Il thriller è innegabilmente uno dei generi più amati e popolari del cinema mondiale. Le intricate vicende che si costruiscono all’interno di questi film sono in grado di tenere con il fiato sospeso fino all’ultimo, e i complessi personaggi inseriti in problematiche enormi sono quanto mai comprensibili e coinvolgenti. Su tali caratteristiche si basa anche La fredda luce del giorno, diretto nel 2012 da Mabrouk El Mechiri, qui al suo primo grande film con un cast stellare.

Vengono qui rielaborati una serie di scenari classici del thriller, con una ricerca di indizi che condurrà soltanto all’ultimo ad avere un quadro completo della situazione. Fino a quel momento, si assisterà a dinamiche sequenze d’azione e anche a momenti più intimi e famigliari, che portano nel film una vasta gamma di sentimenti ed emozioni. Questi consentono così di generare una certa apprensione per le vicissitudini del protagonista.

Pur essendo passato in sordina, grazie anche alla presenza dei suoi noti attori, il titolo è stato piano piano riscoperto, entusiasmando i fan del genere. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune curiosità relative a La fredda luce del giorno. Proseguendo qui nella lettura sarà possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla spiegazione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di La fredda luce del giorno

Protagonista del film è Will Shaw, un giovane analista finanziario di San Francisco. Sebbene la sua società stia rischiando il fallimento, l’uomo decide di andare a trovare la sua famiglia in Spagna per trascorrere insieme qualche giorno a bordo di una barca sulla Costa Brava. Ciò gli permetterà di allontanarsi momentaneamente dai problemi incombenti sul suo lavoro e sul suo futuro. Giunto sul luogo, Will viene accolto con grande entusiasmo dai genitori Martin e Laurie Shaw.

Tuttavia, anche quell’idilliaco momento è destinato ad infrangersi ben presto. Ritornato da una lunga nuotata, Will si accorge di uno scenario particolarmente preoccupante sulla barca dei suoi genitori. I due sono scomparsi e tutto è stato messo completamente sottosopra, segno che qualcuno è stato lì in cerca di qualcosa forse poi non trovata. Istintivamente, Will si rivolge alle autorità, scoprendo però suo malgrado di trovarsi coinvolto in una faccenda molto più complessa e grande di lui.

Il cast del film

Ad interpretare il protagonista Will Shaw vi è l’attore Henry Cavill, qui al suo ultimo ruolo prima di assumere i panni di Superman in L’uomo d’acciaio. Al momento di recitare in La fredda luce del giorno, l’attore era reduce però dal film Immortals, dove interpretava il guerriero Teseo e per il quale aveva assunto un fisico possente e particolarmente muscoloso. Al fine di poter assumere il suo ruolo in questo thriller, però, si è dovuto sottoporre ad una ferrea dieta al fine di perdere quel fisico.

Ad interpretare sua madre Laurie, invece, si ritrova l’attrice Caroline Goodall, recentemente vista in Hunter Killer – Caccia negli abissi. Suo padre Martin è invece l’attore Bruce Willis. Affascinato dalla sceneggiatura e dalla misteriosità del suo personaggi, questi accettò di partecipare al film. A causa di numerosi altri impegni, però, l’attore dovette girare tutte le sue scene nel minor tempo possibile. Pur essendo indicato come uno dei protagonisti, compare nel film per meno di mezz’ora.

Rafi Gavorn ed Emma Hamilton interpretano Josh Shaw, fratello di Will, e la sua fidanzata Dara Collins. La candidata all’Oscar Sigourney Weaver, attrice celebre per la saga di Alien, interpreta la controversa agente della CIA Jean Carrack. Infine, Veronica Echegui è Lucia Caldera, figlia di un amico di Martin, la quale aiuterà Will nella sua ricerca della verità. Joseph Mawle è, infine, il killer Gorman.

La spiegazione del finale del film

Nel finale de La fredda luce del giorno, Will si ritrova quindi al centro di una spirale di tradimenti e rivelazioni mentre cerca disperatamente di salvare la propria vita e quella della sua famiglia. Dopo una lunga fuga e una serie di scoperte shock — tra cui il fatto che suo padre Martin era in realtà un agente della CIA coinvolto in un traffico internazionale di informazioni — Will affronta l’ultimo scontro con i veri antagonisti: Carrack), agente corrotta dell’intelligence americana, e i suoi complici. In un crescendo di tensione, Will riesce infine a scappare con la valigetta contenente informazioni segrete e a smascherare i nemici, ma non prima che l’intera esperienza lo cambi radicalmente.

