Sono passati diversi mesi dalla presentazione in anteprima di Eravamo bambini ad Alice nella città, la sezione autonoma della Festa del Cinema di Roma, e finalmente il film che Marco Martani ha adattato dal monologo “Zero” di Massimiliano Bruno (qui anche co-autore) arriva in sala, distribuito da Vision Distribution, a partire dal 21 marzo 2024. Un dramma corale nerissimo, ambientato in Calabria in tre momenti diversi della vita dei ragazzi protagonisti – interpretati da Lorenzo Richelmy, Alessio Lapice, Lucrezia Guidone, Francesco Russo e Romano Reggiani – e del “minaccioso onorevole Rizzo”, come il regista definisce il personaggio di Massimo Popolizio, e suo figlio, il Peppino di Giancarlo Commare.

Eravamo bambini, la trama

In un paese della costa calabrese, il pacifico Cacasotto (Russo) viene arrestato per aver minacciato con un coltello un carabiniere. Durante il suo interrogatorio si intrecciano le storie di altri quattro suoi coetanei, amici d’infanzia, tutti traumatizzati da un fatto di sangue a cui hanno assistito da bambini. Un messaggio di uno di loro, il celerino Gianluca (Lapice), rompe il silenzio e le routine degli altri annunciando l’intenzione di voler tornare nel paese calabrese per vendicarsi di qualcosa o qualcuno. La rockstar Inferno (Richelmy), l’insoddisfatta Margherita (Guidone) e il borderline fratello minore Andrea (Reggiani) lasciano così le loro vite “interrotte” per raggiungerlo ed impedirgli di fare qualche sciocchezza. Ma una volta arrivati in Calabria, nella San Severo di tante vacanze e altrettanti ricordi di gioventù, tutti si ritroveranno dopo tanti anni a guardare in faccia l’orrore vissuto per fare finalmente i conti con il trauma che non ha permesso loro di vivere una vita normale.

Eravamo bambini, vendetta e tragedia, violenza e colpa

Comprensibile che Martani stesso citi lo Sleepers del 1996 tra i riferimenti del genere al quale potrebbe appartenere il suo nuovo film, come anche che l’abstract possa far venire in mente altri cult come IT o Mystic River, eppure l’adattamento del monologo di Massimiliano Bruno “Zero” sembra avere qualcosa di unico e originale, rispetto a cotanti ‘padri putativi’. Che come questo hanno la vendetta al centro della premessa e come principale motore, ma che si sviluppano in maniera diversa.

Qui infatti, non sono solo le vittime di ieri i protagonisti, ma anche la solitudine che portano con sé gli adulti che sono diventati. Alla loro impossibilità di superare il trauma che li unisce si affianca infatti un senso di non appartenenza che sembra trovare sollievo solo nel centro dell’uragano emotivo che li tormenta. Solo lì dove tutto è iniziato, e con le figure che popolano quello stesso microcosmo, la loro enclave calabrese, rimasto immutato negli anni. Fino al momento raccontato sullo schermo, frammentato narrativamente in tre diverse linee temporali, non facili da portare avanti e sviluppare in maniera indipendente.

Eravamo bambini, un racconto su tre piani

Come tutto sommato riesce a fare la scrittura di Bruno e Martani, che in questa veste sembra dare il meglio di sé. Ed è un peccato, considerata la materia tanto sentita, il lungo impegno dedicatole e i personaggi interessanti che vediamo prendere vita sullo schermo (alcuni meglio di altri, a volte troppo condizionati dal desiderio di strafare, come il pur ottimo Russo in versione Keyser Söze) e che non c’erano o erano diversamente – o appena – accennati nell’originale teatrale.

