Altro giorno, altro film. Dopo aver visto commedie brillanti, biopic ‘spaziali’, remake horror e film western, la 75esima Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia ci propone un thriller, portando sul grande schermo l’ultimo film di David Oelhoffen, dal titolo Fratelli nemici – Close Enemies, presentato in concorso.

In Fratelli nemici – Close Enemies Nati e cresciuti nei sobborghi di Parigi, Manuel (Matthias Schoenaerts) e Driss (Reda Kateb), un tempo quasi fratelli più che semplici amici, hanno poi preso strade diverse, anzi, opposte. Mentre il primo per poter sopravvivere in quel quartiere malfamato ha scelto la strada della criminalità diventando un narcotrafficante, l’altro, al contrario, è diventato un poliziotto. Ma qualcosa di terribile farà incrociare di nuovo le loro vite. In attesa di un grande carico di droga proveniente dal Portogallo da consegnare ad un certo Reyes, il SUV di Manuel viene attaccato e la sua banda sterminata. Costretto a darsi alla macchia per sopravvivere, si troverà a dover chiedere aiuto proprio al suo peggior nemico.

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C’è chi dice che thriller e action movie siano appannaggio esclusivo degli americani. Oelhoffen, invece, con il suo Fratelli nemici – Close Enemies, si diverte a dare del filo da torcere ai suoi colleghi a stelle e strisce. Utilizzando l’ormai collauda struttura di genere, il regista imbastisce un film classico nel senso più stretto del termine. Abbiamo infatti un cattivo ragazzo dal cuore tenero che di giorno gioca a pallone con il figlio e di notte spaccia e un cattivo ragazzo che invece ha cambiato vita; non mancano inoltre droga, poliziotti, inseguimenti e tante sparatorie.

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Quella di David Oelhoffen sembrerebbe la ricetta per il perfetto thriller/action movie ma in realtà anche Freres Ennemis presenta non pochi problemi. Nonostante il genere cinematografico di appartenenza, il film in alcuni momenti sembra soffrire a causa del suo ritmo altalenante; si alternando, infatti, momenti d’azione davvero avvincenti che tengono lo spettatore incollato allo schermo ad altri invece fin troppo lenti e quasi statici. Ma a risollevare le sorti di un film tutto sommato abbastanza banale, ci pensano i due meravigliosi protagonisti; Matthias Schoenaerts è perfettamente a suo agio nel ruolo nel ruolo del cattivo in cerca di vendetta laddove Reda Kateb invece è il suo perfetto antagonista.

Fratelli nemici – Close Enemies non brilla certo per originalità sia nel contenuto che nella forma ma è un film godibile proprio per la sua semplicità, pieno di interessanti spunti di riflessione e che metterà d’accordo gran parte del pubblico in sala.

Arriva in concorso a Venezia il western poetico The Sisters Brothers del regista francese Jacques Audiard. Una nuova incursione, dopo The Ballad of Buster Scruggs dei fratelli Coen, nel cuore selvaggio della frontiera americana vista con uno sguardo inusuale, divertente e commovente.

I due fratelli Charlie ed Eli Sisters sono due killer al servizio di un potente chiamato Il Commodoro. Sono molto legati tra loro, soprattutto dopo la morte del padre violento e l’allontanamento da casa. Si proteggono l’uno con l’altro, volendosi un gran bene, ma manifestandolo in modo burbero, tra scherzi, litigi e zuffe. Il loro lavoro consiste nel ritrovare persone scomode o banditi. Non esitano a uccidere, senza porsi troppe domande. Charlie in particolare, il fratello più giovane, ha una vera dote naturale per le carneficine. Eli, invece, anche se altrettanto spietato ed esperto con le armi, ha un’indole tranquilla, sentimentale e anela a una vita normale. La loro nuova missione consiste nel rintracciare e riportare indietro un chimico, detentore di una prodigiosa formula per rivelare la presenza dell’oro nei fiumi. Comincia così una spietata e movimentata caccia all’uomo, attraverso il cuore del selvaggio west, ma soprattutto  attraverso il profondo di se stessi.

The Sisters Brothers è una fiaba tenerissima e struggente, che ruota attorno al legame e ai sentimenti più intimi di due fratelli, magnificamente interpretati da John C. Reilly e Joaquin Phoenix.

È un western, perché ambientato nel selvaggio cuore dell’America dei coloni e popolato di pistoleri, mandriani, cercatori d’oro e tutta la fauna tipica da saloon, ma non è un western classico, perché rifugge tutti i canoni del genere, evitando gli stereotipi e trasformando abilmente ogni elemento di questa tipologia di racconto, per contribuire a scandagliare l’emotività e il bisogno di amore che alberga sul fondo dell’animo di ognuno, anche della canaglia più spietata.

