Thunderbolts* ha faticato a trovare un pubblico quando è uscito nelle sale lo scorso aprile, ma è stato comunque acclamato come uno dei migliori film dell’MCU. Tenendo presente questo, è facile capire perché la notizia che il regista Jake Schreier dirigerà il reboot degli X-Men della Marvel Studios sia stata accolta così positivamente. Ci si aspetta di vedere il film nelle sale prima del 2028, quando probabilmente inaugurerà una nuova era narrativa per l’MCU, post Avengers: Secret Wars.
In un’intervista a Empire Online, Schreier ha ora confermato di aver ufficialmente iniziato a lavorare al reboot. “Non posso dire nulla al riguardo, ma abbiamo iniziato a lavorare su X-Men, e questo è ovviamente molto, molto emozionante”, ha rivelato. “Ci sono così tante cose che non sapevo prima di iniziare Thunderbolts*”, ha aggiunto il regista, spiegando che ora la sua precedente esperienza nell’MCU andrà a beneficio del tanto atteso debutto della squadra di mutanti nel franchise.
Schreier ha continuato: “La cosa più importante che ho imparato è stata la proporzione tra le scene d’azione e quelle più emotive, incentrate sui personaggi, e come, anche se ci sono più giorni di riprese di quanti ne abbia mai avuti, questi vengano consumati abbastanza rapidamente dalle scene d’azione. Quando siamo arrivati alla fine, mi sono detto: ‘Oh, ora mi sembra di capire un po’ meglio come fare’”.
Questo dopo aver affermato che l’“idea centrale” di X-Men è la “complessità”, descrivendo il film come “un’incredibile opportunità con personaggi super interessanti e [molti] conflitti interni. Questi personaggi sono alle prese con la loro identità e il loro posto nel mondo: è un materiale intrinsecamente interessante e complesso”. Con i lavori di pre-produzione ora iniziati, non resta che attendere i primi annunci sul cast che comporrà il film.
Secondo quanto riferito, il casting ufficiale dovrebbe iniziare molto presto (se non è già iniziato) e personaggi del calibro di Harris Dickinson, Margaret Qualley, Elle Fanninge Julia Butters sarebbero nel mirino dello studio (secondo quanto riferito, erano in lizza per interpretare Cyclope, Rogue e Kitty Pryde, ma non sappiamo se sia ancora così), insieme alla star di Alien: RomulusDavid Jonsson e Trinity Bliss, che potrebbero essere in lizza per interpretare Jubilee. Altri nomi che sono emersi nelle voci di corridoio includono Hunter Schafer (Mystica), Ayo Edebiri(Tempesta) e Javier Bardem(Mr. Sinister).
Riguardo al progetto Kevin Feige ha dichiarato di avere un “piano decennale” per la saga dei mutanti. “Penso che lo vedrete continuare nei nostri prossimi film con alcuni personaggi degli X-Men che potreste riconoscere. Subito dopo, l’intera storia di Secret Wars ci condurrà davvero in una nuova era dei mutanti Ancora una volta, è uno di quei sogni che diventano realtà. Finalmente abbiamo di nuovo gli X-Men“.
Il finale di Babylon(qui la nostra recensione) spiega che Hollywood ha i suoi lati positivi e negativi, ma nel caso delle persone che hanno contribuito a costruirla, ne vale la pena. Il cast vede Brad Pitt, Margot Robbie e Diego Calva nei panni di personaggi dell’era del cinema muto che affrontano gli alti e bassi di un’industria in continua evoluzione. Gli alti della vecchia Hollywood sono rappresentati dalle performance di giovani star emergenti e dalle feste elaborate di icone affermate, mentre i bassi dell’industria sono evidenziati dal declino delle carriere, dall’eccessiva indulgenza e dai comportamenti distruttivi con l’avvento dei film sonori.
La fine del film rivela che il corpo di Nellie (Robbie) viene trovato poco dopo aver lasciato Manny (Calva), Jack (Pitt) muore suicida, Sidney Palmer lascia Hollywood ed Elinor St. John alla fine muore. Tuttavia, il film si conclude con una nota piuttosto speranzosa, con Manny che torna a Los Angeles con la sua famiglia e guarda in lacrime Singin’ in the Rain, intervallato da un montaggio di importanti film del secolo scorso. L’industria cinematografica intrattiene così la prossima generazione di spettatori in modi nuovi, mentre Babylon mostra il prezzo che Hollywood fa pagare a coloro che lavorano duramente per mantenere a galla la propria carriera.
I momenti finali di Babylon includono dunque un montaggio di film della storia di Hollywood, tra cui il primo filmato, Horse in Motion, e il film di successo del 2009 di James Cameron, Avatar. Il finale del film mostra Hollywood come un luogo oscuro e pericoloso, ma anche come un luogo che ha costruito sogni per il mondo intero, cosa che Damien Chazelle esprime attraverso il montaggio del film. Anche se questo ha lo scopo di celebrare la storia del cinema, con tutto ciò che è venuto prima e dopo gli eventi di Babylon, la sequenza è diventata piuttosto controversa tra i critici e il pubblico.
La controversia deriva dall’idea che il finale del film sorvoli sulle tragedie disseminate nel film, come il destino di Jack e Nellie. Tuttavia, nonostante ciò, quello che accade nel finale è che celebra la storia e la gloria del cinema. Babylon non parla solo della depravazione di Hollywood e di come distrugge le vite, ma anche di come in qualche modo ne sia valsa la pena per creare la magia del cinema. Gli spettatori vedono persone morire e carriere distrutte, ma Manny sorride e può gioire del progresso cinematografico.
Perché sono stati scelti quei film per il montaggio finale
I film scelti da Chazelle per il montaggio finale di Babylon hanno tutti avuto un ruolo importante nel cambiamento di Hollywood e sono stati fondamentali per far passare l’industria da una fase all’altra. I primi film erano i più vecchi e hanno insegnato alla gente cosa fosse il cinema in generale. Horse in Motion era semplicemente un cortometraggio che mostrava un cavallo che camminava, cosa che all’epoca era sorprendente. L’arrivo del treno dei Lumiere è noto come un film che spaventava il pubblico, che non aveva idea di cosa stesse succedendo mentre il treno si avvicinava allo schermo.
Viaggio sulla luna è stato il primo film di fantascienza in assoluto a utilizzare effetti speciali all’avanguardia per l’epoca, realizzato dal rivoluzionario regista George Méliès. Questo è il film a cui tutti i film di fantascienza devono la loro esistenza. La grande rapina al treno fece lo stesso per i western, con il finale in cui il bandito punta la pistola verso lo schermo e spara, creando un altro momento scioccante per gli spettatori. Intolerance fu il primo grande film di gangster, e questi tre film posero le basi per i successivi due decenni di cinema. Passando a Il cantante di jazz, Chazelle ha reso omaggio al film che ha portato i film sonori alla ribalta di Hollywood, un momento che il film stesso ha mostrato.
Il mago di Oz è stato il primo film a mostrare davvero l’importanza del colore in una storia, un altro momento rivoluzionario per la storia del cinema, poiché ha lentamente spinto la produzione cinematografica in bianco e nero a diventare semplicemente un’opzione di nicchia negli anni a venire. Ben-Hur è stato un film che ha contribuito a inaugurare lo stile cinematografico epico. Un Chien Andalou è stato un film che ha influenzato notevolmente registi d’essai come David Lynch.
Psycho ha dimostrato che il marketing era importante quanto la narrazione quando si trattava di vendere un film al grande pubblico. 2001: Odissea nello spazio di Stanley Kubrick ha cambiato ciò che tutti sanno sulla fantascienza intelligente. I predatori dell’arca perduta ha portato i classici film d’avventura a una nuova generazione. Tron ha reinventato la fantascienza d’azione e Terminator 2 ha alzato ulteriormente l’asticella. Jurassic Park ha introdotto la CGI in sostituzione degli effetti pratici nella realizzazione dei film e Matrixha mostrato quanto i registi potessero fare di più con essa.
L’ultimo film, Persona, chiude il cerchio. Si tratta di un film di Ingmar Bergman del 1966 che punta sulla narrazione piuttosto che sui progressi tecnologici, dimostrando che possono ancora esistere storie cinematografiche degne di nota senza tutti i fronzoli. Ciascuno dei film scelti da Chazelle ha svolto un ruolo chiave nel cambiamento del cinema, creando momenti che hanno costretto Hollywood ad accettare i cambiamenti e ad andare avanti.
Diego Calva in Babylon
Perché Manny piange guardando Singing In The Rain
Il finale di Babylon vede dunque Manny bandito da Hollywood e Los Angeles per sfuggire alla furia omicida di James McKay. Tuttavia, dopo diversi anni, torna per mostrare alla sua famiglia dove aveva lavorato e trascorso i suoi primi anni di vita. Era ancora una città che conservava grandi ricordi e importanza per lui; era anche fonte di orgoglio e nostalgia per ciò che avrebbe potuto essere impresso nel suo cuore e nella sua mente.
Manny si unisce a un pubblico eterogeneo che guarda Singin’ in the Rain del 1952, un film musicale che romanticizza il passaggio di Hollywood dall’era del cinema muto a quella del cinema sonoro. Tuttavia, il ritorno “a casa” per Manny era offuscato da quello che doveva essere un ricordo roseo, poiché la sua carriera era iniziata pulendo i pasticci delle star e poi era proseguita guardando i suoi amici morire per eccessi. Tuttavia, dopo essere stato espulso dall’industria e aver assistito a tutta la tragica distruzione che essa poteva causare, Manny pianse di gioia guardando Singin’ in the Rain.
Tutte le meraviglie e la nostalgia del film confermarono che il suo più grande desiderio si era avverato: nonostante tutte le difficoltà, Manny aveva lasciato un’impronta indelebile nell’industria cinematografica. Hollywood andò avanti con il sonoro e il glamour, e persone di ogni ceto sociale ora si riuniscono per divertirsi con le versioni romantiche dell’industria che lui ha contribuito nel suo piccolo a costruire.
Nellie e Lady Fay si sono messe ufficialmente insieme?
Babylon allude alla relazione tra Nellie e Lady Fay iniziata dopo che si sono baciate durante l’incidente del morso di serpente. Tuttavia, come per altre storie di vita reale accennate in Babylon, solo una rubrica di gossip suggerisce che Nellie e Lady Fay Zhu stiano insieme, e la loro relazione romantica non viene mai rappresentata sullo schermo. Probabilmente le due hanno avuto una relazione per un po’, mantenendo un profilo basso. È possibile che si siano lasciate perché le voci hanno influenzato la carriera di Nellie come attrice.
Nellie stava cercando di cambiare la sua immagine agli occhi del pubblico e una relazione con una donna nella Hollywood degli anni ’20 avrebbe potuto mettere a rischio la sua carriera. Inoltre, Lady Fay fu licenziata dal suo lavoro di sceneggiatrice del film, allontanandola ulteriormente dall’industria cinematografica e dalla vita di Nellie. Il dissenso pubblico causato dalla loro relazione dimostrò che l’immagine era tutto a Hollywood e che una relazione lesbica era considerata indecente e immorale in quell’epoca, con il potenziale di influenzare negativamente l’ascesa di Nellie alla celebrità.
Margot Robbie e Diego Calva in Babylon
Come è morta Nellie LaRoy nel finale di Babylon
Il personaggio di Margot Robbie in Babylon, Nellie LaRoy, sognava di diventare una star del cinema, cosa che riuscì a realizzare per un breve periodo. Tuttavia, il finale del film include un ritaglio di giornale che passa inosservato se non si presta attenzione e che rivela il tragico destino di Nellie poco dopo aver lasciato Manny. Secondo la notizia, Nellie LaRoy morì all’età di 34 anni per quella che fu “probabilmente una dose eccessiva accidentale”. L’articolo riporta che “Nellie LaRoy… è stata trovata morta in un fatiscente appartamento di Hollywood” nel 1938, senza che la polizia sospettasse alcun reato. Non è chiaro se Nellie avesse recitato in altri film con la Kinoscope prima della sua sospetta overdose.
Nellie LaRoy, che aveva molti debiti a causa del gioco d’azzardo e della tossicodipendenza, sapeva che James McKay non avrebbe mai smesso di cercarla. Manny, invece, poteva scappare, soprattutto perché il debito non era suo. Si rese conto che non avrebbe mai potuto placare il senso di colpa per aver trascinato Manny con sé in quell’incubo, né avrebbe potuto vivere davvero felice e contenta con lui scappando. Per un po’ c’era stato un barlume di speranza, ma Nellie, in un atto di autodistruzione, non riusciva a rinunciare alla sua carriera e alla fama che si era guadagnata.
La fine di Babylon mostra dunque che lei poteva liberare Manny da Hollywood, ma non poteva liberare se stessa, quindi ha permesso all’industria di inghiottirla completamente. Nellie è apparsa per la prima volta nel film di Chazelle come una persona in grado di comandare e intrattenere una sala, piangere a comando e sapere di essere destinata a diventare una star, anche se non aveva ancora raggiunto quel livello. Quando finalmente ci è riuscita, la maschera di Hollywood e della sua gloria è crollata. Nellie fugge dalla sua vita precedente e dalla sua infanzia travagliata, ma non riesce a liberarsene completamente. Alla fine, questo la distrugge.
Perché Jack Conrad si è tolto la vita
Il personaggio interpretato da Brad Pitt in Babylon, Jack Conrad, aveva molto da offrire a Hollywood come star del cinema muto carismatica, amata e di successo. Sfortunatamente, il suo momento di gloria stava volgendo al termine, la sua reputazione era in caduta libera e la sua fama ne risentiva. Jack ha negato la realtà per un po’, ma il monologo di Elinor St. John lo ha costretto ad ammettere che non era più la star del cinema molto ricercata di un tempo.
Jack era la star più grande di Hollywood, ma voleva recitare solo in film di successo e pluripremiati. Il problema era che Hollywood stava passando al cinema sonoro, mentre Jack era una star del cinema muto. Ci sono molte storie di star del cinema muto che non sono riuscite a sfondare nella nuova Hollywood, e Jack è stato uno di questi casi tragici. Insieme al suicidio del suo amico George, Jack non voleva più recitare in film mediocri e non riusciva ad affrontare la realtà che lo attendeva riguardo alla fine della sua carriera di attore, il che lo ha portato alla tragica morte per suicidio.
Brad Pitt in Babylon
Cosa succede a Sidney Palmer dopo il finale di Babylon
Nel finale di Babylon, si scopre infine che Sidney Palmer ha lasciato Hollywood a causa del razzismo palese che ha dovuto affrontare. In un’epoca in cui Hollywood celebrava film problematici come Via col vento, Palmer ne aveva abbastanza delle assurdità dietro le quinte. A differenza del resto dei personaggi di Babylon, la carriera di Sidney non è andata in fumo, anche se i suoi sogni e le sue aspirazioni hollywoodiane sono stati comunque distrutti.
Poiché non era considerato “abbastanza nero”, doveva usare la blackface, e alla fine si è stancato dell’umiliazione. Anche se Sidney probabilmente non è mai tornato a suonare la tromba nei film, avrebbe potuto passare a dirigere una jazz band, espandendosi oltre i club di Los Angeles. Sidney avrebbe anche potuto insegnare alla prossima generazione di trombettisti jazz, che forse in seguito avrebbero suonato nei film, consolidando ulteriormente la sua influenza sul settore. Qualunque fosse la scelta, almeno è riuscito a uscire vivo da Hollywood.
Il vero significato del finale di Babylon
Il finale di Babylon esamina dunque la carriera e la morte di coloro che lavorano nell’industria cinematografica, celebrando al contempo la longevità del cinema e la sua influenza, indipendentemente dai cambiamenti che deve affrontare, compreso il passaggio dal cinema muto a quello sonoro. Il film è allo stesso tempo una lettera d’amore all’era del cinema muto e una critica all’industria cinematografica. Damien Chazelle affronta la fine dell’influenza di una persona a Hollywood e l’amarezza che ne deriva. Il film è anche nostalgico di un’epoca che è stata dimenticata dal tempo.
Babylon approfondisce anche i cambiamenti all’interno dell’industria cinematografica e il modo in cui questi influenzano attori, produttori e musicisti. Mentre le cose cambiano nel tempo, le transizioni interne scuotono lo status quo, ponendo fine alle carriere. Come il film La La Land (sempre di Chazelle), Babylon mostra il lato oscuro dietro le luci del cinema. Le cose cambiano all’improvviso e nessuno è al sicuro in un’industria in continua evoluzione, anche se alcune cose positive vengono lasciate indietro. Il film ribadisce così l’idea che Hollywood non fa prigionieri e che chi viene travolto dalla corrente ha tutto da perdere.
I fan di Quentin Tarantinonon devono mai cercare lontano per trovare film eccellenti e, per la maggior parte delle persone, questo non potrebbe essere più vero per Kill Bill – Vol. 1. Il classico del 2003 ha stabilito un nuovo standard per i film di arti marziali americani e il talento artistico di Tarantino ha reso l’esperienza ancora più indimenticabile. Con Uma Thurman nel ruolo della Sposa, il film è solo una parte di una storia molto più ampia che aspetta di essere svelata.
Classica storia di vendetta, Kill Bill – Vol. 1 inizia con scene d’azione spettacolari e la violenza non giunge al termine finché La Sposa non ha portato a termine gran parte della sua missione. Con scontro finale tra Thurman e Lucy Liu divenuto ormai un classico del cinema, tutti i fan di Tarantino che si sono persi questo capolavoro farebbero bene a recuperarlo il prima possibile. Lo stesso regista, d’altronde, lo ha definito la summa di tutte le sue passioni e influenze cinematografiche.
Raccontandolo in ordine cronologico, Kill Bill – Vol. 1 inizia con l’assassinio de La Sposa per mano di Bill e della sua Deadly Viper Assassination Squad. Tutto ciò che si sa prima che lei venga colpita e finisca in coma è che la Sposa era presumibilmente incinta del bambino di Bill. Mentre i Deadly Vipers intendono uccidere la Sposa, Bill annulla l’omicidio, chiarendo che uccidere un bersaglio indifeso è disonorevole. Quattro anni dopo, però, la Sposa si sveglia, elimina alcuni squallidi delinquenti in ospedale, ruba la loro auto e parte alla ricerca di vendetta contro le persone che hanno cercato di ucciderla.
La Sposa prende quindi di mira Vernita Green, una delle assassine che da allora ha intrapreso una vita molto più mondana. Quando arriva a casa sua, le due ingaggiano una lotta che lascia il soggiorno in rovina prima che la figlia di Vernita entri in casa, causando una breve pausa nell’azione. Avendo sempre un piano di riserva, Vernita cerca di indurre la Sposa in un falso senso di sicurezza, tentando di spararle con una pistola nascosta, ma la Sposa riesce a conficcarle un coltello nel petto, uccidendola all’istante. Con quell’obiettivo eliminato, la Sposa cancella il suo nome dalla lista e continua la sua ricerca di O-Ren Ishii.
Michael Madsen e Lucy Liu in Kill Bill – Vol 1
Come ci si potrebbe aspettare da Tarantino, la storia di O-Ren Ishii è raccontata in modo drammatico ed elegante tramite una memorabile sequenza animata. La sua vita è tragica: ha assistito alla morte della sua famiglia in giovane età ed è stata spinta alla follia dal desiderio di vendetta. Riuscirà a vendicarsi poco dopo, all’età di undici anni, e diventerà poi una delle assassine più pericolose al mondo all’età di vent’anni. Tutto questo retroscena mostra quanto O-Ren Ishii sia abile molto prima che lei e la Sposa arrivino alle mani.
