Negli anni Novanta il thriller ha conosciuto nuova fama e nuove vette artistiche grazie a film che ne hanno ridefinito i canoni. Titoli come Seven, Copycat, Il collezionista di ossa, Il fuggitivo, L’avvocato del diavolo e Il rapporto Pelican sono solo alcuni esempi delle tante declinazioni che questo genere ha assunto nel tempo. Nel 1998 è però arrivato al cinema un titolo diverso dai soliti, che mescola il thriller poliziesco ad elementi horror di natura soprannaturale. Si tratta di Il tocco del male, diretto da Gregory Hoblit (Schegge di paura, Il caso Thomas Crawford) e scritto da Nicholas Kazan (Via dall’incubo).

Questo film, troppo spesso dimenticato rispetto agli altri titoli citati, negli ultimi anni si è guadagnato una sorta di culto, in particolare per il suo offrire un punto di vista diverso sul male e il suo ruolo. Il film segue il detective di Filadelfia John Hobbes (Denzel Washington), un uomo che, dopo aver messo in galera il serial killer Edgar Reese (Elias Koteas), inizia a indagare su una serie di omicidi imitativi. Tuttavia, questi nuovi crimini di tipo occulto non sono affatto compiuti da un emulatore, bensì dalla stessa entità che ha usato Edgar Reese per commettere gli omicidi originali, un demone noto come Azazel.

Il tocco del male si distingue come una delle più interessanti rappresentazioni della possessione demoniaca mai realizzate su pellicola (senza contare che riesce a essere un avvincente thriller poliziesco). La presenza di Azazel è terrificante, sebbene al film non serva includere scene di esorcismo o altri orrori tipici dei film di questo genere, a partire da L’esorcista. Questo lungometraggiio si lascia alle spalle quasi tutti i più diffusi tropi demoniaci, optando invece per un assassino con una personalità incredibilmente distinta, più simile a un demone che si potreste vedere in Supernatural piuttosto che in The Conjuring.

La spiegazione del finale di Il tocco del male

Sebbene Azazel sia interpretato da diversi attori, i suoi movimenti, i suoi manierismi e i suoi modi di parlare si notano meglio quando Elias Koteas o John Goodman sono i suoi rappresentanti in terra. Sebbene Azazel possieda ancora alcuni specifici manierismi demoniaci, come il parlare in lingue straniere, si sente stranamente umano. Deformato, scombinato e chiaramente psicotico, ma comunque umano. Secondo la tradizione del film, un tempo i demoni erano angeli, la gloriosa schiera di Dio destinata a portare la bontà e la luce nel mondo. Ma quando alcuni di loro hanno seguito Satana nella ribellione, sono stati condannati a vagare sulla Terra per l’eternità.

Proprio come vediamo in alcuni dei più interessanti film neo-noir, tutte le creature buone possono essere tentate dal male. Gli eventi del film stesso ci ricordano che anche le persone buone possono diventare cattive, che anche i santi più impressionanti possono “cadere dalla grazia” se ne hanno l’opportunità. Hobbes si distingue però dal resto della sua forza di polizia e persino dal resto della città, attenendosi a uno standard di vita più elevato che lo tiene lontano dai peccati del mondo, senza giudicare gli altri per i loro vizi. Mentre Azazel non ha problemi a impadronirsi dei corpi di chiunque si trovi sul suo cammino, Hobbes si rivela l’unico ostacolo del demone, e questo lo fa impazzire.

Il piano del demone per fare di Hobbes il suo capro espiatorio non nasce dalla rabbia o dalla vendetta per aver fatto fuori il suo precedente ospite Edgar Reese, ma piuttosto dal suo desiderio distorto di tentare le anime degli uomini, proprio come un tempo. Come in ogni grande thriller poliziesco, il nostro eroe è costretto a fare una scelta: continuare a essere un uomo buono o soccombere all’oscurità. A differenza del suo demoniaco avversario, il detective Hobbes sceglie la prima, salvando la vita del giovane nipote e della professoressa di teologia Gretta Milano (Embeth Davidtz) sacrificando la propria. Il suo eroico atto di altruismo salva la sua anima dalla corruzione, anche se in realtà non porta Azazel con sé.

