Con Un semplice incidente (Un simple accident in originale), Jafar Panahi torna alla regia dopo anni di silenzio forzato, portando in concorso al Festival di Cannes un’opera tanto minimale nei mezzi quanto dirompente nel contenuto. Il film segna anche il suo ritorno pubblico: è la prima volta in quattordici anni che il regista iraniano riesce a lasciare il Paese per accompagnare personalmente una propria opera, accolto da una lunga e commossa ovazione al Grand Théâtre Lumière. Non si tratta solo di una presenza simbolica, ma di un gesto politico e artistico che rafforza il valore già altissimo del film.
La storia si apre con una scena ordinaria, quasi dimessa: una famiglia viaggia di notte su un’auto sgangherata lungo una strada deserta. Il padre, Eghbal, investe un cane e il guasto che ne deriva li costringe a fermarsi in un’officina. Lì si trova Vahid, un uomo segnato dalla prigione, che riconosce nell’andatura claudicante del conducente — provocata da una protesi — il suo ex aguzzino. Da quel momento la narrazione vira bruscamente: Eghbal viene sequestrato, portato nel deserto e costretto a scavarsi la fossa. Ma Vahid non riesce a chiudere il cerchio: il dubbio si insinua, e con esso nasce la necessità di confermare quell’identità.
Un road movie atipico, claustrofobico e pieno di incertezze
Un semplice incidente (guarda il trailer del film) diventa così un road movie atipico, claustrofobico e pieno di incertezze, costruito attraverso una serie di tappe che mettono in discussione ogni presunta verità. Vahid cerca testimoni tra gli ex detenuti che, come lui, hanno subito torture da parte dello stesso uomo: una fotografa, una giovane donna che si sta per sposare, una ex coppia. Tutti raccontano le stesse violenze, ma nessuno può affermare con sicurezza che quell’uomo — ora prigioniero e in silenzio — sia davvero il responsabile. In molti casi, l’unico ricordo che rimane è un dettaglio sensoriale: l’odore del sudore, un suono familiare, un’impressione fisica rimasta impressa nella memoria più del volto.
Il film riflette in modo diretto e tagliente su ciò che accade quando la giustizia istituzionale viene meno, e lascia spazio al sospetto, all’odio, alla tentazione di farsi giudici e carnefici. Ma al centro del racconto c’è sempre il dubbio, che non solo frena l’azione, ma la disarma. Anche quando tutti sembrano concordi sulla colpevolezza, resta la domanda: “E se ci sbagliassimo?”
Con mezzi limitati e attori in gran parte non professionisti, Panahi costruisce un’opera compatta, priva di orpelli, che lavora per sottrazione. La tensione cresce con naturalezza, grazie a una regia che dosa con precisione il tempo e lo spazio. Gli ambienti — quasi sempre chiusi o notturni — contribuiscono a creare un senso di isolamento e di precarietà. Il montaggio evita l’enfasi, mentre il suono ha un ruolo centrale: nel finale, un’inquadratura apparentemente neutra è resa disturbante proprio da ciò che si sente, non da ciò che si vede.
Come già accaduto in Taxi Teheran o No Bears, Panahi fa della semplicità un punto di forza. La messa in scena è scarna, ma ogni elemento — un’inquadratura fissa, un silenzio prolungato, un rumore fuori campo — ha un peso specifico. E se il film prende spunto da un’esperienza personale, Panahi evita l’autobiografismo diretto per costruire un racconto corale, in cui l’Iran contemporaneo è rappresentato attraverso una serie di volti e storie che si intrecciano nella precarietà della sopravvivenza.
Durante la conferenza stampa, Panahi ha parlato apertamente della propria detenzione nella famigerata prigione di Evin, raccontando condizioni di vita al limite dell’umano e interrogatori quotidiani. Ha spiegato come il film sia nato proprio da quella esperienza: «In un certo senso, non sono io ad aver fatto questo film. È la Repubblica Islamica che l’ha fatto, perché mi ha messo in carcere». E ha poi rivolto un pensiero ai colleghi e agli artisti che ancora oggi non possono lavorare: «Oggi sono qui con voi, ma dietro di me c’è un muro. E dietro quel muro ci sono ancora tanti altri che sono rimasti dentro».
Vendetta, giustizia, memoria e trauma senza retorica
Un simple accident è un film che parla di vendetta, giustizia, memoria e trauma, ma lo fa evitando la retorica. È un’opera che pone domande più che offrire risposte, e che racconta un Paese dove i confini tra vittima e carnefice si confondono, dove la verità è sempre filtrata dalla paura e dal dolore. Panahi firma così uno dei film più potenti e necessari della sua carriera: un’opera compatta, etica, politica, ma anche umanissima. E conferma ancora una volta la sua centralità in un cinema che resiste, anche quando tutto sembra spingerlo verso il silenzio.
Il film d’azione ricco di acrobazie The Fall Guyha finora entusiasmato il pubblico, ma The Fall Guy 2 vedrà mai la luce? Basato sull’omonima serie TV degli anni ’80 con Lee Majors, The Fall Guy è ambientato sul set del prossimo blockbuster hollywoodiano, Metalstorm, dove uno stuntman e un regista esordiente diventano inconsapevoli pedine di un piano malvagio ordito da un attore protagonista geloso e da un produttore intrigante. Leggero nella trama e ricco di divertimento, The Fall Guy è tanto un omaggio all’arte poco conosciuta delle acrobazie quanto alla classica serie degli anni ’80.
Questo film esplosivo e ambizioso sul mondo del cinema ha soddisfatto la critica e ha persino recuperato al botteghino dopo un’apertura deludente. Uno dei punti di forza di The Fall Guy è l’intesa tra i protagonisti, con Ryan Gosling che completa perfettamente Emily Blunt in questo film d’azione e commedia. I film di Ryan Gosling hanno portato l’attore dai ruoli più drammatici a quelli più comici, e The Fall Guy è un perfetto esempio della straordinaria versatilità di questo attore di prima grandezza. I film d’azione sono sempre stati il terreno fertile perfetto per i sequel, e The Fall Guy 2 sembra una possibilità concreta.
Ultime notizie su The Fall Guy 2
Gosling conferma la sceneggiatura del sequel
Sebbene l’esercizio di scrittura possa essere stato catartico per Blunt e Gosling, rappresenta la possibilità molto concreta che The Fall Guy 2 possa diventare realtà.
Sebbene non si tratti di un annuncio ufficiale della realizzazione del sequel, le ultime notizie vedono Ryan Gosling rivelare che la sceneggiatura di The Fall Guy 2 è stata scritta. In una recente intervista, Gosling ha lasciato intendere che lui e Blunt hanno scritto una sceneggiatura per un sequel di Fall Guy, in modo da poter “sapere, solo per noi stessi, cosa succede a Colt e Jody.” Sebbene l’esercizio di scrittura possa essere stato catartico per Blunt e Gosling, esso rappresenta la possibilità molto concreta che The Fall Guy 2 possa diventare realtà.
Leggi qui sotto il commento completo di Gosling:
Il sequel si è scritto da solo, in un certo senso. Conosciamo già [la storia] molto bene. Speriamo solo che questo film piaccia abbastanza al pubblico da permetterci di continuare a raccontare la storia di questi personaggi. Li amiamo tantissimo, amiamo questo mondo e sono sicuro che ce la possiamo fare… Oh sì, [abbiamo già una sceneggiatura]. Noi già… voglio dire, amiamo così tanto questi personaggi che volevamo sapere, solo per noi stessi, cosa succede a Colt e [al personaggio di Emily Blunt] Jody dopo la fine del film? Qual è la fase successiva per loro? E sappiamo esattamente di cosa si tratta. Quindi speriamo che anche il pubblico voglia saperlo.
The Fall Guy 2 non è confermato
Ancora nessuna notizia sul sequel
Nonostante tutto sia pronto per un sequel, The Fall Guy 2 non è stato confermato. Con Gosling, Blunt e il regista David Leitch che hanno tutti espresso il desiderio di un sequel, non c’è dubbio che potrebbe realizzarsi. Tuttavia, i dati al botteghino di The Fall Guy saranno un fattore decisivo per il futuro del franchise, ma non sembrano nemmeno così male. Sebbene non sia il successo strepitoso che gli studios avrebbero sperato, i risultati iniziali suggeriscono che è ben lontano dall’essere un flop.
Il cast di The Fall Guy 2
Blunt e Gosling torneranno?
Nonostante sia un film su un grande blockbuster hollywoodiano, il cast principale di The Fall Guy era relativamente piccolo, e alla fine del film era ancora più ridotto. Ci sono solo una manciata di attori che potrebbero tornare per The Fall Guy 2, e quel piccolo ensemble è guidato da Ryan Gosling nel ruolo dello stuntman Colt Seavers ed Emily Blunt nel ruolo della regista Jody Moreno. Se The Fall Guy 2 alla fine vedrà la luce, probabilmente introdurrà una serie di nuovi personaggi e alcuni di essi potrebbero anche rimanere se in futuro ci saranno ulteriori sequel.
La trama di The Fall Guy 2
Ci saranno altre acrobazie nel futuro di Colt?
Gli scioperi di Hollywood del 2023 hanno messo in luce le disparità all’interno della più grande industria di Tinseltown, e un sequel di Fall Guy potrebbe mettere queste questioni al centro dell’attenzione, pur continuando a offrire una storia coinvolgente ed emozionante.
Il finale di The Fall Guy è stato conclusivo e ha risolto tutte le principali trame. Tuttavia, questo non ha mai impedito a Hollywood di sfornare altri sequel, soprattutto con una coppia come Blunt e Gosling che rappresenta una miniera d’oro al botteghino. La trama più probabile di The Fall Guy 2è tratta dalla serie TV e, sebbene condivida il titolo, gran parte del classico degli anni ’80 è stato tralasciato nel primo film. Il sequel potrebbe vedere Colt diventare un cacciatore di taglie che usa la sua esperienza nelle acrobazie per ottenere ricompense lucrative.
D’altra parte, The Fall Guy 2 potrebbe essere un’altra lettera d’amore alla comunità degli stuntman ed esplorare le questioni che devono affrontare coloro che lavorano nell’industria cinematografica in ruoli poco conosciuti. Gli scioperi di Hollywood del 2023 hanno messo in luce la disparità all’interno della più grande industria di Tinseltown, e un sequel di Fall Guy potrebbe mettere queste questioni al centro della scena, pur offrendo una storia coinvolgente ed emozionante.
Cynthia Erivo sostituisce la tunica nera di Elphaba in Wicked con la toga nera di un avvocato difensore e la parrucca grigia nella prima immagine di Prima Facie. L’attrice britannica è stata candidata due volte all’Oscar per i suoi ruoli di Harriet Tubman in Harriet (2019) e di Elphaba in Wicked (2024). Riprende quest’ultimo ruolo in Wicked – Parte Due, in uscita il 21 novembre.
Tramite Variety, è stata rivelata la prima immagine di Cynthia Erivo nell’adattamento cinematografico di Prima Facie. Guardala qui sotto:
Cortesia Embankment Films via Variety
Prima Facie segue Cynthia Erivo nei panni di Tessa Ensler, una giovane e talentuosa avvocatessa britannica che, partendo da un ambiente operaio, ha iniziato a difendere uomini accusati di violenza sessuale. Tuttavia, mentre la sua carriera inizia a decollare, si trova di fronte a una scelta che la costringe a conciliare la sua passione per la legge con la sua spinta personale a cercare vera giustizia.
L’adattamento cinematografico è diretto dalla vincitrice del BAFTA e due volte candidata agli Emmy Susanna White (Bleak House, Jane Eyre, Generation Kill), con una sceneggiatura scritta da Suzie Miller basata sulla sua pluripremiata opera teatrale, interpretata da Jodie Comer e vincitrice dei Laurence Olivier Awards come Miglior Nuova Opera e Miglior Attrice, oltre a un Tony Award come Miglior Attrice.
Oltre all’uscita di un’immagine in anteprima, è stato annunciato il cast di supporto del film. Il cast include Daniel Ings, Elizabeth Dulau, Noma Dumezweni, il candidato agli Emmy Toheeb Jimoh (Ted Lasso), Harry Treadaway, Sarah Junillon, Elliot Levey e il due volte vincitore del BAFTA Simon Russell Beale (The Hollow Crown, A Dance to the Music of Time).
Le riprese dell’adattamento cinematografico di Prima Facie sono terminate a Londra.
La scena post-crediti di The Fall Guy include cameo importanti, ed ecco cosa potrebbero significare per il futuro del franchise. Il film d’azione del 2024 vede protagonisti Ryan Gosling ed Emily Blunt in un remake moderno dell’omonima serie TV degli anni ’80. Il cast di The Fall Guy mantiene l’attenzione su Colt Seavers di Gosling e Jody Moreno di Blunt, mentre le vite dello stuntman e della regista esordiente si intrecciano nuovamente. La trama principale del film segue Colt mentre cerca di trovare il protagonista scomparso del film di Jody, solo per scoprire che fa parte di un piano elaborato da Tom Ryder (Aaron Taylor-Jonson).
Quando The Fall Guy giunge al termine, il pubblico ha seguito il viaggio di Colt e Jody per smascherare il piano di Tom sul set di Metalstorm. Tra acrobazie mozzafiato e scene d’azione, vengono gettate le basi per un potenziale nuovo franchise. Con un’intera serie TV di materiale a cui ispirarsi per i futuri capitoli, le aspettative sul franchise non hanno fatto altro che aumentare la probabilità che The Fall Guy abbia una scena dopo i titoli di coda. A quanto pare, il film utilizza i titoli di coda per diversi scopi.
The Fall Guy ha una scena dopo i titoli di coda
C’è una scena a metà dei titoli di coda
È confermato che The Fall Guy ha una scena dopo i titoli di coda. Il filmato aggiuntivo viene mostrato durante la sequenza a metà dei titoli di coda del film e non c’è una seconda scena dopo i titoli di coda alla fine. Ciò significa che il pubblico deve solo guardare le prime parti dei titoli di coda quando e dove guarda The Fall Guy senza temere di perdersi alcun potenziale sviluppo del franchise. Si consiglia comunque di guardare l’intera sequenza dei titoli di coda per vedere i nomi di tutti coloro che hanno lavorato al film, soprattutto dopo la scena a metà dei titoli di coda di The Fall Guy.
I titoli di coda di The Fall Guy rendono omaggio alla squadra di stuntman
Prima della scena post-titoli di coda, gli spettatori possono godersi il dietro le quinte della squadra di stuntmandi The Fall Guy mentre eseguono le varie scene d’azione. Il film è una lettera d’amore alla comunità degli stuntman sotto molti aspetti, quindi mostrare i controfigura in azione dopo la conclusione del film è un meraviglioso tributo. Ciò consente a The Fall Guy di prendersi una pausa dalla trama del film, dall’impostazione di un franchise o dal collegamento con la serie originale per mostrare l’incredibile team di stuntman che ha dato vita al film.
La scena a metà dei titoli di coda di The Fall Guy riporta in scena le star della serie TV originale
Lee Majors e Heather Thomas tornano
Il contenuto effettivo della scena a metà dei titoli di coda di The Fall Guy è l’occasione per il film di rendere omaggio alla serie TV originale. Dopo le riprese dietro le quinte delle acrobazie, i titoli di coda tornano al finale del film sul set di Metalstorm. La sequenza mostra i poliziotti che arrivano per arrestare Tom e Gail (Hannah Waddingham), con Tom che si fa saltare in aria cercando di chiamare aiuto.
È qui che la scena dei titoli di coda di The Fall Guyinclude i cameo di Lee Majors e Heather Thomas, due dei protagonisti della serie TV originale degli anni ’80.
Nella serie TV The Fall Guy, Lee Majors interpretava Colt Seavers, il ruolo che ora ricopre Ryan Gosling. Heather Thomas interpretava Jody Banks, una stuntwoman che lavorava spesso con Colt. I due erano i protagonisti della serie originale insieme a Howie Munson, interpretato da Douglas Barr. Non si sa perché Douglas Barr non si sia unito a Majors e Thomas per la comparsa. Lee Majors e Heather Thomas non riprendono i loro ruoli nella scena a metà dei titoli di codadi The Fall Guy, poiché i poliziotti che interpretano sono personaggi completamente nuovi. Inoltre, non interagiscono con le nuove versioni dei loro vecchi ruoli ora interpretati da Gosling e Blunt.
Lee Majors ha confermato che apparirà in The Fall Guy nel 2023. Majors è accreditato come The Fall Guy, mentre Thomas è accreditata come Jody Banks, anche se non sembrano essere gli stessi personaggi della serie originale.
Cosa significa la scena dopo i titoli di coda di The Fall Guy per il sequel
Lee Majors e Heather Thomas torneranno?