Prima di affrontare uno dei membri più importanti delle Deadly Vipers, la Sposa va però a cercare una spada forgiata da Hattori Hanzo. Nonostante egli si rifiuti di forgiare una lama, Hanzo alla fine lo fa quando la Sposa chiarisce che il suo obiettivo è uccidere l’enigmatico Bill. Con tutto ciò di cui ha bisogno per affrontare O-Ren Ishii, la Sposa può quindi ora andare ad uccidere la donna che è diventata la leader di un gruppo di Yakuza a Tokyo. Ovviamente, entrare nel territorio della Yakuza e tentare di assassinare il loro leader non è affatto facile, il che rende evidente che la Sposa ha davanti a sé una battaglia ricca di ostacoli ad attenderla.
Il finale di Kill Bill – Vol. 1
Dopo alcune ricerche, la Sposa riesce a rintracciare O-Ren Ishii grazie alla sua notorietà come leader della Yakuza. Arrivata in un ristorante pieno di membri della Yakuza, la Sposa rende note le sue intenzioni di uccidere O-Ren Ishii, anche se le forze personali della leader non avevano alcuna intenzione di permettere che il loro capo venisse ucciso. La Sposa è costretta a combattere contro decine di abili sicari della Yakuza, riportando alcune ferite, ma lasciando tutti quelli che le si sono opposti in condizioni ben peggiori.
Una volta sistemati i sicari della Yakuza, La Sposa rivolge nuovamente la sua attenzione a O-Ren Ishii per un duello sulla neve. Le due donne si scambiano frecciatine prima di sguainare le loro lame e attaccarsi immediatamente a vicenda. Stanca e ferita, la Sposa sembra aver intrapreso un’impresa troppo ardua affrontando tutti gli Yakuza e O-Ren Ishii, ma dopo aver spezzato il fodero di Ishii, la Sposa acquista maggiore fiducia. Un singolo errore permette a Ishii di sferrare un colpo violento sulla schiena della Sposa, ma la ferita non è abbastanza grave da ucciderla.
Dopo alcune provocazioni, La Sposa si rialza e le due si scambiano dei colpi, ma questa volta La Sposa riesce a sferrare un colpo decisivo. Con entrambe le donne stanche e ferite, la Sposa riesce finalmente a sconfiggere Ishii, tagliandole la parte superiore del cranio. Con O-Ren Ishii finalmente uccisa, la Sposa cancella un altro assassino dalla sua lista e si prepara a continuare la sua vendetta, un viaggio che alla fine la porterà dall’uomo responsabile dell’attentato alla sua vita, Bill.
Mentre Kill Bill – Vol. 1 finisce qui, la seconda parte della storia, Kill Bill – Vol. 2, riprende immediatamente dopo gli eventi del primo film per continuare il percorso di vendetta della Sposa. Con molti più retroscena approfonditi e un incontro con l’enigmatico Bill, la seconda parte della storia è imperdibile per chi vuole affrontare Kill Bill Vol. 1, specialmente perché se il primo film è principalmente un film di arti marziali e samurai, il secondo ha invece influenze western, regalando un’esperienza cinematografica completamente nuova.
Cosa ci lascia Kill Bill – Vol. 1
Quello che Kill Bill – Vol. 1 ci lascia, oltre alla spettacolare messa in scena dell’azione, è un racconto che fonde generi e stili in maniera unica. Tarantino costruisce un’opera che è al tempo stesso omaggio e reinvenzione: arti marziali, cinema di samurai, spaghetti western e anime giapponesi convivono in un flusso narrativo che non smette mai di sorprendere. Il tema della vendetta diventa il filo conduttore che tiene insieme queste influenze, trasformando la storia della Sposa in un viaggio epico e violento, dove ogni incontro è un passo verso la catarsi personale.
Il film, però, non è soltanto un esercizio di stile. Attraverso l’eccesso visivo, il sangue e le coreografie iperboliche, Tarantino parla di identità, resilienza e memoria. La violenza non è mai fine a sé stessa, ma uno strumento narrativo che esalta la determinazione della protagonista e mette in scena il suo percorso interiore tanto quanto quello fisico. Kill Bill – Vol. 1 rimane così un’opera che non solo ha ridefinito il cinema d’azione occidentale, ma che continua a risuonare come manifesto delle passioni cinefile del regista e come riflessione sul potere salvifico – e distruttivo – della vendetta.
Divenuto negli anni una delle celebrità più influenti di Hollywood, George Clooney è oggi ampiamente riconosciuto e apprezzato come interprete, regista e produttore, distintosi con eccellenza in ognuno dei campi da lui affrontati. Grazie ai tanti film di successo a cui ha partecipato, ha potuto consolidare il suo status, affermandosi per il suo carisma e la sua grande versatilità. Sono infatti molti i generi in cui l’attore si è cimentato, ottenendo sempre il favore di critica e pubblico.
Ecco 10 cose che non sai su George Clooney.
George Clooney: i suoi film e le serie TV
1. Ha recitato in celebri lungometraggi. George Clooney ottiene la sua prima grande occasione al cinema con Dal tramonto all’alba (1996) di Robert Rodriguez, che lo impone come volto carismatico di Hollywood. Seguono commedie e blockbuster come Un giorno… per caso (1996), Batman & Robin (1997), La sottile linea rossa (1998) e Three Kings (1999). Negli anni Duemila si afferma definitivamente grazie a Fratello, dove sei? (2000) dei fratelli Coen e soprattutto con la saga di Ocean’s Eleven (2001), diretta da Steven Soderbergh, a cui seguiranno Ocean’s Twelve (2004) e Ocean’s Thirteen (2007).
Tra i suoi titoli più apprezzati figurano Solaris (2002), Prima ti sposo poi ti rovino (2003), Syriana (2005), che gli vale l’Oscar come miglior attore non protagonista, Michael Clayton (2007), Burn After Reading (2008), Tra le nuvole (2009), The American (2010), Paradiso amaro (2011), Gravity (2013), Tomorrowland (2015), Ave, Cesare (2016) e Money Monster (2016). Negli ultimi anni è tornato a recitare accanto a Julia Roberts in Ticket to Paradise (2022) e ha affiancato Brad Pitt in Wolfs – Lupi solitari (2024). Nel 2025 è atteso a Venezia con Jay Kelly di Noah Baumbach, dove recita accanto ad Adam Sandler e Laura Dern.
2. Ha preso parte a note serie televisive. Prima di diventare una star del cinema, Clooney si fa le ossa in televisione, recitando in serie come P/S – Pronto Soccorso (1984-1985), L’albero delle mele (1985-1987), Pappa e ciccia (1988-1991), Bodies of Evidence (1992-1993) e Sisters (1993-1994). La svolta arriva con il ruolo del pediatra Doug Ross in E.R. – Medici in prima linea, dove recita dal 1994 al 1999 accanto a Julianna Margulies, conquistando il pubblico e la critica.
Diventato ormai una star internazionale, Clooney si dedica quasi esclusivamente al cinema, tornando in televisione soltanto nel 2019 con Catch-22, serie tratta dal romanzo di Joseph Heller, che interpreta e dirige.
3. È anche regista, sceneggiatore e produttore. Oltre che attore, Clooney si è distinto come regista, sceneggiatore e produttore, firmando alcuni tra i titoli più apprezzati del cinema americano contemporaneo. Ha esordito dietro la macchina da presa con Confessioni di una mente pericolosa (2002), seguito da Good Night, and Good Luck (2005), candidato a sei premi Oscar, In amore niente regole (2007), Le idi di marzo (2011), Monuments Men (2014), Suburbicon (2017), The Midnight Sky (2020), Il bar delle grandi speranze (2021) e The Boys in the Boat (2023).
Come produttore ha sostenuto numerosi film, tra cui Lontano dal paradiso (2002), A Scanner Darkly (2006), The Informant! (2009), Argo (2012) di Ben Affleck — vincitore dell’Oscar come miglior film — e I segreti di Osage County (2013). Il suo impegno dietro le quinte conferma una carriera poliedrica, capace di unire talento interpretativo e visione autoriale.
George Clooney è stato Batman
4. Si vergogna del film. Che il film Batman & Robin sia stato un grande insuccesso di critica e pubblico è cosa ormai nota, ma l’attore continua ancora oggi a chiedere scusa per la sua esistenza. Clooney ha infatti più volte affermato di vergognarsi profondamente per il film, considerandolo un grande spreco di soldi. In particolare, l’attore è stato critico nei confronti della sceneggiatura, come anche di molte delle scenografie realizzate e della sua stessa interpretazione. Al termine delle riprese, affermò che con questo nuovo capitolo avevano ucciso la serie, ed è inoltre noto che risarcì molte delle persone che lo videro.
George Clooney e Brad Pitt, i loro film insieme
5. Hanno recitato insieme in diverse occasioni. Una delle coppie cinematografiche più amate è quella composta da Clooney e Brad Pitt. I due hanno recitato insieme per la prima volta in Ocean’s Eleven – dove fu Clooney a chiedere a Pitt di unirsi al cast – e nei successivi due sequel. Hanno poi condiviso una scena del film Burn After Reading, mentre sono ora di nuovo protagonisti insieme a tutti gli effetti di Wolfs – Lupi solitari, la commedia thriller presentata alla Mostra del Cinema di Venezia.
George Clooney e l’Italia
6. È molto legato all’Italia. L’amore per l’Italia di Clooney è da sempre noto. L’attore, infatti, possedeva una villa sul lago di Como, si è poi sposato a Venezia e da anni sceglie da anni il Bel Paese come meta per le sue vacanze estive. Nel 2020 – ad esempio – la sua meta è stata la Puglia, regione da lui ancora mai visitata e presso la quale ha così soggiornato per esplorarne le bellezze. Anno dopo anno, dunque, Clooney continua a ribadire la propria passione per la penisola e le sue terre.
7. Era considerato lo scapolo d’oro di Hollywood. Clooney è noto per aver avuto diverse relazioni con donne dello spettacolo, tra cui Lisa Snowdon, dal 2000 al 2005, Elisabetta Canalis, dal 2009 al 2011, e Stacy Keibler, dal 2011 al 2013. Tuttavia, dopo essere stato sposato una prima volta dal 1989 al 1993 con l’attrice Talia Balsam, dichiarò non si sarebbe mai più sposato, irritato dalla pratica di divorzio. Per anni è stato così definito “lo scapolo d’oro” di Hollywood.6
8. Ha sposato un avvocatessa. L’attore ha tuttavia infranto la sua promessa nel momento in cui ha annunciato il matrimonio con l’avvocatessa Amal Alamuddin, con la quale si frequentava dal 2013. La coppia si unisce in matrimonio a Venezia il 29 settembre del 2014, con una cerimonia celebrata nella sede comunale di Ca’ Farsetti. Nel giugno del 2017, poi, l’attore è divenuto padre dei suoi primi due figli, i gemelli Ella e Alexander. Con la moglie è stato poi impegnato in numerose cause umanitarie, di cui entrambi sono da sempre attivi sostenitori.
George Clooney: il suo patrimonio
9. È una delle personalità più ricche di Hollywood. La carriera di Clooney è costellata di grandi successi cinematografici, che hanno portato l’attore a diventare una delle principali star dell’industria. Grazie alla sua prolifica attività di interprete e regista, come anche quella di produttore, Clooney ha potuto negli anni dar vita ad un patrimonio stimato di circa 500 milioni di dollari, cosa che fa di lui una delle personalità più ricche di tutta Hollywood.
George Clooney: età e altezza
10. George Clooney è nato a Lexington, nel Kentucky, Stati Uniti, il 6 maggio del 1961. L’attore è alto complessivamente 180 centimetri.
Chi non ama Emma Stone? È una delle star con più talento, più umorismo, più fascino di Hollywood. Dalla voce particolare e dagli occhi immensi, è impegnatissima, intelligente e ha una presenza naturale. Ha solo 28 anni, ma ha già recitato in parecchi film, è una delle star più pagate di questa generazione, e ha già vinto un Oscar. Ma non solo.
Cosa non sapete su Emma Stone? Ecco dieci curiosità sull’attrice.
Emma Stone: i suoi film e le serie TV
1. Emma Stone ha recitato in celebri film. Emma Stone ha esordito al cinema con la commedia Suxbad – Tre metri sopra il pelo (2007), che le ha dato grande visibilità. Da lì in poi ha collezionato una serie di ruoli che l’hanno imposta come una delle attrici più amate della sua generazione: La coniglietta di casa (2008), La rivolta delle ex (2009), Benvenuti a Zombieland (2009), Easy girl (2010) e Amici di letto (2011).
Il 2011 è un anno cruciale, con Crazy, Stupid, Love e soprattutto The Help, che le ha aperto le porte del cinema drammatico. Nel 2012 e 2014 ha interpretato Gwen Stacy nei due film The Amazing Spider-Man. Sono seguiti titoli come Gangster Squad (2013), il film d’animazione I Croods (2013), Magic in the Moonlight (2014) e Birdman di Alejandro González Iñárritu (2014), che ha vinto l’Oscar come miglior film.
Nel 2016 è arrivata la consacrazione definitiva con La La Land, per il quale ha vinto l’Oscar come miglior attrice protagonista. Successivamente ha recitato in La battaglia dei sessi (2017), La favorita (2018) — che le è valsa una nuova candidatura agli Oscar —, Zombieland – Doppio colpo (2019) e Crudelia (2021), dove ha dato vita a una nuova versione della celebre villain Disney.
Negli ultimi anni ha ritrovato il regista Yorgos Lanthimos in Povere Creature!(Poor Things, 2023), Leone d’Oro a Venezia, che le ha regalato un nuovo Oscar come miglior attrice. Con Lanthimos ha continuato a collaborare nei progetti successivi, Kinds of Kindness(2024) e Bugonia (2025), confermandosi interprete versatile e di livello internazionale.
2. Ha recitato anche in alcune serie televisive. Oltre al cinema, l’attrice ha recitato anche in televisione. Nei primi anni di carriera è apparsa in episodi di Medium (2005), Malcolm (2006), Zack & Cody al Grand Hotel (2006) e iCarly (2012). Nel 2018 è stata protagonista accanto a Jonah Hill della miniserie Maniac, distribuita da Netflix.
Di recente è tornata sul piccolo schermo con The Curse (2023-2024), serie firmata da Nathan Fielder e Benny Safdie, dove ha interpretato uno dei ruoli più complessi della sua carriera, confermando ancora una volta il suo talento anche in ambito televisivo.
Emma Stone è Crudelia DeMon
3. Ha trovato alcune difficoltà con il personaggio. Per dar vita alla celebre Crudelia, tra i personaggi più noti e amati dell’universo Disney, nonostante il suo essere un’antagonista, l’attrice si è preparata ricercando la giusta caratterizzazione. Tra costumi, trucco, modo di camminare e di parlare, l’attrice ha dato vita alla sua personale visione di quell’eccentrica donna. Per la Stone, tuttavia, un elemento mancante di non poco conto sono state le celebri sigarette che il personaggio è noto fumare. La Disney, infatti, ha bandito il fumo dai suoi film a partire dal 2007 e non ha concesso alcuna eccezione.
4. È confermata anche per il sequel. Dato il grande successo del film Crudelia, la Disney ha confermato la realizzazione di un sequel, che permetterà di approfondire ulteriormente le vicende di Crudelia DeMon. In seguito anche la Stone ha confermato il suo coinvolgimento nel film, nel quale riprenderà dunque i panni del personaggio. L’attrice ha infatti affermato di essere rimasta troppo affascinata da questo per non rivestirne ancora una volta i panni e raccontare nuovi aspetti di lei.
5. Ryan Gosling e Emma Stone sono stati fidanzati al cinema per ben tre volte (ma nella vita sono solo ottimi amici). La prima apparizione insieme l’hanno fatta nel 2011, in Crazy, Stupid, Love: nel quale la chimica tra di loro era già alle stelle. In seguito, nel 2013, Ryan Gosling e Emma Stone sono stati insieme nella Los Angeles degli anni Quaranta di Gangster Squad. Il più grande successo della coppia è ovviamente La La Land. I due non sono mai stati insieme nella vita reale (deludendo moltissimi, moltissimi fan), ma sul grande schermo sono diventati una delle coppie migliori di sempre.
Emma Stone è hot
6. Emma Stone è una bionda naturale. Una delle caratteristiche di Emma Stone che risaltano di più sono i suo bellissimi capelli rossi. Hanno un aspetto molto naturale, ma non lo sono: Emma Stone è infatti bionda. Inizialmente, il suo primo manager aveva l’intenzione di caratterizzarla come il tipo da cheerleader, ma non era il tipo di personaggio che interessava all’attrice, la quale ottenne il primo ruolo al cinema (Suxbad) poco dopo essersi tinta i capelli di marrone scuro.
Emma Stone e Andrew Garfield in Spider-Man
7. Ha avuto una relazione con il noto attore. La vita privata di Emma è rimasta piuttosto nascosta, anche con l’arrivo delle fama. Ma sappiamo che è stata davvero la fidanzata di Spider-Man. Emma Stone e Andrew Garfield si sono infatti conosciuti nel 2011 sul set di The Amazing Spider-Man e, dopo poco, cominciarono ad essere avvistati insieme anche fuori. I dettagli non furono mai divulgati, ma i due vennero visti più volte mano nella mano, per circa quattro anni. Nel 2015, poi, la coppia si prese una pausa, e si diffusero voci di continui litigi tra i due. Ad aprile dello stesso anno confermarono la fine della loro storia, per poi rimettersi insieme per qualche mese. Ma, infine, i due si lasciarono di nuovo, definitivamente.
Emma Stone, il marito e la figlia
8. Si è sposata e ha avuto una figlia. Molto riservata circa la propria vita privata, la Stone non è però riuscita a nascondere il suo aver intrapreso, nel 2017, una frequentazione con Dave McCary, regista e sceneggiatore del Saturday Night Live. I due si sono poi fidanzati ufficialmente nel 2019, sposandosi l’anno seguente. Il 13 marzo 2021, infine, l’attrice ha dato alla luce la loro prima figlia, Louise Jean McCary.
Emma Stone è su Instagram?
9. Emma Stone non ha Instagram. Sono tantissime le celebrità che non fanno alcun uso dei social media: Jennifer Lawrence, Brad Pitt, Scarlett Johansson, George Clooney, Mila Kunis, e tantissimi altri. In questo elenco si colloca anche la Stone, la quale parlando con il Los Angeles Times, infatti, ha espresso il proprio pensiero a riguardo: “è quel bisogno di essere visti, e di essere approvati, in un certo senso, da qualcuno che non conosci. E così le persone fanno domande sulla fama, o di come ci si senta, e sembra che tutti sappiano com’è essere famosi. Sembra che tutti coltivino le loro vite su Instagram o sui diversi social media”.
Emma Stone: età e altezza dell’attrice
10.Emma Stone è nata il 6 Novembre 1988 a Scottsdale, in Arizona, Stati Uniti. L’attrice è alta complessivamente 1.68 metri.
A quasi tre anni dal lancio della DC Studios, molti fan non possono fare a meno di esprimere frustrazione per la mancanza di progressi su The Brave and the Bold. Batman rimane il personaggio più popolare della DC e, in apparenza, una storia su Batman e Robin non dovrebbe essere così difficile da realizzare. C’è già un certo scetticismo intorno al progetto a causa della decisione di affidarne la regia al regista di The Flash, Andy Muschietti. James Gunn ha definito quello uno dei migliori film di supereroi mai realizzati, decidendo dunque di affidare a Muschietti la regia del prossimo film sul Cavaliere Oscuro.
