Nei film di Riley Stearns, l’emozione è un bene usato con parsimonia. L’umorismo spietato è il tono emotivo costante utilizzato in tutto il film, mentre esplora le interazioni umane e le loro sfumature in tutta la loro goffa alacrità. In Dual – Il clone, Stearns prende una premessa essenzialmente fantascientifica e ne esplora l’interno, sia il nucleo emotivo della protagonista che la presenza emotiva del mondo intorno a lei, che interagisce grazie alla sua presenza e a quella del suo clone, e come il mondo decide di accettare l’esistenza di una sola di loro. Il finale lascia poi in sospeso alcuni dubbi, che cerchiamo di chiarire in questo approfondimento.

La trama di Dual – Il clone

Il film è ambientato in un futuro prossimo e racconta la storia di Sarah (Karen Gillan), una donna che scopre di essere una malata terminale. Dopo la diagnosi, Sarah decide di procedere con una clonazione di se stessa, così da non causare un grande dolore alla sua famiglia in seguito alla sua morte. Una volta che il clone è stato creato, la donna insegna all’altra sé a comportarsi come lei o, meglio, a essere lei. Quando, però, Sarah si riprende, guarendo miracolosamente, si rende conto che ora che la sua vita non è più a rischio, non ha bisogno del suo clone. È così che cerca di liberarsi dell’altra, ma inutilmente.

Infatti, nella società del futuro non possono co-esistere a lungo un umano e il suo clone. Uno dei due deve essere eliminato e viene decretato che a continuare a vivere sarà quello che vincerà un duello all’ultimo sangue. Determinata a sconfiggere il suo doppio, Sarah inizia a prendere lezioni da Trent (Aaron Paul), noto per essere uno specialista delle lotte tra replicanti. Ha dunque per lei inizio un duro addestramento necessario alla sua sopravvivenza. Con lo scontro sempre più vicino, Sarah dovrà dunque lottare per affermarsi come l’unica versione possibile di sé.

La spiegazione del finale del film

Verso il finale del film, Sarah insegue il suo clone fino a un parco giochi. Qui, però, le due si siedono l’una accanto a l’altra e finalmente parlano della loro vita. Il clone afferma che capisce finalmente perché Sarah era depressa e successivamente la porta ad un gruppo di sostegno, dove i sopravvissuti ai duelli tra cloni confessano i loro sentimenti di sindrome dell’impostore e senso di colpa. Secondo le regole del gruppo, i sopravvissuti scrivono una lettera alla loro controparte uccisa, descrivendo i loro sentimenti in quel momento. Il clone di Sarah scrive una lettera eloquente in cui si assume tutte le colpe e accusa quel sistema crudele che non permette a entrambe le versioni di una persona di esistere.

Di conseguenza, entrambe progettano di fuggire dal confine e di vivere una vita libera dalle costrizioni imposte. Il mattino seguente, dopo aver guidato fino alla periferia della città, Sarah e il suo clone initraprendono un’escursione in una foresta. Nel bel mezzo dell’escursione, però, Sarah si rende conto che il suo clone l’ha ingannata e, nella sua natura fiduciosa, ha bevuto l’acqua dalla bottiglia del suo doppio, che era stata avvelenata. La scena si sposta poi nel parco giochi dove avrebbe dovuto svolgersi il duello. Vediamo “Sarah” zoppicare nel parco giochi e dirigersi verso l’arbitro, che la informa che il suo “clone” è fuggito, dando automaticamente forfait al duello.

Viene quindi condotta un’indagine che consiste nel chiedere alla sua famiglia se credono che quella “Sarah” sia davvero l’originale, e la famiglia risponde affermativamente, perché ha già dimostrato in passato di preferire il clone più dell’originale. Così, questa nuova versione di Sarah è libera di prendere completamente in mano la sua vita. Tuttavia, ben presto si ritrova presto a sua volta depressa perché la vita che condivide con Peter e la madre la abbatte come era successo all’originale. Il film si conclude dunque con lei che, emotivamente distrutta, capisce di essersi ritrovata costretta a vivere una vita che non ha mai scelto.

Ci sono tuttavia anche teorie che credono che sia stata la vera Sarah a sopravvivere e non il clone. Queste teorie non spiegano come possa essere sopravvissuta dopo essere stata avvelenata, ma si ritiene che Sarah abbia ingannato le persone che la circondavano, tornando in società spacciandosi però per il suo clone. Secondo questa teoria, avrebbe fatto quindi credere alla madre che lei è il clone, da cui lo stratagemma delle lenti a contatto. Alla fine del film, dunque, la si vedrebbe piangere perché non solo si rende conto di essere tornata alla sua vita, ma anche che sua madre ama il sosia e non lei. Tuttavia, è molto più probabile la versione in cui sia il clone a sopravvivere.

Si comprende come Dual – Il clone presenti diverse somiglianze con gli episodi di Black Mirror, mostrando un mondo in cui il progresso della tecnologia e della fantascienza viene utilizzato per usi che vanno oltre le norme tradizionali della progressione umana. Qui, la prospettiva della clonazione, pur sembrando un’idea promettente sulla carta, viene percepita e mostrata come un metodo molto più contorto per evitare il confronto con sentimenti fondamentali come il dolore. Invece di accettare e cercare di superare la perdita di un individuo, questo futuro preferisce accettare una versione clonata dello stesso individuo.

E il regista mostra sottilmente che la situazione non è così rosea come la pubblicità intende rappresentare, poiché anche il fondatore dell’azienda che ha sperimentato la tecnologia è stato un clone per 12 anni. Tuttavia, nel finale della pubblicità, lo vediamo avvicinarsi per un bacio con la moglie, che lo allontana sottilmente. Come contrappunto, vediamo che la Sarah originale viene messa da parte per un modello più nuovo e forse molto più “pulito”, il che è un risultato accettabile per la sua famiglia, ma progressivamente il clone sviluppa quella stessa fase di depressione e insoddisfazione che aveva afflitto la Sarah originale.

È un pensiero che fa riflettere: l’incapacità di Sarah di affrontare la sua depressione e il venir meno del rapporto con la sua famiglia hanno contribuito alla creazione del clone. La presenza del clone aggrava la sua depressione. Si potrebbe sostenere che Sarah sia stata più felice quando si è allenata per più di un anno o quando ha ripreso le lezioni di danza hip-hop, perché le ricordavano una versione di sé che credeva di aver perso. Ma prima che potesse prendere atto di questa consapevolezza e continuare questo ragionamento, è stata avvelenata dal suo clone, che voleva conquistare la sua singolare identità.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Dual – Il clone grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 24 gennaio alle ore 21:20 sul canale 20 Mediaset.

Diretto da Phil Claydon, il film del 2016 Within – Presenze porta gli spettatori all’interno di una casa che si rivela essere stata teatro di indicibili orrori. Un soggetto apparentemente visto e rivisto, ma che il regista sviluppa in modo nuovo a partire da una serie di suggestioni ispirate da eventi reali. Si costruisce così un film che suscita numerosi brividi ed offre un finale tutt’altro che conciliante ma che anzi nutre quella paura silenziosa del non essere del tutto al sicuro neanche all’interno della propria abitazione. In questo articolo, approfondiamo dunque le dinamiche di questo finale.

La trama di Within – Presenze

Hannah (Erin Moriarty) si trasferisce in una nuova casa con il padre John (Michael Vartan) e la matrigna Melanie (Nadine Velazquez). John sostiene di averla comprata a poco prezzo perché la famiglia precedente non ha pagato il mutuo ed è stata sfrattata. Nella nuova abitazione, però, Hannah sperimenta un’attività apparentemente paranormale: sente dei suoni di notte, i mobili vengono continuamente spostati e i suoi oggetti personali scompaiono. Facendo un po’ di ricerche, scopre che una famiglia che ha vissuto lì in precedenza è stata uccisa nella casa.

Un uomo, in un raptus di follia, ha infatti ucciso la moglie e la figlia, dopo di che, è scomparso misteriosamente. È quindi questo il reale motivo per cui la casa era così economica. Piano piano, dunque, le presenze sembrano manifestarsi in modo sempre più aggressivo e la famiglia si ritrova così intrappolata in un terribile incubo, in cui il passato sanguinoso della casa sembra tornare a galla e vendicarsi nel peggiore dei modi nei confronti di quei nuovi inquilini.

La spiegazione del finale del film

Hannah riesce dunque a convincere il padre che c’è qualcosa di sinistro in quella casa. John chiama la polizia, che stabilisce che il fabbro del quartiere si è introdotto in casa loro, ma non riescono a localizzarlo. Il fabbro entra poi in casa per derubare la famiglia di Hannah e inizia a spiare la ragazza, che si sta vestendo per un appuntamento. Mentre il fabbro la osserva, però, una presenza scheletrica scende dalla soffitta e lo uccide. Più tardi, la stessa presenza spettrale rapisce il fidanzato di Hannah mentre cerca di uscire di nascosto dalla casa. La presenza si intrufola anche nella camera da letto di Hannah di notte per guardarla dormire.

Nel frattempo, Hannah continua le sue ricerche sui precedenti abitanti di quella casa e rovistando tra i loro oggetti che ha trovato abbandonati nel garage scopre che la famiglia aveva un figlio di nome David (Dorian Kingi), agorafobico. Leggendo le relazioni psichiatriche di David, scopre che era in cura per tendenze omicide che si manifestavano ogni volta che stavano per verificarsi grandi cambiamenti nella vita. Hannah racconta la sua scoperta ai genitori, che le promettono di chiamare l’ospedale psichiatrico contenuto nelle cartelle per avere la conferma che David è ancora ricoverato.

