Il remake di Una pallottola spuntata ha ricevuto un
aggiornamento molto atteso, dopo che il film è rimasto in un
inferno di sviluppo per oltre un decennio. La serie parodistica
diventata un cult con Leslie Nielsen nei panni
dell’ufficiale di polizia di buon cuore ma ottuso Frank Drebin,
racconta le sue avventure che lo vedono difendere la famiglia
reale, prevenire bombardamenti nucleari e sfuggire a un assassinio.
Annunciato nel 2009 e dopo aver intrapreso molte incarnazioni, il
film attualmente pianificato avrà come protagonista Liam Neeson nei panni di Frank Drebin Jr., con
Seth MacFarlane come produttore.
Variety fornisce finalmente un
aggiornamento attendibile sul riavvio di Una pallottola
spuntata dopo anni di false partenze, rivisitazioni e
piani scartati falliti. Con il riaffermato coinvolgimento di
MacFarlane e Neeson nel film diretto da Akiva
Schaffer, è stata confermata una data di uscita
provvisoria. Il film uscirà il 18 luglio 2025,
anche se al momento non è chiaro quando inizieranno le riprese.
Con lo stile comico unico di
Una pallottola spuntata, potrebbe essere
difficile immaginare come un regista possa eguagliare l’umorismo
frenetico del film originale, in cui il pubblico è rapidamente
sottoposto a una battuta dopo l’altra a un ritmo travolgente. Dal
primo momento in cui Drebin da solo smantella un incontro segreto
dei più grandi oppositori degli Stati Uniti del 20° secolo, il
pubblico è bombardato da battute che vanno dal crudo e assurdo, al
più lungo e prolungato slapstick. Tuttavia, essendo Schaffer un
veterano esperto di varie produzioni comedy tra cui SNL e Brooklyn
Nine-Nine, il regista potrebbe avere la possibilità di creare il
proprio modo di portare quella comicità nel nostro
contemporaneo.
La sfida più difficile da affrontare
dal riavvio di Una pallottola spuntata potrebbe essere quella
legata al suo protagonista: Frank Drebin Jr. sarà all’altezza
dell’eredità di suo padre? Il ritratto di Frank Derbin da parte di
Nielsen ha visto l’attore cambiare strada dai suoi precedenti ruoli
seri verso un personaggio comico e assurdo che è diventato
leggenda. Liam Neeson potrebbe essere un attore ideale
per il ruolo, avendo dalla sua un curriculum di uomini di legge
seri e orientati all’azione che ha già parodiato in The
Lego Movie e Derry Girls, dimostrando di
poter sovvertire questi ruoli.
Una congrega di ansia e odio che
aumenta di intensità con il passare del tempo e disattiva
gradualmente il pensiero razionale delle persone coinvolte,
trasformandosi in una guerra aperta in cui le strategie più sporche
e ingannevoli sono all’ordine del giorno. È così che si potrebbe
riassumere The
Teacher’s Lounge(La sala
Professori), film diretto da Ilker
Catak, presentato al Festival del
Cinema di Berlino 2023 e candidato all’Oscar nella
categoria del miglior film internazionale.
Al centro della trama di La
sala Professori vi è un incidente scolastico
particolare, che mette in scena una complessa e terrificante
radiografia sociale, in cui il diritto alla privacy, la
responsabilità accademica e la stigmatizzazione sociale vengono
passati al microscopio, con una sapiente critica all’idiosincrasia
e alle politiche di tolleranza zero prevalenti in Germania.
La sala
Professori, la trama: caccia al colpevole
Nella scuola dove
Carla insegna matematica ed educazione fisica, gli
insegnanti e il personale sono preoccupati. Da qualche tempo si
verificano una serie di furti di denaro che non riescono a
risolvere e cominciano a diventare paranoici. A modo loro, cercano
di convincere gli studenti a collaborare, ma questa richiesta li
trasforma in qualche modo in potenziali informatori, cosa che
Carla trova eticamente problematica. Ma come
risolvere il problema?
Le autorità scolastiche e
l’insegnante hanno opinioni diverse sulla situazione. Non esitano a
entrare in classe e a chiedere agli studenti di mostrare il
contenuto dei loro portafogli, cosa di cui Carla è
inorridita. Allo stesso tempo, la scuola deve mantenere un fronte
unito e non mostrare alcuna esitazione di fronte a potenziali
“ladri”. Come affronteranno la situazione? Ben presto la stessa
insegnante inizia a dubitare di tutti, ma se a rubare fossero gli
insegnanti o il personale anziché i ragazzi?
Per verificare se ha ragione,
Carla (Leonie Benesch) prenderà
una decisione difficile. Dopo averlo messo in bella vista nella
sala del personale, lascerà il portafoglio con i soldi nella tasca
del cappotto e se ne andrà in classe. Farà un’altra cosa,
altrettanto o più complicata: lascerà il computer aperto, affinchè
la webcam possa riprendere tutto ciò che accade. Quando torna dalla
lezione, come sospettava, è stata derubata. Gli indizi a cui risale
dalla registrazione della webcam – un braccio, una felpa dal design
preciso – le bastano per arrivare a una presunta soluzione e, senza
troppi problemi, va ad accusare quella che ritiene essere la
diretta interessata: è qui che iniziano i veri problemi.
Un’indagine sul sistema scolastico con ribaltamento di
ruoli
La sala Professori
immagina una situazione complessa in cui non esistono soluzioni o
vie d’uscita facili. Dalla denuncia in poi, le cose si
complicheranno ulteriormente in tutta la scuola: è etico riprendere
il personale con una webcam all’insaputa di tutti? È possibile
accusare qualcuno con avendo un indumento come unica prova? Quali
sono le principali conseguenze di questo modo di lavorare con gli
studenti e di educarli a un sistema di denuncia?
Ben presto, tutto diventa una sorta
di guerra. Da un lato, tra studenti e insegnanti, soprattutto con
Carla. Per quanto si sforzi di essere
“comprensiva”, peggio la situazione diventa per lei. Dall’altro,
tra insegnanti e autorità, che non riescono a trovare un accordo
sull’atteggiamento da tenere nei confronti della situazione. Non
compaiono né i soldi né i colpevoli e l’accusata non solo assicura
che non si tratta di lei, ma si rivolge aggressivamente contro i
suoi accusatori, coinvolgendo altre persone. Persone che forse non
hanno tanti elementi per gestire la situazione.
Çatak riesce a dare
al film un’interessante ambiguità. Non ci sono eroi o cattivi,
almeno non in termini assoluti. Ci sono diversi gruppi di persone
che adottano atteggiamenti discutibili ma, allo stesso tempo,
comprensibili per la loro specifica situazione nell’ecosistema
scolastico. I bambini iniziano a ribellarsi all’autorità, gli
insegnanti non hanno le idee chiare su cosa fare (e non riescono a
mettersi d’accordo tra loro) e quella bella scuoletta che abbiamo
visto all’inizio in cui si canta una canzone del “buongiorno” si
trasforma in un luogo dove dove botte, spintoni, urla, vetri rotti
e minacce aggressive sono all’ordine del giorno.
L’immagine in tensione di La sala
Professori
Con echi di altri film a sfondo
scolastico come Essere
e avere, L’onda e La classe – Entre les
murs, il racconto di The Teacher’s Lounge, che si svolge
interamente all’interno dell’edificio scolastico, presenta
un’escalation di controversie la cui vittima principale non è tanto
l’insegnante accusata o Carla – affiancata contemporaneamente dalla
pressione irriverente dei ragazzi e dall’intransigenza dogmatica
dei colleghi – ma la verità.
Ilker Catak
ambienta il suo nuovo film in una scuola per analizzare nel
dettaglio non solo il comportamento dei bambini, ma anche quello
degli adulti che li educano. Piano piano, La sala
Professori rivela la sua natura di thriller con uno
spirito da mitragliatrice, che spara continui dilemmi morali allo
spettatore senza dargli il tempo di digerirli. Gli insegnanti si
tolgono presto le maschere di cordialità con cui nascondono il loro
turpiloquio, la loro profonda mancanza di umanità, il loro egoismo
e la loro scarsa capacità di educare gli alunni; i genitori fanno
di tutto per ripulire la buona immagine dei figli, anche a costo di
negare le loro colpe; i più giovani replicano il comportamento dei
più anziani con inquietante cattiveria.
Per questo motivo,
Catak opta per una messa in scena di tipo
documentaristico che utilizza la camera a mano, i movimenti veloci
e i primi piani soffocanti come strumenti per mettere in tensione
l’immagine, fino ai titoli di coda, fino a trasformare lo schermo
nel più spaventoso degli incubi; fino a trasformare, insomma, la
sala cinematografica in una cantina di tortura.
Tartarughe Ninja: Caos mutante 2 ha ora
ufficialmente una data di uscita. Basato sui personaggi creati da
Peter Laird e Kevin Eastman,
il sequel sarà diretto da Jeff Rowe ed
è uscito nei cinema lo scorso anno. Il film è stato un successo di
critica e commerciale, soprattutto negli USA, ed è stato confermato
che Michelangelo, Donatello, Leonardo e Raffaello sarebbero tornati
tutti in un sequel.
Ora, Variety riporta che la data di
uscita di Tartarughe Ninja: Caos mutante
2è stata fissata per il 9
ottobre 2026. Il report conferma anche che Rowe tornerà alla guida
del sequel, prodotto da Point Gray Pictures. Oltre a questo, non ci
sono altri dettagli su quello che racconterà il film o sul un
eventuale cast arricchito.
Dall’eterno adolescente
Seth Rogen, il 30 agosto è arrivato al cinema
Tartarughe Ninja: Caos
Mutante. Dopo anni di addestramento nelle arti
marziali, i giovani fratelli Tartaruga emergono dal loro covo
sotterraneo per salvare la città di New York da un gruppo di
criminali che ha preso il controllo delle strade. Con l’aiuto della
loro nuova amica April O’Neil, i fratelli useranno tutte le loro
abilità per lottare contro un esercito di mutanti e dimostrare il
loro valore come eroi. Tartarughe Ninja: Caos Mutante uscirà il 30
agosto solo al cinema.
Il film è diretto da Jeff Rowe e
Kyle Spears da una sceneggiatura scritta da Rowe, Seth Rogen , Evan
Goldberg, Dan Hernandez e Benji Samit. È prodotto da Rogen,
Goldberg e James Weaver. I produttori esecutivi sono Ramsay McBean
e Josh Fagen.
La nuova serie dell’universo di
Star
Wars, The
Acolyte, sarà la prima serie in live action del
franchise a raccontare l’era dell’Alta Repubblica. Si prevede che
gli eventi di questo show si svolgeranno in modo tale che
La Minaccia Fantasma sarà una sorta di prequel e
un progetto che probabilmente getta nuova luce su come i Sith sono
tornati al potere. Continuano a circolare anche delle voci secondo
cui uno dei protagonisti di The
Acolyte sarà destinato a diventare nientemeno che
Darth Plagueis, maestro di Palpatine.
C Magazine (tramite SFFGazette.com)
ha recentemente parlato con Amandla Stenberg e
l’attrice ha ammesso di “provare un po’ più trepidazione di
quanto pensassi” all’idea di unirsi all’universo di Star Wars,
e sembra che la showrunner di The
Acolyte, Leslye Headland
(Russian Doll), le abbia presentato la serie in un
modo che ha reso difficile rifiutarla.
“Tutti i concept della serie
sono stati realizzati con le mie fattezze e Leslye diceva: ‘Ci sto
lavorando da circa tre o quattro anni per te. Non so cosa farò se
non lo fai”. Fallo. Nessuna pressione.” Sarà
Stenberg la Jedi Padawan da cui prende il nome The
Acolyte e l’attrice e musicista ha continuato ad anticipare la
portata della storia che la serie racconterà, suggerendo che ci
vuole un tuffo profondo nei meccanismi interni della Forza e di
coloro che la usano.
“Nel contesto dell’universo di Star Wars, in teoria è un
momento di grande pace”, dice dell’era dell’Alta
Repubblica.“È anche il momento di un’istituzione, ed è
un momento in cui le concezioni intorno alla Forza sono molto
rigide. E penso che ciò che stiamo cercando di esplorare
all’interno del nostro spettacolo è quando un’istituzione ha una
concezione singolare di come il potere può essere utilizzato.
Cerchiamo di fornire molte prospettive e risposte diverse a questa
domanda. L’idea è quella di onorare l’etica di Star Wars e le idee
sulla Forza e anche sfidarle, si spera in modo armonioso.”
Chi è il cast di Star Wars:
The Acolyte?
Star Wars: The Acolyte è scritto e prodotto
esecutivamente da Leslye Headland (Russian Doll), che sarà anche
showrunner. Insieme alla Stenberg ci sono Lee
Jung-jae (Squid
Game),
Dafne Keen (His Dark Materials), Rebecca
Henderson (Inventing Anna), Dean-Charles
Chapman (1917), Carrie-Anne Moss (The Matrix), Manny
Jacinto (The Good Place), Jodie Turner-Smith (After Yang),
Charlie Barnett (Russian Doll) e l’ex stao della
trilogia sequel di Star Wars, Joonas Suotama, che
interpreta un nuovo personaggio sotto forma di maestro Jedi
Wookiee.
Tutto quello che sappiamo su Star Wars:The Acolyte
Star Wars:The Acolyte è l’annunciata
serie tv parte del franchise di Star Wars creata
da Leslye Headland. La serie tv è ambientato alla
fine dell’era dell’Alta Repubblica prima degli eventi dei
principali film di Star
Wars.
Star Wars:The Acolyte è ambientato
alla fine dell’era dell’Alta Repubblica in un mondo di “segreti
oscuri e poteri emergenti del lato oscuro”, circa 100 anni prima di
Star Wars: Episodio I – La minaccia fantasma (1999). Un’ex
Padawan si riunisce con il suo Maestro Jedi per indagare su una
serie di crimini, ma le forze che affrontano sono più sinistre di
quanto avessero mai previsto.
Nel cast della serie tv protagonisti sono
Amandla Stenberg come ex padawan, Lee
Jung-jae come Maestro Jedi, Manny Giacinto,
Dafne Keen come una giovane Jedi,
Jodie Turner-Smith, Rebecca Henderson
nei panni di Vernestra Rwoh, un cavaliere Jedi prodigio.
Charlie Barnett come un giovane Jedi,
Dean-Charles Chapman,
Carrie-Anne Moss come una Jedi,
Margherita Levieva, Joonas Suotamo nei panni di
Kelnacca, un maestro Jedi Wookiee.
Disney+ è la casa dedicata allo streaming di
film e serie di Disney, Pixar, Marvel, Star
Wars, National Geographic e Star, compresi gli
esclusivi Disney+
original.
Dal 6 marzo, I
Simpson tornano con la 34a stagione completa, solo su
Disney+. Un nuovo film originale
intitolato Madu è in arrivo il 29 marzo solo su
Disney+.
Il film segue il dodicenne Anthony Madu mentre lascia la
sua casa in Nigeria per studiare in una delle più prestigiose
scuole di danza classica del mondo. Il suo viaggio è una storia di
coraggio, crescita, ostacoli straordinari, una complicazione
inaspettata che minaccia i suoi sogni e, infine, la sua ricerca di
appartenenza.
What We Do in the Shadows, la serie televisiva comedy-
horror targata FX, tornerà con la sua quinta e ultima stagione il
20 marzo su Disney+.
