Mentre la Paramount si prepara a rilanciare la serie cinematografica Star Trek, lo studio ha ora trovato il duo che scriverà, dirigerà e produrrà il prossimo film. Dopo che J.J. Abrams ha riportato in auge la serieStar Trek con Chris Pine in tre film dal 2009 al 2016, c’era la speranza che il cast si riunisse per un quarto film. Tuttavia, dopo essere rimasto bloccato per anni in una fase di sviluppo, la Paramount ha deciso di rilanciare nuovamente la serie cinematografica.
Deadline riporta che Jonathan Goldstein e John Francis Daley, il duo dietro Dungeons & Dragons, sono pronti a dare nuova vita a Star Trek come registi, produttori e sceneggiatori di un film completamente nuovo.
La prossima produzione non vedrà la partecipazione degli stessi attori dei precedenti film di J.J. Abrams, in cui Chris Pine interpretava il capitano Kirk insieme a Zachary Quinto nei panni di Spock, Zoe Saldaña in quelli di Uhura e altri ancora. Il rapporto indica anche che il nuovo film di Star Trek presenterà nuovi personaggi invece di essere legato a nessuna delle serie o dei film precedenti.
Goldstein e Daley hanno già lavorato insieme su franchise esistenti. Hanno scritto la sceneggiatura diSpider-Man: Homecoming, il primo film di Spider-Man nell’MCU, con Tom Holland nel ruolo del supereroe dopo la sua introduzione in Captain America: Civil War.
Sei anni dopo, il duo ha scritto e diretto Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves, che ha rilanciato il popolare gioco di ruolo sul grande schermo dopo la trilogia originale. Il film ha ottenuto il 91% su Rotten Tomatoes.
Prima di Star Trek, il loro prossimo progetto è Mayday, un film d’azione con Ryan Reynolds, Kenneth Branagh e Maria Bakalova, che secondo quanto riferito ha ricevuto grandi elogi dalle proiezioni di prova. La data di uscita su Apple TV non è stata ancora rivelata.
Il film reboot di Star Trek è ancora nelle prime fasi di sviluppo, quindi i dettagli della trama e del cast sono sconosciuti. Tuttavia, il prossimo reboot potrebbe affrontare alcune sfide se intraprenderà una nuova direzione e presenterà personaggi sconosciuti.
L’era dello streaming del franchise ha introdotto diversi nuovi personaggi, come Michael Burnham di Discovery, ma ha anche puntato sulla nostalgia con il ritorno di Patrick Stewart in Picard. Strange New Worlds ha importanti collegamenti con The Original Series e ha persino scritturato Ethan Peck nel ruolo dell’iconico Spock, per metà vulcaniano.
Discovery e Lower Decks hanno dimostrato che il franchise di Star Trek è ancora in grado di creare contenuti di alta qualità per il piccolo schermo. Tuttavia, il grande schermo è ancora inesplorato in questo senso, poiché ogni singolo film di Star Trek per il grande schermo nel corso degli anni si è concentrato sui personaggi della serie originale e di The Next Generation.
Tuttavia, ciò che il prossimo reboot di Star Trek ha a suo favore è l’aggiunta di Goldstein e Daley come registi, produttori e sceneggiatori. La loro presentazione alla Paramount deve essere stata molto impressionante per convincere lo studio ad assumerli.
La loro storia insieme in diversi ruoli dietro la telecamera ha dimostrato che hanno ciò che serve per infondere nuova energia alle grandi proprietà, quindi anche se la loro versione di Star Trek presenterà nuovi personaggi, se c’è qualcuno che può riuscirci, quelli sono Goldstein e Daley.
Dopo 30 anni, gli Screen Actors Guild Awards cambiano nome. La cerimonia di premiazione ha debuttato sulla NBC nel 1995, con George Burns che ha ricevuto il Lifetime Achievement Award e attori come Tom Hanks, Jodie Foster, Dianne Wiest e Helen Hunt che sono stati proclamati vincitori.
I SAG Awards sono presentati dalla Screen Actors Guild, che nel 2012 si è fusa con l’American Federation of Television and Radio Artists (AFTRA). A settembre, la SAG-AFTRA ha eletto Sean Astincome presidente. Tredici anni dopo la fusione tra SAG e AFTRA, il sindacato ha deciso di ridimensionare il ruolo della SAG nel nome della cerimonia di premiazione, rinominando la trasmissione televisiva The Actor Awardspresented by SAG-AFTRA (o The Actor Awards, in breve), secondo quanto riportato da Deadline.
Il motivo di questo cambiamento è che il nome non solo riflette l’attuale posizione dell’organizzazione, ma è anche in linea con la statuetta stessa, che si chiama The Actor. In una dichiarazione, il produttore esecutivo di The Actor Awards Jon Brockett ha affermato che questo importante cambiamento è semplicemente un riflesso dell’“evoluzione” dello show, pur mantenendo l’attenzione “interamente sugli attori”.
“Fin dall’inizio, la nostra statuetta si è chiamata “The Actor” e il nostro show è interamente dedicato agli attori, quindi questo nuovo nome è il passo successivo perfetto nell’evoluzione dello show. The Actor Awards presentato da SAG-AFTRA offre agli spettatori di oltre 190 paesi una comprensione immediata di chi siamo e di cosa facciamo”.
L’attrice JoBeth Williams, che ha ricoperto il ruolo di presidente della SAG Foundation e del Comitato dei SAG Awards, ha aggiunto che l’organizzazione voleva rendere “chiarissimo al pubblico” che gli Actor Awards sono uno spettacolo “incentrato sugli attori”, non solo per i vincitori stessi, ma anche per il fatto che i membri votanti sono anch’essi attori.
“In qualità di attrice, membro di lunga data della SAG-AFTRA e presidente del Comitato dei Premi, ho sempre apprezzato il fatto che il nostro show sia incentrato sugli attori – attori che votano per attori – perché comprendiamo innatamente il lavoro che sta dietro a una performance. Gli Actor Awards lo rendono chiarissimo al pubblico di tutto il mondo: quando si sintonizzano, sanno che vedranno i loro attori preferiti celebrati da coloro che conoscono veramente il mestiere”.
Williams, in qualità di membro del Comitato Premi, ha collaborato con SAG-AFTRA dall’inizio alla fine. Hanno approvato il nuovo nome e poi hanno garantito un lancio senza intoppi. Questo annuncio arriva circa un mese prima dell’inizio delle votazioni per le nomination, il 15 dicembre, che verranno poi svelate il 7 gennaio. A causa di questo breve lasso di tempo, SAG-AFTRA ha deciso che le campagne degli studi possono ancora utilizzare il nome SAG Awards per promuovere i propri programmi e le proprie star, ma solo per l’attuale stagione dei premi.
L’hype per l’adattamento di Nolan dell’Odissea di Omero ha raggiunto nuovi livelli per il regista, dato che Cinemark sta aggiungendo altri cinema IMAX in vista dell’uscita del film il prossimo anno. I biglietti per il film del 2026 sono stati messi in vendita con un anno di anticipo, a dimostrazione dell’impatto della popolarità di Nolan nell’attuale panorama hollywoodiano.
La scorsa estate, il teaser trailer di Odissea è stato proiettato in esclusiva prima di Jurassic World Rebirth. L’anteprima mostrava il personaggio di Tom Holland che parlava con il misterioso personaggio interpretato da Jon Bernthal, mentre discutevano di suo padre Ulisse. Il teaser trailer è stato presentato in anteprima, ma non è disponibile online.
Anche Charlize Theron è entrata a far parte del cast del film di Nolan, poiché secondo quanto riferito è stata scelta per interpretare la famosa Circe, anche se non ha ancora confermato il suo ruolo. La maggior parte dei personaggi è tenuta segreta, ma si prevede che diversi dei greci appariranno in The Odyssey.
Nolan ha anche ingaggiato John Leguizamo, Himesh Patel, Samantha Morton, Bill Irwin, Rafi Gavron, Nick E. Tarabay, Iddo Goldberg, Josh Stewart, Logan Marshall-Green e Jovan Adepo. Secondo The Hollywood Reporter, il colossale film della Universal Pictures ha un budget stimato di 250 milioni di dollari.
The Odyssey di Christopher Nolan uscirà nelle sale il 17 luglio 2026.
Zootopia 2 vanta un cast stellare che interpreta gli animali residenti nelle località che danno il titolo al film, tra cui Michael J. Fox di Ritorno al futuro, il cui personaggio è stato ora rivelato. Seguito del film vincitore dell’Oscar nel 2016 Zootopia, il sequel segue nuovamente Judy Hopps (Ginnifer Goodwin) e Nick Wilde (Jason Bateman), rispettivamente una coniglietta e una volpe.
Mentre Judy e Nick, ora entrambi membri delle forze di polizia di Zootopia, indagano su un nuovo caso e cercano di appianare le difficoltà nella loro dinamica lavorativa, incontreranno una miriade di nuovi personaggi. Questi ruoli sono doppiati da Ke Huy Quan, Fortune Feimster, Andy Samberg, Macaulay Culkin, Stephanie Beatriz, Yvette Nicole Brown e molti altri.
Tramite Instagram, Disney Animation ha condiviso nuove immagini dei personaggi di Zootopia 2, tra cui una volpe apparentemente incarcerata chiamata “Michael J. the Fox”, doppiata da Michael J. Fox. Nick era un truffatore, quindi lui e questo personaggio potrebbero essersi già incontrati in passato e si ritrovano inaspettatamente nel nuovo film. Guarda l’immagine di Michael the Fox qui sotto:
I migliori film di Michael J. Fox includono ovviamente Ritorno al futuro, ma tra i suoi crediti più famosi figurano anche Mars Attacks!, The Frighteners, Family Ties, Spin City e The Good Wife. Le sue precedenti interpretazioni come doppiatore comprendono Stuart Little, Atlantis – L’impero perdutoe Phineas e Ferb, che lo hanno preparato per questo ruolo, anche se potrebbe essere piccolo.
Zootopia 2 dovrebbe incassare fino a 125 milioni di dollari nel suo primo weekend, dopo che Zootopia ha incassato 75 milioni di dollari nove anni fa. Zootopia 2 condividerà il box office con Wicked: For Good, in uscita una settimana prima, anche se i due film hanno il potenziale per rafforzarsi a vicenda attirando più famiglie al cinema in generale.
Zootopia ha grandi aspettative da soddisfare, dato che il suo predecessore ha incassato 1 miliardo di dollari in tutto il mondo e detiene ancora il 98% su Rotten Tomatoes. Ma il nuovo film ha il vantaggio di essere il seguito di un IP popolare, oltre a rivolgersi a un pubblico più ampio, compresi gli spettatori più giovani. Per finire, il gran numero di star in ruoli ironici potenzierà il divertimento degli adulti.
Zootopia 2 uscirà nelle sale il 26 novembre, riportando Judy e Nick al cinema e introducendo una nuova serie di personaggi divertenti e potenzialmente amati.
In Your Dreams è una dolce storia sulla famiglia, con un finale incentrato sulle conseguenze dello scontro della famiglia con Sandman. In Your Dreams segue Stevie ed Elliot mentre intraprendono un’avventura nel mondo dei sogni nella speranza di ottenere un desiderio dal presunto onnipotente Sandman.
Lungo il percorso, i due riescono a superare i propri problemi e finalmente raggiungono la forza mistica. Tuttavia, la verità sui suoi poteri crea il vero conflitto e il climax del film, mettendo in evidenza i temi del film sull’importanza della famiglia di fronte a un mondo imperfetto.
Il Sandman è l’antagonista di In Your Dreams
Nonostante sia presentato come una figura buona nella prima metà di In Your Dreams, il Sandman è l’antagonista finale del film e la forza che Stevie, Elliot e la loro famiglia devono superare. Per gran parte del film, Stevie ed Elliot sono alla ricerca del Sandman.
Convinti che lui abbia il potere di impedire alla loro famiglia di andare in pezzi, i due riescono alla fine a sfuggire alle varie sfide di Nightmara e ad arrivare al castello del Sandman. Tuttavia, una volta lì, scoprono che il Sandman può solo regalare loro un sogno in cui ciò si avvera.
Mentre Elliot riesce a resistere alla tentazione, Stevie viene attirata in questa fantasia. Questo la lascia in coma nel mondo reale, e l’unico modo per salvarla è un disperato tentativo di salvataggio da parte della sua famiglia. La svolta malvagia del Sandman non è nata dalla malizia o dall’intento malvagio.
Come Nightmara spiega a Elliot quando si incontrano, Sandman lavorava al suo fianco per garantire che le persone trovassero conforto e coraggio sia nei loro sogni belli che in quelli brutti. Tuttavia, Sandman ha iniziato a vedere solo il valore dei sogni felici, anche se erano quelli da cui le persone non potevano sfuggire.
Sandman soffre dello stesso difetto interiore di Stevie, con una riluttanza ad accettare le verità più dure e le possibilità più tristi che la vita comporta. La sua decisione iniziale di cedere a lui nasce dal desiderio di non lasciare mai che la sua vita felice cambi, cosa che lui incoraggia e sostiene che lei dovrebbe accettare.
Tuttavia, questo comporta una fantasia in cui suo fratello non esiste. Rendersi conto che i conflitti e le sfide comportano anche nuove esperienze e nuovi amori è ciò che scuote Stevie dall’illusione che Sandman avesse ragione, portandola a cercare di sfuggirgli.
In Your Dreams adotta un approccio intelligente al conflitto centrale della narrazione, rivelando che il desiderio di Sandman e Stevie di chiudersi in un luogo felice non è altro che un modo per nascondersi dal mondo. Invece, affrontando Sandman e accettando che il cambiamento è inevitabile, Stevie non solo si libera, ma aiuta anche la sua famiglia a ricompattarsi.
Cosa succede alla famiglia di Stevie ed Elliot
Gran parte del dramma in In Your Dreams deriva dalla paura di Stevie che i conflitti coniugali dei suoi genitori portino alla separazione. Mentre il padre vuole rimanere nella loro casa di famiglia e portare avanti i suoi sogni di musicista, la madre ha accettato una nuova strada per sé stessa e vuole che si trasferiscano per un potenziale nuovo lavoro di insegnante.
Alla fine del film, il pericolo che incombe su Stevie riunisce i genitori e li vede lavorare insieme per aiutare a salvare la loro figlia. In seguito, diventa chiaro che il percorso personale di Stevie ha aiutato entrambi a riconoscere l’importanza della loro famiglia e come questa sia migliore di qualsiasi singolo sogno.
Una delle correnti emotive sottese a In Your Dreams è la rivelazione che papà e mamma facevano parte di una band insieme e in origine avevano grandi aspirazioni di successo musicale. Tuttavia, mentre la mamma ha modificato le sue aspettative una volta che hanno avuto una famiglia, il papà ha continuato a sperare che potessero realizzare quel sogno.
In questo senso, il papà è intrappolato dai sogni proprio come Stevie, mettendo da parte la loro vera famiglia nella speranza di un’aspirazionale versione ideale del mondo. Alla fine, entrambi devono rinunciare al sogno (metaforicamente per il papà, letteralmente per Stevie) in modo da potersi riunire nel mondo reale.
Questo non significa che le loro speranze siano svanite, però. Il film si conclude con Stevie soddisfatta del rinnovato legame tra i membri della sua famiglia, anche se riconosce che la vita a volte può essere complicata. Al contrario, papà fa notare che formerà una nuova band nella loro nuova città, mantenendo vive le sue speranze anche mentre si adatta alle esigenze della sua famiglia.
Il vero significato di In Your Dreams
In Your Dreams è un film che parla della famiglia e di come essa sia più preziosa di qualsiasi aspirazione o gioia superficiale. Il grande arco narrativo di Stevie nel film è quello di riconoscere che ama suo fratello e tutto il caos che lui porta nella sua vita. La sua vita apparentemente idealizzata non lo avrebbe accettato, e lei si rende presto conto che le manca qualcosa.
Mamma e papà passano gran parte del film a discutere delle loro prospettive lavorative e del loro futuro insieme, ma si riuniscono per difendere i loro figli e alla fine imparano a scendere a compromessi sui desideri personali per il bene della famiglia nel suo insieme. Insieme, la famiglia può superare le sue sfide.
In Your Dreams è una dolce storia sull’importanza della famiglia, che sottolinea come le sfide difficili possano spaventare, ma rendano le persone più forti per averle superate. Nonostante inizialmente venga presentata come un mostro, Nightmara alla fine aiuta Elliot e spiega persino che gli incubi non sono solo spaventosi, ma servono ad aiutare le persone a scoprire la loro determinazione.
I sogni più felici del mondo a volte non sono la chiave per la vera felicità. Invece, l’amore è la chiave, che si tratti dell’amore dei genitori, di una coppia sposata, dei legami tra fratelli o della consapevolezza di sé. In Your Dreams parla proprio di questi legami e di ciò che li rende più preziosi di qualsiasi versione idealizzata del mondo.
Avatar: Fuoco e Cenere sta per complicare davvero la trama per il cattivo che ritorna nel film, con James Cameron che anticipa una nuova alleanza sorprendente. Dopo il successo di Avatar: La via dell’acqua del 2022, il terzo capitolo della saga di Avatar riporta sullo schermo una serie di volti noti, tra cui Jake Sully (Sam Worthington) e Miles Quaritch (Stephen Lang).
In un’intervista con Empire, Cameron ha parlato di ciò che accadrà a Quaritch nel nuovo film, promettendo un viaggio tematico complicato per l’antagonista resuscitato, alle prese con la sua vera identità. Il personaggio di Lang inizia a porsi delle domande su se stesso, e il figlio Spider (Jack Champion) è al centro di questa riflessione.
“Quaritch sta attraversando una crisi d’identità. Il suo interesse per il figlio biologico della sua forma precursore biologica è tutto incentrato sul tentativo di definire: ‘Sono una persona completamente nuova? Sono vincolato dalle regole e dai comportamenti della persona di cui ho impresso i ricordi e la personalità?’. È un vero dilemma esistenziale per lui in senso filosofico”. Questa riflessione su se stesso potrebbe portare a una svolta interessante, suggerisce Cameron.
“A che punto supererà quella linea e si renderà conto di essere più Na’vi che umano?”, chiede il regista. Una parte importante del viaggio di Quaritch potrebbe riguardare una crescente connessione con Eywa, la coscienza di Pandora, dice Cameron. “Potrebbe connettersi, potrebbe collegarsi – Jake vuole che lo faccia”, anticipa il regista. “Non voglio dirvi come andrà a finire, ma vedremo come si svolgerà tutto questo, perché Jake preferirebbe avere questo tizio dalla sua parte”.
Un’alleanza instabile tra Jake e Quaritch, quindi, non sembra essere fuori discussione in Avatar: Fuoco e Cenere, dato che i due personaggi si rendono conto di avere obiettivi comuni. “È molto poco interessante avere solo due persone che cercano di uccidersi a vicenda per tre film, quindi la trama diventa molto più intricata”, dice Cameron. “L’anima di Quaritch è molto presente nel terzo film”.
Le ultime anticipazioni di Cameron a Empire sulla trama di Avatar: Fuoco e Cenere sono accompagnate da due nuove immagini del film (le si può vedere qui). Una mostra Jake, tutto insanguinato, che cerca drammaticamente di raggiungere qualcosa (o qualcuno), mentre l’altra mostra Quaritch in un momento di tranquillità.
Quaritch, lo ricordiamo, è morto durante lo scontro finale con Jake nel primo Avatar, ma è tornato nel sequel come “ricombinante”, un corpo Na’vi su cui sono stati impressi i ricordi di Quaritch. Il personaggio di Lang rimane un cattivo chiave nel sequel, ma il finale di Avatar: La via dell’acqua suggerisce che provi un amore sincero per Spider, il figlio biologico dell’umano Quaritch.
Avatar: La via dell’acqua mostra anche Quaritch che affronta un rito di passaggio Na’vi sotto forma di addestramento del proprio Ikran, e Spider gli insegna persino alcune parole della lingua Na’vi. I trailer di Avatar: Fuoco e Cenere hanno anticipato un’alleanza tra Quaritch e gli antagonisti del Popolo della Cenere, ma i commenti di Cameron suggeriscono che il percorso di Quaritch nel film completo potrebbe riservare molte altre sorprese.
L’evoluzione di Quaritch ha importanti implicazioni per il futuro del franchise. Avatar 4 e Avatar 5 sono stati scritti e sono pronti per essere girati, e Cameron ha suggerito che la loro realizzazione dipenderà dal successo di Avatar: Fuoco e Cenere. Supponendo che ci sia ancora richiesta da parte del pubblico per il franchise di fantascienza di successo, il quarto e il quinto film potrebbero presentare un Quaritch molto diverso.