Da allora Muschietti ha però lasciato intendere di non essere sicuro dello stato di The Brave and the Bold, mentre Gunn ha parlato candidamente delle difficoltà della DC Studios nel trovare un approccio al Cavaliere Oscuro che non sia una ripetizione di ciò che abbiamo già visto. Probabilmente non aiutano i piani della Warner Bros. e di Matt Reeves per “Elseworlds” The Batman – Parte II.
Parlando con Screen Rant, Gunn ha ora detto: “Dovremo vedere cosa faremo con Batman e [capirlo]. Ovviamente conosciamo alcune nozioni di base su dove sta andando Batman, ma stiamo anche cercando di capire alcune cose, quindi tutto è fluido”. Sebbene il regista sia stato incredibilmente impegnato con Creature Commandos, Superman e la stagione 2 di Peacemaker, essere a tre anni dall’inizio della DCU senza che The Brave and the Bold abbia una sceneggiatura finita inizia a farsi sentire.
Quando il film è stato annunciato, l’intenzione era quella di adattare la serie Batman di Grant Morrison, in cui Bruce Wayne scopre di avere un figlio, Damian, che cerca di addestrare come suo nuovo Robin. Il ritardo è stato dovuto anche all’impegno di Muschietti con la serie IT: Welcome to Derry, ma ora che il progettò è in dirittura d’arrivo, la speranza è che il regista possa concentrarsi sul film DC e che lo studio possa definire come introdurre a tutti gli effetti il personaggio nel DC Universe.
Tutto quello che sappiamo su The Brave and the Bold
Parlando l’anno scorso dei piani dei DC Studios per The Brave and the Bold, James Gunn ha detto: “Questa è l’introduzione del Batman del DCU. È la storia di Damian Wayne, il vero figlio di Batman, di cui non conoscevamo l’esistenza per i primi otto-dieci anni della sua vita. È stato cresciuto come un piccolo assassino e assassina. È un piccolo figlio di puttana. È il mio Robin preferito“. “È basato sulla run di Grant Morrison, che è una delle mie run preferite di Batman, e la stiamo mettendo insieme proprio in questi giorni“.
Il co-CEO dei DC Studios, Peter Safran, ha aggiunto: “Ovviamente si tratta di un lungometraggio che vedrà la presenza di altri membri della ‘Bat-famiglia’ allargata, proprio perché riteniamo che siano stati lasciati fuori dalle storie di Batman al cinema per troppo tempo“. Alla sceneggiatura, oltre a Muschietti, dovrebbe esserci anche Rodo Sayagues, noto per aver firmato le sceneggiature di La casa, Man in the Dark e Alien: Romulus.
È stato pubblicato il primo trailer di Is This Thing On?, il nuovo film del regista Bradley Cooper su un comico stand-up. Oggi Searchlight Pictures ha pubblicato il primo teaser trailer ufficiale. La commedia drammatica di Bradley Cooper sarà poi presentata in anteprima mondiale al New York Film Festival, dove sarà il film di chiusura il 10 ottobre all’Alice Tully Hall del Lincoln Center.
Ispirato alla vita del comico britannico John Bishop, il film racconta la storia della separazione di una coppia sposata, interpretata da Will Arnett e Laura Dern, che sta crescendo due figli. Il marito, Alex, decide di dare una svolta radicale alla sua carriera per diventare un comico professionista nel West Village di New York City.
Searchlight Pictures si occupa della distribuzione del film, che arriverà nelle sale statunitensi dal 19 dicembre. Idealmente, nello stesso periodo arriverà anche nei cinema italiani. Sappiamo però che Andra Day, Christine Ebersole, Ciarán Hinds, Sean Hayes, Peyton Manning e Amy Sedaris completano il cast del film.
Is This Thing On? è il terzo film diretto da Cooper, dopo il biopic Maestrodel 2023 e il suo debutto A Star Is Born del 2018. “Questo film non parla della crisi di mezza età, ma della catarsi di mezza età”, ha dichiarato Cooper a Vanity Fair. “A volte ti rendi conto che stai andando alla deriva e che hai perso il timone e la tua stella polare nella vita, e questo ha un impatto negativo su chiunque ti circondi”.
Sebbene non fossero stati inclusi nel primo annuncio del cast, sia Chris Evansche Hayley Atwell dovrebbero riprendere i rispettivi ruoli di Steve Rogers e Peggy Carter in Avengers: Doomsday, e lo scooper Daniel Richtmanriferisce ora che avrebbero già iniziato a girare le loro scene. Le possibilità di intravedere gli attori nelle foto dal set sembrano scarse, dato che non si è più girato in esterni da quando quelle prime immagini della X-Mansion e di un Sentinel abbattuto sono finite online a maggio.
Sebbene i dettagli della trama siano ancora segreti, si vocifera che il Dottor Destino (Robert Downey Jr.) prenderà di mira Rogers per il suo ruolo nel causare le incursioni multiversali quando è tornato al passato in Avengers: Endgame per vivere la sua vita con Peggy. La teoria prevalente è che queste incursioni abbiano in qualche modo portato a una perdita devastante per Victor Von Doom, che ora è deciso a vendicarsi.
Dal canto suo, Evans ha recentemente affermato di essere “felicemente in pensione” per quanto riguarda il Marvel Cinematic Universe e di non avere alcuna intenzione di riprendere il suo ruolo più famoso. Durante un’intervista con Screen Rant, l’attore ha ribadito con fermezza che non tornerà, pur ammettendo di essere “triste non essere di nuovo con la banda, ma sono sicuro che stanno facendo qualcosa di incredibile, e sono sicuro che sarà ancora più difficile quando uscirà e ti sentirai come se non fossi stato invitato alla festa”.
Prima dell’uscita di Avengers: Infinity War, c’erano molte speculazioni sul fatto che Rogers avrebbe abbandonato il personaggio di Capitan America per vestire i panni di Nomad, e anche se alla fine ha abbracciato lo spirito del vigilante errante nel film, non ha mai assunto ufficialmente quel ruolo. È però stato suggerito che Rogers assumerà il ruolo di Nomad in Avengers: Doomsday… forse dopo la morte di Peggy per mano di Doom? Ovviamente sarebbe una svolta piuttosto cupa per la storia, ma darebbe alla versione più giovane di Rogers una scusa per riprendere lo scudo e creare un conflitto con il villain.
Blink Twice rivela che Frida (Naomi Ackie) e le altre donne invitate sull’isola privata di Slater King (Channing Tatum) vengono sottoposte a cancellazione della memoria, ogni notte. Il terrificante colpo di scena di questo thriller psicologico diventa ancora più oscuro quando viene alla luce il motivo che sta dietro al piano di cancellazione della memoria ideato da Slater. Il magnate miliardario della tecnologia e il suo entourage di amici maschi – Vic (Christian Slater), Cody (Simon Rex) e Tom (Haley Joel Osment) – provano piacere nell’abusare e aggredire le donne del gruppo. Cancellare la memoria delle sopravvissute significa che gli uomini possono continuare ad abusare delle donne senza essere ritenuti responsabili.
Come ribadisce il finale diBlink Twice, il film ruota attorno alle dinamiche di potere e al modo in cui chi detiene il potere ha il controllo assoluto su chi ne è privo. All’inizio del film d’esordio alla regia di Zoë Kravitz, Frida e la sua migliore amica Jess (Alia Shawkat) sono due cameriere esauste che colgono al volo l’occasione di fare festa con un miliardario. Man mano che il film procede, diventa sempre più difficile per loro ignorare i Blink Twice numerosi indizi o liquidare i loro vuoti di memoria come conseguenza dell’uso di droghe e dell’abuso di alcol. Ben presto, Frida, Jess e Sarah (Adria Arjona) si rendono conto di quanto siano in pericolo.
Il profumo in Blink Twice fa perdere la memoria alle persone
Il profumo caratteristico di Slater King è un sostituto del “Roofies”
Dal momento in cui Frida mette piede sull’isola privata di Slater in Blink Twice, l’abile thriller psicologico di Zoë Kravitz suggerisce che c’è qualcosa di strano nel profumo prodotto sull’isola che Frida usa. Quando Slater mostra a Frida i suoi alloggi privati, l’aspirante nail artist rimane scioccata nel trovare vestiti e articoli da toeletta ad attenderla. Oltre a un rossetto usato, Frida trova una bottiglia di profumo di marca chiamato Desideria. Dopo aver spruzzato una generosa quantità di profumo su di sé, Frida incontra Jess, che le fa notare la stranezza delle stanze rifornite di Slater. Frida liquida l’amica, suggerendo che “è ricco”, non sospetto.
Frida e le altre donne continuano a usare innocentemente il profumo di produzione locale giorno dopo giorno…
Il nome del profumo suggerisce “desiderio” e “brama”, ma il suo vero scopo è in realtà molto più malvagio. Frida e le altre donne continuano a usare innocentemente il profumo di produzione locale giorno dopo giorno, il che rende ancora più inquietante la rivelazione che esso sta cancellando i ricordi dei personaggi di Blink Twice. Durante l’ultima cena degli ospiti, Frida si rende conto che Lucas (Levon Hawke) profuma come il profumo caratteristico dell’isola; inoltre, lui non ricorda di essersi ferito all’occhio. Naturalmente, Frida e Sarah sanno che il profumo è la causa della loro perdita di memoria, ma vederlo funzionare così efficacemente su qualcun altro è comunque profondamente inquietante.
Come Slater King ha creato le droghe che cancellano la memoria di Blink Twice
I fiori dell’isola sono la fonte della sostanza che cancella la memoria di Blink Twice
Blink Twice non approfondisce tutti i dettagli su come Slater King abbia scoperto la sostanza che cancella la memoria, al centro del suo profumo, ma fornisce indizi sufficienti affinché gli spettatori possano ricostruire il tutto senza l’aiuto di una scena post-crediti o di una spiegazione di Blink Twice. Il film di Kravitz mette in primo piano i bellissimi fiori dell’isola; Slater li lascia sul cuscino di Frida e glieli porta a cena o mentre passeggiano sull’isola. Inoltre, i fiori crescono ovunque. Sembra che la flora autoctona dell’isola sia la fonte della sostanza che cancella la memoria di Slater.
L’assistente esausta di Slater, Stacy, prepara anche delle borse rosso vivo piene di profumo come regalo d’addio per tutti gli ospiti di Slater…
Si sottintende anche che i fiori, o qualunque sostanza cancellatrice di memoria essi producano, siano utilizzati nel cibo, nelle bevande e nei farmaci che le donne assumono mentre sono sull’isola. L’assistente esausta di Slater, Stacy (Geena Davis), prepara anche delle bustine rosso vivo piene di profumo come regalo di addio per tutti gli ospiti di Slater, assicurandosi che continuino ad esporsi alla sostanza cancellatrice di memoria. Slater sembra aver coinvolto il suo terapeuta, Rich (Kyle MacLachlan), convincendolo che il profumo potrebbe avere enormi benefici, non solo per i suoi pazienti, ma anche per le potenziali vittime.
Il veleno di serpente ripristina i ricordi dimenticati delle persone in Blink Twice
La domestica di Blink Twice fa bere il veleno a Frida dopo che Jess è stata morsa da un serpente
Quando Frida nota che i lavoratori dell’isola stanno catturando e uccidendo i serpenti gialli che vagano per la proprietà, Slater si affretta a definire i rettili un “problema di parassiti”, ma il magnate della tecnologia probabilmente la pensa così perché il veleno dei serpenti contrasta gli effetti dei fiori che cancellano la memoria. Frida e le altre donne scoprono questa connessione per caso. Una notte, Jess viene morsa da un serpente, il che la fa andare completamente fuori di testa perché ricorda tutto ciò che Slater e gli uomini hanno fatto a lei e alle altre donne. Per salvare il suo piano, Slater uccide Jess, ma fa dimenticare tutto alle donne.
…Frida e Sarah fanno bere a Camilla e Heather [il veleno del serpente] per ripristinare anche la loro memoria.
Rendendosi conto che Jess è scomparsa, Frida indaga sull’isola e ha un incontro con la Badass Maid (María Elena Olivares), che in precedenza aveva cercato di avvertire Frida con l’indizio del coniglio rosso di Blink Twice, un riferimento alla nail art di Frida dell’anno precedente, quando Slater l’aveva portata per la prima volta sull’isola. La cameriera tosta offre a Frida un sorso dal suo boccale di cocktail di veleno di serpente fatto in casa, che Frida beve educatamente. Quando Frida si rende conto che il veleno di serpente neutralizza i fiori e il profumo, lei e Sarah fanno bere a Camilla (Liz Caribel) e Heather (Trew Mullen) delle dosi per ripristinare anche la loro memoria.
Come Frida fa dimenticare Slater nel finale di Blink Twice
L’abitudine di Slater di svapare è la chiave del nuovo potere di Frida
All’inizio del film, Slater si dilunga poeticamente su come “dimenticare sia un dono”. Chiaramente, pensa che il profumo a base di fiori possa aiutare le persone a seppellire i propri traumi, ma abusa del suo potere usando il profumo che cancella la memoria sulle donne che aggredisce sulla sua isola. Più l’esperienza è negativa, più è facile dimenticare, o almeno così sembra. Alla fine del film, Frida versa segretamente il profumo che cancella la memoria nell’amato vaporizzatore di Slater. Prima di uccidere Sarah, Slater ne fa un tiro, che lo fa andare nel panico quando vede tonnellate di cadaveri tutt’intorno a lui.
Sebbene Slater perda conoscenza, Frida decide di salvarlo dalla villa quando questa prende fuoco. Sarah sembra sorpresa dalla scelta di Frida, ma la protagonista di Blink Twice ha un piano tutto suo. Il film termina al prossimo gala di Slater, dove viene rivelato che Frida non solo è sposata con Slater, ma è anche l’amministratore delegato della sua azienda. Slater, disorientato, continua a essere drogato tramite la sua sigaretta elettronica. Rendendosi conto dell’impressionante potenziale del fiore, Frida lo usa per mantenere Slater King docile e costruire il proprio potere. In definitiva, Blink Twice non parla della ricerca della giustizia, ma dell’esercizio del potere, per quanto oscuro.
È stato meglio che il film non abbia spiegato la scienza?
Il film non ha bisogno della scienza
Sebbene alcuni fan vorranno sempre una spiegazione scientifica dietro i fiori, il profumo e il veleno di serpente, in definitiva, Blink Twice non ha bisogno di spiegare la scienza per raccontare la sua avvincente storia.
Spesso il pubblico desidera una spiegazione o un’analisi della tecnologia e degli sviluppi immaginari. Il problema è che in molti film che si prendono il tempo di analizzare la scienza, finiscono per esserci troppe spiegazioni che rallentano il ritmo del film. Prendersi il tempo di fermarsi e spiegare come funziona qualcosa deve essere fatto con molta attenzione, specialmente in un thriller come Blink Twice. Se la spiegazione deve essere fornita in modo dettagliato, il pubblico viene distratto dal momento.
Il pubblico non ha bisogno della scienza che sta dietro per comprenderne le implicazioni.
Il processo è diverso in un film fantasy. Prendiamo ad esempio la serie di Harry Potter, molto diversa. La storia e gli elementi magici devono essere spiegati da qualcuno che è già immerso in quel mondo al sostituto del pubblico (in questo caso, Harry) in modo da coinvolgerlo piuttosto che annoiarlo. A volte funziona, ma altre volte il pubblico può capirlo attraverso gli indizi contestuali.
In un film come Blink Twice, il pubblico non ha bisogno che gli vengano spiegate la composizione chimica o le reazioni, perché vede gli effetti sia del profumo che del veleno di serpente manifestarsi negli eventi del film. È sufficiente che le donne al centro del film siano private della loro libertà di azione e dei loro ricordi per così tanto tempo. Le loro esperienze sono già simili agli effetti più intensi delle droghe da stupro nella vita reale. Il pubblico non ha bisogno della scienza che sta dietro a tutto questo per comprenderne le implicazioni.
È anche sufficiente capire che Frida usa ciò che sa per ottenere vendetta e potere in Blink Twice. Il pubblico non ha bisogno di vederla capire la scienza esatta per capire che ha fatto funzionare a suo vantaggio proprio ciò che l’ha resa una vittima.
Netflix ha diffuso il primo trailer del film La donna della cabina numero 10, tratto dall’omonimo romanzo di Ruth Ware. Il film, diretto da Simon Stone, che ha co-sceneggiato il film con Joe Shrapnel e Anna Waterhouse, ha per protagonisti Keira Knightleye Guy Pearce.
La sinossi recita: “Mentre si trova a bordo di uno yacht di lusso per un incarico di lavoro, la giornalista Laura “Lo” Blacklock (Keira Knightley) assiste al momento in cui una passeggera è gettata in mare a tarda notte, solo per sentirsi dire che non è successo, poiché tutti i passeggeri e l’equipaggio sono presenti. Nonostante nessuno le creda, continua a cercare risposte, mettendo in pericolo la sua stessa vita”.
Riguardo all’adattamento del suo libro, Ware ha dichiarato: “In sostanza, il film parla di una donna che vive un’esperienza negativa, la denuncia in modo veritiero e non viene presa sul serio a causa di chi è. Troppe persone sanno come ci si sente e penso che desideriamo vendicarci tanto quanto Lo”.
Sebbene sia ancora famosa per la sua interpretazione nella serie di successo Pirati dei Caraibi, Knightley ha recitato in diversi film storici acclamati dalla critica e ha ottenuto nomination agli Oscar per le sue interpretazioni in Orgoglio e pregiudizio e The Imitation Game. Guy Pearce è invece stato nominato lo scorso anno come miglior attore non protagonista per la sua interpretazione in The Brutalist.
Accanto a Knightley e Pearce recitano Gugu Mbatha-Raw, Kaya Scodelario, David Ajala, Art Malik, David Morrissey, Daniel Ings e Hannah Waddingham. La donna della cabina numero 10 sarà disponibile su Netflix dal 10 ottobre.
Cosa aspettarsi da La donna della cabina numero 10
Di recente, la serie thriller Black Doves, con protagonista anche Knightley, ha riscosso un enorme successo su Netflix. Alla luce di ciò, la piattaforma di streaming sembra avere in serbo un altro progetto di successo con la star. A questo si aggiungono diversi altri attori promettenti che hanno recentemente ottenuto un grande successo e che appaiono anche in La donna della cabina numero 10, riuniti per un thriller avvincente e un horror tratto dalla vita reale.
Il trailer dipinge un quadro terrificante di Lo completamente sicura di sé – lei sa cosa ha visto – e dell’estrema manipolazione psicologica che ha luogo per permettere alla crociera di continuare normalmente. Come spiega l’autore, è una storia estremamente attuale, e la precedente collaborazione di successo di Netflix con la Knightley in questo genere dovrebbe contribuire ad attirare maggiore attenzione.
Olivia Colman è una delle attrici britanniche che negli ultimi anni ha avuto una notevole popolarità. Unica e fuori dagli schemi, si è fatta conoscere per aver partecipato a diverse serie tv, come The Night Manager e Broadchurch, ma anche grazie a diversi film come La favorita,A Royal Weekend e Assassinio sull’Orient Express. Le sue doti recitative sono pazzesche e nonostante la sua ascesa continui da diversi anni, la Colman è sempre rimasta una persona umile, conscia del proprio lavoro, delle proprie responsabili nell’interpretare personaggi di rilievo, riuscendo a farsi amare dal pubblico di tutto il mondo.
