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Sean Baker, il prossimo film è ambientato in Italia: “Una lettera d’amore alla commedia sexy italiana”

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Dopo il successo agli Oscar con Anora, Sean Baker ha deciso di rifiutare le proposte dei grandi studi per tornare al cinema che lo ha reso celebre: attori non professionisti, riprese in movimento e uno sguardo diretto sulla comunità sessuale. Lo scorso anno Baker ha infatti iniziato a fare sopralluoghi per il suo nuovo film, di cui non sono stati rivelati né cast completo né dettagli sulla trama. Durante il Festival di Berlino, il regista ha anticipato però che il progetto sarà ambientato in Italia e fungerà da omaggio alle commedie sexy italiane degli anni ’60 e ’70.

È la mia lettera d’amore al cinema sexy italiano di quegli anni, quindi mi sto concentrando su questo. Vogliamo girare entro quest’anno”, ha spiegato Baker a Variety. Al momento, sappiamo che l’attrice italiana Vera Gemma, nota per i film Vera e Scarlet Flower, farà parte del cast. Baker ha aggiunto che girerà il film in modo indipendente, senza interferenze di studio, ma spera di collaborare nuovamente con Neon, produttore di Anora.

Il regista ha inoltre anticipato che la nuova opera “si spingerà un po’ di più verso la commedia”, suggerendo un tono più apertamente umoristico rispetto ai suoi lavori precedenti. Con questa nuova produzione, Baker potrebbe avere un’altra occasione per partecipare al Festival di Cannes nel 2027, continuando a costruire una filmografia già apprezzata con titoli come Tangerine, The Florida Project e Red Rocket.

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Dan Trachtenberg anticipa il design e la presentazione della madre di Dek nel sequel di Predator: Badlands

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Anche dopo la morte di suo padre, Dek dovrà ancora affrontare alcuni problemi familiari nel sequel di Predator: Badlands (leggi qui la recensione). Essendo il più piccolo del clan Yautja, Dek era sottoposto al severo scrutinio di suo padre Njohrr, sfuggendo per un soffio all’esecuzione grazie al sacrificio di suo fratello Kwei, che ha mandato l’eroe Predator sul famigerato pianeta della morte Genna. Dopo essere sopravvissuto alla sua avventura lì con Thia, interpretata da Elle Fanning, il finale di Predator: Badlands non solo ha visto Dek sconfiggere con successo suo padre e reclamare il suo dispositivo di occultamento, ma ha anche visto sua madre volare oltre l’orizzonte.

Ora, in un’intervista con Ash Crossan di ScreenRant per la sua uscita in home media, Dan Trachtenberg ha offerto alcune anticipazioni su ciò che accadrà alla madre di Dek dopo Predator: Badlands. Riconoscendo che una Yautja femmina non è mai apparsa in un film prima d’ora, essendo stata “raffigurata solo nei fumetti”, il regista ha detto che lui e il suo team di produzione “non hanno ancora iniziato a lavorare sul design [pianificazione]”, poiché al momento si sta concentrando su come dovrebbe essere la sua introduzione “dal punto di vista del personaggio”.

Tuttavia, Trachtenberg ha rivelato che desidera che l’introduzione della madre di Dek “sia un po’ inaspettata”, evitando il più possibile i cliché. Invece, afferma che la sua apparizione nel sequel sarà “più intenzionale e incentrata sull’aspetto interessante che la cultura Yautja” può portare sullo schermo. Ha anche indicato che lui e il suo team potrebbero non “attingere direttamente da come sono stati rappresentati nei fumetti”, ma seguire invece una propria strada.

Come osserva Trachtenberg, le Yautja femminili sono apparse in altri media, in particolare nei vari fumetti e romanzi che hanno ampliato la tradizione del franchise. Detto questo, l’unica apparizione canonica che presenta le Yautja femminili è quella di Predator: Hunting Grounds, un gioco d’azione multiplayer che offre ai giocatori la possibilità di impersonare una cacciatrice mentre si scontrano con altri giocatori.

Dato che la tradizione ha variato la loro natura, in particolare perché anche i media espansi le hanno raramente esplorate, questo dà a Trachtenberg un ampio margine di manovra su come introdurre la madre di Dek nel prossimo film Predators. Una cosa che sembrava chiara dal finale di Predator: Badlands è che anche la madre di Dek avrebbe portato con sé un conflitto, come ha fatto Njohrr con il protagonista, dato che lo Yautja ha raccolto la sua spada e sembrava pronto a impegnarsi in un altro combattimento.

Ma mentre Trachtenberg ha chiaramente intenzione di portare la madre di Dek sullo schermo, al momento non è chiaro dove questo porterà. Il regista ha confermato a ScreenRant che lavorerà contemporaneamente al prossimo film Predator e a nuovi progetti nell’ambito del suo accordo con la Paramount, ma ha dichiarato di essere ancora in fase di ideazione per il prossimo capitolo. Alcune delle idee prese in considerazione includono sia il tanto atteso Prey 2 che il già citato sequel di Badlands, oltre a riprendere il finale sospeso di Killer of Killers.

Dato che Predator: Badlands è diventato il capitolo di maggior successo della serie, sembra probabile che la 20th Century Studios vorrà cercare di capitalizzare questo successo con altre storie incentrate su Dek, aprendo così la strada a Trachtenberg per ideare una storia in cui compaia la madre di Dek. Con Naru, interpretata da Amber Midthunder, tenuta prigioniera su Yautja Prime, e Dek che ora ha un approccio molto diverso alla cultura del clan Yautja, un nuovo film potrebbe vedere Dek allearsi con Naru e altri per combattere sua madre e creare un nuovo futuro per la sua specie.

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The Batman – Parte II: lo sceneggiatore afferma che il sequel “sembra nuovo e pericoloso”

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The Batman – Parte II sta rapidamente prendendo forma e le riprese dovrebbero iniziare nel Regno Unito ad aprile. Il sequel è atteso da tempo, dato che The Batman è uscito nel 2022. Si tratta di un intervallo di oltre cinque anni tra i due film. Grazie a Hollywood North Buzz, ora sappiamo che il ritorno del regista Matt Reeves alla DC avverrà con il titolo provvisorio “Vengeance 2”. E sì, il titolo provvisorio di The Batman era, come avrete probabilmente intuito, “Vengeance”.

Per coincidenza, più o meno nello stesso periodo in cui è stata diffusa questa notizia, lo sceneggiatore di The Batman – Parte II, Mattson Tomlin ha risposto a un fan scrivendo: “Abbiamo lavorato molto duramente per raccontare una storia degna del personaggio. Qualcosa che sembrasse nuovo e pericoloso. L’asticella non poteva essere più alta”. “Non vedo l’ora che la gente lo veda e possa parlarne a lungo”, ha aggiunto Tomlin, che ha lavorato al primo film ma non ha ricevuto alcun credito ufficiale. “Non riesco a descrivere cosa significhi questo film per me”.

In seguito, ha aggiunto: “Abbiamo fatto del nostro meglio, letteralmente, spingendoci oltre i limiti”. È difficile chiedere di più. The Batman si è concluso preparando il terreno per quella che sembrava una collaborazione con Joker e Enigmista. Tuttavia, molti fan hanno espresso disappunto per il fatto che Reeves sembrasse intenzionato a concentrarsi su due cattivi che hanno già avuto molto spazio sullo schermo nel corso degli anni.

Tutto quello che sappiamo su The Batman – Parte II

The Batman – Parte II è uno dei film più attesi del nuovo panorama DC, ma il suo percorso produttivo non è stato privo di ostacoli. Inizialmente previsto per ottobre 2025, il sequel diretto da Matt Reeves è stato rinviato al 1° ottobre 2027. I ritardi sono stati giustificati da esigenze legate alla scrittura della sceneggiatura e al calendario riorganizzato della DC sotto la nuova guida di James Gunn e Peter Safran, che stanno ristrutturando l’intero universo narrativo. Nonostante ciò, Reeves ha confermato che le riprese inizieranno nella primavera 2026 e Gunn ha recentemente letto la sceneggiatura, definendola “grandiosa”, un segnale incoraggiante per i fan.

Sul fronte del cast, è confermato il ritorno di Robert Pattinson nei panni di Bruce Wayne/Batman, all’interno dell’universo narrativo alternativo noto come “Elseworlds”, separato dal DCU principale. Dovrebbero tornare anche Jeffrey Wright come il commissario Gordon e Andy Serkis nel ruolo di Alfred. I rumor più insistenti ruotano attorno alla possibile introduzione di Hush e Clayface (che avrà inoltre un film tutto suo) come villain principali, anche se nulla è stato ancora ufficializzato. C’è chi ipotizza un ampliamento del focus sulla corruzione sistemica di Gotham, riprendendo i toni noir e investigativi del primo capitolo, con Batman sempre più immerso in un mondo in cui la linea tra giustizia e vendetta si fa sottile.

Per quanto riguarda la trama, le indiscrezioni suggeriscono un’evoluzione psicologica per Bruce Wayne, alle prese con le conseguenze delle sue azioni e un Gotham sempre più caotica, anche dopo gli eventi della serie spin-off The Penguin con Colin Farrell (anche lui probabile membro del cast). Alcune fonti parlano di un possibile scontro morale con Harvey Dent, figura ambigua per eccellenza, o di un Batman costretto a confrontarsi con i limiti del suo metodo. Al momento, tutto è però ancora avvolto nel riserbo, ma la conferma della sceneggiatura completa e approvata lascia ben sperare per l’inizio delle riprese entro l’autunno e per un sequel che promette di essere ancora più cupo, ambizioso e introspettivo.

Reeves spera naturalmente che il suo prossimo film su Batman abbia lo stesso successo del primo. The Batman del 2022 ha avuto un’ottima performance al botteghino, incassando oltre 772 milioni di dollari in tutto il mondo e ottenendo un ampio consenso da parte della critica. Queste recensioni entusiastiche sono state portate avanti nella stagione dei premi, visto che il film ha ottenuto quattro nomination agli Oscar. Nel frattempo, Reeves ha espanso la serie DC Elseworld con la già citata serie spin-off di Batman, The Penguin, disponibile su Sky e NOW, per l’Italia.

L’uscita di The Batman – Parte II è ora prevista per il 1 ottobre 2027.

Callum Turner si rifiuta di commentare le voci sul suo eventuale futuro da James Bond

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Callum Turner finalmente si esprime sulla fondatezza delle voci sul casting di James Bond. Dopo l’uscita di Daniel Craig dal franchise di 007 con No Time To Die nel 2021, Internet è stato inondato di speculazioni su chi potrebbe prendere il suo posto. Mentre il regista Denis Villeneuve si prepara a iniziare a lavorare al suo annunciato James Bond 26, Turner è stato indicato come uno dei favoriti.

Callum Turner affronta queste voci sul casting mentre parla con i giornalisti al Festival Internazionale del Cinema di Berlino per il suo nuovo film, Rosebush Pruning. Secondo Variety, a Turner è stato chiesto se volesse “togliersi di torno” l’annuncio del casting di 007. “Avete ragione, è molto presto per questa domanda“, dice Turner ai giornalisti presenti con un sorriso. “Non ho intenzione di commentare.”

La risposta della star di Eternity non raffredda certo le speculazioni sul casting di 007. Prima che potessero arrivare ulteriori domande, tuttavia, la co-protagonista di Turner in Rosebush Pruning, Tracy Letts, ha deviato, annunciando scherzosamente: “Mi dispiace, sono il prossimo James Bond!”. Turner ha assecondato il gioco, rispondendo: “Tracy, pensavo che non avresti detto nulla”.

Villeneuve è stato confermato come regista di Bond 26 l’anno scorso, ma questa rivelazione non è stata accompagnata da annunci sul casting. Si prevede che il casting e altri sviluppi relativi a Bond arriveranno entro la fine dell’anno, quando Villeneuve terminerà il suo lavoro sul prossimo Dune: Parte 3, che uscirà nelle sale il 18 dicembre.

Il potenziale coinvolgimento di Callum Turner nel nuovo film di 007 segue anni in cui Aaron Taylor-Johnson è stato segnalato come la scelta principale. Entrambi gli attori hanno 35 anni, solo pochi anni in meno di Craig quando fu scelto per Casino Royale (2006). Le speculazioni sul casting di Turner per Bond seguono anche le indiscrezioni dell’anno scorso che affermavano che il prossimo Bond sarebbe stato più giovane, potenzialmente più vicino ai 30.

Se scelto per il ruolo di Bond, questo segnerebbe il ruolo più importante della carriera di Turner con un margine significativo. L’attore è apparso di recente in film come Eternity (2025), Rose of Nevada (2025), Atropia (2025) e The Boys in the Boat (2023). Turner è stato anche uno dei protagonisti della chiacchierata serie di Apple TV sulla Seconda Guerra Mondiale, Masters of the Air.

Sebbene Turner abbia all’attivo diversi progetti più importanti, il suo casting per 007 seguirebbe più o meno la tradizione del franchise di scegliere un attore che non sia ancora una star del cinema a tutti gli effetti. Dopotutto, il film più importante di Craig prima di Casino Royale è stato Layer Cake (2004).

È probabile che le notizie ufficiali riguardanti James Bond 26 siano ancora lontane mesi, con Villeneuve ora impegnato nella post-produzione del suo terzo film di Dune. Il casting di Turner non è ancora sicuro, ma la sua ultima risposta fa certamente pensare che sia in lizza.

Ian McKellen non è entusiasta di Hamnet: “È improbabile!”

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Ian McKellen non è entusiasta di Hamnet: “È improbabile!”

Sir Ian McKellen, membro dell’Academy e noto esperto di Shakespeare, ha dichiarato che non voterà il film Hamnet (leggi qui la recensione) di Chloé Zhao per gli Oscar. L’attore britannico, interprete di ruoli shakespeariani come Amleto, Macbeth e Re Lear, ha espresso scetticismo sul film, tratto dal romanzo di Maggie O’Farrell che racconta la morte del figlio undicenne di Shakespeare e immagina come la tragedia possa aver ispirato Amleto.

