Liam Hemsworth ha parlato per la prima volta
del suo ruolo di Geralt nella quarta stagione di
The
Witcher. La star di Hunger Games riprende il ruolo nella penultima
stagione della serie dopo che Henry Cavill lo ha interpretato nelle prime
tre. Cavill ha infatti poi lasciato la serie a causa di presunte
divergenze creative con la direzione che si stava intraprendendo,
anche se questo motivo è poi stato contestato.
Sembra invece che Cavill fosse
pronto a lasciare The
Witcher per riprendere il ruolo di Superman nel DCEU. Anche quel
piano è però stato abbandonato quando James Gunn ha rivoluzionato il franchise
live-action della DC. Ad ogni modo, ora Hemsworth è pronto a
debuttare nel ruolo che un tempo era di Cavill, con la quarta
stagione di The Witcher in arrivo su Netflix il 30 ottobre.
In vista di quel momento, in
un’intervista con EW,
Liam Hemsworth ha ora rotto il
silenzio sul fatto di aver assunto il ruolo. “Sono un grande
fan di Henry e sono un fan di ciò che ha fatto nella serie”,
dice Hemsworth. Tuttavia, la sfida non consisteva solo nel
sostituire qualcun altro. C’era anche un intero fandom con cui fare
i conti. “C’era un bel po’ di rumore e ho dovuto metterlo da
parte. Cominciava a diventare una distrazione”, racconta
riguardo la decisione di allontanarsi dai social media.
“Ho affrontato questo tipo di
cose molte volte in passato e, sapete, alla fine dei conti, amo
fare film, amo raccontare storie e recitare. Non voglio che nulla
di tutto ciò influenzi il mio modo di raccontare la storia che sto
cercando di raccontare. Ho abbandonato i social media e Internet
per gran parte dell’anno scorso”.
Il viaggio di Geralt nella quarta
stagione di The Witcher riprenderà poco dopo gli eventi della terza
stagione. Anche mentalmente, dovrà “affrontare cose a cui non è
abituato”, qualcosa con cui Hemsworth sembra potersi
identificare nel suo nuovo ruolo. “L’inizio della quarta
stagione è abbastanza vicino alla battaglia con Vilgeforz. Geralt
non è in buone condizioni fisiche in quel momento”, ha poi
raccontato l’attore.
“È gravemente ferito.
Mentalmente, sta affrontando cose a cui non è abituato, ovvero
l’insicurezza e la frustrazione. All’improvviso, si vede il lato
molto umano di questa persona, ma si vede anche la determinazione a
risolvere la situazione“, conclude l’attore, lasciando dunque
la curiosità di scoprire come il personaggio affronterà la
stagione.
Il Geralt di Liam
Hemsworth definirà la conclusione di The
Witcher
The Witcher, come
noto, si concluderà con una quinta e ultima stagione in futuro, il
che significa che Liam Hemsworth avrà due stagioni
per interpretare il ruolo di Geralt. La decisione di recasting del
personaggio ha sicuramente suscitato alcune critiche. Cavill ha
interpretato Geralt con grande dedizione, definendo il tono della
serie con la sua passione per il personaggio e il materiale
originale.
Hemsworth ha chiaramente percepito
queste critiche e la sua decisione di stare lontano da Internet e
dai social media è stata probabilmente saggia, assicurandogli di
poter trovare la giusta concentrazione per il ruolo lontano da
tutto il clamore. Essendo una delle serie più importanti di
Netflix, è importante che The Witcher mantenga un
certo grado di coerenza, ma considerando la natura fantastica del
mondo in cui è ambientata, ciò non significa necessariamente che
gli attori debbano rimanere gli stessi.
Cosa c’è da sapere su The
Witcher – Stagione 4
Liam Hemsworth si unisce
a Anya
Chalotra,
Freya Allan, Joey Batey, Sharlto Copley, James Purefoy e Danny
Woodburn in quella che sarà la penultima stagione dello
show..
Dopo gli scioccanti eventi che hanno
sconvolto il Continente e che hanno chiuso la terza stagione, la
nuova stagione segue Geralt, Yennefer e Ciri che si trovano a dover
attraversare il Continente devastato dalla guerra e i suoi numerosi
demoni, separati l’uno dall’altro. Se riusciranno ad abbracciare e
guidare i gruppi di disadattati in cui si trovano, avranno la
possibilità di sopravvivere al battesimo del fuoco e di
ritrovarsi.
“Come fan del Witcher, sono al
settimo cielo per l’opportunità di interpretare Geralt di
Rivia”, ha dichiarato Hemsworth poco dopo essere stato scelto
come nuovo protagonista dello show. “Henry
Cavill è stato un Geralt incredibile, e sono onorato che mi
passi le redini e mi permetta di imbracciare le lame del Lupo
Bianco per il prossimo capitolo della sua avventura“.
La serie The
Witcher tornerà su Netflix il 30
ottobre 2025.
È stato finalmente diffuso il
trailer ufficiale
del film Song Sung Blue – Una melodia d’amore, che vede
protagonisti Hugh Jackman e Kate
Hudson nei panni di Mike e Claire Sardina, una coppia
reale che formò la tribute band Lightning & Thunder dedicata a Neil Diamond. Il
film, diretto da Craig
Brewer, debutterà nelle sale nel 2026.
Il trailer mostra momenti di
intimità, palcoscenici e backstage: Jackman nei panni di Mike
esegue classici come Cherry,
Cherry e Sweet
Caroline, mentre Claire (Hudson) lotta per trovare la propria
voce e realizzazione artistica. Si percepisce una forte tensione
tra il sogno musicale, le difficoltà personali e la volontà di
donare amore e significato alla loro esistenza.
Girato come adattamento del
documentario del 2008 firmato da Greg Kohs, Song Sung Blue unisce elementi biografici e
biopic, con inserimenti musicali che poi hanno richiesto
negoziazioni particolari per i diritti sulle canzoni di Neil
Diamond. Il cast vanta anche Michael Imperioli, Jim Belushi, Fisher Stevens, King Princess (al suo debutto
cinematografico) e altri nomi di rilievo.
Con questo trailer, il film si
presenta come un racconto di musica, amore e riscatto personale:
una promessa che punta a coinvolgere chi ama le storie vere, il
biopic musicale e la passione per Neil Diamond.
Anche se la seconda stagione di
Gen
V (qui
la recensione) ha finalmente chiarito la situazione sui
superpoteri di Cipher e ha accennato a ciò che è
in grado di fare, molte cose su di lui rimangono ancora confuse e
sconosciute. Poiché Homelander non era
direttamente coinvolto nella trama della prima stagione di
Gen
V, la prima puntata della serie ha dovuto introdurre
una propria schiera di cattivi. Per questo motivo, il roster degli
antagonisti della prima stagione era guidato da supereroi come
Tek Knight e umani come Dean
Shetty.
Tuttavia, dopo la morte di entrambi
i personaggi, la seconda stagione di Gen V ha
alzato la posta in gioco introducendo un supereroe ancora più
forte, Cipher, come cattivo. Sebbene gli episodi
1, 2 e 3 della seconda stagione abbiano mantenuto un’aria di
ambiguità sui suoi poteri soprannaturali, la calma intensità e la
sicurezza con cui Hamish Linklater ha interpretato
il personaggio hanno fatto credere agli spettatori che fosse super
forte. L’episodio 4 della seconda stagione svela finalmente la
verità sui suoi poteri soprannaturali, ma senza dubbio c’è molto di
più di quanto sembri.
La seconda stagione di Gen V ha
finalmente rivelato l’abilità di Cipher di controllare le altre
persone
Nella prima stagione di Gen
V, Victoria Neuman ha mostrato a Marie
come vedere il Compound V che scorre nel flusso sanguigno di una
persona. L’episodio 4 della seconda stagione presenta una scena in
cui Marie usa la stessa abilità per vedere il sangue che scorre nel
corpo di Cipher e nota che in lui non c’è traccia di Compound V.
Questo la convince che lui non è un supereroe, e lei,
Emma, Jordan e
Cate escogitano un piano elaborato per
smascherarlo e ricattarlo.
Dopo che Emma ha installato una mini
telecamera nella stanza di Cipher nell’arena dove combattono Jordan
e Marie, Cate interroga dunque Cipher sulle sue abilità da
supereroe, o sulla loro presunta mancanza. Cipher, tuttavia, sembra
indifferente e ben presto capisce cosa sta succedendo. Dopo aver
dedotto come Marie possa aver concluso che lui non è un supereroe,
chiede a Cate di guardarlo e apparentemente usa il controllo
mentale per possedere il corpo di Jordan.
Quindi la controlla fisicamente e la
costringe a combattere contro Marie, ponendo le due ragazze in
serio pericolo. Marie, infatti, teme che usando i suoi poteri possa
fare del male a Jordan o addirittura perdere il controllo e
ucciderla. In ogni caso, questo rivela che, similmente a Cate,
Cipher sembra avere poteri telepatici che gli permettono di
controllare a distanza le persone senza nemmeno toccarle. Dato che
prende il pieno controllo del corpo di Jordan, è però molto, molto
più forte di Cate.
Marie e Cipher in Gen V – Stagione 2. Cortesia Prime Video
Il potere di Cipher potrebbe essere
maggiore di quanto ci mostra l’episodio 4
La seconda stagione di Gen
V inizia però con una scena brutale in cui un gruppo di
scienziati si inietta una versione del Composto V. Nel frattempo,
un altro scienziato, Thomas Godolkin, si precipita
a fermarli perché il composto non è pronto per essere utilizzato.
Quello che segue è l’esplosione dei corpi degli scienziati con
strane mutazioni, mentre Thomas Godolkin li osserva con orrore.
L’intero laboratorio prende poi fuoco e Godolkin non riesce a
uscire prima che sia troppo tardi.
Nell’episodio 4 della seconda
stagione di Gen V, Cate scopre un uomo gravemente ustionato nella
casa di Cipher. Sebbene l’uomo giaccia apparentemente senza vita
all’interno di una camera di isolamento sterile, un monitor dei
segni vitali mostra che è ancora vivo e ha attività cerebrale.
Quando poi apre gli occhi, conferma di essere ancora vivo.
Considerando che Thomas Goldolkin era crollato nel laboratorio in
fiamme nella scena iniziale della seconda stagione di Gen V, è
difficile non credere che sia lui l’uomo ustionato nella casa di
Cipher.
Cipher si riferisce poi all’uomo
come “Padre” quando affronta Cate per aver fatto irruzione nella
sua casa, ma la cronologia degli eventi della serie rende
impossibile che Cipher sia il figlio di Thomas. Ciò solleva la
possibilità che Thomas Godolkin sia quello con i poteri
soprannaturali e che abbia preso il controllo del corpo del dottor
Gold attraverso i suoi poteri di controllo mentale. I suoi poteri
soprannaturali sono così forti e avanzati che può persino
controllare mentalmente/possedere un secondo soprannaturale, come
Jordan, attraverso il corpo che ospita.
Questo spiegherebbe come mai finisce
per controllare Jordan durante il combattimento. L’intera teoria
secondo cui Godolkin è l’“ospite” di Cipher spiega anche perché
dice a Jordan che le persone non sono altro che “sacchi di sangue”.
Tuttavia, il dottor Gold era esattamente lo stesso nella foto in
cui teneva Marie subito dopo la sua nascita. Ciò suggerisce che non
invecchia o invecchia molto più lentamente rispetto alla maggior
parte delle altre persone nel suo mondo. Questo rende ancora più
strano il suo potenziale legame con Godolkin perché, se egli
controlla la sua mente, come fa a impedirgli di invecchiare?
Thomas Godolkin in Gen V – Stagione 2. Cortesia di Prime
Video
Cipher potrebbe essere uno dei
soprannaturali più forti dell’universo di The Boys
Cate si è affermata come una delle
superpotenti più forti nella stagione 1 di Gen V,
quando ha manipolato da sola tutti i suoi amici. Il fatto che
Cipher sembri avere le stesse abilità di lei, ma sia di gran lunga
superiore in termini di abilità, dimostra quanto sia
incredibilmente potente. La rivelazione del suo potere rende
difficile non chiedersi se sarebbe in grado di controllare
mentalmente alcuni dei superpotenti più forti come
Homelander. Il trailer della seconda stagione di
Gen V mostra anche una scena in cui Polarity cerca di pugnalare
Cipher al collo.
Cipher non solo prevede facilmente
l’attacco, ma si pugnala anche la mano senza battere ciglio. Questo
dimostra che, oltre ad avere la capacità di controllare la mente,
potrebbe anche avere altre abilità. Tuttavia, dato che è
determinato a insegnare a Marie come controllare i suoi poteri, è
ovvio che i suoi poteri hanno alcune limitazioni. C’è la
possibilità che Thomas Godolkin, che apparentemente controlla il
corpo di Cipher, speri di usare il potere di Marie per un trapianto
di corpo completo di qualche tipo che lo aiuterebbe a “incarnare”
completamente qualcuno invece di limitarsi a controllarne la
mente.
La seconda stagione di Gen
V deve ancora rispondere a un’altra grande domanda su
Cipher
La teoria sopra menzionata ha molto
senso e collega molti punti sul personaggio. Tuttavia, molti
aspetti del motivo generale di Cipher rimangono sconosciuti. Anche
se Godolkin lo sta controllando, è difficile non chiedersi cosa
spera di ottenere e perché non è invecchiato. La sua visione sembra
avere qualcosa a che fare con la creazione di un mondo dominato da
supereroi onnipotenti e divini.
Allo stesso tempo, però, sembra
avere qualcosa contro l’attuale gerarchia di potere in
The
Boys. Il fatto che continui ad assicurare a Marie che
può essere più forte di Homelander suggerisce che spera di porre
fine al suo regno. Anche il suo legame con il misterioso
Progetto Odessa in Gen V deve
ancora essere esplorato. In ogni caso, c’è da aspettarsi che le
rivelazioni che verranno fatte al termine di questa seconda
stagione si riveleranno fondamentali per ciò che accadrà poi nella
quinta e ultima stagione di The Boys.