A differenza della maggior parte delle scene post-crediti dei potenziali franchise, la scena a metà dei titoli di coda di The Fall Guy non ha lo scopo di preparare il terreno per un sequel. Il contenuto della scena viene invece utilizzato per concludere ulteriormente la storia principale, arrivando persino a spiegare il cameo di Jason Momoa in The Fall Guy. Sembra invece che lo scopo principale del tag fosse quello di inserire i cameo di Lee Majors e Heather Thomas.
David Leitch voleva trovare un modo per rendere omaggio alle star originali e includerle nel reboot. Alla fine, il film ha optato per i cameo di entrambi a metà dei titoli di coda.
Il ritorno di Lee Majors e Heather Thomas nei titoli di coda di The Fall Guy non fa probabilmente parte di un piano che prevede ruoli più importanti per loro in un eventuale sequel. I loro nuovi personaggi di poliziotti potrebbero potenzialmente tornare per futuri cameo se venissero realizzati altri film e Colt e Jody continuassero a fare scalpore. Tuttavia, non ci si dovrebbe aspettare che Majors e Thomas abbiano ruoli più importanti in The Fall Guy 2 dopo le loro apparizioni nella scena a metà dei titoli di coda.
È piuttosto sorprendente vedere The Fall Guy utilizzare una scena a metà dei titoli di coda il cui unico scopo non è quello di preparare il terreno per futuri sequel. Questo può però giocare a favore del franchise, poiché lascia la porta aperta a ciò che potrebbe accadere in un sequel. Il primo film avrebbe potuto mettere il franchise in un vicolo cieco con un sequel più diretto nei titoli di coda. È più sicuro per la scena post-titoli di coda di The Fall Guy onorare le star della serie TV originale con cameo e aspettare di vedere se il film avrà abbastanza successo da meritare un franchise prima di stuzzicare il pubblico.
Dal 2008, il Marvel Cinematic Universe ha portato al cinema (e in tv) molti amati eroi e cattivi del mondo dei fumetti. Mentre diversi attori di alto profilo si sono uniti alla timeline dell’MCU negli ultimi due anni, il viaggio potrebbe presto concludersi per un grande beniamino dei fan.
Durante la sua recente apparizione allo Stronger Podcast, Sebastian Stan ha parlato apertamente del suo futuro con i Marvel Studios e di quanto a lungo si vede interpretare Bucky Barnes. La star candidata all’Oscar ha dichiarato: “Devo cercare di offrire qualcosa di diverso rispetto a prima”.
Stan ha continuato: “E non ho mai favorito un ruolo rispetto a un altro. Il materiale Marvel, lo sentirò sempre, fino alla fine dei tempi, [mi] ha davvero aiutato a crescere come persona e come attore, e mi ha insegnato le relazioni”. Il co-protagonista di Falcon & The Winter Soldier ha sottolineato gli aspetti chiave del suo lavoro con star come “Robert Downey [Jr.] e Scarlett [Johansson] e tutte queste persone che ammirava”.
Mentre per lui “era un lavoro. Era una famiglia e mi ha dato un senso di appartenenza, e c’è sempre stato”, Stan ha sottolineato che il suo mandato nel MCU “è stato solo il primo passo per me”. L’attore è stato visto l’ultima volta sul grande schermo nel MCU come parte del cast del film Thunderbolts*.
Il 26 marzo 2025, Sebastian Stan è stato uno dei tanti attori rivelati come parte del cast di Avengers: Doomsday durante la diretta streaming a sorpresa dei Marvel Studios per il capitolo della Fase 6. Le riprese principali di questo capitolo si sono concluse il 19 settembre 2025.
Non è noto se il Bucky di Stan farà parte del cast di Avengers: Secret Wars, poiché le riprese del finale della Fase 6 devono ancora iniziare. Ma con l’ultimo film della Saga del Multiverso che dovrebbe resettare l’MCU, il 2027 potrebbe potenzialmente essere l’ultima volta che molte star di lunga data del franchise, tra cui Sebastian Stan, interpretano i rispettivi personaggi.
Il finale di The Fall Guyrisolve i nodi irrisolti della trama e culmina con un destino scioccante per Tom Ryder. Diretto da David Leitch, il cast di The Fall Guy include Ryan Gosling ed Emily Blunt nei panni rispettivamente dello stuntman Colt Seavers e della regista esordiente Jody Moreno. Sebbene Colt l’abbia lasciata dopo l’infortunio alla schiena che ha quasi posto fine alla sua carriera, lui e Jody hanno riaccendo la loro storia d’amore alla fine del film. Colt e Jody hanno scoperto che Tom non solo era vivo, ma che lui e Gail stavano tramando un piano malvagio per attribuire le loro malefatte a Colt e uscirne indenni.
Jody e Colt reclutano l’intera squadra di stuntman che lavora al film di Jody, Metalstorm, per ottenere la confessione di Tom in modo che Colt non finisca in prigione. Gail fa del suo meglio per fermarli, ma Colt riesce a ottenere la confessione prima che lei voli via in elicottero. Nonostante i cartelli che avvertono che i cellulari sono pericolosi vicino alle aree delle acrobazie esplosive, Tom usa il suo telefono prima di essere portato via dalla polizia e finisce per farsi saltare in aria. Poco dopo, Jody finalmente finisce il suo primo film e il trailer viene presentato in anteprima al Comic-Con.
Colt e Jody smascherano il piano di Tom Ryder nel finale di The Fall Guy
Tutto ciò che accade a Colt è opera di Tom e Gail
Colt e Jody escogitano un piano per smascherare i piani di Tom e Gail usando la debolezza di Tom contro di lui.
Colt sapeva che Tom odiava che gli venisse chiesto se avesse fatto le sue acrobazie; l’attore voleva essere lodato per un lavoro che non aveva fatto. Colt pensò di lasciare che Tom dimostrasse il suo valore mettendolo al volante di un’auto da stunt, spingendolo a confessare di aver ucciso lo stuntman e di aver cercato di incastrare Colt per questo. Questo chiude il cerchio di The Fall Guy, poiché mette in pericolo la vita di Tom come lui ha fatto con Colt all’inizio del film.
Inoltre, Colt scopre che tutto, compresa la sua caduta, è successo a causa di Tom e Gail. Gail, nel frattempo, stava anche cercando di mettere zizzania tra Colt e Jody, allontanandoli ulteriormente in modo che nessuno dei due sospettasse cosa stesse succedendo. Ciò che Gail finì per fare, tuttavia, fu avvicinare Colt e Jody. I teppisti di Tom che tentarono di uccidere Colt e che furono quasi incastrati per omicidio gli fecero davvero vedere le cose in prospettiva. Questo ha insegnato a Colt ad affidarsi a Jody per chiedere aiuto invece di allontanarla.
Cosa succede a Metalstorm dopo la morte di Tom
La produzione del film non si ferma nonostante la morte di Tom
La morte di Tom ha lasciato Metalstorm senza protagonista, ma Jason Momoa ha assunto il ruolo lasciato da Tom, entrando ufficialmente a far parte del cast di The Fall Guy. Anche senza Gail come produttrice, Jody è riuscita a finire il terzo atto del film, che lo studio ha finito per amare. Con Momoa a bordo, Jody è finalmente riuscita a completare Metalstorm senza grossi intoppi, prendendo ispirazione dalla sua vita per la storia. Con il trailer presentato in anteprima al SDCC con grande energia e clamore, Metalstorm era pronto a diventare un grande successo per Jody, realizzando il suo sogno di diventare una regista d’azione.CorrelatiDove guardare The Fall Guy: orari e disponibilità in streamingIl film d’azione con Ryan Gosling ed Emily Blunt è arrivato, ed ecco dove guardare The Fall Guy con gli orari delle proiezioni nelle sale e in streaming da casa.
Perché Gail ha davvero assunto Jody per dirigere Metalstorm
Gail ha usato Jody per i propri scopi
Gail non era una semplice spettatrice nel piano di Tom; credeva semplicemente che l’attore fosse troppo importante per finire in prigione per i suoi crimini, tra cui quello di aver ferito intenzionalmente Colt durante le riprese di un’acrobazia sul set un anno prima. Jody desiderava da tempo diventare regista; aveva solo bisogno di un’occasione per mettersi alla prova. Gail le diede quell’occasione, ma solo perché credeva che Jody fosse una persona facilmente influenzabile, che avrebbe potuto manipolare a suo piacimento.
Gail utilizzò Jody anche per assicurarsi che Tom avesse un film d’azione in cui recitare, soprattutto considerando la sua storia con gli stuntman e il suo comportamento generalmente pessimo. Gail sapeva che riportare Colt sulla scena avrebbe distratto Jody, dandole più tempo per pianificare con Tom. Sfortunatamente per Gail, Jody non era così facile da influenzare. Il seme del dubbio aveva iniziato a germogliare e, nonostante fosse un po’ disillusa, Jody continuava a fidarsi più di Colt che di Gail. Alla fine di The Fall Guy, Jody aveva capito tutto e aveva dimostrato a Gail che non era una con cui scherzare.
Come The Fall Guy si collega alla serie TV originale
Due volti familiari fanno la loro comparsa
La scena a metà dei titoli di coda di The Fall Guy include due cameo di Lee Majors e Heather Thomas, i protagonisti della serie TV originale The Fall Guy. Gli attori interpretano due agenti di polizia che arrivano sulla scena dopo che The Fall Guy ha completato le scene acrobatiche. Nella serie originale, Majors interpretava Colt Seavers mentre Thomas interpretava Jody Banks, una stuntwoman che a volte lavorava con Colt. Anche se Major e Thomas non riprendono i loro ruoli originali, i loro cameo sono un bel omaggio alla serie TV degli anni ’80.
Il finale di The Fall Guy è una dedica agli stuntman
The Fall Guy non solo rende omaggio alle star della serie, ma è anche una lettera d’amore alla comunità degli stuntman. Il finale della commedia d’azione presenta filmati dietro le quinte degli stuntman reali che hanno lavorato al film. Il film stesso rende omaggio al lavoro della comunità degli stuntman di Hollywood, ma il finale di The Fall Guy è una vera e propria dedica allo sforzo che hanno profuso nel film e alle pericolose acrobazie che riescono a compiere, facendo allo stesso tempo fare bella figura agli attori. Il finale rende giustizia alla comunità degli stuntman e mette in luce il loro duro lavoro e il loro impegno.
Come il finale di The Fall Guy prepara il terreno per un sequel
Fall Guy 2 potrebbe esplorare più a fondo il mondo delle acrobazie
The Fall Guy può avere un finale definitivo, che conclude la sua storia e riunisce Colt e Jody, ma ciò non significa che il pubblico non vedrà più i personaggi. Il finale del film mostra quanto si può fare con le acrobazie, e The Fall Guy 2 potrebbe esplorare più a fondo il mondo delle acrobazie e chi ne fa parte. È possibile che Colt, come nella serie originale, diventi un cacciatore di taglie, conciliando questa attività con la sua vita di stuntman. È riuscito a uscire da una situazione in cui era stato incastrato e un sequel potrebbe vederlo mettere a frutto il suo lavoro di stuntman in altri ambiti.
Cosa hanno detto il cast e il regista di The Fall Guy riguardo a un sequel
Il finale diThe Fall Guy non anticipa direttamente un altro film, ma il regista David Leitch è sicuramente interessato a realizzare un sequel della commedia d’azione. Se dipendesse da lui, ne realizzerebbe più di uno. Parlando con Variety, Leitch ha discusso la possibilità di realizzare The Fall Guy 2. Ecco cosa ha detto:
Se il pubblico lo desidera, siamo tutti d’accordo. È stata un’esperienza fantastica per tutti. Ryan ed Emily vogliono tornare, noi vorremmo tornare. Vogliamo realizzarne cinque. È stata una delle migliori esperienze cinematografiche che abbiamo mai avuto. Facciamolo.
Emily Blunt ha condiviso un sentimento simile quando ha parlato di un potenziale sequel di The Fall Guy. Alla fine del film, il suo personaggio ha realizzato il suo sogno di finire il suo primo lungometraggio come regista, e un sequel potrebbe affrontare ciò che succede dopo per Jody. Ecco cosa ha detto Blunt sulle possibilità di un sequel (tramite Total Film):
Se potessi, farei molti Fall Guys. È stato troppo divertente.
Allo stesso tempo, la Blunt ammette che il sequel di The Fall Guy dipende davvero dagli spettatori, poiché lo studio dovrà vedere se “la gente lo ama” o meno. Ryan Gosling rivela lo stesso. Ha detto a Fast Company che lui, Blunt e Leitch “conoscono già la storia” di ciò che comporterebbe un sequel, ma che spetta al pubblico amare abbastanza il film, il che significa che The Fall Guy deve avere successo al botteghino, in modo che possano continuare a giocare nel mondo del film.
Il vero significato del finale di The Fall Guy
Il finale di The Fall Guy rende omaggio a coloro che lavorano nell’ombra di Hollywood e suggerisce che la comunità degli stuntman, proprio come qualsiasi star del cinema, dovrebbe essere sotto i riflettori. In un certo senso, la conclusione di The Fall Guy prende in giro gli attori che non danno il giusto merito ai loro controfigura. Tom passa tutto il film ad arrabbiarsi perché la gente mette in discussione le sue acrobazie, ma fa in modo che i suoi stuntman non gli rubino la scena. The Fall Guyriconosce in definitiva che gli attori non sono nulla senza le loro controfigure e la squadra di stuntman in generale, senza i quali le scene d’azione non funzionerebbero.
Inoltre, il finale di The Fall Guy è una lezione per Colt, che dopo l’infortunio si sentiva come se avesse perso una parte di sé. Colt non sapeva più chi fosse se non faceva acrobazie, ma ha imparato che chi lo amava non lo considerava inferiore per questo. Ha anche capito che non avrebbe dovuto allontanare Jody e che avere qualcuno dalla sua parte era una cosa positiva. Tutto sommato, Colt ha messo da parte il suo orgoglio alla fine di The Fall Guy ed è riuscito ad accettare l’aiuto e l’amore, il che lo ha reso una persona più forte.
Il finale di The Fall Guy include un cameo di un importante attore hollywoodiano che cattura perfettamente il tono meta del film. Il film vede Ryan Gosling nel suo attesissimo seguito al film di maggior incasso del 2023, Barbie. È anche una grande lettera d’amore e un tributo alla storia degli stuntman e delle stuntwoman di Hollywood, con diverse acrobazie spericolate e scorci della magia del cinema dietro le quinte. The Fall Guy è in parte una commedia romantica, in parte una commedia d’azione e al 100% un divertimento che piace al pubblico. Gosling brilla nel cast di The Fall Guy insieme a Emily Blunt e a un cast di supporto stellare composto da Aaron Taylor-Johnson, Hannah Waddingham e Winston Duke.
Nonostante l’accoglienza positiva della critica, The Fall Guy ha deluso al botteghino, incassando meno di 28 milioni di dollari nel weekend di apertura e un totale mondiale di 180 milioni di dollari a fronte di un budget di produzione di 125 milioni di dollari. Anche se The Fall Guy è considerato un flop al botteghino, va considerato anche il fatto che The Fall Guy è attualmente uno dei primi 20 film di maggior incasso del 2024. The Fall Guy ha anche criticato gli Oscar per la mancanza di rappresentanza degli stuntman e ha chiesto l’introduzione di una categoria ufficiale dedicata agli stuntman agli Academy Awards. Inoltre, The Fall Guy ha stabilito un nuovo Guinness World Record per il maggior numero di capriole con un’auto in uno stunt di un film.
Jason Momoa fa un cameo nel finale di The Fall Guy nei panni di se stesso
Momoa è la nuova star del film fittizio Metalstorm
Nel finale di The Fall Guy, Jason Momoa fa un’apparizione a sorpresa. Il film è incentrato sullo stuntman protagonista interpretato da Ryan Gosling, Colt Seavers, alla ricerca della star scomparsa di un film chiamato Metalstorm, diretto dal personaggio di Emily Blunt, Jody. Colt viene coinvolto in una cospirazione che porta alla rivelazione che la star scomparsa, Tom Ryder interpretato da Aaron Taylor Johnson, ha ucciso un altro stuntman. Alla fine, Ryder viene licenziato da Metalstorm e arrestato, aprendo la strada al cameo di Momoa.
Il finale di The Fall Guyrivela che Momoa è l’attore ingaggiato per sostituire Tom Ryder nel ruolo principale del film di Jody. Ciò significa che il primo interpreta una versione meta-fiction di se stesso in The Fall Guy, recitando nel film di Jody, Metalstorm. Poiché la trama di The Fall Guy è autoreferenziale, ingaggiare Momoa per interpretare se stesso si adatta perfettamente al tono del film. La spiegazione del cameo si estende anche alla scena post-crediti di The Fall Guy.
The Fall Guy ha anticipato il cameo di Momoa all’inizio del film, quando Colt trova un post-it di Ryder con scritto “È Momoa o Mamoa?”
