Il primo film da regista del più universale dei filosofi spagnoli, Orlando, my Political Biography di Paul B. Preciado, arriva oggi nelle sale italiane con Fandango. Si tratta di una profonda e al tempo stesso gioiosa riflessione sulla nuova realtà di tutti noi, che analizza i mutamenti del paradigma sociale, politico e sessuale come conseguenza del “crollo delle istituzioni e delle forme di legittimazione patriarcale, sessuale e razziale del vecchio regime“.

Orlando, my Political Biography è un’opera tanto resistente alle classificazioni e alle categorizzazioni quanto lo è il suo autore nel “continuare a definire la nostra sessualità, in questo tempo di soggettività, secondo le categorie della medicina del XIX secolo“. Nel progetto di Preciado, il soggetto è importante quanto la forma (labile, instabile, multipla), proprio perchè, per Preciado, il film funziona come mappa di una possibile utopia, quella di un tempo senza genere, in cui il queer invade i poteri della nostra immaginazione e diventa una forza politica di metamorfosi.

Gli Orlandos della nostra realtà

Seguendo le orme del romanzo Orlando di Virginia Woolf lo stesso regista inserisce la sua voce nella narrazione per una dichiarazione di intenti: ci dice che avrebbe voluto raccontare la sua vita, ma che in realtà questa è già stata raccontata prima di lui, un secolo fa, dalla scrittrice britannica, nel romanzo incentrato su un uomo che, all’età di 30 anni, cambia sesso, trasformandosi, nel cuore della notte e come per magia, da uomo a donna. Il viaggio di Orlando, che è anche una transizione, è lo stesso di tutti i corpi non binari, e Preciado andrà alla ricerca degli Orlandos di tutto il mondo per cercare la loro voce autentica e confonderla con la propria, creando un arazzo serrato, brillante, poetico e persino incandescente che finisce per essere la migliore rappresentazione, viva e mutevole, di una realtà che è anche una lotta. Ogni Orlando è una lotta a rischio della vita contro le leggi governative, contro la storia, contro la psichiatria, contro un femminismo “essenzialista e patriarcale”, contro l’idea tradizionale di famiglia e, se necessario, contro le case farmaceutiche.

Situato in un territorio indefinito tra autobiografia, manifesto politico, saggio letterario, attivismo sociale e gioco metatestuale, Orlando, my Political Biography traspone la storia di Woolf nel mondo reale e il suo protagonista in una trentina di personaggi chiamati Orlando; “il mondo oggi è pieno di Orlando, e noi stiamo cambiando il corso della storia“, dice la voce fuori campo di Preciado a un certo punto del film. Sia che mettano in scena estratti del testo originale, che raccontino esperienze personali dolorose o che ballino un inno techno-pop ai “trans” – pieno di battute stellari come “non lasciate che Freud e Lacan vi fottano la mente” o “Chi possiede la vostra narrativa? Dio? Lo Stato? La psichiatria? La legge?” – tutti parlano con grande umorismo e persuasività dell’assurdità delle distinzioni di genere.

Raccontare un corpo collettivo in transizione

Il corpo trans, ci dice Paul B. Preciado, non cerca di essere osservato e conosciuto: ciò che vuole mettere in discussione è l’organizzazione dei corpi. Esattamente quello che ha fatto Virginia Woolf in “Orlando”, nel 1928, quando la rivendicazione di un’identità non binaria sembrava materia prima per un romanzo di fantascienza. Non è strano che Preciado, che ha scritto saggi rivoluzionari sulla questione trans come “Testo yonqui” o “Dysphoria mundi“, veda il romanzo della Woolf come un manifesto che funge da substrato biografico che trascende la sua individualità: quello di cui si occupano Woolf e Preciado è un corpo collettivo in transizione, che vive il suo processo come un viaggio verso la liberazione delle forme e degli orientamenti sessuali.

Questo viaggio si traduce in un film che cerca se stesso, che si trasforma, da saggio filosofico a confessione autobiografica, da documentario creativo a testimonianza politica, utilizzando il testo di Woolf come gene comune a tutta una miriade di esperienze che parlano anche dei limiti farmacocapitalistici imposti dal sistema, della difficoltà di riconoscersi in una burocrazia che continua a essere guidata da imperativi binari, dell’ansia prodotta dall’abbandonarsi a un corpo ricodificato quando il contesto insiste a rinchiudersi in codici obsoleti.

Ricerca, rappresentazione e appiglio emotivo

L’intento, spiega Preciado, è quello di modificare completamente le narrazioni su cui ci siamo costruiti come società, “di trovare modi diversi di raccontarci“, e assicura che gli spettatori ideali per il suo film sono i bambini e gli adolescenti, perché sono quelli che stanno vivendo più intensamente questa grande trasformazione e che continueranno ad approfondirla. Analogamente ai suoi testi, che combinano esperienza personale, teoria e critica socio-politica, Orlando, my Political Biography di Preciado riesce a essere ambizioso nella sua ricerca tematica, intelligente nelle sue modalità di rappresentazione visiva e, infine, emotivo nel dare volti e corpi alle persone che condividono le sue storie di vita e il suo immaginario.

