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Daredevil: Born Again ha una data ufficiale per la premiere su Disney+; confermata la classificazione TV-MA

Redazione
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Daredevil: Born Again ha una data ufficiale per la premiere su Disney+; confermata la classificazione TV-MA

I Marvel Studios hanno tenuto un panel al New York Comic-Con per Daredevil: Born Again, e anche se il trailer proiettato non è stato rilasciato ufficialmente (era comunque lo stesso del teaser del D23), dopo il look al costume che vi abbiamo segnalato qui, abbiamo finalmente ottenuto una data ufficiale per la première della tanto attesa serie Disney+.

L’uomo senza paura tornerà sui nostri schermi per una serie di 9 episodi, ora confermata, il 4 marzo 2025.

“Quando abbiamo finalmente capito come fare questa serie, è stato così eccitante, e giocare davvero nel modo in cui Charlie [Cox] e io abbiamo sempre voluto continuare. Molti di noi coinvolti nella prima iterazione desideravano davvero un modo migliore, e questo ha funzionato“, ha dichiarato l’attore di Kingpin Vincent D’Onofrio durante il panel.

Anche l’attore di Matt Murdock, Charlie Cox, ha espresso il suo entusiasmo per la serie, aggiungendo che gli piacerebbe vedere il costume del suo personaggio ottenere l’iconico logo “DD” sul petto dei fumetti.

“Il [costume] che abbiamo in questo nuovo show, penso che il colore sia così bello, è un rosso Daredevil davvero forte. Spero solo di passare un giorno ai DD di Daredevil“.

Abbiamo anche avuto la conferma che la serie avrà un rating TV-MA, e Cox ha rivelato a Collider di essere riuscito a farla franca con una bomba F in un particolare episodio.

“È quasi sottovoce, ma si sente. Mi sono detto: ‘Oh wow. Fantastico! Buono a sapersi per la seconda stagione“.

Quello che sappiamo diDaredevil: Born Again

Lo sceneggiatore di The Punisher, Dario Scardapane, è salito a bordo come nuovo showrunner della serie Daredevil: Born Again, le cui riprese sono concluse da poco. I dettagli specifici della trama sono ancora nascosti, ma sappiamo che Daredevil: Born Again vedrà Matt Murdock/Daredevil (Charlie Cox)confrontarsi con la sua vecchia nemesiKingpin (Vincent D’Onofrio), che abbiamo visto tornare di corsa a New York nel finale di stagione di Echo. È probabile che Fisk sia in corsa per la carica di sindaco di New York o che sia già stato nominato a tale carica quando la storia prenderà il via.

I dettagli specifici della trama diDaredevil: Born Again non sono stati rivelati, ma possiamo mettere insieme un’idea approssimativa dalle foto dal set e dalle fughe di notizie sulla trama. Matt Murdock difenderà White Tiger in tribunale, The Kingpin è il sindaco di New York City (e reprime i vigilantes che odia così tanto), e The Punisher prende di mira i poliziotti corrotti che hanno cooptato il suo logo.

Entrambi i personaggi hanno debuttato nel Marvel Cinematic Universe nel 2021. Kingpin è stato guest-star nella serie Disney+ Hawkeye e Matt Murdockè apparso brevemente in Spider-Man: No Way Home. Cox è stato anche guest-star in due episodi di She-Hulk: Attorney at Law, dove ha mostrato un lato più leggero dell’eroe. Kingpin, invece, è stato tra i protagonisti della recente serie Echo. È stato recentemente confermato che Daredevil: Born Again sarà presentato in anteprima su Disney+ il prossimo marzo.

Tom Holland ha avuto difficoltà a mantenere segreto il ritorno di Robert Downey Jr. nel MCU

Chiara Guida
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Tom Holland ha avuto difficoltà a mantenere segreto il ritorno di Robert Downey Jr. nel MCU

“Strategicamente non ho partecipato a nessun evento stampa” ha spiegato Tom Holland, mentre discuteva del ritorno di Robert Downey Jr. nel MCU nei panni del Doctor Doom. Holland può anche essere il re degli spoiler in carica alla Marvel, ma c’è una notizia del franchise che è riuscito a tenere per sé fino a quando non è stata diffusa in maniera ufficiale questa estate.

La star di Spider-Man ha recentemente rivelato di essere stata una delle poche persone a sapere che Robert Downey Jr. sarebbe tornato nell’MCU per interpretare il Dottor Doom in Avengers: Doomsday prima che il grande annuncio arrivasse al Comic Con di San Diego a luglio.

“Ho parlato molto con [Downey], soprattutto del suo ritorno [nell’MCU], il che è super eccitante”, ha detto Holland nel nuovo episodio del podcast Rich Roll. “È stato un segreto difficile da nascondere perché ho la reputazione di rovinare le cose e strategicamente non ho fatto nessuna pubblicità”.

Tom Holland è il re degli spoiler

La star è nota per essersi fatto scappare uno spoiler durante il suo periodo come amato lanciatore di ragnatele nel Marvel Cinematic Universe, tanto che il regista di Avengers: Endgame Joe Russo ha rivelato che Tom Holland non ha ricevuto una sceneggiatura completa per il film, il che non gli ha impedito di rivelare accidentalmente la morte di Iron Man alla fine del film al The Graham Norton Show.

Alcuni co-protagonisti di Holland, tra cui Benedict Cumberbatch, Zendaya, Jake Gyllenhaal e Pom Klementieff, sono spesso intervenuti durante interviste e panel per assicurarsi che Holland non dicesse accidentalmente qualcosa di troppo rivelatorio.

The Fantastic Four: First Steps, la foto dal set rivela Reed Richards, Sue Storm e alcune tute MOLTO interessanti

Chiara Guida
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The Fantastic Four: First Steps, la foto dal set rivela Reed Richards, Sue Storm e alcune tute MOLTO interessanti

È stata condivisa una nuova foto dal set di The Fantastic Four: First Steps con un gotha ​​del talento della Marvel Comics. Tra coloro che compaiono nella foto ci sono C.B. Cebulski, David Bogart, Tom Brevoort, Alan Davis, Heather Davis, Chip Zdarsky, Dan Slott, Mark Bagley, Matt Fraction, Ryan North, Sara Pichelli, Tom DeFalco, un mix di scrittori, artisti ed editor che hanno tutti contribuito al mito dei Fantastici Quattro.

Tuttavia, l’argomento di discussione più importante è un nuovo sguardo a Pedro Pascal nei panni di Reed Richards e Vanessa Kirby nei panni di Sue Storm in abiti in stile anni ’60. Sullo sfondo, vediamo un paio di tute spaziali blu con l’iconico logo “4”.

Sono quelle che indossa la Prima Famiglia della Marvel quando viaggia nello spazio e acquisisce i suoi fantastici poteri? Qualunque sia il caso, il design è fantastico, soprattutto perché il “4” è stato incorporato anche nei caschi. “È abbastanza surreale. Adoro [Sue]. La amo così tanto”, ha detto Kirby in precedenza del suo ruolo nell’MCU. “La amo nei fumetti, sono onorata di interpretarla. Adoro Ebon, Joe e Pedro. Ci stiamo divertendo molto”. Parlando del lavoro con Pascal come suo marito sullo schermo, la star di Mission: Impossible ha aggiunto: “È tutto. Lo amo. Ci stiamo divertendo così tanto. Non ho parole per descrivere le cose meravigliose che ha fatto su di lui”.

Ecco di seguito la foto in questione, in cui ci permettiamo di sottolineare la presenza della “nostra” Sara Pichelli, di rosso vestita, a rappresentare con orgoglio il suo contributo fondamentale alla nuova versione dei F4.

Tutto quello che c’è da sapere su The Fantastic Four: First Steps

Il film è atteso al cinema il 25 luglio 2025. Come al solito con la Marvel, i dettagli della storia rimangono segreti. Ma nei fumetti, i Fantastici Quattro sono astronauti che vengono trasformati in supereroi dopo essere stati esposti ai raggi cosmici nello spazio. Reed acquisisce la capacità di allungare il suo corpo fino a raggiungere lunghezze sorprendenti. Sue, la fidanzata di Reed (e futura moglie), può manipolare la luce per diventare invisibile e lanciare potenti campi di forza. Johnny, il fratello di Sue, può trasformare il suo corpo in fuoco che gli dà la capacità di volare. E Ben, il migliore amico di Reed, viene completamente trasformato in una Cosa, con dei giganteschi massi arancioni al posto del corpo, che gli conferiscono una super forza.

Matt Shakman (“WandaVision”, “Monarch: Legacy of Monsters”) dirigerà The Fantastic Four: First Steps, da una sceneggiatura di Josh Friedman, Jeff Kaplan e Ian Springer. Pedro Pascal (Reed Richards) è noto al mondo per le sue interpretazioni in The Mandalorian, The Last of Us e prima ancora in Game of Thrones. Vanessa Kirby (Sue Storm) ha fatto parte del franchise di Mission: Impossible e di Fast and Furious, mentre Joseph Quinn (Johnny Storm) è diventato il beniamino dei più giovani per la sua interpretazione di Eddie in Stranger Things 4. Ebon Moss-Bachrach (Ben Grimm) sta vivendo un momento d’oro grazie al suo ruolo del cugino Ritchie in The Bear.

Fanno parte del cast anche Julia Garner, Paul Walter Hauser, John Malkovich, Natasha Lyonne e Ralph Ineson nel ruolo di Galactus. Come confermato da Kevin Feige, il film avrà un’ambientazione nel passato, in degli anni Sessanta alternativi rispetto alla nostra realtà di Terra-616, per cui sarà interessante capire come i quattro protagonisti si uniranno agli altri eroi Marvel che conosciamo. Franklyn e Valeria Richards, figli di Reed e Sue, potrebbero comparire nel film.

Il Signore degli Anelli: The Hunt of Gollum sarà un film unico, non due, ma il malinteso è nato perché c’è in sviluppo un altro film…

Chiara Guida
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Il Signore degli Anelli: The Hunt of Gollum sarà un film unico, non due, ma il malinteso è nato perché c’è in sviluppo un altro film…

A marzo, abbiamo saputo che un nuovo film di Il Signore degli Anelli intitolato The Hunt for Gollum uscirà nei cinema nel 2026, con Andy Serkis a bordo per dirigere e riprendere il ruolo del protagonista, Sméagol, dopo aver dato vita per la prima volta all’iconico personaggio nella trilogia di Peter Jackson.

Jackson e i suoi partner di scrittura Fran Walsh e Philippa Boyens torneranno anche come produttori e “saranno coinvolti in ogni fase del percorso“, secondo il CEO di Warner Bros. Discovery David Zaslav. Più di recente, i commenti di Sir Ian McKellen sembravano suggerire che il film sarebbe stato diviso in due parti, cosa che Boyens ha ora smentito. Tuttavia, è in lavorazione un secondo film, che molto probabilmente si concentrerà su Gandalf.

Ecco quando sarà ambientato The Hunt for Gollum

“Posso dirti con certezza che non sono due film!” dice Boyens a Empire. “Quello è stato un vero e proprio malinteso che si è verificato perché abbiamo iniziato a lavorare, concettualmente, su due diversi film live-action. Il primo è The Hunt For Gollum, il secondo deve ancora essere confermato”. Boyens ha continuato a rivelare esattamente quando The Hunt for Gollum si svolge nella linea temporale. “È una storia piuttosto intensa, che cade dopo la festa di compleanno di Bilbo e prima delle Miniere di Moria”, spiega. “È un pezzo specifico di incredibile storia non conosciuta, raccontata attraverso la prospettiva di questa incredibile creatura”.

Questo periodo è menzionato sia nei romanzi di Tolkien che nei film di Jackson, e sappiamo che nel suo corso Gandalf e Aragorn tentano di rintracciare Gollum prima che cada nelle mani di Sauron. Nei film, il mago dice di aver “cercato ovunque la creatura Gollum“, ma “il Signore Oscuro lo ha trovato per primo“. Nei libri, Aragorn rivela di essere riuscito a catturare Smeagol (“mi ha morso… e non sono stato gentile”) vicino alle Paludi Morte, ma non è riuscito a ottenere alcuna informazione da lui.

McKellen ha confermato di aver parlato di un suo possibile ritorno come Pellegrino Grigio, ma a domanda diretta Viggo Mortensen invece non è stato chiaro sul suo eventuale ritorno come Aragorn. Ha detto che non dipende da lui ma che in caso non vede l’ora di leggere la sceneggiatura.

“È un onore e un privilegio tornare nella Terra di Mezzo con il nostro caro amico e collaboratore, Andy Serkis, che ha dei conti in sospeso con quel puzzolente di Gollum!”, hanno detto Jackson, Boyens e Walsh in una dichiarazione quando è stato annunciato il film. “Come fan di lunga data della vasta mitologia del Professor Tolkien, siamo orgogliosi di lavorare con Mike De Luca, Pam Abdy e l’intero team della Warner Bros. per un’altra avventura epica!”

Cosa sappiamo di Il Signore degli Anelli: The Hunt for Gollum?

Il mondo costruito da Tolkien ne Il Signore degli Anelli è vasto e comprensivo, con molte storie lasciate in sospeso attraverso la Prima, la Seconda e la Terza Era. Descrivendo la regia del prossimo film come “un sogno che si avvera“, Andy Serkis ha rivelato che il progetto è quello di raccontare le storie non sfruttate di questo mondo. “Abbiamo iniziato a parlarne circa otto mesi fa“, ha ricordato l’attore. “Dicevano: ‘Andy vogliamo davvero rinvigorire la Terra di Mezzo. Ci sono così tante storie nuove che vogliamo coinvolgere“.

Dato che Gollum incontra la sua fine tra le fiamme del Monte Fato verso la fine de Il ritorno del Re, è lecito aspettarsi che il film si svolgerà prima di quegli eventi, idealmente anche prima che Frodo intraprenda il suo viaggio. Questo suggerisce che personaggi iconici come Aragorn, Boromir, Gandalf e Legolas potrebbero tornare in qualche modo, come suggerisce Serkis. Viggo Mortensen, che ha interpretato Aragorn nella trilogia originale, si è detto interessato se la trama è quella giusta, e anche Ian McKellen si è detto pronto a riprendere il personaggio di Gandalf.

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Daredevil: Born Again, il trailer LEAKED dal New York Comic Con

Chiara Guida
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Daredevil: Born Again, il trailer LEAKED dal New York Comic Con

In occasione del New York Comic Con, è stato diffusa on line una versione bootleg del trailer di Daredevil: Born Again. Dal momento che probabilmente il video verrà presto oscurato, vi invitiamo a clikkare su questo link per vedere il leak, ma non dovrebbe passare troppo tempo prima che Marvel Studios decida di rendere disponibile il video in maniera ufficiale!

Quello che sappiamo di Daredevil: Born Again

Lo sceneggiatore di The Punisher, Dario Scardapane, è salito a bordo come nuovo showrunner della serie Daredevil: Born Again, le cui riprese sono concluse da poco. I dettagli specifici della trama sono ancora nascosti, ma sappiamo che Daredevil: Born Again vedrà Matt Murdock/Daredevil (Charlie Cox) confrontarsi con la sua vecchia nemesi Kingpin (Vincent D’Onofrio), che abbiamo visto tornare di corsa a New York nel finale di stagione di Echo. È probabile che Fisk sia in corsa per la carica di sindaco di New York o che sia già stato nominato a tale carica quando la storia prenderà il via.

I dettagli specifici della trama di Daredevil: Born Again non sono stati rivelati, ma possiamo mettere insieme un’idea approssimativa dalle foto dal set e dalle fughe di notizie sulla trama. Matt Murdock difenderà White Tiger in tribunale, The Kingpin è il sindaco di New York City (e reprime i vigilantes che odia così tanto), e The Punisher prende di mira i poliziotti corrotti che hanno cooptato il suo logo.

