Finn Wolfhard ha accennato al suo
coinvolgimento in un futuro progetto del franchise di
IT dopo che la sua apparizione a sorpresa nel
finale di It: Welcome to Derry lo ha collegato alla
serie. Wolfhard ha infatti avuto un cameo fotografico alla fine
della serie, quando Pennywise ha mostrato un poster della serie
“smarrito” con la sua foto davanti a Marge, rivelando che lei è sua
madre.
Parlando con Esquire, Wolfhard ha ora
accennato che sarà coinvolto in un futuro progetto del franchise.
Ha infatti spiegato come i creatori della serie
Barbara e Andy Muschietti gli
abbiano detto che avrebbe fatto parte del progetto con il ruolo che
ricopre. Tuttavia, ha anche accennato a qualcos’altro in
arrivo.
“In realtà lo sapevo già da
anni. Quando hanno iniziato a pensare a quella serie, probabilmente
era il 2021. Barbara e Andy Muschietti mi hanno detto entrambi: “Tu
ci sarai”. Sì, ci sarò. Penso che alla fine ci sarà qualcos’altro
che non vedo l’ora che la gente veda”.
Il finale della prima stagione di
IT: Welcome to Derry ha
lasciato intendere che il regno del terrore di Pennywise è lungi
dall’essere finito. L’episodio finale ha confermato che l’entità
cosmica non percepisce il tempo, essendo già a conoscenza degli
eventi di IT:
Capitolo Due che porteranno alla sua fine. In una
certa misura, la sua coscienza sta tornando indietro nel tempo,
nella speranza di impedire la propria morte.
Parte del suo piano prevedeva di
uccidere i genitori dei bambini del Club dei Perdenti prima che
nascessero, impedendo loro di incontrarlo e sconfiggerlo. Tuttavia,
la linea temporale di IT: Welcome to Derry non ha
ancora stabilito se Pennywise sia in grado di cambiare il futuro.
Anche così, sembra che ci sia qualcosa che coinvolge la versione di
Richie interpretata da Wolfhard.
Non è chiaro quale potrebbe essere
questo nuovo progetto, considerando che la storia di Richie si è
conclusa con il film originale del 2017. Le voci su un IT:
Capitolo 3 lo rendono però possibile, soprattutto se
Pennywise è in grado di cambiare la linea temporale, annullando
così ciò che i Perdenti gli hanno fatto nel secondo film. Ciò
giustificherebbe anche il ritorno di Wolfhard in un altro capitolo
della serie.
Per ora, l’unico progetto
confermato in fase di sviluppo è la serie TV. Tuttavia, al momento
della stesura di questo articolo, la stagione 2 non è stata ancora
confermata ufficialmente. Ci sono comunque in programma altre due
stagioni della serie, in cui Pennywise tornerà indietro nel tempo
di altri 27 anni per cercare di impedire la sua futura scomparsa. È
possibile che, al completarsi della seconda e terza stagione, sarà
più chiaro il futuro di questo franchise.
I DC Studios stanno lavorando al
suo nuovo film su Wonder Woman, dato che
l’universo DC vedrà prossimamente Diana Prince fare il suo ingresso
nel gruppo dei supereroi di James Gunn. Il capitolo 1 della DCU, “Dei e Mostri”, è già in lavorazione, ma uno
dei ruoli più importanti della serie sarà infatti quello dell’amata
eroina amazzone, dato che molte attrici hanno espresso il desiderio
di interpretarla.
Una persona che vorrebbe
interpretare Wonder Woman nel DCU è Frida
Gustavsson, la star di Vikings: Valhalla che
ha recentemente mostrato il suo interesse per questo importante
ruolo da supereroina. L’account @Diana_Prince41 ha infatti
recentemente chiesto all’attrice svedese di mettere “mi piace” al
seguente commento su Instagram:
“Metti mi piace a questo commento se sei interessata a
interpretare Wonder Woman”, cosa che l’attrice ha poi
effettivamente fatto.
Sebbene la DC Studios non abbia
rilasciato alcuna dichiarazione sul casting di Wonder
Woman, l’attrice ha interpretato Freydís Eiríksdóttir in
Vikings: Valhalla per tre stagioni. Il commento messo “mi
piace” da Gustavsson ha rapidamente suscitato grande entusiasmo da
parte del pubblico. Sebbene non sia necessariamente una conferma
inequivocabile del suo interesse, quantomeno si può affermare che
la possibilità desta il suo interesse.
Diana è stata interpretata l’ultima
volta da Gal
Gadot nella timeline dei film DCEU, che ha dato vita
al personaggio nel 2016 in Batman v Superman: Dawn of Justice, prima di
recitare nel film Wonder Woman nel 2017. Oltre a Wonder Woman 1984, Gadot ha anche avuto dei
cameo in alcuni degli ultimi episodi della DCEU prima che la serie
terminasse nel 2023.
Il film su Wonder
Woman della DCU potrebbe non avere ancora un regista, ma
ha ufficialmente una sceneggiatrice. Ana Nogueira,
già autrice del film di prossima uscita Supergirl,
è stata infatti ingaggiata per scrivere sia la sceneggiatura di un
film live-action sui Teen Titans per la DC Studios
che la sceneggiatura per il reboot su Diana Prince. Il regista
verrà assunto una volta terminata la sceneggiatura, poiché la DC
Studios non dà il via libera ai progetti finché non c’è una visione
creativa definitiva per il progetto in questione. Ma dopo il
successo di Superman
del 2025, Wonder Woman è una delle grandi priorità
per la DCU.
Synden (Land of
Sin) è una
serie thriller poliziesca svedese disponibile ora su Netflix,
in cui un caso di persona scomparsa si trasforma in una complessa
indagine per omicidio in cui nulla è come sembra. Un giovane di
nome Silas scompare nella zona di
Bjera, nel nord della Svezia. La detective
Dani Anttila, che ha un passato in comune con la
vittima, riesce a farsi coinvolgere nelle indagini, insieme al suo
partner alle prime armi, Malik. Non appena i due
iniziano a indagare sulla scomparsa, non ci vuole molto perché
venga ritrovato il cadavere di Silas, spostando l’attenzione sulla
caccia al suo assassino.
Tuttavia, il puzzle diventa sempre
più complicato man mano che emergono nuove piste. Inoltre, la
comunità molto unita non è affatto contenta della presenza di Dani,
poiché la famiglia di Silas, in particolare suo zio Elis, è più che
felice di occuparsi personalmente della questione. Così, con loschi
legami con la malavita e una storia familiare che si rivela più
intricata del caso di omicidio, l’indagine si svolge in modi
inaspettati. In questo approfondimento, andiamo allora ad esplorare
il finale della serie.
La trama di
Synden
Pochi giorni dopo la scomparsa di
Silas, suo padre chiama la detective Dani Antilla, la donna che ha
accolto suo figlio per un po’ dopo che la famiglia era stata
ritenuta inadatta a prendersi cura di lui. Anche se Ivar e la sua
famiglia non provano alcun affetto per la detective, la sua
generale sfiducia nelle autorità e la preoccupazione per suo figlio
lo spingono a contattare la protagonista. Inizialmente, lei cerca
di tenersi lontana dall’intera faccenda. Dani ha i suoi problemi
familiari di cui occuparsi, ovvero la recente dipendenza di suo
figlio Oliver e il conseguente comportamento disordinato.
Dopo aver accolto Silas per un po’
di tempo, la detective lo aveva rinunciato, lasciandolo tornare
dalla sua famiglia malsana. Oliver la incolpa ancora per questo. Il
fatto che il dipartimento le abbia affiancato un nuovo partner,
Malik, non aiuta. Tuttavia, ben presto si rende conto che deve
occuparsi del caso, se non altro per liberarsi la coscienza.
Purtroppo, poco dopo il loro arrivo, la famiglia trova il cadavere
di Silas nel lago locale. Anche se la gente è incline a credere che
la morte possa essere stata un suicidio, la scientifica conclude
rapidamente che il giovane è stato ucciso violentemente tramite
annegamento.
Inoltre, sembra che l’omicidio sia
avvenuto in mare aperto, il che significa che qualcuno deve aver
spostato il corpo dopo il fatto. Nonostante il potenziale conflitto
di interessi in gioco, Dani riesce a convincere i suoi superiori a
lasciarle condurre le indagini. All’inizio, la coppia di detective
ottiene una pista quando scopre che Silas era coinvolto in un
ricatto ai danni del fabbro locale. Tuttavia, quando viene
ritrovato il suo cadavere, viene cancellato dalla lista dei
sospettati. In seguito, vengono a conoscenza di due contatti delle
vittime, Nathalie e Unknown Male1. Naturalmente, quest’ultimo si
rivela una persona di grande interesse.
Inoltre, un altro aspetto della
vita di Silas viene alla luce quando Dani scopre il suo
coinvolgimento con il boss della malavita locale, Kare, al quale
lui e i suoi amici dovevano una somma ingente di denaro. Questo
costringe la detective e il suo partner a seguire il gangster
mentre si muove per la città alla ricerca di Unknown Male1. Anche
se quest’ultimo riesce a sfuggire a Malik e ai suoi partner, essi
riescono a trovare l’indirizzo del suo nascondiglio. Tuttavia, una
volta arrivata all’indirizzo, Dani si trova di fronte a uno shock
sconvolgente.
A quanto pare, il misterioso amico
di Silas, coinvolto nelle sue pericolose avventure con Kare, non è
altro che suo figlio: Oliver. Mentre lei fatica ad accettare questa
realtà, Malik prende un vantaggio sulle indagini forensi e riesce a
ottenere la conferma che il DNA di Oliver corrisponde a quello
trovato sul cadavere. Nonostante ciò, cerca di convincere la sua
partner ad accettare il loro piano di arrestare il sospettato prima
di procedere con qualsiasi cosa. Di conseguenza, la detective
finisce per tendere una trappola al proprio figlio.
In seguito, il superiore di Dani la
rimuove dal caso a causa del coinvolgimento di suo figlio come
principale sospettato. Ciononostante, lei non riesce a stare
lontana dalle indagini, soprattutto quando viene a sapere di
Jarven, il capo di Kare, che apparentemente ha un motivo per volere
Silas morto. All’inizio, cerca di risolvere questo mistero con
l’aiuto di Elis, lo zio della vittima, che a sua volta è assetato
di vendetta.
Anche se lui e suo fratello sono in
conflitto da tempo, si rifiuta di lasciare che l’assassino di suo
nipote la faccia franca. Il vecchio, proprietario della tenuta di
famiglia Synden, è già a conoscenza del legame tra Silas e Jarven,
un nome noto nella zona. Tuttavia, invece di lasciare che se ne
occupi la legge, ha tutta l’intenzione di vendicare suo nipote con
le sue mani. Di conseguenza, quando Dani decide di seguirlo di
nascosto, finisce lei stessa nei guai.
La spiegazione del finale di
Synden: chi ha ucciso Silas? Perché?
Inizialmente, l’omicidio di Silas
sembra collegato alla vita pericolosa che il giovane sembrava
condurre ai margini della società. Era coinvolto con trafficanti di
droga come Kare e Jarven, che non ci avrebbero pensato due volte
prima di eliminarlo se fosse stato vantaggioso per loro. Pertanto,
quando le prove suggeriscono che Silas doveva dei soldi a Kare e
che aveva fatto la spia su Jarven, il loro coinvolgimento
nell’omicidio sembra la conclusione più ovvia. Così, sia Dani che
Elis seguono questa stessa pista per motivi personali. Tuttavia,
alla fine, la verità si rivela essere qualcosa di diverso e molto
più sinistro.
A quanto pare, la morte di Silas
non aveva nulla a che fare con la sua vita criminale, ma piuttosto
con la sua vita familiare. Le famiglie di Ivar ed Elis sono da
tempo coinvolte in una faida riguardante la loro terra
generazionale, Synden. Anche se la terra stessa è inutile in
termini di resa, genera un profitto considerevole attraverso le
concessioni immobiliari. Quando il padre dei fratelli lasciò la sua
eredità, Elis ottenne la terra redditizia, mentre Ivar rimase con
attrezzi e animali. Di conseguenza, i due fratelli e il loro terzo
fratello, Ragnar, sono stati a lungo in conflitto per la terra.
La moglie di Elis, Katty, ha un
interesse particolare in questa faida, poiché vuole che la sua
famiglia continui ad avere la completa proprietà dei soldi delle
sovvenzioni. Pertanto, quando una notte Silas ha fatto irruzione
nella casa dello zio e ha iniziato a urlare contro sua moglie
riguardo al denaro che dovevano alla sua famiglia, lei ha rifiutato
di subire passivamente l’attacco. Di conseguenza, ha finito per
manipolare il figlio maggiore, Jon, affinché affrontasse suo cugino
e affermasse la propria superiorità.
Questo ha portato i due giovani ad
avere una conversazione vicino alla spiaggia, che è rapidamente
degenerata in un violento scontro. La rabbia di Jon è stata
scatenata dopo che Silas ha insultato suo fratello Harald, e la
lite è finita con Jon che ha annegato suo cugino nell’acqua
dell’oceano. In seguito, ha chiamato freneticamente sua madre,
troppo agitato per occuparsi della situazione da solo. Quindi, per
tutto questo tempo, gli assassini sono stati sotto gli occhi di
Elis e Dani.
Considerando tutto il resto della
vita di Silas, la faida con la sua famiglia rimane in secondo piano
per Dani come possibile pista da seguire. Invece, lei indaga sulle
attività personali e più illegali del giovane per scoprire la causa
della sua morte. Tuttavia, il suo mondo viene sconvolto quando una
pista finisce per condurre lei e Malik al proprio figlio, Oliver.
La cronologia delle chiamate di Silas suggeriva che fosse in
contatto con un uomo sconosciuto e che forse avesse anche gravi
conflitti finanziari con lui. Inoltre, la coppia di detective
scopre presto che la vittima e i suoi amici dovevano dei soldi a
Kare, motivo per cui aveva pensato di scappare con Nathalie
prendendo un traghetto.
Di conseguenza, sorge
inevitabilmente la teoria che l’uomo sconosciuto 1 fosse
probabilmente indebitato insieme a Silas e lo abbia ucciso in preda
alla rabbia durante un conflitto per lo stesso motivo. Dopo che
Dani identifica l’uomo sconosciuto 1 come Oliver, Malik è anche in
grado di accelerare i test forensi e concludere che le impronte
digitali e il DNA del ragazzo erano presenti su tutto il cadavere
di Silas. Di conseguenza, Oliver diventa il loro principale
sospettato, con prove sufficienti a giustificare un arresto.
Tuttavia, probabilmente non avrebbe mai immaginato che sua madre
avrebbe orchestrato quell’arresto dopo averlo attirato in un senso
di sicurezza.
Oliver e sua madre hanno un
rapporto complicato. Fin dalla sua nascita, sono sempre stati solo
loro due. Tuttavia, durante la sua difficile adolescenza, i due
hanno iniziato ad allontanarsi. L’ingresso di Silas nella loro vita
è finito per diventare la chiave della fase ribelle del figlio,
piena di droga e guai. Per lo stesso motivo, ha permesso a
quest’ultimo di allontanarsi dalla sua famiglia affidataria e
tornare dalla sua famiglia tossica. Questo ha spinto Oliver a
incolpare sua madre mentre continuava a percorrere la strada
dell’autodistruzione e della dipendenza.