2. È nota per alcune serie TV. L’attrice è però nota anche per il suo ruolo in televisione. Ha iniziato recitando in serie come Peep Show (2003), Green Wing (2004-2006) e Doctor Who (2010) ed ha poi trovato notorietà grazie a The Night Manager(2016), Fleabag (2016-2019), Broadchurch (2013-2017), I miserabili (2018-2019) e The Crown(2019-2023). In seguito ha recitato in Landscapers – Un crimine quasi perfetto (2021), Heartstopper (2022-2025), Grandi speranze (2023), Secret Invasion(2023) e The Bear (2023-2024).
Olivia Colman è una premio Oscar
3. Ha vinto l’ambito premio. Olivia Colman ha vinto il premio Oscar come miglior attrice protagonista alla sua prima nomination per il ruolo di regina Anna in La favorita (2018). La vittoria ha rappresentato un trionfo straordinario, considerando la concorrenza composta da attrici del calibro di Glenn Close (The Wife), Lady Gaga (A Star Is Born), Melissa McCarthy (Copia originale) e Yalitza Aparicio (Roma). Colman è poi stata candidata anche nel 2021 per The Father – Nulla è come sembra e nel 2022 per La figlia oscura.
4. Ha lavorato a lungo sulla fisicità del personaggio. In La favorita (2018), Olivia Colman interpreta la regina Anna d’Inghilterra, un personaggio complesso e fragile, oscillante tra potere e vulnerabilità. Per prepararsi al ruolo, Colman ha studiato a lungo la vita della regina e le cronache del periodo, consultando storici e osservando dipinti e ritratti dell’epoca per cogliere posture e gestualità autentiche. Ha inoltre lavorato con un coach di movimento per riprodurre i piccoli tic e le difficoltà fisiche della regina, riuscendo a rendere sullo schermo una figura storica credibile e piena di sfumature psicologiche.
Olivia Colman in The Crown
5. Ha interpretato un’altra regina. Dopo La favorita, in The Crown (stagioni 3 e 4), Colman ha interpretato la regina Elisabetta II, portando sullo schermo una versione più matura e complessa della monarca britannica. La sua interpretazione è stata ampiamente acclamata dalla critica, tanto da valergli un Emmy Awards come miglior attrice protagonista in una serie drammatica. Colman ha studiato attentamente gesti, postura e inflessioni vocali della sovrana, lavorando con coach di movimento e dizione per rendere autentico il personaggio.
Olivia Colman nella serie Marvel Secret Invasion
6. Avrebbe voluto avere dei superpoteri. In Secret Invasion, Colman interpreta Sonya Falsworth, un’agente di alto rango dell’MI6, amica di Nick Fury (Samuel L. Jackson).Il personaggio si distingue per il suo approccio pragmatico e talvolta spietato nella lotta contro gli Skrull, specie quelli guidati da Gravik.Colman ha dichiarato di essere rimasta delusa dal fatto di non avere poteri sovrumani, ma ha apprezzato l’opportunità di interpretare una figura di potere nel contesto del Marvel Cinematic Universe.
Olivia Colman in Wonka
7. Si è trasformata per il ruolo. In Wonka (2023), Colman interpreta Mrs. Scrubbit, una locandiera astuta e manipolatrice che mette alla prova il giovane Willy Wonka. Per rendere il personaggio più realistico, Colman ha subito una significativa trasformazione fisica, indossando costumi voluminosi, denti ingialliti e una parrucca color tabacco. Ha raccontato di essersi divertita a interpretare una “cattiva”, esplorando tratti insoliti e sopra le righe che normalmente non mostrerebbe. La sua performance ha così unito umorismo e follia.
8. Ha studiato come chef. In I Roses (qui la recensione), Colman interpreta Ivy Rose, una chef di successo la cui carriera decolla mentre quella del marito Theo (Benedict Cumberbatch) crolla, scatenando un conflitto matrimoniale.Colman ha dichiarato di aver trovato stimolante interpretare un personaggio che evolve da donna di successo a figura più complessa e vulnerabile.Per prepararsi al ruolo, ha studiato il comportamento di chef reali e ha partecipato a sessioni di cucina per rendere la sua interpretazione più autentica. Aveva comunque già avuto modo di farlo per la serie The Bear.
Il marito e i figli di Olivia Colman
9. È sposata con uno sceneggiatore e produttore. Olivia Colman è sposata con Ed Sinclair, sceneggiatore e produttore britannico, dal 2001.La coppia si è incontrata durante gli anni universitari a Cambridge, dove entrambi erano coinvolti nel teatro.Hanno tre figli: due maschi, Finn e Hal, e una figlia di cui non hanno mai rivelato il nome.Nonostante la fama internazionale di Olivia, la famiglia vive lontano dai riflettori, a sud di Londra, e mantiene una vita privata molto riservata.Colman ha dichiarato che il segreto del loro matrimonio duraturo è la loro amicizia e la capacità di ridere insieme
L’età e l’altezza di Olivia Colman
10. Olivia Colman è nata il 30 gennaio 1974 a Norwich, Regno Unito. L’attrice è alta complessivamente
La terza stagione di House of the Dragon è attualmente in produzione e la star Olivia Cooke ha ora fornito alcuni aggiornamenti sulla data di conclusione delle riprese dei nuovi episodi. Durante l’intervista di Liam Crowley di ScreenRant l’attrice, che nella serie interpreta la regina Alicent Hightower, ha infatti fornito un aggiornamento sulla data di conclusione delle riprese della terza stagione. “Abbiamo iniziato ad aprile, quindi finiremo ad ottobre. Siamo oltre la metà ed è enorme”, ha affermato. “La portata di questa stagione è incredibile. In realtà è assurda. È davvero assurda e ci sono molte acrobazie pratiche ed enormi. È pazzesca”, ha poi aggiunto l’attrice.
Quando sarà disponibile la Stagione 3
Come ha spiegato Olivia Cooke, le riprese della terza stagione di House of the Dragon sono iniziate ad aprile, anche se la produzione effettiva è partita a marzo, e dovrebbero concludersi ad ottobre. Cooke dice che le riprese di House of the Dragon sono “più che a metà”. House of the Dragon viene girato principalmente nel Regno Unito, anche se alcune parti della prima stagione sono state girate in Spagna. HBO non ha ancora annunciato ufficialmente quando uscirà la terza stagione nel 2026, ma le due stagioni precedenti sono state trasmesse in estate, quindi l’estate 2026 è un’ipotesi plausibile.
House of the Dragon è l’amatissima saga ambientata 200 anni prima degli eventi citati nella serie dei record “Il Trono di Spade”. Tratta dal romanzo “Fuoco e Sangue” di George R.R. Martin, questa racconta la storia della leggendaria Casa Targaryen.
La terza stagione vedrà nel cast il ritorno di: Matt Smith, Emma D’Arcy, Olivia Cooke, Steve Toussaint, Rhys Ifans, Fabien Frankel, Ewan Mitchell, Tom Glynn-Carney, Sonoya Mizuno, Harry Collett, Bethany Antonia, Phoebe Campbell, Phia Saban, Jefferson Hall, Matthew Needham, Tom Bennett, Kieran Bew, Kurt Egyiawan, Freddie Fox, Clinton Liberty, Gayle Rankin e Abubakar Salim.
Si sono poi uniti al cast Tommy Flanagan nel ruolo di Ser Roderick Dustin, Dan Fogler nel ruolo di Ser Torrhen Manderly, e James Norton nel ruolo di Ormund Hightower. Le registe e i registi della terza stagione sono: Clare Kilner, Nina Lopez-Corrado, Andrij Parekh e Loni Peristere.
Netflix ha vinto la battaglia delle offerte per una nuova serie con Matthew McConaughey e Cole Hauser, ideata da Nic Pizzolatto. Variety ha confermato che il progetto è attualmente in fase di sviluppo presso Netflix, anche se gli accordi definitivi con i due protagonisti sono ancora in fase di definizione. I dettagli della trama sono scarsi, a parte il fatto che McConaughey e Hauser interpreteranno due fratelli. La produzione sarà curata invece da Skydance Sports.
La serie segna un’altra reunion per McConaughey e Pizzolatto, dopo la loro collaborazione di grande successo nella prima stagione di True Detective su HBO. I due avrebbero dovuto collaborare nuovamente al progetto FX Redeemer, ma la serie alla fine non è andata avanti. Recentemente è stato però riferito che McConaughey reciterà in un film basato sui libri “Mike Hammer” di Mickey Spillane e Max Allan Collins, con una sceneggiatura di Pizzolatto.
Si tratta anche di una nuova reunion televisiva dai tempi di True Detective per McConaughey, che reciterà al fianco del suo co-protagonista della prima stagione Woody Harrelson nella commedia Brothers di Apple TV+. La serie è ispirata alla vera amicizia tra i due attori e le riprese sono state recentemente completate.
Per quanto riguarda Hauser, egli è noto soprattutto per aver interpretato Rip Wheeler nella serie di successo della Paramount Yellowstone. Hauser e la sua co-protagonista, Kelly Reilly, reciteranno poi in uno spin-off della serie che ha recentemente aggiunto al cast la candidata all’Oscar Annette Bening.
Pizzolatto, invece, è famoso soprattutto per True Detective, ma è anche un romanziere pluripremiato. I suoi libri sono stati tradotti in oltre 30 lingue ed è stato candidato più volte agli Emmy e ai Golden Globe, oltre ad aver vinto due Writer’s Guild Awards. Tra i suoi lavori recenti figura il suo primo film come sceneggiatore e regista, “Easy’s Waltz”, che sarà presentato in anteprima al TIFF a settembre.
ConI Roses (2025), Jay Roach porta di nuovo sullo schermo la storia tratta dal romanzo di Warren Adler The War of the Roses (1981), già adattata con grande successo da Danny DeVito nel 1989. Questa volta la produzione Searchlight ha deciso di rinunciare al titolo originale, forse nel tentativo di suggerire una “re-immaginazione” più che un semplice rifacimento. Ma la sostanza rimane: si tratta a tutti gli effetti di un nuovo adattamento della stessa materia narrativa. La differenza, semmai, sta nello sguardo contemporaneo con cui sceneggiatore Tony McNamara (The Great e Povere Creature) rilegge la dinamica coniugale.
Colman e Cumberbatch, I Roses: un duello recitativo ad alta tensione
La ragione di maggiore interesse del film è senza dubbio la coppia di protagonisti: Olivia Colman e Benedict Cumberbatch, due dei più grandi interpreti britannici contemporanei. La loro alchimia non è quella della passione, ma quella dello scontro. Nei panni di Ivy e Theo Rose, portano sullo schermo un conflitto domestico che diventa presto una guerra a tutto campo. La loro interazione è molto simile a una finale di tennis interminabile, stile Borg-McEnroe, dove ogni battuta, ogni sguardo, ogni silenzio diventa colpo su colpo.
Eppure, se Colman e Cumberbatch sono sempre magnetici, non sempre convincono come coppia credibile: la transizione dall’amore alla furia omicida manca di quella profondità emotiva che avrebbe reso più devastante la loro caduta. Forse perché l’ascesa e la caduta della coppia si costruisce in maniera schematica su una scena chiave, che segna in maniera fin troppo netta il punto di svolta della storia.
Ascesa e caduta di un matrimonio perfetto
Il film dedica molto tempo alla costruzione della vita coniugale dei Roses, prima di esplodere nel conflitto. Ivy, brillante chef con il sogno di trasformare la sua ricetta di crab cake in un impero gastronomico, e Theo, architetto visionario, sembrano all’inizio una coppia modello. Ma la loro parabola prende una piega imprevista.
Una tempesta distrugge il progetto architettonico più ambizioso di Theo — un edificio sormontato da una nave, simbolo della sua hybris — e insieme la sua reputazione. Parallelamente, la carriera di Ivy decolla: il suo ristorante We’ve Got Crabs diventa un fenomeno mediatico, la sua immagine di chef una marca globale. Il ribaltamento dei ruoli tradizionali è il cuore del racconto: Theo, ridotto a fare il padre di famiglia frustrato, si trasforma in un “beta-male” risentito; Ivy, invece, diventa una star che disprezza il marito incapace di tenere il passo o anche solo di “accontentarsi” del suo ruolo di stay-at-home-dad.
Dal conflitto silenzioso alla guerra aperta
Per oltre un’ora I Roses rimane più una cronaca della vita matrimoniale che una dark comedy sul divorzio. Le prime scintille esplodono in terapia di coppia, in una scena esilarante e al tempo stesso spietata, dove un consulente ammette subito che per i due non c’è speranza. Ma è solo negli ultimi venti minuti che la vicenda si avvicina davvero al tono dell’originale del 1989: piatti rotti, minacce, lotte fisiche, un crescendo che culmina in un finale senza vincitori né vinti. E comunque non viene mai raggiunta la cattiveria dell’originale adattamento. Questa scelta narrativa può lasciare insoddisfatti: la tensione accumulata prometteva un’escalation più lunga e brutale, ma il film sembra trattenersi, quasi temendo di oltrepassare la soglia del grottesco.
Accanto ai due protagonisti troviamo comprimari di lusso. Andy Samberg e Kate McKinnon interpretano Barry e Amy, amici e osservatori impotenti della disfatta coniugale. Nonostante la loro comicità naturale, il film non dà loro molto spazio per brillare. Più incisiva è invece Alison Janney, nel ruolo di Eleanor, l’avvocatessa divorzista di Ivy: un concentrato di aggressività e ironia che regala alcune delle scene più memorabili.
Visivamente I Roses è impeccabile. La fotografia di Florian Hoffmeister e la scenografia di Mark Ricker offrono interni e paesaggi di una California costiera rigogliosa e scintillante, con case dal design ultramoderno che riflettono perfettamente lo status e le ossessioni dei protagonisti. Il risultato è un’estetica vicina ai film di Nancy Meyers, fatta di cucine da sogno e ambienti curatissimi. Ma questa patina elegante crea un contrasto talvolta straniante con la materia cupa della storia: lo spettatore è immerso in un mondo troppo bello per credere davvero al disfacimento tragico che vi si consuma. E forse proprio in questo, la versione del 2025 perde il confronto con il cult diretto da De Vito.
Un adattamento per il 2025
E’ interessante notare come i temi del romanzo e del precedente adattamento siano stati aggiornati agli equilibri di genere contemporanei. I Roses del 2025 non è più quella della moglie sacrificata e del marito carrierista: è la storia di due individui ambiziosi, incapaci di conciliare aspirazioni personali e vita di coppia. È una riflessione, talvolta ironica, talvolta dolorosa, su come oggi il matrimonio possa trasformarsi in un campo di battaglia non tanto per beni materiali, ma per identità e riconoscimento. Lo spostamento della donna dal ruolo di moglie e madre a ambiziosa lavoratrice crea sempre un disequilibrio, una stranezza, un elemento che porta scompiglio.
I Roses non è un film perfetto. Soffre di una struttura sbilanciata, che rallenta troppo nel primo atto e non osa abbastanza nell’ultimo. Tuttavia, grazie alla potenza recitativa di Olivia Colman e Benedict Cumberbatch, riesce a restituire con forza la sensazione che un matrimonio, una volta incrinato, possa diventare un incubo claustrofobico. È un remake che, pur non raggiungendo la ferocia indimenticabile della versione del 1989, trova un suo spazio nel raccontare le contraddizioni del presente.
L’episodio 3 di Alien: Pianeta Terra, intitolato “Metamorphosis”, vede l’agente di sicurezza cyborg Morrow fare di tutto per proteggere gli esemplari alieni presenti sull’astronave Weyland-Yutani precipitata. Dopo gli eventi dell’episodio 2 (qui la spiegazione del finale), in cui Morrow ha sparato a Joe, il fratello del primo essere ibrido al mondo, Wendy, Morrow ha dimostrato di essere una minaccia pericolosa. Quando trova due ibridi Prodigy, tra cui Slightly, che scherzano accanto a diverse uova di Xenomorfo, ha più di qualche domanda, tra cui un indovinello: “Quando una macchina non è una macchina?”
La spiegazione dell’indovinello di Morrow sulla “macchina”
L’idea centrale dietro l’indovinello di Morrow “Quando una macchina non è una macchina?” sembra essere che una macchina smette di essere tale quando smette di funzionare. Più specificamente, una macchina smette di essere una macchina quando cessa di svolgere il compito specifico che le è stato assegnato e quando non ha più un operatore o un padrone che possa premere un interruttore di accensione/spegnimento per darle vita.
Quando una macchina dotata di coscienza, intelligenza e autocoscienza ha la capacità di esistere semplicemente, formare un’identità e non seguire ordini, si può sostenere che non sia più una macchina, perché ogni macchina ha una funzione primaria, spesso singolare. Slightly e gli altri Bimbi Sperduti potrebbero non saperlo ancora, ma Boy Kavalier e Prodigy hanno sicuramente uno scopo per i loro ibridi.
Questo enigma riguarda anche la lotta interiore di Morrow, che contrappone chiaramente la sua umanità alla sua macchina. Ha la libertà di volontà, ma è in accordo con la sua programmazione cyborg. Sfidare il suo codice è come un essere umano che tradisce se stesso e va contro la propria natura. Morrow definisce gli esemplari alieni il “lavoro della sua vita” per Yutani solo perché è al suo servizio.
Tecnicamente Morrow vuole essere amico di Slightly perché vuole sapere cosa sta facendo Prodigy con i loro synth, soprattutto dopo che hanno menzionato i loro genitori, senza sapere che sono ibridi. Sembra che Morrow abbia intenzione di rapire uno degli ibridi, probabilmente Slightly, per fare uno scambio tra Boy Kavalier e Yutani per gli esemplari alieni.
Mentre Morrow parlava con Slightly attraverso una cimice che gli aveva piantato sul collo, cercava informazioni su Kavalier. È probabile che Morrow stia cercando di mettere Slightly contro Prodigy e Boy Kavalier diventando suo “amico”, il che lo aiuterà a ottenere informazioni sulle innovazioni ibride top-secret di Prodigy, servendo in ultima analisi il suo padrone Weyland-Yutani.
Nel classico film Peter Pan, il personaggio di Slightly ricorda meglio degli altri Bimbi Sperduti com’era la vita prima di arrivare all’Isola che Non C’è. Questo sembra un buon indizio della strategia di Morrow per conquistare Slightly, ricordandogli che anche se si sente vivo nel suo corpo sintetico, non è più umano. Questo potrebbe spaventare il ragazzo al punto da ribellarsi contro Prodigy nei futuri episodi di Alien: Pianeta Terra.
Si svolgerà con un eccezionale doppio programma la Preapertura dell’82. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della Biennale di Venezia, che avrà luogo martedì 26 agosto alla Sala Darsena del Palazzo del Cinema (Lido di Venezia).
Alle ore 18 sarà presentatoOrigin (27’) il film sulla laguna di Venezia del grande regista e fotografo Yann Arthus-Bertrand, che al termine dialogherà con il Direttore artistico della Biennale Cinema Alberto Barbera e col curatore della Biennale Architettura Carlo Ratti.
Alle ore 21 sarà presentatoQueen Kelly (1929, 1h e 45’), il leggendario capolavoro incompiuto del grande Erich von Stroheim con la diva Gloria Swanson, in una nuova versione restaurata con materiali ritrovati, con musica originale composta da Eli Denson ed eseguita dal vivo dal Syntax Ensemble.
Al doppio programma della Preapertura, con inizio delle due proiezioni alle ore 18.00 e alle ore 21.00, sarà invitato il pubblico di Venezia attraverso la collaborazione con i quotidiani IlGazzettino, La Nuova di Venezia e Mestre e il Corriere del Veneto.