Il finale della prima stagione di
Operazione Speciale: Lioness e la prima
missione di Cruz (Zoe
Saldana) non sono stati perfetti. Prima dell’episodio
8, Cruz si era lasciata coinvolgere sentimentalmente dalla sua
“target”, Aaliyah, arrivando a confessarle di essere innamorata
dopo che avevano dormito insieme. Questo legame personale con la
figlia di un pericoloso terrorista ha messo a rischio la sua
lucidità nell’eseguire il piano per uccidere Asmar Ali Amrohi.
Nonostante ciò, Joe ha deciso di proseguire la missione.
Il dilemma di Cruz
La domanda centrale era se Cruz
sarebbe riuscita a mettere da parte i sentimenti per Aaliyah e
portare a termine l’obiettivo. Dopo che Ehsan, promesso sposo di
Aaliyah, scoprì la vera identità di Cruz e la affrontò, lei lo
uccise insieme ad Asmar, riuscendo poi a fuggire con l’aiuto del
team QRF delle Lioness.
Cosa accade a Joe e alla sua
famiglia in Operazione Speciale:
Lioness
Joe crolla e vuole
ricominciare
Mentre Cruz combatteva con i suoi
dilemmi morali, Joe viveva la distanza dalla famiglia. Il suo
matrimonio con Neil era già in crisi e il lavoro la teneva lontana
dalle figlie. L’incidente stradale della figlia Kate fu un
campanello d’allarme, spingendo Joe a promettere al marito di
accettare un incarico da scrivania dopo la missione.
Al rientro, Joe crollò emotivamente
davanti a Neil, confessando la durezza dell’ultima operazione.
Tuttavia, nonostante le promesse, nella seconda stagione Joe rimane
ancora parte del programma Lioness, mettendo ulteriormente a
rischio il suo matrimonio.
Come Cruz ha completato la
missione
Cruz ha ucciso i bersagli, ma a
caro prezzo
La notte prima delle nozze, Aaliyah
cercò Cruz per vivere un ultimo momento d’amore. Poco dopo, Cruz
incontrò Asmar e fu smascherata da Ehsan: li uccise entrambi e
chiese l’estrazione. Nonostante la sparatoria, riuscì a salire
sullo yacht con il resto della squadra.
Una volta a bordo, sfogò la sua
rabbia contro Joe: era sconvolta per aver ucciso due persone vicine
alla donna che amava. Non rivide mai più Aaliyah.
Cruz dichiarò che l’esperienza
l’aveva trasformata in un “mostro” e accusò Joe di essere la
responsabile. Pur riconoscendo che l’eliminazione di Asmar aveva
salvato molte vite, ribadì di non voler più far parte delle Lioness
né lavorare con Joe. Inoltre, avvertì che la morte di Asmar avrebbe
generato nuove minacce, alimentate dalla vendetta dei suoi
discendenti.
Nonostante il rifiuto, nella
seconda stagione Cruz viene nuovamente coinvolta, stavolta come
istruttrice della nuova recluta, il Capitano Josephina “Josie”
Carrillo.
Perché il governo USA non voleva
la morte di Asmar
Il Segretario di Stato Edwin
Mullins (interpretato da Morgan Freeman) si oppose all’eliminazione di
Asmar: pur essendo un terrorista, aveva grande influenza nel
settore petrolifero e la sua morte poteva compromettere i rapporti
con il Medio Oriente. Tuttavia, essendo nella lista dei bersagli
della CIA, la missione fu comunque portata a termine.
Come è stato accolto il finale di
stagione
Le reazioni furono contrastanti. La
critica lo valutò in modo misto (56% su Rotten Tomatoes), mentre il
pubblico fu molto più positivo (80%). Molti spettatori lamentarono
un finale affrettato, con sviluppi di Cruz percepiti come poco
preparati. Altri invece apprezzarono la sottigliezza con cui furono
mostrati i dubbi della protagonista.
Il vero significato del finale di
Lioness
Il finale sottolinea le zone grigie
dello spionaggio moderno. Le missioni raramente si risolvono in un
semplice “giusto” o “sbagliato”: fare la cosa “corretta” comporta
spesso azioni moralmente devastanti.
Cruz ne esce disillusa, convinta di
non aver davvero cambiato nulla. Allo stesso tempo, Joe e gli altri
agenti affrontano il peso emotivo di sacrifici invisibili al mondo
esterno, mentre i politici trattano la guerra come un gioco di
potere. Nonostante la missione completata, il finale non lascia la
sensazione di una vittoria.
Scappa – Get
Out (qui la recensione) è il film
d’esordio alla regia di Jordan Peele, un horror
psicologico che affronta anche temi seri e molto importanti. Dopo
essersi fatto conoscere per le sue opere comiche come metà del
rivoluzionario duo comico Key & Peele, Peele si è ora guadagnato un
posto tra i migliori sceneggiatori e registi del genere horror, e
tutto è iniziato con proprio con questo film. Uscito nel 2017, ha
presentato al pubblico Chris (Daniel
Kaluuya), un giovane fotografo di colore che frequenta
Rose Armitage (Allison
Williams), una giovane donna bianca.
Rose e Chris si recano nello Stato
di New York per trascorrere il fine settimana con i genitori di
Rose, che Chris incontra per la prima volta. Una volta lì, però,
Chris inizia lentamente a notare cose strane che accadono intorno a
lui e finisce per scoprire alcuni segreti scioccanti su Rose, la
sua famiglia e i loro amici più cari. Scappa – Get
Out è stato un successo di critica e di pubblico e ha
suscitato molte discussioni per i suoi colpi di scena, il finale e
i temi trattati. Ecco cosa succede alla fine e il vero significato
del film.
La spiegazione del piano degli
Armitage in Scappa – Get Out
Chris era inizialmente nervoso
all’idea di incontrare i genitori di Rose, poiché non sapeva se
fossero a conoscenza del fatto che la figlia frequentasse un uomo
di colore. Rose lo rassicurò dicendogli che non sarebbe stato un
problema, e non mentiva, dato che Dean (Bradley
Whitford) e Missy (Catherine Keener)
accolsero Chris con grande cordialità, forse anche troppo. Dean era
un neurochirurgo e Missy una psichiatra che, non appena ha saputo
che Chris stava cercando di smettere di fumare, si è dimostrata
troppo desiderosa di aiutarlo a liberarsi da questa abitudine
attraverso una procedura inquietante che prevedeva di mandare la
sua coscienza in uno stato di fuori dal corpo che lei chiama “il
luogo sommerso”.
Il giorno seguente, gli Armitage
hanno organizzato una festa alla quale hanno partecipato tutti i
loro ricchi amici (bianchi) e, sebbene fossero gentili con Chris,
si sono comportati in modo piuttosto inappropriato,
complimentandosi eccessivamente per il fisico di Chris, chiedendo
informazioni sui “vantaggi genetici” delle persone di colore e
esprimendo la loro ammirazione per celebrità di colore come Tiger
Woods. Scappa – Get Out ha preso una piega
sinistra mentre Chris e Rose uscivano per una passeggiata, quando i
partecipanti alla festa sono stati mostrati mentre giocavano a una
sorta di “bingo” che lentamente si è rivelato essere un’asta in cui
facevano offerte su Chris.
La famiglia Armitage e i loro ricchi
amici facevano parte di una setta segreta chiamata Ordine della
Coagula, formata solo da bianchi. L’Ordine della Coagula era stato
fondato dal nonno di Rose, Roman Armitage, e con l’aiuto e le
conoscenze di Dean, avevano sviluppato un modo per prolungare la
loro vita e quella dei loro amici. Per questo, rapivano persone di
colore per ipnotizzarle e sottoporle a un intervento chirurgico in
cui metà del loro cervello veniva lasciato intatto, ma il resto
veniva sostituito dal cervello di uno dei membri dell’Ordine.
Mantenendo parte del cervello delle
loro vittime, queste conservavano la loro coscienza, ma a causa
dell’ipnosi a cui erano state sottoposte grazie a Missy, erano
intrappolate nel “luogo sommerso”, mentre i membri dell’Ordine
avevano il pieno controllo di tutto il resto. Ogni membro della
famiglia Armitage ha avuto un ruolo in questa orribile pratica:
Rose e suo fratello Jeremy (Caleb Landry Jones)
erano incaricati di trovare soggetti adatti (Rose li seduceva e
Jeremy li rapiva), Missy li preparava attraverso l’ipnosi e Dean
era responsabile del trapianto di cervello. Come se ciò non fosse
già abbastanza inquietante, i genitori di Dean si erano sottoposti
a questa procedura ed erano ancora vivi nei corpi di Walter, il
giardiniere, e Georgina, la domestica.
Anche se Chris era stato avvertito
dal suo migliore amico Rod (Lil Rel Howery), per
metà scherzando e per metà sul serio, di non andare a casa della
famiglia di Rose e incontrare i suoi genitori, Chris ha accettato
il piano, ma presto ha notato che intorno a lui stavano accadendo
molte cose strane. Dopo aver accidentalmente fatto scattare “Logan”
(LaKeith Stanfield), Chris ha iniziato a
sospettare che ci fosse qualcosa di strano nei neri legati agli
Armitage e ai loro amici.
Mentre si preparava ad andarsene,
Chris ha trovato una scatola nella stanza di Rose contenente varie
foto di Rose e dei suoi precedenti partner, tutti neri, anche se
lei sosteneva che Chris fosse il primo uomo di colore con cui fosse
uscita. Ancora peggio, tra quei partner c’erano Walter e Georgina,
che erano stati usati per mantenere in vita i nonni di Rose. Rose
alla fine ha mostrato il suo vero volto e Chris, grazie all’ipnosi
di Missy, è stato messo fuori combattimento e portato nel
seminterrato, dove sarebbe stato preparato per l’intervento
chirurgico.
Chris graffiò la sedia a cui era
legato e usò l’imbottitura di cotone per tapparsi le orecchie,
bloccando così il trigger dell’ipnosi che veniva mostrato su una TV
davanti a lui, e quando Jeremy arrivò per portarlo in sala
operatoria, Chris reagì e lo colpì fino a farlo svenire. Chris poi
trapassò Dean con le corna di un cervo imbalsamato, rovesciando una
candela e dando fuoco alla sala operatoria. Chris incontrò Missy
nel soggiorno e la pugnalò, ma Jeremy apparve all’improvviso e lo
attaccò di nuovo. Chris alla fine ebbe la meglio su Jeremy e lo
picchiò a morte.
Chris prese le chiavi dell’auto di
Jeremy e iniziò ad allontanarsi, ma dopo aver investito Georgina,
lei lo attaccò e lo fece schiantare. In seguito all’attacco di
Walter, che sparò a Rose, Chris fu finalmente salvato da Rod, che
dopo non aver ricevuto aiuto dalla polizia, decise di aiutare il
suo amico da solo. Chris e Rod se ne andarono in auto lasciando
Rose a morire dissanguata sulla strada, e Chris divenne l’unico
vero sopravvissuto agli orrori dell’Ordine della Coagula. Tuttavia,
non è chiaro cosa sia successo dopo a Chris.
Chris cerca di salvare Georgina a
causa di sua madre
Mentre si allontanava dalla casa
degli Armitage, Chris ha investito Georgina con l’auto e l’ha fatta
svenire, ma è sceso dall’auto per aiutarla e l’ha portata in
macchina. Chris non sapeva che Georgina era posseduta dalla nonna
di Rose, ma questo è diventato chiaro quando lei si è svegliata e
lo ha attaccato, causando un incidente, con Georgina che è morta
dopo l’urto. Chris ha cercato di salvare Georgina a causa del senso
di colpa per la morte di sua madre, uccisa in un’incidente stradale
quando lui aveva 11 anni. Un’esperienza traumatica di cui si
ritiene responsabile e che Rose e Missy hanno usato per controllare
meglio Chris attraverso l’ipnosi.
Perché Walter si toglie la vita
dopo aver sparato a Rose
Dopo l’incidente d’auto e la morte
di Georgina, Rose è apparsa armata per uccidere Chris e ha chiesto
a suo nonno, che viveva nel corpo di Walter, di uccidere Chris.
Chris ha usato il flash della fotocamera del suo telefono per far
uscire Walter dalla sua trance, riprendendo il controllo del suo
corpo. Walter ha preso il fucile di Rose, presumibilmente per
sparare a Chris, ma invece ha sparato a Rose. Tuttavia, Walter si è
poi sparato davanti a Chris. Poiché non era più Roman nel corpo di
Walter, e dopo aver trascorso chissà quanti anni nel luogo
sommerso, Walter ha colto questo momento di coscienza e ha deciso
di porre fine definitivamente alle sue sofferenze.
Perché Rose sorride quando Chris la
sta strangolando
Dopo che Walter ha sparato a Rose,
Chris le si avvicina e lei gli chiede “scusa” e gli dice che lo
ama, ma Chris sa che non è sincera. Chris inizia a strangolare Rose
e, sebbene all’inizio lei sia scioccata, lentamente inizia a
sorridere. Rose sapeva che Chris non sarebbe stato in grado di
ucciderla, ma ancora più inquietante è il fatto che, strangolandola
a morte, Rose sentiva di dimostrare la convinzione sua e della sua
famiglia che gli uomini di colore fossero animali, quindi in
entrambi i casi avrebbe vinto lei, se non fosse che era stata
colpita e lasciata morire sulla strada quando Chris era stato
salvato da Rod.
Il vero significato del finale di
Scappa – Get Out
Sebbene Scappa – Get
Out affronti il tema del razzismo, non lo fa nel modo
“tradizionale” di Hollywood, poiché questi cattivi sono liberali la
cui ossessione per i neri e l’insistenza sul loro “non razzismo”
dovuto alla loro ammirazione per i neri sono proprio ciò che
dimostra il loro razzismo. Gli Armitage e il resto dell’Ordine
ammirano la cultura nera, le celebrità e altro ancora. Non hanno
nulla in contrario se i loro figli frequentano persone di colore,
ma sono ossessionati dall’idea di controllarli nel modo più
profondo, letterale e inquietante possibile attraverso i
trapianti.