McKellen, durante un’intervista al Times, ha commentato: “Non lo capisco del tutto. Non mi interessa molto cercare di capire da dove venisse l’immaginazione di Shakespeare, ma certamente non nasceva solo dalla vita familiare […] Shakespeare è forse la persona più famosa di sempre, quindi naturalmente c’è interesse per la sua vita familiare. Ma l’idea che sua moglie Anne Hathaway [il personaggio nel film si chiama Agnes, ndr.] non abbia mai visto una rappresentazione teatrale è improbabile, considerando il lavoro del marito. E sembra che non sappia cosa sia un’opera teatrale! Ci sono alcune improbabilità”.

L’attore ha sottolineato come i personaggi e le loro motivazioni non lo abbiano convinto, pur riconoscendo che il film possa funzionare come narrazione drammatica indipendente dalla fedeltà storica. Secondo McKellen, alcune scelte, come la reazione di Agnes alla fine, risultano poco plausibili, ma il film resta principalmente una riflessione sul lutto, più che un ritratto biografico rigoroso.

LEGGI ANCHE: Hamnet – Nel nome del figlio, spiegazione del finale: il vero significato dietro la performance culminante di Amleto nel film

A Knight of the Seven Kingdoms, l’episodio 5 è già considerato il migliore dell’intero franchise di Game of Thrones!

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Il penultimo episodio di A Knight of the Seven Kingdoms, intitolato “In the Name of the Mother”, presenta uno dei momenti più devastanti della serie. L’episodio ha offerto agli spettatori uno sguardo sul traumatico passato di Dunk (Peter Claffey), con tutta la violenza e la morte che accompagnano ogni spin-off di Game of Thrones.

Il capitolo più recente alterna un cupo flashback sull’infanzia di Dunk e la crescente tensione della battaglia attuale della serie. Alla fine dell’episodio, diversi personaggi sono morti, tra cui Baelor Targaryen (Bertie Carvel). Sebbene sopravvissuto al Processo dei Sette, è stato ucciso subito dopo. Il principe si è tolto l’elmo per mostrare una ferita mortale alla testa causata dal fratello, Maekar Targaryen (Sam Spruell), prima di morire.

Nonostante la tragica morte, la maggior parte degli spettatori di A Knight of the Seven Kingdoms ha adorato l’episodio. Alcuni lo hanno addirittura definito il migliore di qualsiasi serie di Game of Thrones, inclusa la serie principale. Sebbene molti fan fossero chiaramente addolorati per la perdita, ne hanno comunque elogiato la sceneggiatura, le interpretazioni e la resa emotiva.

I fan su X hanno ripetutamente descritto l’ultimo episodio di A Knight of the Seven Kingdoms come “straziante”. Pubblico e critica hanno applaudito la serie per essere rimasta fedele alla natura spietata di Westeros e del franchise di Game of Thrones nel suo complesso. Molti spettatori hanno affermato che la morte del personaggio era già prevista molto prima che accadesse, ma gli sceneggiatori sono comunque riusciti a coglierli di sorpresa e a tenerli con il fiato sospeso.

L’episodio finale di A Knight of the Seven Kingdoms andrà in onda lunedì 23 febbraio 2026 su NOW e Sky

Il creatore di A Knight of the Seven Kingdoms spiega il destino sconvolgente del principe Baelor nell’episodio 5

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Dopo la scioccante morte nel penultimo episodio dello spin-off de Il Trono di Spade, A Knight of the Seven Kingdoms, il creatore della serie commenta quel momento.

Nonostante fosse sopravvissuto al Processo dei Sette, l’amato principe Baelor Targaryen è morto quasi subito dopo la sua conclusione. Si è tolto l’elmo e ha rivelato una ferita alla testa inflittagli dal fratello, Maekar Targaryen (Sam Spruell), soccombendo poco dopo. Secondo il creatore dello show, Ira Parker, la scioccante morte nell’episodio 5 è stata progettata per essere tanto scioccante e straziante quanto appariva sullo schermo.

Ha spiegato che il vero orrore della scena arriva quando l’elmo viene rimosso. Rivelare che l’unica cosa che teneva in vita Baelor era la sua armatura ha fatto capire al pubblico che il personaggio era destinato a morire. E per rendere la scena ancora più straziante, il principe ha detto a Dunk, interpretato da Peter Claffey, di essere il cavaliere di cui il regno aveva veramente bisogno.

A Knight of the Seven Kingdoms 1x05Parlando al New York Post, il creatore Ira Parker ha spiegato che il destino di Baelor Targaryen era di fatto segnato molto prima del colpo fatale. Ha affermato: “In pratica, la situazione che abbiamo con Baelor è che la sua vita è tenuta insieme dal fatto che indossa l’elmo. È già un uomo morto, solo che non se ne rende ancora conto. E quindi, quando l’elmo gli viene tolto e muore lì, amico, è la morte più brutale che ci sia.”

Parker ha detto che quella morte rende anche la vita di Dunk molto più difficile. Dato che Baelor era una persona compassionevole che ammirava Dunk, il defunto principe che sarebbe diventato re gli avrebbe portato grandi benefici. Il creatore ha spiegato che la tragedia è aggravata da quanto il protagonista sia vicino al raggiungimento dei suoi obiettivi. Lo ha descritto come uno schema ricorrente nella vita del personaggio, come il successo possa sembrare a portata di mano prima che il destino glielo strappi bruscamente.

“Penso che questo sia probabilmente un tema ricorrente nella vita di Dunk, e di molte persone nella loro vita. Le cose sembrano così vicine, poi per qualche motivo il destino interviene e ci mostra una via diversa.”

A Knight of the Seven Kingdoms: tutte le vittime del Processo dei Sette

L’episodio 5 di A Knight of the Seven Kingdoms, intitolato “In the Name of the Mother”, mantiene la promessa fatta nell’episodio 4: Dunk (Peter Claffey) e gli altri 13 cavalieri si preparano a dare inizio al processo dei sette. La mischia è estremamente sanguinosa e viene interrotta a metà da un flashback di Dunk, provocato da un colpo di mazza in pieno volto.

Tra fango, ferite da arma bianca e un occhio gonfio, Dunk riesce a sconfiggere Aerion (Finn Bennett) e a costringerlo a ritirare l’accusa. È una vittoria conquistata a caro prezzo, ma il popolo viene vendicato. Tuttavia, il trionfo di Dunk comporta diverse morti, tra cui quella del principe Baelor Targaryen (Bertie Carvel).

Come viene ucciso Baelor Targaryen nell’episodio 5

A Knight of the Seven Kingdoms

Dopo la battaglia, Duncan deve essere aiutato a lasciare il campo del torneo: le sue ferite sono gravissime. Steely Pate (Youssef Kerkour) e Raymun Fossoway (Shaun Thomas) lo sostengono mentre Baelor si avvicina, ancora con elmo e armatura. Offre alcune parole di incoraggiamento, poi inizia a parlare come se fosse in un sogno.

Steely Pate tenta di rimuovere l’armatura del principe, ma nota che è stata schiacciata nella parte posteriore. Baelor spiega che è stata la mazza del fratello Maekar (Sam Spruell). Mentre farfuglia un commento su quanto suo fratello sia sempre stato forte, Pate gli toglie l’elmo e recita una preghiera agli dèi.

Baelor si gira per mostrare a Dunk — e al pubblico — un’enorme spaccatura nel cranio, che lascia intravedere il cervello. Balbetta e poi cade a terra morto. Sebbene sapesse che la Guardia Reale non gli avrebbe fatto del male, non aveva previsto il colpo del fratello, che durante la battaglia lo ha colpito alla testa — accidentalmente o meno.

A Knight of the Seven Kingdoms

Baelor Targaryen muore anche nei libri di George R.R. Martin?

La morte di Baelor non è un’invenzione della serie. Nei racconti di Dunk ed Egg, in particolare nella novella The Hedge Knight, Baelor muore in modo molto simile. Anche lì si avvicina a Dunk, dice che le sue mani sembrano di legno, menziona il fratello, e la rimozione dell’elmo rivela un cranio semi-frantumato.

Chi altro muore durante il Processo dei Sette?

Baelor è uno dei tre cavalieri che perdono la vita durante il processo dei sette in A Knight of the Seven Kingdoms, anche se nell’episodio 5 è l’unico a ricevere un’attenzione significativa. Anche ser Humfrey Beesbury (Danny Collins) e ser Humfrey Hardyng (Ross Anderson) muoiono durante lo scontro.

Nessuno dei due sopravvive, ma ottengono la loro vendetta contro Aerion. Hardyng cercava riscatto per la gamba spezzata, e Beesbury, suo cognato, voleva a sua volta far pagare il “demone” Targaryen. In A Knight of the Seven Kingdoms, tre vite vengono sacrificate per salvare quella di Dunk, e resta da vedere se il sacrificio di Baelor sarà valso il prezzo pagato.

A Knight of the Seven Kingdoms episodio 5 riepilogo: la storia di Dunk e l’esito del Processo dei Sette

A Knight of the Seven Kingdoms raggiunge il suo climax nell’episodio 5 con l’arrivo del Processo dei Sette, un approfondimento sul passato di Dunk e una morte devastante. Nell’episodio precedente del prequel di Game of Thrones, abbiamo visto Dunk iniziare ad affrontare le conseguenze del suo scontro con il principe Aerion Targaryen. Sebbene stesse semplicemente cercando di proteggere un innocente (il dovere di un cavaliere), colpire un membro della stirpe Targaryen è, naturalmente, una questione enorme. L’unica speranza di sopravvivenza per Dunk era un duello giudiziario, ma Aerion ha preteso un processo dei sette.

La sfida più grande per Dunk nell’episodio 4 di A Knight of the Seven Kingdoms era trovare abbastanza cavalieri disposti a schierarsi al suo fianco nel processo dei sette. Per un po’, la situazione sembrava disperata. Tuttavia, la recente investitura a cavaliere di Raymun Fossoway e la scioccante decisione del principe Baelor Targaryen di sostenere Dunk contro i propri parenti hanno rimesso in gioco il cavaliere errante. È qui che iniziano gli eventi dell’episodio 5.

A Knight of the Seven Kingdoms episodio 7Il Processo dei Sette di Dunk ha inizio

L’episodio 5 si apre con i sette membri della squadra di Dunk che si preparano al Processo dei Sette: lo stesso Dunk, Lyonel Baratheon, Raymun Fossoway, Robyn Rhysling, Humfrey Beesbury, Humfrey Hardyng e, naturalmente, il principe Baelor Targaryen. Dovranno affrontare il principe Aerion Targaryen, il principe Daeron Targaryen, il principe Maekar Targaryen, Steffon Fossoway e tre membri della Guardia Reale.

Dunk gode di un vantaggio significativo avendo Baelor dalla sua parte, poiché i voti della Guardia Reale impediscono ai suoi membri di nuocere a un appartenente al sangue reale. Tuttavia, se Dunk dovesse essere ucciso o costretto ad arrendersi, sarebbe dichiarato colpevole a prescindere da chi resti in piedi al suo fianco. Dall’altra parte, Dunk potrebbe vincere anche se tutti gli uomini schierati con lui dovessero morire. In sintesi, tutti hanno validi motivi per essere tesi.

Dopo qualche conato nervoso e un discorso piuttosto funereo da parte di un giovane araldo, il Processo dei Sette ha inizio. Basta un attimo per capire che l’evento sarà devastante. Al primissimo scontro con la lancia, Dunk viene trafitto all’addome da Aerion. Pur riuscendo a restare in sella, un colpo alla testa sferrato con la mazza lo manda a terra. Speravamo tutti che Dunk si rivelasse improvvisamente un combattente esperto e formidabile. Invece, meno di quattro minuti dopo l’inizio dell’episodio 5, Dunk giace privo di sensi sul campo.

I flashback di Dunk alla sua infanzia a Fondo delle Pulci

Dopo essere stato messo rapidamente fuori combattimento, l’episodio 5 passa a una sequenza di flashback. Sapevamo già che Dunk era cresciuto orfano ad Approdo del Re, ma qui lo vediamo in prima persona mentre, adolescente, saccheggia un campo di battaglia in cerca di oggetti di valore. È insieme a una giovane ragazza di nome Rafe, desiderosa di vendere tutto ciò che trovano per racimolare abbastanza denaro da lasciare per sempre Approdo del Re e il sudicio quartiere di Fondi delle Pulci.

Il giovane Dunk è molto simile alla sua versione adulta: forte e resistente, ma con un’aria di dolce innocenza. Rafe, al contrario, è aggressiva, dura e maliziosa. Nonostante le differenze, è chiaro che in A Knight of the Seven Kingdoms Dunk e Rafe sono l’uno per l’altra l’unica famiglia che hanno. Hanno solo sé stessi, e il loro legame è colmo d’affetto.

Naturalmente sappiamo che Rafe non farà parte del futuro di Dunk, quindi è evidente che la loro storia insieme sarebbe finita in tragedia. Durante il flashback, Rafe si inimica uno dei miserabili ubriachi di Fondi delle Pulci. Lei e Dunk avrebbero potuto allontanarsi, ma quando Rafe ruba il coltello dell’uomo, tutto precipita. Dunk assiste allo sgozzamento della ragazza e la tiene tra le braccia mentre muore.

Dunk stesso sarebbe dovuto morire, ma all’ultimo momento arriva Ser Arlan di Pennytree, che salva la vita al ragazzo. Il cavaliere è ubriaco, ma si dimostra un combattente eccellente, affrontando da solo tre uomini molto più giovani. Dunk resta affascinato dall’eroismo di Ser Arlan e, rimasto senza famiglia dopo la morte di Rafe, decide di seguirlo quando lascia Approdo del Re.