La conclusione del film avviene a Madrid, con Will che, grazie anche all’aiuto di Lucia, riesce a ingannare Carrack e a mettere in moto una catena di eventi che porta alla sua morte. Il giovane protagonista, inizialmente del tutto ignaro delle dinamiche geopolitiche e delle implicazioni del lavoro del padre, diventa suo malgrado parte integrante di questo mondo oscuro. Quando la CIA lo contatta nel finale per offrirgli un ruolo nella loro organizzazione. Il finale non è però del tutto chiuso, in quanto non sappiamo se Will accetterà o meno.

Tematicamente, il finale di La fredda luce del giorno mette dunque in luce i rischi dell’inganno istituzionale e il prezzo della segretezza. Il film riflette sul tema dell’identità e della fiducia, mostrandoci un protagonista costretto a ridefinirsi alla luce della verità. Il titolo stesso assume un significato emblematico: nella “fredda luce del giorno”, ovvero al di fuori delle ombre dell’inganno, la verità è spietata, ma necessaria per affrontare il mondo con consapevolezza.

Il trailer di La fredda luce del giorno e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire del film grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. La fredda luce del giorno è infatti disponibile nel catalogo di Google Play, Apple iTunes e Prime Video. Per vederlo, basterà sottoscrivere un abbonamento generale alla piattaforma in questione o noleggiare il singolo film. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. In alternativa, il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di giovedì 29 maggio alle ore 21:20 sul canale Italia 1.

Il film lituano, francese e belga Vesper è un’inquietante pellicola distopica che rimane impressa nella mente dello spettatore per giorni dopo la visione. Il futuro della Terra che qui si dipinge per il pubblico è infatti cupo. Il pianeta ha subito un collasso ecologico che lo ha reso incapace di produrre colture. Al loro posto, ora sono gli alberi a respirare, le radici dei miceli si aggrappano alla pelle e i vermi spuntano dal terreno per mordere le zone esposte. Vesper, una ragazza con un talento per la bioingegneria, vive con il padre costretto a letto, comunicando con lui tramite un drone.

I due sognano di fuggire in una delle cittadelle, comunità tecnologicamente avanzate all’interno di gigantesche cupole biologiche. Ma quando Vesper salva una donna misteriosa di nome Camellia, il cui aereo è precipitato, tutto cambia. Alla fine del film, Vesper rimane sola, avendo perso tutte le persone a cui teneva, ma avendo scoperto il segreto per sbloccare i semi della cittadella, ispirando la speranza che la Terra possa tornare ad essere ciò che era un tempo. I co-registi Kristina Buozyte e Bruno Samper hanno iniziato a lavorare al film anni fa, decidendo infine di girarlo nelle cupe foreste fiabesche della Lituania.

Invece di girare davanti a uno schermo verde, Buozyte e Samper hanno infatti utilizzato i boschi come sfondo, aggiungendo effetti visivi surreali per accentuare l’atmosfera post-apocalittica della produzione. Proprio per dare ordine a questo contesto e comprendere appieno ciò che avviene nel film, in questo articolo si riportata una descrizione (ricca di spoiler) dei momenti finali del film, grazie alla quale poter avere un quadro completo del racconto e comprenderne meglio i suoi significati.

Oltre le cittadelle

Una volta incontrata Camellia, l’obiettivo di Vesper è quello di aiutarla e usarla come mezzo per entrare in una delle cittadelle. Dopo aver scoperto che la donna non è ciò che finge di essere, ma è invece una forma di vita artificiale conosciuta come “jug”, le cittadelle le sembrano ancora più lontane e forse non più un rifugio perfetto. Le città da sogno rappresentano il paradiso, dove nessuno soffre la fame, gli animali estinti esistono ancora e le cure mediche consentono ai residenti di vivere una vita incredibilmente lunga.

Alla fine, Vesper si allontana però dalle cittadelle, letteralmente, lasciando svanire la speranza di una vita futura gloriosa e facile. L’immagine finale del film la mostra che sale in cima alla torre dei pellegrini, voltando lentamente le spalle alle cittadelle, guardando verso il fiume e le foreste grigie che la circondano e liberando i semi vitali nel vento. Vesper non aspetta più che le cittadelle la salvino, rendendosi conto che non sono la risposta ai problemi del mondo. È lei la risposta. Il finale è dunque in definitiva pieno di speranza, poiché Vesper si rende conto di poter rendere la Terra un posto migliore per tutti.