Entrambi i personaggi hanno debuttato nel Marvel Cinematic Universe nel 2021. Kingpin è stato guest-star nella serie Disney+ Hawkeye e Matt Murdock è apparso brevemente in Spider-Man: No Way Home. Cox è stato anche guest-star in due episodi di She-Hulk: Attorney at Law, dove ha mostrato un lato più leggero dell’eroe. Kingpin, invece, è stato tra i protagonisti della recente serie Echo. È stato recentemente confermato che Daredevil: Born Again sarà presentato in anteprima su Disney+ il prossimo marzo.

Creature Commandos: ecco il primo trailer della serie DCU

Chiara Guida
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Creature Commandos: ecco il primo trailer della serie DCU

In occasione del Comic Con di New York, ecco il primo trailer di Creature Commandos, la serie animata di James Gunn che inaugura il DCU. La serie debutta il 5 dicembre su Max, e probabilmente in contemporanea in Italia sui canali Sky.

Tutto quello che sappiamo su Creature Commandos

La serie animata Creature Commandos, composta da 7 episodi, sarà trasmessa in streaming su Max e avrà come protagonisti David Harbour  nel ruolo di Eric Frankenstein/Mostro di Frankenstein, Indira Varma nel ruolo della Sposa, Maria Bakalova di Guardiani della Galassia Vol. 3 nel ruolo della Principessa Ilana Rostovic, Zoe Chao nel ruolo della Dott.ssa Nina Mazursky, Alan Tudyk nel ruolo del Dottor Phosphorus, Sean Gunn nel ruolo di Weasel  e Frank Grillo nel ruolo di Rick Flag Senior.

Steve Agee riprenderà il suo ruolo di Peacemaker, John Economos. È prevista anche la partecipazione di Viola Davis nel ruolo di Amanda Waller. Recentemente James Gunn ha rivelato di considerare La sposa di Indira Varma come il personaggio principale della serie. Ha anche aggiunto che non sta dirigendo alcun episodio, ma ha diretto le sessioni di registrazione di ciascun attore.

“La nuova serie riprende direttamente dopo il finale della prima stagione di Peacemaker, che lascia la Waller con le mani legate dal punto di vista operativo, il che significa che non è più in grado di farla franca mettendo in gioco vite umane per portare a termine le sue missioni clandestine e moralmente discutibili. Al contrario, recluta una banda di disadattati, non diversamente dalla Suicide Squad e da Peacemaker“, ha rivelato Gunn.

Aggiunge che i protagonisti di Creature Commandos “sono dei veri e propri mostri, e non vedo l’ora di farveli conoscere. Creare questa serie è stata una delle gioie assolute della mia vita“.

Jenna Ortega potrebbe unirsi al MCU in un ruolo misterioso

Chiara Guida
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Jenna Ortega potrebbe unirsi al MCU in un ruolo misterioso

Grazie ai ruoli di successo nel revival di Scream, in Mercoledì di Netflix e nel sequel di Beetlejuice di quest’anno, Jenna Ortega sta rapidamente diventando una delle giovani attrici più ricercate di Hollywood, quindi probabilmente non sorprenderà molto sapere che è corteggiata dai Marvel Studios.

Secondo lo scooper MTTSH, Ortega è ora in trattative per un ruolo misterioso nel Marvel Cinematic Universe. Vale la pena sottolineare che la Marvel incontra molti talenti, ma se Ortega ha effettivamente avviato trattative per un prossimo progetto, ci sono buone probabilità che presto verremo a sapere qualcosa di ufficiale.

Jenna Ortega ha una programmazione molto fitta

Jenna Ortega ha un programma di impegni molto fitto di impegni, con un ruolo da protagonista nell’adattamento di Klara and the Sun di Taika Waititi e un film di Trey Edward Shults ancora senza titolo che vedrà come co-protagonisti The Weeknd e Barry Keoghan. Dovrebbe anche apparire nei film di A24 Death of a Unicorn con Paul Rudd e Alba di Francisca Alegría.

A un certo punto si vociferava che Ortega fosse in lizza per il ruolo di White Tiger in Daredevil: Born Again ma la voce si è rivelata essere solo, appunto, una voce.

Eterno Visionario: recensione del film di Michele Placido – #RoFF19

Valeria Maiolino
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Eterno Visionario: recensione del film di Michele Placido – #RoFF19

L’8 novembre 1934, l’Accademia di Svezia assegnò a Luigi Pirandello il Premio Nobel per la letteratura. Un giorno prima del 90° anniversario, il 7 novembre, esce nelle sale Eterno Visionario, il nuovo film di Michele Placido, ispirato a uno dei giganti della letteratura italiana e internazionale. Pirandello, come ben sappiamo, non si limitò a scrivere, ma rivoluzionò anche il teatro, diventando un drammaturgo che osò sperimentare, contribuendo a elevare quest’arte tanto amata, regalando sul palcoscenico capolavori immortali come Sei personaggi in cerca d’autore, Così è (se vi pare) ed Enrico IV. Una vita dedicata al teatro e alla letteratura, segnata dall’innovazione.

È da qui parte Placido, per dare vita a una pellicola in cui cerca di svelare una figura tanto affascinante quanto complessa. Con Eterno Visionario siamo di fronte non solo all’artista indiscusso, ma all’uomo nascosto dietro di esso, che ci prende per mano e ci guida lungo il suo percorso tumultuoso ma intriso di bellezza. A interpretare il Maestro, come viene spesso chiamato nel film, un ottimo Fabrizio Bentivoglio, affiancato da Valeria Bruni Tedeschi nel ruolo della moglie, Federica Luna Vincenti nei panni di Marta Abba, e Gianmarco Commare, Aurora Giovinazzo e Michelangelo Placido che interpretano i tre figli di Pirandello: Stefano, Lietta e Fausto. Eterno Visionario ha debuttato alla 19esima edizione della Festa del Cinema di Roma, nella sezione Grand Public.

Eterno Visionario, la trama

1934. Pirandello è in viaggio per Stoccolma con Saul Colin, suo agente letterario, per la consegna del Premio Nobel per la letteratura. In treno l’uomo si confida con il suo collaboratore, dichiarando che il suo unico desiderio è di avere alla cerimonia una persona che sa non verrà mai. Facciamo un tuffo nel passato, al 1918, e varchiamo la soglia di casa Pirandello, dove la moglie di Luigi, Antonietta, è in preda alla pazzia. Ride sguaiata, lancia piatti a terra, si fa consumare dalle paranoie e diventa persino indecente davanti ai suoi figli, sempre più disperati. Da lì inizia il vero viaggio all’interno della vita dell’artista, una montagna russa da cui attinge a piene mani per modellare opere teatrali di innata meraviglia. Siamo poi al 1925, quando Pirandello incontra la giovane Marta, colei che diventerà la sua prima fonte d’ispirazione. Spostandosi avanti e indietro nel tempo, ci addentriamo in quello che è il legame fra i due, fra successi, gioie e lacrime amare, trasformandosi nella colonna portante della storia.

Eterno Visionario

Fra la vita e l’arte di Luigi Pirandello

Non è la prima volta che Michele Placido affronta figure di spicco della cultura italiana. Lo aveva già fatto nel 2022 con L’Ombra di Caravaggio, presentato sempre alla kermesse romana, dove ricostruiva la vita e l’arte dell’immenso pittore Michelangelo Merisi. Con Eterno Visionario si passa dai pennelli alle luci e ombre del teatro, provando a esplorare l’incredibile mente di Pirandello. Al centro della sua produzione teatrale, divisa in quattro fasi che accompagnano la sua maturità artistica, c’è l’idea di rappresentare la realtà senza filtri, spogliata di ogni maschera – che è uno dei pilastri della sua poetica. Protagonista, qui, è la vita vera, quella cruda, vissuta intensamente ogni giorno e senza alcun tipo di filtro.

Eterno Visionario film

Le prime sequenze del film sembrano seguire questa direzione: rivelare il drammaturgo dietro le sue opere, raccontare i meccanismi che animavano i suoi lampi di genio, per poi mostrare il frutto della sua visione. E, nel primo atto, nonostante la narrazione frammentata, il film ci riesce, offrendoci uno sguardo intimo su Sei personaggi in cerca d’autore. Tuttavia, man mano che la narrazione progredisce, Eterno Visionario prende altre strade, smarrendo il suo intento iniziale. Placido introduce una moltitudine di temi, aprendo squarci sulla vita privata di Pirandello che, invece di intrecciarsi armoniosamente nelle maglie narrative, sfaldano l’intera pellicola. Si toccano diversi momenti della sua vita: la difficile relazione con la moglie internata, il rapporto con i figli e quell’incomunicabilità provata con loro e non solo, che impregna le sue opere. Poi c’è la messa in scena delle sue pièce e infine la relazione con la sua musa, Marta Abba. È proprio su quest’ultima parte che Placido si concentra maggiormente, scivolando a tratti nel melodramma e nel romanticismo, dando alla fine l’impressione di non avere una chiara idea. Il film, pur ricco di spunti interessanti, finisce dunque per sembrare privo di un reale controllo nell’esecuzione.

Un cast ben assortito

Una nota di merito va invece al parterre di attori, cominciando da Fabrizio Bentivoglio, capace di restituire i tormenti, le riflessioni e le visioni del suo Pirandello, in lotta con i suoi fantasmi interiori e sempre con la fronte corrucciata. A fianco a lui, una straordinaria Valeria Bruni Tedeschi nel ruolo di Antonietta: la sua interpretazione, tanto folle quanto credibile, riesce a trasmettere tutta l’intensità del personaggio senza risultare artificiosa. Bravi anche Gianmarco Commare, Aurora Giovinazzo e Michelangelo Placido, che danno vita ai tre figli, ognuno con il proprio dolore e la propria ricerca di comprensione nei confronti del padre. Meno convincente è invece la performance di Federica Luna Vincenti, il cui approccio troppo istrionico quando non dà vita alle personagge di Pirandello sul palco, appesantisce la sua Marta Abba. La vera pecca di Eterno Visionario è, in conclusione, la sua incapacità di trovare un equilibrio tra i vari momenti messi in scena, dando spazio a tutto ma senza dare concreta rilevanza a niente.

PAURA – ITALIAN HORROR MUSIC: disponibile in digitale la raccolta delle colonne sonore horror

Chiara Guida
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PAURA – ITALIAN HORROR MUSIC: disponibile in digitale la raccolta delle colonne sonore horror

Cori enigmatici, melodie infantili, ritmi frenetici, percussioni ossessive, sintetizzatori angoscianti. Tutto questo è PAURA – ITALIAN HORROR MUSIC. La raccolta, da oggi disponibile in digitale, include ora il remix di DJ Paul del pezzo Giallo in Tensione di Daniele Patucchi e Cannibal holocaust – main theme di Riz Ortolani. I brani presenti all’interno della compilation hanno dato un grande contributo all’atmosfera del cinema horror italiano e hanno arricchito le colonne sonore di film esoterici e soprannaturali degli anni ’70 e dei film splatter e slasher degli anni ’80.

DJ Paul è un DJ statunitense, noto come membro del gruppo hip-hop Three 6 Mafia. Il suo remix di Giallo in tensione di Daniele Patucchi arricchisce il brano rendendolo la traccia energica e mantenendo allo stesso tempo l’intensità e l’inquietudine della versione originale.

Questa repack nasce come nuova edizione di PAURA (2021), già disponibile in una versione doppio vinile e in un’esclusiva deluxe box a forma di pietra tombale che include un doppio vinile splattered rosso con versione alternativa dell’artwork, un poster, una fanzine con i manifesti dei film inclusi nella raccolta ed un esclusivo 45 giri in vinile rosso contenente le 2 bonus track: L’Ossessa di Marcello Giombini e Le Facce della Morte di Daniele Patucchi.

La raccolta PAURA – ITALIAN HORROR MUSIC

La raccolta include brani come Greta – Seconda Versione di Berto Pisano, caratterizzato da atmosfere sospese e inquietanti e La Notte Che Evelyn Uscì Dalla Tomba – versione lunga di Bruno Nicolai, con archi e organi che creano un senso di mistero e decadimento gotico. Non mancano brani come La croce delle sette pietre – tema del male di Paolo Rustichelli, Notte nel bosco – evil bass di Andrea Maria Vitali, caratterizzato da linee di basso profonde e cupe e Mio caro assassino di Ennio Morricone, i cui protagonisti sono il flauto e l’arpa che creano un’atmosfera di suspense e angoscia.

PAURA cresce e avvolge l’ascoltatore in modo inquietante, offrendo un’esperienza che alterna delizia e sgomento. L’album esplora l’eclettico repertorio degli archivi CAM Sugar, costruendo un autentico viaggio sonoro attraverso il labirinto del terrore. L’atmosfera è ulteriormente arricchita dall’esclusivo artwork di Eric Adrian Lee, che reinterpreta l’iconografia classica del cinema horror all’italiana, donando all’opera un tocco visivo che cattura lo spirito del genere.

La raccolta PAURA trascina chi la ascolta in un viaggio emozionante attraverso alcune delle più affascinanti e inquietanti composizioni mai scritte per il cinema horror. Questo progetto dà spazio ai celebri maestri della musica cinematografica come Ennio Morricone e Riz Ortolani, e portando alla luce il contributo di compositori fondamentali per il cinema italiano, come Daniele Patucchi, Marcello Giombini e Berto Pisano. La raccolta si arricchisce inoltre di contributi straordinari, tra cui la storica vocalist Edda Dell’Orso, musa di Morricone, e i Goblin, il leggendario gruppo musicale noto per la loro lunga collaborazione con il regista Dario Argento. PAURA non è solo una celebrazione della musica horror, ma anche un omaggio alle figure che hanno saputo creare l’atmosfera unica di questo genere cinematografico.

PAURA include, inoltre, ‘Bargain with the Devil #3’ di Franco Micalizzi. Il brano è tratto dalla colonna sonora del film ‘Chi Sei?’, il cui tema principale è stato oggetto di campionamento da parte della leggenda Hip Hop Pete Rock nella traccia ‘After the Storm’ di Kali Uchis con la partecipazione di Tyler, The Creator e Bootsy Collins. La canzone è soltanto una delle molte opere presenti negli archivi CAM ad essere campionate da acclamati artisti contemporanei come James Blake (Bruno Nicolai), Drake (Marcello Giombini), Tei Shi e Blood Orange (Luigi Ceccarelli), un fenomeno che mette in luce l’importanza del catalogo dell’etichetta come una costante fonte di ispirazione per beatmaker e collezionisti.

Snot e Splash – Il mistero dei buchi scomparsi di Teemu Nikki al cinema dal 14 novembre

Chiara Guida
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Snot e Splash – Il mistero dei buchi scomparsi di Teemu Nikki al cinema dal 14 novembre

Dal 14 novembre arriva nelle sale italiane Snot e Splash – Il mistero dei buchi scomparsi, il nuovo film del regista finlandese Teemu Nikki, distribuito da I Wonder Pictures e Unipol Biografilm Collection.

La storia di Snot e Splash – Il mistero dei buchi scomparsi

Commedia per tutte le età, Snot e Splash racconta le avventure di due fratelli sempre in lite, Snot (Hugo Komaro) e Splash (Urho Kuokkanen), che, durante le vacanze invernali, si recano nella piccola città di Acquainbocca per fare visita alla nonna. Scopriranno presto che tutto è cambiato. I due si ritrovano a inseguire un misterioso ladro di buchi e la loro avventura si trasforma in una corsa contro il tempo per salvare gli abitanti di Acquainbocca, e non solo. Nel cast anche Kati Outinen, Pekka Strang, Jari Virman, Sampo Sarkola.