I film della preapertura
Origin (27’) del fotografo, regista e ambientalista francese Yann Arthus-Bertrand, già presente alla Mostra del Cinema di Venezia con le sue opere Human (2015) e Woman (2019), è la versione estesa del corto introduttivo della sezione Natural Intelligence (Arsenale) della Biennale Architettura 2025, curata da Carlo Ratti – in corso ai Giardini e all’Arsenale fino al 23 novembre e intitolata Intelligens. Naturale. Artificiale. Collettiva. La Biennale Architettura 2025 invita alla collaborazione tra diversi tipi di intelligenza per ripensare insieme l’ambiente costruito. Realizzato con il sostegno della Veneto Film Commission, Origin racconta la laguna di Venezia con uno sguardo inedito, incoraggiandoci a guardare con occhi nuovi la natura che la compone, per preservarla al meglio.
Queen Kelly (1929, 1h e 45’), capolavoro incompiuto del grande regista (Femmine folli, Rapacità-Greed) e attore (La grande illusione, Viale del tramonto) Erich von Stroheim, prodotto e interpretato dalla diva più affascinante dell’epoca Gloria Swanson (Viale del tramonto) sarà proiettato in prima mondiale in una nuova versione restaurata con materiali ritrovati da Dennis Doros (Milestone Film & Video), che nel 1985 aveva già realizzato una prima “ricostruzione” di Queen Kelly, presentata con grande successo in 35mm alla Mostra del Cinema di Venezia di quell’anno. La proiezione sarà accompagnata da una nuova colonna sonora originale di Eli Denson per Queen Kelly, eseguita dal vivo dal Syntax Ensemble. Clarinetti: Marco Ignoti, Riccardo Acciarino. Arpa: Elena Gorna. Percussioni: Dario Savron. Violoncelli: Fernando Caida Greco, Martina Rudic, Arianna Di Martino, Luca Colardo. Direttore: Pasquale Corrado.
Per assistere gratuitamente a entrambe le proiezioni in Sala Darsena, il pubblico interessato potrà collegarsi al sistema di prenotazione online dei posti in sala della Biennale sul sito www.labiennale.org, visualizzando con il proprio smartphone i QR Code pubblicati davenerdì 22 a lunedì 25 agosto su Il Gazzettino e La Nuova di Venezia e Mestre, nonché venerdì 22 e domenica 24 agosto sul Corriere del Veneto.
Le prenotazioni saranno possibili fino a esaurimento dei posti riservati a ciascuna testata. Il 26 agosto servizio straordinario ACTV linea 20 da San Marco (San Zaccaria). Il servizio di Linea 20 da San Zaccaria dall’1 settembre viene effettuato a frequenza 15’ dalle ore 06.45 alle ore 01.40, e prolungato con estensione a Lido Casinò di tutte le corse. L’82. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della Biennale di Venezia si terrà al Lido dal 27 agosto al 6 settembre 2025, diretta da Alberto Barbera.
Il team dietro l’adattamento cinematografico del 2025 del romanzo di Stephen King, The Long Walk, ha collaborato con il leggendario autore alla stesura della sceneggiatura, e il produttore ha rivelato che King ha fatto un’unica osservazione dopo aver letto il copione, che ha portato a un cambiamento fondamentale. Come noto, la storia parla di un gruppo di adolescenti che partecipano alla competizione che dà il titolo al film, in cui devono mantenere una certa velocità di marcia. Chi rimane indietro viene ucciso, finché non ne rimarrà solo uno.
Adattare correttamente questo racconto è stato un compito che la troupe ha preso molto sul serio, e la sceneggiatura è stata inviata a King per la revisione. In un’intervista con Joe Deckelmeier di ScreenRant, il produttore di The Long Walk, Roy Lee, ha rivelato che “Stephen ha fatto solo un’osservazione quando gli abbiamo dato la sceneggiatura. Ha detto: “Potete cambiarlo da 4 miglia all’ora a 3?” Perché era quello che era scritto nel libro. Ha detto: “È impossibile camminare a 4 miglia all’ora per così tanto tempo”. Questa è stata l’unica nota iniziale che ha lasciato quando ha restituito il copione. Il finale era quello che era, e lui ha detto: “Mi piace molto. Ma penso che dovreste ridurre la velocità”.
Cosa significa la nota di Stephen King per The Long Walk
La modifica della velocità di camminata non avrà un impatto significativo sulla trama di The Long Walk, ma ne migliorerà leggermente la credibilità. Molti dei commenti fatti sui registi che si sono rifiutati di apportare modifiche al materiale originale hanno a che fare con l’impatto straziante che il film doveva avere. Questa modifica contribuisce in realtà allo stesso obiettivo, aiutando il pubblico ad accettare meglio la premessa. Gli spettatori saranno più propensi a credere che un giovane in media in buona forma fisica possa mantenere questa velocità di marcia per un certo tempo prima che inizino gli inevitabili orrori. In questo modo, potranno comprendere meglio lo stato d’animo dei personaggi e il motivo per cui hanno corso questo rischio.
Il cast di The Long Walk
Adattamenti di The Long Walk sono stati tentati e bocciati per anni, ma la prima versione completata uscirà finalmente nelle sale quest’anno ed è diretta da Francis Lawrence. Il cast include Cooper Hoffman, David Jonsson, Ben Wang, Charlie Plummer, Judy Greer, Garrett Wareing e Roman Griffin Davis. Mark Hamill interpreta il severo sergente che controlla i giovani partecipanti e gestisce le regole della macia. Il film arriverà nelle sale statunitensi dal 12 settembre, mentre al momento non è noto quando sarà possibile vedere il film in Italia.
James Wanha debuttato alla regia nel 2004 con il film Saw, scritto da lui e Leigh Whannell. Il film ha dato il via a un intero franchise e anche se non è tornato alla regia di un altro episodio, Wan è rimasto nel franchise come produttore esecutivo e collaboratore alla sceneggiatura di alcuni sequel. Il decimo film della serie Saw X è uscito nel 2023 e sebbene inizialmente fosse prevista l’uscita dell’undicesimo capitolo in autunno, la produzione è stata bloccata a causa di disaccordi interni tra i produttori e lo studio. A marzo, il film è stato poi ufficialmente rimosso dal calendario delle uscite della Lionsgate. In un’intervista con ScreenRant, il regista ha ora parlato del ritorno al franchise che ha dato inizio alla sua carriera.
“Se ci sono novità? È un po’ presto per parlarne, ma inutile dire che sono molto entusiasta. Solo perché non ho avuto molto a che fare con il franchise sin dai primi giorni. Immagino sia stimolante ed emozionante perché posso tornare al film che ha dato inizio alla mia carriera, la mia e quella di Leigh Whannell. Non sto prendendo la cosa alla leggera e voglio assolutamente trovare un modo per rendere il prossimo film rispettoso di ciò che i fan amano della serie, trovando al contempo un nuovo pubblico”. “È una serie che ha vent’anni e penso che sia importante trovare un nuovo inizio, pur rimanendo fedeli al mondo che abbiamo creato”, ha concluso James Wan.
Cosa significa questo per Saw XI
Come anticipato, lo sviluppo e la produzione di Saw XI hanno subito una battuta d’arresto nel gennaio 2024 a causa di problemi gestionali e disaccordi sulla direzione del film. A marzo, gli sceneggiatori Patrick Melton e Marcus Dunstan hanno rivelato di aver consegnato una bozza più di un anno fa, ma che il processo era stato interrotto. Nella storia che hanno proposto, i due sceneggiatori hanno immaginato una trama attuale che affrontasse gli stessi temi di Saw VI, in cui Jigsaw prendeva di mira i dirigenti delle assicurazioni sanitarie.
Tuttavia, il commento di James Wan suggerisce che, sebbene la cancellazione non abbia segnato la fine dell’undicesimo capitolo, potrebbero esplorare il progetto ripartendo da zero. L’aggiornamento del regista sul fatto che sia ancora “un po’ presto” per parlare del futuro del franchise è però interessante. Suggerisce che l’ostacolo che ha impedito la realizzazione di Saw XI potrebbe non essere ancora stato completamente superato. D’altra parte, sembra che ci siano ancora piani per il sequel.
Dopo lo straordinario successo riscontrato nel 2024, tornano le Masterclass e le Conversazioni con grandi personalità del cinema all’82. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della Biennale di Venezia, per la seconda volta nella location della Match Point Arena (250 posti) allestita al Tennis Club Venezia al Lido (di fronte all’Hotel Excelsior, ingresso aperto agli accreditati dell’82. Mostra).
In particolare cinque saranno le Masterclass che vedranno come protagonisti: il regista tedesco Werner Herzog (Leone d’oro alla carriera 2025) giovedì 28 agosto alle 16.00; il regista cinese Jia Zhang-ke (Leone d’oro per il miglior film nel 2006 per Still Life) sabato 30 agosto alle 16.00; la leggendaria attrice americana Kim Novak (Leone d’oro alla carriera 2025) mercoledì 3 settembre alle 16.00; il regista rumeno Cristian Mungiu (giurato di Venezia 82, Palma d’oro 2007) giovedì 4 settembre alle 14.30; il regista taiwanese Tsai Ming-liang (Leone d’oro per il miglior film nel 1994 con Vive l’amour) venerdì 5 settembre alle 16.00. Le Masterclass si potranno seguire anche in livestream sul sito www.labiennale.org.
Saranno quattro le Conversazioni organizzate da Cartier– The Art and Craft of Cinema, in collaborazione con la Biennale, che vedranno dialogare la regista americana premio Oscar Sofia Coppola (Leone d’oro per il miglior film nel 2010 con Somewhere) con la costumista italiana quattro volte premio Oscar Milena Canonerovenerdì 29 agosto alle 15.30, il regista e attore italiano Sergio Castellitto con la scrittrice Margaret Mazzantinidomenica 31 agosto alle 16.00, il regista messicano premio Oscar Alfonso Cuarón (Leone d’oro per il miglior film nel 2018 con Roma) con il direttore della fotografia neozelandese Michael Seresinlunedì 1 settembre alle 16.00, e la regista neozelandese premio Oscar Jane Campion (Leone d’argento per la migliore regia nel 2021 per The Power of the Dog) con la produttrice britannica Tanya Seghatchianmartedì 2 settembre alle 16.00.
Giovedì 28 agosto ore 16.00 Masterclass di Werner Herzog (Leone d’oro alla carriera), conduce Federico Pontiggia – Livestreamlabiennale.org
Venerdì 29 agosto ore 15.30 Conversazione tra Sofia Coppola e Milena Canonero, conduce Stéphane Lerouge
Sabato 30 agosto ore 16.00 Masterclass di Jia Zhang-ke, conduce Elena Pollacchi, critica cinematografica – Livestreamlabiennale.org
Domenica 31 agosto ore 16.00 Conversazione tra Sergio Castellitto e Margaret Mazzantini, conduce Stéphane Lerouge
Lunedì 1 settembre ore 16.00 Conversazione tra Alfonso Cuarón e Michael Seresin, conduce Stéphane Lerouge
Martedì 2 settembre ore 16.00 Conversazione tra Jane Campion e Tanya Seghatchian, conduce Stéphane Lerouge
Mercoledì 3 settembre ore 16.00 Masterclass di Kim Novak (Leone d’oro alla carriera), conduce Giulia d’Agnolo Vallan – Livestreamlabiennale.org
Giovedì 4 settembre ore 14.30 Masterclass di Cristian Mungiu, conduce Angela Prudenzi – Livestreamlabiennale.org
Venerdì 5 settembreore 16.00 Masterclass di Tsai Ming-liang, conduce Elena Pollacchi – Livestreamlabiennale.org
Dopo aver visto un’anteprima del look accuratamente riprodotto dal videogioco dell’attuale campione della WWE Cody Rhodes nei panni di Guile e un primo assaggio di Noah Centineo (Black Adam) vestito da Ken Masters, abbiamo ora alcune nuove foto e video dal dietro le quinte del set del reboot di Street Fighter. Le foto (si possono vedere qui e qui) ritraggono diversi membri del cast, tra cui Callina Liang (Chun-Li), Andrew Koji (Ryu) e Andrew Schulz (Dan Hibiki), ma Orville Peck sembra essere l’unico a indossare il costume del malvagio Vega.
Il musicista sudafricano ha i capelli biondi e il caratteristico tatuaggio a forma di serpente di Vega, ma è probabile che questa non sia la maschera che indosserà per interpretare il personaggio, dato che Peck è noto per coprirsi il viso in pubblico. Vega è stato introdotto come uno dei quattro boss in Street Fighter II del 1991 come un “ninja spagnolo” presuntuoso e sadico. Di solito è raffigurato come il braccio destro del leader di Shadaloo, M. Bison (David Dastmalchian).
Cosa sappiamo di Street Fighter
Al momento non si conosce ancora la trama ufficiale di Street Fighter, ma si presume che ruoterà intorno ad un grande torneo di arti marziali. Nel cast troviamo Andrew Koji nei panni di Ryu, Noah Centineo nei panni di Ken, Callina Liang nei panni di Chun-Li, 50 Cent nei panni di Balrog, Jason Momoa nei panni di Blanka e Orville Peck nei panni di Vega, Roman Reigns interpreterà il malvagio Akuma, David Dastmalchian sarà M. Bison, il wrestler Cody Rhodes sarà invece Guile.
Il regista Kitao Sakurai, che è subentrato ai registi originali Danny e Michael Philippou, è probabilmente meglio conosciuto per aver scritto, diretto e prodotto The Eric Andre Show, e ha anche diretto il pilot e diversi episodi della prossima serie Amazon Prime VideoButterfly, oltre ad alcuni episodi dell’adattamento del videogioco Twisted Metal di Peacock.
La serie Street Fighter di Capcom rimane uno dei franchise di giochi di combattimento più popolari di tutti i tempi, con oltre 49 milioni di copie vendute in tutto il mondo, ma finora non ha avuto molto successo con gli adattamenti live-action. Hollywood ha tentato di adattare Street Fighter in passato, incluso un film del 1994 che si è rivelato un fiasco. Il film vedeva tra i suoi interpreti Jean-Claude Van Damme, Kylie Minogue, Ming-Na Wen e il compianto Raul Julia, tra gli altri, mentre un film del 2009, Street Fighter: The Legend Of Chun-Li, con l’ex star di SmallvilleKristin Kreuk, è stato anch’esso un flop.
In pochi si aspettavano di rivedere Dafne Keen nei panni di Laura, alias X-23, dopo la sua acclamata interpretazione in Logan – The Wolverine, ma l’attrice (nota anche per la serie His Dark Materials) ha avuto l’opportunità di riprendere il ruolo in Deadpool & Wolverine come parte di una squadra composta da Blade (Wesley Snipes), Elektra (Jennifer Garner), Gambit (Channing Tatum) e il defunto Johnny Storm (Chris Evans).
Laura appare di nuovo nei momenti finali del film, dopo essersi riunita con Logan e Deadpool, lasciando così aperta la porta per un suo eventuale ritorno. Ci sono state voci secondo cui X-23 tornerà in Avengers: Doomsday (insieme a quasi tutti gli altri personaggi dell’MCU), ma Keen non faceva parte del primo cast annunciato, quindi il suo ritorno rimane per ora non confermato.
A Keen è stato dunque di recente chiesto se tornerà nei panni della feroce giovane mutante nel prossimo grande evento Marvel durante un’apparizione al Fan Expo Canada, e lei ha risposto: “In realtà non ne ho idea. Lo spero”. Il film è in fase di riprese già da un po’, quindi Keen dovrebbe già sapere se farà parte del progetto o meno. Il fatto che non abbia negato categoricamente la sua partecipazione porta a pensare che X-23 sfodererà i suoi artigli al fianco di Wolverine nel grande film dell’MCU in uscita il prossimo anno.
Netflix non procederà con una seconda stagione della serie crime drama di Kevin Williamson, The Waterfront, secondo quanto appreso da Deadline. Secondo alcune fonti, Williamson avrebbe comunicato al cast la decisione dello streamer, e anche i membri della troupe sarebbero stati informati che non ci sarà una seconda stagione. La notizia, che arriva circa due mesi dopo l’uscita della serie il 19 giugno, è sorprendente perché la contorta storia della influente famiglia Buckley della Carolina del Nord ha ottenuto un ottimo successo.
La serie è infatti rimasta per cinque settimane nella Top 10 globale di Netflix per le serie in lingua inglese, inclusa una rara tripletta al primo posto, con un picco di 11,6 milioni di visualizzazioni nella sua prima settimana completa di uscita. Questo risultato è superiore a quello di un’altra serie drammatica al suo esordio, recentemente rinnovata da Netflix, Ransom Canyon, che è rimasta per quattro settimane nella Top 10, raggiungendo il secondo posto con 9,4 milioni di visualizzazioni nella sua prima settimana completa.
The Waterfront ha ottenuto risultati significativamente migliori rispetto alle altre due serie drammatiche che Netflix ha cancellato finora quest’anno dopo una sola stagione, Pulse e The Residence, entrambe rimaste nella Top 10 per quattro settimane, raggiungendo rispettivamente il terzo posto con 8,5 milioni di visualizzazioni e il secondo posto con 8,8 milioni di visualizzazioni. Nelle loro decisioni di rinnovo, i dirigenti di Netflix tendono a privilegiare le prestazioni rispetto ai costi, tenendo conto anche di altri fattori, come i riconoscimenti ottenuti, il buzz sui social media e il tipo di pubblico che segue la serie.
Oltre al numero di visualizzazioni, le prestazioni includono il tasso di completamento, che non viene reso pubblico. Fonti vicine alla produzione hanno riferito a Deadline all’inizio di questo mese che il tasso di completamento di The Waterfront era buono. Sembra però che Netflix non abbia ritenuto che il numero di spettatori e il tasso di completamento fossero sufficientemente alti da garantire il rinnovo.
The Waterfront, con Holt McCallany, Jake Weary, Melissa Benoist e Maria Bello, è un dramma familiare incentrato sui personaggi. La storia ruota attorno alla famiglia Buckley, che per decenni ha governato Havenport, nella Carolina del Nord, dominando ogni aspetto della vita locale, dall’industria della pesca alla ristorazione. Ma il loro impero ittico ha iniziato a sgretolarsi quando il patriarca Harlan Buckley (McCallany) si è ripreso da due infarti e sua moglie Belle (Bello) e suo figlio Cane (Weary) si sono avventurati in acque profonde per mantenere a galla gli affari di famiglia.
Mentre i loro tentativi sfuggono al controllo e finiscono in acque pericolose, Harlan torna in scena per prendere il comando. Affrontando i propri demoni, la figlia dei Buckley, Bree (Benoist) – una tossicodipendente in fase di recupero che ha perso la custodia di suo figlio – si ritrova coinvolta in una relazione complicata che potrebbe minacciare per sempre il futuro della famiglia.
Le versioni a fumetti e cinematografica di Watchmen (qui la recensione) hanno finali completamente diversi, ma entrambe sono efficaci nel loro contesto. Concepito da Alan Moore e Dave Gibbons, Watchmen ha rivoluzionato il panorama dei fumetti quando il suo primo numero è stato pubblicato nel 1986, offrendo una storia matura e politicamente consapevole che mette in guardia dai supereroi corrotti e dal vigilantismo degenerato. Dopo oltre 20 anni come classico di culto nel canone DC, Zack Snyder, regista di 300, è stato incaricato di portare questa storia sul grande schermo, un’impresa che molti ritenevano impossibile.