L’identità di Camelia

Per quanto riguarda Camellia, un “jug” è una creatura artificiale simile all’uomo progettata per svolgere lavori manuali. È però illegale crearne uno intelligente. Nel corso del film, inoltre, Camellia sembra smentire l’affermazione per cui i jug non provano dolore. Diventa persino una figura materna per Vesper, confortandola e insegnandole come si svolge la vita nella cittadella, mentre la sostiene nella sua ricerca di un modo per diffondere i semi. Alla fine, Camellia compie il sacrificio estremo, sacrificando la propria vita affinché Vesper possa continuare il suo percorso.

Anche se “Vesper” è un film spesso cupo e inquietante, i personaggi principali Vesper e Camellia incarnano la speranza e l’amore; è attraverso la loro capacità di prendersi cura l’una dell’altra che l’umanità sopravviverà. È anche un espediente narrativo intelligente, perché per molti versi Camellia è la chiave del futuro. Non solo il suo DNA contiene le chiavi per sbloccare i semi, permettendo loro di diventare vitali, ma lei stessa si sacrifica per Vesper.

Un mondo di malvagi

In Vesper c’è però più di un cattivo. I soldati della cittadella rappresentano una solida malvagità senza volto, la Terra stessa è un ambiente ostile e lo zio di Vesper, Jonas (interpretato da Eddie Marsan), è così crudele da far rabbrividire. Jonas è infatti un uomo pericoloso. Anche se accetta di aiutare Vesper, lo fa solo dopo che lei gli offre le sue vene, permettendogli di prelevare un po’ del suo sangue da usare come moneta di scambio con la cittadella. C’è anche il fatto inquietante che sembra sessualizzare sua nipote, accarezzandole lascivamente il viso quando le chiede di unirsi alla loro comunità, portando Vesper a informarlo che non sarà una delle sue “riproduttrici”.

Alla fine, il suo rapporto con la cittadella lo rende centrale nella trama, poiché Jonas riferisce alla cittadella di aver trovato Camellia. Jonas è dunque uno strumento della cittadella, un collaboratore e, per molti versi, rappresenta un abile promemoria delle metafore di classe insite in Vesper. Jonas adora e detesta allo stesso tempo le cittadelle, facendo da fattorino mentre disprezza il modo in cui lo usano. Alla fine, Jonas viene ucciso dai soldati della cittadella, giustiziato insieme alla maggior parte della sua piccola comunità, liberando così Vesper dai legami che la vincolavano a un vecchio modo di vivere.

La maternità è un tema importante nel film

In una delle prime scene del film, Vesper si interroga su sua madre e su cosa possa averla spinta ad andarsene. Sua madre sembra essere diventata una pellegrina, una di quelle donne velate che vagano nella foresta alla ricerca di rottami metallici. Questi pellegrini hanno enormi paraocchi che coprono il viso, simili a grandi ombrelli, e si crede che un virus li costringa ad abbandonare le loro famiglie e a vagare per la Terra. Ogni volta che Vesper vede uno di questi pellegrini, lo fissa, determinata a trovare sua madre. “Non tornerà”, le dice suo padre con tono severo. Entra poi in scena Camellia, la gentile donna proveniente da una delle cittadelle.

Lei, come Vesper, è orfana di madre. Per gran parte del film, Vesper è circondata da uomini – suo padre, suo zio e i suoi cugini maschi – mentre tutte le donne sono pellegrine senza volto. Camellia e Vesper stringono quindi un legame, ululando come lupi quando Camellia le insegna i versi degli animali, e Vesper condivide il suo interesse per la botanica e il bio-hacking. Alla fine, l’amore di Camellia per la ragazza salva Vesper, che si consegna ai soldati della cittadella. Dopo che Vesper si sveglia e scopre che Camellia se n’è andata, segue i pellegrini – tra cui potrebbe esserci sua madre – fino alla loro torre, utilizzando ciò che queste donne hanno costruito per spargere i semi e, si spera, salvare la Terra.