Dani ha cercato più volte di farlo
entrare in un centro di riabilitazione, ma lui si è rifiutato di
obbedirle. Mentre le cose peggioravano, lui è rimasto in contatto
con Silas, finendo nei suoi stessi guai. Alla fine, quando la
realtà dei loro debiti è diventata sempre più spaventosa, i due
hanno finito per litigare fisicamente il giorno dell’omicidio di
Silas. Pertanto, anche se Oliver non è l’assassino, il suo DNA
finisce su tutto il corpo della vittima e persino sotto le sue
unghie. Questa rissa diventa anche la fonte del senso di colpa del
ragazzo nei confronti del destino finale del suo amico.
Alla fine, Oliver viene rilasciato
dalla custodia cautelare poiché il suo nome viene scagionato. In
seguito, inizialmente rimane ostinatamente contrario all’idea di
ricongiungersi con sua madre dopo tutto ciò che lei gli ha fatto.
Tuttavia, proprio come lui, anche Dani ha commesso degli errori in
una situazione opprimente. La sua perseveranza nel cercare di fare
ammenda con suo figlio alla fine lo porta a cedere e ad aprirsi
all’idea di trovare un nuovo inizio con lei.
Perché Malik lascia che Elis si
prenda la colpa dell’omicidio?
Inizialmente, quando Katty si rende
conto che le possibilità di farla franca stanno diminuendo, cerca
di escogitare un sacrificio disperato per salvare il figlio
maggiore, Jon. Le autorità hanno già scoperto che l’auto di Harald
possiede identificatori unici che fanno sembrare che fosse sulla
spiaggia la notte dell’omicidio di Silas. Pertanto, sembra solo una
questione di tempo prima che Jon venga
scoperto. Tuttavia, Katty ritiene che questo sarebbe catastrofico
per la famiglia. In qualità di responsabile della tenuta dei
Synden, vuole che il figlio maggiore continui a occuparsi della
proprietà per mantenere attiva la fonte di guadagno.
Al contrario, non ha fiducia nel
figlio minore, Harald, che è neurodiverso, per mantenere a galla
l’azienda di famiglia. Per lo stesso motivo, Katty ha manipolato
Harald affinché confessasse il crimine dell’omicidio di Silas,
sostituendolo a Jon nella versione ufficiale di quella terribile
notte. Anche se Elis non era a conoscenza di nessuno di questi
piani fin dall’inizio, si rifiuta di credere a sua moglie e
aggredisce Dani abbastanza a lungo da permettere ai suoi figli di
scappare. Questo porta a un inseguimento attraverso Synden, in cui
sia Malik che Dani cercano di trovare Elis e suo figlio per
arrestarli.
Durante questo tempo, il padre
riesce a telefonare a suo fratello, Ragnar, e a convincerlo a
lasciare che i suoi nipoti stiano a casa sua per un po’ come
favore. Contemporaneamente, il fratello minore di Silas, Kimmen,
viene a sapere di questi nuovi sviluppi e si reca lui stesso alla
fattoria, armato di pistola. Alla fine, Elis mente al ragazzo
dicendogli di essere l’assassino per dare ai suoi figli il tempo di
fuggire. Kimmen spara ed Elis finisce per morire nella terra della
sua famiglia. In seguito, pur sapendo che il vecchio aveva mentito
per salvare i suoi figli, Dani dice a Malik di assecondare la bugia
e lasciare che Elis si prenda la colpa dell’omicidio.
Evidentemente, non è la cosa giusta
o legale da fare. Tuttavia, il contadino aveva dedicato la sua vita
a proteggere la sua famiglia e alla fine era morto per questo. Jon
può essere il responsabile della morte di suo cugino, ma è stato
anche vittima dell’elaborato piano di manipolazione di sua madre,
guidato dalla sua stessa avidità. Pertanto, nel momento in cui
riconoscono il peso del sacrificio di Elis, Dani e Malik
esaudiscono i suoi desideri e lasciano che sia lui a prendersi la
colpa postuma per la morte di Salis.
Jon e Harald finiscono per
diventare vittime della storia oscura della loro famiglia, anche se
in misura minore rispetto al cugino Silas. Entrambi sono stati
manipolati dalla madre, Katty, che sembra interessata solo al
guadagno economico derivante dalla terra del marito. Anche se forse
non ha mai avuto intenzione di causare la morte del nipote, i suoi
intrighi e la sua volontà di alimentare la rivalità tra le
generazioni hanno avuto un prezzo molto alto. Questo non significa
che Jon non sia responsabile della sua esplosione di violenza, che
alla fine ha ucciso Silas.
Tuttavia, nonostante tutto, Elis è
in grado di dare a Jon una seconda possibilità, assumendosi la
responsabilità dell’omicidio e creando un rifugio sicuro per i suoi
due figli insieme al fratello Ragnar. Katty, invece, non è così
fortunata. Dopo che la sua famiglia e i detective hanno lasciato la
sua casa per inseguire qualcuno attraverso i campi, la madre rimane
sola nella proprietà. A quel punto, si è già sparsa la notizia del
ritrovamento da parte della polizia dell’auto di Harald e del suo
collegamento con la morte di Silas.
Pertanto, la famiglia del giovane e
gli abitanti del paese, che hanno pianto la sua morte, arrivano
prontamente alla porta di Katty. Nel corso della storia, è stato
suggerito più volte che gli abitanti di questa comunità
preferiscono fare giustizia da soli. Pertanto, nessuno aspetta che
le autorità prendano in mano la situazione. Finiscono invece per
aggredire Katty da soli, uccidendo la donna come una folla unita e
lasciandola morire nella sua stessa casa.
Non c’è ancora alcuna garanzia che
James Cameron dirigerà Avatar
4, per cui il creatore di The
Conjuring è interessato a rilevare il franchise.
Avatar: Fuoco e
Cenere(leggi
qui la nostra recensione) è stato recentemente distribuito
nelle sale come terzo film della serie di grande successo di film
di fantascienza creata da Cameron, che ha in programma altri due
capitoli. Tuttavia, il regista ha altri progetti a cui vuole
lavorare, tra cui un nuovo film di Terminator.
Se Cameron decidesse di rinunciare
alla regia del prossimo film di Avatar, James Wan vorrebbe cimentarsi con il franchise
multimiliardario. In un’intervista con Liam Crowley di
ScreenRant per The Copenhagen Test, Wan ha infatti
rivelato che Avatar è uno dei pochi franchise a
cui non ha ancora partecipato. “Non ho ancora lavorato ad
Avatar. Sì, se poteste mettermi in contatto con James Cameron, mi piacerebbe
provarci”.
Per quanto sembri improbabile,
sarebbe un grande evento se Cameron decidesse di non dirigere
Avatar. Finora, è stato coinvolto da vicino in ogni aspetto del
processo di realizzazione dei primi tre film. La sua visione e il
suo duro lavoro hanno dato i loro frutti, dato che i primi due film
hanno incassato rispettivamente 2,923 miliardi e 2,343 miliardi di
dollari al botteghino.
Avatar: Fuoco e Cenere è
nelle sale solo da due settimane, ma sta già raggiungendo il
miliardo di dollari. Il futuro del franchise è dunque attualmente
incerto. Anche se la Disney ha fissato le date di uscita di
Avatar 4 (21 dicembre 2029) e Avatar
5 (19 dicembre 2031), questi piani potrebbero cambiare,
considerando che Cameron vuole dirigere altri film non legati alla
saga.
Qualcun altro potrebbe dunque
assumere il ruolo di regista se Cameron decidesse di farsi da
parte, cosa che lui stesso ha ammesso essere possibile, anche se ha
già girato alcune scene di Avatar 4. Per Wan,
Avatar non sarebbe certo la sua prima grande
serie, dato che ha lavorato a Saw, Insidious,
The Conjuring, Fast & Furious e al DC
Extended Universe con Aquaman.
Man of Tomorrow affronterà un rapporto
completamente nuovo tra Superman e Lex Luthor quando i
due torneranno sul grande schermo nel DC
Universe nel 2027. Dopo il successo di Superman del 2025, il Capitolo 1 del DCU, “Gods
and Monsters”, è già pronto a riportare il mito
dell’Uomo d’Acciaio al centro della scena.
In
un’intervista rilasciata a Variety, James
Gunn ha spiegato che il cuore del film sarà proprio il
legame tra Clark Kent e il suo storico antagonista:
«Alla base è una storia su Clark e Lex. Mi sento legato
a entrambi: all’ambizione e all’ossessione di Lex — omicidi esclusi
— e alla fiducia di Superman nelle persone, ai suoi valori del
Midwest. Sono due lati di me».
Il film, annunciato ufficialmente nel settembre 2025 con il titolo
Man of Tomorrow, vedrà
il ritorno di David Corenswet nei
panni di Superman e Nicholas Hoult come Lex
Luthor. Al momento dell’annuncio, Gunn aveva condiviso artwork
ufficiali che mostravano Lex con la sua iconica Lexosuit.
La trama metterà i due rivali al centro di una minaccia comune:
Brainiac,
che farà il suo debutto cinematografico interpretato da
Lars
Eidinger. Torneranno anche
Rachel Brosnahan nel
ruolo di Lois Lane e Frank Grillo
come Rick Flag Sr.
Le riprese dovrebbero iniziare ad aprile, rendendo Man of Tomorrow il secondo film dei DC
Studios a entrare in produzione quest’anno, dopo The Batman – Part II di Matt Reeves.
L’uscita è fissata per 9
luglio 2027, mentre il prossimo capitolo del DCU sarà
Supergirl, con Milly
Alcock, atteso per il 26 giugno.
Il
biopic I Play Rocky sembra
aver individuato una finestra di uscita ideale nel novembre 2026, una
scelta che appare tutt’altro che casuale. Il film, diretto da Peter
Farrelly e scritto da Peter Gamble, racconterà la nascita di
Rocky, il
leggendario film sportivo che ha trasformato Stallone in un’icona
del cinema mondiale.
A
interpretare Stallone sarà Anthony Ippolito, affiancato da un cast
che include Tracy Letts, Matt Dillon, AnnaSophia Robb e Jay
Duplass. L’indizio più concreto sulla finestra di uscita arriva da
Scot Teller, interprete di Burt Young, che su Instagram ha
condiviso un video dal set con la didascalia: “See you on the big screen November 2026”.
Se
confermata, la data avrebbe un valore simbolico fortissimo:
Rocky uscì infatti
nel novembre del
1976, rendendo il 2026 il momento perfetto per celebrare
l’eredità del film che ha dato vita a una saga lunga decenni, dai
sequel originali fino alla trilogia di Creed, con Creed 4 attualmente in sviluppo.
Dal punto di vista industriale, novembre 2026 si preannuncia
competitivo ma strategico. I
Play Rocky potrebbe trovarsi a condividere il box office con
titoli molto attesi come The
Hunger Games: Sunrise on the Reaping e The Chronicles of Narnia di Greta Gerwig in IMAX. Allo stesso tempo, molte
delle potenziali uscite “da Oscar” sembrano collocate a ottobre,
lasciando spazio al biopic di ritagliarsi una propria identità
nella stagione dei premi.
Resta però un’incognita importante: Sylvester Stallone non è coinvolto nel
progetto e ha dichiarato in passato di essere stato “colto
di sorpresa” dall’esistenza del film. Un’assenza che potrebbe
pesare sulla ricezione critica e simbolica dell’operazione,
soprattutto considerando il legame profondissimo tra l’attore e il
personaggio di Rocky Balboa.
La finestra di uscita suggerisce ambizioni elevate, ma sarà il
risultato finale a stabilire se I Play Rocky diventerà un sentito omaggio a uno dei
miti fondativi del cinema sportivo o un’operazione destinata a
dividere pubblico e critica.
Con
l’ipotesi di
acquisizione di Warner Bros. da parte di Netflix, cresce
la preoccupazione su quello che potrebbe essere l’impatto reale
sull’industria cinematografica tradizionale. Un nuovo report getta
ombre pesanti sul futuro delle sale.
Secondo quanto riportato da
Deadline, Netflix starebbe spingendo per una
finestra di esclusiva
cinematografica di appena 17 giorni per i film Warner
Bros., una durata che rischia di mettere seriamente in crisi
l’intero sistema theatrical. Una scelta che si scontra apertamente
con la posizione delle grandi catene di sale, come AMC Theatres, che
continuano a ritenere i 45
giorni il minimo indispensabile per garantire
sostenibilità economica alle uscite in sala.
Il
CEO di Netflix, Ted Sarandos, ha cercato di rassicurare il settore
dichiarando che la piattaforma è “100% impegnata a distribuire i film Warner Bros.
nelle sale con finestre standard di settore”. Tuttavia,
come sottolinea Deadline, resta il dubbio su cosa significhi
realmente “tradizionale” per Netflix, considerando il suo storico
approccio fortemente orientato allo streaming.
Una finestra di soli 17 giorni renderebbe estremamente difficile
per i grandi titoli recuperare i costi di produzione attraverso il
botteghino, minando la redditività delle uscite cinematografiche.
Il paradosso è che proprio Warner Bros. è stata, nel 2025, uno
degli studi che più ha contribuito a sostenere le sale con una
serie di successi commerciali.
Negli ultimi anni Netflix ha comunque dimostrato di riconoscere il
valore dell’esperienza in sala in casi selezionati. Titoli come
KPop Demon Hunters, proiettato per due
weekend limitati, o il finale di Stranger Things mostrato al cinema la
notte di Capodanno, hanno ottenuto grande attenzione e risultati
significativi. Anche alcuni film “da premi” sono passati dalle sale
prima dello streaming.
Nonostante ciò, la strategia resta chiaramente sbilanciata verso il
modello on demand. Una linea che potrebbe inasprire ulteriormente i
rapporti con le catene cinematografiche, da tempo in attrito con
Netflix proprio a causa delle finestre ridotte. Non a caso, figure
di primo piano come James Cameron hanno recentemente messo
in discussione l’idoneità dei film Netflix ai premi Oscar.
Se confermata, questa impostazione potrebbe rappresentare uno dei
colpi più duri mai inferti al modello theatrical tradizionale.
Resta ora da capire se esercenti, filmmaker e altri studios
riusciranno a opporsi a una trasformazione che rischia di
ridefinire radicalmente il futuro del cinema in sala.
Uno
dei misteri più discussi legati a Vecna
troverà finalmente risposta nel prossimo spin-off di
Stranger Things. Dopo
il finale evento della serie principale, i creatori hanno
confermato che alcuni nodi narrativi rimasti aperti verranno
affrontati in una nuova storia ambientata nello stesso universo, ma
completamente autonoma.
Il
riferimento è a un elemento chiave introdotto negli ultimi momenti
della serie, collegato alle origini di Vecna e al suo legame con le
forze che governano l’Upside Down. Un dettaglio volutamente lasciato in
sospeso, che ora diventerà centrale nel nuovo progetto targato
Netflix.
