I film horror sono tra i generi più longevi e affascinanti della storia del cinema. Fin dalle origini, quando Georges Méliès portò il soprannaturale sul grande schermo con i suoi esperimenti pionieristici, il pubblico ha imparato ad amare la paura come forma d’arte.Negli anni Venti e Trenta, il cinema espressionista tedesco ha definito l’immaginario del genere, con opere come Il gabinetto del dottor Caligari di Robert Wiene e Nosferatu il vampiro di F.W. Murnau, gettando le basi per tutto l’horror successivo.

Da allora, il genere ha attraversato epoche, mode e linguaggi: dagli iconici mostri della Universal agli slasher degli anni Ottanta, fino agli horror psicologici e ai nuovi incubi digitali del cinema contemporaneo.In questo approfondimento, ripercorriamo i film horror da vedere assolutamente, dai classici che hanno fatto la storia ai titoli più recenti che continuano a ridefinire il modo di spaventare – e affascinare – gli spettatori.

• INDICE
  • Film horror da vedere assolutamente
  • Film horror 2025: le uscite recenti
  • Film Horror più spaventosi da vedere
  • Film horror da vedere su Netflix
  • Migliori film horror di sempre

Film horror da vedere assolutamente: i classici che hanno fatto la storia del genere

Nel corso della storia del cinema, l’horror è stato spesso associato ai b-movie e ai bassi budget, ma ha saputo trasformare i suoi limiti in libertà creativa. Dalle pellicole indipendenti di culto ai capolavori d’autore, ecco i film horror da vedere assolutamente, quelli che hanno definito il linguaggio del genere e continuano a influenzare registi di ogni epoca.

Halloween – John Carpenter, 1978

Il capolavoro che ha ridefinito il concetto di paura suburbana. La notte di Halloween 1963 con Jamie Lee Curtis, il piccolo Michael Myers uccide la sorella e quindici anni dopo torna a colpire. Con un budget ridotto e un tema musicale entrato nella storia, Carpenter crea il prototipo dello slasher moderno, dove la tensione psicologica sostituisce gli effetti speciali.

La casa – Sam Raimi, 1981

Un gruppo di ragazzi scopre un libro maledetto in una capanna isolata. Da lì inizia l’incubo. La casa è un mix di artigianato, ironia e orrore puro, realizzato con appena 90 mila dollari e diventato un cult del cinema indipendente. Il film lanciò la carriera di Raimi e ispirò generazioni di registi.

Ring (Ringu) – Hideo Nakata, 1998

Il film giapponese che ha rivoluzionato l’horror orientale e dato origine a decine di remake. Una videocassetta maledetta, una telefonata, e sette giorni di tempo prima della morte. Ringu unisce folclore e tecnologia in una delle storie più inquietanti mai raccontate.

Nightmare – Dal profondo della notte – Wes Craven, 1984

Freddy Krueger entra nei sogni e trasforma l’inconscio in campo di battaglia. Con questo film, Craven crea una delle icone più riconoscibili dell’horror moderno, rendendo il sonno stesso un pericolo mortale.

Paranormal Activity – Oren Peli, 2007

Girato con micro-budget e telecamere fisse, è il film che ha rilanciato il found footage. Una giovane coppia filma la propria casa infestata e scopre lentamente l’orrore. Il successo al box office fu enorme, e il film divenne un fenomeno globale.

Saw – L’enigmista – James Wan, 2004

Due uomini si risvegliano incatenati in un bagno e scoprono di essere parte di un gioco letale. Saw unisce thriller psicologico e body horror in un meccanismo narrativo crudele e ipnotico, dando origine a una saga di culto e al sottogenere del torture porn.

Non sempre l’orrore nasce dal sangue o dal soprannaturale. Alcuni dei film più inquietanti della storia del cinema preferiscono scavare nella mente umana, giocando con l’ambiguità, la follia e l’invisibile. Sono opere che uniscono thriller, dramma e mistero, e che dimostrano come la paura più autentica possa nascondersi dietro la normalità.

Psycho – Alfred Hitchcock, 1960

Il maestro del brivido firma uno dei film più influenti di sempre. Psycho trasforma un semplice motel di provincia nel palcoscenico della paranoia e del doppio. Marion Crane fugge con una somma di denaro rubata, ma l’incontro con Norman Bates, proprietario apparentemente gentile e ossessionato dalla madre, la condurrà verso un destino spietato. Il celebre urlo sotto la doccia rimane una delle sequenze più iconiche del cinema mondiale.

Shining – Stanley Kubrick, 1980

Tratto dal romanzo di Stephen King, Shining è considerato da molti il miglior film horror di tutti i tempi. Jack Torrance, scrittore in crisi, accetta di sorvegliare un hotel isolato con la sua famiglia durante l’inverno. Ma la solitudine, la follia e le presenze che infestano l’albergo trasformeranno il soggiorno in un incubo. L’interpretazione di Jack Nicholson e l’uso visionario dello spazio e del suono fanno di Shining un capolavoro senza tempo.

The Others – Alejandro Amenábar, 2001

Un horror raffinato e inquietante che mescola thriller psicologico e gotico soprannaturale. Nicole Kidman interpreta Grace, madre iperprotettiva di due bambini sensibili alla luce, in una grande casa isolata nella campagna inglese. Quando iniziano a verificarsi strani fenomeni, la linea tra vivi e morti si fa sempre più sottile. The Others sorprende per la sua atmosfera elegante e per un colpo di scena entrato nella storia del genere.

Profondo rosso – Dario Argento, 1975

Un pilastro del giallo-horror italiano. Dopo l’omicidio di una medium, un pianista si ritrova coinvolto in un intrigo di morte e mistero. Argento costruisce un film dallo stile visivo inconfondibile, dove la musica dei Goblin, i colori saturi e i movimenti di macchina creano un’esperienza sensoriale di pura tensione.

Rosemary’s Baby – Roman Polanski, 1968

Tra paranoia e satanismo, Polanski realizza uno dei film più disturbanti del cinema moderno. Rosemary, giovane moglie in attesa di un figlio, inizia a sospettare che il suo vicinato e persino suo marito facciano parte di una setta diabolica. Rosemary’s Baby è un capolavoro di horror psicologico e critica sociale, che riflette le paure dell’America borghese e il controllo sul corpo femminile.

Film horror 2025: le uscite recenti da brivido e da non perdere

Il 2025 conferma la vitalità del cinema horror internazionale, capace di reinventarsi tra grandi saghe, nuove registe emergenti e produzioni indipendenti dal forte impatto visivo. Dai ritorni più attesi ai film rivelazione dei festival, ecco i film horror recenti da vedere nel 2025.

Weapons – Zach Cregger

Dopo il successo di Barbarian, Zach Cregger torna con un horror corale ambientato in una piccola cittadina americana, dove una serie di eventi apparentemente scollegati convergono in un finale disturbante. Tra tensione psicologica e violenza visiva, Weapons riflette sul rapporto tra paura collettiva e cultura delle armi negli Stati Uniti.

The Conjuring – Il rito finale – Michael Chaves

Capitolo conclusivo della celebre saga horror prodotta da James Wan. I coniugi Warren affrontano il caso più oscuro della loro carriera, tra possessioni, eresie e segreti vaticani. The Conjuring – Il rito finale promette un finale epico e terrificante per una delle serie più amate dagli appassionati, con Patrick Wilson e Vera Farmiga ancora protagonisti.

Smile 2 – Parker Finn

Sequel del successo del 2022, Smile 2 amplia l’universo del primo capitolo e sposta l’orrore dietro le quinte del mondo dello spettacolo. Naomi Scott interpreta una popstar perseguitata dalla stessa maledizione psicologica che aveva terrorizzato milioni di spettatori. Tra trauma e ossessione, il film conferma Parker Finn come una delle nuove voci più promettenti del genere.

The First Omen – Arkasha Stevenson

Prequel del cult Il presagio (1976), racconta la nascita dell’Anticristo attraverso lo sguardo di una giovane suora americana trasferita a Roma. Con The First Omen, la regista Arkasha Stevenson realizza un horror elegante e viscerale, che fonde religione, corpo e potere con un approccio da cinema d’autore.

Immaculate – Michael Mohan

Sydney Sweeney interpreta una suora americana che si trasferisce in un convento isolato nelle campagne italiane, dove scopre un oscuro segreto. Immaculate gioca con i codici dell’horror religioso e la fisicità del corpo femminile, mescolando erotismo e blasfemia in un racconto teso e claustrofobico.

Longlegs – Osgood Perkins

Interpretato da Nicolas Cage, è uno dei film più discussi dell’anno. Longlegs racconta la caccia a un serial killer misterioso che sembra agire secondo un disegno satanico. Il film combina l’estetica anni ’90 di Seven con il terrore metafisico di Hereditary, in un crescendo di inquietudine quasi insostenibile.

Heretic – Scott Beck e Bryan Woods

Dai creatori di A Quiet Place, un horror psicologico ambientato in una casa sperduta dove due giovani missionarie vengono intrappolate da un misterioso predicatore. Atmosfera minimale, ritmo crescente e un’interpretazione intensa di Hugh Grant, qui in un ruolo totalmente inedito e disturbante.

Film Horror più spaventosi da vedere

Negli ultimi anni l’horror ha vissuto una vera e propria rinascita. I registi contemporanei hanno abbandonato i semplici jump scare per concentrarsi su paure più sottili e profonde: il trauma, la perdita, la solitudine, l’identità. L’orrore moderno è diventato emozionale e sensoriale, capace di inquietare lo spettatore anche dopo i titoli di coda. Ecco una selezione dei film horror più spaventosi da vedere, dove tensione, estetica e significato si fondono in esperienze cinematografiche uniche.

I Saw the TV Glow – Jane Schoenbrun, 2024

Prodotto da Emma Stone e Dave McCary, il film racconta l’amicizia tra due adolescenti che condividono la passione per una serie TV. Quando lo show viene cancellato, la loro realtà inizia a confondersi con la finzione. Un horror psicologico e queer che parla di identità e alienazione, con una malinconia che lascia il segno.

Talk to Me – Danny e Michael Philippou, 2023

Il fenomeno horror della A24. Un gruppo di ragazzi scopre un modo per evocare gli spiriti usando una mano imbalsamata, ma il gioco sfugge rapidamente al controllo. Talk to Me combina l’energia del teen horror con la tragedia del lutto, diventando uno dei film più terrificanti e originali degli ultimi anni.

Infinity Pool – Brandon Cronenberg, 2023

Figlio d’arte e visionario, Brandon Cronenberg firma un incubo sul privilegio e la decadenza morale. In un resort tropicale, uno scrittore e la moglie scoprono un sistema inquietante che permette ai ricchi di eludere la punizione. Infinity Pool è un viaggio disturbante nel corpo e nella colpa.

Birth/Rebirth – Laura Moss, 2023

Un horror femminile, clinico e disturbante. Una dottoressa e un’infermiera si confrontano con il confine tra vita e morte, maternità e ossessione scientifica. Birth/Rebirth rilegge il mito di Frankenstein in chiave contemporanea, con toni cupi e riflessioni etiche pungenti.

X – A Sexy Horror Story – Ti West, 2022

Texas, 1979. Una troupe di giovani cineasti si reca in una fattoria isolata per girare un film per adulti, ma i proprietari si rivelano spietati assassini. X: A Sexy Horror Story è un omaggio al cinema grindhouse e ai classici degli anni ’70, con una fotografia densa e un ritmo da cult istantaneo.

Candyman – Nia DaCosta, 2021

Rivisitazione intelligente del classico del 1992. Un artista in crisi risveglia accidentalmente la leggenda di Candyman, spirito vendicatore delle ingiustizie razziali. Prodotto da Jordan Peele, il film unisce impegno politico e terrore urbano.

Ultima notte a Soho – Edgar Wright, 2021

Un viaggio allucinato nella Londra anni ’60, tra moda, musica e incubo. Una giovane studentessa di design scopre che il suo idolo del passato nasconde un terribile segreto. Ultima notte a Soho è un horror elegante e malinconico, con un uso magistrale della colonna sonora.

L’uomo nel buio – Man in the Dark – Rodo Sayagues, 2021

Un veterano cieco vive isolato nei boschi con una ragazzina. Quando un gruppo di criminali la rapisce, lui scatena tutta la sua violenza. Man in the Dark è un home invasion teso e spietato, dove vittima e carnefice si scambiano continuamente ruolo.

Antlers – Spirito insaziabile – Scott Cooper, 2021

Prodotto da Guillermo del Toro, fonde horror e leggenda nativa americana. In una cittadina dell’Oregon, un bambino nasconde un terribile segreto che divora tutto ciò che ama. L’atmosfera fredda e la regia sobria lo rendono un piccolo gioiello di tensione visiva.