Il cameo di Jason Momoa in The Fall Guy prepara il terreno per un ruolo nel sequel
Jason Momoa potrebbe tornare in The Fall Guy 2
Sebbene il cameo di Momoa in The Fall Guy sia di per sé una gag divertente, potrebbe anche preparare il terreno per una storia in The Fall Guy 2. Un sequel di The Fall Guy non è stato confermato, ma l’inclusione di Momoa potrebbe portare a un seguito. Il primo film era incentrato su Colt coinvolto nel dramma della vita di Ryder, qualcosa che potrebbe facilmente continuare se Momoa fosse utilizzato in un sequel. Questo non solo consentirebbe un perfetto duo sullo schermo tra Jason Momoa e Ryan Gosling, ma continuerebbe anche il meta-senso dell’umorismo di The Fall Guy.
Avere Momoa in un ruolo più importante come versione romanzata di se stesso potrebbe portare a una fantastica commedia autoreferenziale. In questo caso, The Fall Guy 2 potrebbe continuare la storia del primo film, con Colt coinvolto negli affari di un attore, anche se con il notevole cambiamento che Momoa non sarebbe il cattivo. Ciò consentirebbe a un potenziale sequel di The Fall Guy di sembrare familiare ma allo stesso tempo fresco, sfruttando al contempo l’esilarante cameo di Momoa nel primo film.
Perché Jason Momoa ha un cameo in The Fall Guy
Sostituisce il personaggio di Aaron-Taylor Johnson nel film immaginario
Jason Momoa interpreta se stesso in The Fall Guy in un momento meta-cinematografico. Viene chiamato a sostituire il personaggio immaginario della star del cinema Tom Ryder, interpretato da Aaron-Taylor Johnson, dopo che Colt Seavers, lo stuntman di Tom interpretato da Ryan Gosling, lo smaschera. Alla fine di The Fall Guy, si scopre che Tom Ryder aveva cospirato con Gail Meyer, la sua fedele e spietata produttrice, per sbarazzarsi di Colt, geloso del fatto che questi gli rubasse la scena durante la produzione del film d’azione fantascientifico immaginario di Jody Moreno, Metalstorm. Dopo che Colt trova Tom, che è “scomparso” sullo yacht di Gail, viene incastrato e quasi ucciso, ma alla fine fa pagare sia Tom che Gail.
Momoa, che è una delle star di grande nome nel blockbuster fantascientifico di Denis Villeneuve del 2021 Dune, sostituisce Tom Ryder dopo che questi viene licenziato dal film di Jody una volta scoperto il complotto suo e di Gail. The Fall Guy si conclude con Tom che muore in un’esplosione e Gail che probabilmente dovrà affrontare accuse penali grazie alla pronta reazione dei personaggi dei poliziotti interpretati da Lee Majors e Heather Thomas, che negli anni ’80 hanno recitato rispettivamente nei panni di Colt e Jody nella serie televisiva Fall Guy. Metalstorm ha già elementi satirici di Dune con i suoi temi fantascientifici e l’ambientazione desertica, il che rende Momoa una scelta esilarante e azzeccata per interpretare il ruolo di Tom nel film fittizio all’interno del film.CorrelatiContinuo a sperare in The Fall Guy 2, affinché la sfortuna di Ryan Gosling ed Emily Blunt con i franchise finiscaThe Fall Guy avrebbe dovuto lanciare un franchise d’azione per Ryan Gosling ed Emily Blunt, e spero che il sequel venga realizzato per porre fine alla loro sfortuna.
Cosa ha detto Jason Momoa sul suo cameo in The Fall Guy
Momoa ha promosso il suo film nel film sui social media
Momoa ha utilizzato Instagram per promuovere The Fall Guy in occasione dell’uscita del film nelle sale all’inizio di maggio 2024. Con il suo nome utente “prideofgypsies” in un post congiunto con “thefallguymovie”, ‘davidmleitch’ e “87northaction”, Momoa ha pubblicato un trailer di Metalstorm che mostrava il suo personaggio vestito in abiti western mentre sparava agli extraterrestri in un deserto polveroso. Momoa ha scritto nella didascalia:
È MOMOA, non MAMOA.
Mahalos Kelly McCormick @kmc_87n e David Leitch @davidmleitch per avermi invitato a partecipare🤍
TUTTI DEVONO VEDERE @thefallguymovie ORA, questo film è il motivo per cui amiamo i film: amore, risate, qualche lacrima e ACROBAZIE, acrobazie da Guinness dei primati una dopo l’altra.
È ora di tornare al cinema. Aloha J
Sebbene Momoa appaia solo per pochi istanti in The Fall Guy, la sua presenza a sorpresa è una delle migliori battute dell’intero film.
Dan Trachtenberg ha dato nuova vita al franchise di Predator, e c’è un personaggio originale che vorrebbe riportare in auge. Da quando si è unito alla serie d’azione fantascientifica con l’acclamato Prey, il regista ha offerto diversi spunti sulla tradizione che circonda la razza aliena omonima, tra cui l’antologia plurisecolare Killer of Killers e l’ambientazione cosmica Badlands.
Ora, in un’intervista con Ash Crossan di ScreenRant per l’uscita di Predator: Badlands, a Trachtenberg è stato chiesto quale personaggio del passato del franchise vorrebbe riportare in vita. Ridendo mentre ammette che la maggior parte sono stati “uccisi in modo piuttosto raccapricciante e brutale” da vari Yautja, ha espresso il suo amore per Billy, interpretato da Sonny Landham nell’originale, pur riconoscendo che lui e il suo team hanno “riportato in vita molti dei nostri personaggi preferiti o hanno creato le condizioni per riportarli in vita”.
La stile di Dan Trachtenberg
Nei suoi tre capitoli, Dan Trachtenberg ha portato un mix di nostalgia e originalità ai suoi film Predator.Prey ha utilizzato ritmi familiari dell’originale con Arnold Schwarzenegger, esplorando al contempo un’epoca e un gruppo di personaggi principali diversi con la sua tribù Comanche, mentre Killer of Killers ha presentato personaggi resilienti che si scontrano con gli Yautja.
Quest’ultimo film, tuttavia, è il più vicino che il franchise abbia mai visto al ritorno di personaggi principali oltre all’alieno del titolo. Il finale di Predator: Killer of Killers ha visto Naru (Amber Midthunder), Mike Harrigan (Danny Glover) e Dutch (Schwarzenegger) tutti in animazione sospesa, aprendo la strada a un loro ritorno in futuro, il primo dei quali era già atteso, dato che negli anni successivi si sono susseguite voci su Prey 2.
Per quanto riguarda Dan Trachtenberg, riportare Billy in vita in una futura storia di Predator è complicato dopo la morte del personaggio nell’originale. Come molte delle vittime degli Yautja, Billy è stato scuoiato e gli sono stati rimossi la spina dorsale e il cranio come trofeo. A questo si aggiunge la scomparsa di Landham nel 2017, a meno che Trachtenberg non cerchi di mostrare conversazioni allucinatorie tra Billy e Dutch, il suo ritorno sarà un’impresa ancora più ardua.
Il prossimo film della saga di Star Wars, Star Wars: Starfighter, è diretto da Shawn Levy e l’uscita nelle sale è prevista per il 28 maggio 2027. Il cast include Ryan Gosling, Flynn Gray, Mia Goth, Aaron Pierre, Simon Bird, Jamael Westman, Daniel Ings, Amy Adams e Matt Smith. Il 28 agosto Lucasfilm ha annunciato l’inizio delle riprese nel Regno Unito, confermando il cast e rivelando una foto in bianco e nero di Gosling e Gray sul set. Sebbene i dettagli della trama e dei personaggi siano ancora segreti, è stato confermato che si tratterà di una storia autonoma ambientata negli anni successivi a L’ascesa di Skywalker.
Ora, durante una conversazione con l’attrice Genevieve Gaunt nella boutique di Paul Smith a Mayfair (tramite A Rabbit’s Foot), l’attore Matt Smith ha rivelato che inizierà le riprese di Starfighter a dicembre. Ha anche parlato di come sta lavorando per definire il costume e l’aspetto generale del suo personaggio. “Sto affrontando questo processo ora per il lavoro che sto per fare. Stiamo cercando di trovare un costume, e a volte non sai se ti piace un costume finché non lo indossi per un paio di giorni”.
“Sto per girare Star Wars a dicembre e stiamo cercando di sviluppare il look per quel film“, ha poi aggiunto l’attore. Quando è stata diffusa la notizia che Smith avrebbe recitato in Star Wars: Starfighter, è stato riferito che avrebbe interpretato un cattivo, e anche Goth avrebbe interpretato un cattivo. Tuttavia, dato che Smith inizierà le riprese solo a dicembre e che il prossimo film di Star Wars è in produzione da agosto, il suo ruolo potrebbe essere meno importante di quanto inizialmente previsto.
Come per ogni cattivo di Star Wars, il costume e l’estetica generale sono essenziali. Prima che Smith inizi le riprese, si sta dunque dedicando del tempo alla finalizzazione di questi elementi. Finora, le uniche foto dal set rilasciate mostrano i personaggi di Gosling e Gray, con un’immagine di loro in mare svelata poche settimane dopo la prima immagine in bianco e nero. Al momento, però, on ci sono ancora state anteprime di Smith, Goth o di qualsiasi altro attore coinvolto nel film.
Cosa sappiamo di Star Wars: Starfighter
Il prossimo film di Star Wars è descritto come un capitolo autonomo dell’iconica saga fantascientifica che si svolgerà cinque anni dopo gli eventi di L’ascesa di Skywalker del 2019. Oltre a Ryan Goslingnel cast ritroviamo Amy Adams, Aaron Pierre, Flynn Gray, Simon Bird, Jamael Westman e Daniel Ings. Gli attori Matt Smithe Mia Goth interpreteranno invece due antagonisti nel film.
Finora, la trama del prossimo film di Star Wars è rimasta segreta. Tuttavia, l’immagine condivisa nel post dell’annuncio sembra suggerire che il personaggio di Ryan Gosling sarà in qualche modo una figura protettrice o mentore del personaggio interpretato da Flynn Gray. Questo evocherebbe una relazione adulto-bambino che è comune in tutta la saga di Star Wars ed è stata al centro di episodi come The Mandalorian, Obi-Wan Kenobi, Skeleton Crew e La minaccia fantasma.
Prima che Predator: Badlands diventasse un team tra Yautja e sitetici Weyland-Yutani, il regista Dan Trachtenberg aveva altre idee entusiasmanti su come rendere, per la prima volta nella storia del franchise, il Predator come protagonista. A un certo punto, tra queste idee, c’era persino una potenziale ambientazione durante la Seconda Guerra Mondiale, un richiamo alle radici paramilitari del film Predator del 1987.
In un’intervista con Ash Crossan di ScreenRant, il regista Dan Trachtenberg ha rivelato che una delle prime idee scartate per Predator: Badlands avrebbe visto gli Yautja affrontare i nazisti. L’idea è nata dal tentativo di Trachtenberg di capire come trasformare il Predator in eroe, il che, se avesse optato per la vittoria degli Yautja contro gli umani, avrebbe significato trovare un gruppo di cattivi per cui il pubblico non avrebbe fatto il tifo:
“In realtà è nato dal tentativo di capire cosa avesse fatto il franchise in precedenza. C’era questo sentimento diffuso tra i fan: ‘Perché il Predator viene sempre massacrato?’. Dovrebbe essere il più grande cacciatore della galassia e lo vediamo sempre perdere!
Così ho cercato di immaginare una storia che abbracciasse la domanda ‘E se vincesse il Predator?’. Ma non volevo solo fare uno slasher in cui alla fine vince il cattivo. All’inizio, pensavo: ‘Beh, forse potrebbe essere lui contro i nazisti o qualcosa del genere’, ma niente di tutto ciò ha funzionato davvero finché non ho trovato il mio equilibrio nel renderlo su un Predator in un clan follemente intenso e brutale che cerca di dimostrare il suo valore.”
Il codice Yautja di Predator li obbliga a dare la caccia agli assassini più pericolosi per ottenere la massima gloria, il che ha portato a una varietà di prede in tutto il franchise. Tra queste, la squadra paramilitare di Predator, la polizia e i cartelli della droga di Predator 2, vari killer esperti in Predators, soldati con disturbo da stress post-traumatico in The Predator, cacciatori Comanche e commercianti di pellicce francesi in Prey e guerrieri di varie epoche in Predator: Killer of Killers. Tuttavia, c’è sempre stato un motivo per tifare almeno per la maggior parte dei personaggi umani.
I progetti di Hollywood sulla caccia ai nazisti come Bastardi senza gloria, Sisu e Hunters di Prime Video hanno riscosso una comprovata popolarità nel corso degli anni, ed è un concetto che si adatterebbe facilmente alla premessa generale di “killer of killers” del franchise di Predator. Sebbene il personale militare abbia spesso avuto un ruolo, sorprende che Predator non abbia ancora presentato un film ambientato nella Prima o Seconda Guerra Mondiale per i territori di caccia degli Yautja.
Tuttavia, Predator: Killer of Killers ha effettivamente toccato l’argomento della Seconda Guerra Mondiale nella sezione “The Bullet” del film antologico. Ambientata nel 1942, quella storia animata era incentrata su un pilota di caccia della Marina statunitense coinvolto in una battaglia con il Pilot Predator che attaccava entrambe le fazioni in guerra. Pertanto, sebbene abbiamo visto brevemente uno Yautja inserirsi in una battaglia in corso, non lo abbiamo mai visto prendere di mira una singola truppa nel mezzo di una delle due guerre mondiali per un intero lungometraggio.
Sebbene Dan Trachtenberg abbia in programma un altro film di Predator dopo Badlands, sembra improbabile che un film live-action sulla caccia ai nazisti durante la Seconda Guerra Mondiale con gli Yautja possa concretizzarsi a breve. Trachtenberg si è concentrato sul portare il franchise dove non è mai stato prima, quindi il prossimo capitolo probabilmente presenterà una premessa con una direzione completamente diversa da quella che avrebbe potuto dare a Badlands.
Alla fine, Trachtenberg ha trovato l’idea giusta per Badlands: immergersi profondamente nella cultura Yautja, trasformare Predator in un protagonista con tratti distintivi e una storia da sfavorito con cui il pubblico può identificarsi, ed evitare di sminuire il suo ruolo eroico rifiutando di includere personaggi umani.
Netflix ha pubblicato il trailer ufficiale di The Abandons, la nuova serie originale che debutterà sulla piattaforma il 4 dicembre 2025. Creata da Kurt Sutter, già autore di Sons of Anarchy, la serie si preannuncia come un dramma western epico e spietato, ambientato nel cuore dell’Ottocento americano e costruito attorno al conflitto tra due famiglie destinate a scontrarsi per il potere, la terra e la sopravvivenza.
La storia di The Abandons ruota intorno a una comunità di pionieri che, ai margini della civiltà, tenta di costruire una nuova vita tra violenza, avidità e ingiustizia. Ma quando le autorità locali e i ricchi proprietari terrieri minacciano di strappar loro tutto, i protagonisti si troveranno costretti a combattere per difendere ciò che amano. Al centro della narrazione due donne forti e carismatiche: Lena Headey, celebre per il ruolo di Cersei Lannister in Game of Thrones, e Gillian Anderson, indimenticabile interprete di The X-Files e The Crown. Le due attrici guidano un cast corale in un racconto di frontiera che esplora la linea sottile tra giustizia e vendetta.
Descritta come una saga “dei ricchi e dei poveri”, The Abandons mette in scena una lotta di classe ambientata nel selvaggio West, unendo il linguaggio visivo del cinema alla profondità emotiva del grande racconto televisivo. Il trailer lascia intravedere paesaggi spettacolari, tensione crescente e una fotografia cinematografica che restituisce tutta la brutalità e la bellezza di un’epoca di frontiera.
Con la regia e la scrittura di Sutter, e due protagoniste d’eccezione, The Abandons si candida a essere uno dei titoli più attesi del catalogo Netflix di fine anno: una storia di potere, famiglia e ribellione che promette di ridefinire il western moderno.
Sono arrivate le prime reazioni aThe Running Man, il film diretto da Edgar Wright e tratto dal romanzo di Stephen King del 1982. La storia segue Ben Richards (Glen Powell), che partecipa a un gioco televisivo mortale chiamato The Running Man, dove lotta per sopravvivere mentre i Cacciatori cercano di trovarlo e ucciderlo.
A poco più di una settimana dall’uscita nelle sale, i critici hanno potuto vedere The Running Man in anteprima, e il consenso generale è che il film è all’altezza delle aspettative. Perri Nemiroff di Collider elogia l’adattamento per essere “più fedele” al materiale originale rispetto alla versione del 1987 con Arnold Schwarzenegger e per concludere in bellezza un anno stellare di adattamenti di King.
Rachel Leishman di The Mary Sue dichiara che “Edgar Wright ha davvero catturato la magia” e ha realizzato “un classico istantaneo” con la sua versione “ricca di azione ed emozioni” del romanzo di King. Jimmy O di JoBlo elogia la performance di Powell e osserva che questo adattamento è “molto diverso” dalla versione del 1987. Riconosce che “è un po’ troppo lungo e con troppi personaggi”, ma riesce comunque a essere “un film che piace al pubblico”.
