Gone Baby Gone, esordio alla regia di Ben Affleck, è uno di quei film che non cercano il consenso, ma lo mettono in crisi. Ambientato in una Boston ruvida e profondamente segnata da contraddizioni sociali, il film adatta il romanzo di Dennis Lehane trasformandolo in una riflessione dolorosa su giustizia, legge e responsabilità morale. A distanza di anni, il suo finale resta uno dei più discussi del cinema crime contemporaneo.

Al centro della storia c’è Patrick Kenzie, interpretato da Casey Affleck, investigatore privato chiamato a occuparsi della scomparsa della piccola Amanda. Quello che inizialmente sembra un classico caso di rapimento si trasforma gradualmente in qualcosa di molto più disturbante: un’indagine che costringe il protagonista, e lo spettatore, a interrogarsi non su chi abbia ragione, ma su cosa sia davvero giusto.

Il finale di Gone Baby Gone: cosa accade davvero

Nel finale del film, Patrick scopre la verità: Amanda non è stata uccisa né venduta, ma sottratta alla madre biologica Helene (Amy Ryan) da un gruppo di poliziotti guidati dal capitano Jack Doyle (Morgan Freeman). Il loro obiettivo non è il profitto, ma quello che considerano un “bene superiore”: strappare la bambina a una madre negligente e offrirle una casa stabile e affettuosa.

La rivelazione culmina in una delle scene più emblematiche del film: Amanda corre felice incontro a Doyle, dimostrando che, almeno nel presente, quella scelta ha funzionato. È qui che Gone Baby Gone mette lo spettatore con le spalle al muro. Patrick si trova davanti a un bivio morale: chiudere un occhio su un rapimento compiuto da uomini dello Stato o denunciare tutto, restituendo Amanda alla madre naturale, pur sapendo che ciò potrebbe condannarla a un futuro difficile.

Patrick sceglie la legge. Non perché ignori le conseguenze emotive, ma perché rifiuta l’idea che qualcuno possa arrogarsi il diritto di decidere il destino di un altro essere umano, soprattutto un bambino, al di fuori di qualsiasi processo legale.

Giusto o legale? Il cuore morale del film

Il dialogo tra Patrick e Doyle nel finale racchiude il vero nucleo tematico di Gone Baby Gone: è accettabile compiere un’azione illegale se il risultato appare moralmente migliore? Doyle sostiene di aver agito “per il bene della bambina”, convinto che la giustizia istituzionale avrebbe fallito. Patrick ribatte che nessuno può sapere con certezza quale sia il futuro migliore e che la verità, prima o poi, avrebbe distrutto Amanda dall’interno.

La forza del film sta nel non offrire una risposta rassicurante. Patrick non viene celebrato come un eroe, né Doyle come un mostro. Entrambi sono convinti di fare la cosa giusta, ed entrambi pagano un prezzo altissimo per le proprie convinzioni.

Un film sui “poliziotti deviati” che non assolve nessuno

Un aspetto spesso sottovalutato del finale è che Gone Baby Gone non è solo un dramma morale, ma anche un film sul potere e sulla sua deriva. I poliziotti coinvolti nel rapimento non agiscono per corruzione o sadismo, ma per una forma di paternalismo estremo: credono di sapere cosa sia meglio per gli altri. È una declinazione insidiosa della figura del “rogue cop”, lontana dall’azione spettacolare e molto più inquietante.

Patrick, paradossalmente, è l’unico a difendere la legge pur essendo un investigatore privato, quindi una figura che potrebbe muoversi più liberamente nelle zone grigie. Il film suggerisce che proprio chi vive ai margini del sistema ne comprende meglio i limiti, ma anche la necessità.

L’ultima scena: il dubbio che resta

L’epilogo del film è forse ancora più devastante della rivelazione. Patrick osserva Helene lasciare di nuovo Amanda sola per uscire, confermando tutte le paure di Doyle. Non c’è musica enfatica, non c’è consolazione. Solo silenzio e sguardi. È il momento in cui anche Patrick sembra chiedersi se la sua scelta sia stata davvero quella giusta.