A Reilly e Phoenix si aggiungono anche gli ottimi Jake Gyllenhaal e Riz Ahmed, rispettivamente un collega cacciatore di taglie dei due fratelli e il povero indifeso chimico geniale. Anche loro due sono perfettamente calati nel ruolo e riescono a regalare sfumature indelebili, che rimangono scolpite nel cuore dello spettatore.

Il regista Jacques Audiard, reinventa boschi, praterie, villaggi e città del selvaggio west, nel bel mezzo dell’ Europa, lavorando sapientemente tra boschi e praterie, con colori e luci, assecondando ogni mutamento di stato d’animo dei personaggi e imbastendo un’irresistibile, sanguinaria combriccola di forsennati, bisognosi solo di un briciolo di affetto e tranquillità.

Il film è pieno di invenzioni e situazioni, a volte divertenti, altre volte malinconiche, altre ancora struggenti. Ma è imprevedibile, fuori da ogni schema, scorre veloce di sorpresa in sorpresa, senza mai subire rallentamenti o indurre intuizioni legate a dispositivi narrativi ormai consolidati e stantii. Tutto questo grazie a una magnifica sceneggiatura scritta dallo stesso Jacques Audiard insieme a Thomas Bidegain. Ma il merito è dovuto anche al romanzo omonimo di Patrick de Witt da cui è tratto il film.

I meravigliosi costumi sono dell’italiana Milena Canonero, le scenografie di Michel Barthélémy, che ricostruisce sapientemente anche le strade della vecchia San Francisco e un hotel di gran lusso, fornito dei primi bagni con toilette e vasca privata.  Le musiche sono invece di Alexandre Desplat, che si allontana dagli stereotipi, per regalare una partitura dal sapore fiabesco, perfetta per sottolineare i turbamenti dei quattro protagonisti. Questi sono solamente alcuni dei creatori di questa favola western, frutto di una co-produzione di tanti paesi europei tra cui Francia, Belgio, Romania e Spagna.

The Sisters Brothers potrebbe definirsi un emo-western, che conquisterà e commuoverà anche chi non è avvezzo a tale genere, ma che certamente mostrerà il lato più tenero e nascosto del selvaggio west, finora mai raccontato così delicatamente in un film. E per gli amanti di sparatorie, bordelli e saloon… nulla da temere: tutti accontentati!

Venezia 75: Jacques Audiard presenta The Sisters Brothers

Il ragazzo più felice del mondo potrebbe essere Francesco, un ragazzo che a 14 anni mandò una lettera a Gianni Pacinotti, in arte Gipi, per esternargli la sua devozione di fan e chiedergli un disegno. Se non fosse che Francesco, forse, non esiste, è un’identità fittizia di un amante dei fumetti, probabilmente con disturbi mentali, che per oltre 20 anni ha mandato la stessa lettera da ammiratore a moltissimi fumettisti italiani.

L’incredibile storia vera in cui si è imbattuto l’autore de La mia vita disegnata male è diventata così il pretesto per il film che Gipi ha presentato alla Mostra di Venezia 75 nella sezione Sconfini. Il progetto era quello di un documentario, in cui Pacinotti raccoglieva le testimonianze dei suoi colleghi fumettisti, oltre 50, che avevano ricevuto la stessa lettera nel corso degli anni e con tutti loro andava da “Francesco” per renderlo, appunto, il ragazzo più felice del mondo. Da una parte un’idea geniale, dall’altra il problema di come raccontarla, senza ledere la privacy di questo misterioso fan, e allo stesso tempo senza tradire la storia.

E così l’intuizione è stata quella di trasformare il “problema di come raccontare” la vicenda nel film stesso. Per farlo, Gipi ha chiesto ai suoi amici di aiutarlo, letteralmente, sprofondando finalmente nel metacinema, che tante volte ha accarezzato; il pisano si circonda di persone che sono suoi amici nella vita vera, spingendoli davanti alla macchina da presa, sullo schermo, per metterlo al centro dell’attenzione e per demolire il suo narcisismo senza ferirlo troppo in profondità (sono pur sempre suoi amici).