Il film originale in esclusiva su
Disney+ dal 15 marzo
Taylor Swift | The Eras Tour
(Taylor’s Version), il
film concerto per la prima volta in versione integrale e che
include il brano “cardigan” e quattro canzoni acustiche aggiuntive,
farà il suo debutto in streaming il 15 marzo 2024, solo su Disney+. L’esperienza cinematografica
dell’artista 14 volte vincitrice di un GRAMMY, Taylor Swift | The
Eras Tour, diretto da Sam Wrench, ha incassato più di 260 milioni
di dollari al botteghino mondiale, diventando il film concerto con
il più alto incasso di tutti i tempi.
Le serie tv in arrivo a Marzo 2024
su Disney+
Morte e altri dettagli
La prima stagione completa in
streaming dal 5 marzo
Morte e altri dettagli è incentrato
sulla brillante e irrequieta Imogene Scott (Violett Beane), che si
ritrova nel posto sbagliato/nel momento sbagliato (ok, è stata un
po’ colpa sua) e diventa la prima sospettata in un misterioso
omicidio. L’ambientazione? Un transatlantico del mediterraneo
sontuosamente restaurato. I sospetti? Ogni ospite e ogni membro
dell’equipaggio. Il problema? Per dimostrare la sua innocenza, deve
collaborare con un uomo che disprezza: Rufus Cotesworth (Mandy
Patinkin), il più grande detective del mondo.
EXTRAORDINARY
La seconda stagione completa della
serie originale in streaming dal 6 marzo su Disney+
Dopo le rivelazioni della prima
stagione, il gruppo di ragazzi si impegna nel difficile percorso
verso l’età adulta. Mentre Carrie e Kash riallacciano il loro
rapporto platonico e cercano di trovare la propria strada
individualmente, Jizzlord tenta di scoprire quale sia il suo vero
obiettivo. Jen, invece, si impegna a migliorare se stessa, sfida
non semplice vista la sua tendenza all’autosabotaggio.
X-Men ‘97
La nuova serie Marvel Animation in streaming dal
20 marzo
X-Men ’97 dei
Marvel Studios è il seguito dell’amato
classico degli anni ‘90 X-Men: The Animated Series, con storie
inedite sui mutanti più amati dal pubblico. Beau DeMayo è
produttore esecutivo e capo-sceneggiatore.
Nell – Rinnegata
La serie originale in streaming dal
29 marzo con tutti gli episodi
Nell Jackson, una giovane donna
scaltra e coraggiosa, si ritrova incastrata per un omicidio e
diventa inaspettatamente la più famosa fuorilegge dell’Inghilterra
del XVIII secolo. Ma quando appare uno spirito magico chiamato
Billy Blind, Nell capisce che il suo destino è più grande di quanto
avesse mai immaginato.
I TITOLI DI MARZO DI NATIONAL
GEOGRAPHIC
GENIUS: MLK/X
La nuova stagione completa della
serie originale National Geographic in streaming dal 13 marzo
La nuova stagione della serie
antologica vincitrice del premio Emmy, intitolata GENIUS: MLK/X, si
concentra su due figure iconiche: Martin Luther King Jr.
(interpretato da Kelvin Harrison Jr.) e Malcolm X (interpretato da
Aaron Pierre). La serie ripercorre gli anni della formazione
influenzati da padri forti e ingiustizie, e le storie complesse e
complementari che hanno plasmato le loro identità e rendendoli il
cambiamento che desideravano vedere nel mondo.
Questa serie offre uno sguardo
intimo sulle loro vite, mostrandoli non solo come leader pubblici,
ma anche come mariti, padri, fratelli e figli, mettendo in luce la
loro umanità dietro le iconiche figure. Con le loro formidabili
mogli, Coretta Scott King (interpretata da Weruche Opia) e Betty
Shabazz (interpretata da Jayme Lawson), al loro fianco, King e X
emergono come due visionari che hanno guidato un movimento.
QUEENS: LE REGINE DELLA
NATURA
La prima stagione completa della
docuserie National Geographic in streaming dal 5 marzo.
I luoghi più selvaggi del pianeta
hanno sempre ospitato potenti leader, ma questa è la storia di un
nuovo eroe: feroce, intelligente, resistente e… femminile. QUEENS:
LE REGINE DELLA NATURA racconta le matriarche e le leader di tutto
il mondo per mostrare una storia di sacrificio e resilienza, ma
anche di amicizia e amore. Queste regine non sono sempre gentili o
delicate e non lasciano che nulla si frapponga tra loro e il
successo e la sicurezza delle loro famiglie. Guidata dalla potente
narrazione della pluripremiata attrice Angela Bassett, QUEENS: LE REGINE DELLA NATURA
mette a fuoco per la prima volta il mondo naturale attraverso la
lente femminile.
La serie, realizzata in quattro
anni e con un team di produzione composto da donne provenienti da
tutto il mondo – una novità assoluta nel settore della storia
naturale – si avvale di tecnologie all’avanguardia per rivelare
come le popolazioni femminili del mondo naturale salgono al potere,
spesso affidandosi alla cooperazione e alla saggezza piuttosto che
alla forza. L’episodio finale della serie celebra le donne che si
sono spinte fino ai confini della Terra e hanno dedicato la loro
vita a documentare e proteggere le regine animali. Non per niente
viene chiamata Madre Natura. Rendiamo omaggio alle regine.
IN GROENLANDIA CON ALEX
HONNOLD
Tutti gli episodi della serie
targata National Geographic in streaming dal 27 marzo.
Alex Honnold (Free Solo) si imbarca
in un’epica ricerca di pareti mai scalate prima in uno degli angoli
più remoti della Groenlandia, un paese in prima linea nella crisi
climatica. Honnold ha sempre sognato di esplorare la Groenlandia e
le sue vette. Ora, insieme agli scalatori di fama mondiale Hazel
Findlay e Mikey Schaefer, tenta di raggiungere la vetta
dell’Ingmikortilaq, una falesia artica mai scalata che si erge da
una regione selvaggia e ghiacciata e oltre 300 metri più alta
rispetto a El Capitan di Free Solo.
Per Honnold, da tempo attivista per
il clima, questa spedizione non è solo un’arrampicata. È
un’opportunità per testimoniare in prima persona l’impatto del
cambiamento climatico su una regione selvaggia di vitale importanza
per il futuro del pianeta. Con l’aiuto della dottoressa Heïdi
Sevestre, una glaciologa che lavora con l’Arctic Monitoring and
Assessment Program, della guida groenlandese Adam Kjeldsen e del
famoso esploratore Aldo Kane, il team utilizza uno speciale radar
per misurare in tempo reale la profondità e la densità di una
sezione raramente studiata della calotta glaciale della
Groenlandia. IN GROENLANDIA CON ALEX HONNOLD è una spedizione
scientifica in tre parti condotta da uno dei più grandi scalatori
del mondo per inseguire il sogno di una vita.
Photographer
Tutti gli episodi della serie
targata National Geographic in streaming dal 19 marzo.
Photographer è una docuserie in sei
episodi realizzata dai registi Jimmy Chin e Chai Vasarhelyi,
vincitori di un Academy Award e di un Emmy Award, che guida il
pubblico in un viaggio al fianco dei più straordinari narratori
visivi del mondo. Ogni episodio, della durata di un’ora, segue la
vita di un fotografo iconico, dai primi anni della sua infanzia e
carriera fino alla sua vita e alle sue imprese attuali.
Attraverso l’intreccio di
retroscena, archivi, interviste e filmati veritieri delle loro
missioni attuali, gli spettatori potranno approfondire il processo
creativo di ogni fotografo, scoprendo come si sono avvicinati alla
fotocamera e come hanno dato vita a immagini diventate
iconiche.
Le riprese dal set di
Daredevil:
Born Again a New York ci hanno fornito davvero
tantissimi spoiler, indiscrezioni e conferme per quello che
succederà e soprattutto per chi ci sarà nella nuova serie Disney+.
Abbiamo visto una possibile morte di un personaggio importante, il
ritorno di The Punisher, uno scontro tra Daredevil e Bullseye,
Tigre Bianca in azione e qualcuno che somigliava moltissimo a
Muse.
Ora, abbiamo un aggiornamento sul
casting che getta nuova luce su chi si nasconde sotto la sinistra
maschera del cattivo. Per mesi circolavano voci che attribuivano il
ruolo a Hunter Doohan (Mercoledì,
Your Honor) e ora sembra
che il piano sia confermato.
Muse è una creazione relativamente
nuova nel mito di Daredevil che, nei fumetti, è un artista
squilibrato che schernisce le forze dell’ordine e l’Uomo Senza
Paura mettendo in scena elaborate scene del crimine con i resti
delle sue vittime. A giudicare da ciò che abbiamo visto nelle foto
dal set, la versione del MCU ha anche un problema con
Kingpin, cosa che lascia potenzialmente l’Uomo Senza Paura
intrappolato tra i due cattivi. Ci sono un sacco di cattivi
classici che i Marvel Studios avrebbero potuto scegliere per
questa serie; e così accanto ai classici Wilson Fisk e Bullseye, ci
saranno anche altri personaggi oscuri e contorti.
Lo sceneggiatore di The Punisher,
Dario Scardapane, sarebbe salito a bordo come nuovo showrunner
della serie Daredevil:
Born Again, ma la notizia non è ancora stata
ufficializzata.
I dettagli specifici della trama
sono ancora nascosti, ma sappiamo che Daredevil:
Born Again vedrà Matt Murdock/Daredevil
(Charlie
Cox) confrontarsi con la sua vecchia nemesi
Kingpin (Vincent
D’Onofrio), che abbiamo visto tornare di corsa a New
York nel finale di stagione di Echo. È probabile che Fisk sia in corsa per
la carica di sindaco di New York o che sia già stato nominato a
tale carica quando la storia prenderà il via.
Non è previsto che la serie
Daredevil:
Born Again si protragga per i 18 episodi inizialmente
annunciati. Secondo una recente indiscrezione, la serie dovrebbe
andare in onda per 9 (forse 6)
episodi prima di fare una pausa a metà stagione. Daredevil:
Born Again
non ha ancora una data di uscita ufficiale, ma è ancora inserita
nel calendario aggiornato della Disney per il 2024.
Sebbene i Marvel Studios abbiano un solo film
MCU in uscita nei cinema
nel 2024 (Deadpool e Wolverine), i prossimi due
anni si preannunciano come un periodo molto impegnativo per
l’universo cinematografico Marvel, mentre ci avviamo verso il
prossimo film collettivo di Avengers.
Anche se negli ultimi tempi gli aggiornamenti ufficiali sui
prossimi progetti sono stati pochi e sporadici, via CBM abbiamo alcune voci
interessanti da condividere. Secondo l’affidabile insider
Daniel Richtman, il gruppo di supercriminali noto
come Serpent Society è stato completamente rimosso
da
Captain America: Brave New World durante
quelle che sembrano riprese piuttosto estese. Non è la prima
volta che sentiamo questo rumor, ma altri scooper hanno affermato
che lo screening time della squadra è stato semplicemente ridotto,
non tagliato del tutto.
Sembra lecito supporre che questi
personaggi non avrebbero avuto un ruolo importante nel film, in
ogni caso, e rimuovere un’intera sottotrama in uno stadio così
avanzato della produzione non è certamente un evento regolare
(sebbene anche Daredevil: Born Again abbia
subito importanti cambiamenti creativi). Sembra che anche la
battaglia finale di Brave New World sia stata modificata in modo
significativo.
Richtman sostiene inoltre che il
progetto Young Avengers attualmente in sviluppo
sarà sicuramente un film e non una serie Disney+ o una presentazione speciale, e
ha sentito che la Marvel sta lavorando su una
nuovissima IP per il debutto nel 2026. Non abbiamo altri
dettagli, ma si ritiene che questo progetto riguardi un personaggio
che deve ancora apparire nel MCU.
Quello che sappiamo sul film
Captain America: Brave New World
Captain America: Brave New World riprenderà da
dove si è conclusa la serie Disney+The Falcon and the
Winter Soldier, seguendo l’ex Falcon Sam Wilson
(Anthony Mackie)
dopo aver formalmente assunto il ruolo di Capitan America. Il
regista Julius Onah (Luce, The Cloverfield
Paradox) ha descritto il film come un “thriller
paranoico” e ha confermato che vedrà il ritorno del Leader
(Tim Blake Nelson), che ha iniziato la sua
trasformazione radioattiva alla fine de L’incredibile Hulk
del 2008.
Secondo quanto riferito, la star di
Alita: Angelo della BattagliaRosa
Salazar interpreta la cattiva
Diamondback. Nonostante dunque avrà degli elementi
al di fuori della natura umana, il film riporterà il Marvel Cinematic
Universe su una dimensione più terrestre e realista, come già
fatto anche dai precedenti film dedicati a Captain America. Ad ora,
Captain America: Brave New World è indicato come uno
dei titoli più importanti della Fase 5.
La cultura tradizionale giapponese
ha sempre instillato una certa curiosità nel pubblico europeo.
Shōgun, già dai suoi primi due episodi
dimostra l’intento di voler rappresentare, nella maniera più fedele
possibile, il Giappone del 600. La serie, formata al
momento da una stagione da dieci episodi, è una trasposizione
cinematografica dell’omonimo romanzo di James Clavell, il quale a sua volta
è ispirato a fatti realmente accaduti.
La distribuzione, sia negli Stati
Uniti che nel resto del mondo, è stata programmata con l’uscita di
un episodio ogni settimana, con l’arrivo del finale di stagione
previsto il 23 aprile. Nel cast ritroviamo figure già note nel
panorama cinematografico nazionale e internazionale. L’attore e
cantautore americano Cosmo Jarvis qui interpreta
John Blackthorne, un navigatore inglese che riesce
a trovare la rotta nascosta per il Giappone, mentre
Hiroyuki Sanada (Bullet
Train,John Wick
4) qui è nel ruolo del nobile Yoshii Toranaga.
Shōgun: l’arrivo nel
nuovo mondo
La narrazione si apre su un
vascello, nel 1600. La nave olandese, ormai persa nel lungo viaggio
verso il nuovo mondo conquistato dai portoghesi cattolici, è ormai
abbandonata a sé stessa. Lo stesso capitano, sentendosi sconfitto
si suicida; i pochi marinai rimasti sono allo stremo delle forze.
Finalmente, trasportato dalla corrente, il vascello giunge in
Giappone: ciò che trovano qui è, però, molto diverso da ciò che i
“civilizzati” europei si aspettavano.
La società giapponese non sembra
certo essere barbara e selvaggia, bensì è caratterizzata da una
forte organizzazione. Qui l’onore e l’osservanza della giusta forma
sembrano avere un’importanza di gran lunga maggiore rispetto ai
paesi europei. Tra tutti i momenti in cui i marinai inglesi e
olandesi potevano giungere nel nuovo mondo questo sembra essere il
peggiore: alla presenza ostile dei portoghesi, determinati a
mantenere il proprio controllo sui ricchi territori, si aggiungono
le viscerali lotte politiche interne. Alla morte dell’imperatore,
in mancanza di un erede abbastanza grande da governare, un
consiglio di reggenti è stato istituito. Ogni membro finisce
inevitabilmente a pensare solamente ai propri interessi, portando
discordia e instabilità: il primo membro ad essere isolato è
Toranaga.