In che modo Dunk divenne scudiero di Ser Arlan

Non sappiamo esattamente cosa passi per la mente di Dunk mentre segue Ser Arlan nell’episodio 5. Mantiene le distanze per non farsi notare. Non è facile, perché durante lo scontro con gli assassini di Rafe ha riportato una ferita da lancia alla gamba. Durante il viaggio zoppicante, beve acqua cattiva e rischia di morire assiderato prima di crollare sulla strada, dove viene trovato da Ser Arlan.

Sia Dunk sia Ser Arlan avevano subito perdite prima del loro incontro, come suggerisce la tomba nuova sormontata da un elmo nel primo accampamento di Arlan fuori Approdo del Re. Sembra quasi che fossero destinati a trovarsi. L’episodio mostra solo Ser Arlan che ordina a Dunk di svegliarsi, quindi non vediamo ancora come si consolidi il loro rapporto di cavaliere e scudiero. Tuttavia, quel ricordo basta a Dunk per rialzarsi e continuare a combattere nel Processo dei Sette.

Dunk sconfigge il principe Aerion e vince il Processo dei Sette

Dai flashback apprendiamo molto su Dunk. Il tratto più evidente è il suo disperato bisogno di famiglia e amore. Ma ogni scena è anche sottolineata dalla sua straordinaria forza e resistenza. La ferita al polpaccio sarebbe sufficiente a immobilizzare un uomo adulto, eppure Dunk sembra quasi ignorare il dolore mentre segue Ser Arlan nelle terre selvagge. È un dettaglio piccolo ma cruciale per il Processo dei Sette.

L’ordine di Ser Arlan di rialzarsi lo spinge a superare ancora una volta il dolore per affrontare il principe Aerion. Forse non è un combattente esperto, ma è incredibilmente forte. Anche dopo essersi rialzato, subisce colpi che avrebbero potuto ucciderlo. Eppure riesce a restituire ad Aerion diversi colpi brutali, infliggendogli anche un possibile fendente mortale alla coscia.

Lo sforzo contro Aerion esaurisce le sue energie. Pur avendo il principe in ginocchio, il cavaliere errante crolla, apparentemente morto. Il processo stava per essere dichiarato a favore di Aerion, ma tra le urla di Egg e la voce disincarnata di Ser Arlan che gli intima di «alzarsi», Dunk si rialza ancora una volta. Con una forza quasi sovrumana, pesta Aerion fino a ridurlo a mal partito, finché il principe Targaryen non cede e ritira l’accusa.

La tragica morte del principe Baelor Targaryen

Dopo la vittoria di Dunk nell’episodio 5, viene portato via per farsi medicare da Pate e Raymun Fossoway. È allora che scopre che Humfrey Beesbury e Humfrey Hardyng sono morti, mentre tutti gli altri combattenti sono sopravvissuti — almeno fino a quel momento.

Subito dopo che Dunk si inginocchia e si dichiara uomo di Baelor, il principe chiede a Pate di togliergli l’elmo, spiegando di aver ricevuto un colpo dalla mazza del fratello Maekar e di voler alleviare la pressione dell’ammaccatura. L’armaiolo obbedisce con l’aiuto di Raymun, ma quando l’elmo viene rimosso, i due osservano con orrore la parte posteriore della testa di Baelor. L’elmo ammaccato stava esercitando pressione su un cranio gravemente fracassato. Senza di esso, il principe Baelor Targaryen, Primo Cavaliere del Re ed erede al Trono di Spade, cade morto.

In precedenza, durante il Processo dei Sette, vediamo il momento esatto in cui Maekar colpisce Baelor con la mazza. Il principe più giovane stava cercando disperatamente di raggiungere Aerion per proteggerlo da Dunk, ma Baelor aveva tentato di fermarlo. È allora che l’arma, brandita con foga, colpisce l’elmo di Baelor.

Resta ancora un episodio della prima stagione di A Knight of the Seven Kingdoms, ed è lì che vedremo le conseguenze della morte di Baelor. Dunk non potrà ignorare che il futuro re di Westeros è morto per proteggere un povero cavaliere errante, né Maekar potrà dimenticare che la tragedia è avvenuta per mano sua. È un evento destinato a scuotere i Sette Regni. Non resta che attendere il finale per comprenderne appieno le implicazioni.

Jacob Elordi parla del suo controverso casting per “Cime tempestose”

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Il romanzo di Emily Brontë, Cime tempestose è stato più volte adattato per il cinema, ma sembra che una storia così iconica non possa essere portata sullo schermo senza suscitare qualche polemica: questa volta, per la scelta di Jacob Elordi nel ruolo di Heathcliff. Secondo i critici online, la parte di Heathcliff avrebbe dovuto essere interpretata da un attore di colore, ma gli esperti di letteratura gotica hanno opinioni diverse.

Elordi ha ora parlato con la ABC a Sydney della polemica e ha colto l’occasione per elogiare la regista Emerald Fennell, aggiungendo che l’arte è soggetta a interpretazione. Ha detto: “Questa è l’interpretazione del testo di Emerald, ed Emerald è un’artista che rispetto e ammiro, e penso che il suo lavoro sia davvero importante”. L’attore ha detto che il suo obiettivo durante le riprese del film è stato quello di “servire la verità della sceneggiatura che mi è stata consegnata”.

Il film (leggi qui la recensione), adattato da Fennell, è uscito nelle sale il 13 febbraio ed è stato descritto come una storia d’amore. Tuttavia, ciò è dovuto principalmente al fatto che la seconda metà del libro è stata tagliata dalla sceneggiatura, un’altra lamentela dei fan. La critica principale che ha suscitato polemiche online riguarda Elordi, un attore australiano bianco, che interpreta Heathcliff, descritto nel romanzo come “uno zingaro dalla pelle scura”.

Heathcliff è stato introdotto nella storia come un ragazzino trovato senza casa per le strade di Liverpool che parlava “un linguaggio incomprensibile che nessuno riusciva a capire”. Hindley, un personaggio che è stato cancellato dal film, si riferiva a Heathcliff come a un “diavoletto di Satana”, “un intruso mendicante” e un “piccolo Lascar”. Lascar è un termine usato nell’Inghilterra vittoriana per indicare i marinai del Sud-Est asiatico.

La razza di Heathcliff non è mai stata confermata nel romanzo, ma non c’è dubbio che fosse considerato diverso dagli altri personaggi del libro per le sue origini, la mancanza di istruzione e le differenze culturali a tutto tondo. I riferimenti nel libro indicano diverse razze provenienti da più continenti, ma non c’è mai stata una risposta chiara, e alcuni ritengono che fosse proprio questo il punto. Claire O’Callaghan, docente di letteratura vittoriana, ha affermato: “L’ambiguità è davvero inclusiva, perché lui, come personaggio, parla poi a una serie di persone, culture e comunità che sono state influenzate dal colonialismo”.

Egg diventerà un altro Re Folle? La spiegazione della profezia in A Knight of the Seven Kingdoms

Egg ricevette una profezia piuttosto allarmante nell’episodio 3 di A Knight of the Seven Kingdoms, che apparentemente implicava che sarebbe stato l’ennesimo folle sovrano Targaryen. Il momento cruciale arriva prima che Dunk scopre che Egg era in realtà Aegon Targaryen, così ignora con una risata la profezia secondo cui il suo scudiero sarebbe diventato re. Egg, d’altra parte, riconosce il potenziale di verità in queste parole.

La vecchia indovina nell’episodio 3 di A Knight of the Seven Kingdoms inizialmente dice a Dunk che sarebbe stato più ricco dei Lannister, il che suonava come il genere di cose che i venditori ambulanti direbbero per attrarre i clienti. Tuttavia, quando si rivolse a Egg, dice: “Sarai re e morirai in un fuoco ardente, e i vermi si nutriranno delle tue ceneri, e tutti coloro che ti conosceranno gioiranno della tua dipartita“.

Considerando ciò che sappiamo sui Targaryen de Il Trono di Spade, sembra proprio che Egg sarà un altro disastroso sovrano. Sappiamo che almeno due dei suoi discendenti, Aerys e Daenerys, perdono la testa, quindi non sarebbe una sorpresa. Tuttavia, data la dolcezza di Egg in A Knight of the Seven Kingdoms, sarebbe una delusione. Per fortuna, la tradizione di George R.R. Martin de Le Cronache del Ghiaccio e del Fuoco è lì per alleviare le nostre paure.

La profezia di Egg in A Knight of the Seven Kingdoms è molto fuorviante

La profezia di Egg nell’episodio 3 di A Knight of the Seven Kingdoms descrive esattamente la sua ascesa al trono e la sua morte. Pur essendo il quarto figlio di un quarto figlio, Egg diventa Re Aegon V Targaryen in seguito a una serie di tragiche disgrazie all’interno della famiglia. Il suo regno durò 26 anni fino alla sua morte, avvenuta durante un evento noto come la Tragedia di Sala dell’Estate, momento in cui coloro che lo conoscevano gioirono sinceramente della sua scomparsa.

La Tragedia di Sala dell’Estate fu il risultato dei tentativi di Egg di usare l’altofuoco per schiudere le uova di drago. L’evento avrebbe dovuto celebrare la nascita del suo pronipote, Rhaegar Targaryen.

Sebbene ciò implichi che Egg sia un re cattivo o tirannico, la profezia è volutamente fuorviante. Come sovrano, Aegon V diventa un paladino del popolino. I suoi anni come scudiero di Dunk gli hanno conferito una prospettiva unica rispetto agli altri Targaryen, e ha dato priorità al benessere della gente comune rispetto alla crescente ricchezza delle famiglie nobili di Westeros. Questo naturalmente significava che i nobili, inclusi molti dei parenti Targaryen di Egg, lo disprezzavano profondamente.

L’anziana donna ha aggiunto il piccolo dettaglio che coloro che “conoscono” Egg gioiranno della sua scomparsa. La gente comune ovviamente non conosce il re personalmente, quindi il loro lutto per la sua scomparsa non viene menzionato. Inoltre, molti dei cari di Egg, tra cui Dunk, perirono nell’incendio insieme al loro re, quindi non erano presenti in seguito per soccorrere coloro che gioirono per la sua morte.

Emilia Clarke DaenerysEgg era un grande re, ma il suo regno ha portato a tutti i disastri de Il Trono di Spade

Re Aegon V Targaryen era essenzialmente ciò che tutti speravamo che Daenerys fosse ne Il Trono di Spade. Ha fatto del suo meglio per “spezzare la ruota”, dando priorità alle persone che avevano più bisogno di lui rispetto a coloro che si preoccupavano solo di ottenere più ricchezza e potere. Sfortunatamente, i suoi sforzi per riportare in vita i draghi hanno fatto sì che non ci fosse nessuno in grado di portare avanti la sua eredità. Infatti, tutto ciò che ha ottenuto è stato vanificato da suo nipote, Aerys II Targaryen, noto anche come il Re Folle.

Forse ricorderete che, ne Il Trono di Spade, il Maestro Aemon Targaryen, fratello maggiore di Egg, discusse con Jon Snow su cosa sarebbe potuto accadere se avesse infranto i suoi voti e fosse diventato re al posto del fratello minore. Il vecchio osservò che Aerys non sarebbe mai diventato il Re Folle, quindi la Ribellione di Robert non sarebbe mai avvenuta. Rhaegar non sarebbe caduto sul campo di battaglia e i suoi figli non sarebbero stati brutalmente assassinati. Poi c’è Daenerys, che non sarebbe mai cresciuta in esilio.

Aemon non visse abbastanza per vedere cosa divenne Daenerys ne Il Trono di Spade e non venne mai a conoscenza della vera origine di Jon. Tuttavia, sappiamo che questi eventi non sarebbero mai accaduti se Aegon non fosse mai salito al trono. Naturalmente, senza l’Egg di un A Knight of the Seven Kingdoms, non ci sarebbe stata alcuna storia, quindi è tutto come doveva essere.

Thor vs. Scarlet Witch: Chris Hemsworth mette fine al dibattito su quale Avenger sia il più potente

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Sebbene Thor si sia definito il “vendicatore più forte”, il suo interprete Chris Hemsworth ha un’opinione diversa sulla gerarchia dei poteri nell’universo cinematografico Marvel. Certo, Thor, in quanto dio asgardiano, possiede varie abilità sovrumane, tra cui longevità, capacità di guarigione potenziata e superforza, ma la sua abilità più iconica è l’elettrocinesi. In una clip condivisa da samihaidary su Instagram, tuttavia, Hemsworth ha espresso un parere schietto sulle possibilità di Thor. Alla domanda su chi vincerebbe in uno scontro tra lui e Scarlet Witch, la star ha risposto con un sorriso: “Probabilmente Wanda”.

Considerando i poteri di Wanda di alterare la realtà e la magia potenziata dal Darkhold, la risposta di Hemsworth è condivisibile. Dopotutto, Scarlet Witch ha dato del filo da torcere a Doctor Strange in Doctor Strange nel Multiverso della Follia. Un altro scontro molto popolare tra i fan è quello tra Wanda e il fratello di Thor, Loki (Tom Hiddleston). L’altro principe di Asgard, Loki, è il dio dell’inganno, dotato di poteri di mutaforma e magia.

Da quando sono stati introdotti, sia Wanda che Loki hanno ricevuto potenziamenti significativi, rendendo difficile prevedere l’esito di un loro possibile scontro. Purtroppo, la probabilità che Wanda combatta contro Thor o Loki è scarsa. Entrambi i fratelli dovrebbero tornare in Avengers: Doomsday, ma il ritorno di Olsen nell’MCU non è stato annunciato. L’anno scorso, tuttavia, l’attrice ha dichiarato: “Vorrei vederla tornare in questo ruolo perché penso che quello che hanno fatto con lei sia davvero fantastico e adoro il percorso che ha intrapreso”.