Avatar: Fuoco e Cenere è il prossimo capitolo della saga di James Cameron
Con Avatar: Fuoco e Cenere, James Cameron riporta il pubblico su Pandora in una nuova avventura coinvolgente con Jake Sully (Sam Worthington), marine diventato leader dei Na’vi, la guerriera Na’vi Neytiri (Zoe Saldaña) e la famiglia Sully. Il film, con sceneggiatura di Cameron, Rick Jaffa e Amanda Silver e soggetto di Cameron, Jaffa, Silver, Josh Friedman e Shane Salerno, vede anche la partecipazione di Sigourney Weaver, Stephen Lang, Oona Chaplin, Cliff Curtis, Britain Dalton, Trinity Bliss, Jack Champion, Bailey Bass e Kate Winslet.
Si dice che il film rappresenterà un’evoluzione importante della storia avviata con Avatar (2009) e proseguita con Avatar – La via dell’acqua(2022), espandendo ulteriormente l’universo narrativo di Pandora e introducendo nuove aree geografiche e culture Na’vi, con toni più cupi rispetto ai precedenti capitoli. Cameron ha dichiarato inoltre che questo terzo episodio segnerà un punto di svolta tematico per l’intera saga. Uno degli aspetti più attesi riguarda l’introduzione del Popolo della Cenere, una tribù Na’vi legata all’elemento del fuoco.
A differenza delle popolazioni Na’vi viste finora, questi sono caratterizzati da una visione più aggressiva e conflittuale del mondo, portando per la prima volta un punto di vista Na’vi antagonistico. Questo consentirà alla saga di esplorare dinamiche interne al mondo indigeno di Pandora, complicando la tradizionale dicotomia tra Na’vi pacifici e umani colonizzatori. Leader di questo popolo è la temuta Varang, interpretata da Oona Chaplin e di cui negli scorsi giorni era state diffuse alcune immagini ufficiali.
Cameron ha anche anticipato che Avatar: Fuoco e Cenere conterrà un importante sviluppo narrativo che ricollegherà alcuni eventi ai futuri capitoli già in lavorazione. La tecnologia continuerà a giocare un ruolo centrale: Cameron ha promesso nuove innovazioni visive, in particolare nella resa degli ambienti vulcanici e nelle sequenze incentrate sul fuoco. Questo terzo film si preannuncia dunque come un capitolo chiave per l’espansione tematica, politica e visiva dell’universo di Avatar.
Avatar: Fuoco e Cenere sarà al cinema il 17 dicembre 2025.
In arrivo nelle sale italiane dal 19 novembre, 40 secondi è il nuovo film del regista Vincenzo Alfieri, prodotto e distribuito dalla Eagle Pictures. Sulla scia di Il ragazzo dai Pantaloni Rosa, Roberto Proia porta al cinema un altro tragico fatto di cronaca con protagonisti dei ragazzi giovanissimi che hanno smarrito la strada, forse non l’hanno mai trovata, e una tragedia irreparabile: la morte di un innocente.
La pellicola ripercorre la storia realmente accaduta di Willy Monteiro Duarte, vittima di omicidio e medaglia d’oro al valore civile alla memoria. Venne ucciso durante un pestaggio il 6 settembre 2020 a Colleferro nel tentativo di difendere un amico in difficoltà. Il titolo dell’opera vuole rappresentare il breve periodo di tempo in cui gli eventi sono accaduti.
Ma chi sono i volti a cui è affidata questa storia? Ecco una guida al cast e ai personaggi di 40 secondi:
Cortesia di Eagle Pictures
Francesco Gheghi è Maurizio: il giovane interprete, trai più bravi della sua generazione, interpreta Maurizio. Nel film, il ragazzo è una delle vittime del degrado della periferia romana, che vuole entrare a tutti i costi nelle grazie dei “gemelli”, veri e proprio boss di quartiere, che alimentano il mito della violenza e dello spaccio come status a cui ambire. Il ragazzo si troverà coinvolto sul malgrado nella rissa, rappresentando perfettamente quanto il male possa essere banale e inconsapevole.
Francesco Di Leva è Ludovico: il premiato e amato attore napoletano interpreta il commissario a cui viene affidata l’indagine a seguito della rissa e della morte di Willy. Il suo personaggio viene presentato come un membro della comunità che resiste al degrado e che prova a fare la differenza.
Sergio Rubini è il Prof: in un ruolo secondario, quello del Prof, Rubini rappresenta in qualche modo la società sana che consapevolmente convive accanto al marcio rappresentato dai “gemelli”. Rossella (Chiara Celotto), figlia del suo personaggio, è la compagna di Lorenzo che aspetta il suo bambino ed è emotivamente schiava di questo giovane uomo, già così perso.
Justin De Vivo è Willy: a lui è stato affidato il ruolo del protagonista, quel giovane di belle speranze e di grandi sogni che, per porre fine a una lite, è finito in mezzo a una rissa che gli è costata la vita. Il suo ruolo è chiaramente quello dell’eroe tragico, tuttavia il film non si risparmia dal raccontarlo come un ragazzo normale, con le sue asperità e i suoi difetti, pur proponendo il suo approccio alla vita come una sana alternativa alla strada facile e violenta dei “gemelli”.
Enrico Borello è Cosimo: tirapiedi sfigato dei “gemelli”, Cosimo è il punto di unione tra Maurizio e i due veri villain della storia. Borello, che abbiamo visto di recente in La Città Proibita di Gabriele Mainetti, ritrae un giovane sbandato e senza qualità, che si lascia trascinare dalla corrente e della banalità del male che lo circonda.
Beatrice Puccilli è Michelle: a suon di piccoli ruoli in produzioni importanti, Puccilli sta costruendo per sé una solida carriera che si impreziosisce con la parte di Michelle, una ragazza di periferia che ha l’ambizione e l’apertura mentale di desiderare altro rispetto a quello che la circonda. Michelle è una ragazza che sogna di uscire dalla bolla provinciale di Colleferro e si scontra con l’oscurantismo di chi invece non vede altro che il suo piccolo giardino. Suo malgrado, sarà la scintilla che darà inizio all’incendio che esplode nella tragica conclusione della vicenda.
Giordano Giansanti e Luca Petrini sono Federico e Lorenzo: entrambi esordienti, Giansanti e Petrini hanno l’arduo compito di portare sul grande schermo i fratelli Bianchi, che, dal momento che i due sono protagonisti di vicende giudiziarie non ancora concluse, non hanno questo nome nella ricostruzione cinematografica di Alfieri. Vittime di una cultura del machismo e della violenza, Federico e Lorenzo governano a suon di sprangate Colleferro, sono riveriti e temuti, molto invidiati e quasi adorati da chi vorrebbe entrare nelle loro grazie, come gli stessi Cosimo e Maurizio, burattini sciocchi nelle loro mani.
Scritto da Vincenzo Alfieri con Giuseppe G. Stasi, 40 secondi è tratto dal libro 40 secondi. Willy Monteiro Duarte. La luce del coraggio e il buio della violenza di Federica Angeli (Baldini+Castoldi). Prodotto e distribuito da Eagle Pictures — la stessa casa di produzione e di distribuzione de Il ragazzo dai pantaloni rosa — 40 secondi arriverà nelle sale italiane il 19 novembre 2025.
Il 17 novembre 2025 alle ore 9.30 si terrà l’anteprima nazionale dedicata alle scuole, un evento speciale realizzato in collaborazione con Eagle Pictures e Circuito Cinema Scuole. L’iniziativa sarà arricchita da una live streaming in diretta con il regista e il cast, offrendo agli studenti l’opportunità di confrontarsi sui temi al centro del film.
Il film Challengers (qui la recensione) – diretto da Luca Guadagnino e scritto da Justin Kuritzkes – ha lasciato molti fan a chiedersi se la trama del film fosse ispirata a fatti realmente accaduti. In esso si racconta la storia di Tashi Duncan (Zendaya), una campionessa di tennis che diventa allenatrice dopo un infortunio che le ha fatto terminare la carriera. Mentre aiuta il marito Art Donaldson (Mike Faist) a uscire dalla sua serie di sconfitte, la coppia si trova ad affrontare un volto del passato, quello dell’ex amante di Tashi e dell’ex migliore amico di Art, Patrick Zweig (Josh O’Connor), che riscalda la loro imminente partita e riaccende vecchi sentimenti. Ma cosa c’è di vero in questa vicenda?
Challengers non è basato su una storia vera o su un personaggio reale
Sebbene molti fan abbiano ipotizzato che il film Challengers con Zendaya sia basato su una storia vera, il film è in realtà un’idea originale che si è solo ispirata a eventi reali. Kuritzkes ne ha parlato durante la sua intervista a RadioTimes, affermando che i personaggi sono completamente inventati. Tuttavia, ha anche dichiarato di essersi ispirato a molti personaggi e eventi reali del mondo del tennis, nonché a molte fonti che trattano di questo mondo, tra cui il libro Open di Andre Agassi. Inoltre, Zendaya ha cercato di aggiungere ulteriore realismo al film, allenandosi per tre mesi con un ex tennista professionista.
La sceneggiatura di Challengers è stata ispirata da una partita di tennis reale
Sebbene la storia di Challengers non sia basata su un gruppo specifico di persone o eventi, Kuritzkes ha però affermato di essersi ispirato a una partita di tennis realmente avvenuta, aggiungendo un tocco di realtà alla storia di fantasia. Kuritzkes stava infatti guardando la finale degli US Open 2018 tra Naomi Osaka e Serena Williams. Durante la partita, la Williams è stata penalizzata per aver ricevuto consigli dal bordo campo, una regola che Kuritzkes non conosceva bene. Nonostante le proteste della Williams, la penalità è stata confermata e Kuritzkes è rimasto colpito dal potenziale cinematografico della situazione.
Kuritzkes ha approfondito la ricerca, esaminando storie e fonti come Open e concentrando la narrazione del film sull’idea di essere un professionista in uno sport che non si ama più. Questo punto di vista aggiunge molto di più a Challengers rispetto ad altri film sul tennis o sullo sport in generale, che non sempre considerano come sia affrontare una devastante perdita di scopo dopo aver lavorato per anni per raggiungere la fama. Challengers non solo esamina questa questione, ma analizza anche fino a che punto una persona sarebbe disposta ad arrivare per mantenere il potere che le è rimasto dentro e fuori dal campo.
L’ispirazione specifica per il personaggio di Zendaya, Tashi Duncan, è però arrivata quasi un anno dopo, mentre Kuritzkes guardava la finale di Wimbledon 2019 tra Novak Djokovic e Roger Federer. Lì ha notato la moglie di Roger, Mirka Federer, che assisteva alla partita. “Sembrava così stressata, ad ogni punto”, ha detto Kuritzkes a GQ. “La guardavo e pensavo: ‘Perché sei così stressata? Avete tutti i soldi del mondo. Hai vinto 20 tornei del Grande Slam. Cosa ti stressa così tanto? Deve esserci qualcos’altro’”. Ha così approfondito la storia di Mirka e ha scoperto che era una tennista prima che un infortunio interrompesse la sua carriera.
“È diventata una specie di manager di Federer e ha gestito la sua vita”, spiega Kuritzkes. “Lui le attribuisce gran parte del merito del suo successo”. Questo è assolutamente simile alla Tashi di Zendaya, la cui carriera tennistica nel film si interrompe per via di un infortunio al ginocchio. Da quel momento lei dedica tutte le sue energie ad allenare suo marito, Art, e a gestire la sua carriera. Mirka “continua a svolgere un ruolo importante e ha un grande contributo e impatto”, ha detto uno degli allenatori di Federer al New York Times nel 2012.
Nel frattempo, Zendaya ha parlato di come Serena e Venus Williams abbiano ispirato la sua performance. “Sono delle icone e le ammiro entrambe moltissimo, non solo per ciò che hanno realizzato nello sport, ma anche per qualcosa che va oltre: il loro impatto e la loro importanza per tantissime persone, in particolare per le donne di colore”, ha affermato l’attrice. Come sempre succede, dunque, sebbene Challengers non sia direttamente ispirato ad una storia vera, è debitore di alcuni eventi o personaggi che sono stati spunto per la scrittura della storia.
Quando si parla di film intensi e adrenalinici, John Woo è un regista d’azione leggendario. Si è fatto un nome in Asia prima di approdare a Hollywood. Man mano che si evolveva in Nord America, ha contribuito a definire gli anni ’90 con capolavori del genere come Broken Arrow, Mission: Impossible 2e Face/Off – Due facce di un assassino. Nel 2023, Woo è poi tornato sulla scena nordamericana, 20 anni dopo il suo ultimo film in lingua inglese, per realizzare Silent Night – Il silenzio della vendetta (qui la recensione)
In Silent Night – Il silenzio della vendetta racconta una tragica storia di vendetta, con un padre distrutto (interpretato da Joel Kinnaman) che cerca di vendicare il figlio rimasto vittima del fuoco incrociato di una guerra tra bande. Quello che ne deriva è una storia straziante di ossessione, vendetta e una conclusione che afferma quanto la rabbia possa avvelenare e consumare l’anima di una persona.
Silent Night – Il silenzio della vendetta regala a Brian un partner a sorpresa
Joel Kinnaman interpreta Brian in Silent Night – Il silenzio della vendetta, un padre che diventa un esercito di un solo uomo dopo che due bande si sparano a vicenda, uccidendo accidentalmente suo figlio. Le forze dell’ordine non assicurano i membri della banda alla giustizia, quindi Brian passa un anno a complottare, allenarsi e monitorare i teppisti. Il suo piano è quello di assicurarsi che siano morti entro Natale. Brian diventa un giustiziere come Frank Castle della Marvel, eliminando anche criminali a caso.
Col tempo, questo Punisher natalizio ucciderà la maggior parte delle bande, prima di infiltrarsi nel covo del boss finale. Quest’uomo, Playa, sottovaluta Brian, ma con buone ragioni. Nell’atto finale Brian viene pugnalato e colpito da un proiettile a causa di settimane di guerra. Fortunatamente, l’unico detective valido che si occupa del caso, Vassel, arriva per aiutarlo a eliminare i teppisti rimasti. Purtroppo, entrambi gli uomini rimangono gravemente feriti quando uccidono la ragazza di Playa, armata di mitragliatrice.
Playa pensa di avere il sopravvento e punta una pistola per uccidere Brian. Ma Vassel si avvicina di soppiatto e spara, colpendo il capo della banda. Brian si avventa rapidamente su Playa e lo strangola a morte. Sfortunatamente, sia lui che Vassel sono in fin di vita. Vassel non se ne pente, tuttavia, poiché sa che il suo dipartimento era troppo pigro, spaventato o corrotto per aiutare a vendicare il ragazzo e assicurare questi criminali alla giustizia.
Silent Night – Il silenzio della vendetta offre pace a un membro della famiglia
Nella scena finale, Brian guarda gli addobbi natalizi appesi. Comincia ad avere allucinazioni sul passato e sul futuro che la sua famiglia avrebbe avuto se il bambino fosse sopravvissuto. Woo concilia questo con un altro elemento chiave della vita di Brian. Nel corso del film, Brian ha allontanato sua moglie, Saya. Lei lo ha supplicato di lasciar andare il suo odio, ma lui ha continuato a guardare video e ad allenarsi nel combattimento.
Saya se ne andò, sapendo che quella non era la vita che loro figlio avrebbe voluto per la famiglia dopo la sua morte. Brian le lascia una lettera in cui le confessa quanto sia dispiaciuto per averla abbandonata emotivamente. Tuttavia, non si pentiva di aver dato la caccia alle bande. Ma, qualunque cosa accada, vuole che lei sappia che è in pace con se stesso. Era già distrutto mentalmente e fisicamente molto prima di questa guerra, prima di essere colpito alla gola e prima di diventare un muta vendicativo quando ha cercato di inseguire Playa il giorno dell’incidente.
Ora, questa morte è una vera e propria misericordia, una morte che non vuole che Saya pianga. Saya legge la lettera sulla tomba del ragazzo e trova anche un regalo lasciato dal padre. Si tratta di un trenino, che le ricorda quanto Brian e il ragazzo amassero giocare con i giocattoli. Saya accetta con altruismo il destino del marito, trovando il coraggio di lasciarlo andare. È piuttosto commovente, ma è la chiusura di cui ha bisogno. Saya è finalmente libera, liberata dal senso di colpa di aver lasciato la sua casa, ma anche soddisfatta che i criminali siano stati tutti puniti.
Vassel è l’eroe non celebrato
L’eroismo di Vassel deve essere riconosciuto per la profondità a cui è arrivato. Certo, ha aiutato a uccidere molti criminali nella base di Playa, in un momento in cui avrebbe dovuto cercare di convincere Brian ad abbandonare la missione. Ma Vassel era segretamente d’accordo con la direttiva fin dall’inizio. In precedenza, Brian aveva lasciato a casa di Vassel un teppista che aveva rapito e torturato. Brian aveva anche lasciato informazioni su consegne di droga, traffici di armi, intelligence finanziaria, ecc. Vassel aveva ottenuto tutto ciò di cui aveva bisogno per perseguire i cartelli e condannare i criminali.
Vassel avrebbe potuto facilmente denunciare Brian ai suoi superiori, ma ha protetto la missione di Brian. Brian non ha nascosto di aver oltrepassato i limiti e di aver risolto il problema a modo suo in queste note al detective. Ma invece di fare la spia o tradire l’uomo, Vassel decide di aiutarlo. In parte è dovuto al senso di colpa, ma soprattutto è frustrato dal modo in cui questi gangster continuano a vagare per la città, causando il caos. Ciò che rende Vassel ancora più altruista è che lo fa da solo. Non ha fiducia in nessun collega poliziotto, quindi non ha nessuno a cui chiedere aiuto.
Nel corso degli eventi, Vassel diventa un coraggioso catalizzatore che contribuisce a spianare la strada sanguinosa verso Playa. È giusto che sia lui a sparare il colpo che rende Playa vulnerabile. Anche prima di allora, aveva distratto la ragazza di Playa, consentendo a Brian di spararle alla testa. Senza l’intervento di Vassel, Brian non avrebbe avuto la possibilità di portare a termine l’operazione. Anche se scambiano poche parole, Vassel capisce che Brian gli è grato solo dal loro contatto visivo. È per questo che il detective può morire in pace, sapendo di aver svolto un ruolo importante nel ripulire le strade da questo parassita.
Silent Night – Il silenzio della vendetta rende Brian un “Punisher” ancora più straziante
Alla fine del film, è difficile trovare qualcuno che non lo definisca un film invernale su Punisher. Tuttavia, Brian ha più sfumature rispetto al Frank Castle della Marvel. Innanzitutto, il fatto che sia un dilettante gioca a favore del film. Molti di questi film dipingono gli eroi in una luce idealistica, che sopraffanno i loro avversari. Lo si è visto non solo con il Punisher, che usa ogni tipo di arma ed esplosivo della sua carriera militare, ma anche con John Wick di Keanu Reeves o Io sono nessuno di Bob Odenkirk. Il fatto che Brian sia un operaio edile che segue dei tutorial per diventare un guerriero tende a suscitare molta più empatia.
Questo crea un protagonista imperfetto che inciampa nei combattimenti. Woo rende Silent Night – Il silenzio della vendetta più imprevedibile in questo modo, spogliando la trama di ogni finzione tra tutte queste uccisioni brutali. Dato che Brian cerca di aiutare i poliziotti che ne valgono la pena e gli innocenti sul campo, questo aggiunge qualcosa al suo percorso come persona che spera, impara ed è davvero motivata a trasformarsi nel killer definitivo. In questo modo, si crea un legame emotivo più profondo con un vigilante così concreto e pratico, al contrario di un Punisher intimidatorio che ha già un vantaggio sulla maggior parte dei suoi rivali.
Infine, ma non meno importante, ciò che rende Brian un Punisher più straziante è il modo in cui abbandona Saya: una scelta crudele, ma che si adatta a questi film realizzati sulla scia di Il giustiziere della notte. La Marvel ha recentemente riportato in vita la moglie di Frank, Maria, sotto forma di zombie grazie alla Mano. Lei ha così iniziato a influenzare la leadership di Frank nella setta ninja, facendogli riconsiderare la sua visione di uccidere i terroristi. Ciò suggeriva che Punisher potesse essere guarito dall’amore.
