche detto di essere un fan di lunga
data di Iñárritu, affermando di aver visto Amores Perros
25 anni fa.
Iñárritu, noto per film come 21
Grammi e Biutiful, ha parlato molto bene di
Cruise in un’intervista di ottobre. Ha definito il suo rapporto sul
set con Cruise “fantastico” e “dolce” e ha elogiato la passione e
l’integrità dell’attore. Iñárritu ha aggiunto che il ruolo di
Cruise in Digger “sorprenderà il mondo”. Parlando del film stesso,
invece, il regista acclamato dalla critica lo ha definito “una
novità”, aggiungendo che si tratta di una “commedia selvaggia”
impegnativa.
Girato nel Regno Unito nel 2024 e
all’inizio del 2025, Digger è il primo film in
lingua inglese di Iñárritu dopo The Revenant, il film del
2015 che ha vinto gli Oscar per il miglior regista, la migliore
fotografia e il miglior attore per Leonardo DiCaprio. Il suo ultimo
film è invece stato Bardo, falsa cronaca di una manciata di
verità, uscito in sordina su Netflix nel 2022.
Norimberga,
dal 18 dicembre al cinema con Eagle Pictures, racconta una storia
vera ambientata dopo la Seconda Guerra Mondiale, che segue il
medico militare Doug Kelley, interpretato da Rami Malek, che si immerge nelle menti dei
criminali nazisti incarcerati. Il film, diretto da James
Vanderbilt, è incentrato sulle sue intense sedute con
Hermann Göring, un ufficiale di alto rango, interpretato da
Russell Crowe, un tempo braccio destro di
Hitler. Göring viene finalmente ritenuto responsabile degli orrori
che ha causato in quella guerra.
La domanda principale che anima
Norimberga
è se Douglas Kelley possa studiare uomini come Göring e allo stesso
tempo mantenere il proprio senso del bene e del male. Una volta
concluso il film, una cosa salta all’occhio: non ce la fa. La
caccia alla crudeltà più atroce lo porta fuori strada, mostrando
come provare troppi sentimenti, senza limiti, possa lacerare una
persona dall’interno.
Le conseguenze della guerra
La storia inizia nel 1945, subito
dopo la morte di Hitler. Göring, insieme a una ventina di
importanti esponenti del nazismo, viene catturato e portato a
Norimberga, una città nel cuore della Germania, dove si forma un
tribunale internazionale sotto la guida del giudice Robert H.
Jackson (interpretato da Michael Shannon), pronto
ad accusarli di brutali atti di guerra.
Il compito principale di Kelley era
monitorare lo stato psicologico dei detenuti. Ma lui è alla ricerca
di qualcosa di più grande: capire come persone normali possano
razionalizzare un omicidio di massa, e usare queste intuizioni per
scrivere un libro che potrebbe fermare future atrocità.
RAMI
MALEK as Lt. Col. Douglas Kelley in ‘Nuremberg’ Image: Scott
Garfield. Courtesy of Sony Pictures Classics
Kelley si aspetta che Göring sia un
uomo distrutto, ma invece trova un abile manipolatore che usa
fascino e intelligenza per distorcere la realtà. Göring insiste di
aver servito solo il suo Paese e scarica la colpa su altri membri
della gerarchia nazista.
I loro colloqui si trasformano in
un gioco mentale. Mentre Göring cerca di dominare ogni incontro,
Kelley si ritrova attratto dalle argomentazioni dell’uomo; il suo
solito distacco inizia a svanire. Nel frattempo, il giudice Jackson
insiste per ottenere dettagli che potrebbero aiutare il caso,
lasciando Kelley intrappolato tra il fare ciò che è giusto dal
punto di vista medico e ciò che ritiene moralmente necessario.
Con il procedere del film, il
fascino che Göring esercita su Kelley diventa sempre più
inquietante. Lo psichiatra inizia a capire che il male che sta
studiando non è una forza disumana, ma qualcosa di spaventosamente
familiare, nato dall’orgoglio, dal potere e dall’autoinganno.
Il processo raggiunge il culmine
quando Göring viene condannato a morte. Ma poco prima
dell’esecuzione, ingoia una pillola di cianuro che teneva nascosta,
rubando ogni possibilità di risposta sia ai giudici che a
Kelley.
Per Kelley, è un colpo devastante.
Il suo tentativo di comprendere Göring non si conclude con una
rivelazione, ma con la disperazione. Si rende conto che le
azioni mostruose di Göring non sono state il risultato della
follia, ma di scelte umane comuni portate all’estremo della
crudeltà.
Alla fine del film, Kelley è
completamente diverso. Un tempo era sicuro di sé e rifletteva
attentamente su tutto; ora ha perso quella scintilla, appesantito
dalle cose a cui ha assistito e dall’idea assillante che chiunque,
anche le persone normali, possano fare cose crudeli.
Il finale risponde alla domanda
centrale: no, Kelley non può uscire indenne dal suo studio.
Il suo lavoro lo lascia distrutto, non perché sia d’accordo con
Göring, ma perché vede con quanta facilità le persone giustifichino
l’imperdonabile.
Norimberga
si chiude con una nota cupa, ricordando agli spettatori che le
lezioni dei processi rimangono vitali. Ottant’anni dopo il vero
tribunale, il film sostiene che la stessa arroganza, lo stesso odio
e la stessa indifferenza che alimentarono i nazisti si ritrovano
ancora oggi.
Chi predilige il cinema tratto da eventi realmente accaduti sa che
questo tipo di narrazione possiede un potere del tutto particolare:
quello di avvicinare lo spettatore alla storia, senza filtri,
rendendolo partecipe di un mondo che esiste davvero, o che è
esistito. Norimberga, in uscita il
18 dicembre
distribuito da Eagle Pictures, interpreta alla perfezione questa
esigenza. Diretto e sceneggiato da James Vanderbilt e tratto dal libro
The Nazi and the
Psychiatrist di Jack
El-Hai, il film porta sullo schermo non solo la
ricostruzione di un evento cardine del Novecento, ma anche la
dimensione psicologica, etica ed emotiva che lo ha accompagnato. Se
sei un appassionato di storie vere, Norimberga è uno di quei titoli che non puoi
permetterti di perdere, perché racconta un momento storico che
continua a risuonare nel presente con una forza sorprendente.
Un film che ricostruisce
un evento che ha definito la giustizia internazionale
contemporanea
Il processo di Norimberga non è soltanto una pagina di storia:
rappresenta l’origine dei concetti moderni di responsabilità penale
internazionale, crimini contro l’umanità e diritto universale alla
verità. Guardare un film che ricostruisce questo momento significa
ritornare alle radici di un sistema giuridico che ancora oggi
utilizza quel processo come riferimento. Vanderbilt trasforma
queste basi storiche in narrazione cinematografica e lo fa senza
sacrificare la complessità dei fatti: mostra l’azione degli
Alleati, guidati dal giudice Robert H. Jackson, il conflitto tra
potere politico e necessità morale e il peso globale del dover
giudicare un intero regime. Per chi ama il cinema basato su eventi
reali, questo è uno dei rari casi in cui la ricostruzione diventa
strumento di comprensione profonda e non semplice esercizio
estetico. In sala, la portata storica di questi avvenimenti si
amplifica, permettendo allo spettatore di sentirsi dentro un nodo
cruciale della storia moderna.
Il duello tra Douglas
Kelley e Hermann Göring: una storia vera che supera ogni
fiction
Tra gli elementi più sorprendenti del film c’è il rapporto,
realmente documentato, tra il tenente colonnello
Douglas Kelley
(interpretato da Rami
Malek) e Hermann
Göring (Russell Crowe). Kelley fu uno dei pochi ad
avere un accesso diretto e privilegiato ai gerarchi nazisti durante
la loro detenzione, con il compito di valutare il loro stato
mentale e comprenderne le dinamiche di personalità. Il film
riprende questo materiale storico e lo trasforma in uno scontro
psicologico di enorme tensione: Göring emerge come una figura
magnetica, manipolatrice, esperta nell’utilizzare il proprio
carisma; Kelley come un uomo diviso tra il dovere scientifico e
l’orrore morale che ha di fronte.
Per chi ama le storie vere, questa dialettica è irresistibile: è il
tipo di confronto che nessuno sceneggiatore potrebbe inventare
senza cadere nell’inverosimile, e proprio per questo, sapere che
accadde realmente intensifica l’esperienza emotiva e intellettuale
della visione.
La regia di James
Vanderbilt unisce rigore storico, tensione narrativa e sensibilità
contemporanea
Norimberga – Rami Malek Credit- Alamy
James Vanderbilt affronta la materia con un duplice approccio: da
un lato, l’impegno nella precisione della ricostruzione storica;
dall’altro, la volontà di rendere il film accessibile e
coinvolgente anche per il pubblico contemporaneo. Questo equilibrio
è ciò che rende Norimberga un titolo ideale per gli appassionati di
storie vere: non tradisce i fatti, ma non si limita a illustrarli.
Vanderbilt scava nei silenzi delle celle, nella ritualità del
tribunale, nelle ambiguità degli interrogatori, costruendo un
racconto che ha il passo di un thriller pur restando ancorato alle
fonti. La sua regia non offre giudizi semplicistici, ma invita lo
spettatore a porsi le stesse domande che animarono il processo:
obbedienza cieca, follia o consapevole malvagità? Un interrogativo
che, anche a distanza di quasi ottant’anni, conserva una carica
inquietante e attuale.
Le interpretazioni di
Russell Crowe e Rami Malek danno corpo e verità a due figure
storiche complesse
Uno degli aspetti più potenti dei film tratti da storie vere è
vedere grandi attori confrontarsi con personalità realmente
esistite. Crowe e Malek offrono due interpretazioni complementari e
costruite con estrema cura. Crowe tratteggia un Göring convincente
e disturbante, lontano dalle caricature e vicino alle testimonianze
storiche che lo descrivono come un uomo dotato di grande
intelligenza strategica e capacità manipolatoria.
Malek, al contrario, rappresenta Kelley come un uomo intrappolato
tra la scienza e l’orrore, tra la volontà di capire e la
consapevolezza che alcune risposte potrebbero essere impossibili da
accettare. Questa dinamica, resa con sguardi, pause, esitazioni e
improvvisi colpi di verità psicologica, acquista una potenza
straordinaria quando vissuta in sala, dove la recitazione prende
corpo con tutte le sue sfumature.
Perché le storie vere
servono a ricordare, comprendere e trasformare il nostro sguardo
sul mondo
Chi ama i film tratti da storie vere sa che la loro funzione non è
puramente narrativa: è anche civile, culturale e, in parte,
terapeutica. Norimberga
rientra a pieno titolo in questo tipo di cinema. Raccontare quel
processo significa riportare alla luce una domanda che continua a
interrogare la coscienza collettiva: cosa spinge degli uomini
comuni a partecipare a un sistema di male organizzato? E
soprattutto, come si costruisce un mondo che impedisca il ripetersi
di simili orrori? Il film non pretende di dare risposte
definitive—e proprio per questo genera riflessione. In sala, la
partecipazione diventa condivisa: il pubblico osserva insieme, si
confronta in silenzio, e si porta addosso il peso e il significato
di ciò che ha visto. È questa dimensione collettiva, tipica del
cinema e particolarmente preziosa nei film basati su storie vere, a
rendere Norimberga
un’esperienza che va oltre lo schermo.