I
Duffer spiegano cosa aspettarsi dal nuovo spin-off
In
un’intervista a Variety, Matt Duffer
ha confermato che lo spin-off entrerà nel merito di questo mistero,
chiarendo finalmente la natura dell’oggetto che ha dato origine ai
poteri di Henry Creel.
Allo stesso tempo, i creatori hanno invitato il pubblico a moderare
le aspettative: non si tratterà di un’estensione diretta della
mitologia dell’Upside Down né di un approfondimento sul Mind
Flayer. Al contrario, la nuova serie presenterà una mitologia completamente
diversa, pur risolvendo alcune “fili rimasti scoperti”
della serie madre.
Una nuova storia, senza Hawkins e senza personaggi storici
Lo spin-off, annunciato per la prima volta nel 2022,
non sarà ambientato a
Hawkins e non includerà alcun personaggio già noto. Come
spiegato da Ross Duffer,
la serie seguirà nuovi protagonisti, in una nuova città e con
regole narrative differenti, pur mantenendo lo spirito di Stranger
Things: giovani personaggi, avventura, fantascienza e mistero.
I
Duffer resteranno coinvolti come creatori, ma non ricopriranno il
ruolo di showrunner. Nel frattempo, l’universo della serie
continuerà ad espandersi anche con il progetto animato
Stranger Things: Tales from
’85, ambientato tra la seconda e la terza
stagione.
Tutti gli episodi di Stranger Things 5 sono ora disponibili in streaming
su Netflix.
A
un anno dalla conclusione di Yellowstone, l’universo
creato da Taylor Sheridan
continua ad espandersi a ritmi sorprendenti. Nonostante le
difficoltà legate all’uscita di scena di Kevin Costner, lo showrunner ha consolidato il
franchise con nuovi progetti paralleli. Tra questi, ce n’è uno che
si distingue per tempistiche e mistero: The
Madison.
La
stagione 2 è già finita, prima ancora dell’uscita della stagione
1
Secondo quanto rivelato da Elle Chapman sui social (via Collider),
le riprese della seconda
stagione di The
Madison si sono già concluse. Un dettaglio
sorprendente, considerando che la serie non ha ancora una data di
uscita ufficiale per la stagione 1. «And that’s a wrap on season 2.
Heart is full», ha scritto l’attrice, confermando di fatto che
Sheridan e il suo team hanno già due stagioni complete pronte per
la fase di post-produzione.
Questa strategia lascia intuire una forte fiducia nel progetto e
apre alla possibilità di un’uscita ravvicinata tra le prime due
stagioni, qualora la risposta del pubblico fosse positiva.
Di cosa parla The Madison e perché è lo spin-off più
interessante
A
differenza degli altri nuovi titoli legati direttamente ai Dutton,
The Madison segue una
famiglia completamente
nuova, proveniente da New York e trasferitasi nella valle
del fiume Madison, nel Montana centrale. A guidare il cast c’è
Michelle
Pfeiffer, affiancata da Patrick J. Adams, Kurt Russell, Matthew Fox, Beau Garrett ed Elle
Chapman.
Proprio l’assenza di legami diretti con i Dutton rende
The Madison lo spin-off
più libero e potenzialmente più audace dell’universo
Yellowstone: un racconto
che può esplorare nuovi conflitti, nuove dinamiche familiari e un
diverso rapporto con la terra e il potere.
Con Y:
Marshals in arrivo su CBS e The Dutton Ranch ancora in sviluppo, Sheridan
si trova ora con due
stagioni complete di The
Madison già girate, una rarità nel panorama
televisivo contemporaneo. Un vantaggio produttivo che potrebbe
rivelarsi decisivo nella gestione futura del franchise.
ABC
ha diffuso un nuovo trailer invernale di Grey’s
Anatomy che anticipa il ritorno di uno
dei volti più iconici della serie: Addison Montgomery, il personaggio che,
agli esordi dello show, rappresentò il primo vero “antagonista”
emotivo della storia.
Dopo una pausa di metà stagione iniziata piuttosto presto a causa
della programmazione anticipata del palinsesto 2025–2026,
Grey’s Anatomy si prepara a tornare con
nuovi episodi e numerose storyline ancora aperte. Tra queste, le
difficoltà di Jo e il percorso personale di Richard, ma soprattutto
il ritorno di un personaggio storico che ha segnato le prime
stagioni della serie.
Quando Addison fece il suo ingresso nella serie, nel finale della
prima stagione, venne presentata come la moglie di Derek Shepherd e
come un ostacolo diretto alla relazione nascente tra Meredith e
Derek. Con il tempo, però, il personaggio è stato profondamente
rielaborato, trasformandosi in una delle figure più amate
dell’universo di Grey’s
Anatomy.
Un ritorno breve, ma significativo
Addison è già tornata a Seattle in diverse occasioni dopo aver
lasciato la serie per lo spin-off Private
Practice. L’ultima apparizione di Kate Walsh
risale alla stagione 19, rendendo questo nuovo ritorno
particolarmente significativo, soprattutto dopo l’assenza
prolungata di Amelia nella stagione 22.
Secondo le informazioni attuali, Walsh dovrebbe comparire
in un solo
episodio della nuova stagione. Tuttavia, l’apertura
narrativa lasciata dal trailer potrebbe consentire ulteriori
apparizioni in futuro, una possibilità che molti fan sperano di
vedere concretizzata.
Grey’s Anatomy tornerà
con nuovi episodi l’8
gennaio 2026 su ABC, pronta a riprendere le sue storie
sospese e a ricollegarsi alle sue radici emotive attraverso il
ritorno di uno dei personaggi più emblematici della serie.
La
serie NetflixFuga
(Run Away nel titolo
originale), adattamento dell’omonimo romanzo di Harlan
Coben, è uno dei racconti più stratificati e
ambigui dell’universo narrativo dell’autore. Diretta da
Nimer Rashed
e Isher
Sahota, la serie intreccia più linee
narrative apparentemente autonome per costruire un thriller
familiare che parla di colpa, segreti e genitorialità tossica.
Al
centro della storia c’è Simon Greene, padre ossessionato dalla scomparsa
della figlia Paige, ma Fuga non è mai davvero un’indagine su “dove si trova una
ragazza”. È piuttosto un racconto su quanto poco conosciamo le persone che
amiamo, e su come i segreti, sepolti per anni, tornino a
galla nel modo più distruttivo possibile.
La rivelazione chiave del finale: Paige non era davvero
scomparsa
Il finale ribalta completamente l’assunto iniziale della serie.
Paige non è stata rapita né uccisa: si trovava in riabilitazione. È viva,
lucida, e ha scelto consapevolmente di non farsi trovare dal padre.
Questa rivelazione sposta il mistero dal dove al perché.
Paige spiega di essere entrata in rehab grazie alla madre
Ingrid, che ha
sempre saputo molto più di quanto Simon immaginasse. Le due hanno
condiviso segreti pesanti — abuso, dipendenza, paura — decidendo di
tenere Simon all’oscuro. Non per crudeltà, ma per timore. Il
personaggio di Simon viene così ridefinito: non è il padre-eroe che
salva la figlia, ma un uomo controllante, incapace di ascoltare, che ha spinto
Paige a fuggire emotivamente prima ancora che fisicamente.
Chi ha ucciso Aaron Corval: la verità più sconvolgente
Il nodo centrale del finale riguarda l’omicidio di
Aaron Corval,
inizialmente presentato come il fidanzato violento di Paige. La
verità è molto più disturbante: Aaron era il suo fratellastro, e la donna che lo ha
ucciso è Ingrid,
la madre di Paige.
Ingrid confessa di aver pianificato l’omicidio dopo aver scoperto
gli abusi di Aaron su Paige. Lo ha attirato, drogato e ucciso,
mascherando il delitto come regolamento di conti criminale. Il
dettaglio più tragico è che Ingrid non sapeva che Aaron fosse suo figlio. Era
stata indotta a credere, anni prima, che il bambino fosse morto
alla nascita, una menzogna orchestrata dalla setta religiosa
The Shining
Truth, di cui Ingrid faceva parte da giovane.
Il finale trasforma quindi l’omicidio in una tragedia greca
moderna: una madre che uccide il proprio figlio senza saperlo,
convinta di salvare l’altra figlia.
Il segreto finale di Simon: dirà la verità a Ingrid?
La vera domanda con cui Fuga si chiude non è legale, ma morale.
Simon scopre che Aaron
era il figlio di Ingrid. Sa che lei ha ucciso il proprio
sangue. E deve decidere se dirle la verità.
La serie non lo mostra esplicitamente, ma tutto suggerisce che
Simon scelga di
tacere. Per la prima volta, l’uomo che ha sempre preteso
controllo sceglie il silenzio come forma di protezione. È una
scelta ambigua, coerente con il mondo di Coben: dire la verità non
è sempre un atto di giustizia, a volte è solo un’altra forma di
distruzione.
L’ultima cena di famiglia è visivamente emblematica: tutti sono
insieme, ma Simon è devastato interiormente. La famiglia è riunita,
ma fondata su un segreto
irreversibile.
Il destino della setta The Shining Truth
Parallelamente, la serie chiude (solo in apparenza) la storyline
della setta The Shining
Truth. Con l’arresto del leader Caspar Vartage, il culto viene
smantellato, e la scoperta di vittime come Zara rende inevitabile
un’indagine più ampia.
Tuttavia, il finale introduce un elemento inquietante:
Mother Adiona,
una delle figure apicali del culto, sopravvive e dichiara
l’intenzione di ricostruire The Shining Truth con “nuovi valori”. È
un classico messaggio cobeniano: le ideologie non muoiono, si
trasformano.
Henry Thorpe: il mistero che resta aperto
Un’altra ambiguità riguarda Henry Thorpe, il ragazzo scomparso cercato dalla
detective Elena Ravenscroft. La serie non conferma mai
esplicitamente la sua morte. L’assenza di un corpo, di una notizia
ufficiale e la possibilità che si nasconda con altri ragazzi
suggeriscono che Henry
potrebbe essere ancora vivo, ma braccato.
È
un finale volutamente incompleto, che rafforza il senso di
inquietudine: anche quando un mistero si risolve, altri restano
irrisolti.
Il vero significato del finale di Fuga
La spiegazione del finale di Fuga passa da un tema centrale: la genitorialità come zona grigia.
Non esistono padri o madri totalmente giusti. Esistono decisioni
prese per amore che producono conseguenze devastanti.
Simon, Ingrid e Paige sopravvivono, ma nessuno di loro “vince”. Il
male non arriva solo dall’esterno — serial killer, sette, criminali
— ma nasce dentro la
famiglia, nei segreti, nelle omissioni, nelle bugie dette
“per proteggere”.
Come spesso accade nelle storie di Harlan Coben, la verità emerge,
ma non libera
nessuno. Al massimo permette di andare avanti, portando
con sé il peso di ciò che non può più essere cambiato.
Nonostante sia uno dei personaggi più sfruttati della storia del
cinema supereroistico, Spider-Man
ha portato sul grande schermo solo una minima parte del suo immenso
patrimonio narrativo. L’incarnazione di Tom
Holland, introdotta nel MCU nel 2016, è
cresciuta rapidamente fino a diventare uno dei pilastri della saga
Marvel, ma questo sviluppo
accelerato non ha ancora permesso di esplorare alcune delle storie
più iconiche, mature e rischiose dei fumetti.
Dall’horror psicologico al crime urbano, passando per il body
horror e i grandi drammi identitari, il materiale originale di
Spider-Man offre possibilità che il cinema non ha ancora osato
affrontare davvero. Ecco 5
storyline fondamentali che meriterebbero finalmente un
adattamento cinematografico all’altezza.
Maximum
Carnage
Carnage non è mai stato
davvero un villain cinematografico
Maximum Carnage racconta
l’ascesa definitiva di Carnage come incarnazione del caos assoluto.
Cletus Kasady evade di prigione e trasforma la violenza in
ideologia, costringendo Spider-Man ad allearsi con Venom e altri
antieroi per fermare una scia di sangue che travolge un’intera
città.
Il problema delle versioni cinematografiche di Carnage è sempre
stato lo stesso: troppo rapide, troppo “contenute”. Un vero
Maximum Carnage dovrebbe
essere disturbante, fisicamente ed emotivamente stancante, e
mettere Peter davanti a un male che non può essere redento né
compreso. Sarebbe la prova definitiva che un film di Spider-Man può
spingersi verso territori molto più oscuri.
The Clone
Saga
Una saga controversa che
il cinema potrebbe finalmente riscattare
The Clone Saga è
ricordata come una delle storyline più divisive di sempre, ma la
sua idea di base resta potentissima: Peter Parker scopre di poter
non essere l’originale Spider-Man. Cloni, identità duplicate, senso
di appartenenza e paura di essere sostituibili sono temi che il MCU
saprebbe oggi gestire con maggiore controllo.
Con una struttura chiara e un arco narrativo definito, il cinema
potrebbe trasformare il caos fumettistico degli anni ’90 in un
grande dramma identitario. Se Marvel Studios è riuscita a
rielaborare One More Day
e Brand New Day, allora
anche The Clone Saga
merita una seconda possibilità.
The Six-Arms
Saga
Spider-Man come body
horror: un territorio mai davvero esplorato
In The Six-Arms Saga,
Peter tenta di liberarsi dei suoi poteri… ottenendo l’effetto
opposto. La trasformazione in una creatura a sei braccia lo porta a
perdere progressivamente il controllo, diventando un mostro agli
occhi del mondo.
Un film basato su questa storia sarebbe l’occasione perfetta per
affrontare il body horror
supereroistico, mostrando i poteri di Spider-Man non come
un dono, ma come una maledizione. Sarebbe anche il modo ideale per
dare nuova profondità a personaggi come Lizard e Morbius, finalmente trattati come figure tragiche e
inquietanti.
The
Gauntlet
Il vero battesimo del
fuoco per lo Spider-Man del MCU
The Gauntlet non è una
singola storia, ma una prova di resistenza. Spider-Man affronta uno
dopo l’altro i suoi nemici storici, in una spirale di scontri che
lo logorano fisicamente e mentalmente.
Nonostante le numerose apparizioni, lo Spider-Man di Tom Holland
non ha mai affrontato una vera galleria di villain
nativi del suo
universo. Dopo Avengers: Secret Wars, una
struttura alla Gauntlet
permetterebbe finalmente di costruire il suo mito personale, senza
appoggiarsi a versioni multiversali prese in prestito.
Kraven’s Last
Hunt
La storia definitiva di
Spider-Man che il cinema deve ancora raccontare
Kraven’s Last Hunt è la
più importante storia di Spider-Man mai scritta che non sia ancora
stata adattata. Un racconto cupo, intimo e psicologico, in cui
Kraven sconfigge Spider-Man, lo seppellisce vivo e indossa il suo
costume per dimostrare di essere superiore.
Questa storia non ha bisogno di crossover, universi alternativi o
grandi eserciti. È un duello tra predatore e preda, tra volontà e
disperazione. Un film del genere permetterebbe di raccontare
Spider-Man come uomo, prima ancora che come supereroe, e
dimostrerebbe che può sostenere una narrazione adulta, disturbante
e profondamente umana.