Da parte sua, anche Chris Hemsworth è entusiasta del ritorno del suo eroe nella serie. Secondo Hemsworth, Avengers: Doomsday è “incredibilmente emozionante, incredibilmente potente”. Ha continuato: “Questo film vi lascerà a bocca aperta. Non so come ci siano riusciti”. Indipendentemente dal futuro di Wanda e Thor nell’MCU, la prospettiva di uno scontro tra una Scarlet Witch al massimo della sua potenza e il Dio del Tuono è davvero entusiasmante. Con la posta in gioco multiversale di Doomsday e del suo seguito, Avengers: Secret Wars, la Marvel ha la possibilità di mostrare gli Avengers che combattono tra loro e di ampliare il suo roster attraverso cameo, quindi i fan interessati potrebbero ancora vedere esaudito il loro desiderio in qualche modo.

La pelle di Margot Robbie è stata fotografata per diventare la carta da parati di Cathy in “Cime tempestose”

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La scenografa di “Cime tempestose”, Suzie Davies, è stata entusiasta di ricevere una chiamata da Emerald Fennell, dato che aveva già lavorato su drammi in costume ambientati in quell’epoca — oltre che sul sontuoso Saltburn diretto dalla stessa Fennell.

«Pensavo che sarebbe stato divertente», racconta Davies. Ma Fennell aveva una visione diversa per l’adattamento del classico di Emily Brontë. Non solo voleva che il mondo fosse costruito interamente in studio, ma desiderava anche che la storia fosse raccontata attraverso la lente di come lei stessa l’aveva vissuta a 14 anni. «Questo per me ha aperto un vero e proprio scrigno di possibilità, e potevamo muoverci in tutte le direzioni», dice Davies.

Dalla costruzione di Wuthering Heights a Thrushcross Grange, fino a una casa delle bambole, Davies era al settimo cielo. Ma sicuramente l’aspetto della scenografia del film che più di tutti ha sorpreso il pubblico è la stanza di Cathy a Thrushcross Grange, rosa come la sua pelle…

Thrushcross Grange era la dimora della famiglia Linton, e l’eccesso era evidente in ogni dettaglio. La casa si presenta come un luogo grandioso e lussuoso, ma metaforicamente è una prigione per Cathy.

La Stanza della Pelle

Quando Cathy viene introdotta nella sua camera, si dice con orgoglio che le pareti sono come la sua pelle. Si tratta di un momento di disagio per il personaggio. Davies aveva campioni di tessuti e stoffe sulla scrivania. Tra questi, un pezzo di lattice. «Credo lo avessimo usato per “Saltburn”», ricorda. Era color pelle, e Davies ha intuito che potesse funzionare.

Una volta capito che l’idea era valida, Davies ha chiesto a Robbie di «inviare immagini ad alta risoluzione delle sue braccia e delle sue vene. Le abbiamo stampate. Abbiamo leggermente accentuato le vene.» Aggiunge: «Abbiamo anche provato a inserire l’ombelico sopra il camino, ma risultava un po’ troppo strano, incredibilmente.» Le immagini della sua pelle sono poi state stampate sul tessuto utilizzato per i pannelli imbottiti delle pareti della camera.

Davies racconta che, alla fine, in un’inquadratura dall’alto di Cathy sul letto mentre sta morendo, le sue vene sono particolarmente evidenti. «Abbiamo stampato le sue vene anche nel tappeto, solo per quell’inquadratura dall’alto, che è ancora più strana e inquietante.»

Il risultato è stato senza dubbio di grande effetto, così come per tutte le altre caratteristiche ed eccentriche decisioni relative alla scenografia che fanno di “Cime tempestose” un film estremamente distintivo.

Il costume MCU di Scorpion finalmente svelato da una promo art di Spider-Man: Brand New Day

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Il Marvel Cinematic Universe sembra aver finalmente rivelato quale sarà l’aspetto di Scorpion in Spider-Man: Brand New Day. Attraverso il negozio brasiliano Piticas, è stata pubblicata una prima immagine del ritorno di Michael Mando nell’MCU con il suo costume da Scorpion, utilizzata per la commercializzazione dei prodotti ufficiali legati all’icona Marvel. Il banner mostra anche un’immagine di Hulk interpretato da Mark Ruffalo, oltre ai nemici di Spider-Man, Tarantula e Boomerang.

Mando è stato annunciato per la prima volta il 1° agosto 2025 da The Hollywood Reporter per riprendere il suo ruolo da Spider-Man: Homecoming. L’attore è stato anche visto attraverso le foto dal set durante la produzione nell’ottobre 2025, quando Mac Gargan è stato avvistato in abiti da prigioniero mentre scendeva da un elicottero.

Al momento della pubblicazione di questa notizia, Sony Pictures e Marvel Studios non hanno ancora annunciato ufficialmente gli attori che interpreteranno Boomerang e Tarantula. Anche i personaggi non sono stati ancora annunciati ufficialmente come parte del cast di Spider-Man: Brand New Day, ma potrebbero benissimo essere dei personaggi a sorpresa nella storia.

Se Tarantula e Boomerang finiranno per avere un ruolo nella storia di Spider-Man: Brand New Day, la fase 6 segnerà il loro debutto dal vivo. Tuttavia, è fondamentale tenere presente che questo non significa al 100% che saranno gli antagonisti principali, poiché non si sa ancora chi sarà la minaccia principale in questo film.

È logico che vengano divulgati ulteriori dettagli sul grande film di Tom Holland, dato che manca meno di sei mesi alla sua uscita. Ma questo solleva anche ulteriori domande su quando verrà finalmente pubblicato il primo trailer del film. Quando il filmato sarà finalmente disponibile, il pubblico potrà probabilmente vedere il costume di Scorpion di Mando in azione. Ci sono però ancora molti altri misteri da risolvere sul film, tra cui chi interpreterà Sadie Sink e come Punisher e Hulk saranno inseriti nella trama.

Quello che sappiamo su Spider-Man: Brand New Day

Ad oggi, una sinossi generica di Spider-Man: Brand New Day è emersa in rete, anche se non è chiaro quanto sia accurata.

Dopo gli eventi di Doomsday, Peter Parker è determinato a condurre una vita normale e a concentrarsi sul college, allontanandosi dalle sue responsabilità di Spider-Man. Tuttavia, la pace è di breve durata quando emerge una nuova minaccia mortale, che mette in pericolo i suoi amici e costringe Peter a riconsiderare la sua promessa. Con la posta in gioco più alta che mai, Peter torna a malincuore alla sua identità di Spider-Man e si ritrova a dover collaborare con un improbabile alleato per proteggere coloro che ama.

L’improbabile alleato potrebbe dunque essere il The Punisher di Jon Bernthal recentemente annunciato come parte del film – in una situazione già vista in precedenti film Marvel dove gli eroi si vedono inizialmente come antagonisti l’uno dell’altro salvo poi allearsi contro la vera minaccia di turno.

Di certo c’è che il film condivide il titolo con un’epoca narrativa controversa, che ha visto la Marvel Comics dare all’arrampicamuri un nuovo inizio, ponendo però fine al suo matrimonio con Mary Jane Watson e rendendo di nuovo segreta la sua identità. In quel periodo ha dovuto affrontare molti nuovi sinistri nemici ed era circondato da un cast di supporto rinnovato, tra cui un resuscitato Harry Osborn.

Il film è stato recentemente posticipato di una settimana dal 24 luglio 2026 al 31 luglio 2026. Destin Daniel Cretton, regista di Shang-Chi e la Leggenda dei Dieci Anelli, dirigerà il film da una sceneggiatura di Chris McKenna ed Erik Sommers. Tom Holland guida un cast che include anche Zendaya, Jacob Batalon, Mark Ruffalo, Sadie Sink e Liza Colón-Zayas e Jon Bernthal. Michael Mando è stato confermato mentre per ora è solo un rumors il coinvolgimento di Charlie Cox.

Spider-Man: Brand New Day uscirà nelle sale il 31 luglio 2026.

Make-Up Artists and Hair Stylists Guild Awards 2026: I Peccatori, Frankenstein e Una Battaglia dopo l’Altra

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I Peccatori, Frankenstein e Una Battaglia dopo l’Altra si sono aggiudicati i premi più importanti nelle categorie Lungometraggi ai premi “Make-Up Artists and Hair Stylists Guild” (IATSE Local 706).

Una Battaglia dopo l’Altra si è aggiudicato due premi: miglior trucco contemporaneo (Heba Thorisdottir, Mandy Artusato) e miglior acconciatura contemporanea (Ahou Mofid, Gina Maria DeAngelis, Sacha Quarles).

I Peccatori ha vinto anche due premi, tra cui il miglior trucco d’epoca e/o per personaggi (Ken Diaz, Siân Richards, Ned Neidhardt, Allison LaCour, Lana Mora) e la migliore acconciatura d’epoca e/o per personaggi (Shunika Terry-Jennings, Elizabeth Robinson, Tene Wilder, Jove Edmond, Sherri B. Hamilton).

Tra i vincitori televisivi figurano The Studio, Palm Royale, Stranger Things: Stagione 5, Saturday Night Live, Dancing with the Stars e Skeleton Crew.

Tutti i vincitori dei Make-Up Artists and Hair Stylists Guild Awards 2026

FEATURE-LENGTH MOTION PICTURE:

Best Contemporary Make-Up – Una Battaglia dopo l’Altra (Warner Bros. Pictures/HBO Max) – Heba Thorisdottir, Mandy Artusato

Best Period and/or Character Make-Up – I Peccatori (Warner Bros. Pictures/HBO Max)- Ken Diaz, Siân Richards, Ned Neidhardt, Allison LaCour, Lana Mora

Best Special Make-Up Prosthetics – Frankenstein (Netflix) – Mike Hill, Megan Many

Best Contemporary Hair Styling – Una Battaglia dopo l’Altra (Warner Bros. Pictures/HBO Max) – Ahou Mofid, Gina Maria DeAngelis, Sacha Quarles

Best Period and/or Character Hair Styling – “Sinners” (Warner Bros. Pictures/HBO Max) – Shunika Terry-Jennings, Elizabeth Robinson, Tene Wilder, Jove Edmond, Sherri B. Hamilton

TELEVISION SERIES – LIMITED, MINISERIES OR MOVIE FOR TELEVISION

Best Contemporary Make-Up – “The Studio “(Apple TV +) – Jorjee Douglass, Gillian Whitlock, Robin Glaser, Cassie Lyons, James Freitas

Best Period and/or Character Make-Up – “Palm Royale” (Apple TV +)- Tricia Sawyer, Marissa Lafayette, Marie DelPrete, Rory Gaudio, Alyssa Goldberg

Best Special Make-Up Prosthetics- “Stranger Things”: Season 5 (Netflix)- Barrie Gower, Mike Mekash, Duncan Jarman

Best Contemporary Hair Styling- “The Studio” (Apple TV +) – Vanessa Price, Alexandra Ford, Lauren McKeever

Best Period and/or Character Hair Styling- “Palm Royale” (Apple TV +) – Karen Bartek, Brittany Madrigal, Tiffany Bloom, Anna Quinn, Jill Crosby

TELEVISION SPECIAL, ONE HOUR OR MORE LIVE PROGRAM SERIES:

Best Contemporary Make-Up – “Saturday Night Live “(NBC) Louie Zakarian, Amy Tagliamonti, Jason Milani, Young Bek, Madison Bermudez

Best Period and/or Character Make-Up and/or Prosthetics- “Saturday Night Live” (NBC) – Louie Zakarian, Jason Milani, Amy Tagliamonti, Joanna Pisani, Kim Weber

Best Contemporary Hair Styling- “Dancing with the Stars” (ABC, Disney+) – Marion Rogers, Brittany Spaulding, Amber Nicholle Maher, Florence Witherspoon, Regina Rodriguez

Best Period and/or Character Hair Styling – “Saturday Night Live 50th Anniversary Special” (NBC) – Jodi Mancuso, Cara Hannah, Amanda Duffy Evans, Gina Ferrucci, Brittany Hartman

CHILDREN AND TEEN TELEVISION:

Best Make-Up- “Skeleton Crew” (Disney+) – Samantha Ward, Sonia Cabrera, Cristina Waltz, Alexei Dmitriew, Adina Sullivan

Best Hair Styling – “Skeleton Crew” (Disney+) – Lane Friedman, Nanxy Tong-Heater, Richard DeAlba, Roxane Griffin

COMMERCIALS & MUSIC VIDEOS:

Best Make-Up – Lady Gaga – “Abracadabra” (YouTube)- Sarah Tanno, Phuong Tran

Best Hair Styling – Walmart “WhoKnewVille” Holiday Campaign (all platforms) – Dean Banowetz, Amber Nicholle Maher, Johnny Lomeli, Maria Sandoval, Myo Lai

THEATRICAL PRODUCTIONS (Live Stage):

California Regional Live Theater Production: Make-Up and Hair Styling – “The Monkey King” (San Francisco Opera) – Jeanna Parham, Christina Martin, Erin Hennessy, Maur Sela

Broadway and International Live Theater Production: Make-Up and Hair Styling – “Frankenstein “(Segerstrom Center for the Arts) – Lisa Ruth Zomer, Thomas Richards-Keyes, Timothy Santry

L’accordo tra Netflix e Warner Bros. in difficoltà mentre l’offerta ostile di Paramount entra in una nuova fase

L’accordo originale tra Warner Bros. e Netflix è ora in pericolo a seguito di un nuovo sviluppo. Con una sorprendente svolta degli eventi, Warner Bros. sta infatti ora valutando la possibilità di riprendere le trattative di vendita con Paramount. Questa notizia arriva dopo l’ultima offerta avanzata dalla società per l’acquisizione dello studio.

I dirigenti della Warner Bros. starebbero infatti discutendo se ritirare l’accordo con Netflix a favore della nuova offerta di Paramount. Se lo studio decidesse di negoziare con Paramount, potrebbe ufficialmente riaprire la guerra delle offerte con Netflix. Tuttavia, al momento della pubblicazione di questo articolo, Warner Bros. sta ancora semplicemente valutando la situazione.