In Silent Night – Il silenzio della vendetta, Brian non può essere disturbato dall’amore di Saya. Lei lo supplica di tornare alla luce, ma lui continua ad abbracciare l’oscurità. Alla fine, la rabbia è il suo carburante, con il metodo di recitazione di Kinnaman che modella Brian come un Frank più disperato. In questo caso, ha rinunciato e accettato la morte come via d’uscita misericordiosa. Nel processo, Brian diventa robotico, freddo e privo del cuore, dell’anima e dell’umanità che sua moglie cerca di fargli vedere per redimerlo. A quel punto, mentre Punisher aveva ancora qualche speranza, Brian si rassegna a non averne alcuna.
Dopo anni di problemi di sviluppo e ritardi, The Flash (qui la recensione) è infine arrivato al cinema, con un finale esplosivo. Barry Allen, interpretato da Ezra Miller, ha fatto il suo debutto tecnico in Suicide Squadattraverso un breve filmato della telecamera di sicurezza che riprendeva la cattura di Captain Boomerang, ed è apparso di nuovo brevemente in Batman v Superman, ma The Flash ha fatto la sua prima vera apparizione quando Batman lo ha reclutato in Justice League. Prima che l’universo DC intraprendendesse una nuova visione creativa grazie ai co-amministratori delegati della DC Studios James Gunn e Peter Safran, Flash ha infine avuto il suo film. E, come prevedibile, ha diversi cameo DC lungo il percorso.
I punti più discussi di The Flash non hanno nulla a che vedere con il suo finale in senso tradizionale. Il cameo finale oscura i tratti più generali, anche se conferma un reset del DCU, ma la scena post-credits confonde ulteriormente le cose. Il lavoro di effetti speciali è “instabile”, i cameo DC spaziano da quelli che suscitano nostalgia a quelli che attirano accuse di mancanza di rispetto. E mentre la storia di The Flash è forte, è anche molto complessa. Con più linee temporali, diverse versioni di personaggi diversi e trame di film precedenti dell’universo DC che si scontrano, può essere un po’ confuso consolidare la posizione di The Flash e dell’universo DC nel suo complesso quando scorrono i titoli di coda.
Cosa succede alla fine di The Flash
Flash adatta molto liberamente la storia della DC Comics Flashpoint e vede Barry Allen viaggiare indietro nel tempo per salvare sua madre, che è stata uccisa quando Barry era bambino. Anche se ci riesce, questo cambiamento provoca un effetto a catena nel tempo che crea una nuova linea temporale insostenibile. Dopo che Barry, il Barry del passato, Batman e Supergirl attaccano le forze di Zod, vengono alla fine sopraffatti dalla potenza dell’esercito kryptoniano. Batman e Supergirl muoiono entrambi, il che spinge i Barry a tornare indietro di qualche minuto e agire in modo diverso.
Anche se il destino originale dei loro alleati viene evitato, muoiono ancora una volta, in modo diverso, e diventa chiaro al Barry principale che la distruzione di questa Terra è un momento inevitabile nella linea temporale. L’inutilità di non riuscire a vincere costringe il Barry principale ad accettare che non può cambiare il passato e che deve lasciar andare sua madre. Il giovane Barry ha difficoltà ad accettarlo e continua a tornare indietro nel tempo. I due Barry discutono nella bolla della Speed Force sui pericoli e l’inutilità di correggere il passato quando appare il misterioso Dark Flash, che in precedenza aveva buttato Barry fuori dalla Speed Force.
L’identità del cattivo viene rivelata: si tratta di una versione più anziana e dai capelli grigi del giovane Barry, che ha trascorso tutta la vita cercando di correggere una linea temporale che mantenga in vita sua madre. Dark Flash cerca di pugnalare il Barry principale per impedirgli di salvare sua madre, ma il giovane Barry si mette davanti alla pugnalata, morendo. Poiché sono la stessa persona, questo significa che anche il vecchio Barry muore. Barry torna al passato per annullare i cambiamenti che hanno salvato la vita di sua madre.
Le aveva dato una lattina di pomodori che lei aveva dimenticato e aveva mandato il padre di Barry a comprare, lasciandola sola e destinata a morire. Con i pomodori rimossi, la madre di Flash è destinata a morire e Barry torna al suo presente. Lì, durante l’ultimo processo a suo padre, viene rivelato che Barry ha spostato i pomodori su uno scaffale più alto nel passato, facendo sì che suo padre guardasse verso una telecamera e fornendogli un alibi. Suo padre viene assolto dal reato.
Fuori, Barry chiama Bruce. Quando arriva in tribunale, è una persona completamente diversa dal Bruce che Barry conosce. Nonostante abbia ripristinato la morte di sua madre, spostare i pomodori per provare l’alibi di suo padre ha comunque alterato la linea temporale. Il film termina con Barry in uno stato di confusione riguardo alla linea temporale in cui si trova e a ciò che potrebbe accadere in seguito.
Un altro Batman
Quando Barry chiama Bruce alla fine del film, il Bruce Wayne che si presenta è la versione del personaggio interpretata da George Clooney nel famigerato Batman & Robin. È chiaro che Clooney è in realtà Bruce, poiché si arrabbia visibilmente quando Barry esclama comicamente che lui non è Batman. Le implicazioni di questo finale a sorpresa non sono ancora chiare, ma il co-CEO della DC Studios James Gunn ha confermato che Clooney non sarà Batman inThe Brave And The Bold, per cui si può affermare che quello in cui si trova Barry non è l’universo del DCU.
Cosa è successo al Batman di Ben Affleck?
Il Bruce Wayne di Ben Affleckè presente all’inizio di The Flash e dà a Barry alcuni consigli difficili ma necessari sull’importanza di accettare il dolore e non rimanere bloccati nel passato. Tuttavia, una volta che Barry viaggia nel tempo, il Batman di Affleck non si vede più. Non viene mai confermato direttamente cosa gli succede, ma dato il finale del film, sembra che Bruce di Affleck sia probabilmente ancora nella sua linea temporale originale, mentre Barry è finito in un altro mondo alternativo.
Il multiverso DC è salvo
L’atto culminante di The Flash mostra diverse continuità/universi che si scontrano tra loro e subiscono danni significativi mentre Dark Flash cerca di impedire a Barry di resettare la linea temporale. Diversi universi, tra cui cameo di popolari franchise cinematografici DC come quelli con Superman di Christopher Reeve e Batman di Adam West, vengono mostrati con lacerazioni multiversali. Fortunatamente, ogni universo viene salvato e sembra tornare al suo stato precedente alla fine del film.
La spiegazione del colpo di scena di Dark Flash
All’inizio di The Flash, una figura misteriosa attacca Barry nella Speed Force e lo mette fuori combattimento nel momento sbagliato. Nel momento culminante del film, quella figura si rivela essere una versione futura dell’alternativo Barry del passato. Questo Barry più anziano ha trascorso tutta la sua vita cercando in ogni modo possibile di salvare la linea temporale in cui sua madre è viva, ma ha fallito per quelli che sembrano essere decenni. Ha riportato ferite significative sotto forma di schegge conficcate nel suo corpo a causa dei ripetuti combattimenti contro le forze di Zod, che gli hanno conferito una silhouette scura e appuntita.
Per impedire al Barry principale di annullare i suoi cambiamenti alla linea temporale e ripristinare la versione originale della storia, compresa la morte di sua madre, il malvagio Dark Flash cerca di uccidere Barry all’interno della Speed Force. Il Barry del passato si mette in mezzo ai due e viene pugnalato a morte. Poiché è la stessa persona di Dark Flash, solo più giovane, entrambi muoiono insieme e il Barry principale annulla i suoi cambiamenti alla linea temporale.
Cosa è successo agli altri multiversi DC?
Mentre il Barry principale, il giovane Barry e il Barry futuro (Dark Flash) si scontrano nella Speed Force, il multiverso inizia a lacerarsi e universi diversi entrano in collisione tra loro. Ogni universo è visualizzato come una sfera composta dal passato, dal presente e dal futuro di ogni realtà. Tuttavia, quando i due Barry della linea temporale alternativa muoiono, Flash riavvolge ancora una volta il tempo e ogni universo viene visto guarire e tornare alla sua posizione originale. Sembra che gli altri universi DC nel multiverso siano separati in modo sicuro dalla continuity dell’attuale DC Universe e rimangano intatti.
Cosa significa Flash per il nuovo universo DC
Sebbene Flash sia in fase di sviluppo da diversi anni, la sua uscita coincide con l’arrivo di James Gunn e Peter Safran come co-amministratori delegati della DC Studios. Data questa circostanza, non era chiaro in che misura Flash avrebbe contribuito a portare avanti la nuova visione della coppia per l’universo DC. Tuttavia, il film lascia molte domande senza risposta.
Non è infatti chiaro fino a che punto The Flash resetti l’universo DC. La fine del film dedicato a Barry Allen lo vede in un’altra nuova linea temporale, ma non sembra che sarà l’universo DC principale che vedremo d’ora in avanti, data la presenza di Bruce Wayne interpretato da George Clooney. L’interferenza di Barry nella linea temporale probabilmente avrà però un ruolo nel determinare perché presto ci saranno un nuovo Batman, Superman e altri, ma The Flash non risponde direttamente al come.
The Flash lascia inoltre le cose abbastanza ambigue da non chiarire se Ezra Miller sarà The Flash anche nei futuri progetti dell’universo DC. L’eroe è chiaramente ancora vivo, in buona salute e attivo, ma resta da vedere se la realtà in cui finisce il film sarà la stessa in cui saranno ambientati i film futuri. Non sembra che lo sia, anche se Barry potrebbe saltare di nuovo da un universo all’altro per unirsi al nuovo Superman, Batman e altri eroi DC.
Cosa significa davvero il finale di The Flash
Sebbene il finale di The Flash mostri che l’interferenza finale di Barry Allen con la linea temporale originale – spostare una telecamera in modo che suo padre possa essere dimostrato innocente del crimine per cui all’inizio del film si trova in prigione – funzioni, viene anche mostrato che ha comunque influenzato l’universo nel suo complesso. Questo dimostra che Bruce Wayne, interpretato da Ben Affleck, ha ragione nel suo discorso all’inizio del film, in cui dice di non voler cambiare nemmeno gli eventi tragici della sua vita, perché sono parte integrante di ciò che è sia come persona che come eroe.
L’ultima apparizione di Batman, interpretato da George Clooney al posto di Affleck, rafforza l’idea che anche piccoli cambiamenti nella linea temporale DC possono avere effetti drastici, rafforzando il punto cruciale del film. Il finale di The Flash assicura anche che qualsiasi futuro scherzo multiversale nella DCU possa avere una solida giustificazione per evitare di usare i poteri di Flash semplicemente per tornare indietro e sistemare le cose, poiché anche se il riavvio imminente cambia totalmente il supereroe, il film spiega comunque i problemi fondamentali di questo approccio, evitando che sembri un buco nella trama.
La programmazione televisiva di questa sera offre una selezione estremamente ricca e diversificata, capace di soddisfare gli appassionati di cinema d’autore, blockbuster, azione, thriller, classici intramontabili e grandi commedie italiane. Dai canali Rai alle reti Mediaset, fino alle proposte tematiche come Rai Movie, Iris, Sky e Cine34, il panorama è particolarmente ampio e permette di passare da opere cult a recenti successi internazionali. Ecco la nostra panoramica completa sui film in TV stasera, con una selezione dei titoli più rilevanti e consigliati.
Dramma e tensione contemporanea: tra tennis, vendetta e storie d’amore distorte
Su Rai 2, alle 21:20 arriva Challengers, il film di Luca Guadagnino che intreccia sport, sensualità e rivalità sentimentali in un triangolo emotivo guidato da Zendaya, Mike Faist e Josh O’Connor. Una storia in cui il tennis diventa allegoria del desiderio, della competizione e della fragilità personale.
Spostandoci su Rai 4 (21:20), Silent Night – Il silenzio della vendetta propone un revenge movie puro, diretto da John Woo, che racconta una spirale di dolore e ritorsione senza dialoghi, tutta costruita sulla fisicità dell’azione e sulla forza visiva dell’immagine. A seguire, alle 23:05, Lady Bloodfight offre un’avventura marziale con combattimenti serrati e un’impronta fortemente action.
Su Cielo, alle 21:15, torna uno dei film più discussi degli ultimi anni: The Lobster di Yorgos Lanthimos, una distopia surreale e provocatoria in cui l’amore diventa una questione di sopravvivenza. Perfetto per chi cerca un cinema più autoriale e disturbante.
Azione e franchise iconici: Ethan Hunt, Dracula e Captain Phillips
Gli amanti dell’azione classica troveranno diverse proposte interessanti. Su Canale 20 si parte alle 21:10 con Mission: Impossible 2, secondo capitolo della saga con Tom Cruise: adrenalina anni Duemila, stile di John Woo e un’iconografia divenuta cult. Alle 23:45, sempre su Canale 20, arriva Dracula Untold, reinterpretazione dark della leggenda di Vlad l’Impalatore con Luke Evans.
Su La7 Cinema (21:15), Captain Phillips – Attacco in mare aperto racconta la vera storia del sequestro della nave Maersk Alabama, con un Tom Hanks magistrale. Segue alle 23:45 Allarme rosso, thriller militare con Gene Hackman e Denzel Washington che mette in scena conflitti di potere e tensioni nucleari.
Classici, cinema d’autore e Western cult
Su Iris, alle 21:15, va in onda Il texano dagli occhi di ghiaccio, uno dei grandi western interpretati e diretti da Clint Eastwood, un viaggio nell’America segnata dalla guerra civile e dalla vendetta.
Rai Movie propone un doppio appuntamento vintage: I ponti di Toko Ri (21:10), dramma bellico ambientato durante la Guerra di Corea, seguito da Quelli della San Pablo (23:00), imponente ricostruzione storica ambientata nella Cina di inizio Novecento.
Su Tv2000 (21:10) arriva Fratello dove sei?, la commedia musicale dei fratelli Coen ispirata all’Odissea, con un irresistibile George Clooney.
Cinema fantastico e cult assoluti: da La Bussola d’Oro ai Blues Brothers
La serata offre anche diversi titoli iconici del cinema fantastico e della commedia cult. Su Twenty Seven troviamo alle 21:15 La bussola d’oro, adattamento del romanzo di Philip Pullman, seguito alle 23:10 da The Blues Brothers, una delle commedie musicali più amate della storia.
Su Sky Cinema Family, dalle 21:00, doppietta imperdibile con Ritorno al futuro – pietra miliare della fantascienza avventurosa – e La famiglia Addams (23:00), cult gotico e ironico che continua a conquistare generazioni.
Horror e tensione psicologica: The Witch, Devil e Gravity
Il lato più oscuro della programmazione arriva su Italia 2 con The Witch (21:15), capolavoro horror di Robert Eggers che reinventa il mito della stregoneria nel New England del Seicento. A seguire, alle 23:15, Devil, thriller soprannaturale ambientato in un ascensore, scritto e prodotto da M. Night Shyamalan.
Chi cerca un cinema spettacolare e claustrofobico può sintonizzarsi su Sky Cinema Cult, con Anora alle 21:15 e il capolavoro spaziale Gravity alle 23:35, premio Oscar per la regia di Alfonso Cuarón.
Biografie, epica e cinema italiano: Sergio Leone, Il traditore e Fantozzi
Gli appassionati di cinema italiano e biografico non resteranno delusi. Su Sky Arte (21:15) va in onda Sergio Leone – L’italiano che inventò l’America, documentario prezioso che ripercorre la carriera del maestro del western all’italiana con testimonianze di Spielberg, Scorsese e Tarantino.
Su Sky Cinema Collection la serata scorre tra Gangster Squad (21:15) e Il traditore (23:15), il film di Marco Bellocchio su Tommaso Buscetta con uno straordinario Pierfrancesco Favino.
Su Cine34, doppio appuntamento con la commedia italiana: Il secondo tragico Fantozzi (21:00) e Sogni mostruosamente proibiti (23:10), due titoli cult che rappresentano una parte fondamentale dell’immaginario comico nazionale.
Per gli amanti del romanticismo e della danza
Infine, su Sky Cinema Romance, Ti va di ballare? (21:00) con Antonio Banderas racconta l’incontro tra danza e riscatto sociale, mentre Chocolat (23:00) offre una storia raffinata e sensuale ambientata in una cittadina francese che scopre il gusto della libertà.
Una serata ricchissima per tutti i gusti
Dalle commedie ai drammi, dall’horror al grande cinema d’autore, passando per kolossal, musical e classici senza tempo: la programmazione di stasera permette di viaggiare attraverso decenni e generi. Che tu abbia voglia di un cult intramontabile, di un thriller adrenalinico o di una storia d’amore fuori dagli schemi, la serata televisiva offre almeno un titolo imperdibile.
Mia Goth è oggi una delle interpreti più originali e magnetiche della sua generazione. Dopo un esordio autoriale con Nymphomaniac di Lars von Trier, l’attrice britannico-brasiliana ha costruito una carriera ricca di scelte radicali, diventando un volto imprescindibile dell’horror contemporaneo. Con ruoli intensi e trasformativi in film come Suspiria, X, Pearl e MaXXXine, Goth ha unito sensibilità drammatica, fisicità e una presenza scenica inconfondibile, spingendosi spesso in territori narrativi estremi. Oggi è considerata una delle personalità più interessanti del cinema internazionale, protagonista anche di progetti ad alto profilo come Infinity Pool di Brandon Cronenberg e il nuovo Frankenstein di Guillermo del Toro.
Ecco 10 cose che forse non sai su Mia Goth.
Mia Goth: i suoi film e le serie TV
1. Ha recitato in celebri film e costruito una filmografia ricca e sorprendentemente matura. Mia Goth debutta sul grande schermo nel 2013 con Nymphomaniac – Vol. II, di Lars von Trier, entrando subito nel circuito del cinema d’autore europeo. Negli anni successivi consolida la propria presenza con titoli come The Survivalist (2015), Everest (2015), La cura del benessere (2016) e Marrowbone (2017), fino a ottenere una visibilità più ampia grazie a Suspiria (2018) di Luca Guadagnino, dove interpreta uno dei ruoli più significativi del film. Prosegue poi con High Life (2018), il period drama Emma. (2020) al fianco di Anya Taylor-Joy, e Mayday (2021).
Mia Goth in Pearl
La svolta arriva nel 2022 con X – A Sexy Horror Story, in cui interpreta due personaggi radicalmente diversi, dimostrando una versatilità rara. Nello stesso anno torna nel ruolo dell’enigmatica Pearl nel prequel Pearl, scritto insieme al regista Ti West. Da lì prosegue con Infinity Pool (2023) di Brandon Cronenberg e con MaXXXine (2024), ultimo capitolo della trilogia. Attualmente è tra i nomi di punta del nuovo Frankenstein di Guillermo del Toro (2025), ulteriore conferma della crescita e dell’interesse internazionale attorno alla sua carriera.
2. Ha scritto una sceneggiatura. Insieme al regista Ti West, che l’ha diretta in X – A Sexy Horror Story, l’attrice ha poi scritto la sceneggiatura del film Pearl, che la vede protagonista nei panni della Pearl del titolo, una giovane con l’ambizione di diventare una stella del cinema, il cui sogno si trasformerà però ben presto in un incubo. Per la Goth si è trattata della prima esperienza come sceneggiatrice, a conferma del fatto che tiene molto a questo progetto e alla storia del suo personaggio.
3. È una moderna scream queen. Il termine “scream queen” identifica le attrici che hanno costruito la propria fama attraverso ruoli nel cinema horror, contribuendo a definire l’immaginario del genere. Tra i nomi storici figurano Jamie Lee Curtis, Neve Campbell e Sarah Michelle Gellar; negli ultimi anni Mia Goth si è affermata come la loro erede naturale. Con interpretazioni intense e profondamente fisiche in titoli come Marrowbone, La cura del benessere, Suspiria, X – A Sexy Horror Story e Pearl, l’attrice ha dimostrato una straordinaria capacità di dare corpo a personaggi inquieti, complessi e spesso disturbanti.
La sua immagine di scream queen si è ulteriormente consolidata grazie a ruoli estremi e radicali in Infinity Pool (2023) e MaXXXine (2024), film che hanno confermato la sua predisposizione a esplorare territori visivi e psicologici estremi. Oggi Mia Goth è considerata una delle interpreti più rilevanti dell’horror moderno, capace di portare nel genere una profondità emotiva rara e un’intensità scenica che la distinguono nettamente dalle sue colleghe.