A differenza della maggior parte dei thriller polizieschi, Il tocco del male è narrato dal suo antagonista piuttosto che dal nostro eroe, anche se non lo sappiamo fino alla fine. Le parole di Azazel ci preparano per il finale, ci preparano al climax finale di Hobbes e alla sorta di vittoria del demone. Questo è davvero significativo, perché l’assassino sta incastrando la narrazione in modo che corrisponda alle sue esigenze, ai suoi desideri, alle sue voglie e soprattutto alle sue paure. Quando si rivede il film dopo questa spaventosa rivelazione, c’è una nuova profondità nelle parole di Washington mentre Hobbes e Azazel si fanno strada nelle loro rispettive vite.

In realtà, questo aggiunge un significato completamente nuovo all’espressione “colpo di scena finale”. Ma la parte spaventosa di questa rivelazione è che difficilmente riusciamo a distinguere chi sta parlando. Avrebbe potuto facilmente essere Hobbes o Azazel per tutto il tempo o una sorta di combinazione dei due, e in ogni caso non avrebbe cambiato il film (a parte il finale). Questo gioco intelligente sul tropo spesso abusato del “non siamo così diversi, io e te” fa sì che Il tocco del male si distingua in un mare di film polizieschi che confondono i confini tra bene e male.

Naturalmente, questo film rende entrambe le parti abbondantemente chiare, con una seria divisione nel mezzo, ma ci ricorda che è facile mescolarle se spinte abbastanza vicino al limite. Anche nei suoi ultimi momenti eroici, sacrificandosi per cercare di uccidere Azazel, Hobbes uccide il suo partner Jonesy (Goodman), dopo che il demone ha ingannato il detective per fargli uccidere una maestra innocente. Non solo gli eventi del film sono raccontati attraverso il punto di vista dell’assassino, ma le immagini stesse spesso lo riflettono vividamente. L’aspetto stesso del film cambia infatti ogni volta che si entra nella prospettiva del demone.

Questa “visione demoniaca” è stata ottenuta grazie a un supporto cinematografico chiamato Ektachrome, a una frequenza di fotogrammi diversa e a esposizioni multiple che hanno creato lo sporadico effetto giallastro. Questo crea un’atmosfera inquietante ma efficace, che pone completamente in allarme mentre si guarda il detective Hobbes lavorare disperatamente per risolvere questa occulta serie di omicidi. È quindi particolarmente spaventoso alla fine del film, quando il demone affronta il nostro eroe nel bosco. Qui Hobbes muore nel tentativo di uccidere Azazel, credendo di aver finalmente vinto e di aver liberato il mondo da questo male primordiale.

Privando il demone di un altro ospite corporeo, il suo spirito dovrebbe dissiparsi nel nulla eterno. Ma, anche se solo il pubblico e Azazel lo sanno, un gatto appare per salvare il demone indebolito dalla morte, ricordandoci che questa storia non è sulla fine del male, ma su come è “quasi” morto. Questo rende Il tocco del male quasi più simile a un film dell’orrore che a un normale thriller poliziesco, in cui il mostro “muore” solo per tornare improvvisamente a infestare il mondo. Il film, infatti, suggerisce che non si può uccidere il male.

Esso esisterà sempre, per quanto si cerchi di soffocarlo o ignorarlo. A differenza di un essere umano, come Hobbes, la cui vita avrà una fine naturale, Azazel rappresenta l’apparente immortalità del male, o almeno la sua longevità. Il messaggio del demone a Hobbes, la parola “Apocalisse”, che deriva dal termine greco che significa “rivelazione”, sembra implicare che il demone e i suoi fratelli caduti continueranno a devastare il mondo finché potranno. Sebbene il film sostenga che Dio e i suoi angeli un giorno sconfiggeranno il male a fin di bene, il dato di fatto è che il male esiste ancora e che, anche se per un certo periodo di tempo può starsene quieto, non andrà da nessuna parte.