DAL 18 DICEMBRE AL CINEMA
con Eagle Pictures. Un’opera che restituisce memoria, apre
domande e invita a guardare la storia senza distogliere lo
sguardo.
Dune – Parte
Due offre un finale epico all’adattamento
cinematografico di Denis Villeneuve del primo libro di Frank
Herbert, ponendo le basi per la continua espansione del franchise.
Il sequel riprende dopo il finale di
Dune e mostra il viaggio di Paul Atreides (Timothée Chalamet) mentre entra a far parte
della cultura Fremen e lotta con la profezia di Lisan al Gaib. La
storia di Dune 2 si concentra principalmente sulla
relazione tra Chani (Zendaya) e Paul mentre entrano in guerra contro la
Casata Harkonnen per il destino di Arrakis. La situazione è
complicata da Lady Jessica (Rebecca Ferguson) che diffonde la
convinzione che suo figlio sia il messia dei Fremen.
Quando il finale di Dune –
Parte Due giunge al culmine, il film si ricentra sulla
sfida di Paul a diventare il nuovo imperatore. Ciò include il
lancio di un attacco su larga scala contro gli Harkonnen, che si
conclude con Paul che uccide il barone Vladimir Harkonnen (Stellan Skarsgård) e combatte contro suo
nipote, Feyd-Rautha Harkonnen (Austin Butler), per la possibilità di
governare. Ciò che accade è esattamente ciò che Paul temeva di più
dalle sue visioni del futuro. Ciò conferisce un carattere
piuttosto tragico al modo in cui Dune 2 si conclude e al
punto in cui lascia la storia per un possibile terzo film che
adatti Dune:
Messiah.
Il piano di Paul Atreides per
diventare imperatore e salvare Arrakis spiegato
Il punto cruciale del finale di
Dune – Parte Due ruota attorno all’accettazione da
parte di Paul Atreides del suo destino come Lisan al Gaib dei
Fremen, salvatore di Arrakis e imperatore conquistatore
dell’intero universo conosciuto. Il personaggio di Chalamet lotta
con questo risultato per gran parte del film, poiché ha visioni del
massacro che causerà se si dirigerà a sud su Arrakis. Paul
preferisce dimostrare il proprio valore ai Fremen e aiutarli a
liberarsi. Ciò è complicato dalla fede incrollabile che Stilgar
(Javier Bardem) ripone in lui e da Jessica che
alimenta le credenze della profezia nella cultura dei Fremen.
Nonostante combatta la realtà di
dover andare a sud, bere l’Acqua della Vita e diventare il Lisan al
Gaib, Paul è costretto ad agire quando Feyd-Rautha distrugge il
seitch nord dei Fremen. Il piano di Paul è quello di ottenere
l’intera gamma dei poteri delle Bene Gesserit bevendo l’Acqua della
Vita. Sa che il suo miracoloso risultato gli garantirà il sostegno
dell’intera popolazione Fremen. Questo gli conferisce un potere
senza pari su Arrakis, poiché l’esercito Fedaykin dei Fremen è più
che sufficientemente forte per sconfiggere gli Harkonnen con
l’aiuto delle armi atomiche della Casata Atreides.
È grazie a questo potere che Paul
può sfidare l’Imperatore Shaddam IV (Christopher Walken), rivelando
di essere vivo, il che lo porta ad Arrakis per la guerra. Il piano
di Paul per rovesciare l’Imperatore prevede due fasi. La prima è
chiedere di sposare sua figlia, la principessa Irulan (Florence Pugh), in modo che la stirpe dei
Corrino rimanga al potere. Il passo successivo è combattere
Feyd-Rautha come campione di Shaddam. L’uccisione di
Feyd-Rautha da parte di Paul significa la fine dell’immediata
dinastia regnante degli Harkonnen e una via naturale per
sostituire Shaddam, anche se le Grandi Casate non accettano il
risultato.
Attraverso queste azioni, Paul
ascende a un nuovo livello di potere. Libera Arrakis dal dominio
degli Harkonnen assumendo il comando, accumulando
contemporaneamente più potere per la Casata degli Atreides e
vendicando la morte di suo padre. Paul diventa il leader designato
della Casata Atreides, il salvatore dei Fremen come Lisan al Gaib e
l’Imperatore dell’universo conosciuto. È il compimento definitivo
delle
visioni di Paul in Dune 2, in cui egli governa con il
sostegno di una jihad religiosa e la consapevolezza che ciò porterà
solo a una guerra galattica responsabile della morte di miliardi di
persone.
Dune è stato già adattato
nel 1984 e nel 2000, ma nessuno dei due adattamenti ha ripreso
l’intera serie di romanzi di Frank Herbert.
La guerra santa di Dune con le
Grandi Casate spiegata
Uno dei momenti finali del finale
di Dune 2 è la proclamazione di Jessica che sta iniziando
una “guerra santa”. La nuova Reverenda Madre dei Fremen fa
questo commento dopo aver visto l’esercito di Paul salire a bordo
delle navi per andare in guerra contro le Grandi Casate. Egli
ordina a Stilgar, Gurney (Josh
Brolin) e altri di lanciarsi in battaglia in suo nome dopo aver
saputo che le restanti Grandi Casate non onoreranno l’ascesa di
Paul al trono imperiale. Utilizzando tutta la forza del suo
esercito, il comando di Paul segna l’inizio di una guerra che si
diffonderà in tutta la galassia, portando onore e rispetto al suo
dominio.Grandi Casate conosciute nell’universo di DuneCasata
AtreidesCasata CorrinoCasata FenringCasata GinazCasata
HalleckCasata HarkonnenCasata MetulliCasata MoritaniCasata
RicheseCasata Vernius
Questa guerra santa che Dune
2 mette in scena è la realizzazione di alcune delle prime
visioni di Paul nel precedente film del 2021. All’epoca sognava una
“guerra santa che si diffondeva nell’universo come un fuoco
inestinguibile”. Questo è il risultato della fede dei Fremen in
lui come loro Lisan al Gaib, che trasforma l’esercito in una jihad
religiosa che non si fermerà davanti a nulla per far riconoscere il
loro messia. È attraverso questo movimento che miliardi di persone
moriranno combattendo contro la pretesa di Paul di governare o
rifiutando di accettare le credenze religiose dei Fremen.
La storia di questa guerra santa si
svolge in Dune 2 come preparazione per Dune : Parte
Tre. È vero che gli eventi della guerra avranno ripercussioni
importanti su ciò che verrà, ma la conquista effettiva
dell’universo non sarà al centro del terzo film. La storia
di Dune:Messiah salta questo punto della
vita di Paul, concentrandosi su di lui come imperatore potente
e esperto, ma Dune 2 continua a stuzzicare lo sviluppo come
un modo per mostrare l’inizio del regno di Paul.
Perché Paul Atreides accetta di
sposare la principessa Irulan alla fine di Dune – Parte
Due
Segue la sua testa, non il suo
cuore
La decisione di Paul di sposare la
principessa Irulan è una mossa di potere politico nel finale di
Dune 2. Il suo desiderio di rovesciare l’imperatore Shaddam
significava escogitare un piano che lo avrebbe portato al trono.
Tuttavia, sapeva che il vecchio imperatore non avrebbe ceduto
volontariamente il suo potere dopo che Shaddam aveva cercato di
distruggere la casata degli Atreides. Paul capì che la strada
migliore da seguire era quella di prendere Irulan come moglie.
Questo avrebbe dato all’imperatore la soddisfazione che la sua
stirpe sarebbe rimasta al potere, anche se lui non lo fosse più
stato. Irulan accetta la sua posizione e acconsente a sposare Paul
in Dune 2.
Questa decisione di Paul va contro
tutto ciò che aveva detto in precedenza riguardo alla sua relazione
con Chani. Egli le confessa ripetutamente il suo amore, anche
subito prima di chiedere la mano di Irulan. La decisione di Paul è
in definitiva dettata dalla sua testa piuttosto che dal suo cuore.
Chani ha il suo cuore, ma sposarla non gli dà alcun vantaggio
politico. È già asceso alla leadership con i Fremen. Sposare la
principessa Irulan, d’altra parte, è la strada più facile per Paul
per diventare imperatore, poiché la sua ascesa avviene in modo più
pacifico. Questo rende Paul più potente che mai.
Cosa ha detto Florence Pugh sul
finale di Dune – Parte Due per la principessa Irulan
La reazione di Florence Pugh al
finale di Dune – Parte Due per la principessa Irulan è
illuminante in termini di come anche gli spettatori possono
interpretare la sua decisione. L’attrice ha detto a Comicbook che ha visto la scena come il momento in cui
“lei realizza il suo potere e la sua posizione futura”,
sapendo che si tratta di un’esperienza transazionale per Irulan e
Paul. Pugh crede anche che Irulan colga la reazione di Chani
all’intera prova, dandogli un’idea della proposta di matrimonio,
osservando: “Non mi piace”. In definitiva, è un momento che rende
Pugh “pronta per ciò che accadrà dopo” in un potenziale sequel.
Perché Chani lascia Paul
Atreides e dove sta andando
La storia di Chani cambia
rispetto al libro
Una delle grandi sorprese che
arriva nella conclusione è come Denis Villeneuve
cambia la storia del libro Dune 2 per Chani. Lei
trascorre l’intero film mettendo in discussione e non credendo alla
profezia di Lisan al Gaib, anche se si innamora di Paul. Un grande
allontanamento dal materiale originale si verifica quando Chani se
ne va dopo l’ascesa al trono di Paul come imperatore. Lascia Paul
dopo che lui ha preso Irulan come moglie, anche se lui le ha
giurato che l’avrebbe amata per sempre. L’apparente tradimento e il
modo in cui Paul inizia il suo regno vanno contro ciò che Chani
desidera.
Lasciare Paul significa che
Dune 2 termina con Chani che si prepara a cavalcare un
verme delle sabbie senza una destinazione chiara. Poiché
Villeneuve ha modificato il libro per questo sviluppo della trama,
il romanzo di Frank Herberg non risponde alla domanda su dove lei
stia andando. È possibile che Chani abbia deciso di lasciare Paul
definitivamente per poter avventurarsi da sola, mantenendo il suo
stile di vita da Fremen libera dal suo controllo. Ciò porterebbe
solo cambiamenti più grandi alla storia per un potenziale
adattamento di Dune: Messiah. Ciò significa che è possibile
che lei chiami il verme delle sabbie per schiarirsi le idee, ma
dove Chani vada è in definitiva ambiguo.
Cosa hanno detto Zendaya e
Denis Villeneuve sul finale di Chani in Dune – Parte
Due
Fortunatamente, sia Zendaya che
Denis Villeneuve hanno condiviso le loro opinioni sul finale di
Chani in Dune – Parte Due. Parlando con Comicbook,
Zendaya ha sottolineato il “dolore” che accompagna la storia
e il ruolo di Chani nel finale. Parlando della proposta di
matrimonio di Paul a Irulan, Zendaya ha descritto lo stato d’animo
di Chani come “C’è il dolore, c’è il tradimento, c’è la perdita
e la confusione. Mi sembra un finale piuttosto doloroso”. Ha
poi aggiunto che il film non lascia il pubblico con la sensazione
che qualcuno abbia vinto, con l’isolamento di Chani che simboleggia
i “sogni e i cuori infranti” causati dalla guerra.