Le vicende di John Blackthorne e di
Toranaga finiranno per intrecciarsi, portando nuovi risvolti nei
giochi di potere giapponesi.
Ognuno è barbaro per l’altro
Un elemento che può far riflettere
in Shōgun è il modo in cui si
percepiscono a vicenda i nuovi arrivati europei e i giapponesi. Si
tratta di due popoli differenti, con tradizioni e usanze molto
diverse tra loro.
Appena approdato in Giappone, John
Blackthorne è convinto di avere a che fare con dei selvaggi
incivili ed ignoranti, tanto da cercare di imporsi pur trovandosi
in minoranza. L’arroganza tipica dei colonizzatori europei sembra
emergere violentemente, finché lo stesso inglese realizzerà la
grande importanza per i valori e la fermezza di questo popolo. Un
momento epocale si riscontra sicuramente nella scena in cui
Kashigi Yabushige, buttatosi da una scogliera per
salvare un navigatore spagnolo, sta per annegare in mare e, non
vedendo via di scampo alla morte, estrae la spada per
uccidersi.
Dall’altro lato, gli stessi
giapponesi guardano Blackthorne con un certo disprezzo, misto a
curiosità. Ciò porta lo spettatore a riflettere su come l’essere
umano percepisca in prima battuta il diverso come sempre peggiore.
Nel corso del secondo episodio si vedrà invece come il navigatore
inglese inizi a comprendere la cultura giapponese, e come anche gli
stessi giapponesi inizino ad ascoltare ciò che John ha da dire e a
trattarlo degnamente.
La rappresentazione della cultura
giapponese
In Shōgun
è chiara fin da questi primi due episodi la grande attenzione per i
dettagli, garantendo una rappresentazione il più fedele possibile
del Giappone del 600. Ciò si nota sia nei
costumi tradizionali, nelle
armature, ma anche nelle scenografie. L’ambiente creato sembra
così essere estremamente coinvolgente per lo spettatore.
A questo si aggiunge anche la cura
con cui viene presentata la cultura stessa giapponese: l’importanza
del rispetto e della devozione ai propri superiori. Un esempio di
ciò si ritrova nel primo episodio di
Shōgun: un giovane al servizio di
Toranaga interviene in sua difesa al cospetto del consiglio dei
reggenti per difenderlo e nell’offendere il reggente Ishido deve
sacrificare il proprio figlio, per porre fine alla propria
discendenza.
I primi due episodi di
Shōgun hanno gettato le basi per una
narrazione molto interessante, e lo stesso finale del secondo
lascia così tanto in sospeso da instillare il forte desiderio di
proseguire nella visione, ma per farlo non resta che aspettare con
ansia il 5 marzo per il terzo episodio!
La star di Dune:
Parte Due
Rebecca Ferguson ha rivelato di essersi rifiutata di
lavorare con un ex co-protagonista dopo che questo è esploso di
rabbia mentre giravano una scena e, come ci si potrebbe aspettare,
le speculazioni dilagano online.
Durante l’intervista per il podcast
Reign with Josh Smith, a Rebecca Ferguson
è stato chiesto quando si è sentita “più orgogliosa di usare la
propria voce”. L’attrice ha ricordato di aver lavorato con un
“assoluto idiota” che si è sentito frustrato durante le
riprese di una scena e se l’è presa con lei “urlando” e dicendo:
“e tu non dovresti essere un’attrice?”.
Il giorno successivo, Ferguson ha
mandato l’individuo in questione a quel paese e ha chiarito con i
produttori che avrebbe recitato in una scena con lui solo se si
fosse girato di spalle. “E poi ricordo che i produttori si
avvicinarono e dissero: ‘Non puoi fare una cosa del genere al
numero uno. Dobbiamo lasciare che questa persona sia sul set.’ E ho
detto: “La persona può girarsi e io posso recitare dietro la
testa”. E l’ho fatto. Ero così spaventata. Lo sento ancora ora
mentre lo dico.”
Rebecca Ferguson non ha specificato se si
trattasse di un co-protagonista maschile o femminile, ma Internet
ritiene di aver ristretto le possibilità a questi nomi:
Dwayne
“The Rock” Johnson,
Michael Fassbender,
Hugh Grant e Jake Gyllenhaal.
The Rock, che ha lavorato con Ferguson su
Hercules, ha risposto alla dichiarazione
dimostrando solidarietà per la co-star.
Hate seeing this but love seeing her stand
up to bullshit. Rebecca was my guardian angel sent from heaven on
our set. I love that woman. I’d like to find out who did this.
Sembra che
Hugh Grant sia il “colpevole” più accreditato, dal momento che
i due hanno lavorato insieme in Florence Foster Jenkins. Su quel set, in cui
“il numero 1” era sicuramente Meryl Streep,
Ferguson ha recitato al fianco di Grant in una scena in cui non era
coinvolta Streep, e quindi è probabile che quel giorno fosse lui il
numero 1 sul set. Inoltre Grant ha confermato di essersela presa
con una sua co-star in maniera eccessiva, senza però specificare
chi fosse, il primo giorno su un set. Sarà quindi Hugh Grant
“l’idiota” di cui parla Rebecca Ferguson?
Dopo oltre due anni di attesa,
Dune –
Parte due (qui
la nostra recensione) è finalmente arrivato in sala, a partire
dal 28 febbraio. Denis Villeneuve
riporta così sul grande schermo il pianeta sabbioso dove si
svolgono gli eventi che vedono contrapposti gli Atreides, gli
Harkonnen e i Fremen, insieme ad altre numerose forze in gioco per
il controllo non solo della preziosa spezia ma anche dell’intero
universo conosciuto. Tratto dal primo romanzo del Ciclo di
Dune di Frank Herbert, il film uscito nel 2021
(qui
la recensione) aveva introdotto tutto ciò, mentre questo
secondo film adatta invece gli ultimi capitolo del libro, portando
ad un finale inaspettato che conduce direttamente agli eventi di
Dune: Messiah.
La profezia del Kwisatz Haderach
Dune – Parte due, sostanzialmente,
ruota intorno alla profezia del Kwisatz Haderach,
ovvero una sorta di Messia la cui venuta i Fremen attendono da
tempo in quanto costui sarà in grado di liberarli dagli invasori e
riportare l’ordine e la giustizia nell’Universo. Lady
Jessica (Rebecca
Ferguson) favorisce il diffondersi della convinzione
che sia proprio suo figlio Paul Atreides (Timothée
Chalamet) il Messia. La donna ha infatti acquisito
sempre più potere dopo essere diventata la Reverenda
Madre, bevendo il liquido fatale per gli uomini noto come
Acqua della Vita. Grazie ad esso, eredita i
ricordi di tutte le antenate della sua linea genetica.
All’insaputa di tutti, Jessica è
però incinta e l’Acqua della Vita risveglia prematuramente la mente
di sua figlia prima della nascita. A seguito di ciò, Jessica inizia
ad avere conversazioni spirituali con la bambina che porta in
grembo e ritiene che gli abitanti del Nord di Arrakis debbano
essere convinti per primi della profezia, a partire dai più deboli
di mente. Dopo aver compiuto ciò, si sposta poi nel sud del
pianeta, presso i Fremen integralisti. Quando anche Paul si vede
costretto a rifuggiarsi presso i Fremen del sud di Arrakis, va
infine incontro al suo destino.
Qui, contro il volere di
Chani (Zendaya),
Paul consuma l’Acqua della Vita e cade in coma, sopravvivendo però
al veleno e risvegliandosi con un senso più chiaro del passato e
del futuro. Nel suo sonno, Paul ha anche avuto una visione di sua
sorella Alia (Anya
Taylor-Joy) e ha realizzato che il
Barone (Stellan
Skarsgård) è in realtà suo nonno materno. Quando tutto
ciò che avevano profetizzato viene dunque confermato dalle azioni
di Paul, i Fremen diventano fedeli seguaci, credendo che egli li
condurrà in Paradiso. L’imperatore Padishah Shaddam
IV (Christopher Walken),
venuto però a conoscenza dell’ascesa di un potente soldato Fremen
chiamato Muad’Dib, si reca sul pianeta in cerca di
spiegazioni.
Come nel romanzo, il film si
conclude con l’imperatore Shaddam IV che arriva su Arrakis per
affrontare la ribellione dei Fremen e punire gli Harkonnen per non
aver fatto il lavoro sporco. Paul e i Fremen usano però proprio in
quel momento i sandworm e le armi atomiche della famiglia Atreides
per invadere Arrakeen, la capitale di Arrakis, e riprendere il
potere. Una volta conquistata facilmente la capitale, Paul fa il
suo ingresso nel palazzo principale e uccide il Barone, colpevole
di aver fatto assassinare suo padre. Compiendo ciò, però, Paul ha
anche ucciso la persona che era attualmente a capo di Arrakis.
Paul afferma però a quel punto di
essere egli il Duca di Arrakis succeduto a suo padre Leto, perché
tecnicamente l’invasione del pianeta che ha massacrato la sua
famiglia era illegale. Paul afferma inoltre che salirà al trono
sposando la Principessa Irulan (Florence
Pugh), figlia dell’Imperatore, manifestando dunque la
volontà di non accontentarsi di Arrakis ma di voler spodestare
l’attuale imperatore per prendere il suo posto. Per tentare di
impedirlo, Feyd (Austin
Butler), è chiamato a combattere come campione
dell’Imperatore, il che significa che, per procura, se Paul uccide
Feyd, otterrà il trono.
Lo scontro è violento e senza
esclusione di colpi ma ben presto la forza fisica di Feyd sovrasta
Paul, ferendolo quest’ultimo con la lama dell’Imperatore. Tuttavia
Feyd commette l’errore di distrarsi spostando la propria attenzione
su Chani, che individua come la favorita di Paul. Così facendo,
permette a quest’ultimo di rialzarsi e – spinto dal desiderio di
proteggere Chani – di ferirlo mortalmente. Morendo Feyd, muoiono
anche le speranze dell’Imperatore di vedere eliminato il suo
principale nemico. Shaddam IV si vede dunque costretto ad
inginocchiarsi e riconoscere Paul come nuovo sovrano.
La Guerra Santa ha inizio nel finale di Dune – Parte
due
Ma la vittoria di Paul non significa
che le altre Grandi Case dell’Impero accettino
senza protestare la sua ascesa al trono. Durante il duello di Paul
con Feyd-Rautha, queste erano infatti in attesa, in orbita intorno
ad Arrakis, convocate dall’Imperatore. Quando Paul uccide Feyd,
ordina a Gurney (Josh
Brolin) di informare le Grandi Case che è lui il loro
nuovo sovrano. Queste, tuttavia, replicano che si rifiutano di
onorare la sua ascesa come Imperatore, cosa che spinge un sempre
più agguerrito Paul ad ordinare al suo esercito di Fremen di
“mandarli in Paradiso”.
Così facendo, Paul dà
sostanzialmente inizio ad una guerra di proporzioni universali, di
fatto rendendo concrete le visioni avute precedentemente nel film.
Queste vedevano milioni di persone morire di fame in una galassia
devastata e tutto per causa sua. Pur temendo questo possibile
scenario futuro e nonostante gli iniziali tentativi per evitarlo,
Paul sembra dunque aver infine ceduto – dopo aver bevuto l’Acqua
della Vita – a quello che ritiene essere il suo destino, per quanto
spaventoso esso sia. Lady Jessica, dialogando con la nascitura
Alia, riflette dunque sul fatto che questo è l’inizio della Guerra
Santa di Muad’dib.
Chi non accetta tutto ciò è Chani,
sentimentalmente ferita da Paul che nonostante le abbia dichiarato
che la amerà per sempre, ha scelto di perseguire un matrimonio di
convenienza con la Principessa Irulan. Chani, che non crede nelle
profezie dei Fremen e le ritiene solo un modo per soggiogare il
popolo, è spaventata da ciò che Paul sta diventando, ritrovando in
lui quel fanatismo che tanto la spaventa dei suoi simili. Sceglie
dunque di non prendere parte alla sua guerra, non sentendola
propria, e di intraprendere piuttosto un proprio percorso verso
mete ancora ignote, che solo l’atteso Dune – Parte tre potrà svelare.
Il finale di Dune – Parte
due porta dunque a conclusione il racconto presente nel primo
libro del Ciclo di Dune, con la Guerra Santa poi narrata
nel suo seguito, Dune: Messiah. Il nuovo film diretto da
Villeneuve adatta dunque gli ultimi capitoli del primo romanzo di
Herbert dando maggior risalto a temi come il destino, il fanatismo
religioso e le guerre ideologiche. Il finale ci presenta inoltre
una sorta di “evoluzione negativa” per Paul, che sembra perdere i
propri valori positivi e acquisire invece una natura spietata. Con
un protagonista di questo tipo, idolatrato ciecamente e dotato di
un potere enorme, sarà interessante scoprire quali risvolti potrà
prendere il prossimo film.
Il duca Leto Atreides –
interpretato nel film del 2021 Dune da Oscar Isaac – è stato eliminato in quanto
intendeva governare Arrakis secondo le regole del cuore. È quanto
viene pronunciato dall’Imperatore Shaddam IV di Christopher
Walken in Dune –
Parte due, il tanto atteso sequel ora finalmente al
cinema. Un’affermazione che può tranquillamente essere estrapolata
dal suo contesto e utilizzata come una chiave di lettura
dell’intero film, il quale
mette da parte “le regole del cuore” per fare ampio sfoggio del
controllo estetico e tecnico. Cosa che certamente sazia l’occhio,
ma fa risultare piuttosto arido emotivamente l’intero film.
Il regista Denis
Villeneuve (Arrival, Blade Runner
2049) ci riporta dunque nell’universo immaginato negli
anni Sessanta dallo scrittore Frank Herbert,
adattando insieme a Jon Spaihts la seconda e la
terza parte del primo romanzo del Ciclo di Dune. Nel far
ciò, disponendo di un budget ancor più imponente di quello avuto
per il precedente film, Villeneuve tiene fede alle sue promesse di
dar vita ad una Parte due concepita come un’epica opera di
guerra, in contrapposizione alla Parte Uno invece più
contemplativa. Alla ricercatezza estetica si aggiunge dunque qui
una maggior dose di azione, ma la saga continua appunto ad apparire
così controllata da soffocare ogni emozione.
La trama di Dune –
Parte due
Timothée Chalamet e Austin Butler in una scena di Dune – Parte due.
Dune – Parte
due riprende lì dove il precedente film si
interrompeva. In seguito alla sua fuga nel deserto di Arrakis
insieme a sua madre Lady Jessica e ai
Fremen, Paul Atreides inizia a
tramare la sua vendetta contro il malvagio barone Vladimir
Harkonnen e di conseguenza contro l’imperatore
Shaddam IV che ha con lui ordito il piano per
distruggere casa Atreides. Prima, però, Paul dovrà imparare a
conoscere approfonditamente lo spirito del deserto, proseguendo la
sua formazione come Fremen e accettando il proprio ruolo di
“Mahdi”, ovvero il messia profetizzato dal popolo del deserto.
Nell’assumere tale potere, dovrà tuttavia compiere scelte
estremamente dolorose.