Anche se il finale di Il tocco del male può sembrare cupo, non è però completamente privo di speranza. All’inizio del film, Gretta Milano dice che lei e un gruppo di altri credono di essere stati scelti per combattere il male, per opporsi all’oscurità. Crede persino che Hobbes, prima della sua morte, fosse una di queste persone. Dal momento che Milano e il nipote di Hobbes, Sam (Michael J. Pagan), ne sono usciti vivi, rimane la speranza finale che, sebbene Azazel abbia vinto la battaglia, non vincerà la guerra. Sebbene il male possa riemergere ogni giorno, il film ricorda che tutti noi abbiamo la possibilità di scegliere se cedere alla sua voce seducente o rifiutarla completamente, aggrappandoci piuttosto alla bontà e alla verità.

Sebbene G.I. Joe – La nascita dei Cobra del 2009 sia stato un blockbuster d’azione di discreto successo, la maggior parte del cast principale del film non aveva interesse a riprendere i propri ruoli per ulteriori capitoli. Ciò significava dire addio a Christopher Eccleston, Sienna Miller, Joseph Gordon-Levitt e Rachel Nichols. Uccidendo inoltre il Duke di Channing Tatum e la maggior parte degli altri Joe nelle scene iniziali, G. I. Joe – La vendetta (qui la recensione) del 2013 ha dunque agito quasi come un reboot morbido, mettendo al centro un nuovo eroe, il Roadblock di Dwayne Johnson.

La storia di G. I. Joe – La vendetta è relativamente semplice, con Roadblock e i pochi membri rimasti della sua squadra che cercano di fermare l’ultimo complotto dei Cobra per ottenere il dominio del mondo attraverso un presidente degli Stati Uniti fantoccio. Ma per i fan degli eroi classici della linea di giocattoli Hasbro, il film della Paramount riesce a offrire una serie di archi di personaggi ben approfonditi accanto alle scene di combattimento iperattive. In questo articolo, esploriamo il finale del film, dove finiscono alcuni dei personaggi dopo i titoli di coda e come si prospetta il futuro del franchise G.I. Joe sia in TV che al cinema.

Snake Eyes e Storm Shadow cessano le ostilità

Il conflitto tra Snake Eyes e Storm Shadow risale alla loro infanzia, brevemente descritto anche in G.I. Joe – La nascita dei Cobra. Apprendiamo che l’omicidio di Hard Master è l’unico e reale motivo per cui Snake Eyes ha fatto voto di silenzio, perché egli era per lui la cosa più vicina a un padre che avesse. Il ninja ha preso molto a cuore la morte di Hard Master perché egli è stato l’unica persona che lo ha aiutato a fare qualcosa della sua vita dopo che si era ritrovato senza casa in Giappone. La rivalità tra Snake Eyes e Storm Shadow si basa dunque sulla falsa credenza che Storm Shadow abbia ucciso Hard Master a causa della sua preferenza per Snake Eyes.

La natura testarda e aggressiva di Storm Shadow fa sì che non cerchi mai di difendersi da queste accuse, rafforzando ulteriormente l’idea che sia un assassino a sangue freddo. Come spiega lui stesso, è perso nella sua rabbia. All’opposto, Snake Eyes è così determinato a risolvere la sua vendetta che si spinge al limite ogni volta che affronta la sua nemesi. Così, quando viene rivelato che è stato il cattivo Cobra Zartan a uccidere Hard Master, il conflitto tra i due stoici guerrieri si sgonfia all’istante. La scoperta della verità permette ai due di ritrovare la pace e la loro collaborazione in un combattimento finale contro Cobra è il primo passo verso la riparazione della loro amicizia incrinata.