Perché queste storie
contano ancora
Queste cinque storyline dimostrano che Spider-Man non è solo
ironia, leggerezza e spettacolo. È paura, perdita, identità, corpo
che cambia e responsabilità morale. Il cinema Marvel ha appena
iniziato a esplorare queste dimensioni. Quando deciderà di farlo
davvero, Spider-Man potrà finalmente esprimere tutto il suo
potenziale narrativo.
Dopo quasi dieci anni, Stranger Things ha
chiuso il suo percorso con un episodio finale che ha lasciato
spazio a riflessioni e interrogativi, soprattutto sul rapporto tra
il principale antagonista della serie e la forza oscura che incombe
sul Sottosopra.
In
una nuova intervista rilasciata a Tudum, Matt Duffer
e Ross Duffer,
insieme a Jamie Campbell
Bower, hanno chiarito alcuni aspetti
fondamentali legati alla psicologia di Vecna
e al suo rapporto con il Mind Flayer, uno degli elementi più
discussi del capitolo conclusivo.
Vecna tra scelta personale e manipolazione
Secondo quanto spiegato dagli autori, uno dei punti centrali del
finale riguarda la percezione che Vecna ha di sé stesso e del
mondo. Il personaggio non si considera una semplice pedina, ma
qualcuno che ha compreso
una verità più ampia sulla natura dell’umanità. Jamie Campbell
Bower ha raccontato di aver vissuto alcune scene come un momento di
profonda comprensione del personaggio, sottolineando quanto Vecna
si percepisca come una figura odiata e incompresa, ma coerente con
le proprie convinzioni.
I
Duffer hanno aggiunto che in fase di scrittura è stata presa in
considerazione l’ipotesi di un possibile conflitto interiore più
marcato, simile a quello vissuto da altri personaggi della serie in
passato. Tuttavia, la scelta finale è stata quella di mantenere
Vecna fedele al percorso intrapreso, proprio perché, a quel punto
della storia, il personaggio ha bisogno di credere di aver scelto
consapevolmente la propria strada.
Un finale che lascia spazio all’interpretazione
Uno degli elementi più interessanti evidenziati dagli autori
riguarda l’ambiguità lasciata volutamente aperta: Vecna ha davvero
scelto il suo destino o è stato influenzato fin dall’inizio dal
Mind Flayer? La risposta, secondo i Duffer, non è univoca e viene
affidata allo spettatore.
Ciò che conta, spiegano, non è tanto l’origine della sua
trasformazione, quanto il fatto che, nel momento decisivo, Vecna
si schieri
consapevolmente da una parte. Una scelta narrativa che
rafforza il tema ricorrente di Stranger Things: il libero arbitrio, la responsabilità
delle proprie azioni e il confine sottile tra vittima e
antagonista.
Tutte le stagioni di Stranger
Things sono ora disponibili in streaming su
Netflix, mentre il dibattito
sul significato del finale continua ad animare la community dei
fan.
Il
nuovo trailer di Avengers: Doomsday
sposta i riflettori su uno degli elementi più attesi dell’intero
progetto: il ritorno degli X-Men
dell’era Fox all’interno del Marvel Cinematic Universe. Dopo i
primi teaser dedicati a Steve Rogers e Thor, Marvel Studios
rilancia la promozione del film puntando su una rivelazione che
parla direttamente alla nostalgia dei fan.
Il
trailer, diffuso in concomitanza con la programmazione
cinematografica di Avatar: Fire and Ash, conferma
che la Saga del Multiverso porterà finalmente in
primo piano Victor Von
Doom, interpretato da Robert Downey Jr.,
ma lo fa intrecciando il suo arrivo con il ritorno di volti storici
degli X-Men.
Il ritorno degli X-Men classici nel MCU
Le immagini del trailer conducono lo spettatore all’interno della
X-Mansion,
conosciuta come la Scuola per Giovani Dotati di Charles Xavier. Qui
fanno il loro ritorno Patrick Stewart nei
panni di Professor X, Ian
McKellen come Magneto e
James Marsden nel ruolo
di Ciclope.
Professor X appare con una giacca blu impreziosita dal logo a forma
di X, mentre Magneto sfoggia un look inedito con capelli più
lunghi, una novità assoluta per McKellen nella storia del
personaggio. Il momento più iconico del trailer è però dedicato a
Scott Summers: Ciclope viene mostrato in piena azione mentre
indossa un costume ispirato ai fumetti e scatena il suo raggio
ottico contro un Sentinel.
Il teaser si chiude con una scritta inequivocabile: “The X-Men Will Return in Avengers:
Doomsday”, seguita dal countdown già visto nei precedenti
trailer.
Doctor Doom, il Multiverso e il futuro degli Avengers
Il ritorno di Robert
Downey Jr. nel MCU, annunciato ufficialmente al
San Diego Comic-Con
2024, rappresenta uno dei colpi di scena più importanti
della Fase 6. L’attore non riprende il ruolo di Iron Man, ma
interpreta Doctor Doom, segnando una svolta narrativa dopo
l’abbandono della storyline legata a Kang, in seguito all’uscita di
scena di Jonathan
Majors.
Avengers: Doomsday è
stato girato fino a settembre 2025, mentre le riprese di
Avengers: Secret
Wars partiranno durante l’estate. Prima
dei due grandi eventi corali, il MCU proporrà anche
Spider-Man: Brand New
Day con Tom
Holland, ultimo capitolo prima del
doppio appuntamento Avengers.
Marvel Studios ha fissato l’uscita di Avengers: Doomsday per il 18 dicembre 2026, preparando il
terreno a uno dei crossover più ambiziosi nella storia del cinema
supereroistico.
Crudelia
(leggi
qui la recensione) della Disney si conclude con la morte di un
alter ego, la giustizia che viene fatta e la possibilità di un
nuovo inizio. Diretto da Craig Gillespie, il film
vede Emma Stone nel ruolo della protagonista e
approfondisce la storia delle origini della tradizionale e
appariscente cattiva fin dal momento della sua nascita.
Sviluppandosi sotto forma di romanzo di formazione,
Crudelia traccia una traiettoria emozionante per
la sua protagonista, costruendo le sue motivazioni e aggiungendo
profondità e sfumature. Ciò ha comportato un cambiamento
retroattivo nel modo in cui vediamo la cattiva del film
d’animazione Disney La carica dei 101, aprendo la strada a una potenziale
rivisitazione di questa storia in futuro.
Crudelia descrive
in dettaglio la vita di Estella (Stone), una bambina ribelle che
sogna di diventare un giorno una stilista di successo. La madre di
Estella, Cathrine (Emily Beecham), fa del suo
meglio per infondere in Estella un senso di gentilezza, chiedendole
con tenerezza di “adattarsi” per evitare il dolore
dell’emarginazione sociale. Estella è profondamente consapevole dei
due lati contrastanti che convivono in lei, l’altro essendo la
spericolata e ribelle “Crudelia”, come affettuosamente
soprannominata da Catherine. Purtroppo, la tragedia colpisce e
Crudelia rimane orfana. Quello che segue è una lotta per la
sopravvivenza, un risveglio di sé e un finale che potrebbe
suggerire
un futuro sequel.
La trasformazione di Estella in
Crudelia e la morte dell’innocenza
Fin dalla più tenera età, Estella è
profondamente consapevole dei due alter ego che convivono in lei,
rappresentati visivamente dai suoi splendidi capelli naturalmente
bianchi e neri. Mentre il simbolismo tradizionale lo
interpreterebbe come una guerra tra il bene e il male, una visione
così bidimensionale e binaria del mondo non fa altro che limitare
la crescita del personaggio. Sebbene Crudelia riconosca l’esistenza
di zone grigie e il fatto che le due identità spesso si mescolano e
si sovrappongono, questa metafora è usata consapevolmente per
rispecchiare il simbolismo visivo, come quello del pelo del
dalmata.
Grazie all’influenza di Catherine e
alla tenera amicizia di Jasper e Horace, Estella riesce a tenere a
bada Crudelia, una scelta consapevole in tutto e per tutto.
Tuttavia, quando scopre che la Baronessa è responsabile della morte
di sua madre, qualcosa si spezza dentro Estella, che la porta ad
abbracciare lentamente il suo alter ego più oscuro: Crudelia.
Questo inizia come un cambiamento negativo, ma il viaggio del
classico personaggio de La carica dei 101 alla
ricerca dell’equilibrio è il vero centro di questa storia.
Scegliendo di scontrarsi con la
Baronessa mentre lavora per lei come Estella, Crudelia riesce a
sfidarla pubblicamente e ad assicurarsi che il mondo della moda
riconosca il suo esplosivo talento creativo. Queste piccole
vittorie hanno un prezzo molto alto: la natura di Crudelia è
intrinsecamente meschina, il che la rende incapace di trattare chi
le sta intorno con tenerezza o rispetto. Ciò si manifesta nel suo
rapporto teso con Jasper e Horace, che vengono trattati come
scagnozzi assoldati invece che come membri del team meritevoli di
rispetto.
La sete di vendetta spinge Crudelia
oltre il limite del controllo personale, il che porta
momentaneamente alla morte dell’innocenza e della vulnerabilità.
Indurita dalle crudeltà che la vita le ha riservato, Crudelia
tratta tutti con lo stesso disprezzo freddo e calcolatore.
Tuttavia, si rende presto conto dell’errore commesso e trova un
modo per “uccidere” pubblicamente Estella per mano della Baronessa,
il che si rivela una necessità che aiuta il suo piano di tornare
nel mondo come Crudelia. Nonostante abbia ucciso l’identità
alternativa che rappresenta la gentilezza, Crudelia sembra aver
abbracciato una zona grigia, senza mai sconfinare nel tropo del
“cattivo”.
Perché Crudelia usa il punk rock
come mezzo di identità ed espressione artistica
Sebbene la sottocultura punk
abbracci una vasta gamma di ideologie e forme di espressione, il
movimento, soprattutto al suo apice, ha assunto una posizione
apertamente anti-establishment, ponendo l’accento sull’identità
individuale. Ciò si sposa bene con i temi presenti in Crudelia, in
cui il personaggio principale è in grado di abbracciare un aspetto
nascosto di sé attraverso l’espressione creativa e diventare il
volto di una ribellione audace e sfrenata di idee nel mondo della
moda.
Mentre l’etica fai-da-te del
sottogenere si sposa perfettamente con la passione di
Estella/Crudelia come designer, le convinzioni anti-consumistiche
sembrano entrare in conflitto con ciò che rappresenta l’industria
della moda. Questo potrebbe dipingere le azioni di Crudelia in una
luce un po’ superficiale, ma è importante riconoscere che lei, a
modo suo, sfida il controllo autoritario che la Baronessa esercita
sulle tendenze e sull’estetica, il che include ridefinire il
significato di non essere una “venduta”. Inutile dire che
l’estetica punk, che si tratti dei costumi, delle luci o della
musica, funziona incredibilmente a favore del film, poiché serve ad
accentuare il tono drammatico e camp della narrazione nel suo
complesso.
Come Crudelia intreccia perdita,
vendetta e salute mentale in una storia delle origini
compassionevole
Crudelia De Mon è sempre stata
un’iconica cattiva, principalmente un’affascinante ereditiera
londinese con un debole per la creazione di cappotti di pelliccia
con il pelo dei dalmati. Le macchinazioni di Crudelia sono sempre
state canonicamente originate da una vendetta contro i dalmata e da
una certa indifferenza verso il destino degli animali, purché ciò
servisse al suo scopo di apparire affascinante in società. Sebbene
questo possa e debba essere definito malvagio, Crudelia decide di
sradicare completamente ciò che definisce il suo personaggio
titolare e di incidere invece una narrativa antieroica e
comprensiva.
Quando Estella decide di
abbracciare il lato più oscuro della sua identità, si immerge
completamente nel ruolo e compie alcuni atti discutibili per
portare a termine il suo piano. Tuttavia, non arriva mai al punto
di alienare il pubblico, come dimostrano il fatto che sembra
completamente disinteressata all’uccisione dei dalmati per
ricavarne pellicce in Cruella e il momento in cui si rende conto
che i suoi amici non meritano il comportamento freddo e
indifferente di Cruella.
Dopo la grande rivelazione che
Crudelia è la figlia della Baronessa, il peso della verità
schiaccia Crudelia. Oltre a sentirsi emarginata in modo
inimmaginabile, il fatto che sua madre volesse sbarazzarsi della
sua bambina appena nata apre una ferita che sembra incurabile.
Questo è particolarmente traumatico per Crudelia, poiché la sua
motivazione iniziale di vendicare sua madre è tinta da un nuovo
strato di dolore e perdita. Pur riconoscendo di aver quasi perso se
stessa, Crudelia giura di accettare chi è senza sacrificare il
meglio di sé, ed è pronta a prendersi ciò che le spetta di
diritto.
Come sarà il futuro di Crudelia –
Una possibile trama per La carica dei 101
La scena a metà dei titoli di coda
di Crudelia è un’interessante premessa per un
possibile sequel, ovvero il tanto amato La carica dei 101.
Dopo aver ereditato la fortuna della Baronessa come Crudelia De Mon
e aver ribattezzato la tenuta Hell Hall, Crudelia viene vista per
l’ultima volta mentre prepara il terreno per il proprio marchio di
moda e amplia la sua influenza nel mondo della moda. La scena
post-titoli di coda di Crudelia vede protagonista Roger
(Kayvan Novak), l’ex avvocato della Baronessa, che
ora sembra perseguire una carriera a tempo pieno come pianista. La
scena passa ad Anita Darling (Kirby
Howell-Baptiste), amica d’infanzia di Crudelia e ora
giornalista di gossip, che aiuta a promuovere la sua nuova immagine
nel film.
Sia Roger che Anita ricevono dei
cuccioli da Crudelia, due dalmati chiamati rispettivamente Pongo e
Perdit. Questo si allinea perfettamente con l’arco narrativo di
entrambe le versioni di La carica dei 101, in cui Roger e
Anita si innamorano e i loro cani danno alla luce una cucciolata
innaturalmente numerosa di 15 cuccioli. Per inciso, questi sono gli
stessi cuccioli che Crudelia cerca di riunire con altri 86 per
realizzare un cappotto invernale. Se vista attraverso questa
particolare lente, la scena, altrimenti commovente, nasconde un
sottotono piuttosto sinistro, poiché sembra che Crudelia stessa
abbia un ruolo fondamentale nell’orchestrare questo scenario.
Dato che la Disney trascorre la
maggior parte del film cercando di posizionare Crudelia come una
figura ribelle con il cuore al posto giusto invece che come una
vera e propria cattiva, risulta antitetico creare una premessa in
cui lei diventa un’assassina di animali per fare una dichiarazione
di moda. Poiché questo sentimento non è del tutto in linea con lo
sviluppo del personaggio di Crudelia fino a questo punto, non è
chiaro quale direzione prenderà la sua storia. Inutile dire che una
certa oscurità aleggia su Crudelia, che può manifestarsi in
qualsiasi momento a causa di una tragedia personale o di
un’ambizione cieca che la spinge oltre ogni limite.