A Quiet Place – Un posto tranquillo – John Krasinski, 2018

Un mondo ridotto al silenzio. Una famiglia deve sopravvivere senza emettere suoni per non attirare creature letali. A Quiet Place è un horror minimalista ma potentissimo, dove il silenzio diventa l’elemento più spaventoso.

Hereditary – Le radici del male – Ari Aster, 2018

Forse il film più inquietante dell’ultimo decennio. Dopo la morte della nonna, una famiglia scopre segreti occulti e un destino di dannazione. Hereditary – Le radici del male mescola tragedia familiare e orrore esoterico in un crescendo devastante. Toni Collette offre una delle interpretazioni più intense mai viste in un horror.

• Smile (2022) – Una psicologa affronta un’entità che si manifesta con un sorriso agghiacciante. Tra trauma e possessione, uno degli horror più incisivi degli ultimi anni.
• Hush – Il terrore del silenzio (2016) – Una scrittrice sorda viene perseguitata nella sua casa isolata. Minimalista e claustrofobico, diretto da Mike Flanagan.
• The Babadook (2014) – Il dolore della perdita si trasforma in mostro. Una parabola sull’elaborazione del lutto, inquietante e profonda.
• Sinister (2012) – Ethan Hawke scopre inquietanti Super 8 che nascondono rituali satanici. Uno degli horror più spaventosi secondo gli studi scientifici sulla paura.
• Insidious (2010) – James Wan firma un viaggio nell’aldilà con atmosfere oniriche e terrore crescente.
• Extraterrestrial (2014) – Di Colin Minihan, un gruppo di ragazzi si imbatte in un’invasione aliena in una notte senza scampo.
• Annabelle 2: Creation (2017) – Il prequel più efficace del franchise The Conjuring, ambientato in un orfanotrofio infestato da una bambola demoniaca.
• Drag Me to Hell (2009) – Sam Raimi torna alle origini con un horror grottesco, cattivo e ironico.
• The Messagger – The Haunting in Connecticut (2009) – Un classico moderno sulle case infestate, ispirato a una storia vera.

• La notte dei morti viventi (film 1968)  Il capolavoro di George A. Romero. La notte dei morti viventi è un film del 1968 diretto, scritto, fotografato, montato e musicato da George A. Romero e interpretato da Duane Jones, Judith O’Dea e Karl Hardma
• The Witch (2015) Opera prima di uno dei migliori talenti emergenti Robert Eggers. Nel 1630, in Inghilterra, una famiglia di contadini accusa la giovane figlia di stregoneria quando il figlio più piccolo scompare misteriosamente.
• Le streghe di Salem (2012) Di Rob Zombie. Dopo aver suonato un disco del gruppo ‘The Lords’, un DJ di una radio è tormentato da alcune visioni da incubo con streghe come protagoniste.
• It Follows (2014) Uno dei film rivelazione degli ultimi anni. Diretto da David Robert Mitchell. In seguito a un incontro sessuale, un’adolescente è tormentata da visioni terrificanti e si convince di essere perseguitata da una presenza malefica.
• Martyr diretto da Mazen Khaled – La tragica morte di un giovane al mare di Beirut fa sì che i suoi amici siano alle prese con la perdita e partecipino ai riti e alle cerimonie della sua comunità, smascherando gli scismi della città e le linee di frattura della sua società.
• The Descent – Discesa nelle tenebre (2005) Diretto da Neil Marshall.Alcune ragazze esplorando una grotta rimangono intrappolate all’interno e devono fuggire da oscure creature.
• The Orphanage è un film del 2007 diretto da Juan Antonio Bayona, vincitore di sei premi Goya, su quattordici candidature. Il film è stato presentato come Proiezione Molto Speciale alla 46º edizione della Semaine de la Critique all’interno del Festival di Cannes 2007.
• Carrie – Lo sguardo di Satana (1976) diretto dal regista Brian De Palma. Tormentata da una madre nevrotica e tirannica, Carrie affrona una difficile adolescenza. Inoltre la ragazza è oggetto di scherno delle sue compagne di scuola, fino a quando scopre di possedere dei poteri soprannaturali.
• 28 giorni dopo. Un potente virus che trasforma le persone in assassini fuoriesce da un laboratorio di ricerca inglese. In 28 giorni l’epidemia dilaga e i sopravvissuti si riuniscono per fuggire dalla città.
• The Ring (2002). Quattro adolescenti muoiono in circostanze misteriose, esattamente una settimana dopo aver guardato una videocassetta contenente immagini terrificanti. Una giornalista coraggiosa decide di scoprire la verità che si nasconde dietro questa serie di omicidi spaventosi ed è disposta a mettere a rischio anche la propria vita.
• Alien (1979). Dei marines devono scoprire perché la colonia del pianeta Archeron abbia misteriosamente interrotto i contatti con la base. Una volta atterrati, si trovano ad affrontare una creatura mostruosa che si prepara a sferrare l’attacco decisivo.
• Omen – Il presagio (2006). In seguito alla morte del figlio, il diplomatico Robert Thorn e sua moglie decidono di adottare un bambino. Dal quel momento una serie di sinistri eventi sovrannaturali cominciano a funestare la vita della coppia.
• Il giorno degli zombie (1985). Alcuni anni dopo il dilagare dei morti viventi sulla terra, pochi superstiti si trovano asserragliati in una base militare.
• Il seme della follia (1994). Un detective si mette alla ricerca di un autore di romanzi dell’orrore e, sebbene confuso dalla vicenda che alterna eventi reali e fantastici, lo ritrova in una cittadina che non figura sulle carte geografiche.
• The Blair Witch Project (1999) Cinque amici si avventurano nella foresta delle Black Hills, incuriositi dalla leggenda della strega di Blair. Durante la notte assistono a strani fenomeni e il mattino dopo, al risveglio, trovano la loro attrezzatura elettronica distrutta.
• Il Sesto Senso (1999).  Malcolm è uno psicologo infantile molto stimato e si trova doversi occupare del caso del piccolo Cole, un ragazzino di nove anni, ossessionato da spaventose apparizioni di spiriti.
• Hostel (2005) Hostel è un film di genere horror del 2005, diretto da Eli Roth, con Jay Hernandez e Derek Richardson. Uscita al cinema il 24 febbraio 2006. Durata 90 minuti. Distribuito da Sony Pictures Releasing Italia,.
• Annabelle (2014) I membri di una setta satanica assaltano la casa di una pacifica coppia, John e Mia, e, invocando un demone, trasformano una bambola d’epoca in un oggetto capace di diffondere il male supremo.
• Unsane (2018) di Steven Soderbergh. Costretta dai medici a rimanere ricoverata in un istituto psichiatrico, una donna è convinta che uno dei membri del personale sia l’uomo che la perseguita e fa di tutto per rimanere al sicuro, cercando di uscire dalla clinica.
• Non aprite quella porta (1974) Due fratelli decidono di andare in Texas per visitare la tomba del nonno insieme a tre amici. Sfortunatamente, una volta giunti sul posto, il gruppo si ritrova a dover sfuggire ad una famiglia di psicopatici.
• L’esorcista di William Friedkin (1974). Regan McNeil, una ragazzina di 12 anni, viene posseduta dal demonio. Un giovane prete in crisi di fede, aiutato dal proprio anziano mentore, affronta la presenza demoniaca in un mortale duello.
• Il silenzio degli Innocenti (2001) Uno psicopatico assassino è il terrore di giovani donne formose che aggredisce e scuoia. Solo Hannibal Lecter può aiutare a risolvere il caso, ma è detenuto in cella di isolamento in un manicomio criminale, essendo diventato uno psicopatico cannibale. Una giovane aspirante agente dell’FBI, Clarice Starling, prima ancora di completare il suo addestramento viene incaricata da Crawford di contattare lo psichiatra, per averne lumi intesi ad individuare e fermare il mostro.
• The Visit (2015). Due fratelli, Becca e Tyler, devono passare una settimana nella fattoria dei propri nonni in Pennsylvania, ma presto i ragazzi scoprono che la coppia di anziani è coinvolta in qualcosa di inquietante.
• Orphan (2009) Quando la loro terzogenita Jessica viene alla luce senza vita Kate e John, per superare il trauma, decidono di adottare una bambina russa.
• La mosca di David Cronenberg (1987) Uno scienziato riesce a costruire un avveniristico congegno in grado di teletrasportare la materia, ma commette un errore durante un esperimento e si trasforma lentamente in un disgustoso ibrido tra un umano e una mosca.

Film horror da vedere su Netflix

Netflix continua a essere uno dei punti di riferimento per gli amanti dell’horror. Nel suo catalogo convivono grandi classici e produzioni più recenti, capaci di soddisfare ogni tipo di spettatore: dai cult psicologici ai film sovrannaturali, passando per lo slasher e il thriller paranormale. Ecco i film horror da vedere su Netflix oggi, una selezione che unisce paura, tensione e qualità cinematografica.

Delirium (2018)

Un uomo con disturbi mentali viene rilasciato dagli ospedali psichiatrici e confinato nella villa del padre recentemente scomparso. Ma tra i corridoi della casa si nascondono presenze inquietanti e segreti mai sepolti.

Split (2016)

Dall’autore di The Sixth Sense, M. Night Shyamalan, un thriller psicologico teso e disturbante. James McAvoy interpreta un uomo con ventitré personalità diverse che rapisce tre ragazze. Il film sfocia nell’horror puro e apre la strada al crossover Glass.

The Conjuring 2 – Il caso Enfield (2016)

I coniugi Warren affrontano una nuova indagine paranormale nella Londra degli anni ’70. James Wan firma un sequel impeccabile, con atmosfera gotica e tensione costante.

Gothika (2003)

Halle Berry interpreta una psichiatra che si risveglia come paziente del manicomio dove lavorava, accusata di omicidio. Un mystery-horror che gioca sul tema della mente e della colpa.

1922 (2017)

Adattamento da Stephen King: un contadino confessa l’omicidio della moglie, ma la sua colpa lo perseguita in modi sempre più spettrali. Un horror rurale, cupo e psicologico.

Lo squalo (Jaws, 1975)

Il capolavoro di Steven Spielberg che ha terrorizzato generazioni. L’orrore nasce dal mare e dalla tensione dell’attesa. Un classico senza tempo.

Il rituale (The Ritual, 2017)

Quattro amici si inoltrano nei boschi svedesi per un’escursione commemorativa, ma si imbattono in un antico male nordico. Un horror mitologico e atmosferico da non perdere.

IT – Capitolo 1 e 2 (2017–2019)

L’adattamento più riuscito del romanzo di Stephen King. Il clown Pennywise torna a Derry per terrorizzare una nuova generazione. Due film intensi e visivamente grandiosi.

Scappa – Get Out (2017)

Il film che ha reinventato l’horror sociale. Jordan Peele costruisce una satira inquietante sul razzismo contemporaneo, tra tensione psicologica e momenti da brivido.

Annabelle 3 (2019)

La bambola più famosa del cinema horror torna a seminare terrore nella casa dei Warren. Un episodio carico di tensione e citazioni, perfetto per i fan del franchise The Conjuring.

Dottor Sleep (2019)

Il sequel di Shining diretto da Mike Flanagan. Ewan McGregor interpreta Danny Torrance adulto, ancora perseguitato dagli spettri dell’Overlook Hotel. Un horror malinconico e visivamente maestoso.

La redenzione – The Delivery Man (2023)

Un thriller-horror psicologico che racconta la redenzione impossibile di un uomo tormentato dai sensi di colpa. Crudo, realistico e sorprendentemente emotivo.

Malevolent (2018)

Due fratelli truffatori fingono di indagare su case infestate, ma durante un lavoro scoprono che gli spiriti sono reali. Una ghost story britannica dal ritmo crescente.

Apostolo (Apostle, 2018)

Diretto da Gareth Evans (The Raid), è un horror storico e rituale ambientato su un’isola isolata. Religione, violenza e fanatismo si fondono in un incubo visivo.

Non aprite quella porta (The Texas Chainsaw Massacre, 1974)

Il cult di Tobe Hooper che ha ridefinito il genere. Leatherface e la sua famiglia di cannibali rimangono tra le immagini più disturbanti della storia del cinema.

Nightmare – Dal profondo della notte (1984)

Freddy Krueger perseguita gli adolescenti nei loro sogni. L’idea di Wes Craven rimane una delle più geniali e terrificanti mai portate sul grande schermo.