Kathy Paz di WSVN 7News sottolinea invece la “performance potente” di Powell e il modo in cui rende Richards un protagonista di Stephen King per cui vale la pena tifare, sottolineando anche che il film è “emozionante e adrenalinico, dall’inizio alla fine”. Andrew Korpan di ClutchPoints è impressionato da come questo adattamento migliori il materiale originale, poiché Wright “ha tagliato le parti più deboli del libro e ha persino apportato modifiche e miglioramenti” e “Glen Powell conferisce maggiore umanità a Ben Richards”.
Uno dei punti ricorrenti in queste reazioni è la forza della performance da protagonista di Powell. Sembra non solo rendere giustizia al personaggio di Ben, ma riesce persino a renderlo più umano e degno di essere tifato rispetto al romanzo originale di King. La regia di Wright riceve elogi simili, senza lasciare dubbi sul fatto che il suo approccio funzioni meglio rispetto al film del 1987.
Per quanto impressionanti siano la performance di Powell e la regia di Wright, sembra però esserci il problema che il cast di The Running Man ha troppi personaggi in un film potenzialmente troppo lungo. Oltre a Powell, il cast include Colman Domingo, Josh Brolin, Lee Pace, Jayme Lawson, Michael Cera, William H. Macy, David Zayas e Katy O’Brian.
Con una durata di 2 ore e 13 minuti, non è lungo come molti blockbuster moderni, e non tutti i critici hanno sollevato questioni sul ritmo, compresi quelli che lo hanno trovato forte dall’inizio alla fine. Le reazioni estremamente positive fanno dunque ben sperare per ulteriori recensioni positive prima dell’uscita di The Running Man nelle sale il 13 novembre, insieme alle possibilità che il film diventi un successo al botteghino.
Il creatore di Stranger Things ha appena difeso il calendario di uscita della prossima stagione finale. L’attesa per la quinta stagione di Stranger Things è alle stelle, ma la popolare piattaforma di streaming ha deciso di pubblicare la stagione in tre parti, in concomitanza con tre importanti festività, una scelta che è stata oggetto di critiche.
I primi quattro episodi saranno pubblicati il giorno prima del Ringraziamento, i tre episodi successivi il giorno di Natale e il finale della serie è previsto per la vigilia di Capodanno.
Durante la promozione dell’ultima stagione, il co-creatore di Stranger Things, Ross Duffer, ha difeso Netflix riguardo al piano di uscita in tre parti. Ha ammesso alla rivista SFX Magazine (tramite GamesRadar) di non essere a conoscenza della decisione della piattaforma di streaming di dividere la quarta stagione in due parti, cosa che ha attribuito alla pandemia di COVID-19 e non ai dirigenti di Netflix.
Il programma è stato creato in modo che gli episodi potessero essere pubblicati il prima possibile.
Tuttavia, il programma di pubblicazione in tre parti della quinta stagione di Stranger Things era stato pianificato in anticipo e Duffer ne era a conoscenza ben prima dell’inizio della produzione, il che ha aiutato lui e il co-creatore Matt Duffer a costruire la trama attorno al programma.
Ad esempio, Duffer definisce il Volume 1 (i primi quattro episodi) un “mega-film” con “un proprio climax”. Il finale di metà stagione, ovvero l’episodio 4, si è rivelato l’episodio “più impegnativo”, ancora più del finale della serie, che di per sé era il “più difficile” a “livello emotivo”.
Parlando del finale, Duffer ha ammesso di non piangere molto “se non quando guarda i film della Pixar”, ma la produzione del finale della serie ha fatto piangere il co-showrunner numerose volte durante il processo.
Sono anche entusiasta del primo volume perché, nella quarta stagione, non sapevamo che sarebbe stato diviso in due. Non è colpa di Netflix, non è colpa di nessuno. C’è stata la pandemia e abbiamo finito per dividerla in due in modo da poter pubblicare gli episodi prima. Ma questa volta sapevamo che l’avremmo divisa in due, quindi è davvero in due parti. Il volume uno è davvero un mega-film a sé stante. Ha un suo climax.
L’episodio quattro è stato il più impegnativo che abbiamo mai realizzato, compreso il finale, anche se a livello emotivo il finale è stato il più difficile. Non so quanti giorni mi sono ritrovato a piangere, e non sono una persona che piange molto spesso, a parte quando guardo i film della Pixar.
Foto Credits Netflix
La maggior parte delle serie Netflix rilascia un’intera stagione in una volta sola, un modello che è diventato noto come binge-watching. Questo è stato il modello seguito dalle prime tre stagioni di Stranger Things.
Tuttavia, la stagione 4 è stata divisa in due parti, con il Volume 1 pubblicato il 27 maggio e il Volume 2 in uscita il 1° luglio. Come ha detto Duffer, l’unico motivo per cui hanno adottato questo programma è stato quello di consentire al pubblico di tornare a guardare Stranger Things il più presto possibile dopo i ritardi causati dalla pandemia.
La stagione 5 di Stranger Things seguirà un programma di pubblicazione in più parti simile. La differenza principale questa volta è che il finale della serie avrà una data di uscita propria, il 31 dicembre, insieme a un’uscita simultanea nelle sale cinematografiche.
Un altro cambiamento unico per la stagione finale è l’orario di uscita. La maggior parte dei programmi Netflix esce a mezzanotte, ora del Pacifico, ma ogni serie di episodi, compreso il finale della serie, della stagione 5 di Stranger Things sarà disponibile in streaming a partire dalle 20:00 ET/17:00 PT.
Negli ultimi anni, Netflix ha sperimentato diversi modelli di distribuzione. La seconda stagione di Wednesday, ad esempio, è stata divisa in due parti, con gli ultimi quattro episodi distribuiti circa un mese dopo i primi quattro. Netflix ha ricevuto molte critiche sui social media per questa strategia di programmazione, e le reazioni negative sono state riprese per Stranger Things.
Gli spettatori televisivi sono solitamente abituati a due formule: la pubblicazione dell’intera stagione in una volta sola e la pubblicazione di un episodio alla settimana (come sulle reti televisive tradizionali). Sembra che molti abbonati ai servizi di streaming non siano soddisfatti delle programmazioni in due o tre parti.
Stranger Things Stagione 5, i dettagli
Il cast della quinta stagione vedrà il ritorno di tutti i volti principali. Millie Bobby Brown sarà ancora Undici, pronta a usare i suoi poteri in una battaglia decisiva. Fanno poi parte del cast Finn Wolfhard (Mike), Noah Schnapp (Will), Gaten Matarazzo (Dustin), Caleb McLaughlin (Lucas), Sadie Sink (Max) e Natalia Dyer (Nancy), Joe Keery (Steve), Charlie Heaton (Jonathan), Maya Hawke (Robin), Winona Ryder(Joyce) e David Harbour (Hopper). Grande attesa anche per il ritorno di Jamie Campbell Bower nel ruolo di Vecna/Henry, ancora più potente e vendicativo.
La star di American Horror StorySarah Paulson ha rivelato quale stagione della serie antologica horror di Ryan Murphy non le è piaciuta molto. Sebbene la puntata fosse popolare tra molti fan, l’attrice ha detto che semplicemente non faceva per lei.
Nel programma di Andy Cohen Watch What Happens Live, a Paulson è stato chiesto quale stagione di American Horror Story fosse quella che le era piaciuta meno. La veterana della serie ha esitato a rispondere all’inizio: “Sarà controverso perché molte persone lo adorano”. Tuttavia, alla fine ha deciso di rivelare quale delle 12 stagioni esistenti avrebbe potuto fare a meno, Roanoke.
Roanoke è il sesto capitolo della serie horror. Girava attorno alla colonia reale di Roanoke (ora Outer Banks della Carolina del Nord) che scomparve tra il 1587 e il 1590. La prima metà della stagione è stata pubblicata come un mockumentary, My Roanoke Nightmare.Raccontava le attività paranormali che tormentavano una coppia nella loro casa nella Carolina del Nord.
La seconda metà era uno show di follow-up intitolato Return to Roanoke: Three Days in Hell. Essenzialmente era presentato come un film found footage con il cast del documentario originale. E, nel tipico stile di American Horror Story, gli attori iniziano lentamente a sperimentare attività soprannaturali reali mentre i confini tra realtà e finzione si confondono.
Roanoke vedeva la partecipazione di moltiveterani di American Horror Story, come Paulson, Kathy Bates, Lily Rabe, Evan Peters, Angela Bassett, Denis O’Hare, Wes Bentley e Cheyenne Jackson. Sono presenti anche alcuni nuovi arrivati nella serie, Cuba Gooding Jr. e Andre Holland.
Un’altra rivelazione sorprendente su Watch What Happens Live è che, a quanto pare, né Cohen né Paulson sapevano che Murphy avesse già annunciato il cast della tredicesima stagione di American Horror Story. Il conduttore ha chiesto all’attrice se avrebbe mai preso in considerazione l’idea di tornare nella serie, e lei ha risposto di sì. Cohen le ha poi chiesto se avrebbe partecipato alla prossima stagione, e lei ha risposto: “Forse”.
Il finale della settima stagione ha portato alla conclusione la longeva serie fantasy della ABC Once upon a time (C’era una volta): ecco cosa è successo nell’ultimo episodio. Le prime sei stagioni di Once upon a time (C’era una volta) erano incentrate su Emma Swan e sulla strana e meravigliosa cittadina di Storybrooke, nel Maine, ma la serie ha preso una nuova direzione dopo che la maggior parte dei personaggi ha ottenuto il proprio lieto fine con la rimozione dell’ennesima maledizione nel finale della sesta stagione.
La settima stagione di Once upon a time (C’era una volta) è stata una sorta di soft reboot, con la maggior parte del cast originale che ha lasciato la serie. L’attenzione si è spostata su Henry Mills, ormai adulto, che vive sotto una nuova maledizione nel quartiere Hyperion Heights di Seattle, e sugli sforzi di sua figlia Lucy per aiutarlo a ricordare chi è veramente.
Negli episodi che precedono il finale della settima stagione, è stato rivelato un altro colpo di scena di Once upon a time (C’era una volta): Eloise (alias Madre Gothel) aveva lanciato una maledizione che ha riportato indietro nel tempo i personaggi. Ciò significa che la linea temporale della settima stagione si svolgeva in realtà in concomitanza con gli eventi del primo episodio della settima stagione, in cui il giovane Henry viveva ancora a Storybrooke.
Henry rompe la maledizione e si ricongiunge con Lucy e sua moglie Ella, ma i festeggiamenti durano poco con l’arrivo di Rumplestiltskin dal Regno dei Desideri, che porta via la sua famiglia nel Regno dei Desideri. Nell’episodio finale di Once upon a time (C’era una volta), “Leaving Storybrooke”, viene rivelato che Rumple del Regno dei Desideri intende mandare tutti in regni separati per vivere finali infelici con l’aiuto del giovane Sir Henry, con cui ha stretto un accordo.
Nel frattempo, Henry adulto è bloccato in una prigione a forma di palla di neve con Lucy, Ella, Hook e Weaver, ma vengono liberati con l’aiuto di Robin e Alice. Il vendicativo Sir Henry vuole la testa di Regina, di cui ha bisogno per aiutare Rumple del Regno dei Desideri a condannare i personaggi a un finale infelice. Regina e il giovane Henry si affrontano in un duello con la spada che apre i portali verso i regni separati, ma fortunatamente Regina riesce a convincere Henry che lo ama, riportandolo alla ragione e chiudendo i portali.
In un altro momento del finale di Once upon a time (C’era una volta), Hook salva sua figlia Alice dall’essere risucchiata nel portale, ma l’eroica azione riempie il suo cuore di veleno, con grande gioia di Rumple del Regno dei Desideri, che sfida il suo alter ego Weaver a distruggerlo. Weaver strappa il proprio cuore e lo dà a Hook, riportandolo indietro dall’orlo della morte e distruggendo sia Rumple del Regno dei Desideri che Weaver, che finalmente si ricongiunge con Belle nell’aldilà.
Con il malvagio Rumplestiltskin sconfitto, Regina lancia un’altra maledizione, ma questa volta per amore, che unisce tutti i regni delle fiabe a Storybrooke. Le scene finali del finale della settima stagione di Once upon a time (C’era una volta) sono ambientate qualche tempo dopo e vedono Regina sorpresa da un’incoronazione che rivela che i cittadini dei vari regni hanno deciso di incoronarla Regina Buona dei Regni Uniti, ottenendo finalmente il suo lieto fine.
Aggregate Films e August Night stanno producendo il film di genere crime Evil Genius, con Patricia Arquette eDavid Harbour come protagonisti e Courteney Cox alla regia. Ispirato all’acclamata serie di documentari true crime di Barbara Schroeder e Trey Borzillieri, la sceneggiatura è stata scritta da Courtenay Miles, candidata al WGA.
Il film esplora la vera storia del famigerato caso del “pizza bomber”, che si addentra nella storia più profondamente umana dell’inganno, della disperazione e del confine tra vittima e criminale. Nel cast figurano anche Michael Chernus, Garrett Dillahunt, Danielle MacDonald, Tom McCarthy, Gregory Alan Williams, Ryan Eggold, Owen Teague e Harlow Jane.
August Night finanzierà e produrrà il film con Jason Bateman, Michael Costigan e John Buderwitz con la loro Aggregate Films. Cox è anche produttrice. La produzione è attualmente in corso nel New Jersey.
“Sono rimasto affascinato da Evil Genius fin dalla prima volta che ho visto il documentario”, ha detto Courteney Cox. “È più strano della finzione. A tratti è cupamente divertente, ma allo stesso tempo profondamente emozionante. Una storia d’amore, solitudine, manipolazione e di persone ai margini che vengono trascinate in qualcosa di molto più grande di loro”.
Il regista di Predator: Badlands, Dan Trachtenberg, ha spiegato come il montaggio finale abbia sbalordito James Cameron dopo un’incredibile conversazione tra i due. La storia di Predator: Badlands porta il franchise in una direzione completamente nuova, concentrandosi su un giovane Yautja caduto in disgrazia di nome Dek, alla ricerca di una famosa bestia da uccidere per dimostrare il suo valore alla famiglia.
Il concetto di un Predator come protagonista è unico per il franchise. Ma è un’idea che Trachtenberg è stato incoraggiato da Cameron a perseguire. Parlando con The Hollywood Reporter, il regista ha spiegato come ha contattato Cameron per la sua idea di Predator: Badlands prima dell’inizio dello sviluppo. Il regista più esperto lo incoraggiò a perseguire l’idea, dicendo che pensava potesse funzionare:
“Mi considero incredibilmente fortunato, e probabilmente è in gran parte merito del fatto che entrambi abbiamo girato film con gli stessi collaboratori alla 20th Century Fox. Lui vide Prey e gli piacque molto, quindi eravamo rimasti in contatto. E quando andai in Nuova Zelanda per iniziare a preparare Badlands, mi invitò a vedere cosa stava facendo a Wellington. Così trascorsi un po’ di tempo con lui sul set e in sala montaggio [di Avatar: Fuoco e Cenere]. In sala montaggio, gli raccontai la cosa folle che stavamo facendo, il modo folle in cui la stavamo facendo, e quanto sarebbe stata una novità assoluta per il franchise e una novità per me come regista.
Poi andammo a cena separatamente, e quando entrò e si sedette, disse: “Stavo solo pensando a quello che stai facendo, e penso che funzionerà”. Così, con tutto quel vento in poppa, sono tornato ad Auckland per dirlo alla mia troupe. La benedizione di quell’uomo, che ha affrontato sfide davvero impossibili e le ha portate a termine, è stata assolutamente incredibile.”
Tuttavia, solo quando Trachtenberg ha mostrato il montaggio finale a Cameron, questi ha rivelato di non essere stato molto sicuro del film all’inizio. Ma ha detto a Trachtenberg di “avercela fatta”. Il regista di Predator: Badlands ha paragonato la dichiarazione di Cameron a qualcosa che aveva bisogno di sentirsi dire in quel momento per rendere il film il migliore possibile:
“Poi abbiamo condiviso il montaggio con lui quando non era ancora pronto. C’erano alcune domande specifiche che avevo in mente e volevo vedere se poteva darci qualche suggerimento utile. Così ha visto il film un paio di mesi fa e mi ha detto: “Devo essere onesto con te. Quando ho sentito per la prima volta cosa stavi facendo, non pensavo che avrebbe funzionato. Ma santo cielo, ce l’hai fatta.” O non ricordava quella prima conversazione che per me ha significato molto, oppure sa davvero cosa ha bisogno di sentirsi dire da qualcuno nella mia posizione per ottenere risultati. Credo che sia più quest’ultima ipotesi. Quindi ci ha dato la carica al momento giusto, e ho dovuto assicurarmi di ringraziarlo in modo speciale.”