In realtà, David non è mai andato in ospedale. Ha ucciso la sua famiglia prima di essere internato e da allora vive nella casa. Ha infatti costruito un muro finto in soffitta e si muove nei condotti dell’aria e all’interno delle pareti. È dunque David la presenza spettrale che ha ucciso il fabbro e rapito il fidanzato di Hannah. Capendo che la famiglia lo sta cercando, egli passa ora all’attacco. La famiglia lo respinge e chiama la polizia mentre David si ritira in soffitta. La polizia lo raggiunge lì e gli spara, ponendo fine alla minaccia.

La polizia dice alla famiglia che sono al sicuro e porta il cadavere David all’ospedale. Hannah e i suoi genitori, invece, iniziano a fare i bagagli per lasciare la casa, turbati da quegli eventi. Viene però rivelato che la polizia ha in realtà sparato al fidanzato di Hannah, che David aveva tenuto legato in soffitta. David è quindi ancora in casa e uscendo di nuovo allo scoperto rapisce Hannah. Melanie e John si rendono subito conto che Hannah è intrappolata tra le mura e si adoperano per salvarla. Nonostante riescano a liberarla, però, David li uccide entrambi.

Hannah, ferita nella fuga, cerca di strisciare verso la porta d’ingresso. Quando la raggiunge, però, David appare alla sue spalle, le afferra una gambe e la trascina nuovamente dentro l’abitazione. Il film termina così con Hannah che urla, invano, mentre va incontro ad un destino incerto ma senz’altro orribile. Conclusosi il film, infine, viene poi riportato un testo che ci dice che, dopo la crisi immobiliare del 2008, gli abusivi che vivono nascosti nelle case sono aumentati in modo esponenziale. Il film si basa dunque su questa problematica per dar vita ad un horror con un finale tutt’altro che lieto.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Within – Presenze grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes e Tim Vision. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 24 gennaio alle ore 21:15 sul canale Italia 2.

L’attore Jason Statham è unanimemente considerato una delle grandi icone del cinema d’azione. Negli anni si è infatti affermato grazie a titoli come Crank, Parker, Safe, Blitz, Death Race e il recente Hobbs & Shaw. A dare origine alla sua fama è però stato in particolare il film del 2002 The Transporter, dove dà vita ad esperto nel trasporto di pacchi supersegreti, dai contenuti talvolta compromettenti. Dato il buon successo dei primi due film, nel 2008 è arrivato al cinema il terzo capitolo, Transporter 3, diretto stavolta dal regista francese Olivier Megaton, con alla sceneggiatura Robert Mark Kamen e il celebre Luc Besson, autore di film come Lucy o Anna.

Come nei primi due, anche all’interno di questo terzo capitolo si ritrovano tutte le caratteristiche per cui Statham e la saga sono poi diventati celebri. Dagli spericolati inseguimenti ai combattimenti coreograficamente spettacolari, da un’inaspettata comicità alla presenza non scontata di certi sentimenti. Con un budget di circa 30 milioni di dollari, Transporter 3 è arrivato a guadagnarne più del doppio in sala, arrivando ad un risultato complessivo di circa 77 milioni. Pur ufficialmente conclusasi qui la trilogia, tale successo ha spinto i produttori a far tornare il personaggio protagonista anche in altre opere più o meno ispirate a tali film.

Per tutti gli appassionati di tale genere, Transporter 3 è ancora oggi una pellicola imprescindibile, ricca di suspence e colpi di scena. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e ai suoi sequel. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di Transporter 3

Reduce dagli esplosivi avvenimenti dei precedenti film, Frank Martin è ora tornato in Francia per continuare la sua attività di consegna di merce illegale. Ancora una volta però si trova a dover fare i conti con i pericoli di questo mestiere. L’uomo viene infatti costretto da un criminale chiamato semplicemente Johnson a fare una consegna molto particolare. A rendere più complicata la cosa vi è il fatto che al polso di Frank viene applicato uno bracciale molto particolare. Se egli si allontanerà di oltre 24 metri dall’auto contenente i pacchi, infatti, questo esploderà uccidendolo sul colpo.

Durante il viaggio, Frank scopre però che oggetto del pacco è ancora una volta una persona rapita. Questa è Valentina, figlia di un ministro ucraino e sequestrata al fine di convincere il politico a firmare un accordo per un traffico di navi cariche di rifiuti tossici. Impossibilitato ad intervenire, Frank si trova a dover andare fino in fondo alla sua consegna. Nel momento in cui però gli uomini di Johnson tenteranno di ucciderlo senza successo, egli decide di dare la caccia alla banda di criminali, nel tentativo di salvare la ragazza e impedire che il traffico illegale avvenga. Ora più che mai però, Frank si troverà a rischiare seriamente la propria vita.

Il cast del film

Come giù anticipato, ad interpretare il protagonista vi è nuovamente l’attore Jason Statham. Noto per la grande preparazione fisica che dedica ad ogni ruolo, questi decise di allenarsi a lungo prima delle riprese al fine di poter eseguire la maggior parte delle scene più complesse, senza dover ricorrere a controfigure. Allo stesso modo, è lui in persona ad eseguire le spericolate acrobazie al volante presenti nel film. Per recitare nel film, però, egli si trovò a dover anche imparare attività a lui nuove. Soddisfatto dal risultato anche di questo terzo capitolo, l’attore affermò di non voler rischiare di rovinare tutto con un ulteriore film, e che pertanto non avrebbe ripreso il ruolo. L’unico attore dei precedenti film, oltre a Statham, a riprendere il proprio ruolo è François Berléand, che ricopre ancora una volta i panni del detective Tarconi.

Ad interpretare Valentina, la ragazza rapita, è l’attrice Natalya Rudakova, statunitense di origini russe. Questa ottenne la parte in modo del tutto imprevisto, in un modo che sembra poter accadere soltanto nella fantasia. Lavorando in un salone di bellezza, questa si imbatté per caso nel regista Luc Besson. Colpito dalla sua presenza, questi decise di offrirle la possibilità di un provino per il film, nonostante la Rudakova non avesse alcuna esperienza recitativa. Dopo aver preso qualche lezione a riguardo, si presentò ai provini ottenendo la parte. L’attore Robert Knepper, noto per aver interpretato Theodore Bagwell in Prison Break, è invece il criminale Johnson. Un ruolo per il quale l’attore ha tratto ispirazione per il look dallo scrittore Ernest Hemingway.

I sequel del film

La trilogia di film con protagonista Statham si è così conclusa con questo Transporter 3. Ma la saga è poi continuata con altri titoli pronti a rielaborare l’universo narrativo qui forgiato. In particolare, nel 2015, è stato realizzato un reboot del primo film, intitolato The Trasporter Legacy, e con protagonista nei panni di Frank Martin l’attore Ed Skrein. Ancora una volta il film si è affermato con un buon successo, con un incasso di 72 milioni di dollari a fronte di un budget di 22. Prima di questo reboot era però stata realizzata Transporter: The Series. Ideata sempre da Besson, e composta da due stagioni per un totale di 24 episodi. Ad interpretare il protagonista è qui l’attore Chris Vance, noto per le serie All Saints e Prison Break.

Il trailer di Transporter 3 dove vederlo in streaming e in TV

Prima di vedere tali opere, è possibile fruire di Transporter 3 grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Infinity+, Apple iTunes e Tim Vision. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 24 gennaio alle ore 21:20 sul canale Italia 1.

La musica gioca un ruolo cruciale e creativo nel musical poliziesco Emilia Pérez. Poiché gran parte della storia è raccontata attraverso vari stili e generi musicali eseguiti dal cast di Emilia Pérez, le canzoni originali diventano una parte essenziale e una forza trainante della narrazione complessiva. Diretto dal regista francese Jacques Audiard (Ruggine e ossa, The Sisters Brothers), il film mescola generi musicali innovativi e coreografie infuse in una storia straziante di desiderio e rimpianto inappagato. Molte delle canzoni originali della colonna sonora di Emilia Pérez sono state scritte e interpretate dalla cantante francese Camille.

Emilia Pérez è un adattamento libero del romanzo Écoute di Boris Razon del 2018. La storia segue la Rita Moro Castro di Saldaña, un avvocato difensore di Città del Messico che cerca di fare la differenza e che si imbatte in un’opportunità insolita ma redditizia da parte del boss del cartello Manitas Del Monte, mentre mira a realizzare il sogno della sua vita di trasformarsi in una donna. Le recensioni per lo più favorevolidi Emilia Pérez ne hanno fatto un primo candidato al premio per il miglior film e hanno anche generato un interesse per l’Oscar alla migliore attrice per Gascón e alla migliore attrice non protagonista per Saldaña. Anche la colonna sonora ufficiale è in lizza per la migliore colonna sonora originale e la migliore canzone originale.

Tutte le canzoni di Emilia Pérez: ordine e significato

“Subiendo (Part 1)” di Camille, Clément Ducol & Mexican Choir: Questa canzone eterea e d’atmosfera suona all’inizio di Emilia Pérez ed è presente in varie parti del film, spesso durante le scene di transizione sopra le inquadrature di ambientazione del paesaggio.

“El Alegato” di Zoe Saldaña: È il primo numero musicale eseguito nel film e si svolge intorno ai 5 minuti. La Rita di Zoe Saldaña canta del caso a cui sta lavorando come avvocato difensore che le impone di dimostrare l’innocenza di un uomo che lei ritiene colpevole dell’omicidio della moglie, Gabriel Mendoza. Il brano dimostra come Rita tenga a un processo giudiziario più nobile e come molti atti di violenza possano rimanere senza conseguenze, in parte perché lei è così brava nel suo lavoro.