Cosa significa davvero il finale
di Crudelia
Crudelia si
conclude con la baronessa che viene dichiarata colpevole
dell’omicidio di Estella e portata in prigione per i suoi crimini.
Anche se la baronessa viene smascherata agli occhi del pubblico, si
dimostra di avere una notevole influenza grazie alla sua posizione
sociale. La baronessa sarà davvero assicurata alla giustizia o
troverà un modo per sfuggire al sistema legale e mettere in atto il
suo piano per distruggere Crudelia? Oltre a questo, c’è anche la
questione delle motivazioni di Crudelia e di ciò che lei stessa
immagina per sé stessa, insieme al prezzo che è disposta a pagare
per ottenerlo.
Rimarrà intrappolata negli stessi
schemi tossici e ripeterà gli errori di sua madre? È una domanda
difficile a cui rispondere, poiché non è chiaro se lei trovi
davvero conforto nella compagnia di coloro che le sono fedeli o se
segretamente li consideri solo un mezzo per raggiungere un fine.
Sebbene il personaggio titolare di Crudelia sia presentato come
intrinsecamente buono, spesso nei suoi grandi occhi contornati di
kohl si insinuano scintille oscure, che potrebbero benissimo essere
un segno che segna l’inizio della fine.
Francesca Cabrini,
diretto nel 2024 da Alejandro Gómez Monteverde, si
inserisce nel filone del
cinema biografico a sfondo
storico e religioso, raccontando la vita di Santa
Francesca Saverio Cabrini, figura centrale del
cattolicesimo tra Otto e Novecento e prima cittadina statunitense a
essere canonizzata. Il film sceglie un impianto narrativo classico,
vicino al biopic edificante, ma lo declina con una messa in scena
solida e accessibile, pensata per valorizzare il percorso umano e
spirituale della protagonista più che l’agiografia pura.
Il genere di riferimento è dunque
quello del dramma storico, arricchito da forti componenti sociali.
Francesca Cabrini affronta infatti temi come
l’emigrazione italiana negli Stati Uniti, la povertà urbana, la
discriminazione verso gli stranieri e il ruolo delle donne in una
società profondamente patriarcale. Al centro del racconto c’è una
fede vissuta come forza pratica e trasformativa, capace di tradursi
in azione concreta: scuole, ospedali e opere di assistenza
diventano il vero campo di battaglia della protagonista, più che la
dimensione mistica o contemplativa.
Una delle particolarità del film
risiede proprio nel ritratto di Francesca Cabrini come figura
combattiva e visionaria, lontana dall’immagine passiva spesso
associata ai santi sullo schermo. Monteverde insiste sul conflitto
con le istituzioni civili ed ecclesiastiche, sullo scontro con il
potere e sulle difficoltà logistiche e politiche affrontate dalla
missionaria. Nel resto dell’articolo, l’attenzione si sposterà
sulla vera storia che ha ispirato il film, approfondendo la
straordinaria vicenda umana e storica di Francesca Saverio
Cabrini.
Cristiana Dell’Anna in Francesca Cabrini
La trama di Francesca
Cabrini
Il film è ambientato alla fine
dell’Ottocento nei bassifondi di New York. Qui abita l’italiana
Francesca Cabrini (Cristiana
Dell’Anna), mandata da Papa Leone
XIII (Giancarlo Giannini) nella
Grande Mela per evangelizzare le Americhe. La Cabrini diventa così
la prima donna a capo di una missione oltreoceano. Nonostante
l’appoggio del Papa, Francesca viene però ostacolata nella sua
missione dall’Arcivescovo locale,
Corrigan (David Morse), e
dalle istituzioni cittadini. Eppure, con coraggio e una ferrea
volontà non permette loro di interferire con i suoi progetti,
superando ostacoli politici, economici e culturali.
La storia vera dietro il film
Santa
Francesca Saverio
Cabrini è nata il 15 luglio 1850 a Sant’Angelo Lodigiano
in Lombardia, in una famiglia numerosa con umili origini. Dopo gli
studi si diploma maestra e nel 1874 entra nella vita religiosa,
fondando nel 1880 l’istituto delle Missionarie del Sacro Cuore di Gesù con lo
scopo di dedicarsi all’apostolato missionario e all’assistenza agli
emarginati. Il suo percorso formativo è segnato da una profonda
spiritualità ispirata alla devozione al Sacro Cuore e alla volontà
di servire i più poveri, in particolare gli orfani e gli immigrati
italiani, che affrontano condizioni di vita estremamente difficili
negli Stati Uniti di fine Ottocento.
Su
invito di Papa Leone
XIII, Francesca Cabrini lascia dunque l’Italia nel 1889
per gli Stati Uniti, dove la massa di emigranti italiani vive in
quartieri degradati, privi di servizi educativi e sanitari
elementari. Qui, partendo da New York, la religiosa e le sue
compagne aprono scuole, asili, ospedali, orfanotrofi e centri di
assistenza nelle comunità italiane e oltre, penetrando anche nel
Centro e Sud America. La sua opera è rivolta non solo a garantire
istruzione e cure, ma anche a sostenere l’integrazione sociale e la
dignità degli immigrati, affrontando la discriminazione e la
povertà urbana diffusa.
David Morse e Cristiana Dell’Anna in Francesca Cabrini
L’impatto della sua attività è vasto e duraturo: in oltre
trent’anni di missione Cabrini fonda decine di istituzioni in
diversi paesi, portando assistenza concreta a migliaia di persone.
Nel 1909 ottiene la cittadinanza statunitense e alla sua morte,
avvenuta il 22 dicembre 1917 a Chicago, lascia una rete organizzata
di opere sociali e missionarie in continua espansione. Viene
beatificata nel 1938, canonizzata nel 1946 e proclamata nel 1950
Patrona degli emigranti, riconoscimento che sottolinea il profondo
legame tra la sua opera e le esperienze migratorie dell’epoca.
Il film Francesca Cabrini trae dunque ispirazione
da questa vicenda reale, ma apporta alcune semplificazioni e scelte
narrative per esigenze drammaturgiche. Alcuni personaggi di
contesto, come giornalisti o figure specifiche con ruoli di dialogo
diretto con Cabrini nel film, non corrispondono sempre a persone
storiche note nelle fonti, e certi dettagli biografici vengono
condensati per fluidità narrativa. Tuttavia, la rappresentazione
delle difficili condizioni degli immigrati italiani a New York e
l’impegno di Cabrini per istruzione e assistenza riflettono
fedelmente l’obiettivo originario della sua missione, così come
documentato da testimonianze e dichiarazioni di Cabrini stessa nei
suoi primi anni in America.
Francesca Cabrini racconta dunque una vicenda
autentica di dedizione missionaria, assistenza sociale e impegno
per i diritti degli ultimi, pur adottando alcune licenze creative
per costruire un arco narrativo cinematografico coerente, come
riportato da HistoryvsHollywood. Da qui la
figura storica di Cabrini emerge come esempio di tenacia, fede e
innovazione sociale, e il film funge da punto di accesso di grande
pubblico per scoprire una delle storie più significative del
cattolicesimo sociale e della storia delle migrazioni tra XIX e XX
secolo.
Il finale di Harry Potter e
il Calice di Fuoco segna una svolta nella saga di Harry
Potter, lasciando spazio a temi molto più cupi man
mano che i personaggi amati diventano adulti e affrontano nemici e
creature ancora più letali. A differenza dei film precedenti, il
quarto capitolo si conclude con una nota triste e segna il ritorno
di Lord Voldemort, qualcosa che sia i fan che
Harry Potter sapevano potesse accadere in qualsiasi momento, ma che
ha comunque sorpreso tutti per le circostanze strazianti in cui è
avvenuto. Il ritorno di Voldemort ridefinisce completamente la saga
e crea un legame inquietante tra Harry e lui, che si rivelerà tanto
utile quanto letale.
Harry e i suoi amici si trovano
infatti in una situazione completamente diversa in Harry
Potter e il Calice di Fuoco, compiono 14 anni e iniziano
ad innamorarsi, a litigare e a maturare come maghi. Di fronte
all’emozionante Torneo dei Maghi ospitato da Hogwarts, una nuova
minaccia sembra incombere sul terreno della scuola quando Harry
viene travolto dalla competizione, suggerendo giustamente che
Voldemort e i suoi Mangiamorte stanno tramando qualcosa di
malvagio. Il finale è dunque il momento cruciale in cui i fan
iniziano a vedere chiaramente quali sono i personaggi secondari,
introducendo nuovi alleati e presentando gli antagonisti più
pericolosi.
Il finale di Harry Potter
e il Calice di Fuoco: cosa succede e perché
Il finale di Harry Potter e
il Calice di Fuoco impiega quasi un’ora per arrivare alla
conclusione. I guai iniziano con la terza e ultima prova mortale
del Torneo Tremaghi, in cui Harry, Cedric,
Krum e Fleur vengono spinti in un
labirinto agghiacciante pieno di enigmi e creature pericolose, che
nasconde un segreto molto più spaventoso al suo interno. Quando
Harry e Cedric raggiungono contemporaneamente la Coppa Tremaghi,
rimangono sconcertati nel rendersi conto che la Coppa è in realtà
un Passaporta che li trasporta al cimitero di Little Hangleton,
dove Peter Minus attende con impazienza che Harry porti a termine
la fase finale del ritorno di Voldemort, uccidendo
immediatamente Cedric per ordine di Voldemort.
Harry sfugge per un soffio alla
maledizione mortale dopo aver visto Voldemort riacquistare le sue
forze e convocare i suoi Mangiamorte, e raggiunge la Coppa
Tremaghi, che lo trasporta di nuovo a Hogwarts con il cadavere di
Cedric, sconvolgendo il pubblico che aspettava con entusiasmo il
loro ritorno. Le cospirazioni iniziano a svelarsi quando Harry
viene portato nell’ufficio di Moody, dove scopre che egli è in
realtà Barty Crouch Jr. e che ha manipolato il
Torneo Tremaghi in modo che Harry potesse raggiungere la Coppa.
Crouch Jr. viene intercettato da Silente,
Piton e Minerva prima che riesca
a uccidere Harry, salvando il vero Moody e smascherando
l’impostore, concedendogli il bacio del Dissennatore.
La spiegazione del ritorno di
Voldemort
Il ritorno di Voldemort è orchestrato dallo stesso
Signore Oscuro e da alleati fondamentali come Barty Crouch
Jr., Nagini e Peter
Minus. Mentre Crouch Jr. muove le pedine per garantire il
successo di Harry nel Torneo Tremaghi, Minus prepara con cura gli
ingredienti della Pozione di Resurrezione, raccogliendo antica
magia oscura. La pozione richiede elementi malvagi come “l’osso del
padre dato inconsapevolmente”, che Minus prende dalla tomba di Tom
Riddle, nome di Voldemort, “la carne del servitore, data
volontariamente”, offerta dallo stesso Minus dopo essersi tagliato
la mano, e, cosa più importante, “il sangue del nemico, preso con
la forza”, che Minus estrae da un profondo taglio sul braccio di
Harry.
Come Harry sopravvive alla
maledizione mortale di Voldemort
Dopo aver riacquistato le forze in
un nuovo corpo potente, Voldemort è ansioso di vendicarsi
finalmente e uccidere Harry Potter, organizzando un duello in cui
Harry, in teoria, non ha alcuna possibilità. Voldemort lancia la
maledizione mortale sul giovane mago quando Harry si rifiuta di
usare Avada Kedavra, contrattaccando con Expelliarmus, che fa
cadere dalle mani di chi lo riceve qualsiasi cosa stia tenendo. I
fan hanno modo di vedere per la prima volta il fenomeno Priori
Incantatem, che si verifica quando due bacchette con nucleo dello
stesso animale vengono puntate simultaneamente l’una contro
l’altra. Il primo scontro tra Harry e Voldemort prefigura anche
momenti importanti di Harry Potter e i Doni della Morte.
Il fatto che Voldemort abbia usato
il sangue di Harry è fondamentale per la sopravvivenza di Harry nel
film finale, rimodellando la Protezione Sacrificale di Lily Potter
quando ha usato il sangue di Harry per formare il suo nuovo corpo.
Inoltre, Priori Incantatem permette alle recenti vittime di
Voldemort di riapparire, poiché inverte gli incantesimi più recenti
lanciati dalla bacchetta e aiutano Harry a fuggire. Prima che
l’incantesimo del Signore Oscuro potesse raggiungere Harry, i
fantasmi delle vittime passate di Voldemort, tra cui Cedric e i
genitori di Harry, appaiono per aiutare Harry attraverso il loro
amore eterno e la loro resistenza. Sapendo che Harry non è ancora
abbastanza maturo per affrontare Voldemort, consigliano al mago di
prendere la Coppa e fuggire mentre loro distraggono Voldemort nel
cimitero.
Come Barty Crouch Jr. manipola il
Torneo Tremaghi
Il primo passo per comprendere le
azioni di Barty Crouch Jr. è riconoscere come sia
riuscito a portare a termine il suo piano sotto la stretta
supervisione di alcuni dei maghi più competenti al mondo, tra cui
Silente e Piton. La fuga di Crouch Jr. da Azkaban è stata
orchestrata da suo padre Bartemius Crouch Sr. per
soddisfare la richiesta di sua moglie, che ha preso il posto del
figlio ed è morta poco dopo ad Azkaban, facendo credere a tutti che
il malvagio mago fosse morto. Voldemort, dopo aver appreso la
verità, pensò che fosse perfetto per il lavoro, assegnandogli il
compito di sconfiggere un Alastor Moody ormai anziano e ignaro e di
impersonarlo con l’uso della Pozione Polisucco.
Il fatto che Crouch Jr. beva più
volte la Pozione Polisucco dalla sua fiaschetta senza destare
sospetti può essere spiegato dalla ben nota tendenza di Moody a
bere solo dalla propria fiaschetta. Travestito da professor Moody,
Crouch Jr. era un passo avanti rispetto a ogni evento che si
svolgeva nel Torneo Tremaghi, compresa la selezione dei
partecipanti al torneo. Seguendo gli ordini diretti di Voldemort,
Barty Crouch Jr. si assicura che Harry raggiunga la Coppa che verrà
utilizzata per riportare in vita l’Oscuro Signore. L’unica cosa che
si discosta dal piano originale di Crouch Jr. è il fatto che Cedric
raggiunga la Coppa insieme a Harry, anche se a Barty non importa
nulla della morte del ragazzo.
Barty Crouch Jr. suggerisce a
Hagrid di portare Harry nella foresta a vedere i draghi, spiega a
Cedric come funzionava l’indizio della seconda prova, dà a Neville
il libro che lo spinge a dare a Harry l’alga gillyweed e, infine,
corrompe Krum con la maledizione Imperius per assicurarsi che Harry
abbia successo nella prova finale del torneo, culminando in una
serie di eventi che garantiscono la vittoria di Harry. Crouch Jr.
inserisce anche il nome di Harry nel Calice di Fuoco usando il
potente Incanto Confundus, ingannando il calice affinché accetti il
nome di Harry come membro di un’altra scuola non specificata.