Il film Watchmen del 2009 è stato però un pioniere in termini di film sui supereroi non adatti alle famiglie (Christopher Nolan lo ha definito “in anticipo sui tempi”) e ha stabilito lo stile crudo e cupo di Snyder che avrebbe poi dato origine a L’Uomo d’Acciaioe al DCEU. Non per l’ultima volta nella carriera di Snyder, Watchmen si è però rivelato un adattamento molto controverso, ricevendo elogi diffusi ma allo stesso tempo irritando i puristi dei fumetti. Ciononostante, il film è diventato un cult a pieno titolo, fungendo da ispirazione per film come Logan – The Wolverine e The Boys e meritandosi un seguito in una serie TV su HBO.
Nonostante la presenza di supereroi stupratori e violenza a non finire, l’elemento di gran lunga più controverso di Watchmen di Snyder è stato il finale. In quello che era più o meno un adattamento fedele del materiale originale, il film ha poi preso una direzione completamente diversa per il suo atto conclusivo e questo è stato da allora un punto di contesa tra i fan. Sebbene la forza del finale di Snyder sia spesso oggetto di dibattito, entrambe le versioni funzionano bene a modo loro. Approfondiamo il loro valore qui di seguito!
Il finale del fumetto Watchmen
Ambientato in un 1985 alternativo negli Stati Uniti, dove l’emergere di vigilanti mascherati e dell’onnipotente Dr. Manhattan ha alterato il corso della storia, la storia originale di Watchmen è ambientata sullo sfondo reale della Guerra Fredda, con le tensioni tra l’Unione Sovietica e gli Stati Uniti che lasciano il mondo sull’orlo della devastazione nucleare. Gli eventi di Watchmen sono innescati dalla comparsa di un assassino che sembra prendere di mira gli ex supereroi. Il caso viene ripreso dal vigilante ancora attivo Rorschach, che riunisce la banda per indagare sulla cospirazione.
Alla fine, Rorschach, Gufo Notturno, Spettro di Seta e il dottor Manhattan risalgono agli omicidi fino al loro ex collega Adrian Veidt, precedentemente noto come Ozymandias. Ora amministratore delegato della sua società, Veidt ha deciso di intraprendere un’azione decisiva contro l’incombente terza guerra mondiale e spera di unire il mondo in pace e armonia inscenando un attacco alieno, costringendo le superpotenze globali della Terra a risolvere le loro divergenze e a unirsi.
Sebbene questo piano possa sembrare promettente sulla carta, il principale punto critico è che Veidt insiste che milioni di persone devono morire nell’attacco affinché la falsa minaccia sia presa sul serio. Alla fine, i Watchmen non riescono, o in alcuni casi decidono semplicemente di non farlo, a fermare il piano di Veidt e l’atto finale del fumetto vede un calamaro gigante creato dai laboratori segreti dell’uomo d’affari scatenarsi su New York sotto le spoglie di un’invasione aliena.
Il finale del film Watchmen del 2009
La versione di Snyder di Watchmen segue essenzialmente la stessa struttura sopra descritta, ma si discosta quando si tratta dei dettagli del piano di Ozymandias. Invece di creare biologicamente un calamaro gigante da far passare per un invasore alieno, l’Ozymandias del film live-action innesca una serie di esplosioni nucleari nelle principali città del mondo e incastra il dottor Manhattan come colpevole imitando la firma della sua radiazione naturale. L’effetto è quasi identico a quello dei fumetti: gli Stati Uniti e l’Unione Sovietica smettono di essere nemici e si rivoltano contro il dottor Manhattan, anche se a costo di molte vite.
Come nei fumetti, Dr. Manhattan alla fine capisce la logica del piano di Veidt e accetta il suo nuovo ruolo, lasciando la Terra, presumibilmente per sempre. Per alcuni, alterare la fonte della distruzione di Ozymandias è stato solo un cambiamento superficiale che non ha influito sul tono e sulla direzione generale del finale originale di Watchmen e, considerando quanto gli studi cinematografici amino il lieto fine, è un piccolo miracolo che la conclusione cupa di Watchmen sia stata mantenuta.
Tuttavia, ciò non ha impedito una valanga di critiche da parte dei fan dei fumetti che ritenevano che la presenza del calamaro fosse un elemento integrante del finale di Watchmen. Al contrario, però, negli ultimi anni i critici hanno iniziato a oscillare nella direzione opposta, sostenendo che il finale con il calamaro fosse sempre stato un po’ ridicolo e che le modifiche di Snyder migliorassero effettivamente il progetto originale di Moore.
Perché entrambi i finali di Watchmen sono fantastici
Piuttosto che dire che un finale di Watchmen è migliore dell’altro, forse è più corretto affermare che sia la versione a fumetti che quella cinematografica sono ideali per i rispettivi mezzi di comunicazione. Il calamaro psichico di Moore può sembrare involontariamente esilarante a chi non conosce i fumetti di Watchmen, ma come minaccia che minaccia di conquistare il mondo creata da un ex supereroe, è un’aggiunta quasi perfetta. I fumetti di Watchmen contengono molto più umorismo nero rispetto al film di Snyder e questo gioca a favore del piano di Ozymandias.
In modo gloriosamente autoreferenziale, il cattivo assume un team di artisti per progettare l’alieno simile a un calamaro e poi usa la sua ricchezza per renderlo realtà. In quanto racconto ammonitore sui supereroi (e i fumetti erano molto meno lusinghieri del film in questo senso), questo finale permette all’opera di commentare sia l’ego gonfiato degli eroi, sia la natura volubile delle potenze politiche mondiali. Inoltre, una creatura aliena è molto più efficace sulla carta di una serie di esplosioni.
Dopo essersi sviluppato gradualmente nel corso di 12 numeri, Watchmen meritava un climax adeguatamente drammatico, e una serie di vignette con esplosioni non avrebbe avuto lo stesso peso sulla carta stampata come sul grande schermo, dove sono disponibili le dimensioni aggiuntive del suono e del movimento. Una creatura brillante e stranamente impressionante, tuttavia, fornisce una minaccia molto più visiva, suscitando sia sorpresa che disgusto nel lettore.
Per quanto il finale di Watchmen sia fantastico nei fumetti, semplicemente non avrebbe funzionato sul grande schermo. La rappresentazione cruda del mondo di Watchmen da parte di Snyder sarebbe stata irrimediabilmente danneggiata dall’apparizione di un mostro ultraterreno nell’atto finale e avrebbe causato un cambiamento stridente nel tono, soprattutto per chi non sapeva cosa aspettarsi. Il calamaro avrebbe anche dovuto essere una creazione in CGI e, anche a distanza di un decennio, i film sui supereroi faticano ancora a trovare il successo con cattivi finali nati da una massa di effetti speciali.
Tuttavia, scaricando la colpa sul Dr. Manhattan, il film Watchmen adotta l’approccio basato sui personaggi che meglio si adatta ai lungometraggi e richiama le insicurezze e l’umanità in declino di Manhattan, un tema esplorato in entrambe le versioni della storia. Incolpare il supereroe per un crimine che non ha commesso non solo aggiunge ulteriore tragicità alla sua storia, ma rende anche il piano di Ozymandias più personale, sfruttando in particolare le abilità di un ex amico e la paura che circonda la sua stessa esistenza. Si potrebbe forse sostenere che la versione live-action della cospirazione di Ozymandias abbia più senso logico rispetto ai fumetti.
In un fumetto è molto più facile testare i limiti del realismo e della logica e i lettori sono più disposti a sospendere la loro incredulità. Le trame devono essere strutturate in modo più rigoroso sullo schermo, tuttavia, e c’è un senso naturale nel fatto che Veidt utilizzi il potere di Manhattan per farlo apparire come una minaccia globale, il che richiede meno preparativi e spiegazioni rispetto al finale del fumetto. Come noto, però, la serie TV ha infine soddisfatto chi voleva vedere il calamaro gigante inserendo in un flashback proprio questa creatura.
Uscito nel 2014 e diretto da Kim Seong-hun, A Hard Day si colloca come uno dei titoli più incisivi della cinematografia sudcoreana contemporanea, nota per la capacità di mescolare generi con grande abilità narrativa. Il film si inserisce nel solco del cinema noir coreano, caratterizzato da tensione, colpi di scena e un’ironia nera che bilancia il lato più crudo della violenza. In questo contesto, la pellicola dimostra come la Corea del Sud sappia coniugare intrattenimento e critica sociale, raccontando storie di corruzione, moralità ambigua e sopravvivenza in ambienti urbani spietati.
Il genere action-thriller del film è arricchito da elementi di commedia nera e suspense psicologica, creando un ritmo serrato che tiene lo spettatore costantemente sull’orlo dell’ansia. Protagonista è il poliziotto Ko Gun-su, la cui carriera e vita privata entrano in collisione quando, per coprire un incidente mortale, decide di nascondere la verità e affronta una spirale di situazioni sempre più compromettenti. La narrazione esplora temi come la colpa, la responsabilità e la doppia morale, mostrando come scelte apparentemente minime possano avere conseguenze devastanti, sia sul piano legale che personale.
Acclamato dalla critica, A Hard Day è riuscito a emergere come uno dei thriller più originali della Corea del Sud degli ultimi anni, grazie alla combinazione di sceneggiatura brillante, ritmo incalzante e regia precisa. La capacità del film di alternare momenti di tensione a tocchi di ironia lo rende unico nel panorama internazionale, riuscendo a mantenere viva l’attenzione dello spettatore fino all’ultima scena. Nel resto dell’articolo verrà analizzato il finale, con una spiegazione dettagliata delle scelte narrative e delle implicazioni morali che esso suggerisce.
Lee Sun-kyun in A Hard Day
La trama di A Hard Day
Protagonista del film è il detective Go Geon-soo (Lee Sun-kyun). Nell’arco di sole 24 ore, riceve la notizia del divorzio dalla moglie, muore sua madre, e scopre che lui e i suoi colleghi sono sotto inchiesta dagli Affari Interni per corruzione. Come se non bastasse, mentre corre in auto per raggiungere il funerale della madre, investe accidentalmente un uomo, uccidendolo sul colpo. Preso dal panico e sotto l’effetto dell’alcol, Geon-soo decide di nascondere il cadavere nel bagagliaio della sua auto, sfuggendo per un soffio a una pattuglia della polizia. Una volta giunto al funerale, compie un gesto estremo, occulta il corpo nella bara della madre defunta.
La situazione sembra rientrare, finché Geon-soo non riceve una misteriosa chiamata. Qualcuno afferma di averlo visto quella notte e comincia a ricattarlo. L’uomo che lo minaccia è il tenente Park Chang-min (Cho Jin-woong), che non solo ha insabbiato l’indagine interna, ma è anche coinvolto in un gigantesco giro di droga e corruzione. Con il passare dei giorni, Geon-soo scopre che la vittima dell’incidente non era un senzatetto qualsiasi, ma un pericoloso criminale ricercato che aveva rubato la chiave d’accesso a una cassaforte contenente cocaina rubata e denaro. Park, che lo stava inseguendo per recuperare la chiave, era il vero responsabile della sua morte.
La spiegazione del finale del film
Nel terzo atto, Ko Gun-su si trova a fronteggiare la crescente pressione del suo superiore, il tenente Park, che dopo aver chiuso l’indagine sulla squadra di Ko inizia quindi a ricattarlo per ottenere il possesso del corpo di Lee, l’uomo investito da Ko all’inizio del film. Ko riesce a recuperare il corpo e, durante la ricerca, scopre le ferite da arma da fuoco di Lee. Controllando il cellulare della vittima, riesce a rintracciare un altro criminale, che rivela come Park avesse rubato una grande quantità di cocaina confiscata, con Lee che aveva sottratto la chiave della cassaforte e tentato la fuga. Questo intreccio mette in luce la rete di corruzione e inganni che avvolge tutti i personaggi principali.
Lee Sun-kyun nel film A Hard Day
La tensione raggiunge il culmine quando Ko, ormai determinato a liberarsi dalle minacce, colloca una carica esplosiva all’interno del corpo di Lee e la consegna a Park, causando l’esplosione del furgone del tenente in un lago. Tuttavia, Park sopravvive e affronta Ko nell’appartamento di quest’ultimo, dove, in un incidente fortuito, finisce per spararsi da solo mentre cerca di recuperare la propria arma. La situazione si risolve così con la scomparsa di Park e la decisione dei vertici della polizia di coprire gli atti di entrambi per proteggere le proprie reputazioni. Ko, libero dal ricatto, decide di dimettersi, accedendo infine alla cassaforte privata di Park e scoprendo una somma di denaro molto più grande di quanto avesse immaginato.
Il finale di A Hard Day sottolinea quindi la continua ambiguità morale che attraversa l’intera pellicola. Ko Gun-su, pur coinvolto in una serie di atti criminali, emerge come protagonista che cerca giustizia e sopravvivenza in un ambiente corrotto e spietato. L’ingegno e la determinazione del protagonista trasformano la situazione di svantaggio in un’occasione di riscatto personale, mentre la violenza e l’inganno restano strumenti inevitabili in un contesto in cui le regole morali e legali sono costantemente violate.
Per lo spettatore, questo epilogo lascia una riflessione sulla complessità delle scelte umane e sul confine labile tra giusto e sbagliato in un mondo governato da corruzione e vendetta. La capacità di Ko di affrontare ogni ostacolo, trovare soluzioni ingegnose e infine sottrarre la ricchezza accumulata dal rivale restituisce una forma di giustizia privata, ma non senza un prezzo, evidenziando come l’action-thriller possa essere insieme divertimento e meditazione sulle conseguenze delle proprie azioni.
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A House of Dynamite, il nuovo film della regista premio Oscar Kathryn Bigelow, che sarà presentato in concorso alla 82ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della Biennale di Venezia, sarà disponibile in cinema selezionati dall’8 ottobre e dal 24 ottobre solo su Netflix.
Quando un singolo missile, non attribuito ad alcuna nazione, viene lanciato contro gli Stati Uniti, ha inizio una corsa contro il tempo per scoprire i responsabili e decidere come reagire.
Il cast del film
Il casting è a cura di Susanne Scheel. Il ricco cast include Idris Elba, Rebecca Ferguson, Gabriel Basso, Jared Harris, Tracy Letts, Anthony Ramos, Moses Ingram e Jonah Hauer-King, insieme a Greta Lee e Jason Clarke. Completano il gruppo Malachi Beasley, Brian Tee, Brittany O’Grady, Gbenga Akinnagbe, Willa Fitzgerald, Renée Elise Goldsberry, Kyle Allen e Kaitlyn Dever.
A House of Dynamite è diretto da Kathryn Bigelow, con una sceneggiatura firmata da Noah Oppenheim. Il film è prodotto da Greg Shapiro, Bigelow e Oppenheim, con Brian Bell e Sarah Bremner come produttori esecutivi. Alla direzione della fotografia c’è Barry Ackroyd, mentre la scenografia è curata da Jeremy Hindle, anche co-produttore insieme a Sumaiya Kaveh. I costumi sono affidati a Sarah Edwards, il montaggio a Kirk Baxter e le musiche a Volker Bertelmann, con il sound design di Paul N. J. Ottosson.
In “In The Mud” (titolo originale: “En El Barro”) di Netflix, un gruppo di cinque donne si ritrova in una situazione precaria quando un incidente le lega per sempre. La serie, creata da Sebastián Ortega, segue Gladys Borges, Marina Delorsi, Olga Giulani, Yael Rubial e Soledad Rodríguez, il cui viaggio prende una piega inaspettata quando il mezzo che le sta trasportando in prigione ha un incidente lungo la strada. Tuttavia, tutte le donne citate escono illese e le autorità le portano in prigione. Non appena raggiungono il penitenziario di La Quebrada, si rendono conto che le loro vite non saranno più le stesse e che, se vogliono sopravvivere, dovranno restare unite e navigare in un mondo governato da forze potenti. Man mano che la storia procede, svelano un terrificante mistero nascosto nelle profondità delle mura del penitenziario, che coinvolge sparizioni inspiegabili.
Mentre cercano di trovare la persona responsabile di queste sparizioni, Gladys e le altre donne del gruppo cambiano personalità per integrarsi nella pericolosa gerarchia della prigione e adottano comportamenti che le aiutano a guadagnarsi la fiducia delle altre detenute. La narrazione della serie si concentra principalmente su come queste donne cercano di adattarsi e capire come salvarsi da situazioni pericolose. Inoltre, esplora anche temi come il sistema carcerario, la corruzione e il traffico di esseri umani per arricchire la storia. Mescolando questi elementi, la serie mantiene la storia con i piedi per terra e sfuma il confine tra finzione e realtà, dando l’impressione che tali eventi potrebbero svolgersi al di là dello schermo.
In The Mud è una storia di fantasia che mostra il sistema carcerario con autenticità
Sebbene la serie sia di fantasia e sia uno spin-off della serie del 2016 El Marginal, In The Mud prende molta ispirazione dal funzionamento del sistema carcerario in tutto il mondo, in particolare in Sud America. La serie mostra come le donne affrontano condizioni difficili nella prigione di La Quebrada, dove celle sovraffollate, risorse scarse e la paura onnipresente della corruzione rispecchiano le esperienze vissute da migliaia di donne dietro le sbarre. Nella serie, le donne sono in carcere per diversi reati, come omicidio, tentato rapimento e altro ancora. Nella realtà, molte di loro stanno scontando una pena per reati minori legati alla droga. Le statistiche mostrano che paesi come l’Argentina, il Brasile e l’Ecuador incarcerano tra il 60% e l’80% delle detenute per tali reati.
C’è stato un aumento significativo del tasso di incarcerazione femminile in Sud America, soprattutto in Argentina. Le ragioni principali di questo aumento sono la povertà, il coinvolgimento in attività illegali e l’esclusione sociale. Nel frattempo, le carceri femminili violano i diritti umani, offrono un accesso pericoloso all’assistenza sanitaria e non forniscono programmi educativi adeguati. Inoltre, la violenza di genere all’interno delle carceri è un altro elemento fondamentale della serie, che è stato rappresentato in modo efficace. Un rapporto del 2024 rivela che molte strutture sottopongono frequentemente le donne a perquisizioni corporali invasive, isolamento prolungato e restrizioni senza alcuna valutazione individuale. Tali pratiche spesso aumentano il rischio di abusi e violenze. Mettendo in evidenza questi aspetti nella serie, gli autori hanno voluto mantenere la narrazione realistica e aggiungere realismo, esplorando al contempo come vivono le donne in condizioni così sconvolgenti.
Per Sebastián Ortega era molto importante mostrare come funziona il sistema carcerario in Argentina e in altri paesi. Per farlo, l’autore ha parlato con donne che hanno trascorso la loro vita in penitenziari. In un’intervista, ha dichiarato: “Ci sono tratti della personalità e motivi di incarcerazione che sono stati ispirati dalle storie raccontate da alcune delle donne detenute con cui abbiamo parlato”. Il creatore ha tratto ispirazione dai racconti di prima mano per dare forma a personaggi autentici le cui lotte e paure riflettono esperienze reali. D’altra parte, la serie non si limita a drammatizzare la lotta delle detenute e le loro condizioni di vita, ma la radica nella cruda realtà. Questa storia è più di un semplice dramma carcerario per il creatore della serie.