Ed è qui che Gone Baby Gone colpisce più a fondo: non smentisce mai Patrick, ma non lo assolve nemmeno. Il film termina lasciando allo spettatore il peso di una domanda irrisolta, dimostrando che la giustizia, quando è davvero tale, raramente coincide con la felicità.

Il senso ultimo del finale di Gone Baby Gone

La spiegazione del finale di Gone Baby Gone passa attraverso una verità scomoda: non esistono soluzioni pulite quando si parla di esseri umani. Ben Affleck costruisce un racconto in cui la morale non è un punto d’arrivo, ma un terreno instabile su cui ogni personaggio cammina rischiando di cadere.

Il film non chiede allo spettatore di scegliere da che parte stare, ma di accettare la complessità. La legge può essere ingiusta. La giustizia può essere crudele. E fare la cosa “giusta” può significare convivere per sempre con il dubbio di aver fatto la cosa sbagliata.

È questo, forse, il motivo per cui Gone Baby Gone continua a far discutere: perché il suo finale non chiude una storia, ma apre una ferita morale che non smette di sanguinare.

Carosello in Love, diretto da Jacopo Bonvicini, è un film che sceglie deliberatamente la leggerezza come forma di profondità. Ambientato nella Milano del boom economico, il racconto si muove sul confine tra commedia sentimentale, affresco storico e dichiarazione d’amore per un’Italia che stava imparando a raccontarsi attraverso le immagini. Il titolo non è casuale: Carosello non è solo uno sfondo televisivo, ma il cuore simbolico del film, il luogo in cui immaginario collettivo, desiderio e modernità iniziano a incontrarsi.

La storia segue Angelo e Giulia, due giovani che gravitano attorno al mondo nascente della pubblicità televisiva, un ambiente creativo, ancora ingenuo, in cui l’arte e il commercio convivono senza essersi ancora separati del tutto. Il film racconta un amore che cresce in parallelo a un’industria che sta imparando a sedurre il pubblico, proprio come i protagonisti cercano di imparare a conoscersi, scegliersi, restare.

Un amore che nasce insieme a un linguaggio

Uno degli aspetti più interessanti di Carosello in Love è la sua capacità di mettere in relazione sentimento e comunicazione. L’amore tra Angelo e Giulia non è mai raccontato come qualcosa di assoluto o predestinato, ma come un processo fragile, fatto di tentativi, esitazioni, intuizioni. Allo stesso modo, la pubblicità dell’epoca è ancora un linguaggio in costruzione: ingenuo, teatrale, artigianale, lontano dal cinismo che arriverà più tardi.

Bonvicini utilizza questo parallelismo in modo sottile. I personaggi non parlano mai esplicitamente di “marketing” o “strategie”, ma vivono in un mondo che sta imparando a mettere in scena le emozioni, a renderle condivisibili, memorabili. L’amore, in questo senso, diventa una forma di racconto: qualcosa che esiste davvero solo se trova il coraggio di essere espresso.

Il finale di Carosello in Love: cosa accade davvero

Il finale del film è volutamente misurato, lontano da grandi dichiarazioni o colpi di scena. Angelo e Giulia si ritrovano, ma non nel modo classico della commedia romantica che chiude ogni conflitto. Non c’è la promessa di un “per sempre” pronunciata ad alta voce, né la sensazione che tutto sia finalmente risolto.

Quello che il film sceglie di mostrarci è una possibilità, non una certezza. I due protagonisti comprendono di aver attraversato una trasformazione: non sono più le persone di prima, così come l’Italia che li circonda non è più la stessa. Il loro avvicinamento finale non suggella una favola, ma riconosce una maturità raggiunta. L’amore, come il linguaggio pubblicitario che li ha fatti incontrare, può esistere solo se accetta di essere imperfetto, provvisorio, umano.

In questo senso, il finale di Carosello in Love non parla tanto di un amore che “vince”, quanto di un amore che sceglie di restare possibile. È un epilogo coerente con il tono del film: gentile, malinconico, consapevole che la vita non funziona come uno spot, ma che anche uno spot, a volte, può contenere una verità emotiva.