4. Suspiria è stato un ruolo chiave che ha aperto la strada ai suoi progetti più ambiziosi, incluso Frankenstein. Nel 2018 Mia Goth interpreta Sara Simms nel Suspiria di Luca Guadagnino, remake visionario e disturbante del classico di Dario Argento. Nel ruolo di una ballerina della Markos Dance Company, Sara è uno dei personaggi più sensibili e intuitivi dell’accademia, nonché una figura centrale nell’evoluzione della protagonista Susie Bannion. La performance di Goth – intensa, fragile e inquieta – le permette di distinguersi in un cast corale e di dimostrare una maturità interpretativa rara per la sua età. La critica nota la sua capacità di reggere scene ad alta tensione emotiva e di adattarsi all’estetica straniante del film, segnando un punto di svolta nella sua carriera.
Il successo di Suspiria contribuisce a consolidare la reputazione di Goth come interprete adatta a ruoli estremi e profondamente psicologici, qualità che ritroviamo amplificate nei suoi progetti successivi – da X e Pearl fino al disturbante Infinity Pool. Questo percorso creativo ha portato naturalmente alla sua partecipazione in Frankenstein di Guillermo del Toro (2025), uno dei titoli più attesi del cinema contemporaneo: un risultato che conferma come l’intensità e la complessità espresse in Suspiria abbiano avuto un ruolo decisivo nell’evoluzione della sua carriera.
Mia Goth in X – A Sexy Horror Story, Pearl e MaXXXine
5. n X – A Sexy Horror Story ha interpretato due personaggi e dato vita a una delle trilogie horror più acclamate degli ultimi anni. Nel 2022 Mia Goth ottiene uno dei ruoli più significativi della sua carriera grazie a X – A Sexy Horror Story, lo slasher di Ti West che la vede interpretare sia la protagonista che l’antagonista. Da un lato c’è Maxine Minx, giovane donna decisa a costruirsi una carriera nel cinema per adulti; dall’altro la misteriosa e inquietante Pearl, un’anziana dal passato tormentato. Per dar vita a Pearl l’attrice ha dovuto sottoporsi a circa dieci ore di trucco prostetico per ogni giorno di riprese, un processo estenuante che però le ha permesso di trasformarsi completamente e di creare una delle figure più iconiche del nuovo horror americano.
Il successo di X porta alla realizzazione di Pearl (2022), prequel scritto da Goth insieme a Ti West durante il periodo della pandemia: il film esplora la giovinezza del personaggio, mostrando come l’ambizione, l’isolamento e il desiderio di essere vista abbiano plasmato la donna inquietante incontrata nel primo capitolo. La trilogia si chiude con MaXXXine (2024), in cui Goth riprende il ruolo di Maxine in un racconto ambientato negli anni ’80, diventato rapidamente un cult per estetica, atmosfera e intensità interpretativa. Con questi tre film, l’attrice ha definito uno dei personaggi più complessi e affascinanti dell’horror contemporaneo, confermando la sua straordinaria capacità di trasformazione.
Mia Goth in Emma: il ruolo di Harriet Smith e la rivelazione nel period drama
6. In Emma. interpreta Harriet Smith, un ruolo che evidenzia la sua versatilità oltre l’horror. Nel 2020 Mia Goth sorprende pubblico e critica con la sua interpretazione in Emma., elegante adattamento del romanzo di Jane Austen diretto da Autumn de Wilde. Nel film, al fianco di Anya Taylor-Joy, veste i panni di Harriet Smith, giovane ingenua e affettuosa che diventa l’oggetto delle attenzioni e delle manipolazioni della protagonista, Emma Woodhouse. La performance di Goth si distingue per sensibilità, misura e un registro completamente diverso rispetto ai ruoli più estremi che l’hanno resa famosa: qui costruisce un personaggio dolce, vulnerabile, capace di oscillare tra comicità e malinconia senza mai perdere autenticità.
La critica internazionale ha apprezzato la sua capacità di emergere in un cast corale e di restituire un’Harriet complessa, più stratificata rispetto alla versione tradizionale del personaggio. Per Goth, Emma. ha rappresentato la conferma definitiva della sua versatilità e la dimostrazione che il suo talento non appartiene soltanto al cinema di genere, ma può adattarsi con naturalezza anche a period drama raffinati e a set dallo stile completamente diverso.
Mia Goth e la figlia con Shia LaBeouf
7. Ha una figlia con l’attore Shia LaBeouf. Mia Goth ha conosciuto Shia LaBeouf sul set di Nymphomaniac – Vol. II, dove entrambi erano impegnati nelle riprese del film di Lars von Trier. La loro relazione, spesso seguita dai media, ha attraversato diverse fasi: nell’ottobre 2016 i due hanno celebrato una cerimonia a Las Vegas, inizialmente presentata come matrimonio ma poi definita dalle autorità locali come una cerimonia simbolica di impegno. Nel 2018 la coppia si separa e presenta richiesta di divorzio, salvo poi riavvicinarsi alcuni anni dopo.
Nel febbraio 2022 LaBeouf conferma pubblicamente che lui e Goth sono tornati insieme e che stanno aspettando una figlia, nata nel marzo dello stesso anno. Il nome della bambina non è stato divulgato ufficialmente dalla coppia, che ha scelto di mantenere la propria vita familiare lontana dai riflettori. La gestione riservata della maternità da parte di Goth è in linea con la sua scelta di non esporsi sui social e di proteggere la propria privacy.
Mia Goth non è su Instagram
8. Non ha un profilo Instagram e preferisce mantenere la propria vita privata lontana dai social. A differenza di molte celebrità contemporanee, Mia Goth ha scelto di non possedere un profilo Instagram né altri account social ufficiali. In diverse interviste ha spiegato di non essere interessata a questo tipo di piattaforme, ritenendo più importante preservare la propria privacy e la propria dimensione personale. Questa decisione contribuisce a mantenere un’aura di riservatezza attorno alla sua figura, in netto contrasto con il panorama attuale, spesso dominato dalla sovraesposizione.
I fan possono comunque trovare online alcune pagine non ufficiali dedicate alla sua carriera, ma l’attrice non gestisce né approva alcun profilo personale. La sua assenza dai social è diventata parte integrante della sua identità pubblica, coerente con un percorso artistico che privilegia il lavoro sul set e l’impegno creativo rispetto alla presenza mediatica.
Le sopracciglia di Mia Goth: un tratto estetico diventato iconico
9. Le sue sopracciglia quasi invisibili sono diventate una delle caratteristiche più riconoscibili della sua immagine. Tra le curiosità più discusse su Mia Goth c’è senza dubbio il suo aspetto etereo, segnato da sopracciglia particolarmente sottili e chiarissime, quasi impercettibili. Questa caratteristica non è frutto di scelte di trucco o di esigenze di scena: l’attrice ha spiegato più volte di averle sempre avute così e di aver faticato, agli inizi, ad accettare questa parte del suo volto. Con il tempo, però, ciò che percepiva come un tratto “atipico” è diventato uno dei suoi punti di forza, contribuendo a definire un’immagine unica e immediatamente riconoscibile.
Nel mondo del cinema, la sua fisionomia è spesso considerata un valore aggiunto: le sue sopracciglia quasi invisibili amplificano l’espressività degli occhi e le consentono di attraversare con facilità ruoli perturbanti, enigmatici o visivamente fuori dagli schemi. Il tema è diventato talmente centrale nell’immaginario dell’attrice che, negli ultimi anni, molte riviste e beauty creator hanno discusso del “Mia Goth look”, trasformando un dettaglio personale in un vero e proprio elemento iconico.
Mia Goth: età, origini e altezza dell’attrice
10.Mia Goth è nata il 30 novembre 1993 a Southwark, nel centro di Londra, da madre brasiliana e padre canadese con radici britanniche. Questa combinazione culturale ha influenzato sia il suo fascino estetico sia la sua sensibilità artistica, rendendola una presenza unica nel panorama cinematografico contemporaneo. L’attrice è alta 1,77 metri, un fisico slanciato che le conferisce grande presenza scenica, soprattutto nei ruoli più intensi e trasformativi che caratterizzano la sua carriera.
In nessun altro punto le intenzioni di Last Samurai Standing – la fusione di Netflix tra Squid Gamee Shogun – sono più chiare che nel finale, che abbandona completamente l’idea di una conclusione narrativa a favore di un susseguirsi quasi continuo di azione e di un’anticipazione della seconda stagione, dove tutto potrebbe risolversi. Normalmente, questo sarebbe fastidioso. Ma in una serie che vanta un’azione samurai impeccabile prima di tutto, è bello che il finale si impegni in questa idea più di qualsiasi altro episodio precedente.
E poi, ci sono ancora molti colpi di scena. Certo, la maggior parte sono al servizio di quella sfuggente seconda stagione, pensati per complicare le dinamiche nel lungo periodo piuttosto che fare molta differenza nel breve termine, ma almeno ci sono. Questo è uno show che non solo merita un sequel, ma che potrebbe davvero trarne beneficio, soprattutto sulla base degli eventi dell’episodio 6, intitolato appropriatamente “Mortal Combat”.
I tempi stanno cambiando
Last Samurai Standing è ambientato alla fine del XIX secolo, durante l’era Meiji, un periodo caratterizzato dal cambiamento. La classe dei samurai, un tempo nobile, è caduta in disgrazia, privata dei suoi precedenti ranghi e privilegi dal governo imperiale, e il modo tradizionale di fare le cose – compresa la guerra – che rappresentava viene progressivamente sostituito dalla marcia dell’industrializzazione e della militarizzazione.
In prima linea in questo cambiamento c’è il sovrintendente generale della polizia giapponese, Kawaji, organizzatore di Kodoku, il torneo battle royale al centro della serie. Il nostro protagonista, Shujiro, è uno degli ultimi residui di un’epoca passata di stoico tradizionalismo legato all’onore. Lui e quelli rimasti come lui sono una minaccia significativa per il nuovo ordine mondiale di Kawaji, perché sono per definizione resistenti al cambiamento e abbastanza letali da rendere questa resistenza un vero problema.
Da qui nasce Kodoku, che promette un premio in denaro esorbitante al sopravvissuto che riuscirà ad arrivare fino a Tokyo. Poiché i samurai erano già stati privati dei loro diritti politici e sociali, era ovvio che sarebbero stati attirati dalla promessa di ricchezza, o semplicemente dalla scusa per usare ancora una volta le loro abilità e le loro armi affilate. Kawaji ha usato il gioco per mettere 292 samurai l’uno contro l’altro, placando al contempo i suoi ricchi benefattori consentendo loro di scommettere sul risultato. In altre parole, l’intera faccenda è un modo per Kawaji di consolidare il proprio potere ed eliminare qualsiasi potenziale minaccia a tale potere.
Shujiro contro Bukotsu
Ci sono molteplici parallelismi tra la scena iniziale di Last Samurai Standing, una battaglia campale a cui partecipa Shujiro, e il suo finale. In quella battaglia, Shujiro e i suoi uomini furono bersagliati da cannoni e fucili, un chiaro avvertimento del futuro tecnicamente più avanzato che Kawaji sta cercando di inaugurare. Nella stessa battaglia, duellò anche con il suo collega samurai psicotico Bukotsu e lo sconfisse, lasciandolo però in vita.
In seguito, Bukotsu viene imprigionato e diventa sempre più folle a causa del suo desiderio di vendetta, fino a quando non viene liberato da uno degli scagnozzi di Kawaji. Trascorre l’intera stagione 1 cercando di dare la caccia a Shujiro e, nel finale, riesce finalmente a raggiungerlo.
Il duello tra Shujiro e Bukotsu, in una piccola capanna piena di fuochi d’artificio che vengono accesi in sequenza durante il combattimento, è una delle migliori sequenze d’azione dell’intera serie. Dopo che la capanna esplode, incendiando entrambi gli uomini, questi corrono verso un lago vicino per spegnersi le fiamme e Shujiro finalmente uccide Bukotsu.
Gentosai contro Iroha (e altri)
Gentosai, un anziano samurai dall’aspetto stranamente simile a un personaggio horror, è intimamente legato al passato di Shujiro. Quando era giovane, lui e i suoi “fratelli” adottivi, tra cui Iroha, facevano tutti parte di una scuola di arti marziali segreta, il cui maestro era associato a Gentosai. Quando quella dinamica è diventata sinistra e gli studenti hanno dovuto eliminarsi a vicenda sotto la minaccia di Gentosai che li avrebbe dati la caccia, Shujiro ha facilitato la loro fuga, ma Gentosai ha continuato la sua missione.
Gentosai raggiunge Iroha e gli altri nel finale di Last Samurai Standing, ma non riesce a fare ciò che vuole con loro. Nonostante sia ferito, sopravvive, ma i fratelli riescono a sfuggirgli ancora una volta. Tuttavia, tutti sanno che non saranno mai liberi da lui finché sarà vivo.
L’aspetto più emozionante di tutto questo è che il finale rivela che Gentosai sta lavorando con Kyojin, che apparentemente gli ha fornito la posizione dei fratelli e lo deride per aver fallito ancora una volta nel portare a termine il compito di ucciderli. Kyojin si è presentato come un alleato degli altri durante tutta la stagione 1, quindi questo colpo di scena ridefinisce chi può essere considerato affidabile mentre Kodoku continua e i “giocatori” rimasti si avvicinano a Tokyo.
Come il finale di Last Samurai Standing prepara la seconda stagione
Il Kodoku in corso è, naturalmente, la cornice più ovvia per una seconda stagione, dato che i giochi sono ancora in pieno svolgimento e c’è la promessa che diventeranno ancora più drammatici man mano che i sopravvissuti si avvicinano alla loro destinazione, Tokyo. Dopo aver compiuto un colpo di mano nel governo, Kawaji avrà più potere da esercitare, anche se Shujiro, grazie ai suoi contatti, è in parte consapevole di ciò che sta accadendo dietro le quinte.
Oltre a questo, ora dobbiamo anche chiederci quali siano le reali motivazioni di Kyojin. È chiaro che non è l’alleato che inizialmente si era presentato. Ma non è chiaro se abbia un legame specifico con Gentosai o se il vecchio sia solo una delle tante pedine, il che implica che Kyojin abbia molti più legami di quanto lasci intendere. Questo avrebbe senso, dato che durante tutta la stagione sapeva cose che non avrebbe potuto sapere senza alcune informazioni privilegiate.
La maggior parte dei personaggi è ancora viva, ovviamente, con Shujiro e Futaba ancora in viaggio verso Tokyo, e Iroha e gli altri fratelli che si stanno riorganizzando dopo l’incontro con Gentosai. Con tutti questi pezzi al loro posto, c’è ampio spazio per il ritorno di Last Samurai Standing con una seconda stagione più grande e ambiziosa, soprattutto se si rivelerà popolare come Netflix vorrebbe.
Un nuovo universo cinematografico condiviso è alle porte, con l’ascesa del franchise Predator che ora incrocia ufficialmente la timeline dei film Alien. Ma proprio come Predator: Badlands unisce i due colossi della fantascienza sul grande schermo, il prequel del film ha scatenato qualcosa di ancora più emozionante: una nuova civiltà aliena altamente intelligente e dedita ai viaggi spaziali. E il loro arsenale fa impallidire sia gli Yautja che gli Xenomorfi.
Vi presentiamo i K’shorrik, una nuova civiltà aliena nell’universo di Predator/Alien
La nuova specie aliena viene introdotta nel nuovo canone di Predator con l’uscita di Predator: Badlands #1, un prequel one-shot della Marvel Comics, ambientato prima degli eventi del nuovo film. Oltre ad aggiungere ulteriori retroscena per sottolineare quanto sia segretamente tragico il viaggio di Dek in Badlands, il numero mette anche Dek e suo fratello Kwei di fronte a un nuovo avversario: i K’shorrik.
I lettori vengono introdotti direttamente ai K’shorrik attraverso i video registrati da un gruppo di questa specie in viaggio nello spazio (fino a quando un evento critico li mette in stasi, in attesa di aiuto per la loro nave precipitata). E a prima vista, rappresentano immediatamente una nuova svolta nel canone del film. Bipedi, con quattro braccia, dediti all’allevamento dei figli, ma pronti al combattimento, i K’shorrik sembrano attrezzati per sopravvivere tra le stelle.
Ma soprattutto, la scena introduttiva presenta i K’shorrik come più simili agli umani rispetto agli Yautja o agli Xenomorfi. Esprimono emozioni come gli umani, ma nel conversare con l’intelligenza artificiale della nave, nel giocare con i propri figli durante il viaggio, i K’shorrik dipingono un’immagine molto diversa degli “alieni” nel brutale e cupo universo di Predator.
I K’Shhorrik erano in grado di combattere i Predator già 10.000 anni fa
Grazie a una tecnologia all’avanguardia, l’intelligenza artificiale dei K’shorrik può dare filo da torcere agli Yautja
Sapendo che il regista Dan Trachtenberg è stato strettamente coinvolto in questo nuovo capitolo della crescente serie Predator, è difficile non approfondire troppo le ramificazioni dei K’shorrik. Soprattutto quando la storia inizia con un salto di 10.000 anni nel futuro, mentre Dek si infiltra nella loro astronave precipitata. Mentre l’IA che sorveglia la nave conosce gli Yautja, Dek non sa nulla dei K’shorrik.
Il che significa anche che Dek è completamente impreparato al tipo di combattimento di cui è capace l’IA. Dimenticate spade, lance o persino le armi laser degli Yautja. L’intelligenza dei K’shorrik usa i feromoni per mettere la fauna locale contro Dek, prima di costruire e caricare la sua coscienza in un robot “Yautja Killer” completo. E lo fa in pochi minuti, al massimo.
Come nella maggior parte dei combattimenti di Predator contro un avversario superiore, fattori esterni influenzano il risultato, permettendo a Dek di sconfiggere il costrutto K’shorrik che si arrende. Ma le domande rimangono. I K’shorrik possedevano una tecnologia ben superiore a quella degli Yautja oltre 10.000 anni fa. Se quella civiltà è stata in grado di evolversi e svilupparsi in quel lasso di tempo, potrebbe giocare un ruolo importante nel futuro del franchise.
Tuttavia, è possibile che l’ignoranza di Dek possa essere interpretata come un segno che la razza si è isolata o, peggio ancora, si è estinta. Ma se così fosse, i fan hanno visto di cosa è capace la tecnologia K’shorrik quando rimane inattiva per 10.000 anni. Se gli umani, gli Yautja o persino gli Xenomorfi dovessero incrociare il cammino dei K’shorrik… nessuno può immaginare quali avventure potrebbero verificarsi.
Il produttore esecutivo di 9-1-1: Nashville, Rashad Raisani, ha svelato la tragica ispirazione reale dietro la morte del marito di Cammie. Durante gli eventi dell’episodio 6 di 9-1-1: Nashville, Cammie ha aiutato una vittima di soffocamento tramite videochat a praticarsi la manovra di Heimlich. Dopo l’incidente, ha rivelato che suo marito è morto soffocato davanti ai suoi occhi, rendendo il caso estremamente personale.
Parlando con TVLine, Raisani ha rivelato che la morte del marito di Cammie in 9-1-1: Nashville è stata ispirata da un vero episodio di soffocamento a cui ha assistito insieme al produttore esecutivo Brad Buecker. Mentre cercavano location a Nashville, i due sono andati in un ristorante-discoteca, dove hanno assistito alla morte di una donna per soffocamento. L’incidente ha sconvolto entrambi, ma ha anche fornito l’ispirazione per il retroscena di Cammie:
Sì. L’ispirazione mi è venuta mentre cercavo location a Nashville con Brad Buecker, che ha diretto il pilot ed è produttore esecutivo della serie. Eravamo in una sorta di ristorante-discoteca dove suonavano musica dal vivo. Era buio e la gente si stava godendo un’ottima cena. Mentre eravamo lì, qualcuno ha improvvisamente iniziato a urlare di fermare la musica e, quando hanno acceso le luci, abbiamo visto che una donna era morta al suo tavolo. Era semplicemente soffocata, proprio davanti ai suoi amici e a suo marito. Erano tutti sbalorditi e la cosa più incredibile per me è stata che nessuno di noi si era reso conto di ciò che stava accadendo. Dietro di noi si stava consumando il dramma della loro vita e nessuno lo sapeva. Quindi, quando stavamo pensando a cosa avrebbe potuto spingere Cammie a cambiare vita, perché abbiamo sempre voluto che rimanesse nel mondo della musica, e a lavorare come operatrice, Brad e io abbiamo pensato che doveva essere proprio quello. Si sentiva impotente e quando ha chiamato il 911 ha trovato la linea occupata. È stata quella sensazione a portarla a cambiare vita.