Gipi: intervista al regista di Il ragazzo più felice del mondo

Con il solito acume auto-critico e analitico, Gipi realizza questa stramba commedia che non manca di diventare territorio di profonda riflessione su quello che è davvero il mestiere del cantastorie, di chi vuole sottoporre il proprio mondo interiore, le proprie fantasie, le proprie storie al giudizio del pubblico e a cosa vuol dire esporre se stessi a questo rischio. Riflessione particolarmente cara a lui che in tutto il suo lavoro ha messo una parte di sé e della sua vita privata. Fama, fan, disegno, storie: il film tocca tutte le sue ossessioni ma non dimentica il gioco, la leggerezza e la risata forte e genuina che esplode dal petto, per un’intuizione brillante, o una battuta politicamente scorretta.

Davide Barbafiera, Gero Arnone e Francesco Daniele sono i coprotagonisti e gli incaricati a demolire l’ego e ad accompagnare l’amico, in quello che, nel finale, diventa un road movie anomalo, che si risolve in un lieto fine inaspettato. Con i tre co-protagonisti, sullo schermo si avvicendano anche molti volti noti del fumetto italiano, qualcuno chiamato a testimone nel ruolo di se stesso, qualcun altro che ha accettato di trasformarsi in attore per un giorno: tutti amici di Pacinotti nella vita vera. Una scanzonata compagnia che mette in scena un film disordinato, che prende tante direzioni, ne segue altre ancora, in nome dell’intuizione, della storia da seguire, e nonostante questo mantiene intatto lo spirito del suo autore, uno spirito da bambino saggio che non ha mai smesso di disegnare.

Il ragazzo più felice del mondo è Gianni stesso, perché nonostante il pericolo di esporre il suo cuore e la sua vita al mondo intero, continua a farlo per amore delle storie. E non c’è forma di devozione più rischiosa e più grande.

Nell’epoca delle rivendicazioni femminili arriva, in Concorso alle Giornate degli Autori di Venezia 75, una storia di una donna che attraverso il suo corpo prova a rinnegare la sua natura di madre e abbraccia completamente la sua volontà: Pearl. Opera prima di Elsa Amiel, è la storia di Lea Pearl, una bodybuilder che ha consacrato la sua vita a questo sport. Ma a che prezzo? Lo scopriamo subito nella storia. Quando era ancora Julia, la protagonista ebbe un bambino dal compagno, ma abbandonò entrambi e adesso la sua vita e soprattutto il suo corpo sono totalmente cambiati. Ma cosa le accadrà quando questo passato le viene sbattuto in faccia inaspettatamente? Alla vigilia di una importantissima competizione, Lea dovrà fare di nuovo i conti con quella che è stata, e con un bambino di quattro anni.

Amiel gira il film in lingua doppia, francese e inglese, dove la prima sembra essere riservata alla componente emotiva, ai dialoghi con il bambino, con l’ex marito, insomma allo scontro dei sentimenti. L’inglese è invece la lingua pragmatica della bodybuilder e del suo allenatore, la lingua delle dosi di ormoni, della dieta ferrea, del divieto di bere acqua e della preparazione atletica.

Il cuore del film però è il corpo di Julia/Lea e il contrasto che vive nel momento in cui ricorda il passato di madre, o meglio di donna che ha dato alla luce un bambino, visto che madre in senso proprio non lo è mai stata. E appena il suo corpo rientra in contatto con il figlio, ricompare del sangue mestruale, che da anni, a causa dei bombardamenti di ormoni, non si manifestava più. Un risveglio del suo corpo d’origine che lei per prima rifiuta ma che imparerà ad accettare nel corso del film, con un esito inaspettato.

La Amiel sceglie una strada poco battuta per raccontare la femminilità e la lotta della donna con e dentro al suo corpo, per sempre prigioniera di un contenitore che può essere plasmato o assecondato.

Torna in Concorso alla Mostra di Venezia 75 Mike Leigh, che 15 anni fa conquistò il Leone d’Oro con Il segreto di Vera Drake. Questa volta il regista settantacinquenne sceglie una sanguinosa pagina della storia inglese, il massacro di Manchester, evento poco noto ma decisivo per il percorso della democrazia del Regno Unito.

La trama di Peterloo

I fatti: il 16 agosto 1819 a St. Peter’s Field si svolse un raduno pacifico, a favore della democrazia, che promuoveva il suffragio universale e la rappresentanza politica diretta. Questa pacifica assemblea si tramutò in una strage con decine di morti e centinaia di feriti a causa della decisione dei magistrati locali di far intervenire la guardia nazionale a cavallo, a sciabole sguainate. La decisione scellerata venne presa a seguito del clima di fermento e timore, da parte dei nobili inglese, generato dalla recente Rivoluzione Francese. L’esito fu un massacro, appunto, che generò un’ondata di proteste in tutto il Paese.