Annabelle (2014)

Il primo film dedicato alla bambola maledetta. Una coppia scopre che l’oggetto ereditato dalla loro casa è infestato da una forza demoniaca. Tensione crescente e atmosfere gotiche.

So cosa hai fatto (I Know What You Did Last Summer, 1997)

Slasher anni ’90 per eccellenza: un gruppo di amici è perseguitato da un misterioso assassino dopo un incidente stradale. Tra i classici del post-Scream.

Saw – L’enigmista (2004)

Due uomini intrappolati in una stanza devono affrontare una serie di prove mortali imposte da un serial killer. Il film che ha reinventato l’horror sadico e psicologico.

Veronica (2017)

Dal regista di REC, Paco Plaza. Una seduta spiritica in una Madrid afosa si trasforma in un incubo paranormale. Tra i film più inquietanti del catalogo Netflix.

Insidious (2010) e Insidious 2 (2013)

James Wan costruisce una saga di terrore sull’aldilà e le dimensioni parallele. Due capitoli che uniscono jump scare, tensione e dramma familiare con grande efficacia.

Creep (2014)

Un filmmaker risponde a un annuncio online e si trova intrappolato in un gioco perverso. Un found footage minimalista e disturbante che sfrutta l’imbarazzo e la tensione quotidiana come vere armi di paura.

Horror su Netflix: dove la paura è sempre accesa

Che si tratti di case infestate, serial killer o incubi psicologici, Netflix offre una panoramica completa dell’horror di ieri e di oggi. Tra i grandi classici e i nuovi originali, è la piattaforma ideale per esplorare le mille forme della paura — senza mai sapere davvero cosa ti aspetta al prossimo play.

Migliori film horror di sempre

Dalle ombre del cinema muto ai capolavori moderni firmati da registi come Kubrick, Polanski e Ari Aster, il genere horror ha attraversato oltre un secolo di evoluzione senza mai perdere la capacità di spaventare e affascinare. Al centro, un’unica grande verità: la paura riflette il tempo in cui nasce. Ecco dunque una selezione dei migliori film horror di sempre, quelli che hanno definito la storia del genere e continuano a influenzare il cinema contemporaneo.

L’esorcista – William Friedkin, 1973

L’archetipo dell’horror moderno. La possessione della giovane Regan e il drammatico esorcismo affrontato da due sacerdoti restano tra le immagini più forti mai viste al cinema. Un film che parla di fede, colpa e male assoluto, con una messa in scena di potenza ineguagliata.

Psycho – Alfred Hitchcock, 1960

Con il suo montaggio e la celebre scena della doccia, Hitchcock rivoluziona per sempre il linguaggio del cinema. Psycho è la nascita dell’horror psicologico e del thriller moderno: la paura dell’altro che si nasconde dentro di noi.

Shining – Stanley Kubrick, 1980

Isolamento, follia e visioni sovrannaturali: Kubrick trasforma il romanzo di Stephen King in una sinfonia visiva dell’orrore. Jack Nicholson è leggendario in una delle performance più disturbanti della storia del cinema.

Rosemary’s Baby – Roman Polanski, 1968

Un incubo urbano in cui paranoia e maternità si intrecciano. Polanski svela il lato oscuro dell’America borghese, costruendo una tensione crescente senza mai mostrare esplicitamente l’orrore.

Halloween – John Carpenter, 1978

Michael Myers e il suo respiro metallico segnano la nascita dello slasher contemporaneo. Carpenter dimostra come la tensione possa essere creata con semplicità, ritmo e una colonna sonora iconica.

Profondo Rosso – Dario Argento, 1975

Capolavoro del giallo italiano e simbolo dell’horror d’autore. Musica dei Goblin, colori accesi e omicidi coreografici: un’esperienza sensoriale che ha fatto scuola in tutto il mondo.

The Texas Chainsaw Massacre – Tobe Hooper, 1974

Realismo documentaristico e violenza viscerale. Non aprite quella porta è un pugno nello stomaco che ha ridefinito il concetto di terrore. La figura di Leatherface è ormai leggenda.

The Blair Witch Project – Daniel Myrick e Eduardo Sánchez, 1999

Il film che ha cambiato il modo di raccontare la paura. Girato con pochi mezzi e grande ingegno, ha inaugurato il filone del found footage, terrorizzando il pubblico senza mostrare quasi nulla.

Hereditary – Le radici del male – Ari Aster, 2018

L’erede spirituale dei grandi classici. Hereditary unisce dramma familiare e orrore occulto in un crescendo psicologico devastante. Toni Collette è da antologia.

The Descent – Discesa nelle tenebre – Neil Marshall, 2005

Claustrofobico, feroce e pieno di adrenalina. Un gruppo di donne intrappolate in una grotta si trova faccia a faccia con un orrore primitivo. Potente metafora della paura del buio e dell’ignoto.

The Ring – Gore Verbinski, 2002

Remake americano del giapponese Ringu, il film che ha rilanciato l’horror orientale in Occidente. L’immagine del pozzo e della videocassetta maledetta è entrata nell’immaginario collettivo.

Nightmare – Dal profondo della notte – Wes Craven, 1984

Freddy Krueger, l’assassino che uccide nei sogni, è una delle icone più inquietanti del cinema pop. Un mix perfetto di fantasia, ironia e pura paura.

I capolavori che hanno fatto la storia

Da Nosferatu il vampiro (1922) di Murnau a Il gabinetto del dottor Caligari (1920), passando per Frankenstein (1931) e L’isola del dottor Moreau (1932), i primi decenni del Novecento hanno gettato le basi dell’immaginario horror. Ogni epoca ha poi avuto i suoi maestri: Hitchcock, Carpenter, Argento, Friedkin, Kubrick, Aster. Tutti diversi, ma uniti dallo stesso scopo: trasformare la paura in arte.

Conclusione: la paura come specchio del nostro tempo

Dai cult del passato ai nuovi maestri dell’orrore, il cinema horror continua a evolversi, riflettendo le paure, le ansie e le contraddizioni di ogni epoca. Che si tratti di demoni interiori, case infestate o mostri simbolici, ogni film nasconde qualcosa di più profondo: la paura di ciò che non comprendiamo, ma che riconosciamo dentro di noi.

Guardare un horror, ieri come oggi, significa affrontare il buio — sullo schermo e nella mente. Ed è forse proprio per questo che, più di ogni altro genere, l’horror rimane vivo, necessario, irresistibilmente umano.

Se amate la tensione e l’adrenalina del genere, scoprite anche il nostro approfondimento sui film thriller da vedere: suspense, misteri e grandi classici imperdibili.

Nel 1993 le Sorelle Sanderson cambiarono per sempre l’intrattenimento di Halloween e, con la rinnovata popolarità di Hocus Pocus su Disney+, cogliamo ora l’occasione per raccontarvi alcune curiosità sul film che ha dato inizio a un vero e proprio franchise, con un sequel nel 2022 e un terzo capitolo in lavorazione.

La trama di Hocus Pocus (1993)

Nel 1693 a Salem, le streghe Sanderson rapiscono la piccola Emily Binx per succhiarle la linfa vitale. Il fratello Thackery tenta di salvarla ma viene trasformato in un gatto nero immortale. Impiccate dagli abitanti, le streghe lanciano una maledizione: un vergine che accende la Candela dalla Fiamma Nera può riportarle in vita. Trecento anni dopo, Max, sua sorella Dani e l’amica Allison risvegliano le streghe. Inseguimenti e inganni seguono, con l’aiuto del gatto Binx e dello zombie Billy. Max si sacrifica, e all’alba le streghe muoiono, Binx viene liberato e i ragazzi tornano al sicuro.

La curiosità su Hocus Pocus (1993)

• Durante una proiezione per il ventesimo anniversario di questo film, Doug Jones ha rivelato che le falene che gli escono dalla bocca alla fine sono reali, non frutto di CGI. In un’intervista del 2018 con Bloody Disgusting, il truccatore ed effetti speciali Tony Gardner ha affermato che l’attore indossava un “mouth rig”, una tasca di lattice attaccata alla dentiera che bloccava la gola di Jones per far uscire le falene. “C’era un piccolo foro nella parte posteriore della tasca in modo che Doug potesse tossire un po’ d’aria attraverso di essa… Un addetto alla manutenzione degli animali infilava diverse falene nella tasca con delle pinzette, poi i punti venivano incollati e noi facevamo uscire l’inquadratura in modo che potessero arrivare alla ripresa il più velocemente possibile”, ha detto Gardner.
• Sarah Jessica Parker ha affermato di aver trovato l’imbracatura della scopa volante così comoda che, invece di essere calata a terra durante le lunghe pause tra una ripresa e l’altra, si portava addosso una copia del New York Times per leggerla mentre rimaneva sospesa in aria.
• Il ruolo di Max Dennison fu inizialmente offerto a Leonardo DiCaprio. Lui rifiutò per apparire in Buon compleanno Mr. Grape (1993).
• Durante un’intervista del 10 febbraio 2008 al programma della BBC “Breakfast”, Bette Midler dichiarò che questo era il suo film preferito tra tutti. Il suo altro ruolo cinematografico preferito, secondo la sua autobiografia “Bette Midler: Still Divine”, era quello di doppiare la barboncino Georgette in Oliver & Company (1988).
• La città di Salem, Massachusetts, ha utilizzato il film come tema per la parata di apertura degli Haunted Happenings del 2018, in concomitanza con il 25° anniversario del film. L’ufficio locale del National Parks Service ha realizzato una bambola di Winifred vestita con una delle loro uniformi, mentre la Saltonstall School ha realizzato un carro allegorico ispirato a Thackery.
• Sean Murray ha interpretato la versione umana di Binx, e l’attore Jason Marsden ha doppiato il personaggio, sia nella sua forma umana che in quella felina. Nel 2017, Marsden ha dichiarato al Daily Beast che i produttori hanno doppiato la sua voce sopra quella di Murray perché l’attore suonava “contemporaneo” e pensavano che sarebbe stato più realistico se Binx avesse avuto “un accento ricercato” dello stesso periodo delle streghe.
• Diverse scene compaiono nei vari trailer originali che non sono incluse nella versione ufficiale del film. Tra queste, Mary e Sarah che spingono Winnifred nella piscina della scuola, le streghe circondate da bambini che chiedono “dolcetto o scherzetto” e le streghe che incontrano Billy solo per lamentarsi del suo “odore nauseabondo”, Mary e Winnifred che ispezionano gli armadietti della scuola e Mary che fa uno spuntino in un supermercato solo per essere trascinata fuori da Winifred.
• Il film uscì nel luglio 1993 per sfruttare le vacanze estive dei bambini. Anche evitare la concorrenza con Nightmare Before Christmas (1993), l’altro film di Halloween della Disney di quell’anno, potrebbe aver avuto un ruolo.
• Contrariamente a quanto si dice, la canzone che Sarah Sanderson canta dal cielo non è stata scritta da Edgar Allan Poe, né ha lo stile o la metrica che avrebbe usato. Fu scritta appositamente per il film da Brock Walsh e composta da James Horner. Questa è l’unica musica del film che non è stata composta da John Debney.
• Quando Bette Midler sale sul palco alla festa di Halloween in città, dice “Ciao Salem, mi chiamo Winifred. E tu?“. Questa è una parodia della famosa frase “Ciao a tutti, mi chiamo Rose, e tu?” pronunciata da Madam Rose nel musical “Gypsy”. Midler ha interpretato Madam Rose nella versione televisiva, Gypsy (1993), lo stesso anno in cui è uscito questo film.

Film culto che ha generato un sequel (con un terzo capitolo in arrivo), Hocus Pocus del 1993 è un vero e proprio caso Disney, che, arrivato da noi direttamente in Home Video, ha generato una pletora di fan che ancora oggi adorano le Sorelle Sanderson. Ma quali sono gli snodi più importanti della storia? Eccoli di seguito!

Nel 1693, a Salem, Thackery Binx scopre che la sorellina Emily è stata attirata nel bosco da Sarah Sanderson, una delle tre streghe Sanderson — insieme a Winifred, la leader, e Mary. Nella loro capanna, le tre preparano una pozione magica composta da ingredienti raccapriccianti per succhiare la linfa vitale della bambina e ringiovanire. Thackery tenta di fermarle, ma arriva troppo tardi: Emily muore, e le sorelle recuperano la giovinezza. Come punizione, Winifred trasforma Thackery in un gatto nero immortale, condannandolo a vivere per sempre con il senso di colpa.

Gli abitanti di Salem catturano le streghe e le impiccano, ma prima di morire Winifred lancia una maledizione: se in futuro un vergine accenderà la Candela dalla Fiamma Nera durante la notte di Halloween, loro torneranno in vita.