L’episodio segna il primo sguardo approfondito alla vita di Cammie a causa di questo caso. Mentre altri personaggi di 9-1-1: Nashville hanno avuto la possibilità di mettersi in luce, la sua storia è rimasta avvolta nel mistero sin dall’inizio della serie. Ma ora, con l’incidente di soffocamento a cui ha dovuto assistere, sta affrontando la morte di suo marito in modo più aperto.
I decessi per soffocamento sono relativamente rari negli Stati Uniti, ma si verificano ogni giorno. Secondo il National Safety Council, sono la quarta causa di morte per “lesioni involontarie”, con 5.553 persone che ne sono morte nel 2022. Il fattore di rischio più importante è l’età, con la maggior parte delle vittime che in questa particolare statistica ha più di 71 anni.
Questo rende il marito di Cammie un’eccezione rara ma purtroppo realistica. Come si vede nell’episodio, l’incidente di soffocamento che ha dovuto affrontare l’ha sconvolta, evocando il passato in modi che l’hanno messa a disagio. Dato che questa è la prima volta che gli strati del suo personaggio vengono svelati in modo così vulnerabile, si apre la porta a un’esplorazione più profonda.
9-1-1: Nashville ha reso Cammie una sorta di personaggio fisso della serie. È stata un personaggio crossover durante la 9-1-1 stagione 9, contribuendo alla premiere in più parti dello show. Lavora anche nel mondo della musica, con Raisani che nella stessa intervista ha anticipato che nell’episodio 9 la vedremo esibirsi sullo schermo, insieme a una futura esibizione in un episodio successivo.
Con 9-1-1: Nashville che amplia la trama di Cammie, sembra che la serie sia pronta a renderla un personaggio più centrale in futuro. Non è chiaro se l’incidente di soffocamento continuerà a presentarsi nei prossimi episodi o se lei lo terrà di nuovo nascosto come aveva fatto prima del finale di metà stagione.
Abbiamo altre notizie sulla seconda stagione di Shōgun: sembra che John Blackthorne (Cosmo Jarvis) tornerà e che verranno svelati i suoi ultimi 10 anni, anche se i lettori del libro lo sapevano già. La seconda stagione di Shōgun entrerà in produzione nel gennaio 2026 e Hiroyuki Sanada e Cosmo Jarvis torneranno nei panni di Lord Yoshii Toranaga e John Blackthorne.
La prima stagione di Shōgun della FX è stata trasmessa per la prima volta nel febbraio 2024 ed è basata sull’omonimo romanzo di James Clavell del 1975, a sua volta ispirato a personaggi e eventi storici reali. I nomi sono stati cambiati nel libro e nella serie, ma gli eventi seguono da vicino la storia, quindi possiamo confermare il destino di un personaggio come Blackthorne.
La seconda stagione di Shōgun sarà ambientata 10 anni dopo la prima
La seconda stagione di Shōgun è ambientata 10 anni dopo la prima stagione e 10 anni dopo il libro di Clavell, per il quale non è mai stato scritto un sequel. Con l’annuncio del ritorno di Cosmo Jarvis nella serie, abbiamo la conferma che John Blackthorne è rimasto in Giappone dopo la fine della serie, come suggerito dal libro e dalla storia.
Nella vita reale, William Adams, su cui è basato Blackthorne, visse in Giappone fino alla sua morte. Alla fine del libro, a Blackthorne viene data una concubina, Kiku, come moglie, e si sottintende chiaramente che si stabilisca in Giappone. Nella serie, Blackthorne immagina un futuro in cui torna in Inghilterra, ma poi respinge sommariamente l’idea.
Poiché non esiste un secondo libro nella serie di romanzi Shōgun, gli showrunner Rachel Kondo e Justin Marks dovranno attingere dalla storia per l’epopea d’azione. La stagione 1 si conclude con Lord Yoshii Toranaga (Hiroyuki Sanada) che sconfigge i suoi nemici, anche se non è ancora ufficialmente Shōgun. Dovremo vedere se si guadagnerà il titolo nei prossimi 10 anni.
Perché John Blackthorne non ha mai lasciato il Giappone dopo gli eventi della prima stagione
John Blackthorne diventa uno dei più stretti alleati di Toranaga in Shōgun nel corso della serie, e il signore della guerra inizia persino a considerarlo un amico. È probabile che nei 10 anni tra la prima e la seconda stagione, Blackthorne sia rimasto vicino a Toranaga, aiutandolo a diventare Shōgun.
È anche possibile che Blackthorne abbia scoperto che Toranaga era responsabile dell’incendio della sua nave e che quindi abbia lasciato il suo servizio. Tuttavia, è chiaro che una parte importante di Blackthorne desidera rimanere in Giappone. Nella sequenza onirica del finale della prima stagione, Blackthorne tiene in mano una croce che gli è stata data da Mariko (Anna Sawai).
Più tardi, nel finale di Shōgun, però, lascia cadere la croce in mare, decidendo che non perseguirà quel futuro. Blackthorne non vuole lasciare il Giappone; ora è la sua casa. Anche se Toranaga non avesse distrutto la sua nave, Blackthorne probabilmente avrebbe fatto solo un breve tratto prima di decidere di tornare indietro.
Il prossimo spin-off di Doctor Who, The War Between the Land and the Sea, ha una data di uscita ufficiale nel Regno Unito. La miniserie di cinque episodi, creata e scritta dall’attuale ed ex showrunner di Doctor Who Russell T. Davies, vede protagonisti Russell Tovey, Gugu Mbatha-Raw e la leggenda di Doctor Who Jemma Redgrave nei panni degli umani e degli “Homo Aqua”, precedentemente noti come Sea Devils, che si scontrano.
Ora, Davies e la BBC hanno annunciato che la serie sarà trasmessa in anteprima nel Regno Unito su BBC One e BBC iPlayer domenica 7 dicembre, con due episodi in contemporanea. Gli episodi 3 e 4 saranno trasmessi il 14 dicembre, mentre il finale andrà in onda il 21 dicembre. Date un’occhiata al post di Davies qui sotto:
Il post conferma anche che la serie limitata sarà distribuita a livello internazionale tramite Disney+ nel 2026, anche se la data esatta di uscita non è ancora stata rivelata.
Alta tensione, corpi in primo piano, desiderio e tabù. Quando si parla di film erotici non si parla di porno, ma di cinema: storie che usano l’eros per raccontare rapporti di potere, ossessioni, amori proibiti, desideri repressi. Dal grande cinema d’autore al film erotico più esplicito, l’erotismo è da sempre un terreno perfetto per esplorare ciò che teniamo nascosto.
In questa guida trovi una selezione dei migliori film erotici da vedere: dai classici internazionali ai film erotici italiani, fino ai titoli più recenti disponibili in streaming (anche su Netflix) e, quando possibile, su piattaforme legali con visione “gratis” supportata dalla pubblicità. Alcuni film scelgono la via del thriller, altri della commedia o del dramma sentimentale, ma tutti usano il sesso come lente per parlare di identità, solitudine, libertà e potere.
Molti dei film erotici qui proposti arrivano da Paesi diversi, con punti di vista sulla sessualità dettati dalle influenze culturali e sociali di riferimento. Alcuni sono film erotici puri, altri si contaminano con noir, thriller e melodramma. Dal più datato al più recente, ognuno è capace di dare vita a riflessioni interessanti sull’erotismo e sul nostro rapporto con il desiderio.
Ecco l’impero dei sensi (1976). Diretto da Nagisa Ōshima e basato su un celebre episodio di cronaca avvenuto nel Giappone degli anni Trenta, racconta il legame tra la cameriera Sada Abe e Kichizo Ishida, proprietario della pensione dove lei lavora: un amore assoluto, dominato dai sensi, che dall’attrazione reciproca scivola in un baratro ossessivo. Uno dei film erotici più discussi e radicali di sempre.
Brivido caldo (1981). Lawrence Kasdan ridefinisce il neo-noir con un thriller rovente ambientato nel sud della Florida. Ned Racine (William Hurt), avvocato senza troppi scrupoli, viene travolto dalla passione per Matty Walker (Kathleen Turner), moglie annoiata di un ricco uomo d’affari. Tra desiderio e pianificazione di un omicidio perfetto, il film fonde eros e noir in modo magistrale.
Attrazione Fatale (1987). Diretto da Adrian Lyne, è il cult che ha consegnato alla storia il personaggio di Alex Forrest (Glenn Close). Dan Gallagher, avvocato sposato e apparentemente appagato, vive un’avventura di una notte con Alex mentre la moglie è fuori città. Quando prova a tornare alla sua vita “normale”, la donna non accetta il rifiuto e trasforma la sua esistenza in un incubo. Thriller erotico e dramma sulla possessività.
9 settimane e ½ (1986). Tra i film erotici da vedere almeno una volta, il titolo di Adrian Lyne con Mickey Rourke e Kim Basinger è diventato un’icona pop. Ambientato a New York, segue la relazione sensuale e distruttiva tra John e Elizabeth, fatta di giochi di potere e seduzione. Ha lanciato definitivamente i due protagonisti nell’immaginario erotico degli anni Ottanta.
Légami! (1990). Di Pedro Almodóvar. Ricky, ex paziente di un ospedale psichiatrico, è ossessionato dalla porno diva Marina: la rapisce e la lega al letto nel tentativo di “darsi il tempo” per farla innamorare di lui. Un film disturbante e ironico, che gioca con i confini tra amore, possesso e dipendenza.
Basic Instinct (1992). Quando si parla di film erotici famosi, è impossibile non citare il thriller di Paul Verhoeven. Catherine Tramell (Sharon Stone), scrittrice di romanzi gialli, è sospettata dell’omicidio di una rockstar. L’investigatore Nick Curran (Michael Douglas) indaga, ma resta intrappolato nel gioco di seduzione pericoloso orchestrato dalla donna. Iconico e ancora oggi imitato.
L’amante (1992). Jean-Jacques Annaud firma una storia di iniziazione erotica ambientata nell’Indocina francese degli anni Trenta. Una quindicenne francese diventa l’amante di un ricco trentenne cinese, sfidando convenzioni sociali e razziali. Un film controverso, sospeso tra romanticismo e desiderio.
Notorious (1947). Hitchcock aggira la censura del Codice Hays con uno dei baci più celebri della storia del cinema tra Ingrid Bergman e Cary Grant. Noir romantico di spie e doppi giochi, Notorious è meno esplicito di altri titoli in lista, ma carica ogni gesto di una tensione erotica sotterranea.
Bound – Torbido inganno (1996). Debutto delle sorelle Wachowski: Corky (Gina Gershon), ex galeotta che fa l’idraulica, e Violet (Jennifer Tilly), fidanzata di un mafioso, pianificano di scappare insieme rubando due milioni di dollari. Tra crime e sensualità, una delle storie lesbiche più importanti del cinema anni Novanta.
Thelma & Louise (1991). Non è un film erotico in senso stretto, ma la relazione tra Thelma (Geena Davis) e il giovane cowboy J.D. (Brad Pitt) è una delle parentesi sensuali più memorabili del road movie femminista di Ridley Scott. Un incontro che segna il risveglio della protagonista e la porta a ripensare tutta la sua vita.
Little Children (2006). Nel film di Todd Field, Sarah (Kate Winslet) e Brad (Patrick Wilson) vivono una relazione extraconiugale in una tranquilla periferia americana. Il desiderio diventa fuga da un’esistenza soffocante, mentre la provincia si rivela meno perfetta di quanto sembri. Erotismo e critica sociale si intrecciano.
La fiamma del peccato (1944). Tratto dal romanzo di James M. Cain, il noir di Billy Wilder mette in scena la pericolosa attrazione tra l’agente assicurativo Walter Neff e la femme fatale Phyllis Dietrichson (Barbara Stanwyck), coinvolti in un piano di omicidio perfetto. Non c’è esplicità, ma un erotismo fatto di sguardi e sottintesi..
Mississippi Masala (1991). Mira Nair racconta una storia d’amore interrazziale tra una giovane donna di origine indiana ugandese (Sarita Choudhury) e un uomo afroamericano del Mississippi (Denzel Washington). Il desiderio diventa terreno di scontro tra culture, pregiudizi e comunità.
Bull Durham – Un gioco a tre mani (1993). Commedia romantica e sensuale sul mondo del baseball: Annie (Susan Sarandon) “adotta” ogni stagione un giovane giocatore, ma stavolta nella sua orbita entra anche il veterano Crash (Kevin Costner). Tra doppi sensi, corpi e sport, uno dei film più erotici senza essere mai espliciti.
Eyes wide shut (1999). L’ultimo film di Stanley Kubrick, ispirato a “Doppio sogno” di Schnitzler, segue una coppia apparentemente perfetta (Tom Cruise e Nicole Kidman) che esplora fantasie, gelosie e tentazioni sullo sfondo di una New York notturna e mascherata. Un viaggio ipnotico nel desiderio e nei non-detti di coppia.
Y tu mamá también (2001). Alfonso Cuarón racconta il road movie erotico e di formazione di Julio e Tenoch, due amici diciottenni che partono con la più grande Luisa verso una spiaggia immaginaria. Tra dialoghi espliciti, sesso e risveglio politico, uno dei film più liberi e vitali sul desiderio giovanile.
Shampoo (1975). Satira sull’America dell’era Nixon: Warren Beatty è un parrucchiere di Los Angeles che passa da un letto all’altro mentre sogna di aprire un salone tutto suo. Commedia di costume ad alto tasso erotico, che sfrutta al massimo il carisma del protagonista.
Hud il selvaggio (1963). Paul Newman interpreta un mandriano texano cinico e seducente, incapace di legarsi davvero a qualcuno. Il film di Martin Ritt è un ritratto amaro di mascolinità tossica, con una carica erotica fortissima legata al corpo e allo sguardo di Newman.
High Art (1998). Nel debutto di Lisa Cholodenko, una giovane editor (Radha Mitchell) entra nel giro della fotografa Lucy (Ally Sheedy) e della sua compagna Greta (Patricia Clarkson). Tra attrazione, droga e arte, un film erotico e malinconico sul desiderio e sull’autodistruzione.
Secretary (2002). Lee (Maggie Gyllenhaall), appena uscita da un istituto psichiatrico, inizia a lavorare come segretaria per l’avvocato Edward Grey (James Spader ): tra i due nasce una relazione dominatore/sottomessa che li costringe a mettere in discussione i propri limiti. Un film erotico sul BDSM insolitamente sensibile e romantico.
Shortbus – Dove tutto è permesso (2006). John Cameron Mitchell dirige un film corale ambientato in una New York di artisti, sex worker e coppie in crisi che si ritrovano in un club clandestino. Sesso esplicito e ricerca di identità si mescolano in un racconto radicale ma umano..
Habitacion en Roma (2010). Due giovani donne, una spagnola e una russa, si incontrano a Roma e trascorrono una notte in una stanza d’albergo, tra confessioni e attrazione. Julio Medem gira un film erotico quasi da camera, tutto giocato su corpi e parole..
Shame (2011). Brandon (Michael Fassbender) vive a New York ed è schiavo di una dipendenza sessuale che gli impedisce qualsiasi relazione autentica. Steve McQueen firma un ritratto gelido e potentissimo della compulsione e della vergogna.
Nymphomaniac – Volume 1 (2013). Lars von Trier racconta la vita di Joe (Charlotte Gainsbourg), che fin da adolescente vive il sesso come ossessione e auto-distruzione. Un’opera estrema, divisa in due volumi, che interroga il confine tra libertà e annientamento.
The Paperboy (2012). Lee Daniels porta lo spettatore nella Florida più umida e malsana, tra giornalisti, detenuti e una femme fatale (Nicole Kidman) che seduce chiunque incontri. Un noir sudista volutamente eccessivo, dove l’erotismo è sempre sul punto di esplodere.
Sex Crimes – Giochi pericolosi (Wild Thing, 1998). Thriller erotico cult: un consulente scolastico (Matt Dillon) viene accusato di stupro da due studentesse (Denise Richards e Neve Campbell). Quello che sembra un caso chiaro si trasforma in una trama di doppi giochi, alleanze e colpi di scena, tra piscine, inganni e investigatori troppo curiosi.
The Big Easy. Brivido seducente (1986). A New Orleans, una procuratrice distrettuale (Ellen Barkin) indaga su casi di corruzione e si scontra con un affascinante poliziotto (Dennis Quaid). L’afa della città e la chimica tra i due trasformano il poliziesco in un film estremamente sensuale.
Out of Sight (1998). Steven Soderbergh adatta Elmore Leonard e mette in scena l’attrazione pericolosa tra il rapinatore Jack Foley (George Clooney) e la marshal Karen Sisco (Jennifer Lopez). Il loro rapporto di inseguimento e seduzione regala alcune delle scene più erotiche degli anni Novanta.
50 sfumature di grigio (2015). Primo capitolo della trilogia tratta dai romanzi di E. L. James. Anastasia Steele conosce il miliardario Christian Grey e viene trascinata nel suo mondo di contratti, stanze rosse e giochi di dominio. Film criticatissimo ma centrale nella cultura pop del BDSM mainstream.
Il danno (1992). Stephen Fleming (Jeremy Irons), politico affermato, perde la testa per Anna (Juliette Binoche), la fidanzata del figlio. La loro relazione clandestina trascina tutti verso esiti tragici. Louis Malle firma un dramma erotico elegante e devastante.
Angel Heart (1987)- Thriller soprannaturale di Alan Parker con Mickey Rourke e Lisa Bonet, noto anche per le controversie legate alle sue scene sensuali. Un investigatore privato viene coinvolto in una ricerca che lo porta nelle zone più oscure di New Orleans e del proprio passato.
Crash (1996). David Cronenberg adatta J. G. Ballard e racconta un gruppo di persone eccitate dagli incidenti automobilistici. Un film erotico e disturbante, dove il desiderio si sposta su metallo, ferite e velocità, mettendo in discussione ogni norma.
Henry & June (1999). Philip Kaufman porta sullo schermo i diari di Anaïs Nin: la scrittrice intreccia una relazione complessa con Henry Miller e la moglie June. Letteratura, eros e libertà artistica si fondono in un ritratto sensuale della Parigi anni Trenta.
Basic Instinct 2 (2006). Sequel ambientato a Londra: Catherine Tramell torna a intrecciare sesso, manipolazione e crimini, questa volta con uno psichiatra (David Morrissey). Meno iconico dell’originale, ma interessante per vedere il personaggio aggiornato agli anni Duemila.
La vita di Adèle (2013). Palma d’oro a Cannes, racconta la storia d’amore tra Adèle e Emma (Adèle Exarchopoulos e Léa Seydoux), dalla scoperta dell’attrazione alla fine della relazione. Le lunghe scene di sesso hanno fatto discutere, ma il cuore del film resta il ritratto emotivo di un amore totalizzante.
Giovane e bella (2013). François Ozon segue la diciassettenne Isabelle, che dopo una prima esperienza sessuale deludente decide di prostituirsi sotto pseudonimo. Un film erotico e glaciale sul desiderio, il controllo e la scoperta di sé.
Love (2015). Gaspar Noé firma uno dei film erotici più espliciti degli ultimi anni. Murphy ripercorre la sua storia con Electra, fatta di passione assoluta e esperimenti sessuali che sfidano i limiti della coppia. Cinema radicale, tra melodramma e pornografia d’autore.
50 sfumature di nero (2017) e 50 sfumature di rosso (2018). I due sequel proseguono la storia di Christian Grey e Anastasia Steele (Jamie Dornan e Dakota Johnson) tra nuovi accordi, gelosie e fantasmi dal passato. La componente erotica resta centrale, ma cresce anche la parte melodrammatica.
Il cinema italiano di genere non è solo spaghetti-western e horror: tra anni Settanta e Ottanta ha prodotto una lunga stagione di film erotici italiani, spesso in bilico tra commedia sexy e dramma borghese. Oltre a autori come Bernardo Bertolucci o Salvatore Samperi, la filmografia di Tinto Brass è ancora oggi la più famosa quando si parla di film erotico italiano.
Ultimo tango a Parigi (1972). Il capolavoro di Bernardo Bertolucci con uno straordinario Marlon Brando. Nel film dopo il suicidio della moglie Rosa, il quarantacinquenne Paul, un americano trapiantato a Parigi, sembra avere smarrito ogni ragione di vita. Vagando senza meta per la città, incontra la ventenne Jeanne. Tra i due scoppia una passione travolgente.
Nonostante le apparenze… e purché la nazione non lo sappia… All’onorevole piacciono le donne (1977). Diretto dal maestro dell’horror Lucio Fulci, la pellicola racconta dell’onorevole Giacinto Puppis, in corsa per il Quirinale. Sino a quel momento è sempre stato un uomo morigerato, casto e inibito, ma presto scopre le gioie del sesso e ne fa di cotte e di crude, anche in un convento femminile.