Anche Denis Villeneuve ha spiegato
l’importanza di Chani nel finale di Dune – Parte Due. Ha
dichiarato a Inverse che l’intero film è costruito attorno alla
storia d’amore tra Chani e Paul e che la tragedia doveva essere
raccontata attraverso gli occhi di Chani per essere efficace.
Cambiare la prospettiva da Paul a Chani è stato “un cambiamento
molto importante” per il film, che ha permesso al pubblico di
vedere le azioni di Paul attraverso gli occhi della persona che lui
sta tradendo. Ha detto: “È molto tragico [che lui] perderà tutto
e tradirà le persone che amava”. Il punto di vista di Chani è
fondamentale per suscitare empatia nel pubblico.
Paul Atreides è un cattivo alla
fine di Dune – Parte Due?
Il finale di Paul Atreides è
una tragedia
Denis Villeneuve incentra Dune
2 sull’inevitabilità che Paul diventi il Lisan al Gaib, ed è
attraverso questa lente che il film ritrae la natura tragica di
Paul che diventa un cattivo. Il film chiarisce fin dall’inizio che
Paul non crede di essere il salvatore profetizzato dei Fremen, né
vuole esserlo. Tutto ciò che Paul dice e fa è per contrastare
questo risultato, poiché teme questo esito grazie alle sue visioni.
Sa che seguire i Fremen verso sud lo trasformerà in una figura
messianica e darà inizio a una guerra.
Stabilendo quanto Paul non voglia
essere Lisan al Gaib, Dune – Parte Due finisce per
trasformarlo in una presenza malvagia, rendendo il tutto ancora più
tragico. Deve accettare che non c’è nulla che possa fare per
impedire questo risultato, costringendolo a diventare ciò che
odiava e a dare inizio a un genocidio di massa. È vero che Paul
accetta pienamente il suo potere e la sua influenza come Lisan al
Gaib una volta che l’inevitabile si verifica, ma ci sono anche
diversi elementi che ricordano che questo non è ciò che lui
desidera. Sta solo facendo ciò che sa deve essere fatto per salvare
Arrakis.
Uno dei modi principali in cui
Dune – Parte Due porta a compimento questo concetto è
attraverso la relazione tra Paul e Chani. Egli rafforza
ripetutamente il suo amore per lei, sperando che lei capisca le
decisioni che deve prendere per proteggere lei, i Fremen e Arrakis.
Il fatto che lei alla fine se ne vada comunque suggerisce la
possibilità che lui possa perderla. Diventare un sovrano di tale
importanza comporta il sacrificio della sua felicità definitiva.
Questo non rende più perdonabili i momenti malvagi di Paul, ma
aiuta Dune 2 a trasmettere correttamente la natura dell’arco
narrativo di Paul Atreides.
Cosa ha detto Denis Villeneuve
sul finale di Paul Atreides in Dune – Parte Due
Il finale di Paul in Dune 2
è esattamente ciò che Denis Villeneuve sperava di ottenere
nell’adattare il libro di Frank Herbert. Denis Villeneuve ha
spiegato il finale di Dune 2 dopo l’uscita del film,
raccontando a Inverse le sue intenzioni riguardo all’arco
narrativo di Paul e alle sue decisioni finali. Non voleva rischiare
che il pubblico percepisse il suo sequel come una storia di un
salvatore bianco, che era parte della reazione al romanzo originale
di Herbert all’epoca. Il regista ha riassunto il finale di Paul
dicendo che “diventerà ciò contro cui stava cercando di
combattere” a causa delle sue decisioni.
Feyd-Rautha è davvero morto nel
finale di Dune: Parte Seconda?
La serie di libri chiarisce il
suo destino
Il combattimento finale tra Paul
Atreides e Feyd-Rautha è uno degli elementi culminanti del finale
di Dune: Parte Seconda, e potrebbero rimanere dei dubbi sul
suo destino. Paul sferra quello che sembra essere un colpo fatale
al cugino Harkonnen pugnalandolo al petto. La reazione di Feyd
dimostra che muore, ma in un mondo fantascientifico come quello
di Dune, ci sono sempre modi per far tornare in vita i
personaggi. Tuttavia, questo non sarà il caso di Feyd-Rautha. Muore
in Dune 2 proprio come alla fine del romanzo originale di
Frank Herbert.
Dune: Messiah riporta in vita
Duncan Idaho dopo la sua morte, trasformandolo in un ghola di nome
Hayt
Feyd-Rauthra non è mai tornato
in nessuno dei futuri Dune libri che sono stati
pubblicati, lasciando Denis Villeneuve senza motivi per riportare
Austin Butler in eventuali futuri capitoli della serie
cinematografica. Tuttavia, ciò non significa che la serie abbia
definitivamente chiuso con la storia di Feyd. La sua discendenza
potrebbe rimanere un fattore importante nei film futuri, dato che
Dune – Parte Due conferma che Lady Margot è incinta di
suo figlio. Se la serie cinematografica incorporerà elementi di
Paul of Dune in Dune 3, la discendenza di Feyd
potrebbe apparire.
In che modo il finale di
Dune – Parte Due è diverso dal libro
Il film di Villeneuve ha
apportato alcune modifiche significative
Dune 2 è un adattamento
abbastanza accurato della seconda metà del romanzo di fantascienza
di Frank Herbert, proprio come il film del 2021 era una
rappresentazione fedele della prima metà. Tuttavia, il sequel
apporta comunque alcune modifiche al libro attraverso il suo
finale. La storia di Chani è uno dei modi più significativi in cui
Dune 2 cambia il libro, compreso il fatto che lei lasci
Paul. Nel libro, lei gli rimane accanto, accettando il suo ruolo di
vero amore di Paul anche se lui è legalmente sposato con Irulan per
motivi di potere politico. Anche il finale di
Dune 2 è intrinsecamente
diverso dal libro a causa dei personaggi che mancano o sono stati
modificati. La decisione di cambiare il ruolo di Alia Atreides
(Anya Taylor-Joy) nella storia ha comportato
che qualcun altro dovesse uccidere il Barone Harkonnen, con Paul
responsabile della sua morte. Inoltre, non c’è la morte tardiva
di Thufir Hawat, poiché il personaggio è assente dal film.
Inoltre, il modo in cui Paul uccide Feyd-Rautha è diverso, così
come Feyd non cerca di usare una lama avvelenata nascosta per
uccidere Paul.
Il finale di Dune 2 lascia
la porta aperta a ulteriori sviluppi, e la buona notizia è che i
piani per Dune 3 sono già in corso. Denis Villeneuve ha
anticipato la sua intenzione di realizzare un’intera trilogia di
Dune ancora prima dell’uscita del sequel. Ciò includeva la
conferma che una sceneggiatura che adattava Dune: Messiah
era già in fase di lavorazione ed era quasi completata nel dicembre
2023. Il regista ha ripetutamente sottolineato il suo sogno di
completare la trilogia con un altro film, ma qualsiasi annuncio
ufficiale ha dovuto attendere fino all’uscita di Dune: Part
Two per garantire che il botteghino non avesse risultati
inferiori alle aspettative.
È stato confermato che le riprese
di
Dune – Parte Tre si sono concluse a Giugno
2025. iniziate lo scorso luglio, si sono ufficialmente
concluse dopo quattro mesi di lavorazione (come riportato da questo account su X).
Si tratta del capitolo finale della trilogia avviata nel 2021. In
precedenza il progetto era stato indicato
come Dune:
Messiah, in riferimento diretto al romanzo del 1969
di Frank Herbert da cui trae
ispirazione. Tuttavia, Warner Bros. ha confermato che il titolo
definitivo seguirà una numerazione progressiva. La scelta lascia
intendere che il film potrebbe includere elementi tratti non solo
da Messiah, ma anche
dal terzo libro della saga, Children of Dune.
Il finale di Dune – Parte
Due potrebbe portare la saga alla fine del primo libro di
Herbert, ma c’è spazio per un’espansione, con anticipazioni su
Dune – Parte Tre che compaiono durante tutto il film.
Un terzo film adatterebbe il secondo romanzo di Herbert,
Dune: Messiah, che si svolge 12 anni dopo con Paul
saldamente affermato come Imperatore dell’universo. È qui che
l’accenno alla “guerra santa” sarà importante per Dune
3. La guerra in sé potrebbe non essere al centro del terzo
film, ma fornirà ai membri delle altre Grandi Casate la motivazione
per creare un complotto per rovesciarlo.
La proposta di Paul di sposare
Irulan è un altro aspetto chiave della storia di Dune – Parte Tre che il pubblico
conosce già alla fine di Dune 2. Lei sarà la moglie di Paul
nel terzo film, ma si tratterà solo di un matrimonio formale,
poiché Paul ama ancora Chani e nel libro sta con lei. Il finale di
Chani solleva interrogativi su come Dune 3 racconterà tutti
gli aspetti di questa storia, dato che il triangolo amoroso tra
Paul, Chani e Irulan è un tassello intrinseco del puzzle. In ogni
caso, Villeneuve dovrà mostrare i tre personaggi e le loro
complesse relazioni per adattare correttamente Dune:
Messiah.
Un altro elemento piuttosto
significativo della trama di Dune 3 in Dune 2 è la
scelta di Anya Taylor-Joy per il ruolo di Alia Atreides. La sorella
minore di Paul ha un ruolo significativo in Dune: Messiah,
quindi la decisione di Villeneuve di scegliere una star emergente
prefigura ciò che accadrà. Anya Taylor-Joy tornerà in Dune –
Parte Tre per dare vita ad Alia in modo molto più
approfondito. Anche la sua presenza in una visione del futuro in
cui i mari sono su Arrakis contribuisce a definire quanto sarà
diverso il mondo nel sequel.
Il vero significato del finale
di Dune – Parte Due
La storia di Paul Atreides
trasmette i temi principali del film
Nonostante tutte le scene d’azione
da blockbuster incluse nel sequel di Denis Villeneuve, il finale di
Dune – Parte Due trasmette correttamente il vero
significato del film che il regista vuole comunicare. Il film
tratta in definitiva del pericolo del potere, come dimostra
l’ascesa di Paul. I pericoli di questo non sono esplorati solo
attraverso ciò che il nuovo potere di Paul significa per lui, ma
anche attraverso ciò che significa per la galassia come risultato
dei suoi fanatici seguaci religiosi. Dune – Parte
Due, che termina con Paul che libera un gruppo, i Fremen,
mentre scatena l’oppressione su tutti gli altri, è la
rappresentazione definitiva di queste idee.
Con l’uscita di Avatar: Fuoco e
Cenere, ecco se è necessario rimanere fino alla fine per
non perdersi la scena dopo i titoli di coda. A tre anni dall’uscita
di Avatar:
La via dell’Acqua, il regista James Cameron offre al pubblico un’altra
occasione per tornare su Pandora con Fire and Ash. Questa
volta, Jake Sully
e la sua famiglia affrontano i primi cattivi Na’vi della saga, il
clan Mangkwan.
Come i due film precedenti,
Avatar: Fuoco e Cenere è proiettato esclusivamente nelle
sale in diversi formati, offrendo agli spettatori la possibilità di
scegliere come vivere l’ultimo capitolo di questa saga di successo.
Indipendentemente dall’opzione scelta, molti andranno a vedere il
film. E se state per vederlo o avete appena assistito al finale,
vale la pena sapere che dopo i titoli di coda c’è una scena
bonus.