Quello che fa l’Ordine è una nuova
forma di schiavitù e, cosa interessante, Chris è riuscito a
liberarsi raccogliendo cotone, un riferimento agli schiavi neri
negli Stati Uniti. Jordan Peele ha detto che anche il personaggio
di Jim Hudson (Stephen Root), un cieco che avrebbe
dovuto prendere il controllo del corpo di Chris, ha comunque avuto
un ruolo nel sistema razzista nonostante non vedesse il colore
della pelle di Chris. Hudson voleva Chris per i suoi occhi, poiché
credeva che l’occhio di un artista nero gli avrebbe dato un
vantaggio, essendo lui un mercante d’arte. In questo modo, Hudson
ha ridotto Chris a un elemento estetico, il che lo rende non
diverso dal resto dell’Ordine e dalla loro mentalità condivisa.
Parlando di Scappa – Get
Out e dei suoi temi, Jordan Peele ha detto a ScreenJunkies
che il punto è mostrare che “ogni volta che vediamo prima il
colore” o “classifichiamo gli altri in base alla razza”, perdiamo
una parte importante di ciò che dovrebbe essere l’essere umano.
Peele ha aggiunto che i mostri peggiori nei film horror sono “gli
esseri umani stessi” e che, anche se quando le persone si uniscono
possono creare cose belle, sono “anche capaci delle cose più
oscure”. Scappa – Get Out ha sapientemente
mescolato il commento sociale con l’horror psicologico e continua a
stimolare conversazioni sui temi affrontati, nonché diverse
interpretazioni della storia e dei suoi personaggi.
Sopravvissuto – The Martian (qui la recensione) è uno di quei
film di fantascienza che sembrano altamente tecnici e realistici a
una persona comune, ma le imprecisioni scientifiche contenute nel
film farebbero alzare gli occhi al cielo a un vero ingegnere della
NASA. Il numero di
film di fantascienza e sui viaggi spaziali prodotti ogni anno
suggerisce che il pubblico abbia una naturale curiosità per
l’argomento; detto questo, i film di Hollywood non sono sempre
scientificamente accurati. Piuttosto che assicurarsi che tutti i
calcoli siano corretti, registi e produttori tendono a privilegiare
la creazione di un film d’azione coinvolgente. Ciò solleva la
domanda: gli eventi di Sopravvissuto –The
Martian sono scientificamente accurati?
Il film – diretto da Ridley Scott – segue un gruppo di scienziati
della NASA che studiano Marte quando vengono colpiti da una
violenta tempesta, costringendo l’equipaggio ad evacuare il
pianeta. Nel corso dell’operazione, Mark Watney
(Matt
Damon) viene scaraventato via, la sua tuta spaziale si
strappa e l’equipaggio lo dà per morto. Watney è però vivo e deve
trovare un modo per contattare il controllo missione e sopravvivere
con le scarse provviste a disposizione fino alla prossima missione
su Marte prevista quattro anni dopo. Nel proporre questa vicenda il
film, che è un adattamento dell’omonimo romanzo di Andy
Weir, si basa su una tecnologia reale, ma ci sono anche
diversi elementi di pura fantascienza. Vediamo quali.
Gli astronauti in
Sopravvissuto –The Martian, e in
particolare Mark Wattney, vivono in un modulo abitativo noto come
“Hab”. Si tratta di una struttura gonfiabile in grado di ospitare
un piccolo gruppo di persone sul terreno marziano. L’Hab dispone
anche di aria respirabile, un sistema di filtraggio dell’acqua
riciclata e una pressione atmosferica simile a quella terrestre.
Nel film, l’Hab diventa rapidamente la casa lontano da casa di
Wattney ed è l’unica cosa che lo protegge dalle condizioni
atmosferiche avverse.
Oggi la NASA sta utilizzando e
testando diversi tipi di moduli, molto simili a quello raffigurato
in The Martian. Attualmente, gli ingegneri della NASA stanno
testando un modulo noto come HERA, che simula come sarebbe per gli
esseri umani vivere nello spazio profondo (tramite la NASA). Gli
astronauti sono in grado di vivere in questo ambiente artificiale
per 14 giorni, vivendo e lavorando come farebbero in una missione
reale. Presto, la NASA spera di estendere la simulazione a 60
giorni per comprendere meglio come le persone reagiscono a un
ambiente così ristretto. Quindi l’Hab nel film non è poi così
lontano dalla realtà.
I viaggi spaziali
Quando fugge da Marte in
Sopravvissuto –The Martian,
l’equipaggio utilizza un Mars Ascent Vehicle per raggiungere la
navicella spaziale Hermes, in orbita attorno al pianeta. Il MAV
preleva metano dall’atmosfera marziana e lo converte in carburante,
spingendo il veicolo alla velocità terminale. Quindi si aggancia
all’Hermes, che riporta gli astronauti sulla Terra. L’Hermes ruota
su se stesso per creare gravità artificiale e può ospitare un
piccolo gruppo di persone.
In realtà, veicoli spaziali come
questo non esistono e ci vorrà ancora del tempo prima che vengano
realizzati. La logistica di una missione su Marte è estremamente
complicata e la NASA ammette di non essere del tutto sicura di come
affrontare tutti i problemi al momento. Sebbene la NASA abbia
inviato rover su Marte, inviare persone e sostenerne la vita per un
periodo di tempo prolungato è intrinsecamente difficile. Questo,
insieme al fatto che Marte ha solo il 30% della gravità terrestre,
significa che il viaggio spaziale in Sopravvissuto
–The Martian è ancora solo
fantascienza.
Questo film è l’esempio perfetto
della legge di Murphy: tutto ciò che può andare storto, andrà
storto. Watney rischia di morire a causa di uno strappo nella sua
tuta, l’equipaggio lo lascia bloccato su Marte, lui lotta per
mettersi in contatto con la Terra, l’Hab non funziona correttamente
e lui esaurisce le sue razioni, quindi non riesce ad assumere
abbastanza nutrienti. È un vero e proprio turbinio di eventi, ma in
qualche modo Watney ce la fa e sopravvive fino alla fine del
film.
Sebbene il pubblico ami pensare che
un esito del genere sia del tutto possibile, è altamente
improbabile che Watney, o qualsiasi astronauta addestrato, possa
sopravvivere a una situazione del genere. Basterebbe anche solo una
di queste situazioni per uccidere anche l’astronauta più esperto,
specialmente uno che deve risolvere i problemi da solo. Nel caso di
Sopravvissuto –The Martian,
Hollywood ha però preferito regalare agli spettatori un lieto fine
classico ma irrealistico.
La coltivazione di cibo
Dopo che il resto dell’equipaggio ha
evacuato il pianeta lasciando Watney alle spalle, questi è
costretto a cavarsela da solo e a prepararsi a sopravvivere per
altri quattro anni. Il film Sopravvissuto –The Martian mostra Watney costretto a razionare le
sue scorte di cibo, ma ben presto si rende conto di non averne
abbastanza per farcela. Watney escogita un piano, trasformando
l’Hab in un gigantesco terrario ricoprendo il pavimento con terreno
marziano e piantando patate.
Sorprendentemente, qualcosa del
genere potrebbe davvero funzionare. Oggi, sulla Stazione Spaziale
Internazionale, gli scienziati stanno coltivando lattuga in un
sistema di coltivazione vegetale noto come Veggie. Stanno anche
conducendo continuamente test ed esperimenti per scoprire quali
altre piante nutrienti gli astronauti potrebbero coltivare per i
viaggi spaziali di lunga durata. Uno di questi esperimenti,
condotto nel 2017, ha dimostrato che le patate possono davvero
crescere in un ambiente estremo come Marte.
L’impatto psicologico
In Sopravvissuto –The Martian, una delle sfide più grandi che Watney
deve affrontare è il grave isolamento. Durante tutto il film, è
costretto a vivere in una situazione di comunicazione minima o
nulla con la Terra. Trascorre quattro interi anni in solitudine e
questo ha un impatto negativo sul suo benessere mentale ed emotivo.
L’isolamento di Watney, unito allo stress aggiuntivo di poter
morire da un momento all’altro, lo spinge al limite.
Mentre la NASA studia l’integrità
strutturale dei diversi moduli abitativi, studia anche il
comportamento degli astronauti. Proprio come l’equipaggio di un
sottomarino, gli astronauti devono vivere in isolamento e in spazi
estremamente ristretti, il che non è sempre facile da gestire.
Prima di inviare qualcuno nello spazio per missioni di lunga
durata, la NASA testa rigorosamente la capacità dei partecipanti di
gestire questi scenari in simulazioni, selezionando solo i
candidati migliori. Watney avrà anche superato i test, ma il modo
in cui reagisce a un isolamento di tale portata è ancora a
discrezione del regista.
Sopravvissuto –The Martian fa dunque del suo meglio per rimanere
fedele alla realtà, il che conferisce al film un tono autorevole.
Il pubblico ha ritenuto che ciò che stava guardando fosse
plausibile e potesse realmente accadere. Purtroppo, la realtà non è
ancora arrivata a questo punto e non lo sarà per molti anni a
venire. Ma la fantascienza degli anni ’30 è diventata più o meno
realtà scientifica nel mondo di oggi, quindi chi può davvero sapere
cosa ci riserva il futuro.
Codice Mercury, diretto da Harold Becker, si
inserisce in un momento particolare della carriera di Bruce Willis. Reduce dal successo di pellicole
d’azione come Trappola di cristallo – Die Hard e i suoi
seguiti, ma anche da prove più sfumate in film come L’esercito delle 12
scimmie e Il quinto elemento,
Willis in questo caso veste i panni di un agente dell’FBI
disilluso, offrendo una performance che mescola la sua consueta
fisicità a un lato più introspettivo e vulnerabile. Rispetto agli
altri ruoli dello stesso periodo, il personaggio di Art Jeffries in
Codice Mercury segna un tentativo di spostare il
suo archetipo da eroe d’azione puro a figura più complessa e
tormentata.
Il
film appartiene al genere
thriller con elementi di
azione e cospirazione, incentrato su un intricato complotto
governativo. La trama ruota attorno a un bambino autistico capace
di decifrare un codice segreto, divenendo così bersaglio di una
spietata agenzia pronta a tutto pur di proteggere i propri segreti.
Questo incrocio tra spy story e action movie permette di alternare
momenti ad alta tensione a passaggi più intimi, in cui emerge il
rapporto tra il protagonista e il bambino, destinato a diventare il
fulcro emotivo della narrazione.
Dal punto di vista
tematico, Codice Mercury affronta questioni etiche
legate al potere, al controllo e alla responsabilità delle
istituzioni, ma anche alla diversità e al valore della vita umana,
indipendentemente dalle convenzioni sociali. L’elemento del bambino
autistico non è solo funzionale alla trama, ma introduce una
riflessione sul modo in cui la società percepisce e tratta la
fragilità. La pellicola, pur restando all’interno dei codici
classici del cinema di genere, trova così uno spazio per un
discorso più ampio e umano. Nel resto dell’articolo ci soffermeremo
sul finale, offrendo una spiegazione di come la conclusione chiuda
le tensioni narrative e tematiche del film.
L’agente FBI Art
Jeffries (Bruce
Willis), sotto copertura durante una rapina in banca
finita male, viene usato come capro espiatorio e retrocesso a un
noioso lavoro da scrivania. Tempo dopo, un bambino autistico di
nove anni di nome Simon Lynch (Miko
Hughes), dotato di grandi abilità per i numeri e lettere,
risolve un puzzle numerico, che era stato pubblicato su una
rivista: lo scopo era vedere se qualcuno fosse in grado di
decifrarlo, ritenendo che il codice, chiamato “Mercury”, utilizzato
per missioni spionistiche americane, fosse inviolabile.
Dopo aver ricevuto la telefonata di
Simon, il capo della divisione NSA, il tenente colonnello
Nicholas Kudrow (Alec
Baldwin), comprende che le capacità del ragazzino di
decifrare il codice sono un pericolo per la sicurezza nazionale:
decide così di mandare due assassini per uccidere lui e la sua
famiglia. Il bambino riesce però a sfuggire al massacro e viene poi
ritrovato proprio da Art, che decide di portarlo via con sé e
scoprire perché qualcuno possa volere un bambino autistico di nove
anni morto. Con l’NSA che gli dà la caccia e i problemi del
bambino, proteggerlo risulterà il compito più difficile mai
affrontato dall’agente.
La spiegazione del finale di Codice
Mercury
Nel
terzo atto di Codice
Mercury Art Jeffries riesce finalmente a risalire al
cuore della cospirazione governativa, individuando nel colonnello
Nick Kudrow il mandante degli omicidi e dei tentativi di eliminare
Simon. Nonostante le sue minacce e i suoi tentativi di insabbiare
tutto, Kudrow continua a considerare il bambino un pericolo per la
sicurezza nazionale e manipola persino il programma di protezione
testimoni per riprendere il controllo della situazione. A questo
punto, Jeffries è costretto ad agire fuori dagli schemi e decide di
affrontarlo direttamente. Il confronto culmina in una drammatica
resa dei conti sul tetto di un edificio, dove Kudrow tenta di
prelevare Simon con un elicottero e di eliminarlo definitivamente,
ma l’intervento tempestivo dell’FBI e di Jeffries ribalta le sorti
dello scontro.
La
sequenza finale è carica di tensione emotiva e rappresenta il punto
di svolta definitivo del film. Kudrow, ormai smascherato grazie
alle prove raccolte da Emily Lang e consegnate all’FBI, non ha più
scappatoie. In un ultimo gesto disperato cerca di colpire Simon, ma
Jeffries interviene e lo uccide, ponendo fine alla minaccia. Con la
morte del colonnello e lo smantellamento dell’operazione Mercury,
l’intera verità viene finalmente alla luce e Simon può essere
affidato a una nuova famiglia in un contesto sicuro. L’ultima
sequenza mostra Jeffries e Stacey Siebring che vanno a trovarlo
nella sua nuova scuola: Simon, ormai capace di riconoscere chi si è
davvero preso cura di lui, manifesta affetto e fiducia verso
Jeffries, suggellando così il legame profondo costruito nel corso
della vicenda.