Prodotto da It’s Alive Films, Snot e Splash – Il mistero dei buchi scomparsi andrà ad arricchire il “Teemu Nikki Universe“, un affascinante insieme di storie capaci di incantare il pubblico di tutte le età, scoperte e distribuite in Italia da I Wonder Pictures, e successivamente disponibili su IWONDERFULL. La nuova opera di Teemu Nikki si distingue per il suo mix unico di umorismo, azione e avventura, a cui si aggiungono elementi visivi spettacolari e personaggi indimenticabili. Nikki, noto per la sua capacità di trattare temi universali con leggerezza e ironia, crea un ambiente in cui il pubblico può riconoscersi, mentre i protagonisti affrontano sfide che mettono alla prova non solo le loro abilità, ma anche il loro legame fraterno.

In Snot e Splash, il regista utilizza una palette visiva vivace e un design innovativo, catturando l’immaginazione degli spettatori più giovani e invitandoli a esplorare un mondo fantastico, ricco di sorprese. Con dialoghi spiritosi e situazioni comiche, il film intrattiene e coinvolge, offrendo momenti di pura gioia e risate. Nikki continua a consolidare la sua reputazione come uno dei registi più innovativi del panorama cinematografico contemporaneo, capace di creare storie che parlano tanto ai bambini quanto agli adulti, mantenendo sempre viva l’attenzione del pubblico.

Snot e Splash – Il mistero dei buchi scomparsi è ora anche un libro illustrato, curato dallo scrittore Manlio Castagna e dall’illustratore Gianluca Garofalo, edito da Salani Editore, presentato in anteprima durante l’edizione 2024 del Lucca Comics & Games e in libreria dal 29 ottobre.

Avetrana – Qui non è Hollywood: recensione dei primi due episodi della serie Disney+ #RoFF19

Scilla Santoro
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Avetrana – Qui non è Hollywood: recensione dei primi due episodi della serie Disney+ #RoFF19

Presentata alla Festa del Cinema di Roma nella sezione Freestyle, Avetrana – Qui non è Hollywood è la serie tv di Pippo Mezzapesa che ricostruisce in quattro episodi la tragica vicenda di Sarah Scazzi, quindicenne pugliese scomparsa il 26 agosto 2010, il cui corpo senza vita fu ritrovato in un pozzo più di un mese dopo. La serie è tratta dal libro Sarah. La ragazza di Avetrana, di Carmine Gazzanni e Flavia Piccinni.

Avetrana – Qui non è Hollywood, un titolo eloquente

Pippo Mezzapesa – regista pugliese saldamente legato alla sua terra, autore di lavori come Il bene mio e Ti mangio il cuore – intraprende qui un’operazione rischiosa. Il caso di Sarah Scazzi è stato tra quelli che hanno suscitato più clamore ed eco mediatica degli ultimi anni. Eco che ha volte si è trasformata persino in fenomeni di morbosità e fanatismo. La domanda che ci si pone accostandosi alla visione è se e come Mezzapesa intenda evitare il rischio di essere considerato l’ennesimo tentativo di lucrare sulla vicenda.

Da questo punto di vista, il qui non è Hollywood del titolo, sembra essere una vera e propria dichiarazione di intenti. La critica all’assalto mediatico scatenatosi nella piccola cittadina pugliese fin dalle prime notizie della scomparsa di Sarah, e poi via via incrementato, fino a diventare quasi una forma di assedio alla città, è evidente fin dall’avvio della serie. Basti citare il riferimento ai veri e propri tour organizzati da provider senza scrupoli sui luoghi della tragedia. Ciò spinge a riflettere sui meccanismi di massa che si innescano da più parti in questi casi. Non sono infatti solo i media a sfruttare al massimo la notizia, ma anche chiunque possa. La gente comune, dal canto suo, sembra cedere spessissimo al richiamo di una curiosità malata. Si può dibattere se sia opportuno trattare o meno di questi fatti di cronaca in una serie tv. Ciò che conta, però, è come viene trattata la vicenda.

Avetrana - Qui non è Hollywood
Vanessa Scalera, Imma Villa, Giulia Perulli, Mimmo Mancini, Paolo De Vita in Avetrana – Qui non è Hollywood – Foto Credit Ph Lorenzo Pesce

Luci, ombre e atmosfere inquietanti in Avetrana – Qui non è Hollywood

In Avetrana – Qui non è Hollywood il regista punta all’essenziale. Il film si muove tra due poli opposti: il sole della provincia tarantina, la pizzica, il mare, l’estate da una parte, i due nuclei familiari protagonisti dall’altra, composti da personalità piene di lati oscuri perfino a sé stesse e che si muovono in ambienti altrettanto oscuri, come il luogo in cui si ritira Michele Misseri. Il film riesce senza dubbio a creare attesa e angoscia nello spettatore, mentre si immerge nell’analisi dei protagonisti.

Mancanza di amore e non accettazione di sé

Mezzapesa vuole entrare nei meccanismi psicologici dei personaggi, nel loro disagio, a partire da quello di Sarah. Le due famiglie protagoniste sono legate da rapporti di dipendenza perversi e distorti. La mancanza di amore domina su tutto. È quella che prova Sarah, Federica Pala, che ha sete di riconoscimento e affetto da parte della madre Concetta, Imma Villa, la quale però appare incapace di soddisfare questo bisogno. Sarah soffre anche la mancanza del fratello, a Milano per lavoro. Ha sete di abbracci, li chiede continuamente. Finisce per trovarli a casa degli zii, Cosima, Vanessa Scalera, e Michele, Paolo De Vita. Anche la loro figlia, Sabrina, la cugina di Sarah, Giulia Perulli, ha sete di amore e riconoscimento. Si sente sbagliata, è in lotta con sé stessa, col suo corpo, non si accetta. Il legame con Sarah è stretto e appare morboso, di odio e amore. Sarah ai suoi occhi sembra rappresentare un modello irraggiungibile, ma al contempo è ancora una “bambina” da manipolare. I coniugi Misseri non sono da meno e tutti insieme compongono il quadro di due famiglie disfunzionali, i cui rapporti malati non possono che sfociare in qualcosa di tragico e indicibile.

Anna Ferzetti
Anna Ferzetti – Avetrana – Qui non è Hollywood – Foto Credits Ph Lorenzo Pesce

Quattro episodi, quattro punti di vista

La narrazione è divisa in quattro episodi, ciascuno dal punto di vista di un personaggio: Sarah, Sabrina, Cosima e Michele. Lo stesso regista cura la sceneggiatura con Antonella Gaeta e Davide Serino, come già per Ti mangio il cuore. Questa organizzazione della materia narrativa permette di entrare ancora più a fondo nella psicologia dei personaggi, che è poi l’elemento realmente inquietante del lavoro. Anche i dialoghi sono molto ben costruiti, realistici e l’uso del dialetto appropriato.

Le interpretazioni in Avetrana – Qui non è Hollywood

Le interpretazioni dei protagonisti sono tutte a fuoco, forse quella con meno guizzi è proprio quella di Sarah, Federica Pala, mentre davvero efficace e di forte impatto è quella di Sabrina, anche la più complessa. A darle corpo, con una sorprendente trasformazione, è Giulia Perulli, che attraversa un arco emotivo notevole, risultando sempre credibile e trasmettendo allo spettatore angoscia e inquietudine profonde, non senza momenti in cui affiora il desiderio di spensieratezza che una giovane donna può avere. Parimenti disturbanti, ma più minimaliste, le interpretazioni di Cosima Serrano, madre di Sabrina, una straordinaria Vanessa Scalera, e Michele Misseri, il marito, zio di Sarah, interpretato da Paolo De Vita. Nel cast anche Anna Ferzetti, la giornalista, Giancarlo Commare, Ivano, il ragazzo conteso tra Sarah e Sabrina, Antonio Gerardi, il maresciallo. Avetrana – Qui non è Hollywood è un’operazione che può piacere o meno, ma che riesce nell’intento di essere scomoda e disturbante sia per come dipinge i protagonisti, sia perché mette bene in luce i meccanismi di certi fenomeni di massa.

Witness – Il testimone: tutto quello che c’è da sapere sul film con Harrison Ford

Gianmaria Cataldo
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Witness – Il testimone: tutto quello che c’è da sapere sul film con Harrison Ford

Sono diversi i motivi che rendono il film del 1985 Witness – Il testimone uno dei più grandi film americani di sempre. In primo luogo vi è la sua sceneggiatura, scritta da William Kelley e Earl W. Wallace, i quali vennero per questa premiati con l’Oscar. Si tratta infatti di un epico racconto di genere thriller, che fonde elementi consolidati ad altri più innovativi, come l’ambientazione rurale e l’utilizzo della filosofia amish. Si tratta inoltre del primo film americano di Peter Weir, regista ricordato per celebri film come L’attimo fuggente e The Truman Show. Infine, a rendere grande il film vi sono le interpretazioni dei suoi protagonisti, e in particolare quella di Harrison Ford.

La storia di Witness – Il testimone trae ispirazione da un episodio della serie Gunsmoke, che proprio Kelley e Wallace avevano scritto. I due diedero così vita ad una prima stesura della sceneggiatura di circa 182 pagine, poi ridotte affinché il film potesse durare circa due ore. Il progetto, però, rimase a lungo nel limbo. Il produttore Edward S. Feldman, infatti, faticò a trovare uno studios interessato a questo. La Fox, ad esempio, liquidò la cosa affermando che loro non producevano film rurali. Fu infine la Paramount ad acquisire i diritti per il film, che divenne da subito uno dei maggiori successi dell’anno e ancora oggi è ricordato come un grande esempio di cinema che coniuga alla perfezione scrittura e visivo.

A fronte di un budget di 12 milioni di dollari, il film arrivò ad incassarne ben 68 in tutto il mondo. Un risultato particolarmente notevole, che portò il titolo a diventare uno dei grandi protagonisti della sua stagione. Ottenne 8 nomination ai premi Oscar, vincendo quello per la miglior sceneggiatura e per il miglior montaggio. In questo articolo approfondiamo alcune delle principali curiosità relative ad esso. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama e al cast di attori. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Harrison Ford e Kelly McGillis in Witness - Il testimone
Harrison Ford e Kelly McGillis in Witness – Il testimone © 1985 – Paramount Pictures

La trama di Witness – Il testimone

La storia ha inizio nel momento in cui il piccolo Samuel Lapp, membro della comunità amish insieme a sua madre Rachel, diventa il testimone di un omicidio. Sul caso interviene il detective John Book, il quale cerca di ottenere dal bambino quante più informazioni possibili. Questi però è ancora scioccato dall’accaduto e non riesce che a dar vita a pochi vaghi ricordi circa l’aspetto degli assassini. Per evitare che madre e figlio si allontanino o vengano perseguiti, Book decide di trascorre del tempo con loro. Portato Samuel in centrale per degli accertamenti, il bambino scorge però la foto di un uomo che riconosce come l’assassino: si tratta del tenente della narcotici James McFee.

Sorpreso e sconcertato dalla cosa, Book decide di indagare a riguardo. Si rivolge allora al suo capo, Paul Schaeffer, aggiornandolo sugli sviluppi dell’indagine. Così facendo, però, capisce che dietro a quell’omicidio si nasconde un’operazione molto più grande e pericolosa. Per proteggere sé stesso, Samuel e sua madre, Book è così costretto a rifugiarsi nella comunità amish, dove dovrà concepire un modo per difendersi e risolvere quel caso. Coloro che hanno motivo per mettere a tacere quella storia non tarderanno infatti a manifestarsi, intenzionati ad uccidere ogni testimone possibile.

Danny Glover, Angus MacInnes e Josef Sommer in Witness - Il testimone
Danny Glover, Angus MacInnes e Josef Sommer in Witness – Il testimone © 1985 – Paramount Pictures

 

Il cast di attori

L’attore Harrison Ford dà qui vita ad uno dei suoi personaggi più memorabili, il detective John Book. Per prepararsi al ruolo, egli decise inoltre di spendere diverso tempo presso il dipartimento della omicidi della polizia di Philadelphia. Così facendo ebbe modo di apprendere il mestiere e risultare più realistico nella sua interpretazione. Questa venne particolarmente lodata, e per la prima volta Ford ottenne una nomination all’Oscar come miglior attore. Ancora oggi si tratta della sua unica candidatura. Per il ruolo di Samuel, il bambino amish, venne invece scelto l’attore Lukas Haas. Questi si era reso noto grazie al film Testament, e proprio vedendolo in questo il regista decise di affidargli l’importante ruolo in Witness – Il testimone.

L’attrice Kelly McGillis, che l’anno dopo reciterà in Top Gun, ottenne invece la parte di Rachel Lapp. Per prepararsi al suo personaggio, questa si trasferì a vivere in una comunità amish, dove imparò a svolgere le principali attività. Ebbe inoltre modo di perfezionare il suo accento, così da renderlo più simile a quello dei locali. Ad interpretare Paul Schaeffer e James McFee vi sono invece gli attori Josef Sommer e Danny Glover. Quest’ultimo è principalmente noto per il suo ruolo da co-protagonista nella saga di Arma Letale. Nel film si ritrova infine anche l’attore Viggo Mortensen, nei panni di uno degli agricoltori della comunità. Per lui si è trattato del primo film della sua carriera, e venne scelto per via del suo volto, giudicato particolarmente adatto a rappresentare uno dei membri della comunità.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire del film grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Witness – Il testimone è infatti disponibile nel catalogo di Apple iTunes, Tim Vision, Paramount+ e Amazon Prime Video. Per vederlo, basterà semplicemente iscriversi, in modo del tutto gratuito alla piattaforma. Si avrà così modo di guardare il titolo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film sarà inoltre trasmesso in televisione il giorno sabato 19 ottobre alle ore 21:00 sul canale Iris.

Fonte: IMDb

Race – Il colore della vittoria: la vera storia dietro il film

Gianmaria Cataldo
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Race – Il colore della vittoria: la vera storia dietro il film

Ci sono eventi della storia che sembrano nati per essere raccontati al cinema. Uno di questi è certamente quello riguardante il velocista Jesse Owens e la sua grande vittoria alle Olimpiadi di Berlino del 1936, in pieno regime nazista. Il film Race – Il colore della vittoria (qui la recensione), diretto da Stephen Hopkins, porta sul grande schermo proprio questo epico racconto, ricordando una volta di più il valore delle azioni di Owens e il loro grande significato in quel preciso contesto storico. Per riuscire in ciò, si avvale di un cast di noti attori, i quali vanno a ricoprire quelli che sono i ruoli principali del film.

Arrivato in sala nel 2016, il film era in sviluppo già dal 2014. Questo si sarebbe basato sulla vita dell’atleta fino alla sua storica vittoria ai giochi olimpici. Per poter garantire la maggior fedeltà possibile alla reale vicenda, la produzione si affidò al supporto della famiglia Owens, attraverso la Jesse Owens Foundation. Non mancarono però anche alcune modifiche a quanto avvenuto, con il fine di far acquisire una struttura più cinematografica al racconto. Race – Il colore della vittoria venne poi apprezzato dalla critica, che esaltò il racconto e le interpretazioni dei protagonisti.

Arrivato in sala, il film si rivelò un buon successo di pubblico. A fronte di un budget di soli 5 milioni di dollari, questo arrivò infatti ad incassarne ben 25 a livello globale. Di produzione canadese, il titolo venne infine nominato a ben otto Canadian Screen Awards, prestigioso premio locale. Qui vinse in quattro categorie, tra cui quella per il Miglior attore. In questo articolo, approfondiamo però non solo i dettagli relativi alla trama e al cast di attori, ma anche alla storia vera. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Jason Sudeikis, Eli Goree e Stephan James in Race - Il colore della vittoria
Jason Sudeikis, Eli Goree e Stephan James in Race – Il colore della vittoria. Foto di Thibault Grabherr – © 2014 Focus Features, LLC.