La vendetta di Roadblock è rimandata

L’intero arco narrativo di Roadblock mira invece a ottenere giustizia per i suoi compagni caduti in seguito al devastante attacco missilistico dell’inizio del film, ma sembra che la sua missione inizia solo con l’esca posta nel finale di G. I. Joe – La vendetta. Il bisogno di vendicarsi di Roadblock è uno dei temi principali del film, anche se si rende subito conto che non può sistemare le cose senza la sua squadra. Deve appoggiarsi a loro per far sì che la missione vada a buon fine, abbandonando la sua convinzione di non aver bisogno di alleati. Ma buttare via il libro delle regole significa ricorrere a una figura sorprendente: il Generale Joe Colton di Bruce Willis, il G.I. Joe originale.

L’inclusione del Generale è un modo per spingere la squadra a scoprire Zartan come falso Presidente, oltre a dare ai fan di lunga data il classico personaggio Hasbro in live-action, naturalmente. Purtroppo, la sete di vendetta di Roadblock non si placa solo perché i Joe hanno salvato di nuovo la situazione. Cobra Commander è ancora in circolazione dopo essere fuggito da Fort Sumter nel pieno della battaglia. È logico che i registi non abbiano permesso all’eroe di Dwayne Johnson di affrontare il cattivo nel finale – evidentemente lo conservavano per un climax drammatico nel terzo film originariamente previsto.

Il combattimento sarebbe probabilmente terminato con Roadblock che spara al cattivo usando la pistola del Generale Patton, che Colton gli dona alla fine di G. I. Joe – La vendetta come ringraziamento per i suoi sforzi. È un momento che fa leva sulla natura eccessivamente patriottica del franchise, ma serve anche a ricordare a Roadblock che non è solo nella sua lotta e che ha il resto della sua squadra al suo fianco. In ogni caso, nel finale i G.I. Joe, discolpati davanti al mondo intero ed elogiati dal Presidente, sono premiati da Colton: Roadblock riceve la promozione a ufficiale, Lady Jaye ottiene un grado superiore a quello del padre defunto, e Jinx diventa membro permanente dei Joe.

Il futuro del franchise

Il franchise di G.I. Joe non ha goduto di una grande fortuna negli otto anni trascorsi dal debutto di G. I. Joe – La vendetta. Dwayne Johnson ha sempre sostenuto di voler tornare per un terzo film, che a un certo punto è stato intitolato G.I. Joe: Ever Vigilant. Tuttavia, il franchise ha preso una nuova sorprendente direzione con un prequel/spin-off del regista tedesco Peter Schwentke, concentratosi esclusivamente sulla storia delle origini di Snake Eyes. Il film – intitolato Snake Eyes: G. I. Joe (qui la recensione) vede Henry Golding nei panni del ninja titolare e ruota attorno al suo conflitto con lo Storm Shadow di Andrew Koji in Giappone.

Ad oggi, non ci sono novità riguardo un terzo film, ma sappiamo che è stato ufficializzato un crossover tra G. I. Joe e Transformers. L’idea si basa su una trama che i marchi della Hasbro hanno sviluppato nei loro fumetti pubblicati dalla Marvel negli anni Ottanta e ripresa ora anche dal film Transformers: Il risveglio arrivato in sala nel 2023, dove l’eroe interpretato da Anthony Ramos scopre di essere invitato a unirsi all’organizzazione governativa segreta che ha scoperto cos’è successo in Perù, è a conoscenza della presenza dei robot ed è disposta a pagare le cure per Kris: il G. I. Joe.

Il film Spider-Man 2 è ampiamente considerato uno dei migliori film di supereroi mai realizzati, e a ragione, perché eleva tutto ciò che ha reso così grande il primo film di Sam Raimi. I problemi del mondo reale affrontati da Peter Parker (Tobey Maguire), così come vengono presentati nel film, sono fin troppo comprensibili, in quanto l’uomo lotta per pagare l’affitto o per studiare per la sua laurea, cercando al contempo di conquistare il cuore di Mary Jane Watson (Kirsten Dunst). Naturalmente, questa storia umana e avvincente viene raccontata insieme a un’entusiasmante dose di azione supereroistica.

