Con un’uscita programmata per l’estate 2020 e poi rimandata a causa della pandemia, arriva finalmente al cinema, l’11 agosto 2021, Free Guy – Eroe per gioco, il film diretto da Shawn Levy con protagonista Ryan Reynolds. Una commedia ambientata nel mondo dei gamer e dei videogiochi, o più esattamente, all’interno di un videogioco, in cui le più ambiziose volontà umane prendono forma e un nuovo mondo diventa possibile.

La trama di Free Guy – Eroe per gioco

La storia comincia mentre, per le strade di Free City, seguiamo Guy, un impiegato di banca che nella sua vita ordinaria e perfetta avverte la mancanza di qualcosa, di una donna che possa essere al suo fianco, che ami la musica pop e che sia esattamente come la immagina. Questo suo vagheggiare romantico è esclusivamente teorico, fino a che, un giorno, per caso, incontra una ragazza che sembra rispecchiare tutte le caratteristiche della donna dei suoi sogni. Innescato da questo incontro, Guy comincerà ad “osare”, a fare cose inaspettate, ad uscire dalla sua routine. Questa scelta lo catapulterà in una nuova realtà, ad un livello completamente nuovo dell’esistenza, fino a farlo interrogare della sua stessa realtà. Diventerà un “eroe per gioco”, come recita il titolo italiano del film, chiamato a salvare il suo mondo e tutti quelli che lo popolano.

Interpretato da Ryan Reynolds, Jodie Comer, Lil Rel Howery, Joe Keery, Utkarsh Ambudkar e Taika Waititi, Free Guy – Eroe per gioco è una vera e propria boccata d’aria fresca, un blockbuster ad alto budget con una storia originale, che non appartiene a nessun franchise esistente, quindi economicamente rischioso, e che anzi prende in giro proprio l’atteggiamento cauto di chi vorrebbe produrre soltanto sequel per mantenere tranquilli e appagati i consumatori. 

Una boccata d’aria fresca

Ambientato nel mondo dei gamer, il film presenta un linguaggio specifico che in italiano suonerà bizzarro se non per i frequentatori di Twitch o per i gamer stessi che forse si possono identificare meglio dentro ai personaggi, giocanti o meno che siano. Non solo i gamer, Free Guy racconta anche di programmatori, di coloro che attraverso codici e numeri riescono a vedere mondo bellissimi e avventure stellari, un vero e proprio regalo che i giocatori di tutto il mondo e di tutte le età. 

Ambientato in una realtà virtuale, il film sembra porre in sottofondo tutte le tematiche legate a queste esistenze parallele e non tangibili che non si possono più definire finte, dal momento che generano relazioni e sentimenti e che toccano corde di “realtà reale” assolutamente concrete. Non solo, l’idea alla base del film è che le intelligenze artificiali possano esistere davvero e si possano evolvere in base alla loro esperienza di gioco, come accade a Guy, come accade alla cameriera del bar dove Guy va a fare colazione.

Uscire dalla propria confort zone

Non solo, Free Guy sembra anche rivolgersi alle persone reali, agli spettatori normali, invitandoli ad uscire dalla loro confort zone, a mettersi in gioco e a fare nuove esperienze per arricchire la propria vita. 

Tuttavia l’idea brillante di partenza di Free Guy – Eroe per gioco, non sarebbe niente senza gli interpreti che l’hanno postata in vita. Partendo dall’affermato protagonista Reynolds, fino a Taika Waititi che si destreggia con agilità nei panni del villain, passando per il delizioso Joe Keery che abbiamo amato in Stranger Things e adoreremo in questo film, ogni singolo personaggio ha delle sfumature particolari, un linguaggio, un carattere che non appartengono solo alla sceneggiatura, ma che sono frutto di grandi interpretazioni, che troppo spesso vengono sottovalutate quando si parla di commedia. Su tutti però brilla la splendida Jodie Comer, ancora sconosciuta ai più (o almeno a quelli che non l’hanno già adorata in Killing Eve). Con un viso grazioso da bambina, una fisicità decisa e uno sguardo grintoso, Comer è perfettamente a suo agio sia nei panni di Molotov Girl, l’agguerrito avatar che incarna in Free City, sia in quelli di Millie, brillante programmatrice, romantica e volitiva, tenace e con un fortissimo senso di giustizia.