La trama di Race – Il colore della vittoria

Il film si apre sulla giovinezza di Jesse Owens, che negli anni Trenta si divide unicamente tra la famiglia e la sua passione per lo sport. La sua tranquilla quotidianità viene ad essere stravolta nel momento in cui sostiene un colloquio con l’allenatore Larry Snyder. Intuendo le potenzialità del ragazzo, questi si offre di allenarlo come velocista. Per Owens ha così inizio un duro periodo di allenamenti, che gli permetteranno di ottenere grande notorietà e di essere inviato come rappresentante degli Stati Uniti alle Olimpiadi di Berlino del 1936. Per lui ha inizio un’avventura che lo porterà nel cuore del regime nazista, dove dovrà dimostrare di non essere secondo a nessuno, affermando il proprio valore proprio sotto lo sguardo severo di Adolf Hitler.

 

Il cast di attori

Come sempre, molto del successo di un film è racchiuso nel suo cast di attori. Per assicurarsi di trovare i giusti interpreti per ogni ruoli, i produttori svolsero lunghi casting. Il ruolo di Jesse Owens venne inizialmente affidato all’attore John Boyega, il quale decise però di abbandonare il progetto dopo aver ottenuto il ruolo di Finn in Star Wars: Il risveglio della Forza. Al suo posto venne allora scelto il poco noto Stephen James. Per prepararsi al ruolo, James si sottopose ad un lungo allenamento fisico, con il quale poté ottenere la fisicità richiesta come anche la capacità di poter eseguire alcune delle sequenze di corsa previste.

Jason Sudeikis, noto per i suoi ruoli comici, si cimenta qui con un’interpretazione drammatica dando volto all’allenatore Larry Snyder. Date le scarse informazioni disponibili su Snyder, egli decise di costruire la personalità di questo traendo ispirazione dai personaggi ricoperti da Kevin Costner in Bull Durham – Un gioco a tre mani, e da Gene Hackman in Colpo vincente. Il premio Oscar Jeremy Irons è invece presente nei panni di Avery Brundage, presidente dei giochi olimpici. Carice van Houten, nota per la serie Il Trono di Spade, interpreta la regista tedesca Leni Riefenstahl, mentre William Hurt è Jeremiah Mahoney, presidente della Amateur Athletic Union, il quale cercò di boicottare le Olimpiadi.

Stephan James in Race - Il colore della vittoria
Stephan James è Jesse Owens in Race – Il colore della vittoria. Foto di Thibault Grabherr – © 2014 Focus Features, LLC.

La vera storia dietro al film

Quella di Owens è una storia che ha inizio nei campi di cotone dell’Alabama, dove la sua famiglia lavorava. Dopo essersi trasferiti a Cleveland, in Ohio, il giovane inizio a sviluppare un grande passione per la corsa durante gli anni del liceo. Dopo una serie di gloriose vittorie, egli ottiene di poter entrare a far parte della Ohio State University, dove conosce l’allenatore Larry Snyder. Grazie agli insegnamenti di questo, Owens ha modo di sviluppare il suo talento, fino ad entrare a far parte nella squadra olimpionica degli Stati Uniti. La sua partecipazione alle Olimpiadi di Berlino del 1936 non venne accolta particolare favore.

Owens ricevette infatti molte pressioni per non gareggiare, ma egli decise di non curarsi di queste e partire ugualmente alla volta della Germania. Qui si dimostrò da subito un campione. Egli si trovò a stabilire un record senza precedenti vincendo ben 4 medaglie d’oro. La prima arrivò nella corsa dei 100 metri il 3 agosto, seguita da quella nel salto in lungo del 5 agosto e dalla corsa dei 200 metri il 6 agosto. Il 9 agosto egli ottiene l’ultima grande vittoria arrivando primo nella staffetta 4×100. Particolarmente celebre rimane però la gara del salto in lungo.

Qui in seguito alla sua vittoria, Owens viene raggiunto dall’atleta tedesco Luz Long, il quale si complimenta con lui dimenticando le teorie sulla razza all’epoca tanto diffuse. Durante quella stessa giornata, la vittoria di Owens viene salutata dallo stesso Adolf Hitler. A lungo è stata riportata la leggenda secondo cui il Fürher avrebbe lasciato lo stadio inorridito da tale risultato. Con il tempo è invece stato dimostrato come tale versione sia falsa, e che anzi vi è stato anche un vero e proprio incontro privato tra il tedesco e lo sportivo di colore.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Race – Il colore della vittoria grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Tim Vision e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film verrà inoltre trasmesso in televisione sabato 19 ottobre alle ore 21:10 sul canale TwentySeven.

Fonte: IMDb, HistoryvsHollywood

Nick – Off Duty: dal cast al finale, tutte le curiosità sul film

Gianmaria Cataldo
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Nick – Off Duty: dal cast al finale, tutte le curiosità sul film

Quello del revenge movie è da sempre un filone di film particolarmente popolari e acclamati, dove l’eroe intraprende una spedizione punitiva nei confronti di quanti hanno ucciso o rapito dei suoi cari. Negli anni sono diversi i titoli che hanno riconfermato la fortuna di questo genere, da Io vi troverò a Io sono vendetta. Particolarmente interessante su questo tema è anche il tedesco Nick – Off Duty, del 2016 e diretto da Christian Alvart

Il poliziotto Nick Tschiller è in realtà una vera icona del panorama thriller-action tedesco, protagonista di una saga che si rifà a Tatort, serie poliziesca cult degli anni ’70. Nick – Off Duty è poi l’avventura più personale e pericolosa cui ha preso parte il poliziotto dai metodi spicci, che si snoda tra Amburgo, Istanbul e Mosca con inseguimenti mozzafiato, sparatorie, alta velocità e rischio.

Per gli appassionati del genere, si tratta dunque di un titolo da non perdere, capace di regalare numerosi momenti da brivido. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Nick – Off Duty. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla spiegazione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Til Schweiger Nick - Off Duty
Cortesia di Syrreal Entertainment

La trama di Nick – Off Duty

Protagonista del film è Nick Tschiller, un poliziotto di Amburgo che lotta contro il crimine insieme al suo partner, il poliziotto Yalcin Gümer. Il suo principale nemico è la mafia turca, che qualche anno prima ha ucciso sua moglie. Un evento che ha segnato profondamente anche la sua figlia adolescente, Lenny, la quale decide infine di vendicare la morte della madre partendo per Istanbul in cerca dei suoi assassini. La ragazza, tuttavia, finisce in mano a una spietata organizzazione di criminali russi.

Quando Nick scopre che Lenny è stata portata a Mosca per essere venduta al mercato clandestino di organi, parte insieme all’inseparabile Yalcin per la capitale russa per salvare sua figlia. Sarà un viaggio lungo e pericoloso che metterà a dura prova il poliziotto, che dovrà correre contro il tempo per salvare la sua amata figlia, prima che sia troppo tardi. Per riuscire nell’impresa, però, Tschiller dovrà contare anche sull’aiuto dell’uomo che più odia al mondo: colui che ha ucciso sua moglie, Firat Astan.

Il cast del film

Ad interpretare Nick Tschiller vi è l’attore Til Schweiger – noto per il ruolo del Sgt. Hugo Stiglitz in Bastardi senza gloria di Quentin Tarantino -, mentre Fahri Yardim interpreta il collega Yalcin Gümer. Luna Schweiger è Lenny, figlia di Nick, mentre Özgür Emre Yildirim interpreta Süleyman Şeker, trafficante di essere umani. Completano il cast Alyona Konstantinova nel ruolo di Dasha, Egor Pazenko in quello di Boris Golidzyn, Tamer Tirasoglu nel ruolo di Bülent e Evgeniy Sidikhin in quello di Alexander Kinsky. Erdal Yildiz interpreta invece il criminale curdo Firat Astan.

Nick - Off Duty Til Schweiger
Cortesia di Syrreal Entertainment

Il finale del film

Nel corso del film, grazie alla soffiata del criminale curdo Firat Astan, colpevole di aver ucciso sua moglie, Tschiller scopre che sua figlia si trova nelle mani del trafficante di esseri umani Süleyman Şeker. Tschiller e Gümer scoprono poi che a Lenny è stata impiantata una bomba con cui Şeker sta progettando un attentato all’industriale Alexander Kinskij. I due, riescono a rintracciare Lenny all’ultimo secondo, Gümer riesce a eliminare Şeker con l’aiuto del collega russo Boris Golidzyn e Tschiller rimuove con successo la bomba dal corpo della figlia in tempo, riuscendo così a chiudere al meglio quella vicenda.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

Sfortunatamente il film non è presente su nessuna delle piattaforme streaming attualmente attive in Italia. È però presente nel palinsesto televisivo di sabato 19 ottobre alle ore 21:20 sul canale Rai 4. Di conseguenza, per un limitato periodo di tempo sarà presente anche sulla piattaforma Rai Play, dove quindi lo si potrà vedere anche oltre il momento della sua messa in onda. Basterà accedere alla piattaforma, completamente gratuita, per trovare il film e far partire la visione.

Reading Lolita in Tehran: recensione del film con Golshifteh Farahani – #RoFF19

Gianmaria Cataldo
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Reading Lolita in Tehran: recensione del film con Golshifteh Farahani – #RoFF19

Nel 1979, a seguito di una violenta rivoluzione, l’Iran cessa di essere una monarchia per diventare una Repubblica. Nel 2003, la scrittrice e docente di letteratura inglese Azar Nafisi dà alle stampe il romanzo autobiografico Leggere Lolita a Tehran, nel quale ripercorre quei primi delicati anni della nuova forma di governo del suo Paese, che per un momento sembrò davvero essere sul punto di grandi cambiamenti in meglio. Di questo suo scritto, tradotto in 32 lingue e affermatosi come un bestseller dal grande impatto, si ha oggi il film Reading Lolita in Tehran, diretto da Eran Riklis.

Il regista israeliano di film come Finale di coppa (1991), La sposa siriana (2004) e Il responsabile delle risorse umane (2010), adatta dunque per il grande schermo un’opera particolarmente brillante nel modo in cui accosta classici della letteratura ad un contesto sociale particolarmente agitato come quello dell’Iran degli anni Ottanta, ritrovando in esso quegli stessi temi che animano i romanzi di cui si parla. Il film ha però anche il pregio di ribadire la continua attualità di quei discorsi già presenti oltre quarant’anni fa e che anzi oggi più che mai sembrano ripresentarsi con forza alla nostra attenzione.

La trama di Reading Lolita in Tehran

Azar Nafisi (Golshifteh Farahani), ex professoressa dell’Università di Teheran, riunisce segretamente sette delle sue studentesse più impegnate per leggere dei classici occidentali. Mentre i fondamentalisti prendono il controllo, le donne tolgono il velo, parlano delle loro intime speranze, amori e delusioni, della loro femminilità e delle delusioni, della loro femminilità e della loro ricerca di un posto in una società società sempre più oppressiva. Leggendo Lolita a Teheran, celebrano il potere liberatorio della letteratura celebrano il potere liberatorio della letteratura nell’Iran rivoluzionario e formano il loro futuro.

Golshifteh Farahani in Reading Lolita in Tehran
Golshifteh Farahani in Reading Lolita in Tehran. Foto di Marie Gioanni.

Quattro romanzi per raccontare Tehran

Quattro parti compongono il film, proprio come quelle che dividono il romanzo di Nafisi: Il grande Gatsby, Lolita, Daisy Miller e Orgoglio e pregiudizio. Ognuna di essere rappresenta lo stato della figura femminile all’interno della Repubblica Islamica dell’Iran. Quello che sembrava dovesse essere il principio di grandi speranze, per cui molti espatriatri decisero di tornare nella loro terra di origine, si rivela ben presto come un sogno infranto, proprio come quello di Gatsby di poter amare ed essere amato da Daisy. È però in particolare la fine della speranza per le donne iraniane di poter godere di quelle libertà fino a quel momento negate e che continueranno dunque ad esserlo.

A partire da qui si assiste dunque alla dolorosa presa di consapevolezza che le cose non cambieranno, ma anzi potrebbero anche peggiorare. Ma Azar Nafisi – interpretata da Golshifteh Farahani, attrice vista in Paterson e Pirati dei Caraibi – La vendetta di Salazar – ha ormai conosciuto l’Occidente, i suoi costumi e soprattutto la sua letteratura. Non è dunque disposta a sottostare a quelle rigide imposizioni che di fatto le negano ogni personalità e diritto di espressione. Prima che sia troppo tardi, attraverso quei romanzi proibiti riesce anche a toccare la mente di sette studentesse, aprendo così loro una strada verso la ricerca di un’indipendenza altrimenti negata.

Azar diventa dunque una mentore per loro, richiamando alla memoria figure emblematiche come il John Keating di Robin Williams in L’attimo fuggente o la Katherine Ann Watson di Julia Roberts in Mona Lisa Smile. Insegnanti che riescono davvero a fare la differenza, con la particolarità che tra queste la vicenda relativa a Nafisi è realmente avvenuta ed ha dunque un peso che va oltre il film, specialmente per via del fatto che – come già accennato – costringe a confrontarsi con una serie di dinamiche che con gli attuali conflitti sono tornate sulla bocca di tutti, specialmente per quanto riguarda i diritti delle donne e il loro incerto futuro.

Mina Kavani in Reading Lolita in Tehran
Mina Kavani in Reading Lolita in Tehran. Foto di Eitan Riklis.

Golshifteh Farahani sorregge il film sulle sue spalle

Nel film vediamo dunque alternarsi gli incontri di questo gruppo di donne e le situazioni con cui quotidianamente devono scontrarsi. È in realtà proprio qui che si ritrova il principale limite del film, che non bilancia adeguatamente questi personaggi finendo per il favorirne alcuni anziché altri. Di alcune delle donne che partecipano agli incontri segreti organizzati da Azar sappiamo solo quello che viene detto durante di essi, mentre di altre riusciamo ad avere anche qualche scorcio della loro vita al di fuori di tale contesto. Se da una parte ciò può spiegarsi con la volontà di non spezzare il racconto attraverso troppi punti di vista, dall’altro non permette di entrare davvero in sintonia con queste donne.

In generale, infatti, il film affronta forse con un po’ troppo timore questa materia narrativa, rendendo sì chiara l’orribile situazione a cui le donne iraniane sono costrette, ma senza farcela provare per davvero, se non in alcuni precisi momenti. Lo stesso rapporto tra Azar e le sue sette allieve avrebbe probabilmente meritato un maggior approfondimento, che permettesse di ricevere dalle loro interazioni ciò che occorre sapere di ciò che avviene nel mondo esterno. Pur al netto di questi limiti, però, Reading Lolita in Tehran risulta un film in grado di arrivare a propri obiettivi, che seppur smorzati da quanto poc’anzi riportato, trova nei toni scelti e soprattutto nel volto di Golshifteh Farahani la sua forza.

Iddu, la storia vera dietro il film con Elio Germano e Toni Servillo

Chiara Guida
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Iddu, la storia vera dietro il film con Elio Germano e Toni Servillo

In Concorso alla 81. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della Biennale di Venezia 2024, IDDU (la nostra recensione) è il nuovo film di Fabio Grassadonia e Antonio Piazza, che hanno preso spunto dalla storia vera di Matteo Messina Denaro per raccontare la loro versione della mafia.

Nei panni del super-boss Elio Germano mette ancora una volta alla prova il suo talento, e con lui Toni Servillo, che offre un ritratto sentito e ironico di un politico di paese, vicino al “iddu”.  In realtà quel nome così indicativo (quasi come Colui che non deve essere nominato) è un’alterazione della realtà, visto che Matteo Messina Denaro si faceva chiamare U siccu.

Chi era Matteo Messina Denaro?