300 anni dopo

Nel 1993, Salem celebra di nuovo Halloween. Max Dennison, adolescente trasferitosi dalla California, non crede alle leggende locali. Durante una lezione, discute con la compagna Allison, appassionata di storia, che gli spiega il vero significato di Halloween. Più tardi, costretto ad accompagnare la sorellina Dani a fare “dolcetto o scherzetto”, Max incontra di nuovo Allison e, per impressionarla, accetta di visitare con lei la vecchia casa delle sorelle Sanderson, ora chiusa al pubblico dopo strani eventi.

All’interno, Allison mostra loro il libro di incantesimi di Winifred e la Candela dalla Fiamma Nera, realizzata, secondo la leggenda, con la pelle di un impiccato. Nonostante l’avvertimento, Max — scettico — accende la candela, riportando accidentalmente in vita le tre streghe proprio come predetto.

Il ritorno delle Sanderson

Appena tornate, Winifred, Mary e Sarah riscoprono il loro libro e percepiscono la presenza di bambini nelle vicinanze. Tentano subito di catturare Dani per succhiarle la linfa vitale, ma Max interviene. Con l’aiuto di Allison e di un gatto parlante — che si rivela essere Thackery Binx, il fratello di Emily — i tre riescono a fuggire portando via il libro magico. Binx li conduce in un cimitero, terreno sacro dove le streghe non possono entrare, e racconta la sua storia.

Tuttavia, Winifred evoca il suo ex amante Billy Butcherson, resuscitandolo come zombie per recuperare il libro. Il gruppo riesce a scappare attraverso le fogne, mentre le streghe, confuse dalla modernità, vagano per Salem convinte che i bambini mascherati siano veri mostri.

La notte di Halloween

Le sorelle, spaesate dal mondo moderno, credono che un uomo travestito da diavolo sia il loro “Padrone” e lo seguono fino a casa, solo per essere cacciate via dalla moglie infuriata. Intanto Max, Dani, Allison e Binx cercano di avvisare i genitori durante una festa di Halloween al municipio, ma nessuno li prende sul serio.

Winifred, Mary e Sarah si uniscono allo spettacolo e incantano la folla con la canzone I Put a Spell on You, costringendo tutti a ballare senza sosta. I ragazzi riescono a fuggire e attirano le streghe nella scuola locale, dove le chiudono in un forno e le bruciano. Convinti di averle eliminate, tornano a casa.

Il libro degli incantesimi e la trappola finale

Mentre Max e Allison si rilassano, decidono di consultare il libro magico per liberare Thackery dalla maledizione. Appena lo aprono, un fascio di luce s’innalza nel cielo, rivelando alle streghe — ancora vive — la loro posizione. Winifred, Mary e Sarah si lanciano all’inseguimento, rapiscono Dani e Binx e recuperano il libro. Sarah, con la sua voce incantatrice, ipnotizza tutti i bambini di Salem, attirandoli verso la casa delle Sanderson per completare il rituale.

Allison e Max escogitano un piano: usando la luce artificiale dei fari dell’auto, fingono che sia già sorto il sole e spaventano le streghe, liberando Dani e Binx. Ma Winifred, furiosa, prepara un’ultima dose della pozione e decide che sarà proprio Dani la vittima finale.

Lo scontro nel cimitero

Il gruppo fugge di nuovo al cimitero, dove Billy — stanco di servire Winifred — si schiera dalla loro parte. Mentre i bambini si rifugiano dietro un cerchio di sale protettivo, le streghe li inseguono a bordo delle loro scope (o, nel caso di Mary, un aspirapolvere). Durante la battaglia finale, Winifred cattura Max e cerca di succhiargli la linfa vitale dopo che lui, per salvare la sorella, ha bevuto la pozione al suo posto.

Ma Winifred finisce accidentalmente su terra consacrata: il contatto la pietrifica, e il primo raggio del sole la trasforma in polvere insieme alle sorelle Mary e Sarah. La maledizione si spezza: Billy torna nella sua tomba, e Thackery, finalmente libero, muore ma riappare in forma umana per salutare i ragazzi prima di raggiungere la sorellina Emily nell’Aldilà.

Il finale di Hocus Pocus

Con la scomparsa delle Sanderson, Salem torna alla normalità. I genitori dei bambini, liberati dall’incantesimo, lasciano il ballo ignari di quanto accaduto. Max, Dani e Allison osservano l’alba, sollevati per aver sconfitto il male. Tuttavia, nel silenzio della casa delle streghe, il libro di Winifred si riapre lentamente, mostrando un occhio che si muove: un segno inquietante che le sorelle Sanderson potrebbero, un giorno, tornare ancora.

Gli occhi del diavolo (Prey for the Devil) è arrivato nelle sale promettendo di portare una ventata di novità nel sottogenere dei film sugli esorcismi, e ora sta di nuovo destando interesse con il suo arrivo su Prime Video. Pur non rivoluzionando il tema, la pellicola tenta di distinguersi grazie a una protagonista inedita — una suora che pratica esorcismi, ruolo tradizionalmente riservato agli uomini — e a una trama ricca di colpi di scena e rivelazioni finali.

Se dopo la visione il pubblico resta confuso dal finale, questa guida chiarisce tutto ciò che accade nell’ultima parte del film.

Chi è Suor Ann

La protagonista di Gli occhi del diavolo è Suor Ann (Jacqueline Byers), una giovane donna che ha dedicato la propria vita a comprendere le opere del demonio e ad aiutare la Chiesa a salvare le anime perdute. La sua vocazione nasce durante l’adolescenza, segnata da eventi traumatici.

Annie — il suo nome di battesimo — cresce con una madre (Koyna Ruseva) posseduta da un demone, che la maltratta e alla fine si toglie la vita. Rimasta orfana, Annie passa da una famiglia affidataria all’altra fino a un’adolescenza segnata da abusi e solitudine: a quindici anni resta incinta dopo una notte di sesso non protetto e, abbandonata dalla famiglia che la ospita, vive per strada. Viene poi accolta da un convento e decide di farsi suora. Il bambino, però, viene dato in adozione subito dopo la nascita.

Dieci anni dopo, Suor Ann lavora nella Scuola di Esorcismo di Boston, un’istituzione del Vaticano che forma giovani sacerdoti alla lotta contro le forze infernali e ospita persone sospettate di possessione. I “pazienti” vengono rinchiusi in stanze sorvegliate da medici e psichiatri, mentre i preti attendono l’approvazione ufficiale della Chiesa per iniziare gli esorcismi.

Sebbene le suore possano solo assistere i pazienti, Ann si introduce di nascosto nelle lezioni per imparare i riti sacri. Convinta che Dio la chiami a un ruolo più attivo, decide di infrangere le regole per combattere un male che si sta diffondendo sempre più rapidamente.

Il ritorno del demone di Annie

Durante il suo lavoro, Suor Ann comincia a percepire la presenza di demoni nei pazienti. Queste entità evocano i suoi traumi d’infanzia e la costringono a confrontarsi con la morte della madre. La più difficile da gestire è Natalie (Posy Taylor), una bambina di dieci anni posseduta da un demone particolarmente potente.

Col tempo, Ann scopre che lo spirito maligno che tormenta Natalie è lo stesso demone che un tempo aveva posseduto sua madre, e che ora desidera impossessarsi di lei. L’Inferno riconosce in Suor Ann una minaccia e vuole corrompere la sua anima.

Determinata a comprendere il male, Ann formula una teoria secondo cui alcune possessioni avverrebbero perché le vittime, travolte dal senso di colpa, “invitano” i demoni dentro di sé. Per metterla alla prova, partecipa con Padre Dante (Christian Navarro) all’esorcismo della sorella di lui, Emilia (Cora Kirk), posseduta dopo aver abortito in seguito a uno stupro.

Durante l’esorcismo, Ann cerca di convincere Emilia che Dio la ama nonostante la sua scelta, ma la donna, sopraffatta dal rimorso, si suicida il giorno dopo.

Sconvolta, Ann lascia la scuola e torna al convento. Tuttavia, Padre Dante la raggiunge con notizie inquietanti: Natalie è peggiorata, ha ucciso tre persone e il demone gli ha consegnato un crocifisso — lo stesso che Annie aveva lasciato al suo bambino appena nato. Natalie, quindi, è sua figlia.

Rinata spiritualmente e determinata a salvare la bambina, Suor Ann decide di affrontare il demone una volta per tutte.

Duello nel seminterrato

A causa della sua pericolosità, Natalie è rinchiusa nei sotterranei della scuola, un’area antica usata nei secoli passati per imprigionare streghe e indemoniati. Nelle profondità dell’edificio si trova anche una vasca d’acqua santa, un tempo usata per “purificare” i posseduti annegandoli.

Padre Dante aiuta Ann a introdursi di nascosto nell’edificio. Raggiunta la cella, il demone uccide i sacerdoti presenti e si scaglia contro di loro. Per proteggere la bambina, Ann offre il proprio corpo come ricettacolo del male: la creatura lascia Natalie e prende possesso di lei.

Ma la vittoria è solo apparente. Posseduta, Ann tenta di uccidere Dante e la figlia. In un lampo di lucidità, però, rivede nella mente la madre e capisce che il suicidio della donna era stato un atto di sacrificio, non di debolezza: la madre si era tolta la vita per impedire al demone di farle del male.

Ispirata da questo ricordo, Ann trova la forza di ribellarsi all’entità e si getta nella vasca d’acqua santa. L’acqua purifica il suo corpo, brucia il demone e lo distrugge. Mentre lei sta per annegare, Padre Dante la salva e la rianima.

Il male è vinto, e Natalie è finalmente libera, redenta dal sacrificio della madre che non sapeva di avere.

L’Inferno non perdona

Anche se Suor Ann ha sconfitto il demone e salvato sua figlia, sceglie di non rivelarle la verità: per Natalie, lei resterà soltanto una suora gentile che l’ha aiutata.

Per il coraggio dimostrato, Ann ottiene una borsa di studio dal Vaticano per studiare demonologia e diventare la prima donna esorcista dopo sette secoli. Tuttavia, mentre si reca all’aeroporto, rimane bloccata nel traffico e viene attaccata dalle forze dell’Inferno: i demoni possiedono il tassista e una passante, costringendoli a tentare di ucciderla.

Ann afferra il suo crocifisso e si prepara a combattere, lasciando il pubblico con un finale aperto. Non si sa se sopravviverà, ma il messaggio è chiaro: l’Inferno non dimentica e non perdona mai. Se ci sarà un sequel, Suor Ann dovrà continuare la sua battaglia contro le legioni del male, in una guerra che è solo all’inizio.

La commedia è uno dei generi che più identificano il grande cinema italiano, presente sin dagli albori, prima ancora dell’avvento del sonoro. Con l’arrivo del cinema parlato nacque la commedia dei telefoni bianchi, legata alla borghesia e alle ideologie del Ventennio. Da lì si arrivò all’età d’oro della commedia all’italiana, il periodo più iconico e riconosciuto nel mondo, capace di raccontare con ironia i vizi e le virtù di un Paese in trasformazione.

Nel tempo, tra declinazioni demenziali, politiche, sexy o brillanti, la commedia italiana ha saputo reinventarsi, restando uno dei generi più amati dal pubblico. Di seguito una panoramica dei migliori film comici italiani, dai grandi classici fino ai titoli più recenti che raccontano l’Italia di oggi con ironia e umanità.

• INDICE
  • Commedie italiane 2025
  • Commedie italiane 2024
  • Commedie italiane 2023
  • Commedie italiane 2020–2022
  • Commedie italiane recenti e di successo (2010–2019)
  • Altre commedie italiane recenti
  • Commedie italiane diventate veri classici
  • Le migliori commedie all’italiana
  • Commedie italiane su Netflix

Commedie italiane 2025: i nuovi film da vedere quest’anno

Il 2025 conferma il buon momento del cinema italiano con commedie che mescolano ironia e impegno civile. Tra i titoli più attesi e già usciti:

• Romeo è Giulietta di Giovanni Veronesi, con Sergio Castellitto e Pilar Fogliati, un racconto ironico sulle dinamiche teatrali e i ruoli di genere.

• Un mondo a parte di Riccardo Milani, con Antonio Albanese e Virginia Raffaele, commedia agrodolce sull’Italia dei piccoli borghi.

• Volare di Margherita Buy, debutto alla regia per l’attrice, che racconta con leggerezza la paura di volare e la paura di vivere.

• C’è ancora domani di Paola Cortellesi, un successo di critica e pubblico che fonde dramma e ironia nel racconto della Roma del dopoguerra.