Avere vent’anni (1978). Con protagonista una delle più celebri attrici sexy italiane, Gloria Guida, nel film due provinciali ventenni, Tina e Lia, giungono in città in autostop. Non sanno nemmeno loro che cosa vogliono e allora si aggregano a una comune.
Bambola (1996). Diretto da Bigas Luna, dopo la morte per cirrosi della madre, una donna seducente, Bambola, gestisce una pizzeria insieme al fratello omosessuale Flavio. La reazione ad un tentativo di violenza porta la giovane ad uccidere un uomo.
Capriccio (1987). Diretto da Tinto Brass, il film racconta del rapporto tra i due sposini, Fred e Jennifer, È in piena crisi. Decidono di tornare a Capri dove si sono conosciuti e dove sono stati felici. Quando a Fred giunge la notizia di dover andare in Toscana per lavoro, lascia la moglie e il loro figlio Duccio nell’isola. Marito e moglie decidono allora di rivivere vecchie relazioni – lui con la provocante Rosalba, lei con il focoso Ciro – che ridaranno vigore al loro rapporto.
Paprika (1991). Uno dei più celebri film erotici italiani di Tinto Brass. Una giovane donna lavora in un bordello, sperando di aiutare il proprio fidanzato a raccogliere i soldi che gli servono per lanciare la propria impresa. Con questo film, il regista ripropone il ripristino delle case di tolleranza, dibattute parecchio, all’epoca, dall’opinione pubblica italiana.
Così fan tutte (1992). Un anno dopo Paprika Tinto Brass torna dietro la macchina da presa. Basato in maniera molto libera sull’opera di Mozart, Così fan tutte parla di una donna di 24 anni felicemente sposata che ha un inspiegabile desiderio di vivere la propria vita intensamente, e racconta le proprie avventure erotiche al marito, sperando di risvegliare la passione e smuovere le cose.
Monella (1998). Nel 1998 Tinto Brass realizza il suo ultimo film di successo, Monella. Tra i maggiori film erotici italiani, questo titolo ha per protagonista Lola, una sensuale e disinibita ragazza che sta per sposare Masetto, un fornaio molto geloso. Lei però e ansiosa di provare i piaceri del sesso prima del matrimonio, così decide di usare l’astuzia per ingannare il futuro marito.
Malena (2000). Il film di successo del 2000 nominato a due premi Oscar e scritto e diretto da Giuseppe Tornatore con protagonista Monica Bellucci vede un’avvenente vedova di guerra, desiderata da tutti gli uomini del suo paese, che alimenta le fantasie erotiche del giovane Renato.
Melissa P. (2005). Diretto da Luca Guadagnino (2005), prima di Chiamami col tuo nome, è questo un film che ha fatto parecchio scalpore: la storia è quella di un’adolescente che vive con la nonna, le cui prime esperienze sessuali si accompagnano all’eccesso.
Malizia (1973). Uno dei più bei film erotici italiani di sempre, Malizia è diretto da Salvatore Samperi e vede l’avvenente Angela, interpretata da Laura Antonelli, sposarsi con un uomo da poco rimasto vedovo. Arrivata in casa di lui, la donna diventerà l’oggetto del desiderio del figlio Nino, il quale farà di tutto pur di conquistarla.
Film erotici su Netflix
Netflix non ospita porno, ma nel suo catalogo compaiono spesso film erotici in streaming che giocano con il desiderio, la trasgressione o le relazioni tossiche. L’offerta cambia di frequente, ma qui ci sono alcuni titoli (più altri che possono tornare ciclicamente in catalogo) che vale la pena tenere d’occhio.
Fall for Me (2025). Fall for Me è il nuovo erotico-dramma di Sherry Hormann per Netflix: Lilli vola a Maiorca per la sorella, ma il fidanzamento lampo con Manu accende i sospetti. Tra indagini private e attrazione per il manager di un club, Tom, la storia scivola in un gioco di desiderio e inganno. Debutta su Netflix il 21 agosto 2025; nel cast Svenja Jung, Theo Trebs, Thomas Kretschmann e Antje Traue.
Mea Culpa (2024). Tyler Perry firma un steamy thriller per Netflix: Kelly Rowland è l’avvocata Mea Harper che difende l’artista Zyair Malloy (Trevante Rhodes). Tra desiderio e pericolo, il caso la spinge oltre il limite: Netflix lo classifica tra i “Steamy Thriller Movies”.
Master of the House (2024). Serie thai Netflix: dopo la morte di un magnate dei diamanti, vedova e figli si sfidano per il controllo dell’impero, tra intrighi e colpi di scena. Un dramma “scandaloso” dal tono spicy, incentrato su potere, denaro e segreti di famiglia.In streaming dal 18 luglio 2024 su Netflix.
365 giorni (2020). Diretto da Barbara Białowąs e Tomasz Mandes. Il film è l’adattamento cinematografico del romanzo omonimo scritto da Blanka Lipińska. Nel film una donna è rapita da un potente boss mafioso che la imprigina dandole un anno di tempo per innamorarsi di lui.
Duck Butter (2018). Commedia erotica di Miguel Arteta, nel film dopo essersi incontrate in un locale, due donne decidono di passare ventiquattro ore consecutive insieme per esplorare l’una intimità dell’altra. Tuttavia, le cose non vanno come previsto.
Amore & altri rimedi (2010). Con protagonisti due bellocci di Hollywood quali Jake Gyllenhaal e Anne Hathaway, in Amore & altri rimedi protagonista è Maggie, seducente spirito libero refrattario a qualsiasi legame, compreso quello che considera come una formidabile sfida personale, una relazione stabile, che trova pane per i suoi denti in Jamie Randall.
High Society (2018). E’ la pellicola coreana del 2018 nel quale la vice direttrice di una galleria d’arte e il marito, professore di economia che sogna la carriera politica, sono pronti a tutto pur di entrare nell’alta società.
Elisa e Marcela (2019). Diretto da Isabel Coixet il film è ambientato nel 19885 tra Elisa e Marcela nasce un’amicizia che si trasforma in un amore proibito, da tener nascosto, per gli usi dell’epoca. Nel 1901, una di loro si finge uomo, e le due convolano all’altare.
Dry Martina (2018). Dry Martina è il film spagnolo che racconta di Martina è una diva in declino, disillusa dall’amore dopo un divorzio. Tuttavia, quando incontra una giovane coppia con cui intraprende un viaggio, le cose sembrano prendere una svolta positiva.
Milf (2018). È la commedia francese diretta da Axelle Laffont, scritta da Jérôme L’hotsky e Stéphane Kramer, e con Marie-Josée Croze, Virginie Ledoyen e Axelle Laffont. Nel film durante le loro vacanze, le donne incontrano tre uomini sulla ventina – Julien, Paul e Markus (un ex amico di famiglia di Cécile), che lavorano in un club di vela locale. Gli uomini si interessano subito alle donne, che hanno definito ” MILF “. I 6 trascorrono così insieme la loro avventura estiva.
Unfaithful – L’amore infedele (2002). Diretto dal maestro del thriller erotico Adrian Lyne, Unfaithful – L’amore infedele ha per protagonisti gli attori Richard Gere eDiane Lane, una coppia sposata che si trova a dover fare i conti con il tradimento di uno dei due. Nasce da qui una torbida storia di gelosia e ossessione, arricchita da scene di sesso esplicite. Ad ogg, un cult imperdibile.
Ride or Die. Rei aiuta la donna che ama da tempo a fuggire dal marito violento. I sentimenti che provano l’una per l’altra si accendono durante la fuga.
Elisa e Marcela. Nel 1901 in Spagna, Elisa Sánchez Loriga finge di essere un uomo per poter sposare Marcela Gracia Ibeas, la donna che ama. Basato su una storia vera.
L’amante di Lady Chatterley. L’aristocratica e infelicemente sposata Lady Chatterley intreccia una relazione passionale con il guardiacaccia della tenuta del marito e se ne innamora perdutamente.
Happy Ending – Il segreto della felicità. Dopo un anno felice di relazione, Luna propone a Mink di coinvolgere una terza persona nella loro vita sessuale, stravolgendo così il loro rapporto.
Senza limiti. Una giovane molto talentuosa incontra un amore distruttivo e profondo con il suo istruttore campione di apnea in questo dramma romantico di straordinario impatto visivo.
Film erotici in streaming (e quando sono “gratis”)
Molti film erotici in streaming oggi si trovano su piattaforme come Netflix, Prime Video, MUBI, Chili, Rakuten e sui servizi delle pay-TV. L’offerta cambia spesso: alcuni titoli entrano in catalogo per pochi mesi, altri restano più a lungo o ruotano tra servizi diversi.
Per quanto riguarda i film erotici gratis, il consiglio è di affidarsi solo a:
piattaforme legali con pubblicità (i cosiddetti servizi AVOD), che offrono periodicamente film romantici ed erotici senza abbonamento,
periodi di prova gratuita dei servizi a pagamento, che permettono di vedere film inclusi nel catalogo senza costi aggiuntivi per un tempo limitato.
Evitare invece siti pirata o streaming illegale: oltre a essere rischiosi dal punto di vista della sicurezza, danneggiano il lavoro di chi questi film li scrive, interpreta e produce.
Sembra essere stato confermato che Brianiac sarà il cattivo principale nel sequel di Superman della DC Studios, Man of Tomorrow. Il regista James Gunn aveva già anticipato il debutto dell’iconico cattivo quando aveva condiviso una prima anteprima della sceneggiatura del film, e a questo punto chiunque altro avrebbe solo deluso i fan. Ora, però, abbiamo notizie su chi Gunn sta incontrando per interpretare potenzialmente Brainiac.
Grace Randolph è stata la prima a condividere la notizia che David Hyde Pierce (Frasier), Wallace Shawn (Young Sheldon) e Claes Bang (Dracula) erano tutti potenzialmente in lizza. Da allora, @ApocHorseman di Nexus Point News ha rivelato: “Posso confermare di aver sentito anche Claes Bang. Ma ci sono una manciata di altri attori che saranno sottoposti a un provino, quindi è ancora tutto da decidere”.
Bang è un attore di talento che ha interpretato alcuni personaggi spregevoli nel corso della sua carriera (basti pensare al suo ruolo in Bad Sisters di Apple TV). Tuttavia, questo continua una tendenza interessante nella DCU di Gunn che cerca attori per interpretare questi eroi e cattivi che non sono nella lista dei più famosi.
Il fatto che Gunn sembra si stia preparando per i provini agli attori è probabilmente il motivo per cui The Wrap è riuscito a confermare che Brainiac sarà il grande cattivo di Man of Tomorrow. Si spera che questo significhi che potremo aspettarci notizie ufficiali sul casting prima della fine dell’anno.
Tutto quello che sappiamo su Man of Tomorrow
Le riprese principali di Man of Tomorrow dovrebbero iniziare nella primavera del 2026, con una data di uscita fissata per il 9 luglio 2027. David Corenswet riprenderà il ruolo nel sequel al fianco di Lex Luthor, interpretato da Nicholas Hoult, poiché i due si alleeranno contro questo nuovo nemico, come ha dichiarato il regista.
James Gunn ha infatti affermato: “È una storia in cui Lex Luthor e Superman devono collaborare in una certa misura contro una minaccia molto, molto più grande. È più complicato di così, ma questa è una parte importante. È tanto un film su Lex quanto un film su Superman. Mi è piaciuto molto lavorare con Nicholas Hoult. Purtroppo mi identifico con il personaggio di Lex. Volevo davvero creare qualcosa di straordinario con loro due. Adoro la sceneggiatura”.
Gunn annunciato Man of Tomorrow sui social media il 3 settembre. Nel suo annuncio, lo sceneggiatore e regista ha incluso un’immagine tratta dal fumetto in cui Superman è in piedi accanto a Lex Luthor nella sua Warsuit. Nei fumetti DC, Lex crea la tuta per eguagliare la forza e le abilità di Superman. Mentre l’immagine teaser suggeriva che Lex e Superman sarebbero stati di nuovo in contrasto, ora sembra che Lex userà la sua Warsuit per poter essere allo stesso livello di Superman per qualsiasi grande minaccia si presenti loro.
Al momento, è confermata la presenza della Lois Lane di Rachel Brosnahan. Il co-CEO della DC Studios ha risposto a un fan su Threads all’inizio di settembre 2025 che Lois avrà un “ruolo importante”.
Il film è stato in precedenza descritto come un secondo capitolo della “Saga di Superman”. Ad oggi, Gunn ha affermato unicamente che “Superman conduce direttamente a Peacemaker; va notato che questo è per adulti, non per bambini, ma Superman conduce a questo show e poi abbiamo l’ambientazione di tutto il resto della DCU nella seconda stagione di Peacemaker, è incredibilmente importante”.
Dal 14 novembre, infatti, saranno disponibili i nuovi episodi della serie Sky Original, remake del celebre Dix pour cent, in esclusiva su Sky e in streaming solo su NOW. Sei episodi che anche stavolta confermano la grande capacità di raccontare il dietro le quinte dello star system alternando ironia, leggerezza, follia e inaspettati tumulti sentimentali.
Una stagione di grandi rivoluzioni, interne e esterne.
Diretta da Simone Spada e scritta da Federico Baccomo, con la collaborazione di Camilla Buizza e Tommaso Renzoni, questa nuova stagione prende l’avvio da una grossa rivoluzione interna alla CMA che porta necessariamente a un importante cambiamento di equilibri tra i tre protagonisti. Il tono del racconto si mantiene sull’alto standard della serie, sempre brillante e autoironico, nonostante l’aumentare delle sfide cui sono sottoposti gli agenti. Oltre a gestire talent difficili e richieste impossibili, si ritrovano infatti a fare i conti con un nemico inaspettato, una nuova grandissima minaccia che gli pone direttamente il mercato. La UBA, la più famosa agenzia mondiale, americanissima, l’incarnazione stessa di Hollywood, sbarca in Italia con l’obiettivo di spazzare via la concorrenza.
Se, da un lato, è difficile non fare paragoni coi colossi dell’intrattenimento statunitense divenuti veri e propri concorrenti degli scenari produttivi italiani, dall’altro, il tono divertente e scanzonato con cuiVittorio, Lea e Gabriele si trovano a dover proteggere la loro agenzia dalla “minaccia globale”, riporta alla mente i migliori momenti di quella commedia all’italiana che ogni tanto dimostriamo ancora di saper fare. La UBA, infatti, da motore narrativo, si trasforma ben presto in un catalizzatore di tensioni e strategie interne, megafono di dilemmi personali, equilibri instabili e scontri che mettono a dura prova la loro coesione.
Sfera privata vs. sfera professionale
La scelta più coraggiosa di questa terza stagione sta proprio nella volontà di approfondire con grande risalto i personaggi nella loro sfera privata. Non siamo più solo testimoni dei loro trionfi e delle emergenze professionali contro cui combattono, ma vediamo il modo in cui amori nascosti, relazioni complicate e contrattempi imprevisti possano influire in maniera decisamente ingombrante sulle decisioni lavorative. Al tempo stesso, però, incentrare la serie su un classico “relazionale” rischia di normalizzare un po’ il format rispetto all’originale.
Per il momento, l’ipotesi che questo fattore possa risultare un problema è decisamente evitata, grazie soprattutto a un cast di tutto rispetto in cui ancora una volta, oltre ai protagonisti, brillano gli “assistenti” Monica (Sara Lazzaro), Pierpaolo (Francesco Russo) e Camilla (Paola Buratto). La loro presenza silenziosa, ma fondamentale, sostiene l’umorismo della narrazione, accompagna le crisi dei protagonisti e mantiene il livello della comicità sempre calibrato.
Come da tradizione, alle guest star spetta il cuore frizzante della stagione, e stavolta è il turno di un parterre d’eccezione: Luca Argentero, Michelle Hunziker e Aurora Ramazzotti, Stefania Sandrelli, il cast di Romanzo Criminale – La serie, Miriam Leone, Ficarra & Picone, Nicolas Maupas e Gianmarco Saurino.
Nessuna presenza si rivela gratuita e anzi, ognuno di loro aggiunge ritmo e humor non banale, senza mai appesantire la linea principale. In particolare, Argentero, pronto a ritirarsi dal mondo dello spettacolo per dedicarsi alla sua famiglia, crea inaspettati momenti di tenerezza e comicità, mentre Hunziker e la giovane Ramazzotti offrono uno scorcio ironico sul rapporto madre-figlia sul set. La reunion del cast di Romanzo Criminale alterna nostalgici amarcord a colpi di scena inattesi, lì dove Miriam Leone affronta invece la maternità e le proposte di ruoli materni con grande autoironia.
La scelta di affidare ai loro cameo una sorta di controcanto comico alla costante tensione narrativa di questa stagione, funziona molto bene. La scrittura armonizza la linea orizzontale — la lotta della CMA contro UBA — con le microtrame individuali, arricchendo il racconto e restituendo un affresco complesso e variegato del mondo dello spettacolo italiano. Comicità e piccole gocce di dramma, accompagnano sia le emergenze professionali che le crisi emotive dei protagonisti, creando un ritmo incalzante e mai ripetitivo.
Roma, glamour e sfide globali
Roma non è mai stata così protagonista. La città si mostra nelle sue location più esclusive, simbolo del jet set e del glamour che permea l’agenzia CMA. Dai lussuosi studi di casting alle ville dai panorami mozzafiato, ogni ambientazione diventa uno specchio del mondo dello spettacolo italiano: bello, competitivo, spesso spietato, ma soprattutto, un gigante ricco di storia che troppo spesso si perde nelle sue piccole meschinità quotidiane. Le diverse scenografie e il lavoro attento sulla fotografia contribuiscono a rendere credibile il microcosmo della serie, conferendo eleganza visiva e autenticità alle sequenze.
Ripetere la formula senza dimenticare di aggiornarla
In sintesi, Call My Agent – Italia, Stagione 3 ripete e aggiorna la formula che ha decretato il successo del format, con un perfetto mix di ironia, glamour e tensione professionale. La scrittura di Baccomo, la regia calibrata di Spada e le interpretazioni convincenti del cast principale rendono ogni episodio un piccolo spettacolo autosufficiente, capace di far ridere, emozionare e sorprendere. L’intenso approfondimento sulla vita privata dei protagonisti è un curioso esperimento che potrebbe rappresentare un’interessante novità. Tra amori che nascono, relazioni che finiscono e provini impossibili, questa terza stagione non è solo un omaggio al mondo dello spettacolo, ma anche una celebrazione ironica della famiglia che ognuno sceglie per sé stesso, dell’amicizia e della resilienza.
La CMA non smette di far ridere e stavolta si preoccupa anche di toccarci un po’ il cuore. Quando ci riesce, si dimostra ancora la grande agenzia che è!
Affascinante, geniale, ma anche cinico, spregiudicato e allergico alle regole. Lorenzo Ligas è un avvocato penalista dal talento indiscusso e con una vita privata… turbolenta. A prestargli tutto il suo carisma è l’amatissimo Luca Argentero: è lui il protagonista assoluto di AVVOCATO LIGAS, il primo legal drama Sky Original di cui viene rilasciato oggi il teaser ufficiale che annuncia il debutto in esclusiva su Sky e in streaming solo su NOW il 6 marzo.
Tratta dal romanzo “Perdenti. La prima indagine dell’avvocato Ligas” di Gianluca Ferraris (edito da Corbaccio), la serie in sei episodi è prodotta da Sky Studios e Fabula Pictures ed è diretta da Fabio Paladini. Alla scrittura Federico Baccomo, Jean Ludwigg, Leonardo Valenti, Matteo Bozzi, Camilla Buizza e Francesco Tosco. Nel cast, insieme ad Argentero, Marina Occhionero nei panni di Marta Carati, determinata praticante di Ligas, e Barbara Chichiarelli in quelli del pubblico ministero “rivale” di Ligas in tribunale, Annamaria Pastori.
La trama di Avvocato Ligas
Luca Argentero è Lorenzo Ligas, il penalista più geniale, controverso, imprevedibile e affascinante di tutta Milano. L’uomo che tutti vorrebbero essere, e che tutte vorrebbero conquistare. Ma quando Ligas viene licenziato dal suo prestigioso studio, proprio perché incapace di distinguere tra dovere e piacere, tornare in cima sarà una sfida che non potrà affrontare da solo. Insieme a Marta, giovane praticante piena di ideali, Ligas accetterà i casi più complessi e senza speranza per tornare al centro della scena. Perché tutti sono innocenti fino a prova contraria, e meritano la miglior difesa possibile. La sua.