La
conclusione del film non è solo il trionfo della giustizia su una
cospirazione governativa, ma anche la risoluzione del conflitto
interiore del protagonista. Jeffries, introdotto come un agente
disilluso e amareggiato dal sistema, trova attraverso Simon una
nuova missione e una rinnovata fiducia nei valori che aveva perso.
Il finale sottolinea come la sua trasformazione non sia soltanto
professionale ma soprattutto umana: l’uomo che all’inizio agiva con
rabbia e frustrazione diventa il punto di riferimento affettivo e
protettivo per un bambino vulnerabile, incarnando così la figura
paterna che Simon non aveva mai avuto.
Inoltre, la conclusione del racconto porta a compimento i
principali temi del film: la critica alla corruzione del potere, il
valore dell’empatia e la centralità della responsabilità
individuale. La morte di Kudrow non è solo la punizione di un
antagonista, ma il simbolo della caduta di un sistema che sacrifica
l’innocenza in nome della sicurezza. Simon, invece, rappresenta
l’innocenza e la diversità che sopravvivono nonostante tutto, e il
fatto che riesca a fidarsi di Jeffries suggerisce che anche chi è
stato tradito o perseguitato può ritrovare un senso di sicurezza e
appartenenza.
In definitiva,
Codice Mercury ci lascia un messaggio potente
sull’importanza della protezione dei più deboli e sul valore della
verità, anche quando metterla in luce significa opporsi alle
istituzioni stesse. Il film afferma che la giustizia non è solo un
atto legale ma anche morale, e che la forza di un individuo può
fare la differenza di fronte a un sistema corrotto. Al tempo
stesso, mostra come il contatto umano – la fiducia, la cura,
l’empatia – sia l’elemento capace di guarire le ferite più
profonde, trasformando un’operazione di salvataggio in un vero e
proprio legame familiare.
Sebbene Scappa – Get
Out(qui
la recensione) contenga alcuni elementi fantasy, Jordan Peele ha tratto ispirazione
dalla vita reale per raccontare la storia di Chris
Washington (Daniel
Kaluuya) e del peggior weekend della sua vita a casa
degli Armitage. Nel 2017, Peele ha lasciato da parte la commedia
per presentare il suo debutto alla regia con questo film horror
psicologico che ha riscosso un grande successo sia di critica
che di pubblico. In esso si segue Chris, un giovane fotografo di
colore che frequenta Rose Armitage (Allison
Williams), una giovane donna bianca che lo invita a
trascorrere il weekend nella casa dei suoi genitori nello Stato di
New York.
Una volta arrivato a casa degli
Armitage, Chris inizia però a notare cose strane intorno a sé e
finisce per scoprire un oscuro e mortale segreto di famiglia.
Scappa – Get Out è stato elogiato per la
regia, la trama, le interpretazioni del cast principale e il suo
commento sociale, poiché il tema principale è il razzismo, sebbene
rappresentato in modi diversi. Come molti film horror, ha sollevato
interrogativi sull’ispirazione alla base della sua trama e sul
fatto che sia basato su una storia vera (anche se solo in parte) o
meno, e la risposta è un po’ complessa.
Scappa – Get Out
non è tecnicamente basato su una storia vera
La trama di Scappa – Get
Out è un mix di orrori della vita reale e un tocco di
fantasia, quest’ultima evidente nel trapianto di cervello a cui
l’Ordine della Coagula sottoponeva le proprie vittime per
prolungare la propria vita. Tuttavia, non c’è un evento specifico
che ha ispirato Peele a scrivere questo film, ma piuttosto si basa
su questioni sociali attuali, principalmente il razzismo e la
discriminazione. Scappa – Get Out critica il
razzismo moderno, poiché gli Armitage e i loro amici insistono nel
non essere razzisti ed esprimono costantemente la loro ammirazione
per la cultura, le celebrità e gli atleti neri, mentre chiedono a
Chris quali siano i “vantaggi” dei geni delle persone di colore: è
attraverso tutto questo e altro ancora che mostrano il loro
razzismo.
I membri dell’Ordine della Coagula
erano ossessionati dalle persone di colore, al punto da voler
essere letteralmente loro. L’Ordine vedeva i neri non come esseri
umani ma come dispositivi, e prendendo il controllo dei loro corpi,
Scappa – Get Out rappresentava la schiavitù in un
modo non convenzionale e completamente inaspettato. Situazioni di
razzismo nella vita reale, come diversi casi di alto profilo di
sparatorie della polizia contro persone di colore, hanno
influenzato e avuto un impatto sul film al punto da cambiare il
finale originale che Jordan Peele aveva previsto per questo
film.
La spiegazione dell’ispirazione di
Jordan Peele per Scappa – Get Out
Jordan Peele, però, non solo ha
tratto ispirazione dagli orrori della vita reale e dal razzismo
quotidiano, ma è stato anche ispirato da una serie di film. Il
regista ha dichiarato alla rivista Far Out Magazine che due delle
sue più grandi fonti di ispirazione per Scappa – Get
Out sono stati i film Rosemary’s Baby e The
Stepford Wives. Non solo il nome di Rose deriva da quello del
personaggio principale del primo di questi film, Rosemary
Underwood, ma anche il nome di suo nonno, Roman, deriva dal
personaggio Roman Castevet. Inoltre, sia Scappa – Get
Out che Rosemary’s Baby trattano di sette, con i
rispettivi protagonisti che vengono utilizzati da esse per
raggiungere i propri obiettivi contorti.
L’influenza di The Stepford
Wives in Scappa – Get Out è invece molto più
evidente, poiché entrambi trattano di un gruppo pericoloso che
prende il controllo della vita e dei corpi degli altri. Nel film di
Peele, si tratta dell’Ordine della Coagula e della loro chirurgia
cerebrale sui neri, mentre in The Stepford Wives è
l’Associazione degli Uomini che uccide le proprie mogli e usa la
loro somiglianza per creare androidi sottomessi. Un altro film che
ha ispirato Scappa – Get Out è poi Il silenzio
degli innocenti, da cui Peele ha tratto ispirazione per le
interazioni tra Chris e Missy (la madre di Rose) durante la
sessione di ipnosi, che ricordano Hannibal Lecter che entra nella
mente di Clarice.
Insomma, come ogni buon horror che
si ripressi, Scappa – Get Out fa sue una
serie di ispirazioni cinematografiche precedenti ma soprattutto di
tematiche particolarmente attuali e urgenti del contesto
contemporaneo. Queste – dal razzismo al controllo di classe –
vengono poi qui riproposte attraverso allegorie e rielaborazioni
fantastiche che mirano a far arrivare i messaggi più profondi
dietro quanto mostrato in superficie in modo ancor più forte. Un
risultato che, a distanza di anni, il film sembra aver ampiamente
ottenuto.
Lionsgate ha rivelato il trailer di
Greenland
2: Migration con Gerard Butler. Sequel di Greenland
del 2020, il film segue nuovamente John Garrity (Butler) e la sua
famiglia mentre sono costretti a lasciare il loro bunker,
precedentemente sicuro, per trovare una nuova casa in una landa
desolata post-apocalittica. Diretto da Ric Roman
Waugh e scritto da Chris Sparling e
Mitchell LaFortune, il film uscirà nelle sale il 9
gennaio 2026 e vedrà anche Morena Baccarin nel ruolo della
moglie di John, Allison, e Roman Griffin Davis nel
ruolo del figlio.
Il nuovo trailer riassume la trama
principale del primo film, in cui una catastrofica pioggia di
meteoriti ha costretto la famiglia protagonista, insieme a molte
altre, a rifugiarsi nei bunker della Groenlandia. Cinque anni dopo,
la maggior parte del resto del mondo è stata distrutta, mentre
questa popolazione vive sottoterra, ma soprattutto per il figlio di
John e Allison questa è una vita soffocante.
Tuttavia, si scopre che potrebbe
esserci una zona abitabile all’aperto dall’altra parte della Terra,
spingendo la famiglia Garrity a intraprendere un nuovo e pericoloso
viaggio e ad affrontare nuovi disastri naturali in una civiltà in
rovina, nella speranza di raggiungere una vita migliore. Greenland
2: Migration vede anche la partecipazione di
Amber Rose Revah, Sophie
Thompson, Trond Fausa Aurvåg e
William Abadie.
Greenland
è stato costretto a debuttare in digitale a causa della pandemia di
COVID-19, ma è diventato un solido successo e mantiene un punteggio
del 77% su Rotten Tomatoes. Non sapremo mai come sarebbe andato
questo film con un’uscita nelle sale, anche se il modello di
debutto in streaming come mezzo per affermare un franchise è almeno
in parte dovuto alla pandemia.
Greenland
2: Migration è l’occasione per la serie di avere una
grande uscita nelle sale, speriamo spinta dall’entusiasmo dei fan.
La data di uscita di Greenland: Migration a gennaio indica una
minore fiducia nella sua capacità di diventare un blockbuster
estivo, ma ci sarà meno concorrenza. Il trailer pubblicizza bene la
posta in gioco e, se proiettato prima dei film giusti nei prossimi
mesi, potrebbe attirare un vasto pubblico.
Balle
Spaziali 2 è entrato ufficialmente in produzione.
Amazon MGM Studios ha ufficializzato il sequel del film, con
Rick Moranis, Bill Pullman e Daphne
Zuniga che riprenderanno i rispettivi ruoli di Casco Nero,
Stella Solitaria e Principessa Vespa. Ci sono anche i nuovi membri
della serie, tra cui Josh Gad, Keke Palmer e
Lewis Pullman.
I nuovi membri del cast, non ancora
annunciati, sono Anthony Carrigan, attore di Barry
e Superman, e George
Wyner di “A Serious Man”, che ha interpretato il
Colonnello Sandurz nel film originale del 1987 che ha incassato
oltre 38 milioni di dollari negli Stati Uniti. E naturalmente,
l’ideatore della commedia fantascientifica, Mel
Brooks, è tornato, nei suoi ruoli di Yogurt, il mago zen
yiddish, e del Presidente Skroob.
La produzione è in corso con la
regia di Josh Greenbaum come mostra la foto del
tavolo di lettura. I più attenti avranno notato la somiglianza con
la foto in bianco e nero proprio del tavolo di lettura con il cast
che annunciava l’inizio della produzione di Star
Wars: Il Risveglio della Forza, più di dieci anni fa. L’uscita
di Balle Spaziali 2 nelle sale è prevista per il
2027.
La sinossi della sceneggiatura,
scritta dal duo Benji Samit e Dan
Hernandez (Lego Star Wars: Rebuild the Galaxy; TMNT:
Mutant Mayhem), e di Gad, è ancora segreta. Amazon MGM Studios non
ha ancora ufficializzato i ruoli di Palmer, Gad e Lewis Pullman.
Brian Grazer, Ron Howard e Jeb
Brody di Imagine Entertainment sono i produttori del film,
insieme a Brooks, Gad, Greenbaum e Kevin Salter. Adam Merims, Samit
e Hernandez saranno i produttori esecutivi.
Liberamente ispirata alla
storia vera della creatrice Erin Foster, la prima stagione ha
seguito l’improbabile accoppiamento tra una podcaster agnostica e
schietta e un rabbino anticonformista dopo un incontro casuale a
cena. Dopo 10 episodi dedicati all’esplorazione della storia
d’amore altalenante della coppia, il finale della prima stagione si
è concluso con un futuro incerto tra i due dopo che Joanne ha
rivelato di non essere pronta a convertirsi all’ebraismo.
Dal suo debutto nel 2024,
Nobody
Wants This è diventata un enorme successo tra il
pubblico affascinato dall’alchimia tra Joanne e Noah.
Foster tornerà come produttrice esecutiva insieme alla sorella Sara
Foster per la seconda stagione. La nuova arrivata Nora Silver si
unirà al cast come produttrice esecutiva, così come Jenni Konner e
Bruce Eric Kaplan, che saranno anche showrunner.
Il nuovo trailer e poster di
Avatar:
Fuoco e Cenere del regista premio Oscar® James Cameron. Il terzo film del franchise di
successo Avatar arriverà nelle sale cinematografiche
italiane il 17 dicembre 2025.
Con Avatar: Fuoco
e Cenere, James Cameron riporta il pubblico a Pandora in
una nuova e coinvolgente avventura con il marine diventato leader
Na’vi Jake Sully
(Sam
Worthington), la guerriera Na’vi Neytiri (Zoe
Saldaña) e la famiglia Sully. Il film, che ha una
sceneggiatura di James Cameron & Rick Jaffa & Amanda Silver e una
storia di James Cameron & Rick Jaffa & Amanda Silver & Josh
Friedman & Shane Salerno, è interpretato anche da Sigourney Weaver, Stephen Lang, Oona
Chaplin, Cliff Curtis, Joel David Moore, CCH Pounder, Edie Falco,
David Thewlis, Jemaine Clement, Giovanni Ribisi, Britain
Dalton, Jamie Flatters, Trinity Jo-Li Bliss, Jack Champion, Brendan
Cowell, Bailey Bass, Filip Geljo, Duane Evans, Jr. e
Kate Winslet.
Inoltre sono aperte le prevendite
per Avatar: La Via dell’Acqua, il fenomeno cinematografico
mondiale vincitore di un Oscar® per i migliori effetti visivi,
uscito nel 2022 e che ha incassato oltre 2,3 miliardi di dollari in
tutto il mondo, che tornerà nelle sale cinematografiche italiane in
3D, dal 2 all’8 ottobre.