Free Guy – Eroe per gioco è un grande giocattolo che gronda Easter Eggs e che non mancherà di divertire tantissimo gli spettatori, trasporta in un mondo assurdo e violento e ci mostra quali sono le potenzialità dell’intelletto umano e dell’uomo stesso di determinare il proprio destino con un po’ di coraggio e di rischio. Soprattutto per la performance di, si consiglia la visione in lingua originale.

Arriva direttamente su Netflix VIVO, il film d’animazione co-prodotto dallo streamer con Sony Animation che porterà allegria, colori, e tanta tanta musica nelle case degli abbonati. Il film presenta una cast tecnico di grande pregio, a partire dal regista nominato agli Oscar per I Croods, Kirk DeMicco (guarda la nostra intervista), insieme a Brandon Jeffords. Nome di spicco della produzione è quello di Lin-Manuel Miranda, una vera e propria gallina dalle uova d’oro per Hollywood, negli ultimi anni, e che è in sala con Sognando a New York – In the Heights, film basato sull’omonimo musical da lui creato. 

Anche in questa occasione, Miranda mette il suo talento a servizio di una storia musicale, che racconta appunto la musica come principale tramite per legami fondamentali nella vita di ognuno: che sia quello tra padre e figlia, tra due silenziosi amanti che non hanno mai avuto il coraggio di dichiararsi reciprocamente, o che sia addirittura la sintonia tra uomini e animali, che pur non parlando la stessa lingua si capiscono. 

La trama di VIVO

VIVO è il nome di un simpatico cercoletto (un piccolo abitante delle foreste tropicali), che trascorre le sue giornate suonando musica in una vivace piazza a L’Avana insieme al suo amato padrone/amico Andrés. Sebbene non parlino la stessa lingua, Vivo e Andrés sono un duo perfetto grazie alla passione per la musica che li accomuna. Ma una tragedia li colpisce poco dopo l’arrivo di un invito della celebre Marta Sandoval ad assistere al proprio concerto di addio che si terrà a Miami, con la speranza di rivedere il suo vecchio partner. Toccherà a Vivo consegnare il messaggio che Andrés ha sempre tenuto segreto: una lettera d’amore per Marta, scritta molto tempo fa sotto forma di canzone. Per riuscire a raggiungere Miami, Vivo dovrà accettare l’aiuto di Gabi, un’energica ragazzina con un ritmo tutto suo.

VIVO è un on the road particolare, anarchico per certi versi, perché imbevuto dello spirito di questa simpatica protagonista, Gabi, una ragazzina che non riesce a trovare il suo posto nel mondo, ma che troverà un amico in questo simpatico animaletto. L’elaborazione del lutto, la ricerca di se stessi, la capacità di amare e di ascoltarsi sono i grandi temi che scorrono sotto alla superficie chiassosa, variopinta e spericolata della storia. 

E naturalmente le canzoni del film sono il cuore pulsante della storia. Lin-Manuel Miranda si sbizzarrisce, creando un pastiche musicale che spazia trai generi, adeguandosi non solo alle personalità dei personaggi che di volta in volta cantano e interpretano i brani, ma omaggiando anche i ritmi tipici delle aree geografiche in cui si muove. Il risultato è ricco e vario, curato e originale, proprio come VIVO.

Se da un punto di vista tecnico e visivo il film si assesta su standard molto buoni ma ormai consolidati, senza particolari guizzi, è lo spirito di VIVO a determinarne la bellezza e il carattere. 

Un cast di doppiatori stallare

La versione italiana di VIVO presenta alcune voci d’eccezione: Stash, frontaman della band multiplatino The Kolors (voce e chitarra), cantautore e produttore, interpreta tutte le canzoni dell’originale protagonista Vivo, Massimo Lopez, attore, doppiatore, show man, conduttore televisivo e componente del noto trio “Lopez, Marchesini, Solenghi”, doppia il personaggio di Andrés nelle canzoni e nei dialoghi, mentre Simona Bencini, cantante e storica front woman dei “Dirotta su Cuba”, è l’interprete delle canzoni di Marta Sandoval, a cui è dedicata la canzone di Andrés.