In questo film l’Uomo Ragno si trova infatti a dover affrontare il Dottor Otto Octavius (Alfred Molina), alias Dottor Octopus, un brillante scienziato che diventa una minaccia per tutta la città in seguito a un esperimento scientifico andato male. Il film, però, è probabilmente il punto più alto del franchise per il modo in cui insegna a Peter Parker una lezione sul sacrificio e sul peso delle sue responsabilità – in particolare attraverso i cattivi del film, tra cui anche Harry Osborn (James Franco). Questi temi più profondi sono dimostrati con forza nel finale del film, come spieghiamo di seguito.

La redenzione del Dottor Octopus

Otto Octavius è un cattivo scritto in modo eccellente, perché ha motivazioni comprensibili e un genuino impulso a fare del bene. I suoi desideri originari – creare energia rinnovabile illimitata – sono nobili e volti al bene del pianeta, anche se vengono stravolti dopo l’incidente che porta alla distruzione del suo esperimento e alla morte della moglie. Come Peter, Octavius stava solo cercando di pensare agli altri invece che a se stesso, perché, se seguiamo gli insegnamenti dello zio Ben, avere i mezzi e il potere per aiutare gli altri ti dà la responsabilità di farlo.

Poi, durante l’esperimento, il suo chip inibitore – che impedisce all’I.A. (sulla quale il film aveva quindi già offerto un inquietante risvolto) nelle braccia meccaniche di entrare nella sua testa – viene fritto e lui finisce per commettere rapine e uccidere persone per portare a termine il suo esperimento. Non c’è dubbio che sia mal consigliato, ma è facile vedere il parallelo con Peter Parker, in quanto diventa così determinato ad aiutare il resto del mondo da non lasciare che nulla lo ostacoli, incluso Spider-Man. Nella mente di Ock, anche il rapimento di Mary Jane è un male necessario sulla strada della potenziale grandezza. Tuttavia, come dimostra il finale, il peso dell’ego di Octavius non significa che sia incapace di riconoscere i propri errori.

Spider-Man 2 è un film in cui il tema ricorrente è quello dei doni che tutti abbiamo e delle responsabilità che ne derivano: così, nella battaglia finale, mentre il reattore minaccia New York, Peter si smaschera e ripete il consiglio che Octavius gli aveva dato all’inizio del film, ovvero che la sua intelligenza è “un dono, non un privilegio” da usare “per il bene dell’umanità”. Queste parole colpiscono Octavius, offrendogli un momento di lucidità. Il peso del dolore per la morte della moglie gli ha fatto perdere la strada – proprio come la morte dello zio Ben aveva quasi avuto la meglio su Peter nel primo film – ma ha capito l’errore dei suoi modi. Quindi, sacrificandosi per far precipitare il reattore in acqua, accetta che questo era il suo problema da risolvere, assumendosi la piena responsabilità delle sue azioni.

Harry Osborn precipita nell’oscurità

Purtroppo, mentre Ock si redime, la fine di Spider-Man 2 mostra che la vita di Harry Osborn sta per diventare molto più complicata. A questo punto, è già così sopraffatto dal dolore e dalla rabbia (al pensiero dell’assassinio di Norman Osborn da parte di Spider-Man alla fine del primo film) da schierarsi con un supercriminale, e la sua scena finale lo mostra disposto a guardare oltre il fatto che suo padre fosse il Green Goblin… ma tale padre, tale figlio. L’intero arco narrativo di Harry in questo sequel lo spinge a seguire davvero le orme del genitore. Accetta persino una posizione alla Oscorp, volendo inconsciamente essere all’altezza dell’eredità costruita dal padre.

Il divario tra Harry e Peter diventa cavernoso quando il primo smaschera l’Uomo Ragno, solo per scoprire che il suo odiato nemico è anche il suo migliore amico. Per quanto riguarda i temi dei doni e della responsabilità, l’arco narrativo di Harry è un racconto ammonitore. Proprio come Otto, il dolore di Harry si manifesta in modo distruttivo. Avrebbe potuto essere una vera forza per un cambiamento positivo a New York, ma alla fine, quando scopre una scorta di armi di Green Goblin, lascia che la sua brama di vendetta prenda il sopravvento, condannandolo a seguire le orme di Norman.