Avatar: Fire & Ash non ha una
scena dopo i titoli di coda
Cameron non utilizza scene a
metà o alla fine dei titoli di coda per preparare il terreno
per Avatar
4 e oltre, lasciando che il finale del terzo capitolo sia
il punto in cui questa storia si conclude, per ora.
Da un lato, l’assenza di una scena
dopo i titoli di coda non è sorprendente. In due capitoli, i
film Avatar non hanno mai incluso un tag che
anticipasse ciò che sarebbe successo. Le scene finali sono le
stesse, con Jake Sully che apre gli occhi, e lasciano la storia in
uno stato più aperto di quanto sarebbe se fosse stata utilizzata
una scena dopo i titoli di coda.
Tuttavia, Avatar è anche uno
dei franchise più grandi esistenti. Negli ultimi anni è diventata
quasi la norma per le grandi produzioni hollywoodiane includere una
scena dopo i titoli di coda se sono legate in qualche modo a un IP.
Si sarebbe potuto pensare che Disney e 20th Century avrebbero fatto
pressione su Cameron per anticipare i futuri capitoli di questa
macchina da soldi.
Invece di seguire questa strada,
Avatar: Fire and Ash lascia che
sia il finale a preparare il terreno per Avatar 4, se
mai ci sarà. Dopo tutto, questa è la scelta più sicura, poiché
garantisce che nessun membro del pubblico che contribuisce al
successo al botteghino di Fire and Ash si perda dettagli
fondamentali che determinano il futuro del franchise.
Ciò non significa che i titoli di
coda debbano essere completamente ignorati. Il franchise è noto per
avere delle belle immagini nei titoli di coda mentre viene
riprodotta una nuova canzone originale. Questa volta, è “Dream As
One” di Miley Cyrus che sentirete suonare durante i titoli di coda.
E considerando tutte le persone che hanno lavorato a questo film
ricco di effetti speciali, vedere apparire i loro nomi è un ottimo
modo per mostrare rispetto per il loro contributo.
Sapere che Avatar: Fuoco e
Cenere non ha una scena dopo i titoli di coda permette a
ciascuno di decidere autonomamente se rimanere o meno.
Lucy e Maximus sono tornati e hanno
intrapreso strade molto diverse nella Wasteland nella
seconda stagione di Fallout.
Introdotti nella
prima stagione e interpretati da Ella Purnella e Aaron Moten,
Lucy è una Vault Dweller del
Vault 33 che si è avventurata nel mondo per trovare suo padre
rapito, Hank interpretato da Kyle MacLachlan, mentre Maximus è uno
scudiero della Brotherhood of Steel che aspirava a diventare
cavaliere e indossare un’armatura potenziata dopo essere stato
salvato dalla fazione quando era ragazzo.
Quando le loro strade si incrociano
e decidono di unirsi per cercare il padre di lei, la stagione 1 di
Fallout si conclude con Lucy che scopre il
coinvolgimento del padre nella distruzione nucleare di Shady Sands,
la città natale di Maximus. Hank riesce a scappare per un pelo e si
dirige a New Vegas, mentre nella seconda stagione Lucy e Walton Goggins nei panni di
The Ghoul lo inseguono, mentre Maximus viene promosso cavaliere
dopo che la Confraternita crede che abbia ucciso Moldaver e
rivendicato il reattore a fusione fredda per loro.
In onore del ritorno della serie,
ScreenRant ha intervistato Ella Purnell e Aaron Moten per
discutere della seconda stagione di Fallout. Riflettendo sulle differenze nei loro
percorsi tra le due stagioni, Purnell ha esordito dicendo che Lucy
è “un po’ più facile da identificarsi” per lei in questa
stagione rispetto alla precedente, sostenendo con umorismo che
“ci siamo leggermente trasformati in una sola
persona”.
Descrivendo il suo arco narrativo
nella prima stagione come “piuttosto difficile, divertente,
creativo e stimolante” in “tutti i modi giusti”, Purnell
ha continuato condividendo che parte di ciò che ha reso il debutto
di Lucy “difficile da raggiungere” è che lei stava
essenzialmente interpretando “qualcuno che non è mai stato sulla
Terra” prima di avventurarsi in superficie. Tuttavia, con la
seconda stagione di Fallout, la star ha cambiato approccio,
passando ad essere “sulla Terra e un po’ incasinata da
essa”, ma continua a sforzarsi di essere “ottimista e
pronta a divertirsi”:
Ella Purnell: Per me questa è l’esperienza umana e mi
sembra molto più facile da identificarsi, quindi partire da questo,
rimettermi il costume, e io tengo molto ai capelli e al trucco, al
costume, alla musica, a tutte le cose che circondano il mio
personaggio e che ne hanno plasmato la dinamica interna. Indossare
di nuovo quel costume, con tutti i graffi, i tagli, il sangue, i
punti di sutura e le cicatrici, e ricordare tutti quei pezzi che
abbiamo costruito insieme nella prima stagione per creare questa
persona in cui ti immedesimi, e poi solo il vuoto della strada
davanti a te e pensare: “Non so cosa abbiano in serbo per me gli
sceneggiatori in questa stagione. So che sarà fantastico e so che
faremo un vero sviluppo del personaggio”. E non sono rimasto
deluso.
Per Moten, il cui personaggio ha
iniziato a mettere in discussione l’etica della Confraternita dopo
il suo viaggio con Lucy, la star ha rivelato che “c’è qualcosa di
cui Maximus ha sempre parlato” sin da prima di incontrare il Vault
Dweller. Rivelando che parte della sua storia gli è stata
raccontata dal team creativo dello show durante la prima stagione,
Moten ha confermato cheFallout – stagione 2avrà “un po’ più di informazioni
sulle origini di Maximums”.
L’attore ha poi aggiunto che Lucy
“gli ha mostrato qualcosa che non vedeva da molto tempo”, lasciando
Maximus in uno stato mentale precario all’inizio di questa
stagione. Affermando che questo è legato a “quell’altra cosa di cui
ha sempre parlato”, Moten ha spiegato che potrebbe essere “rimasta
sepolta sotto la durezza della Zona Contaminata”, ma ora è molto
viva nella sua mente:
Aaron Moten: È tornato a discuterne seriamente. E penso che
sia una questione di bussola morale, ma anche di connessione. Si
tratta di connessione umana. So che, alla fine del mondo, cercherei
i miei amici, anche se potessi trovare solo Jonah. Cercherei le
persone con cui camminare.
Purnell e Moten sono stupiti
dalla passione dei fan di Fallout
Ella Purnell: Sono solo contenta che non odino
completamente la serie, almeno non tutti. Sono contenta che ci
siano alcune persone che non odiano completamente la serie. Il
livello è così basso che mi commuove molto. [Ride] Non credo che
nessuno di noi si aspettasse una reazione del genere, abbiamo
lavorato davvero sodo alla serie e io adoro questo personaggio,
adoro tutte le persone che hanno lavorato così duramente alla
serie. È davvero gratificante vederli ricevere i loro fiori, ed è
semplicemente bellissimo.
Aaron Moten: Onestamente, incredibile. Ne parliamo
sempre. La community di Fallout, la community di fan che è nata dai
videogiochi e l’amore per questi giochi fantastici, sono persone
davvero incredibili. Gentili, disponibili, pronte a stare sedute
sotto la pioggia a prescindere dalle circostanze. Penso che
interagire con i fan di questo gioco mi rallegri sempre la
giornata. Penso che siano davvero tra le persone più dolci che
abbia mai incontrato. Di solito mi portano dei regali e dopo averli
incontrati mi sento un po’ sopraffatto.
Non perdetevi gli altri nostri
articoli sulla seconda stagione di Fallout:
Donnybrook – Il combattente nasce dall’omonimo
romanzo di Frank Bill, autore statunitense noto
per una scrittura secca e brutale, radicata nell’America rurale più
marginale. Questo film
thriller ne raccoglie l’eredità narrativa, traducendo sullo
schermo un universo fatto di violenza latente, disperazione
economica e personaggi sospesi ai margini della società. La storia
ruota attorno a un torneo clandestino di combattimenti a mani nude,
il Donnybrook appunto, che diventa simbolo di un riscatto illusorio
e di una sopravvivenza giocata sul corpo e sul dolore.
Alla regia c’è Tim Sutton, cineasta indipendente
che prosegue qui il suo interesse per un cinema rarefatto,
contemplativo e profondamente fisico. Sutton evita qualsiasi
spettacolarizzazione della violenza, preferendo uno sguardo
asciutto e quasi documentaristico, fatto di silenzi, paesaggi
spogli e corpi segnati. La messa in scena è minimalista, spesso
claustrofobica, e accompagna lo spettatore dentro un mondo in cui
ogni scelta sembra dettata dalla necessità più che dal desiderio.
In questo senso, Donnybrook – Il combattente si
colloca perfettamente nella tradizione del cinema indie americano
più cupo e disilluso.
Per genere e temi, il
film può essere accostato a opere come Blue Ruin di Jeremy Saulnier,
Il fuoco della vendetta –Out of the Furnace di Scott Cooper o
Shotgun Stories di
Jeff Nichols, con cui condivide l’attenzione per
l’America impoverita e per personaggi schiacciati da un destino
quasi inevitabile. Tuttavia, Donnybrook – Il
combattente si distingue per il suo tono ancora più
astratto e morale, dove la violenza non è mai catartica ma solo
corrosiva. Nel resto dell’articolo, entreremo nel dettaglio del
finale del film, proponendone una spiegazione e un’analisi dei suoi
significati più profondi.
Il film ha per
protagonista Jarhead Earl (Jamie
Bell), un ex marine statunitense che vive una vita di
stenti con la moglie e i due figli in una roulotte. Disperato e
alla ricerca di un futuro migliore per la sua famiglia, Earl si
iscrive al Donnybrook, un brutale torneo clandestino di pugilato a
mani nude con un cospicuo premio in denaro. Per racimolare i soldi
necessari all’iscrizione, l’ex marine rapina un’armeria locale.
Earl deve anche fare i conti con Chainsaw
Angus (Frank
Grillo), uno spacciatore di metanfetamine psicopatico
con cui la moglie ha un grosso debito. Angus, un tempo leggendario
pugile di combattimenti clandestini, ora spaccia con la
sorella Delia (Margaret
Qualley).
La situazione degenera quando Angus
e Delia trovano il loro laboratorio distrutto da un incendio.
Assetato di vendetta e con il bisogno di riavviare l’attività,
Angus costringe Delia a minacciare di morte un loro
socio, Eldon (Pat
Healy), per ottenere denaro. Il continuo abuso e
l’umiliazione subiti spingono Delia a un gesto estremo e spara al
fratello. Credendolo morto e venuta a conoscenza dei piani di Earl,
Delia prende una scorta di droga e si dirige anche lei al
Donnybrook. Angus, però, non è morto e dopo aver rubato un’auto e
ucciso un innocente, giura di ritrovare sua sorella e la
metanfetamina rubata.
La spiegazione del finale del
film
Nel
terzo atto di Donnybrook – Il combattente, la
narrazione converge in modo inesorabile verso l’arena clandestina
che dà il titolo al film, trasformando il torneo in un vero e
proprio punto di non ritorno. Mentre Earl arriva al luogo
dell’incontro con la speranza di un riscatto economico per la sua
famiglia, le altre linee narrative si intrecciano tragicamente.