Leigh si pone come obbiettivo ambizioso quello di raccontare non solo la strage ma tutto ciò che venne prima, descrivendo con minuzia la situazione sociale, quella dei lavoratori nelle fabbriche, delle donne senza il diritto di voto, dei giovani di ritorno dalle guerre napoleoniche. L’eco di Waterloo non si era ancora spento, e la strage a St. Peter’s Field divenne presto “il massacro di Peterloo” per i giornali dell’epoca. Per costruire il suo affresco storico, il regista scende nei minimi dettagli della ricostruzione storica, dando voce a tutti. Dalla casalinga stanca, al bimbo cencioso, agli operai ridotti alla fame, ai nobili, i magistrati, al re matto e persino alla sua cortigiana. Tutti in Peterloo trovano spazio, parola, inserendosi in un disegno dettagliatissimo.

Peterloo si fa quindi costantemente dialogo tra opposti, tra gli illuminati eredi della Francia rivoluzionaria, ai conservatori al potere, tra gli oratori che infiammavano i cuori degli affamati senza armare le loro mani, ai privilegiati che non esitavano a delegare la violenza alle loro “braccia”.

A pagare le spese di questa coralità così strutturata e dettagliata è il ritmo del film, che si dilata e appesantisce l’affresco storico. Dopotutto non c’era altro modo di raccontare la stessa vicenda, dal momento che l’azione del film culmina negli ultimi 30 minuti, con un saggio di grande perizia tecnica di Leigh, nella regia del caotico e impari scontro.

Il terzo giorno di festival in laguna finalmente si respira un’aria diversa. Mentre fuori la pioggia continua a cadere, in sala, grazie a Olivier Assayas, l’atmosfera si fa più leggera e frizzante. E’ stato presentato in concorso a Venezia 75 l’ultimo film del regista francese dal titolo Doubles Vies con l’eccezionale coppia Guillaume Canet e Juliette Binoche.

In Doubles Vies, Alain (Guillaume Canet) è un editore parigino di successo che fa fatica ad adattarsi alla rivoluzione digitale che sta investendo il mondo della comunicazione e dell’editoria. Mentre cerca di capire come muoversi all’interno di questo territorio per lui ancora inesplorato, continua il suo lavoro, leggendo e selezionando nuovi manoscritti da pubblicare. Tra questi c’è il nuovo romanzo di Leonard (Vincent Macaigne), suo autore e amico da lungo tempo, libro che Alain non è però intenzionato a mandare in stampa. Il lavoro di Leonard è vecchio e stantio eppure Selena (Juliette Binoche), moglie di Alain e attrice di successo, sembra aver preso molto a cuore il progetto…

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Dopo ben otto anni di assenza dal suo ultimo Apres Mai ( titolo italiano Qualcosa Nell’Aria), il regista Olivier Assayas torna al festival di Venezia presentando un film dallo stile completamente diverso. Doubles Vies è infatti una commedia brillante, genere quasi del tutto estraneo alla cinematografia di Assayas. Partendo dal mondo dell’editoria, il regista fa una riflessione assai arguta ma non priva di humor e di una buona dose di sarcasmo, sulla tecnologia e su come quest’ultima abbia contribuito negli ultimi anni a trasformare i canali di comunicazione. Dai libri agli ebook, dalle lettere a Whatsapp, ormai ognuno di noi sembra non poter fare a meno di smartphone, computer e tablet per comunicare. Ma se la tecnologia ha reso le interazioni più efficienti e veloci, come mai i protagonisti di Double Vies sembrano fare così tanta fatica a interagire tra loro?

Alle riflessioni di Assayas sulla cultura contemporanea che cambia con l’evolversi della società, si aggiungono anche i problemi di comunicazione delle coppie. Abbiamo infatti un matrimonio in crisi – quello di Alain e Selena – e un rapporto disfunzionale e assai bizzarro anche tra Leonard e la sua compagna Valerie (Nora Hamzawi), molto più preoccupata del suo lavoro che del suo rapporto di coppia. Ma se il regista è molto abile nel costruire scene con i suoi protagonisti che dialogano sul rapporto odierno tra forma e contenuto, risulta meno convincente quando tratta l’argomento sentimentale.