Peter Parker cresce e accetta le sue responsabilità

Per quanto riguarda Peter Parker, Spider-Man 2 lo vede non solo trovare una figura paterna in Otto Octavius, ma anche avvicinarsi a Mary Jane, e persino ottenere la possibilità di una vita normale, solo che tutte queste cose gli esplodono ben presto intorno. Alla fine, gli eventi del sequel lo costringono a confrontarsi con l’idea che la sua grande responsabilità nei confronti di New York significa che non può sempre avere ciò che vuole. Anche quando i suoi poteri vacillano, e si concede una breve pausa, lotta per sentire sempre il richiamo all’azione.

La riluttanza di Pete a essere onesto con MJ deriva da una conversazione a cuore aperto con zia May su come a volte le responsabilità ostacolino i sogni individuali. Il parallelo, in questo caso, è che l’obbligo di Spider-Man di aiutare tutti supererà sempre i sogni di Peter, e forse gli impedirà anche di stare con la persona che ama. Tuttavia, il finale di Spider-Man 2 riconosce anche che, accanto alle responsabilità che le persone hanno, non si possono sacrificare completamente i propri bisogni e la propria felicità solo per concentrarsi esclusivamente sul vivere per quelle responsabilità.

Lo dimostra la scelta di MJ, una volta saputo che Peter è l’Uomo Ragno, di abbandonare la sua relazione con John Jameson e di scegliere invece Peter. Così facendo, Mary Jane accetta di dover condividere Peter con il resto di New York: infatti, il film si conclude con lui che salta dalla finestra per salvare delle vite. A causa di queste incredibili capacità e del dovere morale che ne deriva, la coppia dovrà sacrificare ogni speranza di una vita normale. Ma questo non significa che non possano trovare la felicità nel farlo insieme.

Arrivato in sala lo scorso 27 marzo 2025, Le assaggiatrici di Silvio Soldini porta al cinema il romanzo omonimo di Rosella Postorino, basato a sua volta su una storia vera.

Vincitore del Premio Campiello nel 2018 e tradotto in oltre trenta lingue, il romanzo di Postorino ha riportato alla ribalta una vicenda storica e umana di grande rilevanza. Questa storia ha ispirato un applaudito adattamento teatrale con Silvia Gallerano e Alessia Giangiuliani, intitolato L’assaggiatrice di Hitler, e, più recentemente, il film Le assaggiatrici di Silvio Soldini. Un ulteriore segno della forza narrativa e del valore storico del racconto.

Di cosa parla il romanzo di Rosella Postorino

Il romanzo segue la storia di Rosa, una giovane donna costretta a mangiare il cibo destinato ad Adolf Hitler per testarne l’eventuale presenza di veleni. Una vicenda di finzione, ma basata su fatti reali: quelli di Margot Wölk, l’unica sopravvissuta tra le assaggiatrici del Führer. Per decenni ha taciuto la sua esperienza, che ha rivelato solo nel 2012 in un’intervista allo Spiegel, poi ripresa da ABC News, riportando alla luce un capitolo della Seconda guerra mondiale rimasto a lungo nell’ombra.

La storia vera di Le Assaggiatrici

Margot Wölk nacque nel 1917 a Berlino, in una famiglia della piccola borghesia. Crebbe nella Repubblica di Weimar, vivendo i profondi cambiamenti politici che portarono all’ascesa del nazismo. Studiò stenografia e segreteria, trovando impiego in alcune aziende. Tuttavia, la sua vita cambiò radicalmente con l’inizio della guerra: dopo il matrimonio con Karl Wölk, impiegato delle ferrovie del Reich, la sua quotidianità fu sconvolta dalla partenza del marito per il fronte e dai bombardamenti su Berlino. Per sfuggire ai pericoli della capitale, si rifugiò in Prussia orientale, nella cittadina di Gross-Partsch, non lontano dal quartier generale di Hitler. Proprio lì, nel 1942, fu costretta a unirsi a un gruppo di giovani donne incaricate di un compito tanto singolare quanto angosciante: assaggiare il cibo del Führer per verificare che non fosse avvelenato.