Commedie italiane 2024: satira, sentimenti e nuove tendenze

Il 2024 ha visto una commedia più ibrida e riflessiva, capace di unire la risata alla critica sociale.

• Tre di troppo di Fabio De Luigi: una coppia alle prese con la vita genitoriale dopo un desiderio espresso per scherzo.

• Romeo è Giulietta, distribuito tra la fine del 2024 e inizio 2025, rimane tra i film più rappresentativi.

• 50 km all’ora di Fabio De Luigi, remake di un film tedesco, è un road movie ironico e malinconico.

• Il più bel secolo della mia vita con Sergio Castellitto e Valerio Lundini, riflette con humor sui paradossi burocratici italiani.

Commedie italiane 2023: il ritorno del pubblico in sala

Dopo gli anni difficili della pandemia, la commedia torna ad attirare spettatori con storie umane e sincere.

• Grazie ragazzi di Riccardo Milani: Antonio Albanese guida una compagnia teatrale composta da detenuti.

• Mixed by Erry di Sydney Sibilia: l’ascesa di tre fratelli napoletani che inventano un impero musicale pirata negli anni ’90.

• Vicini di casa di Paolo Costella: due coppie e una notte di rivelazioni in un condominio romano.

• Il primo giorno della mia vita di Paolo Genovese: una commedia esistenziale sull’importanza di ricominciare.

Commedie italiane 2020–2022: tra pandemia e rinascita

Tra il 2020 e il 2022, la commedia ha raccontato un Paese sospeso tra crisi e speranza, con film che mescolano ironia e malinconia.

• Odio l’estate (2020) di Massimo Venier, il ritorno di Aldo, Giovanni e Giacomo.

• Tolo Tolo (2020) di Gennaro Nunziante con Checco Zalone, satira sull’immigrazione.

• Figli (2020) di Giuseppe Bonito con Paola Cortellesi e Valerio Mastandrea.

• È per il tuo bene (2020) di Rolando Ravello.

• Come un gatto in tangenziale – Ritorno a Coccia di Morto (2021) di Riccardo Milani.

Commedie italiane recenti e di successo (2010–2019)

Un decennio in cui la commedia ha trovato nuova linfa tra generazioni di autori e interpreti.

• Perfetti sconosciuti (2016). Il film che ha consacrato Paolo Genovese, Perfetti Sconosciuti. Un gruppo di amici di lunga data si ritrova a cena e decide di condividere messaggi e telefonate in arrivo sui cellulari di ognuno. Nel corso della serata vengono a galla segreti e bugie che mettono a rischio gli equilibri di anni. Commedia dai toni amari che punta a riflettere sugli odierni rapporti in un mondo iper tecnologico.
• Comedians (2021) Sei aspiranti comici stanchi della mediocrità delle loro vite, al termine di un corso serale di stand-up comedy, si preparano ad affrontare la loro prima esibizione in un locale. Tra il pubblico c’è anche un esaminatore. Comedians è un film comico italiano diretto da Gabriele Salvatores, tratto dall’omonimo dramma di Trevor Griffiths. Il film è inoltre un parziale remake di Kamikazen – Ultima notte a Milano, primo lungometraggio del regista avente la pièce di Griffiths come soggetto.
• Metti la nonna in Freezer (2018). Il più incorruttibile e maldestro dei finanzieri, Simone Recchia (Fabio De Luigi), si innamora perdutamente di Claudia (Miriam Leone), una giovane restauratrice che vive grazie alla pensione della nonna (Barbara Bouchet). Quando la nonna improvvisamente muore, per evitare la bancarotta, Claudia, con la complicità delle sue amiche, pianifica una truffa per continuare ad incassare la pensione. Tra travestimenti, equivoci ed ingegnose bugie sono gli ingredienti per questa nuova ed irriverente commedia sulla difficoltà di sbarcare il lunario ai tempi della crisi.
• Quo vado? (2016). Il re della commedia recente, Checco Zalone in una delle sue puntate più esilaranti, Quo Vado?. Un uomo che vive ancora con la famiglia, per timore dell’indipendenza, viene costretto a cambiare la propria vita e doversi adattare ad ogni lavoro, anche i più improbabili e pericolosi. Zalone riflette sul concetto di posto fisso e del lavoro in Italia, proponendo una satira specchio dell’attualità del paese.
• Nove lune e mezza (2017). Commedia al femminile diretta da Michela Andreozzi, parla di due sorelle diversissime, in tutto: relazioni, carriera, figli, sesso. Tina cerca da anni di avere un figlio, ma non funziona. E Livia decide di aiutarla. Con Claudia Gerini protagonista, è questa una divertente commedia incentrata sul tema della fertilità e della maternità.
• Odio l’estate (2020). Le famiglie di Aldo, Giovanni e Giacomo, che non si conoscono e sono molto diverse tra loro, partono per una vacanza in Puglia e si ritrovano, a causa di un disguido, a dover condividere l’abitazione. Il celebre trio comico torna al suo meglio sul grande schermo per proporre una storia dolceamara sull’amicizia, la famiglia e i legami della vita.
• Tolo Tolo (2020). Dopo che il suo ristorante di sushi è fallito miseramente, Checco deve scappare dai suoi creditori e decide di rifugiarsi in Africa, dove si improvvisa cameriere in una struttura alberghiera. Checco Zalone torna al cinema per offrire la propria versione dell’emigrazione dall’Africa fino all’Italia, in un’opera che punta con ironia a far riflettere su tale tema.
• Figli (2020). Sara e Nicola sono sposati da tempo, hanno una bambina di sei anni e sono molto innamorati. Inoltre, entrambi hanno una vita professionale appagante. L’arrivo del secondo figlio, però, rompe l’equilibrio della loro vita perfetta. Valerio Mastandrea e Paola Cortellesi recitano da protagonisti in questa originalissima commedia incentrata sulla genitorialità, la cui sceneggiatura di Mattia Torre è stata premiata ai David di Donatello.
• 7 ore per farti innamorare (2020). Dopo aver scoperto che la fidanzata lo tradisce con il suo capo, il diligente giornalista Paolo De Martino si licenzia e trova lavoro presso una rivista per uomini. L’incontro con la seducente Valeria cambia la sua vita. Giampaolo Morelli e Serena Rossi sono i protagonisti di questa brillante commedia romantica, particolarmente apprezzata dal grande pubblico.
• Cosa sarà (2020). La vita di Bruno Salvati è in una fase di stallo. I suoi film non hanno mai avuto successo, sua moglie Anna sembra già avere un altro. Un giorno, Bruno scopre di avere una forma di leucemia. Parte da qui per lui un nuovo percorso di vita, con nuove consapevolezze.
• È per il tuo bene (2020). Tre amici sono insoddisfatti delle relazioni sentimentali delle loro figlie. Così decidono di aiutarsi a vicenda per portare a termine le loro storie d’amore. Protagonisti di questa cinica commedia sono Marco Giallini, Giuseppe Battiston e Vincenzo Salemme.

Altre commedie italiane recenti

• Smetto quando voglio (2014). Sette accademici in rovina trovano il modo di salvarsi, al limite della legalità: uno di loro, un chimico, ha sintetizzato una nuova sostanza stupefacente, non ancora messa al bando dal ministero.
• Benvenuti al sud (2010). Alberto Colombo, un direttore delle Poste che vive in un paesino della Brianza, viene trasferito a guidare l’ufficio postale del piccolo paese di Castellabate in seguito ad una richiesta andata non propriamente a buon fine. L’uomo, inizialmente perplesso dalla situazione, viene accolto a braccia aperte dal postino Mattia e dai colleghi, iniziando ad apprezzare le bellezze e le abitudini del piccolo centro campano.
• Tutta colpa di Freud (2014). Uno psicologo cinquantenne, Francesco, è divorziato e si prende cura delle tre figlie, nonostante queste siano cresciute, e delle intricate vicende romantiche della famiglia. Tutte e tre hanno relazioni problematiche e, a complicare ulteriormente le cose, l’amore segreto di Francesco si rivela essere la moglie di uno degli amanti delle ragazze.
• Una famiglia perfetta (2012). Leone è un uomo ricco e potente ma soprattutto solo. La solitudine lo spinge ad ingaggiare una compagnia di attori per far interpretare loro la famiglia che non ha mai avuto. La recita va in scena la notte di Natale nella sua villa a Todi, con i due piani della vita dell-uomo che si fanno sempre meno distinti.
• Grande, grosso e… Verdone (2008). Film nel quale Verdone riporta in vita tre suoi famosi personaggi: il candido, il logorroico ed il volgare. Leo ha la madre defunta da seppellire, ma deve affrontare, oltra ad una buona dose di sventure, una impresa di pompe funebri assai poco professionale. Callisto è un professore antipatico e pedante che viene per un momento creduto disperso nelle catacombe, con somma gioia del figlio. Moreno ed Enza sono una coppia di cafoni arricchiti che affrontano una serie di disavventure in vacanza.
• Nessuno mi può giudicare (2011). La bella Alice vive una vita agiata nella propria villetta di Roma, con il marito, un figlio e tre domestici. Con l’improvvisa morte dell’uomo in un incidente, la donna scopre di aver ereditato solo debiti, e che l’impresa familiare è sull’orlo del fallimento. L’unico modo per salvare la famiglia richiede di fare tanti soldi in poco tempo. Decide così di diventare accompagnatrice, aiutata nell’intento da una collega bellissima, dall’aria superficiale e cinica.
• La matassa (2012). Ficarra e Picone mattatori nel film La Matassa. Gaetano e Paolo sono due cugini, figli di fratelli che però si odiano e per questo motivo non si vedono da vent’anni. Il caso vuole che i due si incontrino improvvisamente, diventando protagonisti involontari di diverse avventure ed equivoci che li portano a rischiare la loro stessa vita. A tentare di farli riappacificare, per essere di nuovo una famiglia, interviene un uomo di chiesa, don Gino.
• Sole a catinelle (2013). Se sarai promosso con tutti dieci papà ti regala una vacanza da sogno: è questa la promessa che Checco fa al figlio Nicolò. Fin qui tutto bene, il problema è che Checco, venditore di aspirapolvere in piena crisi sia con il fatturato che con la moglie, non può permettersi di regalare al figlio nemmeno un giorno al mare. Ma quando Nicolò riceve la pagella perfetta, la promessa va mantenuta.
• Se Dio vuole (2015) di Edoardo Falcone. Tommaso è un chirurgo famoso e un uomo deciso. Quando il figlio annuncia che vuole lasciare la facoltà di medicina per diventare prete, il mondo gli cade addosso. Sembra che sia stato ispirato da un certo Don Pietro, e Tommaso è deciso a scoprirne gli altarini e rivelare tutto al figlio, per fargli cambiare idea.
• La felicità è un sistema complesso (2015) di Gianni Zanasi è una commedia dolcemara e piena di sentimenti, parla di Enrico Giusti, un uomo il cui lavoro è convincere dirigenti incompetenti a dimettersi. Ma si trova due orfani tra le mani, i traumi riemergono e le cose cambiano.

Commedie italiane diventate veri classici

• Tre uomini e una gamba (1997). Il film che ha dato il successo al trio Aldo, Giovanni e Giacomo. Un viaggio in auto, in occasione di un matrimonio, si trasforma in un’odissea epica per tre impiegati e una preziosa gamba di legno.
• Il Ciclone (1996). Uno dei film più famosi di Leonardo Pieraccione.  In un paesino della Toscana vive la famiglia Quarini, il padre Osvaldo e i tre figli Levante, Libero e Selvaggia. Un giorno una compagnia spagnola di flamenco arriva e porta nuovo e contagioso entusiasmo nella vita dei quattro.
• Ricomincio da tre (1981). Gaetano è un ragazzo napoletano in cerca di nuovi stimoli e decide così di lasciare casa, lavoro e amici per trasferirsi a Firenze dalla zia. Tra situazioni divertenti, il giovane conosce Marta e inizia con lei un nuovo capitolo della propria vita. Questo è senza dubbio uno dei film più iconici di Massimo Troisi, ricco di sentimenti e comicità senza tempo.
• Eccezzziunale… veramente (1982). Seguiamo tre esilaranti episodi legati ad un capo ultrà milanista, ad un venditore d’autoveicoli interista che fa 13 alla schedina e ad un camionista juventino di origine meridionale. Diego Abatantuono interpreta tre personaggi diversi in questo classico della commedia che ha anche il merito di aver confermato l’indiscusso talento di Abatantuono come attore.