Denaro nasce in provincia di Trapani, a Castelvetrano, nel 1962, in una famiglia di mafia, figlio di boss. Il padre era Francesco Messina Denaro, capomandamento di Castelvetrano. Soprannominato U siccu o anche Diabolik, Matteo era uno degli eredi dei corleonesi, gli estremisti di Cosa Nostra che avevano sfidato lo Stato con le stragi del 1992 e 1993, dopo la guerra di mafia degli anni Ottanta.

Di lui si sa che aveva sempre un aspetto curato e alla moda, gli piaceva indossare abiti firmati, fumare Malboro rosse e indossava sempre dei Ray Bay classici, per mascherare un leggero strabismo. Amava molto anche le armi e ha cominciato a uccidere prima dei vent’anni.

Amava anche i videogiochi, e forse questa sua passione per la tecnologia lo ha guidato nel grande cambiamento che la mafia ha subito negli ultimi anni. Dal modello “stragista” di Totò Riina, Messina Denaro ha traghettato l’associazionismo criminale verso un modello imprenditoriale, forse ancora più insidioso, basato sulla corruzione e il “cyber crime”.

La sua lunga latitanza, durata per 30 anni, comincia nel 1993, quando fu arrestato Totò Riina. Fu quello il periodo in cui affiancò Provenzano nel traffico internazionale di droga.

IDDU filmI reati e le stragi di Matteo Messina Denaro

Il fatto che abbia determinato un cambio di rotta nella gestione della malavita organizzata, non significa certo che non sia stato parte attiva di crimini violenti, come detto, lui stesso amava usare le armi. Lui è stato uno degli autori della strage di Capaci, in cui hanno perso la vita il giudice Giovanni Falcone e la moglie Francesca Morvillo, della strage di via D’Amelio, che invece costò la vita al giudice Paolo Borsellino e alla sua scorta. E proprio per mano sua è morto Giuseppe Di Matteo, figlio di Santino, il collaboratore di giustizia che per primo ha parlato della strage di Capaci.

La cattura di Matteo Messina Denaro

La mattina del 16 gennaio 2023 Matteo Messina Denaro viene arrestato dai Carabinieri del ROS con la collaborazione del GIS, in Via Domenico Lo Faso, un vicolo nei pressi della clinica privata La Maddalena a Palermo, nel quartiere San Lorenzo, dove il boss era in cura per un tumore al colon.

«Procuratore, finalmente ci siamo riusciti». Queste sono state le parole del colonnello Arcidiacono che ha eseguito l’arresto. Dopo trent’anni di latitanza, Messina Denaro viene trasferito dalla clinica a un carcere di massima sicurezza. Anche la sorella Rosalia, che nel film Iddu è una formidabile Antonia Turppo, viene arrestata lo stesso anno, accusata di associazione mafiosa. Ad appena otto mesi dalla cattura, Messina Denaro muore all’Ospedale dell’Aquila, rifiutando cerimonie religiose.

Iddu e la storia dei “pizzini”

Dalle dichiarazioni di Fabio Grassadonia e Antonio Piazza, l’ispirazione per IDDU è arrivata dalla lettura dei numerosi pizzini ritrovati nel corso dei lunghi anni di latitanza di Matteo Messina Denaro. Con questo metodo di comunicazione analogico, il boss gestiva vita privata e affari, lasciandosi però andare a piccole considerazioni e vezzi che hanno permesso anche di ricostruire la sua personalità.

Traendo molto liberamente ispirazione proprio da questi pizzini, Iddu racconta la corrispondenza che il boss Matteo (Elio Germano), re recluso di un mondo criminale, e Catello (Toni Servillo), politico in decadenza, che però nella realtà non è mai esistito. Il suo personaggio è il risultato di una somma di tutte quelle personalità più o meno indimenticabili che nel corso dei 30 anni di latitanza hanno scambiato i pizzini con il boss. Figure incriminabili, ma anche persone insospettabili ma corrotte, un’umanità varia e sfuggente che nel film cerca di collaborare con la giustizia per favorirne l’arresto.

Iddu
Il cast di Iddu a Venezia 81 – Foto di Luigi De Pompeis © Cinefilos.it

Karate Kid: Legends, la descrizione del primo trailer con Ralph Macchio

Chiara Guida
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Karate Kid: Legends, la descrizione del primo trailer con Ralph Macchio

Dopo aver saltato il Comic-Con di San Diego, la Sony ha fatto la voce grossa al Comic-Con di New York, dove ha presentato un first look di Kraven – Il Cacciatore, un panel dedicato a Venom: The Last Dance, ma ha anche dato spazio a Karate Kid: Legends, mostrandone il trailer.

Il film riporta sul grande schermo non solo Danny LaRusso di Ralph Macchio dal film originale del 1984 e dalla serie Cobra Kai, ma anche Mr. Han di Jackie Chan dal reboot di Jaden Smith del 2010. Il film è stato pubblicizzato come la riunificazione di tutti i mondi di Karate Kid.

Il trailer di Karate Kid: Legends inizia in un’accademia di arti marziali, dove l’istruttore di arti marziali di Chan dal film del 2010 si presenta per reclutare la giovane star del film, Ben Wang. All’accademia, diamo anche un primo sguardo a Macchio, oltre a uno scorcio di un ritratto del personaggio di Pat Marita dal film originale. L’azione passa rapidamente a New York e a un montaggio che mostra la città in alcuni dei suoi aspetti più pericolosi, tra cui i bulli in metropolitana, e si sente la voce di Chan dire: “Nella vita hai solo una domanda: vale la pena combattere o no?”

karate Kid: Legends

Una sequenza di combattimento mostra Wang che si lancia su un muro di mattoni, in stile parkour, in un vicolo. In un momento più calmo, si siede su un marciapiede con Macchio, che indossa l’iconico foulard del film. Tra una scena e l’altra, tra cui sprazzi di incontri di arti marziali, sullo schermo compaiono delle parole: “Quando le famiglie si uniscono, inizia una nuova eredità”.

Cosa sappiamo di Karate Kid: Legends

Karate Kid: Legends uscirà nelle sale italiane il 29 maggio, distribuito da Sony.

Jackie Chan e Ralph Macchio riprenderanno i loro ruoli per continuare la mitologia del franchise originale, con Joshua Jackson, Sadie Stanley e Ming-Na Wen a bordo. I dettagli sui ruoli che ricopriranno i nuovi arrivati sono ancora segreti. Jonathan Entwistle (The End of the F***ing World) dirigerà da una sceneggiatura di Rob Lieber (Peter Rabbit), con la produzione di Karen Rosenfelt (The Summer I Turned Pretty).

Fenomeno della cultura pop che abbraccia quasi tre decenni, i film di Karate Kid hanno guadagnato 618 milioni di dollari a livello globale, stimolando la creazione della serie nominata agli Emmy Cobra Kai, che ha introdotto il franchise a un’intera nuova generazione in tutto il mondo.

Macchio riprenderà il ruolo di Daniel LaRusso, che ha interpretato nella trilogia cinematografica originale di Karate Kid iniziata nel 1984 e ripreso nella serie Cobra Kai di Netflix, che ha da poco annunciato la sua sesta e ultima stagione. Chan tornerà nel ruolo di Mr. Han, un maestro di kung fu ispirato al personaggio del Maestro Miyagi, che ha allenato Dre Parker di Jaden Smith nel film remake del 2010.

Tom Holland deluso per Spider-Man: No Way Home: “Ho fatto solo tre giorni di riprese dal vero”

Redazione
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Tom Holland deluso per Spider-Man: No Way Home: “Ho fatto solo tre giorni di riprese dal vero”

Spider-Man: No Way Home è stato un successo di critica e commerciale, incassando ben 1,9 miliardi di dollari al botteghino mondiale. Tuttavia, per quanto tutti amiamo il film, è difficile negare che ci siano alcuni difetti.

Questi derivano principalmente dall’impatto che COVID-19 ha avuto sul trequel; né Rhys Ifans né Thomas Haden Church hanno potuto visitare il set del film, ad esempio, e ciò ha portato a riciclare filmati di The Amazing Spider-Man e Spider-Man 3. Inoltre, c’è stato molto schermo verde per le riprese. C’era anche molto green screen.

Tom Holland è giustamente orgoglioso dei risultati ottenuti con il blockbuster del 2021, ma in una nuova intervista rivela che il COVID ha avuto un impatto negativo sulla sua esperienza e ha presentato molte sfide indesiderate.

“Una delle cose più spiacevoli di Spider-Man[: No Way Home] è che abbiamo girato nel periodo di picco del COVID ”, ricorda. “Abbiamo girato tutto in studio, il che ha significato, credo che nel processo di realizzazione di quel film, potrei aver fatto tre giorni sul set. Credo che questo si percepisca nel film”.

“Quando camminiamo per New York, hanno mandato una troupe a New York per riprendere le strade con un jib per la motion camera. Poi hanno portato quel pezzo di kit ad Atlanta e hanno rifatto il pavimento: ‘C’è una comparsa qui. Qui c’è un cane. Qui c’è un marciapiede”. Poi dovevo tracciare una mappa di quello che avrei fatto in un’inquadratura preesistente”.

Cosa ha detto Tom Holland sulle riprese di Spider-Man: No Way Home

Tom Holland attore
Tom Holland alla 29esima edizione dei Critics’ Choice Awards tenutasi – Foto di imagepressagency via Depositphoto.com

Holland ha aggiunto: “Questo mi farà sembrare molto difficile, ma l’ho superato e abbiamo trovato una soluzione. La macchina da presa si muoveva molto più lentamente di quanto Peter Parker camminasse di solito. Peter Parker è molto frizzante, molto veloce. Tutto consiste nell’andare da A a B il più velocemente possibile, senza pensare, e l’inquadratura che avevano era lentissima, con un angolo di ripresa serpeggiante attraverso New York”.

“Si suppone che Peter abbia fretta di arrivare dal Dottor Strange per fargli questa domanda, e ho trovato davvero difficile rappresentare ‘sono stressato e di fretta… ma cammino molto lentamente’, in realtà penso che quell’inquadratura non sia nel film perché non ha funzionato”.

È abbastanza facile comprendere le frustrazioni di Holland, in particolare quando questo riduce la sua esperienza nel ruolo di Spider-Man. Sia Spider-Man: Homecoming che Spider-Man: Far From Home hanno trascorso molto più tempo sui set reali, con riprese a New York City per alcune scene.

Immaginiamo che una delle condizioni poste da Tom Holland per Spider-Man 4 sia che la storia non si ripeta, cosa che non dovrebbe essere un problema ora che le restrizioni del COVID non sono più in vigore. Potete vedere l’intervista completa a Holland nel player sottostante.

Venom: The Last Dance, ci saranno “storie di altri Simbionti”. Tom Hardy: “Vorrei combattere Spider-Man”

Chiara Guida
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Venom: The Last Dance, ci saranno “storie di altri Simbionti”. Tom Hardy: “Vorrei combattere Spider-Man”

Sony ha dedicato a Venom: The Last Dance la parte conclusiva del suo panel al New York Comic Con in svolgimento in questi giorni nella Grande Mela. Hanno partecipato all’incontro Tom Hardy, anche sceneggiatore del film, la regista/sceneggiatrice Kelly Marcel, Juno Temple e Chiwetel Ejiofor.

“È triste vederlo andare via”, ha detto Hardy riguardo al suo ultimo giro come antieroe. Marcel ha spiegato “partiamo sempre dai fumetti e dai libri, inizia sempre da lì”. Tom Hardy ha dimostrato grande attaccamento al ruolo, nonostante negli anni sia stato noto principalmente per ruoli in film più piccoli. L’attore ha dichiarato di sentirsi molto legato a Eddie Brock, perché lo ha coinvolto a livello personale, come personaggio.

Il terzo capitolo della storia cinematografica di Venom, riprende dalla fine di La Furia di Carnage, con Eddie e Venom sono fuggitivi, dopo essere stati scoperti coinvolti nel grande combattimento con il cattivo nel finale del film precedente.

New entry nel cast, Chiwetel Ejiofor interpreta un militare “che ha a che fare con queste creature”. Nei panni della dottoressa Payne, il personaggio di Temple non è d’accordo con quello di Ejiofor. Temple e Hardy hanno recitato entrambi in Il Cavaliere Oscuro il Ritorno, ma hanno ammesso di non aver mai lavorato insieme in un dato giorno di produzione su quel set. E questa è stata una buona occasione per i due talent britannici di lavorare a contatto.

Venom: The Last Dance
Juno Temple in Venom: The Last Dance

Marcel ha stimolato l’attenzione dicendo che, sebbene questo sia l’ultimo film di Venom, “ci sono altre storie di simbionti” e questo terzo capitolo probabilmente indicherà ciò che verrà dopo. “Vorrei combattere Spider-Man, vorrei combatterlo ora”, ha esclamato Hardy alla folla. “Come Tom o come Venom?” ha chiesto il moderatore. Hardy ha esclamato raggiante: “Entrambi!” Succederà mai?

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Tutto quello che c’è da sapere su Venom: The Last Dance

In Venom: The Last Dance, Tom Hardy torna a vestire i panni di Venom, uno dei personaggi più grandi e complessi della Marvel, per l’ultimo film della trilogia. Eddie e Venom sono in fuga. Braccati da entrambi i loro mondi e con la rete che si stringe, il duo è costretto a prendere una decisione devastante che farà calare il sipario sull’ultimo ballo di Venom e Eddie.

Il film è interpretato da Tom Hardy, Chiwetel Ejiofor, Juno Temple, Peggy Lu, Alanna Ubach, Stephen Graham e Rhys Ifans. Kelly Marcel dirige una sceneggiatura da lei scritta, basata su una storia di Hardy e Marcel. Il film è prodotto da Avi Arad, Matt Tolmach, Amy Pascal, Kelly Marcel, Tom Hardy e Hutch Parker. Venom: The Last Dance uscirà nelle sale il 24 ottobre.

Kraven – Il cacciatore: Sony debutta con una macabra scena d’apertura al NYCC

Redazione
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Kraven – Il cacciatore: Sony debutta con una macabra scena d’apertura al NYCC

Il panel del Comic-Con di New York della Sony Pictures si è appena concluso e per i presenti sono stati proiettati i primi 8 minuti di Kraven – Il Cacciatore.

Il filmato non è stato rilasciato ufficialmente (ci aspettiamo un nuovo trailer all’inizio della prossima settimana), ma alcuni frammenti sono trapelati online insieme a un paio di nuove foto promozionali.

La sequenza di apertura vede Kraven (Aaron Taylor-Johnson) perseguitare e uccidere diversi nemici in una prigione, e si dice che la violenza sia sorprendentemente macabra. È stata mostrata anche una seconda clip, con “molteplici uccisioni molto brutali”, tra cui l’assassinio tramite trappola per orsi, ascia e ceppo d’albero – che, secondo quanto riferito, spacca qualcuno a metà.

“È un predatore apicale, il vertice della catena alimentare ”, ha detto Johnson. “Kraven è un cacciatore, non un bracconiere. Come ogni cacciatore sa, a volte è necessario abbattere il branco per mantenere l’ordine. Naturalmente, quando inizia ad applicare questo concetto agli esseri umani, la storia diventa piuttosto oscura”.

“Non si tratta solo di Kraven. Abbiamo avuto l’opportunità di immergerci nei personaggi Marvel in un modo davvero fantastico ”, ha aggiunto il regista J.C. Chandor. “Volevamo che lo spirito di questi personaggi fosse quello che i fan desiderano e che fosse anche portato sullo schermo in un modo nuovo… Abbiamo raggiunto un equilibrio tonale in cui io stesso, come narratore e come regista, conosco gli attori in ogni performance, non stiamo rompendo la quarta parete. Crediamo in questa storia come se fosse realmente accaduta”.