Un mondo a parte di Riccardo Milani è quello con cui si confronta il maestro Michele Cortese quando dalla periferia di Roma si fa trasferire a Rupe, nel cuore del Parco Nazionale d’Abruzzo, per insegnare nell’Istituto elementare intitolato a Cesidio Gentile detto “Jurico”, poeta-pastore, che conta soltanto 7 alunni.

Il film, in sala dal 28 marzo con Medusa Film, si ricollega all’esordio di Milani, Auguri Professore, in cui il personaggio interpretato da Silvio Orlando si ritrovava a rivalutare la vita isolata. In questo caso, Antonio Albanese desidera e glorifica con convinzione un posto che in fondo non conosce, con una prima parte della storia che è molto simile a Io speriamo che me la cavo e Benvenuti al Sud, in cui un elemento estraneo entra in un microcosmo perfettamente disfunzionale e trova qualche difficoltà ad adattarsi. Il locus amoenus di turno, che nella realtà è Opi, comune di 379 abitanti della provincia dell’Aquila, che sebbene con qualche ritrosia iniziale, accoglie e educa il maestro Cortese alla vita del posto, dopotutto, “la montagna lo fa”.

Un mondo a parte: l’intruso che si adatta

Molto presto, Michele si renderà conto che la fascinazione per la provincia del mondo è in realtà una vera e propria lotta per la sopravvivenza, non solo a causa del freddo e dell’iniziale ostilità degli autoctoni, ma proprio di vita o di morte dell’Istituto e della scuola stessa. Dopotutto si sa che se in un paese la scuola chiude, il paese è destinato alla morte. E così, insieme alla fiera e volitiva vicepreside Agnese, una meravigliosa Virginia Raffaele, il professore forestiero farà di tutto per permettere alla scuola di rimanere aperta, andando a raccattare studenti e nuovi iscritti tra gli immigrati marocchini perfettamente integrati nei territori marsicani e profughi ucraini che scappano dalla guerra e cercano riparo e accoglienza da noi. Tutto per contrastare il malvagio Preside, che da un istituto ben più grande e da un comune con un futuro più florido progetta di far chiudere la scuola in favore del suo vile piano edilizio in favore di un centro commerciale.

Insomma, Riccardo Milani sembra non voler lasciare nulla fuori dal suo ritorno all’Abruzzo: c’è la problematica dello spopolamento delle zone rurali e di contro il recupero delle stesse, ci sono gli abusi edilizi e i profughi, c’è persino la ragazza omosessuale che pensa che il suicidio sia l’unico modo per sfuggire a una società così ristretta e oppressiva come quella di Rupe. C’è ovviamente una storia d’amore tra due anime affini che imparano a conoscersi, e ci sono i bambini che conoscono tutto della vita di Cesidio Gentile detto “Jurico”, poeta-pastore, ma che difficilmente avranno un futuro se restano nel loro paese natale.

Scivola nella pedagogia ma con grande onestà

Il discorso di Milani si fa più volte didascalico ai limiti del patetismo, eppure Un mondo a parte non può non fare simpatia e a suo modo emozionare, per la bellezza dei territori che racconta e anche per l’universalità dei temi che tratta, seppure in maniera pedagogica. Non solo, il film è impreziosito da un cast di comprimari non professionisti che brillano nel portare se stessi, e forse le loro storie, davanti alla macchina da presa. E tutto il carrozzone è guidato da due fuoriclasse, Albanese e Raffaele, che hanno una grande alchimia e che non ci stupiremmo di vedere ancora insieme sullo schermo.

Un mondo a parte non si prende mai troppo sul serio, anche quando quello che racconta ha dei risvolti tragici, riesce a inquadrare con semplicità una condizione comune a tantissime realtà italiane, risultando non sempre brillante ma sicuramente diretto e onesto.

Sono quasi sei mesi che quotidianamente si parla di Gaza, delle decine e decine di migliaia di morti di civili per la guerra portata da Israele in Palestina, che sembra impossibile poter affrontare la delicata questione intorno alla quale tutto ruota – da decenni – in maniera ancora interessante. Eppure è quel che si prefigge Loris Lai, regista del film I bambini di Gaza – Sulle onde della libertà che Eagle Pictures distribuisce nei cinema di tutta Italia dal 28 marzo. Un esordio per il filmmaker pluripremiato per i suoi cortometraggi, che per debuttare nel lungo ha scelto di ispirarsi (liberamente) al romanzo per ragazzi “Sulle onde della libertà” di Nicoletta Bortolotti.

Una storia – sostenuta dalle musiche di Nicola Piovani – pronta già a fine settembre 2023, ma che la produzione ha scelto di congelare visti gli accadimenti di quei giorni, per riflettere, e per permettere al pubblico di accogliere al meglio l’invito alla riflessione che il film veicola. Attraverso la voce dei bambini (“rappresentano il futuro, ci insegnano, ci indicano una terza via, fatta di convivenza, di pace” dice Lai), soprattutto quella dei piccoli Marwan Hamdan e Mikhael Fridel, che con Tom Rhys Harries – in un ruolo chiave, per quanto inevitabilmente secondario – guidano un cast completato da Lyna Khoudri, Qassim Gdeh, Hussam Shadat, Yasmine Attia, Oday Saedi, Jaron Làwenberg, Ruth Rosenfeld e Jamal Sassi.