Whalen viene mortalmente ferito nel suo tentativo solitario di
fermare Angus, segnando il fallimento di qualsiasi intervento
esterno o istituzionale. La violenza, ormai, non ha più freni né
argini morali e si prepara a esplodere definitivamente.
La
tragedia si compie poco prima dell’inizio del Donnybrook: Angus
rintraccia il figlio di Earl e lo uccide, spezzando definitivamente
ogni residua illusione di salvezza. Subito dopo, raggiunge Delia e
la trascina nel bosco, dove la strangola, chiudendo anche il suo
arco narrativo nel segno dell’abuso e dell’impossibilità di fuga.
Quando il torneo ha inizio, il contesto è ormai quello di un
inferno primordiale: una gabbia di metallo, corpi che
si massacrano senza regole, fino a quando restano in piedi solo
Earl e Angus. Lo scontro finale diventa inevitabile e assoluto.
Frank Grillo in Donnybrook – Il combattente
Il confronto conclusivo tra Earl e Angus non è solo fisico, ma
profondamente simbolico. Durante la pausa prima dell’ultimo round,
Angus rivela di aver ucciso il figlio di Earl, trasformando il
combattimento in una resa dei conti personale e definitiva. In quel
momento, il Donnybrook perde ogni valore economico o competitivo e
diventa puro strumento di vendetta. Quando Earl uccide Angus,
gridando il proprio dolore, il gesto non appare liberatorio, ma
disperato, frutto di un mondo che ha lasciato come unica risposta
possibile la distruzione dell’altro.
Il finale porta così a compimento i temi centrali del film: la
violenza come ciclo ininterrotto, l’illusione del riscatto
attraverso la forza fisica e l’assenza di reali vie di fuga per chi
vive ai margini. Earl vince il combattimento, ma ha già perso tutto
ciò che dava senso alla sua lotta. Sutton e Bill suggeriscono che
non esiste redenzione possibile all’interno di questo sistema
brutale: anche la vittoria è macchiata dal sangue e dal vuoto, e
non apre alcun futuro realmente diverso.
Donnybrook – Il
combattente lascia allo spettatore un messaggio cupo e
radicale: quando un contesto sociale è fondato sulla miseria,
sull’abuso e sulla sopraffazione, ogni tentativo di riscatto
individuale rischia di trasformarsi in un’ulteriore condanna. Il
film rifiuta qualsiasi consolazione morale, mostrando come la
violenza non generi mai vera libertà, ma solo nuove perdite. Ciò
che resta, alla fine, è un senso di desolazione profonda e la
consapevolezza che senza un cambiamento strutturale, umano e
collettivo, il ciclo non può che ripetersi.
Il
film del 1995 A rischio della vita si
inserisce nella filmografia di Jean-Claude Van Damme come uno dei suoi titoli
più emblematici degli
anni ’90, periodo in cui l’attore belga era al culmine della
popolarità internazionale. Il film, diretto da Peter
Hyams, rappresenta una fusione tra azione pura e
thriller ad alta tensione, con Van Damme nel ruolo di comune
cittadino che si trova a dover difendere centinaia di persone
minacciate da criminali spietati. La pellicola si distingue per la
combinazione di sequenze spettacolari di combattimento corpo a
corpo e inseguimenti adrenalinici, elementi ricorrenti nel
repertorio dell’attore.
Il
genere predominante è l’action-thriller, ma il film esplora anche
tematiche di lealtà, coraggio e senso del dovere, che Van Damme
interpreta con il suo tipico fisico atletico e carisma sullo
schermo. La narrazione pone l’accento sulla lotta dell’individuo
contro organizzazioni criminali potenti, enfatizzando sacrificio
personale e resilienza, elementi ricorrenti nei film dell’attore.
Rispetto ad altri titoli della sua filmografia, come Lionheart o Until Death,
A rischio della vita sposta l’azione verso scenari
urbani moderni e meno isolati, aggiungendo una componente di
tensione narrativa più marcata oltre ai classici combattimenti.
Il confronto con i film
più celebri di Van Damme mette in luce come A rischio della
vita mantenga gli stilemi che hanno reso l’attore iconico
— scontri fisici spettacolari, coraggio solitario e morale
inflessibile — ma li inserisca in un contesto più vicino al
thriller contemporaneo degli
anni ’90, con maggiore attenzione al ritmo e alla suspense.
Mentre pellicole come The Replicant o
Timecop – Indagine dal
futuro enfatizzano elementi fantascientifici o supereroici,
questo film resta radicato nella realtà urbana, pur offrendo
sequenze d’azione ad alto impatto. Nel resto dell’articolo si
proporrà una spiegazione dettagliata del finale del film.
Jean-Claude Van Damme in A rischio della vita
La trama di A rischio
della vita
I tifosi di Pittsburg sono
eccitati: la squadra dei “Penguins” deve giocare la più importante
partita di hockey su ghiaccio della coppa Stanley contro i
“Blackhawks” gli avversari di Chicago. Lo stadio è esaurito: è
presente nella tribuna riservata alle personalità anche il Vice
presidente americano. Ma qualcuno ha tramato nell’ombra perché
tutto venga sconvolto e non per ragioni sportive: è lo
spietato Joshua Foss (Powers
Boothe), intenzionato ad estorcere un miliardo di dollari
agli Stati Uniti. Installatosi insieme a un gruppo di scagnozzi,
professionisti del crimine, nei locali e servizi della Civic Arena
di Pittsburg, Foss sequestra l’uomo politico ed un gruppo di
ospiti, mentre la partita ha inizio.
La richiesta di Foss è categorica:
l’enorme somma dovrà essere versata in numerose banche estere e se,
nel corso dei tre tempi di gioco ciò non dovesse avvenire,
gradualmente gli ostaggi verranno uccisi. Tra loro c’è anche la
piccola Emily, che il padre Darren
McCord (Jean-Claude
Van Damme), un semplice vigile del fuoco di servizio
allo stadio, ha portato insieme al fratellino Tyler sugli spalti,
sotto promessa che i due non si muovano dai loro posti.
La spiegazione del finale del
film
Nel
terzo atto di A rischio della vita, Darren McCord
entra nella fase finale della sua missione per salvare gli ostaggi
e neutralizzare i terroristi all’interno della Pittsburgh Civic
Arena. Dopo aver affrontato Carla e altri complici travestiti da
mascotte e personale di sicurezza, Darren riesce a scoprire il
piano di Joshua Foss e dei suoi complici. Con l’aiuto di un
telefono trovato negli uffici esecutivi, contatta l’agente Hallmark
e, nonostante il tradimento di quest’ultimo, prosegue nella sua
azione autonoma, affrontando e uccidendo i nemici mentre disinnesca
diverse bombe disseminate nell’arena, mantenendo un ritmo di
tensione elevato fino ai momenti clou della partita.
Durante la risoluzione, Darren si spinge fino al tetto dell’arena e
affronta direttamente gli ultimi scagnozzi di Foss. La sequenza
culmina con la sua discesa nell’owner’s box, dove libera Emily, il
Vice Presidente e gli altri ostaggi. Nel frattempo, Foss tenta la
fuga con un elicottero, ma Darren interviene tempestivamente,
neutralizzando il terrorista prima che possa uccidere la figlia.
L’azione si conclude con l’esplosione dell’elicottero e il
salvataggio completo degli ostaggi, mentre Darren viene assistito
dai medici e riunito con i figli, con l’arena ormai sotto
controllo.
Jean-Claude Van Damme nel film A rischio della vita
Il finale funziona anche come compimento tematico: Darren,
costretto a gestire una crisi senza attendere aiuto esterno,
rappresenta l’archetipo dell’eroe solitario che affronta il male
con coraggio e determinazione. La sua capacità di pensare in
fretta, il sacrificio personale e la protezione della famiglia
enfatizzano la centralità dei valori di responsabilità e dedizione.
La vittoria dell’eroe non è solo fisica, ma morale, mostrando come
il coraggio individuale possa prevalere contro il caos e la
malvagità organizzata.
Inoltre, il finale porta a compimento il tema della redenzione
personale: Darren, tormentato dall’incapacità di salvare una
bambina in passato, si riscatta completamente salvando Emily e il
resto degli ostaggi. La sua esperienza pregressa lo rende più
attento e determinato, e il film evidenzia come il dolore passato
possa trasformarsi in forza. L’intera sequenza sottolinea anche il
concetto di protezione della comunità e della famiglia come motore
dell’azione eroica, legando le scelte del protagonista a un senso
di giustizia e responsabilità superiore.
Il messaggio che il film
lascia agli spettatori è duplice: l’importanza del coraggio
individuale di fronte a situazioni impossibili e la centralità
della famiglia come motivazione per affrontare pericoli estremi.
Darren incarna l’eroe moderno, capace di agire con lucidità e
determinazione, dimostrando che anche di fronte a minacce complesse
e letali, l’ingegno, il coraggio e la volontà di proteggere gli
altri possono fare la differenza. La conclusione rafforza l’idea
che l’azione e la morale personale siano inseparabili nel definire
un vero eroe.
Transamerica è un film del 2005 diretto da
Duncan Tucker, regista e sceneggiatore noto per la
sua sensibilità nel trattare storie di marginalità e identità
personale. L’opera si colloca nel solco dei drammi indipendenti
americani degli
anni 2000, combinando toni drammatici a momenti di leggerezza e
commedia, e proponendo una riflessione profonda sulle difficoltà
emotive e sociali che accompagnano la ricerca della propria
identità. La regia di Tucker è attenta ai dettagli dei personaggi,
rendendo la narrazione intimista e credibile, con uno stile visivo
sobrio che mette al centro l’esperienza umana dei protagonisti.
Il
cast di Transamerica è guidato da Felicity
Huffman, acclamata per la sua interpretazione nei panni di
Bree, una donna transgender che intraprende un viaggio inatteso per
ritrovare il figlio che non sapeva di avere. Accanto a lei, il
giovane attore Kevin Zegers interpreta Toby, il
figlio adolescente, offrendo un contrasto generazionale e
caratteriale che arricchisce il racconto. La chimica tra i due
attori contribuisce a rendere credibile la complessità dei legami
familiari e delle dinamiche affettive, conferendo al film un
equilibrio tra dramma e commedia che ne costituisce il tratto
distintivo.
Il film si inserisce nel
genere del dramedy sociale, affrontando temi come l’identità di
genere, la famiglia, la scoperta di sé e le difficoltà di
accettazione in contesti spesso ostili.
Transamerica esplora con delicatezza le sfide
quotidiane della transizione e le implicazioni emotive dei rapporti
familiari complicati, proponendo al contempo una riflessione sul
pregiudizio e sull’empatia. La vicenda si ispira a una storia
reale, offrendo uno sguardo autentico e umano su esperienze spesso
poco rappresentate. Nel resto dell’articolo sarà proposto un
approfondimento su questa vicenda reale e sul suo impatto sul
film.
La trama
di Transamerica
Protagonista del film è
Bree Osbourne (Felicity
Huffman), una brillante donna transgender in lista
d’attesa per l’operazione che le cambierà definitivamente il sesso.