L’epopea visiva di
Dune
Dune è senza dubbio la
grande saga di fantascienza dei nostri tempi (assieme ad
Avatar di
James Cameron). Lo è per le ambizioni che
Villeneuve dimostra nelle sue idee di messa in scena; per la sua
ostinata fedeltà al romanzo di Herbert; per la sua ricerca
dell’elemento materiale accanto all’effetto speciale in CGI; per il
suo pretendere il meglio dal comparto del sonoro, della
scenografia, della fotografia e da ogni altro aspetto tecnico; per
il suo dimostrare i forti richiami al presente di un racconto
composto ormai circa sessant’anni fa; ma soprattutto per il suo
essere un’opera con precisi intenti autoriali rivolta però ad un
pubblico di massa.
Bastano queste caratteristiche a
rendere Dune – inteso nella sua totalità – un’opera da
elogiare, in quanto si pone degli obiettivi indubbiamente
affascinanti e non alla portata di tutti. Villeneuve – ormai da
identificare insieme a Christopher Nolan quale autore capace di
apportare la propria autorialità al film di genere e ancor di più
al blockbuster – dedica evidentemente anima e corpo al dar forma
all’iconografia duniana, riprendendo con Dune – Parte
due i discorsi estetici e narrativi del film precedente e
puntando con maggior vigore su una spettacolarità visiva che senza
troppe sorprese dimostra di avere pochi eguali al giorno
d’oggi.
I Vermi delle Sabbie in una scena di Dune – Parte Due.
Con questo nuovo Dune –
Parte due si compie dunque un viaggio nei luoghi
sacri di Arrakis, negli spigolosi e cupi palazzi del potere, si
attraversano imponenti anfiteatri per gladiatori e vasti campi di
battaglia, il tutto rigorosamente al galoppo dei mastodontici vermi
della sabbia. E ancora, entusiasmanti campi lunghi, eloquenti primi
piani, sperimentazioni visive: Villeneuve propone un più vasto
campionario di scenari che spezza in parte la monotonia
iconografica del precedente film, rendendo ulteriormente
affascinante un mondo già dimostratosi convincente nel 2021 e che
difficilmente mancherà di entusiasmare lo spettatore interessato a
ritrovare tali aspetti.
L’evoluzione di Paul Atreides
Altrettanto stimolante è poi ciò
che Dune – Parte Due vuole narrarci,
facendo prevalere ulteriormente l’aspetto politico e religioso
dell’opera di Herbert riguardo tematiche come lo sfruttamento delle
risorse, il soggiogamento con la paura di un popolo e la cieca
convinzione di quest’ultimo nell’arrivo di un Messia in grado di
ripristinare il paradiso terrestre. Tematiche con più richiami al
nostro contemporaneo che non a quello in cui Herbert scrisse
Dune e di cui facciamo esperienza attraverso lo sguardo di
un Paul Atreides che, seppur in modo brusco, compie un ulteriore
evoluzione come eroe tormentato e ambiguo, in modo forse
diametralmente opposto a ciò che era suo padre.
Come si accennava in apertura,
questo grandioso sfoggio estetico e il suo maniacale controllo
portano Dune – Parte due a riproporre
quello che era anche il principale “difetto” del primo film, ovvero
un eccesso di rigore che smorza il coinvolgimento emotivo. Non
bisogna però pensare che Villeneuve sia un regista freddo e
distaccato, né che i personaggi del film siano privi di un loro
complesso mondo interiore, ma l’ambizione di restituire tutto nel
modo più preciso, fedele e sorprendente possibile soffoca il cuore,
così come Paul soffoca i propri sentimenti per Chani.
Non sorprende dunque che proprio in
quest’ultima sia facile identificarsi. Spettatrice impotente della
perversa grandezza a cui Paul si sta abbandonando, Chani si rivela
essere il cuore ferito e messo da parte del racconto, un aspetto
che
Zendaya restituisce con struggente trasparenza grazie
ad uno sguardo corrucciato, labbra tremolanti o sospiri che valgono
più di mille parole. Proprio come Chani, anche lo spettatore – o
almeno quello che si riconoscerà in tale punto di vista – vedrà
compiersi un’opera straordinaria dove non c’è però spazio per
quell’imperfezione che dona anima e umanità e dove difficilmente ci
si sente coinvolti a tal punto da temere per la vita dei
protagonisti.
Zendaya nel ruolo di Chani in una scena di Dune – Parte
Due
Certo, proprio questa asetticità la
si potrebbe intendere come lo specchio di ciò che progressivamente
avviene al protagonista e al suo mondo (ricordando la motivazione
per cui Leto Atreides è stato eliminato), ma di certo la
concentrazione richiesta per due ore e quaranta allo spettatore è
una prova non da poco, considerando la complessità narrativa del
racconto. Non che Dune – Parte due
dovesse dotarsi di quegli elementi ludici e puerili di cui spesso i
blockbuster odierni fanno un abuso, ma di certo si richiede molto
senza che emotivamente si restituisca poi tanto.
Ne è un esempio il modo in cui
viene gestita la relazione tra Paul e Chani, con scelte che seppur
si potrebbero difendere in quanto fedeli al romanzo,
cinematograficamente spezzano il viaggio verso un climax che
avrebbe altrimenti potuto risultare molto più incisivo. Forse è
anche proprio la disomogeneità con cui vengono scritte e gestite le
varie sequenze del racconto (si veda anche il modo in cui viene
frettolosamente dichiarato l’inizio e la fine della battaglia) ad
inficiare sulla formazione di uno spettro emotivo più complesso e
duraturo del semplice rimanere estasiati dalla bellezza visiva.
Da allora, con il passare del tempo,
alcuni fan si sono ammorbiditi riguardo al personaggio
innegabilmente irritante in CGI, ma George Lucas
ha chiaramente preso in considerazione le critiche, poiché rispetto
alla sua presenza in Episodio 1, il goffo gungan è
poi quasi sparito dal franchise, e aveva solo una scena in La vendetta dei Sith. Binks non è mai più
apparso in nessun film o programma televisivo di Star Wars, ma un
fumetto ha rivelato che era diventato un mendicante.
Ahmed Best ha fornito la voce e la performance in
motion capture per Jar Jar Binks, e ora l’attore ha
suggerito in un nuovo post sui social media che potrebbe riprendere
il ruolo. La citazione “proprio quando pensavo di essere
fuori, mi hanno riportato dentro” da Il Padrino Parte
III sembrerebbe indicare che sta effettivamente
rivisitando il suo ruolo più famoso/famigerato, ma oltre a
#StarWars e #JarJarBinks, c’è anche un hashtag #Activision che
rende la deduzione meno immediata.
Ciò ha portato a supporre che stia
effettivamente lavorando a qualcosa per Call of
Duty, che in passato ha introdotto skin per vari
personaggi della cultura pop. Best ha avuto la possibilità di
tornare in Star Wars nei panni di un personaggio diverso, il
Maestro Jedi Kelleran Beq, nella terza stagione di
The Mandalorian.
Plaion
Pictures ha diffuso tre nuove clip in occasione
dell’uscita al cinema di My Sweet
Monster, film d’animazione per tutta la famiglia
ispirato alle più grandi fiabe di sempre e diretto da Viktor
Glukhushin, che ha già conquistato nel 2022 il box office italiano
con Lo schiaccianoci e il flauto magico.
Divertente viaggio che mescola
avventura, magia e amore, il titolo affronta tematiche molto
importanti e attuali, senza dimenticare gli elementi che da sempre
hanno contribuito a caratterizzare i migliori classici animati:
splendide animazioni e canzoni travolgenti completamente adattate
in italiano.
Le tre clip ufficiali di My
Sweet Monster sono disponibili ora su
YouTube:
Clip “Madre Natura”:
Clip “Sono la principessa Barbara”:
Clip “La grande fuga”:
Le clip raccontano in pochi minuti
le tematiche cardine attorno a cui ruota il film. “Madre
Natura”, infatti, insiste sull’importanza della natura,
evidenziando al tempo stesso come spesso gli esseri umani vogliano
ingiustamente avere controllo su di essa.
“Sono la principessa
Barbara”, invece, ritrae il divertente primo incontro fra i
protagonisti, presentando le loro irresistibili personalità e
spiegando perché la principessa non voglia tornare nel suo palazzo
natale, da cui è scappata per sfuggire alle continue imposizioni
del padre e a un matrimonio combinato con il perfido Joyce. Che
Barbara non sia la solita principessa in attesa del principe
azzurro che la salvi, è chiaro anche nella clip “La grande
fuga”, un’emozionante sequenza in cui la giovane protagonista
e i suoi nuovi amici dimostrano tutto il loro coraggio fuggendo
dagli incredibili robot di Joyce.
My
Sweet Monster è una fiaba moderna che farà felice
tutta la famiglia, regalando risate e tante emozioni, anche grazie
alle canzoni travolgenti completamente adattate in italiano, oltre
a spunti di riflessione sul mondo che ci circonda. La coraggiosa e
romantica principessa Barbara è una protagonista
estremamente attuale, in cerca del suo grande amore ma decisa a
scrivere da sola il proprio destino senza rimanere intrappolata
nella gabbia dorata costruitale dal padre, il Re. A sostenerla in
questa avventura troverà due compagni di viaggio inseparabili:
un simpatico coniglio parlante, testardo e
sbruffone ma sempre pronto ad aiutare i propri amici, e il tenero
Bogey, guardiano della foresta additato dagli
altri come mostro, ma che dietro all’aspetto peloso cela un cuore
d’oro.
Tra omaggi alle fiabe più amate di sempre e intuizioni
originali, questa animazione saprà parlare al pubblico di ogni età,
divertendo ed emozionando grazie ai suoi personaggi unici e ben
caratterizzati. My
Sweet Monster, una storia incantevole ispirata
alle fiabe ma che grazie alla sua originalità farà breccia nel
cuore di tutti, attende grandi e piccini al cinema da oggi,
29 febbraio 2024.
La prossima lineup di titoli in
streaming di Netflix
entusiasmerà sicuramente gli abbonati, in quanto la piattaforma si
prepara a lanciare diversi film e show originali da non perdere a
marzo.
Tra le aggiunte figurano il film di
Adam SandlerSpaceman,
Damsel
di Millie Bobby Brown, l’attesa terza stagione di
Girls5eva, l’attesissimo
Il problema dei 3 corpi prodotto dal team di
Game
of Thrones e la commedia romantica Irish
Wish di Lindsay Lohan con Ed Speleers e
Alexander Vlahos. Inoltre, non perdetevi The Gentlemen di Guy Ritchie,
interpretato tra gli altri da Theo James e Giancarlo Esposito,
quando la serie e altri titoli, citati sopra e sotto, arriveranno
su Netflix a marzo.
Scorrete in basso per la carrellata
completa di titoli in arrivo e in partenza dallo streamer questo
mese.
Disponibile dal mese di Marzo su
Netflix:
Bad Dinosaurs —
NETFLIX FAMILY
Dal 1
Marzo
Anikulapo: Rise of the Spectre — NETFLIX
SERIES
Blood & Water: Season 4 — NETFLIX SERIES
Furies — NETFLIX SERIES
My Name Is Loh Kiwan — NETFLIX FILM
Somebody Feed Phil: Season 7 — NETFLIX SERIES
Spaceman — NETFLIX
FILM
Courtesy of Netflix
Questo dramma d’atmosfera e di
grande effetto offre ai fan di Adam Sandler un ruolo drammatico
(Uncut Gems, Punch Drunk Love). Nel film l’attore interpreta un
astronauta ceco, Jakub, che, dopo sei mesi di missione di ricerca
in solitaria, si rende conto che il suo matrimonio con Lenka
(Carey
Mulligan) potrebbe essere finito prima del suo
ritorno. Fortunatamente, un’antica creatura simile a un ragno di
nome Hanuš (doppiato da Paul Dano), che si è nascosta
nell’astronave, gli offre un importante consiglio. Hanuš potrebbe
non essere reale, ma Sandler voleva che la sua interpretazione
fosse fondata sulla verità.
“Durante la quarantena, abbiamo
avuto conversazioni notturne di due ore sul personaggio e sul
libro, su cosa significhi essere ceco e sulla storia ceca“,
ricorda Jaroslav Kalfar, il cui romanzo è servito come base per il
film. Kalfar aggiunge di aver apprezzato il risultato del film.
“Le persone che amano le cose strane e l’arte strana spero ne
saranno entusiaste“.
You Are Not Alone: Fighting the Wolf Pack —
NETFLIX FILM
The Program: Cons, Cults, and Kidnapping —
NETFLIX DOCUMENTARY
Supersex
Diretta da Matteo Rovere,
Francesco Carrozzini, Francesca Mazzoleni,Supersex, di cui da oggi è disponibile il teaser,
è liberamente ispirata alla vita di Rocco Siffredi. La sua
famiglia, le sue origini, il suo rapporto con l’amore, un racconto
profondo che attraversa la sua vita fin dall’infanzia e ci svela
come e perché Rocco Tano – un semplice ragazzo di Ortona – è
diventato Rocco Siffredi la pornostar più famosa al mondo.
Alessandro Borghi interpreta Rocco Siffredi,
Jasmine Trinca è Lucia, un personaggio
femminile di finzione che rappresenta la sintesi di molte donne con
cui Rocco ha avuto una relazione nella sua vita, Adriano Giannini interpreta Tommaso, il
fratellastro di Rocco, mentre Saul Nanni veste i panni di Rocco
ragazzo. Nel cast anche Enrico Borello (Gabriele), Vincenzo
Nemolato (Riccardo Schicchi), Gaia Messerklinger (Moana), Jade
Pedri (Sylvie) e
Linda Caridi (Tina).
Dal 7 Marzo
The Gentlemen — NETFLIX SERIES
I Am Woman
Pokemon Horizons: The Series — NETFLIX
FAMILY
The Signal — NETFLIX SERIES
Dal 8 Marzo
Blown Away: Season 4 — NETFLIX SERIES
Damsel — NETFLIX
FILM
Credit Netflix
Millie Bobby Brown
è una damigella che non ha bisogno di essere salvata in Damsel, il
film diretto da Juan Carlos Fresnadillo, in arrivo solo su
Netflix dall’8 marzo 2024. In Damsel una devota
damigella accetta di sposare un affascinante principe, per poi
scoprire che la famiglia reale vuole offrirla in sacrificio per
ripagare un vecchio debito. Intrappolata in una caverna con un
drago sputafuoco, dovrà utilizzare astuzia e caparbietà per
sopravvivere.
Dal 9 Marzo
Queen of Tears — NETFLIX SERIES
Dall’11 Marzo
CoComelon: Season 10
Young Royals: Season 3 — NETFLIX SERIES
Dal 12 Marzo
Miraculous: Tales of Ladybug & Cat Noir: Season 4
Steve Trevino: Simple Man — NETFLIX COMEDY
Turning Point: The Bomb and the Cold War —
NETFLIX DOCUMENTARY
David Benioff e D.B. Weiss
(Il trono di
spade) sono coideatori, produttori esecutivi e sceneggiatori
della serie con Alexander Woo (The Terror: Infamy, True
Blood). La fatidica decisione di una donna nella Cina degli
anni ’60 riecheggia attraverso lo spazio e il tempo fino a
raggiungere il presente. Quando le leggi della natura si sgretolano
inspiegabilmente davanti ai loro occhi, alcuni brillanti e
affiatati scienziati uniscono le forze con un detective
anticonformista per affrontare la più grande minaccia nella storia
dell’umanità.