Carosello come metafora del tempo e dei sentimenti

Il vero protagonista del film resta Carosello stesso, inteso non solo come programma televisivo, ma come spazio sospeso tra sogno e realtà. Il finale rafforza questa lettura: così come Carosello andava in onda ogni sera per pochi minuti, lasciando il pubblico con una sensazione di leggerezza e attesa, anche l’amore raccontato da Bonvicini non pretende di occupare tutto, ma di illuminare un frammento di vita.

Il film sembra suggerire che i sentimenti più autentici non sono quelli urlati, ma quelli che resistono al tempo senza bisogno di essere continuamente confermati. Angelo e Giulia non diventano un simbolo romantico assoluto, ma due persone che hanno imparato a riconoscere ciò che conta, in un mondo che stava iniziando a confondere il desiderio con la sua rappresentazione.

Il senso ultimo del finale

La spiegazione del finale di Carosello in Love passa dunque da una parola chiave: misura. Bonvicini evita la chiusura rassicurante perché il suo film non parla di certezze, ma di passaggi. L’amore, come l’Italia degli anni Sessanta, è in una fase di transizione: non è più ingenuo, ma non è ancora disincantato.

Il finale non dice allo spettatore “andrà tutto bene”, ma suggerisce qualcosa di più sottile e forse più vero: andrà come andrà, e questo non toglie valore a ciò che è stato. È una dichiarazione di fiducia nella fragilità, nel tempo che scorre, nella possibilità che anche le storie brevi – come uno spot di Carosello – possano lasciare un segno duraturo.

Il finale del thriller psicologico ed erotico Acque profonde (Deep Water) (leggi qui la recensione) spiega che i pericolosi giochi mentali di Vic e Melinda potrebbero non essere finiti. Diretto da Adrian Lyne (9 settimane ½, L’amore infedele – Unfaithful), Acque profonde è una storia contorta sul matrimonio apparentemente senza amore tra Vic (Ben Affleck) e Melinda Van Allen (Ana de Armas). Tratto dall’omonimo romanzo del 1957 di Patricia Highsmith, il film offre un nuovo finale alla storia che aggiunge sfumature più complesse alla relazione sentimentale ad alto rischio dei personaggi.

Acque profonde, raccontato principalmente dal punto di vista di Vic, segue la coppia manipolatrice mentre cresce la loro figlia di sei anni in una comunità molto unita dove i pettegolezzi si diffondono a macchia d’olio. Poiché Vic non ha quella passione che Melinda cerca, la coppia stringe un accordo in base al quale Melinda può avere degli amanti purché non distrugga la loro famiglia. L’accordo della coppia prende però una piega contorta quando Vic inizia a crollare. Alla fine, diverse persone legate alle relazioni sentimentali di Vic e Melinda muoiono, con l’atto finale che consolida la dinamica contorta tra la coppia principale.

Cosa succede nel finale di Acque profonde

Acque profonde si conclude dunque con Vic e Melinda che provano un sentimento più appassionato per il loro matrimonio, anche se lui ha ucciso a sangue freddo due degli amanti di lei. Sebbene Melinda sia sicura che Vic abbia ucciso il suo amante, Charlie, si sente sempre più attratta da lui e non lo accusa immediatamente di essere coinvolto quando non ha notizie del suo ultimo amante, Tony.

Dopo un picnic con Melinda e Trixie, Vic torna al fiume per nascondere meglio il corpo di Tony, ma Melinda trova contemporaneamente il portafoglio di Tony all’interno di una scatola di lumache di Vic. Melinda chiama Don, un vicino che sospetta che Vic abbia ucciso Charlie. Don alla fine affronta Vic alla gola. Dopo aver visto Vic spostare il corpo di Tony, Don guida la sua auto per andare a dirlo alla polizia, mentre Vic salta sulla sua bicicletta per fermarlo.