Bree abita a Los Angeles e lavora in un fast food, mettendo tutti i
soldi che guadagna da parte per pagare l’intervento. Un
giorno Toby Wilkins (Kevin
Zegers) la chiama dal carcere minorile di New York
dicendole di essere il figlio di Stanley, il suo nome quando era un
uomo. Parlandone con la psicologa, la dottoressa le suggerisce di
incontrare il ragazzo e, se non lo farà, non le firmerà
l’autorizzazione a procedere col cambio di sesso.
Così Bree si mette in viaggio e
paga la cauzione di Toby, arrestato per possesso di droga. Quando i
due si incontrano, la donna non le dice immediatamente chi sia in
realtà, ma sostiene di essere un’assistente sociale. Si mettono
così in macchina per tornare coast to coast fino a Los Angeles,
dove abita anche il patrigno del ragazzo, con l’ipotesi di lasciare
l’adolescente a lui. Il loro viaggio sarà però costellato da
imprevisti e rivelazioni, che li porteranno a dover riscoprire il
loro rapporto e anche sé stessi.
La storia vera dietro il film
Transamerica trae parte della sua ispirazione
narrativa da esperienze reali vissute e condivise dal regista
Duncan Tucker. Secondo fonti autorevoli, l’idea di
scrivere il film nasce da una conversazione tra Tucker e la sua
coinquilina, l’attrice intersex Katherine
Connella, che durante una discussione sulle differenze tra
percezioni maschili e femminili rivelò al regista di essere
biologicamente nato uomo e di trovarsi in attesa di un intervento
per cambiare sesso. Questo scambio, descritto dallo stesso regista,
lo colpì profondamente e lo spinse a esplorare il tema della
transizione di genere in maniera più diretta e umana nella
sceneggiatura.
Oltre a quel primo impulso, Tucker ha integrato nella sceneggiatura
esperienze raccolte attraverso incontri e conversazioni con donne
transgender reali. In interviste dell’epoca emerge che il regista
parlò con numerose transessuali, ascoltando racconti di difficoltà,
ironia e tragedia nella loro vita quotidiana, per costruire un
personaggio, Bree, che fosse credibile e sfaccettato. Queste storie
reali contribuiscono a rendere il viaggio di Bree non solo un
espediente narrativo, ma un ritratto di come molte persone
transgender affrontino sfide sociali, familiari ed emotive nel
processo di scoperta e affermazione di sé.
Felicity Huffman e Kevin Zegers in Transamerica
La dimensione realistica del personaggio di Bree si riflette anche
nella rappresentazione della transizione di genere come
un’esperienza complessa e personale, piuttosto che come un semplice
elemento di trama. Felicity Huffman, interprete
del ruolo, ha lavorato con donne transgender per comprendere meglio
la postura, la voce e i gesti del personaggio, ma la base emotiva
alla quale attinge il film è proprio costituita dalle storie
autentiche che Tucker raccolse durante la pre-produzione. Questo
approccio ha permesso al film di superare gli stereotipi più
superficiali e di affrontare il tema con empatia e realismo, pur
rimanendo una commedia drammatica.
Sebbene Transamerica non sia un racconto
biografico di una specifica donna transgender, la sua autenticità è
radicata nelle esperienze vere di persone che hanno attraversato
transizioni di genere. Il personaggio di Bree incarna molte delle
difficoltà comuni vissute dalle persone transgender, inclusi gli
ostacoli burocratici, le reazioni familiari complesse e le paure
interiori legate all’identità. Il film quindi sintetizza diverse
traiettorie di vita reali in una narrazione coerente, offrendo uno
sguardo umano e spesso toccante sulla realtà di chi vive ai margini
delle norme sociali di genere.
In sintesi, Transamerica si ispira a una
combinazione di conversazioni personali, esperienze dirette
raccolte dal regista e incontri con donne transgender reali, che
tutti insieme contribuiscono a creare un ritratto vivido e
rispettoso della transizione di genere. Questo approccio di Tucker
rende il film non solo un’opera di finzione, ma anche una sorta di
tributo narrativo alle vicende e alle sfide di persone reali, nel
contesto di una storia più ampia di scoperta, accettazione e
redenzione personale.
Con Supergirl pronto
a sbarcare nei cinema la prossima estate, sembra che la DC Studios
abbia già iniziato a testare il film con alcune prime proiezioni di
prova. Daniel Richtman è infatti stato il primo a
riferire che ieri si è tenuta una proiezione di prova, rivelando di
aver “sentito solo commenti positivi da diverse persone”.
Tuttavia, @Cryptic4KQual, che ha divulgato il
trailer e la durata del film, ha offerto un parere più cauto.
“Sì, Supergirl ha avuto una
proiezione di prova”, ha rivelato l’insider. “Circa 2 ore
e 5 minuti. Da quello che ho sentito, il feedback non è stato
eccezionale, ma non era un brutto film. Alcune scene brillavano
molto più di altre. Milly è stata elogiata per la sua
interpretazione del ruolo. Lobo ha due combattimenti. Il cattivo è
deludente“.
Anche Superman ha ricevuto recensioni
contrastanti dalle proiezioni di prova, ma alla fine è riuscito a
ottenere l’83% sul Tomatometer di Rotten Tomatoes e ha conquistato
i fan in grande stile. Come sempre, è meglio non dare troppo peso a
queste prime reazioni, anche se ovviamente offrono un’idea di cosa
aspettarsi.
Il fatto che Lobo abbia due scene
di combattimento è emozionante, visto che si tratta solo della sua
introduzione nella DCU. Purtroppo, il fatto che Krem delle Colline
Gialle sia stato definito “deludente” non è una grande sorpresa,
dato che Matthias Schoenaerts, star di The Old
Guard, è stato scelto per interpretare quello che sembra
essere un personaggio molto generico.
Per quanto riguarda la durata,
scommetteremmo che continuerà a cambiare nei prossimi mesi. Essere
buono, non eccezionale, potrebbe essere sufficiente per
Supergirl, vista la difficoltà incontrata dal DCEU
(anche la notizia che Alcock sembra rubare la scena è una grande
vittoria). Ad ogni modo, lo scopo di una proiezione di prova è
capire cosa funziona e cosa no, quindi la DC Studios ora può
capirlo, apportare le modifiche necessarie e forse anche
rimodellare parti del film con delle riprese aggiuntive.
Oltre a Milly Alcock nei panni della
protagonista, Supergirl vedrà
anche la partecipazione di Eve Ridley (Il
problema dei 3 corpi) nel ruolo di Ruthye Mary Knolle e
Matthias Schoenaerts (The Old Guard) nel
ruolo del malvagio Krem delle Colline Gialle. Più recentemente, la
star di Aquaman,Jason Momoa si è unita al cast nel ruolo di
Lobo. Anche Krypto il Supercane dovrebbe avere un ruolo importante
nella storia. Le ultime aggiunte al cast sono state David
Krumholtz ed Emily Beecham nei ruoli dei
genitori di Kara, Zor-El e Alura.
Questa interpretazione di Kara
Zor-El si dice sia una “versione meno seria e più provocatoria
dell’iconica supereroina”, poiché Gunn cerca di allontanarsi
dalle “precedenti rappresentazioni della Ragazza d’Acciaio, in
particolare dalla longeva serie CBS/CW interpretata da Melissa
Benoist”.
Secondo una breve sinossi, questa
storia seguirà Kara mentre “viaggia attraverso la galassia per
festeggiare il suo 21° compleanno con Krypto il Supercane. Lungo la
strada, incontra una giovane donna di nome Ruthye e finisce per
intraprendere una ricerca omicida di vendetta”. L’attrice e
drammaturga Ana Nogueira sta attualmente lavorando
alla sceneggiatura di Supergirl.
La regia verrà firmata da Craig Gillespie.
La Warner Bros. ha annunciato che la nostra nuova Ragazza
d’Acciaio prenderà il volo nelle sale il 26 giugno
2026.
Emily
in Paris torna ufficialmente oggi con la sua quinta
stagione, che si preannuncia caotica e indimenticabile. Nel corso
delle stagioni precedenti, Emily Cooper (Lily
Collins) si è costruita una vita piuttosto
soddisfacente a Parigi. Sta ottenendo grandi successi nel suo
lavoro presso l’Agence Grateau, tanto da essere stata scelta per
dirigere il nuovo ufficio di Roma per un certo periodo. Ha anche
stretto ottime amicizie, avuto diverse relazioni sentimentali e
persino imparato un po’ di francese.
La quarta stagione di
Emily in Paris(qui
la recensione) è stata divisa in due parti: la prima riguarda
principalmente le conseguenze del finale della terza stagione, con
Emily che si ritrova ancora una volta divisa tra
Alfie (Lucien Laviscount) e
Gabriel (Lucas Bravo). Nel
frattempo, sono sorti dei problemi per alcune delle coppie già
consolidate della serie, tra cui Mindy
(Ashley Park) e Nicolas
(Paul Forman), Sylvie
(Philippine Leroy-Beaulieu) e
Laurent (Arnaud Binard), e
Camille (Camille Razat) e
Sofia (Melia Kreiling).
La seconda parte della stagione
sconvolge ancora di più le cose, quindi, in vista dei nuovi episodi
disponibili su Netflixdal 18 dicembre, ricapitoliamo
tutti gli eventi principali e i drammi sentimentali prima del
ritorno di Emily in Paris!
La quarta stagione di
Emily in Paris viaggia da Parigi a Roma, con un
nuovo amore
All’inizio della quarta stagione,
Emily sceglie Gabriel invece di Alfie, e i due finalmente decidono
di provare a stare insieme. Gabriel continua a deludere Emily come
fidanzato, in parte perché è stato indotto a credere erroneamente
che Camille sia incinta di suo figlio. Durante una disastrosa
vacanza natalizia sulla neve con la famiglia di Camille, Gabriel
abbandona Emily sulle piste, e lei incontra un affascinante
sconosciuto di nome Marcello (Eugenio
Francheschini). Più avanti nella stagione, dopo aver rotto
con Gabriel, Emily e Marcello si incontrano di nuovo grazie
all’amicizia di lui con Nicolas.
Lui è solo di passaggio a Parigi,
ma i due hanno un appuntamento fenomenale. Marcello deve tornare a
Roma, ma i due continuano a parlarsi e lui la convince presto ad
andare a trovarlo lì. Gli ultimi due episodi della quarta stagione
di Emily in Paris raccontano la vacanza romana di Emily. Marcello
le fa visitare la città e le presenta alcuni suoi amici,
permettendole di vedere i luoghi d’interesse e di conoscerlo
meglio. La storia d’amore tra Emily e Marcello sta andando molto
bene, fino a quando Sylvie non interviene. La famiglia di Marcello,
i Muratori, possiede un’esclusiva azienda di cashmere di lusso e
sta valutando la possibilità di firmare un contratto con l’azienda
di Nicolas, la JVMA, per farsi conoscere.
Sylvie spinge affinché l’Agence
Grateau li rappresenti, portando Marcello a temere che Emily lo
stia solo usando per lavoro. Alla fine, però, la madre di Marcello,
Antonia (Anna Galiena), decide di firmare un
contratto di sei mesi con l’Agence Grateau. Quando Emily chiede di
essere rimossa dal caso, Marcello capisce che i suoi sentimenti
sono sinceri e i due tornano insieme. Sua madre ha insistito
affinché fosse lei a gestire il caso, quindi Emily lavorerà a
stretto contatto con il suo ragazzo mentre vive a Roma, almeno per
il momento.