La storia di Trachtenberg indica che il regista di Avatar: Fuoco e Cenere voleva incoraggiarlo con Predator: Badlands, perseguendo l’idea nonostante il rischio che comportava. Il film è un punto di forza della saga, sia per il personaggio principale Yautja, sia per la sua classificazione PG-13. Affronta anche elementi fantascientifici più intensi rispetto a qualsiasi altro film precedente.
La visione di Trachtenberg per il franchise di Predator lo ha portato in direzioni molto diverse e uniche. Dall’ambientazione di Prey nel 1700 a Predator: Killer of Killers che evidenzia vari momenti storici attraverso un’antologia animata connessa, il regista ha trasformato la serie in un franchise di fantascienza unico. L’incoraggiamento di Cameron per Badlands ha senza dubbio contribuito a questa impresa più ampia.
Con l’uscita di Predator: Badlands ormai alle porte, il sigillo di approvazione di Cameron aumenta l’attesa per un capitolo già di per sé eccezionale del franchise. Dato che Trachtenberg è apparentemente riuscito a sfruttare al meglio le qualità uniche del film, sembra che sarà un capitolo memorabile e adrenalinico della serie di fantascienza. Potrebbe persino aprire le porte a storie più avvincenti e originali in futuro.
Il film Serenity – L’isola dell’inganno spiegava che nulla era come sembrava e si concludeva con un finale a sorpresa diverso da quasi tutti gli altri. Il film di Steven Knight, stroncato dalla critica, sembrava un thriller tradizionale, ma un colpo di scena nell’atto finale sconvolge la struttura narrativa. Serenity – L’isola dell’inganno inizia con un primo piano degli occhi di un ragazzino, e da lì l’attenzione si sposta immediatamente su Matthew McConaughey nei panni di Baker Dill, una guida di pesca. Quando l’ex moglie di Baker, Karen (Anne Hathaway), si presenta, gli fa un’offerta che lui non può rifiutare.
Vuole che Baker uccida il suo marito violento, Frank (Jason Clarke), durante una battuta di pesca programmata. Baker è più interessato a essere un buon padre per suo figlio e a comunicare con lui attraverso mezzi apparentemente telepatici. Dati gli elementi noir di Serenity – L’isola dell’inganno, la narrazione suggerisce che il libero arbitrio di Baker determina in ultima analisi il risultato. Tuttavia, il colpo di scena principale è che Baker è controllato da qualcun altro e che Plymouth Island è una simulazione al computer. In questo mondo, Serenity – L’isola dell’inganno non è solo una barca e Justice non è solo un pesce.
Serenity – L’isola dell’inganno parla di un videogioco di pesca ricodificato per vendetta
Il figlio di Baker ha creato il gioco basandosi sui ricordi di suo padre
In tutto Serenity – L’isola dell’inganno, Baker parla con suo figlio assente, suggerendo che esiste un forte legame tra loro e che alla fine si riuniranno; un’immagine surreale di Baker che incontra un ragazzo sott’acqua si allinea con la sua storia. Nel frattempo, il nemico di Baker, Frank, parla del suo figliastro e di come gli piaccia giocare ai videogiochi, con il film che taglia ripetutamente su un adolescente che crea un codice nella sua stanza (mentre gli adulti litigano nelle vicinanze).
La carta jolly di Serenity – L’isola dell’inganno è il misterioso uomo d’affari interpretato da Strong, Reid Miller. Durante una notte di pioggia battente, raggiunge Baker e, dopo aver bevuto un po’ di alcol, gli rivela un’informazione cruciale. Il suo obiettivo principale è vendere a Baker una nuova attrezzatura da pesca, ma prima gli offre una prova gratuita. Quando Baker insiste con Reid sulle sue intenzioni, lui esclama: “Io sono le regole”. Alla fine, Baker scopre di vivere in un mondo videoludico creato da suo figlio Patrick (Rafael Sayegh).
La compulsione di Baker per la pesca è solo un tratto del suo carattere, un pezzo di codice informatico.
L’obiettivo principale viene modificato. La compulsione di Baker per la pesca è solo un tratto del suo carattere, un pezzo di codice informatico. Patrick decide di cambiare drasticamente “le regole” per realizzare la fantasia di uccidere il suo patrigno violento nella vita reale. Nella simulazione, il protagonista Baker, ora consapevole di sé, è destabilizzato dal codice in continua evoluzione, senza sapere se pescare o uccidere. Una volta che Patrick completa il nuovo codice, Baker esegue il comando.
È in parte aiutato da un nuovo personaggio che sembra essere una versione simulata del creatore del videogioco: Patrick. In Serenity – L’isola dell’inganno, Baker trova Justice e Frank, la versione simulata del patrigno di Patrick, intraprende un viaggio finale verso Justice. Ma questa non è la rivelazione finale di Serenity: l’ispirazione nella vita reale di Baker, il padre di Patrick, è deceduto. È stato ucciso durante il servizio militare in Iraq. Baker rappresenta una versione idealizzata di ciò che avrebbe potuto essere.
Patrick uccide il suo patrigno nella realtà alla fine di Serenity – L’isola dell’inganno
Patrick pugnala l’uomo con un coltello
Per la maggior parte di Serenity – L’isola dell’inganno, Patrick usa il libero arbitrio in un mondo di sua creazione. Agli occhi dello spettatore, può sembrare un ragazzo impotente, costretto a sopportare la violenza che si svolge nella stanza accanto. Come molti bambini in situazioni simili, Patrick si rifugia nella sua “compulsione” personale, trasferendo così la sua energia alla versione simulata del padre defunto. Attraverso Baker, Patrick può vedere sua madre e suo padre riunirsi. Può infondere la sua influenza creativa per manipolare un mondo personalizzato.
Ma quando il cablaggio del cervello di Patrick cambia in Serenity, i suoi concetti creativi diventano una fantasia oscura e contorta. Dare a Baker il libero arbitrio di uccidere Frank non è sufficiente. Patrick trasferisce invece il potere di Baker a se stesso, nel mondo reale, e il creatore del gioco alla fine lascia il suo computer per cercare giustizia nella vita reale. Serenity – L’isola dell’inganno non finisce con la libertà di Patrick nella vita reale, anche se lui sperimenta la salvezza nella sua mente (ne parleremo più avanti).
Il presagio del colpo di scena del videogioco Serenity – L’isola dell’inganno
Il film lo prepara fin dalla prima scena
Fin dall’inizio, Serenity – L’isola dell’inganno preannuncia un mondo simulato. Naturalmente, c’è la scena iniziale, in cui il pubblico viene trasportato nella mente di un ragazzino, Patrick. Quando Baker appare per la prima volta, tuttavia, non c’è alcuna indicazione che ciò che viene presentato sullo schermo non sia reale. Baker sembra essere un altro pescatore scontroso, appassionato del proprio lavoro. In questo senso, l’introduzione di Baker è universalmente riconoscibile, poiché fallisce mentre fa qualcosa che ama; non riesce a catturare il pesce grosso, Justice.
Baker DIll è l’eroe, Duke il compagno, Karen la femme fatale, Frank il cattivo e Constance l’interesse amoroso idealizzato.
C’è qualcosa che non va nelle scene terrestri di Serenity – L’isola dell’inganno. I personaggi non sembrano avere molta profondità; parlano per cliché. Inoltre, il personaggio di McConaughey viene ripetutamente chiamato con il suo nome completo, Baker Dill. Col senno di poi, gli archetipi noir hanno senso perché i personaggi non dovrebbero avere molta profondità; sono solo versioni appena velate degli archetipi del genere: Baker Dill è l’eroe, Duke il compagno, Karen la femme fatale, Frank il cattivo e Constance l’interesse amoroso idealizzato.
Inoltre, Karen fa riferimento al “mondo reale” quando parla di Facebook. A quel punto, Serenity – L’isola dell’inganno suggerisce che questi personaggi vivono in un mondo parallelo, per quanto sottile possa essere. Mentre offre 10 milioni di dollari a Baker, Karen riconosce il motivo per cui è lì: fare un’offerta che il suo ex marito non può rifiutare. Più tardi, un personaggio secondario dice a Baker che è solo nella sua testa, e Duke, l’amico fedele, ribadisce alcune regole che Baker deve seguire.
In questa simulazione, Baker ha davvero un passato legato all’Iraq. E durante un momento di riflessione, afferma di “non essere davvero tornato”. Man mano che Serenity – L’isola dell’inganno procede, diventa evidente che nessuno dovrebbe morire nella simulazione di Patrick, il che spiega la confusione collettiva dei personaggi quando il creatore inizia a lavorare su un nuovo codice, contemplando nel contempo il proprio libero arbitrio.
A completamento delle anticipazioni del dialogo, Serenity – L’isola dell’inganno utilizza motivi visivi per sostenere i tropi di genere, associando i personaggi a colori specifici. Plymouth Island è ricca di rossi, verdi, bianchi e blu intensi, che si abbinano al design della stanza di Patrick. Quando Baker accetta di far parte di una simulazione, chiede a qualcuno la posizione esatta dell’isola nel mondo. Nella successiva scena della telefonata, la combinazione di colori è rosso, bianco e blu, in linea con la posizione geografica di Patrick, gli Stati Uniti.
Cosa significa davvero il finale di Serenity – L’isola dell’inganno
Nella sequenza finale di Serenity – L’isola dell’inganno, il film rende omaggio alle influenze del genere cinematografico, ma allo stesso tempo lancia un messaggio più ampio. Quando Baker parla al telefono con suo figlio, è qui che Serenity si presta a diverse interpretazioni, a seconda delle esperienze personali dello spettatore. Da un certo punto di vista, il finale di Serenity sembra suggerire che Patrick abbia accettato la morte di suo padre, il che a sua volta è correlato a un nuovo inizio e alla vita stessa.
Quando i due si incontrano su un molo nell’ultima scena, Patrick indossa una camicia rosso vivo e Baker ora ne indossa una blu vivo. Ciò implica che Patrick non è fuori dai guai, per così dire, ha sicuramente dei problemi legali (il rosso simboleggia i guai). E per Baker c’è un senso di chiarezza, evidenziato da una tonalità di blu intenso. Ma soprattutto, i due sono insieme, circondati da una luce bianca brillante.
Serenity solleva anche interrogativi sulla teoria della simulazione, l’idea che il mondo sia controllato da un potere superiore, un Dio tecnologico. L’autore Chuck Klosterman affronta questo concetto nel suo libro del 2016 But What If We’re Wrong?: Thinking About the Present As If It Were the Past, in cui discute l’idea che la vita come la conosciamo sia semplicemente la creazione di un ragazzo come Patrick di Serenity – L’isola dell’inganno, qualcuno che vive nel futuro e mette in scena varie simulazioni e fantasie. La giustizia assume molte forme e Serenity – L’isola dell’inganno può significare molte cose.
Altri film con finali simulati
Ci sono diversi film in cui l’intera trama ruota attorno a una simulazione al computer. L’esempio più evidente è Matrix. In quel film, non è la fine ad essere una simulazione, ma l’inizio. Tuttavia, con il proseguire della serie, ci si è chiesti cosa fosse reale e cosa fosse simulato. Ci sono persino indizi in Matrix: Resurrections che anche il mondo reale e la ribellione fossero simulazioni al computer per tenere gli umani occupati a pensare di liberarsi mentre i computer rimanevano al comando.
The Truman Show era l’esempio perfetto di un intero film che era una simulazione.
Pur non essendo una “simulazione al computer”, The Truman Show era l’esempio perfetto di un intero film che era una simulazione.
In questo film, Jim Carrey interpreta Truman Burbank, un uomo che vive una vita ideale. Tuttavia, presto si rende conto che qualcosa potrebbe non essere giusto. Alla fine scopre che la sua vita è falsa. Vive in una città dove tutti gli altri sono attori e la sua intera vita è uno dei programmi televisivi più seguiti al mondo. È l’unico a non sapere di vivere in un mondo fantastico.
Duncan Jones ha creato un film che utilizza una simulazione per risolvere un crimine. In Source Code, Jake Gyllenhaal interpreta il capitano dell’esercito americano Colter Steven. Sale su un treno e poi, con suo grande orrore, si rende conto che c’è una bomba. Il treno esplode e lui muore. L’unico problema è che si sveglia e sale di nuovo sul treno. Ben presto, Colt scopre di essere un soldato che è stato quasi ucciso, ha perso gran parte del suo corpo ed è tenuto in vita da macchine per scoprire chi ha piazzato la bomba sul treno. A differenza di Serenity – L’isola dell’inganno, quando Colt capisce cosa sta succedendo, decide di cambiare le cose.
Jennifer Lawrence, Emma Stone e Cole Escola stanno unendo le forze per dare a Miss Piggy il trattamento da star del cinema.
Secondo fonti ben informate, la Disney, che detiene i diritti dei Muppets, sta sviluppando un film sulla capricciosa diva pupazzo. Il personaggio iconico, creato negli anni ’70 da Bonnie Erickson e Frank Oz, non è mai stato protagonista di un lungometraggio. Lawrence e Stone saranno i produttori insieme a Escola, vincitore di un Tony Award per la loro commedia di successo a Broadway “Oh, Mary!”, che scriverà la sceneggiatura.
“Non so se posso annunciarlo, ma lo farò comunque… Emma Stone e io stiamo producendo un film su Miss Piggy e Cole lo sta scrivendo”, ha rivelato Lawrence nel podcast “Las Culturistas”, condotto da Bowen Yang e Matt Rogers. Dopo che i co-conduttori hanno urlato di gioia e chiesto se le amiche di lunga data Stone e Lawrence avrebbero recitato insieme nel film, Lawrence ha scherzato: “Penso di sì. Dobbiamo farlo… È assurdo [che non abbiamo mai fatto un film insieme]”.
Lawrence ha anche raccontato di aver pensato di portare il suo talento a Broadway per “Oh, Mary!” e di aver voluto interpretare il personaggio principale, Mary Todd Lincoln. La commedia gonzo è ambientata nei giorni precedenti l’assassinio di Lincoln e immagina l’ex first lady come un’aspirante star del cabaret alcolizzata. (“L’intera cosa è uno scherzo di cui lei è complice”, ha detto Lawrence. “Mi sentivo come se potessi diventare famosa e stare al gioco”). Tuttavia, ha cambiato idea dopo aver considerato la routine estenuante di otto spettacoli a settimana del Great White Way.
“Non credo che sarei brava [nel teatro]… è tutta una questione di corpo e voce”, ha detto Lawrence, che attualmente sta promuovendo il suo nuovo film “Die My Love”, un dramma psicologico con Robert Pattinson. “L’unica volta che ho voluto fare teatro è stato quando ho voluto fare ‘Oh, Mary!’. Mi hanno detto: ‘Sono otto spettacoli a settimana e sei settimane di prove’. Io ho risposto: ‘Avete un asilo nido lì?’. Non avrebbe funzionato”.
Dame Helen Mirren sarà insignita del prestigioso Cecil B. DeMille Award durante lo speciale in prima serata “Golden Eve”, in onda giovedì 8 gennaio, prima della cerimonia dei Golden Globe di domenica 11 gennaio.
Lo speciale in onore dell’attrice vincitrice di tre Golden Globe e di Oscar, Emmy e Tony Award andrà in onda sulla CBS e sarà trasmesso in streaming su Paramount+.
Mirren è l’ultima di una serie di leggendari vincitori del DeMille Award, che dal 1952 celebra i successi di una vita delle figure più iconiche di Hollywood. La consegna del premio sarà l’evento clou di “Golden Eve”, uno speciale rinnovato che onorerà anche il vincitore del Carol Burnett Award, ancora da annunciare, e darà il via ai festeggiamenti che precedono l’83ª edizione dei Golden Globe Awards.
“Helen Mirren è una forza della natura e la sua carriera è a dir poco straordinaria”, ha dichiarato Helen Hoehne, presidente dei Golden Globe. “Le sue interpretazioni trascendentali e la sua dedizione al mestiere continuano a ispirare generazioni di artisti e di pubblico. È un grande onore consegnarle il Cecil B. DeMille Award”.
La prolifica carriera della Mirren abbraccia oltre sei decenni di cinema, televisione e teatro. Ha vinto il Golden Globe per il suo ruolo in The Queen di Stephen Frears, in cui interpreta la regina Elisabetta II, e per i suoi ruoli televisivi in “Elizabeth I” e “Losing Chase”. La Mirren è una delle poche attrici ad aver conquistato la tripla corona della recitazione: ha vinto un Oscar, un Emmy Award e un Tony Award.
Nel 2003 è stata nominata Dame dell’Impero Britannico per il suo contributo alle arti.