Cosa voleva dire essere un’assaggiatrice di Hitler?

Essere una delle assaggiatrici di Hitler significava affrontare ogni pasto come se potesse essere l’ultimo. Margot e altre quattordici donne venivano condotte ogni giorno in una sala sorvegliata, dove le attendevano piatti abbondanti e raffinati, da consumare sotto lo sguardo vigile delle SS. “Tutti pensano che morissimo di fame, ma il problema era l’opposto: dovevamo mangiare forzatamente, senza sapere se quel boccone ci avrebbe uccise”, ha raccontato Margot molti anni dopo. La paura era costante, l’angoscia soffocante. Dopo ogni pasto, erano costrette ad attendere un’ora sotto stretta sorveglianza per verificare eventuali effetti letali. Con l’aggravarsi del conflitto, l’atmosfera si fece ancora più pesante.

La svolta nel 1944

Nel 1944, il fallito attentato a Hitler nell’ambito dell’Operazione Valchiria fece crescere i sospetti, portando a controlli ancora più rigidi. A dicembre di quell’anno, Margot riuscì a fuggire prima dell’arrivo dell’Armata Rossa, che segnò la tragica fine delle sue compagne. Ma la fuga non le garantì la salvezza: catturata dai soldati sovietici, fu vittima di violenze e abusi, e solo in seguito riuscì a tornare a Berlino. La sua esistenza, dopo la guerra, fu segnata dal trauma e dal silenzio. Soltanto nell’inverno del 2012 trovò il coraggio di raccontare la sua storia. “Non volevo che la mia storia morisse con me”, ha dichiarato in una delle sue ultime interviste. Margot Wölk è morta nel 2014.

Chasing the Wind, il film turco di Engin Erden ora disponibile su Netflix, è una storia di aspettative sbagliate e di ipotesi errate che si trasformano in direzioni più ottimistiche e gioiose, in cui le persone possono acquisiscono la consapevolezza di un qualcosa che trova una nuova forma e assume nuove possibilità. Si tratta dunque di un film sul lasciare la porta aperta, in modo che le cose possano cambiare, compresi coloro che traggono profitto da qualcuno solo momentaneamente per poi cambiare prospettiva e personalità.

Si può infatti essere sinceri e continuare a nutrire speranza in qualcuno anche quando si trasforma inaspettatamente? Chasing The Wind mantiene evidentemente una salda fiducia nei suoi personaggi, soprattutto nella coppia centrale, affinché evolvano e superino i loro primi pregiudizi. Proprio guardando a queste tematiche portate avanti dal film, in questo articolo esploriamo il significato del suo finale e ciò che ci rivela sui protagonisti.

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La trama di Chasing The Wind

Asli (Hande Erçel), insieme al padre Arif e a Nazmi (amico del padre), gestisce un’azienda che, dopo un iniziale periodo di successo, è andata incontro a forti perdite a causa di alcuni investimenti sbagliati. Spetta ora alla motivata Asli mettere a segno un colpo da maestro. Si assume infatti l’incarico di svolgere un compito di immensa persuasione. Quando il consiglio di amministrazione della società riceve un’offerta per far posto alla costruzione di una catena alberghiera in una particolare area, vuole impegnarsi in essa, ma tutti i membri del consiglio devono dare il via libera. Uno di loro è un tipo inaccessibile chiamato Ege (Baris Arduc).