La debolezza di questo Eravamo bambini è proprio nella regia, purtroppo, soprattutto degli attori, e nella costruzione finale delle scene, da quelle di raccordo a quelle nelle quali lo sguardo si allarga a comprendere diversi soggetti, in generale quelle nelle quali l’attenzione non sia catalizzata da un singolo personaggio o dramma. Quali che siano i motivi, poco tolgono alle qualità del regista (David di Donatello all’esordio con Cemento armato, merita ricordarlo, e poi dietro la macchina da presa per La donna per me, dopo aver vinto ogni premio come sceneggiatore, da Notte prima degli esami a La mafia uccide solo d’estate, Se Dio vuole ed Ex), al quale va parte del merito di aver optato per una fotografia dai toni cromatici molto elaborati, capaci di diventare elemento narrativo essi stessi, e di aver saputo regalare una nuova vita e un ruolo chiave a un personaggio più che secondario come quello di Peppino.

Intelligente l’arco affidato all’interpretazione di Giancarlo Commare (Skam Italia, Ancora più bello, Nuovo Olimpo), che arricchisce il film di una incertezza che altrimenti non avrebbe, sovrastata dal gioco narrativo del “puzzle emotivo e temporale” e dai più prevedibili esiti della storia di amicizia e “di vite spezzate” o “tragedia greca corale”. Come si è scelto di presentare questo Eravamo bambini, col rischio di indebolirne la forza suggerendo un po’ troppo dell’abisso che nasconde, e della debolezza, la solitudine, la colpa, che i personaggi scontano, incapaci – tutti, o quasi – di emendarsi da una dinamica di violenza e di morte apparentemente immutabile. A meno di sorprese. Che davvero, a tratti sembreranno poter arrivare da chiunque di essi, prima che la matassa si dipani e i ruoli si definiscano, nel bene e nel male.

A dieci anni dal Party Girl che vinse la Camera d’Or a Cannes (e dopo un episodio della serie Demain si j’y suis), torna nelle nostre sale la regista francese Marie Amachoukeli. Grazie alla distribuzione di Arthouse, in collaborazione con I Wonder Pictures e Unipol Biografilm Collection, dal 21 marzo il suo nuovo L’estate di Cléo è in molti cinema italiani, dopo aver aperto l’ultima Semaine de la Critique al Festival di Cannes 2023 e aver raccolto diversi riconoscimenti internazionali. Un racconto intimo, ma anche un film sull’infanzia diverso da altri, che vive del forte rapporto tra la Gloria di Ilça Moreno e la piccola co-protagonista, la Cleo interpretata da Louise Mauroy-Panzani, nella quale rivive l’esperienza della stessa regista e sceneggiatrice.

L’estate di Cléo, la trama

Dopo la perdita della madre, la piccola Cléo di sei anni vive con suo padre e la tata Gloria, originaria della Repubblica di Capo Verde, alla quale la lega un rapporto di affetto sincero e potente. Come una seconda madre, o la madre che Cléo non ha avuto, le due vivono una quotidianità fatta di tanti piccoli momenti preziosi che alimentano l’affetto reciproco tra le due. Così, quando Gloria deve tornare a Capo Verde per prendersi cura della sua famiglia, Cléo le chiede di mantenere una promessa: rivedersi il prima possibile. Con il permesso del padre, Gloria invita la bambina a raggiungerla nel suo paese natale, per trascorrere insieme a a lei e ai suoi figli un’ultima estate da ricordare per sempre. Nel bene e nel male.

L’estate di Cléo, da un titolo all’altro

È interessante lo slittamento semantico operato dalla distribuzione italiana nel trasformare il titolo originale (Àma Gloria, dedicato alla adulta e affettuosa governante) focalizzando l’attenzione sull’esperienza della piccola Cléo. Anche correttamente, in effetti, visto che l’origine della storia sta proprio nell’esperienza vissuta dalla stessa regista quando aveva l’età della sua protagonista. E che al netto dell’omaggio della Amachoukeli alla tata di allora – la Laurinda, immigrata portoghese, alla quale il film è dedicato – riporta l’attenzione sul momento vissuto dalla bambina, sulle sue emozioni e soprattutto sulle sue risposte alla scoperta di una vita completamente diversa e altra da quella che aveva imparato a conoscere.