Paramount ha rivisto la sua proposta e ha coperto diversi elementi che inizialmente avevano destato perplessità in Warner Bros. Discovery. Lo studio ha ora dichiarato che si farebbe carico della penale di 2,8 miliardi di dollari se l’accordo venisse accettato. Ha inoltre dichiarato che interverrà per sostenere il rifinanziamento del debito di Warner Bros. Inoltre, Paramount ha promesso di pagare gli azionisti se la transazione non sarà completata entro il 31 dicembre 2026.

Warner Bros. continua ad avere riserve sulla proposta di Paramount. Tuttavia, questa sembra essere la prima volta che la dirigenza ha riconsiderato la propria decisione di vendere a Netflix. I membri del consiglio di amministrazione potrebbero ritenere che l’offerta della società sia più vantaggiosa dell’attuale accordo con Netflix, oppure potrebbero convincere lo streamer a modificare la propria offerta.

Warner Bros. ha ancora intenzione di sottoporre l’accordo con Netflix (27,75 dollari per azione) al voto degli azionisti. Paramount, d’altra parte, ha cercato incessantemente di conquistare gli investitori di Warner Bros. con un’offerta pubblica di acquisto di 30 dollari per azione. Se Warner Bros. decidesse di riaprire le trattative con Paramount, dovrebbe prima avvisare Netflix. Lo streamer avrebbe anche la possibilità di eguagliare o aumentare la propria offerta se volesse continuare l’asta.

Paramount, come noto, ha dato il via alla guerra delle offerte lo scorso anno con una proposta non richiesta, aumentando costantemente il prezzo prima che Warner Bros. accettasse l’accordo di Netflix. La società ritiene che la sua offerta sia migliore di qualsiasi altra offerta della sua avversaria e Paramount non si arrenderà senza combattere.

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Film Independent Spirit Awards 2026: Train Dreams, Sorry, Baby e Rose Byrne portano a casa le vittorie più importanti

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La 41a edizione dei Film Independent Spirit Awards si è tenuta domenica pomeriggio all’Hollywood Palladium, dove l’organizzazione ha premiato i migliori film e serie TV indipendenti dell’anno.

I favoriti Train Dreams e Sorry, Baby hanno vinto numerosi premi, e il primo si è aggiudicato il premio per Miglior Film, Regia e Fotografia, mentre il secondo ha ricevuto il premio per Miglior Sceneggiatura e Miglior Interpretazione Non Protagonista. Anche Lurker di Alex Russell ha vinto due volte, come Miglior Opera Prima e Miglior Sceneggiatura Prima. Tuttavia, il progetto più vincente della serata è stata la serie TV di Netflix Adolescence, che si è aggiudicata quattro statuette.

Tra gli altri vincitori degli Spirits che sperano di ripetere la vittoria agli Oscar ci sono Rose Byrne, che ha vinto il premio per Miglior Performance per Se solo potessi ti prenderei a calci (titolo italiano di If I Had Legs I’d Kick You); Adolpho Veloso, che ha vinto il premio per Miglior Fotografia per Train Dreams; The Perfect Neighbor, che ha vinto il premio come Miglior Documentario, e L’agente segreto (Brasile), che si è aggiudicato il premio come Miglior Film Internazionale.

Guardando ai vincitori dell’anno scorso, Anora ha vinto tre Spirit Awards (Miglior Film, Miglior Regista per Sean Baker e Miglior Attrice per Mikey Madison) e ha poi replicato la vittoria in quelle stesse categorie agli Oscar. Quest’anno sembra più difficile che ciò avvenga, dati i contendenti, ma Train Dreams sarà sicuramente un candidato valido da guardare durante la serata più importante del cinema, il 15 marzo.

Independent Spirit AwardsEcco tutti i vincitori degli Independent Spirit Awards 2026

Film

MIGLIORE SCENEGGIATURA
Eva Victor, Sorry, Baby

MIGLIORE DOCUMENTARIO
The Perfect Neighbor
Director: Geeta Gandbhir
Producers: Gandbhir, Sam Bisbee, Nikon Kwantu, Alisa Payne

MIGLIORE FILM INTERNAZIONALE
The Secret Agent (Brazil)
Director/Writer: Kleber Mendonça Filho

MIGLIORE SCENEGGIATURA D’ESORDIO
Alex Russell, Lurker

MIGLIORE PERFORMANCE NON PROTAGONISTA
Naomi Ackie, Sorry, Baby

JOHN CASSAVETES AWARD
Esta Isla (This Island)
Directors/Writers/Producers: Cristian Carretero, Lorraine Jones Molina
Writer: Kisha Tikina Burgos

MIGLIOR MONTAGGIO
Sofía Subercaseaux, The Testament of Ann Lee

MIGLIORE FOTOGRAFIA 
Adolpho Veloso, Train Dreams

MIGLIORE PERFORMANCE D’ESORDIO
Kayo Martin, The Plague

MIGLIOR PRIMO FILM
Lurker
Director: Alex Russell
Producers: Galen Core, Archie Madekwe, Marc Marrie, Charlie McDowell, Francesco Melzi D’Eril, Duncan Montgomery, Alex Orlovsky, Olmo Schnabel, Jack Selby

MIGLIORE REGIA 
Clint Bentley, Train Dreams

MIGLIORE PERFORMANCE 
Rose Byrne, Se solo potessi ti prenderei a calci

MIGLIOR FILM
Train Dreams
Producers: Michael Heimler, Will Janowitz, Marissa McMahon, Ashley Schlaifer, Teddy Schwarzman

ROBERT ALTMAN AWARD
The Long Walk
Director: Francis Lawrence
Casting Director: Rich Delia
Ensemble cast: Judy Greer, Mark Hamill, Cooper Hoffman, David Jonsson, Tut Nyuot, Joshua Odjick, Charlie Plummer, Ben Wang, Garrett Wareing

SOMEONE TO WATCH AWARD
Tatti Ribeiro, director of Valentina

PIU’ VERO DELLA FINZIONE AWARD
Rajee Samarasinghe, director of Your Touch Makes Others Invisible

PRODUCERS AWARD
Tony Yang

Televisione

Erin Doherty, Adolescence

MIGLIORE PERFORMANCE D’ESORDIO IN UNA NUOVA SERIE
Owen Cooper, Adolescence

MIGLIORE NUOVA SERIE
Adolescence
Creators/Executive Producers: Jack Thorne, Stephen Graham
Executive Producers: Philip Barantini, Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Nina Wolarsky, Hannah Walters, Mark Herbert, Emily Feller
Co-Executive Producers: Carina Sposato, Niall Shamma, Peter Balm

MIGLIORE UNA NUOVA SERIE NON-SCRIPTED O DOCUMENTARY
Pee-wee as Himself
Executive Producers: Matt Wolf, Emma Tillinger Koskoff, Ronald Bronstein, Eli Bush, Benny Safdie, Josh Safdie, Paul Reubens, Candace Tomarken, Kyle Martin, Nancy Abraham, Lisa Heller, Sara Rodriguez

MIGLIORE PERFORMANCE
Stephen Graham, Adolescence

MIGLIOR CAST IN UNA NUOVA SERIE
Chief of War
Ensemble Cast: Charlie Brumbly, Luciane Buchanan, Cliff Curtis, Brandon Finn, Moses Goods, Te Ao o Hinepehinga, Benjamin Hoetjes, Siua Ikale’o, Keala Kahuanui-Paleka, Mainei Kinimaka, Kaina Makua, Jason Momoa, Temuera Morrison, Te Kohe Tuhaka, James Udom

Bambini di piombo di Netflix è basato su una storia vera?

Bambini di piombo di Netflix è basato su una storia vera?

La nuova miniserie polacca di Netflix Bambini di piombo (Lead Children) ha già acceso il dibattito tra gli spettatori, colpiti dalla crudezza del racconto e dall’impatto emotivo della storia. Ma la domanda è inevitabile: si tratta di finzione o di fatti realmente accaduti?

La risposta è sì. Bambini di piombo (Lead Children) è ispirata a una storia vera.

La serie racconta il caso esploso negli anni ’70 a Szopienice, in Slesia (oggi Śląsk), dove decine di bambini svilupparono gravi problemi di salute a causa dell’esposizione al piombo proveniente da una fonderia locale. Disturbi neurologici, anemia severa, ritardi nella crescita e danni permanenti non erano coincidenze: erano il risultato diretto dell’inquinamento industriale.

Al centro della vicenda c’è la pediatra Jolanta Wadowska-Król.

La vera storia di Jolanta Wadowska-Król

Bambini di piombo storia vera
© Netflix

La serie è ispirata alla vita reale della dottoressa Jolanta Wadowska-Król e al libro omonimo scritto da Michał Jędryka. Negli anni Settanta, la dottoressa fu tra le prime a collegare i sintomi dei bambini di Targowisko all’avvelenamento da piombo causato dalla fonderia.

In un contesto politico dominato dal regime comunista polacco, denunciare pubblicamente un disastro ambientale significava scontrarsi con lo Stato. L’industria pesante era considerata simbolo di progresso e orgoglio nazionale, e ammettere un errore avrebbe avuto conseguenze politiche enormi.

Nonostante le pressioni e i tentativi di insabbiamento, Jolanta non si fermò. Lavorò per far diagnosticare e curare i bambini colpiti, riuscendo nel tempo a ottenere il trasferimento delle famiglie in aree più sicure e la demolizione delle abitazioni più esposte.

Quanto è fedele la serie ai fatti?

Bambini di piombo Netflix
© Netflix

Come ogni adattamento televisivo, Bambini di piombo drammatizza alcuni passaggi per esigenze narrative. Tuttavia, il cuore della storia — l’avvelenamento da piombo, la resistenza della dottoressa e lo scontro con il sistema — è radicato in eventi documentati.

L’interpretazione di Joanna Kulig restituisce il ritratto di una donna determinata e isolata, che si trova a combattere contro un apparato burocratico ostile. Come ha dichiarato l’attrice, la storia pone una domanda diretta allo spettatore: avremmo avuto lo stesso coraggio?

Il caso di Szopienice è oggi riconosciuto come uno dei più gravi scandali ambientali della Polonia del dopoguerra. Per anni, però, è rimasto quasi sconosciuto al grande pubblico.

Bambini di piombo (Lead Children) riporta alla luce quella pagina di storia, ricordando che la lotta contro l’inquinamento industriale e la negazione istituzionale non è un tema del passato, ma una questione ancora attuale.

Bambini di piombo, spiegazione del finale: Jolanta ha salvato il popolo di Targowisko?

Il finale di Bambini di piombo (Lead Children) chiude una storia di resistenza civile che parte da un dato medico – l’anemia inspiegabile nei bambini di Targowisko – e arriva a uno scontro politico aperto contro lo Stato e l’industria. Ambientata nella Szopienice del 1974, la serie racconta la battaglia di Jolanta, pediatra trasferitasi nel quartiere con la famiglia, che scopre come la fabbrica di smelting stia avvelenando intere generazioni con il piombo.

Dopo aver ottenuto un primo trasferimento dei bambini nei sanatori, le autorità li riportano nel quartiere tossico. È qui che il conflitto diventa definitivo: Jolanta decide di organizzare le madri di Targowisko per chiedere case lontane dalla fabbrica. Ma il potere reagisce.

La strategia della divisione e il momento della svolta

L’ufficiale SB Niedziela sceglie la classica tattica del “divide et impera”: promettere appartamenti solo ad alcune famiglie per spaccare il fronte della protesta. Vengono diffuse voci su presunti privilegi concessi a Jolanta per screditarla. Gli uomini della fabbrica inizialmente ci cascano. Le donne no.

Quando la milizia interviene con i lacrimogeni, la situazione esplode: i lavoratori si schierano finalmente con le madri e costringono il politico Grudzien a cedere. Gli appartamenti vengono concessi. Formalmente, la protesta vince.

Nel frattempo Jolanta viene portata in ospedale per partorire. Per un attimo si teme il peggio, in un richiamo diretto alle morti viste all’inizio della serie. Il bambino però nasce sano. È una metafora evidente: dopo mesi di veleno e lutti, qualcosa di vivo sopravvive. La protesta, come quella nascita, è frutto di un travaglio lungo e doloroso. Sì, Jolanta salva Targowisko. Ma non nel modo in cui si immaginerebbe.

Una vittoria senza riconoscimento

La parte più amara del finale riguarda il dopo. Jolanta presenta una tesi accademica basata sul caso Targowisko, sperando di creare un precedente contro l’inquinamento industriale. La commissione la respinge. Anche chi aveva sostenuto il suo lavoro sceglie il compromesso.

Il merito ufficiale della ricollocazione viene attribuito a Grudzien, mentre Jolanta viene semplicemente trasferita. È una sconfitta simbolica: chi agisce per coscienza non viene celebrato, ma marginalizzato.

Solo molti anni dopo, nel 2021, le viene riconosciuto un dottorato honoris causa. Troppo tardi per cambiare il passato, ma abbastanza per fissarne l’eredità. Il finale non è trionfale. È realistico. Il sistema concede qualcosa per evitare di crollare, ma non ammette mai davvero la propria colpa.

Il vero messaggio di Bambini di piombo

La serie non si limita a raccontare un caso storico. Mette lo spettatore davanti a una domanda scomoda: quanto bisogna perdere prima di reagire? Le madri di Targowisko agiscono solo quando la morte diventa innegabile. Prima, molte di loro avevano isolato Jolanta.

Il punto non è giudicare, ma evidenziare il meccanismo. L’abitudine all’ingiustizia paralizza. Il potere conta su questo. Jolanta non viene ricordata per aver “vinto”, ma per aver insistito quando tutti la chiamavano pazza. La sua vita diventa una lezione: il cambiamento non nasce dal consenso, ma dall’ostinazione.