L’Intelligenza artificiale

Vesper copre molti argomenti per un film di meno di due ore. Alcune scene sono brutali, strazianti e profondamente inquietanti, e rimangono impresse a lungo dopo i titoli di coda. In particolare, l’omicidio di un jug all’inizio del film è un momento scioccante. Nel contesto di questo mondo, l’uccisione di questa persona non è un gran problema, poiché i jug sono considerate creature non intelligenti, prive di sensibilità, al pari di un robot o di un drone. Anche Vesper, una giovane donna gentile e sensibile, non se ne preoccupa. Vesper è così profondamente radicata nella sua visione del mondo che non riesce a vedere la discrepanza tra il modo in cui tratta le sue piante e la sofferenza dei jug.

Per lei, i jug non hanno lo stesso valore delle foglie e dei fiori nella sua serra. Più tardi, quando scopre che Camellia è un jug, Vesper la spinge, tradita dalla falsa promessa che Camellia le aveva fatto di portarli alla cittadella e arrabbiata perché le aveva mentito sulla sua identità. In nessun momento del film c’è un dibattito esplicito sull’intelligenza o la capacità emotiva di questi esseri. Invece, il cambiamento di atteggiamento di Vesper nei confronti di Camellia, il modo in cui la salva quando cerca di farsi del male, è mostrato attraverso le loro azioni reciproche. Anche suo padre, Darius, arriva a rispettare Camellia.

Il tema centrale della speranza

Vesper, nonostante i suoi elementi più cupi, sembra un film per giovani adulti, poiché il mondo è mostrato dalla prospettiva dell’adolescente protagonista. Mentre gli adulti che la circondano hanno una visione cupa della realtà, Vesper mantiene la sua curiosità giovanile e la sua sincera fiducia nella bontà degli altri; è per questo che aiuta Camellia, contro il parere di suo padre. Alla fine del film, Vesper ha perso suo padre, la sua amica (e talvolta figura materna) e suo zio, ma questo non la ferma, anche se è completamente sola al mondo.

Secondo i registi Buozyte e Samper, era fondamentale creare un film che potesse mostrare la bellezza e l’amore, anche nelle situazioni più disperate. In un’intervista rilasciata in occasione dell’uscita del film, Buozyte ha dichiarato: “Il nostro desiderio era quello di realizzare un film sulla speranza. Anche nelle situazioni peggiori e più disperate, se siamo in grado di vedere la bellezza, non sarà facile, ma avremo sempre un motivo per vivere, lottare e cambiare l’ordine delle cose“.

Vesper trasmette un messaggio chiaro da parte dei suoi registi

Questo può dunque essere un film inquietante e sconvolgente, che non esita a mettere a disagio gli spettatori. Tuttavia, per quanto il film possa sembrare cupo, il suo messaggio è essenzialmente di speranza e crede che l’umanità sia capace di cambiare. “La giovane protagonista è ancora in fase di crescita e ha una mente aperta, non accetta le regole prestabilite e non si è adattata al mondo”, spiega Buozyte. “Quindi chi sta crescendo e chi sta cercando il modo di vivere, di andare avanti, di lottare, semplicemente di essere in questo mondo”.

“Volevamo creare un mondo mai visto sul grande schermo e il genere biopunk-fiabesco ci ha dato questa possibilità”, aggiunge Samper. “Abbiamo lavorato su questo universo per diversi anni. Abbiamo fatto molte ricerche sulle innovazioni più recenti nell’architettura organica, nel bio-design, nell’ingegneria genetica e persino nella sessualità delle piante”. Il mondo è cambiato notevolmente negli ultimi dieci anni e questi cambiamenti hanno ispirato Buozyte e Samper a creare una protagonista determinata e pragmatica per Vesper. In un’intervista con Screen Daily, Samper spiega il loro pensiero. “Non cercare una terra promessa utopica altrove”, dice, “ma usa invece le tue radici e la tua ambizione per cambiare la realtà del luogo in cui ti trovi”.

Con Unfriended: Dark Web, il regista Stephen Susco porta avanti il concept inaugurato nel 2014 da Unfriended (qui un approfondimento sul film), primo lungometraggio a sfruttare integralmente l’interfaccia di un computer come spazio narrativo. Anche questa volta, lo spettatore è catapultato dentro uno schermo: finestre che si aprono e si chiudono, videochiamate, notifiche, messaggi. Ma se il primo capitolo flirtava con l’horror soprannaturale, questa seconda iterazione vira con decisione verso il thriller tecnologico, più radicato nella realtà e forse proprio per questo ancora più inquietante.