Il
mese di ottobre su Paramount+ si annuncia ricchissimo di
debutti e ritorni attesi. La piattaforma porta in streaming nuove
stagioni delle sue serie di punta, docu-film esclusivi e un’offerta
di cinema internazionale che spazia dall’horror al crime drama,
oltre a titoli italiani cult in arrivo nella library. Tra gli
highlight spiccano Mayor of Kingstown S4 con
Jeremy Renner e Edie
Falco, Ozzy: No Escape
From Now, Vicious,
Playing Gracie Darling,
Alma & The Wolf, il finale
di stagione di NCIS: Tony & Ziva e la
nuova stagione di Teen Mom UK
Next Generation.
L’autunno di Paramount+ combina grandi nomi davanti e dietro la
macchina da presa: Taylor Sheridan, Ozzy Osbourne, Dakota Fanning, Morgana O’Reilly e Ethan Embry
sono solo alcuni dei protagonisti dei nuovi contenuti. Accanto alle
novità, il catalogo italiano si arricchisce di classici come
Habemus Papam di Nanni
Moretti, Piove di Paolo
Strippoli, Suspiria di
Dario Argento e Gatta
Cenerentola.
Con protagonista il candidato all’Oscar Jeremy
Renner e l’attrice vincitrice di Emmy e Golden Globe
Edie Falco, la serie co-creata da Taylor
Sheridan e Hugh Dillon racconta Mike, alle prese con nuovi
giocatori che cercano di colmare il vuoto di potere lasciato dai
russi. Guerra tra bande, nuovi direttori di carcere e affetti in
pericolo costringono il protagonista a confrontarsi con i demoni
del passato.
Ozzy: No Escape From Now
(dal 7 ottobre)
Docu-film definitivo sugli ultimi sei anni di vita di Ozzy
Osbourne, diretto dalla regista premio BAFTA Tania Alexander. Tra
interventi chirurgici, Parkinson, rinascita artistica,
collaborazioni con Post Malone e album Ordinary Man e Patient Number 9, il film diventa un tributo alla
determinazione e al talento del rocker dopo la sua scomparsa il 22
luglio 2025.
Vicious (dal 10
ottobre)
Horror con Dakota Fanning. Polly riceve una
misteriosa scatola per un rituale inquietante: inserire qualcosa di
cui ha bisogno, qualcosa che odia e qualcosa che ama. Un gioco che
diventa incubo. Scritto e diretto da Bryan Bertino, prodotto da
Richard Suckle e Bertino con produttori esecutivi Melinda Whitaker
e Shane Boucher.
Playing Gracie Darling
(dal 9 ottobre)
Serie originale mystery soprannaturale in sei episodi prodotta da
Curio Pictures. La scomparsa della quattordicenne Gracie Darling
durante una seduta spiritica e un nuovo caso inquietante 27 anni
dopo costringono Joni a tornare nel passato. Nel cast Morgana
O’Reilly, Dame Harriet Walter e Rudi Dharmalingam.
Alma & The Wolf (dal 21
ottobre)
Film horror diretto da Michael Patrick Jann. Ethan Embry interpreta
Ren Accord, Li Jun Li è Alma, al centro di un legame oscuro con una
presenza minacciosa tra paesaggi inquietanti. Girato sulle coste
dell’Oregon, conferma la vocazione al cinema di genere.
Finale di stagione di
NCIS: Tony & Ziva (23 ottobre)
Ultimo capitolo del franchise NCIS con Cote de Pablo e Michael
Weatherly. Tony e Ziva, dopo anni di lontananza, devono fuggire per
l’Europa cercando chi li sta braccando e imparare di nuovo a
fidarsi l’uno dell’altra per costruire il finale felice che non
hanno mai avuto.
Teen Mom UK Next
Generation – Stagione 3
Dal brand MTV, torna la terza stagione con una nuova generazione di
mamme adolescenti alle prese con le difficoltà e le gioie della
maternità in giovane età.
Nuovi film italiani nella
library
Arrivano su Paramount+ Habemus Papam di
Nanni Moretti, Piove di Paolo Strippoli, Suspiria di Dario Argento e Gatta Cenerentola,
film d’animazione del 2017 diretto da Alessandro Rak, Ivan
Cappiello, Marino Guarnieri e Dario Sansone.
È
disponibile online il trailer ufficiale del nuovo, attesissimo film
diretto dalla premio Oscar Kathryn Bigelow A House of
Dynamite, presentato in anteprima in concorso alla
82ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica
della Biennale di Venezia. Il titolo segna il ritorno
dietro la macchina da presa della regista di The Hurt Locker e Zero Dark Thirty e sarà disponibile
dall’8 ottobre nei cinema
selezionati e dal
24 ottobre in esclusiva su Netflix.
Il
trailer offre un assaggio della trama: un singolo missile, non attribuito ad alcuna
nazione, viene lanciato contro gli Stati Uniti. Si apre
così una corsa contro il tempo per scoprire i responsabili e
decidere come reagire, in un crescendo di tensione geopolitica e
dilemmi morali che promette il classico approccio realistico e
immersivo di Bigelow.
Il cast del film
Il cast è di altissimo profilo: Idris
Elba, Rebecca Ferguson, Gabriel Basso, Jared
Harris, Tracy Letts, Anthony Ramos, Moses Ingram, Jonah Hauer-King,
Greta Lee e Jason Clarke, affiancati da Malachi Beasley,
Brian Tee, Brittany O’Grady, Gbenga Akinnagbe, Willa Fitzgerald,
Renée Elise Goldsberry, Kyle Allen e Kaitlyn Dever.
Alla regia Kathryn
Bigelow, sceneggiatura di Noah
Oppenheim. Produttori Greg Shapiro, Kathryn Bigelow e Noah
Oppenheim; produttori esecutivi Brian Bell e Sarah Bremner.
Direttore della fotografia Barry Ackroyd, scenografia Jeremy Hindle, costumi
Sarah Edwards,
montaggio Kirk
Baxter, musiche Volker Bertelmann, sound design Paul N. J. Ottosson, co-produttori
Jeremy Hindle e
Sumaiya Kaveh,
casting Susanne
Scheel.
Con il trailer appena pubblicato, il film di Kathryn Bigelow si
annuncia come uno dei thriller più attesi dell’autunno, capace di
intrecciare attualità e tensione drammatica.
Apple Original
Films ha presentato il trailer di Stiller &
Meara: Niente è perduto, il nuovo documentario
diretto dal regista e produttore Ben
Stiller con protagonisti lo stesso Stiller,
Amy Stiller, Christine Taylor-Stiller, Christopher Walken e Stephen
Colbert.
La trama di Stiller & Meara: Niente è perduto
In arrivo il 24 ottobre su
Apple
TV+, il documentario racconta la storia dei genitori
di Ben Stiller, le icone della commedia Jerry Stiller e Anne Meara,
esplorando il loro impatto sia sulla cultura popolare, che nella
vita domestica, dove i confini tra creatività, famiglia, vita e
arte erano spesso sfumati. Nel farlo, Stiller punta la telecamera
su se stesso e sulla sua famiglia per esaminare l’enorme influenza
di Jerry e Anne sulle loro vite e riflettere sulle lezioni
generazionali che tutti possiamo imparare da coloro che amiamo.
Diretto da Ben Stiller, Stiller & Meara: Niente è
perduto è prodotto dalla Red Hour Films di Stiller
John Lesher, insieme a Geoffrey Richman e Lizz Morhaim, con Bryn
Mooser, Justin Lacob e Kathryn Everett di XTR, mentre Tony Hsieh e
Andy Hsieh ricoprono il ruolo di produttori esecutivi.
Il film, scritto da Enrico Audenino
e Isabel Coixet, è tratto dall’omonimo libro Tre Ciotole
di Michela Murgia, edito in Italia da Mondadori
con oltre 200 mila copie vendute. Nel cast anche Silvia
D’amico, Galatea Bellugi, Francesco Carril e con
Sarita Choudhury.
Tre Ciotole è una produzione
italo-spagnola di Cattleya – parte di ITV Studios – Ruvido
Produzioni, Bartlebyfilm e Vision Distribution, insieme a
Buenapinta Media, Bteam Prods, Perdición Films, Apaches
Entertainment, Tres Cuencos AIE. Il progetto è realizzato in
collaborazione con il Ministero della Cultura – Opera realizzata
con il contributo del Fondo per lo sviluppo degli investimenti nel
cinema e nell’audiovisivo e in collaborazione con SKY e con la
partecipazione di RTVE e di MAX con il finanziamento di Instituto
de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales O.A./Ministerio
de Cultura/Gobierno de de España.
Tre Ciotole sarà
distribuito in Spagna da BTeam Pictures e in Italia da Vision
Distribution che gestisce anche le vendite internazionali.
La trama di Tre
Ciotole
Dopo quello che sembrava un banale
litigio, Marta e Antonio si lasciano. Marta reagisce alla rottura
chiudendosi in sé stessa. L’unico sintomo che non può ignorare è la
sua improvvisa mancanza di appetito. Antonio, chef in rampa di
lancio, si butta sul lavoro. Eppure, sebbene sia stato lui a
lasciare Marta, non riesce a dimenticarla. Quando Marta scopre che
la mancanza di appetito ha più a che fare con la propria salute che
con il dolore della separazione, tutto cambia: il sapore del cibo,
la musica, il desiderio, la certezza delle scelte fatte.
Spider-Man: Brand New Day promette di essere il film
che molti fan hanno sognato di vedere per anni. Sebbene il debutto
dell’Uomo Ragno nell’MCU nel film Captain
America: Civil War del 2016 sia stato motivo di festa, il
fatto che Spidey sia stato preso sotto l’ala protettrice di Iron
Man ha portato ad alcuni grandi cambiamenti rispetto ai fumetti. Il
prossimo film sembra però destinato a riportare Peter Parker alle
sue origini di ragazzo di strada, con The Punisher, Scorpion,
Tombstone e altri personaggi che avranno un ruolo chiave nella
prima avventura di Spider-Man fedele al fumetto.
Naturalmente, ci saranno ancora
almeno un paio di Avengers presenti, con Hulk di Mark Ruffalo e la Yelena Belova di Florence Pugh che appariranno entrambi in
Spider-Man: Brand New Day.
All’inizio di quest’anno abbiamo appreso che c’erano piani per
girare scene che coinvolgevano Scorpion, il Dipartimento di
Controllo dei Danni e un’evasione dalla prigione. Sembra che sia
proprio questo ciò che la Marvel Studios sta girando ora, sulla
base dell’ultimo video dal set (lo si può vedere qui).
Secondo lo scoop di Daniel Richtman,
“Stanno attualmente girando una scena con il carro armato che
entra nella prigione con Scorpion”. Se questo è vero, possiamo
supporre che non ci sia The Punisher all’interno del carro armato…
a meno che non voglia far evadere Mac Gargan per ucciderlo. Ci sono
molte cose che non sappiamo su Spider-Man: Brand New Day e, anche
se possiamo mettere insieme alcuni frammenti dalle foto dal set e
da indiscrezioni come questa, questo film porterà quasi certamente
l’Uomo Ragno in luoghi sorprendenti.
Ad oggi, una sinossi generica di
Spider-Man: Brand New Day è emersa all’inizio di
quest’anno, anche se non è chiaro quanto sia accurata.
Dopo gli eventi di Doomsday,
Peter Parker è determinato a condurre una vita normale e a
concentrarsi sul college, allontanandosi dalle sue responsabilità
di Spider-Man. Tuttavia, la pace è di breve durata quando emerge
una nuova minaccia mortale, che mette in pericolo i suoi amici e
costringe Peter a riconsiderare la sua promessa. Con la posta in
gioco più alta che mai, Peter torna a malincuore alla sua identità
di Spider-Man e si ritrova a dover collaborare con un improbabile
alleato per proteggere coloro che ama.
L’improbabile alleato potrebbe
dunque essere il The Punisher di Jon Bernthal –
recentemente annunciato come parte del film – in una situazione
già vista in precedenti film Marvel dove gli eroi si vedono
inizialmente come antagonisti l’uno dell’altro salvo poi allearsi
contro la vera minaccia di turno.
Di certo c’è che il film condivide
il titolo con un’epoca narrativa controversa, che ha visto la
Marvel Comics dare all’arrampicamuri un nuovo
inizio, ponendo però fine al suo matrimonio con Mary Jane Watson e
rendendo di nuovo segreta la sua identità. In quel periodo ha
dovuto affrontare molti nuovi sinistri nemici ed era circondato da
un cast di supporto rinnovato, tra cui un resuscitato Harry
Osborn.
Il film è stato recentemente
posticipato di una settimana dal 24 luglio 2026 al 31 luglio 2026.
Destin Daniel Cretton, regista di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, dirigerà il
film da una sceneggiatura di Chris McKenna ed Erik Sommers.
Tom Holland guida un cast che include
anche Zendaya, Jacob Batalon,Mark Ruffalo, Sadie Sink e Liza Colón-Zayas
e Jon Bernthal. Michael Mando è
stato confermato mentre per ora è solo un rumors il coinvolgimento
di
Charlie Cox.
Spider-Man: Brand New
Day uscirà nelle sale il 31 luglio 2026.
I Wonder Pictures è
orgogliosa di annunciare che La voce di Hind
Rajab di Kaouther Ben Hania
(qui
la nostra recensione) arriva finalmente al cinema da
oggi 25 settembre in 430 sale italiane, numero che
testimonia la vastissima attenzione nei confronti di un film per
cui andare al cinema diventa un atto sociale e politico. Leone
d’Argento – Gran Premio della Giuria all’82esima Mostra del Cinema
di Venezia, La voce di Hind Rajab è
stato designato Film della Critica dal SNCCI e definito dalla
stampa nazionale e internazionale come “un capolavoro”, “il film
più importante della Mostra”, “potente, urgente, vitale”.