Bambini di piombo chiude così: non con un’eroina celebrata, ma con una donna che ha fatto la cosa giusta anche quando nessuno voleva ascoltarla.

Grand Budapest Hotel, spiegazione del finale: un’incantevole rovina antica

Wes Anderson non ha mai nascosto la propria ossessione per il tempo che passa, ma Grand Budapest Hotel è il film in cui questa riflessione diventa struttura, estetica e destino. Sotto la superficie pastello, tra miniature e simmetrie perfette, si nasconde una meditazione malinconica sulla memoria, sulla civiltà e sulla fragilità di ciò che crediamo eterno.

Il finale, apparentemente semplice, è in realtà il punto in cui tutte le linee temporali si chiudono: non è solo la storia di un hotel, ma la storia di come le storie sopravvivono alla distruzione.

Una storia dentro una storia dentro una storia

Grand Budapest Hotel

Il film si apre nel presente, con una ragazza che legge il libro dell’“Autore” davanti alla sua tomba. Da lì si passa al 1985, con l’Autore adulto (Tom Wilkinson) che racconta come abbia conosciuto il proprietario del Grand Budapest. Poi il salto al 1968, dove lo scrittore giovane (Jude Law) incontra l’anziano Zero Moustafa (F. Murray Abraham). E infine il cuore del racconto: il 1932, con il giovane Zero (Tony Revolori) e il leggendario concierge Monsieur Gustave H. (Ralph Fiennes).

Perché così tanti livelli?

Anderson non vuole solo mostrarci cosa è successo. Vuole mostrarci come la memoria si trasmette. Ogni cornice narrativa è una generazione che consegna la storia alla successiva. Il Grand Budapest viene distrutto, ma il racconto no. Il film suggerisce che l’unica forma di eternità possibile è narrativa.

Non è un caso che il Paese sia fittizio — Zubrowka — ma ispirato all’Europa centrale tra le due guerre e alle opere di Stefan Zweig. È un mondo che non esiste più, e forse non è mai esistito davvero, se non nella memoria.

Il declino dell’hotel è il declino della civiltà

Confronta il 1932 con il 1968. Nel passato l’hotel è rosa, luminoso, elegante. Nel presente è arancione spento, quasi grigio. Anderson usa colori e aspect ratio diversi per segnare la perdita di innocenza. Ma il declino non è solo architettonico.

Monsieur Gustave rappresenta un codice morale: educazione, rituale, forma come espressione di dignità. Non è solo un concierge, è l’ultimo custode di un mondo civile. La Society of Crossed Keys è la caricatura affettuosa di un’élite che crede nel valore delle buone maniere. Il problema? Quel mondo era già in rovina.

Zero lo dice chiaramente: il mondo di Gustave “era svanito molto prima che lui vi entrasse”. Il film rifiuta la nostalgia facile. Non rimpiange un passato idilliaco. Mostra che anche nel 1932 il fascismo sta crescendo. La “Zig-Zag Division” è un’evidente allusione al nazismo. Il romanticismo convive con la barbarie. E alla fine la barbarie vince.

La morte di Gustave e il vero senso dell’eredità

Jason Schwartzman Grand Budapest Hotel

Il momento decisivo arriva quando Gustave viene ucciso dai soldati del regime mentre difende Zero, insultato perché immigrato. È una scena rapidissima, quasi anticlimatica.

Eppure lì si concentra tutto il senso del film.

Gustave muore per un gesto di civiltà: difendere qualcuno più vulnerabile. Non per il quadro, non per l’eredità, non per l’orgoglio. Per principio. È in quel momento che Zero eredita davvero qualcosa: non solo l’hotel, ma un codice morale.

Zero diventa ricco, sì. Ma nel 1968 vive in un edificio ormai vuoto, tenendo in vita un hotel che non ha più ragione economica di esistere. Perché lo fa?

Per Agatha (Saoirse Ronan). Per l’amore. Per il ricordo.

L’hotel è l’ultimo legame con la felicità perduta. Non è un investimento, è un mausoleo emotivo.

“An Enchanting Old Ruin”: cosa significa davvero il finale

Grand Budapest Hotel

La battuta finale dell’Autore — “It really was an enchanting old ruin” — è la chiave di tutto. Il Grand Budapest non è grande perché perfetto. È grande perché sopravvive nella memoria. È una rovina incantata: qualcosa di distrutto che continua a vivere nell’immaginazione.

Anderson suggerisce che la civiltà può crollare, i regimi possono distruggere, gli edifici possono essere abbattuti. Ma finché qualcuno racconta la storia, qualcosa resta. Il film non è solo malinconico. È anche una riflessione politica: il fascismo promette un ritorno a un passato idealizzato, ma in realtà cancella tutto ciò che rende quel passato degno di essere ricordato — gentilezza, complessità, umanità. Il vero antidoto alla barbarie non è la nostalgia. È la decenza.

Robert Downey Jr. svela nuove immagini di Doctor Doom in vista di Avengers: Doomsday

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Robert Downey Jr. ha scelto il momento perfetto per riaccendere l’hype attorno ad Avengers: Doomsday: San Valentino. L’attore, che tornerà nel Marvel Cinematic Universe nei panni del villain Doctor Doom dopo aver interpretato per anni Tony Stark/Iron Man, ha condiviso sui social nuove immagini ironiche dedicate al personaggio.

Nonostante Marvel abbia già diffuso diversi teaser del film, l’aspetto di Doctor Doom resta ancora in gran parte avvolto nel mistero. L’unico accenno visivo finora era arrivato nella scena post-credit di The Fantastic Four: First Steps, senza però mostrare il volto del personaggio.

“Happy Doomsday”: il marketing social di Downey

Nel post pubblicato su Instagram, Downey ha mostrato una serie di immagini a tema romantico rivisitate in chiave Doom. In una, una scatola di cioccolatini riproduce la maschera del villain, con la scritta “Valentine’s” barrata e sostituita da “Happy Doomsday!”. In un’altra, Doom tiene in mano un mazzo di fiori, alcuni dei quali modellati sulla sua iconica armatura.

Non manca un riferimento al passato dell’attore: in un’immagine compare un chiaro richiamo a Iron Man, alimentando ulteriormente le teorie dei fan su un possibile legame narrativo tra Tony Stark e il nuovo antagonista della Multiverse Saga.

L’ultimo scatto mostra Doom con un tatuaggio a forma di cuore con scritto “Suzie”, evidente riferimento a Sue Storm (Vanessa Kirby), che sarà tra i protagonisti del film insieme al resto dei Fantastici Quattro.

Iron Man e Doctor Doom: c’è un legame?

Downey non è nuovo a questo tipo di teasing. Durante il Super Bowl aveva già pubblicato una foto con una maglia verde “Doomsday”, mentre a Natale aveva condiviso un artwork con le maschere di Iron Man e Doom affiancate. Un gioco social che sta contribuendo ad alimentare speculazioni su un possibile collegamento tra le due identità.

Nel cast di Avengers: Doomsday torneranno anche volti storici del MCU come Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Anthony Mackie e Florence Pugh, insieme ai membri dei Fantastici Quattro.

Se dietro la scelta di Downey di interpretare sia Iron Man sia Doctor Doom ci sia un twist multiversale ancora da rivelare, è qualcosa che Marvel terrà probabilmente nascosto fino all’uscita del film. Nel frattempo, l’attore continua a giocare con l’immaginario dei fan nel modo più efficace possibile: creando attesa.

Halle Berry ricorda lo scontro con Bryan Singer sul set di X-Men: “Uno dei giorni più belli”

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Halle Berry è tornata a parlare del periodo trascorso sul set della saga X-Men, raccontando un episodio che definisce ancora oggi “uno dei giorni più belli” della sua carriera. L’attrice, che ha interpretato Tempesta in diversi capitoli del franchise Marvel, ha rivelato a Entertainment Weekly di aver affrontato apertamente il regista Bryan Singer per il suo comportamento sul set.

Singer è una figura molto controversa a Hollywood: nel corso degli anni è stato accusato di comportamenti poco professionali e ha affrontato diverse accuse di cattiva condotta, sempre respinte dal diretto interessato. Berry e Singer hanno lavorato insieme in X-Men, X2: X-Men United e X-Men: Giorni di un futuro passato.

“Mi dissero: vai tu a dirglielo”

Halle Berry

Secondo quanto raccontato dall’attrice premio Oscar, la situazione sul set era diventata insostenibile. Berry ha spiegato che diversi membri del cast e della troupe la incoraggiarono a intervenire direttamente, consapevoli che lei non avrebbe avuto paura di esporsi.

“Mi dissero: ‘Halle, vai tu a dirglielo’, perché sapevano che lo avrei fatto”, ha raccontato. L’attrice ha ricordato di aver detto al regista “esattamente dove andare e come arrivarci”, sottolineando come, a suo dire, il comportamento stesse danneggiando l’intera produzione.

Berry ha definito quell’episodio “uno dei giorni più belli su un set”, aggiungendo che, dopo lo scontro, prese un aereo per tornare a casa portando con sé il costume di Tempesta.

Non è la prima volta che un membro del cast parla del clima sul set. In passato anche Alan Cumming, interprete di Nightcrawler, aveva ricordato un confronto acceso tra Berry e Singer.

La carriera dopo gli X-Men

Dopo aver diretto i primi due film degli X-Men, Singer lasciò il franchise per dirigere Superman Returns, tornando poi per Giorni di un futuro passato e Apocalypse. In seguito ha diretto Bohemian Rhapsody, ma è stato allontanato dal progetto durante la produzione.

Berry, dal canto suo, ha proseguito una carriera solida tra cinema e televisione, con titoli come John Wick: Chapter 3 – Parabellum e il recente Crime 101, attualmente in sala.

Le sue parole riaccendono i riflettori su un capitolo complesso della storia del franchise X-Men, offrendo uno sguardo diretto su dinamiche che per anni sono rimaste dietro le quinte.

Jason Statham interpreterà se stesso nel nuovo action meta diretto da David Leitch

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Il prossimo ruolo di Jason Statham potrebbe essere il più ambizioso della sua carriera: una versione romanzata di… Jason Statham. Secondo quanto riportato da Deadline, l’attore sarà protagonista della action-comedy Jason Statham Stole My Bike, progetto attualmente in vendita all’European Film Market.

Alla regia ci sarà David Leitch, già dietro la macchina da presa di Bullet Train e Atomic Blonde, nonché co-regista di John Wick e collaboratore di Statham in Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw. Il film, che avrebbe un budget superiore agli 80 milioni di dollari, dovrebbe iniziare le riprese a maggio.

Un meta-action da oltre 80 milioni di dollari

I dettagli sulla trama sono ancora riservati, ma il titolo suggerisce un tono ironico e autoriflessivo. La sceneggiatura è firmata da Alison Flierl (Conan, BoJack Horseman), mentre tra i produttori figurano lo stesso Statham, Leitch (con la sua 87North), Kelly McCormick e Black Bear.

L’idea di un action meta che gioca con l’immagine pubblica della star arriva in un momento in cui Hollywood ama smontare e ricostruire il mito delle proprie icone. L’esempio più evidente è The Unbearable Weight of Massive Talent, in cui Nicolas Cage interpretava una versione esagerata di sé stesso.

Statham oltre l’action: può funzionare?

Statham è diventato celebre grazie ai film di Guy Ritchie come Lock, Stock and Two Smoking Barrels e Snatch, per poi trasformarsi in uno dei volti più riconoscibili del cinema action con saghe come Transporter, Crank, The Meg e Expendables.

Non è però del tutto estraneo alla commedia. In Spy, al fianco di Melissa McCarthy, aveva già dimostrato un sorprendente talento comico, giocando con il suo stesso stereotipo di duro imperturbabile.

Se riuscirà a fondere ironia e azione con la stessa energia, Jason Statham Stole My Bike potrebbe trasformarsi in uno dei progetti più curiosi e imprevedibili della sua carriera.

Training Day: la spiegazione del finale del film

Training Day: la spiegazione del finale del film

Il film Training Day è probabilmente il più apprezzato della filmografia di Antoine Fuqua, regista anche di The Equalizer, Shooter e Attacco al potere – Olympus Has Fallen. Uscito nel nel lontano 2001, il film vede protagonisti Denzel Washington e Ethan Hawke e segue il il giovane poliziotto Jake Hoyt (Hawke), che per il suo primo giorno di servizio viene affiancato all’esperto e pluridecorato Alonzo Harris (Washington), il quale deve valutare se Hoyt sia idoneo a far parte della squadra antidroga della polizia di Los Angeles. I due hanno però approcci molto diversi al loro mestiere: mentre infatti Jake rispetta alla lettera il manuale, Alonzo preferisce confondersi con la strada e adottare un modo di fare molto più pratico.

Sebbene Alonzo affermi di essere il tipo di poliziotto che dà valore alla giustizia di strada piuttosto che a quella legale, in realtà è solo un poliziotto corrotto che pensa di essere al di sopra della legge. Nel corso della giornata procede dunque a sottoporre Jake a ogni sorta di tormento fisico e mentale, mentre commette un crimine ogni 15 minuti circa. Alonzo non è assolutamente l’eroe del film, né un antieroe. È il cattivo e il pubblico è costretto a seguirne le gesta sapendo di non poter fare il tifo per lui. Verso il finale, però, gli equilibri iniziano a cambiare, ed è proprio quello che andiamo ad approfondire nel corso di questo articolo.

La spiegazione del finale di Training Day

Nel corso del film vediamo alcuni dei crimini commessi da Alonzo. Fin dall’inizio, inganna Jake facendogli fumare PCP e poi lo usa come leva contro di lui. Inoltre, intimidisce ripetutamente sospetti e testimoni. In seguito, Alonzo finge un mandato di perquisizione per entrare illegalmente in casa di un sospettato e rubare del denaro. Lui e la sua squadra assassinano uno spacciatore per rubargli 1 milione di dollari, ma i 3 milioni di dollari della retata vengono presentati come un sequestro della polizia, e questo è un dato di fatto. Inoltre, Alonzo ingaggia una banda per uccidere Jake.