I bambini di Gaza, la trama

Striscia di Gaza, 2003. Durante la seconda Intifada, nel territorio di Gaza sono ancora presenti insediamenti israeliani. In questa realtà vive Mahmud, di 11 anni, che come tanti altri bambini palestinesi va a scuola, aiuta la madre Farah, che per lui spera in una vita diversa, gioca a ‘Israeliani contro Palestinesi’ con gli amici, e coltiva una grande passione per il surf. Tra bombardamenti quotidiani, abituato a vivere nella paura, circondato dalla morte, il surf rappresenta uno spazio di gioia e libertà. Ma l’amore di Mahmud per il surf è condiviso da un suo coetaneo israeliano, Alon, e quando si incontrano in spiaggia tra i due nasce una curiosità reciproca nonostante il contesto. Le cose cambiano quando i due bambini incontrano Dan (30 anni), un ex campione di surf la cui carriera è stata stroncata da un infortunio. Vittima di una dipendenza dagli antidolorifici, questi è in lutto per la morte della sorella, uccisa in un bombardamento mentre lavorava come medico volontario proprio sulla striscia di Gaza. L’incontro con Mahmud e Alon, e la decisione di dare loro lezioni di surf perché possano inseguire i loro sogni, darà una svolta alla sua vita. Nello stesso tempo, però, Mahmud e Alon, a causa della loro amicizia, si troveranno a fare una scelta capace di sconvolgere le loro esistenze.

I bambini di Gaza, le prime vittime

“Un grande contributo alla formazione della fraternità, l’amicizia sociale e la pace” lo ha definito Papa Francesco, al quale il film è stato mostrato. Un film di grande attualità – purtroppo – e potenza, che ha dovuto attraversare qualche difficoltà per arrivare nelle nostre sale, a partire dalla scelta di puntare su bambini palestinesi, selezionati tra i molti incontrati in Cisgiordania, tra le città di Tulkarem e Jenin, e sulla necessità di portarli in Tunisia per le riprese. Un film nel quale fossero loro i protagonisti, oltre che le vittime delle scelte degli adulti, della loro assurda osservanza di fedi religiose che ipocritamente nascondono esigenze politiche e degli opposti radicalismi.

Un concetto che il film sottolinea in maniera evidente, ponendo particolare attenzione nel mostrare tutte le facce del prisma osservato, dal colono invasato convinto della propria missione e del proprio diritto divino a occupare la terra palestinese al subdolo capo zona in cerca di bambini da radicalizzare e sfruttare come armi, ma fortunatamente anche quella di un Islam che non siamo troppo abituati a vedere raccontato, buono, che sceglie il bene e l’umanità piuttosto che l’esclusività e la presunzione dogmatica che da sempre han fatto il male di ogni religione, e del mondo.

Un equilibrio difficile, anche sullo schermo

Non facile trovare un equilibrio, tra questa esigenza e le necessità narrative di raccontare le diverse storie dei personaggi principali, adulti e giovanissimi, e del surfista Dan, figura centrale e imprescindibile per la dinamica del film, eppure debole, anche nel suo mostrarsi tormentato da una schiavitù – nel suo caso da una dipendenza – che lo rende prigioniero al pari degli altri, ognuno nel proprio territorio e nel ruolo che questo gli impone.

Un elemento in più, come detto ‘dovuto’ (alla storia e alla sua origine letteraria), che purtroppo complica ulteriormente il compito dei realizzatori, già alle prese con uno sviluppo frammentato, nel quale buoni momenti e belle sequenze si alternano a sbandamenti e al desiderio di aggiungere ricercatezza alla sostanza con scene oniriche, immagini emblematiche (marine e terrestri, con i corpi esanimi ripresi dal drone) e riprese sghembe, forse non del tutto necessarie, non tutte necessarie.

Ne risulta un puzzle di suggestioni e spunti dal ritmo tutto personale, non privo di didascalismi e retorica, ma dalla coerenza apprezzabile, soprattutto considerata la ricostruzione di una situazione tanto impossibile da semplificare, oggettivamente. Un mix al quale qualche rinuncia avrebbe giovato, probabilmente, come nel caso della danza della ragazzina, già rappresentativa della condizione femminile e dell’urgenza di raccontare la vera realtà palestinese, troppo spesso colpevolmente banalizzata e fatta coincidere con la sua faccia più facile da demonizzare, per rendere più digeribile l’orrore e facile dimenticare – o giudicare ‘da casa’ – chi vive vite intere senza sapere se si sveglierà la mattina dopo, se rivedrà ancora un parente o un amico, o abituandosi a non avere il tempo di piangere i propri morti, a metterne insieme i pezzi dopo l’ennesimo bombardamento o a camminare in una città dove sono poche le case ancora intere.