“Todo y Nada” di Zoe Saldaña: Rita canta questa canzone mentre riceve una misteriosa chiamata da Manitas in un bagno, intorno al minuto 11:30 di Emila Pérez. È accompagnata da un gruppo di custodi donne in sottofondo. L’attrice riflette se seguire o meno le minacciose istruzioni del chiamante per incontrarsi e guarda anche alla cupa traiettoria della sua vita se scegliesse di non rispondere a questa opportunità.

“El Encuentro” di Karla Sofía Gascón: Manitas sussurra questa breve canzone mentre fa la sua offerta a Rita in un unico respiro intorno ai 17 minuti. Chiarisce che una volta che Rita avrà accettato la sua offerta non si potrà più tornare indietro.

“La Vaginoplastia” di Zoe Saldaña: Intorno al minuto 20:30, Rita canta questa memorabile canzone a Bangkok, in Thailandia, mentre si informa sulle varie procedure a cui Manitas deve sottoporsi per trasformarsi in una donna. Si informa sui vari interventi necessari e sui prezzi, in modo da poter riferire a Manitas.

“Lady” di Zoe Saldaña & Mark Ivanir: Intorno al minuto 25, Rita canta questo duetto con il dottor Wasserman di Mark Ivanir, mentre lo convince a farsi carico delle varie operazioni che Manitas deve fare per diventare Emilia Pérez. Il dottore vuole assicurarsi che Manitas lo stia facendo per le giuste ragioni, mentre Rita sostiene l’importanza di cambiare l’“anima” per cambiare la “società”.

“Deseo” di Camille & Karla Sofía Gascón: Manitas canta questa canzone esprimendo il suo desiderio di essere “lei” intorno ai 34 minuti. È essenzialmente il canto del cigno di Manitas che dice addio alla sua vecchia vita e alla sua famiglia.

“Swing Supreme” di Robbie Williams: questa canzone del 2013 del cantante inglese Robbie Williams suona intorno al minuto 42, quando il film avanza di quattro anni nel futuro, quando Rita incontra nuovamente Emilia a Londra.

“Por Casualidad” di Camille, Karla Sofía Gascón e Zoe Saldaña: Questa canzone suona intorno al minuto 45, quando Emilia spiega a Rita perché l’ha cercata di nuovo. Spiega che non si sono incontrate per caso e che vuole che Rita la aiuti a ricongiungersi con i suoi figli in Messico.

“Bienvenida” di Selena Gomez: la prima delle due canzoni originali di Selena Gomez in Emilia Pérez arriva intorno al minuto 52. Il suo personaggio, Jessi, canta e si esibisce in una canzone che è un’altra. Il suo personaggio, Jessi, canta e balla nella sua nuova camera da letto a casa di Emilia dopo essere tornata in Messico con i suoi figli. Jessi esprime la sua infelicità nel tornare in Messico con Emilia, la cugina di Manitas, e si sente intrappolata dai suoi beni. Descrive i vari lussi che le vengono offerti come metodi per mantenerla felice e ferma.

“Mis Siete Hermanas y Yo” di Xiomara Ahumada Quito: Questa canzone appare intorno al minuto 56, quando una donna distribuisce volantini per il figlio scomparso. Questo ispira Emilia a dedicare la sua vita alla ricerca di persone scomparse con l’aiuto di Rita.

“Papá” di Juan Pablo Monterrubio & Karla Sofía Gascón: Questa canzone suona circa un’ora dopo Emilia Pérez, quando il figlio di Emilia canta di come gli manchi suo padre Manitas. Inoltre, fa notare come la zia Emilia gli ricordi il padre, in particolare per il suo odore.

“Para” di Aitza Terán, Iván Ruiz de Velasco e Coro messicano: Questa canzone suona intorno al minuto 1 e 7, mentre decine di persone si offrono volontarie per aiutare a trovare le persone scomparse attraverso la fondazione di Emilia, La Lucecita. Un paio di volontari spiegano perché dedicano il loro tempo alla ricerca delle oltre 10.000 persone scomparse nella zona, dicendo che vogliono permettere ad altri di piangere i morti e di fare del bene alla società di fronte al male.

“Amor a Primera Vista” di Belinda, Lalo e Los Ángeles Azules: Questa canzone è presente in 1 ora e 10 minuti di canzone quando viene presentato Gustavo, l’amante di Jessi. Jessi viene mostrata mentre viene accompagnata nella sua auto e sembra essere profondamente innamorata di Gustavo mentre sorride e guida.

“El Mal” di Camille, Zoe Saldaña e Karla Sofía Gascón: Questa canzone suona intorno al minuto 1 e 17 mentre Emilia tiene un discorso a un evento di raccolta fondi per La Lucecita di fronte a una folla di politici corrotti, giudici e personaggi pubblici. Il testo e la coreografia di Rita mettono a nudo i vari crimini di queste persone ricche e potenti e l’ipocrisia di chiedere loro denaro per la loro buona causa.

“El Amor” di Camille, Karla Sofía Gascón e Adriana Paz: Questa canzone, che dura circa 1 ora e 27 minuti, descrive cosa significhi amare una vita divisa e piena di segreti. Dentro di sé si sente più vera che mai, ma per il mondo è scoperta solo a metà da tutti, tranne che da Rita.

“Mi Camino” di Selena Gomez: questa canzone originale di Selena Gomez e scritta da Camille e Clément Ducol viene eseguita intorno all’ora e 33 minuti. È molto probabile che la canzone concorra per l’Oscar alla migliore canzone originale nel 2025, poiché rappresenta i temi principali dell’amore e dell’identità di tutti e tre i personaggi principali del film.

“El Trio” di Karla Sofía Gascón & Zoe Saldaña: Questa canzone appare intorno all’ora e 33 minuti in Emilia Pérez. Rita riceve le telefonate di Jessi ed Emilia che le chiedono soldi e figli. Rita cerca di mitigare la situazione, ma Jessi ed Emilia sono in forte contrasto tra loro.

“Perdóname” di Camille & Karla Sofía Gascón: Emilia canta questa ballata confessionale a Jessi durante il momento culminante del film, intorno all’ora e 55 minuti. Durante una sparatoria per scambiare Emilia con milioni di dollari, Emilia dice a Jessi di essere stata suo marito Manitas, sconvolgendo completamente il mondo di Jessi.

“Las Dama que Pasan” di Adriana Paz & Mexican Choir: Questa canzone suona alla fine di Emilia Pérez, intorno alle due ore, quando frotte di persone camminano per le strade per ricordare la vita e l’eredità di Emilia dopo la sua morte. Emilia è venerata e ricordata come una figura di santa.

Dove ascoltare la colonna sonora di Emilia Pérez

La colonna sonora ufficiale completa di Emilia Pérez è disponibile in streaming su Apple Music e Spotify. Ogni canzone è disponibile gratuitamente anche su YouTube. La colonna sonora completa ha una durata di 1 ora e 32 minuti e contiene tutte le canzoni originali del film, compresi i due nuovi brani di Selena Gomez. La colonna sonora di Emilia Pérez contiene anche versioni alternative di alcune canzoni non presenti nel film e l’intera colonna sonora originale di Clément Ducol e Camille.

Il finale di Emilia Pérez, commedia musicale poliziesca nominata a 11 Oscar, vede la protagonista e la madre dei suoi figli, Jessi, alla fine della loro strada. Diretto dal regista francese Jacques Audiard (Rust and Bone, The Sisters Brothers), il film, che mescola i generi, offre numeri musicali e coreografie innovative infuse in una storia straziante di desiderio e rimpianto inappagato. Il film è un adattamento libero del romanzo Écoute di Boris Razon del 2018 ed è la candidatura ufficiale della Francia come miglior film internazionale ai prossimi 97° Academy Awards, che si terranno il 2 marzo 2025.

Il talento combinato di Zoe Saldaña, Karla Sofía Gascón e Selena Gomez ha guidato il cast di Emilia Pérez. Emilia Pérez (la nostra recensione) ha vinto il Premio della Giuria e il premio per il miglior ensemble di attrici al Festival di Cannes 2024, dove è stato presentato in anteprima mondiale a maggio. La colonna sonora di Emilia Pérez è uno dei punti salienti del film, nonché il cuore e l’anima della narrazione, in definitiva tragica. Sebbene Emilia Pérez si svolga in diverse località, il film è stato girato principalmente negli studi di Parigi, in Francia. Anche se Emilia ha mostrato un’immensa crescita nella sua nuova vita, il suo bisogno di controllo e l’incapacità di separare la sua felicità dalla famiglia l’hanno portata alla rovina.

Perché Emilia, Jessi e Gustavo muoiono nel finale di Emilia Pérez

Emilia ha scoperto nel modo più duro di non mettersi contro Jessi e il suo stile di vita, che si basava sull’accesso alla grande quantità di denaro che Mantias aveva lasciato per lei e i loro figli. Nel momento in cui Emilia ha invitato Jessi e i loro figli a vivere nella sua villa in Messico, Jessi ha capito che c’erano dei vincoli, sotto forma di manette firmate, come esprime con amarezza nella canzone “Bienvenida”. Jessi riesce a nascondere la sua rabbia per il controllo finanziario di Emilia fino a quando non rivela di voler sposare Gustavo e vivere con lui altrove con i bambini, cosa che fa infuriare Emilia a tal punto da farle quasi saltare la copertura.