“Quando si entra in quei libri. È molto, molto intenso ”, ha detto il regista a proposito del tanto discusso rating R del film. “Quando lo studio ci ha dato l’opportunità di vedere se volevamo fare questo film con un rating R, ci siamo detti di sì”, ha detto. “È stata un’opportunità straordinaria. Ci ha aperto la strada ad alcune cose molto intense tipo Grindhouse da un lato, e dall’altro ad alcune cose molto intense sui personaggi”.

Guardate le nuove foto e il filmato ai link sottostanti.

Kraven – Il Cacciatore, prodotto da Sony Pictures in associazione con Marvel, che racconta la storia di Sergei Kravinoff, personaggio creato da Stan Lee e Steve Ditko nel 1964 e uno dei villain più amati dell’universo di Spider-Man. Il film diretto da J. C. Chandor (Margin Call) è interpretato da Aaron Taylor-Johnson (Avengers: Age of Ultron, Tenet, Bullet Train), Ariana De Bose (West Side Story), Fred Hechinger (Butcher’s Crossing, Il Gladiatore II), Alessandro Nivola (Amsterdam), Christopher Abbott (Povere creature!) e Russell Crowe (Il gladiatore).

Kraven – Il Cacciatore, scritto da Art Marcum, Matt Holloway e Richard Wenk, sarà solo al cinema dall’11 dicembre prodotto da Sony Pictures e distribuito da Eagle Pictures.

La trama di Kraven – Il Cacciatore

Kraven – Il Cacciatore racconta la violenta storia della nascita e del destino di uno dei villain più iconici della Marvel. Aaron Taylor-Johnson interpreta Kraven, un uomo la cui complessa relazione con il suo spietato padre, Nikolai Kravinoff (Russell Crowe), lo conduce su un cammino di vendetta con conseguenze brutali, motivandolo a diventare non solo il più grande cacciatore del mondo, ma anche uno dei più temuti

Il Gladiatore 2: i primi commenti parlano di un sequel “epico”, si apre la corsa agli Oscar

Chiara Guida
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Il Gladiatore 2: i primi commenti parlano di un sequel “epico”, si apre la corsa agli Oscar

Sembra che le prime reazioni alla proiezione de Il gladiatore 2 siano talmente tanto entusiaste da lanciare il film, con il suo regista, Ridley Scott, e il suo cast tra cui Denzel Washington e Paul Mescal verso la corsa agli Oscar; le prime reazioni definiscono il sequel “epico”.

Il film è letteralmente esploso davanti al pubblico, dopo la sua prima proiezione a Los Angeles di fronte a un pubblico di elettori AMPAS e SAG. L’attesissimo sequel del film da Oscar “Il Gladiatore” (2000) sta accendendo la possibilità per Scott, candidato per tre volte all’Oscar ma mai vincitore, di essere in lizza per vincere il suo ambito premio. Inoltre, le sue star Paul Mescal e Denzel Washington sono ora in gara nelle rispettive categorie di recitazione.

Dopo aver ricevuto la sua prima nomination all’Oscar come miglior attore per Aftersun (2022), Mescal potrebbe ritrovarsi nella categoria per il suo ruolo da protagonista in Il Gladiatore 2. Nel frattempo, Washington, che ha già due Oscar come attore, potrebbe essere in lizza per un terzo, unendosi potenzialmente a una piccola lista di tre volte vincitori di premi come attore, tra cui Frances McDormand, Meryl Streep, Jack Nicholson e Daniel Day-Lewis. Washington gareggerà come attore non protagonista.

Jillian Chilingerian di OffScreenCentral ha scritto: “Incidete il nome di Denzel Washington sull’Oscar come miglior attore non protagonista per “Il gladiatore 2″ proprio in questo momento”. Scott Mantz, collaboratore di KTLA, ha definito il film “un sequel epico”, affermando inoltre che ha “grande azione, effetti visivi sorprendenti, performance stellari su tutta la linea”. “‘Il Gladiatore II’ serve il banchetto più ricco nelle scene d’azione epiche e nel tradimento deliziosamente scurrile”, ha scritto il freelance Simon Thompson.

Alexander Karim e Paul Mescal in Il gladiatore II (2024)
Foto di Aidan Monaghan/Aidan Monaghan – © 2024 Paramount Pictures.

Cosa sappiamo de Il Gladiatore 2

Il film si svolge 16 anni dopo gli eventi del primo film. La storia segue Lucio (Mescal), nipote dell’ex imperatore romano Marco Aurelio e figlio di Lucilla (Connie Nielsen) e Massimo (Russell Crowe). Lucio ora vive con la moglie e il figlio in Numidia. Tuttavia, quando i soldati romani guidati dal generale Marco Acacio (Pedro Pascal) invadono, viene costretto alla schiavitù. Deve combattere come un gladiatore per volere degli attuali giovani imperatori, Caracalla e Geta (Joseph Quinn e Fred Hechinger).

La campagna di premi di Scott è un obiettivo importante per la Paramount Pictures, che sta anche promuovendo il film biografico musicale di Robbie Williams “Better Man” e la tragedia degli ostaggi delle Olimpiadi di Monaco del 1972 appena acquisita “September 5” in questa stagione dei premi. Delle tre precedenti nomination di Scott per la regia agli Oscar, che includono anche “Thelma & Louise” (1991) e “Black Hawk Down” (2001), “Il gladiatore” è stato il suo tentativo più vicino alla vittoria, perdendo contro Steven Soderbergh, candidato due volte per “Traffic” (la sua altra candidatura era per “Erin Brockovich“).

Sebbene l’accoglienza della critica nei confronti di Scott sia stata incoerente negli ultimi anni (ad esempio, “Robin Hood” e “Exodus: Gods and Kings”), Il Gladiatore 2 potrebbe essere il suo miglior lavoro da “Black Hawk Down“.

Chi c’è nel cast de Il gladiatore 2?

Il gladiatore 2 è diretto da Ridley Scott e si basa su una sceneggiatura scritta da David Scarpa. A guidare l’atteso sequel è Paul Mescal nel ruolo di Lucio, il figlio di Lucilla e nipote dell’imperatore Commodo del primo capitolo. A Paul Mescal si aggiungono i membri del cast Connie Nielsen nel ruolo di Lucilla e Derek Jacobi in quello di Gracco. Nel cast ci saranno anche Denzel Washington, Pedro Pascal, Joseph Quinn, Fred Hechinger, May Calamawy, Lior Raz e altri ancora.

Il gladiatore 2  è prodotto da Ridley Scott, Michael Pruss, Douglas Wick e Lucy Fisher. Il film è considerato una produzione in joint-venture tra Paramount, Universal Pictures, Scott Free Productions e Parkes/MacDonald Productions. Ricordiamo che Russell Crowe non è coinvolto in alcun modo nel progetto, specialmente alla luce del fatto che il suo Massimo muore, appunto, al termine del primo film. La produzione de Il gladiatore 2 è ripresa all’inizio del mese dopo la fine degli scioperi a Hollywood. Attualmente il film dovrebbe arrivare nelle sale il 14 novembre 2024.

Mia Market: conclusa la decima edizione in crescita

Redazione
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Mia Market: conclusa la decima edizione in crescita

Si è conclusa oggi la decima edizione del MIA, il Mercato Internazionale Audiovisivo – promosso da ANICA (Associazione Nazionale Industrie Cinematografiche Audiovisive e Digitali) presieduta da Francesco Rutelli e APA (Associazione Produttori Audiovisivi) presieduta da Chiara Sbarigia e diretto per il 3° anno da Gaia Tridente.

Presenze in crescita del 10% rispetto all’edizione 2023 con oltre 2800 partecipanti provenienti da 60 paesi del mondo.

Il MIA cresce anche sui social con un incremento del 30% di follower su Instagram e del 16 % su Linkedin.

Oltre 600 i progetti ricevuti quest’anno per il Co-Production Market e Pitching Forum, con un +20% rispetto al 2023 e un incremento del 12,5% nel numero di paesi di provenienza, di tutti i continenti, che passano da 80 a 90.

In questi 10 anni, oltre 100 sono state le opere audiovisive “Made in MIA” prodotte dopo la loro partecipazione al mercato di coproduzione del MIA, un’attestazione di successo per la capacità di selezione e per le importanti opportunità che il mercato offre in termini ricerca di co-produttori e partner internazionali (finanziari, distributivi e creativi).

“Il MIA continua a crescere e si conferma un appuntamento di alto profilo capace di coinvolgere tutta la filiera cineaudiovisiva. Nel decennale, conferma di saper attirare sul sistema nazionale attenzione, interessi e risorse dei player internazionali, di contribuire a far crescere la capacità delle imprese italiane di sviluppare dialoghi e collaborazioni fondamentali per la crescita dell’industria, del lavoro, del prodotto e del soft power del nostro paese. Ogni anno aumenta il riconoscimento internazionale e la partecipazione dei decision maker sia nelle ricchissime iniziative e convegni, che nelle attività di matchmaking b2b. Un successo che premia il grande lavoro della Direttrice Gaia Tridente e del suo team, insieme a quello costante di ANICA e APA”, ha dichiarato Francesco Rutelli, Presidente di ANICA.

“Questa edizione del MIA ha saputo attrarre ed aumentare la platea di pubblico internazionale, un risultato che come APA rafforza la voce dei produttori del comparto audiovisivo. L’internazionalizzazione del settore si gioca sia nelle capacità del nostro comparto di ammodernarsi e saper formare le nuove maestranze del settore, sia sul rendere più competitivi i nostri territori. Sono certa che il percorso che stiamo facendo e sui cui stiamo lavorando vada dritto in questa direzione”, ha dichiarato Chiara Sbarigia, Presidente di APA.

“Grazie alla sua forte identità e credibilità, Il MIA si è ormai conquistato un posto importante nelle agende degli operatori internazionali. È un mercato curatoriale unico, attore strategico del mercato di coproduzione e motore fondamentale per il finanziamento, la distribuzione e la circolazione di opere e talenti. Rappresenta le istanze di un intero ecosistema composto dalle diverse industrie e generi che compongono l’audiovisivo, offre attività dedicate declinate per i diversi formati tenendo conto sia della distribuzione in sala che del consumo su TV e piattaforme. È uno specchio della trasformazione del settore audiovisivo, in grado di coglierne e anticiparne i mutamenti con particolare attenzione all’innovazione tecnologica per le industrie creative”, ha dichiarato Gaia Tridente, Direttrice del MIA | Mercato Internazionale Audiovisivo. 

Nel corso della giornata conclusiva sono stati assegnati i MIA AWARDS 2024. Tra questi, i nuovi MIA DEVELOPMENT AWARDS, istituiti per celebrare il decimo anniversario del Mercato e attribuiti a 4 progetti selezionati nelle 4 categorie del Co-Production Market and Pitching Forum. I MIA Development Awards sono stati assegnati da giurie internazionali di esperti del settore. I premi, in denaro, andranno a sostegno dello sviluppo dell’opera vincitrice per ogni categoria.

Il MIA ha il supporto del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale, ICE-Agenzia per la promozione all’estero e l’internazionalizzazione delle imprese italiane, e del contributo di Creative Europe MEDIA. Riceve inoltre il sostegno del Ministero della Cultura, del Ministero delle Imprese e del Made in Italy e della Regione Lazio.

Sponsor ufficiale della manifestazione è Unicredit. Il MIA gode del patrocinio di Eurimages.

Luca Guadagnino dirigerà un nuovo adattamento di American Psycho

Chiara Guida
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Luca Guadagnino dirigerà un nuovo adattamento di American Psycho

Luca Guadagnino è nelle fasi finali delle trattative per portare al cinema una nuova interpretazione del libro “American Psycho” di Bret Easton Ellis per Lionsgate. Il film, che sarà basato su una sceneggiatura di Scott Z. Burns, non sarà un remake del film del 2000, ma un nuovo adattamento del romanzo di Ellis.

Il primo adattamento cinematografico con Christian Bale è stato diretto dalla regista Mary Harron da una sceneggiatura di Harron e Guinevere Turner.

Il film Lionsgate sarà prodotto da Frenesy Films e la produzione esecutiva sarà affidata a Sam Pressman, figlio di Edward R. Pressman, produttore del primo adattamento, tramite la sua società Pressman Film. “Siamo entusiasti di aggiungere un altro regista d’élite alla nostra prossima avventura”, ha affermato Adam Fogelson, presidente del Lionsgate Motion Picture Group. “Luca è un artista brillante e il visionario perfetto per creare un’interpretazione completamente nuova di questa potente e classica PI”.

Il film più recente di Guadagnino, Challengers, con Zendaya, Mike Faist e Josh O’Connor, è stato un discreto successo di pubblico negli Stati Uniti. Il suo nuovo film, Queer, con Daniel Craig e Drew Starkey, uscirà negli USA con A24 il 27 novembre, mentre ha raccolto tiepidi consensi al Festival di Venezia, dove ha debuttato.

Il regista è attualmente in fase di post-produzione per “After the Hunt“, con Julia Roberts. I crediti precedenti includono “Io sono l’Amore”, “Suspiria”, “Bones and All”, “A Bigger Splash” e “Chiamami col tuo nome”.

Wolf Man: trailer del nuovo horror in arrivo!

Redazione
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Wolf Man: trailer del nuovo horror in arrivo!

Dalla Blumhouse e dal visionario sceneggiatore e regista Leigh Whannell, creatori dell’agghiacciante racconto di mostri L’uomo invisibile, arriva un nuovo terrificante incubo: Wolf Man.

Il candidato ai Golden Globe Christopher Abbott (Povere Creature!, It Comes at Night) interpreta Blake, marito e padre di San Francisco che eredita la casa d’infanzia nell’Oregon dopo la scomparsa di suo padre, che viene dato per morto. Con il logorarsi del suo matrimonio con la potente moglie Charlotte (la vincitrice dell’Emmy Julia Garner; Ozark, Inventing Anna), Blake convince Charlotte a prendersi una pausa dalla città e andare a visitare la proprietà con la loro giovane figlia, Ginger (Matlida Firth; Hullraisers, Coma).

Ma quando la famiglia si avvicina alla fattoria nel cuore della notte, viene attaccata da un animale invisibile e, in una fuga disperata, si barrica all’interno della casa mentre la creatura si aggira attorno al perimetro. Con il passare della notte, però, Blake inizia a comportarsi in modo strano, trasformandosi in qualcosa di irriconoscibile, e Charlotte sarà costretta a decidere se il terrore all’interno della casa sia più letale di quello all’esterno.

Il film è interpretato da Sam Jaeger (The Handmaid’s Tale), Ben Prendergast (The Sojourn Audio Drama) e Benedict Hardie (L’uomo invisibile).

Wolf Man è diretto da Whannell, i cui precedenti film con la Blumhouse includono L’uomo invisibile, Upgrade e Insidious 3 – L’inizio. La sceneggiatura è scritta da Leigh Whannell e Corbett Tuck, Lauren Schuker Blum e Rebecca Angelo (Dumb Money).

Il film è prodotto dal fondatore e CEO della Blumhouse Jason Blum e i produttori esecutivi sono Ryan Gosling, Ken Kao, Bea Sequeira, Mel Turner e Leigh Whannell. Wolf Man è una produzione Blumhouse e Motel Movies.

Viggo Mortensen alla Festa di Roma 2024: la nuova regia e The Hunt of Gollum

Chiara Guida
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Viggo Mortensen alla Festa di Roma 2024: la nuova regia e The Hunt of Gollum

In occasione del premio alla carriera e della presentazione del suo nuovo film da regista, The Dead Don’t Hurt, Viggo Mortensen ha partecipato alla Festa di Roma 2024. Ecco la nostra intervista sul red carpet.

Leggi la recensione di The Dead Don’t Hurt di e con Viggo Mortensen

Vivienne Le Coudy è una donna indipendente, che stringe una relazione con l’immigrato danese Holger Olsen e si trasferisce con lui a Elk Flats, Nevada. Quando Olsen decide di combattere nella Guerra Civile, Lascia Vivienne a cavarsela da sola, in un luogo controllato dal corrotto sindaco Rudolph Schiller e dal suo spregiudicato socio in affari Alfred Jeffries.