Con il supporto
produttivo e il sostegno di grandi nomi del cinema internazionale
come Brad
Pitt e Alfonso Cuarón, la regista Ben Hania, già celebrata per
il suo Quattro figlie distribuito in Italia sempre da I
Wonder Pictures, racconta la sconvolgente storia vera di
Hind Rajab, bambina palestinese di sei anni,
rimasta intrappolata sotto il fuoco incrociato di una sparatoria a
Gaza a Gennaio 2024, e dei tentativi disperati della Mezzaluna
Rossa di trarla in salvo. La vicenda è narrata in un film di
finzione in cui la realtà irrompe prepotentemente in scena: se
quelle tragiche ore negli uffici della Mezzaluna Rossa sono infatti
ricostruite con attori professionisti, la voce che sentiamo
chiedere aiuto al di là del telefono e che ci accompagna per tutta
la durata della pellicola è la registrazione originale della voce
di Hind. Intrecciando documentario e finzione, La voce
di Hind Rajab restituisce tutta la forza della
sua voce e denuncia l’impotenza di fronte alla guerra.
In occasione
dell’attesa uscita in sala del film inoltre, a partire dal
26 settembre, gli interpreti Motaz
Malhees (Speak No Evil – Non parlare con gli
sconosciuti, 200 metri) e Saja Kilani
(Knockdown, What’s Your Emergency?) prenderanno parte al
tour promozionale italiano di LA VOCE DI HIND
RAJAB presentandolo e commentandolo con il pubblico
in sala. Il tour toccherà le città di Roma, Firenze, Bologna,
Padova, Torino e Milano.
«Al centro di
questo film c’è qualcosa di molto semplice e molto difficile da
tollerare», ha dichiarato la regista. «Non posso accettare un mondo
in cui un bambino chiede aiuto e nessuno accorre. Quel dolore, quel
fallimento, appartiene a tutti noi. Questa storia non riguarda solo
Gaza. Parla di un dolore universale. E credo che la finzione
(soprattutto quando attinge a eventi verificati, dolorosi, reali)
sia lo strumento più potente del cinema. Più potente del rumore
delle ultime notizie o dell’oblio dello scorrimento. Il cinema può
conservare una memoria. Il cinema può resistere all’amnesia. Possa
la voce di Hind Rajab essere ascoltata”.
Leggi la nostra intervista alla regista Kaother Ben
Hania.
LA VOCE
DI HIND RAJAB di Kaouther Ben Hania
è nei cinema italiani da oggi 25 settembre
distribuito da I Wonder Pictures.
Con House of
Guinness, disponibile su Netflix dal 25 settembre, Steven
Knight torna a confrontarsi con il genere che lo ha reso
celebre, quello del drama storico corale. Dopo il successo mondiale
di Peaky Blinders e l’esperimento di A Thousand Blows, lo sceneggiatore britannico mette in
scena una saga ambientata a Dublino nella seconda metà
dell’Ottocento, incentrata sulla famiglia Guinness
e sull’impero della birra che porta il loro
nome.
La serie si apre in
medias res: il patriarca Benjamin Guinness è morto,
lasciando dietro di sé un impero tanto solido quanto fragile. La
sua figura, per gli abitanti della città, non era motivo di
orgoglio, bensì di rancore. Le strade di Dublino si infiammano, i
feniani celebrano la sua scomparsa e il funerale si trasforma in un
campo di battaglia simbolico, in cui le tensioni sociali e
politiche dell’Irlanda colonizzata emergono con forza.
È in questo contesto che
i figli di Benjamin si trovano costretti a confrontarsi non solo
con l’eredità economica, ma soprattutto con il peso di un nome che
significa potere, privilegi e nemici. Proprio come in Peaky Blinders, Knight intreccia la Storia
con la storia privata, mostrando come i grandi mutamenti collettivi
passino sempre attraverso le crepe intime delle famiglie.
Il cuore della serie è il
conflitto tra i fratelli Guinness. Arthur (Anthony
Boyle), il primogenito, appare insofferente, più attratto
dalla mondanità londinese che dal dovere familiare. Edward
(Louis Partridge), il più giovane, è l’unico ad
avere una vera visione per il futuro del birrificio, ma deve fare i
conti con la propria posizione subordinata. Accanto a loro ci sono
Anne (Emily Fairn), esclusa dall’eredità perché
donna, e Ben (Fionn O’Shea), incapace di
affrancarsi dai suoi vizi.
La lettura del testamento
paterno non solo divide, ma cementa un legame di dipendenza
reciproca: Arthur e Edward devono gestire insieme il patrimonio,
pena la perdita totale. Da qui nasce la tensione che sostiene gran
parte degli episodi, tra rivalità fraterna, responsabilità
economiche e ambizioni personali. Ma forse meglio di tutti li
descrive Anne, la sorella: Arthur è così frivolo perché spaventato
dalla sua oscurità e Edward così serio perché spaventato dal suo
buon cuore.
Parallelamente, la
ribellione dei feniani — guidata da Ellen (Niamh
McCormack) e Paddy Cochran (Seamus
O’Hara) — rappresenta il contrappunto politico e sociale
al dramma familiare. Le lotte di potere all’interno delle mura del
birrificio risuonano con quelle che si combattono per le strade di
Dublino, mettendo in evidenza il contrasto tra chi accumula
ricchezze e chi lotta per la propria sopravvivenza e libertà.
La messa in scena, come
da tradizione knightiana, è sontuosa: fotografia cupa e barocca,
una ricostruzione storica che mescola fedeltà e licenze
drammatiche, una colonna sonora portentosa che
mette insieme Fountaines DC e musica classica.
Tuttavia, nonostante l’evidente cura estetica, la narrazione
rischia di perdere mordente a metà stagione. A partire dal quinto
episodio, il ritmo si appesantisce e le dinamiche familiari
iniziano a ripetersi, rendendo meno incisiva una storia che avrebbe
forse giovato di un formato più compatto.
Tra storia e
leggenda: luci e ombre di un dramma solido ma imperfetto
House of
Guinness non pretende di essere una ricostruzione
storica rigorosa. Piuttosto, sceglie di muoversi nel territorio del
mito, trasformando la dinastia della birra in una sorta di
tragedia shakespeariana. In questo senso, Knight conferma
la sua abilità nel rendere universale una vicenda profondamente
locale: il conflitto tra fratelli, il peso del potere, la tensione
tra tradizione e modernità diventano temi che travalicano i confini
dell’Irlanda ottocentesca.
Il punto di forza della
serie sta soprattutto nelle interpretazioni. Anthony
Boyle regala ad Arthur un misto di fragilità e brutalità,
mentre Louis Partridge costruisce un Edward
idealista ma non ingenuo, pronto a scontrarsi con un mondo che non
lo prende sul serio. Ottima anche la performance di James
Norton nei panni del fedele Sean Rafferty, figura ponte
tra il popolo e i padroni.
Eppure, qualcosa manca.
Se Peaky Blinders riusciva a tenere lo
spettatore incollato allo schermo, qui la trama appare meno
incisiva, quasi diluita. Gli otto episodi sembrano voler includere
troppi elementi senza dare a ciascuno lo spazio necessario. Il
risultato è una serie piacevole e visivamente affascinante, che
riesce a catturare per la forza della sua ambientazione e per la
potenza di alcune scene, ma che difficilmente rimarrà nella memoria
come il capolavoro che Knight ha già saputo realizzare in
passato.
House of
Guinness è un dramma storico solido, capace di
intrattenere e affascinare chi è attratto dalle saghe familiari e
dall’Irlanda vittoriana. Non è il miglior lavoro del suo autore, ma
resta una testimonianza della sua capacità di trasformare vicende
reali in narrazioni cariche di tensione e simbolismo. Un bicchiere
di Guinness, forse non il più frizzante, ma comunque degno di
essere assaporato.
Sean Penn sembra pronto per tornare a
concentrarsi sulla regia. L’attore e regista statunitense, due
volte vincitore dell’Oscar, ha confermato a Vanity Fair che, dopo
il film Una
battaglia dopo l’altra, sospenderà temporaneamente la
carriera da attore per dedicarsi a un nuovo progetto dietro la
macchina da presa. Il film, attualmente senza titolo, sarà il
quinto diretto da Penn e vedrà Tom Hardy nel ruolo principale.
Le
riprese sono previste per l’estate del prossimo anno, poiché Hardy
è attualmente impegnato nelle riprese della seconda stagione di
MobLand per Paramount+. Al momento, non sono stati diffusi
ulteriori dettagli sulla trama o sugli altri membri del cast, per
cui non resta che attendere che sia lo stesso Penn a comunicare di
più su questo suo nuovo progetto.
In
precedenza Penn ha diretto 3
giorni per la verità, La promessa, Into the Wild e il più recente Una vita in
fuga, che lo vede anche recitare accanto a sua figlia.
L’attore sembra dunque intenzionato a continuare a sviluppare
progetti dietro la macchina da presa, alternando la carriera da
regista a quella da attore, seppur con questa pausa annunciata.
Dove abbiamo visto di
recente Tom Hardy
Tom
Hardy è stato scelto come protagonista per la sua esperienza
cinematografica e la capacità di interpretare ruoli complessi. Tra
i suoi lavori più noti figurano Bronson, Warrior,
Il cavaliere oscuro il
ritorno, Locke
e Mad Max: Fury Road. Recentemente, Hardy ha
ampliato la sua presenza anche in televisione con la serie MobLand, confermando un impegno costante
tra cinema e piattaforme streaming. Al cinema, invece, lo abbiamo
di recente visto impegnato nella trilogia di Venom,
dove ha assunto i panni del protagonista Eddie Brock.
Scritto e diretto da Paul
Thomas Anderson, ispirato al romanzo Vineland di
Thomas Pynchon del 1990, il
film Una battaglia dopo
l’altra(qui
la nostra recensione) segue Leonardo DiCaprio nei panni di un ex
rivoluzionario che, dopo il ritorno del nemico dopo 16 anni, deve
riunirsi con i suoi compagni ex rivoluzionari per salvare sua
figlia. Il cast include anche il due volte vincitore dell’Oscar
Sean Penn (Mystic River, Milk), il
vincitore dell’Oscar Benicio del Toro (Traffic),
Regina Hall, Teyana Taylor e
Chase Infiniti al suo debutto cinematografico. Il
film, descritto come un altro imponente capitolo della filmografia
di Anderson, ha ora ricevuto anche gli elogi di Martin
Scorsese.
Dopo la proiezione di
Una
battaglia dopo l’altra alla Directors Guild of
America, Scorsese ha infatti moderato una sessione di domande e
risposte con Paul Thomas Anderson, durante la
quale ha elogiato il suo nuovo film. Scorsese lo ha infatti
definito “un film affascinante e straordinariamente
realizzato” che presenta “interpretazioni straordinarie in
ogni scena”. Scorsese ha anche parlato dei “punti
tematici” del film, descrivendoli come
“attualissimi”, e ha sottolineato l’attenzione urgente del
film sulla polarizzazione politica e ideologica.
Anche Steven Spielberg ha
elogiato Una battaglia dopo l’altra
Martin Scorsese è in realtà il
secondo regista leggendario a elogiare il nuovo film di
Paul Thomas Anderson. All’inizio di questo mese,
Steven Spielberg ha
condiviso una recensione entusiastica di Una battaglia
dopo l’altra, lodandone l’azione incessante, i temi
attuali e la commedia assurda. “Che film folle, oh mio Dio. C’è
più azione nella prima ora di questo film che in tutti gli altri
film che hai diretto messi insieme. Tutto, è davvero incredibile. È
un tale miscuglio di cose così bizzarre e allo stesso tempo così
rilevanti, che penso siano diventate sempre più rilevanti rispetto
a quando hai finito la sceneggiatura, hai riunito il cast e la
troupe e hai iniziato la produzione”, ha affermato
Spielberg.
“Non ho mai visto un film che
sia così simile, dal punto di vista del tono, a “Il dottor
Stranamore” di Stanley Kubrick. – ha continuato
Spielberg – Questo film offre una sorta di commedia assurda,
presa molto sul serio, perché riflette molto bene ciò che sta
accadendo oggi, ogni giorno, in tutto il Paese. Ma lo porta a un
punto in cui viene voglia di ridere, perché se non si ride, si
finisce per urlare: “È troppo reale”. E così hai quello sfogo.
Kubrick ha usato l’armageddon come un modo per raccontare la sua
storia, per fare la sua dichiarazione”.
“E c’è qualcosa che ci porta
allo stesso limite di quel tipo di sensazione assurda, un tono, che
prendi molto sul serio, ma preghi per un qualche tipo di sollievo,
un qualche tipo di stimolo a ridere. Ho riso nervosamente per tutto
il film Dr. Stranamore e, più che nervosamente, mi sono divertito
un mondo a ridere per tutto il tempo. Ma è interessante dove si
ride qui, dove ci si permette di ridere e poi quando si
smette”
Da oggi disponibile il
trailer de Il
Maestrodi Andrea Di
Stefano conPierfrancesco Favino nel ruolo
di Raul Gatti e con il
giovane Tiziano Menichelli. Il Maestro è
stato presentato alla 82ª Mostra Internazionale del
Cinema di Venezia.
Nel film anche Giovanni
Ludeno, Dora
Romano e Valentina Bellè,
insieme ad Astrid Meloni, Chiara
Bassermann, Paolo
Briguglia, Roberto Zibetti e
con Edwige Fenech.
Il Maestro
è prodotto da Indiana Production, Indigo
Film e Vision
Distribution, in collaborazione con Memo
Films, in collaborazione
con Sky, in collaborazione
con Playtime. Opera realizzata con il
contributo del Fondo per lo sviluppo degli investimenti nel cinema
e nell’audiovisivo del Ministero della Cultura.
Il film è prodotto
da Nicola Giuliano, Francesca
Cima, Carlotta
Calori, Viola
Prestieri per Indigo
Film e da Marco
Cohen, Fabrizio
Donvito, Benedetto
Habib, Daniel Campos
Pavoncelli per Indiana
Production.
Il film è scritto da Andrea
Di Stefano e Ludovica Rampoldi,
la fotografia è firmata da Matteo Cocco, il
montaggio da Giogiò Franchini, le musiche
originali sono di Bartosz Szpak, la
scenografia di Carmine Guarino, i costumi
di Mariano Tufano.
La prima stagione di House
of Guinness offre molti spunti complessi da analizzare.