Gustavo non è un personaggio importante in Emila Pérez, ma rappresenta la persona che taglierà l’accesso diretto di Emilia ai suoi figli. Emilia manda la sua guardia del corpo a picchiare Gustavo dopo che questi ha minacciato fisicamente Jessi sul letto. Questo porta Jessi a fuggire con i bambini alla prima occasione possibile e le due diventano feroci rivali. Jessi arriva al punto di permettere ai soci di Gustavo di tagliare tre dita a Emilia. Quando Emilia rivela a Jessi la sua vera identità, cade immediatamente nello shock e nel rimpianto. Jessi fa un ultimo tentativo per proteggere Emilia mentre è rinchiusa nel baule. Sfortunatamente, la sconsiderata aggressività di Jessi costringe Gustavo a lanciarsi da un dirupo, causando la morte di tutti e tre nell’auto in fiamme.

Perché Emilia non potrebbe vivere senza i suoi figli

Emilia ha avuto il meglio dei due mondi quando Jessi e i loro figli hanno vissuto con lei in Messico. Come canta nella canzone “El Amor”, è profondamente combattuta dal fatto di poter essere solo la metà di se stessa, con Mantias essenzialmente nascosto in bella vista. Anche se Emilia ha sopportato di nascondere l’amore paterno per i suoi figli, poterli vedere ogni giorno era la scelta migliore. Non è chiaro quanto Emilia credesse che questa dinamica sarebbe durata, ma è stata completamente spiazzata dall’annuncio di Jessi di voler portare i bambini a vivere con Gustavo. Emilia apparentemente pensava che i bambini avrebbero vissuto con lei per tutta la loro infanzia.

Cosa succede ai figli di Emilia e a Rita

Nella canzone “Todo y Nada”, all’inizio del film, Rita esprime il desiderio di avere dei figli e di trovare un padre, ma sente di non avere tempo per farlo. La morte di Emilia e Jessi offre a Rita l’opportunità di essere madre come desiderava da tempo. Sebbene Rita non facesse ovviamente il tifo per questo risultato, è evidente che i figli di Emilia e Jessi saranno in mani sicure con lei. È probabile che si fermino nella villa di Emilia in Messico o che tornino in Svizzera, dove i ragazzi amano sciare. Rita potrebbe anche portarli a Londra, dove ha iniziato una nuova vita dopo aver aiutato Manitas. A causa delle loro origini messicane, tuttavia, è probabile che rimangano qui.

Perché Emilia non ha detto prima la verità a Jessi

Emilia era cresciuta molto come persona dopo la sua transizione, in particolare come membro positivo della comunità che cercava di riparare ai torti del suo passato. È deludente che non le sia mai passato per la testa di avvicinarsi a Jessi con il cuore aperto e chiederle compassione per la sua transizione. Sarebbe stata probabilmente una strategia migliore per mantenere l’accesso ai suoi figli, invece di fare di Jessi un’arcinemesi e cercare di controllare la situazione con la forza bruta. Il film mostra tragicamente una regressione totale dello sviluppo morale di Emilia, cancellando quasi tutti i passi compiuti verso la guarigione e il perdono per la sua vita di crimini e violenze. Alla fine, l’orgoglio di Emilia ha soffocato tutti i suoi cambiamenti positivi.

L’eredità di Emilia e la spiegazione dell’impatto sulla sua comunità

Per la comunità in generale, tuttavia, Emilia esiste come figura esemplare. Molte persone cantano per lei nelle strade dopo la sua morte, onorandola come una santa per il lavoro svolto con la sua fondazione per le persone scomparse, La Lucecita. C’è una grande ironia nel fatto che la comunità pianga e celebri la vita di Emilia quando in realtà conosce solo metà del quadro. Manitas era un pericoloso e temuto boss responsabile di molte delle persone scomparse.

L’unica persona che lo sapeva era Rita, il che rende in qualche modo sorprendente il fatto che Emilia non abbia mai cercato di mettere a tacere Rita in modo definitivo dopo averla incontrata di nuovo a Londra. Emilia meritava probabilmente un riconoscimento per i cambiamenti apportati negli ultimi anni, sia per se stessa che per la sua comunità. Tuttavia, queste persone probabilmente non avrebbero venerato la sua eredità con la stessa passione se avessero saputo la verità.

Il vero significato del finale di Emilia Pérez

Il finale di Emilia Pérez sfida lo spettatore a considerare il valore morale di Emilia in contrasto con i mali della Manitas. Richiama domande come “Emilia è stata redenta?” e “Meritava un addio così emozionante e appassionato?”. Una cosa è avere un impatto positivo sulla comunità, ma una cosa completamente diversa è considerare la vita di crimini e violenze che cerca di coprire. Anche quando Emilia ha iniziato La Lucecita, c’era la sensazione che fosse un’iniziativa più autoreferenziale che altruistica, poiché mirava ad assolvere se stessa dalla sua vita passata. Paragonare Emilia a una santa sarebbe un insulto ai veri leader della comunità, che non hanno avuto bisogno di lasciarsi alle spalle una vita di crimini prima di fare la differenza nella società.

L’impatto di Emilia sulla sua comunità in Emilia Pérez è simbolico dell’impatto che sta silenziosamente avendo come donna trans. Come Rita spiega al dottor Wasserman nella canzone “Lady”, “cambiare l’anima cambia la società”, che è effettivamente ciò che Emilia ha fatto per il problema delle persone scomparse. Tuttavia, Emilia non si batte per la sua causa più immediata, l’uguaglianza dei trans, e rimane invece in silenzio sulla sua transizione e sulla sua vera identità, dato che ha dovuto nascondersi come la criminale Manitas e “disonorare” il nome della sua famiglia. Sostenere apertamente i diritti e l’uguaglianza dei trans rischierebbe di far saltare la sua copertura, quindi trovare un’altra causa di cui diventare il volto è stato il suo modo di onorare silenziosamente la sua comunità più vera in Emilia Pérez.

Bob Dylan ha continuato a creare musica dopo una pausa quasi decennale dalle tournée in seguito agli eventi di A Complete Unknown. Interpretato da Timothée Chalamet nei panni del leggendario cantautore folk Bob Dylan, A Complete Unknown è uscito nelle sale italiane questo weekend. Il cast di A Complete Unknown comprende anche Elle Fanning, Edward Norton, Monica Barbaro, Dan Fogler e Boyd Holbrook nel ruolo di Johnny Cash. Sebbene il film sia un biopic sull’ascesa al successo dell’icona, A Complete Unknown cambia diversi dettagli della storia reale di Bob Dylan.

Diretto da James Mangold, il regista di Ford contro Ferrari e Logan, A Complete Unknown è considerato uno dei migliori film dell’anno. Con un punteggio su Rotten Tomatoes del 79% e un punteggio del pubblico del 95%, A Complete Unknown è già in corsa per diversi premi, tra cui tre Golden Globe per il miglior film drammatico, il miglior attore per Chalamet e il miglior attore non protagonista per Norton. Il biopic segue i primi anni di Bob Dylan, quando arriva a New York e diventa rapidamente una leggenda locale grazie all’aiuto di Pete Seeger. Il film mette in luce anche la relazione di Dylan con Sylvie Russo e con la cantautrice Joan Baez.

Bob Dylan ebbe un incidente in moto e smise di andare in tour per 8 anni

Il 29 luglio 1966 Bob Dylan ebbe un incidente in moto che lo portò a non andare in tour per buona parte del decennio successivo. Questo dà un nuovo significato alla fine di A Complete Unknown, in cui Dylan si allontana a tutta velocità dal Newport Folk Festival del 1965. Un anno dopo, Dylan ebbe un incidente in moto nei pressi di Woodstock, New York, avvenuto appena due mesi dopo la conclusione del suo tour mondiale del 1966. Sebbene gli eventi dell’incidente in moto rimangano misteriosi e incerti, dal momento che Dylan non si è recato in ospedale, Dylan ha rivelato di essersi rotto alcune vertebre del collo.

Secondo Motorcyclist, “non è mai stata ottenuta alcuna documentazione ospedaliera relativa all’incidente, e nessuno ricorda che un’ambulanza abbia portato via il Tambourine Man”. Almeno un presunto testimone ha affermato che Dylan, apparentemente non molto abile al manubrio, ha avuto una semplice caduta a bassa velocità che ha richiesto un viaggio nell’ufficio del medico, niente di più”. Dylan ha commentato il misterioso incidente in moto nella sua autobiografia Chronicles del 2004 . “Avevo avuto un incidente in moto e mi ero fatto male, ma mi ero ripreso. La verità è che volevo uscire dalla corsa del topo”.

Bob Dylan tornò in tournée nel 1974 dopo anni in cui continuava a fare musica

Dopo l’incidente in moto, Dylan rimase in gran parte lontano dai riflettori per quanto riguarda i tour, ma continuò a fare musica e a pubblicare album. Dylan pubblicò quello che è probabilmente il suo album più celebre, Highway 61 Revisited, nell’agosto del 1965, prima di pubblicare un altro classico istantaneo, Blonde on Blonde del 1966. Durante la sua lunga pausa dalle tournée, Dylan pubblicò anche album come John Wesley Harding del 1967, Nashville Skyline del 1969, Self-Portrait e New Morning del 1970. Nel 1974 Dylan si rimise in viaggio con il Bob Dylan and The Band Tour, che prevedeva 40 spettacoli dal 3 gennaio al 14 febbraio 1974.