“Golden Eve” amplia il successo dello scorso anno del “Golden Gala”, che ha onorato Viola Davis e Ted Danson. Lo speciale del 2026 promette un’esperienza più coinvolgente e celebrativa, con retrospettive curate, rari filmati d’archivio e tributi personali da parte di amici, collaboratori e colleghi del settore. La trasmissione sarà uno dei momenti salienti della Golden Week, una nuova iniziativa di Paramount e Dick Clark Productions che prevede la messa in onda di programmi ed eventi su diverse piattaforme nei giorni precedenti la cerimonia principale dei Golden Globe.
Il DeMille Award, intitolato al pionieristico regista Cecil B. DeMille, ha premiato 69 dei talenti più longevi del settore, tra cui Meryl Streep, Tom Hanks, Oprah Winfrey, Robert Redford, Sidney Poitier e Barbra Streisand. Anche il Carol Burnett Award, istituito nel 2019 per riconoscere i contributi eccezionali alla televisione, sarà presentato durante la trasmissione “Golden Eve”. Il vincitore del Burnett Award di quest’anno non è ancora stato annunciato.
L’83ª edizione dei Golden Globe Awards, presentata dalla comica e attrice Nikki Glaser, sarà uno dei primi grandi eventi di premiazione della stagione 2026 e continuerà la tradizione dei Globes di premiare il meglio del cinema, della televisione e, per la prima volta, dei podcast. Tra i principali contendenti dell’anno figurano “One Battle After Another” di Paul Thomas Anderson, ‘Hamnet’ di Chloé Zhao, “Sinners” di Ryan Coogler e altri ancora.
Xolo Mariduña salperà nella terza stagione di One Piece. L’attore, noto soprattutto per aver interpretato Miguel Diaz in Cobra Kai e il personaggio principale in Blue Beetle, è stato scritturato per interpretare Portgas D. Ace nella serie fantasy-avventurosa di Netflix dedicata ai pirati.
Il personaggio, noto anche come Fire Fist Ace, era il capitano dei Pirati di Spade prima di essere reclutato dai Pirati di Barbabianca. Spesso lo si vede a torso nudo con un grande cappello in testa e un machete alla cintura.
Si unisce al recentemente annunciato vincitore del Tony Award Cole Escola, che interpreterà l’assassino Bon Clay nella terza stagione di “One Piece”.
One Piece è un adattamento live-action della serie manga di Eiichiro Oda. Segue le vicende di un ragazzo di nome Monkey D. Luffy (Iñaki Godoy), che viaggia attraverso i mari con la sua ciurma di pirati alla ricerca di un mitico tesoro chiamato “One Piece”, che lo incoronerebbe prossimo Re dei Pirati.
La serie vede anche Emily Rudd nel ruolo di Nami, Mackenyu nel ruolo di Roronoa Zoro, Jacob Gibson nel ruolo di Usopp, Taz Skylar nel ruolo di Sanji, Vincent Regan nel ruolo di Monkey D. Garp, Jeff Ward nel ruolo di Buggy il Clown e Morgan Davies nel ruolo di Koby.
La seconda stagione vedrà l’ingresso di Mikaela Hoover come voce del ragazzo-renna dal naso blu Tony Tony Chopper e di Charithra Chandran nel ruolo della misteriosa Miss Wednesday.
One Piece tornerà su Netflix il 10 marzo 2026 con la sua seconda stagione. La serie si è assicurata un rinnovo anticipato da Netflix, poiché la terza stagione entrerà in produzione alla fine di quest’anno a Città del Capo, in Sudafrica.
One Piece è stato creato in collaborazione con Shueisha ed è prodotto da Tomorrow Studios (partner di ITV Studios) e Netflix. Il creatore del manga originale Oda è produttore esecutivo insieme a Marty Adelstein e Becky Clements attraverso Tomorrow Studios, così come Tetsu Fujimura, Chris Symes, Christoph Schrewe e Steven Maeda.
Netflix e Sony hanno finalizzato un accordo per un altro film di KPop Demon Hunters, con l’intenzione di rilasciare il sequel musicale animato nel 2029, come riportato per la prima volta da Bloomberg. I film d’animazione possono richiedere molto tempo per essere realizzati, da qui il potenziale intervallo di quattro anni tra un episodio e l’altro. Naturalmente, i piani relativi alla data di uscita potrebbero cambiare a seconda del programma di produzione del film.
KPop Demon Hunters, un’avventura fantasy su un gruppo femminile K-pop immaginario che protegge il mondo dai demoni con la sua musica, è stato sviluppato e prodotto dalla Sony Pictures Animation. Nell’ambito dell’accordo di licenza tra Sony e Netflix, “KPop Demon Hunters” è approdato direttamente su Netflix ed è diventato il film più popolare di sempre della piattaforma di streaming. Nel frattempo, tre delle sue canzoni originali – “Golden”, “Your Idol” e “Soda Pop” – sono state protagoniste della classifica Hot 100 di Billboard e potrebbero ottenere nomination ai prossimi Grammy Awards.
“KPop Demon Hunters” ha avuto un tale successo che Netflix, solitamente avversa alle sale cinematografiche, ha deciso di portare una versione karaoke del film nei cinema per eventi dedicati ai fan in agosto e ottobre. Durante la prima tornata, “KPop Demon Hunters” ha conquistato il box office con circa 18 milioni di dollari in due giorni. Poi, intorno ad Halloween, il film ha incassato dai 5 ai 6 milioni di dollari, il che è degno di nota considerando che è stato ampiamente disponibile in streaming per mesi.
La co-regista di “KPop Demon Hunters”, Maggie Kang, che ha diretto il film insieme a Chris Appelhans, ha da tempo espresso il desiderio di realizzare un sequel.
“Abbiamo preparato così tante cose per un potenziale retroscena”, ha detto Kang a Variety a luglio. “Ovviamente, ci sono molte domande che rimangono senza risposta e aree che non sono state esplorate. Abbiamo dovuto farlo perché in 85 minuti si può raccontare solo una parte della storia”.
Annabelle 2: Creation (qui la recensione) è un film davvero spaventoso e anche incredibilmente divertente con un finale agghiacciante (e confuso), che vanta anche due scene post-crediti che lo collegano a un mondo molto più grande. L’universo di Conjuring ha vissuto una prima grande espansione con il prequel di Annabelle. Lo spin-off originale è stato un altro successo finanziario per la saga horror ideata da James Wan, ma è stato stroncato dalla critica per la trama banale e gli spaventi vuoti.
Il sequel Annabelle 2: Creation alza invece la posta con David F. Sandberg che approfondisce il passato del giocattolo più inquietante del cinema per offrire un film horror da brivido che spaventa mentre affronta gli effetti delle famiglie distrutte, oltre a inserirsi meravigliosamente nel resto della serie. Il film è ricco di nuova mitologia per Annabelle, collegamenti con i film The Conjuring e anticipa il successivo spin-off The Nun. Esploriamo il significato di quel finale e di quelle scene post-crediti in stile Marvel.
La spiegazione delle origini di Annabelle
Prima di Annabelle 2: Creation, tutto ciò che sapevamo di Annabelle era che era una bambola antica posseduta da uno spirito diabolico noto come Ram. I dettagli di entrambe le storie erano piuttosto vaghi, ma ora, pur avendo ancora domande sull’essere stesso, sappiamo come è stato creato il giocattolo inquietante e come è stato collegato per la prima volta alla possessione. All’inizio del prequel, apprendiamo che “Annabelle” fa parte di una serie esclusiva di bambole della Mullins Toy Company, una piccola azienda gestita da Samuel Mullins negli anni ’40 che era di gran moda nella sua comunità urbana.
Nel film si sottintende che alla bambola, destinata a diventare malvagia, fu assegnato il numero 1 di 100, ma che Mullins non ne realizzò altre a causa di una tragedia personale, rendendola davvero unica nel suo genere. Quella tragedia personale era la morte di sua figlia. Soprannominata Bee – che più tardi scopriremo essere in realtà l’abbreviazione di Annabelle, rivelando la vera origine del nome della bambola – fu investita da un’auto mentre tornava dalla chiesa. La famiglia Mullins cadde in depressione, ma poi trovò conforto in quello che credevano essere il fantasma di Bee.
Lei infestava la loro casa in modo docile, convincendo i genitori in lutto a permetterle di risiedere nella bambola. Dopo averlo fatto, però, scoprirono rapidamente che non si trattava affatto di Bee, ma di un demone che voleva trovare una forma fisica. La bambola era solo il primo passo, ma ora voleva impossessarsi di un essere vivente: Esther Mullins. Attaccò la madre quando era sola, ma lei fu salvata dal marito e la bambola fu rinchiusa in un armadio tappezzato di immagini sacre e bagnato con acqua santa. Tutto sembrava andare bene fino a quando non aprono la loro casa a un orfanotrofio.
Nel film, ambientato nel 1957, lo spirito manipola le ragazze ignare per liberarlo, permettendo al Ram di possedere Janice, affetta da poliomielite. Dopo una serie di scene spaventose in cui lo spirito cerca di reclamare altre anime, Janice fugge e viene adottata dalla famiglia Higgins, che le cambia il nome in modo piuttosto sadico in, ovviamente, Annabelle. A questo punto, lo spirito sembra essere scomparso dalla bambola, che viene portata via dalla polizia. Il film termina 12 anni dopo, nel 1969, quando Annabelle, ormai cresciuta, uccide i suoi genitori adottivi, riportandoci all’inizio del primo film e al ritorno della bambola. Il che solleva un sacco di domande.
L’Annabelle originale, uno spin-off di The Conjuring che spiega come la sua “star” finita nella collezione di oggetti infestati dagli investigatori del paranormale Warren, segue per lo più la neo-mamma Mia, perseguitata dalla bambola infestata che vuole possedere il suo neonato. Questa è stata l’ultima volta che la bambola è apparsa prima che la famiglia la segnalasse ai Warren. Il film inizia proprio dove finisce Annabelle 2: Creation, il giorno in cui Annabelle uccide gli Higgins; Mia riceve la bambola dal marito John, poi quella notte vengono svegliati dai loro vicini che vengono attaccati da due aggressori.
L’uomo viene ucciso dalla polizia, ma la donna, Annabelle Higgins, prende la bambola e si taglia la gola, con una goccia del suo sangue che le entra nell’orbita dell’occhio. In seguito si scopre che i due erano “Discepoli dell’Ariete”, una setta dedita alla resurrezione dello spirito attraverso sacrifici rituali. Si sottintende che gli omicidi iniziali abbiano portato l’Ariete da Annabelle, portando ai suoi successivi tentativi di impossessarsi della figlia di Mia.
La creazione lega così la sua storia, per lo più autonoma, alla mitologia più ampia con la sua scena finale. I fan avranno notato il nome Higgins e come Janice sia diventata l’attrice che ha interpretato la precedente Annabelle, ma il vero colpo di scena arriva con la rivelazione di Mia (interpretata dall’appropriatamente chiamata Annabelle Wallis, la star del film originale). Come la maggior parte dei prequel, è strettamente collegato all’originale. Naturalmente, il prequel ridefinisce in qualche modo ciò che abbiamo visto nel 2014.
Ora sappiamo che Annabelle Higgins è in realtà Janice posseduta, il che significa che invece di cercare semplicemente di resuscitare il Ram, lei e il suo complice stavano tentando qualcos’altro; probabilmente trasferire la sua anima in un altro contenitore, utilizzando prima la bambola come tramite. Il motivo non è spiegato, ma è probabile che si tratti di una questione legata all’età, dato che le conquiste successive dello spirito coinvolgono bambini, le cui anime sono più pure o più facili da conquistare.
Cosa significa questa connessione?
Ciò che questo fa è sollevare la questione del ritorno della bambola. Alla fine della parte di Creation ambientata nel 1957, si sottintende che la bambola sia ora libera da tutte le forze dannose, eppure in qualche modo viene nuovamente coinvolta nella storia del Ram dodici anni dopo, quando riappare magicamente e Annabelle la possiede nuovamente. È una coincidenza enorme che Janice, posseduta da Ram, e la bambola precedentemente posseduta finiscano nello stesso quartiere: come è potuto succedere e, se è solo un contenitore, perché è ancora importante?
Potrebbe trattarsi di un semplice retcon; diversi elementi del film originale, come il fantasma della piccola Annabelle di 7 anni che attacca Mia, sono stati modificati dal colpo di scena, quindi c’è un elemento di canone libero e incerto. Tuttavia, la scena a metà dei titoli di coda potrebbe fornire una spiegazione più approfondita. Innanzitutto, però, vale la pena sottolineare che ci sono altri collegamenti tra Annabelle 2: Creation e la più ampia mitologia di Conjuring: il Ram prende il controllo di Janice vomitandole in bocca una sostanza viscosa e nera, proprio come la madre in The Conjuring era posseduta dal demone del film.
E l’inganno di accogliere uno spirito in un contenitore solo per scoprire che si tratta di una forza oscura è stato un trucco ripetuto dai demoni dell’universo. C’è anche un easter egg incredibilmente interessante nei momenti finali per gli appassionati di fantasmi nella vita reale; la bambola consegnata a Janice/Annabelle quando incontra per la prima volta gli Higgins è una replica della vera bambola Annabelle, un riconoscimento di come tutto questo sia iniziato da una storia “vera” e che evidenzia come la mitologia di Conjuring si sia evoluta da allora. E, a questo proposito, è il momento di esaminare le espansioni fornite dalle due scene post-credits.
Contando la sua breve apparizione in The Conjuring – Il caso Enfield, questo è il quarto film in cui compare Annabelle. Nel corso della serie, i dettagli dei suoi poteri e la natura della sua possessione sono variati (come già discusso, solo in Annabelle 2: Creation abbiamo avuto molti cambiamenti sostanziali), ma c’è stata una costante: non si vede mai la bambola muoversi. Le ragioni di ciò dovrebbero essere ovvie per qualsiasi appassionato di horror. Una bambola inquietante è incredibilmente spaventosa quando se ne sta lì seduta a fissarti con i suoi freddi occhi di vetro ma nel momento in cui inizia a saltellare come una marionetta diventa ridicola.
Come tutti i buoni film horror, questo sembrava far parte di una serie esplicita di regole inquietanti. Il primo Annabelle ha quasi infranto questa regola, facendo levitare la bambola e iniziando a muoverla, ma si è rapidamente rivelato essere un’azione del Ram e nulla di simile a Child’s Play. Creation non ha nemmeno un accenno del genere, mantenendo i movimenti di Annabelle completamente fuori dallo schermo, almeno fino alla fine del film.
La spiegazione della scena a metà dei titoli di coda
La scena a metà dei titoli di coda del film è incredibilmente semplice: uno zoom lento sulla bambola Annabelle mentre la tensione sale prima che… lei si giri di scatto verso la telecamera prima che lo schermo diventi nero. Naturalmente, si tratta molto probabilmente di un finale divertente per spaventare ancora una volta il pubblico, piuttosto che di qualcosa di narrativamente sostanziale; infatti, la bambola sembra trovarsi nell’armadio pieno di bibbie all’inizio del film, piuttosto che nella custodia della polizia dove presumibilmente è finita.
E, a questo proposito, è davvero ottimo, rinunciando a una scena scontata e scontata per qualcosa di più sottile e inquietante (il film era fortunatamente privo di colpi di scena per la maggior parte) che infrange la regola del “nessun movimento” senza essere banale. Tuttavia, questo potrebbe spiegare perché la bambola sia ricomparsa nella storia di Ram nel film originale e suggerire un legame simbiotico più profondo tra i due. Anche se i sacerdoti affermano che la bambola è ormai priva di qualsiasi forza malvagia, nulla suggerisce che ciò sia vero: in tutta la serie la chiesa è stata descritta come imperfetta. Il movimento suggerisce che, mentre il Ram è fuori, c’è un male residuo più profondo in Annabelle che la lega allo spirito oscuro.
Questo conferisce alla bambola inquietante una maggiore autonomia e un ruolo nella narrazione degno della sua importanza iconica. Se questo verrà effettivamente spiegato dipenderà dall’uscita di Annabelle 3 e da ciò che esplorerà, ma si può sicuramente sperare; un terzo film sembra incredibilmente probabile dato il previsto successo al botteghino di Creation e, se così fosse, probabilmente sarebbe un altro prequel esplorativo, dato che lei è ancora nella stanza degli orrori dei Warren. Ma prima di iniziare a pensare al futuro di Annabelle, il prossimo passo è un diverso spin-off di Conjuring. Sì, è ora di parlare di The Nun e di quella scena dopo i titoli di coda.
Se Annabelle era la protagonista assoluta di The Conjuring, la sua naturale erede nel sequel è senza dubbio The Nun. A differenza della bambola, che esisteva più come un ingresso nel mondo dei Warren, questo spirito maligno era essenziale per la trama di The Conjuring – Il caso Enfield; Lorraine Warren la vide per la prima volta in una visione durante una seduta spiritica mentre indagava sull’orrore di Amityville, che la perseguitò ripetutamente con visioni della morte del marito Ed, prima che fosse finalmente rivelata come la causa dell’Enfield Haunting al centro della trama del film.