L’ultima serie Netflix del creatore di Peaky Blinders è ricca di
riferimenti alla storia reale, il cui contesto può essere
utilizzato per interpretare il significato della serie e i
potenziali eventi futuri.
Con otto episodi già trasmessi,
l’ensemble
di personaggi di House of Guinness si è dimostrato degno di
diventare la base per la prossima serie drammatica familiare di
successo, dopo titoli come Succession e il già citato Peaky
Blinders.
La serie segue la famiglia titolare
dopo la morte di Benjamin Guinness nel 1868, quando i quattro figli
del defunto patriarca si ritrovano con la sua eredità. Nel finale
della prima stagione, sembra che si siano riuniti per l’elezione di
Arthur, fino a quando le cose prendono una piega drammatica durante
il suo discorso con un colpo di scena scioccante.
Arthur non è morto in House Of
Guinness, ma Paddy gli ha sparato?
Il finale della prima stagione si
conclude con Paddy Cochrane che spara con la sua pistola, e la
scena passa al nero prima che possiamo vedere chi o cosa fosse il
suo bersaglio e se abbia avuto successo. Data la sua intenzione di
infliggere un duro colpo alla famiglia Guinness e i numerosi indizi
sull’assassinio di Arthur, come i riferimenti ad Abraham Lincoln,
avrebbe senso che fosse lui il bersaglio.
Tuttavia, basta dare un’occhiata
alla storia per capire che non è morto. Arthur Guinness visse fino
al 1915, decenni dopo gli eventi del finale della prima stagione.
Questo lascia aperte alcune possibilità. Potrebbe essere stato
colpito e ferito, il che sarebbe un cambiamento storico notevole,
ma non tale da stravolgere la trama.
In alternativa, Paddy potrebbe aver
sparato a qualcun altro, il cui destino dovremo aspettare fino alla
seconda stagione per scoprire. Paddy Cochrane non è un personaggio
storico reale, né questa sparatoria è un evento reale, quindi il
finale aperto di House of Guinness lascia molte più domande
che risposte.
Il vero significato della scena
della riunione dei fratelli Guinness nel finale della prima
stagione
Nonostante si chiami House of
Guinness, la serie Netflix di otto episodi mostra raramente i
quattro membri principali della famiglia sullo schermo
contemporaneamente. Arthur ed Edward condividono una parte
significativa dello schermo, ma i quattro non sono molto insieme, a
parte il primo e l’ultimo episodio.
Detto questo, lo squilibrio
nell’attenzione tra i fratelli non ha lasciato nessuno senza un
arco narrativo. Tutti e quattro sono stati costretti a subire dei
cambiamenti in assenza del padre e nel finale della prima stagione
si prendono un momento per riflettere su questo, dimostrando ciò
che i loro sacrifici personali hanno permesso loro di
realizzare.
Il vero piano di Rafferty e
Olivia spiegato (e staranno mai insieme?)
La sottotrama della storia d’amore
proibita tra Olivia e Sean Rafferty è una delle più affascinanti
della serie, poiché, sebbene Arthur sia aperto al fatto che sua
moglie abbia degli amanti, la sua gravidanza ha superato il limite
di ciò che era disposto ad accettare. Egli chiede a Olivia di
interrompere la sua relazione con Rafferty, ma lei si rifiuta di
farlo.
Olivia dice a Rafferty di
continuare a vederla in un nuovo posto ogni mercoledì, il che significa che rimarranno insieme
in modo meno costante e più segreto. Per quanto riguarda il loro
destino, è difficile dirlo con certezza, dato che Sean Rafferty è
un personaggio inventato per la serie.
Cosa significa il compromesso
di Edward e Adelaide per la sua storia d’amore con Ellen
Parlando di storie d’amore
proibite, l’altro fratello Guinness si è ritrovato in una relazione
inaspettatamente poco professionale con Ellen Cochrane durante
tutta la prima stagione. Quando Arthur ha accettato di fare dei
sacrifici e di candidarsi alle elezioni, Edward ha finalmente
acconsentito a sposare Adelaide, la donna con cui aveva lavorato a
progetti filantropici.
Edward e Adelaide andavano
d’accordo e hanno lavorato insieme negli episodi finali della prima
stagione, ma alla loro coppia mancava la passione che lui provava
per Ellen. Tuttavia, Edward e Adelaide concordano entrambi sul
fatto di sentirsi il più possibile vicini all’amore reciproco, il
che è sufficiente per un accordo matrimoniale basato su opportunità
politiche e finanziarie.
Sfortunatamente per tutti i
coinvolti, Edward ed Ellen dovranno mettere da parte la loro storia
d’amore per il momento. Tuttavia, come la serie continuerà
sicuramente a dimostrare, è quasi impossibile allontanarsi
dall’amore e dal desiderio, e probabilmente non sarà l’ultima volta
che vedremo i due insieme.
Perché Anne permette che la
relazione tra Ben e Christine diventi “ufficiale” e cosa significa
per il suo matrimonio
Anne è tipicamente colei che tiene
insieme tutto nella prima stagione di House of Guiness,
compreso il controllo del fratello più giovane, Benjamin, le cui
continue lotte con l’alcolismo lo tengono fuori dal testamento.
Benjamin si ritrova sposato con Henrietta, ma Christine continua a
sostenerlo con intensità, arrivando quasi a porre fine alla sua
vita per questo motivo nell’episodio 7.
Christine offre a Benjamin qualcosa
che lui non trova altrove: il rispetto. Questo porta Anne ad
accettare Christine come sua “amante ufficiale”, un ruolo che è
stato ricoperto in passato da donne legate alla famiglia Guinness,
a patto che mantenessero la discrezione nella loro relazione.
Cosa succederà ai fratelli
Guinness nella vita reale e come il cliffhanger prepara la seconda
stagione
È difficile dire con precisione
dove porterà House of Guinness, dato quanto la serie si sia
già discostata dalla storia. Detto questo, molti dei pezzi
importanti della vita di ciascun membro della famiglia sono stati
messi in scena, come la carriera politica di Arthur e il lavoro
filantropico e di sviluppo edilizio di Edward.
Il cliffhanger della prima stagione
alimenterà sicuramente il dramma tra la famiglia Guinness, i
feniani e gli unionisti, ma probabilmente non fermerà il continuo
successo dell’azienda. Arthur Guinness dovrebbe vincere le
elezioni, ferita da arma da fuoco o meno, e House of
Guinness continuerà ad esaminare gli eventi che hanno
portato all’indipendenza irlandese.
Superman
si è rivelata un’avventura molto gradita ai fan dell’eroe in sala.
Tuttavia, c’è stata una decisione creativa che probabilmente
dividerà le opinioni per gli anni a venire (non dissimile da quella
di Superman che uccide il Generale
Zod in L’Uomo d’Acciaio).
Nel caso non fosse ovvio, stiamo
parlando della decisione del regista James
Gunn di rivelare che Jor-El e
Lara hanno mandato il loro figlio sulla Terra con
l’intenzione di conquistare il pianeta e formare un harem, creando
un “Nuovo Krypton“. Gunn ha già affermato che non
ritoccherà il colpo di scena e ha ribadito la sua volontà di dare
una propria interpretazione del mito di Superman nel commento del
regista del film.
“Sono un grande fan di Superman.
Non voglio cambiare cose importanti e fondamentali: la sua bontà
d’animo, il fatto che non ucciderà, il fatto che sia innamorato di
Lois Lane, persino il ricciolo sulla testa”, ha spiegato il
co-CEO dei DC Studios. “Quindi la domanda è: ‘Cosa si può
aggiungere al mito che sia un po’ diverso, che non cambi
sostanzialmente chi è il personaggio?'” “Penso che funzioni”,
ha detto Gunn a proposito del colpo di scena tra Jor-El. “Non è
qualcosa che verrà adattato in futuro. È la realtà della vita di
Superman.”
Seguire questa strada spinge
Superman ad abbracciare ulteriormente i suoi
genitori umani, e il film si conclude con lui che sostituisce il
messaggio di Jor-El e Lara nella Fortezza della Solitudine con
vecchi filmati casalinghi della sua infanzia a Smallville.
Parlando del suo approccio al
casting di Jonathan e Martha Kent, Gunn ha detto:
“Le vecchie star del cinema che normalmente interpretano Jon e
Martha Kent… spesso sono brave persone, spesso intelligenti, ma
loro erano contadini e vivevano nei campi. È improbabile che
finiscano per assomigliare a John Schneider di ‘Smallville’, anche
se adoro ‘Smallville'”.
Ci sono molti punti salienti nel
commento del regista di Superman, inclusa la
rivelazione di Gunn che la scena in cui Ultraman colpisce Krypto
nella Fortezza è stata tagliata perché il pubblico di prova pensava
che fosse troppo crudele verso il cagnolino.
Ha anche definito la Supergirl di Milly Alcock“la mia caratterizzazione preferita di qualsiasi personaggio di
supereroi in assoluto”, descrivendola come un personaggio
“più oscuro” della “Supergirl di tua
madre“.
La
fine della seconda stagioneThe Walking Dead: Dead City ha concluso alcune delle
principali trame, ma ha chiaramente lasciato la porta aperta a
molte altre azioni, creando dubbi sul fatto che ci sarà o meno una
terza stagione. Dopo che Maggie ha rifiutato di uccidere Negan
nello spin-off di The Walking Dead, il finale della
seconda stagione ha indicato che avrebbero lavorato insieme in
futuro. Sebbene in passato i due non siano riusciti a mettere da
parte le loro divergenze, sembra che Maggie sia davvero pronta a
superare il suo rancore nei confronti di Negan, poiché perdonare
l’assassino di suo marito è l’unico modo per trovare la
pace.
Sebbene la collaborazione tra i due
potesse essere un modo positivo per concludere lo spin-off, ci sono
ancora troppe questioni in sospeso a Manhattan. Oltre ai
protagonisti principali che sono ancora in città, la storia di
Hershel con la Dama ha ancora molto da offrire, mentre la presenza
di New Babylon sull’isola significa che c’è anche un importante
gruppo di cattivi da sconfiggere. Inoltre, il veloce teaser sugli
zombie di Dead City e i misteri irrisolti rendono una terza
stagione ancora più inevitabile, ma nonostante sembri probabile,
c’è ancora qualche incertezza sul rinnovo della serie.
Ci sarà una terza stagione di
The Walking Dead: Dead City?
La terza stagione è stata
confermata ufficialmente
La terza stagione di Dead
City è stata confermata ufficialmente. The Walking Dead: Dead City – stagione 3 ha
scritturato una star di Westworld per un ruolo importante,
mentre continuano le riprese del prossimo capitolo del viaggio di
Maggie e Negan. Dead City – stagione 3 è attualmente in
produzione in Massachusetts, dove le riprese sono iniziate
all’inizio di settembre. La storia seguirà Maggie e Negan
all’indomani delle tragedie della stagione 2.
Quando potrebbe uscire la terza
stagione di The Walking Dead: Dead City?
Il 2026 sembra una data
realistica per l’arrivo della terza stagione
Le riprese della terza stagione
sono tutt’ora in corso, è probabile che la serie arrivi nel corso
del 2026. The Walking Dead ha mantenuto un ritmo di
produzione piuttosto buono nel corso della sua storia, con la serie
principale che viene pubblicata ogni anno, insieme a recenti
spin-off come Daryl Dixon. Tuttavia, c’è stata un’attesa
di due anni tra la stagione 1 e la stagione 2 di Dead
City, rendendo il 2027 una scommessa sicura. Dato che
Jeffrey Dean Morgan ha
bilanciato The Walking Dead con Invincible,
The
Boys e altri progetti importanti negli ultimi anni, il suo
fitto calendario è sicuramente una delle ragioni principali alla
base di un ciclo di produzione più lungo per Dead City.
Non è del tutto escluso che
Dead City torni sui nostri schermi il prossimo anno, ma sulla base
della storia dello spin-off, l’estate del 2027 sembra essere la
data più probabile per la terza stagione.
Il successo del franchise nella
produzione di contenuti annuali suggerisce che riunire il cast sia
complicato, ma se le voci secondo cui lo show sarebbe già in
pre-produzione sono vere, è probabile che si stia già lavorando
alle date delle riprese. Non è del tutto escluso che Dead
City torni sui nostri schermi il prossimo anno, ma considerando
la storia dello spin-off, l’estate del 2027 sembra essere la data
più probabile per la terza stagione.
Quale potrebbe essere la trama
della terza stagione di The Walking Dead: Dead City
La trama si concentrerà
presumibilmente su Maggie e Negan che collaborano per abbattere New
Babylon
Dopo la conclusione della seconda
stagione, la terza stagione di Dead City sembra già avere
una trama concreta. Con New Babylon che ha conquistato Manhattan,
Maggie, Negan, Perlie e chiunque altro resista al loro dominio
cercheranno sicuramente un modo per fermarli. Il gruppo di malvagi
ha già imposto le proprie leggi alla comunità di Maggie fuori
dall’isola, e lasciare loro il pieno controllo di Manhattan
renderebbe New Babylon uno dei gruppi di malvagi più potenti di
The Walking Dead. Inoltre, Dama e Hershel
cercheranno di riconquistare il potere, rendendo il loro
coinvolgimento una piccola incognita.
Sebbene Maggie e Negan non provino
alcun affetto per Dama, saranno riluttanti a interferire troppo con
i suoi piani, dato che Hershel sta lavorando al suo fianco. Anche
la relazione tra Maggie e Negan sarà nuovamente al centro
dell’attenzione, poiché cercheranno di superare i loro problemi
nonostante Negan stia ancora soffrendo per la perdita di Ginny.
Entrambi i personaggi centrali spereranno alla fine di lasciare
l’isola con le loro famiglie e di fermare New Babylon, con
personaggi come Dama e Croat che aggiungono un elemento di
imprevedibilità alla trama della terza stagione di Dead
City.
Chi farà parte del cast della
terza stagione di The Walking Dead: Dead City?