La quarta stagione di
Emily in Paris vede grandi cambiamenti per tutti i
personaggi principali
Alla fine della quarta stagione di
Emily in Paris, molti dei personaggi principali
stanno per affrontare dei cambiamenti. Dopo essersi sentita
intrappolata nella sua relazione per un po’ di tempo, Mindy rompe
con Nicolas, ma non prima che lui faccia squalificare lei e la sua
band dall’Eurovision. La nuova canzone di Mindy sulla loro rottura
diventa virale e lei ottiene un lavoro come giudice per Chinese
Popstar. Nel frattempo, Sylvie si ritrova a fare sempre più
compromessi per far funzionare la sua relazione con Laurent.
Dà a sua figlia, Geneviève
(Thalia Besson), un lavoro presso l’Agence
Grateau, ma non è ancora abbastanza per salvare la loro relazione.
Alla fine della quarta stagione, Sylvie sente una crescente
distanza da Laurent e ha iniziato a riaccendere la sua storia
d’amore con la sua ex fiamma, Giancarlo (Raoul
Bova). La quarta stagione è anche l’ultima per Camille
e, anche se sarà triste vederla andare via, ha già avuto un finale
adeguato. Dopo il falso positivo e la conseguente finta gravidanza,
Camille si rende conto di essere pronta ad avere un bambino da
sola.
Rompe quindi con Sofia, chiude con
Gabriel e poi inizia il processo di adozione. Con Emily a Roma e
Camille lontana, la quinta stagione potrebbe sembrare diversa
all’inizio, soprattutto perché Mindy ha intenzione di raggiungere
Emily a Roma dopo Chinese Popstar. Allo stato attuale, però,
l’Agence Grateau ha ancora sede a Parigi e gli altri amici di Emily
saranno lì ad aspettarla quando inevitabilmente tornerà.
La quarta stagione di
Emily in Paris si conclude con Gabriel determinato
a riconquistare Emily
Il principale filo conduttore della
quarta stagione di Emily in Paris è il rapporto
tra Emily e Gabriel. Dopo la loro rottura, Gabriel è freddo nei
confronti di Emily, ma mostra un po’ di interesse quando Geneviève
lo corteggia. Gabriel inizia a rendersi conto di ciò che ha perso
dopo aver visto Emily con Marcello e, alla fine della stagione,
Gabriel ottiene finalmente una stella Michelin. È tutto ciò che ha
sempre desiderato, ma è Geneviève a dirglielo, mentre Emily è a
Roma e non ne sa nulla.
La felicità di Gabriel per la
stella Michelin è offuscata dalla tristezza per Emily, e si rende
conto di aver commesso un errore nel lasciarla andare. Forse ormai
è troppo tardi per Gabriel, ma questo non gli impedirà di provare a
riconquistare Emily. Negli ultimi minuti del finale della quarta
stagione, Gabriel scopre che Emily si è trasferita a Roma e decide
di seguirla lì e provare a lottare per lei un’ultima volta. Emily
dovrà fare una scelta importante tra Gabriel e Marcello nella
prossima stagione, e forse anche Alfie, visto il modo in cui lui
parla di lei nel finale della quarta stagione. Ma soprattutto,
dovrà fare la scelta più importante della sua vita: Parigi o
Roma?
Uno degli argomenti più discussi
riguardo alla DCU è chi interpreterà Batman.
Individuare l’attore che darà vita al personaggio nella serie è
un’impresa piuttosto ardua. Da un lato, continuano a circolare voci
e speculazioni sul fatto che Bruce Wayne, interpretato da Robert Pattinson, possa essere inserito nel
mondo di James Gunn e Peter Safran.
D’altra parte, ci sono stati vari fan-cast e indizi evidenti su
attori che potrebbero interpretare il ruolo tanto ambito. Ora, la
star di Superman,
David Corenswet, ha inavvertitamente portato i
fan a speculare ancora una volta sul casting del Cavaliere
Oscuro.
I fan più attenti hanno notato che
ha iniziato a seguire su Instagram uno dei principali fan-cast per
Batman, Brandon Sklenar. L’attore è noto per i
suoi ruoli in It Ends with Us e 1923 di Taylor Sheridan. Come già detto,
egli è stato anche costantemente associato al ruolo di Bruce Wayne.
Essendo un personaggio importantissimo per il DCU, il fatto che
Corenswet abbia iniziato a seguire Sklenar ha portato i fan sui social media a
ipotizzare che l’attore sarà il Bruce Wayne della DCU.
Sebbene questa teoria possa
sembrare irrazionale, i registi e gli attori spesso seguono le
persone con cui lavoreranno prima che la loro collaborazione venga
annunciata. Quindi, Sklenar potrebbe essere il Batman della DCU? In
teoria, potrebbe essere possibile. Tuttavia, è importante non dare
troppo peso alla cosa. David Corenswet segue anche altri
500 account su Instagram, molti dei quali non fanno parte
dell’universo DC.
Realisticamente parlando, Corenswet
potrebbe semplicemente aver seguito Sklenar dopo averlo visto in
qualcosa che gli è piaciuto. Quindi, la partecipazione di Sklenar è
possibile, ma potrebbero esserci un milione di altri motivi per cui
la star di Superman
lo segue e che non coinvolgono necessariamente la DC Studios.
Detto questo, cosa dice lo stesso
Sklenar riguardo al ruolo? Comprensibilmente, è piuttosto ansioso
di accettarlo. Parlando con The Hollywood Reporter nell’aprile
2025, ha però parlato del suo desiderio di essere scritturato come
Batman della DCU, affermando di avere già delle idee su come
interpretare l’amato eroe: “Ho le mie idee sul personaggio, se
mai ciò dovesse realizzarsi. Era il mio personaggio dei fumetti
preferito da bambino, ed è superiore perché è un vero
uomo”.
“Penso che ci sia molto altro
da esplorare e che ci sia un modo per farlo che lo renda molto
reale. Quindi, se mai dovesse succedere, sarei felice di
raccogliere il testimone e non lo prenderei alla leggera”.
Recentemente, James
Gunn ha portato i fan a ipotizzare che un altro attore
potrebbe essere scelto per interpretare Batman. Quando un fan su
Threads ha proposto il finalista per il di Superman, Tom
Brittney, come Cavaliere Oscuro, Gunn ha risposto
elogiando l’attore: “Quel ragazzo è un attore fottutamente
fantastico!”. A questo punto, non resta che aspettare per
scoprire chi diventerà il Cavaliere Oscuro della DCU.
Tutti i leak di questi giorni in
merito ai teaser di Avengers:
Doomsday proiettati in sala in testa a
Avatar: Fuoco e Cenere
(da ieri in sala), hanno generato molta eccitazione e attesa,
tuttavia, oggi i Fratelli Russo hanno deciso di
riprendere in mano la situazione offrendoci un primo teaser
disponibile on line in maniera ufficiale.
Non si tratta di nulla di nuovo o
di estremamente emozionante, ma è un countdown per l’uscita del
film, che arriverà tra un anno esatto.
Tuttavia, prestate attenzione e
noterete che a un certo punto l’orologio cambia brevemente la
scritta “DOOMSDAY“. Alcuni l’hanno interpretato
come “5 GIORNI”, ma no, è solo un divertente cenno al titolo del
film.
I Marvel Studios pubblicheranno
qualcos’altro oggi per annunciare che quattro diversi teaser
trailer di Avengers:
Doomsday saranno proiettati nei cinema nel corso
del prossimo mese? Sebbene le indiscrezioni siano diventate virali,
sembra quasi che lo studio si stia perdendo un’occasione non dando
risalto al fatto che un’anteprima del prossimo blockbuster sarà
disponibile sul grande schermo questo fine settimana.
La sinossi ufficiale conferma il ritorno di
Robert Downey Jr. all’interno dell’universo
Marvel, questa volta nel ruolo di Doom. La trama resta però al
momento sotto riserbo. Stephen McFeely e
Michael Waldron risultano accreditati come
sceneggiatori.
Il cast di Avengers: Doomsday è stato
rivelato per la prima volta durante una diretta streaming a
sorpresa della Marvel Studios, in cui diverse sedie hanno svelato
il ritorno di numerosi attori. Una delle grandi novità è il ritorno
di diversi attori degli X-Men
dell’era Fox-Marvel.
Daisy Ridley, protagonista dei recenti film
della saga di Star
Wars, è entrata a far parte del cast di un nuovo film
con Johnny Depp che adatterà una delle storie
fantasy più iconiche di sempre. Insieme a lei, si unisce al film
anche Rupert
Grint, noto per essere stato Ron Weasley nella saga
cinematografica di Harry Potter.
Deadline riporta infatti che i
due attori reciteranno nel nuovo adattamento di A Christmas
Carol di Charles Dickens, intitolato
Ebenezer: A Christmas Carol, che uscirà il 13
novembre 2026. Il cast è ricco di nomi importanti, tra cui Depp,
Sam
Claflin, Charlie Murphy,
Arthur Conti, Ellie Bamber,
Andrea Riseborough, Ian
McKellen e Tramell Tillman.
Depp interpreterà Ebenezer Scrooge
in questa nuova versione della Paramount, mentre Grint dovrebbe
interpretare il ruolo di Bob Crachit. Il personaggio di Ridley non
è invece stato ancora rivelato. Ebenezer: A Christmas
Carol sarà diretto da Ti West, con una
sceneggiatura di Nathaniel Halpern. Emma
Watts, Stephen Deuters, Jason
Forman, Adam Bohling e David
Reid sono i produttori.
Pubblicato nel 1843, A
Christmas Carol è stato adattato numerose volte nel corso
degli anni, tra cui il musical per il grande schermo
Scrooge nel 1970, Mickey’s Christmas Carol nel
1983, Scrooged nel 1988, The Muppet Christmas
Carol nel 1992, il film TV A Christmas Carol nel 1999
e il film d’animazione in performance capture A Christmas
Carol nel 2009. Il nuovo film seguirà a sua volta la trama del
romanzo di Dickens, in cui Scrooge riceve la visita dei fantasmi
del Natale passato, presente e futuro, mentre impara dai propri
errori e giura di diventare un uomo migliore.
La fortunata saga di James Cameron torna nelle sale il 19
dicembre, ma le previsioni di incasso per il weekend di apertura di
Avatar: Fuoco
e Cenere sono inferiori a quelle del suo predecessore.
Ciò nonostante, il nuovo capitolo di Avatar si colloca al primo posto nel box
office di questo fine settimana, davanti ai nuovi film The
Housemaid, The SpongeBob Movie: Un’avventura da
pirati e David.
La proiezione di 100 milioni di
dollari per Avatar: Fuoco e Cenere è
inferiore a quella di Avatar – La
via dell’acqua, che nel 2022 ha debuttato con 134
milioni di dollari in Nord America. Il tanto atteso sequel,
arrivato 13 anni dopo l’originale Avatar (2009),
ha anche incassato ben 444 milioni di dollari in tutto il mondo,
circa 100 milioni in più rispetto al previsto incasso globale del
terzo capitolo.
Tuttavia, le proiezioni di
Avatar: Fuoco e Cenere, che ha ricevuto recensioni
largamente positive, superano gli incassi iniziali di
Avatar nel 2009, che notoriamente ha continuato a
guadagnare oltre 2,9 miliardi di dollari in tutto il mondo. Il film
originale di Cameron ha avuto un incasso iniziale di 77 milioni di
dollari sul mercato interno, per poi guadagnare 760 milioni di
dollari sul mercato interno, sottolineando la longevità del
franchise di successo della Disney.