L’attore e regista ha diretto interpretato e scritto il film che vede protagonista Vicky Krieps.

Viggo Mortensen tornerà ad interpretare Aragorn?

Come noto Peter Jackson tornerà nella Terra di Mezzo come produttore di un nuovo film de Il Signore degli Anelli che sarà diretto dall’attore di Gollum, Andy Serkis. Il film, il cui titolo è “Il Signore degli Anelli: The Hunt for Gollum“, è previsto per l’uscita nelle sale nel 2026. Nella stessa intervista, Viggo Mortensen ha detto la sua su un suo possibile ritorno nei panni di Aragorn.

“Non so esattamente quale sia la storia, non l’ho saputo”, ha detto. “Forse alla fine ne sentirò parlare. Mi piace interpretare quel personaggio. Ho imparato molto interpretandolo. Lo farei solo se fossi adatto in termini di età e così via, se fossi adatto al personaggio. Sarebbe stupido farlo altrimenti”.

 

The Dead Don’t Hurt, recensione del film di e con Viggo Mortensen – #RoFF19

Agnese Albertini
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The Dead Don’t Hurt, recensione del film di e con Viggo Mortensen – #RoFF19

Presentato alla Festa del Cinema di Roma 2024 nella sezione Grand Public, The Dead Don’t Hurt (I morti non soffrono) è la seconda opera da regista di Viggo Mortensen, in cui l’attore e regista rende omaggio ai codici del western, a quel romanticismo che sopravvive e trova compimento anche negli ambienti più ostili. Senza mai allontanarsi dalle proprie inquietudini, esplora i legami tra l’archetipo dell’antieroe nomade e la donna indipendente e fedele a se stessa, consegnando agli spettatori un film nello stile dei classici e al tempo stesso profondamente personale.

The Dead Don’t Die: raccontare l’assenza

Tutto inizia alla fine, o quasi: assistiamo alla morte di Vivienne LeCoudy (Vicky Krieps, già splendida ne Il filo nascosto e Il corsetto dell’imperatrice) e, da lì, torniamo indietro, tra flashback e sequenze oniriche che raccontano l’incontro della donna con l’uomo che chiama affettuosamente per cognome, il danese Holger Olsen (Viggo Mortensen). I due si innamorano e vanno a vivere nella nella fattoria isolata di quest’ultimo, che è un falegname.

Si tratta anche di una storia molto personale per il regista stesso, in quanto dedicata alla madre: Grace Gamble Atkinson, con la quale la protagonista ha dei parallelismi: Vivienne Le Coudy sfida la società dell’epoca rompendo con le abitudini prevalenti. Rifiuta di sposarsi, vuole guadagnarsi i propri soldi per non dipendere da nessuno e sceglie come compagno un uomo che si distingue dagli altri. Si tratta, come dicevamo, di Holger Olsen, un immigrato danese che incontra a San Francisco. Non volendo rinunciare alla sua indipendenza, Vivienne accetta di viaggiare con lui per stabilirsi vicino alla tranquilla cittadina di Elk Flats, che comincia a prosperare, e dove iniziano una vita insieme.

Quando arrivano in questo luogo di frontiera senza nome, oltre al loro tranquillo amore per le case di legno e gli odori della natura, troveranno un subdolo sindaco (Danny Huston), un potente rancher (Garret Dillahunt) e il suo violento figlio (Solly McLeod). Quando il tranquillo Holger parte per combattere nella Guerra Civile, Vivienne rimane sola di fronte al pericolo: proprio l’intrattabile Weston che ha messo gli occhi su di lei. Quella che segue è una storia tanto ortodossa nei modi quanto senza tempo (e quindi moderna) nelle forme e nelle trame, che risuona nella brutalità del presente

Il western come il luogo “impreciso” dell’avventura

In quella che è la sua seconda opera da regista dopo il melodramma familiare Falling, l’attore, opta per una storia costruita dalla memoria dei suoi protagonisti e, in un certo senso, dai ricordi di ciascuno degli spettatori: in fin dei conti, il West, più che coincidere con punto cardinale o un genere cinematografico specifico, indica il luogo impreciso dell’avventura, del nuovo, di ciò che è ancora da scoprire. Non occupa un posto sulla mappa perché appare congiuntamente alla frontiera, al limite esatto dell’ignoto. Denomina ciò che ancora non ha nome: per questo è uno spazio selvaggio, e per questo appartiene a tutti.

Vicky Krieps in The Dead Don't Hurt
Vicky Krieps in The Dead Don’t Hurt – Courtesy of Marcel Zyskind

Il punto di vista di chi rimane

È interessante che Viggo Mortensen faccia un passo indietro per lasciare che il suo western si affidi al personaggio femminile, un omaggio a coloro che hanno aspettato il ritorno dell’eroe. Nel vecchio West americano, aspettare significava muoversi in modo diverso: rendere fertile una terra arida, creare legami con la comunità, crescere un figlio in solitudine e, soprattutto, non nutrire false illusioni. Forse la decisione di sceneggiatura più discutibile di The Dead Don’t Hurt – l’improvvisa partenza di Holger per combattere con gli Yankees nella Guerra Civile – è anche la più saggia: con un pudore in linea con la serenità del film, il laconico eroe si riserva un lungo momento fuori campo che offusca il suo peso drammatico per sublimare la luce femminile in un western che non si accontenta di essere neoclassico.

È infatti Vivienne a controllare la propria storia, a prendere decisioni rischiose, a cercare di gestirsi autonomamente in un mondo in cui non è del tutto comprensibile che una donna faccia certe cose. E mentre il film va avanti e indietro tra i due protagonisti, il peso emotivo della storia è su di lei: si può sapere fin dall’inizio qual è il suo destino, ma il viaggio consiste nel capire le scelte che farà prima di arrivarci.

San Andreas: quanto è accurato il film con Dwayne Johnson? Ecco la vera storia

Gianmaria Cataldo
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San Andreas: quanto è accurato il film con Dwayne Johnson? Ecco la vera storia

Il film San Andreas (qui la recensione), con protagonista Dwayne Johnson, segue la formula di un blockbuster estivo: scatenare un disastro naturale che provoca un sacco di distruzione in CGI. Un titolo dunque simile a lungometraggi come Greenland, Geostorm o il classico The Day After Tomorrow. Tuttavia, solo perché possiamo mostrare città che si sgretolano a causa di terremoti massicci, non significa che le cose accadranno davvero così nella vita reale. Molti spettatori sono usciti dal cinema convinti che ciò che hanno visto nel film San Andreas sia accurato e che possa accadere. Tuttavia, prima di farsi prendere dal panico, mettiamo in discussione la storia e separiamo i fatti dalla finzione.

La storia vera dietro il film

Il titolo del film si riferisce alla faglia di Sant’Andrea, realmente esistente e tenuta fortemente sotto osservazione dai sismologi. La California, infatti, è spesso scossa da terremoti di media e lieve entità, mentre sono più rare le scosse più forti, o vero sopra al 7°. Secondo alcuni studi recenti, la probabilità che un terremoto di magnitudo superiore a 6,5° avvenga entro il 2035 è estremamente alta. Ad oltre un decennio dalla pubblicazione di questo studio, però, il fenomeno non si è (fortunatamente) ancora verificato.

Un terremoto lungo la faglia di San Andreas potrebbe creare un grande tsunami?

Secondo la sismologa del Servizio Geologico degli Stati Uniti, Lucy Jones, il fatto che la faglia di San Andreas si trovi per lo più sulla terraferma non creerà mai uno tsunami di grandi dimensioni. Inoltre, gli tsunami causati dai terremoti si creano nelle zone di subduzione, luoghi in cui le placche tettoniche si scontrano e una placca viene spinta sotto un’altra. Di conseguenza, il fondo del mare si deforma e si crea uno tsunami. Da milioni di anni non c’è più una zona di subduzione attiva sotto San Francisco o Los Angeles. Inoltre, la faglia di San Andreas è verticale, quindi anche se un giorno dovesse andare sott’acqua, non causerebbe uno spostamento del fondo dell’oceano verso l’alto o verso il basso, necessario per uno tsunami di grandi dimensioni.

Le dimensioni dello tsunami gigante che vediamo nel film sono plausibili?

Sempre la sismologa Lucy Jones dice che un grande tsunami è alto 15 metri. Non si avvicina nemmeno lontanamente all’altezza dello tsunami del film, che si abbatte sulla carreggiata del Golden Gate Bridge, a circa 270 piedi sopra l’acqua. “Non possono essere più grandi della profondità dell’oceano”, dice Jones. Anche lo tsunami stile onda da surf mostrato nel film non si verifica. Gli tsunami sono muri d’acqua che si innalzano, non onde che si sollevano.

San Andreas tsunami
Cortesia di Warner Bros.

Un terremoto di magnitudo 9,6 potrebbe davvero colpire San Francisco?

I terremoti di magnitudo 9 si verificano solo nelle zone di subduzione. Come già detto, non c’è una zona di subduzione attiva sotto San Francisco o Los Angeles da milioni di anni. Nel film San Andreas, un terremoto di magnitudo 9,6 colpisce San Francisco. Tuttavia, l’intensità dei terremoti lungo la moderna faglia di San Andreas è di circa 8,3. Il terremoto più devastante che ha colpito San Francisco nella storia recente è stato quello del 1906, che si ritiene sia stato di magnitudo 7,8 circa. Pur esagerando il possibile magnitudo dei terremoti lungo il San Andreas, le scosse di assestamento del film sono in linea con quelle che potrebbero seguire un evento reale di quella portata.

Un terremoto in Nevada potrebbe innescare un terremoto a Los Angeles, che a sua volta provocherebbe un terremoto a San Francisco?

Nel film San Andreas, un terremoto di magnitudo 9,6 colpisce San Francisco, innescato da un terremoto di magnitudo 9,1 a Los Angeles, dopo un terremoto di 7,1 in Nevada. La sismologa del Servizio Geologico degli Stati Uniti, Lucy Jones, afferma che se si adattano le magnitudo a quelle possibili lungo la vera faglia di San Andreas, lo schema di innesco del film è plausibile.

Modelli simili si sono verificati nella storia recente. Nel 1992, un terremoto di 7,3 ha colpito la California meridionale e ha innescato un terremoto di 5,7 in Nevada. Il terremoto di San Francisco del 1906 ha innescato terremoti di magnitudo 5-6 nella baia di Santa Monica, nella Imperial Valley, in Nevada e in Oregon. Questi sono noti come “terremoti innescati” perché sono troppo lontani per essere “scosse di assestamento”.

La faglia di San Andreas potrebbe aprirsi per creare il canyon che vediamo nel film?

Come afferma la sismologa Lucy Jones nel suo articolo sul film, “la voragine che vediamo rompersi sul San Andreas nella California centrale appartiene al regno dell’impossibile”. Se la faglia di San Andreas potesse aprirsi nella misura mostrata nel film, non ci sarebbe attrito, ed è l’attrito a creare un terremoto.

San Andreas terremoto
Cortesia di Warner Bros.

I sismologi possono prevedere i terremoti?

Nel film San Andreas, un sismologo del Caltech prevede il disastro incombente e viene salutato come un eroe. Tuttavia, la dottoressa Lucy Jones, vera sismologa, afferma che non esiste ancora un modo per prevedere il momento in cui un terremoto colpirà. “Purtroppo, è stato dimostrato che quello che fanno nel film non funziona”, afferma Jones. Sono stati esplorati molti metodi, tra cui estensimetri, segnali magnetici ed elettrici, nonché il comportamento degli animali. Nessuno ha avuto successo.

Jones afferma che l’unico momento in cui i terremoti possono essere previsti con successo è subito dopo il loro verificarsi. Questo include sia i terremoti innescati (descritti in precedenza) che le scosse di assestamento, due aspetti che il film coglie nel segno. Jones dice anche che un aspetto positivo è che oggi i terremoti possono essere riconosciuti così rapidamente dopo il loro inizio, che spesso le persone possono essere allertate prima che il terremoto le raggiunga.

Qual è la parte più accurata del film San Andreas?

Secondo la sismologa Lucy Jones, la parte più accurata del film è la rappresentazione delle emozioni, con personaggi più preparati e consapevoli che reagiscono in modo più raccolto, aumentando le loro possibilità di sopravvivenza. “E sono le emozioni che, come al solito, Hollywood ha reso meglio dei fatti”, dice Jones. Come viene mostrato nel film, conoscere il primo soccorso, sapere come “cadere, coprirsi, aggrapparsi”, sapere che l’oceano si sta ritirando può significare che si sta avvicinando uno tsunami, che le linee telefoniche fisse funzionano ancora quando i cellulari non lo fanno e la corretta esecuzione di un piano di emergenza possono rendere le cose più sicure per se stessi e per tutti coloro che ci circondano.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di San Andreas grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 18 ottobre alle ore 21:20 sul canale Italia 1.

Annabelle 2: Creation, la spiegazione del finale del film

Gianmaria Cataldo
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Annabelle 2: Creation, la spiegazione del finale del film

Annabelle 2: Creation (qui la recensione) alza la posta in gioco rispetto all’Annabelle del 2014, con il regista David F. Sandberg che si addentra nel passato del giocattolo più inquietante degli ultimi anni per offrire un film dell’orrore che spaventa e affronta gli effetti incontrollabili di una famiglia distrutta, oltre a inserirsi meravigliosamente nel resto della serie. Il film è ricco di una nuova mitologia per Annabelle, di collegamenti con i film della saga di The Conjuring e in particolare con The Nun. Qui di seguit, esploriamo il significato del finale del film.

La spiegazione delle origini di Annabelle

Prima di Annabelle 2: Creation, tutto ciò che sapevamo su Annabelle era che era una bambola antica posseduta da uno spirito demoniaco noto come Ram. Le specifiche di entrambe le storie erano piuttosto vaghe, ma ora, mentre abbiamo ancora domande sull’essere stesso, sappiamo come è stato creato l’inquietante giocattolo e come è stato collegato alla possessione. Nell’incipit del prequel, apprendiamo che “Annabelle” fa parte di una serie esclusiva di bambole della Mullins Toy Company, una piccola azienda gestita da Samuel Mullins negli anni ’40, che era di gran moda nella sua comunità urbana.

Nel film è implicito che la bambola, che presto diventerà malvagia, era la numero 1 di 100, ma che Mullins non ne fece altre a causa di una tragedia personale, rendendola davvero unica nel suo genere. La tragedia personale è stata la morte della figlia. Soprannominata Bee – che in seguito scopriremo essere l’abbreviazione di Annabelle, che fornisce la vera origine del nome della bambola – fu investita da un’auto mentre tornava dalla chiesa. La famiglia Mullins cadde in depressione, ma trovò conforto in quello che credeva essere il fantasma di Bee. Il fantasma di Bee infestava la loro casa in modo docile, convincendo i genitori in lutto a permetterle di risiedere nella bambola.

Stephanie Sigman e Lulu Wilson in Annabelle 2 Creation
Foto di Justin Lubin – © 2016 Warner Bros. Entertainment Inc. and RatPac-Dune Entertainment LLC All Rights Reserved

Tuttavia, dopo averlo fatto, scoprono subito che non si tratta affatto di Bee, ma di un demone che vuole trovare una forma fisica. La bambola è servita come primo passo, ma ora vuole assumere un essere vivente: Esther Mullins. Attacca la madre quando è sola, ma viene salvata dal marito e la bambola viene rinchiusa in un armadio rivestito di carta biblica e bagnato con acqua santa. Tutto sembra andare bene fino a quando non aprono la loro casa a un orfanotrofio (che ha già legami con la magia occulta, anche se ci arriveremo tra poco).