In The Mud affronta il tema della tratta di esseri umani
Oltre a concentrarsi sulla vita delle donne in carcere, “In The Mud” esplora anche il tema della tratta di esseri umani attraverso i personaggi di Cecilia Moranzón e del dottor Soriano. Moranzón è la direttrice del penitenziario di La Quebrada, mentre Soriano lavora come medico della prigione. Inizialmente, entrambi sembrano lavorare per il miglioramento della struttura. Tuttavia, le detenute si rendono presto conto che entrambe queste figure chiave stanno usando il loro potere per sfruttare le donne, in particolare le giovani madri, per una rete di traffico che trasforma il carcere in un luogo dove trovare potenziali vittime. Nella serie, Moranzón sottrae i neonati e i bambini piccoli alle loro madri e li dà in adozione senza nemmeno chiedere il permesso ai genitori. Il medico si unisce al suo piano malvagio, guadagnando un sacco di soldi. Anche se la serie attribuisce a Moranzón un motivo diverso per gestire un giro di adozioni illegali, “In The Mud” mostra il Sud America come una delle regioni più colpite dal traffico di esseri umani.
Nel giugno 2024, un bambino di 5 anni di nome Loan Danilo Peña è misteriosamente scomparso dalla contea di Corrientes in Argentina. All’inizio, la sua famiglia credeva che il bambino fosse solo scappato. Tuttavia, con il passare del tempo, le autorità investigative si resero conto che il caso poteva essere collegato al traffico di minori. Perquisirono la zona circostante, setacciando i campi, ma non trovarono traccia di Loan. Di conseguenza, non solo le autorità, ma anche la comunità cominciò a pensare che il bambino potesse essere caduto vittima del mondo crudele del traffico di minori, dove i bambini vengono strappati alle loro famiglie e mandati in luoghi lontani prima che i loro genitori naturali o chiunque altro possa trovarli. Secondo un rapporto, tra il 2020 e il 2023, un totale di 5.075 persone sono state liberate dalle reti di traffico di esseri umani.
Secondo Ana Gabiraldi, che interpreta Gladys Borges nella serie, crimini efferati come il traffico di esseri umani e il traffico di bambini avvengono nella vita reale, ed è proprio questo che il titolo intende mettere in evidenza. In un’intervista, ha osservato: “Ci sono questi crimini contro i minori e il traffico di esseri umani. Cosa facciamo? Sì, certo, il traffico di bambini esiste. Loan è scomparsa e non si è più saputo nulla di lei. E ce ne saranno molti altri di cui non sappiamo nulla“. Intrecciando questi parallelismi con il mondo reale nella trama, ”In The Mud” confonde i confini tra realtà e finzione. La serie non usa il traffico di esseri umani solo come espediente narrativo, ma rispecchia le inquietanti verità che affliggono le comunità di tutto il Sud America. Questo approccio non solo aumenta l’impatto emotivo, ma sensibilizza anche su crimini che spesso rimangono nascosti.
La serie Netflix esplora le gang carcerarie con una lente realistica
Quando Gladys e il gruppo entrano nella prigione di Le Quebrada, si rendono conto che la prigione è stata divisa in due tribù diverse. Una è guidata da Maria, mentre l’altra è capeggiata da La Zurda. Tuttavia, le cose cambiano quando Amparo prende il controllo della banda di Zurda, rendendo la situazione ancora più terrificante. Queste due tribù sono molto diverse tra loro e c’è sempre una lotta per il potere e il controllo, con ciascuna parte che cerca costantemente di affermare la propria supremazia sulle regole e sulle risorse della prigione. Quando le cose si fanno difficili, entrambe le fazioni ricorrono alla violenza, volendo mandare un messaggio chiaro: la supremazia è la cosa più importante all’interno di una prigione. Questa lotta costante mostra come operano le vere bande carcerarie, che si ritagliano territori e impongono i propri codici all’interno delle mura del penitenziario. Di conseguenza, mette anche in luce come le fazioni opposte ricorrano alla violenza e instillino paura nelle menti dei propri avversari.
Le lotte tra due bande rivali sono una triste realtà delle prigioni e ci sono stati diversi casi in cui sono scoppiate vere e proprie rivolte all’interno del carcere. Nel giugno 2023, almeno 46 donne sono morte in una rivolta scoppiata in un carcere femminile in Honduras. Secondo la BBC, è scoppiata una rissa tra due bande rivali e la situazione è degenerata quando una banda ha dato fuoco a una cella per vendetta. Per quanto riguarda gli Stati Uniti, un rapporto suggerisce che le gang carcerarie sono prevalentemente maschili. Tuttavia, circa il 3-10% di queste fazioni è composto da donne. “In The Mud” traspone questa brutale realtà nella sua narrazione, utilizzando la rivalità tra due fazioni per riflettere le divisioni profonde che spesso caratterizzano la vita dietro le sbarre. La tensione continua e le improvvise esplosioni di violenza mostrano come le gang carcerarie reali mantengano il potere e il controllo. La serie non glorifica la violenza, ma la ritrae in modo tale da convincere tutti che questo è l’unico modo in cui queste donne possono sopravvivere a La Quebrada. In questo modo, la serie traccia un parallelo inquietante con eventi reali, ricordando agli spettatori che tali lotte di potere sono una realtà nelle carceri di tutto il mondo.
La serie Netflix In The Mud (titolo originale: “En El Barro”) è la storia avvincente di cinque donne che cercano di dare un senso alla propria vita in un penitenziario femminile in Argentina. La serie in lingua spagnola segue le vite di Gladys Borges (Ana Garibaldi), Marina Delorsi (Valentina Zanere), Yael Rubial (Carolina Ramírez), Olga Giuliani (Erika de Sautu Riestra) e Selodad Rodriguez (Camila Peralta), che si ritrovano in una situazione terrificante durante il loro trasferimento al carcere di La Quebrada. Tuttavia, una volta entrate tra le mura del carcere, il loro legame si rafforza mentre si proteggono a vicenda in un ambiente pronto a distruggerle. Man mano che la loro storia procede, si trovano faccia a faccia con diverse fazioni che controllano la struttura e affermano la propria supremazia sulle altre. Di conseguenza, scoprono che il direttore del carcere sta portando avanti un piano orribile che sfrutta le detenute. Ora spetta a Gladys e al gruppo svelare i bizzarri piani del direttore mentre affrontano le minacce che sorgono all’interno delle mura dell’istituto di correzione. SPOILER IN ARRIVO.
Cosa succede in In The Mud
La serie inizia con la polizia che cattura sette donne per diversi crimini. La polizia sta portando queste sette donne alla prigione di La Quebrada, dove sconteranno le rispettive pene. Le donne – Gladys Borges, Olga Giulani, Marina Delorsi, Amparo Vilches (Ana Rujas), Yael Rubial, Romina Duarte e Soledad Rodriguez – salgono sul furgone e iniziano a riflettere sul perché si trovano in una situazione del genere. Tuttavia, le cose prendono una piega drammatica quando un gruppo di aggressori tende un’imboscata al furgone, facendolo cadere in uno specchio d’acqua. Gli assalitori tornano su un gommone e aprono la porta posteriore del furgone. Ben presto, tutti si rendono conto che il gruppo è guidato dal fidanzato di Amparo, che vuole tirarla fuori dal veicolo della prigione. Ci riesce, mentre le altre donne cercano di salvarsi mentre il furgone affonda lentamente nell’acqua torbida. Fortunatamente, Gladys riesce a prendere le chiavi delle manette e inizia a liberare le donne in modo che possano nuotare fuori dall’acqua. Gladys riesce a salvare quattro donne e cerca di salvare anche Romina, ma non riesce ad aprire le sue manette in tempo. Di conseguenza, Romina muore. Tutte le donne rimaste riescono in qualche modo a raggiungere la riva e la polizia le porta in prigione.
Quando arrivano nel penitenziario, capiscono che dovranno restare unite e aiutarsi a vicenda per sopravvivere. Nessuna di queste donne è mai stata in prigione e proviene da contesti sociali diversi. Tuttavia, Gladys conosce il mondo criminale perché è la moglie di Marito Borges, un famoso criminale argentino, e ha un’idea di come affrontare questa fase della sua vita. Tuttavia, il gruppo scopre che la prigione è controllata da due fazioni, entrambe desiderose di affermare il proprio dominio sulle risorse della prigione. Maria è a capo di una fazione e Zurda dell’altra. Maria e Zurda sono vicine alla direttrice della prigione, Cecilia Moranzón (Rita Cortese), ed è per questo che i loro gruppi ottengono la maggior parte delle risorse. Tuttavia, quando Maria scopre che sua nipote, Romina, è morta nell’incidente del furgone della prigione, decide di dare una lezione a Gladys e al gruppo.
Nel frattempo, Zurda e il suo gruppo producono contenuti per adulti all’interno della prigione, il che dà loro la possibilità di usare telefoni e wi-fi. Mentre il gruppo continua il suo viaggio, incontra situazioni pericolose mentre cerca di inserirsi nella gerarchia della prigione. Nel frattempo, la direttrice della prigione sta orchestrando un piano mortale all’interno delle mura della prigione, sfruttando giovani madri incinte come parte della sua operazione contorta. Altrove, la polizia finalmente cattura Amparo e la porta a La Quebrada dopo aver ucciso il suo fidanzato. Il suo arrivo in prigione sconvolge tutto e Maria sente che Amparo deve morire, incolpandola della catena di eventi che ha portato alla morte di sua nipote. Nel frattempo, Zurda promette di tenere in vita Amparo perché il suo compagno conosceva Cuervo. Alla fine della stagione, Maria chiede l’aiuto di Gladys per eliminare Amparo. D’altra parte, Gladys viene a conoscenza del complotto della direttrice e vuole smascherarla. Man mano che la situazione diventa sempre più pericolosa, il gruppo deve trovare un modo per proteggersi e stare un passo avanti ai propri nemici. Devono decidere di chi possono fidarsi prima che accada qualcosa di terribile.
Il finale di In The Mud: Moranzón e Soriano sono stati arrestati per traffico di esseri umani?
Anche se la storia si concentra principalmente su Gladys e sul gruppo che arriva in prigione dopo l’incidente, esplora anche un terrificante piano orchestrato dalla direttrice della prigione, Cecilia Moranzón. La prigione è divisa in tre parti, una delle quali è l’ala familiare. In quell’ala, le madri giovani e anziane possono vivere con i propri figli. Inoltre, le future mamme condividono lo spazio in attesa di partorire. Moranzón porta le future mamme a una bella cena, dicendo loro come dovrebbero prendersi cura di sé stesse e mostrando loro affetto. Tuttavia, si scopre che lei approfitta di queste giovani madri e dà i loro bambini a coppie benestanti desiderose di avere un figlio. Ma lei non è sola in questo piano; anche il medico della prigione, Soriano, fa parte di questo complotto. Incredibilmente, le autorità non dicono mai alle madri cosa è successo ai loro bambini; sostengono invece che la salute del bambino è delicata e che un team di medici si sta prendendo cura del piccolo.
In realtà, i bambini non tornano mai dalle loro madri. I suoi piani vengono alla luce quando due nuove madri, Noelia e Patricia, muoiono durante il parto. Prima di partorire, Noelia diventa paranoica e non vuole avere il bambino. Sente che “loro” (Moranzón e Soriano) le porteranno via il bambino. Tuttavia, le sue condizioni peggiorano e deve partorire. Dopo il parto, Moranzón prende il bambino con sé, lasciando la madre in grande angoscia. Pochi istanti dopo, quando Noelia apre gli occhi, litiga con Soriano e rivela che lui l’ha violentata. Inoltre, lo accusa di aver fatto esattamente ciò che aveva pianificato. Per calmarla, le fa un’iniezione. Tuttavia, Noelia muore, creando ulteriori problemi al direttore della prigione. Nel frattempo, il governatore Faccia convoca la direttrice della prigione nel suo ufficio e la affronta riguardo al traffico illegale di adozioni. Tuttavia, le promette che non verrà fuori nulla se lei aiuterà lui e sua moglie ad adottare un bambino di una delle detenute.
Nel frattempo, Sergio Antin, che conosce Gladys e odia Moranzón, vuole l’aiuto di Gladys per smascherare il direttore della prigione. Antin lavora per il governo e vuole diventare il prossimo commissario di pubblica sicurezza di Buenos Aires. Tuttavia, Moranzón sta cercando di diventare lo stesso, e se lei aiuta Faccia con l’adozione, diventerà il nuovo ufficiale di pubblica sicurezza. Mentre cerca di raccogliere prove contro Moranzón, Gladys entra nel suo ufficio e prende i fascicoli delle madri a cui Moranzón ha portato via i figli. Tuttavia, vengono scoperti da Alan, l’agente penitenziario. Lei gli racconta del complotto e gli mostra un fascicolo che prova che sua madre naturale è stata costretta a darlo in adozione. Alan sostiene Gladys e chiede alla sua madre adottiva la stessa cosa. Lei non esita a dirgli la verità, così tutti i documenti finiscono nelle mani di Antin. Lui affronta Faccia riguardo alla cospirazione e lo minaccia, avvertendolo che rivelerà come anche Faccia abbia ricevuto aiuto da Moranzón.
Dopo aver sentito questo, Faccia ordina di arrestare Moranzón e il suo complice, Soriano, con l’accusa di traffico di esseri umani e gestione di un giro di adozioni illegali. La direttrice della prigione ritiene di non aver fatto nulla di male perché non ha mai voluto che i neonati trascorressero la loro vita in prigione. Quando era più giovane, ha aiutato una madre a ottenere la custodia di suo figlio. Ha detto alle autorità che la madre del bambino era sobria da due anni e che, secondo questa logica, il bambino avrebbe dovuto stare con lei. Tuttavia, la madre continua a essere tossicodipendente e il bambino muore. Questo particolare incidente l’ha sconvolta e le ha fatto capire che i bambini non devono stare con genitori problematici o criminali. Sebbene creda che le sue intenzioni fossero per la sicurezza dei bambini, le sue azioni hanno superato il limite morale, trasformando le sue buone intenzioni in sfruttamento. Allontanando questi bambini dalle loro madri senza il loro consenso, li priva dei loro diritti e crea un sistema basato sulla paura e sul controllo. In definitiva, la sua prospettiva rivela un pericoloso mix di protezione malintesa e abuso di potere.
Chi ha ucciso Amparo?
La storia di “In The Mud” inizia con Amparo che esce dal furgone della prigione con l’aiuto del suo ragazzo. Tuttavia, non aiuta le altre donne presenti nel veicolo e le lascia morire nel furgone che sta affondando. Fortunatamente, cinque delle sei donne rimaste riescono a fuggire illese dalla situazione pericolosa. Mentre tutte e cinque le donne vengono portate in prigione, Amparo sembra godersi la vita con il suo fidanzato, Cuervo. Sono entrambi criminali e fanno parte di una banda. Ben presto, Amparo scopre di essere incinta e non vede l’ora di dare la buona notizia al suo compagno. Tuttavia, la polizia fa irruzione nel luogo in cui vivono e uccide Cuervo prima di portarla a La Quebrada. Entra in prigione, ma non rivela di essere incinta. Maria scopre che Romina è annegata a causa di Amparo e vuole farla fuori. Di conseguenza, chiede aiuto a Gladys. La moglie di Marito Borges ne parla con Antin e gli dice che lo aiuterà solo se lui aiuterà lei. Escogitano un piano per assumere una ragazza dall’esterno per uccidere Amparo.
La ragazza riesce a entrare nella prigione, ma Gladys sa che non sarà facile uccidere Amparo perché Zurda la protegge. Quindi, creano un diversivo per isolarla. La ragazza mandata per uccidere la detenuta finalmente la trova e la attacca. Ma prima che possa fare qualcosa di concreto, Amparo la uccide. Questo incidente le fa capire che Zurda potrebbe stare giocando con lei e vuole la sua morte. Mentre Amparo, conosciuta anche come La Galiziana, continua a scalare la gerarchia carceraria, subisce un aborto spontaneo. Ora, non avendo più nulla da perdere, decide di diventare invincibile e inizia il suo percorso dando una lezione a Maria. La mette alle strette e compra uno dei soci di Maria, con l’intenzione di ucciderla e di farne un esempio. Alla fine, Amparo uccide Maria. Di conseguenza, prende il controllo del blocco di Zurda, afferma la sua autorità e si afferma rapidamente come una forza inamovibile. Dopo la morte di Maria, Gladys prende il suo posto e fa un piano per avvelenare la pelle di Amparo con l’aiuto di Olga, che lavorava come chirurgo estetico nel mondo esterno.
Le guardie carcerarie portano Amparo in infermeria e le dicono che Soriano ha dato loro l’ordine di portarla lì. Le somministreranno una flebo sottocutanea. Olga aiuta il personale medico e insieme somministrano il liquido ad Amparo. Tuttavia, la sua pelle inizia a diventare strana e lei capisce chi le ha fatto questo. Così, Amparo e il suo gruppo catturano Olga per punirla. Come punizione, Amparo ferisce l’occhio della chirurgo plastico, inviando un messaggio agghiacciante alle sue avversarie. Ora crede che sia giunto il momento di eliminare Gladys e porre fine a tutto questo una volta per tutte. Mentre mangia nella sala da pranzo dei detenuti, la galiziana dice a uno dei suoi sostenitori di spegnere l’elettricità in modo da poter uccidere Gladys. Non appena la luce si spegne, la sala da pranzo si trasforma in un’arena di combattimento e Amparo attacca la sua avversaria. Riesce a ferire Gladys alla gamba sinistra e alla schiena prima di sferrarle dei pugni brutali.
Tuttavia, Gladys non si arrende e la combatte con la stessa determinazione. Riesce a metterla al tappeto e la prende a pugni prima di trascinare il suo corpo fuori dalla sala da pranzo. Antin vede la scena, ma non dice nulla. Sconfiggendo la galiziana, Gladys capisce di aver finalmente preso il sopravvento. Sente il peso di ogni combattimento e di ogni alleato che l’ha aiutata. Nonostante il caos che la circonda, non ha perso la concentrazione, rifiutandosi di lasciarsi controllare dalla paura. In quel momento, Gladys capisce il vero costo della sopravvivenza in prigione ed è pronta a fare tutto il necessario per proteggere se stessa e gli altri.
Yael Rubial ha dato sua figlia in adozione?
Delle cinque donne sopravvissute all’incidente del furgone, solo Yael si è trasferita nell’ala riservata alle famiglie perché ha una figlia. Ha chiesto ufficialmente alla direttrice della prigione, Cecilia Moranzón, di portarle sua figlia in prigione. Dopo una lunga attesa, la figlia di Yael, Brisa, arriva finalmente in prigione e lei inizia a trascorrere del tempo con lei. Nel frattempo, il governatore Faccia e sua moglie Eugenia sono seduti nello studio del medico. Ricevono la notizia che se provassero di nuovo la fecondazione in vitro, potrebbe essere pericoloso per la moglie del governatore. Dopo la visita in clinica, il governatore e sua moglie visitano La Quebrada per vedere l’ala familiare. Eugenia incontra Brisa e inizia a legare con lei. La moglie del governatore ha apprezzato Brisa e vuole passare più tempo con lei. Di conseguenza, le manda dei regali. Inoltre, Eugenia chiede di vedere Brisa e di portarla fuori per qualche ora.
Yael accetta e sua figlia trascorre la giornata con la moglie del governatore. Qualche giorno dopo, Eugenia chiede di trascorrere il fine settimana con Brisa. Anche se Yael non voleva, alla fine accetta la richiesta e la bambina trascorre il fine settimana con lei. Quando Faccia viene a sapere del giro di adozioni illegali di Moranzón, la ricatta, chiedendole di aiutare lui e sua moglie ad adottare ufficialmente Brisa. Il medico della prigione dice che non sarà facile, ma il governatore sa che lei può portare a termine il compito. Dopo aver trascorso il fine settimana con Eugenia, Yael nota un cambiamento nel comportamento di sua figlia, che sembra apprezzare il tempo trascorso con Eugenia. Da un’altra parte, Moranzón parla con Yael dell’adozione e le dice che Faccia e sua moglie possono dare una vita migliore a sua figlia. Lei si rifiuta di firmare i documenti per l’adozione. La salute di Brisa ha iniziato a peggiorare a causa della permanenza in prigione e Faccia è arrivato per portarla in ospedale. Tuttavia, Yael non sapeva che il direttore della prigione aveva pianificato tutto e voleva che Yael firmasse i documenti per l’adozione.