Un tipo definito sfuggente, impossibile da convincere. Ma Asli ha fiducia nelle proprie capacità. Così, parte per incontrarlo e ottenere la sua approvazione, sapendo che la strada da percorrere sarà dura. Arriva quindi in un piccolo ristorante dove lei ed Ege dovrebbero incontrarsi. Tuttavia, viene fatta aspettare e lui non si presenta. Nel frattempo lo chef del ristorante e lei sviluppano una certa attrazione. Alla fine proprio il cuoco si rivela essere Ege. Ma perché non ha rivelato la sua identità prima? Asli è infastidita e perplessa, ma anche attratta da lui. Lui, però, non si smuove, rimanendo misterioso, irraggiungibile e gelido nonostante la facciata di civiltà.

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Perché la posizione di Asli si ammorbidisce?

La donna sottopone quindi l’idea dell’hotel a Ege, che esprime immediatamente la sua opposizione, il suo chiaro rifiuto di portare avanti la proposta. Non vuole assolutamente partecipare in alcun modo. È di casa in queste insenature, il cui accesso verrebbe quindi privatizzato e isolato se firmasse il contratto dell’hotel. A Ege viene assicurato che otterrà una parte generosa dell’accordo, una baia tutta sua, ma questo non gli piace. Va contro la sua filosofia di base.

Anche se lui si sottrae alle sue dimostrazioni, alle sue suppliche di riconsiderazione, lei rimane ostinata e insistente. Deve concludere l’affare. Lo sa e non si tirerà indietro. Così cerca i punti deboli. Scopre che lui è socio dell’impresa edile di un amico, il che rende la cosa una chiara violazione delle politiche aziendali. Invia i dettagli alla sua assistente. Tuttavia, a complicare le cose è l’eventuale storia d’amore che si sviluppa tra lei ed Ege. La donna scopre anche che Ege è stato tradito dallo zio, che lo ha separato dalla madre.

Questo fa deragliare l’obiettivo della società di portare a termine l’affare dell’hotel. In azienda si teme che la ragazza si stia avvicinando troppo a Ege, perdendo di obiettività. Se ciò accade, sarà un problema per la società. Per interrompere la situazione, arriva quindi all’improvviso l’avvocato dell’azienda, il quale rivela a Ege che la donna lo ha ingannato e che ora lui ha perso il diritto di essere membro del consiglio di amministrazione dell’azienda, dato che la sua associazione con un’altra società è stata smascherata. Ovviamente, a questo punto, la storia d’amore si inasprisce immediatamente.

La spiegazione del finale di Chasing the Wind

Nel finale del film, Asli cerca di spiegare ad Ege la sua complicata posizione, affermando che i suoi sentimenti per lui sono autentici. Forse aveva un’ostilità iniziale e stava cercando di fare affari, ma ora lo ama davvero. Aveva chiesto alla sua assistente di non condividere quei documenti chiave con l’azienda, ma l’avvocato l’ha scoperto comunque e ha architettato quella crisi. Se non fosse intervenuto, lei non si sarebbe mai fatta avanti e non avrebbe portato a termine ciò che era stata mandata a compiere.

Seguono a questo punto un numero imprecisato di giorni. Asli perde i contatti con Ege, che è giustamente ferito e angosciato dal tradimento. Tuttavia, c’è un colpo di scena quando Ege viene a sapere che il consiglio di amministrazione della società ha commesso delle malversazioni. È la base perfetta per il suo intervento, la sua ricomparsa nelle riunioni del consiglio di amministrazione dell’azienda, da cui era rimasto a lungo lontano e di cui non si era mai occupato. Proprio quando Asli si rifiuta di firmare l’ordine per la realizzazione dell’hotel, Ege interviene, sorprendendo tutti.

Annuncia di aver scoperto l’appropriazione indebita e che i responsabili saranno pertanto licenziati immediatamente. Dirige quindi tutti i suoi risparmi per tenere a galla l’azienda e ordina ai membri del consiglio di amministrazione di consegnargli la sua tenuta a Cesme, dove potrà continuare la sua vita. Asli, ovviamente gioiosa per quell’inaspettato risvolto, lo raggiunge, e i due possono così ricostruire il loro rapporto, avviandosi verso un futuro più luminoso.