Il punto di partenza è semplice e disturbante: Matias, un ragazzo alla ricerca di un nuovo portatile, ne trova uno apparentemente dimenticato in un bar. Una volta acceso, però, scopre che il laptop appartiene a qualcuno coinvolto in attività criminali nel dark web. Da lì inizia un incubo digitale che coinvolge anche i suoi amici, riuniti per una videochiamata. A differenza del primo film, dove la minaccia era un fantasma vendicativo, qui il terrore ha un volto più plausibile: hacker, mercati neri, identità rubate. Unfriended: Dark Web mostra un mondo sotterraneo spaventoso proprio perché realistico, fatto di anonimato, voyeurismo e violenza nascosta tra i bit.

Il film affronta tematiche attualissime: la vulnerabilità della nostra vita online, la disumanizzazione dietro lo schermo e il potere devastante dell’anonimato. Il tutto attraverso una regia che sfrutta in maniera creativa i limiti della narrazione “screenlife”, mantenendo alta la tensione nonostante l’azione sia tutta virtuale. Ma è nel finale che Unfriended: Dark Web gioca le sue carte più forti: con una serie di svolte crude e pessimiste, il film spiazza lo spettatore, lasciandolo a interrogarsi sul confine tra vittime e carnefici. Nella seconda parte dell’articolo analizzeremo proprio questo epilogo disturbante, spiegandone i significati e le possibili interpretazioni.

La trama di Unfriended: Dark Web

Matias O’Brian, un ragazzo di vent’anni non udente, fidanzato con Amaya, cerca di sviluppare un software per tradurre il linguaggio dei segni in linguaggio verbale, ma il suo laptop non è abbastanza potente. Un giorno gli si presenta l’occasione giusta per realizzare il suo progetto, perchè trova un pc migliore di quello che possiede, abbandonato da tempo tra gli oggetti smarriti del caffè che frequenta abitualmente. Si collega in videochat dal nuovo dispositivo con i suoi amici di sempre (Nari, Serena, Damon, AJ e Lexx), e gli racconta di aver trovato una misteriosa cartella nascosta con strani file e la possibilità di accedere al Dark Web.

Si tratta di quella parte di rete a cui si entra attraverso software particolari, dove navigano abitualmente hacker e cybersecurity e dove, non essendo rintracciabili, è possibile reperire ogni sorta di materiale illecito. Con gli altri ragazzi inizia ad esplorare i file proibiti e ben presto il gruppo si rende conto che le atrocità commesse ai danni delle persone protagoniste dei video sono reali e loro stessi ne sono divenuti testimoni oculari. Mentre cercano di capire come aiutare le vittime discutendo sul da farsi, la situazione precipita perché compare in videochat il profilo nascosto del proprietario del pc, che reclama il suo computer e minaccia terribili conseguenze per gli ingenui malcapitati.

La spiegazione del finale del film

Il finale di Unfriended: Dark Web è dunque tanto spietato quanto spiazzante, e si articola in diverse varianti, a seconda della versione del film distribuita. In tutte, però, il destino dei protagonisti è segnato da un’escalation di orrore e impotenza, orchestrata da un’organizzazione criminale anonima conosciuta come Il Circolo. Questi hacker, nascosti dietro schermi e identità false, manipolano gli eventi con precisione chirurgica, decidendo chi vive e chi muore come se fosse un gioco. Dopo aver scoperto che il computer che ha trovato appartiene a un membro di questa rete criminale, Matias diventa il bersaglio principale, trascinando nel baratro anche i suoi amici.

Del film esistono molteplici finali. Nella versione per il cinema, Matias corre disperatamente per salvare la fidanzata Amaya, attirata con l’inganno in una trappola. Quando la raggiunge, però, è troppo tardi: la ragazza viene rapita, e lui viene investito da un furgone, lasciato morire mentre i membri del Circle osservano tutto in diretta streaming, votando online se lasciarlo vivere o meno. L’elemento più disturbante è proprio questo: la vita dei protagonisti è ridotta a intrattenimento per un pubblico invisibile, che decide le sorti al di là dello schermo come se stesse partecipando a un reality show.