Yael sviene e Soriano la porta in isolamento. Lui e Moranzón progettano di far sparire la madre di Brisa prima di falsificare la sua firma sui documenti. Quando Antin viene a sapere del giro di adozioni illegali e del coinvolgimento di Faccia, minaccia il governatore di rivelare l’intero piano. Dopo che le autorità arrestano Moranzón e Soriano, la figlia di Yael torna da lei. Tuttavia, si rende conto che la prigione non è il posto dove vuole crescerla. Incontra Eugenia, che le dice che sta divorziando da Faccia dopo aver saputo cosa ha fatto a Yael. Tuttavia, firmando i documenti per l’adozione, Yael chiede formalmente a Eugenia di adottare Brisa. Alla fine, Yael mette da parte i propri bisogni per proteggere il futuro di sua figlia, sapendo che la prigione non è un posto per una bambina. Sopporta la paura e il dolore per garantire la sicurezza di Brisa. Chiedendo a Eugenia di adottarla, dà a Brisa la possibilità di avere una vita normale e amorevole. Il sacrificio di Yael dimostra che il suo amore è più forte delle sue difficoltà.
Marina esce di prigione?
Oltre a concentrarsi su Gladys e Yael, “In The Mud” racconta anche la storia di Marina con grande profondità. Marina entra in prigione dopo aver presumibilmente ucciso il suo fidanzato, Martin. Un difensore d’ufficio sta combattendo il suo caso e ha presentato ricorso per il suo rilascio. Tuttavia, il tribunale respinge il ricorso perché la famiglia del fidanzato è ricca e ha agganci. In prigione, incontra Coca, che le dice che le presenterà un avvocato amico che può aiutarla. Durante l’udienza, incontra la sua avvocatessa, Luna Lunati, che le chiede se sta bene. All’udienza, il fratello del fidanzato, Dario, testimonia e dice alla corte che Marina e lui erano innamorati. Quando Luna incontra Marina dopo l’udienza, le chiede di dirle la verità. Lei rivela che Martin era violento e aveva una relazione strana con suo fratello. Condividevano tutto, compresa Marina. Luna le dà una pen drive con le registrazioni fatte a casa di Martin.
Dopo averle viste, Marina capisce che entrambi i fratelli la registravano ogni volta che facevano sesso. Ciò significa che Martin registrava Dario e Marina mentre facevano sesso, mentre Martin registrava la sua ragazza e Dario mentre facevano sesso, dimostrando che entrambi lavoravano insieme. Tuttavia, Dario provava dei sentimenti per lei e ogni volta che Martin le faceva del male, diceva a suo fratello che era preoccupato per la sua salute. Nel frattempo, Luna raccoglie le registrazioni delle telecamere a circuito chiuso della casa di Martin e scopre che mancano alcune prove cruciali. Controlla e scopre che la prova fondamentale è in possesso dell’ex avvocato di Marina, Zarate. L’avvocatessa chiede aiuto a un amico, Miguel, per recuperare la pen drive. Alla fine lui riesce a impossessarsi della pen drive e raggiunge il tribunale. Luna dice ai giudici che ha una prova cruciale che dimostrerebbe l’innocenza del suo cliente. I giudici le permettono di mostrare un video della notte in cui Martin è stato ucciso, sperando che riveli la verità.
Il video mostra che Dario era presente in casa quando è avvenuto l’omicidio e che, quando ha visto suo fratello maltrattare Marina, è arrivato da dietro e lo ha ucciso. Di conseguenza, i giudici stabiliscono che le prove video dimostrano che Dario potrebbe essere l’assassino e decidono di riesaminare il caso. Così, Marina viene nuovamente incriminata e finalmente esce di prigione. Grazie alle prove video decisive che rivelano la verità, Marina ottiene finalmente la libertà dopo una lunga e straziante prova. La libertà non significa solo lasciarsi la prigione alle spalle, ma anche la possibilità di vivere senza paura e a testa alta. Ogni passo fuori le ricorda la resilienza e la forza che le sono servite per sopravvivere.
La serie NetflixHostage si è conclusa con un breve salto temporale, che ha suggerito cosa sarebbe successo in seguito alla prima ministra Abigail Dalton, a suo marito, il dottor Alex Anderson, e alla loro figlia Sylvie. Il thriller politico inizia con il rapimento del dottor Alex Anderson nella Guyana francese. I rapitori hanno chiesto ad Abigail di dimettersi dalla carica di prima ministra, altrimenti Alex e i suoi colleghi prigionieri sarebbero stati uccisi.
Abigail ha chiesto aiuto alla presidente francese Vivienne Toussaint, che si trovava nel Regno Unito per negoziare con il primo ministro riguardo alla crisi sanitaria britannica. Vivienne ha inizialmente accettato di lanciare una missione di salvataggio in Guyana francese. Tuttavia, ha annullato tutto quando i rapitori di Alex le hanno inviato un messaggio minacciando di rivelare lo scandalo sessuale della presidente con il suo figliastro, Matteo.
Diventa subito chiaro che i rapitori di Alex intendono mettere la presidente francese e il primo ministro inglese l’uno contro l’altra, e per un certo periodo funziona. Solo quando le due donne scelgono la strada dell’onestà riescono a mettere Alex in salvo. Il suo rapitore viene identificato come il capitano John Michael Shagan, che, senza i suoi ostaggi, ricorre ad altri mezzi per ferire Abigail Dalton.
Shagan è riuscito a fomentare un colpo di stato politico a Downing Street in Hostage di Netflix, e Abigail è stata destituita dalla sua carica di primo ministro. Ma questo non basta a Shagan. Anche se costringere Abigail a lasciare la sua carica era solo il primo passo, lui la voleva morta. Così ha fatto esplodere una bomba a Downing Street. Il presidente Toussaint è rimasto ucciso, ma Abigail è sopravvissuta. Così, Shagan ha nuovamente preso in ostaggio la famiglia dell’ex primo ministro.
Sylvie ha ucciso Shagan in Hostage
Cosa significa la vendetta finale di Shagan per Sylvie e Abigail
Mentre Abigail affrontava il vero mandante del rapimento di suo marito in Hostage (ne parleremo più avanti), Shagan si è diretto al rifugio dove si nascondevano Alex, Sylvie e Matteo. Quando si rese conto che Abigail non era con loro, Shagan prese nuovamente in ostaggio la sua famiglia, chiedendo che lei si presentasse da sola o Alex e Sylvie sarebbero morti.
Sylvie è riuscita a procurarsi una pistola ed è entrata nella stanza dove Abigail e Alex stavano lottando con Shagan. Ha puntato la pistola contro il loro rapitore, ma Abigail ha implorato sua figlia di non sparare. Curiosamente, la missione di Shagan è passata dall’uccidere Abigail a spingere Sylvie a sparargli. Ha detto alla ragazza che era lui il responsabile della morte di suo nonno, e questo è bastato. Sylvie sparò e uccise Shagan.
Questo è il momento culminante del finale di Hostage. Abigail e la sua famiglia erano al sicuro, ma Shagan aveva comunque ottenuto la sua vendetta sul Primo Ministro in modo significativo. Lo sappiamo grazie alla sua conversazione con Alex all’inizio dell’episodio 5 di Hostage, quando menzionò il prezzo che l’omicidio fa pagare a una persona. Sylvie non sarebbe mai più stata la stessa, e tutti lo sapevano.
Le decisioni di Abigail in Hostage ruotavano attorno alla scelta se dare la priorità al lavoro o alla famiglia. Anche se per un po’ sembrava che potesse avere entrambe le cose, alla fine non è stato così. Sylvie ha pagato il prezzo e, anche se alla fine di Hostage vediamo che sta bene, sappiamo che c’è una ferita che non guarirà mai completamente.
Spiegazione del salto temporale in Hostage: Abigail Dalton è ancora primo ministro?
Sebbene Abigail avrebbe potuto dimettersi dalla carica di primo ministro per salvare suo marito all’inizio di Hostage, lei rifiutò. Non si trattava semplicemente di mantenere il potere. Abigail aveva capito che Shagan stava manipolando la democrazia. Il popolo britannico aveva votato Abigail come primo ministro. Se lei si fosse dimessa, avrebbe dimostrato che chiunque può ignorare la volontà del popolo.
Sebbene Shagan sia riuscito a mettere il popolo, compreso il gabinetto di Abigail, contro di lei, una volta svelato il complotto, la situazione non è durata a lungo. Dan Ogilvy si è gentilmente fatto da parte, consentendo alla sua legittima predecessora di tornare al suo posto. Quindi, alla fine di Hostage, Abigail è ancora il primo ministro britannico. Tuttavia, seguendo l’esempio di Vivienne Toussaint, Abigail ha rimesso il suo destino nelle mani del popolo.
Il salto temporale di tre mesi alla fine di Hostage ha visto Abigail condividere un momento d’amore con la sua famiglia prima di uscire da Downing Street e annunciare che avrebbe indetto le elezioni generali. Dopo tutto quello che era successo, il popolo avrebbe avuto la possibilità di votare nuovamente il proprio primo ministro. È un segno che, nonostante il costo per la sua famiglia, Abigail ha difeso il potere della democrazia.
Chi c’era davvero dietro il rapimento del dottor Alex Anderson in Hostage
Una volta identificato Shagan, Abigail non ha impiegato molto a capire per chi lavorasse quell’uomo. Doveva esserci qualcuno con più influenza all’interno del governo a tirare le fila, e il generale Livingston, che era stato il comandante di Shagan, era il candidato più plausibile. Quando Abigail ha affrontato l’uomo, lui ha involontariamente ammesso i suoi crimini menzionando il laptop esploso, cosa che non avrebbe potuto sapere altrimenti.
Abigail e la sua squadra hanno capito che la vendetta di Livingson e Shagan contro di lei doveva avere qualcosa a che fare con l’incidente del 2018 in Belize. Gli uomini erano di stanza lì quando l’esercito guatemalteco invase il paese e Abigail, all’epoca viceministro degli Esteri, ordinò alle truppe britanniche di evacuare. Ciò significava abbandonare i civili che li avevano aiutati.
Prima di morire, Shagan rivelò che la sua fidanzata era un’interprete locale che aveva aiutato la sua squadra. Era incinta di sei mesi della figlia di Shagan quando i guatemaltechi la giustiziarono sulla pista dell’aeroporto.
Ci sarà una seconda stagione di Hostage?
Hostage è una serie limitata, quindi è pensata per essere una storia a sé stante. Il finale è soddisfacente e dimostra le perdite che Abigail ha inevitabilmente dovuto subire sia nella sua carriera che nella sua vita familiare nel suo impegno come funzionaria pubblica. Tuttavia, c’è senza dubbio altro da esplorare se Netflix decidesse di cambiare il formato di Hostage.
Sarebbe interessante vedere l’esito delle elezioni generali indette da Abigail nel finale di Hostage. Inoltre, sarebbe interessante vedere l’impatto delle azioni di Sylvie. Non è insolito che Netflix prolunghi una storia inizialmente concepita come una serie limitata. Se Hostage continuerà ad avere successo sulla piattaforma di streaming, potremmo sicuramente aspettarci altri episodi.
Una nuova immagine della terza stagione di Trackerrivela il ritorno di Jensen Ackles nei panni di Russell Shaw. Ackles sta portando avanti diversi progetti. L’attore, molto amato dai fan, che ha raggiunto la fama interpretando Dean Winchester in Supernatural, tornerà per la quinta e ultima stagione di The Boys. Reciterà anche nello spin-off di The Boys, Vought Rising, nel ruolo di Soldier Boy, oltre a essere il protagonista dell’action drama Countdown.
Ma oltre al suo lavoro nelle tre diverse serie Prime Video, è stato confermato che Ackles tornerà alla CBS per riprendere il ruolo di Russell Shaw nella terza stagione di Tracker. Nel ruolo del fratello maggiore di Colter Shaw, interpretato da Justin Hartley, Russell dovrà affrontare alcune rivelazioni importanti.
TVLineha rivelato la prima immagine di Ackles nei panni di Russell nella terza stagione di Tracker. Insieme alla foto, inclusa qui sotto, che mostra i fratelli Shaw in piedi insieme, è stato confermato che Ackles apparirà in entrambe le parti della premiere della terza stagione:
Cosa significa questo per la terza stagione di Tracker
Russell, che finora è apparso in due episodi di Tracker, uno per ogni stagione. La sua prossima apparizione, secondo la trama della premiere, sarà incentrata su Russell e Colter che uniscono le forze per aiutare Reenie (Fiona Rene) a ritrovare la moglie e la figlia scomparse di un cliente. Tuttavia, la riunione fraterna li coinvolge in una sinistra operazione clandestina nota come The Process.
La terza stagione di Tracker debutterà domenica 19 ottobre alle 20:00 ET sulla CBS, con il secondo episodio in onda una settimana dopo nella stessa fascia oraria.
Il ritorno di Ackles nella serie crime di successo arriva dopo il finale della seconda stagione di Tracker, che rivela che è stata la madre di Colter, Mary Dove Shaw (Wendy Crewson), a organizzare l’omicidio di suo padre, l’apparentemente paranoico Ashton Shaw (Lee Tergesen). Se questa è tutta la verità, considerando che Colter lo apprende da un killer glorificato, ciò potrebbe cambiare tutto.
Suscita anche ulteriori domande perché, all’inizio della serie, Mary ha cercato di mettere zizzania tra i fratelli Shaw. C’è poi la questione più ampia del perché lei volesse rovinare il rapporto tra i fratelli, che sono riusciti a ricucire i rapporti, e perché volesse la morte del marito.
Divisa tra cinema e televisione, l’attrice Kelly Reilly ha negli anni costruito la propria carriera recitando in alcuni celebri titoli, dando prova di versatilità e carisma. Attualmente impegnata sul piccolo schermo, la Reilly è oggi apprezzata per il suo ruolo di Beth Dutton nella serie Yellowstone, grazie alla quale ha ottenuto nuova popolarità.
Ecco 10 cose che non sai su Kelly Reilly.
Kelly Reilly: i suoi film e le serie TV
10. Ha recitato in celebri lungometraggi. L’attrice esordisce sul grande schermo con il film Maybe Baby (2000), con Hugh Laurie, per poi recitare in titoli come The Libertine (2004), con Johnny Depp, Orgoglio e pregiudizio (2005), con Keira Knightley e Matthew Macfadyen,Bambole russe (2005), Lady Henderson presenta (2005), Me and Orson Welles (2008), Sherlock Holmes (2009), con Robert Downey Jr., Ti presento un amico (2010), con Raoul Bova, Sherlock Holmes – Gioco di ombre (2011), Flight (2012), Rompicapo a New York (2013), Calvario (2014), e Bastille Day – Il colpo del secolo (2016), con Idris Elba. Negli anni successivi prende parte a Eli (2019) e soprattutto a Eden(2024) di Ron Howard, presentato al Toronto International Film Festival e al Torino Film Festival. Nel 2025 sarà tra i protagonisti di Promised Land, un thriller politico ambientato a Washington, confermando la sua presenza anche in produzioni di respiro internazionale.
9. Ha preso parte a produzioni televisive. Nel corso della sua carriera sono molti i titoli televisivi a cui l’attrice ha preso parte, ma tra i più significativi si annoverano le serie Above Suspicion (2009-2012), Black Box (2014) e True Detective (2015), dove ha recitato nella seconda stagione nel ruolo di Jordan Semyon accanto a Colin Farrell e Vince Vaughn. Successivamente recita in Britannia (2017-2018), mentre dal 2018 interpreta Beth Dutton in Yellowstone, accanto a Kevin Costner, ruolo che le ha regalato popolarità internazionale e numerose candidature ai premi televisivi. Nel 2023 è stata annunciata la sua partecipazione allo spin-off Yellowstone: 2024, che proseguirà la saga dei Dutton, consolidando ulteriormente il suo legame con l’universo creato da Taylor Sheridan.
8. Ha prodotto una serie TV. In un’occasione la Reilly ha ricoperto anche il ruolo di produttrice per una serie di cui è stata protagonista. Si tratta di Black Box, dove l’attrice interpreta la neuroscienziata Catherine Black, una donna affetta da disturbi neurologici e costretta a nascondere numerosi segreti. Composta di soli 13 episodi, la serie è andata in onda nel 2014. Da allora la Reilly si è concentrata soprattutto sulla carriera d’attrice, ma il suo impegno dietro le quinte in Black Box resta un segnale della sua versatilità e capacità di spaziare anche nel campo produttivo.
Kelly Reilly è su Instagram
7. Ha un account personale. L’attrice è presente sul social network Instagram con un profilo seguito da 78,3 mila persone. All’interno di questo la Reilly è solita condividere fotografie scattate durante i set a cui prende parte, come anche immagini promozionali dei suoi progetti recenti o imminenti. Non mancano ovviamente anche foto ritraenti momenti di svago o curiosità a lei legate.
Kelly Reilly in Flight
6. Ha ottenuto il ruolo grazie ad un provino molto convincente. Protagonista femminile del film Flight, dove ha una relazione con il personaggio interpretato da Denzel Washington, la Reilly fu scelta dopo che ebbe inviato un video provino alla direttrice del casting. Questa rimase particolarmente sorpresa dalla capacità della Reilly di rendere umano un personaggio tossicodipendente, e dopo averla mostrata al regista, questi la confermò per il ruolo.
Kelly Reilly in True Detective
5. Aveva sostenuto il provino per un altro ruolo. Per la seconda stagione della serie antologica True Detective, l’attrice aveva inizialmente sostenuto il provino per il personaggio della detective Antigone Bezzerides, andato poi all’attrice Rachel McAdams. Colpiti dalla performance della Reilly, però, i produttori decisero di assegnarle il ruolo di Jordan Semyon, rientrate sempre tra i personaggi principali della stagione.
Kelly Reilly in Britannia
4. Ha interpretato una guerriera. Nella prima stagione della serie Britannia, ambientata nel 43 d.C., durante la guerra tra l’esercito romano e i guerrieri della Britannia, l’attrice ha dato vita al personaggio di Kerra, figlia del re e disposta a guidare il proprio popolo in battaglia pur di salvare la propria terra.
3. Le ha permesso di sperimentare cose nuove. Assumere i panni della guerriera Kerra, ha permesso all’attrice, come da lei dichiarato, di cimentarsi in cose nuove, che mai prima nella sua carriera aveva avuto modo di fare. Tra questi vi sono i sanguinosi combattimenti, come anche la possibilità di recitare in lingue diverse da quella che le è propria.
Kelly Reilly in Yellowstone
2. Era attratta dalla forza del suo personaggio. Nell’assumere il ruolo di Beth Dutton, figlia del protagonista, la Reilly si è dichiarata particolarmente entusiasta nel poter dar vita ad un personaggio femminile caratterialmente così forte, come se ne vedono pochi. Tra i principali elementi che rendono Beth particolarmente predominante nel confronto con gli altri protagonisti vi è la sua acuta intelligenza.
Kelly Reilly: età e altezza
1. Kelly Reilly è nata a Surrey, in Inghilterra, il 18 luglio 1977. L’attrice è alta complessivamente 168 centimetri.
Ascesa e caduta di un matrimonio perfetto
Un adattamento per il 2025