Quando Vic guida la sua bicicletta sulla traiettoria dell’auto di Don, Don sterza fuori strada, cadendo e morendo mentre precipita da un dirupo. A casa, Trixie vede che Melinda ha preparato una valigia, quindi la getta in piscina e dice a Melinda che non se ne andranno. Quando Vic torna a casa, trova Melinda seduta sulle scale con un leggero sorriso sul volto, ma il filmato passa a lei che brucia tutte le patenti di Tony che ha trovato insieme alle lumache di Vic. Alla fine, tutto va bene per il loro matrimonio.

Perché Vic mente a Joel sull’omicidio di Martin McCrae

Il vero dramma di Acque profonde inizia quando Vic affronta l’amante di Melinda, Joel, a una festa. Vic gli dice di aver ucciso Martin McCrae, l’ultimo amante di Melinda scomparso, per spaventare Joel. La maggior parte delle persone prende la dichiarazione di Vic come uno scherzo, anche se riesce a spaventare Joel e rende lo sceneggiatore Don sempre più sospettoso. Vic dice a Melinda che si tratta di uno scherzo innocente dopo che lei si è arrabbiata, ma il film suggerisce che dietro il comportamento apparentemente indifferente di Vic si nasconde una malvagità.

Più avanti in Acque profonde, si scopre che Vic non ha ucciso McCrae. Ha detto a Joel di averlo ucciso con un martello, mentre in realtà è stato ucciso con una pistola e il vero assassino è stato arrestato. Mentre Vic e i suoi amici sostengono che la sua bugia sull’uccisione di Martin McCrae sia solo uno scherzo, in realtà è l’inizio della rabbia e della gelosia di Vic che ribollono sotto la superficie.

Dato che Vic ha poi ucciso due degli amanti di Melinda, dire questa bugia sembra essere un errore, poiché diventa il primo sospettato quando Charlie e Tony vengono trovati morti o scomparsi. In realtà, sembra che Vic sia stanco della sua indifferenza nei confronti delle relazioni di Melinda, ma l’euforia di aver finalmente affrontato uno degli amanti di Melinda accende nel loro matrimonio una passione che non provava da molto tempo. Vic sa che può farla franca, poiché nessuno lo ritiene capace di una cosa del genere.

Come Trixie sa che Vic ha ucciso Charlie

Uno dei personaggi più misteriosi di Acque profonde è Trixie Van Allen, la figlia di sei anni di Vic e Melinda. È chiaro che è più intelligente e matura di quanto suggerisca la sua età, e la scena in cui Trixie e Vic discutono della morte di Charlie suggerisce che lei sa molto di più sul matrimonio dei suoi genitori di quanto loro vogliano far credere. Dopo la morte di Charlie e con Vic come principale sospettato, Trixie dice a suo padre che pensa sia stato lui a uccidere l’amante di Melinda. Vic nega, ma Trixie continua a pensare che sia stato lui, anche se è semplicemente arrabbiata perché lui non le dice come l’ha ucciso.

Alla fine di Acque profonde, Trixie getta la valigia preparata da Melinda nella piscina e dice che non se ne andranno, suggerendo che Trixie sa davvero tutto quello che sta succedendo, ma vuole comunque che la sua famiglia rimanga unita. Dato che Trixie e Vic sono molto più vicini di quanto la bambina lo sia con Melinda, sembra che Trixie sostenga ciò che fa Vic, poiché è stanca delle relazioni extraconiugali della madre proprio come lo è Vic.

Perché Melinda ha aiutato a coprire l’omicidio di Tony

Sebbene Melinda informi Don che Vic ha qualcosa a che fare con la scomparsa di Tony, il finale vede Melinda bruciare le sue licenze pochi istanti dopo. Questo accade dopo che Trixie getta la valigia di Melinda in piscina e le dice che non se ne andranno, suggerendo che Melinda ora capisce che tenere unita la sua famiglia è più importante. Melinda ha trascorso il film sostenendo che Vic non provava passione né amore per lei, ma i suoi impulsi violenti nei confronti dei suoi due amanti hanno riportato la scintilla nel loro matrimonio.