Bob Dylan si convertì al cristianesimo e fece musica gospel alla fine degli anni ’70

Dopo che Dylan era tornato in sella con il Rolling Thunder Revue Tour del 1975-76 e il World Tour del 1978, la sua carriera e i suoi interessi musicali subirono una svolta quando si interessò al cristianesimo e alla musica gospel. Dylan pubblicò gli album Street-Legal nel 1978, Slow Train Coming nel 1979 e Saved nel 1980, che contenevano canzoni di orientamento cristiano come “When He Returns” e “I Believe In You”. Portò questi album nel suo Gospel Tour del ’79 e del 1980, che non ricevette un’accoglienza positiva dalla critica e dalla maggior parte dei suoi fan. L’era del cristianesimo/gospel di Dylan fu di breve durata, poiché tornò a fare rock per tutti gli anni Ottanta con album come Infidels (1983) e Empire Burlesque (1985).

Bob Dylan è stato inserito nella Rock And Roll Hall Of Fame nel 1988

Dopo aver iniziato la sua carriera negli anni Sessanta ed essere passato in modo controverso da eroe folk a icona rock, Bob Dylan è stato finalmente inserito nella Rock And Roll Hall Of Fame nel 1988. Bruce Springsteen ha presentato Dylan durante la cerimonia, ricordando la sua prima esperienza di ascolto di Bob Dylan e la corsa al negozio di dischi locale per prendere un 45 giri di “Like A Rolling Stone”. Durante il suo discorso, Bruce ha ricordato che “sapevo che stavo ascoltando la voce più dura che avessi mai sentito”. La Rock and Roll Hall of Fame ha detto questo di Dylan: “Bob Dylan è uno dei più grandi cantautori di tutti i tempi, un abile paroliere con una coscienza politica, un’incisiva capacità narrativa e un acume da poeta per il metro e il linguaggio”.

Bob Dylan ha dato il via al Never Ending Tour

Dylan ha iniziato gli anni ’80 incidendo dischi di gospel cristiano e nel 1987 era in tournée con i Grateful Dead. Subito dopo ha dato il via al suo Never Ending Tour, la cui prima tappa è iniziata nel 1988, lo stesso anno in cui è stato inserito nella Rock and Roll Hall of Fame. Dal 1988, Dylan ha proseguito il Never Ending Tour fino al 2019 a causa della pandemia COVID-19. Il Never Ending Tour avrebbe dovuto continuare nel 2020, iniziando a Tokyo, in Giappone, il 1° aprile 2020 e terminando il 14 luglio 2020 a Rochester, New York, ma è stato annullato per ovvi motivi. Dylan tornò in tour nel 2024 con il suo Bob Dylan’s Rough and Rowdy Ways Worldwide Tour, che si svolse per alcune settimane a marzo in Florida, Georgia e North Carolina.

Chi ha sposato Bob Dylan

Dylan, che attualmente ha 83 anni, è stato sposato e divorziato due volte nella sua vita e attualmente non è sposato. Nonostante la sua relazione appassionata con Sylvie Russo, interpretata dalla Fanning in A Complete Unknown, e la sua storia d’amore e odio con Joan Baez, interpretata da Barbaro, non ha finito per sposare nessuna delle due. A Complete Unknown introduce anche un interesse romantico britannico, una donna di nome Becka, che sembra essere un personaggio fittizio creato per il film.

La prima moglie di Dylan fu Sara Dylan, nata Shirley Noznisky del Delaware. Sara e Bob si sposarono in sordina nel 1965, mentre Sara era già incinta del suo primo figlio con Bob, Jesse. Secondo People, “Sara e Bob hanno avuto altri tre figli insieme – Anna, Sam e Jakob – in quattro anni, vivendo una vita tranquilla a Woodstock, N.Y.”. Divorziarono nel 1977. Dylan si è sposato con Carolyn Dennis nel 1986 e con lei ha avuto un figlio, Desiree Dennis-Dylan, prima di divorziare nel 1992. Dylan e Sally Kirkland si sono frequentati per un breve periodo all’inizio degli anni Settanta, cosa che non viene riportata in A Complete Unknown.

A Complete Unknown lascia sul vago il processo a Pete Seeger, tralasciando tutto tranne il discorso di condanna, ma la storia vera e propria è più affascinante di quella che viene rappresentata. Sebbene Bob Dylan sia il protagonista del film biografico del 2024, molti altri personaggi di A Complete Unknown hanno avuto un impatto significativo sul suo percorso da esordiente a uno dei migliori cantautori del mondo. Uno dei più influenti è Pete Seeger, un cantante folk che divenne famoso insieme all’amico Woody Guthrie.

Poiché la narrazione è incentrata sulla vita di Bob Dylan nei primi anni Sessanta, la storia di Seeger viene raccontata solo quando ha un impatto diretto sul protagonista. L’unica eccezione arriva all’inizio di Un completo sconosciuto, quando Pete Seeger appare in un’aula di tribunale per la sentenza del suo processo. Accenna a una delle sue canzoni ritenuta “antiamericana”, offrendosi di cantarla, e il giudice rifiuta l’offerta e lo condanna. Tuttavia, la storia del processo di Pete Seeger è molto più complessa e affascinante nella vita reale, e mostra un esempio dell’impatto del maccartismo sugli artisti.

Pete Seeger scrisse una lettera di protesta contro la deportazione di massa dei giapponesi

La storia del processo a Pete Seeger inizia molto prima della sentenza che viene mostrata in A Complete Unknown. Secondo i documenti recuperati da Mother Jones con una richiesta di Freedom of Information Act, l’FBI iniziò a indagare su Seeger quando questi scrisse una lettera all’American Legion per protestare contro le sue attività politiche. Con una mossa terrificante, l’FBI cercò di deportare in massa chiunque avesse origini giapponesi e di negare ai nippo-americani la cittadinanza per diritto di nascita. Seeger sosteneva: “L‘America è grande e forte così com’è perché finora siamo stati un rifugio per tutti gli oppressi”.

Successivamente, l’American Legion consegnò la lettera all’FBI, che avviò un’indagine lunga almeno due decenni sul cantante. Seeger divenne il bersaglio della caccia al comunista degli Stati Uniti, che lo etichettò come “persona potenzialmente sovversiva” per le sue convinzioni politiche. L’FBI cercò nella sua storia formativa e lavorativa. Lesse anche la sua posta e intervistò chiunque fosse collegato al cantante, compreso Woody Guthrie, un’altra persona reale ritratta in A Complete Unknown.

Il fatto che Pete Seeger fosse fidanzato con una donna nippo-americana di nome Toshi Ohta aumentò i sospetti sul cantante. Nonostante le numerose persone che garantirono l’affidabilità e la lealtà di Seeger, l’FBI continuò a trattarlo come una minaccia. Si rifiutarono persino di impiegarlo nonostante avesse completato l’addestramento di meccanico dell’aviazione.

Pete Seeger si rifiutò di rispondere alle domande della Commissione per le attività antiamericane della Camera dei Deputati

Il culmine dell’indagine dell’FBI su Pete Seeger avvenne il 18 agosto 1955, quando fu portato davanti a una sottocommissione della Commissione per le attività antiamericane della Camera, come descritto da History Matters. Questo comitato, abolito nel 1975, era stato costituito per indagare sulla slealtà e sulle attività di disturbo da parte di cittadini, politici e gruppi. Durante l’apice del maccartismo, la commissione portò Seeger davanti a loro per interrogarlo sulle sue possibili affiliazioni comuniste e sulle sue convinzioni liberali.

Gli chiesero conto della sua esibizione a tre eventi legati al partito comunista. Gli fu anche chiesto se si fosse esibito al servizio del partito comunista. Con le loro frasi, hanno lasciato intendere che Seeger fosse un comunista nemico degli Stati Uniti. Durante l’interrogatorio ha dato queste risposte:

“Non risponderò a nessuna domanda sulle mie associazioni, sulle mie convinzioni filosofiche o religiose o sulle mie convinzioni politiche, o su come ho votato alle elezioni, o su qualsiasi altra questione privata. Penso che queste siano domande molto sconvenienti per qualsiasi americano, specialmente se costretto a farlo. Sarei molto felice di raccontarvi la mia vita, se volete sentirla…

Sento che in tutta la mia vita non ho mai fatto nulla di cospirativo e mi infastidisce molto e profondamente l’implicazione di essere chiamato davanti a questa commissione che in qualche modo, poiché le mie opinioni possono essere diverse dalle vostre, o dalle sue, signor Willis, o dalle sue, signor Scherer, io sia meno americano di chiunque altro. Amo profondamente il mio Paese, signore…

Ho cantato per americani di ogni orientamento politico e sono orgoglioso di non aver mai rifiutato di cantare per un pubblico, indipendentemente dalla religione o dal colore della pelle o dalla situazione di vita. Ho cantato nelle giungle dei barboni, ho cantato per i Rockefeller e sono orgoglioso di non aver mai rifiutato di cantare per nessuno. Questa è l’unica risposta che posso dare in tal senso”.

Tuttavia, Seeger si è rifiutato di rispondere dove si è esibito, quando e quali canzoni ha cantato in determinate esibizioni. Riteneva che ciò violasse i suoi diritti di cittadino americano. Tuttavia, si offrì di cantare una canzone per il Congresso e di nuovo al processo, ma entrambe le offerte furono rifiutate. Questi momenti sono brevemente citati nel biopic 2024, anche se A Complete Unknown cambia la canzone da “Wasn’t That A Time”. Inoltre, tralascia la maggior parte del contesto del processo.