Per quanto riguarda invece la versione originale, Lin-Manuel Miranda la fa invece da padrone, doppiando, canto e voce, il simpatico protagonista peloso, e con lui ci sono Zoe Saldaña (Rosa), Juan de Marcos (Andrés), Brian Tyree Henry (Dancarino), Michael Rooker (Lutador), Nicole Byer (Valentina), Gloria Estefan (Marta) e, per la prima volta sugli schermi, Ynairaly Simo (Gabi).

Ballando e cantando su melodie sudamericane, a ritmo sfrenato, VIVO regala un’esperienza visiva divertente e leggera con una buona dose di cuore, un ottimo modo per stare insieme in famiglia.

Guarda il trailer di VIVO

Cosa spinge un attore che in circa 35 anni di carriera ha recitato in quasi sessanta film a debuttare infine alla regia? Nel caso di Viggo Mortensen, noto per la trilogia di Il Signore degli anelli, La promessa dell’assassino e Green Book, non poteva che essere un esigenza estremamente personale. È infatti stato in seguito alla scomparsa della madre che l’interprete ha iniziato a concepire quello che è poi diventato il suo primo film da regista: Falling – Storia di un padre. Scosso dalla scomparsa della genitrice, egli si è trovato a ripercorrere la propria storia famigliare, arrivando anche a capire meglio quel padre con cui ha avuto un difficile rapporto.

La storia di Falling parte proprio da qui, da John Peterson (interpretato dallo stesso Mortensen), il quale si trova a dover gestire il problematico padre Willis (Lance Henriksen). Affetto da demenza senile, l’anziano non può più vivere da solo nella sua fattoria e per questo viene portato a Los Angeles. Qui potrà stare più vicino alla famiglia del figlio, composta dal compagno Eric (Terry Chen) e dalla loro figlia adottiva Mónica (Gabby Velis). Ma si sa, il ritorno alla convivenza tra genitori e figli può essere complicato e riaccendere dolori del passato, come quello della scomparsa di Gwen (Hannah Gross), moglie di Willis e madre di John. Lo scontro tra i due sarà dunque inevitabile.

Falling, cadere negli abissi della memoria

Nel dar vita al suo film, Mortensen ci ha tenuto a precisare che solo alcuni eventi o spunti sono ispirati alla sua storia personale. Ciò che l’attore e regista ha voluto far emergere è infatti un ritratto famigliare che dal particolare si estende all’universale, in cui tutti possono riconoscersi. Ancor di più, però, non gli interessava dar vita ad un film ancorato a certi canoni narrativi, preferendo invece dotarsi della libertà di compiere un vero e proprio viaggio dentro la memoria. Falling vive di ampi salti temporali tra passato e presente, di eventi accaduti e a lungo dimenticati, di scelte sbagliate e rimpianti che tornano ora a far male.

Mentre si assiste ai tentativi di John di far integrare il padre nella sua nuova vita in città, lo spettatore viene dunque portato nella memoria di quest’ultimo, con la sensazione di non avere reali appigli a cui poter fare riferimento. Ciò che Willis pensa di aver detto o fatto è continuamente messo in discussione dalla demenza senile, problematica qui affrontata in modo tanto lucido quanto sincero. Sono proprio i momenti in cui la mente dell’anziano fa confusione con il suo vissuto ad essere tra i più affascinanti del film, manifestando tutta la fragilità di questo complesso personaggio.

Il ritratto famigliare che Mortensen costruisce appare dunque privo di ogni irrealistico abbellimento, ponendo in evidenza vizi e virtù di ognuno dei personaggi. Tutto ciò, insieme alla contrapposizione che si anima poi tra il mondo rurale di Willis e quello progressista di John, non può che ricordare il capolavoro giapponese Viaggio a Tokyo, di Yasujirō Ozu (non a caso indicato da Mortensen come una delle fonti di ispirazione per Falling). Durante i pranzi, le uscite di gruppo e altri momenti quotidiani, si animano i conflitti che danno forma ai rapporti tra i personaggi. Non tutti possono qui trovare risoluzione, lasciando quel sospeso che rende ancor più realistica la famiglia Peterson.