Melinda ripete più volte a Vic che lo ama, anche se la sua incapacità di ricambiare in modo convincente il suo sentimento la porta fuori strada, finché non capisce che uccidere e minacciare questi uomini è il suo modo malato di dimostrare amore. Melinda era completamente annoiata dal loro matrimonio, ma il comportamento squilibrato di Vic le dimostrava che lui non era più noioso per lei. Allo stesso tempo, Melinda aveva appena chiesto a Vic perché fosse l’unico a stare con lei, suggerendo che, anche se la sua passione si manifestava con l’omicidio, lui avrebbe fatto qualsiasi cosa per stare con lei, quindi lei ricambiò il gesto aiutandolo a coprire la morte di Tony.

Cosa succederà a Melinda e Vic

Il matrimonio tossico di Melinda e Vic vede la morte di almeno tre persone nella loro città, ma Acque profonde finisce con la loro relazione più forte che mai. Dato che Don non è riuscito a inviare il suo messaggio a Kelly sul fatto di aver ragione su Vic prima di morire, non c’è nessuno oltre a Vic, Melinda e Trixie che possa fornire prove che Vic abbia ucciso qualcuno. Con Melinda che sceglie di tenere unita la loro famiglia, la coppia torna a indossare le maschere di una tipica coppia di periferia. Non è chiaro se il loro matrimonio continuerà a vedere altri amanti o omicidi, ma la passione ritrovata di Melinda e Vic suggerisce che continueranno a giocare a giochi mentali contorti fintanto che questo manterrà unita la loro famiglia.

Cosa significa davvero il finale di Acque profonde

La storia altalenante di Acque profonde parla delle facciate che le coppie di periferia indossano dopo essersi stufate dei loro matrimoni e di quanto siano disposte a spingersi per restare insieme e mantenere la loro farsa “perfetta”. È un esempio estremo di questo fenomeno, ma prende spunto da molte lotte coniugali della vita reale che riguardano l’infedeltà, il mantenimento della famiglia e la passione che si affievolisce col tempo.

L’incertezza sul numero di vittime di Vic e la trama più ampia trasmettono l’idea che ogni relazione appare diversa a chi ne fa parte, poiché l’immagine di Vic come persona mite e indifferente è in realtà una maschera che indossa, mentre in realtà è una bomba a orologeria di rabbia e violenza. Alla fine, è la storia contorta di un matrimonio tossico in cui i protagonisti dimostrano finalmente il loro amore, rinnovano la loro passione e raggiungono un accordo culminante e unificante.

In esso, la coppia principale è complice dell’immoralità dell’altro: Vic dell’infedeltà di Melinda e Melinda degli omicidi di Vic. Mentre la maggior parte dei thriller erotici di Adrian Lyne finiscono nella follia, concludendosi una volta che la coppia si avvicina o risolve i propri conflitti, il finale diAcque profonde fornisce una spiegazione diversa. Suggerisce infatti che il tumulto continuo di Vic e Melinda continuerà, rendendoli una coppia più forte grazie alla loro complicità.

Nel corso del film, ci sono molti indizi ben congegnati sull’identità dell’assassino di Assassinio a Venezia (qui la recensione). In vero stile giallo, questi indizi ben disseminati sono anche uno degli elementi più soddisfacenti del film, poiché consentono agli spettatori di ricostruire il mistero insieme a Hercule Poirot, il detective baffuto e di prim’ordine interpretato da Kenneth Branagh. Terzo capitolo della serie di adattamenti di Poirot realizzati da Branagh, Assassinio a Venezia si discosta dal racconto di Agatha Christie Hallowe’en Party. Ambientato nella tetra Venezia del secondo dopoguerra, il film ruota attorno alla tragica morte di Alicia Drake (Rowan Robinson), una giovane donna che si presume sia annegata nei canali.