Sebbene le stime del nuovo film
siano quindi inferiori a quelle di Avatar – La via
dell’acqua, ciò non significa necessariamente che il nuovo
sequel non seguirà i suoi predecessori nel superare il traguardo
dei 2 miliardi di dollari al botteghino. I due precedenti film di
Avatar hanno infatti avuto una lunga permanenza al botteghino,
continuando a crescere per diverse settimane in cima alle
classifiche. Avatar: Fuoco e Cenere ha anche le
prossime due settimane a disposizione, durante il resto delle
festività natalizie, per continuare ad aumentare il suo
pubblico.
Anche fino all’inizio di gennaio,
la probabilità che un altro colosso del box office arrivi a
superare il film sembra bassa. Se il terzo capitolo diventerà un
successo al botteghino da 2 miliardi di dollari sarà possibile
stimarlo meglio nel weekend successivo a Natale, poiché questo
potrebbe offrire un confronto più accurato con la performance di
Avatar – La via dell’acqua, che ha avuto nove
giorni di programmazione nelle sale prima di Natale nel 2022
rispetto ai sei giorni di questo nuovo film.
Le previsioni di apertura di
Avatar: Fuoco e Cenere potrebbero essere deludenti
dopo il successo record del suo predecessore, ma le diverse
circostanze di uscita non giustificano il panico al momento.
Ricordiamo che Cameron deciderà se realizzare gli
annunciati Avatar
4e Avatar 5 solo in
caso di buon successo economico di questo terzo film.
Il regista James Cameron, che da tempo ha affermato di
star lavorando ad un Terminator 7, ha appena
rivelato se ci sono piani per vedere il ritorno di Arnold Schwarzenegger nei panni dell’iconico
personaggio. Durante un’intervista per la copertina di
The Hollywood Reporter, mentre promuoveva Avatar: Fuoco
e cenere(qui
la recensione), Cameron ha dunque condiviso alcuni dettagli sui
progressi di Terminator 7, confermando che “si immergerà
completamente” nel progetto una volta terminata la promozione del
terzo Avatar.
Ribadisce però che “ci sono
molti problemi narrativi da risolvere. Il più grande è come
rimanere abbastanza al passo con ciò che sta realmente accadendo
per renderlo fantascienza”. Riguardo al coinvolgimento di
Schwarzenegger, ha invece affermato: “Posso tranquillamente
dire che non ci sarà”. Ciò significa che Terminator
7 sarà il primo film di Terminator senza la star
principale della saga.
L’acclamato regista ha poi spiegato
la sua decisione scioccante, dicendo: “È tempo di una nuova
generazione di personaggi. Ho insistito affinché Arnold fosse
coinvolto in Terminator: Destino Oscuro [del 2019], ed è stato un
ottimo finale per lui interpretare il T-800. C’è bisogno di
un’interpretazione più ampia di Terminator e dell’idea di una
guerra temporale e di una super intelligenza. Voglio fare cose
nuove che la gente non immagina”.
Sin dall’inizio della serie,
Schwarzenegger ha contribuito a trasformare il personaggio
principale in un’icona ed è stato una presenza fissa nei film
successivi. Tuttavia, dato il nuovo aggiornamento di Cameron,
sembra che Destino
Oscuro potrebbe segnare l’ultima apparizione dell’attore
d’azione nei panni dell’iconico personaggio, se non ci saranno
ulteriori sequel oltre a Terminator 7.
Il regista, che ha ideato la saga
fantascientifica con il film del 1984, sta ora lavorando
attivamente al settimo capitolo dal 2022, che segna il suo tanto
atteso ritorno alla saga. Dopo aver diretto Terminator e Terminator 2 – Il giorno del giudizio, Cameron non è
più stato coinvolto nella saga a causa di problemi relativi ai
diritti e alla sceneggiatura. Ha comunque ricoperto il ruolo di
consulente e produttore per Destino
Oscuro.
Tuttavia, Cameron ha ammesso che
far tornare e Schwarzenegger Linda Hamilton
per Destino
Oscuro è stato un errore. Inoltre, sembra già che il
prossimo sequel avrebbe dovuto continuare senza la star principale.
Nel maggio 2023, Schwarzenegger ha parlato con The Hollywood
Reporter e ha risposto che, sebbene la saga sarebbe continuata, lui
aveva “chiuso”. Ha affermato: “Ho capito chiaramente che il
mondo vuole andare avanti con un tema diverso quando si tratta di
‘Terminator’. Qualcuno deve trovare un’idea brillante”.
Ha anche condiviso l’opinione che
Genisys
e Destino
Oscuro “non fossero scritti bene”. Ora, sembra che Cameron
abbia preso la decisione creativa di andare avanti senza la star,
volendo dare una nuova direzione alla narrazione del franchise.
Questo rimane il dettaglio più confermato nello sviluppo di
Terminator 7. I dettagli della trama rimangono
però segreti, poiché il regista sta lavorando attivamente alla
sceneggiatura del film, avendo espresso che sta ancora cercando di
decifrare il codice della narrazione.
Sebbene Cameron non abbia fornito
molti altri dettagli sul settimo film, rimane uno dei registi più
impegnati anche all’età di 71 anni. Da oltre un decennio è molto
concentrato sulla saga di Avatar con Avatar: Fuoco
e cenere in uscita il 19 dicembre, mentre sono in
programma un quarto e un quinto capitolo. D’altra parte, il regista
sta anche lavorando a un adattamento del libro di Charles
Pellegrino Ghosts of Hiroshima.
Tuttavia, in una recente intervista
ha rivelato di non aver ancora iniziato a lavorare alla
sceneggiatura. Ciononostante, è chiaro che Terminator
7 è ancora in fase di sviluppo, ma non ci sono ancora
piani per le riprese e l’uscita. Ad ogni modo, è rassicurante che
Cameron voglia segnare il suo ritorno dopo decenni alla saga, anche
se nel frattempo ci vorrà un po’ di pazienza.
Norimberga
è il nuovo film diretto da James Vanderbilt in
uscita nelle sale italiane il 18 dicembre 2025. Ambientato nel
delicato e controverso periodo dei processi di Norimberga, il film
ricostruisce con ritmo da thriller uno dei momenti più cruciali del
Novecento, provando a riflettere sui concetti di giustizia, memoria
e responsabilità individuale. Distribuito da Eagle
Pictures, il film vanta un cast di primo piano con
Rami Malek,
Russell Crowe e Richard E. Grant e,
con una durata di 148 minuti, riporta sul grande schermo una pagina
fondamentale della storia contemporanea.
La trama di Norimberga
Ambientato nella Germania del 1945,
all’indomani della resa del Terzo Reich,
Norimberga ricostruisce le fasi iniziali dei
processi intentati dalle potenze Alleate contro i principali
esponenti del regime nazista. Al centro della narrazione ci sono le
udienze del Tribunale Militare Internazionale, chiamato a giudicare
le responsabilità legate ai crimini commessi durante la Seconda
Guerra Mondiale e allo sterminio degli ebrei europei. La storia
segue Douglas Kelley, giovane psichiatra dell’esercito statunitense
interpretato da Rami
Malek, incaricato di valutare la capacità mentale
degli imputati per stabilire se possano affrontare un processo.
Nel corso del suo lavoro, Kelley
entra in contatto diretto con alcune delle figure più rilevanti del
regime, tra cui Hermann Göring, interpretato da Russell Crowe, ex comandante della
Luftwaffe e uno dei principali imputati. Il rapporto tra Kelley e
Göring si sviluppa attraverso una serie di colloqui che assumono
progressivamente la forma di un confronto psicologico, nel quale
emergono strategie di controllo, resistenza e manipolazione.
Parallelamente si svolge il lavoro dell’accusa, guidata dal
procuratore capo Robert H. Jackson, interpretato da Michael
Shannon, impegnato a costruire un impianto giuridico
solido per attribuire responsabilità individuali ai vertici del
nazismo e stabilire un precedente legale destinato ad avere
risonanza internazionale.
L’incontro scontro tra immagini
Parlare oggi di fake news e
post-verità, immersi come siamo nel marasma social a cui si
abbeverano sempre più frequenti processi di misinformazione e
disinformazione, appare quasi scontato. E se, come dichiarava ormai
qualche anno fa l’economista Antonio Nicita in
un’intervista per Pandora
Rivista, “la post-verità sembra esser diventata
una forma di negazionismo diffuso”, è chiaro come il concetto,
seppur di giovane nomenclatura, affondi le proprie radici in
diversi momenti della storia dell’umanità, specie in quei frangenti
del Novecento in cui il tentativo di sopprimere la veridicità di
orribili parentesi di violenza ha raggiunto il suo (momentaneo)
culmine.
Colpisce dunque constatare, almeno
da questa prospettiva, quanto il film di
Vanderbilt, pur inserito all’interno di un
contesto che avrebbe favorito un ragionamento in questi termini,
rifletta in un altro tempo e attraverso un altro cinema. Dal
momento che, fatta eccezione per qualche breve indugio sulla
possibilità di accostarsi alla nozione di manipolazione della
realtà storica e delle immagini che la raccontano, il regista
sceglie di costruire il proprio climax nell’incontro-scontro tra
orgoglio e responsabilità del singolo (dei singoli).
Norimberga,
insomma, non mette (quasi) mai in dubbio quelle che sono le
immagini della Storia (i campi di concentramento, i morti, le
camere a gas). Al contrario, sembra quasi disporle in secondo
piano, lasciando invece che a reclamare un ruolo da protagoniste
siano altre due immagini/simulacro: da un lato quella del comando
nazista rappresentato dell’imponente Hermann Göring, disposto a
dichiararsi estraneo ai fatti e dunque non responsabile delle
violenze commesse all’interno dei campi, dall’altro quella degli
Alleati, decisi a erodere la tracotanza del nemico attraverso i
canali legali di un processo.
Norimberga: una profondità simulata
Quella che avrebbe potuto
attestarsi come un’opera di grande respiro e d’originalità
d’approccio (il processo vero e proprio occupa una porzione
abbastanza misera di minutaggio), cade però sotto al peso delle sue
stesse ambizioni. Infatti, al netto dell’interpretazione magnetica
di un Russell Crowe in grande spolvero, il film,
strutturato per giocarsi tutto nella preparazione all’evento che dà
il nome all’opera, finisce in più di un’occasione per disperdere
potenziale narrativo. Non solo per un’eccessiva tendenza di
Vanderbilt a romanzare le fasi del racconto –
elemento che, con ogni probabilità, contribuirà a catturare una
porzione di pubblico – ma anche e soprattutto per una gestione
debole del climax, un frangente che sembra voler recuperare,
invano, la forza espressiva di Codice d’onore, e
dei numerosi momenti di confronto tra lo psichiatra interpretato da
Rami Malek e il Göring di Crowe,
sui cui scambi dovrebbe reggersi l’intera narrazione.
Purtroppo, le conversazioni tra
Malek e il “gigante” neozelandese hanno infatti il
limite di rimanere, per larghi tratti, sulla superficie delle cose,
sfiorando o addirittura solo fingendo una profondità che, pur
appartenendo al contesto storico di riferimento, fatica a emergere
in modo compiuto nel testo filmico.