Tuttavia, questo è ben lungi dall’essere il suo unico contributo al
sistema del Torneo Tremaghi.
Come il finale di Harry
Potter e il Calice di Fuoco prepara il futuro della
saga
Harry Potter e il Calice di
Fuoco segna l’inizio della fine della saga, offrendo un
punto di svolta ai sequel che esploreranno un approccio molto più
cupo. Innanzitutto, il finale introduce molti personaggi che
avranno maggiore importanza in futuro, come il vero Alastor
Moody, uno dei più grandi Auror del mondo, i Mangiamorte,
fedeli adoratori di Voldemort, Nagini, che si
rivela essere l’ultimo
horcrux di Voldemort e, naturalmente, lo stesso Voldemort, il Signore Oscuro con la sua forza
e il suo potere restaurati, ora pronto a dichiarare guerra a tutti
i maghi benevoli e a cercare vendetta contro Harry Potter.
Il finale stabilisce anche il
conflitto più grande di Harry Potter e l’Ordine della Fenice, ovvero
la profezia di Harry Potter e lo scontro tra gli alleati di Harry e
il governo mentre cercano di rivelare la verità sul ritorno di
Voldemort. Temendo l’isteria generale, il Ministero della Magia si
rifiuta di rivelare la verità sugli eventi del Torneo Tremaghi
anche dopo la scioccante morte di Cedric e lo smascheramento della
cospirazione di Barty Crouch Jr. Questo conflitto di interessi
metterà in pericolo la vita di molti personaggi amati, come
Arthur Weasley e Sirius Black,
portando a una memorabile battaglia tra il bene e il male.
In contrasto con la decisione del
Ministero della Magia, Silente tiene un discorso ispiratore alla
fine di Harry Potter e il Calice di Fuoco.
Scegliendo di rivelare a tutti gli studenti cosa è realmente
accaduto la notte della prova finale del torneo, Silente si mette
in pericolo e diventa il bersaglio di un tentativo di arresto nel
film successivo. La morte di Cedric cambia drasticamente anche
Harry, che si sente in colpa, e poiché ha assistito alla sua morte
inizia a vedere i Thestral, le creature mistiche che consentono a
Harry e ai suoi alleati di raggiungere il Ministero della Magia in
tempo per tentare di salvare Sirius in Harry Potter e l’Ordine della Fenice.
C’è stato un tempo in cui i nuovi
film sui supereroi erano quasi sempre accompagnati da videogiochi
correlati. Alcuni di questi erano buoni (Spider-Man
2,
X-Men le origini: Wolverine), mentre la maggior parte
erano terribili (Catwoman,
Iron Man). Batman
Begins, tuttavia, è stato trasformato in videogioco
nel 2005, e lo stesso avrebbe dovuto valere per Il cavaliere
oscuro tre anni dopo. Il titolo open world ambientato a Gotham
City avrebbe dovuto essere pubblicato in tempo per l’uscita nelle
sale del film.
Pandemic ha però chiesto più tempo
a EA, ma quando non è riuscita a finirlo in tempo per il debutto
del DVD, il gioco è stato infine cancellato. Come noto, Heath Ledger morì pochi mesi prima
dell’uscita di Il cavaliere oscuro nelle sale nel
2008. Ciò significa che l’attore non ha mai potuto vedere la
reazione del pubblico alla sua interpretazione del Joker, un ruolo
che gli è valso l’Oscar come “Miglior attore non protagonista”
l’anno successivo.
È impossibile immaginare qualcun
altro nei panni del Principe Clown del Crimine nel film diretto da
Christopher Nolan, soprattutto perché
l’interpretazione di Ledger del Principe Clown del Crimine è
diventata a dir poco iconica. Non sappiamo se l’attore fosse pronto
a riprendere il ruolo in Il cavaliere oscuro – Il
ritorno, dato che a quel punto il terzo film non era
ancora stato scritto. Tuttavia, da tempo circolano voci su un cameo
che il personaggio avrebbe dovuto avere, all’interno dell’Arkham
Asylum. Un cameo che avrebbe così chiarito il suo destino, rimasto
incentro alla fine del film del 2008.
Tornando al videogioco cancellato,
ora sono finalmente emerse alcune immagini e animazioni di quel
progetto, che offrono almeno un’idea di cosa sarebbe potuto
diventare questo iconico cattivo dopo la sua sconfitta per mano di
Batman. Anche se probabilmente non sarebbe stato “canonico”
rispetto ai film di Nolan, vediamo il Joker tendere un’imboscata a
Batman, usando del gas per renderlo incosciente, e poi rubare un
Batarang, che usa per uccidere un ostaggio femminile (forse
incastrando il vigilante).
Più tardi, troviamo il Joker ad
Arkham con le gambe rotte che fissa il Bat-segnale attraverso la
piccola finestra della sua cella, un indizio forse su come sarebbe
finita la sua storia dopo essere stato abbattuto da dove Batman lo
aveva lasciato appeso nel film stesso. Il romanzo tratto da
Il cavaliere oscuro rivelava anche che il Joker
era l’unico detenuto di Arkham dopo aver terrorizzato Gotham, cosa
che, come in questo gioco, siamo sicuri che Nolan abbia approvato o
su cui abbia avuto voce in capitolo.
Di seguito trovate i link a questi
storyboard risaliti dal videogioco cancellato de Il
cavaliere oscuro.
A distanza di un paio d’anni dalla
prima stagione (leggi
qui la recensione), torna su Prime Videola serie
italiana Gigolò per caso, stavolta con il
sottotitolo La Sex Guru. Nuovamente diretta
Eros Puglielli (regista di Dorme
e Nevermind), con Tommaso Renzoni,
Elena Santoro e Matteo Calzolaio
che firmano soggetto e sceneggiatura, questa seconda stagione
ripropone gli elementi vincenti della prima – dalla brillante
comicità alle coinvolgenti interazioni tra i personaggi -,
aggiungendo però quel pizzico di pepe in più che rende più
“agguerrita” la vicenda di Giacomo e Alfonso Bremer.
L’inedita coppia padre-figlio
formata da Christian De Sica e
Pietro
Sermonti questa volta deve infatti confrontarsi con
nuova sfida: l’arrivo della sex guru femminista Rossana Astri,
interpretata
Sabrina Ferilli. La sua introduzione è l’occasione per
spostare i discorsi sull’eterna battaglia tra maschi e femmine,
affrontando un tema ancora troppo spesso tabù quale è il piacere
sessuale femminile. Gravitano in questa vicenda
anche Frank Matano, Gianmarco
Tognazzi, Ambra
Angiolini, Giorgia Arena,
Francesco Bruni, Francesca
Agostini e Valerio Lundini, ognuno con i
propri momenti di gloria.
La trama di Gigolò
per caso – La Sex Guru
In questa seconda stagione, padre e
figlio sono nuovamente alle prese con nuove esilaranti avventure ed
un rapporto conflittuale dai risvolti comici. L’attività dei Bremer
è in pericolo: sta per arrivare una rivoluzione e il suo nome è
Rossana Astri (Ferilli), celebre guru femminista
che insegna alle donne a fare a meno degli uomini. Le sue idee
sovversive metteranno a rischio il business di
Giacomo (De Sica) e la vita privata di
Alfonso (Sermonti). Costretto nuovamente ad
aiutare il padre, Alfonso si ritrova nel bel mezzo di una guerra
tra sessi che fa emergere con ironia i desideri nascosti delle
donne e la disarmante difficoltà degli uomini a stare al loro
passo.
Christian De Sica e Pietro Sermonti in Gigolò per caso – La sex
guru. Foto di Arianna Lanzuisi
Una serie che si rinnova
Nata come remake italiano della
serie francese Alphonse, con protagonista il premio
Oscar Jean Dujardin, Gigolò per
caso si discosta ora da quel titolo (fermatosi alla
prima stagione), per camminare su gambe proprie. Certo, già nella
prima stagione erano presenti reinvenzioni ed elementi di
originalità, ma è con questa seconda stagione dal titolo La
Sex Guro che la serie può dunque seguire un proprio
percorso, dimostrando non solo di riuscirci ma anche di farlo senza
perdere per strada gli elementi migliori della prima stagione.
Se allora in quella le vicende
ruotavano attorno alla nuova attività di gigolò di Alfonso e alla
contesa eredità di Adele, in questi nuovi episodi la minaccia è
rappresentata dall’agguerrita Rossana Astri, perfetta antitesi dei
Bremer e decisa a distruggere il loro impero. Il loro scontro
risulta intrigante poiché, potenzialmente, la loro missione
sembrerebbe la stessa, ovvero offrire alle donne quel piacere che
viene troppo spesso loro negato. Eppure, le loro idee su come si
debba ottenere divergono ampiamente, dando luogo a diverse
situazioni comiche di gran gusto.
Eppure, come ci insegna questa
seconda stagione, anche coloro che sembrano farsi portatori della
verità assoluta, rischiano di cadere in quelle stesse trappole da
cui mettono in guardia gli altri. Gli sceneggiatori si divertono
così a rinnovare e decostruire i vari personaggi, rendendoli
innanzitutto più umani e di conseguenza anche più simpatici. Non
solo allora si imparano a conoscere le due vite di Rossana Astri,
ma anche le tentazioni in cui incappa Don Luigi (Matano) e le
difficoltà relazionali di Beatrice (Agostini), tanto per citarne un
paio.
Sabrina Ferilli in Gigolò per caso – La sex guru. Foto di Arianna
Lanzuisi
Gigolò per caso – La Sex
Guru possiede un umorismo contagioso
La seconda stagione
di Gigolò per caso invita allora con un
sorriso a diffidare dei guru di qualunque genere e di quanti
vorrebbero proporre un’unica soluzione valida per tutti a
determinati problemi della vita sentimentale e sessuale. Lo fa
ricordandoci, attraverso la vicenda di Alfonso e Beatrice, che il
piacere scaturisce dall’ascolto reciproco e dall’apertura nei
confronti dell’altro. Un messaggio tutt’altro che banale, in un
contesto di chiusura, prevaricazione e convinzione che i propri
bisogni valgano più di quegli degli altri. Ancora una volta,
infatti, la serie vince nel proporre momenti di grande affetto, che
portano in secondo piano la comicità per far emergere l’anima e il
cuore dei personaggi e della storia.
Tutto ciò è reso possibile da un
cast affiatato, che da De Sica a Sermonti, da Ferilli ad Agostini,
passando per Matano e Lundini, mette a segno interpretazioni
brillanti, appassionate, sostenute da una scrittura attenta ai
dettagli e da battute o gag visive particolarmente divertenti. Con
più di un gancio per una terza stagione, che ci si augura dunque di
vedere quanto prima, Gigolò per caso – La Sex
Guru si dimostra dunque una prosecuzione vincente per
la serie, che conferma la capacità di raccontare aspetti importanti
della nostra vita, facendolo sempre con un umorismo intelligente e
contagioso.
Steal è una
serie thriller contemporanea distribuita da Prime Video che mette al centro un
colpo finanziario di proporzioni enormi e le sue conseguenze umane,
politiche e morali. Il titolo si inserisce nel filone dei crime
realistici, dove il vero pericolo non è solo la violenza, ma il
sistema che la rende possibile.
La serie si sviluppa come un racconto compatto e ad alta tensione,
pensato per una visione intensa e continuativa, con una narrazione
che intreccia heist, indagine e dramma personale.
Data di uscita e distribuzione di Steal
Steal è
disponibile su Prime
Video come serie
completa, con tutti gli episodi rilasciati per la visione
in streaming. La scelta della distribuzione integrale conferma
l’intenzione di proporre un’esperienza da binge-watch, coerente con
la struttura narrativa serrata e progressiva della storia.
La serie è composta da sei episodi, un formato che consente di mantenere
alta la tensione senza dispersioni, accompagnando lo spettatore
dall’evento scatenante della rapina fino alle sue conseguenze più
estreme. Prime Video posiziona Steal come un titolo di punta nel panorama dei thriller
realistici, puntando su un racconto adulto, attuale e privo di
semplificazioni.
Dal punto di vista produttivo, Steal si distingue per l’ambientazione londinese e per
un approccio che privilegia la plausibilità rispetto allo
spettacolo. La storia non si concentra solo sul “come” della
rapina, ma soprattutto sul “dopo”: le indagini, le pressioni
istituzionali, le scelte forzate e il peso psicologico che ricade
sui protagonisti.
Per chi è interessato a serie crime che esplorano il lato oscuro
della finanza globale e le sue ricadute sulle persone comuni,
Steal rappresenta una
proposta particolarmente rilevante all’interno del catalogo Prime
Video.
Il prossimo film con Tom Cruise, Digger,
potrebbe avere un obiettivo irraggiungibile, secondo un nuovo
rapporto che afferma che il suo budget è monumentale. Diretto da
Alejandro G. Iñárritu, Digger è
descritto come la storia dell’“uomo più potente del mondo” che
provoca un disastro e poi cerca di presentarsi come il salvatore
dell’umanità. Digger vede anche la partecipazione di Riz
Ahmed, Emma
D’Arcy, Jesse Plemons, John
Goodman e Sandra Hüller.
Il film uscirà nelle sale il 2
ottobre 2026 e Matthew Belloni di Puck riferisce ora che il film ha un
budget a nove cifre, commentando: “Una commedia originale di
Iñárritu ad alto budget – la Warner dice che è costata 125 milioni
di dollari, ma io sono già sospettoso – con Tom
Cruise in protesi. Praticamente sarà il Una
battaglia dopo l’altra di questo anno”.
Belloni fa riferimento al dilemma
al botteghino di Una battaglia dopo l’altra del
2025 del regista Paul Thomas Anderson, uno dei
chiari favoriti per vincere l’Oscar al miglior film del 2026. Molti
ritengono che quello sia uno dei migliori film dell’anno, ma il suo
budget enorme ha fatto sì che non potesse mai sperare di realizzare
un profitto, nonostante sia il film di maggior incasso del regista
fino ad oggi. Non resta che scoprire se sarà così anche
per Digger.
Cosa sappiamo
su Digger
La trama del film è stata tenuta
segreta fino a questo momento, ma è chiaro che Cruise interpreterà
il personaggio principale, Digger Rockwell. Nel
teaser trailer Cruise balla in modo stravagante tenendo in mano
una pala. Poi, l’attore viene ripreso in piedi mentre cammina sulla
ringhiera di un molo. Anche in questo caso, Cruise sembra farlo
mentre balla. Inoltre, l’attore sembra avere un aspetto diverso dal
suo solito, curato e affascinante. Sebbene non lo si veda mai
chiaramente, il profilo lascia intendere che qualcosa di diverso ci
sia nella sua acconciatura e, potenzialmente, nel suo volto,
anticipando una possibile trasformazione al trucco per Cruise.
Lo slogan recita che si tratta di
una “commedia di proporzioni catastrofiche” e l’uscita è
prevista per ottobre 2026.