La terza stagione di Dead City
ha già molti volti familiari che sembrano destinati a
tornare
Dead City stagione 3 ha già
alcuni personaggi importanti che sembrano destinati a tornare nella
terza stagione. Lauren Cohan e Jeffrey Dean Morgan
saranno i primi nomi del cast del progetto, dato che Maggie e
Negan sono di gran lunga i personaggi più importanti coinvolti
nello spin-off. La loro complicata relazione è stata una parte
fondamentale della trama e, dato che entrambi sono veterani del
franchise, lo show non può funzionare senza di loro. Inoltre, Gaius
Charles è stato scelto per un altro ruolo centrale nel ritorno di
Dead City dopo la fine della seconda stagione, avendo già
interpretato Perlie nelle ultime due stagioni.
Dead City
Personaggi
Lauren Cohan
Maggie Rhee
Jeffrey Dean Morgan
Negan Smith
Gaius Charles
Perlie Armstrong
Logan Kim
Hershel Rhee
Lisa Emery
The Dama
Željko Ivanek
The Croat/ Mile Jurkovic
Keir Gilchrist
Benjamin Pierce
Jasmin Walker
Governor Charlie Byrd
Sebbene sia stato spesso coinvolto
durante tutta la serie, ha concluso la seconda stagione al fianco
dei protagonisti, il che significa che potrebbe ricevere ancora più
attenzione. Logan Kim riprenderà sicuramente il ruolo di Hershel se
ci sarà un altro capitolo, e con Lisa Emery nei panni di Dama che è
diventata una parte importante del cast della seconda stagione di
Dead City, anche lei è destinata a tornare. Altri
personaggi come Charlie Byrd, Benjamin Pierce e il Croato
potrebbero potenzialmente avere un ruolo importante anche nella
terza stagione, di cui si vocifera, e lo spin-off porterà senza
dubbio alcuni volti nuovi per mantenere l’azione emozionante.
È in arrivo un nuovo adattamento di
Stephen King, questa volta basato sul
racconto breve Rat, tratto dalla raccolta Se
scorre il sangue del 2020. Nel XXI secolo, gli
adattamenti di Stephen King continuano ad avere un ruolo di primo
piano nell’industria dell’intrattenimento, sulla scia del recente
successo di The Long Walk.
Rat segue lo
scrittore Drew Larson, afflitto dalla sfortuna,
che si rifugia in una baita nel Maine dove, “in preda alla
febbre e alla follia, appare uno sconosciuto, un visitatore
inquietante che promette salvezza e successo… a un prezzo che Drew
riesce a malapena a comprendere”, secondo Deadline. Chi conosce il
materiale originale saprà che si tratta di un’eccellente e cupa
storia di patti faustiani.
Un gruppo di talentuosi registi
horror si è riunito per affrontare questo progetto: l’adattamento
cinematografico di Rat sarà infatti diretto da
Isaac Ezban (Mal de Ojo, Párvulos),
scritto da Jeff Howard (The Haunting of Hill
House) e prodotto da Jay Van Hoy (The
Witch, The Lighthouse), Fernando Ferro e
Paul Perez.
Una delle opere più recenti tra
tutti i libri di Stephen King, Se scorre
il sangue comprende quattro novelle, tra cui “Se scorre il
sangue”, “Mr. Harrigan’s Phone” e “The Life of
Chuck”. Quest’ultima è stata anche adattata in un film con
Tom Hiddleston e Mark Hamill, attualmente al cinema. Ma
nonostante il successo di critica, quest’ultimo è stato un flop al
botteghino.
Cosa significa questo per i film di Stephen
King
The Long Walk e The
Life of Chuck hanno purtroppo dimostrato che gli adattamenti
delle opere di King non sono immuni alle sfide commerciali, anche
se
The Monkey di Osgood Perkins ha ottenuto
incassi molto migliori. E l’industria dell’intrattenimento non si è
ancora arresa, con molti altri adattamenti di Stephen
King in arrivo, tra cui The
Running Man e It: Welcome to Derry solo nel
2025.
Rat potrebbe dover
affrontare ostacoli ancora maggiori, essendo il prossimo
adattamento tratto dalla raccolta Se scorre il sangue,
dopo il deludente risultato di The Life of Chuck. Ma si
spera che i produttori possano imparare dagli errori di questo film
e di Mr. Harrigan’s Phone
del 2022, e trasformare Rat in un horror
psicologico dal ritmo serrato, intenso e ben pubblicizzato.
The Walking Dead: Dead City – stagione 3 ha
scritturato una star di Westworld per un ruolo importante,
mentre continuano le riprese del prossimo capitolo del viaggio di
Maggie e Negan. Dead City – stagione 3 è attualmente in
produzione in Massachusetts, dove le riprese sono iniziate
all’inizio di settembre. La storia seguirà Maggie e Negan
all’indomani delle tragedie della stagione 2.
Ora, secondo Deadline, l’attore Jimmi Simpson si unirà al cast della
terza stagione di The Walking Dead: Dead City in un ruolo
da protagonista. Simpson interpreterà Dillard, ma i dettagli sul
personaggio sono ancora segreti. Reciterà al fianco di Lauren Cohan e Jeffrey Dean Morgan, anche se non è
chiaro quanto sarà importante il suo personaggio per la storia di
Maggie e Negan.
Cosa significa l’ingresso di
Simpson nella terza stagione di Dead City per lo spin-off di The
Walking Dead
Simpson è noto soprattutto per aver
interpretato William nel cast di Westworld, essendo stato un
personaggio fisso della prima stagione della serie
fantascientifica. Da allora, ha continuato a interpretare
personaggi come James Walton negli episodi USS Callister di
Black Mirror e Ryan Holder nella serie fantascientifica
Dark Matter di Apple
TV+. Il suo talento lo rende un’aggiunta di grande
peso al cast di Dead City.
Ad unirsi al cast di Dead
City stagione 3 ci sarà anche Aimee
Garcia nel ruolo di Renata, un altro personaggio fisso
della serie e leader all’interno di New York City. La coppia sullo
schermo non è l’unica novità di questa stagione: anche lo
sceneggiatore di The Walking Dead, Seth Hoffman, assumerà il
ruolo di showrunner. Sembra che grandi cambiamenti stiano avvenendo
nella Manhattan post-apocalittica.
Per quanto riguarda il personaggio
di Simpson, Dillard, non si sa ancora come si inserirà nella trama.
La terza stagione riprende dopo la
fine della seconda stagione di Dead City, con Maggie e
Negan che cercano di formare una propria comunità nel caos della
città. Ciò comporterà minacce da tutte le parti, dalla Dama alla
Federazione di New Babylon.
Un nuovo trailer della
terza stagione di Tracker
rivela che Jensen Ackles si riunirà con Justin
Hartley per un’azione esplosiva nel prossimo capitolo del
dramma d’azione. La terza stagione di Tracker vedrà Colter
Shaw, interpretato da Hartley, continuare a cercare e salvare
persone scomparse con la sua squadra. Ciò include casi settimanali
insieme a una trama più ampia incentrata su di lui e la sua
famiglia.
Ora, la CBS ha pubblicato un nuovo
trailer della terza stagione di Tracker, che anticipa le nuove
pericolose missioni di Hartley mentre Ackles torna per un ritorno
ricco di azione. Il trailer mostra Colter che insegue qualcuno nel
bosco, chiedendo informazioni, e suo fratello Russell, interpretato
da Ackles, che lo sostiene durante una rissa in un bar. Guarda il
nuovo trailer della terza stagione qui sotto:
Cosa dice il trailer della
terza stagione di Tracker sul ritorno della serie
Sebbene non sia mostrato nel
trailer, la terza stagione seguirà alcune importanti rivelazioni
familiari per Colter quando gli episodi riprenderanno. La seconda stagione di Tracker si è conclusa con la
rivelazione che Otto Waldron ha ucciso il padre di Colter e
Russell, Ashton, quando erano più giovani. Il protagonista ha anche
scoperto che sua madre, Dove, potrebbe aver chiesto a Otto di
farlo.
La svolta degli eventi deve ancora
essere approfondita, e la terza stagione sarà il momento perfetto
per svelare ulteriori dettagli sulla cospirazione che circonda la
morte di Ashton. In passato questo aveva causato una frattura tra
Colter e Russell, con quest’ultimo che incolpava il fratello. Ora,
i due personaggi di Tracker hanno fatto pace e
lavoreranno ancora una volta insieme.
Per quanto riguarda i casi che
Colter dovrà affrontare, sembrano essere quelli standard, con molti
eventi ricchi di azione. Non tutto sarà facile, come sempre quando
si presentano nuovi casi. Tuttavia, questa volta sarà più
difficile, poiché Velma di Abby McEnany e Bobby di Eric Graise non
torneranno nella terza stagione.
Il ritorno di Jimmy Kimmel
Live! ha suscitato gioia e rabbia tra i cittadini
statunitensi. E ora la Disney si prepara
all’inevitabile scontro con il presidente degli Stati Uniti, Donald
Trump.
L’attacco di Trump alla Disney non
ha sorpreso nessuno, soprattutto i dirigenti del colosso
dell’industria. Secondo Bloomberg, sospettavano che il presidente li avrebbe
attaccati anche prima che Kimmel esprimesse la sua opinione sul
recente assassinio di Charlie Kirk il 15 settembre.
Due addetti ai lavori della Disney
hanno spiegato che, da quando l’amministrazione Trump è salita al
potere, quasi tutte le aziende del settore dei media hanno dovuto
affrontare “sfide senza precedenti”. La Disney aveva già intuito
cosa sarebbe successo quando il presidente ha iniziato a citare in
giudizio le aziende perché riteneva che fossero “di parte” e lo
attaccassero in modo sleale.
La cosa più preoccupante, dal punto
di vista della Disney, è che Trump ha “vinto” alcune di queste
cause. Alcune sono state risolte, di solito a suo favore. Sebbene
non siano ancora state ufficialmente citate in giudizio, sono già
più che preparate ad affrontare la tempesta che sta per
arrivare.
Cosa significa la battaglia
legale della Disney per il suo futuro
È ormai chiaro che la Disney si
trova attualmente tra l’incudine e il martello. In primo luogo, ha
dovuto affrontare reazioni negative per aver sospeso Kimmel e ha
perso molti dei suoi sostenitori. Poi ha riportato in onda il
programma del conduttore e, di conseguenza, il presidente ha
minacciato di citarla in giudizio.
La posizione di Disney contro Trump
potrebbe aiutarla a riconquistare una parte consistente dei suoi
sostenitori. Tuttavia, la battaglia contro l’amministrazione Trump
e la FCC sarà quantomeno in salita.
Grazie a Andrew
Schulz, l’attore che interpreta Dan Hibiki in
Street
Fighter, abbiamo la possibilità di dare una primissima
occhiata a Callina Liang nei panni di Chun-Li e
Noah
Centineo in costume completo nei panni di Ken Masters.
Quest’ultimo sembra uscito
direttamente da Street Fighter 5 e, a giudicare
dall’iconica acconciatura di Chun-Li e dal suo colletto blu
borchiato, questa interpretazione del personaggio è più in linea
con la versione classica di Street Fighter 2.
È difficile dire quando verranno
rivelati i look del cast completo, ma queste prime immagini
susciteranno grande entusiasmo, se le reazioni sui social media a
brevi scorci come questo sono indicative. Ecco le immagini
condivise su Reddit.
Street Fighter ha
debuttato sul grande schermo nel 1994, durante un’ondata di
adattamenti di videogiochi che comprendeva anche Super
Mario Bros. e Mortal
Kombat. Il film era interpretato da Jean-Claude Van Damme nei panni del colonnello
Guile, leader di una forza di pace che si oppone al dominio del
tirannico dittatore M. Bison (Raul Julia, nel suo ultimo ruolo
prima della morte per cancro allo stomaco).
Il film si avvaleva di un cast
eclettico, tra cui Ming-Na Wen, Kylie Minogue e Wes
Studi; nonostante il solido pedigree da film d’azione
dello sceneggiatore e regista Steven E. de Souza, autore di 48 ore,
Commando e Die Hard, il film fu un flop per la
critica, anche se guadagnò 99 milioni di dollari con un budget di
35 milioni. Capcom ci ha riprovato con Street Fighter: The
Legend of Chun-Li del 2009, con
Kristin Kreuk di Smallville nel ruolo di protagonista
e Neal McDonough, Chris Klein e Michael Clarke
Duncan. Questa volta, non solo la critica non è stata
altrettanto gentile, ma anche il pubblico non è stato interessato;
il film ha incassato 12,8 milioni di dollari a fronte di un budget
di 50 milioni, ponendo fine alle ambizioni cinematografiche di
Capcom fino ad oggi.
Il primo gioco Street
Fighter è uscito nel 1987, ma il suo seguito del 1991,
Street Fighter II, è considerato un enorme miglioramento
rispetto al suo predecessore e rimane uno dei videogiochi più
venduti di tutti i tempi. L’ultimo capitolo della serie,
Street Fighter 6, è uscito l’anno scorso.
Cosa sappiamo di questa versione di
Street Fighter
Diretto dal regista Kitao
Sakurai, Street
Fighter porterà la battaglia dalle sale giochi al
grande schermo con hadouk, calci rotanti e tutti i vostri
personaggi preferiti.
Street Fighter vede
protagonisti Noah Centineo nel ruolo di Ken Masters,
Andrew Koji nel ruolo di Ryu, Callina
Liang nel ruolo di Chun-Li, Joe “Roman Reigns”
Anoa’i nel ruolo di Akuma,
David Dastmalchian nel ruolo di M. Bison, Cody Rhodes
nel ruolo di Guile, Andrew Schulz nel ruolo di Dan
Hibiki, Eric André nel ruolo di Don Sauvage,
Vidyut Jammwal nel ruolo di Dhalsim, con
Curtis “50 Cent” Jackson nel ruolo di Balrog e
Jason Momoa nel ruolo di Blanka.
L’uscita nelle sale di
Street Fighter è prevista per il 16 ottobre
2026.