In un’altra versione alternativa, Matias riesce a localizzare Amaya ma scopre che il messaggio con le coordinate era falso. La trappola si chiude su di lui, e si ritrova rinchiuso vivo in una bara sotterrata, mentre Amaya è destinata a morire altrove. Anche qui, l’orrore è amplificato dall’impotenza assoluta del protagonista e dal cinismo dei suoi aguzzini. In entrambi le versioni cinematografiche, il film si chiude con una rivelazione amara: i responsabili non saranno mai scoperti, e l’anonimato garantito dal dark web li rende onnipotenti.

L’edizione home video di Unfriended: Dark Web aggiunge però due ulteriori opzioni di finale. La prima è la più felice di tutte, poiché sia Matias che Amaya vengono lasciati in vita dopo una votazione dei membri del Circolo. Sembra che alcuni siano rimasti colpiti dalla disponibilità di Matias a negoziare per salvare la vita di Erica, nonostante non la conoscesse prima dell’inizio del “gioco”. Nel secondo finale, invece, Matias viene indotto a credere che Amaya sia stata uccisa, poi lasciato solo con una pistola. Il Circolo scommette a quel punto se si ucciderà o meno, ma il risultato non viene mostrato.

In ogni caso, i finali del film son profondamente pessimisti. Unfriended: Dark Web ci mostra un mondo in cui la tecnologia ha smarrito ogni etica, e dove la connessione digitale diventa una trappola. La violenza non è più figlia del sovrannaturale, ma dell’uomo stesso, nascosto dietro uno schermo. L’orrore del film sta proprio nella plausibilità del suo scenario: chiunque, in qualsiasi momento, potrebbe essere sorvegliato, manipolato, eliminato, senza lasciare traccia. Un messaggio cupo e disturbante, che rispecchia le nostre paure più profonde sull’era digitale.

Hey Joe è il nuovo film diretto da Claudio Giovannesi, noto per opere come La paranza dei bambini e Fiore. Presentato alla Festa del Cinema di Roma, il film segna il ritorno sul grande schermo di James Franco, che interpreta Dean Barry, un veterano americano della Seconda Guerra Mondiale. La storia, ambientata nel 1971, segue Dean mentre torna in Italia per conoscere il figlio nato da una relazione avuta durante la guerra con una giovane napoletana. Il film esplora duunque temi profondi come la paternità, il senso di colpa e la possibilità di redenzione, offrendo una riflessione intensa sulle seconde possibilità nella vita.

Giovannesi, affiancato dagli sceneggiatori Maurizio Braucci e Massimo Gaudioso, costruisce una narrazione che si muove tra il dramma personale e il contesto sociale dell’Italia degli anni ’70. La scelta di ambientare la storia in questo periodo storico consente di esplorare le tensioni tra il vecchio e il nuovo, tra tradizione e modernità, in una Napoli ancora segnata dalla guerra e dalla presenza americana. Il film si distingue per un approccio realistico e toccante, che mette in luce le fragilità umane e la complessità delle relazioni familiari.

Il film è stato elogiato per la sua autenticità e per la rappresentazione sincera di una Napoli lontana dagli stereotipi, grazie anche alla collaborazione con attori locali come Francesco Di Napoli e Giulia Ercolini. Hey Joe si inserisce così nel filone del “neo-neorealismo”, offrendo uno sguardo profondo e umano su una storia di riconciliazione e speranza. In questo articolo, però, ci concentriamo sul suo ambiguo finale aperto, andando a proporre una sua spiegazione e riflettendo su come esso si ricolleghi ai temi principali del film. 

La trama di Hey Joe

Il film racconta la storia di Dean Barry (James Franco), un veterano americano del New Jersey, che ha avuto una relazione con una ragazza napoletana durante la seconda Guerra Mondiale e che ritorna in Italia, a Napoli, all’inizio degli anni ’70, per conoscere suo figlio Enzo (Francesco Di Napoli). Dean vorrebbe recuperare venticinque anni di assenza, ma suo figlio ormai è un uomo, è cresciuto nella malavita, è stato adottato da un boss del contrabbando e non ha nessun interesse per il padre americano. Più riscopropono il loro rapporto e andando verso una riconciliazione, dunque, più la vita criminale di Enzo si metterà di traverso.