Nel film stesso, ambientato nel 1957, lo spirito manipola le ignare ragazze per liberarlo, permettendo a Ram di possedere Janice, malata di poliomielite. Dopo una serie di scene spaventose in cui lo spirito tenta di reclamare altre anime, Janice riesce a fuggire e a farsi adottare dalla famiglia Higgins, cambiando il suo nome in modo piuttosto sadico in, che altro, Annabelle. A questo punto, lo spirito sembra essere sparito dalla bambola, che viene portata via dalla polizia. Il film termina 12 anni dopo, nel 1969, quando Annabelle, ormai cresciuta, uccide i suoi genitori adottivi, riportandoci all’inizio del primo film e al ritorno della bambola. Il che solleva un sacco di domande.

Come il finale si collega all’originale Annabelle

L’Annabelle originale, uno spinoff di The Conjuring che spiega come la sua “star” sia finita nella collezione di oggetti infestati degli investigatori del paranormale Warren, segue per la maggior parte la neo-mamma Mia, inseguita dalla bambola infestata che vuole possedere il suo bambino appena nato. Questa è stata l’ultima volta che la bambola è emersa prima della famiglia che l’ha denunciata ai Warren. Il film si apre proprio come finisce Annabelle 2: Creation, il giorno in cui Annabelle uccide gli Higgins; Mia riceve la bambola dal marito John e più tardi, quella notte, vengono svegliati dai loro vicini di casa che vengono aggrediti da due assalitori.

Stephanie Sigman e Talitha Eliana Bateman in Annabelle 2 Creation
© 2017 Warner Bros. Entertainment Inc. and RatPac-Dune Entertainment LLC All Rights Reserved

L’uomo viene ucciso dalla polizia, ma la donna – Annabelle Higgins – prende la bambola e le taglia la gola, con una goccia del suo sangue che finisce nell’orbita dell’occhio. In seguito si scopre che i due erano “Discepoli dell’Ariete”, un culto incentrato sulla resurrezione dello spirito attraverso sacrifici rituali. È implicito che gli omicidi iniziali abbiano portato l’Ariete ad Annabelle, portando ai suoi successivi tentativi di possedere la figlia di Mia. Il film lega quindi la sua storia, per lo più autonoma, alla più ampia mitologia con la sua scena finale. I fan avranno notato il nome Higgins e come Janice sia diventata l’attrice che ha interpretato la precedente Annabelle, ma il vero colpo di scena arriva con la rivelazione di Mia. Come la maggior parte dei prequel, si tratta di una stretta connessione con il film originale.

Naturalmente, il prequel riformula in qualche modo ciò che abbiamo visto nel 2014. Ora sappiamo che Annabelle Higgins è in realtà una Janice posseduta, il che significa che piuttosto che cercare di resuscitare il Ram, lei e il suo complice stavano tentando qualcos’altro; probabilmente di trasferire la sua anima in un altro contenitore, usando prima la bambola come tramite. Il motivo non viene spiegato, ma è probabile che si tratti di un problema legato all’età, dato che le successive conquiste dello spirito riguardano i bambini, le cui anime sono più pure o più facili da sconfiggere.

Anthony LaPaglia in Annabelle 2 Creation
Foto di Justin Lubin – © 2016 Warner Bros. Entertainment Inc. and RatPac-Dune Entertainment LLC All Rights Reserved

Cosa significa questa connessione?

Ciò solleva la questione del ritorno della bambola. Alla fine della parte di Annabelle 2: Creation ambientata nel 1957, è implicito che la bambola è ora libera da tutte le forze nocive, ma in qualche modo viene reinserita nella storia dell’Ariete dodici anni dopo, quando riappare magicamente e Annabelle se ne riappropria. È una coincidenza enorme che la Janice potenziata dall’Ariete e la bambola precedentemente posseduta si ritrovino nello stesso quartiere: come è successo e se è solo un contenitore perché è ancora importante? Potrebbe trattarsi di una semplice retcon; diversi elementi del film originale, come il fantasma di Annabelle, 7 anni, che aggredisce Mia, vengono alterati dal colpo di scena, quindi c’è un elemento di canone libero e perdente. Tuttavia, la scena dei mid-credits potrebbe fornire una spiegazione diversa.

Prima, però, vale la pena sottolineare che ci sono altri collegamenti tra Annabelle 2: Creation e la più ampia mitologia di Conjuring: il Ram prende il controllo di Janice vomitandole in bocca una sostanza vischiosa e nera, proprio come la madre di The Conjuring era posseduta dal demone di quel film; e l’inganno di accogliere uno spirito in un contenitore per poi scoprirlo come una forza oscura è stato un trucco ripetuto dai demoni dell’universo.

Per gli appassionati di ossessioni reali, nei momenti finali c’è anche un easter egg incredibilmente bello: la bambola consegnata a Janice/Annabelle quando incontra per la prima volta gli Higgins è una replica della vera bambola Annabelle, un riconoscimento del fatto che tutto è iniziato da una storia “vera” e che sottolinea come la mitologia di Conjuring si sia evoluta da allora.

Le Choix: recensione del film di Gilles Bourdos – #RoFF19

Valeria Maiolino
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Le Choix: recensione del film di Gilles Bourdos – #RoFF19

Dopo aver interpretato Pierre, protagonista di The Quiet Son, film in concorso all’81esima edizione della Mostra del Cinema di Venezia, Vincent Lindon torna a mostrarsi al grande pubblico alla 19esima edizione della Festa del Cinema di Roma, nel ruolo di Joseph. Con Le Choix de Joseph Cross – abbreviato Le Choix – diretto da Gilles Bourdos, l’attore francese continua a vestire i panni di un uomo solido e risoluto, che dopo aver lavorato tra i binari della ferrovia, ora si occupa di cemento e costruzioni. Due mestieri che plasmano il carattere, rendendo capace chi li svolge di affrontare imprevisti e difficoltà senza scivolare in facili ansie.

E questo è ancor più evidente in Joseph, che improvvisamente è costretto a guardare la sua vita incrinarsi e in ultimo frantumarsi, ma che grazie al suo bagaglio professionale riesce a mantenere un fragile equilibrio anche quando tutto intorno crolla. Le Choix è presentato nella sezione Progressive Cinema, ed è il remake francese dell’acclamato Locke di Steven Knight, Accanto a Lindon, troviamo le voci di Micha Lescot, Pascale Arbillot e Gregory Gadebois, che mettono alla prova la resistenza del protagonista restando fuori campo.

Le Choix, la trama

Joseph è un uomo caratterialmente forte e concreto, una particolarità che condivide con gli edifici che costruisce. Nel suo lavoro è sempre stato impeccabile, non ha mai commesso un errore e adesso lo attende la colata di cemento più grande del decennio. Non si aspetterebbe mai che la sera prima di quell’evento la sua vita sarebbe stata sconvolta da una telefonata che avrebbe cambiato le sue sorti. Senza pensarci due volte, Joseph si mette in auto, pronto ad andare verso Parigi, dove c’è qualcuno che lo aspetta. La notizia ricevuta, però, da potenzialmente bella, diventa la causa primaria dello sgretolamento, pezzo dopo pezzo, della sua esistenza. Come un palazzo robusto, ma dalle troppe crepe, l’uomo deve tentare di non crollare, cercando di tenere in piedi tutto quello per cui ha lavorato duramente, sia a livello personale che professionale.

Le Choix

Thriller e dramma, i capisaldi di una storia con poche emozioni

Ancora una volta, dopo il nostro simile e recente thriller-noir Non riattaccare, con una bravissima Barbara Ronchi, e ancor prima con, per l’appunto, Locke, ci troviamo a confrontarci con tre elementi chiave che dominano per 77 minuti: un’auto, un telefono (stavolta collegato al display di bordo) e una strada. La notte, incombente e soffocante, avvolge tutto, lasciando spazio solo a sprazzi di luce artificiale provenienti dai lampioni che irrompono furenti nell’abitacolo. A intermittenza fasci di luce gialla penetrano l’oscurità, illuminando il volto di un uomo che sta lottando con il proprio passato, cercando un riscatto attraverso una scelta che segnerà la sua vita futura.

L’impianto narrativo ricalca quello di Locke: telefonate incessanti, voci stanche, arrabbiate, disperate, che si alternano senza sosta riempiendo il veicolo, alle quali si aggiungono sospiri, imprecazioni, sguardi persi nel vuoto. Ma mentre nell’opera di Knight l’Ivan di Tom Hardy è sostenuto da una sceneggiatura concisa ed efficace, il Joseph di Lindon si smarrisce in una scrittura sfocata e traballante. Nonostante la staticità imposta dalla location unica – ossia l’interno di una macchina – ciò che manca in Le Choix è proprio l’emotività e la tensione palpabile, elementi che dovrebbero crescere progressivamente e guidare il ritmo del racconto.

Le telefonate, pur frequenti e decisive per il protagonista, non hanno l’impatto adeguato per far progredire la narrazione. Ogni problema sollevato sembra risolversi in pochi secondi, senza un vero climax emotivo che porti a un punto di svolta efficace e travolgente.  Il risultato è di avere davanti a sé un’opera monotona, incapace di generare vero interesse o coinvolgimento.

Anche la regia, che avrebbe potuto portare dinamismo a una situazione così statica, non riesce a dare movimento o profondità, penalizzando la performance di Vincent Lindon e il suo Joseph, con un lavoro insufficiente sulla psicologia del personaggio. Nonostante il suo talento, il francese qui fatica a portare sulle spalle il personaggio, non riuscendo mai a creare una connessione autentica con lo spettatore. Ed è un vero peccato, considerato il suo indubbio valore attoriale.

Fino alla fine: recensione del film di Gabriele Muccino – #RoFF19

Gianmaria Cataldo
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Fino alla fine: recensione del film di Gabriele Muccino – #RoFF19

“La vita è il risultato delle scelte che facciamo“, è l’affermazione che apre il nuovo film di Gabriele Muccino (il tredicesimo in 27 anni di carriera), dal titolo Fino alla fine. Presentato nella sezione Gran Public della Festa del Cinema di Roma 2024, il film rappresenta inoltre una nuova incursione del regista nel mondo della gioventù e di tutta la sua incontenibile voglia di passioni e vita divorata attimo dopo attimo. Ciò era già avvenuto con i primi due film del regista, Ecco fatto (1998) e Come te nessuno mai (1999), per poi riproporsi nel 2016 con L’estate addosso ed ora, appunto, con questo suo nuovo progetto.

Film che arriva quattro anni dopo il maturo Gli anni più belli, per narrarci però non di anni bensì di un singolo giorno nella vita di cinque ragazzi. Un giorno che si potrebbe ugualmente definire “il più bello” per la giovane protagonista, almeno fino a quando non diventa un vero e proprio incubo. Incubo dal quale, però, sembra possibile imparare comunque qualcosa, come la bellezza del mangiare la vita prima che possa farlo lei a noi, del lasciarsi andare e farsi guidare dalla corrente, liberandosi dalle gabbie che ci costruiamo per poter davvero fare esperienza del mondo e delle sue infinite possibilità.

La trama di Fino alla fine

La protagonista è Sophie (Elena Kampouris), una giovane americana reduce da una vita di sacrifici e dolori. Durante una vacanza a Palermo con la sorella, nelle ultime 24 ore prima del ritorno in California, incontra Giulio (Saul Nanni) e il suo gruppo di amici siciliani. Desiderosa di vivere fino in fondo, Sophie decide di scegliere di camminare sull’orlo del baratro trascinandosi in una vertigine pericolosa, trasformando una semplice avventura in una battaglia per la sopravvivenza, il riscatto e l’adrenalina pura. In questo labile confine tra vita e morte, Sophie verrà risucchiata dal fascino del pericolo, commettendo errori che marchieranno la sua vita, cambiandola per sempre.

Enrico Inserra Francesco Garilli Lorenzo Richelmy Elena Kampouris Saul Nanni Fino alla fine
Enrico Inserra, Francesco Garilli, Lorenzo Richelmy, Elena Kampouris e Saul Nanni in Fino alla fine. Foto di Valentina Glorioso.

Le scelte che ci definiscono

Come si diceva in apertura, la vita è il risultato delle scelte che facciamo e di certo Sophie si è stancata di non scegliere e di lasciarlo fare agli altri per lei. È così che basta una leggera spinta perché il vaso barcolli, cada e vada in mille pezzi. Un momento di non ritorno che coincide con l’incontro con Giulio e i suoi tre amici e a partire dal quale assistiamo concretamente al modo in cui una serie di scelte apparentemente innocue e prese con leggerezza possano portare a conseguenze impensabili e drammaticamente irreparabili. È così che quella che inizia come una banale serata di divertimento sfocia ben presto in pericolosi atti criminali.

Naturalmente i segnali che le cose avrebbero potuto prendere una brutta piega hanno iniziato ad esserci quasi sin da subito, ma Sophie ha troppa voglia di staccare la testa e dimenticare ciò che la tormenta ed è dunque disposta a chiudere prima un occhio e poi anche l’altro. Come lei, li chiude anche Gabriele Muccino, che sceglie giustamente di non giudicarla mai per le scelte che compie e sembra chiedere al pubblico di fare lo stesso. Allo stesso modo, non giudica neanche Giulio e i suoi amici, ma anzi offrendo attraverso il più “pericoloso” di loro – il Komandante di Lorenzo Richelmy – una sua personale risposta a ciò che porta l’essere umano a compiere certe scelte.

Giovani in cerca d’amore

C’è infatti un preciso momento, che potrebbe essere un po’ il cuore di Fino alla fine, in cui Sophie apprendendo del difficile passato di Komandante lo abbraccia e gli sussurra che lui non è cattivo. Lui, dinanzi a quel gesto di affetto, appare totalmente spaesato e disarmato, come se si rendesse conto per la prima volta che è proprio quello ad essergli mancato nella vita e che forse avrebbe potuto salvarlo da certe scelte sbagliate. I giovani protagonisti di Muccino sono vittime dell’assenza d’amore, che sia quella data da un genitore o dalla società che si prende cura di te. Per questo il regista non li giudica – neanche li giustifica ovviamente – ma cerca piuttosto una risposta al modo in cui sono cresciuti.

Francesco Garilli Enrico Inserra Lorenzo Richelmy Elena Kampouris Saul Nanni Fino alla fine
Enrico Inserra, Francesco Garilli, Lorenzo Richelmy, Elena Kampouris e Saul Nanni in Fino alla fine. Foto di Valentina Glorioso.

Vivere secondo le proprie regole, fino alla fine

Certo, in più di un momento occorre sospendere non solo il giudizio nei confronti dei personaggi ma anche l’attaccamento alla verosimiglianza (che di base è sempre un po’ noiosa), specialmente di fronte ad alcune soluzioni narrative senza le quali forse il racconto non avrebbe potuto procedere. Ma anche davanti all’azione più impensabile, a cui sembra troppo assurdo che qualcuno possa ridursi, è bene ricordare che nella realtà di scenari di questo tipo se ne sentono sempre più frequentemente e di storie finite male – troppo spesso con giovani schiacciati dalla competitività, altro tema sottopelle del film – ne sono pieni i telegiornali.

L’operazione di Muccino è dunque delicata, non priva di elementi zoppicanti, ma indubbiamente ragionata. Si avverte anche qui la cura nella costruzione delle scene che lo contraddistingue e quanto il racconto si fa più forsennato la regia riesce abilmente a sostenerne il ritmo, portando verso una conclusione che pur nella sua tragicità risulta quasi essere un invito a vivere fino in fondo, fino alla fine, fino alle estreme conseguenze, inseguendo la libertà secondo le nostre regole, così come Sophie la ricerca stabilendone finalmente delle sue. Certo, non ridursi in tutto e per tutto come i protagonisti di Fino alla fine è quantomai auspicabile.

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