Falling – Storia di un padre: la recensione del film

Il film di Mortensen si configura dunque come un delicato racconto che indaga quel complesso rapporto che è quello tra padre e figlio. La sua volontà di dedicarsi all’interiorità dei personaggi, lasciando che siano questi a guidare il racconto, porta Falling ad essere spesso e volentieri caotico come lo è la mente di Willis. Questo caos, che già di base potrebbe infastidire gli spettatori più abituati a tradizionali modalità di racconto, non manca di dar vita ad un equilibrio talvolta precario. Diversi sono i momenti in cui il desiderio di contemplazione rischia di far rallentare eccessivamente il ritmo, oppure determinate scene risultano ripetizioni superflue di altre già precedentemente viste.

Oltre ciò, però, il caos non è necessariamente negativo. Permette anzi al film di distinguersi e costruire un’atmosfera che è il vero cuore del tutto. Abbandonandosi a questa, prevale dunque la tenerezza di un figlio che si trova a gestire un padre che è ora più simile ad un bambino. Le immagini che scaturiscono dai loro ricordi non fanno che accentuare questo sentimento. Pur se messo a dura prova, questo rimane vivo sino alla fine del film, permettendo allo spettatore di vivere un percorso che non offre risposte certe, ma ribadisce la delicatezza con cui determinati rapporti devono essere gestiti, tanto per il presente quanto per il futuro.

Arriva al cinema dal 5 agosto Lo scambio di principesse, film del 2017 diretto da Marc Dugain, con Maya Sansa, nel ruolo di Elisabetta Farnese, moglie del re di Spagna, Filippo V, interpretato da Lambert Wilson. La coppia vedrà la giovanissima figlia andare in sposa al futuro re di Francia. 

Dugain oltre che regista, è cronista e autore di romanzi, alcuni dei quali trasposti al cinema, come La Chambre des Officiers. Dopo An Ordinary Execution, del 2010, su Stalin e l’epilogo della sua esistenza, eccolo al suo secondo film, in collaborazione con la storica, scrittrice e saggista Chantal Thomas, esperta del complesso periodo storico di cui si parla, il Settecento, già autrice di successi come Addio mia regina. È lei a scrivere il romanzo L’Échange de Princesses, 2013, da cui è tratta la pellicola.

Lo scambio di principesse, la trama

Versailles 1712. Morti tutti gli eredi al trono di Francia, il regno spetta al giovanissimo Duca d’Anjou, che diventerà Luigi XV, Igor Van Dessel. In attesa della sua maggiore età, la reggenza è affidata al Duca Filippo d’Orleans, Olivier Gourmet. Tutti gli sforzi del duca sono tesi ad assicurare la pace con la Spagna e il suo re Filippo V, Lambert Wilson, dopo anni di sanguinosa e costosa guerra. Viene così deciso di sugellare la pace con un duplice matrimonio: il giovane sovrano francese sposerà la figlia di Filippo V di Spagna, Maria Anna Vittoria, Juliane Lepoureau, ancora bambina, mentre l’erede al trono di Spagna, Don Luigi, Kacey Mottet Klein, sposerà Luisa Elisabetta, Anamaria Vartolomei, figlia del Duca d’Orleans, reggente di Francia. Il destino dei rapporti tra Francia e Spagna è nelle mani di questi quattro giovanissimi ragazzi, che neppure conoscono chi è stato loro destinato e, da un giorno all’altro, si trovano costretti a lasciare le loro case, dove non faranno più ritorno. I matrimoni andranno a buon fine? Le due principesse riusciranno ad integrarsi nel nuovo ambiente? Come le accoglieranno i rispettivi mariti?