Dal 22 Marzo
Buying Beverly Hills: Season 2 — NETFLIX SERIES
The Casagrandes Movie — NETFLIX FAMILY
El Paseo 7
On The Line
SHIRLEY — NETFLIX FILM
Dal 25 Marzo
Gabby’s Dollhouse: Season 9 — NETFLIX FAMILY
Dal 26 Marzo
Dave Attell: Hot Cross Buns — NETFLIX COMEDY
Dal 27 Marzo
The Believers — NETFLIX SERIES
The Conners: Seasons 1-5
No Pressure — NETFLIX FILM
Rest In Peace — NETFLIX FILM
Testament: The Story of Moses — NETFLIX
DOCUMENTARY
Paramount+ ha diffuso il trailer
ufficiale di Evil 4, l’annunciata quarta e ultima
stagione della serie tv di successo Evil.
Come
accennato qualche tempo fa, la piattaforma di streaming ha
ordinato altri quattro episodi per la quarta stagione per
consentire una conclusione adeguata. La quarta stagione doveva
essere precedentemente composta da 10 episodi, quindi questi
quattro nuovi ordini porteranno quel numero fino a 14 episodi in
totale.
Quando uscirà la quarta stagione
di Evil?
Le riprese della stagione 4 di
Evil
sono iniziate all’inizio di quest’anno, anche se la produzione è
stata interrotta a causa degli scioperi di Hollywood, ormai
terminati. Non è ancora stata fissata una data di uscita precisa
per la quarta stagione, ma si prevede che la prima
sarà nel 2024.
Di cosa parla Evil?
Evil
ruota attorno alla dottoressa Kristen Bouchard, una psicologa
forense che, nonostante i suoi dubbi e il suo scetticismo, risolve
crimini legati al soprannaturale insieme a David Acosta.
La sinossi ufficiale di Evil
recita come segue: “La psicologa scettica Kristen Bouchard si
unisce a David Acosta, che si sta formando per diventare sacerdote
cattolico, e a un operaio mentre indagano sugli arretrati misteri
inspiegabili della chiesa, tra cui presunti miracoli, possessioni
demoniache e altri eventi straordinari. Il loro compito è valutare
se c’è una spiegazione logica o se c’è qualcosa di veramente
soprannaturale all’opera, esaminando le origini del male lungo la
linea di demarcazione tra scienza e religione“.
Creato da Robert e Michelle
King, il resto del cast di Evil
comprende Kurt Fuller nel ruolo del Dr. Kurt
Boggs, Marti Matulis nel ruolo di George,
Brooklyn Shuck nel ruolo di Lynn Bouchard,
Skylar Gray nel ruolo di Lila Bouchard,
Maddy Crocco nel ruolo di Lexis Bouchard,
Dalya Knapp nel ruolo di Laura Bouchard,
Christine Lahti nel ruolo di Sheryl Luria e
Michael Emerson nel ruolo del Dr. Leland
Townsend.
Il network americano della NBC ha diffuso promo
dal settimo episodio di Chicago PD 11, l’attuale
undicesima stagione di Chicago
PD.
Il settimo episodio che si intitolerà “The Living and The
Dead” andrà in onda il prossimo 20 marzo 2024 negli USA. In
Italia
La sinossi ufficiale della stagione 11 di Chicago P.D. è
la seguente:
“Un avvincente dramma poliziesco
sugli uomini e le donne del Distretto 21 della polizia di Chicago
che mettono tutto in gioco per servire e proteggere la loro
comunità”. Il Distretto 21 è composto da due gruppi distinti: i
poliziotti in uniforme che pattugliano il territorio e affrontano
testa a testa i crimini di strada della città e l’Unità di
Intelligence che combatte i reati più importanti della città –
criminalità organizzata, traffico di droga, omicidi di alto profilo
e altro ancora”.
L’undicesima stagione di Chicago
PD darà l’addio a Tracy Spiridakos, che nella serie interpretava
il detective Hailey Upton. I restanti membri del cast
Chicago P.D., tra cui
Jason Beghe nel ruolo di Hank Voight,
Lisseth Chavez nel ruolo di Vanessa Rojas,
Patrick Flueger nel ruolo di Adam Ruzek, LaRoyce Hawkins nel ruolo di Kevin Atwater,
Amy Morton nel ruolo di Trudy Platt e
Marina Squerciati nel ruolo di Kim Burgess,
rimangono i protagonisti dello show.
Chicago
PD è il secondo capitolo della franchise di serie
Chicago della Wolf Entertainment e arriva a due anni di distanza
dal debutto della prima serie, Chicago
Fire. Spin-off di Chicago
Fire, Chicago
PD si concentra sul 21° distretto fittizio, che
ospita gli agenti di pattuglia e l’unità di intelligence d’élite
del dipartimento, guidata dal sergente Hank Voight (Jason Beghe).
La serie segue gli agenti di pattuglia in uniforme e l’Unità di
Intelligence del 21° distretto del Dipartimento di Polizia di
Chicago mentre inseguono gli autori dei principali reati di strada
della città.
Nell’undicesima stagione La Upton fa da ombra a una squadra di
prevenzione delle crisi e si trova in contrasto con il medico di
salute mentale.
Skydance ha concluso un accordo con
Mila Kunis per produrre e recitare in
The 47 Night Stand, un nuovo film sceneggiato dal
candidato a 4 Emmy Greg Malins (Friends,
How I Met Your Mother). Il progetto è nelle fasi iniziali
e la trama è tenuta segreta, sebbene sia descritta come una
versione fresca e divertente di una classica commedia
romantica.
David Ellison, Dana
Goldberg e Don Granger produrranno per
Skydance, insieme a Kunis per la sua Orchard Farm Productions e
Ruben Fleischer. Lisa Sterbakov di Orchard Farm fungerà da
produttrice esecutiva, con Carin Sage che supervisionerà il
progetto per Skydance.
Non estranea al romanticismo sul
grande schermo, Mila Kunis ha già mostrato le sue
capacità nel genere come protagonista di titoli come Amici
di Letto e Non mi scaricare. Altri
crediti cinematografici degni di nota includono il dramma sulla
dipendenza Four Good Days, la commedia d’azione
Il tuo ex non muore mai, Bad Moms: Mamme molto cattive,
Il grande e potente Oz, Ted e
Il cigno nero, solo per citarne alcuni.
La sinossi della dodicesima
stagione di Chicago
Fire: “In seguito a un incendio/minaccia
estremista, la vita di Mouch è in bilico. La relazione di Sylvie
con Dylan si è conclusa e una nuova porta si è aperta quando Casey
le ha proposto di sposarlo, nel frattempo lei stava cercando di
adottare una bambina. Stella prende la decisione di lasciare
Chicago nella speranza di riportare indietro Kelly”.
Oltre a
Kinney, la dodicesima stagione del procedurale della NBC è
interpretata anche da David Eigenberg nel ruolo
del tenente Christopher Herrmann, Joe Minoso nel
ruolo del pompiere Joe Cruz, Miranda Rae Mayo nel
ruolo del tenente Stella Kidd, Daniel Kyri nel
ruolo di Darren Ritter, Hanako Greensmith nel
ruolo della paramedica Violet Mikami, Eamonn
Walker nel ruolo del vice capo distretto Wallace Boden e
Christian Stolte nel ruolo di Randall
McHolland.
Kara Killmer, che
nella serie interpretava la paramedica Sylvie Brett,
lascerà Chicago Fire nel
corso della 12ª stagione. D’altra parte, il Blake
Gallo di Alberto Rosende ha fatto un’ultima
apparizione durante la première della Stagione 12.
Richard Lewis, il
cabarettista che ha recitato accanto a Larry David
in Curb Your Enthusiasm, è morto martedì sera
nella sua casa di Los Angeles a causa di un infarto, come conferma
Variety. Aveva 76 anni.
Lewis ha annunciato lo scorso aprile
che gli era stato diagnosticato il morbo di Parkinson e che si
sarebbe ritirato dalla scena del cabaret. Recentemente è apparso
nella dodicesima stagione di Curb Your Enthusiasm,
attualmente in onda su HBO.
Nel 2021, Lewis ha annunciato che
non sarebbe apparso nella stagione 11 dello show per riprendersi da
tre interventi chirurgici. Ha sorpreso gli spettatori tornando sul
set per un episodio dell’undicesima stagione, dicendo a Variety
all’epoca: “Quando sono entrato e loro hanno applaudito, mi
sono sentito come se avessi vinto un milione di dollari. A Larry
non piace abbracciarsi, e mi ha abbracciato e mi ha detto quanto
fosse felice dopo aver girato la nostra scena.”
Lewis, che ha interpretato una
versione semi-romanzata di se stesso durante i 24 anni di
Curb Your Enthusiasm, era noto per il suo stile
comico nevrotico e autoironico. Dopo aver debuttato come attore
cinematografico nel film Diary of a Young Comic
del 1979, Lewis è diventato famoso negli anni ’80 e ’90 con
apparizioni in “The Tonight Show” e “Late Show With David
Letterman”.
Nel 1989, Lewis ha ottenuto un ruolo
da protagonista nella sitcom della ABC Anything but
Love, in cui recitava al fianco di Jamie Lee Curtis nei panni di colleghi di una
rivista di Chicago che si innamorano e non riescono a mantenere una
relazione strettamente professionale. La serie è durata 56 episodi
in quattro stagioni prima di terminare nel 1992.
Il pubblico italiano ricorderà
Richard Lewis principalmente per il suo ruolo
del Principe Giovanni in Robin Hood un uomo in
calzamaglia di Mel Brooks, ma al cinema lo abbiamo visto
anche in Via da Las Vegas e in Piscine – Incontri a
Beverly Hills. In Drunks – con un cast
che comprendeva Faye Dunaway, George Martin, Parker Posey, Howard
Rollins, Spalding Gray e Dianne Wiest – Lewis ha interpretato un
alcolizzato e tossicodipendente in difficoltà.
Nel corso della sua carriera, il
comico ha anche raccontato la sua battaglia contro la dipendenza da
droga e alcol, facendo riferimento al suo recupero e alle lotte con
la depressione e l’ansia. Lewis, un ex consumatore di cocaina e
metanfetamine, ha detto che la sua decisione di diventare sobrio è
stata in parte ispirata dalla morte di John Candy
nel 1994.
In una dichiarazione condivisa con
Variety da HBO, Larry David ha detto del suo
co-protagonista e amico di lunga data: “Richard e io siamo nati
a tre giorni di distanza nello stesso ospedale e per gran parte
della mia vita è stato come un fratello per me. Aveva quella rara
combinazione di essere la persona più divertente e anche la più
dolce. Ma oggi mi ha fatto singhiozzare e per questo non lo
perdonerò mai”.
Nel momento esatto in
cui, qui al New York Film Festival, è terminata la proiezione per
la stampa di All of Us Stranger
(Estranei), nuovo, avvolgente film di Andrew Haigh, il primo pensiero è
stato quello di trovare il romanzo di Taichi Yamada a cui si è
ispirato. Un pensiero spinto dal desiderio gioioso di comparare,
analizzare, capire come sia stata concepita una sceneggiatura
talmente potente e precisa nell’analizzare l’animo umano. Haigh ha
già ampiamente dimostrato di essere un cineasta capace di dedicare
la giusta attenzione alla vita interiore dei suoi personaggi, al
loro non detto o al rimosso. Nel caso di
Estranei però ci troviamo di fronte a un
enorme, potente passo avanti.
Estranei, la trama
Nel raccontare la storia
di Adam (Andrew Scott),
del suo percorso di elaborazione della perdita e dell’apertura
verso l’amore, Haigh compone un gioco di specchi di valore emotivo
sostanzioso e stratificato. E proprio nel momento in cui rischiava
di “perdere” la presa emotiva con il pubblico, ecco invece che il
suo film al contrario sale vertiginosamente di tono: il passaggio
dalla rappresentazione reale a quella mentale del protagonista si
rivela infatti il momento dolcissimo, accurato in cui questo dramma
umano di discosta dagli altri film e diventa un discorso di
intimità che diventa quasi imbarazzante da esperire. Tanto è intimo
il tocco di Haigh, precisa e silenziosa la sua penna, che ci si
sente di troppo ad assistere all’incontro tra Adam e i suoi
genitori, alle chiacchierate tranquille ma profonde che portano a
un confronto tanto negato quanto necessario. La bellezza e la bontà
della storia d’amore che Adam inizia con Harry (Paul Mescal)
diventa allora lo specchio appassionante di questa apertura alla
vita, della volontà di mettersi in gioco non tanto con se stesso,
quanto nel profondo con quella parte del proprio io tenuta nascosta
perché troppo oscura e dolorosa.
Il centro emozionale di
Estranei è senza dubbio questo rapporto
ideale che Adam ricuce con i suoi genitori, in una serie di quadri
familiari di genuina sincerità. Attraverso i dialoghi e le
situazioni maggiormente comuni regista e attori arrivano al cuore
dei personaggi, alla radice del loro rapporto e della loro umanità.
Non era affatto facile arrivarci attraverso una scelta narrativa
tanto audace, il risultato merita dunque di essere doppiamente
applaudito.
Lavorando su due ruoli
così ben delineati e profondi, era praticamente impossibile che
Andrew
Scott e Paul Mescal non
arrivassero a regalare al pubblico prove maiuscole. In particolar
modo il primo dei due dimostra una maturità artistica che gli
permette di liberarsi di qualche piccolo artificio di istrione che
in passato aveva accennato. In questo caso al contrario il suo
volto pensieroso, il suo lavorare con i tempi densi del silenzio,
sono frutto di una comprensione e di un’elaborazione del
personaggio personale e profonda. Se nell’applauso che accomuna
l’intero cast va menzionata anche Claire Foy,
dobbiamo però confessare che il nostro cuore è stato rubato e poi
spezzato dal padre Jamie Bell, figura in
chiaroscuro che ha il vantaggio di essere presentata nella scena
più evocativa del film, mentre all’attore deve essere va attribuito
il merito di risplendere di bravura nella sequenza del confronto
col suo figlio mai capito fino in fondo.
Estranei rappresenta un ammirevole esempio in cui
si può comprendere quanto la riuscita totale di un lungometraggio
parta dalla sua sceneggiatura. La scelta audace di presentare una
storia da un’angolazione diversa, rischiosa, paga un dividendo
artistico di livello innegabile. Su questo adattamento Andrew Haigh poi costruisce uno
sguardo cinematografico che fonde con dolcezza intimismo e
stilizzazione, creando un mosaico difficile da dimenticare,
impossibile da non amare.
Dopo essersi affermato
nel mondo della serialità grazie a titoli di culto quali
Sherlock in cui interpreta Moriarty e
Fleabag nei panni di “Hot Priest”, Andrew Scott ha
finalmente trovato il ruolo che potrebbe imporlo anche al cinema.
Insieme a Paul
Mescal è infatti protagonista di Estranei, il nuovo melodramma di
Andrew Haigh che sta riscuotendo enorme successo
di critica, meritatamente.
Ispirato molto liberamente dal romanzo di Taichi
Yamada, il film racconta di Adam (Scott), un uomo oppresso
dai rimpianti di un passato che proprio per questo non riesce a
vivere con pienezza la storia d’amore con Harry (Mescal). A New
York abbiamo intervistato proprio Andrew Scott,
che per questo ruolo ha ottenuto la nomination ai Golden Globe.