Pete Seeger fu giudicato colpevole di oltraggio al Congresso

Sei anni dopo la sua testimonianza, Pete Seeger fu finalmente processato per molteplici accuse di oltraggio al Congresso. Il processo durò dal 27 marzo 1961 al 29 marzo 1961 e portò a un verdetto di colpevolezza per tutti e dieci i capi d’accusa di oltraggio al Congresso. Secondo The Harvard Crimson, durante il processo, il giudice istruì i giurati a non considerare se le domande del Congresso fossero legali o morali, e a non contemplare le ragioni di Seeger per non rispondere. Dovevano solo decidere se Seeger avesse fornito una risposta in buona fede, piuttosto che cercare di essere sfidante. La giuria ha deliberato per un’ora e mezza.

Il 4 aprile 1961, il giudice Thomas F. Murphy condannò Pete Seeger a un anno di prigione e gli impose di pagare le spese processuali (via The Harvard Crimson). Il giudice Murphy rifiutò di concedere a Seeger la cauzione in attesa dell’appello; tuttavia, lo stesso giorno, la corte d’appello gli concesse una cauzione di 2000 dollari. Adeguata all’inflazione, questa cifra equivale a una cauzione di 21.181,54 dollari, in attesa dell’appello.

L’intera dichiarazione di Pete Seeger alla fine del processo può essere letta qui: Biblioteche della Northwestern University.

Secondo i fascicoli disponibili su Justia US Law, la Corte d’Appello degli Stati Uniti per il Secondo Circuito ha annullato la condanna di Pete Seeger perché l’atto d’accusa indicava in modo errato e fuorviante l’autorità investigativa della sottocommissione per condurre le udienze alle quali Seeger era presente. Dopo che la corte d’appello ha annullato la condanna, le accuse sono state ritirate. Come mostrato nel film, l’attivismo politico di Seeger non cessò dopo il processo. Continuò a parlare di diritti umani e americani anche molto tempo dopo gli eventi di A Complete Unknown, consolidando la sua eredità di cantante folk e attivista.

A Complete Unknown esplora la vita dell’enigmatico Bob Dylan negli anni Sessanta, e la vera storia del musicista è affascinante quanto il film. Sebbene molti musicisti abbiano avuto un impatto sul loro genere, Bob Dylan è facilmente considerato uno dei cantanti più prolifici di tutti i tempi, con un effetto a lungo termine sia sul genere folk che su quello rock. Nonostante ciò, ha anche sviluppato una reputazione di enigma. Egli custodisce la sua vita privata, si rifiuta in genere di spiegare i suoi testi e ha una storia di falsificazione delle informazioni sulle sue esperienze.

Molti film su Bob Dylan si sono basati su questa immagine misteriosa, ma A Complete Unknown tenta di fornire un quadro più intimo della prima carriera di Dylan, concentrandosi sulla solitudine e sulla disperazione del musicista di fuggire. Tuttavia, pur facendo leva su verità emotive, A Complete Unknown tralascia alcuni degli elementi più interessanti della vita di Bob Dylan. Detto questo, il film apre agli spettatori curiosi la possibilità di conoscere la vera storia.

A Complete Unknown esplora la vita di Bob Dylan dal 1961 al 1965

Anche se la carriera di Bob Dylan ha spaziato dal 1961 a oggi, il biopic su Bob Dylan, interpretato da Timothée Chalamet, si concentra sui primi cinque anni della sua carriera. Il film si apre con il suo arrivo a New York e si conclude subito dopo il controverso Newport Folk Festival del 1965, dove Bob Dylan “divenne elettrico”.

Poiché questo è il periodo in cui si svolge il film, gli spettatori potranno vedere i suoi giorni al Greenwich Village. L’area di New York è stata il fulcro del revival folk americano negli anni ’60, il che spiega perché musicisti come Joan Baez, Pete Seeger e Bob Neuwirth appaiono nel film. Tuttavia, alcuni gruppi influenti come il Kingston Trio, gli Almanac Singers e i Weavers vengono lasciati fuori per mantenere l’attenzione su Bob Dylan. Le persone che appaiono in A Complete Unknown hanno avuto un impatto diretto sulla vita di Dylan durante questi anni.

Bob Dylan ebbe una relazione con Suze Rotolo negli anni ’60

Poco dopo l’arrivo di Bob Dylan a New York, il musicista ventenne incontrò la diciassettenne Suze Rotolo e i due si innamorarono rapidamente. I due si trasferirono insieme in un appartamento del Greenwich Village. Mentre lui proseguiva la sua carriera musicale, lei accettò un lavoro presso il Congress of Racial Equality, un lavoro che si adattava al suo attivismo politico. Durante la loro relazione, la Rotolo avrebbe influenzato la musica di Dylan e sarebbe apparsa sulla copertina del suo album The Freewheelin’ Bob Dylan. I due continuarono la loro relazione fino all’inizio del 1964, ma l’ultimo anno della loro storia fu turbolento a causa della fama di lui e della sua relazione con Joan Baez.

Sfortunatamente, la Rotolo perse la sua identità agli occhi degli altri, essendo vista come la fidanzata di Bob Dylan, cosa che le dispiaceva. Dopo la loro rottura, la Rotolo divenne notoriamente riservata sulla loro relazione, mantenendo la sua privacy mentre costruiva una carriera artistica. Tuttavia, si è finalmente aperta sulla loro storia d’amore nel suo libro di memorie del 2008 , A Freewheelin’ Time: A Memoir of Greenwich Village in the Sixties.

A causa della loro storia d’amore, i fan potrebbero essere confusi quando scoprono che Bob Dylan ha una storia d’amore con un personaggio di nome Sylvie Russo nel cast di A Complete Unknown. Elle Fanning ha rivelato in un’esclusiva domanda e risposta durante la proiezione AMC early access del 18 dicembre, alla quale era presente Screen Rant , che Bob Dylan ha chiesto espressamente che il nome di Rotolo fosse cambiato in A Complete Unknown per rispettare la sua privacy. Per questo motivo, questi dettagli sulla loro relazione sono stati tolti dal libro di memorie di Suze Rotolo.

Bob Dylan iniziò una storia d’amore anche con Joan Baez dopo il loro incontro nel 1961

Oltre a frequentare Suze Rotolo, Bob Dylan iniziò una relazione con la musicista folk Joan Baez, che ricevette il soprannome pubblico di “Madonna scalza”. La Baez aveva già una carriera di successo quando incontrò Bob Dylan nel 1961, e contribuì a dare impulso alla sua carriera coverizzando la sua musica e portandolo sul palco durante le sue esibizioni (via Far Out Magazine).

I due svilupparono presto una relazione sentimentale che durò dal 1962 o 1963 circa fino alla loro disordinata rottura nel 1965. Come si evince dal trailer di A Complete Unknown, il biopic su Bob Dylan mostra la relazione tira e molla che ebbe luogo durante la sua relazione con Sylvie Russo, alias Suze Rotolo. Nel corso della loro storia d’amore, Dylan e Baez collaborarono più volte alla realizzazione di brani musicali, sia sul palco che fuori. La coppia si esibì notoriamente alla Marcia su Washington, dove Martin Luther King Jr. avrebbe tenuto il suo famoso discorso “I Have A Dream”.

Tuttavia, Bob Dylan ruppe improvvisamente con Joan Baez nel 1965 e sposò poco dopo un’altra donna, Sara Lownds (nata Shirley Marlin Noznisky). La Baez impiegò più di mezzo secolo per perdonarlo e probabilmente scrisse le canzoni “To Bobby”, “Diamonds and Ruse” e “O Brother!” su Bob Dylan (via American Songwriter).

Bob Dylan divenne un punto fermo della musica folk e del Newport Folk Festival negli anni ’60

Sebbene all’inizio degli anni Sessanta l’American Folk Revival fosse in pieno svolgimento, Bob Dylan divenne uno dei più grandi nomi della musica folk americana nel 1963, anno in cui pubblicò The Freewheelin’ Bob Dylan. Nel periodo tra il 1961 e il 1963, Bob Dylan si era costruito una piccola schiera di fan e Joan Baez e Peter, Paul e Mary avevano aumentato la sua visibilità all’interno della scena folk. Nel 1965 si era guadagnato una reputazione per le sue bellissime canzoni di protesta. Le sue canzoni “Blowin‘ in the Wind”, “The Times They Are A-Changin’” e “A Hard Rain’s A-Gonna Fall” divennero punti fermi del Movimento per i diritti civili.

Bob Dylan si esibì anche ai festival folk di Newport del 1963, 1964 e 1965, tutti e tre i quali appaiono in A Complete Unknown. Probabilmente sarebbe stato invitato ai festival del 1961 e del 1962 per la sua amicizia con Pete Seeger, ma l’evento non si tenne in quei due anni. Sfortunatamente, Bob Dylan non tornò per il Newport Folk Festival del 1966, presumibilmente a causa delle reazioni del pubblico alla sua esibizione del 1965 con strumenti elettrici, anche se si tratta di semplici speculazioni. L’ironia della sorte vuole che altri cantanti e gruppi folk, come Howlin’ Wolf, abbiano suonato con strumenti elettrici prima di Dylan al festival del 1965, senza suscitare clamore.