Sacrificio in nome della ragion di stato

Lo scambio di principesse affronta una questione poco dibattuta e spesso anzi sottaciuta nei grandi affreschi in costume sulle dinastie reali, ovvero fa riflettere su come spesso in queste regali famiglie i giovani rampolli eredi al trono dovessero sacrificare sé stessi e la propria giovinezza, sull’altare delle ragioni politiche e diplomatiche, attraverso matrimoni combinati anche in giovanissima età, che li legavano a persone a loro del tutto sconosciute. Matrimoni per cementare la pace e la fratellanza fra regni e sempre, matrimoni che dovevano garantire la discendenza ai sovrani, in nome di quella che nel film viene definita come la “smania della gravidanza”, una vera e propria ossessione, per la quale si sacrificavano i desideri dei re, ma soprattutto quelli delle regine, costrette nel ruolo di madri e mogli, e cambiate, come oggetti, se non assolvevano a questo compito, il più importante loro affidato.

Quattro regnanti, quattro ragazzi

Sono così quattro ragazzi i protagonisti del film, scritto a quattro mani dal regista con Chantal Thomas, autrice del romanzo da cui prende le mosse. Igor van Dessel, nei panni di Luigi XV, incarna i dubbi di un giovane sovrano tredicenne di fronte alla gestione del regno, ma soprattutto a quella della sua vita privata, di cui non può disporre liberamente. Seppur intenerito dalla sua consorte bambina, la delicata e docile Maria Anna Vittoria, Juliane Lepoureau, costretta a pensare già come un’adulta, mentre gioca ancora con le bambole, il giovane re non riesce ad abituarsi all’idea che sia sua moglie, talmente innaturale è lo sforzo che gli si richiede. L’attore interpreta con esito altalenante lo spaesamento del protagonista, che si trova solo ad affrontare le responsabilità del regno, avendo per giunta visto morire tutti i propri parenti più prossimi.

Quello interpretato dalla Lepoureau è il personaggio più toccante, nell’innocenza dei suoi pochi anni. Il volto angelico della giovane attrice le si addice alla perfezione. È lei stessa la protagonista della favola che sogna di vivere, come qualsiasi bambina, ma dovrà svegliarsi. Stesso spaesamento vive l’erede al trono di Spagna, Don Luigi, adolescente impacciato e insicuro, apparentemente inadatto a regnare, invece chiamato anzitempo a raccogliere la pesante eredità di un padre come Filippo V. Interpretato da un Kacey Mottet Klein eternamente goffo e buffo, volutamente quasi ridicolo, rende bene come certe responsabilità calassero dall’alto sulle teste di giovani non pronti o poco adatti al compito loro affidato. La sua consorte ha il volto di Anamaria Vartolomei, che riesce a restituire con efficacia la figura di chi vorrebbe ribellarsi all’ordine prestabilito. Lo fa con piccoli e grandi gesti, piccole e grandi disubbidienze, assieme a un temperamente combattivo e testardo ben reso dall’attrice. 

Un affresco storico curato ed elegante, con un ricco cast

Il film si avvale dei bellissimi costumi di Fabio Perrone e di scenografie assai ricche. La scena iniziale, ad esempio, complice la fissità con cui è colto un momento di riposo, ricorda molto da vicino un dipinto del Settecento. Molta cura dunque nell’estetica e attenzione ai dettagli. La ricostruzione storica è minuziosa e ci informa a fine film della sorte dei protagonisti. 

Il cast è variegato, contando anche sulla presenza di Lambert Wilson, il cattolicissimo Filippo V, ritratto in una fase critica del regno e della sua vita, in cui è attraversato da dubbi e incertezze. Un po’ troppo affettata la sua interpretazione. Accanto a lui l’italiana Maya Sansa, che tratteggia efficacemente la figura della regina consorte, affranta per la partenza della principessa Maria Anna Vittoria, però decisa a non venir meno alla ragion di stato. Nel cast anche un’altra attrice nota al pubblico italiano,  la francese Andréa Ferréol,  apparsa ne La grande abbuffata di Marco Ferreri come in Sono pazzo di Iris Blond di Carlo Verdone. Qui è la principessa Palatine. Catherine Mouchet interpreta invece Madame de Ventadour, la governante che assiste prima Luigi XV e poi la sua giovanissima sposa.  

Lo scambio di principesse non ha particolari guizzi, ma si lascia guardare, mostrando le esistenze dei reali da una prospettiva insolita, accompagnato da un’estetica curata e da ottime musiche, opera di Marc Tomasi ed eseguite dalla London Symphony Orchestra. Al cinema dal 5 agosto.