AVVOCATO LIGAS | Dal 6 marzo 2026 in esclusiva su Sky e in streaming solo su NOW
Dal 20 novembre con Piano B, VAS – nato da un progetto che è iniziato sui social media – è un’opera prima di Gianmaria Fiorillo e ha per protagonisti Eduardo Scarpetta e Demetra Bellina.
Prende il titolo dal termine VAS (Visual Analogue Scale), un parametro visivo usato in medicina affinché i pazienti possano indicare l’entità del dolore che provano. La scala va da “nessun dolore” a “dolore insopportabile”.
In VAS, Camilla Sangez (Demetra Bellina) è una 25enne che vive a Milano, bella, intelligente e agorafobica. Filtra ogni suo rapporto attraverso i devices e da quando si è trasferita a Milano da poco più di un anno esce sempre di meno. Nella sua vita rintanata tra le pareti del suo piccolo appartamento prendono spazio solo due cose: il suo amico Adriano (Gabriel Lynk) e il racconto erotico/sentimentale dal titolo “C.A.S. – CAM AND SEX”, che Camilla pubblica a puntate su WriteApp – una app per scrittori in erba – seguito da pochi follower, cosa che a lei pare comunque un incredibile successo. Il suo racconto parla della relazione virtuale fra una ragazza che si chiama come lei e un ragazzo di nome Matteo, misterioso sconosciuto con il quale interagisce solo tramite devices. Ed è proprio uno sconosciuto di nome Matteo (Eduardo Scarpetta) che un giorno la contatta per caso: ecco che la finzione e la realtà si incontrano confondendo i confini di dove inizia una e finisce l’altra e spingendo i due a percorrere una personale scala del dolore dove dovranno affrontare le loro fobie e paure peggiori, provocando conseguenze imprevedibili per entrambi.
Abbiamo raggiunto telefonicamente il regista, Gianmaria Fiorillo e gli abbiamo chiesto di raccontarci la genesi di VAS.
È il risultato di varie esperienze personali, ma parte principalmente da uno spettacolo teatrale che si intitola proprio VAS e racconta la storia d’amore tra due ragazzi. Quello è stato il seme di un racconto che abbiamo completamente stravolto per ragioni cinematografiche, e l’abbiamo trasformata poi nel film. Altri spunti che hanno arricchito la storia sono stati il fenomeno dell’emigrazione giovanile: i ragazzi che dai piccoli centri si spostano nelle grandi città e si scontrano con il fenomeno sempre peggiore del caro affitti. E infine il film voleva essere anche una riflessione sulla solitudine e gli Hikikomori che, dopo la Pandemia, sono diventati quasi “di moda” ma che esistono da sempre.
Per un lavoro così ricco di spunti ci deve essere stata anche un una certa quantità di ricerca: il film racconta due individualità precise. Ci sono state persone a cui ti sei rivolto, con cui hai parlato, per costruire i tuoi protagonisti?
I due personaggi principali sono presi da talmente tante cose che ormai hanno raggiunto un’identità propria. Sono il frutto di mille racconti e esperienze, tutti condensati in due personaggi che ho cercato di scrivere con la massima delicatezza per rispettare la tematica clinica della loro condizione. Ho avuto anche la possibilità di avere delle consulenze con l’Associazione Hikikomori Italia. Il mio scopo ultimo era quello di raccontare due realtà per certi versi archetipali, che potessero racchiudere tante individualità e tante testimonianze raccolte nel corso degli anni, per raccontare un disagio contemporaneo che allo stesso tempo maschera un comportamento umano atavico.
Hai parlato anche per esperienza personale in questo film. Pensi che “stare dentro” a una storia tolga la possibilità di raccontarla in maniera oggettiva?
Io credo che un regista debba raccontare quello che conosce e che è nelle corde della sua esperienza diretta. Poi bisogna essere bravi e mettersi al servizio della storia, creare una messa in scena e una costruzione in grado di raccontare le cose in maniera quanto più oggettiva possibile. Alcuni aspetti poi vengono enfatizzate, altri smussati. Molte volte succede anche che dal punto di vista della scrittura alcuni aspetti della storia siano semplicemente spunti che prendono vita in maniera autonoma. Per esempio in VAS si nota che parte del lavoro più complesso è stato realizzato da Demetra ed Edoardo, nonostante non siano mai fisicamente nella stessa stanza.
Demetra Bellina e Eduardo Scarpetta sono i protagonisti di VAS
Infatti uno degli aspetti migliori del film è l’alchimia che si crea trai due protagonisti Demetra Bellina e Eduardo Scarpetta. Li hai tenuti a distanza per lavorare su questo tipo di dinamica che si crea trai personaggi o hanno provato insieme?
In realtà, loro seppur distanti, dovevano avere una certa intimità e quindi il metodo è stato quello di farli stare insieme quanto più possibile. Abbiamo fatto tante prove insieme, come si potrebbe fare a teatro, abbiamo fatto tante letture, soprattutto perché lavorando su set molto piccoli, dovevamo essere molto precisi sia nei tempi che nei movimenti. Nell’atto pratico delle riprese, invece, entrambi recitavano sempre davanti a uno schermo, separatamente. Per fortuna l’intimità che devono avere i personaggi passa a schermo, nonostante sia stato tutto un lavoro molto tecnico e costruito. Loro sono stati straordinari, sono riusciti a emozionarsi di fronte a una messa in scena veramente fredda.
Qual è l’accoglienza che ti aspetti per questo film che, nel mercato contemporaneo, è un progetto piccolo e si scontrerà con colossi e blockbuster?
Innanzitutto, sono molto contento di avere questa concorrenza vuol dire che il cinema è vivo e che comunque tanta gente andrà al cinema perché ci sono offerte diverse per tutti i gusti degli spettatori. Mi auguro che così facendo intercetteremo i gusti anche del pubblico interessato a un film più piccolo. E magari rispetto ai grandi film in cartellone, noi cerchiamo di compensare con i temi e i contenuti che possono essere più interessanti o originali. Ma soprattutto sono fiducioso per il fatto che il film intrattiene e possa offrire una buona ora e mezza di cinema senza eccessive sovrastrutture e pretese. Alla fine lo scopo principale del cinema è questo!
Tornando al vero tema del film, quali pensi possano essere le conseguenze a lunga scadenza di questo nuovo, forse imperfetto, ma sicuramente reale modo di vivere le relazioni?
Secondo me a lunghissimo termine si creerà un equilibrio… si parla di temi quali la digitalizzazione della vita, del lavoro, quindi della quotidianità, si parla della sovraesposizione, dell’Iper connessione e secondo me questi due personaggi hanno qualcosa in più rispetto a chi vive questo cambiamento in maniera passiva. Loro avvertono un disagio e secondo me questo disagio potrebbe essere il campanello d’allarme di una situazione più ampia, di una presa di coscienza: va bene che la vita sia cambiata in questo modo verso una digitalizzazione e un’alienazione dei rapporti, ma bisogna trovare un attimo per fermarsi e rintracciare un equilibrio che è andato perduto. Bisognerebbe cominciare a contemplare la possibilità di non avere i social network personali, o di scegliere se rispondere o meno al telefono, senza essere schiavo di certe dinamiche, ritrovando il piacere del contatto con gli altri.
Come dice a Napoli, ‘più nera della mezzanotte non può venire’ per dire che peggio di così non si può andare. E siamo di fronte a un punto in cui dobbiamo per forza trovare il tempo e il modo di ri-centrarci e cercare un equilibrio. In questo, VAS è emblematico perché ha vibrato a diversi livelli con chiunque lo abbia visto, il che vuol dire che in molti modi racconta l’oggi. Ho cercato di pormi delle domande più che di darmi delle risposte. Spero di esserci riuscito.
Prodotto da Al One in co-produzione con Meleagris Film, Vas arriva al cinme ail 20 novembre distribuito da Piano B.
Little Disasters – L’Errore di una Madre, nuovo thriller psicologico in sei episodi tratto dal romanzo bestseller di Sarah Vaughan (Anatomy of a Scandal), debutta con tutti gli episodi giovedì 11 dicembre in esclusiva su Paramount+ in Italia e nei principali mercati internazionali, tra cui Stati Uniti, Canada, Germania, Svizzera, Austria e America Latina. La serie è prodotta dal team BAFTA di Roughcut Television (COMA, Big Boys) in collaborazione con Fremantle.
Dopo l’ottimo riscontro ottenuto al debutto nel Regno Unito e in Irlanda, la serie arriva ora a livello globale, portando sullo schermo un racconto intenso e realistico sulle fragilità, le pressioni e i silenzi che spesso circondano la maternità contemporanea. La critica ha elogiato l’impianto drammatico, le interpretazioni e la capacità di fondere suspense e introspezione psicologica.
Un’amicizia decennale messa alla prova da un evento irreparabile
Little Disasters – L’Errore di una Madre segue l’amicizia tra Jess (Diane Kruger), Liz (Jo Joyner), Charlotte (Shelley Conn) e Mel (Emily Taaffe), quattro donne che si sono conosciute durante la gravidanza, unite dalla coincidenza della data del parto e dalla volontà di sostenersi a vicenda nelle incertezze della vita familiare. Dieci anni dopo, il gruppo è ancora unito, ma quella stabilità viene spezzata quando Jess arriva al pronto soccorso con la sua bambina ferita alla testa, incapace di fornire una spiegazione convincente.
Liz, medico di turno e amica fidata, si ritrova di fronte a una scelta dolorosa: attivare i servizi sociali o fidarsi della versione dell’amica. La sua decisione darà il via a una serie di eventi che sconvolgeranno profondamente le loro vite, mettendo in discussione fiducia, maternità e il delicato confine tra fragilità e colpa.
Un cast corale guidato da Diane Kruger
Al centro della serie c’è la performance intensa di Diane Kruger, affiancata da un cast ricco di volti noti:
La regia è affidata a Eva Sigurðardóttir, candidata ai BAFTA per Good Night e Rainbow Party, che imprime alla serie un tono intimo e allo stesso tempo inquietante.
Un adattamento fedele allo spirito del romanzo
L’adattamento televisivo è firmato da Ruth Fowler e Amanda Duke, con Sarah Vaughan coinvolta in qualità di produttrice esecutiva. Ai vertici produttivi figurano Ash Atalla, Alex Smith e Marianna Abbotts per Roughcut Television, mentre Fremantle si occupa della distribuzione internazionale.
Little Disasters – L’Errore di una Madre promette di essere uno dei titoli più intensi di fine anno per Paramount+, grazie alla capacità di affrontare temi come maternità, amicizia, colpa e giudizio sociale con una prospettiva psicologica avvincente e profondamente umana.
I co-showrunner di NCIS: Origins David J. North e Gina Lucita Monreal commentano la possibilità che Gibbs, interpretato da Mark Harmon, possa finalmente ricongiungersi con la sua vecchia Lala nel presente. Nel 2024, il franchise NCIS ha ampliato il proprio portfolio con la sua prima serie ambientata in un periodo storico. Ambientato nei primi anni ’90, NCIS: Origins affronta i primi anni di Gibbs con l’NCIS (allora chiamato NIS) sotto la guida della squadra combattiva di Mike Franks.
La CBS è riuscita a circondare il Gibbs di Austin Stowell con un mix di volti nuovi e familiari a Camp Pendleton, tutti destinati a plasmare il futuro leader dell’MCRT che sarebbe diventato. Detto questo, a parte Franks, la persona più influente nella sua vita in questo periodo era senza dubbio la Lala di Mariel Molino. Oltre ad essere una collega, è anche l’interesse amoroso di Gibbs nel prequel. Certo, questo crea alcuni problemi di canonicità, ma ciò non toglie nulla al fascino della loro storia in evoluzione.
Per questo motivo, le domande sulla possibilità che Gibbs e Lala si riuniscano nel presente affliggono NCIS: Origins, un argomento che North e Monreal affrontano in una nuova intervista con TVLine. Alla fine, i due affermano che è troppo presto per affrontare il mistero. Alla domanda su una possibile tempistica, rivelano di essere “piuttosto flessibili su come fare le cose”. Leggi le loro dichiarazioni complete qui sotto:
DAVID J. NORTH: È troppo presto per queste conversazioni, per rivelare come finisce la sua storia. Sapevamo che questa sarebbe stata una settimana importante con il crossover di due ore di “NCIS” e inizialmente avevamo pensato di aprire la nostra puntata con dei filmati, una sorta di “best of” di Mark, ma Gina e io ne abbiamo parlato e abbiamo pensato che sarebbe stato un ottimo momento per vedere come sta Gibbs dopo quattro anni e, per quanto riguarda il cane, ci è sembrato molto adatto a Gibbs. Mark e io abbiamo una lunga storia di collaborazioni sullo schermo con i cani.
GINA LUCITA MONREAL: Sì, penso che Gibbs sia un personaggio che cerca molto di stare da solo. Cerca di allontanare le persone. Lo ha fatto. L’abbiamo visto farlo per tutta la vita da quando sono morte sua moglie e sua figlia, ma alla fine non funziona per lui. Nella serie madre lo vediamo abbracciare tutta la famiglia; qui in “Origins” lo vediamo abbracciare tutta la famiglia, quindi quando David ha avuto l’idea di farlo stare là fuori con un cane, è stato semplicemente geniale perché lui è davvero un personaggio che non è destinato a stare da solo.
Chiariscono anche che la canzone che Gibbs, interpretato da Harmon, ascolta nell’episodio crossover tra la stagione 23 e la stagione 2 di NCIS non è esattamente un riferimento a Lala. È piuttosto la visione generale di Gibbs sul tempo.
NORTH: [North e Monreal si scambiano uno sguardo silenzioso e ridono nervosamente] È stato… ben pensato. Gina ha scelto la canzone, lascerò che sia lei a rispondere.
MONREAL: Beh, personalmente adoro la canzone e penso che sia molto da Gibbs ascoltare una canzone del genere. Il ritornello parla del tempo che scorre in generale, non specificamente dell’amore, e penso che fosse proprio quello che volevamo ottenere, i 30 anni tra i nostri due episodi, i 30 anni di crescita professionale di Gibbs. Ma l’idea di Lala è sempre una corrente sotterranea nella serie. È sempre una corrente sotterranea con il nostro Gibbs in “Origins”. Quindi, immagino che non si possa mai dire mai per quanto riguarda il fatto che la canzone sia collegata anche a Lala.
Ci sono teorie secondo cui, dopo il pensionamento di Harmon nella stagione 19 di NCIS, Gibbs si è riunito con Lala in Alaska, da qui la sua decisione di rimanere lì e non tornare al Navy Yard. Il flashforward nella stagione 2, episodio 5 di NCIS: Origins in qualche modo smentisce questa teoria, poiché Gibbs viene visto vivere da solo in una baracca che probabilmente ha costruito lui stesso. Ora è accompagnato da un cane, però.
Per quanto sia frustrante continuare ad aspettare indizi su ciò che riserva il futuro a Lala, l’approccio di North e Monreal nel raccontare la sua storia ha senso. Se lo faranno nel modo giusto, il pubblico rimarrà coinvolto in questo arco narrativo per un po’, consentendo a NCIS: Origins di offrire una trama generale avvincente in tandem con i casi settimanali. Forse è anche possibile che semplicemente non abbiano ancora deciso quale sarà il futuro di Lala.
Ciò che rende credibile l’evoluzione della relazione tra Gibbs e Lala in NCIS: Origins nel presente è che durante tutto il periodo in cui Harmon ha lavorato nella serie principale, è stato chiaramente stabilito che il motivo per cui non riusciva a far funzionare nessuna relazione era perché era ancora irrimediabilmente innamorato della sua prima moglie, Shannon. Il prequel sfida già questa idea, facendo sviluppare a Gibbs un legame emotivo con Lala circa un anno dopo l’omicidio di Shannon e Kelly. Ci deve essere un modo per dare loro un finale soddisfacente senza cambiare il carattere fondamentale di Gibbs che è rimasto immutato per due decenni.
Quando si parla di attori classici di Hollywood, Michael Caine è tra i più celebri. Attivo dal 1950, l’attore ha avuto una carriera ricca di successi. Pur avendo già una lunga filmografia alle spalle prima di partecipare alla saga, Caine è entrato alla grande nella scena della cultura pop quando ha recitato nel film Batman Begins di Christopher Nolan nel ruolo di Alfred Pennyworth. Caine è poi tornato nei panni del partner e confidente di Batman in Il cavaliere oscuro, prima di riprendere il ruolo un’ultima volta nel 2012 in Il cavaliere oscuro – Il ritorno.
Con il suo stile recitativo potente, il suo carisma innegabile e la sua voce distintiva, Caine ha costruito un’eredità a Hollywood che solo pochi eletti possono eguagliare. Ora, l’attore ha annunciato (tramite Deadline) di aver stretto una partnership con la società di intelligenza artificiale ElevenLabs, fondata da Piotr Dąbkowski e Mari Staniszewski, per clonare la sua voce per progetti futuri. La voce di Caine farà parte dell’“Iconic Voice Marketplace” di ElevenLabs, che ospiterà le voci di numerosi attori e celebrità, sia viventi che defunti, per uso commerciale.
In una dichiarazione, Caine ha spiegato le ragioni che lo hanno spinto a concludere l’accordo, affermando di voler aiutare le persone a creare le proprie storie. Ha inoltre aggiunto che l’azienda non mira a sostituire le voci, ma piuttosto ad amplificarle. “Per anni ho prestato la mia voce a storie che hanno commosso le persone: storie di coraggio, di arguzia, di spirito umano. Ora sto aiutando gli altri a trovare la loro. Con ElevenLabs possiamo preservare e condividere le voci, non solo la mia, ma quelle di chiunque”.
“ElevenLabs è all’avanguardia della tecnologia e utilizza l’innovazione non per sostituire l’umanità, ma per celebrarla. ElevenLabs offre a tutti gli strumenti per farsi ascoltare. Non si tratta di sostituire le voci, ma di amplificarle, aprendo le porte a nuovi narratori ovunque. Ho passato tutta la vita a raccontare storie. ElevenLabs aiuterà la prossima generazione a raccontare le proprie“, sono le parole dell’attore.
Come spiegato da Deadline, per utilizzare una delle voci disponibili nel Voice Marketplace, gli utenti dovranno inviare una richiesta, dopodiché ElevenLabs li metterà in contatto con i titolari dei diritti degli attori che desiderano utilizzare. L’accordo viene quindi stipulato tra l’utente e il titolare dei diritti (al di fuori della piattaforma). Una volta raggiunto l’accordo, l’azienda fornisce la voce richiesta. Secondo l’accordo, la voce di Caine sarà “disponibile anche sull’app ElevenReader per narrare libri, articoli e PDF”.
Come accennato, anche altri attori di alto profilo hanno collaborato con ElevenLabs, con sede a New York City, tra cui Liza Minnelli eMatthew McConaughey. Secondo Variety, quest’ultimo è un investitore dell’azienda e collabora con essa dal 2022. L’attore sta utilizzando la tecnologia di ElevenLabs per creare un doppiaggio in spagnolo (con la sua voce) della sua newsletter, “Lyrics of Living‘”. Riguardo a questa iniziativa, McConaughey ha dichiarato:
“Fin dalla nostra prima conversazione, sono rimasto impressionato dal modo in cui il team di ElevenLabs ha saputo trasformare la magia della tecnologia di base in prodotti che creatori, imprese e narratori utilizzano quotidianamente. Ho lanciato la mia newsletter, ”Lyrics of Livin'”, come un modo per condividere storie e idee con la mia voce con chi vuole ascoltarle. Ora, grazie a ElevenLabs, “Lyrics of Livin’” si sta espandendo con un’edizione in lingua spagnola, che ci permette di raggiungere e connetterci con ancora più persone”.
“A tutti coloro che stanno costruendo con la tecnologia vocale: continuate così. State contribuendo a creare un futuro in cui potremo alzare lo sguardo dai nostri schermi e connetterci attraverso qualcosa di intramontabile come l’umanità stessa: le nostre voci“. L’utilizzo delle sembianze e delle voci di attori defunti è stato a lungo oggetto di controversie nell’industria dell’intrattenimento. Tuttavia, con Michael Caine, Matthew McConaughey e Liza Minnelli che hanno stretto una partnership con ElevenLabs, il dibattito sull’uso dell’intelligenza artificiale per ricreare le performance degli attori diventerà probabilmente più complesso.