Il corrotto poliziotto ha bisogno di soldi per saldare un debito con la mafia russa dopo aver ucciso uno dei suoi membri, ma le sue numerose malefatte alla fine lo raggiungono. Jake riesce a sfuggire all’imminente destino per mano della banda e a rintracciare Alonzo. In seguito gli sottrae il denaro per evitare che possa soddisfare le richieste dei russi. Mentre Alonzo si dirige verso l’aeroporto di Los Angeles per fuggire dal Paese, si ferma a un semaforo rosso, permettendo ai russi di raggiungerlo e di sparargli. Ironia della sorte, l’aver rispettato il codice della strada lo ha portato alla morte.

Il finale originale del film, tuttavia, era molto più mite. Come Denzel Washington ha raccontato in seguito, il finale originale di Training Day prevedeva la morte di Alonzo fuori campo. Washington non pensava che questa punizione fosse adeguata ai numerosi crimini commessi dal personaggio, così si è battuto per un finale diverso. Nella versione cinematografica, Alonzo viene quindi fatto a pezzi da una mitragliatrice, una morte adeguata e brutale per un personaggio brutale. Ma soprattutto, la giustizia è soddisfacente perché non viene fatta da Jake o da un altro agente di polizia, ma dalla mafia russa. Alonzo credeva nella giustizia di strada ed è esattamente ciò che ha ottenuto.

Una teoria sul finale di Training Day

Al di là del finale originale, Training Day sarebbe stato completamente diverso se una teoria emersa in seguito si fosse rivelata corretta. Si tratta di una teoria poco conosciuta sui protagonisti, che porta le cose in una direzione completamente diversa. Essa sostiene che nel corso di tutto il film Jake Hoyt fosse al corrente di tutto ciò che Alonzo aveva pianificato fin dall’inizio. La teoria suggerisce inoltre che Jake abbia incontrato i Tre Saggi, interpretati da Tom Berenger, Harris Yulin e Raymond J. Barry, qualche tempo prima di Alonzo, avvalorando così la possibilità di un doppio gioco da parte di Jake.

Sebbene il ragionamento alla base di questa teoria non sia chiaro, è probabile che sia stato concepito come se Alonzo avesse dei seri problemi con i Tre Saggi, rendendo così necessario un elemento ignaro per eliminare Alonzo e assolvere i Tre Saggi. Il finale di Training Day supporta probabilmente questa teoria, dal momento che i notiziari su ciò che è accaduto ad Alonzo possono essere ascoltati mentre Jake entra in casa sua. In particolare, i notiziari menzionano la morte di Alonzo nei pressi dell’aeroporto nazionale di Los Angeles (LAX) e il periodo trascorso in polizia, ma non fanno alcun riferimento al denaro che Alonzo ha tentato di consegnare ai russi.

Il motivo per cui gli spettatori non sentono il resto del rapporto è che l’audio sfuma nei titoli di coda, ma un rapporto completo includerebbe informazioni sui bossoli degli AK-47 dei russi. Per quanto l’idea sia divertente, la teoria non regge, poiché tutto ciò che accade in Training Day dovrebbe essere accaduto in un modo troppo inverosimile per essere credibile. Inoltre, anche se Jake avesse potuto in qualche modo orchestrare l’aggressione dei senzatetto alla minorenne latina che, guarda caso, era imparentata con i tre gangster di East L.A. che lo hanno quasi ucciso, non ha senso che si sottoponga consapevolmente a tutto lo stress e gli abusi che ha subito solo per aiutare gli enigmatici personaggi a sbarazzarsi di un poliziotto.

Inoltre, se i Tre Saggi avessero davvero voluto eliminare Alonzo, avrebbero potuto farlo con molto meno sforzo e senza coinvolgere altri poliziotti. Anche se una critica comune a Training Day è che i piani di Alonzo non hanno senso, a prescindere dall’accuratezza con cui li ha pianificati, nel grande schema delle cose hanno senso. Lo stesso vale per il fatto che la minorenne latina sia imparentata con Smiley, salvando così Jake da una morte certa. Inoltre, se si considera che Alonzo è basato su un agente corrotto della polizia di Los Angeles realmente esistito, questo contribuisce a fondare la storia.

La teoria avrebbe potuto funzionare se Training Day fosse stato concepito come un film metaforico simile a The Truman Show, ma il film è stato concepito per essere una rappresentazione il più possibile grintosa e realistica della corruzione nelle forze dell’ordine. Per questo motivo, il fatto che Jake sia essenzialmente un agente doppiogiochista dei Tre Saggi porta il film da un dramma ricco di suspense a un territorio da thriller politico hollywoodiano più adatto a un film di James Bond. Per quanto sia interessante considerare Jake come un lupo travestito da pecora, come descrive Alonzo, è troppo inverosimile per avere senso.

Balla coi lupi: il film è ispirato ad una storia vera?

Balla coi lupi: il film è ispirato ad una storia vera?

A causa degli elementi di realismo incorporati nel film, molte persone si chiedono se il film epico western del 1990 Balla coi lupi sia basato su una storia vera. Nel film d’esordio alla regia di Kevin Costner, il tenente John J. Dunbar abbandona la sua vita e il suo lavoro di soldato dell’Unione per andare a vivere con la tribù dei Lakota. Il film ottenne immediatamente grandi consensi e vinse l’Oscar come miglior film nel 1991 per la sua rappresentazione compassionevole dei nativi americani.

Il cast di Balla coi lupi include inoltre numerosi nativi americani e molti dei personaggi parlano la lingua Lakota invece dell’inglese, distinguendosi così dagli altri film di quel periodo. A distanza di decenni, si continua però a discutere sulle origini della storia. Il film possiede infatti caratteristiche comuni ai film biografici, come l’attenzione ai dettagli e una trama realistica. Inoltre, sono le esperienze e le prospettive dei personaggi a guidare la trama, piuttosto che l’azione. Tutti questi fattori portano le persone a credere che Balla coi lupi sia tratto da una storia vera.

Balla coi lupi non è una storia vera (ma è radicato nella storia)

Spesso le persone scambiano il film Balla coi lupi per una storia vera; tuttavia, il film è basato sull’omonimo romanzo storico-fantastico di Michael Blake. Nonostante la sua trama fittizia, ha comunque fatto uso di eventi storici, persone e culture reali. Ad esempio, al tempo in cui è ambientata la trama del film, esistevano davvero delle basi dell’Unione al confine tra il Kansas e il Colorado. Inoltre, il capo Ten Bears era la versione romanzata di un vero leader del periodo della Guerra Civile, anche se guidava la nazione Comanche e non quella Lakota.

Poiché i realizzatori del film hanno dedicato molto tempo alla ricerca sulla storia e sullo stile di vita della nazione Lakota, molti degli elementi mostrati in Balla coi lupi erano accurati. Il team di produzione ha incorporato costumi, oggetti di scena e dialoghi realistici in Balla coi lupi, anche se ha utilizzato solo il linguaggio femminile dei Lakota. Anche la musica e la danza in questo film hanno mostrato la ricca cultura della nazione Lakota. Tutti questi elementi combinati hanno contribuito a far sì che Balla coi lupi ottenesse elogi dalle comunità indigene americane.

Balla coi lupi film

C’era un vero John Dunbar, ma diverso dal personaggio di Kevin Costner

Sebbene John Dunbar fosse un personaggio immaginario in Balla coi lupi, una persona con quel nome è esistita nello stesso periodo del film, con un numero sorprendente di somiglianze. Secondo un articolo del quotidiano The Day, il vero John Dunbar ha vissuto con le popolazioni indigene delle Grandi Pianure durante la sua infanzia. Si è anche arruolato due volte nelle forze armate, combattendo nella guerra civile come il suo omologo immaginario. In seguito, insegnò lingue e culture indigene americane al Washburn College di Topeka, in Kansas. Anche se il John Dunbar immaginario non visse con gli indigeni americani fino all’età adulta, il numero di somiglianze sembra troppo grande per essere vero.

Blake rimase altrettanto stupito dalle coincidenze tra il vero Dunbar e il personaggio immaginario. Secondo quanto riferito, prese in prestito il nome da un elenco di soldati del Kansas che combatterono nella guerra civile senza sapere nulla della persona reale. L’autore ha anche affermato che il sergente da cui ha preso il cognome non aveva il nome John. È interessante notare che c’è un altro strano collegamento tra il vero John Dunbar e Balla coi lupi. Michael Blake ha utilizzato il libro Plains Indian Raiders di William Nye come fonte per il suo romanzo, e quel libro di saggistica attingeva dai libri del padre missionario di John Dunbar. È strano come molti elementi si sovrappongano tra finzione e vita reale.

Alzata Con Pugno in Balla con i lupi è stato probabilmente ispirato da Cynthia Ann Parker

Mentre Blake ha creato molti personaggi di Balla con i lupi da zero, Cynthia Ann Parker sembra aver ispirato il personaggio di Alzata Con Pugno. Secondo History, i guerrieri Comanche rapirono Cynthia Ann Parker quando aveva solo nove o dieci anni. Ha vissuto nella nazione comanche fino all’età di 30 anni, avendo due figli e una figlia con un capo comanche molto rispettato di nome Peta Nocona. Dopo che i Texas Rangers rapirono lei e la sua bambina, cercò di riadattarsi alla sua vita precedente, ma continuò a cercare di tornare nella nazione comanche.

Il libro Balla coi lupi si concentra sulla nazione Comanche, non sui Lakota, rendendo più chiaro il legame tra le due donne. Sia Park che Alzata Con Pugno erano donne bianche che hanno vissuto con una comunità indigena americana durante tutta la loro infanzia. Erano profondamente legate alla cultura che le aveva cresciute. Una delle differenze più significative è però che i Lakota non uccisero la famiglia di Alzata Con Pugno nel film Balla coi lupi, mentre i Comanche uccisero la famiglia di Parker durante un raid. Inoltre, Parker fu rapita dai Texas Rangers prima dell’inizio della guerra civile. Infine, Alzata Con Pugno si innamora di John Dunbar invece che di un uomo Lakota.

Balla coi lupi cast

Quanto è storicamente accurato Balla coi lupi?

Molti critici e indigeni americani hanno elogiato Balla coi lupi per la sua rappresentazione culturalmente accurata dei Lakota e degli indigeni americani nel loro complesso. Mentre altri film dell’epoca si basavano su stereotipi, questo film ha cercato di rappresentare gli indigeni americani in modo compassionevole e umanizzato. L’attore Oneida Graham Greene, che ha interpretato Kicking Bird in Balla coi lupi, ha dichiarato all’UPI che il film era la rappresentazione più autentica degli indigeni americani che avesse mai visto a Hollywood. Nonostante gli elogi, il film presenta comunque alcune inesattezze storiche che meritano attenzione.

Nell’adattamento cinematografico, come precedentemente accennato, la nazione Comanche è stata infatti sostituita dalla nazione Lakota, nonostante l’intera trama del libro si basasse sulla storia dei Comanche. In realtà, i Lakota avevano il sopravvento sui Pawnee, loro nemici di lunga data, piuttosto che il contrario, come si vede nel film Balla coi lupi. Inoltre, nel film i Lakota ricordano le loro battaglie storiche con i colonizzatori spagnoli, un fatto che riguarda la nazione Comanche, non la nazione Lakota.

Inoltre, l’epopea della guerra civile di Kevin Costner sbaglia i dettagli sulle relazioni tra i bianchi e gli indigeni americani. Il film presenta John Dunbar come estremamente rispettoso e positivo nei confronti della comunità Lakota. All’epoca di Balla con i lupi, gli indigeni americani subivano però mancanza di rispetto, crudeltà e violenza da parte dei bianchi americani. È improbabile che John Dubar avrebbe trattato il popolo Lakota nel modo in cui lo ha fatto. Il film perpetua anche il tropo del salvatore bianco, poiché il popolo Lakota aveva bisogno di Dubar per salvarli dai colonizzatori. Sebbene il film stravolga la storia degli indigeni americani e presenti dei difetti, ha comunque indubbiamente cambiato in meglio la rappresentazione di queste comunità a Hollywood.

Una notte al museo 3 – Il segreto del faraone: la spiegazione del finale del film

Una notte al museo 3 – Il segreto del faraone (leggi qui la recensione) del 2014 rappresenta il capitolo conclusivo della trilogia iniziata nel 2006, riportando sullo schermo le avventure notturne di Larry Daley. Diretto ancora una volta da Shawn Levy e interpretato da Ben Stiller, il film si inserisce in continuità con i precedenti episodi, riprendendone il tono family comedy e l’impianto fantastico fondato sull’animazione notturna delle opere museali. Dopo aver consolidato il successo con l’ambientazione newyorkese e l’espansione allo Smithsonian, il terzo capitolo amplia ulteriormente l’orizzonte narrativo.

All’interno della trilogia, questo episodio assume una funzione di chiusura tematica e narrativa. La Tavola di Ahkmenrah, motore magico degli eventi sin dal primo film, inizia a perdere il suo potere, mettendo a rischio l’equilibrio costruito nei capitoli precedenti. Per salvare i suoi amici, Larry è costretto a spostarsi dal Museo di Storia Naturale di New York al British Museum di Londra, introducendo un nuovo contesto culturale e nuove figure storiche animate. Il film rafforza così l’idea di un universo più ampio, dove la magia non è confinata a un solo luogo.

Tra le principali novità spiccano l’ingresso di personaggi inediti, come Sir Lancillotto, e il ritorno di volti amati dal pubblico, in un intreccio che combina nostalgia e rinnovamento. L’ambientazione londinese offre sequenze spettacolari e un ritmo più avventuroso, pur mantenendo l’equilibrio tra comicità e sentimento che caratterizza la saga. Questo terzo capitolo non si limita a replicare la formula vincente, ma la utilizza per riflettere sulla crescita di Larry e sul valore del cambiamento. Nel resto dell’articolo proporremo un approfondimento con spiegazione del finale del film, analizzando come esso chiuda il cerchio della trilogia.