Sebbene stia cercando di godersi una pensione senza misteri da risolvere, Poirot si ritrova coinvolto nelle strane circostanze del presunto suicidio di Alicia quando una vecchia amica, la scrittrice Ariadne Oliver (Tina Fey), lo invita a una festa. La madre di Alicia, Rowena Drake (Kelly Reilly), è la padrona di casa della festa di Halloween e usa questa ricorrenza inquietante come scusa per tenere una seduta spiritica proprio nel palazzo da cui sua figlia sarebbe saltata. Man mano che i cadaveri si accumulano, diventa chiaro che la morte di Alicia non era così scontata. Alla fine, Poirot capisce che Rowena è l’assassina di sua figlia e la responsabile della morte degli altri partecipanti alla festa.

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Rowena Drake tratta sua figlia adulta come una bambina

Uno dei primi indizi che qualcosa non va tra la cantante lirica Rowena Drake e sua figlia Alicia è che Rowena tratta la figlia adulta come una bambina. Nei flashback, la stanza di Alicia è ancora arredata come quella di una bambina e la si vede portare in giro peluche. Tuttavia, è anche abbastanza grande da essere fidanzata. Questi aspetti contrastanti non tornano, indicando che il rapporto tra madre e figlia non è dei più sani. Quando viene rivelato che Rowena non approvava il futuro marito di Alicia e che Alicia ha rotto il fidanzamento per placare sua madre, i segnali di allarme sono molto evidenti.

La prima apparizione sullo schermo di Rowena la tradisce

Tutt’altro che la madre dell’anno, Rowena Drake si comporta in un modo che ricorda i genitori che soffrono della sindrome di Munchausen per procura. Anche se non le è stata formalmente diagnosticata, Rowena porta il suo amore per la figlia all’estremo, causando la tragica morte di Alicia per avvelenamento. Successivamente, Rowena getta il corpo della figlia nel canale per coprire le tracce. Anche prima che gli spettatori scoprano del miele avvelenato che Rowena dà da mangiare alla dipendente Alicia, la dedizione di Rowena nell’essere l’unica custode di sua figlia è estrema. Quando Rowena viene presentata per la prima volta, la si vede confortare una ragazzina su un balcone, quindi Assassinio a Venezia svela il suo assassino piuttosto rapidamente.

Il tasto “M” sulla macchina da scrivere

Quando la famosa medium Joyce Reynolds (Michelle Yeoh) conduce una seduta spiritica agghiacciante nella camera da letto di Alicia, sembra davvero canalizzare gli spiriti che infestano il palazzo di Rowena. Mentre alcune delle performance della Reynolds sono proprio questo – una recita – altri elementi della seduta spiritica potrebbero fornire agli spettatori indizi sull’identità dell’assassino di Assassinio a Venezia. Mentre è “posseduta”, la Reynolds viene presumibilmente costretta dallo spirito di Alicia a premere vari tasti della macchina da scrivere. Uno di questi è la lettera “M”, che presumibilmente sta per ‘Murder’ (omicidio), anche se potrebbe facilmente alludere al fatto che la “madre” di Alicia sia la colpevole.

L’assassino ha una stretta relazione con il medico di Alicia

Sebbene Rowena Drake e il dottor Leslie Ferrier (Jamie Dornan) non condividano molti momenti intimi nel corso del film, si presume che abbiano una relazione sentimentale. Ferrier vive con uno stress post-traumatico dopo essere sopravvissuto ad alcuni degli orrori più inquietanti della guerra, il che influisce sulla sua capacità di mantenere un lavoro stabile o le sue relazioni. Ciononostante, il film sottolinea la stretta relazione di Rowena con il medico che ha eseguito l’autopsia di Alicia. In seguito, si scopre che Ferrier ha completamente mescolato le tossine, probabilmente a causa delle difficoltà postbelliche che ha incontrato nell’esercizio della professione medica. Tuttavia, si tratta sicuramente di una relazione di convenienza per Rowena.