Dopo solo tre episodi, IT: Welcome to Derry si è affermato come uno dei maggiori successi in streaming con una delle migliori stagioni di debutto su HBO Max. Prequel dei film IT (2017) e IT Chapter Two (2019) di Andy Muschietti, Welcome to Derry è rimasto in cima alle classifiche di streaming di HBO Max sin dalla sua prima apparizione il 26 ottobre.
Ampliando il suo successo, Deadline ha ora riportato che IT: Welcome to Derry stagione 1, con la sua media di spettatori nazionali e globali, si colloca tra le prime tre migliori stagioni di esordio nella storia di HBO Max. Welcome to Derry – episodio 3 ha registrato una media di 5 milioni di spettatori su più piattaforme negli Stati Uniti nei primi tre giorni, mentre la premiere della serie ha registrato una media considerevole di 5,7 milioni. Complessivamente, la stagione 1 di Welcome to Derry ha registrato una media di 9,2 milioni di spettatori statunitensi per episodio e quasi 15 milioni di spettatori globali per episodio.
Il nuovo traguardo raggiunto dalla stagione nel suo complesso fa seguito al fatto che l’episodio 1 di IT: Welcome to Derry ha stabilito un record come terza migliore premiere di tutti i tempi di HBO Max, dietro a House of the Dragon e The Last of Us. Purtroppo, HBO Max non ha rivelato quali altre due serie TV abbiano affiancato Welcome to Derry nelle tre migliori stagioni di esordio della piattaforma.
Sebbene i dati relativi al terzo episodio di IT: Welcome to Derry dimostrino che la serie ha mantenuto un forte numero di spettatori dopo la premiere, ci sono ancora diversi episodi che devono mantenere questi numeri. La prima stagione di Welcome to Derry ha un totale di otto episodi, quindi ne restano ancora cinque, con il finale che sarà trasmesso in anteprima su HBO Max domenica 14 dicembre.
La prima stagione di IT: Welcome to Derry ha anche dovuto competere con una programmazione particolarmente forte della HBO la domenica sera sin dal suo debutto. Sempre la domenica sera sono in onda le prime stagioni di The Chair Company di Tim Robinson e I Love LA di Rachel Sennott, entrambe con ottimi numeri per il catalogo comico di HBO Max.
Con una media di 3 milioni di spettatori statunitensi per episodio, The Chair Company è diventata la stagione comica di esordio più vista di sempre per HBO Max. Nel frattempo, anche I Love LA vanta ora un aumento del 12% degli spettatori per il suo secondo episodio dalla prima, con una media stagionale di 1,4 milioni di spettatori statunitensi. Tuttavia, The Chair Company terminerà due settimane prima e I Love LA terminerà una settimana dopo IT: Welcome to Derry, mantenendo la competizione fino a novembre e metà dicembre.
Considerando che la prima puntata ha già eguagliato gli ascolti di House of the Dragon e The Last of Us, l’alta media complessiva della prima stagione di IT: Welcome to Derry è un buon segno per il futuro della serie. I produttori e i creatori dello show hanno spesso menzionato un piano di tre stagioni per IT: Welcome to Derry, anche se HBO non ha ancora dato il via libera ufficiale oltre la prima stagione. Tuttavia, con il mantenimento di un forte numero di spettatori nella prima metà della stagione, Welcome to Derry sembra destinato a rimanere e a completare la visione del team creativo di approfondire la storia di Pennywise e Derry.
Per ora, ci sono ancora molti segreti e paure da esplorare negli episodi rimanenti della prima stagione, con IT: Welcome to Derry andrà in onda su HBO e HBO Max domenica 16 novembre alle 21:00 ET. Poiché la serie ha mantenuto recensioni promettenti da parte della critica e del pubblico per tutta la stagione, attualmente con un punteggio “Certified Fresh” del 78% su Rotten Tomatoes, la speranza è che IT: Welcome to Derry continui a crescere in termini di audience e consensi con il progredire della prima stagione.
Recentemente sono state condivise alcune foto dal set britannico del reboot diHarry Potter della HBO, che mostrano la lezione di volo in cui il giovane mago monta per la prima volta su una scopa e finisce per diventare il più giovane cercatore di Hogwarts nella squadra di Quidditch dei Grifondoro. Le immagini hanno offerto un primo sguardo a Louise Brealey nei panni di Madam Hooch, Rory Willmort nei panni di Neville Paciock e Lox Pratt nei panni di Draco Malfoy, oltre alle tuniche viola che gli studenti di Hogwarts indosseranno nella serie.
Ora è stato rivelato un primo sguardo più da vicino a questi personaggi, insieme a un personaggio che molti ritengono essere Parvati Patil (si può vedere qui la foto). La maggior parte delle sue battute sono state tagliate dai primi film, quindi la potenziale presenza di Parvati potrebbe indicare che avremo più tempo per conoscere la giovane strega di Grifondoro (la sua gemella, Padma, è stata smistata a Corvonero). Nei libri, Parvati diventa la migliore amica di Lavanda Brown, con cui condivide molti interessi, come l’amore per la Divinazione.
Parvati partecipa inoltre al Ballo di Natale con Harry Potter nel 1994 e, un anno dopo, si unisce all’Esercito di Silente, l’organizzazione guidata da Harry. Il passaggio alle vesti viola è invece interessante e sembra un po’ più “magico” rispetto alle versioni nere che abbiamo visto in precedenza sullo schermo. Un tocco di colore contribuirebbe a dare un tono diverso al mondo magico rinnovato, e le vesti di Madam Hooch sono decisamente piuttosto eclettiche nel loro aspetto.
La prima stagione sarà tratta dal romanzo La pietra filosofale e abbiamo già visto alcuni altri momenti chiave del romanzo d’esordio di J.K. Rowling essere trasposti sullo schermo. La prima stagione di Harry Potter dovrebbe essere girata fino alla primavera del 2026, mentre la seconda stagione entrerà in produzione pochi mesi dopo. Ogni libro dovrebbe costituire una singola stagione, il che significa che avremo sette stagioni nell’arco di quasi un decennio.
HBO descrive la serie come un “adattamento fedele” della serie di libri della Rowling. “Esplorando ogni angolo del mondo magico, ogni stagione porterà ‘Harry Potter’ e le sue incredibili avventure a un pubblico nuovo ed esistente”, secondo la descrizione ufficiale. Le riprese dovrebbero avere inizio nel corso dell’estate 2025, per una messa in onda prevista per il 2026.
La serie è scritta e prodotta da Francesca Gardiner, che ricopre anche il ruolo di showrunner. Mark Mylod sarà il produttore esecutivo e dirigerà diversi episodi della serie per HBO in collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros. Television. La serie è prodotta da Rowling, Neil Blair e Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e David Heyman di Heyday Films.
Come già annunciato, Dominic McLaughlin interpreterà Harry, Arabella Stanton sarà Hermione e Alastair Stout sarà Ron. Il cast principale include John Lithgow nel ruolo di Albus Silente, Janet McTeer nel ruolo di Minerva McGranitt, Paapa Essiedu nel ruolo di Severus Piton, Nick Frost nel ruolo di Rubeus Hagrid, Katherine Parkinson nel ruolo di Molly Weasley, Lox Pratt nel ruolo di Draco Malfoy, Johnny Flynn nel ruolo di Lucius Malfoy, Leo Earley nel ruolo di Seamus Finnigan, Alessia Leoni nel ruolo di Parvati Patil, Sienna Moosah nel ruolo di Lavender Brown, Bertie Carvel nel ruolo di Cornelius Fudge, Bel Powley nel ruolo di Petunia Dursley e Daniel Rigby nel ruolo di Vernon Dursley.
Si avranno poi Rory Wilmot nel ruolo di Neville Paciock, Amos Kitson nel ruolo di Dudley Dursley, Louise Brealey nel ruolo di Madama Rolanda Hooch e Anton Lesser nel ruolo di Garrick Ollivander. Ci sono poi i fratelli di Ron: Tristan Harland interpreterà Fred Weasley, Gabriel Harland George Weasley, Ruari Spooner Percy Weasley e Gracie Cochrane Ginny Weasley.
La serie debutterà nel 2027 su HBO e HBO Max (ove disponibile) ed è guidata dalla showrunner e sceneggiatrice Francesca Gardiner (“Queste oscure materie”, “Killing Eve”) e dal regista Mark Mylod (“Succession”). Gardiner e Mylod sono produttori esecutivi insieme all’autrice della serie J.K. Rowling, Neil Blair e Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e David Heyman di Heyday Films. La serie di “Harry Potter” è prodotta da HBO in collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros. Television.
È stata presentata ieri, durante la conferenza stampa ufficiale, la XXIII edizione del Trailers FilmFest, che si svolgerà a Roma dal 19 al 21 novembre.
Molte le novità per questa edizione, a partire dai nuovi direttori artistici Francesca Sofia Allegra e Alessandro De Simone, che già da diversi mesi hanno lanciato la nuova immagine del Trailers FilmFest, logo e concept visivo e di comunicazione ad opera dell’art director Giovanni Guizzardi.
We Make It Big, questo il claim che accompagnerà l’edizione numero ventitré, che punta sicuramente a trovare il giusto posizionamento nel panorama festivaliero, ma soprattutto a radicarsi come un laboratorio permanente, un osservatorio su un settore dell’industria audiovisiva ancora troppo poco analizzato e studiato.
Esaltare e celebrare il lavoro delle molte persone che contribuiscono al lancio e al successo di un film sarà sempre di più il centro del Trailers FilmFest, senza trascurare naturalmente i premi dedicati ai professionisti della promozione.
Quante volte avete letto il nome di chi ha realizzato il teaser trailer che tanto ha fatto impazzire il web? Quanti nomi conoscete fra gli art director che firmano i poster che rimangono nell’immaginario collettivo? Sapete chi ha ideato e condotto la campagna marketing per il lancio di un film, a cui tutti hanno voluto partecipare, anche solo virtualmente?
Il Trailers FilmFest ha come scopo primario la valorizzazione di un comparto che può decretare il successo di un prodotto audiovisivo al botteghino, ma che ancora fatica a trovare il giusto riconoscimento professionale.
A questo scopo, il Trailers FilmFest annuncia che, a partire da quest’anno, non sarà più solo un evento concentrato in pochi giorni, bensì diventerà un appuntamento fisso rivolto a studenti, appassionati e professionisti del settore.
Francesca Sofia Allegra e Alessandro De Simone – Foto di Chiara Guida
“Il Trailers FilmFest che sogniamo lo costruiremo un pezzetto alla volta, anno dopo anno. Anzi, mese per mese, perseguendo il nostro primo desiderio, quello di renderlo un laboratorio permanente in cui celebrare i professionisti della distribuzione, dai responsabili marketing ai creativi e le agenzie di comunicazione”, si legge nella dichiarazione dei due direttori. “Continueremo a insegnare, con i workshop tesi a formare i professionisti della promozione del futuro. E a indagare, studiando le nuove figure professionali, gli strumenti più innovativi, osservando la complessità delle campagne promozionali e la creatività degli artisti della promozione. Collaborando in passato al Trailers FilmFest abbiamo imparato a conoscere questo mondo, ma adesso vogliamo di più. Vogliamo che diventi un luogo di mediazione, tra creatività, marketing e pubblico”.
Proprio per questo il programma del festival si compone di TrailersLab, workshop dedicati agli studenti del NABA, e Trailers Professional, panel indirizzati ai professionisti o aspiranti tali.
Da segnalare, in particolare, “Il titolo di questo panel lo ha scritto ChatGPT”, che punta al dibattito sul futuro della promozione nell’aera dell’AI, coinvolgendo professionisti dalle idee diametralmente opposte, e“L’evoluzione della specie: La promozione nell’era dei creators”, sulle opportunità e le effettive validità del coinvolgimento dei creators digitali in una campagna promozionale.
Ovviamente non mancheranno le premiazioni: trenta i trailer in concorso in tre sezioni divise geograficamente, votati da una giuria di qualità composta da professionisti di ogni settore, che hanno giudicato i finalisti in base ai parametri artistici, ma anche alla performance ottenuta dalla campagna di promozione.
Da quest’anno la direzione artistica del Trailers FilmFest ha deciso di istituire una nuova categoria, dedicata ai trailer dei film documentari italiani usciti in sala nel periodo 1° agosto 2024 e il 31 luglio 2025. Dieci trailer in totale; il miglior trailer per un film documentario è votato dal pubblico.
E ancora, Pitch Trailer, Idee di film da realizzare, il premio che offre la possibilità ad aspiranti registi, ma anche a professionisti già nel settore, di raccontare il loro progetto attraverso un trailer.
Per il primo anno dalla sua nascita, inoltre, il Trailers FilmFest avrà una giuria che giudicherà anche il Miglior Poster dell’anno, per dare maggior pregio e professionalità a un premio che riconosce il lavoro di professionisti e di interi team di creativi.
Sempre più volti a dare identità alla kermesse, il Premio alla Miglior Campagna Promozionale per il Lancio di un Filme, categoria che assume un peso sempre maggiore nel panorama internazionale, il Premio per il Miglior Contenuto Creator.
NASCE IL PREMIO ROBERT BERNOCCHI
Da quest’anno, infine, il premio alla Miglior Rivelazione dell’anno sarà intitolato a un grande professionista, nonché caro amico: Robert Bernocchi era il miglior analista del mercato cinematografico in Italia. Le sue lucide analisi, le sue osservazioni, comparazioni, ma soprattutto intuizioni non hanno mai trovato eguali. Per questo motivo, la direzione ha stabilito che il premio per il film italiano rivelazione dell’anno fosse il più adatto per ricordarlo.
BATTLE OF CREATIVITY
Altra novità assoluta di questa edizione: non si concluderà con la proiezione di un film in anteprima. Per quello ci sono già tutti gli altri festival. Il Trailers FilmFest vuole diventare sempre più un luogo di confronto e divulgazione specifico.
A questo proposito, la sera finale, presso il cinema The Space Moderno di Roma, si terrà la Battle of Creativity: quattro creativi, professionisti della divulgazione, si scontreranno mettendo in piedi, in pubblico, le proprie strategie promozionali, rispondendo alle domande che vengono loro poste. Un scontro di idee, esperienze, guizzi di originalità che verrà votato dal pubblico. I creativi in “gara” sono persone la cui expertise non ha bisogno di presentazioni: Roberto Recchioni, Francesco Marchetti, Mauro Mancini e Lorenzo Terragna.
Trailers FilmFest è un evento ideato e realizzato dall’Associazione Seven e prodotto dall’Associazione The Outsiders. La XXIII edizione si terrà a Roma dal 19 al 21 novembre 2025. L’iniziativa è realizzata con il patrocinio e contributo della Direzione Generale per il Cinema – Ministero della Cultura.
Media Partner: Ciak, Cinefilos, The Cinema Show.
Trailers FilmFest è a favore della sostenibilità ambientale, dalla riduzione dell’uso di materiali stampati all’impiego di supporti digitali, dall’attenzione al riciclo fino alla scelta di partner e fornitori sensibili alle tematiche ambientali. Un percorso che riflette la convinzione che cultura e rispetto per l’ambiente debbano procedere insieme, perché il futuro del cinema passa anche attraverso la responsabilità verso il pianeta.
Il 2025 è stato un anno di successi per la DC Studios, poiché il finale del film su Superman ha lasciato il pubblico desideroso di vedere ancora l’icona DC sul grande schermo. Sappiamo che il personaggio (e altri insieme a lui) tornerà nel sequel Man of Tomorrowe come al solito ci si chiede già quale minaccia dovrà affrontare l’Uomo d’Acciaio. Nelle scorse settimane il nome più gettonato è stato quello di Brainiac, ma non ha mai ricevuto conferme ufficiali da parte diJames Gunn.
Secondo The Wrap, però, sarà proprio Brainiac a fare finalmente il suo debutto cinematografico, poiché la rivista conferma che sarà il cattivo principale nel sequel Gunn. Il rapporto rivela anche che le riprese del film dovrebbero iniziare nell’aprile 2026 ad Atlanta. Al momento della pubblicazione di questa notizia, la DC Studios e Gunn non hanno ancora rilasciato commenti. Si vocifera infatti che Brainiac sarà il grande cattivo sin da quando Gunn ha condiviso la copertina della sceneggiatura di Man of Tomorrow il 22 settembre 2025.
In un’intervista con Entertainment Weekly a settembre, Gunn ha però ammesso di sapere esattamente quale effetto avrebbe avuto sul pubblico la condivisione della copertina della sceneggiatura. Pur non confermando Brainiac come cattivo in quel momento, ha rilasciato la seguente dichiarazione: “Ascolta, ovviamente non ignoravo che quando avrei pubblicato la copertina della sceneggiatura ci sarebbero state discussioni su quell’argomento specifico. Ma penso che per ora non riveleremo cosa succederà esattamente”.
Tutto quello che sappiamo su Man of Tomorrow
Le riprese principali di Man of Tomorrow dovrebbero iniziare nella primavera del 2026, con una data di uscita fissata per il 9 luglio 2027. David Corenswet riprenderà il ruolo nel sequel al fianco di Lex Luthor, interpretato da Nicholas Hoult, poiché i due si alleeranno contro questo nuovo nemico, come ha dichiarato il regista.
James Gunn ha infatti affermato: “È una storia in cui Lex Luthor e Superman devono collaborare in una certa misura contro una minaccia molto, molto più grande. È più complicato di così, ma questa è una parte importante. È tanto un film su Lex quanto un film su Superman. Mi è piaciuto molto lavorare con Nicholas Hoult. Purtroppo mi identifico con il personaggio di Lex. Volevo davvero creare qualcosa di straordinario con loro due. Adoro la sceneggiatura”.
Gunn annunciato Man of Tomorrow sui social media il 3 settembre. Nel suo annuncio, lo sceneggiatore e regista ha incluso un’immagine tratta dal fumetto in cui Superman è in piedi accanto a Lex Luthor nella sua Warsuit. Nei fumetti DC, Lex crea la tuta per eguagliare la forza e le abilità di Superman. Mentre l’immagine teaser suggeriva che Lex e Superman sarebbero stati di nuovo in contrasto, ora sembra che Lex userà la sua Warsuit per poter essere allo stesso livello di Superman per qualsiasi grande minaccia si presenti loro.
Al momento, è confermata la presenza della Lois Lane di Rachel Brosnahan. Il co-CEO della DC Studios ha risposto a un fan su Threads all’inizio di settembre 2025 che Lois avrà un “ruolo importante”.
Il film è stato in precedenza descritto come un secondo capitolo della “Saga di Superman”. Ad oggi, Gunn ha affermato unicamente che “Superman conduce direttamente a Peacemaker; va notato che questo è per adulti, non per bambini, ma Superman conduce a questo show e poi abbiamo l’ambientazione di tutto il resto della DCU nella seconda stagione di Peacemaker, è incredibilmente importante”.
ABC ha pubblicato il primo teaser promo della Stagione 4 di Will Trent, anticipando il ritorno dell’agente speciale interpretato da Ramón Rodríguez. Le nuove immagini offrono un assaggio delle indagini che attendono Will, tra casi ad alta tensione, nuovi alleati e minacce sempre più personali.
Il promo mostra una stagione che promette un tono ancora più cupo e dinamico, con sequenze d’azione più serrate e un’attenzione particolare all’evoluzione emotiva del protagonista. Ritornano anche gli altri volti centrali della serie, tra cui Erika Christensen, Sonja Sohn e Iantha Richardson, mentre la trama lascia intuire che il passato di Will continuerà a influenzare in modo decisivo il suo presente.
Basata sui romanzi di Karin Slaughter, Will Trent si è consolidata negli anni come uno dei procedural più seguiti della rete, grazie all’equilibrio tra thriller, drama e approfondimento psicologico dei personaggi. La quarta stagione punta a espandere ulteriormente questo mondo narrativo, mantenendo alta la tensione e portando lo spettatore al centro delle indagini del Georgia Bureau of Investigation.
La Stagione 4 di Will Trent debutterà nel 2025 su ABC, mentre in Italia è attesa successivamente sui canali e piattaforme che ne detengono i diritti. Nel frattempo, il teaser promo offre un primo sguardo a quello che si preannuncia come uno dei ritorni più attesi del prossimo anno.
![Film in TV stasera [13 novembre 2025]: la guida completa ai titoli da non perdere](https://www.cinefilos.it/wp-content/uploads/2024/02/Challengers-Zendaya-768x481.webp "Film in TV stasera [13 novembre 2025]: la guida completa ai titoli da non perdere")
Per un lavoro così ricco di spunti ci deve essere stata anche un una certa quantità di ricerca: il film racconta due individualità precise. Ci sono state persone a cui ti sei rivolto, con cui hai parlato, per costruire i tuoi protagonisti?