Come è arrivato alla
parte? Aveva già letto il romanzo da cui è stato adattato?
Non conoscevo il
libro, deve essere molto bello dal momento che ha ispirato Andrew;
ne ha adattato una sceneggiatura davvero esaustiva nella
delineazione dei personaggi e nella profondità della storia. Il mio
compito è stato semplicemente quello di dare forma alla visione del
regista, cercare di stabilire le priorità nell’assorbire le
informazioni dal testo. Per questo ho deliberatamente evitato di
leggere il libro di partenza prima di girare il film. Il romanzo è
comunque molto diverso dalla nostra sceneggiatura.
Come Andrew Scott e
Andrew Haigh hanno deciso di costruire il personaggio di
Adam?
Fin dalle prime
discussioni con Andrew abbiamo concordato che Adam era un
personaggio che non doveva essere “recitato”, sarebbe andato troppo
sopra le righe. L’approccio scelto è stato quello di comporlo
adoperando le esperienze vissute da me e da Andrew durante la
nostra gioventù, nel rapporto con i nostri genitori e con la nostra
omosessualità. Nei precedenti film che ho ammirato molto Andrew è
riuscito a far recitare i suoi attori con totale autenticità,
proprio adoperando questo metodo.
Secondo lei cosa rende
Estranei un dramma così emozionante?
Penso che il film
riesca a parlare a molte persone perché possiede il tono e la
malinconia che tutti abbiamo quando ci svegliamo da qualche sogno
che magari ci sta cullando. Estranei sposa in qualche modo
l’elemento metafisico con quello psicologico, e lo fa con una
finezza narrativa ed emotiva che ho amato. La nostra mente lavora
spesso su dei livelli che vanno oltre la logica. Qualche volta io
ad esempio mi ritrovo a immaginare conversazioni con amici o
conoscenti che non vedo da anni. Immagino accada a molte persone,
un processo che spesso ti porta dentro uno stato emotivo molto
particolare.
Come ha lavorato nel
rendere omogenea la commistione di generi che Estranei
propone?
Per me il nucleo del
film parla di un uomo che vuole amare ed essere amato. All’inizio
della storia non ci riesce perché in qualche modo il suo sviluppo
emotivo è bloccato, è stato troncato quando era ancora troppo
giovane. È arrivato ad un punto della sua vita in cui si interroga
su quale sarebbe stato il suo rapporto con i genitori, le domande
che si pone continuano in qualche modo a perseguitarlo e se
riuscisse in qualsiasi modo a ottenere delle risposte, ecco che
allora potrebbe aprirsi all’amore verso il prossimo, verso un altro
uomo. All’inizio
avevo percepito quella di Adam come una condanna piû che come un
dono, poi pian piano ho visto l’effetto che il personaggio faceva
sugli spettatori e ho capito che riescono ad immedesimarsi in lui
perché più o meno inconsciamente decide di aprirsi al suo dolore,
affrontarlo e superarlo facendo leva sulle sue capacità. Se
continui a nasconderti, ad evitare di guardare in faccia i tuoi
fantasmi, non riuscirai ad andare avanti nella vita, e questo è un
qualcosa che Adam capisce nel corso della storia. Si tratta di un
arco narrativo molto importante, complesso da sviluppare ma
assolutamente emozionante una volta che ci siamo riusciti.
Cosa vorrebbe il pubblico
facesse proprio guardando il suo film?
Viviamo in una
società in cui sei quasi costretto a darti un’etichetta che ti
contraddistingua: devi scegliere chi essere in base alla tua
sessualità, al colore della pelle, ai tuoi gusti personali ecc.
Estranei riesce a superare queste etichette e parlare a un pubblico
disparato: tutti hanno avuto dei genitori, oppure sono stati figli.
Temi come l’amore, la perdita, il lutto e il modo in cui si
manifesta, sono realmente universali.
C’è stata una sequenza
del film che l’ha impegnata più delle altre a livello fisico o
psicologico?
La scena d’addio tra
Adam e i suoi genitori è stata un vero e proprio tour de force
emotivo. Andrew ha voluto girarla di fretta, sull’onda
dell’atmosfera che si era creata sul set. Vi sono così tanti
sentimenti anche contrastanti tra loro che devono essere espressi
ma anche contenuti, lasciati sfumare. Avere due colleghi di talento
come Claire Foy e Jamie Bell con cui recitare è stato un enorme
vantaggio per me, siamo riusciti a metterci immediatamente sulla
stessa lunghezza d’onda.
Il mese più corto dell’anno si
chiude con
Dune – Parte due già disponibile da ieri al cinema. Negli
ultimifilm di Febbraio però non
c’è solo il secondo capitolo cinematografico diretto da
Denis Villeneuve, ma anche lo struggente
Estranei e il candidato Oscar La sala
professori. Non ci sono solo titoli internazionali, da oggi è
disponibile in sala l’italiano Caracas
dell’attore e regista
Marco D’Amore.
Vediamo insieme gli ultimi
film di Febbraio di questa quinta settimana del mese
Dune – Parte due
Il primo titolo di
quest’ultimi film di febbraio ovviamente è
Dune – Parte due e basato sulla seconda
parte del primo romanzo della saga scritto da Frank Herbert. La
storia riprende da dove era finito il primo Dune: Paul
Atreides,
Timothée Chalamet e sua madre Lady Jessica,
l’attrice
Rebecca Ferguson, vivono con i Fremen che
credono che il giovane sia il Messia che li salverà. Nel frattempo
nella casata degli Harkonnen, stanno cambiando le
gerarchie infatti è arrivato Feyd-Rautha,
Austin Butler, il nipote del BaroneHarkonnen, l’attore
Stellan Skarskard, che ha preso il comando delle operazioni
militari, sostituendo suo fratello Glossu Raban, e
punta all’annientamento di tutti i popoli minori per potersi
impossessare di ogni particella di spezia, la
sostanza più preziosa del pianeta. Nel cast anche
Zendaya nei panni di nuovo di Chani e le new entry
Florence Pugh e Léa
Seydoux.
Caracas
A cinque anni dal suo esordio come
regista
Marco D’Amore, diventato famoso con la serie
Gomorra, torna dietro la macchina da presa per la trasposizione
cinematografica di Napoli Ferrovia di
Ermanno Rea. Il protagonista di Caracas
è Giordano Fonte, interpretato da
Toni Servillo, uno scrittore napoletano che si aggira per
Napoli, una città che non riconosce più dopo esservi tornato dopo
molti anni. Qui incontra dopo molti anni il suo vecchio amico
Caracas, lo stesso D’Amore, un ex naziskin che
militava nell’estrema destra e che ora sta per convertirsi
all’Islam, alla ricerca di una verità sull’esistenza che
non sa trovare.
Estranei
Il film
Estranei, in originale All of Us Strangers, è scritto e
diretto da
Andrew Haigh, vede per protagonisti i super richiesti
Andrew Scott e
Paul Mescal. I due attori irlandesi sono Adam e Harry, il primo
è uno sceneggiatore con il blocco dello scrittore che vive a Londra
in un condominio e il secondo è il suo vicino di casa con cui
stringerà una relazione. La pellicola è liberamente tratta dal
romanzo Strangers di Taichi Yamada, libro scritto nel
1987 e già portato sul grande schermo nel 1988 da Nobuhiko
Obayashi, con il film giapponese intitolato The
Discarnates.
Il vento soffia dove vuole
Il vento soffia dove
vuole è ambientato in un piccolo paese degli Appennini
dove il giovane protagonista Antimo, interpretato
da Jacopo
Olmo Antinori, vive una vita tranquilla tra la chiesa locale, i
casti appuntamenti con la fidanzata e la stalla dove lavora
pigramente con il padre. Un giorno incontra
Lazzaro, un uomo semplice e selvaggio che lavora
come aiutante nella vicina fattoria. Il ragazzo vede una scintilla
nello sconosciuto e si propone di convertirlo, ma la religione che
inizia a insegnargli non rispecchia però quella che ha imparato al
catechismo. Questo film del regista Marco Righi è
una di lettura personale del cristianesimo, che conduce i due su
sentieri non battuti, senza via di ritorno.
La sala professori
La sala professori racconta di Carla Nowak,
l’attrice Leonie
Benesch è una giovane e promettente insegnante
al suo primo incarico. Tutto sembra andare bene, fino a quando una
serie di piccoli furti all’interno della scuola mette in subbuglio
l’istituto. Quando i sospetti cadono su uno dei suoi studenti, la
professoressa decide d’indagare personalmente e scatenando così una
serie inarrestabile di reazioni a catena. Questo film del regista
tedesco İlker Çatak è stato premiato alla
Berlinale 2023 ed è tra i candidati come
miglior film internazionale ai prossimi Oscar
2024.
My Sweet Monster
Il lungometraggio d’animazione
My
Sweet Monster è l’ultimo titolo di quest’ultimi film di
febbraio. La protagonista è la principessa
Barbara, segretamente innamorata del principe
Edward e che non ha intenzione di rimanere intrappolata nella
gabbia dorata costruitale dal Re, nonché suo padre. Quando
quest’ultimo, sotto ricatto, è costretto a
concederla in matrimonio al subdolo e ambizioso postino
Joyce, Barbara quindi fugge nel bosco dove incontra Bogey,
tenero mostro nonché unica speranza per salvare il regno da una
terribile minaccia.
FX ha diffuso un
nuovo intenso trailer “Weeks Ahead” di Shōgun,
la nuova serie evento che ha debuttato con i primi due episodi
qualche giorno fa su Disney+.
Il nuovo contributi mostra quello che ci aspetta nel prossimo
episodio che debutterà sulla piattaforma questo martedì 5
marzo.
Shōgun
segue Yoshii Toranaga (Hiroyuki Sanada) nella sua ricerca per
diventare lo shōgun, il leader militare della nazione, affiancato
dalla sua traduttrice Lady Mariko (Anna Sawai) e dall’alleato
inglese
John Blackthorne
(Cosmo Jarvis). Poiché la serie è ambientata nel Giappone del 1600,
Rosario aveva fonti primarie limitate da studiare. Dopo aver
visitato tutti i siti web e i musei che contenevano pezzi
giapponesi di quel periodo, ha detto che ciò che lo ha aiutato di
più è stato studiare i dipinti del 1600 e chiacchierare con gli
storici.
La serie Shōgun
si avvale di un acclamato cast giapponese, senza precedenti per una
produzione americana, tra cui Tadanobu Asano nel ruolo di “Kashigi
Yabushige”, un noto traditore e stretto alleato di Toranaga; Hiroto
Kanai nei panni di “Kashigi Omi”, il giovane leader del villaggio
di pescatori dove viene trovata la nave di Blackthorne; Takehiro
Hira nel ruolo di “Ishido Kazunari”, un potente burocrate che è il
principale rivale di Toranaga; Moeka Hoshi in quello di “Usami
Fuji”, una vedova che deve trovare un nuovo scopo nel mezzo della
guerra del suo signore; Tokuma Nishioka nel ruolo di “Toda
Hiromatsu”, il generale fidato e il più caro amico di Toranaga;
Shinnosuke Abe nei panni di “Toda
Hirokatsu” (“Buntaro”), il marito geloso di Mariko; Yuki Kura in
quelli di “Yoshii Nagakado”, lo sfacciato figlio di Toranaga che ha
un forte desiderio di mettersi in gioco; Yuka Kouri nel ruolo di
“Kiku”, una cortigiana rinomata in tutto il Giappone per la sua
abilità artistica e Fumi Nikaido nel ruolo di “Ochiba no Kata”, la
venerata madre dell’erede che non si fermerà davanti a nulla pur di
porre fine a Toranaga e alla sua minaccia al potere del figlio.
Shōgun
è stata creata per la televisione da Rachel Kondo e Justin Marks,
con Marks in veste di showrunner e produttore esecutivo insieme a
Michaela Clavell, Edward L. McDonnell, Michael De Luca e Kondo. La
serie è prodotta da FX Productions.
Tratto dal romanzo Napoli
Ferrovia di Ermanno Rea, arriva nelle sale italiane dal 29
febbraio Caracas, di e con
Marco D’Amore. Dopo
Nostalgia di Mario Martone
(2022), un nuovo adattamento per il cinema dagli scritti
dell’autore partenopeo. In passato vi erano stati anche
L’ultima lezione di Fabio Rosi, dall’omonimo libro sulla
figura di Federico Caffè (2001), e La stella che non c’è
di Gianni Amelio, ispirato a La dismissione, sulle vicende
dell’Ilva di Bagnoli (2006). Marco D’Amore e
Toni Servillo tornano a lavorare fianco a fianco,
dopo il teatro e l’esordio sul grande schermo di D’Amore, che fu
proprio accanto a Servillo in Una vita
tranquilla di Claudio Cupellini.
Marco D’Amore ricopre ora la doppia veste di regista e interprete,
rinnovando un fortunato sodalizio.
La trama di Caracas
Giordano Fonte, Toni
Servillo, è un noto scrittore napoletano che manca da
molti anni dalla sua città. È in crisi e si domanda se abbia ancora
senso continuare a scrivere, quando decide di tornare a Napoli,
dove riceverà un premio. Prende alloggio in un lussuoso hotel, in
cui il direttore, Mario Pirrello, lo accoglie con
ogni riguardo. La città, che appare buia, uggiosa e sordida, in
qualche modo lo fagocita. Tra i suoi vicoli Fonte incontra Caracas,
Marco D’Amore: un uomo tormentato, dal passato
difficile, in cerca di qualcuno o qualcosa che gli indichi la
strada da percorrere. Per questo subisce il fascino di ideologie e
religioni, muovendosi tra fascismo e fede islamica e incontrando
così l’amore per Yasmina, Lina Camélia Lumbroso,
in una Napoli sofferente tra miseria, violenza e solitudine. Fonte
e Caracas si incontrano per caso. Allo scrittore Caracas ricorda
qualcosa di sé e, sebbene i due non potrebbero essere all’apparenza
più diversi, Fonte sembra voler fare da guida a Caracas,
spingendolo a seguire le proprie sensazioni ed emozioni, piuttosto
che delle ideologie contrapposte. In un flusso caotico di eventi ed
incontri tra passato e presente, Fonte ritrova l’entusiasmo per la
scrittura e per le storie della sua città, di cui si credeva ormai
incapace di raccontare.
Una Napoli differente
Il tema del ritorno a Napoli dopo
una lunga assenza è spesso presente nei romanzi di Ermanno Rea, e
poi nei film da essi tratti. Lo si era visto in Nostalgia
di Mario Martone. Napoli appare come una città amata e odiata allo
stesso tempo, che fagocita i protagonisti con la sua vitalità, coi
ricordi dell’infanzia e della giovinezza, ma anche con la violenza,
con il male, che qui sembra presentarsi sotto varie forme. I
protagonisti delle storie di Rea sanno che per salvarsi devono
allontanarsi da Napoli. Poi, però, cedono al suo richiamo, cui in
qualche modo non possono fare a meno di rispondere, e tornano.
Giordano Fonte non fa eccezione e Caracas
diventa un’occasione per raccontare una Napoli diversa sia da
quella turistica, che dallo stereotipo criminale legato alla
camorra. Una città contemporanea, popolata anche da immigrati di
prima e seconda generazione, che si confronta con problematiche
nuove di convivenza e integrazione, e piaghe sociali vecchie:
assenza delle istituzioni, marginalità, solitudine, violenza.