Le migliori commedie all’italiana

Quella della commedia all’italiana è ricordata come uno dei periodi migliori per la comicità nostrana. Film capaci di divertire ma anche di offrire malinconici ritratti di un paese problematico, segnato dagli orrori della guerra o dai cambiamenti sociali talvolta mal compresi. All’interno di questo filone si ritrovano dunque alcuni dei migliori film mai prodotti in Italia e qui di seguito se ne riportano alcuni, i più rappresentativi e iconici.

• I soliti ignoti, (1958), Mario Monicelli. Se si parla di commedie italiane non si può non menzionare questo capolavoro. Ci sono tutti: Gassman, Mastroianni, Totò, Salvatori, e la Cardinale. Sei uomini hanno l’occasione di fare un colpo facile: rapinare un monte dei pegni, sfondando un muro sottile che ne separa la cassaforte da un’abitazione privata. Si preparano come si fa nei film, ma le cose non andranno come previsto. Monicelli, sei sbandati, e pasta e ceci.
• Il sorpasso (1962), Dino Risi. Il giorno di Ferragosto due amici, uno studente universitario timido e un quarantenne immaturo, trascorrono la giornata in auto. Le ore passano veloci in un susseguirsi di episodi tragicomici, fino all’epilogo inatteso e drammatico. Vittorio Gassman e Jean-Louis Trintignant recitano in questa iconica commedia dai risvolti amari, che offre un’Italia nel pieno del suo boom economico.
• Divorzio all’italiana, (1962), Pietro Germi. Un barone Siciliano, erede di una famiglia ridotta al lastrico, è sposato con l’odiosissima Rosaria. È però innamorato della giovane angela. Dato che in Italia il matrimonio non è ancora legale, decide di far fuori la moglie. Esilarante e cinico.
• L’armata Brancaleone (1966), Mario Monicelli. Brancaleone da Norcia sta per partecipare a un torneo quando incontra il bizantino Teofilatto con il quale occupa un paese dove imperversa la peste. Qui salva una stravagante promessa sposa e insieme vivono altre rocambolesce avventure. Grande classico della commedia, il film ha riscritto i canoni della commedia storica.
• Dramma della gelosia (tutti i particolari in cronaca) (1970), di Ettore Scola. Un muratore già sposato e una fioraia si incontrano e innamorano durante una manifestazione. La donna, però, non riesce a resistere al fascino di un pizzaiolo. Ben presto, il rapporto tra i tre si incrinerà in modi irreparabili.  Marcello Mastroianni, Monica Vitti e Giancarlo Giannini recitano in questa commedia amara, ricca di amore, passioni e morte.
• C’eravamo tanto amati (1974), di Ettore Scola. Tre partigiani legati da una forte amicizia, finita la guerra, tornano alla propria vita. Lo scontro con la realtà quotidiana, però, mette a dura prova il loro legame. Straordinaria commedia dai toni malinconici per riflettere sulle trasformazioni dell’Italia dalla guerra fino agli anni del boom economico.
• Fantozzi (1975) di Luciano Salce. Il ragionier Ugo Fantozzi, perennemente inseguito dalla mala sorte, cerca di sopravvivere alla vita di impiegato per una grande azienda. Primo film di un’iconica saga cinematografica che trova in Paolo Villaggio e nel suo personaggio Ugo Fantozzi elemento di estrema comicità, che riflette però sempre con acume sull’Italia.
• Febbre da cavalo (1976). Film che usa una serie di flashback per raccontare le vicende di tre amici, Mandrake, Pomata e Felice, la cui vita ruota attorno al mondo delle corse dei cavalli e alle scommesse. Gigi Proietti, Enrico Montesano e Francesco De Rosa sono i tre brillanti mattatori di questa commedia iconica, tra le più divertenti e citate di sempre.

Commedie italiane su Netflix

Netflix è oggi la casa ideale per riscoprire la commedia italiana, tra novità recenti e grandi classici restaurati. Dal sarcasmo moderno di Mixed by Erry ai cult con Troisi e Verdone, la piattaforma offre un catalogo capace di attraversare generazioni e stili diversi, tra satira, romanticismo e umanità.

Le migliori commedie italiane da vedere su Netflix

• Ramore in teoria – Un gioco di parole per una commedia sentimentale leggera e ironica sulle relazioni ai tempi dei social, tra incontri mancati e nuovi inizi.

• Romeo è Giulietta – Giovanni Veronesi dirige una divertente riflessione metateatrale sulle differenze di genere e sui ruoli del mondo dello spettacolo.

• Ogni maledetto fantacalcio – Satira irresistibile sul mondo dei tifosi e delle amicizie rovinate da un campionato virtuale.

• La vita da grandi – Una commedia fresca e familiare sulle piccole e grandi responsabilità dell’età adulta.

• Il secondo tragico Fantozzi – Paolo Villaggio al massimo del suo genio grottesco: un cult intramontabile che racconta l’Italia degli impiegati e delle umiliazioni quotidiane.

• Il campione – Tra commedia e dramma sportivo, un giovane calciatore viziato scopre il valore della disciplina e dell’amicizia.

• 2 superpiedi quasi piatti – Bud Spencer e Terence Hill in una delle loro avventure più spassose, tra scazzottate e gag indimenticabili.

• Noi e la Giulia – Edoardo Leo firma una commedia corale sull’amicizia e sulla fuga dal caos della città, tra ironia e malinconia.

• Non c’è due senza quattro – Ancora Bud Spencer e Terence Hill in un intreccio di identità scambiate e guai senza fine.

• Mixed by Erry – Sydney Sibilia racconta la vera storia dei fratelli Frattasio, pionieri della pirateria musicale negli anni ’90.

• Nati con la camicia – Avventura scatenata e piena d’azione con il duo Spencer-Hill in missione (improbabile) per la CIA.

• 10 giorni senza mamma – Fabio De Luigi e Valentina Lodovini in una commedia familiare sulle sfide della paternità improvvisata.

• Si accettano miracoli – Alessandro Siani dirige e interpreta una fiaba moderna sul potere della fede e delle seconde possibilità.

• Una famiglia mostruosa – Una famiglia di “mostri” accoglie un ragazzo normale in una commedia fantasy per tutta la famiglia.

• Immaturi – Paolo Genovese racconta un gruppo di amici costretti a tornare sui banchi di scuola: tra nostalgia e leggerezza.

• Che bella giornata – Il film che consacrò Checco Zalone, un successo da record capace di far ridere e riflettere sull’Italia contemporanea.

• La mafia uccide solo d’estate – L’ironia amara di Pif nel raccontare la Palermo degli anni di piombo con uno sguardo tenero e disincantato.

• Il 7 e l’8 – Ficarra e Picone in una storia di identità scambiate e destino, una delle loro commedie più amate.

• Il grande giorno – Aldo, Giovanni e Giacomo tornano con una commedia elegante sull’amicizia, l’amore e le occasioni mancate.

• Compagni di scuola – Carlo Verdone riunisce vecchi compagni di liceo in una cena che diventa resa dei conti generazionale.

• Fantozzi – Il primo film del ragioniere più celebre del cinema italiano, simbolo di una comicità amara e popolare.

• Come tu mi vuoi – Una commedia romantica universitaria con Nicolas Vaporidis e Cristiana Capotondi, tra cliché e metamorfosi.

• Benvenuti al Nord – Sequel di Benvenuti al Sud, ancora Miniero firma una commedia sugli stereotipi italiani con ritmo e affetto.

• Qualunquemente – Antonio Albanese torna nei panni del politico Cetto La Qualunque: satira feroce e irresistibile sull’Italia del potere.

• Bianco, rosso e Verdone – Tre personaggi, tre viaggi, un’Italia raccontata da Verdone con umorismo e malinconia.

• Maledetto il giorno che t’ho incontrato – Una commedia sentimentale con Verdone e Margherita Buy che alterna romanticismo e nevrosi.

• L’abbaglio – Una storia di provincia che alterna tono grottesco e umanità genuina, per una piccola perla del cinema recente.

• Ricomincio da tre – Massimo Troisi in un capolavoro poetico e delicato che ha ridefinito la commedia sentimentale italiana.

• Notte prima degli esami – La maturità vista come rito di passaggio generazionale in una commedia che ha segnato gli anni 2000.

• Nessuno mi può giudicare – Paola Cortellesi in una brillante commedia di rinascita personale e sociale.

• Ovosodo – Paolo Virzì firma un racconto di formazione ironico e tenero sulla gioventù livornese.

• 4 metà – Quattro versioni dell’amore si intrecciano in una commedia romantica moderna e intelligente.

• Tu la conosci Claudia? – Aldo, Giovanni e Giacomo in una delle loro migliori commedie, tra equivoci, gelosie e un pizzico di malinconia.

La commedia del 2013 Io sono tu, con Melissa McCarthy, è tornata in auge ed è ora tra i dieci film più visti su Netflix. Il film segue la storia di Sandy Patterson (Jason Bateman), che si mette sulle tracce di una donna di nome Diana (McCarthy) dopo che questa gli ha rubato l’identità, nel tentativo di consegnarla alla giustizia e ripulire il proprio nome e il proprio credito.

Il film fu un successo commerciale negli USA, incassando 175,4 milioni di dollari a fronte di un budget di 35 milioni, ma fu stroncato dalla critica al momento della sua uscita. Attualmente detiene un punteggio di 35 su 100 su Metacritic e un ancora più basso 19% su Rotten Tomatoes.

Nella classifica settimanale di Netflix dei 10 film più visti, Io sono tu, nonostante i più di dieci anni trascorsi dalla sua uscita, si è guadagnato un posto accanto a successi contemporanei della piattaforma.

La carriera di Melissa McCarthy è molto cambiata da Io sono tu

Ci sono diverse ragioni per cui Io sono tu è diventato un successo su Netflix nonostante la sua pessima reputazione critica. Il principale motivo è probabilmente il fascino del duo di protagonisti.

Jason Bateman è ormai una presenza familiare per gli spettatori di Netflix grazie alla serie di successo Ozark, recentemente conclusa, mentre Melissa McCarthy ha vissuto una vera e propria trasformazione professionale dai tempi di Io sono tu.

Nel 2013, infatti, McCarthy era reduce dal grande successo di Le amiche della sposa, che le era valso una nomination all’Oscar. Tuttavia, negli anni successivi, le sale cinematografiche si erano riempite di commedie con lei protagonista, e la critica iniziò a snobbare i suoi film che non fossero diretti da Paul Feig, il regista di Le amiche della sposa.

Le collaborazioni con Feig ebbero infatti un discreto riscontro — Corpi da reato (66%), Spy (95%) e Ghostbusters (74%) — mentre le altre sue pellicole non andarono altrettanto bene: Io sono tu ottenne valutazioni basse, simili a Tammy (24%) e The Boss (22%).

Melissa McCarthy oggi: dal comico al drammatico

Negli anni successivi, McCarthy ha saputo reinventarsi, esplorando ruoli lontani dalla pura commedia. Tra questi spicca la sua interpretazione drammatica nel biopic del 2018 Copia originale (Can You Ever Forgive Me?), che le valse una seconda nomination agli Oscar. Più di recente, ha vestito i panni della villain Ursula nel remake live-action Disney de La sirenetta (2023), dimostrando ancora una volta la sua versatilità, ed è stata guest in Only Murders in the Building – Stagione 4.

Ora che il pubblico si è un po’ allontanato dal periodo delle commedie anni 2010 che l’hanno resa celebre, sembra esserci un rinnovato interesse anche per i suoi film di quel periodo — compreso Io sono tu — nonostante le recensioni negative dell’epoca.

Io sono tu sta vivendo una seconda vita su Netflix, trainato dalla popolarità attuale dei suoi interpreti e da una nuova generazione di spettatori curiosi di riscoprire le commedie che hanno lanciato la carriera di Melissa McCarthy.

“Stanco, molto stanco”. Queste sono le tre parole con cui Steve (interpretato da Cillian Murphy) si descrive alla troupe di un documentario in visita a Stanton Wood, la scuola di recupero dove è preside. L’istituto accoglie giovani uomini problematici che cercano di capire chi diventeranno. Basato sul romanzo Shy di Max Porter, Steve si svolge nell’arco di una sola giornata, offrendo uno sguardo intimo sulle vite dei ragazzi e dei loro insegnanti, e mostrando quanto sia difficile comprendere davvero cosa si nasconda nella mente degli altri.

Al centro della storia, insieme a Murphy, c’è Jay Lycurgo nel ruolo di Shy, uno studente che non si separa mai dalle cuffie attraverso cui ascolta musica drum-and-bass, colonna sonora della sua vita. Le sue tre parole per descriversi sono “arrabbiato e annoiato”. Ma come suggerisce il film, nessuna vita può essere racchiusa in poche parole. Per capire davvero chi siamo, bisogna essere presenti nelle vite degli altri, ascoltare ciò che non viene detto e non distogliere lo sguardo anche quando la realtà fa male.