Lo spirito viene infine sconfitto quando Lorraine lo manda all’inferno pronunciando il suo nome, Valak. Era un mostro piuttosto impressionante, forse anche più inquietante di Annabelle, e così, pochi giorni dopo l’uscita di The Conjuring – Il caso Enfield, è stato annunciato uno spin-off, The Nun. Il film uscirà il 13 luglio 2018 e le riprese sono già terminate, con un trailer presentato al SDCC. Nello spirito dell’espansione dell’universo condiviso, Creation ha pubblicato alcuni teaser molto interessanti su dove stiamo andando. Il primo riguarda suor Charlotte, la suora che si prende cura degli orfani.
All’inizio del film mostra a Mullins una fotografia di lei e di altre tre suore – Maria, Anna e Lucia – in un convento in Romania, ma un cambiamento di luce rivela che c’è una quinta figura nascosta nell’ombra: Valak. Mullins lo fa notare, ma Charlotte dice immediatamente di non ricordarla e passa rapidamente oltre. Più tardi, c’è un altro potenziale avvistamento quando Janice, costretta su una sedia a rotelle, viene spinta nel fienile per essere posseduta dal Ram; viene spostata da qualcosa che indossa abiti da suora, ma con una pelle orribile e segnata da segni neri.
Nel film non è chiaro cosa sia esattamente, ma si presume che si tratti di Valak; le mani chiaramente non sono gli stessi artigli neri dello spirito che possiede il Ram. Grazie alle sue azioni eroiche nell’atto finale, non sembra che suor Charlotte sia affatto una minaccia, ma il fatto che abbia una storia legata alla suora, che ignori rapidamente la sua presenza nell’immagine e che appaia poco dopo aver lasciato Janice, indica una sorta di relazione. Che si tratti di possessione o di una presenza più parassitaria, la spiegazione arriverà sicuramente in The Nun. In ogni caso, Annabelle 2: Creation lega sottilmente la storia di Valak e del Ram, creando una minaccia ancora più grande nell’universo di The Conjuring.
La spiegazione della scena dopo i titoli di coda
La scena dopo i titoli di coda conclude il tutto dandoci un assaggio diretto e appropriato di The Nun. Si tratta di un’unica inquadratura statica che mostra un corridoio illuminato da candele nell’Abbazia di St Carta nel 1952. Le luci lungo il corridoio iniziano lentamente a spegnersi misteriosamente prima che il volto spettrale della suora appaia dall’ombra. Sapevamo già che il film sarebbe stato ambientato in Romania, ma questo ci fornisce il luogo e la data specifici.
Il monastero di Carta è una chiesa reale, il che permette alla serie di giocare con un finto angolo horror reale, anche se è l’anno che più interessa; Annabelle 2: Creation è ambientato nel 1957, solo cinque anni dopo The Nun. Data la connessione preesistente attraverso suor Charlotte, c’è da aspettarsi un collegamento attivo. Nessuna delle suore citate da Charlotte è presente nell’attuale cast dello spin-off, ma è certo che appariranno, e probabilmente tornerà anche Stephanie Sigman, se non altro per farsi fotografare e legare davvero insieme l’universo di Conjuring.
Rovine è un film horror del 2008 tratto dall’omonimo romanzo di Scott Smith, che ne cura anche la sceneggiatura. Il film appartiene a quel filone di survival-horror ambientati lontano dalla civiltà, dove un gruppo di protagonisti giovani e impreparati viene improvvisamente catapultato in una situazione senza via d’uscita. Non è un horror di mostri tradizionali o di fantasmi, ma una storia incentrata sull’orrore biologico e psicologico, dove l’elemento soprannaturale si intreccia con un senso di fatalismo e isolamento totale.
Ciò che distingue Rovine da molti titoli simili è la scelta di un antagonista inusuale e quasi astratto: la natura stessa. Le misteriose rovine maya al centro della vicenda nascondono un orrore che non ha una forma umana, non ha una voce e non concede tregua. La tensione si regge sul corpo, sul dolore, sull’inevitabile degrado e sullo sgretolarsi della fiducia tra i protagonisti. Rispetto a horror più tradizionali come The Conjuring, dove il male ha un’origine demoniaca e riconoscibile, o rispetto a survival come Prey – La grande caccia, che puntano sulla fame e sulla natura predatoria, Rovine esplora una minaccia silenziosa, invisibile e inarrestabile.
Il film affronta temi universali come la paura dell’infezione, l’angoscia del corpo che si ribella e la perdita del controllo, trasformandosi in un racconto sul limite dell’essere umano di fronte a qualcosa che non può né combattere né comprendere. Anche la dinamica di gruppo diventa un elemento fondamentale: il panico, la paranoia e la colpa fanno crollare rapidamente ogni legame, mostrando quanto la sopravvivenza possa diventare una battaglia contro sé stessi. Nel resto dell’articolo approfondiremo trama, cast e soprattutto il controverso finale del film, proponendo una spiegazione dettagliata e le principali interpretazioni.
La trama di Rovine
Il film segue le disavventure di un gruppo di giovani turisti americani in viaggio in Messico. Due coppie di fidanzati – Jeff (Jonathan Tucker), Amy (Jena Malone), Eric (Shawn Ashmore) e Stacy (Laura Ramsey) – si stanno godendo gli ultimi giorni di vacanza nella calda città di Cancun. Tutto procede normalmente, finché i quattro non vengono avvicinati da Mathias (Joe Anderson), un turista tedesco in cerca del fratello Heinrich. Convinti dal nuovo arrivato, il gruppo di amici si dirige assieme a lui nella foresta dello Yucatan.
Qui intendono andare ad ammirare le maestose rovine dell’impero Maya, incastonate nella natura più selvaggia. Entusiasti di vivere una vera e propria avventura, i cinque si addentrano nella giungla più fitta, dove incontrano il greco Dimitri, un amico di Mathias, e alcuni abitanti locali. Tra alberi lussureggianti e reperti archeologici, la lunga traversata alla ricerca di Heinrich si trasforma ben presto in un incubo a occhi aperti.
La spiegazione del finale del film
Nel terzo atto di Rovine la situazione precipita rapidamente: i protagonisti sono ormai allo stremo, incapaci di fermare l’infezione portata dalle piante e isolati dai Mayani che sorvegliano il perimetro. Stacy perde il controllo, convinta che le liane siano penetrate in ogni parte del suo corpo, e in un misto di follia e autodistruzione finisce per ferire Eric in modo mortale. Le piante trascinano via il ragazzo sotto gli occhi degli altri, mentre Stacy implora di essere uccisa per porre fine all’agonia. Jeff si vede costretto a darle una morte rapida, dimostrando quanto la brutalità della situazione abbia ormai annientato ogni residuo di umanità.
Con la speranza ormai ridotta all’osso, Jeff elabora un piano disperato per permettere ad Amy di scappare. Ricoperta del sangue di Stacy per sembrare morta, la ragazza viene trascinata ai piedi della piramide. Jeff affronta i Mayani provocandoli, cercando di attirare la loro attenzione: il sacrificio funziona, ma gli costa la vita. Colpito da frecce e poi finito con un colpo di pistola, muore mentre Amy corre nella giungla inseguita da un intero villaggio. La ragazza riesce a raggiungere la Jeep e fuggire, lasciando dietro di sé il massacro e l’orrore. Nell’ultima scena, due nuovi turisti si avvicinano alle rovine, suggerendo che il ciclo non si fermerà.
Il finale mette in scena la crudezza assoluta del racconto: non c’è un antagonista umano vero e proprio, né una possibilità di negoziare o comprendere. L’orrore è biologico, impersonale, inarrestabile. La fuga di Amy non è un trionfo, ma un atto di sopravvivenza disperato, macchiato di sangue e perdita. Le piante, già viste come una forza incontrollabile, dimostrano di essere l’unica vera forma di potere nell’area, mentre i protagonisti, turisti ignari, vengono inghiottiti da qualcosa molto più grande di loro. La morte di Jeff diventa l’ultimo atto di lucidità in un contesto privo di salvezza.
Tematicamente, questo finale porta a compimento il cuore del film: il confronto tra l’uomo e una natura che, quando decide di aggredire, non lascia scampo. Rovine non mostra creatori del male, non offre spiegazioni rassicuranti e non concede eroi invincibili. Anche Amy, l’unica sopravvissuta, appare traumatizzata, segnata per sempre, e probabilmente portatrice di un trauma che non potrà elaborare. La fuga non risolve nulla: la minaccia resta viva, pronta a colpire chiunque varchi quella soglia proibita. L’orrore non è sconfitto, è semplicemente rimandato.
Il film riflette così su un’idea molto diversa dal tradizionale canone horror: l’essere umano è irrilevante. La violenza non nasce da vendetta, religione o follia, ma da un organismo vegetale che fa ciò per cui è nato: diffondersi, nutrirsi e sopravvivere. Gli stessi Mayani non sono malvagi, ma custodi di un segreto terribile, disposti a uccidere per evitare un contagio inarrestabile. Nel mondo di Rovine l’orrore è naturale, non morale, e questo lo rende ancora più disturbante.
Il messaggio che il film lascia è pessimistico, ma coerente: la natura non è un luogo da conquistare o da romanticizzare, ma un’entità che può diventare ostile e incomprensibile. La curiosità e l’arroganza dei protagonisti li ha portati dove non avrebbero dovuto essere, ignorando segnali e confini. Il finale suggerisce che l’incubo continuerà, che altri turisti arriveranno e faranno lo stesso errore, ripetendo il ciclo di morte. Nessun salvataggio, nessuna morale consolatoria: solo un avvertimento, brutale e definitivo.
Universal ha pubblicato un nuovo trailer diFive Nights at Freddy’s 2, a un mese dall’uscita nelle sale. Diretto da Emma Tammi, il sequel è ambientato un anno dopo, quando Abby (Piper Rubio) cerca di ricongiungersi con i suoi amici animatronici. Le preoccupazioni di Mike (Josh Hutcherson) lo spingono a cercare risposte sulle origini della Freddy Fazbear’s Pizza.
Secondo la Universal, l’ultimo trailer offre una panoramica completa degli animatronici e delle minacce che attendono Mike, Abby e Vanessa (Elizabeth Lail).
Il filmato si apre con Vanessa che si sveglia da un incubo e svela una versione più giovane di lei che scappa e si nasconde da suo padre, William Afton (Matthew Lillard), indicando che il sequel approfondirà la storia delle origini di Springtrap.
Il nuovo filmato mostra anche il ritorno di Lillard nei panni di Springtrap, anche se questo sembra essere riservato ai flashback a causa del destino del suo personaggio alla fine di Five Nights at Freddy’s.
Dopo che Skeet Ulrich di Scream ha confermato la sua partecipazione a Five Nights at Freddy’s 2, il trailer rivela finalmente la sua prima apparizione, apparentemente nei panni di Henry Emily. Mentre Mike indaga, scopre la verità su ciò che è successo alla sua defunta figlia dopo aver saputo dei cinque bambini scomparsi.
Henry è un personaggio fondamentale ma invisibile nella serie di videogiochi originale, che guida i giocatori tramite cassette che li aiutano a sopravvivere contro gli animatronici. Era un ex migliore amico di William e co-fondatore della Fazbear Entertainment.
Con l’ingresso ufficiale di Ulrich nella serie Five Nights at Freddy’s, si segna la sua reunion con Lillard dopo che entrambi hanno interpretato il Ghostface originale. Mentre erano alleati nella serie slasher, la loro dinamica sembra essere diversa nel sequel di Five Nights at Freddy’s, dato che Henry è un avversario dell’antagonista di Lillard.
Il trailer si conclude con uno sguardo terrificante su una serie di animatronici legati, noti come animatronici Withered, che iniziano a terrorizzare gli abitanti della città e Vanessa.
Poiché il trailer suggerisce che il sequel affronterà il retroscena di Springtrap, ciò significherebbe che essi sono una parte fondamentale della storia. I Withered animontronics erano le versioni preesistenti e, a causa del loro stato, sono stati sostituiti dalle loro controparti attuali in vista di una grande riapertura.
In un’intervista all’inizio di quest’anno, Lillard ha rivelato che il team creativo dietro al sequel “ha imparato la lezione… e ha ascoltato il pubblico” dopo che il film originale ha ricevuto un’accoglienza mista. Ha accennato al fatto che il seguito avrebbe avuto più azione e jump scare.
Il primo film è diventato il film di maggior incasso della Blumhouse, guadagnando 297,1 milioni di dollari nonostante le difficoltà causate dalla pandemia. Si prevede che il sequel avrà lo stesso successo, se non maggiore, continuando la serie positiva dello studio in quello che è stato un anno deludente al botteghino.
Five Nights at Freddy’s 2 uscirà nelle sale il 5 dicembre 2025.
Il finale di The Lost City è felice per Loretta e Alan. Diretto da Aaron e Adam Bee, il film vede protagonisti Sandra Bullock, Channing Tatum e Daniel Radcliffe alla ricerca di un antico manufatto. The Lost City segue Loretta Sage (Bullock), una scrittrice di romanzi rosa di successo che è nel bel mezzo di un tour promozionale quando viene rapita dal miliardario e criminale Abigail Fairfax (Radcliffe), alla ricerca della Tomba di Calaman e del tesoro che contiene: la Corona di Fuoco.
Fairfax crede che Loretta sia l’unica persona in grado di aiutarlo a trovarla, perché ha scritto di questa misteriosa Città Perduta di D nel suo ultimo romanzo. Fairfax sarebbe riuscito nel suo intento, se non fosse stato per Alan (Tatum), il modello di copertina della serie di romanzi rosa di Loretta, che cerca di salvare l’autrice dalle grinfie dell’avido riccone. The Lost City si conclude con Loretta e Alan in vacanza insieme. Con Loretta che ha scritto un nuovo libro ed è più felice che mai, il film porta a termine la storia di lei e Alan.
Perché Alan voleva davvero salvare Loretta
Alan potrebbe aver espresso solo una parte del motivo del suo audace tentativo di salvare Loretta, ma c’è molto di più. Era molto coinvolto con Loretta, e non solo perché era il modello di copertina del suo libro. Alan apprezzava davvero Loretta come persona e voleva che lei capisse che la sua vita poteva essere migliore di quella che era. Lei stava resistendo a malapena e, per molti versi, anche lui. Proprio come Alan voleva essere visto come qualcosa di più di un modello di copertina, voleva che Loretta superasse i propri limiti in modo che entrambi potessero vedersi pienamente per quello che erano realmente dentro.
Pur sapendo quanto fosse imbarazzante per lui posare come modello per una serie di libri romantici, Alan alla fine ha imparato ad accettarlo. Lo stesso vale per Loretta, che ha studiato archeologia e lingue morte prima di diventare scrittrice. Alan vuole che lei accetti quanto i suoi libri rendano felici le persone e che viva la vita al massimo nonostante tutto. Il cuore di Alan era sicuramente nel posto giusto e lui ha fatto del suo meglio per essere audace, ispirato dal suo eroico omologo letterario.
Cos’è il Pozzo delle Lacrime Infinite?
Il Pozzo delle Lacrime Infinite è un indizio tratto dal geroglifico che Loretta è riuscita a tradurre. Inizialmente credeva che fosse una sorta di metafora, ma si è rivelato essere un luogo reale. Il Pozzo delle Lacrime Infinite è il luogo in cui Calaman e sua moglie Taha sono stati sepolti insieme. Il luogo non è una tomba nel senso tradizionale del termine: non si trova in una zona facilmente individuabile o visitabile da molti.
Il Pozzo delle Lacrime Infinite è piuttosto un riferimento letterale. Dopo la morte di Calaman, Taha non smise mai di piangere il suo amato e il luogo della sua tomba non solo è circondato dall’acqua, ma anche da diverse cascate che scorrono verso il basso come lacrime che cadono dagli occhi di Taha. È anche un parallelo diretto con la storia di dolore di Loretta e con quanto amasse suo marito.
La Tomba di Calaman e la Corona di Fuoco sono reali?
La Tomba di Calaman e la Corona di Fuoco non si basano su alcuna leggenda o storia reale. The Lost City si presenta come una versione moderna di Romancing the Stone o Indiana Jones, con un pizzico di Tomb Raider aggiunto per buona misura. Ma, proprio come Indiana Jones, i manufatti antichi e la leggenda della Città Perduta di D sono mitologie create appositamente per il film.
Certo, qualcosa come il Santo Graal si basa su tradizioni reali, ma The Lost City sembra aver inventato tutte le sue leggende. Detto questo, la città perduta di D stessa potrebbe essere modellata sulla città perduta di Atlantide, un’isola immaginaria che, secondo la leggenda, si trovava nel mezzo dell’Oceano Atlantico. In The Lost City, la città del titolo non è mai stata trovata perché era nascosta sotto la lava che l’aveva seppellita.