Lontana da casa, dalla protezione paterna e soprattutto dalle dinamiche e dai ruoli ai quali era abituata, la piccola è spiazzata, ancora non completamente in grado di comprendere i confini tra dovere e sentimento, tra il rispetto degli obblighi deontologici della sua tata, l’attenzione nei suoi confronti e l’amore sincero che le lega. Ma che lega la donna anche ai suoi veri figli, che mal sopportano l’arrivo di questa ‘sorellastra intoccabile’, un corpo estraneo alla loro famiglia, che inevitabilmente affrontano anche con gelosia e un pizzico di classismo.

L’estate di Cléo, un film di scoperta

Un groviglio confuso, complicato da gestire, figuriamoci da capire, e per una bambina di 6 anni. Ma è una parentesi – lunga un’estate, appunto – che vale una vita, e che costringe la piccola a uscire dalla propria bolla. Anche quella nella quale l’aveva sempre tenuta la sua Gloria. La scelta del punto di vista di Cléo rende il film qualcosa di diverso e di più di un romanzo di formazione, e del film “sull’infanzia e sull’universalità dell’amore” annunciato, visto che sono ‘adulte’ le emozioni (sottolineate dai tanti primi piani, che rendono ancora più privato e personale l’intenso racconto) e i conflitti di fronte ai quali viene messa, e i rischi di certe scelte.

C’è il concetto di famiglia, troppo spesso ipocritamente e strumentalmente sbandierato nella sua forma solo tradizionale a discapito della miriade di forme che questo assume nella vita reale, come scopre la stessa protagonista, ma ci sono anche la morte, l’errore, il rancore che viene dal non conoscere l’altro e la capacità di superare i pregiudizi insieme ai confini. Ma soprattutto il coraggio di tuffarsi dall’alto di una rupe in un mare pericoloso e aperto (che ritorna negli splendidi intermezzi animati che impreziosiscono il film e arricchiscono la caratterizzazione del suo mondo interiore), come vediamo in una delle scene più belle ed emblematiche del film, in un gesto estremo di affermazione e rivincita. Dal quale ripartire, un po’ più preparata ad affrontare il futuro e il mondo.

Kung Fu Panda 4 arriva in sala. Il nuovo progetto Dreamworks Animation, diretto da Mike Mitchell e Stephanie Ma Stin, esce al cinema in data 21 marzo e riprende le fila di un franchise che, iniziato nel 2008, ha sempre ottenuto un buon successo di pubblico e critica.

Affidato a un autore di comprovata esperienza e musicalmente accompagnato dal solito Hans Zimmer, il film si appoggia a un cast corale capeggiato dal solito Jack Black (Fabio Volo nella versione italiana) e composto anche dalle new entry Awkwafina/Alessia Amendola, Viola Davis/Laura Romano e Ke Huy Quan/Francesco Pezzulli.

Kung Fu Panda 4: la trama

Riscoperta appieno la propria identità grazie alla precedente avventura nel villaggio di suo Padre, Po ha fatto ritorno al Palazzo di Giada e continua a difendere la Valle della Pace assolvendo al proprio ruolo di Guerriero Dragone. Quando però il saggio maestro Shifu gli affida il compito di trovare, nominare e allenare un suo sostituto per poter diventare guida spirituale e quindi salire al livello successivo, il panda si trova decisamente in difficoltà.

Come se non bastasse la notizia di una nuova minaccia giunge ben presto a palazzo e Po viene a conoscenza dell’esistenza della Camaleonte, maga malvagia capace di assorbire la forza di chiunque e perfino assumerne le sembianze. L’obiettivo della perfida nemica è rubare il Bastone della Saggezza che Shifu ha consegnato a Po, per poter riportare indietro gli spiriti dei vecchi antagonisti del panda e rubare anche il loro potere.