L’esibizione di Bob Dylan al Newport Folk Festival del 1965 segnò il suo passaggio alla musica rock

Anche se Bob Dylan si è fatto conoscere come cantante folk che scriveva canzoni politiche, questa è solo una piccola parte della sua carriera complessiva, che si è estesa a diversi generi. Il Newport Folk Festival del 1965 fu un momento cruciale per il cantante, poiché segnò il suo primo cambiamento di genere. Dylan si esibì con strumenti elettrici, un’offesa personale ai puristi del genere folk. Il pubblico ebbe reazioni contrastanti: alcuni lo fischiarono, altri lo acclamarono. Questa performance spinse la sua musica verso il nuovo genere del folk rock, che combinava elementi di entrambi i generi.

Bob Dylan divenne uno dei più grandi nomi del genere, spesso accreditato come creatore del folk-rock insieme ai Byrds. Tuttavia, non è mai rimasto a lungo in una sola scatola. Nei decenni successivi, Dylan si è cimentato in blues, rock, gospel, country, pop e jazz. Le sue canzoni hanno rivoluzionato il songwriting nel suo complesso e hanno ispirato grandi artisti come i Beatles e Bruce Springsteen.

Sfortunatamente, poiché A Complete Unknown termina dopo il Newport Folk Festival del 1965, il pubblico non potrà ascoltare alcuna canzone al di fuori dei suoi brani folk e folk-rock. Inoltre, quelle che sentiranno saranno cantate da Timothée Chalamet, che interpreta Bob Dylan. Fortunatamente, gli spettatori curiosi possono cercare la sua altra musica online, poiché è facilmente disponibile sui siti di streaming.

Magnolia di Paul Thomas Anderson, uscito nel 1999, è un tour de force cinematografico che sfida la facile categorizzazione. La vasta epopea melodrammatica intreccia le vite di diversi personaggi nella San Fernando Valley, esplorando i temi del rimpianto, della redenzione e dell’interconnessione dell’esperienza umana. Al centro del film c’è una serie di eventi apparentemente non correlati che culminano in un climax surreale e indimenticabile: una pioggia di rane dal cielo. Prima di questo momento, Magnolia si addentra però dunque nelle vite del suo cast corale di personaggi, rivelando le loro lotte, i loro traumi e i loro momenti di grazia inaspettata.

Da un poliziotto tormentato in cerca di redenzione a un conduttore televisivo morente alla disperata ricerca di perdono, la storia di ogni personaggio è un riflesso toccante della condizione umana. Sullo sfondo della pioggia di rane nel finale – un fenomeno bizzarro e inspiegabile – questi personaggi affrontano il loro passato, fanno i conti con i loro demoni e cercano un senso nel caos delle loro vite. Attraverso la sua audace narrazione, il finale di Magnolia sfida gli spettatori ad affrontare le incertezze della vita e ad abbracciare il viaggio disordinato e bellissimo dell’esistenza.

La spiegazione del finale di Magnolia

La pioggia di rane nel finale di Magnolia è un evento surreale ed enigmatico che funge da metafora centrale per l’esplorazione del film sull’interconnessione, la redenzione e la caotica imprevedibilità della vita. Il suo significato trascende l’interpretazione letterale delle rane che cadono dal cielo, racchiudendo una moltitudine di strati simbolici che risuonano con il viaggio di ogni personaggio e con i temi generali della narrazione. A livello letterale, le rane sfidano le spiegazioni razionali e mettono in discussione la percezione della realtà dei personaggi. Si tratta dunque di un’interruzione stridente dell’ordine naturale del mondo, un fenomeno bizzarro che sfida la logica e la razionalità.

Al di là della sua manifestazione letterale, la pioggia di rane ha però un profondo significato metaforico. Nelle tradizioni bibliche e mitologiche, le rane sono state associate a piaghe e interventi divini, simboleggiando il caos, la trasformazione e la rinascita. In Magnolia, la doccia di rane può essere invece interpretata come una simbolica pulizia, un evento dirompente ma trasformativo, che ha significati diversi per ogni personaggio, riflettendo le loro lotte, le loro paure e i loro desideri individuali. Per alcuni rappresenta un momento di resa dei conti e di catarsi, mentre per altri funge da catalizzatore per l’introspezione e la scoperta di sé.

Frank si ricongiunge al padre morente

Nel corso del film, Frank T.J. Mackey (uno dei migliori personaggi di Tom Cruise) è ritratto come una figura sfacciata e carismatica, un guru dell’auto-aiuto che predica una filosofia iper-maschile di dominio e controllo. Si presenta come un esempio di sicurezza e successo, insegnando agli uomini come manipolare e sedurre le donne, mascherando le proprie profonde insicurezze e ferite emotive. Tuttavia, Frank viene incoraggiato ad affrontare il padre morente, Earl Partridge (Jason Robards), da Phil (Philip Seymour Hoffman). Questa scena culminante rappresenta un cambiamento profondo per Frank, che si libera della sua facciata da macho e affronta la vulnerabilità e il dolore che si nascondono sotto di lui.

La pioggia di rane funge da sfondo simbolico per il momento della resa dei conti di Frank. Mentre le rane piovono, Frank si confronta con l’imprevedibilità e l’impermanenza della vita, spingendolo a rivalutare le sue priorità e ad affrontare le sue paure e i suoi rimpianti più profondi. Questo momento rappresenta un’opportunità cruciale per Frank di riconciliarsi con il padre e, per estensione, con sé stesso. Frank mette dunque a nudo le sue insicurezze e le sue paure, liberandosi della corazza difensiva del suo personaggio di macho per rivelare il bambino ferito che c’è sotto. Entrando in contatto con il padre a un livello profondamente emotivo, Frank trova un senso di chiusura e accettazione che gli era sfuggito da tempo.

Le rane fungono da intervento cosmico per Stanley

Stanley Spector (Jeremy Blackman) è invece un bambino prodigio del quiz show What Do Kids Know? La storia di Stanley esplora le pressioni del suo successo precoce, lo sfruttamento dei genitori e la ricerca dell’autonomia. È uno sguardo avvincente sul mondo interiore di un bambino oppresso dalle aspettative. Fin dall’inizio, Stanley è raffigurato come straordinariamente intelligente, ma visibilmente a disagio con i riflettori. Le aspettative riposte su di lui dal padre, Rick (Michael Bowen), sono immense e soffocanti. Rick vede Stanley non come un bambino, ma come un mezzo per ottenere fama e benefici finanziari, spesso ignorando i bisogni emotivi e sociali del figlio.

La pioggia di rane rappresenta un punto di svolta cruciale per il bambino. Questo evento bizzarro e caotico interrompe il normale corso della vita, fornendo a Stanley una pausa metaforica e letterale dalla pressione incessante di esibirsi. Per Stanley, le rane rappresentano un momento di intervento cosmico, che gli dà la possibilità di affermare i propri bisogni e desideri, cosa che fa affrontando direttamente il padre. Questo confronto è un momento cruciale di responsabilizzazione per Stanley, che finalmente dà voce alle sue frustrazioni e chiede di essere trattato con considerazione e rispetto.

Dopo la doccia di rane, la narrazione di Stanley si sposta verso una direzione più introspettiva e autonoma. Torna sul set del quiz show, non per soddisfare le aspettative del padre o del pubblico, ma per cercare la comprensione del conduttore del programma, Jimmy Gator (Philip Baker Hall in uno dei suoi migliori ruoli). Questa interazione è fondamentale perché rappresenta il tentativo di Stanley di trovare convalida ed empatia da parte di un altro adulto, al di fuori del contesto di sfruttamento del rapporto con il padre.

Jim rivede la sua visione ottimistica del mondo

Jim Kurring (John C. Reilly) è un agente di polizia che incarna i temi dell’onestà, dell’integrità e della semplicità. Si muove nel suo ruolo di agente di polizia con il sincero desiderio di fare del bene, nonostante le ambiguità morali che lo sfidano. Tuttavia, Jim è un po’ ingenuo ed eccessivamente ottimista, un uomo che crede profondamente nella bontà intrinseca delle persone e nella chiarezza morale del suo ruolo. Questa visione viene ripetutamente messa alla prova, prima attraverso le sue interazioni durante i compiti di polizia e poi attraverso il suo coinvolgimento romantico con Claudia Gator (Melora Walters), una donna che lotta con problemi molto profondi.

Man mano che Magnolia procede, Jim viene sottoposto a prove che mettono a nudo le sue vulnerabilità e i suoi limiti. Un momento cruciale si verifica quando perde la pistola – simbolo della sua autorità e competenza – evidenziando la sua fallibilità e fragilità umana. Questo incidente getta le basi per le esperienze successive, spingendolo a confrontarsi con le proprie imperfezioni e con la realtà che la vita non sempre si attiene a giudizi morali netti. La pioggia di rane rappresenta per lui un punto di svolta surreale e caotico. In questo momento, la natura inspiegabile dell’evento lo costringe a riconsiderare la sua fede nella comprensione del mondo attraverso una lente strettamente razionale e ordinata.

Simboleggia una rottura con la sua precedente visione del mondo, mettendolo di fronte alla pura imprevedibilità della vita. Per Jim, le rane rappresentano un momento di intervento divino o cosmico, che lo spinge ad abbracciare l’ignoto e ad accettare che non tutto può essere controllato o compreso. All’indomani della pioggia di rane, trova un senso di risoluzione nel suo rapporto con Claudia. La loro scena finale insieme, in cui Claudia sorride tra le lacrime, suggerisce un futuro pieno di speranza. Per Jim, questo momento significa accettare Claudia – e, per estensione, la vita stessa – con tutte le sue imperfezioni e incertezze. Impara che l’amore e il legame richiedono l’accettazione degli altri così come sono, proprio come lui deve accettare sé stesso.