Il regista Tim Mielants e il cast spiegano che Steve non è solo una storia, ma un punto di partenza per la riflessione e la discussione.

Cosa succede in Steve

Ambientato a metà degli anni ’90, il film si svolge a Stanton Wood, una scuola immaginaria nel Regno Unito finanziata dallo Stato e ospitata in un vecchio maniero decadente. L’istituto offre una seconda possibilità a giovani difficili, con l’obiettivo di prepararli alla vita adulta. C’è un senso di speranza in questo progetto, ma anche un grande peso: gli insegnanti sanno che il fallimento potrebbe compromettere per sempre il futuro dei ragazzi.

Steve incarna perfettamente questa tensione. È un educatore empatico e brillante, ma allo stesso tempo lotta con i propri demoni interiori: dipendenze, senso di colpa e dolore.

Il periodo storico contribuisce a questa dualità. Porter spiega che il film è ambientato durante l’era della “Cool Britannia”, ma si chiede: cosa significava quella cultura pop ottimista per ragazzi infelici, emarginati e falliti dal sistema? Per loro il 1996 non era un tempo “cool”, ma semplicemente la realtà in cui sopravvivevano. Per Shy, la sfida più grande è la solitudine e il bisogno di trovare un senso di appartenenza. Il film esplora cosa significherebbe per lui perdere l’unico luogo che può chiamare casa.

Cosa sta accadendo a Stanton Wood

La scuola diventa oggetto di un documentario che filma studenti e docenti nei momenti più vulnerabili. Si scopre presto che l’istituto rischia la chiusura: deve trasferirsi, ma non ci sono fondi né strutture alternative. Stanton Wood è destinata a sparire, lasciando i ragazzi senza un rifugio e gli insegnanti impotenti.

Questo senso di urgenza permea l’intero film. I docenti cercano disperatamente di salvare i ragazzi, ma comprendono che il problema è più grande di loro e che servono tempo e riforme profonde per cambiare davvero le cose.

Amanda (Tracey Ullman), una delle insegnanti, racconta alla troupe: “Doveva essere un centro di eccellenza. Ora, dopo tutti i tagli, siamo allo stremo, viviamo in crisi permanente. Steve si sente in colpa, ma non dovrebbe. Forse è per questo che lavoriamo bene insieme: entrambi siamo intrappolati in questo posto, nel bene e nel male. Quasi sempre nel male.”

Il film, tuttavia, invita anche a guardare al presente: a ciò che accade davanti ai nostri occhi, più che a un futuro incerto.

Cosa succede a Shola in Steve

Shola (interpretata da Simbi Ajikawo, nota anche come la rapper Little Simz) è una giovane insegnante descritta da se stessa come “concentrata, dedicata, flessibile”. È una figura calma e controllata, vicina ai ragazzi per età ma capace di mantenere autorità e sensibilità. Tuttavia, anche lei affronta difficoltà personali, tra cui molestie sessuali da parte di un alunno. Deve quindi imparare a proteggersi senza perdere la propria umanità e professionalità.

Ajikawo racconta che interpretare Shola le ha fatto comprendere meglio la complessità del ruolo degli insegnanti: “Pensi che la loro vita ruoti intorno a te, ma in realtà hanno anche loro dolori e difficoltà. Alcuni si prendono davvero cura dei ragazzi e vogliono capirli, anche se è difficilissimo.” Colpita dalla performance di Lycurgo, Ajikawo ha scritto per il film la canzone Don’t Leave Too Soon, dedicata a Shy: “Volevo scrivere qualcosa per lui, per fargli capire ‘ti vedo’. Forse non sa di volere essere visto, ma è chiaro che ne ha bisogno.”

Cosa succede a Shy in Steve

Shy è introdotto come un ragazzo energico e fragile al tempo stesso: ascolta musica dal suo Walkman, si droga prima delle lezioni, ride e scherza, ma vive anche momenti di profonda rabbia. Steve lo guarda con affetto e speranza, ma non può salvarlo da tutto.

In una scena cruciale, Shy telefona alla madre, che gli comunica di voler interrompere i contatti con lui. È un colpo devastante. Lo spettatore scopre che Shy ha un passato violento: ha accoltellato il patrigno e fatica a controllare la rabbia. In un momento di disperazione, carica uno zaino di pietre e si immerge nello stagno della scuola, pronto a lasciarsi affondare.

Cillian Murphy ricorda che il provino di Lycurgo commosse tutti: “Abbiamo visto il video e ci siamo messi a piangere. Sapevamo che era lui. Ha una maturità incredibile per la sua età.”

Il film però offre un barlume di speranza: Shy non affonda. Riesce a uscire dall’acqua e a vivere un altro giorno. È un messaggio di resilienza — la possibilità che anche chi è perso possa salvarsi, se qualcuno decide di ascoltarlo davvero.

Cosa succede a Steve

Steve, pur dedicandosi completamente ai suoi studenti, è distrutto dentro. Abusa di alcol e antidolorifici per anestetizzare un dolore profondo: il senso di colpa per un incidente d’auto che ha causato la morte di un bambino. Il suo tentativo di aiutare gli altri diventa un modo per non affrontare se stesso.

Amanda lo affronta in una scena toccante, mentre lui cerca disperatamente una pillola di ossicodone: “Non è colpa tua,” gli dice. “Qualcuno è morto e tu ti stai anestetizzando. Devi accettarlo. Non puoi smettere il dolore, non puoi cancellarlo.”

Questo dialogo racchiude il cuore del film: il dolore non può essere ignorato. Va riconosciuto, condiviso, affrontato. Solo attraverso la vulnerabilità si può costruire fiducia e guarigione. Come afferma il regista Mielants: “La vulnerabilità è l’arma più potente che abbiamo come esseri umani.” Nel finale, Steve riflette sul valore dell’empatia e della connessione: “Voglio che tutti questi ragazzi sappiano che c’è qualcos’altro… che ci sono infinite possibilità. Il disastro cambia forma, e può diventare la gioia di domani.”

Il film si chiude con una nota di speranza malinconica: il dolore non scompare, ma può trasformarsi in qualcosa di diverso — in vita, musica, amore, comprensione.

Il classico horror del 1982 di John Carpenter, La cosa, è uno dei film horror di fantascienza più influenti mai realizzati, e il suo finale è stato oggetto di discussione per decenni. La cosa è senza dubbio un capolavoro cinematografico che rimane culturalmente rilevante anche quattro decenni dopo la sua uscita. Gli effetti speciali realizzati in modo eccellente hanno fatto sì che il suo horror grottesco rimanga potente, con l’impatto del film che si fa sentire ancora molti anni dopo.

La tensione claustrofobica e l’atmosfera inquietante di sfiducia generale si sono rivelate fondamentali per il genere horror, ma hanno anche ispirato una serie di altri film di vari generi. Costruito attorno alla premessa fantascientifica di una terrificante creatura aliena in grado di uccidere, assimilare e imitare perfettamente altre forme di vita, la trama segue il pilota di elicotteri R.J. MacReady (interpretato da Kurt Russell, collaboratore abituale di John Carpenter), che combatte la creatura mentre questa tenta di diffondersi tra i membri di una squadra di ricerca antartica.

La premessa rende la vera natura dei suoi personaggi piuttosto difficile da discernere, in particolare man mano che gli eventi del film seguono il loro corso. Tuttavia, il finale di La cosa, in particolare, è stato oggetto di molti dibattiti nel corso degli anni, poiché continua ad essere sottoposto a regolari analisi e nuove teorie dei fan. Sebbene il finale sia volutamente ambiguo, c’è ancora molto da dire sul film e sulla sua storia. In questo approfondimento, andiamo dunque ad esplorare la conclusione del film e i suoi significati.

Cosa succede nel finale di La cosa

Dopo aver compreso le capacità dell’alieno, gli uomini della base di ricerca iniziano lentamente a rivoltarsi l’uno contro l’altro. Uno dei primi a cedere è Blair, interpretato da Wilford Brimley, che sabota il loro mezzo di trasporto nel tentativo apparente di isolare la Cosa. Mentre la creatura continua a uccidere e ad assimilare gli uomini della base, la loro sfiducia reciproca cresce. Una volta che MacReady escogita un test ingegnoso utilizzando aghi caldi e campioni di sangue per capire chi è infetto, i sopravvissuti rimasti si riducono fino a quando rimangono solo MacReady, Childs (Keith David), Garry (Donald Moffat), Nauls (T.K. Carter) e Blair.

Rendendosi conto troppo tardi che Blair è infetto, gli uomini rimasti tentano di distruggere il campo, ma Garry e Nauls vengono uccisi. MacReady riesce però a uccidere Blair-Cosa e barcolla fuori al freddo, dove incontra Childs. I due uomini si siedono e guardano il campo bruciare, aspettando che il freddo li uccida, sapendo che non c’è modo di fidarsi l’uno dell’altro. Non è chiaro se Childs sia umano o la Cosa, e sebbene il pubblico sappia che MacReady quasi certamente non è infetto, Childs non ha motivo di fidarsi di lui, lasciando il finale di La cosa decisamente aperto.

La natura della Cosa rende impossibile contenerla

Sebbene il finale sia tutt’altro che chiaro, il film offre una visione molto specifica di come opera la creatura del titolo. MacReady elabora la teoria secondo cui una singola cellula è sufficiente per infettare un intero organismo, e il fatto che ogni singola cellula sia una singola Cosa sembra dimostrarsi vero durante il suo test. Questo sembra consentire a MacReady di identificare gli uomini infetti e quelli non infetti, ma contribuisce anche a descrivere quanto sia davvero disperata la situazione.

Se l’ipotesi di MacReady è corretta, allora le molteplici morti causate dalla Cosa non fanno che aumentare le possibilità che essa riesca in qualche modo a fuggire. Se davvero ogni goccia di sangue ha il potenziale di fuggire e infettare gli altri, allora il sangue versato in tutta la base potrebbe potenzialmente continuare a diffondersi nel mondo esterno. La Cosa è anche abbastanza senziente da evitare danni, e quindi è improbabile che venga consumata dalle fiamme. I fatti apparentemente concreti dell’esistenza della Cosa dimostrano che, indipendentemente dal finale ambiguo del film, la Cosa sopravviverà senza dubbio.

Childs o MacReady sono infettati dall’alieno?

L’aspetto più dibattuto di La cosa riguarda i suoi due sopravvissuti, MacReady e Childs. Gli eventi del film vedono tutte le altre persone dell’avamposto antartico 31 uccise, e gli ultimi sopravvissuti del film horror si ritrovano in una situazione impossibile, ma praticamente inevitabile, in cui nessuno dei due sa se l’altro è infetto. Ci sono molte teorie su quale dei due uomini possa essere infetto, e ci sono quattro possibili esiti: o solo MacReady o solo Childs sono infetti, entrambi lo sono, o nessuno dei due lo è. Tuttavia, la natura degli eventi precedenti fa sì che nessuno dei due possa essere sicuro che l’altro sia al sicuro. Poiché si segue il punto di vista di MacReady, è improbabile che egli sia stato segretamente assimilato.

Dei due, Childs è molto più probabile che sia stato infettato, ma la natura della Cosa rende impossibile per entrambi fidarsi l’uno dell’altro. Tuttavia, l’ipotesi più probabile è che nessuno dei due sia infetto. L’elemento fantascientifico del film horror descrive in dettaglio le capacità della Cosa: può assimilare rapidamente, ma preferisce farlo senza testimoni per rimanere nascosta. Se Childs o MacReady avessero voluto infettare l’altro, sarebbe stato relativamente semplice e non ci sarebbero stati testimoni che li denunciassero come impostori, rendendo probabile, ma non certo, che nessuno dei due fosse stato infettato. Indipendentemente da ciò, quell’incertezza che porta alla sfiducia è esattamente il punto centrale della scena finale.

La cosa parla di fiducia e paranoia

In definitiva, i temi principali del film riguardano la paranoia e la sfiducia. La Cosa che si infiltra tra gli uomini è sufficiente a seminare il conflitto tra loro e, una volta che si rivoltano l’uno contro l’altro, la creatura si nutre della sfiducia che ne deriva. Non appena la Cosa-Cane si rivela, essa consolida il suo dominio sui ricercatori antartici, perché quando questi ultimi cominciano a comprendere la loro situazione, diventano ostili. La paranoia che questo provoca si diffonde molto più rapidamente di quanto la Cosa riesca a infettare gli uomini, ma alla fine è proprio quella paranoia che li isola e permette alla Cosa di eliminarli uno ad uno.