Ci è voluto un po’ di tempo, ma Loretta e Alan alla fine di The Lost City si sono finalmente messi insieme. Il film si conclude con loro in vacanza dopo che Loretta ha finito un altro libro e, considerando quanto tempo ci è voluto alla coppia per arrivare dove sono alla fine, è probabile che resteranno insieme per un bel po’ di tempo. A questo punto, Loretta ha accettato il fatto che Alan sia il suo modello di copertina, e lui è contento di sapere che il suo lavoro porta molta gioia ai lettori.
Finalmente sulla stessa lunghezza d’onda e a proprio agio l’uno con l’altra, Loretta e Alan sono pronti a continuare a conoscere se stessi insieme e individualmente, magari in un’altra avventura archeologica. Ciò che è chiaro è che la coppia è sicuramente innamorata e, anche se è difficile dire per quanto tempo resteranno insieme, ci si può aspettare che non si tratti di una storia d’amore di breve durata.
Perché Rafi aiutava Fairfax nonostante le sue origini
In The Lost City, Rafi, uno dei principali scagnozzi di Abigail Fairfax, lo aiuta a trovare la tomba di Calaman e la Corona di Fuoco. Si scopre che Rafi è originario dell’isola e che sua nonna gli raccontava storie su ciò che sarebbe accaduto se la tomba fosse stata profanata. Tuttavia, nonostante gli avvertimenti e il disagio che prova, continua a lavorare con Fairfax, lasciando piuttosto oscure le sue motivazioni.
Alla fine abbandona Fairfax, ma è possibile che all’inizio della spedizione Rafi fosse attratto dal denaro di Fairfax. Probabilmente non sapeva fino a che punto Fairfax si sarebbe spinto né quanto i suoi sentimenti e il suo legame con le sue origini gli avrebbero impedito di aiutare il miliardario a realizzare il suo furto su larga scala. Una volta resosi conto della situazione, ha cambiato idea, anche se il film non approfondisce molto i suoi pensieri.
Il vero significato di The Lost City
The Lost City parla della ricerca di ciò che sembra impossibile. Per Alan, si tratta di ottenere l’approvazione di Loretta al di là del suo essere un modello di copertina ottuso; per Loretta, si tratta di scegliere di scrivere la propria storia e continuare a vivere dopo la perdita del marito, oltre che di trovare la tomba di Calaman. Alan è determinato ma terrorizzato all’idea di trovare Loretta da solo, ma lo fa comunque. Nel frattempo, Loretta diventa irremovibile nel voler trovare la tomba di Calaman perché è un’avventura che non avrebbe mai pensato di intraprendere e deve portarla a termine.
All’inizio, il viaggio di entrambi i personaggi sembrava insormontabile, ma man mano che crescono e riconoscono certe cose, diventano più vulnerabili e aperti a farsi vedere. Questo è particolarmente vero per Loretta, che si è chiusa in se stessa e si è isolata dal mondo per cinque anni. Alla fine di The Lost City, si trova in una situazione molto migliore ed è disposta a credere in ciò che sembra irraggiungibile.
Cosa succede nella scena a metà dei titoli di coda di The Lost City
C’è una scena a metà dei titoli di coda che porta un momento scioccante sia per Loretta che per Alan mentre continuano a costruire la loro storia d’amore. Alan aveva reclutato Jack Trainer (Brad Pitt), un ex agente della CIA senza difetti, per aiutare a salvare Loretta. Questo ha funzionato bene fino a quando Jack ha liberato facilmente Loretta e si è preparato a fuggire con lei, quando è stato colpito alla testa dai mercenari di Fairfax, apparentemente uccidendolo. Tuttavia, Jack appare ad Alan e Loretta nella scena a metà dei titoli di coda di The Lost City ed è ancora vivo.
Jack spiega poi ai due che è sopravvissuto perché gli esseri umani usano solo il 10% del loro cervello, quindi quando è stato colpito alla testa, si è semplicemente spostato in un altro 10% del suo cervello che non era stato danneggiato dall’attacco. Si basa sull’idea che il 90% del cervello umano è spesso inutilizzato, e la battuta è che Jack è così perfetto da poter scegliere quale parte del suo cervello utilizzare per sopravvivere. Dato che Jack rimane uno dei personaggi migliori del film, questa battuta che lo mostra vivo è stata un momento clou per concludere The Lost City.
La star di Mortal Kombat 2, Lewis Tan, esalta le vittime a venire, avvertendo il pubblico che i loro beniamini potrebbero non uscirne vivi. Sequel del reboot del 2021, l’imminente adattamento videoludico di Mortal Kombat è destinato a introdurre diversi nuovi personaggi mentre l’Earthrealm affronta la distruzione per mano di Shao Kahn (Martyn Ford).
Tan, che torna nei panni di Cole Young, racconta a ComicBook.com che questa lotta per l’Earthrealm provocherà una serie di vittime scioccanti e raccapriccianti. Secondo la star, nessun personaggio è off limits per la morte in Mortal Kombat 2, e pensa che alcuni spettatori potrebbero arrabbiarsi. Date un’occhiata al suo commento qui sotto:
“Dovrebbero preoccuparsi per tutti, a dire il vero. In diverse versioni della sceneggiatura, sono morte persone diverse. Ho pensato: “Assolutamente no”. Poi hanno cambiato e invertito la sceneggiatura. Alla fine, nessuno è al sicuro. Chiunque potrebbe morire… e ci sono un sacco di morti nel secondo film. Se il tuo personaggio preferito muore, non è la fine. La morte è solo l’inizio. Non essere troppo sconvolto, ma ci sono un sacco di morti. Alcuni saranno felici e altri saranno davvero incazzati.”
Oltre alle morti da spaccaossa, Tan anticipa anche di aver ottenuto una sequenza di combattimento particolarmente importante in una location unica dei giochi di cui era piuttosto orgoglioso. Sebbene l’attore sia attento a non condividere troppi dettagli, enfatizza l’apparizione di alcune mosse di combattimento speciali:
“Ho un combattimento epico in Mortal Kombat 2. Non posso dirti con chi è, ma quando saprai con chi è, capirai perché è così epico. È in una delle mie location preferite dei videogiochi. Sono stato super grato di aver ottenuto quella location perché ha un design davvero fantastico. Ci sono volute circa tre settimane per girarla, il che è un sacco di tempo.”
“Lo stile del combattimento è davvero unico. Vedrete alcune mosse che non avete visto nel primo, alcune mosse speciali dei personaggi. Alla fine del primo film, Cole aveva appena scoperto questi nuovi poteri. Vedrete delle novità davvero fantastiche. È sicuramente uno dei combattimenti preferiti dai fan. Abbiamo girato quel capolavoro in tre settimane.”
Il sequel si sta avvicinando con un certo slancio. Sebbene le recensioni di Mortal Kombat del 2021 siano state contrastanti da parte della critica, il film è stato accolto bene dal pubblico e la Warner Bros. sembra puntare su questo prossimo capitolo, posticipando di recente l’uscita da ottobre 2025 a maggio 2026.
Il commento di Tan suggerisce che il sequel sta alzando la posta in gioco in termini di violenza e vittime dopo il finale di Mortal Kombat. Per quanto riguarda i personaggi che potrebbero essere i prossimi a morire, il sequel dovrebbe presentare grandi ritorni e nuove aggiunte, in particolare Karl Urban nei panni di Johnny Cage, che è stato al centro del marketing del film.
Il cast di Mortal Kombat 2
Mortal Kombat 2 è diretto da Simon McQuoid da una sceneggiatura scritta dallo sceneggiatore di Moon Knight Jeremy Slater. Il sequel vedrà il ritorno di Lewis Tan come Cole Young, Jessica McNamee come Sonya Blade, Josh Lawson come Kano, Tadanobu Asano come Lord Raiden, Mehcad Brooks come Jax, Ludi Lin come Liu Kang, Chin Han come Shang Tsung, Joe Taslim come Bi-Han e Sub-Zero, Hiroyuki Sanada nei panni di Hanzo Hasashi e Scorpion e Max Huang nei panni di Kung Lao.
Il sequel d’azione introdurrà anche una serie di nuovi personaggi oltre al Johnny Cage di Karl Urban, ovvero Adeline Rudolph (Resident Evil) nei panni di Kitana, Tati Gabrielle (You) nei panni di Jade, Martyn Ford (F9) nei panni dell’imperatore Shao Kahn, Damon Herriman di Mindhunter nei panni del demone di Netherrealm Quan Chi, Desmond Chiam (The Falcon and the Winter Soldier) nei panni del Re Edeniano Jerrod e Ana Thu Nguyen (Get Free) nei panni della Regina Sindel. Ulteriori dettagli sulla trama sono ancora tenuti nascosti. Il film è prodotto da James Wan, Michael Clear, Todd Garner e E. Bennet Walsh.
I Jonas Brothers cercano di tornare a casa per Natale nel trailer ufficiale di A Very Jonas Christmas Movie, il film che debutterà il 14 novembre su Disney+ in Italia e su Hulu negli Stati Uniti. Il trailer presenta anche il primo singolo tratto dal film, “Coming Home This Christmas” con Kenny G, ora disponibile su Spotify, Amazon Music, Apple Music e YouTube Music.
La colonna sonora originale di A Very Jonas Christmas Movie, prodotta da Hollywood Records/Republic Records e dall’executive music producer Justin Tranter, è disponibile per il Pre-Add e il Pre-Save e uscirà in formato digitale, su CD e su LP a partire dal 14 novembre.
La colonna sonora contiene sette brani inediti più tre tracce aggiuntive:
“Like It’s Christmas” (Live Version)*
“Best Night”
“Coming Home This Christmas” (feat. Kenny G)
“Home Alone”
“Feel Something”
“Remember When”
“Better Off Alone”
“Time”
“Sucker” (Live Version)*
“Like It’s Christmas” (Studio Version)*
Il film natalizio vanta un cast stellare, tra cui Kevin, Joe e Nick Jonas, che interpretano se stessi, Chloe Bennet (nel ruolo di Lucy), Billie Lourd (in quello di Cassidy), Laverne Cox (nel ruolo di Stacy), KJ Apa (nei panni di Gene), Andrew Barth Feldman (in quelli di Ethan), Andrea Martin (nel ruolo di Deb), Kenny G (in quello di se stesso), Justin Tranter (nel ruolo di se stesso), con Randall Park (nel ruolo di Brad) e Jesse Tyler Ferguson (in quello di Babbo Natale). Nel film anche alcuni camei speciali della famiglia Jonas.
In A Very Jonas Christmas Movie, Kevin, Joe e Nick Jonas affrontano una serie di ostacoli sempre più difficili mentre cercano di viaggiare da Londra a New York in tempo per trascorrere il Natale con le loro famiglie.
Kevin, Joe e Nick Jonas sono i produttori, insieme agli sceneggiatori Isaac Aptaker ed Elizabeth Berger (I Want You Back, This Is Us, Tuo, Simon), Adam Fishbach, Spencer Berman e Scott Morgan. La regia è di Jessica Yu (Quiz Lady, This Is Us), vincitrice di EmmyⓇ e di un Academy AwardⓇ, con musiche originali dell’executive music producer e candidato al GRAMMYⓇ Justin Tranter. Il film è prodotto da 20th Television, parte di Disney Television Studios.
Apple TV ha svelato le prime immagini e la data di uscita della tanto attesa seconda stagione di “L’ultima cosa che mi ha detto”, con Jennifer Garner nel ruolo di protagonista e produttrice esecutiva, insieme ai membri del cast della prima stagione Angourie Rice, David Morse eNikolaj Coster-Waldau, e alle nuove aggiunte Judy Greer e Rita Wilson. Basata sul sequel dell’acclamato romanzo di Laura Dave, al primo posto nella classifica dei best seller del New York Times e selezionato dal Reese’s Book Club, la seconda stagione di otto episodi farà il suo debutto il 20 febbraio 2026 su Apple TV.
Nella seconda stagione di “L’ultima cosa che mi ha detto”, quando Owen (Coster-Waldau) ricompare dopo cinque anni di latitanza, Hannah (Garner) e la sua figliastra Bailey (Rice) si ritrovano in una corsa contro il tempo per capire come riunire la loro famiglia prima che il passato li raggiunga.
La seconda stagione dà il benvenuto anche a nuovi arrivi e a volti noti come Augusto Aguilera, Josh Hamilton, Nick Hargrove, Michael Galante, John Noble, Michael Hyatt e Luke Kirby.
In vista della premiere della seconda stagione, il pubblico potrà approfondire la storia con il sequel avvincente e commovente scritto da Laura Dave, “The First Time I Saw Him”, disponibile dal 6 gennaio 2026. Da leggere o ascoltare su Apple Books prima di godersi il viaggio mozzafiato di Hannah Hall (Garner) sullo schermo.
“L’ultima cosa che mi ha detto” è prodotto da 20th Television e da Hello Sunshine di Witherspoon, parte di Candle Media. Creato e adattato da Laura Dave, insieme al co-creatore vincitore dell’Oscar® Josh Singer, la serie è stata la prima collaborazione tra i coniugi Dave e Singer, che ricoprono entrambi il ruolo di produttori esecutivi insieme a Garner e a Witherspoon e Neustadter per conto di Hello Sunshine. Il candidato agli Emmy Aaron Zelman si unisce alla seconda stagione come co-showrunner e produttore esecutivo insieme a Singer. Anche Daisy von Scherler Mayer e Merri D. Howard ricoprono il ruolo di produttori esecutivi.
La prima stagione di “L’ultima cosa che mi ha detto” è disponibile in streaming su Apple TV.
Pubblicato per la prima volta in edizione cartacea da Simon & Schuster nel 2021, il romanzo “L’ultima cosa che mi ha detto” è stato selezionato dal Reese’s Book Club, diventando immediatamente il numero 1 nella classifica dei bestseller del New York Times e rimanendo in ranking per più di 80 settimane, con oltre 5 milioni di copie vendute in tutto il mondo. Ha vinto il Goodreads Choice Award per il miglior thriller/giallo del 2021 ed è stato nominato miglior libro dell’anno da Amazon nel 2021 e miglior libro dell’anno da Apple nello stesso anno; inoltre, nel 2022, è stato uno dei libri più diffusi nelle biblioteche di tutta l’America, nonché l’e-book più popolare. Il romanzo è stato accolto con entusiasmo in 39 paesi in tutto il mondo, compreso il Regno Unito, dove è stato selezionato dal Richard and Judy Book Club.
L’Uovo dell’Angelo (Tenshi no Tamago / Angel’s Egg), film d’animazione diretto da Mamoru Oshii (1985), arriva per la prima volta nelle sale italiane come evento speciale di una settimana dal 4 al 10 dicembre.
La nuova versione restaurata in 4K, realizzata a partire dai materiali originali in 35mm, è stata presentata in anteprima internazionale all’ultimo Festival di Cannes, all’interno della sezione Cannes Classics.
Mamoru Oshii, regista e sceneggiatore, indaga nelle sue opere temi esistenziali, spirituali e filosofici attraverso un linguaggio visivo profondamente evocativo. Prima di raggiungere la fama internazionale con Ghost in the Shell (1995), aveva delineato la sua poetica proprio ne L’Uovo dell’Angelo, un’opera onirica e carica di significato.
Diventato un film di culto dell’animazione giapponese, L’Uovo dell’Angelo è caratterizzato da una forte componente simbolica e da un approccio visivo e narrativo sperimentale. Ambientato in un mondo deserto e sospeso, racconta l’incontro tra una giovane ragazza che custodisce un uovo misterioso e un guerriero errante.
La direzione artistica e il character design sono ad opera di Yoshitaka Amano, illustratore e artista di fama internazionale, noto per il suo contributo all’animazione giapponese e al mondo dei videogiochi, in particolare per la saga di Final Fantasy.
La trama di L’Uovo dell’Angelo
Una ragazza custodisce un misterioso uovo in un mondo desolato, ai margini di una città gotica abbandonata. L’incontro con un enigmatico viandante dà inizio a un viaggio simbolico e visionario, fatto di dialoghi accennati, domande spesso senza risposta e riflessioni aperte alle più svariate interpretazioni.
Come già accaduto in Taxi Teheran o No Bears, Panahi fa della semplicità un punto di forza. La messa in scena è scarna, ma ogni elemento — un’inquadratura fissa, un silenzio prolungato, un rumore fuori campo — ha un peso specifico. E se il film prende spunto da un’esperienza personale, Panahi evita l’autobiografismo diretto per costruire un racconto corale, in cui l’Iran contemporaneo è rappresentato attraverso una serie di volti e storie che si intrecciano nella precarietà della sopravvivenza.
I progetti di Hollywood sulla caccia ai nazisti come Bastardi senza gloria, Sisu e Hunters di 
Dopo che Skeet Ulrich di Scream ha confermato la sua partecipazione a Five Nights at Freddy’s 2, il trailer rivela finalmente la sua prima apparizione, apparentemente nei panni di Henry Emily. Mentre Mike indaga, scopre la verità su ciò che è successo alla sua defunta figlia dopo aver saputo dei cinque bambini scomparsi.