Ariadne Oliver trova il miele tossico nascosto in un posto strano

In un momento piuttosto leggero, Poirot gioca a pescare le mele in una stanza vuota del palazzo. Tuttavia, il famoso detective non è solo. Una persona mascherata cerca di affogarlo e quasi ci riesce. L’amica di Poirot e scrittrice Ariadne Oliver si offre di preparare un tè a Poirot, profondamente scosso, e fa un commento casuale sul fatto di aver trovato il miele di Rowena in un posto che non è affatto la dispensa della cucina. Col senno di poi, è chiaro che Rowena stava nascondendo le prove velenose, anche se è strano che non si sia sbarazzata completamente del miele avvelenato.

Poirot inizia ad avere allucinazioni dopo aver bevuto il tè

Dopo aver bevuto del tè per calmare i nervi, Poirot inizia ad avere allucinazioni. Il film offre alcune spiegazioni: una di queste è che Poirot sta finalmente credendo al soprannaturale, ma c’è anche il semplice fatto che il tè di Poirot era zuccherato con lo stesso miele tossico che Rowena aveva dato ad Alicia. Una volta che gli spettatori scoprono che anche Alicia ha avuto allucinazioni prima della sua tragica morte, tutto acquista senso. Tuttavia, l’indizio è piuttosto discreto, data la volontà di Assassinio a Venezia di mantenere un equilibrio tra il reale e l’irreale.

Il giardino di Rowena è tutto dissodato

Alla fine Poirot mette insieme i pezzi e capisce che Rowena è stata la causa della morte prematura di Alicia. All’inizio del film, Poirot si imbatte nel giardino sul tetto di Rowena, dove lei si prendeva cura delle piante e di un alveare. Tutto è però in rovina: i rododendri sono stati sradicati e l’alveare sembra vuoto. Quello che potrebbe essere interpretato come un dettaglio secondario è in realtà un indizio fondamentale per identificare l’assassino, poiché Rowena estraeva dai suoi rododendri un miele velenoso e allucinogeno per indebolire la figlia e poi prendersi cura di lei.

Poirot e gli ospiti trovano delle api nascoste nel seminterrato

A metà del film, Poirot e gli altri ospiti del palazzo scoprono un seminterrato nascosto. La stanza allagata contiene le ossa dei bambini che presumibilmente sono morti nel palazzo anni prima, ma questa non è la parte più inquietante della scoperta. Oltre a nascondere male le sue abitudini di giardinaggio, Rowena non ha nemmeno coperto le sue tracce quando si trattava delle sue api produttrici di miele. Non solo l’alveare è ancora in piedi nel giardino sul tetto in rovina, ma le api stesse hanno trovato una nuova casa in uno dei tanti scheletri presenti nel seminterrato. Gli insetti fuori posto sono un indizio importante per il mistero più profondo che circonda la morte di Alicia.

L’uso della sala musica insonorizzata (e della sua chiave)

Vedere gli scheletri degli ex abitanti del palazzo scatena un attacco di panico nel dottor Ferrier, quindi Rowena gli suggerisce di riposarsi nella sua sala musica. Un tempo cantante lirica professionista, Rowena ha costruito la sala insonorizzata per poter esercitarsi senza disturbare Alicia. Qualsiasi tipo di camera insonorizzata in un giallo è sospetta: Ferrier è praticamente morto quando accetta di entrarvi. Ciò che rende ancora più evidente il fatto che Rowena sia l’assassina è che lei fa una grande sceneggiata nel dare a Poirot l’unica chiave della stanza. Ovviamente, il detective baffuto non è l’assassino di Ferrier, quindi nel tentativo di incastrare Poirot, Rowena si tradisce.

Il casting di una famosa attrice di Yellowstone

Sebbene non sia un indizio nel film, non si può ignorare che Kelly Reilly è un’attrice molto riconoscibile grazie alla sua partecipazione alla popolarissima serie Yellowstone. Dato che Yeoh, Dornan, Fey e Branagh non possono essere il pluriomicida di Assassinio a Venezia, è facile giungere alla conclusione che il colpevole sia l’altra grande star del film. Considerate tutte le altre prove che si accumulano contro di lei, Rowena è, fin dall’inizio, la principale sospettata. Anche così, rimane il miglior film di Branagh con Hercule Poirot fino ad oggi.

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