Anche la fiducia gioca un ruolo importante nella storia di La cosa. È tutta una questione di fiducia, o meglio di mancanza di fiducia, che porta MacReady e Childs a morire congelati. La fiducia è ciò che la Cosa cerca maggiormente di ottenere dai non infetti, poiché permette alla creatura di assimilare le sue vittime senza che queste se ne accorgano. La sfiducia reciproca di MacReady e Childs è in definitiva ciò che li mantiene in vita per tutto il film, anche se è anche ciò che causerà la loro morte.

Il vero significato del finale di La cosa

Il finale di La cosa di John Carpenter è famoso per la sua ambiguità, ma è proprio questo il punto. Il fatto che sia impossibile distinguere l’uomo dalla Cosa è centrale nella trama del film, e il finale sfida il pubblico a mettersi nei panni di MacReady e Childs. Sebbene sia possibile valutare e misurare la probabilità che uno dei due sia infetto, la risposta definitiva è che è impossibile saperlo, ed è proprio questo che passa per la mente di MacReady e Childs. Poiché nessuno dei due può fidarsi completamente dell’altro, accettano che l’unico modo per risolvere la situazione sia “aspettare e vedere”, sapendo che ciò significherà morire congelati entrambi.

Qui sta l’altro significato del finale di La cosa. Indipendentemente dal fatto che i personaggi di Keith David o Kurt Russell siano effettivamente infetti, il punto è che la Cosa vince. Quando si arriva alla prova finale, nessuno dei due è in grado di prendere una posizione precisa, e l’unica linea d’azione logica è lasciare che il freddo li uccida entrambi. Ciò significa che se uno dei due è infetto, o se la Cosa di sangue o altre cellule sono sopravvissute, l’organismo alieno rimarrà congelato e sopravviverà per diffondersi in un secondo momento. In definitiva, la lotta di MacReady è stata del tutto inutile, poiché il finale di La cosa dimostra che la creatura ha vinto.

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Il fornaio, un film drammatico d’azione, racconta la storia di un uomo anziano apparentemente normale, il cui momentaneo lavoro di babysitter con la nipote si trasforma in una ricerca letale dopo la misteriosa scomparsa del figlio. Il proprietario della pasticceria Pappi’s Bake Shop, solitamente conosciuto come Pappi stesso, si trova in difficoltà dopo che il figlio lontano, Peter, gli lascia la figlia, Delphi, per occuparsi di alcuni suoi loschi affari. Quando Peter non torna dalla figlia, la strana coppia nonno-nipote si imbarca nell’avventura della vita.

Con una flotta di gangster alle spalle e un pericoloso signore della droga che vuole il sangue di Pappi, il panettiere deve rinfrescare alcune delle sue vecchie abilità per garantire la sicurezza della sua famiglia. Il film, ricco di azione e di dinamiche familiari avvincenti, anche se complicate, è un’avvincente storia sull’improbabile legame tra un vecchio perennemente scontroso e una giovane bambina mite ma spontanea. Per questo motivo, gli spettatori possono ben essere curiosi di vedere dove porterà questa bizzarra avventura.

La trama di Il fornaio

Per Peter, proprietario di una piccola compagnia di limousine, il viaggio verso l’aeroporto doveva essere un semplice pick-up. Tuttavia, dopo che un ritardo rimanda l’uomo al parcheggio sotterraneo, assiste a una scena incredibile. Mentre l’autista si nasconde nell’ombra, nel parcheggio avviene una consegna di droga, interrotta da una banda rivale. Di conseguenza, le due bande si uccidono a vicenda, lasciando incustodito un borsone pieno di droga, di cui Peter può approfittare. In una frazione di secondo, l’uomo prende una decisione. Di conseguenza, dopo aver rubato il borsone, scappa dalla città con la figlia piccola.

Il padre e la figlia arrivano alla pasticceria Pappi (Ron Perlman), di proprietà del padre di Peter. Anche se i due non sono in contatto da anni e Pappi ignora completamente l’esistenza di sua nipote Delphi, Peter lo convince a prendersi cura della ragazza. Con la promessa di un ritorno sicuro dopo una telefonata sospetta sullo spostamento della sua “scorta”, Peter torna a casa sua per un lucroso scambio con il suo spacciatore, Milky. Tuttavia, un destino diverso lo attende a casa sotto forma di uomini armati che lavorano per il Mercante, un temuto signore della droga locale.

Sebbene Peter tenti di restituirgli la droga in cambio della sua vita, ben presto si rende conto che Delphi ha scambiato il contenuto del borsone con il suo zaino scolastico in preda alla rabbia. Quando i gangster se ne accorgono, picchiano Peter. L’uomo riesce a telefonare a Pappi come ultima risorsa per chiedergli di prendersi cura di sua figlia, prima che il panettiere senta degli spari dall’altra linea del telefono. Di conseguenza, dopo un giorno di inizio difficile con la ragazza che ricorda tanto a Pappi il suo bambino, il fornaio arriva alla stazione di polizia con Dephi per sporgere denuncia.

Tuttavia, la stessa non porta a nessuna soluzione, poiché Pappi conosce a malapena la vita di Peter per presentare una denuncia coesa. Di conseguenza, prende in mano la situazione e inizia un’indagine privata. Non avendo nessun altro che si occupi della piccola Delphi, il cui trauma passato l’ha resa selettivamente muta, il fornaio la lascia venire con sé. Il duo compie alcuni viaggi e scopre che le bustine rosa contenute nella borsa di Delfi sono una droga molto ricercata nota come Nova o Rosa. A sua volta, la notizia di un vecchio ma abile combattente alla ricerca del figlio giunge al Mercante, che lo costringe a fare pressione sul suo braccio destro, Victor, affinché risolva il problema di Peter.

Nel frattempo, Pappi e Delphi, che avevano iniziato la loro conoscenza in guardia, cominciano a scaldarsi l’uno con l’altro. Dopo alcuni incontri più violenti con spacciatori e simili, Pappi arriva in un club che ha legami con il famigerato Mercante, responsabile della scomparsa del figlio. Tuttavia, all’interno del locale, la sfortuna lo attende dopo che un alterco con lo scagnozzo del boss lascia a Pappi la consapevolezza della fatale scomparsa del figlio. La notizia è ancora più pesante per Delphi, che è distrutta per aver perso ogni speranza di ricongiungersi al padre. Ciononostante, Pappi conforta la bambina. Il giorno dopo, i due lasciano l’albergo per tornare alle loro vite.

Tuttavia, gli uomini del Mercante, attirati da una redditizia taglia sulla testa di Pappi, tendono loro un’imboscata, dando vita a una lotta che lascia il fornaio gravemente ferito. Sebbene la prontezza di riflessi di Delphi permetta a Pappi di ricevere i soccorsi di cui ha bisogno, i loro inseguitori rintracciano il duo anche in ospedale. Dopo essere scampato a un’altra esperienza di quasi morte, Pappi decide di porre fine ai giochi del Mercante e organizza un incontro con Victor.

Il finale di Il fornaio

Anche se Pappi ha sentito il rumore degli spari durante l’ultima telefonata con Peter, l’anziano si è aggrappato alla speranza che suo figlio potesse essere ancora vivo. Allo stesso modo, disse alla bambina di gestire le sue aspettative senza schiacciare il suo spirito. Tuttavia, la speranza di Pappi si azzera quando riceve la conferma della morte di Peter da qualcuno che sostiene di averlo seppellito. Pappi sperava che il Mercante avesse tenuto in vita il figlio per usarlo come riscatto. Tuttavia, sapeva quanto fosse improbabile un simile scenario. Pertanto, quando gli scagnozzi del gangster confermano la morte di Pietro, il fornaio non ha motivo di mettere in dubbio la sua onestà.

Tuttavia, la stessa cosa non segna l’uscita del nonno-nipote dal mondo criminale. Il Mercante è ancora alla ricerca della droga Nova, deciso a procurarsi i beni perduti. Per lo stesso motivo, Victor si rifiuta di mollare la presa e continua a mandare aggressori contro Pappi. Dopo l’attentato all’ospedale, Pappi compie una scelta difficile e decide di portare a termine la missione. Di conseguenza, usa il telefono di uno degli scagnozzi di Victor per organizzare un incontro con l’uomo e lo prende prontamente in ostaggio. La narrazione mantiene una certa distanza dal passato di Pappi, evitando di rivelare la maggior parte dei dettagli.

Tuttavia, i flashback e i commenti di circostanza rendono evidente che il panettiere nasconde un passato raccapricciante che gli procura ancora incubi di routine. Di conseguenza, Pappi ha anche le capacità per sostenere il suo passato faticoso e misterioso, come testimoniano i suoi precedenti alterchi. Per questo motivo, riesce a rapire facilmente Victor e lo costringe a guidare fino al luogo in cui ha seppellito il figlio del fornaio. Una volta che Victor, Pappi e Delphi arrivano all’ingresso del fitto bosco minaccioso dove il gangster conferma che si trova il corpo di Peter, Pappi lascia il nipote in macchina per risolvere la questione di Victor.

Nella foresta, Pappi scopre e riconosce il corpo semisepolto di Peter. Di conseguenza, decide di uccidere Victor per vendicare il figlio. Sorprendentemente, Victor, la cui coscienza lo tormenta da giorni per aver reso orfano un bambino, accoglie il giudizio finale di Pappi e implora la sua morte. In preda alla rabbia, Pappi lascia che il proiettile lo manchi. Tuttavia, il rumore dello sparo attira Delphi nella foresta, dove assiste all’orribile scena. Al contrario, Pappi vede Peter nella sagoma della figlia, ricordando un tempo prima che Peter crescesse e iniziasse a detestarlo, probabilmente per il suo passato violento. Sceglie quindi di liberarsi del suo passato e di abbracciare un futuro migliore.

Chi uccide il Mercante?

Dopo che Pappi permette a Victor di vivere, lasciandosi alle spalle la sua vita violenta con Delphi al suo fianco, decide di affrontare il loro avversario, il Mercante, in un confronto diretto. Nel corso del film, la narrazione accenna solo alla vecchia vita di Pappi come Donald Gilroy. Così, anche se sappiamo che alcuni incidenti si sono conclusi con l’inscenamento della sua morte decenni fa, la natura della sua professione passata rimane sconosciuta. Per lo stesso motivo, è un po’ uno shock quando il confronto tra Pappi e il Mercante rivela che i due uomini si conoscevano già.

Anche se tra i due si respira un’aria tesa, è chiaro che il signore della droga rispetta, o almeno teme, la presenza di Pappi nonostante la sua scomparsa da anni. Di conseguenza, il Mercante accetta di liberare lui e sua nipote dopo che Pappi gli avrà restituito la droga Nova. Così, alla fine, Pappi si trova in un aeroporto con Delphi, una famiglia di due persone che si prepara a imbarcarsi su un volo. Anche se uccidere il Mercante avrebbe portato una momentanea soddisfazione a Pappi, egli si rende conto del circolo di violenza che un’azione del genere avrebbe scatenato. Pertanto, non vuole commettere gli stessi errori che ha commesso con Peter e perdere Delphi non riuscendo a tenerla al sicuro.

Tuttavia, la scena finale del film, in cui una figura senza volto trova il Mercante e gli spara a bruciapelo, lascia un quadro sconcertante al pubblico. Pappi emerge come l’ovvio sospettato dell’omicidio, data la presenza contrapposta del fornaio e del Mercante nella storia. Tuttavia, Pappi ha permesso a Victor, l’uomo che ha premuto il grilletto contro suo figlio, di sfuggire alla morte. Per lo stesso motivo, non avrebbe senso che l’uomo scegliesse la violenza contro il Mercante mentre Victor vive. Inoltre, a prescindere dalla debolezza personale del Mercante, il suo cartello della droga rappresenterà sicuramente un problema pericoloso per Pappi, che non vorrebbe mettere Delphi in una situazione simile.

Pertanto, sembra probabile che Pappi non uccida il Mercante. Il Mercante, invece, probabilmente incontrerà la sua fine per mano di Victor, il suo fidato dipendente. Per tutto il film, il signore della droga tratta Victor con disgusto e mancanza di rispetto, ricordandogli spesso la sua inferiorità perché non è della famiglia. Così, Victor, che poco prima aveva abbracciato la morte per poi esserne derubato, avrebbe potuto facilmente incanalare le sue frustrazioni verso l’uomo responsabile delle sue azioni immorali. In definitiva, è possibile che sia Victor a sparare al Mercante.