La spiegazione del finale

Nel finale di Hey Joe, dunque, Dean Barry riesce finalmente a stabilire un contatto autentico con suo figlio Enzo, dopo una serie di tentativi falliti e incomprensioni. Tuttavia, quando Dean fa l’ardita mossa di invitare suo figlio e la sua famiglia a seguirlo negli Stati Uniti, il padre adottivo di Enzo si dimostra contrario e pone la condizione di un “riscatto” in denaro per dare il suo benestare. Dean si dimostra pronto a pagare la cifra ma l’accordo sfuma e ne consegue un alterco in cui spara al criminale, ferendolo ma non uccidendolo. Da quel momento diventa un ricercato, che si nasconde grazie all’aiuto di Bambi, una giovane prostituta conosciuta in precedenza.

Dopo aver atteso un po’, Dean è pronto a ripartire. L’aeroporto, però, è tenuto d’occhio dagli uomini del boss malavitoso, tra cui Enzo. Sarà proprio quest’ultimo ad individuare il padre in procinto di prendere il suo volo. I due si guardano a lungo e alla fine il ragazzo sceglie di non lanciare l’allarme, permettendo al padre di fuggire. Tuttavia, al momento di salire sull’aereo Dean ci ripensa. Torna indietro alla casa di Bambi e dei due figli di lei, con i quali aveva nel frattempo stretto un buon rapporto.

Non sappiamo se Dean busserà alla loro porta, rientrando così nelle loro vite, ma essendo giunto fino a quel punto è probabile che lo faccia. Questo gesto rappresenta la sua volontà di assumersi la responsabilità delle proprie scelte e di cercare redenzione attraverso la costruzione di un rapporto con una nuova famiglia. Il finale aperto lascia spazio all’interpretazione dello spettatore, permettendo anche di giudicare Dean come uno sconsiderato che rischia, in quanto ricercato, di mettere in pericolo Bambi e i suoi figli.

A prescindere dal giudizio nei suoi confronti, però, Hey Joe esplora il concetto di redenzione e la complessità delle relazioni familiari, in particolare quella tra padre e figlio. Dean, veterano di guerra segnato da traumi e rimorsi, rappresenta una figura paterna assente che cerca di rimediare agli errori del passato. Enzo, cresciuto senza il padre e coinvolto in attività criminali, incarna le conseguenze dell’abbandono e della mancanza di guida. Il loro percorso condiviso verso la riconciliazione evidenzia l’importanza del perdono e della comprensione reciproca.

Inoltre, il film riflette sul tema dell’identità e del senso di appartenenza. Dean, americano in una Napoli degli anni ’70, si confronta con una cultura diversa e con il peso delle sue azioni passate. La città stessa, con le sue contraddizioni e la sua vitalità, diventa un personaggio a sé, influenzando le scelte dei protagonisti e offrendo uno sfondo ricco di significati. Attraverso la narrazione di Dean e Enzo, Hey Joe invita quindi lo spettatore a riflettere sulla possibilità di cambiamento e sulla forza dei legami umani nel superare le difficoltà.

Taylor Hackford, regista noto per Ufficiale e gentiluomo e Rapimento e riscatto, ha nel 1997 diretto il thriller soprannaturale L’avvocato del diavolo. Con questo film, Hackford da forma ad un racconto che mescola elementi legali, psicologici e fantastici, dando vita a una storia intensa e stratificata. Con un cast d’eccezione guidato da Keanu Reeves, Al Pacino e Charlize Theron, il film si basa sull’omonimo romanzo di Andrew Neiderman e si presenta come un’opera di forte impatto visivo e tematico. Ambientato tra la Florida e New York, esso esplora le profondità dell’ambizione, della morale e della corruzione dell’anima, proponendo una visione disturbante ma affascinante del libero arbitrio e della tentazione.

Il personaggio di Kevin Lomax, interpretato da Reeves, è un giovane e ambizioso avvocato che si ritrova invischiato in un mondo scintillante ma moralmente ambiguo, dove il successo ha un prezzo sempre più alto. Il film si muove così tra aule di tribunale e visioni inquietanti, affrontando temi universali come la vanità, il libero arbitrio, l’identità e la lotta tra bene e male. Hackford riesce a raccontare tutto questo con uno stile avvincente, rendendo L’avvocato del diavolo un perfetto esempio di cinema mainstream capace di veicolare riflessioni profonde sotto la superficie spettacolare del racconto.