La sceneggiatura confusa di
Caracas
Purtroppo, molti buoni propositi del
regista si infrangono però a causa di un problema di fluidità nella
scrittura e nell’articolazione della vicenda. Napoli
Ferrovia, lo afferma lo stesso sceneggiatore Francesco
Ghiaccio, è un testo complesso e di difficile
trasposizione. Tuttavia, il soggetto e la sceneggiatura da lui
curati assieme a Marco D’Amore – i due avevano già collaborato per
L’immortale –
appaiono poco coesi. Alcune scelte sono nebulose o poco convinte,
come l’adesione di Caracas prima al fascismo, poi all’Islam.
Numerosi e confusivi i continui passaggi di tempo e di luogo, che
non aiutano la lettura della vicenda nel suo complesso. Il
protagonista stesso, ben interpretato da Toni Servillo, appare
volutamente confuso e spaesato. Caracas è
quindi un viaggio allucinato, onirico e scomposto nel mondo dei
protagonisti. Lo spettatore si interroga per cercare di decifrare
ciò che ha di fronte, non riuscendo spesso a districarsi. È un
viaggio nel sogno? Nelle memorie del passato? Nell’immaginazione di
uno scrittore? È’ l’incontro tra due individui in un certo modo
simili? Non è dato sapere, ma non si riesce neppure, da spettatori,
a lasciarsi trasportare dalla dimensione immaginifica della
vicenda, dal suo caos onirico, surreale. Si viene piuttosto
allontanati e confusi. Complici anche certi dialoghi dagli accenti
retorici, affermazioni esistenziali solo in alcuni casi
appropriate, che più spesso paiono cadere dall’alto, come fuori
contesto rispetto al momento.
Estetica e fotografia di
Caracas
La città di
Caracas è quasi sempre buia, notturna,
accesa solo di fuochi e luci gialle, e scandita dalla pioggia. Ci
si muove tra i vicoli nell’oscurità. Rare le scene diurne, come
anche gli spazi aperti, non angusti. La fotografia di Stefano
Meloni non riesce però a conquistare davvero l’occhio dello
spettatore.
Gli interpreti
Caracas ha
un cast di tutto rispetto. A partire da Toni
Servillo, che riesce a rendere il personaggio di Giordano
Fonte spaesato e malinconico. Anche Marco D’Amore
si mette alla prova e si trasforma, in accordo con il suo
personaggio dalle mille anime. Accanto a lui ci sono la bella e
talentuosa Lina Camélia Lumbroso, che interpreta
Yasmina, e il piccolo Brian Parisi, un ragazzino
che è tra gli incontri fatti da Fonte. Vi sono anche Mario
Pirrello, il direttore d’hotel, e Veronica
d’Elia – entrambi visti ne Il commissario
Ricciardi. Senza dimenticare Marco Foschi,
nel ruolo del capo fascista.
D’Amore regista
Con
Caracas si ha l’impressione che D’Amore
regista si sia lasciato prendere la mano, perdendo di vista l’unità
del lavoro. Peccato, perché mette sul piatto spunti anche
interessanti. Parla di immigrazione, ma anche di religioni e
ideologie, cercando di smascherarne la fallacia. Affronta
solitudine ed emarginazione, contrapponendovi una sua idea di
integrazione. Nella ricerca di una via originale al racconto per
immagini, il film resta però un tentativo non troppo riuscito di
coniugare un action movie notturno a un’ambizione più autoriale e
raffinata. Prodotto da Picomedia, Mad
Entertainment e Vision Distribution,
Caracas è nelle sale dal 29 febbraio.
Dopo la messa in onda degli
episodi 11 e 12 che abbiamo recensito qui, oggi vi svegliamo le
anticipazioni dei nuovi episodi di terza stagione della serie
tvDOC
– Nelle tue mani che andranno in onda questa sera
giovedì 29 Febbraio, in prima serata su Rai 1. Ecco
le anticipazioni dell’episodio settimo e ottavo, che si intitolano
rispettivamente “Lontani” e “La scossa”.
Doc – Nelle tue mani 3 EPISODIO
13, “Legàmi”
Manca sempre meno alla scadenza per
presentare la ricerca, ma Giulia sembra avere la testa da
tutt’altra parte. Anche Doc fatica a gestire i mille impegni: c’è
la riunione con i finanziatori e poi c’è Carolina, in città per
qualche giorno. Tutto rischia però di passare in secondo piano
quando viene ricoverata la sorella di Lin. Un caso che costringerà
la specializzanda a fare in conti con la sua famiglia e in
particolare con suo padre.
Doc – Nelle tue mani 3 EPISODIO 14
“Vivere”
Giulia deve prendere una decisione
sulla sua vita personale che avrà conseguenze anche sulla sua
carriera. E mentre Martina affronta l’esame più difficile della sua
vita e Damiano si prende cura con delicatezza di Elisabetta,
Riccardo si occupa di un caso che lo costringerà a fare i conti con
il fantasma di Alba. Lin e Federico, invece, si rimettono all’opera
sul database, ma rischiano così di avvicinare Doc alla verità che
Agnese gli ha tenuto nascosta.
DOC
– Nelle tue mani è una produzione Lux Vide,
società del gruppo Fremantle, in collaborazione con Rai
Fiction. Tra partenze e nuovi arrivi in DOC
– Nelle tue mani, nuove sfide attendono la squadra del
Policlinico Ambrosiano di Milano, guidata dall’amatissimo dottor
Andrea Fanti (Luca
Argentero), che torna finalmente a rivestire il ruolo di
primario mentre prova a recuperare quei ricordi che ormai tutti (o
quasi) ritenevano perduti per sempre.
DOC – Nelle tue mani, la
serie
DOC
– Nelle tue mani è la serie tv prodotta da RAI
FICTION scritta da Francesco Arlanch e Viola Rispoli. Una
produzione Lux Vide, società del gruppo Fremantle, in
collaborazione con Rai Fiction
Nel cast di DOC
– Nelle tue mani
Luca Argentero,
Matilde Gioli, Pierpaolo Spollon, Sara Lazzaro, Marco Rossetti,
Laura Cravedi, Giacomo Giorgio, Elisa Wong, Elisa Di Eusanio,
Giovanni Scifoni, Aurora Peres e Diego Ribon. La
regia è affidata a Jan Maria Michelini (ep. 1-4),
Nicola Abbatangelo (ep. 5-10) e Matteo
Oleotto (ep. 11-16).
Le riprese della serie si sono
svolte tra Roma, Milano e Formello; per la location
ospedaliera il
Policlinico Universitario Campus Bio-Medico e l’Università Campus Bio-Medico di
Roma hanno messo a disposizione spazi e tecnologie.
Chi non si ricorda di Jar
Jar Binks? Il controverso personaggio è stato introdotto
in Star Wars: Episodio I – La minaccia fantasma e quasi
subito è diventato uno dei più odiati che abbiano mai messo piede
nella galassia lontana lontana di Star Wars. Nel tempo, alcuni fan si sono ammorbiditi
nei confronti di questo innegabilmente irritante personaggio in
CGI, ma George Lucas ha chiaramente recepito le
critiche, dato che il tempo in scena del goffo Gungan è stato
drasticamente ridotto in L’attacco dei Cloni e ha avuto una sola scena in
La vendetta dei Sith.
Dopo quel film, Binks non è mai più
apparso in nessun film o show televisivo di Star
Wars, lasciando dunque il mistero riguardo la sua sorte,
tra chi dice che sia stato ucciso in seguito alla caduta della
Repubblica e chi invece che sia passato al lato oscuro della Forza.
Tuttavia, con i tanti nuovi prodotti del franchise in via di
sviluppo, potrebbe ancora esserci l’occasione per lui di tornare in
scena e raccontare cosa gli è accaduto. A sostegno di quest’ipotesi
è ora arrivato un post di Ahmed Best, l’attore che
ha interpretato Jar Jar tramite motion capture.
In questo l’attore si mostra con
indosso la tuta per la motion capture e nella descrizione riporta
la frase (tratta dal film Il padrino – Parte III):
“Proprio quando pensavo di essere fuori, mi tirano di nuovo
dentro”. Aggiungendo poi gli hashtag #StarWars e #JarJarBinks.
Tuttavia, la presenza del hashtag #Activision ha fatto supporre che
stia in realtà lavorando a qualcosa per Call of Duty, che
in passato ha introdotto skin per vari personaggi della cultura
pop. Non è dunque detto che il personaggio stia per tornare in un
film o una serie TV, ma ciò non è del tutto da escludere per il
futuro.
In un’intervista del 2017, Best ha
dichiarato quanto segue di Jar Jar Binks: “È
un’eventualità molto cupa, molto oscura per Jar Jar, in realtà mi è
piaciuta molto! È stato davvero drammatico e credo sia stata una
buona idea per tirare le somme. Mi sono sempre lamentato con George
quando ho capito che non sarebbe diventato un Sith e che si stavano
allontanando molto da me, mi sono sempre lamentato con George di
non aver avuto una buona morte! Volevo essere fatto a pezzi in
qualche modo… e George non lo faceva.
“La cosa interessante che penso
di Jar Jar è che tutti continuano a cercare una spiegazione per
lui, il che è nella natura umana, una parte importante del mio
libro parlerà di questo. Mi piacciono tutte queste teorie che
cercano di spiegare le ragioni di Jar Jar, abbiamo già parlato
della storia di Darth Jar Jar, quella che lo vede come un
personaggio tragico che si rende conto di essere stato manipolato e
perde la testa. Penso che sia bello, penso che sia
interessante“.
Una delle sequenze più angoscianti
dei prequel di Star
Wars è stata la scena di Star Wars: La vendetta dei Sith in
cui Anakin Skywalker viene incaricato di
massacrare tutti i Jedi, compresi i giovani che si sono rivolti a
lui per ottenere la salvezza mentre assistevano allo sradicamento
dei loro anziani. L’attore Hayden Christensen ha recentemente ripensato
proprio a quel momento e ha rivelatocome abbia realmente cercato di
spaventare un giovane attore, Ross Beadman, per
suscitare in lui una reazione genuina, dando vita a qulla sequenza
tragica e iconica del film.
Fortunatamente, alla fine
Christensen ha ritrovato Beadman e ha ammesso scherzosamente di
aver fatto ammenda per aver intimorito il ragazzo. Parlando con
Empire Magazine dell’intensità della sequenza, Christensen ha
infatti dichiarato: “Sembra che i ragazzi si dimentichino di
quella scena quando mi incontrano! Non c’è paura o intimidazione.
Sono solo entusiasti di incontrare Anakin. Si è parlato molto della
possibilità di fare quella scena e mi piace che George Lucas
l’abbia fatta. È stata una mossa coraggiosa. Ed è
scioccante“.
Ha poi continuato: “Mentre la
stavamo girando, avevamo difficoltà a ottenere la reazione che
volevamo dal bambino. Così gli ho gridato o ringhiato contro,
perché avevamo bisogno di un momento autentico in cui fosse
spaventato. Abbiamo ottenuto la reazione di cui avevamo bisogno e
la scena ha funzionato molto bene… L’ho rivisto anni dopo. Gli ho
detto: ‘Mi dispiace per come è andata‘”. Tutto è bene quel che
finisce bene, dunque, e i fan saranno contenti di sapere che
nessuno dei bambini coinvolti nella scena sembra essere rimasto
effettivamente traumatizzato.
Dove rivedremo Hayden Christensen nel ruolo di Anakin
Skywalker/Darth Vader?
Nella serie Ahsoka –
con protagonista Rosario Dawson nei panni del Jedi preferito
dai fan, che sta cercando di salvare la galassia dal Grande
Ammiraglio Thrawn, una nuova minaccia dopo la caduta dell’Impero
Galattico – Anakin si riunisce con la sua ex Padawan nel Mondo tra
i mondi, un modo per permettere a Hayden Christensen di apparire come ologramma
nel tempo delle Guerre dei Cloni per una sessione di addestramento.
Secondo un rumors dello scooper Daniel Richtman,
Hayden Christensen tornerà effettivamente
anche nella seconda stagione di Ahsoka, stavolta con un ruolo ben più ampio.
Al momento non sono però stati forniti ulteriori dettagli.
Continua inesorabile la continua
“discesa all’inferno” dei protagonisti degli episodi 5 e 6
di diMare
Fuori 4 che si trovano a fare i conti con un nuovo
cambio di scenario nelle loro giovani eppure già vecchie vite.
Quasi tutti ancora minorenni ma già alle prese con una vita a dir
poco complicata, questi ragazzi lottano ogni giorno, più o meno
consapevolmente, per sopravvivere a se stessi e al mondo che li
circonda. Per Rosa Ricci il problema si risolve in modo
estremamente semplice: “Questione di scelte“, come dice a
Cucciolo, suo nuovo alleato, e come recita anche il titolo
dell’episodio 5.
La scelta che ha fatto lei l’abbiamo
intuita già nel
dittico precedente: la famiglia, il clan, la piazza, Rosa si
dedica alla sua eredità di sangue, perché pensa che quella sia la
scelta giusta, per quanto difficile. Vuole portare avanti il nome
dei Ricci e allo stesso tempo lotta contro se stessa: la luce che
le ha mostrato Carmine, suo nemico naturale perché erede del clan
avversario dei Di Salvo, è un fatto nuovo, troppo brillante di
speranza in un futuro migliore per essere credibile e possibile per
lei, che invece si sente dentro solo oscurità.
Mare Fuori 4: l’avvocato D’Angelo fa la sua mossa
Ma gli amanti sfortunati dell’IPM
vengono accantonati per un po’, negli episodi 5 e 6 di di
Mare Fuori 4. Seppure protagonisti della storia
principale, in questa occasione lasciano spazio al personaggio
dell’avvocato Alfredo D’Angelo, interpretato da
Giuseppe Tantillo. Ci viene data la possibilità di guardare al
passato del giovane Alfredo, ambizioso e povero, con tanto cervello
ma poco potere, che si affilia a chi di potere (e soldi) ne ha in
abbondanza. L’uomo è ormai un personaggio chiave della storia:
custode dei soldi dei Ricci, è adesso the most wanted man
per Rosa, per Edoardo ma anche per Silvia, che crede di aver
trovato il modo per sopravvivere al suo sfuggente doppio-gioco,
sfruttandolo a suo vantaggio. Purtroppo, come sempre succede in
Mare Fuori 4, interviene l’entropia, che sembra
governare buona parte di questi giovani sull’orlo di un precipizio,
e mette il fumantino “Micciarella” sul suo cammino.
Arriva il momento di Cardiotrap
“Questione di scelte” si
conclude quindi con un colpo di scena che ci traghetta direttamente
nell’episodio 6, “Ragazzi fuori”. Un altro episodio di
“conseguenze”, in cui si accolgono le notizie, brutte e belle
(meno male che c’è la story-line di Pino/Artem
che regala un po’ di gioia a questa serie!), e i
personaggi sono costretti a fare i conti con le proprie azioni. La
puntata si sarebbe potuta chiamare anche “La contritio cordis di
Micciarella”, tuttavia questa scelta sposta il fuoco del racconto,
finalmente, su Gianni/Cardiotrap. Il personaggio, che nel corso
delle tre stagioni precedenti è cresciuto molto, torna finalmente
al centro della scena. Lo avevamo lasciato scottato dal furto
intellettuale subito dalla sveglia Crazy J che si
candida a diventare nuova Viola della serie: rotta dentro,
impenitente, incurante delle difficoltà in cui mette gli altri.