Dal momento che i Cinque Cicloni sono impegnati in altre missioni collaterali, Po si mette dunque in viaggio in compagnia di Zhen, una volpe molto scaltra ricercata per furto. Ad attenderlo – al di là di strani incontri e un lungo peregrinare – c’è un nuovo entusiasmante scontro.

La legge del 4

La legge del 4 ha colpito anche Kung Fu Panda. E no, non stiamo parlando del complicato enigma proposto da Martin Scorsese nel suo Shutter Island del 2010; bensì della bizzarra maledizione che, all’interno del mondo dell’animazione, sembra abbattersi su qualsiasi franchise osi avventurarsi al di là del confine del terzo capitolo. È accaduto in casa Pixar, con il ben poco esaltato (ed esaltante) Toy Story 4, ed è invero già accaduto anche in casa Dreamworks, in attesa del ritorno a Molto molto lontano e alle avventure dell’amatissimo orco Shrek – prossimamente su grande schermo per la quinta volta.

Marzo 2024, come accennavamo, segna invece la caduta di un altro florido marchio dell’industria, e a farne le spese è una delle saghe animate più riuscite e apprezzate degli ultimi quindici anni. Le mirabolanti imprese del Guerriero Dragone e dei fidati Cinque Cicloni si sono infatti negli anni rivelate un importante punto di riferimento generazionale, capace persino di trascendere il medium cinematografico – come dimostrano le 26 puntate di Kung Fu Panda – Mitiche Avventure andate in onda su Nickelodeon nella stagione 2011. Segno del successo di un brand che, prendendo in esame le sole peripezie su pellicola, ha saputo negli anni reinventarsi sia in termini narrativi che estetici, senza mai disperdere la propria matrice identitaria e scandendo sapientemente il processo di crescita del suo protagonista.

Operazione nostalgia

Se tra primo e terzo film la saga si era dedicata alla progressiva presa di coscienza di Po in qualità di combattente, figlio e panda – all’interno di riconoscibili stilemi wuxia valorizzati da uno sguardo attento all’interiorità dei personaggi – l’aspetto più concettualmente interessante (e insieme demoralizzante) di Kung Fu Panda 4 risiede allora nel suo tentativo di “asciugare” il materiale della storia per focalizzarsi sugli elementi fondativi del franchise. In linea infatti con i principi distributivi e creativi tipici della modernità, il film non solo elimina i Cinque Cicloni per fare di Po l’unico (o quasi) centro gravitazionale del racconto; ma provvede a un sostanziale riciclaggio di codici e situazioni che, come spesso accade, si specchia nella scelta del cattivo di turno.

La Camaleonte, villain in grado di assumere le sembianze di tutti i precedenti antagonisti, diviene infatti il simbolo di una “operazione nostalgia” a cui il mondo dell’audiovisivo di oggi cede con sempre maggiore frequenza, sostituendo appunto qualsiasi volontà di ricerca e innovazione con un rasserenante ripescaggio di dinamiche e volti già noti – e per questo rassicuranti.

Il risultato di tale operazione, volta forse a rispondere anche al preoccupante calo delle capacità di concentrazione di un pubblico ormai sovrastimolato, è – prevedibilmente – un road movie piuttosto classico che prepara il terreno a un prevedibilissimo scontro finale con insegnamento al seguito. Un prodotto purtroppo fiacco e privo del coraggio dei suoi predecessori, privato di qualsivoglia velleità artistica e rimpinguato di gag per lo più pigre e senza mordente. Con tanto di morale “da biscotto” a completare l’opera.
Un prodotto che, ancora una volta, getta ben più di un’ombra sulle capacità di progettazione a lungo termine di buona parte delle grandi case di produzione animate (e non solo), e dovrebbe convincerci della necessità di quale riflessione in più sullo stato di salute dell’intero settore.