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Dopo un inizio un po’ lento Doubles Vies – che in Italia uscirà in sala con il titolo di Non-Fiction – prende pian piano il suo ritmo, mostrando allo spettatore una struttura narrativa abbastanza schematica e ripetitiva. Assayas ricicla quasi in maniera ossessiva sempre gli stessi concetti rendendo il film divertente ma soprattutto ridondante. Tutti i personaggi di Doubles Vies sono sempre pronti a sciorinare pensieri più o meno acuti sui problemi comunicativi della società contemporanea ma molto meno inclini ad affrontare i loro di problemi. Non c’è alcun tipo di introspezione e il film, pur riuscendo a strappare non poche risate allo spettatore, risulta facilmente dimenticabile.

Incompiuto per oltre 50 anni, trova la sua strada verso la sala cinematografica grazie ad un’operazione certosina, che sintetizza 96 ore di girato in due ore film film, presentato a Venezia 75, come evento speciale: The Other Side of the Wind, di Orson Welles è stato completato.

Per lungo tempo il film è rimasto “nel cassetto” salvo poi essere preso e portato a compimento per volontà di Peter Bogdanovich, con l’aiuto del montatore Bob Murawski e scelto da Barbera come gioiello all’interno del programma della Mostra del 2018. Il film è dunque prima di tutto un omaggio di un allievo al maestro, che porge omaggio e si presta al gioco di specchi e rimandi che mescola la vita del protagonista del film, Jake Hannaford (John Huston), con quella di Welles stesso.

The Other Side of The Wind può essere letto come una riflessione sul doppio, sulla presenza di vecchio e nuovo che si fronteggiano, nell’arte e nella vita. Le due parti prendono le sembianze di Hannaford / Huston da una parte, e di Otterlake / Bogdanovich, dall’altra, il giovane. La stratificazione dell’opera si arricchisce, oltre alla riflessione sugli opposti, anche del tema del doppio, di echi shakespeariani, di riflessioni derivanti anche dal periodo storico in cui Welles girò. Un miscuglio anarchico che trova la sua forma grazie a un’opera di riorganizzazione monumentale.

Nonostante l’egregio lavoro svolto da Bogdanovich e la compiutezza dell’arco narrativo, il film denuncia la sua produzione travagliata, che ne rende difficile la visione e che gli conferisce prevalentemente un valore simbolico, in quanto riporta al cinema il nome di un dei più grandi della storia della settima arte.

Presentato nella sezione Fuori Concorso di Venezia 75, Aquarela è il nuovo film del regista russo Victor Kossakovsky, che porta stavolta sul grande schermo un viaggio cinematografico sulla bellezza e brutalità dell’acqua. Una vera e propria ode, a tutte le forme da essa assumibili, specialmente quella più selvaggia che sin da subito nel film pone a contrasto l’elemento con l’essere umano.

Essere umano che è destinato ben presto a svanire dalla pellicola, significativamente costretto a soccombere data la disparità dello scontro. L’acqua diventa così prima e unica protagonista del film, invadendo ogni inquadratura della sua mutevolezza. Differenti colori, movimenti, energie si susseguono sullo schermo, e il connubio tra musica heavy metal e le ricche immagini non fa che esaltare il senso di minaccia di cui si vuole investire l’elemento. Grossi blocchi di ghiaccio sembrano muoversi nell’acqua come immensi mostri marini a ritmo di musica.

Girato a 96 fotogrammi al secondo, il film acquista così una fluidità che appunto ricorda quella sinuosa dell’acqua, del suo ondeggiare, e questa scelta di ripresa si sposa perfettamente con ciò che il regista vuole trattare ed esaltare. Il risultato sono delle immagini e sequenze di estrema bellezza, che ritraggono paesaggi ora pacifici ora violenti.

A metà tra il documentario e il film anti narrativo, Aquarela fonda la propria forza sulla messa in scena, su ciò che lo spettatore è chiamato ad ammirare. Dinanzi al film quest’ultimo dovrebbe infatti lasciarsi pervadere dalle sensazioni che esso comunica senza ricercare un filo narrativo, elemento presente anche se in maniera allusiva, ma certamente distraente dall’intenzione del regista di scorrere su chi guarda come, appunto, acqua, in grado di lasciare tuttavia traccia del proprio passaggio.

Nonostante la bellezza di quanto è possibile osservare però, troppo spesso il film si abbandona a digressioni di eccessiva durata, che rallentano il ritmo e la visione, già non favoriti dalla natura del film. Risulta difficile infatti riuscire a non stancarsi presto della pellicola, facendo così arrendere, in più di qualche momento, lo spettatore alla noia piuttosto che al sublime delle immagini. Il limite del film risulta così essere insito nella sua stessa natura, perdendo alla lunga l’attrattiva che aveva inizialmente generato.