Jimmy Gator è l’unico personaggio che non ha una chiara risoluzione

Jimmy Gator è il carismatico conduttore di successo del quiz show What Do Kids Know? la cui vita nasconde conflitti personali e oscuri segreti, ma anche sensi di colpa e rimpianti. Mentre affronta una diagnosi di cancro terminale, Jimmy è spinto a cercare il perdono della figlia Claudia, da cui si è allontanato, mentre si confronta con l’impatto delle sue azioni sulla famiglia e sulla propria coscienza. I tentativi di Jimmy di raggiungere Claudia si scontrano con ostilità e rifiuto, illustrando la profonda frattura che li separa. La surreale pioggia di rane agisce come manifestazione simbolica del caos interiore di Jimmy. Per lui, le rane possono essere viste come una piaga biblica, una metafora appropriata del suo confronto con i propri peccati e le relative conseguenze.

Questo evento bizzarro sconvolge l’ordine naturale, proprio come le rivelazioni e le accuse che sconvolgono la vita e le relazioni di Jimmy. Nei suoi ultimi momenti, Jimmy affronta un confronto solitario e doloroso con la sua mortalità e la sua eredità. Il film non fornisce una chiara risoluzione per lui, ma presenta un ritratto realistico di un uomo che è allo stesso tempo imperfetto e simpatico. La sua storia solleva domande sulla possibilità di redenzione e sulla natura complessa delle relazioni umane. L’ambiguità che circonda le sue azioni passate con Claudia (anche se il film implica pesantemente un qualche tipo di abuso) costringe il pubblico a contemplare la natura della verità e la difficoltà del perdono.

Il significato dell’inquadratura finale con Claudia che guarda direttamente in camera

L’inquadratura finale di Claudia che guarda direttamente in camera nel finale di Magnolia è un momento di profondo significato che racchiude i temi della vulnerabilità, della resilienza e della ricerca della guarigione del film. Quando la macchina da presa fa uno zoom sul volto di Claudia, catturando la sua espressione piena di lacrime ma piena di speranza, il pubblico è invitato a entrare nel suo mondo interiore. In questo momento, Claudia diventa più di un semplice personaggio di una storia; diventa un tramite per l’esperienza umana condivisa, invitando il pubblico all’empatia e alla comprensione.

Il sorriso di Claudia tra le sue lacrime indica un momento fragile ma genuino di speranza e resilienza, un barlume di luce nell’oscurità dei suoi traumi e delle sue lotte passate. Nonostante il dolore e l’incertezza che ha sopportato, il sorriso di Claudia suggerisce la volontà di abbracciare la possibilità di guarire e crescere, anche di fronte a sfide mastodontiche. Inoltre, lo sguardo diretto di Claudia verso lo spettatore funge da atto simbolico di empowerment e agency. Rompendo la quarta parete e riconoscendo il pubblico, Claudia afferma la sua presenza e il suo controllo sulla propria narrazione.

Il vero significato del finale di Magnolia

Il finale di Magnolia rappresenta dunque il culmine dei temi e dei fili narrativi del film, offrendo una riflessione toccante e aperta sulla complessità dell’esistenza umana. Sebbene la conclusione del film sfugga a un’interpretazione univoca, il suo vero significato risiede nell’esplorazione della redenzione, dell’interconnessione e del potere duraturo della speranza in mezzo al caos della vita. In fondo, il finale abbraccia l’ambiguità e rifiuta di offrire risposte facili. Questo riflette la natura disordinata e imprevedibile della realtà e la futilità di cercare conclusioni definitive di fronte ai misteri della vita.

Nonostante la sua ambiguità, il finale di Magnolia è pervaso da un senso di redenzione e rinnovamento. Attraverso momenti di catarsi e riconciliazione, molti dei personaggi trovano un barlume di speranza in mezzo alle loro lotte e al loro dolore. Che si tratti del timido sorriso di Claudia, della ritrovata accettazione delle incertezze della vita da parte di Jim o dell’emozionante ricongiungimento di Frank con suo padre, il finale suggerisce che anche nei momenti più bui c’è spazio per la crescita, il perdono e le seconde possibilità.

Il cinema catastrofico vanta sempre un certo fascino, proponendo eventi che ci si augura di non dover mai vedere accadere davvero. Titoli come lo statunitense The Day After Tomorrow o il coreano Ashfall – The Final Countdown si sono divertiti ad immaginare la fine del mondo per cause naturali e accanto a questi titoli si può accostare anche il norvegese The Wave, diretto nel 2015 dal regista Roar Uthaug. Dichiaratosi un fan dei disaster movie americani come Twister e Armageddon, Uthaug ha raccontato di aver girato The Wave con l’intenzione di combinare gli elementi dei film hollywoodiani con la realtà norvegese.

“In Norvegia siamo un Paese molto ricco e socialmente molto sicuro. Il governo si prende cura di tutti”, ha affermato Uthaug in un’intervista. “Ma viviamo ancora con lo stress della natura intorno a noi. Questa è una parte importante della narrazione, che lo spirito della natura, la terra stessa, sia una minaccia”. Selezionato come candidato norvegese per l’Oscar al Miglior film internazionale, The Wave ha ottenuto un successo tale da spingere gli autori a realizzare anche un sequel, The Quake – Il terremoto del secolo, uscito nel 2019 e con protagonisti gli stessi personaggi del precedente disaster movie.

Uno degli aspetti più interessanti del film, però, è il suo essere basato su eventi realmente accaduti e che hanno avuto un forte impatto nella società norvegese, proprio come afferma il regista nella dichiarazione poc’anzi riportata. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a The Wave. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alla storia vera dietro il film. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama e il cast di The Wave

L’esperto geologo Kristian Eikjord (Kristoffer Joner) ha appena accettato un lavoro per una compagnia petrolifera e sta per trasferirsi a Stavanger con la sua famiglia. Proprio durante una festicciola di addio con i colleghi, l’uomo viene avvisato che alcuni indicatori hanno rilevato una diminuzione del livello dell’acqua sotterranea. La situazione sembra però essere sotto controllo e il giorno dopo il dottore decide comunque di partire insieme ai suoi figli Sondre e Julia. Sua moglie Idun (Ane Dahl Torp), invece, deve rimanere qualche giorno in più in città per lavorare presso l’hotel della cittadina, ancora in piena stagione.

Mentre Kristian sta per imbarcarsi sul traghetto, tuttavia, capisce che la sparizione delle acque sotterranee può essere un allarme di pericolo imminente: la montagna, infatti, potrebbe collassare. Preoccupato per ciò che potrebbe accadere, l’uomo torna alla stazione di monitoraggio per avvisare i suoi colleghi. Uno di loro, Arvid (Fridtjov Såheim), decide di dare l’allerta e monitorare la frana tutta la notte insieme a un altro impiegato, Jacob. Tutto precipita solo qualche ora dopo, quando si crea una frattura nella roccia. Ma ciò che ne seguirà, sarà ancora più spaventoso.

Per il film, tutti gli attori del cast hanno girato le proprie scene d’azione personalmente, senza fare uso di controfigure, quindi dovendo essere fisicamente pronti a ciò; ad esempio Kristoffer Joner si è allenato con degli istruttori di apnea per riuscire a trattenere il respiro per tre minuti nella scena in cui, nelle vesti del protagonista, si introduce nel rifugio allagato nel sotterraneo dell’hotel per salvare la moglie e il figlio. Ciò ha permesso di rendere più convincenti le loro interpretazioni e ancor più appassionanti le loro scene.

La vera storia dietro il film

Sebbene la vicenda del film sia una storia di finzione, le vicende di The Wave traggono ispirazione dalla vera storia del disastro del villaggio di Tafjord, dove nel 1934 una frana si staccò dal monte Langhamaren, cadendo nel Tafjorden e generando un’onda tsunami che distrusse il villaggio e uccise 40 persone che si trovavano lungo le sponde del fiordo. Nel 1905 e nel 1936 episodi simili si verificarono nel lago Lovatnet, nella contea di Sogn og Fjordane, dove due frane staccatesi dal monte Ramnefjell precipitarono nel lago sottostante causando onde alte decine di metri che uccisero complessivamente centinaia di persone.

Nello specifico, nel 1905 un grosso pezzo di roccia si è staccato e ha fatto un salto di 500 metri nell’acqua. Circa 350.000 m3 di pietra finirono nel lago e crearono un’onda anomala di 40 metri che colpì sia Bødal che Nesdal. 61 persone morirono, più di 50 case furono distrutte e 80 case galleggianti scomparvero nell’onda. I sopravvissuti ebbero difficoltà a riprendersi dalle ferite e dalle perdite, ma alla fine furono loro a ricostruire le fattorie, dando così vita ad un nuovo periodo di tranquillità, caratterizzato anche da un forte aumento del turismo. Ma tutto questo finì il 13 settembre 1936, quando la natura si abbatté nuovamente sulla zona.

Un’altra frana colpì la valle di Lodalen, ma questa volta molto più pesante della precedente. Un grosso pezzo di roccia, pari a 1.000.000m3, grande quasi due volte la torre Eiffel, si staccò e finì nel lago, dando vita ad uno tsunami di dimensioni tali da rendere inutili anche le misure precauzionali prese dopo il precedente disastro. Tutte le fattorie furono distrutte e quel giorno morirono altre 74 persone. Centinaia di ettari furono distrutti e ricoperti di sabbia e pietre. È dunque proprio a partire da questi che sono i più grandi disastri naturali della storia norvegese che il film The Wave prende spunto per il suo racconto.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di The Wave grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Tim Vision e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di giovedì 23 gennaio alle ore 21:20 sul canale Rai 4.