Legata a doppio filo a Cardiotrap e quindi anche a Crazy J, c’è
Alina, la muta, la pazza, il personaggio più misterioso di questa
nuova stagione, che poco a poco si sta facendo strada nel cuore
degli spettatori, quasi pronta a svelare il suo segreto.
Mare Fuori 4: un mid-season finale con il botto
La strada che ci porta a questo
mid-season finale, con un grande colpo di scena e un cliffhanger da
farci desiderare che il 14 febbraio sia oggi, è costellata di
drammi che i nostri giovani devono affrontare. L’eroe romantico,
Carmine (Massimiliano
Caiazzo), compare solo nel finale di puntata,
portatore di una luce, di una piccola speranza, e di un cuore
gonfio di emozioni contrastanti per quello che ancora prova per
Rosa, per quello che deve fare per salvarsi, per Azzurra, sua
figlia, per il futuro che vuole per lei e per quelli che,
nonostante le circostanze della detenzione, sono diventati la sua
famiglia.
In linea con quanto sviluppato fino
a questo momento, Mare Fuori 4 conferma una
perdita di freschezza e originalità direttamente proporzionale alla
crescita dei mezzi produttivi. Mentre la regia di fa più curata,
enfatica e acrobatica, la scrittura perde quella verità che
rappresentava la sua parte migliore, più autentica, all’inizio
della sua corsa. Forse è il prezzo da pagare per il successo
travolgente della serie stessa, ma i giovani talenti che
interpretano questi eroi disgraziati meriterebbero copioni
migliori.
Quello del revenge movie è
da sempre un filone di film particolarmente popolari e acclamati,
dove l’eroe intraprende una spedizione punitiva nei confronti di
quanti hanno ucciso o rapito dei suoi cari. Negli anni sono diversi
i titoli che hanno riconfermato la fortuna di questo genere, da
Vendetta finale a Io sono vendetta. Uno dei
più importanti e riconosciuti a livello internazionale è però
Io vi troverò, titolo italiano di
Taken, film scritto dal regista francese Luc
Besson e diretto da Pierre Morel. Dopo il
grandissimo successo del primo sequel, nel 2015 è arrivato anche
Taken 3 – L’ora della verità.
Se il primo capitolo vedeva il
protagonista alle prese con il rapimento della figlia mentre il
secondo capitolo con il rapimento della sua intera famiglia, questo
terzo film lo vede impegnato a dover salvare proprio sé stesso. La
realizzazione di questo nuovo sequel non era però scontata, poiché
l’attore protagonista
Liam Neeson aveva dichiarato che non sarebbe tornato
nel ruolo se non fosse stato pienamente convinto dalla storia. Così
per fortuna è stato, permettendo di rivedere l’agente Bryan Mills
impegnato in nuove vicende. Anche questo terzo capitolo non ha poi
mancato di rivelarsi un grandissimo successo al box office.
A fronte di un budget di quasi 50
milioni di dollari, Taken 3 – L’ora della verità è
arrivato ad un incasso complessivo di 326. Con questa sua degna
conclusione, la trilogia si è così potuta affermare come uno dei
titoli d’azione di maggior successo di questi ultimi anni. Prima di
intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile
approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo.
Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare
ulteriori dettagli relativi alla trama e al
cast di attori. Infine, si elencheranno anche le
principali piattaforme streaming contenenti il
film nel proprio catalogo.
La trama di Taken 3 – L’ora della verità
Protagonista del film è ancora una
volta Bryan Mills, il quale dopo aver salvato l’ex
moglie Lenore e la figlia Kim
inizia a riavvicinarsi sempre di più a loro. Lenore, dal canto suo,
è decisa a scaricare il nuovo compagno Stuart per
provare a ricostruire il rapporto con l’ex marito. I loro tentativi
di ricongiungersi vengono però spezzati dall’improvvisa morte di
Leonore, la quale si scopre essere stata uccisa. Il primo
sospettato di ciò è proprio Bryan, che senza avere neanche il tempo
di poter piangere l’amata di trova a dover scappare dalla polizia
che gli dà la caccia. In particolare, sulle sue tracce, si trova
l’ispettore Franck Dotzler.
Mentre fugge, Bryan deve allo stesso
tempo indagare su cosa sia realmente accaduto a Leonore. Risalendo
a dei video di sorveglianza, Mills scopre che Lenore è stata rapita
e uccisa da alcuni uomini mascherati e cerca di raggiungere Kim per
parlare dell’accaduto. Dopo aver eluso i sistemi di sicurezza di
Stuart, Mills scopre che l’uomo ha intensificato i controlli su Kim
e sospetta che potrebbe essere proprio lui il colpevole della morte
della sua ex moglie. Ciò che gli serve scoprire è perché e cosa o
chi c’è dietro a Stuart.
Taken 3 – L’ora della verità: il cast del film
Per la terza volta Liam Neeson interpreta
il personaggio di Bryan Mills, convinto a riprendere tali panni
dalla possibilità di esplorare nuovi aspetti del ruolo. Allo stesso
tempo, egli accettò di tornare a patto che in questo nuovo capitolo
nessuno venisse rapito. Per prepararsi a questo, Neeson si è
nuovamente addestrato insieme al soldato Mick Gould, ex Special
Air Service (SAS), nel combattimento corpo a corpo e
nell’uso delle armi. Egli ha inoltre praticato il Nagasu
Do. Si tratta uno stile di arte marziale ibrido che prende in
prestito mosse dal Judo, Aikido e Ju Jitsu. Tale preparazione gli
ha permesso di interpretare personalmente tutte le sequenze di
combattimento che lo vedono coinvolto.
Ad interpretare l’ex moglie di
Bryan, Lenore, vi è di nuovo l’attrice
Famke Janssen, nota per essere stata Jean Grey nella
prima trilogia di X-Men. Maggie Grace, nota per essere stata Shannon
Rutherford nella serie televisiva Lost, è invece
nuovamente la figlia Kim. Il ruolo di Stuart, interpretato nel
primo film da Xander Berkley, è invece qui
ricoperto da Dougray Scott, poiché Berkeley non
era disponibile per le riprese. Di particolare importanza è invece
l’ingresso nel cast del premio Oscar Forest Whitaker nei
panni dell’ispettore Franck Dotzler. L’attore, solito portare con
sé durante le riprese un pezzo degli scacchi, ha in questo caso
avuto un cavallo, rappresentante un cavaliere.
Taken 3 – L’ora della verità: ci sarà un sequel?
Con questo terzo capitolo si è
dunque apparentemente conclusa la trilogia e a quasi dieci anni di
distanza sembra proprio che i film siano destinati a rimanere solo
tre. Lo stesso Neeson ha infatti in più occasioni dichiarato che
non ci sarà un Taken 4 o che in ogni caso lui non è
interessato a riprendere il ruolo di Bryan Mills. Senza l’attore,
diventa allora improbabile la realizzazione di un nuovo
lungometraggio, considerando anche che la serie realizzata nel
2017, Taken, strutturata come una origin story per Mills,
è stata cancellata dopo solo una stagione per lo scarso interesse
dimostrato dai fan nei confronti di un interprete diverso da Neeson
per il ruolo. Per ora, dunque, non sembra esserci alcun tipo di
piano a riguardo.
Il trailer di Taken 3 – L’ora
della verità e dove vedere il film in streaming e in TV
È possibile fruire del film grazie
alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme
streaming presenti oggi in rete. Taken 3 – L’ora della
verità è infatti disponibile nei cataloghi di
Rakuten TV, Google Play, Apple TV, Prime Video e Disney+. Per vederlo, una
volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il
singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così
modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità
video. È bene notare che in caso di noleggio si avrà soltanto un
dato limite temporale entro cui guardare il titolo. Il film è
inoltre presente nel palinsesto televisivo di mercoledì 28
febbraio alle ore 21:20 sul canale
Italia 1.
A cavallo tra gli anni Ottanta e
Novanta l’attore Richard Gere era uno dei più popolari
interpreti di Hollywood, per merito di film come Ufficiale gentiluomo e Pretty Woman. Successivamente a questi due titoli, che
lo avevano in particolare fatto diventare una star dei film
romantici, Gere prese parte al film del 1993
Sommersby, diretto dal regista Jon Amiel (autore
anche del thriller Copycat – Omicidi in serie), in cui tornò a ricoprire
un ruolo da eroe romantico anche se non privo di lati oscuri.
Sommersby è infatti un remake del film francese del 1982
Il ritorno di Martin Guerre, a sua volta ispirato ad una
reale vicenda, in cui menzogne e sentimenti la fanno da
padrone.
La volontà di realizzare questo film
trova origine nella volontà di Richard Gere e della sua compagna di
produzione Maggie Wilde di trovare progetti in cui
l’attore potesse essere coinvolto fin dall’inizio e su cui potesse
mantenere un certo controllo. Una delle sceneggiature che trovò fu
quella di Nicholas Meyer, che aveva riproposto la
vicenda francese del XVI secolo su Martin Guerre
riadattandola all’epoca della guerra civile americana. Gere scoprì
che la sceneggiatura era controllata dai coproduttori di Pretty Woman, Arnon Milchan e
Steven Reuther. Li contattò e non passò molto
tempo prima che la produzione venne avviata.
Per chi dunque è in cerca di un film
romantico ma ricco anche di elementi che, tra sospetti e accuse,
impreziosiscono il racconto di molteplici sfumature,
Sommersby è senz’altro un titolo da non lasciarsi
sfuggire. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà
certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità
relative ad esso. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti
possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla
trama, al cast di attori, al suo
finale e anche alla storia vera a cui si
ispira. Infine, si elencheranno anche le principali
piattaforme streaming contenenti il film nel
proprio catalogo.
La trama e il cast di Sommerby
Dopo 6 anni dalla fine della guerra
civile americana, Jack Sommersby torna al paese
natale di Vine Hill, nel Tennessee, dove ritrova la moglie
Laurel e il figlioletto Robin.
Egli si mostra profondamente cambiato, non più un uomo violento
bensì gentile e affettuoso. Nonostante si dia da fare per
riprendere il proprio posto all’interno della sua famiglia e della
sua comunità, una serie di voci iniziano ad indicarlo come un
impostore che ha assunto i panni del vero Sommersby. Mentre una
serie di elementi sembreranno confermare questa teoria, l’uomo e
Laurel si troveranno a dover riflettere sul proprio rapporto e
sulle verità alla base di esso.
Ad interpretare Jack Sommersby vi è
l’attore Richard Gere, mentre sua moglie Laurel è
interpretata da Jodie Foster. Il casting di quest’ultima fece
piuttosto discutere, in quanto non era ritenuta un’attrice da film
in costume e di genere sentimentale. Foster riuscì però poi a
convincere tutti con la sua interpretazione. Proprio sul set di
questo film, l’attrice ha incontrato la sua partner di lunga data
Cydney Bernard, che lavorava come coordinatrice di
produzione, con la quale è rimasta insieme fino al 2008. Completano
il cast l’attore Bill Pullman nel ruolo di Orin
Meecham, vicino dei Sommersby e innamorato di Laurel, James
Earl Jones nel ruolo del giudice Barry Conrad Issacs e
R. Lee Ermey in quelli di Dick Mead.
La spiegazione di
Sommersby: cosa succede nella scena finale?
Nel finale del film, dopo che le
accuse nei confronti dell’uomo che si dichiara essere Jack
Sommersby sono ormai di dominio pubblico, egli viene arrestato con
l’accusa di omicidio. In tribunale, l’uomo continua però a
rifiutare la teoria di essere un impostore, proclamandosi come il
vero Sommersby. Quando il giudice gli chiede infine se voglia
essere giudicato come tale, anche se questo avrebbe significato
certamente la sua morte per impiccagione, lui rimane della sua idea
e la condanna viene confermata. Laurel, per salvarlo, tenta di
dimostrare che si tratta di un impostore, ma cede infine alla
volontà dell’uomo di andare incontro alla propria sorte.
In attesa dell’esecuzione, Laurel
gli chiede però di dire la verità sulla sua identità e lui allora
le racconta la storia di come aveva condiviso la cella con un altro
uomo, tanto che alla fine erano diventati inseparabili, data anche
la loro somiglianza. Dopo aver vissuto assieme a lui per quattro
anni, era riuscito a conoscere tutto di lui. Quando era stato
rilasciato, il vero Jack Sommersby aveva ucciso un uomo e poi era
morto per una ferita inflittagli nella lotta. Horace
Townsend, questo il nome dell’impostore, l’aveva dunque
seppellito e ne aveva assunto l’identità, sostenendo che non poteva
ammettere la verità perché Laurel e i bambini avrebbero perso
tutto.
Mentre Horace viene portato al
patibolo chiede infine a Laurel di essere tra la folla perché non
può “essere impiccato da solo“. Lui alla fine la chiama,
dicendo al boia che “non era pronto“. I due innamorati si
scambiano quindi un ultimo sguardo prima che il boia apra la
botola. Nell’ultima scena, Laurel cammina su una collina con dei
fiori. Si inginocchia poi accanto alla lapide di “John Robert
Sommersby” e depone i fiori per lui. Si scopre poi che sono in
corso i lavori per la costruzione del campanile della chiesa del
villaggio, proprio come desiderato da Jack.
Sommersby è tratto da una storia vera?
Questo film è uno dei numerosi
adattamenti fittizi di un vero e famoso caso legale di impostura
del XVI secolo in Francia. Il caso riguardava un uomo di nome
Martin Guerre che, scomparso dal suo villaggio
basco nel 1548, riapparve improvvisamente otto anni dopo.
Nonostante il suo aspetto leggermente cambiato, convinse la
famiglia, la moglie e gli abitanti del villaggio che era davvero
Martin Guerre. Lui e la moglie ebbero altri due figli e lui fece
causa a uno zio paterno per rivendicare i beni del padre. Lo zio
sospettò che questo Martin Guerre tornato fosse in realtà un
impostore di nome Arnaud du Tilh ed escogitò un
modo per farlo processare per impostura.
Il sospetto fu confermato quando il
vero Martin Guerre si presentò in tribunale durante il processo di
du Tilh. Durante la sua lunga assenza da Artigat, il vero Martin si
era trasferito in Spagna, dove servì nella milizia del cardinale e
in seguito nell’esercito di Pedro de Mendoza. Facendo parte
dell’esercito spagnolo, fu mandato nelle Fiandre e partecipò alla
Battaglia di San Quintino il 10 agosto 1557. La ragione del suo
ritorno durante il processo è sconosciuta. Alla luce di ciò, Arnaud
du Tilh confessò di aver imparato tutto della vita di Guerre da due
uomini che lo avevano scambiato per lui. Si scusò con tutti coloro
che erano stati coinvolti e venne poi impiccato nel settembre
1560.
Il trailer di Sommersby e
dove vedere il film in streaming e in TV
È possibile fruire di
Sommersby grazie alla sua presenza su
alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in
rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Google
Play e Disney+. Per vederlo, una
volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il
singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così
modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video.
Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di
mercoledì 28 febbraio alle ore
21:10 sul canale Rai Movie.
Estetica e fotografia di
Caracas