Busy
Philipps è stata una presenza centrale nelle
ultime due stagioni di Dawson’s
Creek, ma il pubblico più attento avrà
notato la sua assenza nell’episodio finale della serie. A distanza
di anni, l’attrice ha spiegato cosa accadde davvero dietro le
quinte.
Philipps è entrata nel cast nella quinta stagione nel ruolo di
Audrey Liddell, la coinquilina universitaria di Joey Potter,
interpretata da Katie
Holmes. Il personaggio è diventato
rapidamente uno dei più amati dai fan, conquistandosi uno spazio
stabile nel gruppo principale fino alla conclusione della serie.
Proprio per questo, la sua esclusione dal finale ha sempre lasciato
perplessi molti spettatori.
La scelta creativa di Kevin Williamson e la delusione
dell’attrice
Durante un episodio del podcast Pod Meets World, Busy Philipps ha raccontato di essere
inizialmente entusiasta all’idea di partecipare al finale.
Tuttavia, l’episodio conclusivo fu scritto da Kevin
Williamson, creatore della serie, tornato al
progetto dopo averlo lasciato al termine della seconda
stagione.
Secondo quanto riferito dall’attrice, Williamson non riuscì a
trovare uno spazio per Audrey nella sceneggiatura finale, motivando
la scelta con il fatto che il personaggio non fosse parte del
nucleo originale della serie. Una decisione che Philipps ha vissuto
come profondamente ingiusta, considerando il contributo dato allo
show e l’affetto dimostrato dal pubblico.
«È stata una cosa che mi ha ferita davvero», ha spiegato l’attrice,
sottolineando di aver dedicato due anni della propria vita alla
serie e di aver rinunciato a molto per trasferirsi a Wilmington
durante le riprese.
Le scuse e la riconciliazione
Nonostante la delusione iniziale, la vicenda ha trovato una
chiusura più serena anni dopo. Durante una reunion di Dawson’s Creek
tenutasi lo scorso anno, Kevin Williamson si è scusato
personalmente con Busy Philipps, riconoscendo di aver gestito male
la situazione. Lo sceneggiatore ha spiegato di aver scritto il
finale in tempi strettissimi e di aver preso una decisione
affrettata, ammettendo che avrebbe potuto comportarsi in modo più
sensibile e professionale.
Dawson’s Creek è andata
in onda per sei stagioni dal 1998, raccontando le vicende di Dawson
Leery (James
Van Der Beek) e del suo gruppo di amici,
interpretati tra gli altri da Joshua
Jackson e Michelle
Williams. Ancora oggi, la serie resta
uno dei teen drama più influenti della televisione americana, e
anche i suoi retroscena continuano a far discutere.
FOTO DI COPERTINA: Busy
Philipps partecipa al City Harvest Presents The 2024 Gala: Magic Of
Motown al Cipriani 42nd Street — Foto di thenews2.com via DepositPhotos.com
La
prossima serie fantascientifica di Apple
TV+, Neuromancer, si prepara a
riportare sul piccolo schermo l’immaginario cyberpunk che ha reso
immortale Matrix.
Non si tratta di un semplice paragone suggestivo: l’adattamento del
celebre romanzo di Neuromancer
rappresenta, di fatto, la messa in scena delle fondamenta teoriche
su cui i Wachowski costruirono l’universo di Matrix.
Sebbene il film con Keanu
Reeves sia diventato uno dei titoli più
iconici della storia del cinema, il suo mondo non ha mai trovato
una vera continuità seriale capace di raggiungere lo stesso impatto
culturale. Con Neuromancer, Apple TV+ ha ora l’occasione di colmare
quel vuoto.
Come Neuromancer ha
ispirato Matrix
Pubblicato nel 1984, Neuromancer è considerato uno dei testi fondativi del
cyberpunk. Nel romanzo, i personaggi si collegano a una
rappresentazione fisica dei flussi di dati di un computer, chiamata
esplicitamente “matrix”. Il protagonista Case, hacker esperto,
viene coinvolto in una missione insieme a una donna enigmatica,
Molly: parallelismi con Neo e Trinity che risultano oggi
evidenti.
Le somiglianze non si fermano alla terminologia. L’idea di una
realtà digitale navigabile, la fusione tra corpo umano e tecnologia
e il rapporto ambiguo tra uomo e macchina sono concetti che
Matrix ha reso popolari,
ma che affondano le radici proprio nell’opera di Gibson.
L’adattamento di Apple TV+ ha quindi l’opportunità di raccontare,
per la prima volta in forma seriale, la vera origine di
quell’immaginario.
Cosa aspettarsi dalla serie Apple TV+
Il primo teaser di Neuromancer ha già mostrato alcuni elementi chiave
dell’estetica cyberpunk: città oscure, luci al neon e ambientazioni
decadenti, come il celebre bar Chatsubo, luogo simbolo del romanzo.
Tutto lascia pensare a una serie visivamente coerente con il
genere, ma senza limitarsi a imitare l’estetica di Matrix.
La vera sfida, però, sarà un’altra. Quando Neuromancer uscì negli anni ’80, le sue idee
erano radicalmente nuove. Oggi, dopo decenni di cinema e
televisione influenzati proprio da quelle intuizioni, Apple TV+
dovrà evitare l’effetto déjà-vu e trovare un linguaggio capace di
rendere nuovamente rivoluzionario ciò che il pubblico crede di
conoscere già.
Secondo le prime informazioni, Neuromancer è attesa su Apple TV+ nel corso del 2026. Se riuscirà a
distinguersi senza risultare derivativa, la serie potrebbe non solo
riportare il cyberpunk al centro della serialità contemporanea, ma
anche mostrare da dove tutto è davvero iniziato.
I
creatori di Stranger Things,
Matt Duffer
e Ross Duffer,
hanno svelato un curioso retroscena legato a una delle scene più
intime e simboliche del
finale di serie: il momento che coinvolge Max e Lucas al
cinema.
Intervistati da Tudum, i Duffer hanno spiegato che la sequenza
prevedeva inizialmente di mostrare esplicitamente il film
proiettato sullo schermo, ma la scelta finale è stata quella di
mantenere l’attenzione esclusivamente sui due personaggi.
Nonostante ciò, i creatori hanno confermato che il film scelto per la loro uscita è Ghost, il
celebre cult romantico con Patrick
Swayze, Demi
Moore e Whoopi
Goldberg.
Una scelta romantica (ma invisibile) per non distrarre dal
momento
Secondo quanto raccontato dai Duffer, la scena di Ghost era stata effettivamente girata,
ma è stata poi eliminata in fase di montaggio. La motivazione è
semplice: mostrare il film avrebbe rischiato di togliere forza
emotiva al momento vissuto dai personaggi. Per questo, pur
lasciando il riferimento come dettaglio “nascosto”, la regia ha
preferito concentrarsi sulle emozioni e sul legame tra Max e
Lucas.
Il riferimento a Ghost
risulta comunque coerente con la linea temporale della serie: il
film uscì nelle sale nel 1990 e rappresentò uno dei maggiori
successi cinematografici dell’epoca, rendendolo una scelta
credibile e fortemente evocativa per l’immaginario pop raccontato
dalla serie.
Un piccolo easter egg per i fan di Stranger Things
Non è la prima volta che Stranger Things utilizza il cinema come elemento
narrativo e culturale: basti pensare all’omaggio a Back to the Future nella terza
stagione. Anche in questo caso, la rivelazione dei Duffer non
modifica il senso della scena, ma aggiunge un easter egg pensato per i fan più
attenti, arricchendo di significato un momento già molto sentito
dal pubblico.
Con la conclusione della serie principale, questi piccoli dettagli
diventano parte dell’eredità
di Stranger Things,
confermando l’attenzione maniacale degli autori per l’immaginario
degli anni Ottanta e Novanta e per la costruzione emotiva dei
personaggi.
Apple TV
ha presentato il trailer della terza stagione dell’amata comedy
“Shrinking”, con Jason Segel, candidato agli Emmy, e
Harrison Ford, vincitore di numerosi
premi, insieme alle apprezzate interpretazioni di Christa Miller,
la candidata agli Emmy Jessica Williams, Luke Tennie, il candidato
agli Emmy Michael Urie, Lukita Maxwell e Ted McGinley. Creata dai
vincitori dell’Emmy Bill Lawrence e Brett Goldstein insieme a
Segel, la terza stagione di “Shrinking” farà il suo debutto su
Apple
TV il 28 gennaio con il primo episodio degli undici totali,
seguito da un nuovo episodio ogni mercoledì fino all’8 aprile.
La trama di Shrinking
“Shrinking” segue le vicende del
terapeuta Jimmy (interpretato da Jason Segel) che inizia a
infrangere le regole col dire ai suoi clienti esattamente quello
che pensa, ignorando così la sua formazione e la sua etica e
ritrovandosi a causare tumultuosi cambiamenti nella vita delle
persone… compresa la sua.
Oltre al cast storico, la terza
stagione di “Shrinking” vede il ritorno delle guest star Goldstein,
Damon Wayans Jr., Wendie Malick e Cobie Smulders, insieme alle new entry Jeff
Daniels e il pluripremiato attivista Michael J. Fox.
La serie è prodotta per Apple TV da
Warner Bros. Television, con cui Lawrence e Goldstein hanno un
accordo globale, e dalla Doozer Productions di Lawrence. Lawrence,
Segel, Goldstein, Neil Goldman, James Ponsoldt, Jeff Ingold, Liza
Katzer, Randall Winston, Annie Mebane, Rachna Fruchbom, Brian
Gallivan, Ashley Nicole Black e Bill Posley sono i produttori
esecutivi.
“Shrinking” segna la terza
collaborazione tra Apple, Lawrence e Warner Bros. Television, dopo
la serie di successo e pluripremiata agli Emmy “Ted
Lasso” e “Bad Monkey”, recentemente rinnovata per una seconda
stagione. La serie segna anche l’ultima collaborazione tra Apple TV
e Goldstein dopo il film Apple Original “All of You”, ora
disponibile in streaming su Apple TV. Oltre ad aver già collaborato
con Apple TV nel ruolo da protagonista nel film Apple Original “Il
cielo è ovunque”, Segel è anche protagonista, co-sceneggiatore e
produttore del prossimo film Apple Original “Sponsor”.
Le prime due stagioni di
“Shrinking” sono ora disponibili in streaming su Apple TV.
Mentre scriviamo questo articolo,
Avengers:
Doomsday e Dune – Parte Tre sono entrambi in
programma nelle sale il 18 dicembre, alla fine di quest’anno. Il
“Dunesday” sarà il grande evento cinematografico di fine anno e,
mentre tutti gli occhi sono puntati sul film della Marvel Studios grazie ai recenti
teaser, il primo trailer del terzo capitolo di Dune potrebbe essere proprio dietro
l’angolo.
Il film diretto da Denis
Villeneuve ha terminato le riprese alcuni mesi fa e da
allora le cose sono rimaste tranquille, mentre il regista prosegue
con quello che promette di essere un lungo processo di
post-produzione per questo blockbuster ricco di effetti speciali.
Dune –
Parte Tre è basato sul romanzo di Frank
Herbert del 1969, Messia di Dune, che segue le
lotte di Paul Atreides con le conseguenze della sua jihad guidata
dai Fremen dopo la sua ascesa al trono come Imperatore
Muad’Dib.
Feature First ha ora rivelato
una presunta descrizione del primo trailer che, se confermata,
prometterebbe un terzo capitolo piuttosto epico. Secondo il sito,
“Il trailer si apre con Paul Atreides (Timothée
Chalamet) che narra, affermando che suo padre (il duca
Leto Atreides, interpretato da Oscar Isaac in Dune) aveva qualcosa di cattivo
nel cuore”. “Una scena flashback mostra Paul e sua madre,
Lady Jessica (Rebecca Ferguson). Vengono poi mostrate
immagini di Alia Atreides interpretata da Anya Taylor-Joy, con capelli neri e un abito
bianco svolazzante”.
“Viene mostrata anche una scena
di Duncan Idaho interpretato da Jason Momoa, che cammina con un gruppo attraverso
un burrone di roccia bianca. C’è anche un’immagine di Chani,
interpretata da Zendaya, che cammina davanti a un verme delle sabbie,
simile a un’immagine di Paul, interpretato da Chalamet, in Dune –
Parte Due”, continua la descrizione. “Un’altra scena
mostrava una figura calva con delle placche metalliche incastonate
nella testa. Nel trailer c’era solo un’immagine di Paul Atreides
rasato, con la testa rasata piuttosto che calva”.
Il rapporto conclude rivelando che
“Defy Your Destiny” (Sfida il tuo destino) è
stato scelto come slogan per Dune – Parte Tre. Per
quanto riguarda la data di uscita online del trailer, la Warner
Bros. potrebbe abbinarlo a Cime tempestose a febbraio o a
The
Bride! a marzo. Non resta dunque che attendere di poter
vedere le prime immagini del nuovo attesissimo capitolo che
concluderà la trilogia di Villeneuve.
In precedenza, parlando con la
rivista Time, Villeneuve ha confermato che Dune 3
sarà basato sul secondo romanzo della serie di Frank Herbert,
“Messia di Dune“. Il regista ha diviso il primo romanzo in
due metà per adattarlo in due film. Ma il terzo film coprirà
Messia di Dune nella sua interezza.
In Dune – Parte
Tre, tratto dal romanzo Messia di Dune di Frank
Herbert, possiamo aspettarci una narrazione molto più intima e
politica rispetto all’epica espansiva di Parte Due. Dopo
aver conquistato Arrakis e assunto il ruolo di Imperatore, Paul
Atreides dovrà affrontare le conseguenze del jihad scatenato in suo
nome e il peso del potere assoluto. Il film esplorerà la
disillusione di Paul, i suoi dubbi morali e le macchinazioni di chi
vuole distruggerlo dall’interno. La storia si muoverà dunque tra
intrighi religiosi, crisi identitarie e visioni profetiche, aprendo
un nuovo capitolo più cupo e riflessivo nell’universo di
Dune.
Leggi anche tutti gli
approfondimenti sul secondo capitolo:
Mentre Hollywood riprende
lentamente il lavoro, dopo le vacanze il ciclo delle notizie può
essere un po’ lento. Fortunatamente, Marvel Television tiene aggiornati
i suoi fan con un nuovo trailer e un poster (che si può vedere qui) di
Wonder
Man! La prima metà dell’anteprima è per lo più
familiare, ma rafforza ulteriormente l’insolita amicizia tra
Simon Williams (Yahya Abdul-Mateen
II) e Trevor Slattery (Ben
Kingsley). Più avanti, scopriamo che l’ex “Mandarino” sta
in realtà riferendo al Dipartimento per il Controllo dei Danni,
un’organizzazione che ritiene Simon una minaccia.
Il suo responsabile è l’agente
Cleary, l’agente del DODC già visto in Spider-Man: No Way Home e
Ms. Marvel. L’implicazione è che Trevor è costretto a
lavorare con il DODC per guadagnarsi la libertà dopo che il vero
Mandarino, Wenwu, lo ha fatto evadere di prigione in All Hail
the King One-Shot. Sebbene il trailer non riveli completamente
i poteri di Simon, è ovvio che lui è incredibilmente forte e forse
non ha il pieno controllo di queste incredibili abilità.