L’opera è ancora oggi oggetto di analisi e interpretazioni, soprattutto per quanto riguarda il suo sorprendente finale, che chiude la storia lasciando aperti interrogativi cruciali su realtà, manipolazione e coscienza. In questo articolo ci concentreremo proprio sul significato di quel finale, cercando di coglierne le implicazioni filosofiche, religiose e simboliche, e inquadrandolo all’interno della struttura tematica del film e del messaggio che il regista ha voluto trasmettere.

La trama di L’avvocato del diavolo

Protagonista del film è il giovane e promettente avvocato Kevin Lomax, il quale non ha mai perso un caso. Proprio questa vicenda porta Kevin ad essere contattato da un importante studio legale di New York, il quale gli offre una grande somma di denaro per unirsi a loro. A capo dello studio vi è il controverso John Milton, personalità misteriosa e incline alla malvagità. Questi decide di testare le capacità di Kevin affidandogli subito un caso molto complesso. Mentre si trova così impegnato, l’avvocato inizia però a vivere una serie di strani episodi, che lo porteranno a comprendere che l’uomo per cui lavora non è chi sembra essere.

La spiegazione del finale del film

Il finale de L’avvocato del diavolo si snoda attraverso una rivelazione sconvolgente che rilegge in chiave metafisica tutta la vicenda. Dopo aver scoperto l’identità demoniaca di John Milton, che si rivela essere il vero padre di Kevin e dopo aver assistito alla distruzione psicologica e fisica della moglie Mary Ann, Kevin si ritrova di fronte a una proposta di potere assoluto. Milton vuole che il figlio generi con la sorellastra un bambino destinato a governare il mondo, in una sorta di distorto piano messianico. Di fronte a questa prospettiva apocalittica, Kevin compie però un atto estremo di rifiuto: si spara, togliendosi la vita per impedire che il piano venga portato a termine.

È un momento di rottura che sembrerebbe segnare la fine della tentazione e la vittoria del libero arbitrio sulla manipolazione satanica. Ma il film non si ferma lì. In un colpo di scena che scompagina ogni certezza, Kevin si risveglia nel bagno del tribunale in Florida, al termine del primo processo visto nel film. Tutto sembra non essere mai accaduto: la proposta del grande studio legale di New York deve ancora essere fatta. Kevin, armato di una nuova consapevolezza, rifiuta l’offerta per restare fedele alla sua etica. Sembra la conclusione catartica di un viaggio morale, ma ecco che il giornalista che ha seguito il caso lo convince a concedergli un’intervista.

Subito dopo, però, il giornalista si trasforma di nuovo in John Milton, rompendo la quarta parete e chiudendo il film con un beffardo “Vanità… decisamente il mio peccato preferito”. È chiaro a questo punto che la tentazione non ha fine, e che Milton è ovunque e sempre pronto a sfruttare le debolezze umane. Questo finale pone inoltre domande inquietanti. È tutto un sogno? Un’allucinazione? O siamo dentro un ciclo di prova e fallimento dove il libero arbitrio viene testato continuamente? La struttura narrativa suggerisce una dimensione allegorica più che realistica.

L’intero film potrebbe essere letto come una prova morale, una sorta di “tentazione nel deserto” per un uomo moderno, dove la posta in gioco non è solo l’anima del protagonista, ma la possibilità stessa di resistere alla corruzione sistemica. Kevin rifiuta il potere, ma la vanità lo afferra da un altro lato. È un’espressione moderna del male come presenza sottile, insinuante, capace di travestirsi da successo, fama, riconoscimento. Tematicamente, il finale completa dunque un discorso sull’identità e sull’etica personale che attraversa tutto il film. Il male, nella visione di Hackford e Neiderman, non è un’entità esterna con corna e zoccoli, ma una componente intrinseca all’ambizione umana.

John Milton è la personificazione di questa verità: affascinante, colto, irresistibile. Il suo monologo finale è una dichiarazione d’intenti che espone la vulnerabilità dell’essere umano nella società capitalista e competitiva. La vera battaglia non si combatte tra bene e male in senso assoluto, ma tra l’integrità e la vanità, tra il fare la cosa giusta e il desiderio di essere ammirati. Così, il film chiude il cerchio in modo ambiguo e perturbante, lasciando lo spettatore con l’impressione che la tentazione sia ovunque — e che, molto probabilmente, nessuno è davvero al sicuro.