Una notte al museo 3 - Il Segreto del Faraone

La trama di Una notte al museo 3 – Il segreto del faraone

Dopo gli eventi di Una notte al museo 2 – La fuga, Larry Daley ha consolidato la propria posizione al Museo di Storia Naturale di New York, riuscendo a conciliare ambizioni personali e responsabilità verso gli amici animati grazie alla Tavola di Ahkmenrah. Tuttavia, durante un evento pubblico, la tavola inizia improvvisamente a corrodersi, provocando comportamenti anomali e pericolosi tra le figure storiche che prendono vita ogni notte. Il deterioramento del manufatto egizio segna l’avvio del nuovo conflitto, riportando Larry al centro dell’azione e costringendolo a interrogarsi sull’origine e sui limiti della magia.

Quando il potere magico della tavola di Ahkmenrah comincia a morire, Larry deve intervenire per salvare la magia ed i suoi amici prima che sia troppo tardi, e così i protagonisti attraversano l’Atlantico e da New York sbarcano a Londra, al British Museum. Qui entrano in scena nuove figure come Sir Lancillotto, mentre tornano personaggi chiave come Teddy Roosevelt, Jedediah e Ottavio. Il principale conflitto ruota attorno alla necessità di scoprire il segreto della tavola e impedire che la magia svanisca per sempre, mettendo a rischio l’esistenza stessa dei protagonisti.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto Larry e i suoi amici raggiungono Sir Lancillotto sul tetto del teatro londinese, dove il cavaliere ha portato la tavola convinto che sia il Santo Graal. La corrosione è ormai quasi completa e le figure iniziano a irrigidirsi, perdendo memoria e vitalità. Quando Lancillotto comprende che Camelot è solo una rappresentazione e non un regno reale, restituisce l’artefatto. Larry ricompone i frammenti sotto la luce della luna e l’energia di Khonsu rigenera la tavola, riportando in vita i personaggi proprio mentre tutto sembrava perduto.

Risolta l’emergenza, emerge la decisione più dolorosa. Ahkmenrah sceglie di restare al British Museum con i genitori, poiché la tavola trae forza dalla luna e deve rimanere lì. Gli amici americani accettano che ciò significhi non animarsi più a New York. Larry rientra per un ultimo saluto prima dell’alba, consapevole che il ciclo si è compiuto. Anni dopo, la collaborazione tra musei riporta temporaneamente la magia in città, mentre Larry osserva da lontano la festa notturna, ormai pronto a una nuova fase della propria vita.

Ben Stiller in Una notte al museo 3 - Il segreto del faraone

Il finale porta a compimento il percorso di crescita del protagonista. Larry ha iniziato la trilogia come uomo insicuro, in cerca di successo e riconoscimento. In questo capitolo comprende che il vero valore risiede nelle relazioni e nella capacità di lasciare andare. Accettare che gli amici restino a Londra significa rinunciare a una parte fondamentale della sua quotidianità, ma anche riconoscere la loro autonomia. La magia non è più uno strumento per affermarsi, bensì un dono da proteggere, anche a costo di sacrificare la propria felicità immediata.

La scelta di Ahkmenrah rafforza il tema della famiglia e dell’appartenenza. Riunirsi ai genitori chiude un cerchio aperto fin dal primo film e restituisce dignità alla sua storia. Allo stesso tempo, l’illusione di Camelot smaschera il potere consolatorio del mito, suggerendo che la maturità nasce dall’accettazione della realtà. La luna che rigenera la tavola diventa simbolo di ciclicità e rinnovamento. Il museo non è solo luogo di intrattenimento, ma spazio di memoria e identità condivisa, dove passato e presente dialogano in equilibrio.

Il film lascia un messaggio di responsabilità, crescita e fiducia nel cambiamento. Larry sceglie una nuova professione come insegnante, trasferendo la sua vocazione alla cura e alla trasmissione del sapere. L’addio non è una perdita definitiva, ma un passaggio verso una forma diversa di legame. La scena conclusiva, con la magia che continua anche senza di lui, afferma che le storie e l’immaginazione sopravvivono oltre i singoli individui. Il valore più grande è imparare a custodire i ricordi e a permettere agli altri di seguire il proprio cammino.

Frozen 3 arriverà nel 2027, ma il franchise torna già quest’anno con un nuovo capitolo

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Anche se Frozen 3 è atteso nei cinema il 24 novembre 2027, il franchise Disney tornerà prima del previsto. È stato infatti confermato che un nuovo cortometraggio di Frozen uscirà nell’ottobre 2026, dando ufficialmente il via al countdown verso il terzo capitolo.

L’annuncio è arrivato tramite Paul Glitter, vicepresidente esecutivo della global brand commercialization di Disney Consumer Products, che ha parlato di un corto pensato per anticipare la massiccia campagna marketing che accompagnerà il ritorno in sala del film nel 2027.

Il progetto segna il primo vero nuovo contenuto narrativo legato al franchise dopo lo special LEGO Disney Frozen: Operation Puffins, distribuito su Disney+.

Un franchise da oltre 2 miliardi di dollari al box office

Il primo Frozen – Il Regno di Ghiaccio (2013), ispirato a La regina delle nevi, è stato un fenomeno globale: 1,28 miliardi di dollari al box office mondiale a fronte di un budget di 150 milioni. Il film, con un punteggio dell’89% su Rotten Tomatoes, ha reso iconica la canzone “Let It Go” e consolidato Anna ed Elsa tra i personaggi Disney più amati di sempre.

Il sequel, Frozen 2 – Il Segreto di Arendelle, ha superato nuovamente il miliardo di dollari, ampliando la mitologia del mondo di Arendelle e approfondendo le origini dei poteri di Elsa.

Le voci originali – Kristen Bell, Idina Menzel, Jonathan Groff e Josh Gad – hanno contribuito a rendere la saga una delle più redditizie e riconoscibili nella storia dell’animazione moderna.

Dove verrà distribuito il nuovo corto?

Al momento Disney non ha comunicato se il nuovo cortometraggio arriverà al cinema o direttamente su Disney+. Considerando che non sono previsti lungometraggi Disney per ottobre 2026, l’ipotesi più probabile è una distribuzione in streaming (eventualmente accompagnata da un passaggio televisivo).

Negli anni il franchise ha già sperimentato diversi formati brevi, tra cui Frozen Fever, Olaf’s Frozen Adventure e la serie di corti Olaf Presents.

Con il terzo capitolo ancora lontano, questo nuovo film breve servirà a mantenere alta l’attenzione su uno dei brand animati più potenti di casa Disney.

Charlie’s Angels: Sony prepara un nuovo reboot dopo il controverso revival con Kristen Stewart

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Sony intende riportare al cinema il franchise di Charlie’s Angels, 7 anni dopo l’ultimo controverso film della serie. Secondo The Hollywood Reporter, lo studios sta infatti portando avanti un altro reboot, che sarà scritto da Pete Chiarelli, già autore di Ricatto d’amore (2009) e Crazy & Rich (2018).

Al momento della pubblicazione di questo articolo non sono noti i dettagli su chi o quali società produrranno il nuovo progetto Charlie’s Angels. Tuttavia, una fonte interna ha affermato che Drew Barrymore sarà una delle produttrici con la sua Flower Films, anche se questa notizia non è stata confermata.

Il Charlie’s Angels originale era in realtà una serie TV andata in onda dal 1976 al 1981. La popolare serie drammatica vedeva Farrah Fawcett (Jill Munroe), Kate Jackson (Sabrina Duncan) e Jaclyn Smith (Kelly Garrett) nei ruoli principali. Era prodotta da Aaron Spelling e raccontava la storia di tre investigatrici alle dipendenze della Townsend Agency, di proprietà di Charlie Townsend, il cui volto non veniva mai mostrato.

Il franchise è stato rilanciato per la prima volta nel 2000, quando la Columbia, filiale della Sony, ha distribuito nelle sale un film con Barrymore (Dylan Sanders), Cameron Diaz (Natalie Cook) e Lucy Liu (Alex Munday). Il film incassò 264,1 milioni di dollari in tutto il mondo, che oggi equivarrebbero a circa 493 milioni di dollari. Il successo del film aprì la strada al sequel, Charlie’s Angels – Più che mai, nel 2003. Un’altra serie TV andò in onda nel 2011. Tuttavia, il revival fu un flop e fu cancellato dopo i primi sette episodi.

La Sony, come anticipato, ha poi realizzato un altro film nel 2019. Il cast era ricco di star, con Kristen Stewart (Sabrina Wilson), Naomi Scott (Elena Houghlin) ed Ella Balinska (Jane Kano), ed è stato diretto da Elizabeth Banks, che ha anche interpretato Bosley. L’adattamento non è però stato ben accolto ed è stato considerato un fallimento commerciale, con risultati molto deludenti al botteghino. I fan della serie possono però ora riporre fiducia in questo nuovo revival, in attesa di maggiori informazioni sul progetto.

Predator: Badlands: il regista rivela i cameo tagliati di Predator e Alien

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Anche se il film ha scelto una strada autonoma rispetto ai capitoli precedenti, Predator: Badlands avrebbe potuto includere diversi volti iconici del franchise. A rivelarlo è il regista Dan Trachtenberg, che in occasione dell’uscita home video ha spiegato come alcune apparizioni celebri siano state eliminate in fase di montaggio.

Il film – ambientato nel futuro e incentrato su Dek (interpretato da Dimitrius Schuster-Koloamatangi), il “runt” del suo clan Yautja deciso a dimostrare il proprio valore – vede anche Elle Fanning nei panni dell’androide sintetico Thia della Weyland-Yutani. Ma nella prima versione della sceneggiatura erano previsti richiami molto più espliciti al passato della saga.

Dutch, lo Xenomorfo e altri personaggi storici erano previsti nel film

Trachtenberg ha confermato che una scena più lunga includeva ologrammi con alcuni dei nemici storici affrontati dai Predator nel corso degli anni. Tra questi figuravano:

  • Dutch, il personaggio interpretato da Arnold Schwarzenegger nel film originale del 1987

  • Lo Xenomorph della saga di Alien

  • Altre creature viste nei capitoli più recenti del franchise

La sequenza, però, è stata drasticamente accorciata. Il dialogo è stato ridotto e gli ologrammi sono rimasti solo come presenze sfocate sullo sfondo. Il motivo? Evitare che il film diventasse un semplice “greatest hits” nostalgico.

Il regista ha spiegato che l’obiettivo era fare un omaggio ai personaggi amati, ma senza distogliere l’attenzione dal vero cuore del film: raccontare una storia interamente dal punto di vista dei Predator.

Il futuro di Naru e l’idea di non “bruciare tutte le cartucce”

Un altro cameo presente nel film è quello di Naru, protagonista di Prey, interpretata da Amber Midthunder. Tuttavia, anche in questo caso Trachtenberg ha scelto di limitare la sua presenza.

Secondo il regista, inserire un team-up diretto tra Dek e Naru sarebbe stato interessante, ma non abbastanza originale: il franchise ha già mostrato Predator alleati con esseri umani (come in Alien vs. Predator). L’idea, invece, è sviluppare qualcosa di più ambizioso in futuro, senza “spendere tutte le fiches” subito.

Trachtenberg ha inoltre ribadito di essere al lavoro su nuovi progetti legati al franchise, pur avendo firmato un accordo con Paramount per sviluppare anche opere originali. Questo lascia aperta la porta sia a un possibile Prey 2 sia a un sequel diretto di Badlands su scala ancora più ampia.

Al momento non ci sono annunci ufficiali su un seguito, ma le parole del regista confermano che l’universo Predator è tutt’altro che chiuso.

Cime Tempestose parte forte al box office USA prima del weekend di San Valentino

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Ottimo debutto nelle anteprime americane per Cime Tempestose, il nuovo adattamento diretto da Emerald Fennell con Jacob Elordi e Margot Robbie. Secondo i dati diffusi da Warner Bros., il film ha incassato 3 milioni di dollari nelle anteprime di giovedì 12 febbraio in circa 3.000 sale USA. Le prevendite hanno già raggiunto i 14 milioni di dollari, con stime per il weekend comprese tra 40 e 50 milioni, complice il ponte di San Valentino/President’s Day.

Anche in Italia il film – distribuito da Warner Bros. Italia con il titolo Cime Tempestose (Wuthering Heights) – ha registrato una partenza solida. Uscito il 12 febbraio 2026, ha incassato 696.795 euro con 86.564 presenze nella giornata di debutto, per un totale che ha già raggiunto 1.246.230 euro e 156.300 spettatori complessivi nei primi giorni di programmazione.

Il miglior debutto commerciale per Emerald Fennell?

Per Fennell si tratta di un risultato nettamente superiore rispetto ai precedenti lavori. Saltburn (2023) aveva avuto un’uscita limitata, con poco più di 300 mila dollari nel primo weekend in sole sette sale. Anche Promising Young Woman (2020), pur premiato con l’Oscar alla Miglior Sceneggiatura Originale, aveva aperto con circa 719 mila dollari negli Stati Uniti in un contesto pandemico.

Con Cime Tempestose, la regista affronta il celebre romanzo di Emily Bronte, pubblicato nel 1847 sotto lo pseudonimo Ellis Bell. Fennell ha più volte definito la relazione tra Catherine e Heathcliff come “primitiva” ed emotivamente estrema, sottolineando la componente passionale e disturbante che ha reso l’opera tanto controversa quanto immortale.

Se le proiezioni americane verranno confermate e il trend italiano resterà stabile nel weekend, Cime Tempestose potrebbe diventare non solo il più grande successo commerciale di Fennell, ma anche uno dei titoli romantici più forti della stagione.