Tuttavia, tutto ciò che Simon vuole
è recitare nel reboot di “Wonder Man”, anche se questo
significa affrontare un’altra pericolosa minaccia: la stanchezza
dei film sui supereroi. Da queste nuove immagini, Wonder
Man sembra divertentissimo, il che rende ancora più
sorprendente il fatto che la Marvel Studios sembri intenzionata a
rilasciare tutti e 8 gli episodi contemporaneamente su Disney+ alla fine di questo mese.
Questo ricorda (senza giochi di parole) come Echo sia
stato scaricato sulla piattaforma un paio di anni fa… e rapidamente
dimenticato.
La trama di Wonder Man
In Wonder Man, l’aspirante attore
hollywoodiano Simon Williams sta lottando per far decollare la sua
carriera. Durante un incontro casuale con Trevor Slattery, un
attore i cui ruoli più importanti potrebbero essere ormai alle
spalle, Simon viene a sapere che il leggendario regista Von Kovak
sta girando il remake del film sui supereroi “Wonder Man”. Questi
due attori, agli antipodi delle loro carriere, perseguono con
tenacia ruoli che potrebbero cambiare la loro vita in questo film,
mentre il pubblico può dare uno sguardo dietro le quinte
dell’industria dell’intrattenimento.
Cosa succederà dopo “Wonder Man”
l’anno prossimo?
La Marvel inizierà l’anno con
un’intensa attività televisiva: dopo Wonder Man,
lo studio pubblicherà la seconda stagione di Daredevil: Rinascita, in uscita a marzo.
La seconda stagione di Your Friendly Neighborhood
Spider-Man arriverà anch’essa nel 2026. La Marvel aprirà
l’anno con il suo primo grande successo il 31 luglio 2026, quando
Spider-Man: Brand New Day
arriverà nei cinema di tutto il mondo. Il film presenterà anche
altri eroi come Hulk di Mark Ruffalo e Punisher di
Jon
Bernthal. L’ultimo progetto Marvel nel 2026 sarà
Avengers: Doomsday, il primo
grande film evento della Saga del Multiverso.
Sebbene duri solo pochi secondi, la
Paramount Pictures ha dato il benvenuto al nuovo anno con un nuovo
spot sui social media (lo si può vedere qui) per
Scream
7, in cui Ghostface condivide una lista dei suoi
agghiaccianti propositi con Sidney Prescott (Neve
Campbell). Nel teaser, l’ultima incarnazione dell’iconico
killer mascherato promette anche di “chiamare più spesso i
vecchi amici e andare a trovarli”, riferendosi ovviamente al
ritorno della protagonista originale, Sidney.
Anche David
Arquette tornerà nei panni dell’ex poliziotto Dewey Riley,
insieme a uno dei due Ghostface originali della serie, Stuart “Stu”
Macher interpretato da Matthew Lillard, e
Scott Foley nei panni di Ghostface di Scream
3, Roman Bridger. Questi personaggi sono in qualche modo
ancora vivi, o la serie Scream introdurrà
finalmente un elemento soprannaturale?
Secondo una voce precedente, e
almeno in parte confermata dal trailer, alcuni dei Ghostface dei
film precedenti (così come altri personaggi, evidentemente)
torneranno grazie alla tecnologia AI/Deepfake, che secondo quanto
riferito “avrà un ruolo significativo nella trama”. Sembra che
parte del nuovo piano di Ghostface/Ghostfaces per tormentare Sidney
sarà quello di farle credere che gli assassini che ha sconfitto nei
film precedenti siano tornati per vendicarsi.
Cosa sappiamo di Scream 7?
Dopo mesi di attesa, è stato
confermato che Scream
7 è ufficialmente in fase di sviluppo. Nel 2022,
il franchise slasher preferito dai fan è stato ripreso sotto la
guida del duo di registi Tyler Gillett e
Matt Bettinelli-Olpin, che fanno parte del
collettivo di cineasti noto come Radio Silence. I due hanno diretto sia Scream del 2022
che Scream VI di
quest’anno, che è diventato il capitolo di maggior incasso del
franchise a livello nazionale. Christopher Landon,
il regista di successi horror come i film Auguri
per la tua morte, era stato chiamato ad occuparsi della
regia, ma ha in seguito abbandonato il ruolo, ora passato a
Kevin Williamson.
Oltre alle due attrici, il cast
vanta anche David Arquette che riprende il ruolo
di Dewey Riley, nonostante il suo personaggio fosse già morto nel
film precedente. A questi si aggiungono anche Mason
Gooding (Chad Meeks-Martin) e Jasmin Savoy
Brown (Mindy Meeks-Martin), già comparsi nelle ultime
uscite, nonché volti nuovi come Isabel May —
figlia di Sidney nel film — e Joel McHale che
interpreta il marito di Sidney. Anche Matthew
Lillard, interprete di Stu Macher, farà parte del
film.
In un clima natalizio dominato da
cinepanettoni e commedie romantiche, Una di
famiglia si distacca totalmente, regalando al pubblico un
thriller accattivante. Tratto dall’omonimo romanzo di Freida
McFadden, il film è diretto da Paul Feig
(Un
piccolo favore, Ghostbusters)
e scritto da Rebecca Sonnenshine. Una di
famiglia figura anche un cast di figure già molto note nel
panorama cinematografico internazionale. L’attrice Sydney
Sweeney (Cassie nella serie Euphoria,
Tutti
tranne te) qui interpreta Millie, una giovane che si ritrova a
fare la governante in una ricca famiglia, mentre
Amanda Seyfried (Mamma
mia!,
Les Miserables) qui è nei panni di Nina, la ricca signora che
assume Millie in casa propria. Altre figure importanti nel cast
sono un affascinante Brandon Sklenar (
It ends with us, Vice-
l’uomo nell’ombra) e l’italiano
Michele Morrone (Massimo Torricelli nella trilogia 365
giorni), che interpretano rispettivamente Andrew, marito di Nina, e
Enzo, il giardiniere.
Una di famiglia: una perfezione
imperfetta
Millie è una giovane ragazza che
vive ormai ai confini della società: dopo essere uscita di prigione
con libertà condizionata, vive nella propria macchina ed è
costretta a trovare un lavoro per evitare di tornare in carcere.
Tra i vari colloqui che fa, c’è proprio quello per il ruolo di
governante nella casa dei Winchester, da cui partono le vicende del
film.
Nina Winchester accoglie Millie in
casa propria come una figlia, ma qualcosa sembra essere fuori
posto: già la stanza di Millie, nella parte più alta e remota della
casa presenta una curiosa serratura, collocata solo nella parte
esterna della porta, e nessuna vera finestra.
Dalla prima mattina, Nina cambia
totalmente il proprio comportamento, dando sfogo a tutta la sua
instabilità, accusando Millie di aver buttato dei suoi documenti.
Quello che sembra un solo momento di follia diventa la normalità:
Nina sembra fare di tutto per rendere la vita della giovane
governante impossibile.
Unico santo protettore di Millie
sembra essere proprio Andrew: l’uomo, reputato da tutti e tutte
come perfetto, difende la giovane governante dalle angherie della
moglie. Questo però porterà i due ad avvicinarsi sempre di più,
fino a far esplodere tutti gli equilibri della famiglia
Winchester.
Tutto sembra essere perfetto, il
lieto fine sembrerebbe dietro l’angolo, ma le verità nascoste non
tarderanno a emergere.
Una di famiglia: due facce
della stessa medaglia
Per tutta la prima parte di
Una di famiglia vengono presentate allo spettatore
due figure femminili diametralmente opposte. Da un lato abbiamo
Millie, una giovane ragazza che sembra essere vittima stessa della
propria vita: costretta a vivere nella propria auto e a dover
sopportare i maltrattamenti dell’altra pur di non tornare in
prigione. In un primo momento, non viene neanche chiaramente
svelato il motivo per cui la ragazza era stata condannata: tutto
anzi porterebbe lo spettatore a pensare che la giovane fosse stata
incastrata, o che si trattasse di un qualche reato minore.
Dall’altro lato Nina è una ricca
signora che non sembra nascondersi dietro al proprio senso di
superiorità. L’instabilità psicologica e l’isteria sembrano
dominarla, e questa finisce per sfogare tutta la propria rabbia
sulla domestica.
Questa sembra essere una semplice,
se pur drammatica, rappresentazione delle ingiustizie del
capitalismo moderno, ma in realtà c’è molto di più. Millie e Nina
in fondo non sono così diverse, entrambe vittime degli eventi.
Un plot twist continuo
Raccontare ciò che veramente
colpisce guardando Una di famiglia senza fare
alcuno spoiler risulta essere abbastanza complicato, proprio perché
la bellezza del film sta nei suoi colpi di scena.
L’unico elemento che si mantiene
stabile per tutto il tempo è una continua atmosfera di suspense:
se, però, durante la prima parte l’elemento che crea questa
tensione è Nina, poi si ha un capovolgimento totale.
Ciò si nota certamente anche da un
punto di vista tematico: all’inizio, Una di
famiglia sembrerebbe un film incentrato su quello che
potremmo definire un rapporto servo-padrone, quando invece qui si
parla di tutt’altro.
La verità si mantiene celata al
pubblico, il quale identifica il problema in Nina, e, alla fine del
film, questo sembra essere un interessante spunto di riflessione:
troppo spesso si tende ad addossare le colpe di problemi di coppia
o familiari sulla figura femminile, mentre una figura maschile
all’apparenza amorevole viene bollata dalla società come perfetta,
come un santo. E così anche in Una di famiglia si finisce per
condannare subito Nina, senza pensare a cosa l’abbia resa così.
Una di famiglia
non è certamente il tipico film da vedere nel periodo di Natale (in
America l’uscita era stata inizialmente prevista proprio il 25
dicembre!), ma forse è anche questo che lo fa emergere, insieme a
un clima di tensione.
Gone Baby
Gone, esordio alla regia di Ben
Affleck, è uno di quei film che non
cercano il consenso, ma lo mettono in crisi. Ambientato in una
Boston ruvida e profondamente segnata da contraddizioni sociali, il
film adatta il romanzo di Dennis
Lehane trasformandolo in una riflessione
dolorosa su giustizia, legge e responsabilità morale. A distanza di
anni, il suo finale resta uno dei più discussi del cinema crime
contemporaneo.
Al
centro della storia c’è Patrick Kenzie, interpretato da Casey
Affleck, investigatore privato chiamato
a occuparsi della scomparsa della piccola Amanda. Quello che
inizialmente sembra un classico caso di rapimento si trasforma
gradualmente in qualcosa di molto più disturbante: un’indagine che
costringe il protagonista, e lo spettatore, a interrogarsi non su
chi abbia ragione, ma su cosa sia davvero giusto.
Il finale di Gone Baby
Gone: cosa accade davvero
Nel finale del film, Patrick scopre la verità: Amanda non è stata
uccisa né venduta, ma sottratta alla madre biologica Helene
(Amy
Ryan) da un gruppo di poliziotti guidati dal
capitano Jack
Doyle (Morgan Freeman). Il
loro obiettivo non è il profitto, ma quello che considerano un
“bene superiore”: strappare la bambina a una madre negligente e
offrirle una casa stabile e affettuosa.
La rivelazione culmina in una delle scene più emblematiche del
film: Amanda corre felice incontro a Doyle, dimostrando che, almeno
nel presente, quella scelta ha funzionato. È qui che
Gone Baby Gone mette lo
spettatore con le spalle al muro. Patrick si trova davanti a un
bivio morale: chiudere un occhio su un rapimento compiuto da uomini
dello Stato o denunciare tutto, restituendo Amanda alla madre
naturale, pur sapendo che ciò potrebbe condannarla a un futuro
difficile.
Patrick sceglie la legge. Non perché ignori le conseguenze emotive,
ma perché rifiuta l’idea che qualcuno possa arrogarsi il diritto di
decidere il destino di un altro essere umano, soprattutto un
bambino, al di fuori di qualsiasi processo legale.
Giusto o legale? Il cuore morale del film
Il dialogo tra Patrick e Doyle nel finale racchiude il vero nucleo
tematico di Gone Baby
Gone: è accettabile
compiere un’azione illegale se il risultato appare moralmente
migliore? Doyle sostiene di aver agito “per il bene della
bambina”, convinto che la giustizia istituzionale avrebbe fallito.
Patrick ribatte che nessuno può sapere con certezza quale sia il
futuro migliore e che la verità, prima o poi, avrebbe distrutto
Amanda dall’interno.
La forza del film sta nel non offrire una risposta rassicurante.
Patrick non viene celebrato come un eroe, né Doyle come un mostro.
Entrambi sono convinti di fare la cosa giusta, ed entrambi pagano
un prezzo altissimo per le proprie convinzioni.
Un film sui “poliziotti deviati” che non assolve nessuno
Un aspetto spesso sottovalutato del finale è che Gone Baby Gone non è solo un dramma
morale, ma anche un film
sul potere e sulla sua deriva. I poliziotti coinvolti nel
rapimento non agiscono per corruzione o sadismo, ma per una forma
di paternalismo estremo: credono di sapere cosa sia meglio per gli
altri. È una declinazione insidiosa della figura del “rogue cop”,
lontana dall’azione spettacolare e molto più inquietante.
Patrick, paradossalmente, è l’unico a difendere la legge pur
essendo un investigatore privato, quindi una figura che potrebbe
muoversi più liberamente nelle zone grigie. Il film suggerisce che
proprio chi vive ai margini del sistema ne comprende meglio i
limiti, ma anche la necessità.
L’ultima scena: il dubbio che resta
L’epilogo del film è forse ancora più devastante della rivelazione.
Patrick osserva Helene lasciare di nuovo Amanda sola per uscire,
confermando tutte le paure di Doyle. Non c’è musica enfatica, non
c’è consolazione. Solo silenzio e sguardi. È il momento in cui
anche Patrick sembra chiedersi se la sua scelta sia stata davvero
quella giusta.
Ed è qui che Gone Baby
Gone colpisce più a fondo: non smentisce mai Patrick, ma non lo assolve
nemmeno. Il film termina lasciando allo spettatore il peso
di una domanda irrisolta, dimostrando che la giustizia, quando è
davvero tale, raramente coincide con la felicità.
Il senso ultimo del finale di Gone Baby Gone
La spiegazione del finale di Gone Baby Gone passa attraverso una verità scomoda: non
esistono soluzioni pulite quando si parla di esseri umani. Ben
Affleck costruisce un racconto in cui la morale non è un punto
d’arrivo, ma un terreno instabile su cui ogni personaggio cammina
rischiando di cadere.
Il film non chiede allo spettatore di scegliere da che parte stare,
ma di accettare la
complessità. La legge può essere ingiusta. La giustizia
può essere crudele. E fare la cosa “giusta” può significare
convivere per sempre con il dubbio di aver fatto la cosa
sbagliata.
È
questo, forse, il motivo per cui Gone Baby Gone continua a far discutere: perché il suo
finale non chiude una storia, ma apre una ferita morale che non
smette di sanguinare.
Una di famiglia: due facce
della stessa medaglia
